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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Alfred Jesse Smith, más conocido como Brenton Wood, nació en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, el 26 de julio de 1941, y murió en Moreno Valley, California, Estados Unidos, el 3 de enero de 2025. Cantante, compositor y tecladista.
Alfred Jesse Smith nació el 26 de julio de 1941 en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, y falleció el 3 de enero de 2025 en California. Conocido profesionalmente como Brenton Wood, fue un cantante y compositor de R&B con tres sencillos de éxito en 1967, «The Oogum Boogum Song», «Gimme Little Sign» y «Baby You Got It». Continuó grabando y actuando hasta el año pasado 2024.
Su familia se mudó a San Pedro en Los Ángeles, California, cuando Wood era un niño. Asistió a la escuela secundaria de San Pedro antes de mudarse a Compton, donde Brenton se convirtió en miembro del equipo de atletismo de la escuela secundaria de Compton y recibió varios premios por sus logros deportivos. Tras graduarse en la escuela secundaria, se inscribió en el East Los Angeles College. Poco después, adoptó el nombre artístico de Brenton Wood, probablemente inspirado por el barrio de Brentwood en Los Ángeles. Motivado por Jesse Belvin y Sam Cooke, comenzó a componer canciones convirtiéndose también en un pianista competente.
Los primeros sencillos con Brent Records y Wand Records no llegaron a las listas. Wood firmó con Double Shot Records, y su canción «The Oogum Boogum Song» alcanzó el puesto número 19 en la lista Billboard R&B de EE. UU. y el número 34 en el Billboard Hot 100 en la primavera de 1967. En el sur de California, «The Oogum Boogum Song» llegó al top 10 en la KGB-FM y al número 1 en la KHJ. Su mayor éxito llegó unos meses después cuando «Gimme Little Sign» alcanzó el número 9 en la lista de pop, el número 19 en las listas de R&B, el número 2 en KHJ y el número 8 en la lista de singles del Reino Unido. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. El título en realidad no se canta en la canción. El estribillo repite «Give Me Some Kind of Sign». Con «Baby You Got It» (1967) Wood alcanzó el puesto número 34 en el Hot 100 durante la última semana de 1967 y el número 3 en KHJ el 31 de enero de 1968. Le acompañaban la banda de Kent and The Candidates, con sede en Los Ángeles, que estaba liderada por el baterista Kent Sprague. También grabaron varios sencillos para el sello Double Shot.
En 1972, Wood formó su propio sello discográfico y publicó, coprodujo y coescribió el clásico del funk soul «Sticky Boom Boom [Too Cold] Part I and II» con George Semper (coproductor, arreglista) y Al McKay (coautor, intérprete) de Earth, Wind & Fire. Wood grabó un dueto con Shirley Goodman. Además, grabó el sencillo «Rainin’ Love (You Gotta Feel It)», que se publicó en Midget M-101 en 1975. Su siguiente canción en solitario en llegar a las listas fue «Come Softly to Me» en 1977.
Wood regresó en 1986 con el álbum “Out of the Woodwork” que incluía regrabaciones de sus primeros éxitos, junto con varias pistas nuevas, incluido el sencillo «Soothe Me». En 2001 sacó el disco “This Love Is for Real”. En 2014 colaboró con William Pilgrim & The All Grows Up para sacar una nueva versión de la canción «Gimme Little Sign» en su álbum, “Epic Endings”. Ya en 2024, Brenton anunció su gira de despedida “Catch You On The Rebound: The Last Tour” que tuvo que detenerse cuando fue hospitalizado en mayo del año pasado. Rodeado de familiares y amigos, murió en su casa de Moreno Valley, California, el 3 de enero de 2025, a la edad de 83 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Baby You Got It y I'm The One Who Knows.
Alan Edward Gorrie, más conocido como Alan Gorrie, nació en Perth, Escocia, Reino Unido, el 19 de julio de 1946. Bajista, guitarrista, tecladista, compositor y cantante.
Alan Edward Gorrie (nacido el 19 de julio de 1946) es un músico, cantante, compositor y multi instrumentista escocés, más conocido por ser cofundador, principal compositor y miembro con más años de servicio de la banda de funk y soul Average White Band (AWB). Como bajista, guitarrista, tecladista y vocalista, Gorrie ha sido fundamental para dar forma a la mezcla característica de jazz-funk y R&B de AWB desde la formación de la banda en 1972, contribuyendo a su estatus como uno de los grupos de soul blancos más exitosos de la década de 1970. Gorrie nació en Perth, Escocia, y desde temprana edad desarrolló un interés por la música influenciada por artistas de jazz y soul como Ray Brown y Marvin Gaye, lo que le llevó a centrarse en el bajo y géneros relacionados. A finales de la década de 1960, tocó en varios grupos, entre ellos The Scots of St. James y Forever More, antes de trasladarse a Londres en 1972 para cofundar AWB junto con el guitarrista Onnie McIntyre y otros miembros. La banda obtuvo una temprana exposición abriendo los conciertos de regreso de Eric Clapton en 1973 en el Rainbow Theatre, lo que ayudó a asegurar un contrato de grabación con Atlantic Records. AWB alcanzó la fama a mediados de la década de 1970 con su álbum revelación AWB (1974), que encabezó la lista de éxitos de R&B de Billboard en Estados Unidos e incluyó el sencillo instrumental "Pick Up the Pieces", un éxito mundial que llegó al número uno en el Billboard Hot 100 en 1975 y se convirtió en la canción insignia de la banda. Gorrie coescribió gran parte del material de la banda y también diseñó su icónico logotipo, contribuyendo a 12 álbumes de estudio, siete álbumes en vivo y nueve recopilaciones a lo largo de las décadas. El éxito del grupo les valió tres nominaciones a los premios Grammy, incluyendo una en 1979 a la Mejor Interpretación Instrumental de R&B por la canción "Sweet and Sour". Tras la disolución inicial de AWB en 1983, en medio de cambios en la formación y las cambiantes tendencias musicales, Gorrie emprendió proyectos en solitario y colaboraciones de alto perfil con artistas como Smokey Robinson y Daryl Hall. Reformó la banda en 1989 con McIntyre, manteniendo un dúo principal en medio de miembros rotativos, y AWB ha continuado de gira y grabando, con el vocalista Brent Carter uniéndose en 2011. En 2024, Gorrie y AWB completaron una gira de despedida, marcando el final de 52 años de presentaciones en vivo y el retiro de la banda, consolidando su legado en la música funk y soul.
Primeros años de vida
La crianza en Escocia
Alan Edward Gorrie nació el 19 de julio de 1946 en Perth, Escocia. Creció en el seno de una familia muy unida en la zona de Jeanfield, en Perth, donde su padre era un pianista habilidoso que actuaba con grupos locales como la Salon Dance Orchestra, y su abuelo paterno era propietario de David Gorrie & Sons, una empresa de ingeniería y calderería que cerró sus puertas alrededor de 1954. Los primeros años de Gorrie estuvieron marcados por los efectos persistentes de la austeridad de la posguerra en Escocia, incluyendo las cartillas de racionamiento que persistieron hasta que tuvo seis años en 1952, y una sensación más amplia de mentalidad de tiempos de guerra que influyó en la vida familiar hasta finales de la década de 1950. Este entorno de clase trabajadora en una ciudad comercial conocida por sus raíces agrícolas y destilerías de whisky como Dewars y Bells proporcionó un telón de fondo modesto y orientado a la comunidad para su infancia. La educación formal de Gorrie tuvo lugar en escuelas locales de Perth hasta el nivel secundario, donde tuvo una temprana introducción al canto a través de su participación en un coro escolar, fomentando conocimientos básicos de teoría musical sin dedicarse aún a ello profesionalmente. Más allá de la música, sus intereses no musicales incluían el arte, lo que más tarde lo llevó a estudiar en el Duncan of Jordanstone College of Art de Dundee a mediados de la década de 1960. Durante la década de 1950, Gorrie tuvo su primer contacto con la música estadounidense a través de la colección de discos de jazz de su padre, que incluía a artistas como Fats Waller, Art Tatum y Fats Domino, así como a través de emisiones de radio y la compra, cuando tenía alrededor de 10 años, del disco "Blue Suede Shoes" de Elvis Presley en formato de 78 rpm. Estas influencias, incluida la llegada "conmocionante" del rock 'n' roll de Buddy Holly y Bill Haley, marcaron su despertar cultural inicial antes de que pasara a realizar actividades musicales más activas a principios de la década de 1960.
