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Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Sylvia Perlmutter, sobrevivir y vivir
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Sylvia Perlmutter nació el 20 de enero de 1935 en Lodz,
Polonia. Su padre, Isaac, era vendedor, y su madre, Haya, cuidaba de Sylvia y de su hermana Dora. En
febrero de 1940 260.000 judíos fueron obligados a vivir en el gueto de Lodz. En
este gueto no hay sitio para los niños y los ancianos. Sylvia permaneció
escondida a lo largo de cinco años. Entre los supervivientes del gueto había
sólo 12 niños, Sylvia fue uno de ellos.
Hacé click en el
reproductor para escuchar el programa.
Manuel Penella Moreno. Es un compositor mexicano de origen
español que fue director del Conservatorio de Valencia.
Breve biografía
Sus inicios fueron influenciados por su padre,se destacó en
sus primeros años como violinista y organista. Se presentó a la ciudad de
México a la cabeza de su Compañía Española de Zarzuelas y Revistas, que se
presentó de junio de 1920 a septiembre de 1921 en el teatro Arbeu y en otros
escenarios del centro de México. Posteriormente va a Argentina, donde fijó su
residencia. En el año 1936 regresó a México para dirigir la parte musical de la
filmación de su zarzuela Don Gil de Alcalá, adaptada al cine con el título El
capitán aventurero. Creo una compañía de género chico junto con Esperanza Iris
y Manolita Saval, la cual se presentó en diversos escenarios como en el Palacio
de Bellas Artes. Otras composiciones suyas dadas a conocer en México fueron Día
de Reyes, El gato montés, La España de Pandereta, La niña de los besos y Las
musas latinas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el pasodoble El Gato Montés, en la versión de la Banda Sinfónica Ciudad de
Baeza, dirigida por Joaquín Fabrellas Bordal.
Piotr Ilich Tchaikovski compuso el Concierto para Piano y Orquesta
Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, entre noviembre y diciembre de 1874, y completó
la orquestación en febrero de 1875.
Se lo dedicó a Hans von Bülow, que lo estrenó el 25 de
octubre de 1875, en Boston, Estados Unidos. La orquesta fue dirigida por
Benjamin Johnson Lang. La primera interpretación en Rusia fue realizada por Serguéi
Tanéyev.
Posteriormente el compositor revisó la obra en 1879,
escribió un arreglo para dos pianos en diciembre de 1884, y la versión
definitiva en 1888.
A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, el Concierto
para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, en la versión de Martha
Argerich, y la Orquesta de la Suisse Romande, dirigida por Charles Dutoit.
Emilio Cebrián Ruiz nació en Toledo, Castilla-La Mancha,
España, el 30 de julio de 1900, y murió en Liria, Comunidad Valenciana, España,
el 3 de octubre de 1943. Compositor.
El sitio www.coessm.org
publicó este recordatorio firmado por Roberto Puche.
Emilio Cebrián Ruiz
Cualquier músico de banda ha interpretado o conoce la música
de Emilio Cebrián o muy difícil sería que nadie hubiese tocado el pasodoble
“Churumbelerías” por ejemplo, pero en realidad no imaginamos la magnitud que ha
tenido este extraordinario músico en tan poco tiempo de vida.
Aunque en estos artículos hablemos de la música procesional
en general, creo que no sería apropiado dejar atrás la historia de este gran
músico en todas sus facetas.
Fuente: 1 octubre, 2020 Escrito por diapason
Emilio Cebrián Ruiz, nace en Toledo en julio de 1900 y ya
desde muy joven comienza a asistir a la academia de música del maestro José
Blanco, que muy pronto avisa de las aptitudes del entonces niño para con la
música. Tras el desacuerdo de sus padres, a los quince años ingresó como alumno
en la Banda de Música de la Academia de Infantería de Toledo y muy rápidamente
obtiene la plaza fija como “músico de segunda” en la categoría de militar de
requinto. Amplió sus estudios musicales con varios maestros como el maestro de
capilla de la Catedral Primada de Toledo, D. Francisco Saizar con el que
estudió piano y armonía para poder recalar entonces en el Real Conservatorio
Superior de Música de Madrid. En ese tiempo, también ingresa como clarinete en
la orquesta del Teatro Municipal de Rojas. Otro dato que nos asombra es que en
1926, con veintiséis años, fue nombrado director de la Banda de Talavera de la
Reina a través de un concurso de méritos para cubrir la plaza de director.
Tras conseguir grandes objetivos como ganar el Concurso
Regional de Bandas de Toledo con la banda de Talavera, es cuando la Reina
Victoria Eugenia, esposa de Alfonso XIII se interesa por él y su música.
Un hecho de gran importancia en la vida de este músico y que
conllevaría otro éxito dentro del mundo de la Semana Santa, fue cuando en el
año 1933 quedó vacante la plaza de director de la Banda Municipal de Jaén. Tras
un concurso de méritos muy ajustado el maestro Cebrián ganó la plaza, eso sí,
siendo el único que consiguió reconocer todos los fallos que el Jurado había
colocado a propósito mientras sonaba la banda, como por ejemplo que el fagot no
tocaba su propia partitura o que la flauta hacía la voz del requinto.
Es en 1935 cuando Cebrián siendo director de la Banda
Municipal de Jaén compone una marcha procesional que ha quedado para la
posteridad como es, “Nuestro Padre Jesús”.
“Nuestro Padre Jesús” es una marcha escrita concretamente
para la imagen de Nuestro Padre Jesús “El Abuelo” de la ciudad de Jaén, al que
vemos en la derecha. El encargo o la idea de hacerle una marcha a la imagen del
“Abuelo” le llega a Cebrián a través del “fabricano”, el encargado de los
enseres de la hermandad, Antonio Delgado, quien le propuso al maestro que le
escribiera una marcha ya que durante la procesión solo se interpretaban dos.
Cuentan los hechos que en el año 1934 durante la procesión
del “Abuelo” del viernes santo, el maestro Cebrián portó durante un tramo de la
procesión a dicha imagen y que tras terminar este tramo, visiblemente
emocionado por vivir la experiencia, se abrazó al fabricano Antonio Delgado,
diciéndole que trasladaría lo que acababa de vivir en una marcha procesional.
