Beverley Craven

Beverley Craven nació en Colombo, Sri Lanka, el 28 de julio de 1963. Cantante, compositora y pianista. 

El sitio www.beverleycraven.com publicó su biografía. 

La cantante y compositora Beverley Craven, ganadora de un premio BRIT, se hizo famosa a principios de los 90 con el lanzamiento de su álbum debut homónimo, que se convirtió en un éxito mundial, vendiendo más de dos millones de copias. Su sencillo de 1991, "Promise Me", se convirtió en un gran éxito en toda Europa, seguido de una serie de éxitos en las listas de popularidad, incluyendo "Memories", "Holding On", "Woman To Woman" y "Love Scenes". 

Beverley nació en Sri Lanka el 28 de julio de 1963. Su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una consumada violinista clásica, Beverley comenzó a tomar clases de piano a la temprana edad de siete años. También demostró ser una nadadora talentosa, llegando a representar a la División 10 en el Campeonato Escolar Inglés de Natación y compitiendo en el Campeonato Nacional. 

Beverley dejó su hogar a los 18 años y se mudó a Londres, decidida a labrarse una carrera en la industria musical. A finales de los 80, se unió al legendario cantante de soul Bobby Womack como corista en su gira europea. Su gran oportunidad llegó cuando una de sus maquetas llegó a manos de Epic Records, quienes inmediatamente le ofrecieron un contrato discográfico. El álbum debut de Beverley cosechó un éxito sin precedentes: en un año, obtuvo doble disco de platino con más de un millón de copias vendidas y permaneció 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido. 

Su sencillo debut, «Promise Me», alcanzó el número 3 en la lista de éxitos del Reino Unido y cosechó un éxito arrollador en toda Europa. Le siguieron otros éxitos como «Holding On», «Woman To Woman» y «Memories», mientras Beverley ofrecía conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido, Europa continental y Estados Unidos. En 1992, ganó el premio Brit a la Mejor Artista Revelación Británica y también fue nominada a Mejor Sencillo y Álbum Británico del Año. Durante la ceremonia de entrega de premios, Beverley estaba embarazada de ocho meses y dio a luz a su primera hija, Mollie, en marzo de ese mismo año. 

El segundo álbum de Beverley, «Love Scenes», se publicó en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de éxitos del Reino Unido y generando los sencillos de éxito «Love Scenes» y «Mollie's Song». Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segunda hija, Brenna, nació en 1995, seguida de su tercera hija, Connie, en 1996. 

Con la maternidad llegaron pasiones divididas, y siguieron 13 años de debatir entre la familia y el estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, 'Mixed Emotions', que había grabado en su estudio casero en Londres. Una vez más, esta ganadora del premio Brit recibió grandes elogios de la crítica, pero debido a la escasa promoción por parte de la discográfica y a su creciente desilusión con la industria musical, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. En 2004, Beverley regresó con fuerza a la escena musical mundial con algunas presentaciones en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el diagnóstico de cáncer de mama, muy publicitado, acaparó inesperadamente toda la atención. Tras un tratamiento exitoso, Beverley recibió el alta médica en 2008. 

Al recordar su enfermedad, Beverley comenta: "En muchos sentidos ha sido algo positivo, me ha dado una nueva oportunidad en la vida. Me ha hecho darme cuenta de que solo necesito seguir adelante y hacer cosas que disfruto. Durante mucho tiempo no tenía ningún interés en sentarme al piano. Perdí por completo esa pasión, pero ahora la he recuperado y estoy saliendo a dar lo mejor de mí". 

Los fans habían esperado lo suficiente y en 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal que Beverley consideró "un renacimiento en muchos sentidos". Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven hacía las cosas a su manera y disfrutaba plenamente. Tras su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, esta joya musical británica cautivó a sus fans con otro álbum de estudio, 'Change of Heart', en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño. 

En febrero de 2018, un elenco estelar de estrellas musicales coincidió de forma espectacular con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley salió de gira con sus compatriotas británicas (y grandes amigas), Judie Tzuke y Julia Fordham, agotando las entradas en todos los recintos y cosechando un éxito arrollador de la crítica británica. En marzo se lanzó el sencillo conjunto de las tres artistas, «Safe», y a finales de octubre de 2018 se publicó el álbum de estudio, Woman To Woman. En 2022, mientras el mundo se recuperaba del impacto de la pandemia, el trío Woman To Woman volvió a la carretera con otra gira por el Reino Unido con todas las entradas agotadas, esta vez con Rumer como invitada especial. 

Con una última ambición largamente acariciada por cumplir antes de anunciar su retiro de las giras, Beverley ofreció una serie de conciertos en 2023, los shows Strings Attached, junto a la también cantante Judie Tzuke. Fue un regreso a sus raíces clásicas y, según confiesa, "como ponerse unas viejas zapatillas de estar por casa". 

Desde sus humildes comienzos como teclista y corista en grupos de los pubs del sur de Londres hasta sus conciertos en solitario por todo el mundo, Beverley lleva unos 40 años actuando en directo. Continúa componiendo y grabando en su estudio casero, cultivando su pasión por los arreglos para cuarteto de cuerda y aprendiendo a tocar la viola.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Promise Me.  

Gwen Guthrie

Gwendolyn Guthrie, más conocida como Gwen Guthrie, nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 9 de julio de 1950, y murió en Orange, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1999. Cantante, compositora y pianista.   

El sitio www.vinylmeplease.com publicó este recordatorio. 

Gwen Guthrie Biografía 

¿Quién es Gwen Guthrie? Una Breve Reseña de su Carrera 

Gwen Guthrie, una fuerza icónica en el mundo de la música, es conocida como una fenomenal cantante, compositora y pianista. Apareciendo en la escena en la década de 1980, su toque innovador se siente en géneros como el R&B y el disco, fusionándolos sin esfuerzo en himnos infecciosos para la pista de baile. Con su sencillo "Ain't Nothin' Goin' on But the Rent" alcanzando el número uno, se convirtió en una pionera para las mujeres en la música, reconocida por sus letras audaces y sus actuaciones dinámicas. 

La profunda influencia de Gwen en la industria musical se complementa con su impresionante talento para la composición--escribió numerosos éxitos para leyendas como Ben E. King y Sister Sledge, cada canción resonando con su estilo único y su sentido rítmico. Su participación en la cultura del vinilo es notable, ya que muchas de sus mejores obras son codiciadas como lanzamientos en vinilo entre coleccionistas. Con un legado que inspira a nuevas generaciones de músicos y ávidos entusiastas del vinilo por igual, las contribuciones de Gwen Guthrie al panorama musical son tanto duraderas como impactantes. 

La Primera Vida y Orígenes de Gwen Guthrie 

Nacida el 9 de julio de 1950 en Newark, Nueva Jersey, el viaje musical de Gwen Guthrie comenzó a una edad temprana. Creciendo en un hogar donde la música florecía, su padre le presentó el piano, y a la edad de ocho años, su pasión por la música se encendió. Gwen perfeccionó su arte durante sus años escolares, donde cantó en varios grupos vocales, incluyendo los conocidos Ebonettes. Su profunda conexión con sus raíces culturales y el rico entorno musical de Newark moldearon su perspectiva y alimentaron sus ambiciones creativas. 

