jueves, 30 de abril de 2015

George Balanchine


Giorgi Melit'onis dze Balanchivadze, más conocido como George Balanchine, nació el 22 de enero de 1904 y murió el 30 de abril de 1983. Maestro de ballet y coreógrafo.

El sitio www.danzaballet.com publicó este recordatorio


Biografía de George Balanchine

Coreógrafo y bailarín estadounidense de origen ruso, nacido en San Petersburgo el 22 de enero de 1904.
Georgi Melitonovitch Balanchivadze, mejor conocido por su nombre artístico de George Balanchine fue “bautizado” así por Serguei Diaghilev al considerar que su apellido era muy difícil de pronunciar para un occidenta.

El pensamiento coreográfico de Balanchine es un crisol en donde se fusionaron distintas influencias que van desde el gran academicismo de Marius Petipa (1818-1910), pasando por la ruptura que instaura Mijail Fokine (1880-1942) hasta uno de los vanguardistas del ballet ruso de los años veinte: Kasyan Goleizovski (1892-1970).

Hijo del compositor Meliton Balanchivadze y María Nikolayevna Vassilyeva, ingresó en 1914 a la Escuela de Ballet de Petrogrado. (Luego conocida como la Escuela de Ballet del Teatro Maryinski). Fueron sus maestros, Pavel Gerdt (1844-1917) y Samuel Constantinovitch Andreyanov.

En 1921 se graduó con honores. Ese mismo año se incorporó al Cuerpo de Baile del Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet, compañía que primero fue conocida como el Ballet del Teatro Maryinski, posteriormente como el Ballet Kirov, ahora Ballet de San Petersburgo. Su primer obra se titula “La noche”, un pas de deux basado en una partitura de Anton Rubinstein creada alrededor de 1920.


En 1923, Balanchine y algunos de sus compañeros de generación fundan el Ballet Joven, una agrupación para la cual coreografió diversas obras, y que se disolvió rápidamente. En 1924 es autorizado a salir de la Unión Soviética para realizar una gira a Europa Occidental. En Londres es visto por Serguei Diaghilev (1872-1929), el trascendental fundador de los Ballets Rusos, quien lo invitó a audicionar para su ingreso a la compañía.


En 1925, Balanchine se integra a los Ballets Rusos. Si bien se destaca como bailarín sufre una lesión en la rodilla que lo obliga a concentrarse como coreógrafo. Como tal crea once coreografías: “El canto del ruiseñor” y “Barabau” (1925), “Romeo y Julieta”, “Jack in the box”, “El triunfo de Neptuno” y “La Pastoral” (1926), “La gata” (1927), “Apolo musageta” y “Los dioses mendigos” (1928), “Le Bal”, y “El hijo pródigo” (1929). Al desintegrarse los Ballet Rusos, Balanchine participa en varios proyectos y actúa junto al Ballet Real de Dinamarca, el Ballet de la Ópera de París, los Nuevos Ballets Rusos y los Ballets Rusos de Montecarlo.

En 1933 funda Les Ballets una agrupación de cortísima existencia. Para esta compañía crea seis obras, entre ellas el último trabajo conjunto de Kurt Weill (1900-1950) y Bertolt Brecht (1898-1956) titulado “Los siete pecados capitales de los pequeños burgueses” (1933), obra cuya trama ocurre en siete ciudades de Estados Unidos.

Ese mismo año –a los 29 años de edad-, acepta la invitación de Lincoln Kirstein (1907-96) de formar una gran compañía y academia de ballet en América. Así nace la School of American Ballet que inicia sus actividades en 1934. Ese mismo año realiza la coreografía “Serenata”. En 1935 crea el American Ballet que rápidamente se convierte en la compañía oficial de la Ópera Metropolitana. En la segunda mitad de la década del treinta Balanchine realiza diversos trabajos para Hollywood y Broadway.


En 1941, Balanchine y Kirstein fusionan temporalmente el Ballet Caravan (compañía que ya existía desde 1936) con el American Ballet resultando así el American Ballet Caravan para emprender una gira que dura cinco meses a Sudamérica, llevando en el repertorio obras tan importantes como “Concierto Barroco” y “Ballet Imperial” (1941). Entre 1944 y 1946, Balanchine es contratado por los Ballets Rusos de Montecarlo durante la dirección de Sergei Denham para sustituir a Massine.

En este periodo crea “Danzas concertantes” (1944), “Night Shadow” (1946) entre otras. En 1946 Balanchine y Kirstein crean el Ballet Society, una pequeña compañía que estrena “Los cuatro temperamentos” (1946), y “Orfeo” (1948) entre otras obras. Invitada a formar parte del New York City Center of Music and Drama la compañía se convierte en el actual New York City Ballet en 1948. Desde entonces y hasta su muerte en 1983 Balanchine se desempeña como maestro y principal coreógrafo del NYCB.

