lunes, 30 de junio de 2014

Shalom - Gerona recupera su patrimonio judío


Shalom, es un programa semanal que se emite los domingos por la mañana. Intenta reflejar el pensamiento e identidad judíos.


Shalom pretende acercar al televidente a la vida y Fiestas Judías, contribuyendo a una mayor difusión de las diferentes culturas y se emite por RTVE.

 
                     

Esa-Pekka Salonen


Esa-Pekka Salonen nació en Helsinki, Finlandia, el 30 de junio de 1958. Director de orquesta y compositor.

Salonen estudió trompa, dirección y composición musical en la Academia Sibelius de Helsinki, y después estudió con los compositores Franco Donatoni, Niccolò Castiglioni y Einojuhani Rautavaara.

Su primera experiencia como director de orquesta se produjo en 1979 al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio Finesa, y en 1983 se hizo cargo de la interpretación de la Sinfonía Nº 3 de Mahler con la Orquesta Philarmonia en Londres, hecho que determinó su lanzamiento como director.


Debutó en los Estados Unidos en 1984 al frente de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, posteriormente se convirtió en el director invitado principal de la Philharmonia entre 1985 y 1994, director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca desde 1985 y director musical de la Filarmónica de Los Ángeles entre 1992 y 2009.

Salonen es reconocido por su dedicación a interpretar y grabar música contemporánea. Su grabación estreno mundial de la Sinfonía Nº 3 de Witold Lutosławski ganó el Gramophone Award de 1985 por Mejor Grabación Contemporánea, y en su faceta de compositor se destacan: El Concierto para Saxofón...auf den ersten blick und ohne zu wissen... de 1980, Floof para soprano y conjunto de 1982, L.A. Variations de 1996.


En el 2000, Salonen se tomó un año sabático para dedicarse a la composición, y en ese tiempo escribió Concert Étude, para corno, obra para el concurso de Lieksa Brass Week, Dichotomie para piano, Mania para la cellista Anssi Karttunen, Sinfonietta, y Gambit, una pieza orquestal que fue un presente de cumpleaños para su colega y amigo Magnus Lindberg.

En 2001 compuso Foreign Bodies, Insomnia en 2002, y Wing On Wing, en 2004.


A continuación, Esa-Pekka Salonen al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca, y de Jan Sibelius, la Sinfonía Nº 3 en Do Mayor Op. 52.

domingo, 29 de junio de 2014

Rafael Kubelík


Jeroným Rafael Kubelík, más conocido como Rafael Kubelik, nació en  Býchory, Bohemia Central, actual República Checa, el 29 de junio de 1914, y murió en Lucerna, Suiza, el 11 de agosto de 1996. Director de orquesta y compositor.

Su padre, el gran violinista bohemio Jan Kubelík, lo introdujo en las primeras lecciones de música, y del que dijo: "fue una especie de Dios para mí". Posteriormente estudió violín, composición y dirección en el conservatorio de Praga, del que se graduó en 1933, con un concierto de Paganini y una composición propia para violín y orquesta.

En enero de 1934, antes de cumplir los 20 años, dirigió por primera vez la Orquesta Filarmónica Checa con la que emprendió varias giras por Gran Bretaña, Bélgica e Italia, en 1937 fue asistente de Bruno Walter durante el festival de Salzburgo de esa temporada. Continuó con las giras y presentaciones  hasta 1939, año de la ocupación nazi de Bohemia y Moravia.


Ese mismo año ascendió al puesto de director musical de la ópera de Brno, cargo que ejerció hasta que ésta fue cerrada por los nazis el 12 de noviembre de 1941.

Continuó dirigiendo la Orquesta Filarmónica Checa, de la que fue nombrado director titular en 1942, y en 1944, tras algunos avatares, como negarse a realizar el saludo nazi ante el Reich Protector, o a dirigir música de Wagner durante la Guerra, Kubelík creyó conveniente dejar Praga y pasar algunos meses en el campo para evitar ser detenido por las SS o la Gestapo.

Rafael Kubelík volvió a dirigir a la orquesta en su primer concierto tras la Guerra, en mayo de 1945, en 1946 colaboró en la creación del mundialmente conocido festival de música Primavera de Praga, dirigiendo el concierto de apertura, pero luego emigró a Gran Bretaña por estar en desacuerdo con el sistema comunista existente en Checoslovaquia desde 1948.