A medida que avanzaba en su adolescencia, el compromiso de Gwen con la música floreció. Al actuar en eventos locales, descubrió su amor por conectar con el público. Esta exposición temprana, junto con sus diversas influencias, allanó el camino para su eventual pasión por los discos de vinilo, fomentando una apreciación de por vida por la experiencia tangible de la música capturada en cera. 

Las Influencias Musicales Que Moldearon el Sonido de Gwen Guthrie 

El arte de Gwen Guthrie estuvo profundamente influenciado por una mezcla de íconos musicales cuyos sonidos y profundidad lírica resonaban con ella. Este grupo incluía a figuras como Aretha Franklin, cuyas potentes voces inspiraron a Guthrie, así como el arte de Stevie Wonder. Elementos de funk y disco permeaban su música, evidenciada en sus ritmos animados y melodías vivaces. 

Durante sus años formativos, Gwen coleccionó ávidamente discos de vinilo, lo que le permitió absorber los matices de la composición y producción de los álbumes que admiraba. Esta conexión con la cultura del vinilo jugó un papel crucial en el desarrollo de su propio sonido distintivo, mientras buscaba recrear los ritmos infecciosos y expresiones sentidas que experimentaba a través de esos discos atesorados. 

Cómo Gwen Guthrie Entró en la Industria Musical 

El viaje de Gwen a la industria musical fue un vibrante tapiz de pasión y perseverancia. Todo comenzó como un pasatiempo de cantar originales y actuar con bandas locales mientras trabajaba como maestra de escuela primaria. Esta vida dual le permitió perfeccionar sus habilidades hasta que surgió un momento pivotal cuando fue reclutada para una sesión de fondo con Aretha Franklin en 1974. Esta oportunidad la propulsó a la fama y abrió puertas para su carrera como compositora. 

Después de firmar con Bert de Coteaux Productions, se unió a Patrick Grant para crear una serie de éxitos, incluyendo colaboraciones con Sister Sledge que mostraban su talento innato para escribir letras cautivadoras. El primer álbum en solitario de Guthrie, "Gwen Guthrie," lanzado en 1982, transformó suavemente algunas de sus primeras sonoridades underground en música más comercialmente viable, ayudada por lanzamientos en vinilo que expandieron su alcance. Cada paso trajo sus desafíos, pero la determinación y el espíritu innovador de Gwen emergieron victoriosos, preparando el escenario para su futuro éxito. 

El Gran Salto de Gwen Guthrie y su Ascenso a la Fama 

El punto culminante de la carrera de Gwen Guthrie llegó con su electrizante himno "Ain't Nothin' Goin' on But the Rent," que alcanzó la cima de las listas en 1986. Este éxito autoproductor resonó entre el público, notablemente en formato de vinilo, convirtiéndose en un elemento básico en los locales de disco. Elogiada por su melodía pegajosa y letras audaces que reflejan cuestiones sociales contemporáneas, no solo fue un éxito comercial, sino que también consolidó su lugar en la historia de la música. 

Reconocida consistentemente por su arte, recibió premios y nominaciones que reflejaron una mayor apreciación por sus contribuciones a la industria. El éxito de "Good To Go Lover," que incluía este éxito, llevó a Gwen a actuar en prestigiosos locales y festivales, ampliando aún más su visibilidad e impacto en el ámbito musical. Esta vorágine de música y aclamaciones transformó su carrera, consolidando su legado como una artista pionera en los anales de la historia de la música. 

Cómo la Vida Personal Moldeó la Música de Gwen Guthrie 

La música de Gwen Guthrie fue profundamente influenciada por sus experiencias personales, incluyendo relaciones significativas y el paisaje sociopolítico de su tiempo. Sus letras a menudo reflejaban luchas enfrentadas por las mujeres y cuestiones dentro de la sociedad, originadas de su propio viaje. Las relaciones con figuras clave, tanto personales como profesionales, infundieron profundos matices emocionales en su obra, creando temas resonantes en sus canciones. 

Además, Gwen era conocida por su dedicación a la filantropía y el activismo, particularmente en la defensa de aquellos afectados por el SIDA. Produjo música como "Can't Love You Tonight," que enfrentó el estigma que rodea la enfermedad, contribuyendo con fondos de sus ventas a causas relevantes. Los desafíos que enfrentó, incluyendo su batalla contra el cáncer, fueron fundamentales en la formación de sus expresiones artísticas--su honestidad y vulnerabilidad le dieron a su música un toque auténtico que resuena con los fanáticos incluso hoy en día. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con They Long To Be Close To You. 

Alaska

María del Olvido Gara Jova, más conocida como Alaska, nació en Ciudad de México, México, el 13 de junio de 1963. Cantante, guitarrista, actriz, compositora, presentadora de televisión, empresaria, escritora, productora y DJ. 

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó su biografía. 

Alaska [Olvido Gara] 

(Olvido Gara Jova; México D.F., 1963) Cantante española de origen mexicano. Figura fundamental de la llamada movida madrileña, su inquieta trayectoria la llevó a fundar y en ocasiones liderar una serie de exitosos grupos musicales (Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Dinarama, Fangoria) que figuran entre lo más granado de la historia reciente del pop español. 

El primero de ellos, Kaka de Luxe, se originó en un colectivo punk al que pertenecían Alaska (que a los diez años se había trasladado a Madrid con su familia) y Fernando Márquez "El Zurdo". Ambos fueron el núcleo de una iniciativa a la que se adherirían Enrique Sierra (voz), Nacho Canut (bajo), Carlos García Berlanga (guitarra), Manolo Campoamor (voz), y, algo más tarde, Pablo Martínez (batería) 

Alaska 

Su primera actuación en directo tuvo lugar en noviembre de 1977 en el pub People, en el barrio madrileño de Argüelles. Publicaron su primer disco en junio de 1978, poco después de participar en el Villa de Madrid, famoso concurso organizado por el ayuntamiento de la capital; llegaron a la final y quedaron segundos, ante la sorpresa de todos los presentes, que esperaban que se llevaran el primer premio. Diversos factores fueron desintegrando el grupo, que daría sus últimos conciertos en julio el mismo año, aunque no se disolvieron oficialmente hasta noviembre de 1978. 

Kaka de Luxe fue el detonante de una original y gloriosa eclosión de bandas que tuvo lugar en el marco de la movida: comenzó en Madrid y se extendió con rapidez a todo el país en el comienzo de la década de los ochenta. El panorama musical de aquella época en España incluía rock duro, restos del rock de los setenta en sus facetas más decadentes y música disco; el punk fue el revulsivo que rompió el tedio de final de los setenta. Kaka de Luxe fue un grupo punk en sus formas, si bien su música no llegaba al punk clásico de The Ramones o los Sex Pistols, y navegaba en un terreno algo más pop. Esto, unido al estilo gracioso de las letras, hizo que ese puñado de canciones que compusieron se convirtieran casi instantáneamente en clásicos. 