En 1948 debuta el NYCB con “Concierto Barroco”, “Orfeo”, “Sinfonía en Do” y “El Palacio de Cristal”. En 1950, realiza su primera gira a Europa. En 1962, son invitados a la Unión Soviética presentándose en el Teatro Kirov. En 1964 se instalan en el New York State Theatre en el Lincoln Center, construido de acuerdo con varias de las sugerencias hechas por Balanchine. En 1982 crea su última coreografía “Variaciones para orquesta” (1982).


El pensamiento coreográfico de Balanchine es un crisol en donde se fusionaron distintas influencias que van desde el gran academicismo de Marius Petipa (1818-1910), pasando por la ruptura que instaura Mijail Fokine (1880-1942) hasta uno de los vanguardistas del ballet ruso de los años veinte: Kasyan Goleizovski (1892-1970). 

Su legado consta de más de 425 piezas, muchas de ellas consideradas como obras maestras, tales como “Los cuatro temperamentos”, “Tema y variaciones”, “Sinfonía en Do”, “Joyas”, “Agon” y “Sinfonía en tres movimientos”. A esta herencia debe sumarse la creación del NYCB. 

Balanchine ha sido considerado por la crítica especializada “el arquitecto principal del ballet en los Estados Unidos”, gracias a él “la gran academia se transformó en un juego bastante más dinámico, geométrico, bien alejado de las languideces románticas”.

Fue condecorado con la Legión de Honor de Francia, el galardón del Kennedy Center, el ser miembro del Salón de la fama del entretenimiento en Hollywood, Caballero de la Orden de Dannegbrog, obtuvo la medalla de oro de la Sociedad Nacional de Artes y Letras de Estados Unidos y de manera póstuma, la Medalla Presidencial de la Libertad, el máximo honor que puede ser concedido a un civil en Estados Unidos. Este coreógrafo ruso-norteamericano utiliza un amplísimo espectro musical que va de Juan Sebastián Bach (1685-1750) a Iannis Xenakis (1922-2001). 

Muere en Nueva York el 30 de abril de 1983. 



A continuación, recordamos a George Balanchine, con su coreografía Serenata, con música de Piotr Illich Tchaikovsky, en la interpretación del New York City Ballet.



Astor Piazzolla - Libertango - Víctor Villadangos

miércoles, 29 de abril de 2015

Thomas Beecham


Thomas Beecham nació en St Helens, Lancashire, actual Merseyside, Inglaterra, el 29 de abril de 1879 y murió en Londres, Inglaterra, el 8 de marzo de 1961. Directores de orquesta.

Estudió en la Universidad de Oxford pero en el campo musical fue autodidacta, fue fundador de varias orquestas británicas incluyendo la Beecham Symphony Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Filarmónica Real.

Tuvo a su cargo los estrenos británicos de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner, y Elektra y Salomé de Richard Strauss.

Entre sus grabaciones de referencia se encuentran obras de Handel, La flauta mágica de Wolfgang Amadeus Mozart, Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov, las Sinfonías de Jan Sibelius, y las óperas Carmen de Georges Bizet, y La Boheme de Giacomo Puccini.

Actuó en toda Europa, en Estados Unidos y en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1958.

Escribió su autobiografía titulada "A Mingled Chime" en 1944, y una biografía de Frederick Delius en 1959.



A continuación, recordamos a Thomas Beecham, con un fragmento de la Sinfonía Nº 38 en Re K. 504, de Wolfgang Amadeus Mozart.




martes, 28 de abril de 2015

Francisco Gil


En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con  Francisco Gil, sobre su nuevo CD Guitarra Latinoamericana, y la gira por Paraguay y Uruguay.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Celso Miño - Jorge Falcone



Francisco Gil nació en la ciudad de México, y se graduó con la más alta calificación y mención honorífica en los conservatorios Nacional de Música de México y Antonio Vivaldi de Alessandria, Italia, con Marco Antonio Anguiano y Angelo Gilardino respectivamente. 

Complementó su formación guitarrística en clases y cursos especiales con Pepe Romero, Robert Guthrie, Wilhelm Bruck, Gerardo Arriaga y José Luis Rodrigo.

De amplia experiencia internacional, reconocido en Europa, Asia, Norte y Sur América por la musicalidad de sus interpretaciones, Francisco Gil es uno de los guitarristas mexicanos con mayor proyección internacional. 

La crítica especializada le ha concedido generosos elogios como la revista española Acordes: "uno de los mejores guitarristas latinoamericanos".

Realizó presentaciones que fueron transmitidas por radio y televisión, actuó como solista con Orquestas de México, Malasia y Francia, y trabajó también junto al cuarteto ERASMUS de Italia, Antonio Frigé, Magdalena Aparta y Jean-Francois Bescond.


Además de ser catedrático en el Conservatorio de Música del Estado de México ha extendido sus actividades didácticas a través de cursos y conferencias impartidos en Brasil, Uruguay, Argentina, EE.UU, México, España, Italia y Suiza, y es director artístico de la temporada internacional de conciertos Guitarras en otoño.