En el Reino Unido dirigió la ópera Don Giovanni de Mozart en el Festival de Glyndebourne, recomendado por Bruno Walter, y comenzó entonces su fulgurante carrera a nivel mundial, que lo convirtió en uno de los principales directores de orquesta del momento.


En 1950 fue nombrado titular de la Orquesta Sinfónica de Chicago, con la que grabó el primer disco registrado en alta fidelidad en Estados Unidos, y en 1953 dejó su puesto para asumir en 1955 como Director Musical de la Covent Garden Opera Company de Londres,  hasta 1958.

En 1961 aceptó la dirección de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, al frente de la cual permaneció hasta su retiro en 1981. La colaboración de Kubelík con esta orquesta se suele considerar como el punto más alto de su carrera, desde el punto de vista tanto artístico como profesional.

Entre 1973 y 1974 asumió el puesto de Director Musical del Metropolitan Opera House de Nueva York, y tras pocos meses en el cargo, renunció ya que la dirección del Met le exigía dedicación a tiempo completo.


Rafael Kubelík colaboró estrechamente como director invitado con algunas de las mejores orquestas del mundo: Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Boston, Concertgebouw de Ámsterdam, Filarmónica de Viena, Filarmónica de Israel y Orquesta de París, entre otras y dejó grabado un extenso repertorio.

En su primer ciclo de las sinfonías de Beethoven, Kubelik utilizó nueve orquestas diferentes, entre 1967 y 1971 grabó el ciclo completo de las sinfonías de Mahler, con la Orquesta de la Radio de Baviera, y considerada como esencial de la discografía mahleriana.

También dejó admiradas grabaciones operísticas de Rigoletto de Verdi en La Scala con Dietrich Fischer-Dieskau, Don Giovanni de Mozart y Wagner, Lohengrin, Los Maestros cantores y Parsifal.

En 1985, aquejado de una fuerte artritis en la espalda, se retiró de la dirección de forma continuada, para dedicarse exclusivamente a la composición, pero en 1990, tras la caída del régimen comunista en su patria, aceptó una invitación de la Filarmónica Checa para dirigir en el Festival Primavera de Praga, y de este histórico acontecimiento quedó una grabación en directo del ciclo de poemas sinfónicos Mi Patria, de Bedřich Smetana, y que fue su cuarta grabación de la obra.


Rafael Kubelík falleció en 1996 en Kastanienbaum, en Lucerna, Suiza, y fue enterrado, junto a la tumba de su padre, en el cementerio de Vyšehrad, en Praga.


Seguidamente, el concierto de apertura del Festival Internacional de Primavera de Praga, el 12 de mayo de 1990, en el Smetana Hall. En primer término, de Bedřich Smetana, Fanfarria de la ópera Libuše, luego el Himno Nacional Checo y para finalizar, de Bedřich Smetana, el Poema Sinfónico Má vlast, Mi Patria, en sus partes Vyšehrad, Vltava, o El Moldava, Šárka, Zčeských luhů a hájů, Tábor y Blaník, en la interpretación de la Orquesta Filarmónica Checa, dirigida por Rafael Kubelík.

Anne-Sophie Mutter


Anne-Sophie Mutter nació en Rheinfelden, Baden, Alemania, el 29 de junio de 1963. Violinista.

Comenzó a tocar el piano a los 5 años, y poco después el violín. Estudió con los maestros Erna Honigberger y Aida Stücki.

Después de ganar diversos premios, se dedicó exclusivamente a la música, al obtener una exención de asistencia a la escuela. 

A los 13 años Herbert von Karajan la invitó a tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín, y en 1977, hizo su debut en el Festival de Salzburgo con la English Chamber Orchestra bajo la dirección de Daniel Barenboim.

A los 15 años realizó su primera grabación de los conciertos para violín K.216 y K.219 de Wolfgang Amadeus Mozart con Karajan y la Orquesta Filarmónica de Berlín, y ese mismo año se le concedió la distinción de Artista del Año.


En 1980, hizo su debut en Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Zubin Mehta, y en 1985, fue nombrada miembro honorario de la Royal Academy of Music de Londres y directora del programa de Estudios Internacionales de violín en la misma academia.

En 1988, realizó una amplia gira por Canadá y Estados Unidos, tocó por primera vez en el Carnegie Hall de Nueva York, y ese mismo año interpretó la integral de las sonatas para violín de Ludwig van Beethoven, acompañada al piano por Lambert Orkis, que fueron transmitidas por televisión en distintos países y grabadas en CD y DVD.

