Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Roy David Eldridge nació en Pittsburg, Pennsylvania, Estados
Unidos, el el 30 de enero de 1911, y falleció en Valley Stream, Nueva York,
Estados Unidos, el 26 de febrero de 1989. Trompetista y cantante.
Aprendió a tocar la batería y la trompeta, y a los 16 años
se unió a la orquesta de Oliver Muldoon. Después adoptó el nombre de Roy
Elliott, formó su propia banda y trabajó con Horace Henderson. En la década de
1930 se instaló en New York, trabajó sucesivamente con su hermano Joe,
saxofonista, con los McKinney's Cotton Pickers y con Fletcher Henderson, además
de presentarse con su propio nombre en clubs históricos como el Savoy o el
Kelly's Stables.
En la década de 1940 trabajó con Artie Shaw, Gene Krupa,
Benny Goodman y en los conciertos Jazz at The Philarmonic, junto a Coleman
Hawkins. En la década de 1960 acompaña con regularidad a Ella Fitzgerald, colaboró
con la big band de Count Basie y formó un quinteto con Richie Kamuca.
En la década de 1970 redujo su actividad, frecuentó diversos
clubes nocturnos, y fue invitado residente en el Jimmy Ryan's de New York.
Roy Eldridge está considerado como una de las principales
figuras de la trompeta en el jazz clásico y fue el nexo de unión entre Louis
Armstrong y Dizzy Gillespie, entre tradición y modernismo, e influyó en los
trompetistas de la nueva generación.
A continuación, recordamos a Roy Eldridge, con uno de sus éxitos:
Rockin' Chair.
Luces de la ciudad, City Lights, título original en inglés,
es una película escrita, dirigida e interpretada por Charlie Chaplin. Fue
estrenada en Los Angeles, Estados Unidos, el 30 de enero de 1931.
A continuación, la película completa.
Charlot, es un pobre vagabundo sin hogar que conoce y se
enamora de una florista ciega. Poco después evita el suicidio de un millonario
borracho, quien le hace promesas de amistad eterna por haberle salvado la vida.
Sin embargo, cuando está sobrio, el millonario le rechaza.
Inicia un romance con una florista, quien lo toma por un
millonario. Cuando descubre que van a embargar la casa de la chica si no reúne
dinero suficiente, prueba suerte en diferentes trabajos, entre ellos, una
competición de boxeo.
Obtiene, finalmente, mil dólares de su amigo millonario,
quien se los regala generosamente cuando se encuentra ebrio. Una vez sobrio de
nuevo, niega conocer a Charlot y hace que le persiga la policía. Charlot da el
dinero a la florista, quien así consigue evitar ser desahuciada y puede
someterse a una operación que le devuelve la vista.
El protagonista, en cambio,
es capturado por la policía, es acusado del robo de los mil dólares, y pasa una
larga temporada en prisión. Al salir, vuelve a encontrarse con la florista, que
ahora regenta una tienda en lugar de un puesto callejero y vive con la
esperanza de reencontrar a su supuesto millonario.
La película termina con la
escena en que la florista reconoce a Charlot como su benefactor.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
A partir de hoy voy a presentar distintas
versiones, recientes e históricas de una obra destacada. Se trata de la Sinfonía Nº 2 en Do Menor,
también conocida como Auferstehung, Resurrección, de Gustav Mahler,
que la compuso entre 1888 y 1894.
Como antecedente de la sinfonía, Gustav Mahler escribió en
1888 un poema sinfónico en un movimiento titulado Totenfeier, Ritos fúnebres, basado
en el drama poético Dziady de Adam Mickiewicz. Ya era un director reconocido cuando le presentó la obra a
su eminente colega Hans von Bülow, que al escucharla tuvo una reacción desfavorable.
Mahler quedó profundamente desanimado, pero no la abandonó. Posteriormente la
utilizó, agregando tres movimientos más a fines de 1893, la dejó por un tiempo
pero le faltaba el final.
En 1894, durante las exequias de Hans von Bülow se
interpretó una musicalización de la oda Aufersteh'n, Resurrección del poeta
alemán Friedrich Gottlieb Klopstock. Para Mahler fue una revelación, y decidió
terminar la obra con su propia musicalización de dicho poema, al que efectuó
algunas modificaciones.
La sinfonía está compuesta para dos solistas, soprano y
contralto, un coro mixto, órgano y gran orquesta sinfónica, con un conjunto
fuera de escena de metales y percusión. El uso de dos gongs, uno con afinación
grave y otro más agudo, es particularmente original. Al final del último
movimiento se los escucha en alternancia de forma repetida.
La sinfonía está dividida en 5 movimientos:
I. Totenfeier, Ritos Fúnebres. Allegro Maestoso. Mit
Durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck. Con expresión bastante grave y
solemne.