 

Benito Mussolini



Benito Amilcare Andrea Mussolini nació en Dovia di Predappio, Forlí, Italia, el 29 de julio de 1883 y murió en Giulino di Mezzegra, Italia, el 28 de abril de 1945. Periodista, militar, político y dictador.

A continuación, un documental preparado por History Channel.



lunes, 27 de abril de 2015

Walter Lantz



Walter Benjamin Lantz nació en Nueva Rochelle, Estados Unidos, el 27 de abril de 1899 y murió en Burbank, Estados Unidos, el 22 de marzo de 1994. Caricaturista y animador.

El sitio www.biografias.es publicó este recordatorio


Walter Benjamin Lantz nace en Nueva Rochelle (EEUU) el 27 de abril de 1899. Hijo de Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi de Calitri, Italia

De muy joven aprendió a dibujar por correspondencia, desarrollando su talento y expandiendo su imaginación con el lápiz y el papel. Comenzó trabajando como mecánico, ocupación que no le satisfacía demasiado, y en sus ratos libres hacia dibujos que después colgaba en las paredes del garaje. En una ocasión uno de sus clientes, Fred Kafka, se fijó en los dibujos y le ofreció a Walter estudiar en el colegio de arte de Nueva York, ofreciéndole además, un trabajo de repartidor de periódicos en el New York American.

Al poco tiempo empezó a trabajar detrás de una cámara en el departamento de animación de la escuela y Gregory La Cava se fijó en él como un diamante en bruto. Al terminar sus estudios trabajó en los John R. Bray Studios de la misma ciudad y comenzó a destacar en su trabajo, siendo conocido en el mundo de la animación gracias a su primera serie de animación "Dinky Doodle". Más tarde trabaja con Frank Capra y Mack Sennett.

En 1928 dirige la serie animada "Oswald the Lucky Rabbit" de Universal, personaje arrebatado de su creador Walt Disney, pero el presidente de Universal, Carl Laemmle, poco satisfecho con el resultado lo despide. Al cabo de poco tiempo, en una partida de poker contra su antiguo productor, Lantz gana y se queda con los derechos del personaje, pudiendo abrir así, su primer estudio de animación.

En su estudio creó a muchos personajes, destacando a "Andy Panda" como protagonista de los dibujos animados de Lantz durante un año. Una noche, un pájaro carpintero estuvo deleitando con sus picoteos a Walter y su mujer, Grace Stafford, (casados en 1940) insistió en que debería crear un personaje basado en aquel animal. Dicho personaje se materializó, conviertiéndose en "Woody Woodpecker", el pájaro loco, que tuvo un enorme éxito reconocido por el público infantil y adulto.

La voz del personaje fue en un principio del humorista Mel Blanc, pero tuvo problemas legales con Walter, adjudicando la sonorización de Woody a su mujer Grace. Walter obtuvo mucho dinero y reconocimiento con su loco personaje y su estudio adquirió una gran importancia dentro del sector.

El año 1972 Lantz cerró su estudio pero la esencia de su personaje perduró durante mucho tiempo. Lantz murió en California, el 22 de marzo de 1994 a la edad de 94 años, a raíz de una insuficiencia cardíaca.

A continuación, recordamos a Walter Lantz, creador de El Pájaro Loco.



domingo, 26 de abril de 2015

William Shakespeare


William Shakespeare nació en Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Reino Unido, el 26 de abril de 1564 y murió en su ciudad, el 3 de mayo de 1616. Dramaturgo, poeta y actor.


A continuación, lo recordamos con esta entrevista a dos especialistas españoles. Programa emitido por TVE.


sábado, 25 de abril de 2015

Murió Ben Molar

La edición digital del Diario Perfil, publicó este recordatorio

25/04/2015

Destacada

Murió Ben Molar

ben molar

Moisés Smolarchik Brenner, popularmente conocido comoBen Molar, murió a los 99 años. Fue un referente en el mundo del tango en los años 50 y 70.
Creó el sello Fermata, y estuvo relacionado con el lanzamiento y difusión de grandes de la música nacional e internacional como Mercedes Sosa, El Club del Clan, Los Abuelos de la Nada o Las Trillizas de Oro.
Es autor de canciones populares, como “Final”, grabada por famosos cantantes; de canciones de comedias musicales, como “Paren el mundo… quiero bajar”, “Mame”, “Dos Virginias para un Pablo” y “Te casarás Gaspar”; de versiones en español de canciones de Los Beatles, Neil Sedaka, Paul Anka, Elvis Presley, Bill Halley, Chubby Cheker; de “Noche de paz, noche de amor” y “Replican las campanas” y, también, autor de canciones incluidas en películas.
Una de sus obras más importantes fue “14 con el Tango”. Allí incluyó a 42 personajes del más alto nivel de la literatura, de la música y de la pintura, entre ellos: Jorge Luis BorgesErnesto Sabato, Florencio Escardó, Aníbal Troilo, Juan D’Arienzo, Astor Piazzolla, Raúl Soldi, Raquel Forner y Carlos Cañás.
Entre otros honores, ha recibido el título de Ciudadano Ilustre de Buenos Aires, además de ser miembro de la Academia Nacional del Tango de la República Argentina y de la Academia Porteña del Lunfardo.
Estuvo casado con la actriz Pola Neuman, madre de sus hijosDaniel y Rubén Brenner.