Tras su separación, los miembros de Kaka de Luxe se dispersaron por diversos grupos: Radio Futura, Paraíso, La Mode y Alaska y los Pegamoides. Este último reunió a Alaska, Carlos Berlanga y Nacho Canut, un trío que en aquel momento tenía grandes ideas, pero todavía pocos conocimientos musicales. Pronto se les unieron Ana Curra, teclista, y Eduardo Benavente, batería. 

Alaska y los Pegamoides irrumpió en el panorama musical español con una estética pop, patente en temas como Horror en el hipermercado, Quiero ser un bote de Colón y sobre todo Otra dimensión, una de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos. Esos singles fueron editados por Hispavox, que los había contratado en 1980. Entretanto, la imagen de Alaska adquiría mayor proyección al interpretar a una sádica cantante de punk en el primer filme de Pedro Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), acaso el mejor retrato de aquellos años de la movida madrileña. 

El álbum de debut de Alaska y los Pegamoides, Grandes Éxitos, llegó en 1982, y no contenía ninguna de las canciones conocidas previamente en single, sino otras como Bailando, La tribu de las chochoni o Llegando hasta el final. Después de editar su primer álbum, Alaska y los Pegamoides se deshizo. Ana Curra y Eduardo Benavente formaron el grupo Parálisis Permanente, de breve presencia en el panorama musical español debido al trágico accidente de circulación que acabó con la vida de Benavente, en mayo de 1983. 

Dinarama surgió inicialmente como proyecto en solitario de Carlos Berlanga y Nacho Canut. Sin embargo, en poco tiempo aceptaron de nuevo ser comandados por la voz y la imagen de Alaska. En ese momento pasan a llamarse Dinarama + Alaska, para figurar finalmente como Alaska y Dinarama. Canciones profanas (1983) fue el primer elepé del grupo y probablemente el mejor. Contenía un buen número de canciones de enorme gancho comercial; del álbum se llegaron a extraer hasta cuatro singles, entre los que destacó especialmente Perlas ensangrentadas, todo un clásico del pop español de los primeros ochenta. 

Un año más después aparecía su segundo disco, Deseo carnal, en el que Alaska y Dinarama abundaba nuevamente en el pop algo sofisticado, pero claramente comercial de su debut. El disco se convirtió en un rotundo éxito. No es pecado (1986) apenas ofreció sustanciales novedades, lo que sí ocurrió con Fan Fatal (1989), un disco en el que se apreciaba ya la divergencia entre el pop elegante y de corte clásico de Carlos Berlanga y las frivolidades para la pista de baile de las que gustan Alaska y Nacho Canut. 

Fan fatal (1989) 

Alaska y Nacho formarían finalmente su propio grupo, Fangoria. Sin dejar de tener una base pop, la nueva propuesta se orientaba hacia un sonido electrónico más experimental. Para su primer álbum, Salto mortal (1990), contaron con la colaboración de destacados artistas. Salto mortal gustó, pero también sorprendió y causó cierto estupor; se trataba de un disco de música tecno difícil de asimilar por el público masivo. 

Tras ello, Alaska y Nacho crearon su propio sello, Metal Sonic Disco, y alquilaron una casa en Madrid donde instalaron un estudio de grabación, Vulcano (nombre del planeta de origen de Mr. Spock, personaje de Star Trek); una subdivisión de videojuegos, Bleep; otra de videoclips, Vídeo Inferno; y crearon el Club Fan Fatal, concebido no como un club de fans al uso, sino como un medio para intercambiar ideas entre personas con gustos parecidos. El Club también editaba regularmente un fanzine con toda la particular mitología de Fangoria. 

El siguiente trabajo de Fangoria fue Un día cualquiera en Vulcano 1.0, primera entrega de una serie de tres mini-álbumes. En el disco se incluyeron los singles Sálvame y El dinero no es nuestro Dios; Big Toxic y los propios Fangoria se encargaron de hacer las remezclas. Paralelamente, los incansables Alaska y Nacho llevaban a cabo otras actividades. Entre 1990 y 1997 dirigieron la discoteca Stella, con la filosofía de hacer un club para bailar que fuera distinto cada día. Entre 1992 y 1998 dirigieron también Morocco, sala de conciertos y de música lounge, que abrió sus puertas en Madrid y en Buenos Aires. 

El segundo capítulo vulcaniano, Un día cualquiera en Vulcano 2.0, se publicó en 1993, y el tercero, en 1995. En 1996 publicaron A la felicidad por la electrónica, con remezclas del 3.0 realizadas por Vanguard, Big Toxic y Culture Kultur y con Luis Paniagua tocando el sitar. Pero Fangoria se quedó sin sello para distribuir su obra, y Alaska y Nacho empezaron a trabajar de discjockey. En la temporada 94-95 trasladaron el estudio Vulcano a Londres, pero poco después lo cerraron. Lo mismo ocurrió con todas las subdivisiones de su pequeño emporio. Sólo subsistió el Club Fan Fatal, que cada año editaba discos con versiones de variados grupos y artistas. 

 

Nacho Canut y Alaska en la portada de Una temporada en el infierno (1999)

En 1999 publicaron el celebrado Una temporada en el infierno, producido por Carlos Jean y mejor disco del año para casi toda la crítica especializada. De él se extrajo como single Electricistas, una canción-himno con visos de convertirse en todo un clásico. Tras el éxito de Una temporada en el infierno, el matrimonio artístico que forman Alaska y Nacho Canut volvió a ponerse manos a la obra para editar en 2001 Naturaleza muerta, un nuevo trabajo con doce canciones cortas y bailables, montadas "para simular el efecto de una pastilla: empieza suave, va subiendo y baja". A finales de 2002, Fangoria lanzó al mercado su álbum Hombres y, en abril de 2004, Arquitectura efímera. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con No puedo quitar mis ojos de ti, cantando a dúo con Raphael.    

Kelley Deal

Kelley Deal, hermana gemela de Kim Deal, nació en Dayton, Ohio, Estados Unidos, el 10 de junio de 1961. Cantante y compositora. Toca bajo, guitarra y violín. 

El sitio www.latercera.com publicó esta entrevista. 

Kelley Deal, guitarrista de The Breeders: "Nunca fuimos las hermanas menores de los Pixies" 

La banda viene a Chile a conmemorar los 20 años de su disco más célebre, <I>Last splash</I>. </P> 

Por La Tercera 24 JULIO 2013 

Hace 20 años, Kelley Deal vivía en una casa flotante en las orillas de Sausalito, un barrio pudiente de San Francisco. "Era más barato vivir en barcos", recuerda al teléfono, "y a la vez surreal". En tierra firme, en los estudios Record Plant -donde Fleetwood Mac hizo Rumors- se mezclaba el disco Last splash, el álbum más importante de su banda The Breeders y del cual se extrajo el hit Cannonball. Fueron un par de semanas flotando, hasta que emergió el disco con que su grupo se graduó como uno de los más importantes de los años 90, con más de un millón de copias vendidas en su primer año. Un álbum que, como muchas otras bandas de esa época, motivó la reunión de sus miembros originales y que hoy tiene a The Breeders girando por el mundo, con parada en Chile para este sábado, para tocar Last splash de principio a fin. 

