sábado, 29 de abril de 2017

Gustav Mahler. Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección.


A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección, en la versión de Anne Schwanewilms soprano, Olga Borodina contralto, el Coro Filarmónico de Munich, y la Orquesta Filarmónica de Munich, dirigidos por Valery Gergiev.




viernes, 28 de abril de 2017

Rodrigo Tapari


En Dios Me Liberman, por Nacional Rock 93,7 conversamos con Rodrigo Tapari, el lider del Grupo Ráfaga, el éxito de su ultimo CD Una Cerveza.


Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo


Ráfaga es una banda de cumbia formada en 1994, que comenzó a ganar popularidad en 1996 cuando publicó su primer disco titulado Soplando Fuerte. El éxito del grupo continúa gracias a su último disco Una Cerveza. Realizaron giras por Estados Unidos, Europa y se presentaron en Latinoamérica con enorme repercusión.

El 6 de septiembre de 2014 estrenaron en YouTube un video, en conmemoración del 18º año de vida, con Una Cerveza, que fue rodado en Santiago de Compostela, España. Lo novedoso del lanzamiento fue que se trasformó en un éxito inmediato en Bolivia, Chile, Perú, y actualmente tiene más de 110 millones de reproducciones.

Prensa: Geraldine Namios

Elias Perchik - Literal


En Dios Me Liberman, por Nacional Rock 93,7 conversamos con Elías Perchik, sobre la presentación de Literal en Boris Club.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo


LITERAL se presentó en BORIS CLUB Gorriti 5568, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

LITERAL nace del encuentro artístico entre Elías Perchik y Mati Linetzky. La idea original surge del deseo de rendir homenaje a las canciones del rock Argentino pero con el correr del tiempo la búsqueda fue tomando profundidad artística. En 2016 deciden producir su primer material de autoría. Así graban en los estudios PANDA su primer disco con participación de grandes músicos que fueron faro de inspiración: Juanse, Pipo Cipolatti y Maria Rosa Yorio entre otros.

En 2017 y ya con su disco debut terminado, el hit "Seguro que lo conseguís" comienza a rotar en la principales radios de Buenos Aires, como la Rock & Pop y Mega, siendo muy bien recibido por la crítica especializada, y comienzan su gira por toda Latinoamérica incluyendo Uruguay, Chile, Paraguay, Perú y Colombia entre otros países a recorrer comenzando en la ciudad de Buenos Aires en el mítico Boris Club, un ícono porteño del Rock y Jazz Argentino.

También se lanza el Videoclip de "Seguro que lo conseguís" con imágenes de las grabaciones en el estudio Panda, junto con imágenes filmadas en la ciudad de Miami.



domingo, 23 de abril de 2017

Shalom - Annette Cabelli, un testimonio vivo de la SHOA


Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…

sábado, 22 de abril de 2017

Gustav Mahler. Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección.


A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección, en la versión de Diana Damrau soprano, Petra Lang mezzo soprano, el Coro de la Opera, y la Orquesta de la Staatskapele de Berlín, dirigidos por Pierre Boulez.


viernes, 21 de abril de 2017

Willi Boskovsky


Willi Boskovsky nació en Viena, Austria, el 16 de junio de 1909 y murió en Visp, Suiza, el 21 de abril de 1991. Violinista y director de orquesta. 


A los 9 años ingresó en la Academia de música de Viena. Entre 1936 y 1979 fue el primer violín de la Orquesta Filarmónica de Viena. Entre 1955 y 1979 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena, y fue director principal de la Orquesta Johann Strauss de Viena.

Además de los valses de la familia Strauss, grabó el ciclo completo de las danzas, marchas y serenatas de Wolfgang Amadeus Mozart, dirigiendo al Wiener Mozart Ensemble, formado por miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena.


Con el Cuarteto Boskovsky, realizó muchas grabaciones con obras de Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Johannes Brahms, Felix Mendelssohn, y Ludwig Spohr, entre otros.