La composición tuvo buena acogida tanto por parte de los
músicos como del pueblo en general y para afianzar esta conexión, Cebrián decidió
incorporar algunas estrofas del “Himno a Jaén” que él mismo compuso, con la
base de la letra del “Canto a Jaén” de Federico de Mendizábal de 1932. Como
curiosidad, la marcha está compuesta para una plantilla de Banda de Música con
varios motivos populares andaluces y como acabamos de mencionar, con algunas
estrofas del “Himno a Jaén”. Hoy en día, sigue siendo una de las marchas más
interpretadas en todo el territorio español.
El 3 de octubre de 1943, el maestro Cebrián se encontraba en
Lliria (Valencia) para realizar un concierto con su hermano Francisco. Este
día, Cebrián, iba a dirigir la banda de su hermano, la Banda Primitiva de
Lliria, al que no había visto actuar profesionalmente todavía, pero
desgraciadamente perdió la vida tras caer desde una puerta-balcón, al que había
salido a “fumarse un cigarrillo” según cuenta Manuel Vílchez, que no tenía
balaustrada y cayó al vacío. Es un final triste para un músico tan importante.
En ese concierto que Cebrián iba a dirigir eran nada más y nada menos que “Una
Noche en Granada” y el célebre pasodoble “Churumbelerías”.
Aunque para finalizar pongamos el broche con la marcha que
nos ha correspondido hablar, no puedo dejar de aconsejar escuchar marchas como
“Macarena”, “Jesús Preso” o ya de otro ámbito como la que hemos mencionado “Una
Noche en Granada” o algunos de sus grandes pasodobles.
El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo.
Murió a los 78 años Gianni Nazzaro, uno de los
cantantes italianos más populares en la Argentina
Oriundo de Nápoles, tuvo gran éxito en nuestro país durante
los ’70 y los ’80 con temas
como ¡Ah! Qué hermosa es y Al modo mío
29 de Julio de 2021
Gianni Nazzaro falleció a los 72 años
Una dura noticia sacudió las últimas horas al mundo de la música. El cantante italiano Gianni Nazzaro murió en Roma a los 72 años, víctima de un cáncer de pulmón que lo afectaba desde hace varios años, pero mantuvo en secreto hasta los últimos días. Oriundo de Nápoles, construyó su popularidad durante los años 70, con su participación en los tradicionales festivales italianos y mantuvo un lazo particular con el público argentino.
Fue promediando la década del ‘70 que el nombnre de Gianni Nazzaro se desparramó entre el público argentino. Sus regulares actuaciones, tanto en los estudios de televisión como en diversos teatros de la ciudad de Buenos Aires, fueron sostenidas por la edición de su material en castellano. En 1978, se publicó el recopilatorio Los más grandes éxitos De Gianni Nazzaro en castellano, que no casualmente abría con “¡Ah! Qué hermosa es”, (“Quanto é bella lei” en el original) su mayor éxito global.
Play
Gianni Nazzaro interpreta "A Modo Mio"
“No quiero enamorarme más”, y “Más que noche esta noche” y “Al modo mío”, también venían en el long play que hacía justicia con uno de los cantantes italianos más populares en una época de oro de la música itálica tanto en la península como en otras partes del mundo. Argentina naturalmente fue uno de sus principales mercados. Su último concierto en esta tierra fue en 2015 en el Teatro Broadway, compartiendo escenario con Silvana Di Lorenzo en el espectáculo Canta Italia.
Gianni había nacido en Nápoles el 27 de octubre de 1948, y siendo apenas un adolescente hizo sus primeras armas en la música bajo el seudónimo de Buddy. Por entonces, se destacaba en las imitaciones de las voces más famosas de la canción italiana e inglesa e mediados de los ‘60, animándose al repertorio de nombres como Gianni Morandi, Joe Cocker o Adriano Celentano. En 1968, su nombre ya era más conocido al participar en un espectáculo en radio y televisión con su tema “Solo noi”.
Gianni Nazzaro fue muy popular en la década del '70 Grosby
En simultáneo, comenzó una carrera por los festivales más reconocidos de la canción. Empezó en su patria chica, Nápoles, donde en 1970 se alzó con el premio mayor gracias a “Me ammore chiamme”, mientras su nombre ya era una fija en la radio y la televisión. Así, llegó a presentar sus éxitos en el prestigioso Festival de San Remo, donde en 1983 se llevó la gran ovación con “Mi sono innamorato di mia moglie”. Años después, expresó su disconformidad con el certamen al no considerar su versión “Perdere l’amore”, que al año siguiente fue la ganadora.
Nazzaro se presentó con éxito en radio, televisión y los más prestigiosos festivales de la canción
Nunca dejó de cantar, pero con el tiempo su inquietud artística lo llevó a probarse en la actuación, donde explotó ese porte seductor con el que caminaba los escenarios y los estudios de televisión. Recién en 2016 se alejó de la escena luego de sufrir un accidente de autos en el que sufrió severas lesiones y perdió un riñón.
En el plano sentimental, vivió su gran historia de amor con Nada Ovcina, madre de dos de sus cuatro hijos. Estuvo un largo tiempo distanciado, hasta que se reconciliaron después del mencionado accidente y volvieron a casarse, en un matrimonio celebrado a las tres de la mañana en una habitación de hospital. Además, Gianni tuvo otros dos hijos fruto de su relación con Catherine Frank.
Nazzaro tuvo dos grandes amores y cuatro hijos
La muerte de Nazzari enluta nuevamente a la música italiana que viene de sufrir dos pérdidas muy sentidas. El 5 de julio, falleció la cantante, actriz y presentadora italiana Raffaella Carrà a los 78 años. En tanto, el 18 de mayo había muerto Franco Battiato a los 76 años en su Sicilia natal, donde permanecía alejado de los escenarios durante el último tiempo.-
A continuación, lo recordamos con uno de sus éxitos: A modo mio.
