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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Christopher John Millar, más conocido como Rat Scabies, nació en Kingston upon Thames, Surrey, Reino Unido, el 30 de julio de 1955. Baterista y productor.
Christopher John Millar (nacido el 30 de julio de 1955), conocido por su nombre artístico Rat Scabies, es un músico conocido principalmente por ser el baterista de la banda inglesa de punk rock The Damned.
Carrera
Millar nació en Kingston upon Thames, Surrey. Tocó la batería con Tor y London SS antes de fundar The Damned con Brian James, Dave Vanian y Captain Sensible en 1976. En su audición para London SS, obtuvo el apodo de Rat Scabies después de que una rata lo acosara mientras sufría de sarna.
The Damned dieron su primer concierto como teloneros de los Sex Pistols, y más tarde lanzaron el primer sencillo punk en el Reino Unido, "New Rose". Scabies tocó con The Damned con algunas interrupciones y varios cambios de integrantes hasta que una disputa sobre el lanzamiento del álbum Not of This Earth provocó su salida en 1995.
Su trabajo en solitario fuera de The Damned incluye una versión de «This Wheel's on Fire» de Bob Dylan, acreditada a «Rat & The Whale». En 2003, Millar formó una banda efímera llamada The Germans con Peter Coyne y Kris Dollimore, originarios de The Godfathers. En los últimos tiempos, ha tocado con Donovan, Nosferatu, el artista de ska Neville Staple (exmiembro de The Specials) y su banda, Dave Catching (Eagles of Death Metal), Chris Goss, The Members, The Mutants, The Spammed, Urban Voodoo Machine y Jane Horrocks. También ha trabajado como productor, incluyendo con Flipron y Ebony Bones. En mayo de 2018 lanzó su álbum en solitario PHD (Prison, Hospital, Debt).
El 17 de noviembre de 2023, The Damned anunció que Scabies había regresado como miembro permanente. En febrero de 2024, The Damned anunció que, por primera vez en 35 años, realizarían una gira norteamericana de diez fechas con su formación de los años 80: Scabies, Dave Vanian, Captain Sensible y Paul Gray.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con New Rose.
Sigmund Romberg nació en Gross-Kanizsa, entonces Imperio Austrohúngaro, el 29 de julio de 1887, y murió en Nueva York, Estados Unidos, 9 de noviembre de 1951. Compositor, director de orquesta y pianista.
Romberg, Sigmund, versátil compositor de opereta, director de orquesta y pianista estadounidense de origen húngaro; n. Nagykanizsa, Hungría, 29 de julio de 1887; f. Nueva York, 9 de noviembre de 1951. Quizás el compositor de Broadway más prolífico de la década de 1910 y uno de los más exitosos de la década de 1920, Romberg resucitó el estilo de la opereta vienesa del teatro musical, pionero de Victor Herbert, en los espectáculos de larga duración (y frecuentemente reestrenados) The Student Prince, The Desert Song y The New Moon, que incluían estándares como "Softly, as in a Morning Sunrise", "Lover, Come Back to Me" y "Stouthearted Men". Pero también supo adaptarse a las diferentes exigencias de Hollywood y las listas de éxitos en una serie de bandas sonoras para películas y en éxitos pop como "When I Grow Too Old to Dream" y "Close as Pages in a Book".
Romberg era hijo de Adam y Clara Romberg. Su madre era novelista y escribía bajo el seudónimo de Clara Berg. Su padre, que trabajaba en una fábrica de productos químicos, era pianista aficionado y le dio sus primeras lecciones de piano; también recibió clases de violín desde los siete años. Se graduó en la Universidad de Bucarest y estudió ingeniería civil en la Escuela Politécnica de Viena entre 1904 y 1907. Al mismo tiempo, fue subdirector del principal teatro de ópera de la ciudad, el Theater-an-der-Wien, y estudió música con Richard Heuberger durante tres años. Dejó los estudios en 1907 para unirse al ejército, donde sirvió en el 19.º Regimiento de Infantería Húngaro durante 18 meses.
Romberg se mudó a Londres y luego emigró a Estados Unidos en 1909, donde más tarde obtuvo la ciudadanía estadounidense. Inicialmente trabajó en la Eagle Pencil Co. en Nueva York y después tocó música ambiental en restaurantes húngaros. En 1912 formó una orquesta para tocar en el restaurante Bustanoby's, que se convirtió en un popular local nocturno. Comenzó a publicar canciones en 1913 y su primera canción fue incluida en un musical con el montaje del espectáculo alemán Die Mitternachtsmadel, posteriormente presentado en inglés como The Midnight Girl (Nueva York, 23 de febrero de 1914). Esto lo llevó a un trabajo como compositor de planta para la Shubert Organization y a su primer espectáculo en Broadway, la revista The Whirl of the World.
Durante los siguientes seis años, Romberg escribió o coescribió 25 espectáculos de Broadway para los Shubert (y realizó interpolaciones en varios más), incluyendo las ediciones de 1914, 1916, 1917, 1918 y 1919 de la revista The Passing Show y los espectáculos de Al Jolson Dancing Around, Robinson Crusoe Jr. y Sinbad. Sus mayores éxitos de este período fueron dos adaptaciones de operetas vienesas: The Blue Paradise, basada en Ein Tag im Paradies, que incluía "Auf Wiedersehen" (letra de Herbert Reynolds), un éxito récord para Harry Macdonough y Alice Green (Olive Kline) en noviembre de 1915, con más de 350 representaciones; y Maytime, basada en Wie Einst im Mai, que incluía "Will You Remember?". (también conocida como “Sweetheart”; letra de Rida Johnson Young), un éxito discográfico de Alice Green y Raymond Dixon (Kline y Lambert Murphy) en enero de 1918, se representó durante casi 500 funciones. Maytime se convirtió en película en 1937, lo que llevó a una exitosa reposición de “Will You Remember?” por Victor Young y su Orch.
Después de servir en el ejército estadounidense durante la Primera Guerra Mundial, Romberg dejó a los Shubert para formar su propia compañía de producción con Max Wilner. Sus producciones incluyeron los dos siguientes musicales de Romberg, The Magic Melody y Love Birds , pero estos y los demás esfuerzos del equipo tuvieron un éxito moderado, y Romberg regresó a su trabajo con los Shubert, escribiendo otros 21 espectáculos para ellos durante los siguientes siete años. (En 1924 comenzó a trabajar con otros productores además de los Shubert). Como antes, estos incluyeron ediciones anuales de The Passing Show en 1923 y 1924, así como Bombo de Al Jolson. Pero el primer encargo de Romberg fue Blossom Time, basado en la opereta vienesa Das Drei Mädelhaus, una biografía escénica de Franz Schubert. Romberg adaptó la música de Schubert para Broadway, dando como resultado el musical de mayor duración de la temporada 1921-22 y el éxito "Song of Love" (letra de Dorothy Donnelly; basada en un tema del primer movimiento de la Sinfonía Inacabada), grabada con gran éxito por Lucy Isabelle Marsh y Royal Dadmun, aunque también hubo grabaciones populares de Edwin Dale y la Orquesta de Prince. (Blossom Time, un éxito de gira constante, regresó a Broadway en 1931, 1938 y 1943).
Además de los tres espectáculos que escribió para los Shubert en 1922, Romberg encontró tiempo para componer la banda sonora de su primera película, Foolish Wives, y para aportar canciones intercaladas a otra producción de los Shubert, The Lady in Ermine (Nueva York, 2 de octubre de 1922), incluyendo "When Hearts Are Young" (letra de Cyrus Wood, música también de Alfred Goodman), que generó discos de éxito para las orquestas de Paul Specht y Paul Whiteman en marzo de 1923.