Como solista actuó bajo la dirección de Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, y Hans Knappertsbusch. Como primer violín de la Orquesta Filarmónica de Viena realizó numerosas grabaciones ejecutando solos de violín, como en la grabación de Una vida de héroe, de Richard Strauss, bajo la dirección de Clemens Krauss, en 1952.

Willi Boskovsky dirigió la música de Strauss al estilo del Vorgeiger, tal como Johann Strauss lo popularizó, ya que tenía afinidad con el estilo, y sus interpretaciones lograron la ligereza, la gracia sencilla y el sutil humor que tienen esas obras. 


A continuación, recordamos a Willi Boskovsky, con su interpretación de las Csardas del Ballet Ritter Pazman Op. 441, de Johann Strauss II.


Vincent Scotto


Vincent Baptiste Scotto, más conocido como Vincent Scotto, nació en Marsella, Francia, el 21 de abril de 1874 y murió en París, Francia, el 17 de noviembre de 1952. Compositor.

A los 7 años comenzó a tocar la guitarra y estudió música en una institución religiosa. En 1906, luego de acompañar a varios cantantes, comenzó su carrera como solista.

Una de sus primeras composiciones fue La petite Tonkinoise con la que logró gran éxito, posteriormente se trasladó a París, donde dio comienzo de una abundante producción.

Compuso más de 4000 canciones, entre las que se destacan: J'ai deux amours, Prosper (Yop la boum), Le Trompette en bois, Marinella, Le Plus Beau Tango du monde, y Sous les ponts de Paris, entre muchas otras, y que obtuvieron éxito en Europa y Estados Unidos. También escribió 60 operetas, y la música para 200 películas.



A continuación, recordamos a Vincent Scotto, con Marseille Mon Pays, en la interpretación de Tino Rossi.


jueves, 20 de abril de 2017

Dance me to the end of love


Dance Me to the End of Love es una canción compuesta por Leonard Cohen, publicada en 1984, y versionada por numerosos artistas.

En una entrevista, Leonard Cohen dijo sobre la canción: «"Dance Me to the End of Love"... es curioso cómo las canciones comienzan porque el origen de la canción, de cada canción, tiene una especie de grano o semilla que alguien te entrega o que el mundo te da, y por eso el proceso es tan misterioso acerca de cómo escribir una canción. Pero eso vino de escuchar o leer o conocer que en los campos de concentración, al lado de los crematorios, en algunos de los campos de la muerte, un cuarteto de cuerdas era presionado a tocar mientras este horror continuaba. Y estaban tocando música clásica mientras sus compañeros de prisión estaban siendo asesinados y quemados. Por lo tanto, esa música, "llévame bailando hasta tu belleza con un violín ardiente", que significa la belleza allí siendo la consumación de la vida, el final de la existencia y del elemento pasional en esa consumación. Pero es el mismo lenguaje que usamos para entregarnos a la persona amada, de ahí la canción: no es importante que nadie conozca el origen de la misma, ya que si el lenguaje viene de ese recurso apasionado, será capaz de abarcar toda la actividad apasionada».




A continuación, 3 versiones de Dance Me to the End of Love de Leonard Cohen: la primera por su autor; Verena Guido la canta en inglés y en alemán, y finalmente por Pieter Embrechts.







Astor Piazzolla - Libertango - Jerusalem Duo, Andre Tsirlin en saxo, Hila Ofek en arpa

miércoles, 19 de abril de 2017

Que reste-t-il de nos amours?


Que reste-t-il de nos amours? es una canción compuesta por Léo Chauliac con letra de Charles Trenet  grabada en 1942. Se conoce una adaptación en inglés realizada por Albert A. Beach.

Muchos interpretes la grabaron como: Chet Baker, Shirley Bassey, Ray Charles, Nat King Cole, Bing Crosby, Daliday, Arielle Dombasle, Bette Davis, Marlene Dietrich, Ella Fitzgerald, Judy Garland, Joao Gilberto, François Hardy, Patricia Kaas, Gloria Lynne, Dean Martin, Eddy Mitchell, Yves Montand, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Laurent Voulzy, Rachael Yamagata, entre muchos otros.