Pedro Humberto Allende fue uno de los más importantes compositores
chilenos del siglo XX. Nació en Santiago el 29 de julio de 1885, del matrimonio
formado por el periodista y escritor satírico Juan Rafael Allende y la
ciudadana francesa Celia Sarón.
Pedro Humberto Allende fue uno de los más importantes
compositores chilenos del siglo XX. Nació en Santiago el 29 de julio de 1885,
del matrimonio formado por el periodista y escritor satírico Juan Rafael
Allende -quien también llegó a componer veinte piezas musicales- y la ciudadana
francesa Celia Sarón.
La formación musical de Pedro Humberto Allende Sarón comenzó
de manera espontánea, en el seno de una familia conformada por músicos. En 1899
ingresó al Conservatorio Nacional de Música, donde tuvo como maestros a
destacados músicos como Domingo Brescia, Enrique Soro, Luigi Stefano Giarda,
Aurelio Silva y Federico Stöbel. Obtuvo los títulos de profesor de violín
(1905) y profesor de armonía y composición (1908). Posteriormente, se tituló
también como profesor de música vocal (1920), labor que desempeñó en varios
colegios capitalinos de tradición. Sin embargo, buena parte de su carrera
académica la desarrolló en las salas del Conservatorio Nacional, donde enseñó
Armonía y Composición entre 1918 y 1946. Entre sus alumnos, varios terminaron
convirtiéndose en destacados compositores, como Alfonso Leng, Carlos Isamitt,
René Amengual, Alfonso Letelier, Pedro Núñez Navarrete, Gustavo Becerra, Juan
Orrego Salas, Carlos Riesco, Jorge Peña Hen y Eduardo Maturana.
Esta labor docente, junto a su participación en la Sociedad
Bach y en iniciativas como la Asociación Nacional de Compositores -de la que
fue fundador y presidente-, hicieron de Pedro Humberto Allende un activo
promotor de la renovación en la actividad musical chilena.
En tres oportunidades el gobierno de Chile comisionó a
Allende Sarón para estudiar las problemáticas de la educación musical en otros
países latinoamericanos y europeos, lo cual lo llevó a recorrer España,
Checoslovaquia, Hungría, Austria, Alemania, Uruguay, Costa Rica, Francia,
Italia, Bélgica e Inglaterra. Allí tuvo la oportunidad de tomar contacto con
las nuevas tendencias de la composición contemporánea, tales como el
impresionismo, el neoclasicismo y el expresionismo, y de dictar conferencias
relativas a metodologías de enseñanza musical. Además, estrenó en esos países
varias obras de su autoría y conoció a destacadas personalidades del panorama
musical latinoamericano y europeo.
Allende fue el pionero del nacionalismo musical en Chile, destacándose
por su hábil integración de los recursos propios de la música de arte con
elementos tomados del folclor campesino y urbano del país. De la música
académica recurrió principalmente a la estética impresionista (armonía no
funcional, cromatismos y modalidad), que supo aunar con ritmos y sonoridades
del folclor aborigen y mestizo (mapuche, tonada, cueca y pregones urbanos).
Allende fue uno de los primeros en estudiar en terreno las manifestaciones
musicales del pueblo mapuche, experiencia cuyas conclusiones publicó en 1928.
Entre sus composiciones destacan las Escenas campesinas
chilenas (1914) para orquesta y las Doce tonadas de carácter popular chileno
(1918-1922) para piano solo, obras que recrean ritmos de la zona central de
Chile. También el poema sinfónico La voz de las calles (1920), compuesto en
base a pregones callejeros y el Concierto para violonchelo y orquesta (1915),
que mereció un favorable comentario del compositor francés Claude Debussy en
una carta fechada en 1916.
Por su dilatada y fructífera trayectoria como compositor,
pedagogo e investigador, Pedro Humberto Allende fue el primer músico chileno en
recibir el Premio Nacional de Arte, en 1945.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Seis Miniaturas Griegas para piano, en la versión de Alexandra Aubert.
Giuditta Grisi nació en Milán, Italia, el 28 de julio de
1805, y murió en Cremona, Italia, el 1 de mayo de 1840. Mezzosoprano.
Provino de una familia de artistas. Su hermana de Giulia
Grisi fue una célebre soprano del bel canto, y prima de Carlotta Grisi, una
famosa bailarina, que fue la primera intérprete de Giselle. Estudió en Milán, y
en 1826 debutó en Viena como Faliero, en la ópera Bianca e Faliero, de Gioachino
Rossini. Rápidamente se especializó en los roles de coloratura del compositor. En
1830 Vincenzo Bellini escribió para ella el rol de Romeo en su ópera I Capuleti
e i Montecchi. Cantó por toda Italia, y en ciudades como Londres y
París. Pronto comenzó a sufrir problemas vocales, y falleció repentinamente a
los 34 años.
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Edward Elgar, con las Variaciones sobre un tema original
Enigma Op. 36, el Concierto para Violonchelo y Orquesta en Mi Menor Op. 85, y
Land of Hope and Glory, arreglo de la Marcha Nº 1 Pompa y Circunstancia Op. 39.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Alvin Morris, más conocido como Tony Martin, nació en San
Francisco, California, Estados Unidos, el 25 de diciembre de 1913, y murió en
Los Ángeles, California, el 27 de julio de 2012. Actor y cantante.
De familia judía, todos sus abuelos habían emigrado de
Europa del Este. Creció en Oakland, California. A los 10 años, recibió un
saxofón como regalo de su abuela. En la escuela primaria se convirtió en
instrumentista y cantante. Posteriormente, en la escuela secundaria, formó su
primera banda, llamada The Red Peppers, y se unió a la orquesta de Tom Gerun.