Introducción a la música
Durante su adolescencia, a principios de la década de 1960, Alan Gorrie comenzó a desarrollar sus habilidades musicales, influenciado inicialmente por la colección de discos de piano de jazz de su padre, que incluía a artistas como Fats Domino, Art Tatum y Meade Lux Lewis, lo que despertó su interés por la música alrededor de los 12 años. Inspirado por "Please Please Me" de The Beatles en 1963 y las versiones de Ray Charles y Roy Orbison del artista local Dougie Martinen el Ayuntamiento de Perth, Gorrie comenzó a explorar el canto mientras estaba en el coro de su escuela, lo que marcó su entrada activa en la interpretación. Aprendió a tocar el bajo en su adolescencia, inspirándose en el bajista de jazz Ray Brown, y también empezó a tocar la guitarra y los teclados, convirtiéndose en un multi instrumentista centrado en las secciones rítmicas que definirían su estilo. A mediados de la década de 1960, Gorrie se unió a la banda The Scots of St. James, tocando el bajo y contribuyendo a su sonido rhythm and blues. Alrededor de 1965-1966, mientras estudiaba arte en el Duncan of Jordanstone College en Dundee, Gorrie cofundó el Blue Workshop en Perth como un club experimental de jazz, blues y soul que servía como centro de colaboración para que los músicos locales experimentaran con R&B y jazz fusión. El lugar permitía formaciones fluidas e improvisación, atrayendo talentos como los saxofonistas Malcolm "Molly" Duncan y Roger Ball, el contrabajista Jim Mullen y el joven baterista Robbie McIntosh, fomentando una escena que mezclaba la sensibilidad del rock escocés con influencias estadounidenses. Gorrie actuó allí con su primer grupo, The Vikings, un grupo de mod y R&B que tocaba en los eventos del club y en locales cercanos como La Bamba en Falkirk, haciendo hincapié en versiones de blues y exploraciones originales de R&B más jazzístico. Este período perfeccionó sus habilidades en la interpretación en conjunto y la composición de canciones. A finales de la década de 1960, Gorrie se unió a la banda Forever More junto al guitarrista Onnie McIntyre, inclinándose hacia un sonido soul y funk que bebía en gran medida de artistas de Motown y Stax como Marvin Gaye, Wilson Pickett, Otis Redding y las líneas de bajo de James Jamerson. El grupo, conocido por sus composiciones con influencias de R&B, realizó importantes conciertos en toda Escocia, incluyendo el Picasso Club de Glasgow, y grabó dos álbumes en los que Gorrie contribuyó como vocalista principal, bajista y coautor, con Duncan y Ball como invitados en el segundo lanzamiento. Estas experiencias consolidaron sus ritmos funk y su interpretación conmovedora, uniendo las escenas locales escocesas con estilos estadounidenses más amplios. En busca de mayores oportunidades en el cambiante panorama musical de Escocia, Gorrie se sumergió en actuaciones por todo el circuito escocés de R&B y soul, incluyendo Glasgow, que ofrecía un público más amplio y contactos con talentos emergentes. Esto lo posicionó dentro de una red de músicos que compartían pasiones por los discos de Tamla Motown y Stax, culminando en su asociación con McIntyre que sentó las bases para futuros proyectos.
Carrera con Average White Band
Formación y primeras grabaciones
La banda Average White Band (AWB) se formó en Londres en 1971 bajo el liderazgo del vocalista y bajista Alan Gorrie, quien reunió la formación inicial con el guitarrista Onnie McIntyre, el saxofonista tenor Malcolm Duncan, el saxofonista alto y tecladista Roger Ball, el guitarrista Hamish Stuart y el baterista Robbie McIntosh. El grupo surgió de las experiencias previas de Gorrie en bandas locales escocesas, reuniendo a músicos unidos por una pasión compartida por el soul y el funk. Estos músicos escoceses se trasladaron a Londres a finales de los años 60 y principios de los 70 en busca de una mayor proyección en la escena musical del Reino Unido, donde perfeccionaron su sonido a través de actuaciones en directo y trabajos como músicos de sesión. Esta decisión fue impulsada por el reconocimiento de que Londres ofrecía mejores perspectivas de grabación e industria en comparación con las oportunidades más limitadas de Escocia. Para 1973, AWB se había trasladado aún más a Los Ángeles para expandir su alcance en el mercado estadounidense, sumergiéndose en el vibrante ambiente funk y soul de la Costa Oeste. La banda firmó con MCA Records y lanzó su álbum debut, Show Your Hand, en 1973, grabado en Londres e incluyendo temas como "Twilight Zone", que mostraba su estilo emergente orientado al groove. Tras un impacto comercial limitado con MCA, AWB pasó a Atlantic Records y lanzó su segundo álbum homónimo, comúnmente conocido como AWB (o el Álbum Blanco), en 1974, consolidando su presencia en los EE. UU. Desde el principio, su música fusionó raíces escocesas de R&B con influencias estadounidenses de funk y soul, inspiradas por artistas como James Brown y Marvin Gaye, dando como resultado un sonido distintivo de soul de ojos azules caracterizado por secciones de metales compactas y líneas de bajo rítmicas. Trágicamente, poco después del lanzamiento de AWB, el baterista Robbie McIntosh murió de una sobredosis de heroína en septiembre de 1974 a la edad de 24 años.
Avance comercial
Average White Band logró su gran éxito comercial con el lanzamiento de su álbum homónimo AWB en 1974 a través de Atlantic Records, tras un acuerdo inicial con MCA Records que produjo su álbum debut Show Your Hand, pero con un éxito limitado en Estados Unidos. Producido por Arif Mardin en Atlantic Studios, el álbum incluía la pista instrumental "Pick Up the Pieces", que se convirtió en un sencillo que vendió un millón de copias y encabezó el Billboard Hot 100 durante una semana en febrero de 1975, alcanzando también el número 5 en la lista de R&B. El álbum en sí alcanzó el puesto número 1 tanto en las listas Billboard Pop Albums como en las Black Albums, lo que marcó un cambio fundamental para la banda después de que sus grabaciones con MCA no lograran obtener una tracción significativa en Estados Unidos. Aprovechando este impulso, la banda lanzó álbumes posteriores que consolidaron su posición en los géneros funk y soul. Soul Searching (1976) se convirtió en su álbum más vendido en Estados Unidos, alcanzando el estatus de platino y llegando al puesto número 9 en la lista Billboard 200 y al número 2 en la lista de R&B, con el sencillo "Queen of My Soul" contribuyendo a su éxito. En 1977, colaboraron con la leyenda del soul Ben E. King en Benny and Us, que combinó la instrumentación de AWB con la voz de King en temas como "Get It Up for Love" y "A Star in the Ghetto", alcanzando el puesto número 33 en el Billboard 200. A pesar de sus orígenes escoceses y de estar formados exclusivamente por músicos blancos, Average White Band cosechó un gran éxito entre el público afroamericano de la escena funk y soul, influenciado por iconos como Marvin Gaye y James Brown, y ganándose una reputación por sus auténticos ritmos de R&B que trascendían las barreras raciales.[14] Su éxito fue reconocido con una nominación al Grammy por "Pick Up the Pieces" en la categoría de Mejor Interpretación Instrumental de R&B en la ceremonia de 1976.
Evolución y longevidad de la banda
Tras el lanzamiento de sus álbumes Shine en 1980 y Cupid's in Fashion en 1982, Average White Band experimentó tensiones internas y un declive en su viabilidad comercial en medio de las cambiantes tendencias del mercado musical, lo que llevó a la disolución del grupo en 1983. El miembro fundador Alan Gorrie reflexionó más tarde que la separación se debió a que los miembros se distanciaron después de años de intensa colaboración, algo común en los conjuntos musicales de larga trayectoria. Durante el receso, Gorrie se dedicó a proyectos en solitario, incluyendo trabajo de sesión y grabaciones personales, mientras que otros miembros se dispersaron en proyectos individuales. La banda se reunió en 1989, liderada por Gorrie junto a los miembros originales Onnie McIntyre y Roger Ball, con nuevas incorporaciones como el teclista Eliot Lewis, lo que demostró un renovado compromiso con sus raíces funk y soul. Esta encarnación lanzó Aftershock ese año, mezclando ritmos clásicos con elementos de producción contemporáneos para restablecer su presencia. Aprovechando este impulso, lanzaron Soul Tattoo en 1997, que incluía temas como "Soul Mine" y subrayaba la evolución de su sonido a través de una interpretación más compacta del conjunto y contribuciones de invitados. Durante la década de 2000, Average White Band mantuvo una rigurosa agenda de giras internacionales, actuando en Norteamérica, el Reino Unido, Japón y Sudáfrica, al tiempo que publicaba grabaciones en directo como Soul & the City en 2006 para capturar su inagotable energía sobre el escenario. Las recopilaciones como The Very Best Of (2006) destacaron la profundidad de su catálogo, atrayendo una atención renovada a los éxitos y a las canciones menos conocidas que mantuvieron la lealtad de los fans. En 2024, tras 52 años de giras casi continuas, Gorrie anunció el fin de la era de giras de la banda, describiendo los viajes incesantes como agotadores y un factor determinante en la decisión de retirarse de las actuaciones en directo. La gira de despedida concluyó ese año, y su última actuación quedó documentada en una película de concierto estrenada en 2025. Sin embargo, el grupo sigue activo en proyectos de archivo a partir de noviembre de 2025, y Gorrie enfatiza una transición agridulce en lugar de una jubilación completa.