El siguiente gran éxito de Romberg, su espectáculo de mayor duración y frecuentemente citado como su obra cumbre, fue El príncipe estudiante, basado en la obra de teatro El viejo Heidelberg. El tema principal del espectáculo fue "Deep in My Heart, Dear" (letra de Donnelly), que se convirtió en un popular tema instrumental para Benny Krueger y su Orquesta en julio de 1924 y en un éxito vocal para Franklyn Baur en noviembre, ambas grabaciones previas al estreno del espectáculo en Nueva York. Además de sus dos años en cartelera en Nueva York, El príncipe estudiante se convirtió en un éxito continuo de giras y regresó a Broadway en 1931 y 1943, para finalmente ser incorporado al repertorio de la Ópera de Nueva York en 1980. También hubo una versión cinematográfica que utilizó la música de Romberg en 1954, lo que llevó a una grabación que alcanzó el Top 40 con "Drink, Drink, Drink" (letra de Donnelly) para Mario Lanza, quien dobló la canción en pantalla.
Romberg se casó con Lillian Harris en marzo de 1925. Ese mismo año compuso dos obras de éxito moderado y luego produjo The Desert Song, con libreto de Oscar Hammerstein II, Otto Harbach y Frank Mandel, y letra de Hammerstein y Harbach. La obra, que se mantuvo en cartelera durante mucho tiempo, produjo los éxitos "One Alone", "The Riff Song" y la canción que da título al musical (también conocida como "Blue Heaven"), todas grabadas por Nat Shilkret. Otro clásico de gira, The Student Prince, regresó a Broadway en 1946 y 1973 y fue filmado tres veces, en 1929, 1943 y 1953.
My Maryland, basado en la obra de teatro de la Guerra Civil Barbara Fritchie, fue uno de los éxitos teatrales de la temporada 1927-28, y le dio a Whiteman un éxito discográfico de dos caras con las canciones “Your Land and My Land” y “Silver Moon” (ambas letras de Donnelly). Durante la misma temporada, The New Moon (letra de Hammerstein) comenzó una temporada de prueba extendida en Filadelfia, lo que llevó a un estreno en Nueva York al año siguiente, cuando se convirtió en el mayor éxito musical de la temporada 1928-29. También fue la partitura más exitosa de Romberg en cuanto a versiones de discos se refería a: cinco canciones se convirtieron en éxitos. “Softly, as in a Morning Sunrise” y “One Kiss” conformaron las dos caras de un disco de Shilkret que se vendió bien en enero de 1929; “Marianne” fue un éxito para la Arden-Ohman Orch.; “Stout-Hearted Men” fue un éxito para Perry Askam; El mayor éxito del espectáculo, "Lover, Come Back to Me", cuya melodía se inspira parcialmente en la Barcarola de junio para piano de Chaikovski, fue grabado con gran éxito por Whiteman, aunque la Orquesta Arden-Ohman, Rudy Vallée and His Connecticut Yankees y Askam también tuvieron éxito con esta canción. El espectáculo regresó a Broadway en 1942 y 1944, y la Ópera Estatal de Nueva York lo estrenó en 1986. Se realizaron versiones cinematográficas en 1930 y 1940, y Nat King Cole revivió "Lover, Come Back to Me" en 1953, convirtiéndola en un éxito que alcanzó el Top 40.
Romberg se mudó a Hollywood en 1930 y, a partir de entonces, dividió su tiempo entre escribir para el teatro y el cine. Tras el éxito moderado de la obra Nina Rosa, escribió las películas Viennese Nights y Children of Dreams, para luego regresar a Broadway con East Wind y Melody, obras menos exitosas. En 1933 viajó a París para el musical Rose de France, encargado especialmente para la ocasión y producido por la Société Anonyme Française Chappell. En 1934 comenzó a presentar programas de radio para Swift and Co.
La obra The Night Is Young, en la que Romberg colaboró con Hammerstein, fue un fracaso de taquilla, pero sus canciones tuvieron éxito en las tiendas de discos. El tema principal fue un éxito para Glen Gray y la Casa Loma Orch. y para Smith Ballew y su Orch.; "When I Grow Too Old to Dream" estuvo en las listas de éxitos en abril y mayo de 1935 para Gray y también fue un éxito para Nelson Eddy. Más tarde ese año, May Wine se convirtió en el mayor éxito de Romberg en Broadway desde The New Moon, siendo su canción más destacada "I Built a Dream One Day" (letra de Hammerstein), que se convirtió en un éxito para Ray Noble y su Orch. en enero de 1936.
Romberg siguió compaginando proyectos de Broadway y Hollywood, presentando después otro espectáculo, Forbidden Melody, luego las películas They Gave Him a Gun y The Girl of the Golden West, y finalmente el musical Sunny River. El fracaso de sus dos últimos espectáculos pudo haberle convencido de que su estilo de opereta había perdido popularidad en Nueva York, ya que en 1942 inició una nueva carrera como director de orquesta, llevando a una agrupación de 50 músicos de gira con hasta 100 conciertos al año durante el resto de su vida y grabando sus propias obras y las de otros compositores para RCA Victor. Los discos se vendieron bien y los conciertos congregaron a decenas de miles de personas.
En 1945, llevó a la radio su programa "An Evening with Romberg". También demostró su capacidad para competir con la nueva generación de Broadway al escribir "Up in Central Park", que tuvo la segunda temporada más larga en Nueva York de todas sus obras, generando el éxito "Close as Pages in a Book" (con letra de Dorothy Fields), que entró en las listas de éxitos para Benny Goodman and His Orch. en mayo de 1945.
El programa se reestrenó en 1947 y se adaptó al cine al año siguiente.
Romberg compuso “Zing Zing-Zoom Zoom” (letra de Charles Tobias) para su tarjeta navideña de 1950, lo que dio lugar a una grabación en la que su orquesta acompañó a Perry Corno. Cuando la canción se lanzó en la cara B del sencillo número uno de Como, “If”, también se convirtió en un éxito en las listas, el último de Romberg en vida. The Girl in Pink Tights, estrenada más de dos años después de su muerte, tuvo un éxito moderado en el escenario, pero produjo “Lost in Loveliness” (letra de Leo Robin), que generó récords en las listas para Billy Eckstine y Dolores Gray. Deep in My Heart fue una biografía cinematográfica.
ROMBERG, SIGMUND
ROMBERG, SIGMUND (1887–1951), compositor. Nacido en Nagykanizsa, Hungría, Romberg comenzó su carrera musical como niño prodigio. Fue nombrado teniente en el ejército austríaco y posteriormente estudió música en Viena con Victor Heuberger. En 1909 se trasladó a Estados Unidos, donde trabajó en diversas orquestas de restaurantes y teatros. En 1911 compuso su primera canción de éxito, «Memories», y a partir de entonces comenzó a componer musicales y operetas. Romberg compuso más de 70 operetas, con un estilo melódico que bebía tanto de la tradición vienesa como de Victor Herbert, fundador del género en Estados Unidos. Entre sus obras más conocidas se encuentran El príncipe estudiante (1924), La canción del desierto (1926), Luna nueva (1928) y Up in Central Park (1945). Muchas de sus operetas fueron llevadas al cine, y el propio Romberg también adaptó operetas e incluso óperas de otros compositores para la gran pantalla. Fue presidente de la Asociación Protectora de Compositores de Canciones. E. Arnold escribió una biografía novelada de Romberg, titulada Deep in My Heart (1949).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Song of Love en la versión de Royal Dadmun, barítono y la soprano Lucy Isabelle Marsh, Softly, as in a Morning Sunrise, fragmento de la película Deep in My Heart, de 1954, por Helen Traubel, Lover Come Back to Me, en la voz de Billie Holiday, Deep in My Heart, Dear, tema de la película El Principe Estudiante, en la interpretación de Mario Lanza y Ann Blyth.