Uno de sus colegas fue Woody Herman. Después de la universidad, se mudó a
Hollywood para desarrollar su carrera de actor de cine. En 1936 tuvo su primer papel
en el film Sigue la flota, protagonizada por Fred Astaire y Ginger Rogers, que
marcó el inicio de una larga lista de más de 30 producciones, entre ellas
varias comedias musicales. A principios de la década de 1940, cantó y fue maestro
de ceremonias en el programa Tiempo de puesta a punto, con Andre Kostelanetz,
en la Cadena CBS. Posteriormente participó de muchas audiciones. Durante la
Segunda Guerra Mundial cantó en diferentes lugares para entretener a los
soldados. Finalizado el conflicto firmó contrato con el sello Mercury, y grabó 25
discos en 1946 y 1947. Luego firmó contrato con el sello RCA. En 1958, se
convirtió en el artista mejor pagado en el Desert Inn, de Las Vegas.
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con All the Things You Are.
Amedeo Bassi (29 de julio de 1872-14 de enero de 1949) fue
un tenor italiano.
Nacido en Montespertoli, de origen humilde, Bassi estudió
canto en la cercana Florencia en la Escuela Privada del Marqués Corrado
Pavesi-Negri. La voz del tenor lirico spinto, sólida, de registro alto, y del
fraseo contundente, bajo hizo su debut en Castelfiorentino en la obra de Ruy
Blas De Filippo Marchetti en 1897, un gran éxito que se repitió en los años
siguientes, en Florencia, en el Teatro Nacional Arena, y luego en el Teatro
Pagliano en sus interpretaciones en Lucrezia Borgia de Gaetano Donizetti, en
Rigoletto de Giuseppe Verdi y La bohème de Giacomo Puccini. Bajo dijo
rápidamente a principios del siglo XX como uno de los intérpretes más famosos
del repertorio de la ópera verismo italiano, participando, entre otras cosas,
en la primera representación de numerosas obras, incluyendo bajo también fue
aclamado cantante puccini y el primer intérprete italiano en el papel de Dick
Johnson en la fanciulla del West en la temporada de 1911. La carrera de los
Países Bajos tuvo lugar con gran éxito, y en Italia (Milán, Roma, Nápoles,
Florencia, Ravenna, Livorno, Bolonia, Pisa, Lecce, Trapani, Carrara), en los
principales teatros internacionales de Inglaterra (Londres), Rusia (San
Petersburgo, Odessa), España, Francia (París), Austria (Viena), Estados Unidos
(Nueva York, Chicago) y América Latina (Buenos Aires, Montevideo, La Plata, Río
de Janeiro, Valparaíso, Santiago, Chile). En 1910 participó, en el Covent
Garden de Londres, en la gala de la coronación del Rey Jorge V del Reino Unido.
Hacia el final de su carrera se dedicó principalmente al repertorio wagneriano,
en Italia y en el extranjero, en Parsifal, Valquiria y Lohengrin. Dejando el
escenario después de 1926, Bassi se retiró a Florencia, donde enseñó canto y
tuvo como alumno, entre otros, al famoso tenor Ferruccio Tagliavini. Muchas
grabaciones de arias de ópera sobreviven del cantante, hechas entre 1904 y 1912
por Pathé (París, Milán) y Fonotipia (Milán). Después de la muerte del tenor,
su archivo y sus recuerdos fueron donados por los herederos al municipio de Montespertoli,
donde el 30 de noviembre de 2014 se inauguró un museo dedicado a él. En Amedeo
Bassi también llevan el nombre de Montespertoli una calle, La Filarmónica local
y, desde 2010, un Festival de música de verano.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el aria La donna e' mobile, de la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi.
Philipp Heinrich Erlebach nació en Esens, Alemania, el 25 de
julio de 1657, y murió en Rudolstadt, Alemania, el 17 de abril de 1714. Compositor.
El sitio www.mcnbiografias.com publicó este recordatorio.
Erlebach, Philipp Heinrich (1657-1714).
Compositor alemán que probablemente se educó en su ciudad
natal, Esens. Desde 1678 trabajó en la corte de Rudolstadt, donde fue nombrado
kapellmeister en 1681. Aunque a lo largo de su vida tan sólo viajó por Alemania
central, fue un músico que gozó de gran estima por parte de sus contemporáneos.
Tras su muerte, sus composiciones (óperas, oratorios, cantatas espirituales y
profanas) fueron recopiladas en la biblioteca de la corte, pero se perdieron
prácticamente todas en un incendio que tuvo lugar en 1735. De sus óperas,
serenatas, ballets y cantatas profanas sólo se conservan algunas arias y una
serenata; de su producción instrumental únicamente se han podido conocer seis
suites orquestales de estilo francés y seis sonatas para tres instrumentos de
estilo italianizante. Escribió más de setecientas obras sacras, de las que han
sobrevivido varias adaptaciones de salmos y motetes, además de sesenta
cantatas. En estas obras, Erlebach se muestra como una importante figura dentro
de la transición al nuevo estilo concertante en Alemania. Algunos de los
títulos de las obras que se conocen son Harmonische Freude Musikalischer
Freunde (dos volúmenes, 1675 y 1710) y Gott-geheligte Sing-Strunde (1704). El
músico manifestó que no había viajado a Francia, por lo que se desconocen las
fuentes de las influencias francesas que muestra en sus creaciones.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Ciacona, en la versión del conjunto L'Achéron.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Violeta Friedman, un alegato contra el negacionismo
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Violeta Friedman nació en una pequeña ciudad de la región de
Transilvaniallamada Marghita (Rumania)
en abril de 1930. De familia judía, su vida estuvo marcada por la trágica
experiencia de los campos de exterminio alemanes.
Violeta Friedman, junto a su familia, fue hecha prisionera e
internada en el Campo de la Muerte de Auschwitzantes de cumplir los 14 años, en marzo de 1944. En la misma noche de su
llegada, toda su familia -su bisabuela, sus abuelos, sus padres-fue enviada a las cámaras de gas por orden
del doctor Mengele, excepto su hermana mayor.
Violeta estuvo en Auschwitz Birkenau hasta enero de 1945,
cuando fue liberada por las tropas rusas. Durante 39años guardó silencio, como la mayoría de
supervivientes, tratando de olvidar lo inolvidable, pero fue en vano. Al ver
como algunos intentaban negar el Holocausto, comprendió que tenía una
obligación: la de contarlo.