II. Sehr gemachlich. Sin prisa. Andante moderato.
III. In ruhig fliessender Bewegung, Con un movimiento
tranquilo y fluyente.
IV. Sehr feierlich, aber Schlicht. Muy solemne pero
sencillo. Urlicht, Luz prístina, sobre un texto de El cuerno mágico de la
juventud.
V. Im Tempo des Scherzos. Auferstehung, sobre un texto de
Gottlieb Friedrich Klopstock y Gustav Mahler.
Las primeras ocho líneas fueron tomadas del poema Die
Auferstehung, La Resurrección, de Friedrich Gottlieb Klopstock. Mahler omitió
las últimas cuatro líneas de ese poema y las reescribió. El 13 de diciembre de 1895 se produjo el estreno en Berlín,
bajo la batuta del propio Mahler. En la actualidad es una obra que está
incorporada en el repertorio de varias orquestas y cuenta con más de 120
versiones grabadas.
A continuación, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor, Auferstehung, Resurrección, de Gustav Mahler, en la interpretación de Carolina Ullrich soprano, Dagmar Pecková mezzo soprano, el Coro
de la Ciudad de Goyang, el Coral de la Ciudad de Anyang, el Coro de Motetes de Seúl,
la Orquesta Sinfónica KBS, todos dirigidos por Yoel Levi. Presentación
realizada el 20 de noviembre de 2015, en el Korean ART Centre Concert Hall de Seúl,
Corea.
A continuación, el texto que cantan las solistas y el coro.
Sarajevo, 1941. Dos
amigas, Rivka y Zejneba; una judía, otra musulmana. Mientras la persecución de
los judíos en Europa se intensifica, Zejneba y Mustafa Hardagaa, su marido,
abren su hogar a los amigos judíos Rivka y Yosef Kavilios. "Yosef, tú eres
nuestro hermano; tus niños son como nuestros niños. Siéntete como en casa. Lo
nuestro es tuyo", les dicen al recibirlos. Años después se convertirían en
los primeros musulmanes en ser reconocidos como Justos entre las Naciones por
arriesgar sus propias vidas para salvar la de otro.
Esta llamativa historia de una familia musulmana que ofreció refugio a
una familia judía durante el Holocausto nazi no termina ahí. Algún tiempo más
tarde, durante la primavera de 1992, se produce en Sarajevo un asedio brutal
que desencadena violencia y limpieza étnica. Ese mismo año, en Israel, los
Kavilios siguen las noticias con pánico. En febrero de 1993 comienza la
operación de rescate: Zejneba y su hija Sara comienzan su ruta de escape desde
el Sarajevo sitiado y encuentran refugio en Israel. Tova, una de las hijas de
los Kavilios que solía jugar de niña en la casa de los Hardagaa, recibe a
Zejneba en la pista del aeropuerto. Al saludarla le dice: "Cincuenta años
después, exactamente en el mismo lugar; esto es casi inimaginable". Ambos
se arriesgaron para salvar a sus vecinos. Hoy las dos familias deben su vida
una a la otra.
Elie Wiesel,
sobreviviente del Holocausto y premio Nobel de la Paz, afirmaba que aún peor
que la maldad de los perpetradores fue la indiferencia de las personas buenas.
Durante la Segunda Guerra Mundial fueron asesinados seis millones de judíos
sólo por ser quienes eran, judíos. El nazismo levantó fábricas de
muerte donde la humanidad fue testigo del mayor crimen colectivo del siglo XX.
Cuando repasamos las
persecuciones y las muertes a lo largo de la historia, podemos aprender que si
no logramos quebrar la indiferencia que en el pasado paralizó a la humanidad,
tal vez podamos ser las próximas víctimas. Por ello, la sensibilidad y el amor
al prójimo deben llevarnos a "tomar posición ante las atrocidades",
porque, una vez más en palabras de Elie Wiesel, "el silencio estimula al
verdugo".
Adolf Hitler pensó
que podía asesinar sin sufrir consecuencias, porque confiaba en que las
personas olvidan la historia. Dijo: "¿Quién, a pesar de todo, habla hoy
del genocidio armenio? El mundo se olvidó de esta masacre y de 1.500.000
personas asesinadas". Luego, Alemania invadió Polonia y asesinó a seis
millones de judíos durante el Holocausto.
Hoy, más de 71 años después de la liberación del campo de exterminio de
Auschwitz, seguimos preservando la memoria de lo sucedido. Recordamos las
historias de muerte, pero también recordamos el heroísmo de quienes salvaron
vidas. Las comunidades judías, aún conmovidas por los relatos de los
sobrevivientes y los testigos de esta matanza, asumen un legado moral: recordar
y enseñar la historia para generar de esta manera un mecanismo de prevención de
genocidios.