Aunque su repertorio incluye muchas obras del período clásico y romántico, Anne-Sophie Mutter es especialmente reconocida por sus ejecuciones de música de compositores contemporáneos.

Varias obras han sido especialmente escritas o dedicadas a ella, incluyendo piezas de Witold Lutoslawski, Krzysztof Penderecki, Wolfgang Rihm y Sofia Gubaidulina.


Anne-Sophie Mutter recibió en 2003 el Premio Musical Herbert von Karajan, siendo la primera artista en recibir este galardón y en 2008 el Ernst von Siemens Music Prize, con un premio de 200.000 euros.

Parte del premio lo destinó a la Anne-Sophie Mutter Foundation, que estableció ese año, y el objetivo de la fundación es promover a escala mundial apoyo para jóvenes promesas musicales, una labor que la violinista ya tenía en cuenta desde el año 1997 cuando fundó The Anne-Sophie Mutter Circle of Friends Foundation.

Anne-Sophie Mutter posee dos violines construidos por Antonio Stradivari: un Emiliani de 1703, y un Lord Dünn-Raven de 1710, y ha sido condecorada con la Cruz al mérito de Alemania, la Legión de Honor francesa y otras distinciones.



A continuación, un documental sobre Anne-Sophie Mutter.

sábado, 28 de junio de 2014

Sergiu Celibidache


Sergiu Celibidache nació en Roman, Rumanía, el 28 de junio de 1912, y murió en París, Francia, el 14 de agosto de 1996. Director de orquesta.

El sitio Biobrafías y Vidas, publicó este recordatorio.


Sergiu Celibidache (Roman, 1912 - París, 1996) Director de orquesta y musicólogo rumano nacionalizado alemán. 

Uno de los grandes de la batuta del siglo XX, si no el mayor, este director rumano fue el único que apenas pisó un estudio de grabación. Su posición en esta cuestión, como en muchas otras, era tajante: la música es algo que hay que escuchar en vivo y cualquier registro de ella es siempre una falsificación. 


Su mal carácter era mítico, así como su exigencia de múltiples ensayos, lo que provocó que pocas orquestas estuvieran dispuestas a concederle su titularidad, si bien desde 1979 hasta su muerte estuvo relacionado con la Filarmónica de Munich. Aunque su repertorio era muy extenso, su famosa lentitud de tempo y su innato mantenimiento de la tensión sonora hacían que obtuviera sus mejores resultados en compositores como Bruckner.

Creció en la ciudad moldava de Iassy y recibió sus primeras clases de piano a edad temprana. Fue en este tiempo cuando empezó a interesarse por la composición musical. Tras estudiar matemáticas y filosofía en Iassy, Bucarest y París, en 1936 viajó a Alemania para tomar clases de composición en la Academia de la Música de Berlín bajo la supervisión de Heinz Thiessen.

Al tiempo que proseguía su formación musical, centró sus investigaciones en la mecánica de las ondas sonoras. En la Universidad se interesó por los problemas concernientes a la musicología (bajo el tutelaje de Arnold Schering y Georg Schunemann), así como por los principios filosóficos (sus tutores fueron Nicolai Hartmann y Eduard Spranger). Fue en ese período cuando se sintió atraído por el budismo zen. En Berlín consiguió doctorarse con una tesis sobre Josquin des Prés.


A partir de 1939 y hasta 1945 estudió en el Colegio de Música de Berlín con profesores de la talla de Fritz Stein, Kurt Thomas y Walter Gmeindl. Tras completar sus estudios, colaboró con la Orquesta Filarmónica de Berlín; el director anterior, Wilhem Furtwangler, fue suspendido por colaboracionismo y no recibió permiso para llevar a cabo funciones públicas. Durante tres años dirigió la mayoría de los conciertos de la famosa orquesta y probó su excepcional personalidad.

Tras el retorno de Furtwangler como director principal, Celibidache trabajó principalmente, por un largo período de tiempo, como director invitado, sin pertenecer a ninguna orquesta en particular, ya que sus demandas eran muy difíciles de satisfacer; no era partidario de hacer concesiones a los músicos o la audiencia. Continuó trabajando principalmente con las orquestas berlinesas (la Filarmónica y la RIAS Berlín Radio Orquesta).


