lunes, 30 de noviembre de 2015

Charles Valentin Alkan


Charles-Henri Valentin Morhange, más conocido como Charles Valentin Alkan, nació en París, Francia, el 30 de noviembre de 1813 y murió en su ciudad, el 29 de marzo de 1888. Pianista y compositor.

Ingresó a los 6 años al Conservatorio de París donde estudió piano, contrapunto, fuga y armonía, y debutó como pianista y compositor el 2 de abril de 1826.

Participó en la vida cultural parisina y cultivó la amistad de músicos, artistas y hombres de letras como Alejandro Dumas, Víctor Hugo, George Sand, Eugen Delacroix, Franz Liszt y Frédéric Chopin, su amigo más cercano.

Charles Valentin Alkan está considerado como uno de los mejores representantes de la escuela francesa de teclado, vinculado a la tradición de gran virtuosismo romántico. Sus Estudios para piano constituyen lo principal de su obra.



A continuación, recordamos a Charles Valentin Alkan, con el 12º Estudio sobre los tonos menores Op. 39, en la versión de Yeol Eum Son.


domingo, 29 de noviembre de 2015

Gaetano Donizetti


Domenico Gaetano Maria Donizetti, nació en Bérgamo, Italia, el 29 de noviembre de 1797 y murió en su ciudad, el 8 de abril de 1848. Compositor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio

Gaetano Donizetti (Bérgamo, actual Italia, 1797 - id., 1848) Compositor italiano. Junto a Rossini y Bellini, Gaetano Donizetti conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi. Representantes los tres de la corriente belcantista, Donizetti fue el más prolífico, con 71 óperas en su haber, escritas entre 1816 y 1844.

Quinto hijo de una modesta familia, fue admitido a los nueve años en las Lezioni Caritatevoli, una escuela gratuita de música destinada a formar coristas e instrumentistas para las funciones litúrgicas. Sus tempranas dotes musicales llamaron la atención del creador de dicha institución, el compositor alemán Simon Mayr, quien decidió tomarlo bajo su protección. Bajo su guía, y más tarde bajo la del padre Mattei (el maestro de Rossini) en Bolonia, Donizetti se inició en los secretos de la composición, escribiendo con increíble facilidad cuartetos de cuerda, sinfonías y su primera ópera, el intermezzo en un acto Pigmalione.

La ópera sería el género al que dedicaría sus mayores esfuerzos creativos. La primera oportunidad de darse a conocer en este campo le llegó en 1818 con Enrico di Borgogna, obra que, a pesar de su irregularidad, obtuvo una calurosa acogida. La madurez de su estilo, y con ella sus primeras obras maestras, llegaron en la década de 1830, con títulos como Anna Bolena, L'elisir d'amore, Maria Stuarda y Lucia di Lammermoor. Aclamado en toda Europa, su última gran creación, Don Pasquale, se dio a conocer en 1843 en París.

En sus últimos años, la salud del músico fue decayendo irremediablemente: internado en un manicomio en París y luego en su Bérgamo natal, murió allí prácticamente perdida la razón al parecer a causa de la sífilis terciaria. Aunque no toda su producción alcanza el mismo nivel de calidad, su música, al tiempo que permite el lucimiento de los cantantes, posee una incontestable fuerza dramática y un arrebatado lirismo que lo convierten en el más directo precursor del arte verdiano.


A continuación, de Gaetano Donizetti, la ópera Rita ou le mari battu, en la versión de Paola Quagliata como Rita; el rol de Beppe interpretado por Carlo Giacchetta, y Carlo Torriani como Gasparo, junto a la Orquesta del Teatro Bellini, dirigidos por Franco Ledda.


Rita, o El marido maltratado, o Rita, ou Le mari battu, es una opéra comique en un acto, con música de Gaetano Donizetti y libreto en francés de Gustave Vaëz. 

La ópera fue compuesta en 1841, y es una comedia doméstica formada por ocho números musicales enlazados con diálogos. Su título original Deux hommes et une femme, o Dos hombres y una mujer, nunca fue representada en vida de Donizetti. Rita se estrenó en la Opéra-Comique en París el 7 de mayo de 1860.

Shalom - Castrillo Mota de Judíos


Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…

La bella durmiente

sábado, 28 de noviembre de 2015

Antón Rubinstein


Antón Grigórievich Rubinstéin nació en Vikhvatinets, Transnistria, el 28 de noviembre de 1829 y murió en Peterhof, San Petersburgo, Rusia, el 20 de noviembre de 1894. Pianista, compositor y director de orquesta.

El sitio www.buscabiografias.com publicó este recordatorio

Anton Rubinstein (1829/11/28 - 1894/11/20) Anton Grigórievich Rubinstein Pianista y compositor ruso
Nació el 28 de noviembre de 1829 en Vcjvotinetz, Besarabia (hoy parte de Moldavia).