Ludwig van Beethoven. Sonata para Violoncello y Piano Nº 2 en Sol Menor Op. 5.


La obra de Ludwig van Beethoven está considera como un puente entre los períodos musicales Clásico y Romántico. La Sonata para Violoncello y Piano Op. 5 Nº 2 fue escrita en el año 1796, fecha correspondiente a su primer período creativo, dentro del cual sus composiciones se ajustaron a los modelos de Franz Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

A continuación, de Ludwig van Beethoven, la Sonata para Violoncello y Piano Nº 2 en Sol Menor Op. 5, en la versión de António Meneses en violoncello y Maria João Pires en piano.


Margarita Xirgu


Margarita Xirgu Subirá, más conocida como Margarita Xirgu, nació en Molins de Rey, Barcelona, España, el 18 de julio de 1888 y murió en Montevideo, Uruguay, el 25 de abril de 1969. Actriz.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio


Margarida Xirgu (Molins de Rei, España, 1888 - Montevideo, 1969) Actriz española. 

Trabajó en numerosas compañías de teatro de aficionados antes de iniciar su trabajo como profesional en el teatro Romea de Barcelona, donde Margarita Xirgu (Margarida Xirgu en catalán) enseguida destacó por su extraordinario talento. 

Muy pronto se ganó a la crítica barcelonesa. Su ductilidad como actriz le permitía adaptarse a todos los géneros, desde el vodevil (La Xocolatera) a la tragedia (La dama de las camelias, de Dumas, Maria Rosa, de Àngel Guimerà o Salomé de Wilde). 

En 1914 se trasladó a Madrid. El éxito en la escena castellana le llega de la mano de Pérez Galdós, del que estrenó Marianela (1878). Su época más brillante fueron los años en los que estuvo al frente de la compañía del Teatro Español, donde representó a los más destacados dramaturgos españoles y extranjeros. 

Entre sus interpretaciones más memorables destacan Divinas palabras (1920) de Valle Inclán, La sirena varada de Alejandro Casona, Santa Juana (1923) de Bernard Shaw, y La hija de Jorio (1904) de D'Annunzio. 

Sus montajes de los clásicos del siglo de oro modernizaron la escena española, de donde hizo desaparecer el exceso de elementos realistas y la concha del apuntador. Su instinto dramático y su gusto por el riesgo la llevaron a apostar por los nuevos autores. 

Entre ellos, destaca Federico García Lorca, del que puso en escena Mariana Pineda (1927), Yerma (1935) y Doña Rosita la soltera (1935). Ya muerto Lorca, Margarita Xirgu estrenará La casa de Bernarda Alba (1936) en Buenos Aires, en 1945. 

La guerra civil española la sorprendió de gira por América. Exiliada voluntariamente en América del Sur, Margarita Xirgu residió en Argentina y Uruguay, donde siguió representando la obra de autores españoles como Lorca o Alberti y contribuyó a la formación de nuevas generaciones de actores iberoamericanos desde su puesto de directora de la Escuela Dramática Municipal de Montevideo.


A continuación, recordamos a Margarita Xirgu, con su recitado del poema Romance de la pena negra, de Federico García Lorca.

Aniversario del estreno de la ópera Turandot, de Giacomo Puccini.



Turandot es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni, y fue estrenada el 25 de abril de 1926 en el Teatro Alla Scala de Milán.


Turandot es un nombre de origen persa que significa “La hija de Turán”. Turán es una región de Asia Central que era parte del Imperio persa. 

El origen de la historia de Turandot se remonta a un poema de Nezami, uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa, llamado Las siete bellezas o Las siete princesas. Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época Sasánida, que tenía 7 princesas, cada una de ellas proveniente de un lugar distinto del imperio: Egipto, China, Rusia, Grecia, Turquía, India, Asia central. 

Una de estas princesas, de origen ruso, no encontraba ningún hombre que fuera digno de ella, y por eso se encerró en una fortaleza y declaró que se entregaría al hombre que la encontrara y pudiera resolver una serie de enigmas. Pero una vez resueltos los enigmas, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido”.


Esta historia fue recogida por Francois de la Croix, un orientalista francés contemporáneo de Antoine Galland, traductor de Las mil y una noches, en una colección de cuentos llamada Los mil y un días. En esta obra se hace una transposición cultural de la princesa rusa original a una fría y cruel princesa china llamada “Turandokht”. Esta transposición tiene como objeto acentuar el carácter exótico de la historia.