Carrera en solitario y colaboraciones
álbumes en solitario
La discografía en solitario de Alan Gorrie incluye el álbum Sleepless Nights , publicado en 1985 por A&M Records, y el EP The Blue Workshop (2021). Como miembro fundador y principal compositor de Average White Band (AWB), Gorrie se aventuró en el trabajo en solitario durante un período de transición para la banda, recurriendo a sus raíces funk y soul al tiempo que incorporaba elementos de rock más suaves y orientados a adultos (AOR) y yacht rock. El álbum incluye nueve pistas, entre ellas la canción que da título al álbum, "Sleepless Nights" (4:29), "Up" (3:57), "Electric Between Us" (3:50), "Diary of a Fool" (3:44), "That Kinda Girl" (4:24), "I Can Take It" (4:55), "The Girl Upstairs" (4:12), "The Age of Steam" (4:04) y "In the Jungle" (4:16). Producida por Gorrie y su colaborador Jay Gruska, la grabación tuvo lugar principalmente en los estudios Conway Recording Studios en Hollywood, California, y en Skyline Recording en Topanga, California, con la ingeniería de sonido a cargo de Jeff Gold. Gorrie se encargó de las voces, el bajo, los teclados y algunos arreglos, apoyado por un conjunto de destacados músicos de sesión de Los Ángeles que reflejaban el sonido pulido de estudio de la época. Entre los principales colaboradores se encontraban el bajista Nathan East, el guitarrista Michael Landau, el percusionista Paulinho da Costa, los tecladistas Randy Kerber y Michael Boddicker, el saxofonista Steve Tavaglione, el trompetista Gary Grant y el arreglista de metales Jerry Hey de Seawind, junto con los vocalistas Joseph Williams y Michelle Gruska. Esta formación enfatizó el papel multifacético de Gorrie, permitiéndole explorar la composición de canciones con una mayor introspección personal en comparación con la dinámica grupal de AWB, aunque conservando ritmos pegadizos y frases conmovedoras en temas como "In the Jungle" y "Up". Temáticamente, Sleepless Nights profundiza en el anhelo romántico, la vulnerabilidad emocional y la reflexión nocturna, como se evoca en títulos como "Diary of a Fool" y la balada "That Kinda Girl", que combina la sensualidad del R&B con teclados con influencias de jazz y sutiles líneas de saxofón que hacen referencia a la versatilidad instrumental de Gorrie. Si bien no fue un gran éxito comercial, el álbum recibió elogios modestos en los círculos del funk y el soul por sus ritmos auténticos y la interpretación sincera de Gorrie, obteniendo una calificación promedio de 3.56/5 de los oyentes y una calificación de usuario de 6.8/10 en AllMusic, donde se destaca por capturar el sonido AOR de transición de la producción de la Costa Oeste de mediados de la década de 1980. Su limitado impacto en las listas subraya la asociación más fuerte de Gorrie con AWB, aunque el proyecto puso de relieve su evolución hacia una composición más introspectiva y con tintes de jazz fuera del marco funk de alta energía de la banda. El EP Blue Workshop, publicado en 2021, lleva el nombre del club de jazz, blues y soul de Perth que Gorrie cofundó a mediados de la década de 1960, e incluye cuatro temas que exploran estilos similares de R&B con influencias de jazz.
Apariciones especiales y proyectos paralelos
A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, Gorrie prestó su voz a varias grabaciones de soul de otros artistas, demostrando su versatilidad más allá de su papel principal en Average White Band. En particular, participó como corista en el álbum debut en solitario de Chaka Khan, Chaka (1978), contribuyendo a temas como "Love Has Fallen on Me" y "Life Is a Dance", junto a su compañero de banda Hamish Stuart y el bajista de sesión Will Lee. Estas apariciones subrayaron la integración de Gorrie en la escena soul de Los Ángeles tras la reubicación de la banda en 1973, donde participó en sesiones de estudio durante los descansos de las giras y grabaciones. En el período posterior a 1982, tras la disolución temporal de la banda, Gorrie se dedicó a colaborar en la composición de canciones, incluyendo sesiones con Daryl Hall de Hall & Oates, donde contribuyó creativamente a nuevo material. Esta colaboración se extendió a la interpretación, ya que Gorrie se unió a Hall para un episodio de 2010 de Live from Daryl's House, ofreciendo una versión de "Pick Up the Pieces" con la banda de la casa y enfatizando sus perdurables líneas de bajo y voces. La formación multi instrumental de Gorrie, que incluía una temprana destreza con el saxofón, influyó en su participación en exploraciones de jazz-funk, como la cofundación del colectivo Blue Workshop entre 1965 y 1966, un centro con sede en Perth para que los músicos experimentaran con formaciones de R&B con influencias de jazz. Las anécdotas personales de esta época revelan interacciones informales que moldearon su estilo; por ejemplo, Gorrie relató sus frecuentes encuentros con Jimi Hendrix en el Londres de los años 70, describiendo veladas sencillas de intercambio musical sin los adornos del estrellato. Hasta noviembre de 2025, las actividades recientes de Gorrie se han centrado en esfuerzos de archivo y conmemorativos, incluyendo apariciones en reediciones de recopilaciones de soul que destacan sus contribuciones como músico de sesión de décadas anteriores, aunque no se han anunciado nuevos proyectos paralelos importantes en medio de la gira de despedida de Average White Band.
Vida personal y legado
Antecedentes personales
Alan Edward Gorrie nació el 19 de julio de 1946 en Perth, Escocia, donde fue criado en la zona de Jeanfield por su padre, un pianista de la Orquesta de Baile de Salón, cuya formación musical influyó en los primeros intereses de Gorrie. Criado en la Escocia de la posguerra, Gorrie asistió brevemente a la escuela de arte antes de abandonarla en 1966 para dedicarse a la música a tiempo completo, una decisión motivada por la insistencia de su padre en la autosuficiencia después del cierre de la empresa de ingeniería familiar, David Gorrie & Sons, en 1954. Mantiene una fuerte conexión con sus raíces escocesas, a menudo se describe a sí mismo como un "positivista de Perth" y atribuye al carácter autosuficiente de la ciudad el haber moldeado su perspectiva resiliente, a pesar de haber emigrado a los Estados Unidos. Desde 1976, Gorrie reside en Connecticut con su esposa, Jean, a quien conoció a mediados de la década de 1960 en el club La Bamba en Falkirk, Escocia, mientras actuaba con su primera banda, The Vikings. La vida de la pareja en los EE. UU. refleja un equilibrio entre su hogar estadounidense adoptivo, donde se ha integrado en una comunidad orientada a la música, y los frecuentes regresos a Escocia en busca de inspiración y lazos familiares, aunque las exigencias de su carrera históricamente han limitado compromisos familiares más profundos. No existen detalles públicos sobre los niños, lo que subraya la preferencia de Gorrie por la privacidad en asuntos personales. Además de la música, Gorrie ha cultivado la pintura como una afición importante, redescubriendo esta pasión en 2006 tras matricularse en un instituto de arte cerca de su casa en Connecticut, donde estudió técnicas de paisajismo; gran parte de su obra se crea durante sus visitas a Escocia. Esta vía de expresión creativa, arraigada en sus primeros días en la escuela de arte, sirve como escape y complementa sus reflexiones sobre las influencias de la contracultura de la década de 1960, incluida la rebeldía juvenil provocada por pioneros del rock 'n' roll como Elvis Presley y The Beatles, que cambió su enfoque del jazz a una expresión artística más amplia. Los problemas de salud personales de Gorrie, en particular el desgaste físico acumulado durante décadas de giras internacionales, contribuyeron a su decisión de retirarse de los escenarios en 2024 a los 78 años, describiendo el calendario posterior a la COVID como una "verdadera rutina" que dejaba poco espacio para el tiempo en familia o para actividades creativas como la escritura. Ha señalado que, si bien extraña actuar, el estilo de vida de "vivir con la maleta a cuestas" se ha vuelto insostenible, prefiriendo ceder tales rigores a músicos más jóvenes y centrarse en una existencia más estable.
Influencia y jubilación
El papel pionero de Alan Gorrie como músico escocés blanco en los géneros predominantemente negros del funk y el soul durante la década de 1970 ayudó a superar las divisiones culturales, demostrando que el auténtico R&B podía trascender las fronteras raciales y nacionales. Al frente de Average White Band (AWB), él y sus compañeros se inspiraron en artistas estadounidenses como James Brown y Marvin Gaye para crear un sonido crudo y conmovedor que caló hondo entre el público negro de Estados Unidos, a la vez que introducían el funk en las escenas dominadas por el rock en Londres y Escocia. Esta fusión intercultural inspiró a artistas posteriores que combinaron la sensibilidad europea con las tradiciones musicales afroamericanas, demostrando la universalidad de los ritmos funk y la expresión soul. El legado de Gorrie perdura a través del extenso catálogo de AWB, con más de una docena de álbumes de estudio, que obtuvieron tres nominaciones a los premios Grammy, múltiples certificaciones de oro y platino, y una popularidad duradera gracias a los samples utilizados en el hip-hop por artistas como Public Enemy y Nas. Su destreza multi instrumental —que abarcaba el bajo, la guitarra, los teclados y la voz principal— ejemplificaba los arreglos sólidos y autosuficientes de la banda, influyendo en generaciones de músicos en la fusión de elementos de jazz, R&B y funk. Los homenajes en la historia de la música soul resaltan el improbable éxito de AWB como forasteros escoceses que irrumpieron en la escena funk estadounidense, y el próximo documental, Average White Band: Soul Searching, programado para su lanzamiento en 2025, consolida aún más su impacto. En 2024, Gorrie anunció su retiro de las giras tras 52 años con AWB, describiendo la decisión como "agridulce" debido al agotamiento que le producía la constante vida en la carretera, aunque no expresó arrepentimiento alguno por los logros de la banda. La gira de despedida, que conmemoraba el 50 aniversario de sus obras más emblemáticas, concluyó con una última actuación el 13 de diciembre de 2024 en St. Louis, brindando a los fans una última oportunidad de experimentar su energía en directo. Este concierto fue grabado para una película, preservando así el capítulo final de la banda. A partir de noviembre de 2025, tras la finalización de la gira, Gorrie ha dejado de centrarse en las actuaciones en directo para priorizar su tiempo personal, su familia y sus actividades creativas, como la composición de canciones, que podrían incluir proyectos de estudio que se alineen con su trayectoria como multi instrumentista.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cut the Cake.
William Harrison Withers, Jr., más conocido como Bill Withers, nació en Slab Fork, Virginia Occidental, Estados Unidos, el 4 de julio de 1938, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 30 de marzo de 2020. Cantautor. Tocaba piano y guitarra.