Cursó estudios en Moscú, donde ofreció su primer concierto público a la edad de 10 años, y más adelante, en 1844 se traslada a Berlín para estudiar con Siegfried Dehn, y dos años después se instala en Viena, donde vive en condiciones económicas difíciles.


De regreso a Rusia en 1849 comienza a ser conocido como pianista y compositor gracias al patrocinio de la princesa de Saxe-Altenburg, llegándole la fama internacional a partir de 1854 a raíz de una gira de conciertos que lo lleva a visitar toda Europa. Ejerció una gran influencia en la cultura musical de su país. En el año 1862 creó el Conservatorio Imperial de San Petersburgo.

Compositor de óperas, obras orquestales, canciones y conciertos para piano. Son muy apreciadas sus pequeñas piezas para piano, como la "Melodía en fa" (1859) y "Kamennoi Ostrow" (1859) según el modelo occidental.

Anton Rubinstein falleció en Peterhof el 20 de noviembre de 1894.



A continuación, recordamos a Antón Rubinstein, con la Sinfonía Nº 2 en Do Mayor Op. 42, denominada Océano, en la versión de 1851, interpretada por la Orquesta Sinfónica Rusa, dirigida por Igor Golovchin.


Robert Schumann. Tres Romances Op. 28


Robert Schumann compuso los Tres Romances Op. 28, en 1839, y se los dedicó al Graf Heinrich II Reuss-Köstritz. Las piezas fueron pensadas para ser interpretadas en conjunto.

A continuación, de Robert Schumann, Tres Romances Op. 28, en la versión de Tatiana Nikolayeva.



viernes, 27 de noviembre de 2015

Guillermo Marigliano


Bruno Moguilevsky

Alejandro Starosielski - Emilia Siede - Bruno Moguilevsky

En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Bruno Moguilevsky, integrante de La Maderosa, sobre el lanzamiento del primer CD del grupo.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone


La Maderosa presenta su primer material discográfico GRILLERÍO, el domingo 29 de noviembre a las 21:00, en la Sala Caras y Caretas, Sarmiento 2037. Ciudad de Buenos Aires.


La Maderosa, es un trío folclórico y de música popular compuesto por: Bruno Moguilevsky (piano), Emilia Siede (voz) y Alejandro Starosielski (guitarra), conformado en el año 2010.


A través de una sonoridad íntima y acústica, la agrupación propone una nueva mirada sobre el folclore argentino y la música popular. El caudal sonoro que se desliza por diversos timbres, ritmos y matices lo aporta centralmente el piano y la guitarra. A través de unísonos, contrapuntos y diversas texturas, estos dos instrumentos construyen el andar de los temas. La voz es guía en la interpretación de las letras y en las historias de cada una de las canciones del repertorio. La propuesta instrumental dialoga constantemente con los distintos paisajes que recorren las poesías en los textos. En ese sentido, el compromiso del trío con la canción es absoluto.

La Maderosa comenzó a trabajar hace más de cinco años, y desde entonces ha realizado presentaciones en diversas salas tanto porteñas como de la provincia de Buenos Aires. En el año 2013 la agrupación fue finalista del "Proyecto Disco" del Estudio Urbano, que los llevo a participar en numerosas actuaciones en el Ciclo Off Side de Gira. A principios de este año, La Maderosa estuvo recorriendo algunos circuitos musicales del litoral argentino, visitando diversas ciudades en provincias como Entre Ríos, Santa Fe, entre otras, y compartiendo al mismo tiempo escenarios con artistas locales.

El disco compuesto de diez canciones, incluye composiciones propias del grupo y de grandes autores como: Atahualpa Yupanqui, Luis Alberto Spinetta; Polo Giménez, reinterpretando canciones de nuevos y reconocidos autores como: Carlos Aguirre, Fernando Cabrera, José Luis Aguirre, entre otros. La grabación, que expone el trabajo del trío durante estos cinco años, va atravesando la riqueza de géneros que existen a lo largo y ancho de esta región de América del Sur, tales como el bailecito, chacarera, zamba, gato, huayno, cueca cuyana o milonga. Así temas tradicionales como “Chacarera de las Piedras” y “Viejo Corazón” se resignifican a través de arreglos llenos de una genuina y necesaria búsqueda, propia de jóvenes músicos, abriendo paso a la influencia de artistas contemporáneos, predominando una suerte de equilibrio entre lo nuevo y lo establecido, entre lo visceral y el buen gusto, todo amalgamado con la austeridad de recurso justo y pleno de musicalidad.