Dos décadas atrás, estaban de gira con Nirvana. ¿Cuán distintos eran esos días? 

Nirvana era la banda más grande del mundo y se notaba. No creo que eso vuelva a pasar. Hoy tienes a Lady Gaga, Justin Bieber o lo que sea, pero nunca más habrá una banda tan grande. Soy feliz de haber formado parte de eso. 

Tenían un hit como Cannonball que liberó a The Breeders de ser "el otro grupo de Kim Deal". ¿Cómo toman distancia hoy, de Pixies? 

Como The Breeders se volvió en algo tan grande como Pixies, nunca fuimos "los hermanas chicas". Quizás en Sudamérica, pero nunca lo sentimos así. Siempre me ha interesado mostrar una banda de chicas haciendo rock. 

Tuvo que aprender a tocar guitarra cuando su hermana la invitó a unirse, en 1992. ¿Cómo cambió su relación con la música? 

Bueno, ahora sé tocar. Pero debo decir que tocaba con Kim desde que éramos chicas. Fue muy fuerte renunciar a mi trabajo (analista de sistemas), porque me gustaba. Tenía un grado de seguridad que me permitía acceder a documentos secretos, era cool. Me lancé, nada más. 

Y la caída fue dura: en 1994 entró a rehabilitación por drogas. 

Es que no fue la música o salir de gira lo que me hizo alcohólica o adicta a las drogas. Eso partió antes, cuando era chica. Fui yo. Sí, creo que la música te da algunas horas en el día para recuperarte, que te permite reventarte todos los días, así que probablemente activó mi hábito. De no haber renunciado a mi trabajo, probablemente habrían sido años de descenso silencioso, sin tocar fondo. Honestamente, es algo que agradezco. 

Hace pocas semanas se conoció que Kim Deal ya era parte de Pixies. ¿Cómo lo resolvieron? 

No nos afecta. Hemos lidiado con estos quiebres desde los 90. Somos hermanas, siempre vamos a tocar música juntas. Los Pixies sacaron este anuncio hace poco, pero nos había comentado esta noticia en diciembre pasado, así que no nos tomó por sorpresa. Hace meses que los Pixies están separados. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Canyon.  

Melissa Etheridge

Melissa Lou Etheridge nació en Leavenworth, Kansas, Estados Unidos, el 29 de mayo de 1961. Cantante, compositora y guitarrista.   

El sitio www.melissaetheridge.com publicó esta biografía. 

Melissa Etheridge irrumpió en la escena del rock estadounidense en 1988 con el lanzamiento de su aclamado álbum debut homónimo, que la llevó a presentarse en la ceremonia de los Premios Grammy de 1989. Durante varios años, su popularidad creció gracias a temas originales memorables como "Bring Me Some Water", "No Souvenirs" y "Ain't It Heavy", por el que ganó un Grammy® en 1992. Etheridge alcanzó su máximo esplendor comercial y artístico con su cuarto álbum, Yes I Am (1993). Esta colección incluía los grandes éxitos "I'm the Only One" y "Come to My Window", una conmovedora canción de anhelo que le valió a Etheridge su segundo Premio Grammy® a la Mejor Interpretación Femenina de Rock. En 1995, Etheridge lanzó su álbum más exitoso en las listas, Your Little Secret, que se distinguió por el sencillo "I Want to Come Over". Su asombroso éxito ese año la llevó a recibir el premio a Compositora del Año en los Premios ASCAP Pop en 1996. 

Conocida por sus letras confesionales y su voz ronca y sensual, Etheridge se ha mantenido como una de las cantantes favoritas de Estados Unidos durante más de dos décadas. En febrero de 2007, Melissa Etheridge celebró un hito en su carrera con la victoria en la categoría de "Mejor Canción" en los Premios de la Academia® por "I Need to Wake Up", escrita para el documental de Al Gore sobre el calentamiento global, Una verdad incómoda. Como intérprete y compositora, Etheridge ha demostrado ser una artista que nunca ha permitido que las "verdades incómodas" la desanimen. Al principio de su carrera discográfica, Etheridge reconoció su orientación sexual cuando se consideraba imprudente hacerlo. En octubre de 2004, a Etheridge le diagnosticaron cáncer de mama, una batalla contra la enfermedad que, con su tenacidad característica, ganó. A pesar de perder el cabello por la quimioterapia, Etheridge apareció en la transmisión de los Premios Grammy® de 2005 para cantar "Piece of My Heart" en homenaje a Janis Joplin. De este modo, dio esperanza a muchas mujeres que padecían la enfermedad. 

El 7 de octubre de 2016, Melissa Etheridge lanzó Memphis Rock & Soul, su primer álbum desde This Is ME, aclamado por la crítica en 2014. Grabado en los Royal Studios de Memphis, el álbum recibió excelentes críticas de publicaciones como Entertainment Weekly, Parade, Rolling Stone, American Songwriter y otras. Posteriormente, en abril de 2019, lanzó The Medicine Show. Para este álbum, Melissa volvió a colaborar con el reconocido productor John Shanks, logrando un sonido tan vibrante como siempre y aportando un nuevo nivel artístico a su decimoquinto disco de estudio. 

En junio de 2020, Etheridge lanzó la Fundación Etheridge para apoyar la investigación científica pionera en nuevos tratamientos eficaces para el trastorno por consumo de opioides. La Fundación trabaja para impulsar enfoques terapéuticos que aborden las causas profundas del abuso de opioides y ofrezcan soluciones mejores y más eficaces para que las personas puedan superar verdaderamente su trastorno por consumo de opioides. 

En 2021, Melissa regresó con el álbum One Way Out. Este álbum de nueve canciones es una recopilación de temas que Etheridge escribió a finales de los 80 y principios de los 90 y que nunca llegaron a publicarse… ¡hasta ahora! Por fin había llegado el momento, y los fans pudieron conocer mejor a la Melissa de entonces. 

En octubre de 2022, Melissa regresó al teatro con su espectáculo unipersonal, My Window – A Journey Through Life. La aclamada obra, cuyas funciones agotaron las entradas, se estrenó en New World Stages el 13 de octubre y llegó al Circle In the Square Theatre de Broadway en septiembre de 2023. 

En 2024, Melissa lanzó Melissa Etheridge: I'm Not Broken, una miniserie documental de dos partes (Paramount+) y un álbum en vivo que la acompaña. Grabado en vivo dentro de las instalaciones del centro penitenciario de Topeka, el álbum y la miniserie documentan su proceso de composición e interpretación de una canción original inspirada en su correspondencia con los residentes del centro, e incluyen versiones crudas y conmovedoras de canciones favoritas de los fans y temas originales especialmente seleccionados. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con I'm The Only One.  

Nuria Fergó

Nuria Fernández Gómez más conocida como Nuria Fergó, nació en Nerja, Málaga, España, el 18 de abril de 1979. Cantante, compositora y actriz. 