La cantante y compositora Beverley Craven, ganadora de un premio BRIT, se hizo famosa a principios de los 90 con el lanzamiento de su álbum debut homónimo, que se convirtió en un éxito mundial, vendiendo más de dos millones de copias. Su sencillo de 1991, "Promise Me", se convirtió en un gran éxito en toda Europa, seguido de una serie de éxitos en las listas de popularidad, incluyendo "Memories", "Holding On", "Woman To Woman" y "Love Scenes".
Beverley nació en Sri Lanka el 28 de julio de 1963. Su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una consumada violinista clásica, Beverley comenzó a tomar clases de piano a la temprana edad de siete años. También demostró ser una nadadora talentosa, llegando a representar a la División 10 en el Campeonato Escolar Inglés de Natación y compitiendo en el Campeonato Nacional.
Beverley dejó su hogar a los 18 años y se mudó a Londres, decidida a labrarse una carrera en la industria musical. A finales de los 80, se unió al legendario cantante de soul Bobby Womack como corista en su gira europea. Su gran oportunidad llegó cuando una de sus maquetas llegó a manos de Epic Records, quienes inmediatamente le ofrecieron un contrato discográfico. El álbum debut de Beverley cosechó un éxito sin precedentes: en un año, obtuvo doble disco de platino con más de un millón de copias vendidas y permaneció 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido.
Su sencillo debut, «Promise Me», alcanzó el número 3 en la lista de éxitos del Reino Unido y cosechó un éxito arrollador en toda Europa. Le siguieron otros éxitos como «Holding On», «Woman To Woman» y «Memories», mientras Beverley ofrecía conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido, Europa continental y Estados Unidos. En 1992, ganó el premio Brit a la Mejor Artista Revelación Británica y también fue nominada a Mejor Sencillo y Álbum Británico del Año. Durante la ceremonia de entrega de premios, Beverley estaba embarazada de ocho meses y dio a luz a su primera hija, Mollie, en marzo de ese mismo año.
El segundo álbum de Beverley, «Love Scenes», se publicó en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de éxitos del Reino Unido y generando los sencillos de éxito «Love Scenes» y «Mollie's Song». Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segunda hija, Brenna, nació en 1995, seguida de su tercera hija, Connie, en 1996.
Con la maternidad llegaron pasiones divididas, y siguieron 13 años de debatir entre la familia y el estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, 'Mixed Emotions', que había grabado en su estudio casero en Londres. Una vez más, esta ganadora del premio Brit recibió grandes elogios de la crítica, pero debido a la escasa promoción por parte de la discográfica y a su creciente desilusión con la industria musical, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. En 2004, Beverley regresó con fuerza a la escena musical mundial con algunas presentaciones en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el diagnóstico de cáncer de mama, muy publicitado, acaparó inesperadamente toda la atención. Tras un tratamiento exitoso, Beverley recibió el alta médica en 2008.
Al recordar su enfermedad, Beverley comenta: "En muchos sentidos ha sido algo positivo, me ha dado una nueva oportunidad en la vida. Me ha hecho darme cuenta de que solo necesito seguir adelante y hacer cosas que disfruto. Durante mucho tiempo no tenía ningún interés en sentarme al piano. Perdí por completo esa pasión, pero ahora la he recuperado y estoy saliendo a dar lo mejor de mí".
Los fans habían esperado lo suficiente y en 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal que Beverley consideró "un renacimiento en muchos sentidos". Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven hacía las cosas a su manera y disfrutaba plenamente. Tras su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, esta joya musical británica cautivó a sus fans con otro álbum de estudio, 'Change of Heart', en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño.
En febrero de 2018, un elenco estelar de estrellas musicales coincidió de forma espectacular con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley salió de gira con sus compatriotas británicas (y grandes amigas), Judie Tzuke y Julia Fordham, agotando las entradas en todos los recintos y cosechando un éxito arrollador de la crítica británica. En marzo se lanzó el sencillo conjunto de las tres artistas, «Safe», y a finales de octubre de 2018 se publicó el álbum de estudio, Woman To Woman. En 2022, mientras el mundo se recuperaba del impacto de la pandemia, el trío Woman To Woman volvió a la carretera con otra gira por el Reino Unido con todas las entradas agotadas, esta vez con Rumer como invitada especial.
Con una última ambición largamente acariciada por cumplir antes de anunciar su retiro de las giras, Beverley ofreció una serie de conciertos en 2023, los shows Strings Attached, junto a la también cantante Judie Tzuke. Fue un regreso a sus raíces clásicas y, según confiesa, "como ponerse unas viejas zapatillas de estar por casa".
Desde sus humildes comienzos como teclista y corista en grupos de los pubs del sur de Londres hasta sus conciertos en solitario por todo el mundo, Beverley lleva unos 40 años actuando en directo. Continúa componiendo y grabando en su estudio casero, cultivando su pasión por los arreglos para cuarteto de cuerda y aprendiendo a tocar la viola.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Promise Me.
Karl Mueller nació en Mineápolis, Minnesota, Estados Unidos, el 27 de julio de 1963, y murió en su ciudad, el 17 de junio de 2005. Bajista.
El sitio www.radioacktiva.com publicó este recordatorio firmado por Laura Moreno.
Muere Karl Mueller, bajista de Soul Asylum
El músico falleció el viernes en Minneapolis (EE UU) a causa de un cáncer de garganta. Tenía 41 años. Junto a sus compañeros de Soul Asylum, Mueller logró un gran éxito con su canción de 1992 Runaway train.
Laura Moreno
21/06/2005
El músico falleció el viernes en Minneapolis (EE UU) a causa de un cáncer de garganta. Tenía 41 años. Junto a sus compañeros de Soul Asylum, Mueller logró un gran éxito con su canción de 1992 Runaway train.
A Karl Mueller le habían diagnosticado un cáncer de garganta en mayo de 2004. Su enfermedad causó un gran impacto en la escena rock de Minneapolis, ciudad en la que se formó a comienzos de los 80 Soul Asylum. De hecho, en octubre pasado, se llegó incluso a organizar un concierto para ayudar a Mueller a sufragar sus gastos médicos en el que participaron importantes músicos de la ciudad como Paul Westerberg (The Replacements) o Bob Mould (Hüsker Dü, Sugar).
Aunque Soul Asylum lleva siete años sin publicar discos, al parecer, la enfermedad de Karl Mueller fue el detonante de que la banda se reuniera a comienzos de este año para grabar nuevo material, cuya edición estaría ahora en proceso de negociación con diversos sellos, según información del diario de Minneapolis Star Tribune.
Kart Mueller formó en 1980 la banda de rock Loud Fast Rules junto al batería Dan Murphy y el cantante y guitarrista David Pirner. Tres años después el grupo se rebautizó como Soul Asylum y debutó en 1984 con el álbum Say what you will, Clarence. Tras una carrera mantenida en los estrictos márgenes del underground, en 1992 la banda editó el disco Grave dancer’s union que contenía el tema Runaway train. Esta canción, considerada un clásico del rock alternativo de los 90, alcanzó el número 5 en la lista de singles estadounidense y convirtió a Soul Asylum en un grupo de éxito masivo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Runaway Train.
Alfred Jesse Smith, más conocido como Brenton Wood, nació en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, el 26 de julio de 1941, y murió en Moreno Valley, California, Estados Unidos, el 3 de enero de 2025. Cantante, compositor y tecladista.