Vidas, amores, sueños y posibilidades: todo se entrelaza en el arte perdurable de Bill Withers, un auténtico icono musical estadounidense.
Withers joven
Sus canciones hablan por sí solas. La versión de Mary J. Blige de “Lean on Me” resonó en el Lincoln Memorial de Washington D.C. durante las festividades previas a la investidura del presidente Barack Obama, “We Are One”, del mismo modo que las palabras de Withers habían honrado al presidente Bill Clinton. “Ain't No Sunshine” preparó el escenario para un episodio muy comentado de la exitosa serie Scandal en 2013. Los usos comerciales, incluida la campaña de Amazon Prime con “Lovely Day”, adaptan la música a nuevos mercados. El grupo de rock alternativo Alt-J ofrece una nueva interpretación de “Lovely Day”, mientras que Justin Timberlake interpreta una mezcla de la canción en los Oscar de 2018; el dúo de Willie Nelson y Mavis Staples de “Grandma's Hands” es una interpretación impactante en su último lanzamiento, To All The Girls; y en la presentación del Proyecto Legado de Bill Russell en Boston, Johnny Mathis interpreta una canción recién compuesta, “I Am My Father's Son”.
La caja recopilatoria de Legacy Recordings con los nueve álbumes de Withers, The Complete Sussex and Columbia Albums, publicada a finales de 2012, ganó un premio Grammy a la Mejor Grabación Histórica en 2014. La fascinante actuación de Withers en 1974 en Zaire, previa al legendario enfrentamiento entre Muhammad Ali y George Foreman conocido como "Rumble in the Jungle", aparece en la película Soul Power, y el propio Withers es el protagonista del documental Still Bill, que se estrenó en el Festival de Cine SXSW y está disponible en DVD.
Orígenes
“Cuando tienes talento, lo sabes a los cinco años; solo es cuestión de encontrar el momento para desarrollarlo.” ~BW
Bill nació en Slab Fork, Virginia Occidental, un pueblo de unos 200 habitantes. El menor de seis hermanos, se crio en la cercana Beckley, en una zona minera de carbón. El padre de Withers, minero, falleció cuando él tenía 13 años. A los 17, alistarse en la Marina fue la oportunidad que se le presentó a Bill para escapar de esa situación.
Withers llegó a Los Ángeles en 1967. Sus demos autofinanciados, en los que Ray Jackson, miembro de la Watts 103rd Street Band, participó como arreglista y tecladista, llevaron a Jackson a presentarlo a Forrest Hamilton. Hamilton, a su vez, presentó a Withers a Clarence Avant de Sussex Records, quien contactó a Booker T. Jones para producir el álbum debut de Bill. El resultado fue el álbum Just As I Am, con el éxito ganador del Grammy «Ain't No Sunshine» y la popular «Grandma's Hands». El pragmático Withers, que ahora podía dejar su trabajo convencional en una compañía aeronáutica, reunió posteriormente a los miembros restantes de la Watts 103rd Street Band para realizar giras por Estados Unidos e internacionales.
El segundo álbum, Still Bill, aclamado como "una obra maestra del soul de piedra" por la revista Rolling Stone, incluyó los que pronto se convertirían en clásicos "Lean on Me" y "Use Me". Le siguió Bill Withers Live at Carnegie Hall. Tras el lanzamiento de + 'Justments en 1974, Withers rompió lazos con Sussex para firmar con Columbia (que posteriormente reeditó su catálogo anterior). Making Music, Making Friends de 1975 presentó más clásicos, "Hello Like Before" y "Make Love to Your Mind"; Naked & Warm de 1976, con la idílica canción de amor a su hogar adoptivo, "City of the Angels"; Menagerie de 1977, con la muy versionada "Lovely Day" y 'Bout Love de 1979, y el sencillo "Don't It Make It Better", un sencillo de R&B que alcanzó el top 30, continuó la racha de lanzamientos que encabezaron las listas.
“Just the Two of Us”, junto a Grover Washington, Jr., fue un hito en su carrera, obteniendo cuatro nominaciones a los premios Grammy, de las cuales Withers recibió el galardón a la Mejor Canción de R&B. “Soul Shadows”, con The Crusaders, marcó otro proyecto colaborativo de la época, y “In The Name Of Love”, con Ralph MacDonald, recibió una nominación al Grammy en 1984 a la mejor interpretación vocal. 1985 marcó el último proyecto de Withers para Columbia con el álbum Watching You, Watching Me y el sencillo “Oh Yeah”, que alcanzó las listas de éxitos de R&B.
“No puedo volver a mi pasado; necesito un lugar donde crecer”
– “City of the Angels”
La salida de Bill de Columbia marcó un nuevo ciclo: en 1988, un remix de “Lovely Day (Sunshine Mix)” alcanzó el puesto número 4 en las listas británicas y Bill actuó en el programa de éxitos más importante del Reino Unido, Top of the Pops. Ese mismo año, Bill recibió su tercer Grammy (y su novena nominación) por la interpretación de “Lean on Me” de Club Nouveau.
Cubiertas
Una extensa lista de artistas, entre los que se incluyen Barbra Streisand, Michael Jackson, Liza Minnelli, Aretha Franklin, Tom Jones, Maroon 5, Linda Ronstadt, Paul McCartney, Sting, Joe Cocker, Johnny Mathis, Mick Jagger, Boney James, Al Jarreau, Morrissey, Nancy Wilson, Jimmy Buffett, Diana Ross, Shirley Bassey y Willie Nelson, ha versionado las canciones de Bill. Además, los samples utilizados por productores de éxito como Jay-Z, Akon, Kanye West, Tupac Shakur, Fatboy Slim, DMX y BlackStreet han impulsado innumerables éxitos del hip-hop.
Películas como Looking for Mr. Goodbar (con la grabación de Bill de “She's Lonely”), Jerry Maguire, Jackie Brown, Notting Hill, The Bodyguard, American Beauty, Austin Powers 2: The Spy Who Shagged Me, The Heat, Girls Trip y The Secret Life of Pets han utilizado las canciones de Withers con un efecto dramático. En la televisión abierta y por cable, las canciones han aparecido en programas como Ellen DeGeneres, Scandal, Dancing With The Stars, American Idol, CSI, BULL, Snowfall, Los Simpson y El hijo pródigo.
Honores
Bill Withers, quien ingresó al Salón de la Fama de los Compositores en 2005, fue homenajeado por la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) en 2006 con el Premio a la Herencia del Rhythm y el Soul, otorgado a los miembros de ASCAP que han tenido un gran impacto en el legado de la música Rhythm y Soul. Otros reconocimientos incluyen múltiples menciones como millonario por parte de Broadcast Music Incorporated (BMI); un premio del Salón de la Fama de Soul Train; dos premios NAACP Image; su ingreso al Salón de la Fama de la Música de Virginia Occidental; y un premio Clio. En 2007, "Lean On Me" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. Withers fue incorporado a la Clase de 2015 del Salón de la Fama del Rock & Roll por Stevie Wonder y John Legend, quienes interpretaron sus canciones. En 2017, recibió el prestigioso premio internacional de los Premios Ivor Novello en Inglaterra.
Por muy importantes que sean estos reconocimientos, quedan eclipsados por la elocuencia y la profundidad que caracterizan sus canciones. Si bien prefiere una vida alejada del bullicio y la fama, en el imaginario colectivo de la música popular, el sonido y las canciones de Bill Withers siguen presentes. Cuarenta y nueve años después de su debut, las canciones de Bill Withers resuenan como referentes vibrantes en la experiencia musical estadounidense.
“Escribo y canto sobre todo aquello que puedo comprender y sentir. Creo que es más sano mirar el mundo a través de una ventana que a través de un espejo. De lo contrario, solo te ves a ti mismo y lo que hay detrás de ti.” — BW
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Ain't No Sunshine.
Harold James Melvin nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de junio de 1939, y murió en su ciudad, el 24 de marzo de 1997. Cantante, compositor, arreglador, coreógrafo y pianista.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Steve Huey.
Harold Melvin fue una de las figuras clave del soul de Filadelfia, llevando a su grupo, los Blue Notes, a la cima de las listas durante su etapa en el sello Philadelphia International de Kenny Gamble y Leon Huff. A pesar de que Melvin figuraba como líder, el eje central de los Blue Notes era el vocalista y exbaterista Teddy Pendergrass, cuyo potente barítono adornó las grabaciones del grupo durante sus años de gloria (1972-1975) y les otorgó un sonido verdaderamente distintivo. Su producción abarcaba desde extensas y envolventes pistas de baile proto-disco hasta baladas suaves y conmovedoras, todo ello envuelto en la exuberante producción orquestal de Gamble y Huff. Cuando Pendergrass se marchó para iniciar su carrera en solitario, la suerte comercial de Melvin & the Blue Notes volvió en gran medida a los tiempos anteriores a Pendergrass (de los cuales hubo bastantes), aunque continuaron grabando durante un tiempo. Nunca se disolvieron del todo, y cuando Melvin falleció en 1997, llevaba más de cuatro décadas liderando los Blue Notes.