Grillerío cuenta con músicos invitados de lujo: el multiinstrumentista Marcelo Moguilevsky en clarinetes, el músico cordobés Diego Cortez en voces y flauta traversa, Lucas Argomedo en violoncello y Demián Luaces en violín. La percusión es de Pablo Favazza. Se trata de un material independiente, el mismo fue grabado en el estudio “Rosebud” de Lito Vitale.


Bruno Moguilevsky es un jóven músico de 24 años de edad, cantante, pianista y guitarrista. Como pianista integró Nadia Szachniuk Trío, proyecto personal de la cantante salteña y el conjunto de jazz instrumental Nautilus. Ha compartido escenarios junto a diversos artistas de la música argentina, entre los que se destacan Juan Falú, Roberto Calvo, entre muchos otros.


Emilia Siede es una cantante de 25 años. En su reciente trayectoria integró grupos como La Colmena, Ensamble Vocal Femenino Folklórico dirigido por Luna Monti, Orquesta Desprevenida, Adrián Berra y la Vaca Perdida, Pim Pau (música infantil),Ronaldé, Dúmbele, Pablo Montiel, entre muchos otros. Ha grabado y compartido escenarios con artistas como Magdalena Fleitas, Juan Pablo Di Leone, Pablo Riquero (Uruguay), Luna Monti, Luis M. Pescetti, entre otros.

Alejandro Starosielski es guitarrista y compositor nacido en 1989. Integró Abi González Grupo, agrupación con la cual recorrió gran parte del país. En dicho marco, el músico ganó el certamen Pre Cosquin (2011) en calidad de guitarrista y arreglador. Ha compuesto además música para obras de teatro y documentales, entre los que se destacan Detrás del Objeto, Estación Buenos Aires, Pervomaisk y Medio Salto.


Prensa: Antonella Felici




jueves, 26 de noviembre de 2015

Aniversario del estreno de la película Casablanca


Casablanca es una película dirigida por Michael Curtiz en 1942, que describe un drama romántico en la ciudad de Casablanca, Marruecos, bajo el mandato del gobierno de Vichy, controlado por al alemania nazi.


Los papeles estelares de la película, estuvieron a cargo de Humphrey Bogart como Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund y el argumento está basado en la obra teatral Everybody comes to Rick’s, o Todos vienen al café de Rick, de Murray Burnett y Joan Alison.


El desarrollo de la trama se centra en el conflicto de Rick entre el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que este pueda continuar su lucha contra los nazis.


Casablanca tuvo un sólido inicio y fue ganando popularidad con el paso del tiempo, hasta ocupar los primeros lugares en las listas de las mejores películas.


La crítica alabó las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guion y el impacto emocional de la obra en su conjunto.


Casablanca se estrenó en el Teatro Hollywood de Nueva York, el 26 de noviembre de 1942, coincidiendo con la invasión de las tropas aliadas de la costa norte de África y la captura de la ciudad de Casablanca.

El éxito de la película le valió la nominación en 8 rubros de los Premios Oscar, y el 2 de marzo de 1944, Casablanca ganó tres: Mejor guion adaptado, Mejor director y Mejor película.



A continuación, recordamos momentos de Casablanca, con la canción A Time Goes By. 



Astor Piazzolla - Libertango - Ksenija Sidorova

miércoles, 25 de noviembre de 2015

Paul Desmond


Paul Emil Breitenfeld más conocido como Paul Desmond, nació en San Francisco, Estados Unidos, el 25 de noviembre de 1924 y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 30 de mayo de 1977. Saxofonista.

Fue una figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool, especializado en baladas y en la improvisación melódica con citas de música clásica y de canciones folk. Su principal influencia fue Lester Young.



Entre 1959 y 1967 formó parte del famoso Dave Brubeck Quartet con quien obtuvo sus mayores éxitos: Jazz at Oberlin, Take Five, tema del que fue su autor, y, sobre todo, Jazz Impressions of Japan, donde Desmond tocaba sus solos lentos e intrincados en contraste directo con los largos acordes del piano.

Al disolverse el cuarteto en 1967, Desmond inició su carrera en solitario, en la que se incluyen grabaciones con Gerry Mulligan para el sello especializado Verve y con Jim Hall, y un concierto con el Modern Jazz Quartet. Sus últimas actuaciones las realizó con el Brubeck Quartet en reuniones ocasionales.



A continuación, recordamos a Paul Desmond con Emily.



martes, 24 de noviembre de 2015

Estela Telerman


En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Estela Telerman, sobre el lanzamiento digital de Piano Tango Seduction.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Celso Miño - Jorge Falcone


25 de noviembre de 2015. Lanzamiento mundial Digital de PIANO TANGO SEDUCTION por Estela Telerman en MUSIC Tango Malambo.