Alfred Jesse Smith nació el 26 de julio de 1941 en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, y falleció el 3 de enero de 2025 en California. Conocido profesionalmente como Brenton Wood, fue un cantante y compositor de R&B con tres sencillos de éxito en 1967, «The Oogum Boogum Song», «Gimme Little Sign» y «Baby You Got It». Continuó grabando y actuando hasta el año pasado 2024.
Su familia se mudó a San Pedro en Los Ángeles, California, cuando Wood era un niño. Asistió a la escuela secundaria de San Pedro antes de mudarse a Compton, donde Brenton se convirtió en miembro del equipo de atletismo de la escuela secundaria de Compton y recibió varios premios por sus logros deportivos. Tras graduarse en la escuela secundaria, se inscribió en el East Los Angeles College. Poco después, adoptó el nombre artístico de Brenton Wood, probablemente inspirado por el barrio de Brentwood en Los Ángeles. Motivado por Jesse Belvin y Sam Cooke, comenzó a componer canciones convirtiéndose también en un pianista competente.
Los primeros sencillos con Brent Records y Wand Records no llegaron a las listas. Wood firmó con Double Shot Records, y su canción «The Oogum Boogum Song» alcanzó el puesto número 19 en la lista Billboard R&B de EE. UU. y el número 34 en el Billboard Hot 100 en la primavera de 1967. En el sur de California, «The Oogum Boogum Song» llegó al top 10 en la KGB-FM y al número 1 en la KHJ. Su mayor éxito llegó unos meses después cuando «Gimme Little Sign» alcanzó el número 9 en la lista de pop, el número 19 en las listas de R&B, el número 2 en KHJ y el número 8 en la lista de singles del Reino Unido. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. El título en realidad no se canta en la canción. El estribillo repite «Give Me Some Kind of Sign». Con «Baby You Got It» (1967) Wood alcanzó el puesto número 34 en el Hot 100 durante la última semana de 1967 y el número 3 en KHJ el 31 de enero de 1968. Le acompañaban la banda de Kent and The Candidates, con sede en Los Ángeles, que estaba liderada por el baterista Kent Sprague. También grabaron varios sencillos para el sello Double Shot.
En 1972, Wood formó su propio sello discográfico y publicó, coprodujo y coescribió el clásico del funk soul «Sticky Boom Boom [Too Cold] Part I and II» con George Semper (coproductor, arreglista) y Al McKay (coautor, intérprete) de Earth, Wind & Fire. Wood grabó un dueto con Shirley Goodman. Además, grabó el sencillo «Rainin’ Love (You Gotta Feel It)», que se publicó en Midget M-101 en 1975. Su siguiente canción en solitario en llegar a las listas fue «Come Softly to Me» en 1977.
Wood regresó en 1986 con el álbum “Out of the Woodwork” que incluía regrabaciones de sus primeros éxitos, junto con varias pistas nuevas, incluido el sencillo «Soothe Me». En 2001 sacó el disco “This Love Is for Real”. En 2014 colaboró con William Pilgrim & The All Grows Up para sacar una nueva versión de la canción «Gimme Little Sign» en su álbum, “Epic Endings”. Ya en 2024, Brenton anunció su gira de despedida “Catch You On The Rebound: The Last Tour” que tuvo que detenerse cuando fue hospitalizado en mayo del año pasado. Rodeado de familiares y amigos, murió en su casa de Moreno Valley, California, el 3 de enero de 2025, a la edad de 83 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Baby You Got It y I'm The One Who Knows.
Andonis Michaelides, más conocido como Mick Karn, nació en Nicosia, Chipre, el 24 de julio de 1958, y murió en Chelsea, Londres, Reino Unido, el 4 de enero de 2011. Bajista y compositor.
La página de Facebook de Marco V. Céspedes, publicó este recordatorio.
Hoy se cumplen 15 años del fallecimiento del recordado bajista de Japan (Mick Karn).
Mick Karn (24 de julio de 1958 en Nicosia, Chipre - 04 de enero de 2011 en Chelsea, Londres, Reino Unido).
Seudónimo artístico de Andonis Michaelides, fue un músico de la banda británica Japan. Cuando tenía 3 años, sus padres se mudaron a Londres, Inglaterra.
Su padre trabajó como carnicero.
En el colegio conoció a David Sylvian y a Richard Barbieri, quienes compartían sus gustos por la música.
Junto al primero y el hermano menor de este, Steve Jansen, formaron en 1974 una banda que empezó a tocar por diferentes lugares de la ciudad.
Se dice que Karn iba a ser el cantante, pero su timidez le impidió hacerlo.
Sylvian tomaría su lugar frente al micrófono. Con Barbieri y Rob Dean en la banda, Japan comenzó a grabar demos, hasta que a finales de 1977 grabarían su primer álbum "Adolescent Sex", el cual saldría al año siguiente.
Durante la disolución de Japan, debido a sus diferencias con Sylvian, Karn lanzó su primer LP, llamado "Titles", en 1982.
Ese año colaboraría con Midge Ure en un sencillo llamado "After A Fashion", y lo volvería a hacer en una serie de conciertos en 1988 al lado de Brian May, Howard Jones, Phil Collins y de Steve Jansen.
En 1984 formó un proyecto con Peter Murphy, cantante de Bauhaus, llamado Dali's Car, el cual solo sacó un solo álbum.
Pete Townshend de The Who lo llamó "el mejor bajista de Gran Bretaña". Desde sus inicios en Japan, Karn siempre ha sido reconocido por su manera de tocar el bajo.
Mantuvo su relación amistosa con Steve Jansen y Richard Barbieri, con quienes grabó diferentes proyectos experimentales.
En 1991 los cuatro de Japan se reúnen bajo el nombre de Rain Tree Crow un proyecto editado por Virgin que aportó 13 temas vanguardistas que marcarían el rumbo que todos seguirían en solitario.
En junio de 2010 le fue diagnosticado cáncer terminal.
No tenía medios para paliar la enfermedad, pero fue ayudado por artistas como Midge Ure, Steve Jansen, Richard Barbieri (junto con su banda actual Porcupine Tree) y David Sylvian.
Estos artistas dieron un concierto benéfico y recursos para su tratamiento y para el bienestar de su esposa e hijo.
Falleció el 04 de enero de 2011.
www.sonidogenx.com
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Methods of Dance.
Martin Lee Gore nació en Dagenham, Londres, Reino Unido, el 23 de julio de 1961. Compositor y cantante. Toca teclados, bajo y guitarra.
El sitio www.guioteca.com publicó esta biografía firmada por Jorge Fuentes.
Martin L. Gore: La increíble historia del genio compositor tras los éxitos de Depeche Mode
"Creo que todo lo que escribo viene del alma. Me siento y creo atmósferas", confesó el creador de hits mundiales como "Enjoy the Silence" y "Strangelove".
Jueves 9 noviembre 2023
Jorge Fuentes
Martin Lee Gore, quien se haría mundialmente conocido por ser el compositor, tecladista, guitarrista y segundo vocalista del grupo Depeche Mode, nació el 23 de julio de 1961 en Dagenham, Londres, pero siendo aún un niño su familia se trasladó a Basildon, en el condado de Essex, una zona más bien rural. En la escuela, siendo todavía un infante de corta edad, conocería a Andrew Fletcher, de su misma edad y con quien se reencontraría después, mientras descubría el fascinante mundo de la música.