A continuación distintas versiones de este clásico: Charles Trenet, Avalon Jazz Band, Ophélie Meunier y Julien Doré.
  





lunes, 17 de abril de 2017

James Last


Hans Last, más conocido como James Last o Hansi, nació en Bremen, Alemania, el 17 de abril de 1929 y murió en Palm Beach, Florida, Estados Unidos, el 9 de junio de 2015. Compositor y director de orquesta.

Aprendió a tocar el piano a los 12 años y luego el contrabajo. En 1946 se unió a la Hans-Gunther Österreich Radio Bremen Dance Orchestra, en 1948 formó el conjunto Last-Becker Ensemble, y en la década de 1950, se convirtió en arreglador del sello Polydor Records, así como en varias emisoras de radio. En la década de 1960, ayudó a organizar visitas de artistas como Helmut Zacharias, Freddy Quinn, Lolita, Alfred Hause y Caterina Valente.


En 1959 editó su primer disco, Tricks in Rhythm, y a lo largo de su carrera publicó más de 190 álbumes de los más variados géneros, jazz, melódico, Pop o Clásica, que totalizan más de 100 millones de álbumes vendidos. 

Como compositor obtuvo grandes éxitos como Happy Heart, en la interpretación de Andy Williams y Petula Clark, la canción Music from Across the Way, interpretada también por Andy Williams, The Lonely Shepherd, obra que interpretó con su orquesta, o la versión de  Gheorghe Zamfir. 

En abril de 2008, lanzó el DVD titulado James Last - Live At The Royal Albert Hall, realizado en 2007, donde celebró sus 80 años de vida y 50 en el mundo de la música.


A continuación, recordamos a James Last, con Orange Blossom Special.


domingo, 16 de abril de 2017

Shalom - El barrio judío de Cracovia


Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…

Yuri Yegórov


Yuri Aleksándrovich Yegórov, nació en Kazán, Rusia, el 28 de mayo de 1954 y murió en Ámsterdam, Países Bajos, el 16 de abril de 1988. Pianista.


A los 6 años ingresó en el Conservatorio de Kazán, y permaneció hasta los 17 años. En 1971 participó en el Concurso Internacional Marguerite Long-Jacques Thibaud en París, donde obtuvo el 4º lugar, y posteriormente continuó sus estudios en el Conservatorio de Moscú. 

En 1974, ganó la medalla de bronce en el Concurso Internacional Tchaikovski de Moscú, y en 1975, ganó el tercer premio en el Concurso Internacional de Música Reine-Élisabeth-de-Belgique. En 1976 por su disconformidad política y, sobre todo, la represión a las preferencias sexuales, decidió exiliarse en Roma, aprovechando su viaje a Europa para dar una gira de conciertos, y luego pasó a Ámsterdam.

En 1977 participó en el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn, en Fort Worth, Texas, Estados Unidos. Pese a haber sido el favorito del público, no pasó a la fase final, lo que provocó protestas. El empresario estadounidense Maxim Gershunoff le entregó 10.000 dólares, el equivalente al primer premio, lo que le permitió debutar en el Alice Tully Hall del Lincoln Center, en Nueva York, el 23 de enero de 1978. Tres meses más tarde lo hizo en Chicago, con gran éxito de crítica y de público, y el 16 de diciembre de ese año se presentó en el Carnegie Hall, su interpretación fue grabada en directo, y le valieron grandes elogios en la prensa.


En agosto de 1979, la revista Billboard incluyó dos álbumes del pianista en su lista de los LP más vendidos de música clásica. En la década de 1980 la carrera de Yuri Yegórov se desarrolló especialmente en Europa. En 1986 ofreció su último recital en Florida, Estados Unidos, y el 27 de noviembre de 1987 dio su último concierto en el Concertgebouw de Ámsterdam.

En su carrera realizó varias grabaciones del gran repertorio pianístico, como Carnaval, Op. 9 y Kreisleriana de Robert Schumann, los Estudios de Frederic Chopin, los Preludios de Claude Debussy, y varias obras de Johann Sebastian Bach. También registró, junto a la Orquesta Philharmonia, dirigida por Wolfgang Sawallisch, los Conciertos para Piano Nº 17 y 20 de Wolfgang Amadeus Mozart, y el Concierto para Piano Nº 5, Emperador, de Ludwig van Beethoven, entre otros.