A partir de este relato, Carlo Gozzi creó una tragicomedia al estilo de la Comedia del arte, que luego fue recreada por el poeta alemán Friedrich Schiller. El texto de la ópera está basado en una traducción italiana de esta obra.

Puccini comenzó a trabajar en Turandot en marzo de 1920 después de reunirse con los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni. Inició la composición en enero de 1921. En marzo de 1924, había completado la ópera hasta el dueto final. Sin embargo, no había quedado satisfecho con el libreto del dúo y no reanudó el trabajo hasta el 8 de octubre, escogiendo la cuarta versión que hizo Adami del texto. 

En los primeros días de octubre le diagnosticaron un cáncer de garganta y murió el 29 de noviembre, dejando solo 36 páginas con esbozos sobre el final de la obra, e instrucciones para que Riccardo Zandonai terminara la ópera, sin embargo su hijo Tonio objetó esta decisión y Franco Alfano fue comisionado para concluirla.


A continuación, de Giacomo Puccini, la ópera Turandot, en la versión de Eva Marton, José Carreras, y Katia Ricciarelli, en los personajes principales, junto al Coro y la Orquesta de la Opera Estatal de Viena, dirigidos por Lorin Maazel, en la producción de 1983.

Acto I

Cuadro I

En la primera escena el pueblo de Pekín escucha la proclama de uno de los mandarines del emperador ("Popolo di Pechino..."), por la que hace saber que la princesa se casará con aquel príncipe que responda correctamente los tres acertijos impuestos por su majestad. De no hacerlo así, el pretendiente morirá. Paso seguido, se comunica que el Príncipe de Persia ha fallado; por lo tanto, morirá al salir la luna. La gente acude en masa a tal acto. Llega entonces a la ciudad un anciano ciego, acompañado por una mujer que lo guía. Entre la multitud, el ciego cae al suelo y es recogido por otro desconocido, que inmediatamente le reconoce como su padre: se revela entonces que el ciego es en realidad Timur, rey de los tártaros, quien, tras perder la batalla, fue exiliado junto a una esclava, Liù, que le sirve de guía y mendiga por él. El desconocido que le recoge no es otro que Calaf (cuyo nombre se descubre al final de la opera, conociéndose a lo largo de ella como "el ignoto"), el príncipe tártaro, quien, ante el gesto de la esclava, pregunta por qué tan noble acto, y ella responde tímidamente que porque "un día, en palacio, usted me sonrió".
El verdugo Pu-Tin-Pao aparece ante el clamor del pueblo, que canta sobre la sangre derramada en el reino de Turandot, la princesa. Todo es jolgorio hasta que aparece el príncipe de Persia, joven apuesto y sereno, y el pueblo enmudece de compasión; enseguida piden piedad por su vida ("O giovanotto! Grazia, grazia..."). El desconocido príncipe que había ayudado a su padre en las calles observa con horror el espectáculo, y se une al pueblo despreciando tan cruel acto. Pero es allí cuando hace su aparición la princesa, quien, con un gesto inmisericorde, ordena al verdugo que prosiga con la ejecución, y vuelve a sus aposentos. El príncipe de misterioso origen cae completamente cegado ante la belleza de la princesa ("O divina bellezza! O meraviglia!"), de tal forma que decide quedarse allí y, sin escuchar las súplicas de su padre y de la esclava para entrar en razón, decide probar su suerte para conquistar el corazón de la princesa. Cuando se dispone a golpear el gong tres veces para entrar a la prueba, tres ministros del emperador, Ping, Pang y Pong, le cortan el paso para intentar convencerlo de que no se arriesgue por algo así, ya que, de todas formas, Turandot es solo una mujer y, siendo él tan poderoso, podría conseguir mujeres a montones.
En ese momento, algunas cortesanas aparecen pidiendo silencio. Liù, la esclava, ruega otra vez al príncipe que desista, en uno de los momentos más dramáticos y cautivantes del primer acto, un aria que requiere un tono soprano muy cuidado en su modulación y ejecución ("Signore ascolta"). Pero el príncipe le dice que ya es tarde ("Non piangere Liù), y que lo hará de todas formas, por lo que le pide que acompañe a su padre antes de dirigirse al gong gigante montado en el escenario, que golpea tres veces (uno de los momentos mas dramáticos de la ópera).

Acto II

Cuadro I

Cerca del palacio del Emperador

Los tres ministros, Ping, Pang y Pong, narran sus desventuras y las situaciones por las que han tenido que pasar por el capricho de la princesa, en un acto más liviano para el espectador. Hacen un repaso de los distintos pretendientes que la princesa ha tenido y los tres cantan para finalizar, poder por fin volver un poco a sus hogares para descansar, tras un final feliz con casamiento y poder lograr así un poco de paz para China. Desde el Palacio les anuncian que se presenten para el enésimo pretendiente, lo que nos lleva al siguiente cuadro.