Melvin nació el 25 de junio de 1939 en Filadelfia. Pianista autodidacta, comenzó a cantar doo wop en su adolescencia con un grupo llamado Charlemagnes, y formó la primera edición de los Blue Notes en 1954. La formación original era un quinteto con Melvin como vocalista principal (durante un tiempo), compositor, arreglista y coreógrafo; irónicamente, abandonaría la mayoría de estas funciones cuando el grupo alcanzó su mayor éxito. Los otros miembros eran el colíder Bernard Williams, Roosevelt Brodie, Jesse Gillis, Jr. y Franklin Peaker. Los Blue Notes grabaron su primer sencillo, "If You Love Me", para Josie en 1956, y lo convirtieron en un éxito regional. Grabaron para varios sellos discográficos durante los años siguientes, principalmente Dot, antes de lograr su primer éxito en las listas de R&B en 1960 con "My Hero" (lanzado por Val-Ue). Numerosos cambios de personal mantuvieron al grupo en constante inestabilidad a pesar de su continua actividad discográfica, y Bernard Williams se separó para liderar lo que él denominó los Original Blue Notes a mediados de los 60. Melvin formó una nueva versión de los Blue Notes centrada en el vocalista John Atkins, quien devolvió al grupo a las listas de R&B en 1965 con el sencillo de Landa "Get Out (And Let Me Cry)". Le siguieron otros lanzamientos en Arctic, Checker y Uni durante el resto de los 60, así como más cambios de personal. A finales de los 60, el grupo salió de gira frecuentemente con los Cadillacs, cuyo joven baterista Teddy Pendergrass se convertiría en el mayor descubrimiento de Melvin.
Pendergrass se unió inicialmente a la banda de acompañamiento de los Blue Notes, pero demostró tal talento vocal que, tras la marcha de John Atkins en 1970, Melvin lo ascendió rápidamente al puesto de vocalista principal. Este cambio les ayudó a conseguir un contrato con el sello Philadelphia International de Gamble y Huff en 1972, justo cuando la compañía se estaba consolidando como el nuevo epicentro de la música soul; la voz de Pendergrass era similar a la del cantante de Dells, Marvin Junior, a quien Gamble y Huff habían intentado fichar con insistencia. Para entonces, los Blue Notes estaban formados por Melvin, Pendergrass, el bajista Lawrence Brown, el barítono Bernard Wilson y el tenor Lloyd Parks. Con Gamble y Huff proporcionando ahora material y producción de primera calidad, Harold Melvin & the Blue Notes se convertirían en uno de los grupos más populares del R&B en los años siguientes. Su álbum debut homónimo incluía principalmente canciones escritas con la esperanza de fichar a Marvin Junior. El primer sencillo, "I Miss You", fue un éxito en las listas de R&B, pero el segundo fue un éxito rotundo: la clásica balada "If You Don't Know Me by Now", que contó con una interpretación vocal conmovedora y que catapultó a la fama a Pendergrass. "If You Don't Know Me by Now" llegó al número uno en las listas de R&B y también se convirtió en su único éxito en el Top 5 de las listas pop; posteriormente, en 1989, Simply Red hizo una versión que se convirtió en un éxito número uno.
Los Blue Notes volvieron a triunfar en 1973 con el tema bailable con arreglos de cuerda "The Love I Lost", considerado por muchos como uno de los primeros discos de música disco; fue su segundo número uno en las listas de R&B y un sencillo pop que alcanzó el Top Ten. El álbum que lo acompañaba, Black & Blue, produjo otro Top Ten de R&B con el siguiente sencillo "Satisfaction Guaranteed (Or Take Your Love Back)". En 1974, Lloyd Parks fue reemplazado por Jerry Cummings, quien debutó en el LP To Be True, que alcanzó el número uno en las listas de R&B. "Where Are All My Friends" y "Bad Luck" continuaron su racha de éxitos en el Top Ten de R&B, y una nueva incorporación al grupo, la vocalista Sharon Paige, los ayudó a regresar a la cima de las listas de R&B en 1975 con el dúo "Hope That We Can Be Together Soon". Otro excelente álbum le siguió más tarde ese año en Wake Up Everybody, cuyo tema principal fue otro número uno de R&B; "Tell the World How I Feel About 'Cha Baby" también alcanzó el Top Ten de R&B, y la canción del álbum "Don't Leave Me This Way" fue versionada posteriormente para un gran éxito disco por Thelma Houston.
Sin embargo, la tensión aumentaba dentro del grupo. Pendergrass, que acaparaba toda la atención, ansiaba figurar por separado en los créditos, pero Melvin, aún la principal fuerza organizadora del grupo se negó. En 1976, Pendergrass dejó los Blue Notes para emprender una carrera en solitario que rápidamente lo convirtió en uno de los mayores sex symbols del R&B. Sharon Paige lo reemplazó como vocalista principal, al igual que el nuevo vocalista masculino David Ebo, cuyo sonido era bastante similar al de Pendergrass. Sin embargo, la partida de Pendergrass también marcó el final de la relación de los Blue Notes con Philadelphia International; sus siguientes grabaciones fueron para ABC, con quienes alcanzaron el Top Ten de R&B en 1977 con el tema principal de Reaching for the World. Sin embargo, este sería su último gran éxito; después de un álbum más con ABC, se unieron a Source, subsidiaria de MCA, en 1979 para grabar dos LP que no lograron reactivar su éxito comercial. Cummings y Wilson se marcharon en 1977, siendo reemplazados por Dwight Johnson y William Spratelly, y Paige y Ebo se fueron en 1980. Aun así, Melvin siguió adelante, grabando un último álbum con material nuevo para Philly World en 1984, titulado con optimismo Talk It Up (Tell Everybody). Tuvo una popularidad moderada en el Reino Unido, pero no la suficiente como para relanzar la banda. Melvin continuó de gira con diferentes formaciones de los Blue Notes durante la década de los 90, y Paige finalmente también regresó al grupo. Lamentablemente, Melvin sufrió un derrame cerebral y nunca se recuperó por completo; falleció el 24 de marzo de 1997 en su querida ciudad natal de Filadelfia.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con If You Don't Know Me By Now.
Ocie Lee Smith, más conocido como OC Smith, nació en Luisiana, Estados Unidos, el 21 de junio de 1932, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 23 de noviembre de 2001. Cantante.
Artista, humanitario, erudito religioso y líder. Si bien estos términos parecen dispares, todas estas cualidades describen al difunto Dr. OC Smith. Nacido en 1932 como Ocie Lee Smith, Jr., en Mansfield, Luisiana, Smith se mudó con sus padres a Little Rock, Arkansas, antes de que su divorcio llevara a su madre a Los Ángeles, California. Fue allí donde OC descubrió su talento musical, y el canto desempeñó un papel fundamental en su vida. Su madre era profesora de música, y durante su etapa en la preparatoria Jefferson, Smith aprendió el oficio del legendario maestro Samuel Brown. Para OC, era evidente que su pasión era el jazz, idolatrando a superestrellas como Dizzy Gillespie y Charlie Parker.
Tras licenciarse en psicología en la Universidad del Sur, Smith se alistó en la Fuerza Aérea. Prestó servicio en América, Europa y Asia, y también realizó giras como cantante en una banda de servicios especiales. Tras ser dado de baja en 1955, se instaló en Nueva York, donde su talento musical floreció. Cantaba baladas y blues en pequeños clubes y consiguió su primera oportunidad con Sy Oliver, apareciendo en el programa Arthur Godfrey's Talent Scouts. Su éxito en dicho programa le valió un contrato discográfico con Cadence Records, y en diciembre de 1955, Smith lanzó su primer disco, una versión del éxito de Little Richard, "Tutti Frutti". MGM Records le ofreció un contrato como solista, lo que dio lugar a tres lanzamientos más.
En 1961, la superestrella Count Basie reclutó a Smith como vocalista, puesto que ocupó hasta 1965. Aunque la grabación de OC, "That's Life", tuvo un éxito moderado, e incluso fue versionada por Frank Sinatra años después, los grandes éxitos seguían sin llegar. En 1968, su discográfica, Columbia Records, estaba lista para lanzarlo, y así entró por primera vez en las listas de éxitos con la canción narrativa de Dallas Frazier, "Son of Hickory Holler's Tramp", que alcanzó el número dos en la lista de sencillos del Reino Unido y también entró en el Top 40 de Estados Unidos. En 1976, Kenny Rogers revivió el éxito como una canción country.
Smith trabajó en clubes de todo el país, realizó giras por el Lejano Oriente y se estableció en Los Ángeles, donde grabó la canción de Bobby Russell "Little Green Apples", que llegó al número dos del Billboard Hot 100 y ganó el premio Grammy de 1969 a la Canción del Año, obteniendo incluso un disco de oro. OC continuó grabando, alcanzando las listas de R&B, Adult Contemporary y pop en Estados Unidos con temas como "Daddy's Little Man", "Friend, Lover, Woman, Wife", "Me and You" y "Love To Burn". También regresó a la lista de sencillos del Reino Unido en 1977 con "Together". Las grabaciones de Smith para el álbum de Charles Wallert "Dreams Come True" dieron como resultado tres sencillos que entraron en las listas nacionales durante un total de 40 semanas.
Tras haber alcanzado en su carrera musical mucho más de lo que jamás había soñado, OC permitió que la vida lo guiara por un nuevo camino. Conoció a Robbie Gholson, profesor, diseñador de interiores y administrador en Los Ángeles, y se enamoraron. Se casaron el Día de San Valentín de 1976. Y en 1980, su vida adquirió un nuevo sentido cuando unos amigos invitaron a la pareja a asistir a un servicio sobre la "ciencia de la mente" en el Teatro Wilshire Ebel.