Elyse Mach, fue la compiladora del libro Great Contemporary Pianists Speak for Themselves, donde Yuri Yegórov habla con sinceridad de temas relacionados con la música y su vida, como los ensayos, los nervios antes de los conciertos, las restriciones artísticas en Rusia o la homosexualidad. Entre los pianistas que lo influyeron, menciona a Sviatoslav Richter, Arturo Benedetti Michelangeli, Vladimir Horowitz, Glenn Gould y Dinu Lipatti.


A continuación, recordamos a Yuri Yegórov, con su interpretación de la Fantasía Cromática y Fuga BWV 903, de Johann Sebastian Bach, en un registro en vivo en el Carnegie Hall, de Nueva York, el 18 de diciembre de 1978.


sábado, 15 de abril de 2017

Sergio Beresovsky


En Dios Me Liberman conversamos, por Nacional Rock, con Sergio Beresovsky, sobre la presentación en Monk Club.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo


SERGIO BERESOVSKY CUARTETO presenta su disco Matria el sábado 22 de abril a las 21:30 en MONK CLUB, Thames 1511 Ciudad Autónoma de Buenos Aires.


El baterista y percusionista continúa presentando su nuevo CD editado en 2016 en el que predominan las melodías y la improvisación con arreglos en los que participan los integrantes en forma colectiva. 

La música de "Matria" se puede encuadrar dentro del género Americana del Sur. Acompañan a Sergio Beresovsky en batería y composición, Guillermo Pohle en guitarra, Franco Grimoldi en bajo eléctrico y Leandro García en piano.

En sus 35 años como músico profesional Sergio Beresovsky, quien desde hace 30 reside en el exterior (Brasil, Francia ,Suiza y Australia) ha formado parte de numerosas bandas y proyectos de jazz y música contemporánea junto a artistas de la talla de Arthur Blythe, Erik Truffaz, Stephen Magnusson, Pedro Giorlandini e Yves Theiler… ademas de haber participado en diferentes masterclasses con Jack de Johnette, Joey Baron, Dave Weckl y Gary Chaffee, entre otros.

Nacido el 21 de Diciembre de 1963 en la ciudad de Bahía Blanca, Argentina. Su padre fue carpintero y un amante de la música, especialmente del jazz; quien en su tiempo libre fabricó un par de tumbadoras y fue a los 5 años que Sergio descubrió esos instrumentos y comenzó a tocarlos. Junto a esto también empezó a observar y escuchar la enorme cantidad de discos de vinilo que su padre poseía con músicas tan variadas en estilos y géneros. A partir de allí y de manera totalmente autodidacta comenzó a desarrollar su pasión por la música y es en este punto que su vida da un giro hacia el amor por la música, algo que lo marcaría en su futuro. Entre los discos que más le impactaron en sus primeros años, Sergio nombra "Time Out" del Dave Brubeck Quartet como el punto inicial en la escucha de un músico que formaba parte de ese grupo; el baterista Joe Morello. Siendo este disco concebido como un experimento, el trabajo rítmico desarrollado por Joe Morello, impacto de sobremanera en Sergio quien fue notablemente influenciado por este músico. 

Prensa: Medioshábiles estrategias en comunicación



Gustav Mahler. Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección.


A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección, en la versión de Eteri Gvazava soprano, Anna Larsson mezzo-soprano, el Orfeón Donostiarra, y la Orquesta del Festival de Lucerna todos dirigidos por Claudio Abbado. Presentación realizada el 21 de agosto de 2003.


viernes, 14 de abril de 2017

Mijaíl Pletnev


Mijaíl Vasílievich Pletniov, más conocido como Mijaíl Pletnev, nació en Arjángelsk, Rusia, el 14 de abril de 1957. Pianista, compositor y director de orquesta.