El sentido de justica
y responsabilidad mutua debe ponernos del lado de la vida. Es nuestra
responsabilidad mantener la memoria viva y, como en el caso de los Hardagaa y
los Kavilios, preocuparnos por la vida del otro como si fuese la propia.
El autor es director ejecutivo del Congreso Judío Latinoamericano.
El 1 de noviembre de 2005 la Asamblea General de las Naciones Unidas decidió, por medio de la Resolución 60/71, designar el 27 de enero como Día
Internacional de Conmemoración en Memoria de las Víctimas del Holocausto.
“Recordación del Holocausto: educar para un futuro mejor”
El tema de las actividades conmemorativas y educativas sobre
el Holocausto de 2017, incluida la Ceremonia Conmemorativa del Holocausto, es “Recordación
del Holocausto: educar para un futuro mejor”. Este tema pone de relieve el
hecho de que la educación sobre el Holocausto tiene una dimensión universal y
puede ser un foro adecuado para fomentar el respeto de los derechos humanos,
aumentar la tolerancia y defender nuestra humanidad común. El Holocausto
constituyó un momento histórico decisivo del que es posible extraer valiosas
lecciones hoy acerca del peligro del extremismo y la prevención del genocidio.
El caballero de la rosa, título original en alemán, Der
Rosenkavalier Op. 59, es una ópera cómica en tres actos con música de Richard
Strauss y libreto en alemán de Hugo von Hofmannsthal y el mismo compositor. Fue
estrenada en Dresde el 26 de enero de 1911, por el director de orquesta Ernest
von Schuch y la dirección artística de Alfred Roller.
Después de componer óperas como Salomé en 1905 y Elektra en 1909,
en donde asomaba la politonalidad, la atonalidad y el paroxismo expresionista,
con un texto dramático influido por el vocabulario freudiano de las pasiones
humanas, Strauss comunicó a Von Hofmannsthal su deseo de componer una ópera
distinta, al estilo de la ópera mozartiana, ligera, humorística y ambientada en
la sociedad del siglo XVIII.
A diferencia de las óperas anteriores, el libreto de Von
Hofmannsthal es original, no está basado en obras literarias existentes. El
título de la ópera alude a una costumbre inexistente inventada por Von
Hofmannsthal, que sirve de excusa para el desarrollo argumental.
A continuación, de Richard Strauss, la ópera El Caballero de
la Rosa Op. 59, en la versión de Elisabeth Schwarzkopf como La Mariscala, el
papel de Octavio interpretado por Sena Jurinac, el rol de Sophie cantado por
Anneliese Rothenberger y Otto Edelmann es el Baron Ochs, junto al Coro y el
Ballet de la Opera de Viena, y la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, dirigida
por Herbert von Karajan.
La acción se desarrolla en Viena, en los primeros años del
reinado de la emperatriz María Teresa I, en el siglo XVIII.
Acto I: Dormitorio de la Mariscala
Amanece mientras la Mariscala y su joven amante, Octavian,
intercambian palabras de amor tras haber pasado una noche juntos.
Entra Mohamed, el criado negro de la princesa, con el
desayuno y Octavian se esconde. Sale de su escondite cuando Mohamed se retira y
la pareja sigue con su diálogo mientras toman el desayuno.
Se oyen ruidos fuera de la habitación. La Mariscala teme que
su marido, que se halla de cacería lejos de Viena, haya regresado de improviso,
por lo que Octavian se esconde y se disfraza de criada.
Apartando a los lacayos, el barón Ochs, primo de la
Mariscala, irrumpe en la habitación y comienza a hablar de su próximo
matrimonio con Sophie, la hija del acaudalado burgués Faninal. Le pide a su
prima que le recomiende a un noble que le entregue a Sophie una rosa de plata
en señal de compromiso, de acuerdo a la costumbre. Durante la conversación,
Ochs coquetea con Mariandel, que no es otro que Octavian disfrazado de criada.
Ochs se justifica ante la Mariscala diciendo que aún estando casado seguiría
persiguiendo a campesinas y criadas. Viendo la situación, la Mariscala propone
a Octavian como portador de la rosa.
Es la hora en que la Mariscala recibe a las visitas y la
habitación se llena de gente que acude a solicitar algún favor. Un tenor
italiano ofrece un aria sentimental, mientras el barón discute con un notario
sobre la dote de Sophie. Entre los visitantes se encuentra una pareja de
intrigantes italianos, Annina y Valzacchi, que ofrece sus servicios al barón,
quien los contrata para que localicen a Mariandel.