En las enseñanzas del Dr. Joseph Murphy, OC escuchó aquello en lo que había creído durante tanto tiempo: Dios como una entidad metafísica, uno con todos, presente en cada uno de nosotros y que nos une si deseábamos ver al Todopoderoso. Aunque se crio en un ambiente religioso, la religión cristiana que conocía nunca le había convencido del todo debido a su glorificación de aspectos negativos, castigos y divisiones entre creyentes y no creyentes. Para OC y Robbie, la ciencia de la mente reflejaba lo que habían sentido en sus corazones durante años. Y tras mucha investigación sobre el tema, Smith supo que quería dedicar el resto de su vida a difundir la palabra que siempre había sentido en su interior.
En 1985, OC completó sus estudios religiosos y se convirtió en el Reverendo OC Smith. En octubre de ese mismo año, Smith y Gholson inauguraron oficialmente la Iglesia de Ciencia Religiosa Ciudad de los Ángeles. Gracias al carisma de OC, quien incorporó su famoso canto y el jazz a los servicios religiosos, y al mensaje positivo, unificador y reconfortante de la ciencia religiosa, la Iglesia creció en miles de feligreses a lo largo de los años. En enero de 1996, el Reverendo y Robbie trasladaron la Iglesia a una nueva sede en Grosvenor Boulevard, en Los Ángeles. Con instalaciones de primer nivel y amplio espacio para servicios y clases, OC y Robbie sabían que este era el lugar perfecto.
OC dirigió la creciente Iglesia hasta su fallecimiento en noviembre de 2001. Poco después de su muerte, el gobernador Jim Hodges proclamó el 21 de junio de 2002 como el "Día de OC Smith" en el estado de Carolina del Sur. Smith fue elegido póstumamente al Salón de la Fama de la Música de Carolina Beach en noviembre de 2002. En cuanto a la Iglesia, continuó prosperando, enriquecida por la visión compartida de OC con su esposa, ahora la Reverenda Robbie, y por su legado de reconocer lo divino y el amor que reside en todos nosotros. Como probablemente diría OC, en lugar de lamentar la ausencia de una llama, celebremos su brillantez.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Deed I Do, con la Orquesta de Count Basie, y Little Green Apples.
Renaldo Benson, más conocido como Obie Benson, nació en Detroit, Michigan, Estados Unidos, el 14 de junio de 1936, y murió en su ciudad, el 1 de julio de 2005. Cantante y compositor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Obie Benson fue la pieza clave de los Four Tops durante la dilatada trayectoria del legendario grupo de Motown, cantando el bajo y coreografiando sus impecables rutinas de baile. Su voz, que se escuchaba con brillantez junto al vocalista principal Levi Stubbs en clásicos como "Reach out, I'll Be There" y "Standing in the Shadows of Love", también fue un aclamado compositor por derecho propio, siendo el autor más famoso del emblemático tema de Marvin Gaye, "What's Goin' On".
Renaldo Benson nació en Detroit el 14 de junio de 1936 y se inició cantando doo wop y gospel junto a su compañero de instituto Lawrence Payton. En 1954, conocieron a Stubbs y Abdul "Duke" Fakir en una fiesta, poco después de formar The Four Alms. Tras ganar popularidad en un concurso de talentos local, el cuarteto cambió su nombre a The Four Tops en 1956 para evitar confusiones con los Ames Brothers. Sus primeros sencillos para Chess, Columbia y otros sellos no tuvieron éxito, y el grupo pasó casi una década en el circuito de clubes de jazz de Nueva York, actuando como teloneros del baladista Billy Eckstein y la Count Basie Orchestra. Mientras interpretaban un arreglo de jazz del clásico "In the Still of the Night" en el programa The Tonight Show de la NBC en 1963, The Four Tops captaron la atención del dueño de Motown Records, Berry Gordy Jr., quien inmediatamente les ofreció un contrato. El álbum Breaking Through, con influencias de jazz, apareció bajo el sello Workshop de Motown, pero no tuvo éxito. Mientras decidía qué rumbo tomar la carrera del grupo, Gordy los asignó a sesiones de acompañamiento encabezadas por las Supremes y otras estrellas de Motown.
Cuando se unieron al trío de compositores y productores Eddie y Brian Holland y Lamont Dozier, los Four Tops encontraron su ritmo, literal y figuradamente. Con los enérgicos solos de Stubbs envueltos en impresionantes armonías ancladas por Benson, el cuarteto alcanzó el éxito en las listas por primera vez con la conmovedora "Baby, I Need Your Lovin'" de 1964 y en los años siguientes encadenaron una serie de discos clásicos de soul que incluyen además "Bernadette", "Can't Help Myself (Sugar Pie, Honey Bunch)" y "It's the Same Old Song". Los Four Tops realizaron extensas giras por su país, Europa y Asia, siendo reconocidos por las impecables rutinas de baile ideadas por Benson.
Durante una parada en San Francisco, presenció un ataque policial contra un grupo de hippies, una experiencia que le resultó tan perturbadora que, al regresar a Detroit, se reunió con el compositor y productor de Motown, Al Cleveland, para componer "What's Goin' On", una crítica mordaz de la vida en una América dividida por la guerra de Vietnam. Sus compañeros de The Tops rechazaron la canción, considerándola poco más que una canción de protesta, y Benson intentó en vano interesar a Joan Baez. Finalmente, Gaye se decidió por "What's Goin' On", que se convirtió en el tema principal de su obra maestra de 1971 y que hoy se considera uno de los mejores sencillos pop de todos los tiempos.
Mientras tanto, los Four Tops abandonaron Motown en 1972 tras el traslado del sello discográfico a Los Ángeles. Nunca volvieron a alcanzar el mismo nivel de éxito creativo o comercial, llegando por última vez a las listas de éxitos pop de Billboard con el álbum Indestructible de 1988. Sin embargo, el grupo siguió siendo una atracción popular en directo, con su formación original intacta hasta la muerte de Payton en 1997; Benson continuó actuando como miembro de los Four Tops hasta poco antes de su propia muerte por cáncer de pulmón el 1 de julio de 2005.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Walk Away Renee y What's Going On, cantado por Marvin Gaye.
Erma Vernice Franklin, más conocida como Erma Franklin nació en Shelby, Misisipi, Estados Unidos, el 13 de marzo de 1938, y murió en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 7 de septiembre de 2002. Cantante.
Erma Franklin, cantante de soul nacida en Shelby en 1938, y también conocida por ser hermana de Aretha Franklin. Su mayor reconocimiento le llegó en los '60, en especial con la versión original de "Piece of my heart" tema que después Janis Joplin convertiría en uno de sus mayores éxitos.
Nació el 13 de marzo de 1938 en Shelby (Misisipi, pero pronto junto a su familia se trasladó hasta Buffalo (Memphis), donde en la iglesia de su padre hizo su debut en el gospel a la edad de cinco años. Muy poco después se mudaron a Detroit. Cantaba con sus hermanas Aretha Franklin y Carolyn Franklin en la iglesia de su padre, y durante el instituto formaba parte del grupo The Cleo-Patrettes, quienes ganaron un concurso de nuevos talentos y lograron grabar para la discográfica JVB. Al acabar los estudios The Cleo-Patrettes se disolvió y Erma hizo una gira de dos años junto al conjunto gospel que acompañaba a su padre. Poco después tuvo oportunidad de grabar en Chess y en Motown, pero su padre decidió que era mejor anteponer sus estudios a una carrera musical.
Más tarde, con éxito, hizo una audición para Epic en 1961, y se transladó hasta Nueva York para grabar. A su vez Aretha estaba en la compañía de la que dependía Epic, es decir, Columbia. A Erma le ocurió lo mismo que a su hermana, la compañía no era experta en los terrenos del R&B y el soul y nunca supieron cómo manejar su carrera dentro de este estilo. Su primer álbum "Her name is Erma" apareció en 1962, en el que incluía jazz y pop con algunos singles R&B como "Abracadabra", escrito por Van McCoy. Erma no estaba contenta con la gestión de la compañía por lo que decidió que pasaría lo que la restaba de contrato en una gira junto al cantante de R&B Lloyd Price, hasta el año 1966.
Cuando Aretha se fue a la discográfica Atlantic, Erma firmó en 1967 un contrato con Shout Records y el productor Bert Berns. Ese mismo año lanzó el single "Piece of my heart" convirtiéndose en el mayor éxito que había tenido hasta el momento, pero desafortunadamente Bert Berns, a finales de 1967, falleció de un ataque al corazón dejando a la compañía en el caos. En un tiempo en adelante Erma acompañó a Aretha Franklin en los coros, y poco después paseó su "Piece of my heart" por Europa y Estados Unidos. En 1969 fue contratada por Brunswick, donde consiguió un nuevo hit, pero este ya de menor magnitud, "Gotta Find Me a Lover (24 Hours a Day)". Ese mismo año también editó su segundo álbum "Soul sister". Pero de nuevo en esta discográfica no se encontraba a gusto, por lo que cuando acabó su contrato en 1972, se retiró a Detroit a trabajar en una empresa de relaciones públicas. Esporádicamente actuó con Aretha durante los '80 y '90 y era reconocida por su ayuda a organizaciones caritativas para niños en Boysville. A principios de los '90 "Piece of my heart" volvió a las listas europeas gracias a ser la sintonía de un anuncio de pantalones vaqueros. Murió en Detroit el 7 de septiembre de 2002 tras una larga lucha contra el cáncer.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con I Get The Sweetest Feeling.
Eunice Kathleen Waymon, más conocida como Nina Simone, nació en Tryon, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 21 de febrero de 1933, y murió en Carry-le-Rouet, Francia, el 21 de abril de 2003. Cantante, compositora y pianista.