El sitio www.as.com publicó su biografía, firmada por Miguel Varela   

La nueva vida de Nuria Fergó, la ex de Operación Triunfo que vivió varios desamores para terminar brillando lejos de los focos 

La cantante malagueña repasa su trayectoria entre éxitos musicales, desamores y un presente más centrado en su hija y el teatro. 

Miguel Varela 

Actualizado a 20 de septiembre de 2025  

Nuria Fergó llevaba un tiempo alejada del foco mediático, pero tras su reciente entrevista en el programa ‘Madres: desde el corazón’, ha vuelto a copar los titulares de toda España. La cantante malagueña, que dio el salto a la fama gracias a su participación en la primera edición de ‘Operación Triunfo’, habló sin tapujos sobre la maternidad, su matrimonio con el productor musical José Manuel Maíz y las dificultades que atravesó en una etapa clave de su vida. “Mi embarazo no fue bonito para mí, me sentí muy sola”, confesó la artista, que además relató cómo, apenas diez días después de dar a luz a su hija Martina, tomó la decisión de abandonar su casa. 

Fergó, nacida en 1979 en Nerja, alcanzó la fama pese a haber quedado en séptima posición en OT, y eso le posibilitó firmar con Universal Music para iniciar una carrera musical en la que llegó a publicar 6 álbumes: desde ‘Brisa de esperanza’ hasta ‘Con permiso’. Gracias a su incursión en el mundo de la música pudo conocer a José Manuel Maíz, con quien finalmente se casó en 2010 en una boda celebrada en el Palacio Real de La Almudaina (Palma). Allí se reunieron más de 200 invitados, entre los que destacaban Rosa, Gisela y Chenoa como damas de honor. 

Un año después dio a luz a Martina, pero su nacimiento no logró solventar todos los problemas que ya había en entre la joven pareja. Tras una breve separación y rumores de crisis, Nuria finalmente anunció su ruptura con José Manuel en octubre de 2011. Tras esto, decidió pausar su carrera musical hasta que su hija cumplió los 10 años, pero durante ese periodo atravesó numerosos problemas legales relacionados con la custodia de su hija. 

Fergó supo recomponer su vida tras varios desamores mayúsculos 

A nivel personal, Fergó también pasó por varios desamores después de su divorcio. El más mediático de todos fue el de Juan Pablo Lauro, con quien casi acaba casándose tras tres años de relación. Sin embargo, ambos terminaron separándose cuando ya estaban planificando la unión, lo cual supuso un fuerte varapalo para la cantante. A día de hoy, reconoce que ve esa experiencia como un aprendizaje: “No hubo un detonante claro, fue todo muy intenso. Me pusieron a mi expareja para crecer y evolucionar”. 

Más allá de su vida sentimental, su carrera como artista se mantuvo ligada al mundo del espectáculo. Más allá de su vida como cantante, Fergó ha participado en televisión en programas como ‘¡Qué tiempo tan feliz!’ o ‘Tu cara me suena’. Incluso ha formado parte del reparto de la película ‘Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra’. Y por último, recientemente ha probado suerte en el teatro, protagonizando el musical ‘Toda una vida: Homenaje a María Dolores Pradera’. 

De esta forma, Nuria Fergó parece haberse reencontrado con su faceta más artística al tomar partido en proyectos de toda clase. Su vida es ahora más serena y está muy centrada en la educación de su hija, lo cual considera que es lo más importante. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: La vida son sólo dos días.    

Alla Pugachova

Alla Borísovna Pugachova nació en Moscú, Unión Soviética, el 15 de abril de 1949. Cantante, compositora y actriz. Toca guitarra y piano. 

El sitio https://es.wikipedia.org publicó su biografía. 

Alla Pugachova 

Alla Borísovna Pugachova (en ruso: Алла Борисовна Пугачёва, Moscú,[1] Unión Soviética, 15 de abril de 1949) es una cantante rusa con ventas superiores a los 140 millones de álbumes que la convierten en una de las cantantes en solitario que más discos ha vendido en la historia. [cita requerida] Su carrera comenzó en 1965 y continúa hasta el día de hoy, a pesar de que se ha retirado de la actuación. Por su "clara voz de mezzosoprano y todo un despliegue de emociones sinceras",[2] disfruta de un estatus icónico en la antigua Unión Soviética como la artista soviética más exitosa en términos de ventas de discos y popularidad. 

El repertorio de Pugachova incluye más de 500 canciones en ruso, inglés, alemán, francés, kazajo, hebreo, finlandés, ucraniano, y su discografía tiene más de 100 registros, CD y DVD. Además de Rusia y la antigua Unión Soviética, los álbumes de Pugachova fueron lanzados en Japón, Corea, Suecia, Finlandia, Alemania, Polonia, Checoslovaquia y Bulgaria. Pugachova ha vendido más de 250 millones de discos. 

Representó a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión 1997 con la canción "Primadonna", terminando en el puesto 15. 

Primeros años y educación 

Pugacheva nació de Boris Mijailovich Pugachyov y Zinaida Arkhipovna (de soltera Odegova) Pugachyova en Moscú, el 15 de abril de 1949. En 1956, se matriculó en la escuela de música nº 31, y asistió a la escuela de música Ippolitov-Ivanov. Posteriormente estudió en la escuela nº 496, donde finalizó sus estudios en 1964. Posteriormente estudió en el departamento de dirección coral de la escuela. Pugacheva grabó su primer tema, "Robot", en 1965, para un programa matinal de Radio Yunost. 

Biografía 

Pugachova disfruta de un estatus icónico en el territorio de la antigua Unión Soviética al ser la cantante soviética más exitosa en términos de ventas y popularidad. Fue reconocida como Artista Distinguida de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia (RSFSR) en 1980, Artista del Pueblo de la RSFSR en 1985 y Artista del Pueblo de la URSS en 1991. Luego de la caída de la URSS su popularidad no decayó, obtuvo el sobrenombre de "diva emblema" de la Federación de Rusia y una medalla de honor en 1994 de manos del entonces presidente de Rusia Borís Yeltsin. Luego en 2009 obtuvo del presidente Dmitri Medvédev la Orden del Mérito por la Patria de III clase, una de las más altas condecoraciones a civiles en Rusia. Tiene ventas mundiales superiores a 250 millones de discos, ha trabajado en cine y teatro y actualmente sigue en activo. 

Desde que comenzó su carrera, en 1965, ha obtenido numerosos premios musicales. Su discografía se compone de más de treinta discos. Sus canciones se caracterizan por sus melodías artísticas, la lírica ingeniosa y su presencia vocal, casi teatral. 

Alla en 1976 

En 1978, ganó el Festival de la Canción de Intervisión, con la canción Vsio mógut korolí. 

En 1986, poco después del accidente de Chernóbil se trasladó a Prípiat y ofreció un concierto gratuito a los liquidadores que trabajaban para controlar los efectos de la catástrofe. En 1997, representó a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión con la canción Prima Donna. 

Alla se ha caracterizado también por ayudar a jóvenes talentos a alcanzar la fama, tales como el grupo Nautilus Pompilius y Viacheslav Butúsov. 