Tras el nombramiento de Von Karajan como director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín en 1954, Celibidache, por discrepancias por la elección, se negó a dirigirla, decisión que mantuvo a lo largo de treinta y siete años. A partir de ese momento estuvo dirigiendo a diferentes orquestas italianas (Orquesta y Coros de la RAI y la Orquesta de la Scala de Milán). En 1952 dirigió la primera audición de la Orquesta Nacional de España.

En 1959, su labor continuó con regulares colaboraciones con la Radio Orquesta de Stuttgart. También desarrolló una importante labor lectiva y así, entre 1960 y 1962, impartió cursos magistrales en la Accademia Musicale Chigiana de Siena. 

A finales de ese mismo año estaba previsto que se convirtiera en director de la Orquesta Sinfónica de Radio Estocolmo, en la cual iba a llevar a cabo una labor de remodelación que no finalizó hasta 1971. De 1973 a 1975 fue el principal director invitado de la Orquesta Nacional Francesa.


Su vuelta a tierras alemanas se produjo en 1979, cuando fue elegido para el puesto de director artístico de la Orquesta Filarmónica de Múnich, que convirtió en una de las mejores del mundo. Al mismo tiempo se le otorgó el puesto de director general musical de la ciudad. Desde ese momento no volvió a trabajar con otras orquestas, salvo en ocasiones excepcionales, como dos conciertos de caridad con la Orquesta Filarmónica de Berlín en marzo de 1992. A pesar de estar gravemente enfermo, no paró de dirigir hasta el mismo momento de su muerte.

Celibidache también compuso diversas obras, pero rehusó interpretar sus composiciones. Contrario a los discos de vinilo, puesto que sentía que ofrecían una versión de menor calidad, en los últimos años de su vida grabó algunos vídeos y CDs: la Sexta, Séptima y Octava sinfonías de Anton Bruckner, además de la Sinfonía Clásica de Sergei Prokofiev, y dos conciertos de piano de Johannes Brahms con el piano solista de Daniel Barenboim.



Su nombramiento como Profesor Honorario de la Capital Federal de Berlín y la concesión de la Orden del Mérito Bávaro están entre los muchos premios y menciones recibidas. Igualmente se le hizo "Hijo predilecto" de su ciudad natal (Iassy), así como el doctor honoris causa de la Academia del Arte de Iassy. En su 80 cumpleaños se le otorgó la Gran Cruz de Distinción de la Orden de Méritos de la República Federal Alemana y se le hizo ciudadano predilecto de la ciudad de Múnich.

A continuación, Sergiu Celibidache, al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín, y su interpretación de la Obertura Egmont de Ludwig van Beethoven, en las ruinas de la antigua Philarmonie, en 1950.

Piotr Ilich Tchaikovsky. Sinfonía Nº 3 en Re Mayor Op. 29.


Piotr Ilich Tchaikovsky compuso la Sinfonía Nº 3 en Re Mayor op. 29, entre el 5 de junio y el 1 de agosto de 1875, y está dedicada a Vladimir Shilovsky.

La obra fue estrenada en Moscú el 19 de noviembre de 1875, bajo la dirección de Nikolai Rubinstein, en el primer concierto de la temporada de la Sociedad Musical Rusa.

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovsky, la Sinfonía Nº 3 en Re Mayor Op. 29, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la URSS, dirigida por Yevgeny Svetlanov.

viernes, 27 de junio de 2014

Anna Moffo


Anna Moffo nació en Wayne, Pennsylvania, estados Unidos, el 27 de junio de 1932 y murió en Nueva York, el 10 de marzo de 2006. Soprano lírica-ligera.

Después de graduarse en la escuela secundaria, Moffo recibió una oferta para ir a Hollywood para hacer cine, pero no aceptó por su intención de convertirse en religiosa. Sin embargo, obtuvo una beca del Instituto de música Curtis, que la llevó a estudiar a Filadelfia. 


Poco después, en 1955, ganó el premio Young Artists Audition y una beca de la Fundación Fulbright para estudiar en el Conservatorio di Santa Cecilia en Roma.

Anna Moffo debutó en 1955 en el papel de Norina en Don Pasquale de Donizetti, en Spoleto, en 1956 se presentó en una producción para la televisión de Madama Butterfly, bajo la dirección escenica de Mario Lanfranchi. 