“Yo descubrí la música en general cuando tenía 10 años. Encontré una bolsa de discos en el armario de mi madre y eran todos singles que ella había comprado cuando era joven, rock and roll de los primeros años: Elvis Presley, Chuck Berry, Del Shannon, grupos como The Platters y cosas como esas. Nunca había escuchado algo así y me pareció fascinante. Siempre escuché música de diferentes géneros”, confesaría Martin L. Gore, quien, al contrario que muchos niños, sentía una gran felicidad al ir a la escuela.
“Me gustaba mucho ir a la escuela. Aprendí alemán allí y participé incluso en un intercambio escolar a Erfde en Schleswig-Holstein. El alemán me pareció un tema aburrido, pero disfruté de estar en una granja. La vida en el campo está bien en pequeñas dosis. Me gustaba ordeñar las vacas. Me quedé en la escuela hasta los 18 años porque me gustaba mucho. Yo sufría de una perspectiva suburbana. ¡No fui a un concierto hasta los 17 años! Apenas iba a Londres, que estaba a media hora de Basildon en tren. Basildon no está muy lejos, pero yo sólo iba a Londres por trabajo. Yo nunca salía por ahí porque la vuelta me tomaba mucho tiempo: 60 kms. cuando no conduces y los trenes dejan de funcionar a medianoche, ¡es como el otro extremo del mundo!”, relataría el músico británico.
Gore agregó que “provengo de una familia de clase obrera y desde pequeño tuve que trabajar y estudiar al mismo tiempo. Cuando estaba en la escuela, tenía un trabajo en Tesco: era el ‘hombre huevo’. Mi trabajo consistía en salir cada 20 minutos y mirar todas las cajas de huevos y ver si había huevos rotos. Y prácticamente todas las cajas en la parte superior tenían un huevo roto. Era mi trabajo sacar los rotos, limpiar las cajas y volver a poner las cajas nuevas. Luego saldría 20 minutos después y todos se romperían de nuevo”.
Gore, tal como relata él mismo, comenzó a trabajar desde muy joven y ya a los 17 años consiguió empleo como cajero de un banco, mientras paralelamente iniciaba su incursión en la música junto a unos amigos, que se juntaban los fines de semana para tocar en un proyecto llamado Norman and The Worms.
“Obtuve los A-Levels de francés y alemán y luego tuve que tomar una decisión sobre el futuro, lo que me impactó mucho. No tenía la motivación necesaria para hacer mucho, como ir a la universidad. No quería dejar la escuela, me sentía seguro allí. Si todo esto fracasaba me veía estudiando, seguro que no volvería a trabajar en el banco. Aaah, el banco. Mi primer trabajo. Trabajé en la cámara de compensación de NatWest en la ciudad durante un año y medio en el grado uno. Debido a que era muy joven, mis colegas me trataron un poco como si fueran mi madrastra. Era aplastantemente aburrido, pero mi falta de imaginación y confianza significaba que no podía ver una alternativa. Los idiomas eran con lo que quería trabajar, pero los trabajos de traducción eran difíciles de encontrar”.
En 1979 Martin L. Gore formó con Vince Clarke y con Rob Marlow un grupo llamado French Look; al poco tiempo se incorporaría su conocido amigo de la escuela, Andrew Fletcher, en lugar de Marlow dando origen al trío “Composition of Sound”. Poco tiempo después, por intermedio de Clarke, se uniría al grupo el cantante David Gahan, quien sugirió cambiarle el nombre a la banda a “Depeche Mode”. Ya como cuarteto, el grupo grabaría su primera canción: “Photographic”. Semanas después, lanzaron su primer single oficial: “Dreaming of me”, incluido en “Speak & Spell”, el álbum debut del grupo.
Tras la partida de Vince Clarke en 1981, quien formaría el dúo Yazoo, y la llegada en su reemplazo del músico Alan Wilder, Martin L. Gore se hizo cargo de la composición de todos los temas de Depeche Mode; la primera canción que escribió para el grupo sin la presencia de Clarke sería “See You”, que se convertiría en un éxito inmediato.
El segundo álbum de Depeche Mode, “A Broken Frame”, se lanzó en 1982. Las canciones de Gore, a partir de entonces, se harían conocidas por su sonido más atmosférico y sus temáticas como el amor, la soledad, la religión y el sexo, lo que contrastaba con el estilo de Vince Clarke.
“El misterio de la música, fue una de las cosas de las que me enamoré cuando era niño (…) Cuando empezamos éramos una de las pocas bandas de música electrónica y ahora la música electrónica está en todas partes. Tuvimos que pelear al principio de nuestra carrera porque la música electrónica no era tomada en serio. Ahora no sólo es aceptada sino que se ha convertido en mainstream”, recordaría Martin L. Gore.
Por entonces, Gore se haría conocido no sólo por su gran talento como músico y compositor, sino que también por su aspecto, como una especie de ambiguo personaje dentro de la banda. Su rostro entre amigable y perverso, y una sugerente y andrógina vestimenta de cuero con cadenas sado entre 1984 y 1986, además de la textura suave de su voz (Gore cantaría en total 30 canciones de Depeche Mode, como “Somebody” y “A Question of Lust”), serían la combinación perfecta con el arrollador registro vocal del cantante David Gahan, los imaginativos arreglos de Alan Wilder y el apoyo musical de Andrew Fletcher.
En los siguientes discos de Depeche Mode, desde 1982 hasta la fecha, Martin L. Gore sería el autor y mente maestra detrás de todos los hits internacionales del grupo, desde “People are People” (su primer éxito en los Estados Unidos) hasta “Strangelove”, “Enjoy The Silence” y “Personal Jesus”, canción donde Gore tocaba la guitarra.
Según Gore, la inspiración para sus canciones giraba en torno a tres grandes temas: sexo, amor y religión. “Si analizas nuestro repertorio, verás que todo es básicamente sobre eso. Nunca me gustó la idea de escribir canciones felices. Tampoco canciones que hablen de la suerte o sobre las que tienen el poder para alcanzar y tocarte lo más profundo. Me siento más cerca del universo escribiendo o cantando canciones que tratan sobre la soledad o la melancolía. Cuando la gente me conoce, creo que se sorprende al descubrir que no siempre estoy angustiado. Pero creo que todo lo que escribo viene del alma. Me siento y creo atmósferas, empiezo a tocar la guitarra o el piano y simplemente canto lo que salga de mi boca. No escribo poemas y les pongo música. Solo dejo que las cosas fluyan”.
En agosto de 1994 Martin L. Gore contrajo matrimonio con Suzanne Boisvert, con quien tuvo a sus tres primeros hijos: Viva Lee Gore (nacida en 1991), Ava Lee Gore (nacida en 1995) y Kalo (nacido en 2002), su único hijo varón. Posteriormente, tras divorciarse, a mediados de 2014 contrajo nupcias con Kerrilee Kaski, quien en febrero de 2016 dio a luz a Johnnie Lee y en marzo de 2017 a Mazzy Lee, tercera y cuarta hijas de Gore.
Durante la segunda mitad de los años 80′ y la primera mitad de los 90′, mientras saboreaba las mieles de la fama y del éxito mundial, Gore también pasó por algunos problemas de alcoholismo y de drogas, aunque nunca parecidos a los que sufrió el cantante David Gahan, provocando con ello una crisis de convivencia en el grupo y el alejamiento definitivo de Alan Wilder en 1995.
Tras el fallecimiento de su amigo de infancia Andrew Fletcher en 2022, el proyecto Depeche Mode quedó reducido sólo a él y David Gahan. Ambos grabaron y publicaron el álbum “Memento Mori”, el último trabajo del legendario grupo británico.