Todos se marchan y la Mariscala, en su soledad, piensa en el
futuro de la prometida, entregada a un ser tan desagradable como su primo, y
recuerda cómo fue obligada en su juventud a casarse con un hombre mayor al que
no amaba. Estos recuerdos la llenan de melancolía, y le hacen reflexionar sobre
el paso del tiempo y la vejez que se acerca irremediablemente.
Cuando Octavian regresa, la Mariscala le asegura que tarde o
temprano encontrará una muchacha de su edad de la que se enamorará, y la
abandonará para siempre. Esto enfurece al muchacho, que le asegura que nunca
dejará de amarle. Cuando Octavian se marcha, la Mariscala repara en que no se
ha despedido con un beso como era habitual y manda a sus criados a buscarle,
pero ya no le encuentran. Entonces, le envía la rosa que ha de presentar a la
prometida del barón.
Acto II: Sala de visitas en la casa de Faninal
En la mansión de Faninal se espera la llegada del caballero
que entregará la rosa de plata. Faninal, muy nervioso, trata de calmar a su
hija, mientras Marianne, el aya de Sophie, mira por la ventana la llegada de
Octavian.
Anunciado por una multitud de lacayos, Octavian entra
lujosamente vestido, y presenta la rosa de plata a Sophie, quien la acepta
extasiada; cuando ambos cruzan sus miradas, comienzan a sentirse
irresistiblemente atraídos.
Cuando la escolta se retira, ambos jóvenes se sientan a conversar,
pero son interrumpidos por la entrada del barón Ochs, escandalizando a Sophie
con sus groseros elogios. Luego, Ochs se retira a discutir el contrato de
matrimonio con el padre de la joven.
La pareja se queda a solas. Sophie afirma que no se casará
con el barón y ambos se abrazan declarándose su amor. Valzacchi y Annina los
sorprenden y llaman a Ochs, pero este no da importancia a lo sucedido. Octavian
dice al barón que Sophie jamás se casará con él y le reta a duelo. El barón se
muestra inexperto con la espada y Octavian le hiere levemente.
En medio de la confusión, Sophie le dice a su padre que
nunca se casará con Ochs, y Faninal amenaza con hacerle ingresar a un convento
si no accede a casarse. Entre tanto, Octavian contrata los servicios de Annina
y Valzacchi para salvar a Sophie de esta situación.
El barón, a quién los criados han dejado solo, se recupera
del susto bebiendo vino. Annina entra con una carta de Mariandel en la que le
pide una cita con ella, y Ochs vislumbra una conquista amorosa.
Acto III: Una habitación en una posada
Instigados por Octavian, Annina y Valzacchi preparan la
trampa que le han tendido al barón. Poco después, entran Ochs y Mariandel para
cenar en privado, mientras la falsa doncella se muestra tímida y nerviosa.
De repente unas extrañas apariciones se ven en distintos
lugares de la habitación, dejando perplejo al culpable barón. Luego, Annina
disfrazada de viuda, aparece con varios niños gritando que Ochs es su padre.
Llega la policía, y Ochs en su defensa presenta a Mariandel como su prometida
llamándola Sophie von Faninal, pero en ese momento aparece Faninal, quien llama
a su hija para que refute la absurda pretensión del barón.
Cuando Octavian susurra a la policía la verdad sobre su
disfraz, entra la Mariscala y comprende rápidamente todo lo ocurrido, haciendo
desistir a Ochs de su pretensión de casarse con Sophie.La Mariscala se queda a solas con los jóvenes amantes y
renuncia generosamente a Octavian a favor de Sophie. Luego abandona el lugar
junto al padre de Sophie, quién se siente feliz por haber cumplido su deseo de
ingresar en la nobleza. Octavian y Sophie quedan solos, y llenos de dicha
repiten su declaración de amor.
Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, más conocido
como Tom Jobim, nació en Río de Janeiro, Brasil, el 25 de enero de 1927 y murió
en Nueva York, Estados Unidos, el 8 de diciembre de 1994. Compositor, arreglador,
cantante, guitarrista y pianista.
Antonio Carlos Jobim - Tom Jobim (1927/01/25 - 1994/12/08) Compositor
brasileño.
Nació el 25 de enero de 1927 en el barrio de Tijuca de Rio
de Janeiro.
De muy joven se traslada con su familia a Ipanema, entonces
una playa deshabitada de Rio.
Tenía 3 años cuando los padres se separaron. Él y su hermana
Helena permanecieron con su madre, que al poco tiempo contrajo segundas nupcias
con quien Jobim recordó como "El único padre que conocí".
Siendo casi un niño ya tocaba el piano en los bares. A mediados
de los años 50´ del siglo pasado participa en el movimiento de la bossa nova,
que comienza a surgir en la ciudad de Rio, junto con músicos como João
Gilberto, Menescal, Carlos Lyra y Johnny Alf entre otros.