Hacé click en el
reproductor para escuchar el programa.
John Newton nació en Londres el año 1725. Su padre fue un
capitán. Su madre, una devota mujer que dándose cuenta que la enfermedad que la
aquejaba pronto iba a acabar con su vida, enseño a su hijo a conocer la Biblia
a muy temprana edad.
Cuando John tenía 7 años, su madre murió y él se convirtió
en un niño del camarote de un barco pesquero. Sus experiencias a través de los
años en el mar fueron peligrosas y emocionantes, una vez fue embriagado y
llevado como parte de tripulación a la fuerza de un Barco de Guerra.
Allí fue cruelmente tratado siendo golpeado y abusado.
Luego de esta experiencia se enroló en un barco de esclavos.
Durante todo este tiempo John vagó lejos del Dios de su
madre y de la Biblia. Llegó a ser el capitán del barco, transformándose en uno
de los más temibles y despreciables traficantes negreros.
Más tarde escribió "Con frecuencia vi la necesidad de
ser un cristiano solo para escapar del infierno, pero amaba el pecado y no
estaba dispuesto a abandonarlo".
Cada año caía más bajo en las garras del pecado y pronto
estaba en tal estado que la tripulación lo despreciaba, considerándolo solo un
animal.
En una ocasión, el borracho capitán cayó por la borda pero
sus hombres no hicieron mucho esfuerzo para rescatarlo. Simplemente tiraron un
arpón que se clavó en su cadera y tiraron de la cuerda. Fue levantado como si
hubiera sido un pez grande.
Debido a este suceso, John Newton cojeó por el resto de su
vida, pero como él diría. "Cada paso es un constante recuerdo de la Gracia
de Dios sobre este desventurado pecador".
Cuando hubo tocado fondo en las vilezas, sintió la miseria
en su vida y se volvió a la fe que había olvidado. Entregó su vida a Cristo, y
fue su devoción de tal manera grande como grosera había sido su caída.
Dejó su deleznable ocupación como traficante de esclavos y
se entregó al ministerio. Al tiempo llegó a ser un clérigo anglicano.
Además de su labor pastoral, Newton, que había sido un
despreciable negrero, realizó una abnegada defensa en contra de la esclavitud.
Su vida fue de inspiración para muchos. Entre ellos se
destaca William Wilberforce, un político ingles que luchó denodadamente a favor
de la abolición de la esclavitud en el Imperio Británico, hecho que se concretó
en 1833, merced al trabajo de este hombre.
John Newton también escribió himnos y poemas.
Sublime Gracia (Amazing Grace) es en realidad la historia y
testimonio de la vida de John Newton.
Fue en 1779, mientras trabajaba en otro himno con William
Cowper, autor de "Esta es una fuente llena con Sangre" que él
escribió esta gema de himnología usando como su título "Fe, revisión y
expectación".
John Newton, el fiel cristiano anglicano y autor de una de
las melodías evangélicas más bellas de la historia descansó con el Señor el 21
de Diciembre de 1807.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Amazing Grace, en la versión de Il Divo.
Amalia Mendoza García, más conocida como La Tariácuri, nació
en Huetamo, Michoacán, México, el 10 de
julio de 1923, y murió en Ciudad de México,
el 11 de junio de 2001. Cantante y actriz.
Amalia Mendoza: conocida por su nombre artístico La
Tariacuri. Fue una de las más famosas cantantes mexicanas de música ranchera de
los últimos cuarenta años. Su sobrenombre La Tariácuri se debe al trío musical
de sus hermanos el Trío Tariácuri.
Datos biográficos
Nació en la ciudad michoacana de San Juan Huetamo en 1923,
dentro de una familia de músicos renombrados. Amalia tuvo tres hermanos,
Norberto, Eligio y Juan, quienes se dieron a conocer en la escena musical como
el trío Tariacuri - una palabra indígena Purepecha utilizada para dirigirse a
su rey.[1] Amalia hizo pareja con su hermana Perla en un dueto conocido como
Las Taricuritas. Comenzó su carrera como solista en 1954 con su grabación de
Puñalada Trapera y ganó fama más adelante cuando comenzó a difundirse su música
en la principal estación de radio de México, la XEW. Amalia se le conocía como
La Tariacuri y fue una de las primeras mujeres exitosas en el género de la
música de mariachi.
Carrera musical
Su carrera abarca más de 30 años e incluye 36 álbumes
grabados, sus canciones más famosas son Échame una culpa de José Ángel Espinoza
Ferrusquilla y Amarga Navidad, compuesta por el extraordinario José Alfredo
Jiménez. En 1954 se lanzó como solista en la estación radial XEW, que desde
1930 ha sido semillero de infinidad de artistas y locutores tanto de México
como del extranjero, con este lanzamiento, en 1958 sacó su primer disco
titulado La Tariácuri, y un año más tarde puso en el mercado su segundo disco
La Tariácuri Vol. II. En 1996 salió a la venta un disco donde comparte créditos
con Lola Beltrán y Lucha Villa, atinadamente llamado Las Tres Señoras, a manera
de homenaje para las que han sido sin duda las tres más grandes intérpretes de
la música vernácula mexicana.
En 1960 lanzó el disco La Tariácuri Vol. III, que
posteriormente fue reeditado en CD con el nombre de Amalia Vol. I.Durante esta
etapa La Tariácuri se hizo acompañar de manera frecuente por el Mariachi Vargas
de Tecalitlán, además de que se convirtió en una de las intérpretes favoritas
de compositores mexicanos como José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, Tomás Méndez
y José Ángel Espinoza Ferrusquilla, entre otros.[2] En 1961 sacó el álbum La
viuda abandonada Vol. IV, que posteriormente fue reeditado en CD bajo el nombre
de Mucho corazón y otros éxitos más. Un año después, dejó de lado las
composiciones de música ranchera, para lanzar la placa musical Boleros con
Amalia Mendoza, y en 1963 se volvió a dar otro gusto dentro de sus grabaciones
con la producción Las canciones que siempre quise grabar. En 1965 volvió al
ámbito de la música vernácula con México en la voz de Amalia Mendoza.