Martin L. Gore, de actuales 62 años, desde los tiempos del álbum “A Broken Frame” en 1982 hasta las obras cumbre como “Violator” y “Songs of Faith and Devotion”, es considerado el alma de Depeche Mode, dejando como testimonio de su genio creador un puñado de brillantes canciones con sonidos eléctricos e introspectivos, y letras plagadas de desamor, soledad y conflictos espirituales. “Nuestro legado son todas las canciones que hemos grabado a lo largo de 40 años”, dictaminó.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Somebody y Mandrill.
Rick Davies actuando en París en 2010 con varios miembros de Supertramp. Credit...Francois Guillot/Agence France-Presse — Getty Images
Richard Davies, más conocido como Rick Davies, nació en Swindon, Wiltshire, Reino Unido, el 22 de julio de 1944, y murió en East Hampton, Nueva York, Estados Unidos, el 6 de septiembre de 2025. Cantante, compositor, productor y multi instrumentista. Tocaba piano, teclados y armónica.
El sitio www.nytimes.com publicó este recordatorio firmado por Jenny Gross.
Rick Davies, vocalista de Supertramp, muere a los 81 años
El vocalista, autor de algunos de los mayores éxitos de la banda, aportó a su música un tono mordaz y hastiado, y convirtió su piano Wurlitzer en uno de los sonidos característicos del grupo.
Por Jenny Gross / Reportando desde Londres / 8 de septiembre de 2025
Rick Davies, fundador y vocalista de la banda de rock británica Supertramp, quien fue coautor de algunos de sus mayores éxitos y aportó a su música un tono mordaz y hastiado, murió el sábado. Tenía 81 años.
A Davies le habían diagnosticado mieloma múltiple, un tipo de cáncer de la sangre, hace más de una década, dijo la banda en su sitio web. Fue “la voz y el pianista detrás de las canciones más icónicas de Supertramp, y deja una huella indeleble en la historia de la música rock”, dijo la banda.
Formado en 1969, Supertramp logró un gran éxito comercial en 1974 con su álbum Crime of the Century, y pasó a convertirse en uno de los grupos británicos más populares de las décadas de 1970 y 1980. La canción de éxito del álbum, “Bloody Well Right”, abría con Davies al piano eléctrico Wurlitzer, y su uso del Wurlitzer se convirtió en un rasgo definitorio del sonido del grupo.
En 1979, el grupo lanzó el álbum Breakfast in America, que encabezó las listas de éxitos de todo el mundo y vendió más de 18 millones de copias, según el sitio web de la banda.
A diferencia de la voz de tenor más suave de su compañero de banda, Roger Hodgson, el sonido de Davies tenía una cualidad de gruñido, casi nasal, que podía ser a la vez sensible y dramática. Hodgson dejó la banda en 1983 para dedicarse a su carrera en solitario.
Davies nació en Swindon, Inglaterra, en 1944. Su amor por la música empezó en la infancia, cuando encontró un viejo álbum de Gene Krupa, dijo la banda en su comunicado. Atraído por el jazz, el blues y el pianista Ray Charles, Davies empezó a tocar la batería y luego aprendió a tocar el piano de forma autodidacta.
“De repente, la gente me respondía”, declaró al sitio Pop Culture Classics en una entrevista en 1997. “Ese instrumento me pareció perfecto para mí”.
Supertramp canceló una gira europea en 2015 debido al tratamiento contra el cáncer de Davies. En años más recientes, incluso cuando los problemas de salud de Davies le impedían hacer giras mundiales, actuó como parte de la banda Ricky and the Rockets.
Varias versiones de canciones de Davies subieron a las listas de éxitos en la década de 2000. El éxito de Supertramp “Give a Little Bit”, de su álbum de 1977 Even in the Quietest Moments, fue versionada por el grupo de rock estadounidense Goo Goo Dolls en 2004, y la canción alcanzó el n.º 37 en el Billboard Hot 100. Ese mismo año, Gym Class Heroes sampleó “Breakfast in America” en su canción “Cupid’s Chokehold”, que alcanzó el n.º 4 de la lista.
A Davies le sobrevive su esposa, Sue Davies.
Jenny Gross es reportera del Times y cubre noticias de último momento y otros temas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Logical Song.
(Toca la guitarra, lava la ropa y recoge a los niños después de la escuela)
Entrada principal: met·tle
Pronunciación: \ˈme-t ə l\
Función: sustantivo
Etimología: alteración de metal
Fecha: 1581
1a: vigor y fortaleza de espíritu o temperamento; b: cualidad de resistencia: aguante <equipo que demostró su temple>
2: cualidad de temperamento o disposición <caballeros de temple valiente — Shakespeare>
2a: temple; b: la sustancia de la que está hecha una persona o cosa
En los últimos años, Lee Aaron ha encontrado una cómoda reconciliación entre sus ideales maternales y su espíritu rockero. Templada por la sabiduría que le brinda la maternidad, ya no le preocupan los estereotipos que la persiguieron sin descanso desde el lanzamiento en 1984 de su icónico álbum Metal Queen. Ahora comprende por qué se le quedó esa etiqueta y puede hablar, casi con alegría, de su relación con la mitología que, en realidad, constituye un agudo contrapunto a su visión artística fundamental.
Lee Aaron tiene derecho a sentirse cooptada. Los temas recurrentes en su escritura, desde la adolescencia hasta la madurez, han sido el empoderamiento femenino y la energía positiva, la fuerza y la sabiduría de la mujer. La canción "Metal Queen" se inspiró en una escena de la película de animación fantástica Heavy Metal, en la que una protagonista femenina responde al acoso sexual con una violencia extrema —masculina—. El objetivo de Aaron era mostrar que los estereotipos de la fuerza masculina y la debilidad femenina son tanto un condicionamiento social como una realidad biológica. Lee afirma: "La canción nunca pretendió ser autobiográfica. Era una época en la que las mujeres eran objetivadas, especialmente en el hard rock. Esperaba que empoderara a las mujeres".
«Metal Queen» no fue la mejor canción de esa sesión de grabación, y habría sido un tema menos conocido del álbum de no ser por su discográfica y su mánager. Provenientes de la vieja escuela de la industria discográfica, se aferraron a la canción como un éxito rotundo, ignorando por completo su subtexto metafórico. Convencieron a Lee para que posara en la famosa fotografía —con taparrabos de piel, cabello alborotado y la espada— para la portada del álbum y el videoclip de la canción. Lee, apenas salida de la adolescencia y sin ser consciente de las consecuencias de tal enfoque, aceptó.
Lee Aaron como "Reina del Metal" fue todo un éxito. Y con ello surgieron algunas suposiciones aparentemente inquebrantables: Lee Aaron es una diva del heavy metal. Una rockera sexy, fiestera y bebedora de Jägermeister. El videoclip se había convertido en el nuevo medio de moda, y el vídeo de la canción rápidamente se transformó en una fantasía de iniciación para los adolescentes de todo el mundo.
De una declaración de empoderamiento femenino, a la cosificación como una gatita sexual del metal: un giro completo respecto a sus intenciones artísticas.
Lee siempre ha sido una artista. Cantaba clásicos de Broadway en el teatro de la escuela secundaria, y un reciente DVD de archivo incluye un breve fragmento de su sincera interpretación de "You Light Up My Life" en la televisión local. Se unió a una banda de rock a los 15 años y ya había grabado y lanzado su álbum debut para cuando salió Metal Queen. Ese álbum le abrió las puertas a la floreciente subcultura del heavy metal, y pronto estaba actuando en escenarios de Canadá y Europa, demostrando su excelente rango vocal y técnica. Estaba en camino de convertirse en una auténtica estrella del rock.