El movimiento se desarrolla principalmente en los clubes de
la playa de Copacabana entre jóvenes músicos fascinados por el Jazz y que
consiguen encontrar una fórmula intermedia entre la samba brasileña y los
ritmos y melodías afro-americanas.
En el exterior comienza a ser conocida a partir de un
festival en el teatro Carnegie Hall en Nueva York, en 1962, con la presencia de
sus principales exponentes.
En el año 1956 conoce a Vinicius de Moraes y con su
colaboración consigue el éxito con "Orfeu da Conceiçao". La historia
es llevada a la gran pantalla con el título de Orfeu negro. Para esta versión
cinematográfica compuso canciones como "A Felicidade".
Autor de "Garota de Ipanema", popular en todo el
mundo, bossa nova compuesta en 1962, con letra de Vinícius de Moraes y a la que
primero se tituló "Menina que passa". El 19 de marzo de 1963 se grabó
para Verve por el saxofonista Stan Getz y João Gilberto, con Jobim al piano, y
en 1967, Frank Sinatra hace un disco con Tom Jobim.
Antonio Carlos Jobim falleció el 8 de diciembre de 1994 en
el Hospital Monte Sinai de Nueva York.
A continuación, recordamos a Tom Jobim, con una presentación en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, en 1986.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Robert Schumann compuso en 1852 el Réquiem en Re Bemol Mayor
Op. 148, pero fue editado 10 años después de la muerte del compositor, bajo la
supervisión de su viuda, Clara Wieck de Schumann.
A continuación, de Robert Schumann, Réquiem en Re Bemol
Mayor Op. 148, en la versión de la Orquesta Filarmónica de la Radio de Saarbrucken-Kaiserslautern,
dirigida por Georg Gruen.
Mikhail Saulovich Elman, más conocido como Mischa Elman,
nacio en Talnoye, Ucrania, el 20 de
enero de 1891 y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 5 de abril de 1967.
Violinista.
Nació en el seno de una familia musical, su abuelo fue un
reconocido violinista, su padre le regaló un pequeño violín el que pronto
aprendió varias canciones por sí mismo.
Poco después, fue llevado a Odessa, donde estudió en la
Academia Imperial de Música. Pablo de Sarasate le dio una recomendación,
afirmando que podría convertirse en uno de los grandes talentos de Europa. A
los 11 años tocó frente a Leopold Auer el Concierto para Violín y Orquesta en Re
Menor Nº 2 Op. 22, de Henryk Wieniawski y el Capricho 24 de Nicoló Paganini, lo
que le valió ser admitido en el Conservatorio de San Petersburgo.
Leopold Auer le organizó una presentación con la famosa
Orquesta Colonne durante su visita a Pavlovsk. Ante la negativa del director Édouard
Colonne de aceptar niños como solistas, Mischa Elman tocó acompañado por un
pianista. Una vez finalizada la interpretación, el director le ofreció una
disculpa y lo invitó a tocar junto a la orquesta. La presentación se llevó a
cabo cuatro meses después en París, donde interpretó el Concierto para Violín y
Orquesta en Mi Menor Op. 64, con gran éxito.
En 1903 comenzó a ofrecer conciertos en los hogares de
varios mecenas, en 1904 debutó en Berlín con gran repercusión, en 1905 debutó
en Londres donde estrenó el Concierto para Violín y Orquesta en La Menor Op. 82
de Alexander Glazunov, en 1908 tocó en Carnegie Hall causando una gran
impresión en su audiencia americana, y en 1914 recorrió Australia.
La familia Elman se trasladó a los Estados Unidos, y Mischa
adquirió la ciudadanía en 1923. Su trabajo fue muy intenso. En una temporada de
29 semanas actuó en 107 oportunidades. En 1943 estrenó el Concierto Nº 2 en Sol
Menor H. 293 de Bohuslav Martinů, escrito para él.
Su actividad profesional se extendió por más de 60 años, en
los que realizó una importante cantidad de grabaciones en diversos sellos
discográficos, desde discos de pasta hasta LP que nunca fueron reeditados en CD
de manera sistemática.
A continuación, recordamos a Mischa Elman con dos
interpretaciones, de Fritz Kreisler, Schon Rosmarin, en un registro de 1962,
junto a Joseph Seiger en piano y de Camille Saint-Saëns, Introducción y Rondo
Capriccioso en La Menor Op. 28, junto a la Orquesta de la Opera de Viena,
dirigida por Vladimir Golschmann, en un registro de 1959.
El trovador, título
original en italiano, Il trovatore, es una ópera en cuatro actos con música de
Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra
de teatro El trovador de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a mediados
de 1852 antes de terminar el libreto, tarea que realizóLeone Emanuele Bardare, bajo la
supervisión del propio Verdi.