Carrera cinematográfica
Incursionó en cine, radio y televisión. En 1943 ingresó a la
Asociación Nacional de Actores (ANDA), convirtiéndose en miembro honoraria.
Como Actriz entre sus películas más importantes se encuentran
Donde estás, corazón? (1961) de Rogelio A. González con
Miguel Aceves Mejía y Lola Beltrán
Los laureles (1961), con Roberto Cañedo
Yo... el aventurero (1959), con Antonio Aguilar
Una cita de amor (1958), de Emilio Fernández con Silvia
Pinal y Carlos López Moctezuma
Fiesta en el corazón (1958), con Antonio Aguilar
Mi influyente mujer (1957), de Rogelio A. González
Muerte
En los últimos días de su vida, Mendoza se refugió en su
hogar y tanto sus médicos, como su hijo Guillermo y sus nietos: Martha,
Guillermo y Omaira estuvieron cerca de ella hasta su muerte, ocurrida el 11 de
junio de 2001 a los 77 años. Sus cenizas fueron esparcidas en el lago de
Pátzcuaro, en el estado de Michoacán.
Condecoraciones
A lo largo de su carrera artística recibió infinidad de
honores y condecoraciones, como el de Alcaldesa ad Perpetuam, de San Antonio,
Texas. Fue depositaria de las llaves de Fort Worth, Texas; ciudadana honoraria
de Los Ángeles, California, y Sheriff honoraria de ocho ciudades de Estados
Unidos. La Asociación de Locutores de México le otorgó el Micrófono de Oro y la
Asociación Mexicana de Periodistas de Radio y Televisión el trofeo Calendario
Azteca de Oro.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Pa Que Sientas Lo Que Siento.
El “Sombrero de
Tres Picos” se estrenó el 22 de julio de 1919 en el Teatro Alhambra, de
Londres, por los Ballets Rusos de Serguei Diághilev, con coreografía de Leonide
Massine y música de Manuel de Falla.
El compositor
nació en Cádiz en 1876 y murió en Argentina en 1946, después de haber dejado
España en 1939 tras la guerra civil. Su vida estuvo marcada por cinco ciudades:
Cádiz, Granada, Madrid, París y Buenos Aires.
Basado en la
novela de Pedro de Alarcón, inspirada en el romance popular “El Corregidor y la Molinera”. La idea
primaria no era hacer un ballet, sino una obra lírica. Ballet en un acto situado
en la España del siglo XVIII. Su estreno en el Alhambra Theatre de Londres el
22 de julio de 1919 supuso un gran éxito; en Francia tuvo un impacto moderado;
y en España, donde se presentó en 1921 en el Teatro Real de Madrid, levantó
gran expectación. Pero sí hubo una reacción común a los tres países, y fue el
enfrentamiento que la obra generó entre los intelectuales más moderados y los
partidarios de la Modernidad.
Entre 1907 y 1914
vivió en París, donde conoció a Debussy, Dukas y Ravel, y en 1915 estrenó en
Madrid “El Amor Brujo”. De ese período es “El Sombrero de Tres Picos”, uno de los más brillantes montados por
Diaghilev. Falla regresó a España en
1914, y en una visita a la Alhambra se inspiró para dar los últimos retoques a
su obra. El Sombrero De Tres Picos nació como un ballet completo. Lo compuso en
colaboración de varias figuras importantes y vanguardistas de la época entre
ellos Diaghilev, Massine y Pablo Picasso como diseñador, y un elenco que
integraban Tamara Karsavina, Leon Woizikowski y Stanislas Idzikowski.
El argumento,
consiste en la burla que se hace a un viejo corregidor de Andalucía, loco
perdido por los encantos de una joven molinera a la que persigue. El amor hacia
la joven esposa de un celoso molinero es la base principal de la historia. Ella
simula aceptar el cortejo, hasta un punto en que, al verse comprometida por la
situación burla al anciano galanteador, quien además se convierte en la mofa de
sus vecinos, mientras el molinero y su mujer afirman su amor. En la segunda
parte de este ballet, se ve un clima festivo del campo español, correspondiendo a una de las danzas más
características de la obra: la Danza del molinero.
El sombrero de
tres picos
El ballet “El
tricornio” (también conocido como “El sombrero de tres picos”) es, después de
“Parade”, la segunda obra que Picasso realiza para el teatro. Al igual que en
“Parade”, estrenada en 1917, Picasso vuelve a colaborar con Léonide Massine y
los “Ballets Russes” de Serge Diaghilev. En esta ocasión, la idea surge a
partir del encuentro de Massine y Diaghilev, en la primavera de 1916 en el
apartamento de los Martínez Sierra en Madrid, con el músico Manuel de Falla,
quien en esos momentos trabajaba en la obra “El corregidor y la molinera”,
inspirada en la novela de Pedro Antonio de Alarcón “El sombrero de tres picos”.
De las obras que hasta el momento habían realizado los “Ballets Russes”, ésta
fue la que requirió un mayor período de gestación, alargándose éste durante
tres años. Al igual que en “Parade”, Massine llevará a cabo la coreografía y
Picasso realizará el telón, los decorados y el vestuario, así como el
maquillaje de los personajes. La música será creación de Manuel de Falla.
Picasso, Massine
y Falla llevan a cabo una adaptación en que conviven elementos clásicos con
otros más modernos. Así, el vestuario, creado a partir del tradicional del
siglo XVIII, incluye elementos que le dan un aire renovado a la vez que pierden
la calidad de estricta copia del original. Esta idea de convivencia de lo
clásico con lo moderno se inscribe plenamente en la tendencia que domina la
obra de Picasso, tendencia que supone el encuentro entre el cubismo y el
clasicismo, un clasicismo cercano al que en esos momentos dominaba en Cataluña,
el Noucentisme.