Ese año, Moffo debutó en La Scala en Falstaff y en los Estados Unidos con la Ópera Lírica de Chicago en el papel de Mimi de La Bohème y en 1959 llegó al Metropolitan Opera House de New York con Violetta de La Traviata, cantó nuevamente en la temporada de 1960-61 en tres roles diferentes, Gilda de Rigoletto , Adina del L'elisir d'amore, y Liù de Turandot, junto a Birgit Nilsson y Franco Corelli.

En 1960 debutó con éxito en el Teatro Colón de Buenos Aires con La Traviata, donde regresó en 1965 para la misma ópera.


Grabó con Maria Callas La Bohème en el papel de Musetta.

A finales de los años 1970, Moffo abordó los personajes más pesados de Verdi, como Leonora de Il Trovatore y Lina de Stiffelio.

Anna Moffo fue particularmente popular en Italia, donde presentó el show de Anna Moffo desde 1960 hasta 1973 y fue votada como una de las diez mujeres más bellas de Italia, fue muy admirada por la pureza de su voz y su belleza física, granjeándose el sobrenombre de "la bellissima".


A continuación, la versión fílmica de la ópera La Traviata, de Giuseppe Verdi, con Anna Moffo como Violetta, Franco Bonisolli en el rol de Alfredo y Gino Bechi como Giorgio Germont, junto al Coro y la Orquesta de la Opera de Roma, conducidos por Giuseppe Patane. Película dirigida por Mario Lanfranchi, en 1968.

jueves, 26 de junio de 2014

Puka


En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Puka, cantautor y concertista de charango de Perú.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone




Wolfgang Windgassen


Wolfgang Windgassen nació en Annemasse, Alta Saboya, Francia, el 26 de junio de 1914 y murió en Stuttgart, Alemania, el 8 de septiembre de 1974. Tenor dramático.

Perteneciente a una familia de cantantes, su padre, Fritz Windgassen, era un prestigioso tenor y su madre, Vali von der Osten, era soprano, inició los estudios de canto en el Musikhochschule de Stuttgart, y en 1939 debutó en Pforzheim en la ópera Madama Butterfly con el personaje de Pinkerton.

En 1951 participó por primera vez en el Festival de Bayreuth, donde dejó una huella en la historia del Festival y en la ópera wagneriana por su imponente voz de tenor dramático heroico o heldentenor.


En 1967 debutó en el Teatro Colón de Buenos Aires como Siegfried en una tetralogia dirigida por Ferdinand Leitner junto a Birgit Nilsson y Gwyneth Jones, regresó en 1969 para Parsifal junto a Regine Crespin y Theo Adam dirigidos por Erich Leinsdorf.

Su voz, juvenil, bellísima y portentosa, dominaba el escenario por encima de la imponente orquesta wagneriana, demostrando una resistencia única. 

Además, sus cualidades musicales se vieron complementadas con sus grandes dotes de actor, se introducía en la psicología de sus personajes, conformando así el ideal de cantante descrito por Wagner para sus obras, y en el escenario se transformaba en Sigfrido, Tannhäuser, Lohengrin, o cualquiera de los personajes masculinos de Richard Wagner.


Su carrera se desarrolló principalmente en los teatros centroeuropeos, y fue piedra angular del Nuevo Bayreuth, donde interpretó todos los roles protagónicos de las óperas de Wagner y algunos secundarios.

En Bayreuth, dirigió el cambio generacional de los tenores heroicos, sustituyó a Lauritz Melchior, coexistió con los tenores Max Lorenz y Bernd Aldenhoff, ambos en sus últimos años de carrera artística, a los cuáles también sustituyó a partir de 1957, y se alternó además con Ramón Vinay, Jon Vickers, Rudolf Lustig y Hans Hopf. Su última intervención en Bayreuth fue en 1970, en el papel de Tristán.

Fuera del ámbito de Bayreuth, Windgassen es especialmente reconocido por su participación en la versión discográfica de El anillo del nibelungo de Georg Solti con la Filarmónica de Viena, el primero en estudio, llevado a cabo entre 1958 y 1965 y en el que cantó los dos Siegfried de la Tetralogía wagneriana.


De todas sus intervenciones, se destacan: Parsifal en 1951, Lohengrin, en 1953 y 1954, El holandés errante y Tännhauser, en 1955, La valquiria en 1956, Siegfried y El ocaso de los dioses, en 1956, 1957 y 1958, Los Maestros Cantores de Nürenberg en 1960, Tännhauser, en 1961, Tristán e Isolda en 1966, entre otras.