Cuadro II

Palacio del Emperador

Llegan los ministros, y los guardias y cortesanas se aprestan a la llegada del emperador, quien preside la ceremonia, aclamado por el pueblo. Él mismo intenta advertir y detener al príncipe, deseando querer parar con el baño de sangre y no queriendo "cargar con el peso de la joven vida" por las pruebas pero recibe la negativa del solicitante. El mandarín lee nuevamente la ley impuesta al perdedor, quien deberá morir al fallar.
Turandot aparece en escena y explica el porqué de su fría actitud frente a sus pretendientes ("In questa reggia..."). Una de sus antepasadas, la princesa Lou-Ling, fue violada por un extranjero y dejada por muerta. Ella desea vengarla entonces, imponiendo su prueba mortal a todos los príncipes que vienen de distintos reinos para conquistarla. Luego, Turandot misma formula los acertijos. El primero es: "¿Quién es el fantasma que cada noche nace de nuevo en el hombre y muere cada día?". El príncipe piensa y acierta respondiendo: "la esperanza". Nuevamente ella pregunta: "¿Qué es lo que flamea como una llama y no es fuego, y arde como la fiebre, pero se enfría en la muerte?", y la respuesta a la segunda adivinanza es "la sangre". Finalmente, temblorosa y perdiendo la compostura, formula su tercera pregunta: "¿Qué es lo que quema como el hielo, y cuanto más frío es, más quema?". Al verlo dudar por varios instantes, Turandot ríe de la suerte del concursante. Éste, al observarla directamente a los ojos y contemplar su belleza, se reincorpora triunfante y responde: "Turandot". El consejo de mandarines acepta la respuesta como correcta y el reino se regocija, vitoreando al ganador. Entonces, ella clama a su padre por piedad para que no entregue a su hija en manos de este extranjero, pero el emperador replica que la palabra fue dada. El príncipe, al ver la resistencia de la princesa le propone un nuevo acertijo: si ella adivina su nombre antes del alba, él morirá. ("Dimmi il mio nome e all'alba morirò..."). Ella, naturalmente, acepta la apuesta.

Acto III

Cuadro I

Noche. Jardines del Palacio

Turandot ordena que habrá pena de muerte a todo el mundo que sepa el nombre del príncipe y no lo diga. Los guardias recorren las calles entonces, pidiendo que nadie duerma en Pekín. El príncipe entonces canta el aria más famosa de la ópera, Nessun dorma (Nadie duerma) en la noche, siendo la pieza más destacada de la obra. Ping, Pang y Pong se presentan nuevamente intentando convencer al príncipe otra vez para que termine con esto, intentando ofrecerle mujeres y riquezas, pero él sigue firme en su decisión de conseguir lo que se propuso. Los guardias, entonces, encuentran a su padre, Timur, y a Liu, a quien amenazan de muerte para que revele el nombre del príncipe. Llegan la princesa y Ping, quienes, a través del verdugo, empiezan a torturarla, pero Liu, entonces, declara que ella sabe el nombre, pero se niega a declararlo incluso diciendo que pueden torturarla hasta el cansancio, pero ella no cederá. Se ejecuta entonces otra importante aria dentro de este acto, cargada de dramatismo romántico en donde Turandot pregunta a Liu el porqué de su fuerza interior para soportar tal dolor ("Chi posse tanta forza nel tuo cuore?"), a lo que la esclava responde que es amor ("Principessa, l'amore!"). Le brinda entonces, según sus palabras, su amor a su señor mediante el silencio del amor inconfeso, agregando que si ella le brinda su nombre, ella le dará su amor y ya no le quedará nada. Le advierte incluso a la princesa que ella también caerá rendida a su amor, y en un acto final de sacrificio por amor ("Tu che di gel sei cinta"), toma una de las armas de los guardias a su lado y se suicida. El coro de la gente de Pekín grita "Parla! Parla! Il nome!", mientras Liu muere en brazos del príncipe, manteniendo su palabra hasta el final. Su padre, Timur, se retira junto al cuerpo de Liu, quien es trasladado por los guardias a su morada final. Perturbado por el acontecimiento, el príncipe enfrenta a Turandot recriminándole su frialdad al derramar sangre inocente ("Principessa di morte, Principessa di gelo!") y agregando que su "hielo es una mentira". Tras una larga conversación, el príncipe logra besarla, quebrando la rígida actitud de la vengativa monarca, al punto de que acepta su derrota, pidiéndole que no la estreche entre sus brazos. Finalmente, el príncipe, con resignación revela su nombre: "Io son Kalaf, figlio di Timur" (Soy Calaf, hijo de Timur). Es el amanecer, y suenan las trompetas de palacio.