La ópera fue estrenada
el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma, yel éxito superó todas las expectativas. Giuseppe
Verdi recibió una corona de laureles con cintas rojas, y después de la tercera
representación, una multitud acompañó al maestro a su hotel, una pequeña banda
tocó bajo su balcón música hasta la madrugada. Era costumbre del compositor
retirarse de la ciudad de turno después de la tercera representación, pero en
agradecimiento se quedó para la cuarta.
A continuación,
Il Trovatore de Giuseppe Verdi, en la versión de Placido Domingo, Raina
Kabaivanska, Fiorenza Cossotto, Piero Cappuccilli, Jose van Dam, en los roles
principales, junto al Coro y Orquesta de la Opera de Viena, dirigidos por
Herbert von Karajan.
La acción se
desarrolla en Vizcaya y Aragón, España, en el siglo XV.
Palacio de la
Aljafería en Zaragoza
Acto I: El duelo
Escena 1: Cuarto
de la guardia del palacio de Luna
Ferrando el capitán de los
guardias, ordena a sus hombres que estén atentos mientras el Conde de Luna vaga
sin cesar bajo la ventana de Leonora, dama de honor de la Princesa de Aragón, a
quien ama. El Conde siente celos de su rival, el trovador Manrico. Para
mantener despiertos a los guardias, Ferrando narra la historia del conde (Aria:
Di due figli vivea padre beato / "El buen conde de Luna vivía felizmente,
padre de dos hijos"). Según la historia, una gitana de aspecto terrible
embrujó al pequeño hermano del conde, haciéndolo débil y enfermizo, y por ello
fue condenada a la hoguera. En el momento de su muerte, la gitana ordenó a su
hija Azucena que la vengara, lo cual hizo en parte raptando al hijo menor del
Conde. Aunque los huesos incinerados de un niño fueron encontrados en las
cenizas de una hoguera, el padre rehusaba creer que eran los de su hijo. En su
lecho de muerte, hizo jurar al Conde de Luna (su hijo mayor) que buscara a
Azucena.
Escena 2: Jardín
en el palacio de la princesa
Leonora confiesa
su amor por Manrico a su confidente, Inés (Tacea la notte placida / "La
tranquila noche está en silencio"... Di tale amor / "Un amor que las
palabras a duras penas pueden describir"). Cuando salen de escena, el
Conde de Luna escucha la voz de su rival, Manrico, en la distancia: (Deserto
sulla terra / "Solo en esta tierra"). Mientras Leonora regresa y en
la oscuridad confunde al Conde con su amante, el propio Manrico entra en el
jardín, y Leonora corre a sus brazos. El conde reconoce en Manrico a su rival,
al que ha condenado a muerte, y le reta a pelear. Leonora trata de intervenir,
pero no puede detenerlos (Trio: Di geloso amor sprezzato / "El fuego del
amor celoso").
Acto II: La gitana
Escena 1:
Campamento de gitanos
Mientras Manrico
se sienta junto al lecho de su madre, Azucena, los gitanos cantan el coro del
yunque: Vedi le fosche notturne / "¡Ved! El cielo infinito lanza su
oscuridad."). Ella es la hija de la gitana quemada por el conde y, aunque
vieja, sigue rumiando su venganza. (Aria: Stride la vampa / "¡Rugen las
llamas!"). Mientras los gitanos levantan el campamento, Azucena le
confiesa a Manrico que cuando intentó quemar al hijo del conde, por
equivocación tiró a las llamas a su propio hijo (Aria: Condotta ell'era in
ceppi / "La llevaban atadas las manos"). Manrico, entonces se da
cuenta de que no es el hijo de Azucena, pero la ama como si de verdad fuera su
madre, pues ella siempre le fue leal y amorosa. Manrico le cuenta a Azucena que
cuando luchó con su hermano y tuvo la oportunidad de matarlo, sintió una fuerza
sobrenatural que le impidió hacerlo (Dúo: Mal reggendo / "Él estaba
indefenso bajo mi salvaje ataque"). Llega un mensajero diciendo que
Leonora, que cree a Manrico muerto, está por entrar a un convento y tomar el
velo esa misma noche. Aunque Azucena intenta impedírselo debido a su débil
estado (Ferma! Son io che parlo a te! / "Debo hablarte"), Manrico
intentará impedirlo, lanzándose en su búsqueda.
Escena 2: Frente
al convento
El Conde de Luna
y sus hombres intentan raptar a Leonora y el conde canta su amor por ella
(Aria: Il balen del suo sorriso / "La luz de su sonrisa" ... Per me
ora fatale / "Hora fatal de mi vida"). Ella y algunas monjas entran
en procesión, en el momento en que Luna intenta actuar, Manrico se interpone
entre ellos, y ayudado por sus hombres escapa llevándose a Leonora consigo.