Aunque casi todas sus canciones las interpreta en su idioma natal y ella misma ha reconocido que es una cantante para el idioma ruso, en 1985, grabó un disco en inglés que se dio a conocer como Watch Out con una versión para el mercado soviético conocida como "Alla Pugachova en Estocolmo". 

Carrera 

Pugacheva terminó la universidad en 1966 y posteriormente realizó una gira con el grupo Yunost' (Juventud) por Siberia occidental. Al año siguiente empezó a trabajar como pianista acompañante en la Escuela Estatal de Música de Circo. Fue la voz principal de varios grupos, entre ellos Novy Elektron (Nuevo Electrón), que formaba parte de la Lipetsk en 1966, Moskvichi (Moscovitas) en 1971, la banda de Oleg Lundstrem en 1972-73, y Vesyolye Rebyata (Alegres) en 1974-75. Durante ese periodo, grabó canciones para numerosos grupos de música. Grabó canciones durante todo ese periodo para numerosas películas. 

En 1974, quedó en tercer lugar en el concurso de músicos de toda la Unión. En 1975, recibió el Gran Premio del concurso internacional de canto Golden Orpheus de Bulgaria, interpretando la canción "Harlequin" de Emil Dimitrov. La discográfica Amiga publicó su canción ganadora como sencillo en Alemania Oriental. Posteriormente, en Bulgaria, el sello Balkanton publicó como sencillo la grabación en directo de "Harlequin" del festival. Un año después, Pugacheva volvió al Orfeo de Oro para dar un concierto fuera de concurso. El sello Balkanton publicó los temas en directo como el primer álbum de Pugacheva Zolotoy Orfey 76. Ese mismo año, Pugacheva grabó varias canciones para la comedia musical La ironía del destino como la voz cantante de Nadja, la protagonista femenina. 

La mujer que canta, 1977 

Pugacheva trabajó en la película musical La mujer que canta en colaboración con el grupo Ritm (Ritmo) en 1977. Interpretó a la protagonista, una famosa cantante pop que sacrifica su vida personal por su carrera. La banda sonora, coescrita por Pugacheva y compuesta por canciones pop, culminaba con el dramático título ballad "Zhenshchina, kotoraya poyot". El público soviético, que consideraba la película autobiográfica, llevó a la banda sonora a alcanzar récord de audiencia del año en 1979, ya que fue comprada por 55 millones de personas. La banda sonora se publicó por primera vez en 1977 como parte del álbum doble Zerkalo dushi (Espejo del alma), que recogía sus canciones de 1975 a 1977. El sello Victor publicó un álbum recopilatorio Alla Pugacheva ese mismo año en Japón. En 1978, interpretando la canción "Vsyo mogut koroli" ("Los reyes pueden hacer cualquier cosa"), Pugacheva recibió el premio Amber Nightingale en el Festival Internacional de la Canción de Sopot, que en aquella época significaba ganar automáticamente el Gran Premio del Concurso de la Canción de Intervisión. En 1980, el sello finlandés Kansan publicó sus obras mencionadas en el álbum recopilatorio Huipulla (En la cima). Tonbandausnahmenkompanie Bayer GmbH hizo lo mismo en Alemania Occidental, publicando Alla Pugachova. 

Reconocimientos 

Se convirtió en Artista del Pueblo de la URSS en 1991. 

Laureada por el Premio Estatal de la Federación Rusa en 1995 

Condecorada como Caballera de la Orden Por Mérito a la Patria en grados II, III y IV.  

En el año 2022 fue seleccionada como una de las 100 mujeres más influyentes del mundo de la BBC.  

Vida personal 

En 1994 se casó con otro cantante ruso de origen búlgaro, Filip Kirkórov del cual según anunció, se divorció en 2005. Hace poco fue nombrada la segunda mujer más influyente de Rusia, después de la tenista María Sharápova. 

Su hija Kristina Orbakaite también se dedica al mundo de la canción y debutó como actriz siendo una adolescente en la película Espantapájaros. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Mil Años.   

Nina Simone

 

Eunice Kathleen Waymon, más conocida como Nina Simone, nació en Tryon, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 21 de febrero de 1933, y murió en Carry-le-Rouet, Francia, el 21 de abril de 2003. Cantante, compositora y pianista. 

El sitio www.ninasimone.com publicó este recordatorio. 

NINA SIMONE 

El deber de un artista es reflejar los tiempos... Te diré lo que La libertad para mí es: Sin miedo. 

Fue uno de los artistas más extraordinarios del siglo XX, un ícono de la música estadounidense. Ella fue una consumada narradora musical, una griot, como llegaría a descubrir, que utilizó su extraordinario talento para crear un legado de liberación, empoderamiento, pasión y amor a través de una magnífica obra. Se ganó el apodo de «Suma Sacerdotisa del Soul» por su capacidad para tejer un hechizo tan seductor e hipnótico que el oyente perdía la noción del tiempo y el espacio al sumergirse en el momento. Fue a quien el mundo conocería como Nina Simone. 

Cuando Nina Simone falleció el 21 de abril de 2003, dejó un tesoro intemporal de magia musical que abarca más de cuatro décadas, desde su primer éxito, el clásico del Top 10 de 1959, "I Loves You Porgy", hasta "A Single Woman", el tema que da título a su único álbum Elektra de 1993. Aunque treinta y tres años separan estas grabaciones, la sincera emoción es el pegamento que las une; es ese enfoque en cada obra lo que se convirtió en el sello musical inquebrantable de Nina. 

Al final de su vida, Nina disfrutaba de un reconocimiento sin precedentes. Su música era disfrutada por las masas gracias a la revolución del CD, su descubrimiento en internet y su difusión a través del cine y la televisión. Nina había vendido más de un millón de CD en su última década, convirtiéndose en un éxito de ventas a nivel mundial. 

Ningún sitio web puede explorar por completo los múltiples matices y matices que conformaron los más de 40 álbumes originales de Nina Simone. Este sitio contiene la mayoría de sus mejores obras y menciones en la prensa. Sin embargo, quizá no hubiéramos tenido la oportunidad de presenciar la impresionante variedad de material que Nina pudo abarcar si no hubiera tomado el camino que tomó. 

Nacida Eunice Kathleen Waymon en Tryon, Carolina del Norte, el 21 de febrero de 1933, el prodigioso talento musical de Nina se hizo evidente desde muy joven, cuando empezó a tocar el piano de oído a los tres años. Su madre, ministra metodista, y su padre, manitas y predicador, no podían ignorar el don musical que Dios le había dado a la joven Eunice. 

Criada en la iglesia, en el buen camino, sus padres le enseñaron a distinguir el bien del mal, a comportarse con dignidad y a trabajar duro. Tocaba el piano, pero no cantaba, en la iglesia de su madre, mostrando un talento extraordinario desde muy joven. 

Capaz de tocar prácticamente cualquier instrumento de oído, pronto estudió música clásica con una inglesa llamada Muriel Mazzanovich, quien se había mudado a la pequeña ciudad sureña. Fue a partir de estas humildes raíces que Eunice desarrolló una pasión que perduró por Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms, Beethoven y Schubert. 