Cuadro II

En el Palacio

El Emperador se hace presente junto a toda su corte frente a su pueblo ("Diecimila anni al nostro Imperatore!"), para que su hija, la princesa Turandot revele el nombre del misterioso príncipe. Todos esperan expectantes la respuesta y cuando el momento llega, ella responde a su padre que conoce el nombre del extranjero "Il suo nome è ...Amor" (Su nombre es... amor).

viernes, 24 de abril de 2015

Alejandro Drago - Orquesta Victoria


En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Alejandro Drago, integrante de la Orquesta Victoria.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone



La Orquesta Victoria se presenta los Lunes de abril y mayo a las 22.30 en La Milonga de Vinilo - Café Vinilo, Gorriti 3780. Ciudad de Buenos Aires
La Orquesta Victoria se presenta los lunes a las 22.30hs en Café Vinilo, después de la clase de tango y antes de la Milonga. Estos serán los últimos conciertos que ofrezcan antes de irse de gira: a fines de mayo realizarán dos presentaciones en Rusia, en las ciudades de Moscú y San Petersburgo; y en junio estarán tocando en Estados Unidos, en Nueva York, Chicago y San Francisco, en el marco del San Francisco Art Festival.

No se trata tan sólo de una orquesta, sino más bien de una escena integral conformada por múltiples matices: la Orquesta Victoria ofrece una puesta de milonga en la que están contenidas la música orquestal, la combinación de colores, la danza en parejas y la variabilidad de texturas. El resultado es una suerte de extracto cinematográfico en el que tanto los músicos como el público forman parte.

El grupo, que va por su tercera temporada de presentaciones en la Milonga de Vinilo, cuenta con dos discos editados, “Orquesta Victoria” (2010) grabado en el emblemático estudio ION y “Orquesta Victoria en vivo en Café Vinilo” (2014), ambos del sello Vinilo Discos. Actualmente están trabajando en su tercer álbum (que será lanzado y presentado en la primavera de 2015) a la vez que acaban de grabar el último CD de Noelia Moncada.

Más sobre Orquesta Victoria:

Además de presentarse todos los lunes en Café Vinilo, la Orquesta Victoria ha tocado en importantes escenarios como el Teatro San Martín, el Teatro 25 de Mayo, el Auditorio de Radio Nacional y el Auditorio de la 2x4 (Ciudad de Buenos Aires), el Teatro Colón (Mar del Plata), la Sala Lavardén (Rosario) y la Sala Zitarrosa (Montevideo, Uruguay).

Ha participado en el Festival de Tango de la Ciudad de Buenos Aires, en el Festival de Tango de Cali (Colombia), en el Festival de Música Instrumental de Salvador de Bahía (Brasil) y en Valparatango (Chile). Recientemente La Orquesta realizó su primera gira europea, donde tocó en el Palacio Hofburg de Viena (Austria) y en Schlachthof de Munich (Alemania).

La propuesta musical de la Orquesta Victoria atraviesa las diversas influencias que tienen los once músicos que la conforman. Los arreglos y composiciones sobre las obras de los principales referentes del tango del siglo XX se orientan tanto al contrapunto renacentista y barroco como a la coloratura armónica del impresionismo francés de principios del siglo XX; así como también presenta una influencia rítmica del folklore rioplatense. El repertorio incluye obras instrumentales y arreglos vocales para cantor solista y dúo.

Formación:
Alejandro Drago - piano
Hugo Satorre – bandoneón
Cheche Ordoñez – bandoneón
Maritza Pacheco Blanco - violín
Alexey Musatov - violín
Maria Florencia Pietro - violín
Juan Villegas - violín
Andrés Hojman - viola
Agustín Scheinkerman - cello
Hernán Cuadrado - contrabajo
Pablo Pesci – clarinete bajo
Julián Gómez - Luces y puesta

José Ingenieros


José Ingenieros nació en Palermo, Italia, el 24 de abril de 1877 y murió en Buenos Aires, Argentina, el 31 de octubre de 1925. Médico, psiquiatra, psicólogo, criminólogo, farmacéutico, sociólogo, filósofo, masón, teósofo, escritor y docente.


A continuación, recordamos a José Ingenieros, con el documental producido por el Programa DNI, de la Secretaría de Cultura de la Nación, en 1999. 



jueves, 23 de abril de 2015

Shalom - Recuerdos de Auschwitz


Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…


Astor Piazzolla - Libertango - Kristiansand Symphony Orchestra

miércoles, 22 de abril de 2015

Peter Frampton


Peter Frampton nació en Beckenham, Kent, Inglaterra, el 22 de abril de 1950. Guitarrista y compositor.

Comenzó a tocar la guitarra a los 7 años y a los 10 formó con David Bowie, su primera banda en la escuela,"The Little Ravens", tocando temas de Buddy Holly. 

Continuó integrando grupos en el colegio, hasta que en 1966 conoció a Bill Wyman, el manager de los Rolling Stones, y lo empezó a representar.

En 1969 con Steve Marriott, formó Humble Pie, y luego cinco exitosos álbumes, inició su carrera de solista, armó su propio grupo, y con el sello A&M Records publicó los primeros discos: "Wind of change", "Frampton's camel" y "Somethin's Happening".