Acto III: El hijo
de la gitana
Escena 1: El
campamento del Conde de Luna
(Coro: Or co'
dadi ma fra poco / "Ahora jugamos a los dados") Los soldados del
conde de Luna traen a Azucena capturada. La llevan ante el Conde, siendo
reconocida por Ferrando como la gitana que raptó a su hermano. También se da a
conocer como la madre de Manrico, razón por la cual el Conde de Luna encontró
doble motivo para condenarla a morir en la hoguera.
Escena 2: Cámara
en el castillo
Leonora y Manrico
viven el uno para el otro (Aria, Manrico: Ah si, ben mio coll'essere /
"Ah, sí, mi amor, siendo tuya"). Cuando van a pronunciar sus votos
nupciales entra Ruiz, hombre de Manrico, y le informa de que Azucena será
conducida a la hoguera. Manrico se apresura a salir en su ayuda (Stretta: Di
quella pira l'orrendo foco / "Las horribles llamas de aquella pira").
Leonora cae desmayada.
Acto IV: El
castigo
Escena 1: Frente
a una celda del castillo
Leonora intenta
liberar a Manrico, que ha sido capturado por el Conde de Luna (Aria: D'amor
sull'ali rosee / "En las alas rosadas del amor"; coro y dúo: Miserere
/ "Señor, apiádate de este alma"). Leonora implora piedad al Conde y
ofrece su vida a cambio de la de Manrico. Promete entregarse al Conde, pero en
secreto bebe un veneno de su anillo para morir antes de que el conde de Luna
pueda consumar la boda (Dúo: Mira, d'acerbe lagrime / "Mira las amargas
lágrimas que derramo").
Escena 2: En la
celda
Manrico y Azucena
esperan su ejecución. Manrico intenta calmar a su madre, quien no puede
conciliar el sueño, su mente recuerda los días más felices en las montañas
(Dúo: Ai nostri monti ritorneremo / "De nuevo regresaremos a nuestras
montañas"). La gitana finalmente se duerme. Leonora llega para decirle a
Manrico que está a salvo, y le dice que está salvado, rogándole que escape.
Pero él rechaza dejar la prisión, cuando se entera de que Leonora no le podrá
acompañar. Se cree engañado hasta que se da cuenta de que ella ha bebido el
veneno para mantenerse fiel a él. Leonora agoniza en brazos de Manrico y le
confiesa que prefiere morir con él que casarse con otro (Cuarteto: Prima che
d'altri vivere / "Antes que vivir como la mujer de otro"). El Conde
de Luna entra y al ver a su prometida muerta en brazos de su rival, ordena la
ejecución de Manrico. Mientras se cumple la sentencia, Azucena despierta junto
al Conde y cuando el conde le muestra al muerto Manrico, ella en vez de
lamentarse grita extasiada por el triunfo: Egli era tuo fratello! / "Él
era tu hermano... Te he vengado, ¡oh, madre!". Al mismo tiempo que
Azucena, el conde grita desesperado E vivo ancor! / "¡Y yo debo seguir
viviendo!".
Tsézar Antónovich Kiuí, más conocido como César Cui, nació en Vilna, entonces Rusia, el 18 de enero de 1835 y murió en San Petersburgo, Rusia, el 26 de marzo de 1918. Compositor y militar.
Cesar Cui (Cesar Antónovich Cui; Vilna, 1835 - Petrogrado,
1918) Compositor ruso. Fue uno de los compositores pertenecientes al llamado
"Grupo de los Cinco". Ingeniero militar de carrera y profesor en la
Academia de Petrogrado con el grado de teniente general, estudió música con
Moniuzko y Balakirev. Compuso obras sinfónicas y de cámara y las óperas El hijo
del Mandarín (1859), El prisionero del Cáucaso (1859), Wilhelm Ratcliff (1869),
Angelo (1876), El filibustero (1889), El sarraceno (1899), Mam'zelle Fifi
(1900), Matteo Falcone (1908) y La hija del capitán (1911). Fue también crítico
musical y propugnó en artículos, opúsculos y libros los ideales del grupo
nacional ruso. Es difícil, sin embargo, sostener que sus composiciones se
acerquen al modelo prefijado: no alcanzan el deseado carácter nacional, ni
cualquier otro determinado, presentando un estilo que recuerda a Auber,
Schumann o Dargomitchky, realizado con pobre técnica aunque con una delicada
sensibilidad.
A continuación, recordamos a César Cui, con sus Cinq petite duos Op. 56, en la versión del Trío Cherrywood.
François-Joseph Gossé, más conocido como François-Joseph Gossec,
nació en Vergnies, entonces Francia, actualmente en Bélgica, el 17 de enero de
1734 y murió en Passy, Francia, el 16 de febrero de 1829. Compositor.