Para algunos oyentes, «Metal Queen» eclipsó sus lanzamientos posteriores. Constantemente recalcaba ante los entrevistadores —televisión, radio, periódicos, fanzines— que no era una «Reina del Metal», que la canción trataba sobre el empoderamiento femenino. Pero el mensaje rara vez calaba. Se volcó en su arte, creando el sencillo número 1 «Whatcha Do To My Body». Una parodia irónica del concepto de objetivación, el vídeo lo hacía aún más evidente (y divertido): Aaron con ropa de escenario poco reveladora, rodeada de hombres guapos y semidesnudos mostrados al estilo típico de los videoclips, brillando y posando innecesariamente, seductoramente y sin rumbo, vendiendo sexualidad sin ninguna conexión real con la cantante. La canción fue un gran éxito, pero el mensaje no caló hondo.
Sus discos posteriores a «Metal Queen» muestran una amplia gama artística y una asombrosa diversidad. En conjunto, ofrecen pruebas fehacientes de que es mucho más que una diva del metal unidimensional. Durante la década siguiente, recibió 10 nominaciones a los premios Juno, un premio Much Music al Mejor Video, dos premios a la Mejor Vocalista Femenina (Toronto) y un premio CMPA a la Mejor Compositora.
BodyRock alcanzó el estatus de multiplatino y fue elegido como uno de los 20 álbumes más influyentes de la década por la revista Chart Magazine. La misma revista incluyó posteriormente a músicos tan diversos como Avril Lavigne, Alanis Morissette y Shania Twain entre quienes se encontraban "bajo la influencia de Aaron".
A pesar del considerable éxito comercial, empezó a sentirse asfixiada por las limitadas expectativas de algunos fans y de los medios de comunicación. «En todos los titulares me etiquetaban como "Reina del Metal"», recuerda Aaron, «y en cada concierto había pequeños grupos de fans acérrimos coreando "Reina del Metal" al unísono. Pensaba: "¿Por qué la gente no puede superar esto? No lo entiendo". Me resultaba sofocante».
La reciente película nominada al Óscar, Anvil: The Story of Anvil, muestra cómo la discográfica gestionó y promocionó de forma inepta a ese grupo. ¿Y saben qué? Lee Aaron estaba en la misma discográfica, al mismo tiempo. A diferencia de Anvil, ella logró el éxito internacional, encabezando varias listas de revistas musicales. En la primavera de 1985, Lee realizó una gira por Europa como telonera de Bon Jovi; su actuación en directo cautivó al público europeo, y pudo regresar en otoño como cabeza de cartel a las mismas salas de conciertos.
Como la artista más destacada del sello Attic, sus discos fueron utilizados sin éxito como moneda de cambio por la compañía para conseguir un acuerdo de distribución para todo el catálogo. Al fracasar este intento, el sello intentó obtener financiación para establecer una división en Estados Unidos, manteniendo nuevamente los discos de Lee Aaron fuera del mercado estadounidense, con la intención de convertirla en la artista debutante del nuevo sello. Esta idea también fracasó. Atrapada por un contrato vinculante, no tuvo más remedio que esperar. Durante todo este proceso, hubo un considerable —y constante— interés por parte de sellos estadounidenses para ficharla y promocionarla. Como resultado, los discos de Lee Aaron nunca se publicaron en Estados Unidos, condenándola a la modesta condición de icono de culto en el mercado más grande del mundo.
A mediados de los 90, Aaron dejó de interpretar «Metal Queen». Si los fans se enfadaban, intentaba explicarles. Entonces probó otra estrategia: grabar un álbum de forma anónima bajo el nombre de IIPrecious. Reunió a tres cuartas partes de los músicos de la aclamada banda Sons of Freedom de Vancouver, y juntos crearon una colección de primera categoría de canciones con texturas y toques alternativos.
Desde el primer momento, recibió críticas entusiastas y sonó en las radios universitarias de todo Canadá. Se estaban preparando fechas tanto en Canadá como en Europa cuando todo se detuvo en seco: en cuanto los medios se dieron cuenta de que se trataba de Lee Aaron, la etiqueta de "Reina del Metal" se impuso con fuerza. Las radios universitarias dejaron de poner el disco y las fechas de la gira se esfumaron; simplemente no tenía credibilidad, por muy bueno que fuera el disco, debido al estereotipo.
Era demasiado. Aaron se había mudado a Vancouver desde Toronto y se había tomado un año sabático de la industria musical. Llegó a la conclusión de que la única manera de tener una representación clara era ser independiente: producir y lanzar su música ella misma. Era hora de grabar un disco que disfrutara haciendo, sin importar el género ni las expectativas de los demás.
“Siempre me ha apasionado el jazz y el blues clásicos. De ahí surgió el rock and roll. Necesitaba demostrar que podía hacer algo completamente diferente. Sobre todo, a mí misma, creo”, explicó Lee más tarde. Reapareció en el año 2000 con Slick Chick, un álbum de estándares de jazz interpretados con gran maestría. El cambio de estilo le sentó de maravilla a su voz, y las críticas fueron más que favorables.
“Lee Aaron ha protagonizado una de las mayores transformaciones musicales… aunque a algunos les resulte difícil creer que pudiera desenvolverse con tanta seguridad en tantos subgéneros del jazz, lo cierto es que lo hizo.” – GLOBE AND MAIL
Una gira posterior por diez países cosechó excelentes críticas. El cambio de género musical finalmente permitió que la gente la viera como una música y vocalista, no como un personaje de cómic. Su siguiente lanzamiento, Beautiful Things (2004), marcó otro giro en su carrera, con canciones originales y algunas versiones selectas, combinando sus influencias musicales (jazz, blues, rock) para crear un brillante disco de pop que, una vez más, recibió críticas positivas.
“Beautiful Things presenta a Lee Aaron creando música de una belleza excepcional, que no solo captura la potencia, el rango y la sensibilidad de su voz, sino que también fusiona sus influencias de rock, blues y jazz.” – Larry Leblanc (BILLBOARD)
Una vez más, demostró su versatilidad al aceptar un papel en una ópera barroca moderna galardonada, pero, por una vez, la música no fue su principal interés.
Finalmente, tras años de esperanza y espera, Lee Aaron experimentó el mayor avance profesional de su vida: se convirtió en madre, en rápida sucesión, de su hija Angella y, un año después, de su hijo Jett.
Su dedicación y compromiso con su familia han eclipsado felizmente su música y su carrera, y sin la presión del "próximo disco", ha tenido tiempo para reconciliarse con la "Reina del Metal" que lleva dentro y comprender que muchos de sus fans están ahí por su voz y sus canciones, no por su estereotipo.
En 2007, Lee fue invitada a actuar con Heart en el prestigioso festival Rockfest de Thunder Bay. Tras haberse centrado principalmente en el circuito de jazz, habían pasado casi diez años desde la última vez que interpretó sus antiguos éxitos de rock.
Se dio cuenta de que tocar con Heart atraería a un público mayor, aficionado al rock and roll, y, tras pensarlo bien, aceptó la oferta. Formó una banda de primera categoría y creó un espectáculo totalmente nuevo, que combinaba sus éxitos de rock de antaño con material nuevo, reorquestado para ofrecer una experiencia de concierto impecable.
El concierto fue todo un éxito: los fans recibieron a Lee de vuelta al rock 'n' roll con una ovación atronadora. Al regresar a casa, se dio cuenta de lo bien que lo había pasado y, lo que es más importante, de que finalmente había hecho las paces con toda su discografía. Mientras seguía perfeccionando su nuevo repertorio de rock híbrido, surgió una nueva meta: volver a actuar cuando sus hijos tuvieran la edad suficiente para que mamá pudiera dar conciertos. «Me di cuenta (después de alejarme del rock durante unos años) de que aceptar mi pasado no tiene por qué impedirme avanzar hacia el futuro. Además, echaba mucho de menos coger una guitarra y tocar rock. ¡Supongo que he madurado un poco!».