Esta selección está centrada en la investigación sobre los compositores académicos argentinos que, en forma más o menos esporádica, abordaron en su producción este típico género musical rioplatense: el tango.

Las obras para piano incluidas reflejan la evolución del género a través de los años, desde un producto híbrido con ritmo de habanera , compuesto en 1867 pasando por el tango propiamente dicho y el tango de concierto hasta llegar al tango deconstruido.

Estos tangos, algunos de los cuales fueron dedicados a la intérprete, fueron compuestos entre los siglos XIX, XX y XXI.


Disponible en tiendas online gracias al sello alemán TANGO MALAMBO MUSIC en ITUNES - AMAZON - SPOTIFY


Freddie Mercury


Farrokh Bulsara, más conocido cono Freddie Mercury nació en Stone Town, Zanzíbar, el 5 de septiembre de 1946 y murió en Kensington, Londres, Reino Unido, 24 de noviembre de 1991. Cantante, compositor y músico.  


A continuación, recordamos a Freddie Marcury, con un documental producido por el canal Bio.


Carlo Collodi


Carlo Lorenzo Filippo Giovanni Lorenzini, más conocido como Carlo Collodi, nació en Florencia, Italia, el 24 de noviembre de 1826 y murió en su ciudad, el 26 de octubre de 1890. Periodista y escritor.

El sitio www.buscabiografias.com publicó este recordatorio

Carlo Collodi (1826/11/24 - 1890/10/26) - Carlo Lorenzo Fillipo Giovanni Lorenzini. Escritor y periodista italiano autor del libro de literatura infantil, Pinocho

Nació el 24 de noviembre de 1826 en Florencia.

Cursó estudios en la institución religiosa de Colle Val d'Elsa y después dedicó dos años al estudio de la retórica y la filosofía. Trabajó en la Biblioteca Piatti de Florencia hasta 1848 en que se une al ejército del rey Carlos de Cerdeña en el levantamiento contra Austria.

Influido por los ideales políticos de Giuseppe Mazzini, Collodi plasmó en sus obras la doctrina liberal de este gran líder de la Italia Unificada. Creó el periódico satírico Il Lampione, prohibido en 1849. En 1853 fundó La Scaramuccia, para el que escribió hasta 1859. Se une a las fuerzas militares de Giuseppe Garibaldi y relanzó Il Lampione, ya bajo el seudónimo de Collodi (por el lugar donde nació su madre). En 1860 trabaja como funcionario en Florencia.

En 1877 inicia las series de cuentos educativos sobre Gianettino (Juanito), el último apareció en 1890. Pinocho, apareció en julio de 1881 en el semanario para niños Giornale per i Bambini, con el título de Storia di un Burattino ('Historia de un muñeco'). En 1883 se editaron Las aventuras de Pinocho.


Carlo Collodi ingresó a la Masonería a mediados del siglo XIX. Esta organización fue otra influencia importante en la obra de este autor, y en su obra más notable (Pinocho) se encuentran interesantes simbolismos. La popularidad Pinocho experimentó un gran auge en 1940 con el estreno de la película animada de Walt Disney.

Carlo Collodi falleció en Florencia el 26 de octubre de 1890.


lunes, 23 de noviembre de 2015

Boris Karloff


William Henry Pratt, más conocido como Boris Karloff, nació en (Londres, Reino Unido, el 23 de noviembre de 1887 y murió en Sussex, Reino Unido, el 2 de febrero de 1969. Actor.

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Boris Karloff  (1887/11/23 - 1969/02/02)
Boris Karloff - William Henry Pratt Actor británico. Nació el 23 de noviembre de 1887 en Londres.

Entra en contacto con el teatro en el colegio, participando en la gran mayoría de las representaciones escolares. Cursó estudios en la universidad de esta ciudad con el objetivo de seguir los pasos de su padre en la escuela diplomática. Cambió el rumbo de su vida cuando se hizo granjero en Canadá, aunque abandonó pronto para dedicarse a la interpretación.

Durante mucho tiempo viajó con distintas compañías ambulantes e interpretó un pequeño papel en la película Su majestad el americano (1919). Trabajó con regularidad durante el resto del periodo mudo pero pasó desapercibido hasta que encarnó al verdugo de un chivato, en Código penal (1931) de Howard Hawks.


El doctor Frankenstein (1931) dirigida por James Whale, fue una película que en principio interpretaría Bela Lugosi, como continuación de su mítico Drácula (1931), aunque el enfrentamiento del actor con la productora Universal les llevó a sustituirlo por Karloff, que resultaba más patético que terrorífico como monstruo. La momia de Karl Freund, El caserón de las sombras de James Whale, y La máscara de Fu-Manchú de Charles Brabin (todas ellas de 1932), le convirtieron en el maestro del cine de terror. Cuando la moda de las películas de terror pasó, se dedicó a papeles de reparto y a protagonizar películas de serie B.