Si bien el
argumento se inspira en la obra de Pedro Antonio de Alarcón, Francisco de Goya
es el otro gran protagonista de este ballet. Picasso se apropia de las formas y
los colores del pintor aragonés, Falla inspira su música en Fuendetodos y
Massine lanza al aire la efigie del corregidor en el momento final del
espectáculo, haciendo un guiño a la figura del pelele. La obra es una sátira
política a partir de los líos amorosos del molinero, su mujer y un corregidor,
figura designada por el rey que hacía las veces de gobernador. Sin embargo, el
argumento en sí mismo tiene una importancia relativa, y de hecho deviene la
excusa perfecta para plasmar el gusto de los tres artistas por la cultura
popular. Se trata, en definitiva, de una apuesta por la inclusión del folclore
español en los “Ballets Russes” de Diaghilev.
Su estreno en el
Alhambra Theatre de Londres el 22 de julio de 1919 supuso un gran éxito; en
Francia tuvo un impacto moderado; y en España, donde se presentó en 1921 en el
Teatro Real de Madrid, levantó gran expectación. Pero sí hubo una reacción
común a los tres países, y fue el enfrentamiento que la obra generó entre los
intelectuales más moderados y los partidarios de la Modernidad. www.bcn.es
A continuación,
el Ballet El sombrero de tres picos de Manuel de Falla, en la versión de la
Compañía Antonio Márquez de Flamenco y Danza Española, la mezzo-soprano Clara
Mouriz, y la Orquesta Filarmónica de la BBC, dirigida por Juanjo Mena.
Janet Abbott Baker nació en Hatfield, Yorkshire del Sur,
Reino unido, el 21 de agosto de 1933. Mezzosoprano.
El sitio www.mcnbiografias.com
publicó este recordatorio firmado por Lucía Díaz Marroquín.
Baker, Dame Janet (1933-VVVV).
Mezzosoprano británica nacida el 21 de agosto de 1933 en la
ciudad de Hatfield, en el condado de Yorkshire. Estudió canto con Helene Isepp
y Meriel St Clair en Londres, a partir del año 1953 y, más tarde, en el
Mozarteum de Salzburgo. Tras ganar en 1956 el premio establecido en honor de la
también cantante Kathleen Ferrier, Janet Baker participó como integrante del
coro del festival operístico de Glyndebourne, en el que, tradicionalmente, han
cantado algunos de los que, con el tiempo, llegarían a convertirse en los
principales intérpretes de ópera británicos. En ese mismo año tuvo lugar su
debut operístico como solista en la producción de la ópera El Secreto, de
Smetana, llevada a cabo por parte del Club de Ópera de la Universidad de
Oxford. A partir de este momento, su carrera comenzó a desarrollarse
rápidamente, centrada, en un principio, en el estudio y la interpretación de
papeles operísticos pertenecientes al repertorio barroco. Entre estos destacan
el de la hechicera de la ópera Dido y Eneas, del compositor Henry PURCELL, o el
de Eduige, en la ópera Rodelinda, de G. F. HAENDEL. Otra de sus interpretaciones
más logradas a lo largo de estos años tuvo lugar en el papel de Octavia, la
emperatriz despechada por su esposo Nerón, en la ópera L´incoronazione di
Poppea (La coronación de Popea), del compositor italiano Claudio Monteverdi.
Sin embargo, Janet Baker no se limitó a este tipo de repertorio, tan popular
por otra parte, dentro de la escena lírica británica, sino que, a partir de
mediados de la década de los sesenta, comenzó a representar papeles que la
mostraron como una cantante particularmente dotada para la comprensión y la
interpretación del repertorio operístico británico del siglo XX, especialmente
en lo que se refiere a la obra del compositor Benjamin Britten. En el año 1964,
Janet Baker representó el papel protagonista de la ópera The Rape of Lucretia
(La violación de Lucrecia). La sintonía entre Britten y la mezzosoprano llegó a
ser tal que, en el año 1971, escribió para ella el papel de Kate Julian, dentro
de su producción operística televisada titulada Owen Wingrave.
Pero Janet Baker no limitó su repertorio a la ópera inglesa,
sino que, dejando aparte sus incursiones en la ópera de Monteverdi, también sus
interpretaciones de diversos papeles del repertorio mozartiano, como el de la
Dorabella de la ópera Così fan tutte o el de la Vitellia de La clemenza di
Tito, llegaron a alcanzar celebridad. Por otra parte, la mezzosoprano siguió
cultivando el repertorio operístico italiano de la época barroca, representando
diversos papeles dentro de óperas como el Calisto de Cavalli o Il ritorno
d´Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi. También dentro del repertorio
francés destaca su interpretación del papel de Charlotte, de la ópera Werther,
del compositor Jules Massenet.
A pesar de la gran importancia y reconocimiento que han
alcanzado sus interpretaciones operísticas, la vida artística de Janet Baker no
se ha limitado a la ópera, sino que se ha distinguido por su gran atención al
repertorio del lied, así como al de la canción inglesa, en los que ha destacado
gracias, muy especialmente, a su seguridad técnica, así como a la calidez de su
timbre vocal y a la sensibilidad de su expresión musical.
Como reconocimiento a los logros de su carrera, así como a
su labor como difusora de la cultura británica, la Reina de Inglaterra le
otorgó en el año 1970 el título de Comandante de la Orden del Imperio Británico
y más adelante, ya en el año 1976, el de Dama Comandante.
Bibliografía
BLYTH, A., Janet Baker: (Londres y Nueva York, 1973).
BAKER,
Janet: An autobiographical Journal. (Londres y Nueva York, 1982).
Autor: Lucía Díaz Marroquín
A continuación, celebramos su cumpleaños, con el lied An die
Musik, de Franz Schubert, junto a Murray Perahia en piano.
Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Edward Elgar, con Salut d'amour Op. 12, en versión
orquestal, las Marchas Pompa y Circunstancia Op. 39, el Preludio Sinfónico
Polonia Op. 76, y Salut d'amour Op. 12, en violín y piano.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Es de los muchos casos que venimos comentando en Argentina Mundo. Son los argentinos que han hecho sus carreras casi por completo fuera del país, que llegaron a Europa (como éste caso) o a otros destinos, siendo muy jóvenes. Recién sus nombres comienzan a sonar en Argentina cuando ya la fama los hace trascender. Estoy refiriéndome a Ernesto Bitetti a quien he entrevistado en varias oportunidades desde 2003.