El deber de un artista es reflejar los tiempos... Te diré lo que La libertad para mí es: Sin miedo.
Fue uno de los artistas más extraordinarios del siglo XX, un ícono de la música estadounidense. Ella fue una consumada narradora musical, una griot, como llegaría a descubrir, que utilizó su extraordinario talento para crear un legado de liberación, empoderamiento, pasión y amor a través de una magnífica obra. Se ganó el apodo de «Suma Sacerdotisa del Soul» por su capacidad para tejer un hechizo tan seductor e hipnótico que el oyente perdía la noción del tiempo y el espacio al sumergirse en el momento. Fue a quien el mundo conocería como Nina Simone.
Cuando Nina Simone falleció el 21 de abril de 2003, dejó un tesoro intemporal de magia musical que abarca más de cuatro décadas, desde su primer éxito, el clásico del Top 10 de 1959, "I Loves You Porgy", hasta "A Single Woman", el tema que da título a su único álbum Elektra de 1993. Aunque treinta y tres años separan estas grabaciones, la sincera emoción es el pegamento que las une; es ese enfoque en cada obra lo que se convirtió en el sello musical inquebrantable de Nina.
Al final de su vida, Nina disfrutaba de un reconocimiento sin precedentes. Su música era disfrutada por las masas gracias a la revolución del CD, su descubrimiento en internet y su difusión a través del cine y la televisión. Nina había vendido más de un millón de CD en su última década, convirtiéndose en un éxito de ventas a nivel mundial.
Ningún sitio web puede explorar por completo los múltiples matices y matices que conformaron los más de 40 álbumes originales de Nina Simone. Este sitio contiene la mayoría de sus mejores obras y menciones en la prensa. Sin embargo, quizá no hubiéramos tenido la oportunidad de presenciar la impresionante variedad de material que Nina pudo abarcar si no hubiera tomado el camino que tomó.
Nacida Eunice Kathleen Waymon en Tryon, Carolina del Norte, el 21 de febrero de 1933, el prodigioso talento musical de Nina se hizo evidente desde muy joven, cuando empezó a tocar el piano de oído a los tres años. Su madre, ministra metodista, y su padre, manitas y predicador, no podían ignorar el don musical que Dios le había dado a la joven Eunice.
Criada en la iglesia, en el buen camino, sus padres le enseñaron a distinguir el bien del mal, a comportarse con dignidad y a trabajar duro. Tocaba el piano, pero no cantaba, en la iglesia de su madre, mostrando un talento extraordinario desde muy joven.
Capaz de tocar prácticamente cualquier instrumento de oído, pronto estudió música clásica con una inglesa llamada Muriel Mazzanovich, quien se había mudado a la pequeña ciudad sureña. Fue a partir de estas humildes raíces que Eunice desarrolló una pasión que perduró por Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms, Beethoven y Schubert.
Después de graduarse como la mejor estudiante de su clase de la escuela secundaria, la comunidad recaudó dinero para una beca para que Eunice estudiara en Julliard en la ciudad de Nueva York antes de postularse al prestigioso Instituto de Música Curtis en Filadelfia.
Su familia ya se había mudado a la Ciudad del Amor Fraternal, pero las esperanzas de Eunice de una carrera como pianista clásica afroamericana pionera se vieron frustradas cuando la escuela le negó la admisión.
Hasta el final, ella misma afirmaría que el racismo fue la razón por la que no asistió. Aunque su sueño original no se cumplió, Eunice culminó con una increíble carrera internacional como Nina Simone.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con To Love Somebody, en vivo en Antibes, en 1969, y My baby just cares for me.
William Ballard Doggett, más conocido como Bill Doggett, nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 16 de febrero de 1916, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 13 de noviembre de 1996. Compositor, pianista y organista.
William Ballard Doggett, más conocido como Bill Doggett, fue un pianista y organista estadounidense especializado en jazz y rhythm & blues. Colaboró con Ink Spots, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Louis Jordan, y fue reconocido por sus canciones de rock instrumental "Honky Tonk" y "Hippy Dippy".
A pesar de recibir numerosas solicitudes para actuar en clubes de rock & roll de todo el país, Doggett se mantuvo comprometido con el jazz y el R&B con base de órgano que había estado interpretando desde la década de 1930. Grabó para Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount y Sue después de continuar grabando para el sello King con sede en Cincinnati hasta 1960. En 1995, grabó como miembro y productor de Bluesiana Hurricane, un conjunto estelar de jazz y R&B.
El 16 de febrero de 1916, Doggett nació en Filadelfia. De niño, Doggett sufrió la pobreza. Su familia no podía permitirse clases cuando quiso aprender a tocar la trompeta. Su madre (pianista de iglesia) lo convenció de que probara con el teclado, y rápidamente aprendió a tocar el instrumento. A los 15 años, fundó su primera banda, los Five Majors, y fue aclamado como un niño prodigio.
Mientras aún cursaba la secundaria, Doggett formó parte de la Jimmy Gorman Band, la orquesta del foso del Gran Teatro Nixon. En 1938, se convirtió en el líder del grupo. Sin embargo, su tiempo con la orquesta fue breve, ya que la vendió a Lucky Millinder, con quien trabajó de forma intermitente durante los cuatro años siguientes. En 1939, debutó con las canciones de Millinder "Little Old Lady From Baltimore" y "All Aboard". También colaboró con Frank Fairfax y Jimmy Mundy, arreglista.
Doggett continuó trabajando principalmente como músico acompañante a pesar de formar un conjunto de corta duración con el arreglista de Benny Goodman, Jimmy Mundy, a finales de 1939. Continuó creando melodías para la banda de Count Basie y girando y/o grabando con Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton después de tocar el piano y hacer arreglos con los Ink Spots de 1942 a 1944. Apareció en las populares composiciones "Saturday Night Fish Fry" y "Blue Light Boogie" después de reemplazar a Wild Bill Davis en la banda de Louis Jordan en 1947.
Durante las sesiones de grabación de Ella Fitzgerald en junio de 1951, debutó como organista. Doggett formó su propia banda y firmó con King Records. Su grabación más conocida es "Honky Tonk", una canción de rhythm and blues de 1956 que vendió cuatro millones de copias y fue coescrita por Billy Butler. Durante casi dos meses, la canción encabezó la lista Billboard de R&B en Estados Unidos. Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton se encontraban entre los directores de banda e intérpretes para quienes realizó arreglos.
Doggett debutó con su propio combo dirigido por órgano en el Baby Grand de Nueva York en junio de 1952, y grabó más de una docena de sencillos antes de alcanzar el oro con "Honky Tonk" cuatro años después.
Bill Doggett tuvo un total de 5 éxitos en la lista Billboard 100, y tuvo 4 canciones que llegaron al Top 40 de la lista Hot R&B/Hip-Hop Billboard, con la canción "Hold It" encabezando la lista como número 3 y permaneciendo 15 semanas en la lista.
Doggett, residente de Long Island desde hace mucho tiempo, murió tres días después de sufrir un ataque cardíaco el 13 de noviembre de 1996.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Honky Tonk.
Maceo Parker nació en Kinston, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 14 de febrero de 1943. Cantante, compositor, flautista, saxofonista y director de orquesta.
Maceo Parker: su nombre es sinónimo de música funky, su pedigrí impecable; su banda: la orquesta de funk más compacta del planeta.
Es bien sabido que Maceo ha tocado con todos los líderes del funk: sus inicios con James Brown, que Maceo describe como "como estar en la universidad"; su participación en la nave nodriza con George Clinton; y su participación continua en las giras de Prince. Es el pulso viviente que conecta la historia del funk con un hilo conductor. La clave que desenreda la música dance hasta su esencia.
"Todo está en marcha para Maceo", concluyó la revista DownBeat en un artículo de 1991 al inicio de la carrera solista de Maceo Parker. En aquel entonces, Maceo era recordado por los aficionados al funk como acompañante; apreciado principalmente por los entendidos. Durante las últimas dos décadas, Maceo Parker ha disfrutado de una fulgurante carrera solista, construyendo un nuevo imperio funk, fresco y estilísticamente diverso. Navega con destreza entre el soul de James Brown de los 60 y el funk freak de George Clinton de los 70, mientras explora el jazz más suave y los ritmos del hip-hop.
Sus colaboraciones a lo largo de los años incluyen a Ray Charles, Ani Difranco, James Taylor, De La Soul, Dave Matthews Band y los Red Hot Chilli Peppers. Su sonido atemporal le ha ganado una joven y fresca base de fans.
Es casi imposible distinguir qué vino primero, Maceo o el funk. El asombroso P-funk Parker lleva años con su legendario sonido, que se remonta a la década de 1960. Fue entonces cuando Maceo y su hermano, el baterista Melvin, se subieron al tren del funk soul funk de James Brown. No pasó mucho tiempo antes de que James acuñara la frase invocadora del solo: "¡Maceo, quiero que explotes!". Para la mayoría de los musicólogos, es el grupo musicalmente fértil de este período de la banda de James Brown el que se reconoce como los pioneros del funk y el hip-hop modernos, cuyos sonidos aún hoy nos fascinan.
Maceo se convirtió en el eje central del enclave de James Brown durante casi dos décadas. Su estilo característico ayudó a definir el estilo funk de James, y la frase: "¡Maceo, quiero que soples!" se popularizó. Sigue siendo el músico más sampleado del momento simplemente por la calidad única de su sonido.