Actuó como estrella para una película de primera clase, en The climax (1944), con la que la Universal pretendía repetir el éxito de Claude Rains en la versión de 1943 de El fantasma de la ópera. Sus últimas películas fueron a menudo de bajo presupuesto, con la excepción del filme de Peter Bogdanovich El asesino anda suelto (1967).

Boris Karloff falleció de neumonía en el King Edward VII Hospital, Midhurst, Sussex, el 2 de febrero de 1969.



A continuación, recordamos a Boris Karloff, en la película El ladrón de cadáveres, con Bela Lugosi, Henry Daniell, Edith Atwater, Russell Wade, Rita Corday,Sharyn Moffett, Donna Lee, dirigida por Robert Wise, en 1945.


Manuel de Falla


Manuel María de los Dolores Falla y Matheu, más conocido como Manuel de Falla, nació en Cádiz, España, el 23 de noviembre de 1876 y murió en Alta Gracia, Argentina, el 14 de noviembre de 1946. Compositor.

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Manuel de Falla (Cádiz, 1876 - Alta Gracia, Argentina, 1946) Compositor español. Con los catalanes Isaac Albéniz y Enrique Granados, el gaditano Manuel de Falla es el tercero de los nombres que conforman la gran trilogía de la música nacionalista española. Fue también uno de los primeros compositores de esta tradición que, cultivando un estilo tan inequívocamente español como alejado del tópico, supo darse a conocer con éxito en toda Europa y América, y con ello superó el aislamiento y la supeditación a otras tradiciones a que la música hispana parecía condenada desde el siglo XVIII.

Nunca fue un compositor prolífico, pero sus creaciones, todas ellas de un asombroso grado de perfección, ocupan prácticamente un lugar de privilegio en el repertorio. Recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, una excelente pianista que, al advertir las innegables dotes de su hijo, no dudó en confiarlo a mejores profesores. Tras trabajar la armonía, el contrapunto y la composición en su ciudad natal con Alejandro Odero y Enrique Broca, ingresó en el Conservatorio de Madrid, donde tuvo como maestros a José Tragó y Felip Pedrell.

La influencia de este último sería decisiva en la conformación de su estética: fue él quien le abrió las puertas al conocimiento de la música autóctona española, que tanta importancia había de tener en la producción madura falliana. Tras algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los amores de Inés, los años de estudio en la capital española culminaron con la composición de la ópera La vida breve, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. 

Aunque las bases del concurso estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, y ello ni siquiera fue en Madrid sino en Niza.

Francia, precisamente, iba a ser la siguiente etapa de su formación: afincado en París desde 1907, allí entró en relación con Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas e Isaac Albéniz, cuya impronta es perceptible en sus composiciones de ese período, especialmente en Noches en los jardines de España, obra en la que, a pesar del innegable aroma español que presenta, está latente cierto impresionismo en la instrumentación. 


Noches en los jardines de España huye tanto de la forma del concierto como de la sinfonía; en ella el papel del piano, verdadero protagonista, tiene gran relieve, pero en ningún momento la orquesta (rica y expresiva) se limita a una función de mero acompañamiento, sino que asume auténtica importancia. Consta de tres movimientos ("En el Generalife", "Danza lejana" y "En los jardines de la Sierra de Córdoba"), y sobresale por su capacidad para describir las esencias del paisaje andaluz a través de una música de un exquisito refinamiento.

La madurez creativa de Falla empieza con su regreso a España, en el año 1914. Es el momento en que compone sus obras más célebres: la pantomima El amor brujo y el ballet El sombrero de tres picos (éste compuesto para cumplimentar un encargo de los célebres Ballets Rusos de Serge de Diaghilev), las Siete canciones populares españolas para voz y piano y la Fantasía bética para piano.

Estrenado el 15 de abril de 1915 en el Teatro Lara de Madrid, El amor brujo es un ballet en un solo acto que narra en un ambiente de brujería y misterio el triunfo del amor sobre las tinieblas; protagoniza la acción la gitana Candelas, quien ve cómo el espíritu de su antiguo amante, ya muerto, se interpone entre ella y Carmelo. A través de una música que bebe directamente del cante jondo, del folclore y de la música popular andaluza, se evoca el mundo de los gitanos, de sus sortilegios y leyendas, en una atmósfera inquietante y maléfica.