Gossec [François Joseph Gossé] (François Joseph Gossé,
llamado Gossec; Vergnies, 1734 - París, 1829) Compositor francés. Fue alumno de
Rameau e introdujo la sinfonía y las nuevas ideas sobre la orquesta en la
Francia de su tiempo. Escribió óperas, música de cámara, sinfónica, religiosa y
patriótica.
A la muerte de su protector, el príncipe de Conti, François
Joseph Gossé tomó durante ocho años bajo su dirección los espectáculos del
príncipe; al mismo tiempo realizó arreglos y reorquestaciones de partituras
antiguas. Fundó el Concierto de Amateurs en 1770 y dirigió la Escuela Real de
Canto, que transformó en Conservatorio Nacional con la colaboración de
Sarrette. Hasta 1815, y después de abandonar el Conservatorio, se consagró por
completo a la enseñanza.
Su producción fue abundante; se cuentan como de su autoría
más de cien obras instrumentales. De su música religiosa cabe citar la Misa de
difuntos (1760), O Salutaris (1782) y dos oratorios, y, de entre sus obras
dramáticas, Los Pescadores (1766) y Sabinus (1774). Se le deben también los
tratados pedagógicos Principios elementales de música, Principios elementales
del contrapunto y El solfeo. Autor de populares himnos revolucionarios como
Canto del 14 de julio (1790-1791), A la libertad y A la victoria, Gossec fue
considerado el músico de la Revolución Francesa.
A continuación, recordamos a François Joseph Gossec, con la
Sinfonía a 17 partes en Fa Mayor, en la versión de la Orquesta Sinfónica de
Lieja, dirigida por Jacques Houtmann.
Niccolò Vito Piccinni nació en Bari, Nápoles, Italia, el 16
de enero de 1728 y murió en París, Francia, el 7 de mayo de 1800. Compositor.
Alumno del conservatorio San Onofrio de Nápoles, estudió con
Leonardo Leo y Francesco Durante y fue compañero de Pasquale Anfossi. En 1754 compuso
su primera ópera, Donne dispettose, y en 1756 su primera ópera seria, Zenobia,
que fue estrenada en el Teatro San Carlo.
En 1758, escribió la ópera, Alexandre aux Indes, con un
libreto de Metastasio. Ese mismo año se instaló en Roma, gracias a un encargo, donde
tuvo un éxito considerable, con obras como La buona figliuola de 1760, basada
en una obra de Carlo Goldoni.
Posteriormente compuso más de cincuenta nuevas
obras líricas y en 1774 revisó Alexandre aux Indes, y fue apreciado sobre todo
por sus óperas bouffes. En 1773, su reputación comenzó a declinar frente a la de
Anfossi y, en 1776, aceptó una invitación de la corte de Francia donde fue
profesor de canto de la reina Maria Antonieta y director del Théâtre-Italien, y
se consagró principalmente a escribir óperas. En 1778, compuso su primera ópera
francesa, Roland, que le supuso un importante renombre.
En París encontró a otro compositor con el que tuvo una
rivalidad bien conocida, Christoph Willibald Gluck, cuyo objetivo fue introducir
en las óperas más verdad dramática. Su disputa, conocida como la Querella de
gluckistas y piccinnistas aumentó la notoriedad de Piccinni, pero al final
salió triunfante Gluck. La ópera Iphigénie en Tauride de Piccinni de 1781, fue
representada dos años después de la obra homónima de su oponente.
En 1783 Piccinni presentó Didon, considerada como su obra
más lograda, y la corte de Francia le concedió una pensión. A partir de 1784,
atravesó un periodo difícil, la competencia de Antonio Sacchini y de Antonio
Salieri lo pusieron en dificultades. Varias de sus óperas fueron fracasos de
público, en particular su Pénélope, en 1785. En 1791, durante la Revolución
francesa, se le retiró la pensión, y regresó a Nápoles y de allí a Venecia,
donde compuso Griselda en 1793.
En 1798, regresó a París, donde fue nombrado sexto inspector
del Conservatorio de París, su salud estaba muy deteriorada y no pudo cumplir
los deberes de su cargo. Murió en Passy en 1800.
Niccolò Piccinni fue uno de los compositores de ópera más
populares de su época, figura central de la escena italiana y francesa de la
segunda mitad del siglo XVIII, que contribuyó de manera determinante al
desarrollo de la Opera buffa.
A continuación, recordamos a Niccolò Piccinni, con el
Concierto para Flauta y Orquesta en Re Mayor, en la versión de Peter-Lukas Graf,
junto a la Orchestra da Camera di Padova e del Veneto, dirigida por Bruno
Giuranna.