Después de graduarse como la mejor estudiante de su clase de la escuela secundaria, la comunidad recaudó dinero para una beca para que Eunice estudiara en Julliard en la ciudad de Nueva York antes de postularse al prestigioso Instituto de Música Curtis en Filadelfia. 

Su familia ya se había mudado a la Ciudad del Amor Fraternal, pero las esperanzas de Eunice de una carrera como pianista clásica afroamericana pionera se vieron frustradas cuando la escuela le negó la admisión. 

Hasta el final, ella misma afirmaría que el racismo fue la razón por la que no asistió. Aunque su sueño original no se cumplió, Eunice culminó con una increíble carrera internacional como Nina Simone. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con To Love Somebody, en vivo en Antibes, en 1969, y My baby just cares for me. 

Ruth Brown

Ruth Alston Weston, más conocida como Ruth Brown, nació en Portsmouth, Virginia, Estados Unidos, el 30 de enero de 1928, y murió en Henderson, Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 17 de noviembre de 2006. Cantante, compositora y actriz. 

El sitio www.missrhythm.net publicó su biografía. 

Ruth Brown “Miss Rhythm”, la reina del R&B 

Antes de Etta James, Aretha Franklin, Tina Turner o Beyoncé, estuvo Ruth Brown, la legendaria cantante de rhythm and blues conocida como "Miss Rhythm". Fue un ícono del R&B de los años cincuenta y una célebre estrella del teatro, el cine, la televisión y la radio. Su intrépida defensa de los derechos de los músicos y la reforma de las regalías condujo a la formación de la Fundación Rhythm and Blues. Conocida por sus éxitos número uno "Mama He Treats Your Daughter Mean", "Teardrops From My Eyes" y "5-10-15 Hours", Ruth Brown fue fundamental para moldear el sonido de la música moderna y sentar las bases para las futuras generaciones de artistas femeninas. Su potente voz, su atrevido chillido y sus dinámicas interpretaciones le dieron a Atlantic Records un éxito mundial en la década de 1950, que el sello discográfico era conocido como "¡La casa que Ruth construyó!". 

Nacida en Portsmouth, Virginia, en 1928, Brown comenzó a cantar en la iglesia, actuando en concursos de talentos locales y, finalmente, cantando en espectáculos de la USO y clubes nocturnos contra la voluntad de su padre. Tras ganar una noche amateur en el Teatro Apollo de Harlem en 1948, Brown fue contratada por el popular líder de big band Lucky Millender. Mientras estaba de gira con Millender, Brown fue despedida y se quedó varada en Washington, D.C., sin dinero. Para sobrevivir, Brown comenzó a cantar en un club local, donde la personalidad de la radio Willis Conover la escuchó tocar con la banda de Duke Ellington. Conover recomendó a Brown a Ahmet Ertegun y Herb Abramson, dueños del incipiente sello discográfico Atlantic Records, que necesitaban un nuevo talento. De camino a Nueva York para firmar su contrato con Atlantic, Brown sufrió lesiones graves en un accidente automovilístico que la hospitalizó durante un año. Ertegun y Abramson apoyaron a Brown, y ella pronto les devolvió la lealtad con su primer éxito, "So Long", en 1949, seguido de su éxito número uno en 1950, "Teardrops from My Eyes", que se mantuvo en el primer puesto durante 11 semanas en las listas Billboard de R&B. Entre 1949 y 1955, los discos de Brown se mantuvieron en las listas de R&B durante un total de 149 semanas; llegaría a alcanzar 21 éxitos en el Top 10, incluyendo cinco que alcanzaron el número uno. 

Durante la década de 1960, Brown desapareció de la vista pública y vivió como ama de casa y madre. 

Después de una considerable cantidad de lucha, Brown regresó a la música en 1975 a instancias del comediante Redd Foxx. Él ayudó a relanzar su carrera con una serie de apariciones en televisión en su exitoso programa de televisión Sanford and Son. La notable segunda fase de la carrera de Brown la vio brillar de nuevo en la televisión, el cine y el teatro. En 1987 protagonizó el musical de Allen Toussaint "Stagger Lee" y en 1989 ganó un Premio Tony a la Mejor Actriz en el musical "Black and Blue". Brown se ganó el cariño de toda una nueva generación de fanáticos por su interpretación de Motor Mouth Mabel Stubbs en la película clásica de culto de John Waters "Hairspray" y como presentadora del popular programa de radio de NPR "Blues Stage". La lucha de Brown por los derechos y regalías de los músicos condujo a la fundación de la Rhythm and Blues Foundation en 1988 y fue una de las primeras receptoras en 1989 del Premio Pionero de la Fundación. También en 1989, Brown ganó un Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz por su álbum "Blues and Broadway", fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993. Brown también recibió el Premio Grammy a la trayectoria en 2016 y fue incluida en el Salón de la Fama Nacional del Rhythm & Blues en 2017. 

Ruth Brown falleció en Las Vegas, Nevada, el 17 de noviembre de 2006, a la edad de 78 años. El 22 de enero de 2007 se celebró un concierto en su memoria en la histórica Iglesia Bautista Abisinia de Harlem para celebrar su vida y su legado. Ruth Brown es la definición de una pionera musical con su sonido con un fuerte ritmo y un estilo vocal atrevido. La fabulosa Miss Rhythm abrió nuevos caminos y fue una artista revolucionaria. Su legado vivirá para siempre en su música, sus actuaciones y su defensa de artistas y músicos que no fueron justamente compensados por la industria musical. En 2023, la obra "Miss Rhythm, "La leyenda de Ruth Brown", se estrenó con gran éxito de crítica en Denver, Colorado. El patrimonio de Ruth Brown está trabajando en varios proyectos que continuarán amplificando su vida y su legado. 

No sólo allanó el camino para futuras generaciones de artistas, sino que también luchó incansablemente por los derechos de los músicos y fundó la Rhythm and Blues Foundation para apoyar a sus pares. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Teardrops From My Eyes y Ain't Nobody's Business, con B.B.King.  

Doris Troy

Doris Elaine Higginsen, más conocida como Doris Troy, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 6 de enero de 1937, y murió en Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 16 de febrero de 2004. Cantante y compositora. 

El sitio www.staimusic.com publicó este recordatorio. 

Doris Troy: la voz inconfundible del soul

 

Si hay un artista que encarnó el soul en su máxima expresión, es Doris Troy. Conocida por su voz poderosa y emotiva, esta cantante y compositora estadounidense es todavía una influencia en la música soul contemporánea. En este artículo, exploraremos la historia y biografía de Doris Troy, su legado en el soul, sus mejores canciones y una crítica de su música. 

Nacida como Doris Elaine Higginsen en 1937 en Nueva York, Troy creció en un ambiente musical, rodeada de gospel, doo-wop y rhythm and blues. Fue en su adolescencia cuando fue descubierta por James Brown, quien la contrató como corista. A partir de ahí, su carrera despegó y comenzó a colaborar con importantes artistas de la época, como Solomon Burke, The Drifters y Chuck Jackson. 