Sin duda es la Danza del fuego la página más apreciada de El amor brujo, y una de las más universales de la música española: se trata de una danza compuesta por tres motivos de carácter rítmico, casi obsesivos, acorde con la escena de conjuro y encantamiento que intenta evocar. El fragmento es una excelente muestra de la habilidad de Falla para tratar los diferentes instrumentos de la orquesta, por ejemplo el piano, usado de manera percusiva. 


La celebridad de la Danza del fuego no debe eclipsar otros momentos de tanta o más belleza, como la Introducción y escena, En la cueva, la Canción del fuego fatuo o la Danza del terror. Todos ellos prueban la capacidad de Falla para crear una música sumamente personal y, al mismo tiempo, universal, inspirándose en motivos o ritmos populares andaluces.

El sombrero de tres picos fue estrenado en Londres el 22 de julio de 1919 por los Ballets Rusos de Diaghilev, con coreografía de Leonid Massine y decorados y figurines de Pablo Picasso. La acción de este ballet cómico nos sitúa en una villa castellana del siglo XVIII, en la que la joven esposa del molinero es acosada por el viejo corregidor local, quien se toca con un tricornio como símbolo de poder. Para la música, Falla empleó material folclórico de diversas regiones de España, y consiguió así el carácter popular que buscaba. 

La Fantasía bética fue compuesta en 1919 por encargo del virtuoso pianista polaco Arthur Rubinstein. Obra con aires muy andaluces, derivados directamente del cante jondo, fue paradójicamente rechazada durante bastante tiempo por el público y repudiada por los intérpretes españoles. Rubinstein la estrenó en Nueva York en 1920.

El estilo de Manuel de Falla fue evolucionando a través de estas composiciones desde el nacionalismo folclorista que revelan estas primeras partituras, inspiradas en temas, melodías, ritmos y giros andaluces o castellanos, hasta un nacionalismo que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español y al que responden la ópera para marionetas El retablo de maese Pedro, una de sus obras maestras, y el Concierto para clave y cinco instrumentos.

Adaptación musical y escénica de un conocido episodio de Don Quijote, El retablo de maese Pedro es una de las joyas de la música moderna: realizado con arreglo a los cánones de una inspiración purísima para un conjunto instrumental de cámara, puede considerarse como la obra más señera de Manuel de Falla.


La partitura se mantiene en el plano de una perfectísima y finísima caracterización musical para títeres hasta la última escena; cuando interviene don Quijote con su trágica locura, súbitamente se expande en notas de humana compasión. 

Es un mundo que hasta aquel momento vemos a través de un anteojo invertido, que reduce sus proporciones, y súbitamente las proporciones de los sentimientos vuelven a ser normales y la figura de don Quijote campea trágica y compasiva, en su eterna humanidad. Mientras que en sus obras anteriores Falla hacía gala de una extensa paleta sonora, heredada directamente de la escuela francesa, en estas últimas composiciones su estilo fue haciéndose más austero y conciso, y de manera especial en el Concierto.

Los últimos veinte años de su vida, el maestro los pasó trabajando en la que consideraba había de ser la obra de su vida: la cantata escénica La Atlántida, sobre un poema del poeta en lengua catalana Jacint Verdaguer, que le había obsesionado desde su infancia y en el cual veía reflejadas todas sus preocupaciones filosóficas, religiosas y humanísticas. 

Conocida de momento sólo por unos cuantos amigos íntimos, esta cantata escénica de vastas dimensiones para solistas, coro y orquesta era considerada por el autor como su testamento artístico y espiritual, y como un homenaje extremo a los valores de la fe cristiana y de la civilización mediterránea, objeto de su veneración constante. Aunque irregular, algunas de sus páginas (el Prólogo, el Aria y muerte de Pirene, el Sueño de Isabel) contienen lo mejor del genio de Falla. 

El estallido de la guerra civil española lo obligó a buscar refugio en Argentina, donde le sorprendería la muerte sin que hubiera podido culminar la obra. La tarea de finalizarla según los esbozos dejados por el maestro correspondió a su discípulo Ernesto Halffter.


A continuación, recordamos a Manuel de Falla con El Amor Brujo, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa, dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos.


domingo, 22 de noviembre de 2015

Sena Jurinac


Sebrenka Jurinac, más conocida como Sena Jurinac, nnació en Travnik, Yugoslavia, el 24 de octubre de 1921 y murió en Augsburg, Alemania, el  22 de noviembre de 2011. Soprano.

Inició sus estudios en Zagreb, donde debutó en 1942, interpretando el papel de Mimì de La Bohème de Giacomo Puccini. Su carrera tomó un gran impulso cuando fue contratada por el director Karl Böhm para formar parte de la Ópera Estatal de Viena.

Durante la Segunda Guerra Mundial interrumpió momentáneamente su carrera. Colaboró con Fritz Busch en los escenarios británicos, cantó y grabó en numerosas oportunidades dirigida por Ferenc Fricsay y Herbert von Karajan.