En 1975 llegó al puesto 32 de las listas norteamericanas con "Frampton" y al año siguiente llegó la cima de su carrera musical con "Frampton Comes Alive!", un LP doble grabado en San Francisco en 1976, del cual se vendieron dieciséis millones de copias.


En ese año colaboró con Frankie Valli en el tema principal de la Banda de Sonido de la película "Grease", y su carrera musical continuó con otro LP con la colaboración de Ringo Starr y con el apoyo de la prestigiosa revista Rolling Stone.

En 1978 protagonizó, junto con los Bee Gees y una pléyade de músicos de primer orden como Earth, Wind and Fire, Aerosmith o Alice Cooper, la película Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band, inspirada en el álbum homónimo de The Beatles, y grabando varios temas en calidad de solista, como "The long and winding road".

En 1987, realizó la gira Glass Spider World Tour, con David Bowie y Carlos Alomar, y luego se mudó a Los Ángeles.

En 1990 se encontró con Steve Marriott, de Humble Pie, y grabaron algunos temas, pero Marriott murió en abril cuando se incendió su casa.


En una entrevista, Peter Frampton declaró: "Trabajábamos juntos en un proyecto, no íbamos a resucitar a “Humble Pie”. Grabamos tres temas, sentíamos que estábamos otra vez en el buen camino, pero todo ha cambiado repentinamente".

En 1995 grabó Frampton comes alive II, y continuó realizando presentaciones alrededor del mundo.

Peter Frampton alcanzó la fama por haber sido el compositor original del tema "Baby I love your way", así como de otros éxitos entre los cuales destacan "Do You Feel Like We Do" o "I'm In You".

  
A continuación, celebramos el cumpleaños de Peter Frampton, con dos versiones de uno de sus más grandes éxitos. La canción Baby I Love Your Way, Nena, Me Gusta Tu Forma. La primera en el programa Midnight Special, en 1975, y la segunda en el Festival de Viña del Mar, en 2008.






Fiorenza Cossotto


Fiorenza Cossotto nació en Crescentino di Vercelli, Italia, el 22 de abril de 1935. Mezzosoprano.

Estudió en la Academia de música de Turín, se graduó como la mejor de su clase y posteriormente tomó clases con Mercedes Llopart.

En 1955 debutó en 1955 en el Teatro Alla Scala de Milán, y comenzó a presentarse en los principales teatros europeos.

En 1967 debutó con Don Carlo y La Favorita, en el Teatro Colón de Buenos Aires donde fue aclamada, y regresó en 1969 para cantar Il Trovatore y Norma, en 1970 Anna Bolena, en 1971 Aida con la que también se despidió en 1990.

Algunos de sus papeles más importantes han sido: Amneris, Ulrica, Eboli, Santuzza, Azucena y Carmen, realizó múltiples grabaciones, y recibió un disco de oro por su registro de Macbeth.

En 2005 celebró sus 70 años con una representación en Luttich, Bélgica, y está considerada como una de las mejores mezzosoprano del siglo XX.



A continuación, la recordamos, en el día de su cumpleaños, en el dúo L'aborrita rivale a me sfuggia ... Già i Sacerdoti adunansi, del 4º acto de la ópera Aida, de Giuseppe Verdi, en el papel de Amneris, junto a Franco Corelli como Radamés.



martes, 21 de abril de 2015

Lorena Oliva



En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Lorena Oliva, la autora del libro Cuestión de fe, editado por Sudamericana.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Celso Miño - Diego Rodríguez - Jorge Falcone



La elección de Bergoglio como Papa revirtió la tendencia secular de la sociedad argentina que si bien se reconoce católica no sigue los preceptos morales y sexuales de la Iglesia, pero sí ha incorporado a sus prácticas espirituales conductas del orientalismo, el new age y los cultos afro. 

¿Cómo concibe a Dios y la fe la sociedad de la que proviene el papa Francisco? Desde el retorno de la democracia a comienzos de los ochenta se ha hecho evidente la pérdida de influencia social y cultural del catolicismo, un fenómeno que también atraviesa al resto de las religiones tradicionales. Sin embargo, la llegada de Jorge Bergoglio al Vaticano produjo un fuerte cambio de actitud y una nueva mirada sobre las creencias. 

La fe sigue movilizando a la gran mayoría de los argentinos, pero ahora se presenta en propuestas "a medida" para fieles que actúan más bien como consumidores, combinando prácticas espirituales diversas que van del orientalismo y el new age al cristianismo y el judaísmo.

En La fe de los argentinos, Lorena Oliva delinea nuestro mapa de creencias otorgándoles su espesor histórico y haciendo foco en los dilemas que lo atraviesan, no sólo en relación con el universo de feligreses, sino también en lo que refiere a su vínculo con el Estado argentino y los ciudadanos no creyentes.