Probablemente sería más fácil rendirse: formar una banda de chicos de heavy metal y salir al circuito de casinos, interpretando versiones idénticas de "Metal Queen" y todos sus éxitos, con el vestuario y el maquillaje congelados en 1989. Justo este año, Dee Snider de Twisted Sister la contactó para formar parte de una revista musical en Las Vegas que incluiría a Stephen Pearcey (Ratt) y a Lee cantando sus éxitos y trabajando horas extras con las máquinas de humo. "Sería una diversión de dibujos animados", ríe Lee. "Pero quizás solo un fin de semana", sonríe. "Ya veremos".
Su prioridad son sus hijos, y la idea de pasar semanas interminables en el Strip de Las Vegas es impensable. ¿Pero volver a tocar rock and roll? ¡Por supuesto! Desde 2010, Lee ha estado haciendo frecuentes giras por todo Canadá con un espectáculo de rock que retoma sus grandes éxitos e incorpora temas más recientes.
Tras reconciliar su imagen de Reina del Metal con la realidad, comprende que su público ha madurado con ella. «Reina del Metal» es ahora mucho más que una rockera que grita un himno a sus fans: pertenece a una chica que creció y ahora abraza la maternidad, la música y la vida, con todas sus diversiones y desafíos, contratiempos y alegrías. La canción en sí es una postal inocente, un recuerdo vibrante de un tiempo y un lugar que Lee Aaron y sus fans compartieron; quizás incluso un reflejo de nuestros recuerdos colectivos de juventud y promesas, optimismo e ideales. Es una celebración de nuestra perseverancia y de las personas en las que nos hemos convertido. Puede que seamos mayores, ¡pero aún sabemos cómo divertirnos!
En 2013, Lee Aaron conoció a Sean Kelly (autor canadiense y guitarrista de Nelly Furtado) y rápidamente se hicieron amigos. Lee contribuyó con una entrevista al libro histórico de Kelly sobre el hard rock y el heavy metal canadiense, titulado Metal On Ice, y a lo largo del libro y el CD que lo acompañaba, descubrieron que tenían mucho en común musicalmente. Empezaron a intercambiar ideas para canciones y, en poco tiempo, con varios temas que Lee ya había escrito para un álbum de rock planeado, tenían suficiente material para un CD original completo. Lee entró al estudio con Sean y su banda en vivo, Dave Reimer (bajo) y John Cody (batería), y a finales del verano de 2015 se terminaron todos los detalles del nuevo álbum de rock.
¡"Fire and Gasoline", con distribución internacional a cargo de ILS/Caroline Records, sale a la venta el 25 de marzo de 2016!
Lee Aaron está ilusionada: con llevar su nuevo espectáculo de rock al escenario, con crear nueva música y con ver crecer a sus hijos. En Fire and Gasoline, una Lee Aaron revitalizada y llena de energía regresa al mundo del rock and roll con un álbum sofisticado, que invita a la reflexión, sumamente entretenido y, sobre todo, muy divertido.
¡No cabe duda de que la reina del rock canadiense ha vuelto, mejor que nunca y con más garra que nunca!
“Ella demuestra que, en este punto de su carrera, subestimar a Aaron es un riesgo que corremos nosotros mismos.” – The Georgia Straight
A continuación, celebramos su cumpleaños, con dos de sus éxitos: Whatcha Do To My Body, y Tom Boy.
Dolores Jiménez Alcántara, más conocida como La Niña de La Puebla, nació en La Puebla de Cazalla, Sevilla, España, el 20 de julio de 1908, y murió en Málaga, España, el 14 de junio de 1999. Cantaora y actriz.
Dolores Jiménez - La Niña de la Puebla (20/06/1908 - 14/06/1999)
Dolores Jiménez Alcántara Niña de la Puebla Cantaora española
Niña de la Puebla nació el 20 de junio de 1908 en La Puebla de Cazalla, Sevilla.
Ciega desde muy pequeña, se refugió en el cante pese a la oposición de su padre, impulsada por el Niño de Marchena.
Vivió de niña en Madrid y después en Morón de la Frontera, donde actuó por primera vez en público, ganando seguidamente dos concursos de cante: uno en Marchena y otro en Osuna.
Debutó en Sevilla, en el Salón Olimpia, en 1931, y al año siguiente lo hizo en Madrid, en el Cine Variedades, actuando también en el Salón Olimpia madrileño.
Contrajo matrimonio con Luquitas de Marchena y fue madre de Pepe y Adelfa Soto. Entre sus primeras grabaciones discográficas figura su versión de los campanilleros, que le proporcionó una popularidad verdaderamente inusitada, por lo que en algunos pueblos y ciudades a donde iba a cantar la recibían con bandas de música. Su debut en los teatros madrileños tuvo lugar en el Teatro Fuencarral, junto a El Carbonerillo y El Curruco de Algeciras, en 1932.
En 1933 realizó su primera película, Madre Alegría. Ese mismo año presentó en público a Juanito Valderrama. Estrenó obras lírico-andaluzas, entre ellas Sol y Sombra, de Quintero y Guillén, y Cuando la noche es eterna, de Diego Isern y Lloset, representándolas por toda España. En 1936 recorrió todo el país junto a su marido, ofreciendo recitales en los teatros más importantes.
Cuando finalizó la Guerra Civil Española, comenzó a participar en espectáculos flamencos en gira continua por España, destacando: en 1947, Ópera flamenca, con El Cojo de Huelva, partiendo del Circo Price madrileño, y Pasan las coplas, con Pepe Marchena; en 1950, El sentir de la copla, con Manuel Vallejo y José Cepero; en 1951, Toros y cante, con Juanito Valderrama; en 1953, Noche de coplas, con La Niña de Antequera y Pepe Pinto; en 1955, Herencia de arte, con El Sevillano; en 1958, Festival nacional de arte andaluz, con Pepe Marchena; en 1963, Noche flamenca, con Juanito Valderrama; en 1964, Guitarra y canela, con Rafael Farina; en 1965, 1966 y 1967, Así canta Andalucía, con Pepe Marchena; en 1970, Fantasía flamenca, con Juanito Valderrama; y en 1971, Romance flamenco, con Rafael Farina.
En la mayoría de estos espectáculos figuraron asimismo su marido y, en algunos de ellos, sus hijos. En 1978 ofreció una serie de recitales en localidades de las provincias de Madrid y Ciudad Real, y realizó otras actuaciones en centros culturales y peñas flamencas de Cataluña y Andalucía. También participó en el de su pueblo natal, donde tiene una calle dedicada, y otra en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona).
En 1986 le dedicaron un homenaje en Málaga, consistente en un festival en el que, entre otros intérpretes, tomaron parte El Tiriri, Curro de Utrera, Fosforito, Antonio de Canillas, Barquerito de Fuengirola, José Menese, sus hijos y Manolo Carmona. Una de sus últimas actuaciones tuvo lugar en el Teatro Alcalá Palace de Madrid, en 1987, dentro de los festivales de la Cumbre Flamenca, acompañada a la guitarra por Félix de Utrera.
La Niña de la Puebla falleció en Málaga el 14 de junio de 1999, a la edad de 90 años, a causa de una hemorragia cerebral.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: En los pueblos de mi Andalucía, Los Campanilleros.
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