En sus últimos años realizó intervenciones esporádicas y como director musical de la Ópera de Stuttgart. Ya delicado del corazón, murió en Stuttgart por un ataque cardíaco el 8 de septiembre de 1974.


A continuación, Wolfgang Windgassen, y el aria Dio, mi potevi, de la ópera Otello, de Giuseppe Verdi, cantado en alemán, junto a la Orquesta dirigida por Angelo Quadri en 1968.


Astor Piazzolla - Libertango - Alison Balsom

miércoles, 25 de junio de 2014

Michael Jackson


Michael Joseph Jackson nació en Gary, Indiana, Estados Unidos, el 29 de agosto de 1958 y murió en Los Ángeles, California, el 25 de junio de 2009. Cantante, compositor y bailarín.

Conocido como el “Rey del Pop”, fue el artista musical más premiado de la historia, con cientos de galardones, entre ellos 15 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de simples en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de simples directamente en el número 1, con “You are not alone”; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbumes, sin incluir banda sonoras en Estados Unidos, con Thriller, durante 37 semanas; videoclip más exitoso, Michael Jackson's Thriller, con alrededor de 1 millón de unidades vendidas.

Fue el primer y único artista que ha logrado empezar y terminar el año con un álbum en el número 1, Thriller, y el primer y único artista de la historia en lograr números 1 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990.


Su contribución a la música, al baile y a la moda, lo convirtieron en una figura de la cultura popular. Comenzó su carrera artística con sus hermanos en la banda The Jackson 5 a mediados de los años 1960, en el cual publicó junto a ellos diez álbumes hasta 1975.

En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo a la banda de sus hermanos. Debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller en 1982, el disco más vendido de la historia de la música aún en 2013, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento.

Recordamos a Michael Jackson con el video de Thriller.


Georg Philipp Telemann


Georg Philipp Telemann nació en Magdeburgo, Alemania, el 14 de marzo de 1681 y falleció en Hamburgo, Alemania, el 25 de junio de 1767. Compositor.

El sitio www.buscabiografias.com publicó este recordatorio de Georg Philipp Telemann. Compositor alemán.

Nació el 14 de marzo de 1681 en Magdeburgo. Cursó estudios en la universidad de Leipzig. En 1693 viaja a Zellerfeld y estudia con Caspar Calvoer. En 1697, estudia en Hildesheim con J.C. Losius. 

Autodidacta en el estudio de diversos instrumentos. Abandonó sus estudios de Derecho en 1701 para atender encargos de música religiosa.


Trabajó para diferentes iglesias y orquestas de Leipzig, Sorau (hoy Zary, Polonia) y Eisenach hasta 1721. En Hamburgo, fue director de música de la ciudad hasta su fallecimiento. Su estilo es la transición entre el barroco y el clasicismo. 

Combinó el contrapunto barroco convencional con la alegría italiana de sus melodías y la orquestación francesa. Fue autor de 40 óperas, 44 pasiones, 12 ciclos anuales de cantatas, múltiples oratorios, numerosas canciones y gran cantidad de música instrumental, por ejemplo, 600 oberturas.

A continuación, de Georg Philipp Telemann, la Suite en Sol mayor Don Quijote, en la interpretación de la Orquesta Atlantis, dirigida desde el clave por Vitezslav Podrazil. Castillo de Jimlin, República Checa, el 26 de mayo de 2012.

Dimitar Peshev


Dimitar Iosifov Peshev nació en Kyustendil, Bulgaria, el 25 de junio de 1894 y falleció en Sofía, Bulgaria, el 25 de febrero de 1973. Político y Ministro de Justicia.

El sitio www.raoulwallenberg.net publicó este recordatorio.

DIMITAR PESHEV nació en Bulgaria en 1894. A pesar de ser un hombre de creencias democráticas, inicialmente apoyó al autoritario gobierno que lideró Bulgaria durante la Segunda Guerra Mundial, así como también a la alianza estratégica con el gobierno de Hitler. En ese momento él no conocía las verdaderas metas del gobierno Nazi, el cual pensaba traería prosperidad a Bulgaria y a su gente.