A los 13 años entró en la Escuela Central de Música, y en 1974 ingresó en el Conservatorio de Moscú. A los 21 años ganó la medalla de oro del VI Concurso Internacional Tchaikovski, lo que atrajo la atención en todo el mundo. Al año siguiente, en 1979, debutó en Estados Unidos, y fue docente en el Conservatorio de Moscú.

En 1988 actuó en la conferencia de las superpotencias en Washington, D.C. donde conoció y trabó amistad con Mijaíl Gorbachov, lo que le facilitó el apoyo para fundar en 1990, la Orquesta Nacional Rusa, la primera orquesta no financiada por el gobierno ruso, y de la que fue su director principal. A finales de la década de 1990 dejó el cargo, y en la actualidad lleva adelante la dirección artística.

Su repertorio en piano es muy extenso, incluye sonatas de Domenico Scarlatti, Cuadros de una exposición, de Modesto Mussorgsky, y sus propias transcripciones de las suites de El Cascanueces y La bella durmiente de Piotr Ilich Tchaikovski.



A continuación, celebramos el cumpleaños de Mijaíl Pletnev, con su interpretación de Cuadros de una exposición de Modesto Mussorgsky.


jueves, 13 de abril de 2017

Aniversario del Concurso Internacional Tchaikovski de 1958


El Concurso Internacional Tchaikovski de 1958 fue un evento diseñado para demostrar la superioridad cultural soviética durante la Guerra Fría, poco después de su victoria tecnológica con el lanzamiento del Spútnik en octubre del año anterior. 

Por el virtuosismo en la interpretación de Van Cliburn del Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, de Piotr Ilich Tchaikovski y del Concierto para Piano y Orquesta Nº 3 en Re Menor Op. 30, de Serguei Rachmáninov, el público lo ovacionó de pie durante 8 minutos. El jurado le tuvo que pedir permiso a Nikita Jrushchov para concederle el primer premio a un estadounidense. "¿Es el mejor?" preguntó. "¡Entonces denle el premio!"


La revista Time le dedicó una portada, proclamándolo El tejano que conquistó Rusia, y el sello RCA Víctor le ofreció un contrato exclusivo. La grabación del Concierto para piano Nº 1 de Tchaikovski se convirtió en el primer álbum de música clásica que vendió millones de copias, durante más de una década. En ese año Van Cliburn ganó el Grammy por la mejor interpretación solista con orquesta.


A continuación, la interpretación de Van Cliburn, del Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, de Piotr Ilich Tchaikovski, junto a la Orquesta Filarmónica de Moscú, dirigida por Kirill Kondrashin, el 13 de abril de 1958.


Astor Piazzolla - Libertango - TangoOz, dirigidos por Maggie Ferguson

miércoles, 12 de abril de 2017

Herbie Hancock


Herbert Jeffrey Hancock, más conocido como Herbie Hancock, nació en Chicago, Estados Unidos, el 12 de abril de 1940. Pianista, tecladista y compositor.

A los 7 años aprendió a tocar el piano y pronto se convirtió en un prodigio. A los 11 años tocó el primer movimiento de un concierto para piano de Wolfgang Amadeus Mozart, con la Orquesta Sinfónica de Chicago. Posteriormente estudió en el Grinnell College y en esa época escuchaba a Oscar Peterson y Bill Evans. En 1961 fue invitado por Donald Byrd a unirse a su grupo en Nueva York, y más tarde, el sello Blue Note le ofreció un contrato. Su álbum debut, fue Takin' Off grabó e incluyó la canción Watermelon Man.

En mayo de 1963, Miles Davis lo invitó para las sesiones de grabación de Seven Steps to Heaven, y formó parte de su grupo durante 5 años. Durante esa época continuó con su carrera como solista con Blue Note, compuso la banda sonora para la película Blow Up de Michelangelo Antonioni, que abrió las puertas a futuras colaboraciones con el mundo del cine, y participó en In A Silent Way, uno de los discos originarios de la fusión jazz-rock. En 1969 formó un sexteto que causó sensación con su acercamiento a la era electrónica, creando su propia visión de la vanguardia. En 1973 disolvió su banda y formó el grupo de funk, The Headhunters, cuyo primer disco, Head Hunters, se convirtió en un éxito de ventas.