Ese año lo cité a Bitetti en el Restaurante De María de Gran Vía en Madrid. Grabábamos los jueves el programa “Encuentros de Altos Vuelos” que se difundía en Cibeles FM los domingos al mediodía. Con tanto que hay para decir de él, cuando le pregunté a Ernesto en qué países había tocado en conciertos como solista o con orquestas sinfónicas, hizo al revés… nombró los países del mundo donde NO había tocado nunca, Corea, Taiwan y Hungria. Y así fue cómo nos contó anécdotas sobre los públicos de los más variados países. Supimos que era recibido en centenares de ciudades como lo que es, un virtuoso de la guitarra, a quien le han escrito obras personalidades de la música mundial del nivel del maestro Joaquín Rodrigo, Federico Moreno Torroba, Astor Piazzolla o Waldo de los Ríos, entre otros.
Estamos ante un muchachito de Rosario, Provincia de Santa Fe, nacido en el centro de la ciudad, San Martín 944, con su padre, ingeniero, que deseaba tener en Ernesto a su continuador. Y comenzó la carrera de ingeniería, aunque desde los cinco años de edad venía preparándose en lo que le gustaba, la música. Lo hizo con los profesores Graciela Pomponio y Jorge Martínez Zárate quienes, diez años después, lo acompañaron a Europa, donde ya causó sensación ese adolescente que dio conciertos con la solidez de un gran guitarrista… ya lo era.
Un año en ingeniería fue suficiente para demostrar y demostrarse que había nacido para ser guitarrista, y ya continúo la formación en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral en la ciudad de Santa Fe. Se radica en Europa en 1967 y de manera definitiva en Madrid en 1968. Aún ahora, que es director fundador de la Cátedra de Guitarra en la Jacobs School de la Universidad de Bloomignton, Indiana, Estados Unidos, desde 1989, mantiene su casa en la capital de España.
Sobre esta unión con la ciudad del Manzanares, a la que vuelve en vacaciones y navidades, nos dijo años atrás que… “Madrid me abrió las puertas hace más de cuarenta años atrás y fue aquí donde se desarrolló mi vida personal y profesional. En junio de 2009 me tributaron dos homenajes que nunca olvidaré. Por una parte la A.I.E Asociación de Intérpretes Españoles, me ha reconocido por una "Vida dedicada a la Música". Y en la ya clásica Tertulia Musical Tomás Marco del Casino de Madrid en su sede de la Calle de Alcalá, me han homenajeado con intervenciones del compositor Antón García Abril, el director Enrique García Asensio, el pianista Fernando Puchol Vivas, el tenor José Cura y Tomás Marco, compositor y crítico musical, representando a los diversos colectivos musicales de la ciudad, por lo que me siento gratificado y agradecido”.
En otra ocasión, mientras comíamos un asado en la tarde noche del agosto madrileño, bien despachado con mano maestra por Mauricio Díez, al estilo criollo pampeano, apunté su comentario sobre qué es la música para Ernesto Bitetti. Nos dijo que “la música es un universo fascinante y la guitarra, que ha alcanzado el cenit de popularidad, ha sido, es y será siempre el instrumento que conmueve. Como bien ha dicho García Lorca, `Hace llorar a los sueños´. Como músico siempre he aspirado a una meta ante el hecho musical...`la emoción´. Ese acto casi indescriptible de comunicación de almas, de espíritus, que convierte una frase, en un instante, en el más sublime de los mensajes”.
Podríamos abundar comentando que la discografía de Ernesto Bitetti es muy amplia y grabada para grandes sellos internacionales, en distintas ciudades europeas. Que ha tocado como guitarrista invitado en conciertos de las más importantes orquestas sinfónicas del mundo; también en prestigiosos conjuntos de cámara. Su trayectoria lo coloca entre los más grandes guitarristas de todos los tiempos.
Cuando uno se encuentra con Ernesto Bitetti, esa Rosario que nos trae tantos recuerdos emerge al momento. Y el muchacho de la calle San Martín nos demuestra que sigue siendo la misma persona afable, cercana, grata… de siempre. Como los auténticos grandes, se refugia en una vida personal que no nos haría pensar en la otra, la profesional, que está jalonada de logros solo alcanzables por pocos, esos seres especiales dotados por el toque de la genialidad. Pero sabemos muy bien quién es y lo colocamos entre los argentinos más destacados que han realizado sus carreras por el mundo. Ernesto siempre nos deja en muy buen lugar con su señorío.
Y como proviene de una ciudad muy de tango, existiendo muchos vídeos con interpretaciones de música clásica, elegimos para verlo y escucharlo a Ernesto Bitetti ejecuntando Adiós Nonino, de Astor Piazzolla, en TVE2 de Televisión Española
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Sobre esta unión con la ciudad del Manzanares, a la que vuelve en vacaciones y navidades, nos dijo años atrás que… “Madrid me abrió las puertas hace más de cuarenta años atrás y fue aquí donde se desarrolló mi vida personal y profesional. En junio de 2009 me tributaron dos homenajes que nunca olvidaré. Por una parte la 
En otra ocasión, mientras comíamos un asado en la tarde noche del agosto madrileño, bien despachado con mano maestra por Mauricio Díez, al estilo criollo pampeano, apunté su comentario sobre qué es la música para Ernesto Bitetti. Nos dijo que “la música es un universo fascinante y la guitarra, que ha alcanzado el cenit de popularidad, ha sido, es y será siempre el instrumento que conmueve. Como bien ha dicho García Lorca, `Hace llorar a los sueños´. Como músico siempre he aspirado a una meta ante el hecho musical...`la emoción´. Ese acto casi indescriptible de comunicación de almas, de espíritus, que convierte una frase, en un instante, en el más sublime de los mensajes”.