Aún cuando el gobierno alemán pidió que su contraparte búlgara aprobara leyes que acusarían y sentenciarían judíos, Peshev lo interpretó, en un principio, como un asunto temporal y no como el inicio del fin para los judíos de Bulgaria.

Su retractación comenzó cuando un cercano amigo judío de su edad llegó a su puerta pidiendo ayuda para salvar a los 8000 judíos de Kyustendil, un pueblo donde él pasó sus primeros años. Este incidente marcó a Peshev al punto de darse cuenta que los judíos de Bulgaria estaban en peligro de muerte en manos de los alemanes.


Habiendo decidido tomar acción, se dirigió al parlamento, a la oficina de Gabrosky, quien, en ese momento era Ministro del Interior en Bulgaria. Luego de una fuerte discusión, Gabrosky ordenó anular todas las deportaciones de judíos en Bulgaria.

Luego él personalmente corroboró con cada oficina de prefecto que ninguna orden de deportación fuera ejecutada.

El próximo paso de Peshev lo llevaría a perder su puesto como vicepresidente del Parlamento. Para salvar a los 50000 judíos de Bulgaria de la deportación, obtuvo las firmas de 40 miembros del Parlamento y presentó ante su gobierno una carta de protesta en la cual denunciaba la idea de deportar a todos los judíos de Bulgaria.

Además de haber sido removido de su cargo, fue llevado a juicio más adelante bajo los cargos de ayudar al gobierno pro-alemán y fue sentenciado a muerte. Luego de un año de prisión, la corte lo liberó luego de inclinarse a su favor por su rol clave de salvar judíos en Bulgaria.


Dimitar Peshev murió el 20 de febrero de 1973.

martes, 24 de junio de 2014

Celeste Táboas


En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Celeste Táboas sobre el lanzamiento de su primer CD " Interior".

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone



CELESTE TÁBOAS presenta su disco debut “INTERIOR”, en el Teatro del Viejo Mercado. Jueves 3 de Julio – 21hs.


La cantante porteña Celeste Táboas presenta su disco debut “Interior”. Integrado por once temas de grandes autores como Raúl Carnota, Jorge Fander mole, Chabuca Granda, Elizabeth Morris, Fernando Cabrera, Simón Díaz y los Hnos. Núñez, entre otros, el disco transita con soltura y personalidad por distintos ritmos folklóricos argentinos y latinoamericanos. Zambas, chacareras, vidalas, candombes, valses y huaynos se suceden en arreglos propios y una estética moderna que se vale de elementos y recursos de la música contemporánea y del jazz para enriquecer aún más los paisajes folklóricos del repertorio.


De eso se trata “Interior”, el primer material discográfico de esta cantante cuya búsqueda se aventura tierra adentro, camino de la inherente identidad latinoamericana.

La grabación del álbum, realizada en Estudio Casa Frida, tuvo a Lionel Mórtola en bajo, Nicolás Croci y Demián Ornstein en guitarra, arreglos y dirección musical, y contó con la participación de destacados músicos invitados: Bernardo Baraj en saxo, Patricio Villarejo en violoncello, Carolina Cohen en percusión, Wismer Jiménez en cuatro venezolano, Martín Wainer en bajo y contrabajo, Nicolás Morykon en bajo, Federico Benítez y Carolina Barembaum en guitarras, y Agustina Martínez, Federico Balliriain y Esteban Palacios como cuerda de candombe.


La presentación de “Interior” será el jueves 3 de julio a las 21hs. en el Teatro del Viejo Mercado, Lavalle 3177, y la cantante estará acompañada por Demián Ornstein en guitarra, Nicolás Morykon en bajo, Iván Katzman en flauta traversa y Nicolás Croci en percusión.

Carlos Gardel


Charles Romuald Gardes, más conocido como Carlos Gardel, nació en Toulouse, Francia, el 11 de diciembre de 1890 y murió en Medellín Colombia, el 24 de junio de 1935. Cantante, compositor y actor de cine.

La persona y la imagen de Gardel ha sido objeto de idolatría popular, colocándolo en un lugar de mito y símbolo cultural que aún mantiene su vigencia.

Es el más conocido representante del género en la historia del tango, iniciador y máximo exponente del tango canción, y fue uno de los intérpretes más importantes de la música popular mundial en la primera mitad del siglo XX.

En 2003 la voz de Gardel ha sido registrada por la Unesco en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos patrimoniales.

Recordamos a Carlos Gardel, con una escena de la película El día que me quieras.