Sin embargo, fue en 1963 cuando Troy alcanzó el éxito con su tema Just One Look, que se convirtió en un clásico del soul y llegó al top 10 de las listas de éxitos. A partir de ahí, Doris Troy ganó reconocimiento como una de las grandes voces del género, con una capacidad emocional que pocos podían igualar. 

La música de Doris Troy se caracterizó por ese soul genuino que llegaba directamente al corazón. Sus canciones son un retrato de la experiencia femenina, con temas como el amor, la confianza y la libertad. También abarcó temas sociales y políticos, como los derechos civiles y la discriminación racial. 

Entre sus mejores canciones se encuentran clásicos como Whatcha Gonna Do About It, What'cha Gonna Do, y Get Back, que grabó con The Beatles. En todas ellas, se puede apreciar la impresionante voz de Troy, llena de sentimiento y una energía magnética. 

En cuanto a la crítica, es difícil encontrar algo negativo que decir de la música de Doris Troy. Su legado en el soul es innegable, y su capacidad para transmitir emociones a través de la música es impresionante. Quizás lo único que se podría criticar es la falta de reconocimiento que recibió durante su vida, algo que se ha ido corrigiendo con el tiempo a medida que crece su influencia en la música soul contemporánea. 

En resumen, Doris Troy es una figura importante en la historia del soul, con una voz y estilo únicos que la convierten en una inspiración para músicos de todo el mundo. Con su legado musical, ha dejado una huella duradera en la música soul, un género que siempre estará en deuda con su inconfundible estilo y autenticidad. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con So Far. Compuesta por Doris Troy y Klaus Voormann. Grabación realizada en 1970, con Klaus Voormann, bajo; Eric Clapton, Peter Frampton y Stephen Stills, guitarras; Bonnie y Delaney Bramlett, percusión; Alan White y Ringo Star, batería; Billy Preston y Bobby Whitlock, teclados; Leon Russel, piano y Rita Coolidge, coros.   

Carla Thomas

Crédito: Edgar Mata

 

Carla Thomas nació en Memphis, Tennessee, Estados Unidos, el 21 de diciembre de 1942. Cantante y compositora. 

El sitio www.memphismusichalloffame.com publicó su biografía firmada por Pat Mitchell Worley.   

Carla Thomas marcó el comienzo de una era… La era de Stax Records. 

Cambió la historia de la música. Los primeros artistas en grabar un disco en el ahora famoso estudio 926 E. McLemore, que luego se convertiría en Stax Records, fueron Carla y su padre, Rufus, con "Cause I Love You". La canción se convirtió en un éxito regional, vendiendo más de 30.000 discos y ofreciendo a Satellite Records su primer éxito. Más importante aún, convenció al cofundador de STAX, Jim Stewart, de producir exclusivamente música rhythm and blues y atrajo la atención del fundador de Atlantic Records, Jerry Wexler, hacia Memphis. Poco después, se firmó un acuerdo de distribución con derecho de preferencia entre Atlantic y Satellite. El acuerdo incluía una cláusula por la cual Satellite seguiría grabando a Carla, pero sus lanzamientos llevarían la marca de Atco Records, filial de Atlantic. 

Un salto, un brinco y un salto desde  

Carla se formó toda su vida para una carrera en el mundo del espectáculo. Creció a pocas cuadras de la calle Beale, donde Rufus fue el maestro de ceremonias del Palace Theatre, donde se convirtió en el espectáculo de blues más famoso del mundo. Carla acompañaba a menudo a su padre en el Palace y desarrolló su estilo musical al escuchar a artistas de blues de todos los estilos, desde Bobby Bland hasta BB King. 

A los 10 años, Carla se unió a Teen Town Singers de WDIA Radio, aunque la edad mínima era de 14 años. En su momento, Isaac Hayes y Anita Louis (Soul Children) también formaron parte de la unidad musical rotativa, pero Carla permaneció en el grupo hasta su último año de preparatoria. 

A los 16 años escribió la canción que la catapultó a la fama internacional, "Gee Whiz (Look at His Eyes)". Se convirtió en su canción insignia, alcanzando el Top 10 en la lista de pop, el Top 5 en la de R&B y le valió una actuación en American Bandstand. 

Los primeros en las listas de éxitos 

En 1966, "BABY" alcanzó otro éxito en las listas de éxitos. Las canciones de Carla alcanzaron las listas nacionales más de 20 veces con sencillos como "Let Me Be Good to You", "I Like What You're Doing to Me", "I've Got No Time to Lose", "A Love of My Own" y la canción de respuesta de Sam Cooke, "I'll Bring It on Home to You". En 1967, grabó el LP King & Queen con Otis Redding. El álbum de duetos incluía clásicos del soul como "Tell It Like It Is" y "Bring it on Home", pero el sencillo más destacado fue su ingeniosa y jovialidad en "Tramp" de Lowell Fulson. 

Entre grabaciones y presentaciones, encontró tiempo para obtener su licenciatura en la Universidad Estatal de Tennessee. Posteriormente, Carla continuó sus estudios en la Universidad Howard con sus compañeros Roberta Flack, Donnie Hathaway y Harold Wheeler. Carla Thomas brilló en el histórico concierto WATTSTAX, patrocinado por el sello, en Los Ángeles, California. Carla enamoró a las más de 100.000 personas que asistieron con "Pick Up the Pieces", "Gee Whiz" y la conmovedora "I Have A God Who Loves". En 1967, se embarcó en la ahora famosa gira europea de la Stax/Volt Revue, en la que participaron muchas de las estrellas del sello, como Otis Redding, William Bell y Booker T. & the MGs. 

Carla Thomas ha aparecido en varias reediciones, entre las que destacan una recopilación de sus grandes éxitos en 1994 y una grabación en directo de una actuación en Memphis en 2002. Sin embargo, en 2007 se publicó Live at the Bohemian Caverns, grabado en 1967 en el famoso centro de jazz de Washington, D.C., con una banda estelar liderada por Donny Hathaway. La actuación en Bohemian Caverns fue una idea original de Carla para demostrar que su destreza vocal no se limitaba al soul. Revela su pasión por el pop y el jazz, ya que interpretó con destreza estándares que se hicieron famosos gracias a artistas como Irving Berlin, Johnny Mathis, Billie Holliday, Doris Day y Frank Sinatra. 

Reconocido e idolatrado 

Aunque Carla rara vez actuó después de la década de 1990, su legado ha sido reconocido de numerosas maneras. En 1993, fue honrada por su carrera en los Premios Pioneer de la Fundación Rhythm & Blues junto con pesos pesados como James Brown, Wilson Pickett y Solomon Burke. También participó en el documental de 2003, "Only the Strong Will Survive", que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes y presentó a varios artistas de Stax. Las canciones de Carla han llegado a oídos más jóvenes a través de artistas que van desde Wu Tang Clan y Salt-N-Peppa hasta Joss Stone y Fontella Bass. El año de su incorporación, actuó junto a sus hermanos Marvell y Vaneese en la celebración del 40.º aniversario de la Sección de Memphis de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación. 

Carla Thomas tiene un papel innegable en la historia musical de Memphis, pero también dejó una marca indeleble en la historia de la música. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Gee Whiz, en vivo en el programa Sunday Night Live en 1989.