Sena Jurinac tuvo una gran carrera internacional, cantó regularmente en los más importantes festivales de Europa, como los de Salzburgo, Glyndebourne o Edimburgo, y fue una de las cantantes más prestigiosas de su generación.

Junto a las sopranos Lisa della Casa, Irmgard Seefried, Elisabeth Schwarzkopf, Elisabeth Grümmer, la mezzo soprano Christa Ludwig, el tenor Anton Dermota o el barítono Erich Kunz, integró el grupo de artistas que coincidió en Viena a mediados del siglo XX, y la crítica valoró sus excelentes versiones de personajes operísticos de Wolfgang Amadeus Mozart y Richard Strauss.

Sena Jurinac se retiró en 1983 como La Mariscala de El caballero de la rosa, pero continuó su actividad pública dando recitales, clases de canto y esporádicas apariciones como la recordada Bruja de Hansel y Gretel en una película dirigida por Georg Solti.



A continuación, recordamos a Sena Jurinac, con su interpretación del aria Pace, pace mio Dio, de la ópera La forza del destino de Giuseppe Verdi.


Va pensiero

sábado, 21 de noviembre de 2015

Fernando Fernán Gómez


Fernando Fernández Gómez, más conocido como Fernando Fernán Gómez, nació en Lima, Perú, el 28 de agosto de 1921 y murió en Madrid, España, el 21 de noviembre de 2007. Escritor, actor, guionista, director de cine y de teatro.

A continuación, recordamos a Fernando Fernán Gómez, con un documental producido por RTVE, en 2007.



Robert Schumann. Lieder und Gesänge Op. 27.


En 1840 Robert Schumann compuso el ciclo Lieder und Gesänge Op. 27, sus títulos son: Sag' an, o lieber Vogel mein, Dem roten Röslein gleicht mein Lieb, Was soll ich sagen?, Jasminenstrauch, Nur ein lächelnder Blick.


A continuación, de Robert Schumann Lieder und Gesänge Op. 27, en la interpretación de Dietrich Fischer-Dieskau, junto a Christoph Eschenbach en piano.



viernes, 20 de noviembre de 2015

Entrevista a Bucky Arcella - La Cachiporra

Bucky Arcella - Oscar Cammarota - Fernando Taborda

En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Bucky Arcella, integrante de La Cachiporra, sobre la presentación del nuevo CD.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone


LA CACHIPORRA presenta su disco La Cachiporra Tango Fusión, los sábados 21 y 28 de Noviembre, a las 21:30 en Sadem Art, Av.Belgrano 3655. Ciudad de Buenos Aires.

La Cachiporra interpreta tangos, milongas, y demás músicas rioplatenses, de diferentes épocas y autores, así como también música de su propia autoría, dándole una particular impronta en relación a los arreglos musicales y a la interpretación de los mismos, fusionando diferentes estilos rítmicos y armónicos donde la improvisación también está presente, sumándose al trío la figura de Juan Ignacio Piana, percusionista y baterista de amplia trayectoria en nuestra música popular.

La Cachiporra es una formación tanguera integrada por músicos de amplia trayectoria en la música popular argentina: Bucky Arcella en Bajo Eléctrico, Oscar Cammarota en Piano y Fernando Taborda en Bandoneón. Las versiones o arreglos, producción artística y producción ejecutiva pertenecen a La Cachiporra.

Este nuevo disco de La Cachiporra está pensado a partir de la interpretación de diferentes épocas del tango, pero con una visión contemporánea, donde están presentes tanto la improvisación como el arreglo escrito previamente, transitando los diferentes grandes autores del género (Aietta, Piazzolla, Troilo, Cobian, etc.) así como también integrando obras inéditas.