Manejando todos los sintetizadores grabó varios álbumes electrónicos, sin abandonar el jazz acústico. En 1976 participó en el Newport Jazz Festival con Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter, y Freddie Hubbard, y al año siguiente realizaron varias presentaciones como V.S.O.P. Lo que marcó el revival de los neo-tradicionalistas, en la década de 1980 con Wynton Marsalis. V.S.O.P. continuó reuniéndose esporádicamente hasta 1992. En 1983 continuó con su inquieta trayectoria en los ochenta: logró un éxito en la MTV con el simple de electro Rockit. En 1986 editó Jazz Africa, continuó tocando en festivales y giras con los hermanos Marsalis, con George Benson, con Michael Brecker y muchos otros 

En 1986, actuó y escribió la música de 'Round Midnight, sobre la vida de Dexter Gordon, con la que ganó el Premio Oscar a la mejor banda sonora. En 2008 su álbum River: The Joni Letters, con colaboraciones de Tina Turner y otras divas de la música, fue galardonado con el Premio Grammy al Álbum del Año. En 2010, lanzó The imagine project, producido por Larry Klein, que incluyó colaboraciones del cantante colombiano Juanes, el grupo Los Lobos, el saxofonista Wayne Shorter, la cantante estadounidense Pink, el británico Seal, la sitarista Anoushka Shankar, y otros artistas.


A continuación, celebramos el cumpleaños de Herbie Hancock, con Cantelope Island.



lunes, 10 de abril de 2017

Eugen d'Albert


Eugen d'Albert nació en Glasgow, Reino Unido, el 10 de abril de 1864 y murió en Riga, Letonia, el 3 de marzo de 1932. Pianista y compositor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio

Eugen d'Albert (Glasgow, 1864 - Rwga, 1932) Pianista y compositor alemán. Se inició en la música con su padre, productor de música de danza, y luego estudió piano con É. Pauer, en Londres, y con Listz, en Weimar. Durante un breve período de tiempo fue director de la Ópera de Weimar (1895).
  
En 1892 se casó con Teresa Carreño, también célebre pianista, pero esta unión terminó en divorcio a los tres años; a lo largo de su vida, D'Albert contrajo otros cuatro matrimonios. En 1907 su prestigio era tal que fue nombrado sucesor de Joseph Joachim como director de la Escuela Superior de Música de Berlín.


Fue un renombrado intérprete de Beethoven y de J. S. Bach, de quien transcribió para piano algunas composiciones para órgano. Fueron también muy célebres sus ediciones del Clave bien temperado y de las Invenciones de Bach. Asimismo, participó en la edición de las Obras completas de su maestro Liszt.

Como compositor, su estilo está inspirado en Brahms; en su producción se encuentran algunas obras para piano, lieder, piezas de música de cámara, una Sinfonía (1886), dos Conciertos para piano y orquesta (1884 y 1893), un Concierto para violoncelo y orquesta y la obra coral a seis voces El hombre y la vida (1893), además de 21 óperas.

En sus primeras óperas acusó la influencia de Wagner, de la que se desprendió en las óperas-cómicas Die Abreise (1898) y Flauto solo (1905), con las que obtuvo gran éxito. Posteriormente fue decantándose cada vez más hacia el verismo. De su obra para escena, tan sólo se ha mantenido Tiefland (1903), considerada su obra maestra; está basada en el drama Terra baixa de Angel Guimerá y construida sobre un libreto de R. Lothar.


A continuación, recordamos a Eugen d'Albert, con el Concierto para Violoncello y Orquesta en Do Mayor Op. 20, en la versión de Antonio Meneses, junto a la Orquesta Sinfónica de Basilea, dirigida por Ronald Zollman.


domingo, 9 de abril de 2017

Shalom - Pesaj, de la esclavitud a la libertad


Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…

Flash Mob Libertango


sábado, 8 de abril de 2017

Gustavo Firmenich - Tango Jazz Quartet


En Dios Me Liberman, que se emite por Nacional Rock 93.7, conversamos con Gustavo Firmenich, integrante de Tango Jazz Quartet, sobre las presentaciones en Bebop Club.


Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo


TANGO JAZZ QUARTET se presenta los domingos 9, 16 y 23 de abril y todos los domingos de mayo a las 18:00 en Bebop Club, Moreno 364 Subsuelo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El Tango Jazz Quartet, está conformado por Horacio Acosta en piano,  Gustavo Firmenich en saxo tenor y clarinete, Alejandro Beelmann en batería, y Federico Hilal en bajo, toma la melodía y el ritmo del Tango para unirlo a la armonía y la improvisación del Jazz. 

El resultado es un nuevo concepto sobre nuestra música. Este acercamiento a ambos géneros ha sido recibido con gran entusiasmo tanto en Argentina como en el mundo y, luego de varios años, TJQ ha conseguido establecerse en la escena musical internacional.

En agosto y septiembre de este año realizarán su séptima gira por el viejo continente, por Suiza, Inglaterra, Gales, Francia, Bélgica, España, Serbia, Hungría, Austria, entre otros países. TJQ ha realizado numerosas giras por Brasil, Europa, EEUU, Sudáfrica, China, Hong Kong, Rusia y Siberia.

Actualmente se encuentran grabando su quinto CD y durante la próxima gira grabarán un nuevo álbum que será registrado en vivo en los conciertos que brindarán en el Sunset Sunside jazz club de Paris, el Porgy & Bess Jazz Club de Viena y en los míticos estudios Abbey Road de Londres.

Prensa: Karina Nisinman 

Gustav Mahler. Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección.


A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor Auferstehung, Resurrección, en la versión de Rae Woodland soprano, Janet Baker mezzo-soprano, la Sociedad Coral de la BBC, el Coro Sinfónico de la BBC, la Sociedad Coral Harrow, la Unión Coral Goldsmiths, junto a la Orquesta Sinfónica de Londres, todos dirigidos por Leopold Stokowski. Presentación realizada en el Royal Albert Hall, el 30 de julio de 1963.




viernes, 7 de abril de 2017

Percy Faith


Percy Faith nació en Toronto, Canadá, el 7 de abril de 1908 y murió en Encino, California, Estados Unidos, el 9 de febrero de 1976. Director de orquesta, arreglador y compositor.

Desde temprana edad manifestó interés por la música, de niño interpretaba melodías en piano. En 1920, comenzó a ganarse la vida como pianista de cine mudo. Con sus ahorros pagó los estudios en el Conservatorio de Música de Toronto, donde perfeccionó su manejo de la armonía, composición y estructura armónica. Debido a un grave accidente, se alejó la posibilidad de ser concertista, e inició su carrera de compositor.

Entre 1933 y 1940 trabajó en varias emisoras de radio de la Canadian Broadcasting Corporation. Posteriormente se instaló en Estados Unidos, se naturalizó ciudadano y empezó a grabar para la RCA Víctor, después en los estudios de Decca Records, y luego para el sello CBS Columbia, donde colaboró activamente con Mitch Miller, y comenzó a grabar con diversas estrellas de la Columbia.


Durante las décadas de 1950 y 1960 grabó versiones orquestales de las canciones populares del momento. Sus temas más conocidos fueron Delicado de 1952, Song from the Moulin Rouge de 1953 y el famoso Theme from a summer place de 1960, con el que ganó el Premio Grammy por la mejor grabación de 1961. Percy Faith es el artista que vendió más simples durante la era de los cantantes populares norteamericanos y del Rock and Roll. A lo largo de su carrera editó 87 álbumes y 36 simples.

Junto a Ray Conniff, compañero de sello discográfico, se convirtió en el elemento decisivo para la consolidación de la música instrumental, que se extendió hasta entrada la década de 1970. En 1969 recibió su segundo Premio Grammy en 1969 por el álbum Love theme from Romeo and Juliet.  
Además de ser conocido por su trayectoria discográfica, musicalizó diversas películas y recibió una nominación al premio de la Academia por su adaptación a la pantalla del tema musical interpretado por Doris Day Love me or leave me.



A continuación, recordamos a Percy Faith, con uno de sus más grandes éxitos: A Summer Place.