Bucky Arcella: Bajista, arreglador y compositor, es una figura de relevante trayectoria en la música popular argentina. Es un constante investigador de su instrumento y ha configurado formaciones con instrumentaciones no convencionales; dúo de vibráfono y bajo, dúo de piano y bajo, trío de bajo, saxo y batería, dúo de guitarra y bajo, todos con músicos de primer nivel, como Manolo Juárez, Bernardo Baraj, Armando de la Vega, Héctor Sánchez, Héctor Ruiz y Nimar Tenreyro, entre otros. Ha acompañado cantantes e instrumentistas, tanto nacionales como extranjeros de diversos estilos (tango, jazz, bossa, fusión, afrocubana, etc.) realizando giras por el país y el exterior. Otra faceta en la que se desarrolla es en la composición de música para películas, documentales y publicidad. Numerosas grabaciones cuentan con su aporte como bajista y arreglador. Posee editados varios CD's con composiciones propias. Es bajista estable de la Agrupación Sinfónica Municipal del partido de Morón. Además desde 1989 es jefe de cátedra del área de bajo eléctrico de la escuela del S.A.D.E.M. (Sindicato Argentino de Músicos). También dentro del área de la docencia ha escrito y editado el libro "Tangobass" que contiene ejemplos de música argentina (tango, chacarera, etc.) en formato de dúos para bajo eléctrico. Ha realizado clínicas y cursos de bajo eléctrico en todo el país. En la actualidad integra, entre otros, el Buenos Aires Trío, formación dedicada al tango. Entre los artistas y grupos argentinos de primer nivel con los que ha tocado se destacan: Rodolfo Mederos Quinteto, bandoneonista (Tango), Dino Saluzzi, bandoneonista (Tango-fusión), Guillermo Fernández, cantante de tango, Buenos Aires Jazz Fusión, quinteto instrumental (Jazz y Tango-fusión), Maria Estela Monti, cantante de tango, José Ángel Trelles, cantante de Astor Piazzolla (Tango tradicional), Oscar D'auria y Afrotango, quinteto (Tango-fusión), Alejandro Santos, flautista, saxofonista (Folklore argentino y candombe), Luis Borda Quinteto, guitarrista (Tango), Manolo Juárez, pianista (Folklore argentino) y Horacio Larumbe, pianista (Jazz)

Oscar Cammarota: Desde temprana edad, paralelamente con los estudios de música clásica, el pianista Oscar Cammarota incursiona en los géneros de música popular “jazz y tango” interesándose por la fusión de los mismos. Conoce al músico Emilio Kauderer con el que integra Elektricdreams, primer grupo en usar computadora en vivo, dando conciertos a través del cdm, junto a músicos del nivel de Hugo Pierre, José Luis Colzani y Claudio Gabis entre otros. Integra con el bajista Gustavo Gregorio el Cuarteto Ditirambo participando en todas las jam sessions de la ciudad de Buenos Aires. Graba con el saxofonista Oscar Kreimer la música de la película "Convivencia" (con José Sacristán y Luis Brandoni). A partir de allí forman “Oscar Kreimer Sexteto” con el que graban un remix del disco “Summit” (Reunión Cumbre) al que titulan “20 años después” en homenaje a los 20 años de la grabación del mismo. Luego graban “Free Tango” (ya más orientado al tango fusión). Con esta formación da conciertos en todo el ámbito de la ciudad de Buenos  Aires y Argentina y viaja a Chile dando conciertos desde Santiago hasta Valdivia. De esta gira surge el proyecto “La Cachiporra Tango Fusión” integrado por Bucky Arcella y Fernando Taborda, con los cuales acaba de grabar su tercer CD y ha viajado en el año 2012 a Angola (África), para participar en la apertura de las relaciones comerciales con ese país. Paralelamente a estas actividades, acompañó a figuras relevantes dentro de la música popular argentina como Valeria Lynch, Chico Novarro, Daniel Mazzitelli Ensamble (Brazilian Jazz) entre otras, y trabajó como pianista de Enrique Pinti en la comedia musical "Salsa Criolla" y "El Infierno del Pinti" realizando los arreglos musicales de esta última.

Fernando “Quena” Taborda: Bandoneonista, arreglador compositor. Participó en distintas agrupaciones de tango y con diferentes artistas como Rodolfo Mederos, Alberto Cortéz, Gilberto Santa Rosa, Miguel Poveda, Daniel Binelli, Jose Ángel Trelles, Omar Mollo, Daniel Melingo, Alejandro Santos, María Volonté, entre otros. Participó en varios festivales internacionales: Festival Internacional de Música de la Ciudad de Bs. As. junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Misa en Do menor a Bs. As. de Martín Palmeri, Semana Argentina en San Salvador de Bahía. Homenaje a Borges en Viareggio (Italia), Viva el tango (Montevideo). Festival Internacional Tango Granada 2000 y Argentine Music & Film Festival Londres, entre otros. Integró la Compañía Tangokinesis de Ana María Stekelman en Opera Tango y Tango Vals Tango en Berlín y Catania. Concierto para guitarra, bandoneón y orquesta de Astor Piazzolla en Juiz de Fora, Brasil. La Opera María de Buenos Aires en Universidad Passau y la presentación del disco “Porteños Y Gringos” de Schwenkglenks en Passau, Alemania. Actualmente integra La Cachiporra junto a Bucky Arcella y Oscar Cammarota, la Orquesta Típica de Rodolfo Mederos, Dúo Zambrana – Taborda y Quinteto José Ángel Trelles. Es docente en las escuelas E.M.B.A y S.A.D.E.M.

Prensa: Medioshábiles