Tuvo otros proyectos y breves pausas durante su intermitente etapa con El Padrino, incluyendo una breve estancia en el extranjero cuando fue reclutado, y en 1970, cuando se marchó para formar Maceo and All the Kings Men con otros miembros de la banda de James Brown (los dos álbumes de este período se reeditan constantemente incluso treinta años después).
El tío de Maceo, líder de una banda local, los Blue Notes, fue su primer mentor musical. Los tres hermanos Parker (Maceo, Melvin y el trombonista Kellis, que más tarde se convertiría en profesor de Derecho del Entretenimiento en la Universidad de Columbia) formaron los "Junior Blue Notes". Cuando Maceo llegó a sexto grado, su tío trajo a los Junior Blue Notes para que tocaran entre conciertos en sus clubes nocturnos. Fue la primera experiencia de Maceo sobre un escenario y la que dio inicio a su pasión por la interpretación, una pasión que ha aumentado en lugar de disminuir con el tiempo.
Maceo creció admirando a saxofonistas como David "Fathead" Newman, Hank Crawford, Cannonball Adderley y King Curtis. "Estaba loco por Ray Charles y toda su banda, y por supuesto, en particular por los trompetistas". A los 15 años, Maceo ya había forjado su propio estilo con el saxo tenor. "Pensé en 'Maceo Parker interpretando a Charlie Parker', y luego pensé: '¿Qué tal Maceo Parker interpretando a Maceo Parker?', ¿cómo sería tener jóvenes saxofonistas escuchándome e imitando mi estilo?". Así nació el "sonido Maceo" que tan bien conocemos.
A mediados de los 70, Maceo se asoció con George Clinton y las diversas encarnaciones de Funkadelic, Parliament y Bootsy Collins. Ya había trabajado con las figuras más representativas del funk en la cúspide de su éxito. Desde los impresionantes conciertos de James Brown hasta el aterrizaje de la nave nodriza, Maceo ha estado presente: lo más cerca posible de algunos de los momentos más emocionantes de la historia de la música, ofreciendo su sonido como un referente constante.
En 1990 llegó la oportunidad para Maceo de concentrarse en sus propios proyectos. Lanzó dos exitosos álbumes en solitario: Roots Revisited (que estuvo 10 semanas en la cima de las listas de jazz de Billboard en 1990) y Mo' Roots (1991). Pero fue su tercer álbum en solitario, el innovador CD de Maceo, Life on Planet Groove, grabado en vivo en 1992, el que pronto se convirtió en un favorito de los fanáticos del funk. Planet Groove también sirvió como tarjeta de presentación, impulsando la carrera contemporánea de Maceo como solista para un público universitario y dando vida a su lema "2% Jazz, 98% Funky Stuff".
Y así comenzó la incansable gira de Maceo como cabeza de cartel. Llevando su banda de primera categoría, sólida y sólida, y sus espectáculos superlargos a personas de todo el mundo. "Siento que es mi deber como artista ir a tantos lugares como pueda, especialmente si la gente lo quiere", dice el nativo de Carolina del Norte de voz suave. No sale al escenario con un pañal o una capa de terciopelo ondulante, ni naves espaciales gigantes ni 50 personas séquitos, nada más que el núcleo de su alma musical que abre cada vez que toca su trompeta.
En 2003, después de varios años como líder de banda para los premios Rhythm and Blues Foundation, Maceo recibió un premio Pioneer de la Rhythm and Blues Foundation por su contribución como músico acompañante al género de R & B.
Desde 1999, Maceo ha participado en algunas de las giras innovadoras de Prince cuando no está de gira con su propio grupo, y continúa haciéndolo como invitado especial cuando su propia agenda se lo permite.
Los álbumes de Maceo Funk Overload, Dial MACEO y Made by Maceo ingresaron al top 40 en las listas europeas tras su lanzamiento. Dial MACEO presenta apariciones especiales de la Maestra de la música folk Ani DiFranco, Prince y un James bastante diferente del que hemos llegado a asociar con Maceo: James Taylor, mientras que School's In de 2005 es tan Funky como un álbum de estudio puede ser.
A principios de 2007, Maceo tuvo la oportunidad de cumplir uno de sus sueños: trabajar con una Big Band. Con la WDR Big Band de Colonia, Alemania, ganadora de premios Grammy, transmitió y realizó una serie de conciertos en vivo en homenaje a Ray Charles y lanzó el álbum "Roots and Grooves", una grabación en vivo de estos conciertos, en la que también participan Dennis Chambers y Rodney "Skeet" Curtis. El álbum recibió una gran aclamación de la crítica, y Maceo ha publicado una grabación que se lanzará en 2012: Soul Classics. Junto con la WDR Big Band, el álbum cuenta con la participación de la baterista Cora Dunham Coleman y el bajista Christian Mcbride.
En julio de 2012, Maceo recibió Les Victoires du Jazz en París: un premio a la trayectoria por su contribución a la música. Ese mismo fin de semana recibió el Premio Icono en el Festival de Jazz del Mar del Norte de Róterdam, con la siguiente inscripción:
«Maceo Parker, creador musical e intérprete de talla mundial durante casi cincuenta años, se distingue por su excepcional musicalidad y maestría. El inspirado e infatigable saxofonista ha dejado una huella imborrable en el soul, el funk y el jazz.
El sonido único de James Brown tiene una deuda considerable con el talento y la inspiración de Maceo Parker, y Brown lo reconoció abiertamente. El nombre de Parker se inspiró en las letras de Brown: "¡Maceo, toca tu trompeta!". Prince también se quita el sombrero ante Parker, al que llama "El Maestro".
Maceo Parker no solo ha creado una increíble cantidad de música, sino que ha dejado su huella en una gran variedad de géneros musicales. A través de su colaboración con artistas de soul y jazz como James Brown, George Clinton y Bootsy Collins, así como con formaciones pop como Living Colour, Bryan Ferry, The Red Hot Chili Peppers y The Dave Matthews Band, Maceo Parker ha entretenido a un amplio público con su singular sonido de saxofón. La música de Parker... Es una importante fuente de inspiración en el mundo del hip hop. Es uno de los músicos más sampleados del mundo.
La música de Maceo Parker integra una gama de géneros, desde el soul, el funk y el jazz hasta el rhythm and blues, manteniendo el respeto por la tradición.
Como saxofonista, cantante, compositor y líder de banda, Maceo Parker se ha distinguido a través de una amplia gama de proyectos, CD, conciertos y festivales internacionales. Parker actúa regularmente con Prince, a menudo acompañado por Candy Dulfer. Da lo mejor de sí en el escenario, donde muestra su energía y pasión desbordantes y su capacidad para cautivar al público con su sonido.
Todas las cualidades de un ícono se unen en Maceo Parker, y el jurado se enorgullece de otorgarle el Premio Ícono de Radio 6 2012.Maceo recibirá el Premio Nacional de Patrimonio de Carolina del Norte de su estado natal en mayo de 2016.
"Dado el sentido de inventiva de Parker y la fuerza emocional imperecedera de clásicos de Charles como "Busted" y "Hit the Road Jack", cualquiera podría haber esperado que esta fuera una pareja de ensueño. Pero es más que eso, porque Parker también canta con una perfección grave, al estilo de Charles, en estas dos canciones, y aún más conmovedora en "You Don't Know Me", "Margie" y la mágicamente melancólica "Georgia on My Mind". Charles pudo haber sido declarado muerto en 2004, pero revive a través de Parker de maneras inquietantes y maravillosas."
All Music Guide
"Maceo le dio un giro funk complejo al famoso apellido Parker, tocando su instrumento más como un tambor que como un instrumento melódico. El resultado es un estilo increíblemente percusivo, que obliga a todos los que lo escuchan a bailar como locos. Sin duda, nadie toca el saxofón alto como Maceo Parker, y probablemente nadie lo volverá a hacer. Nunca ignorando a Melody Parker, nos seduce dulcemente en una canción, solo para hacernos saltar de la emoción en la siguiente con una ferocidad Funkalicious. En resumen... si quieres bailar con personas del sexo opuesto sin invitarlas, ve a un concierto de Maceo Parker. Una vez allí, de repente te das cuenta de que esta es una de las razones por las que estás vivo en este planeta... ser transportado a un lugar donde tu mente deja de pensar mientras escuchas, te mueves y experimentas pura alegría.
Dave Todoroff
No es un bebopper, ni renacido ni nada por el estilo. Sus raíces son la iglesia y el blues... su sonido es alegre, una cinta de luz y calor, bruñida por la fuerza y el alma. Su ataque, basado en riffs, es melódico, desenreda y reestructura temas en lugar de acordes continuos, y principalmente rítmico, apoyándose en sutiles matices de ritmo y desplazamiento para comunicarse; algo así como la voz de su jefe de toda la vida, por sorprendente que parezca. No hay duda: «Solo hay un Maceo».
Gene Santoro, Downbeat Magazine
Cuando la gente habla de leyendas, se refieren a que 'ya terminaron, pero vaya si lo hicieron bien'. Cuando pienso en Maceo Parker, pienso en un legendario maestro del funk y trompetista, pero no en una 'leyenda' en el sentido de que ya terminó. Sigue haciéndolo. Y eso, para mí, lo convierte en una persona realmente legendaria.
Ani DiFranco
A continuación, celebramos su cumpleaños, con una presentación en vivo en el North Sea Jazz Festival 2012. Maceo Parker, voz, flauta, saxofón; Corey Parker, y Martha High, en coros; Lee Hogans en trompeta; Troy 'Trombone Shorty' Andrews, en trombón; Bruno Speight, en guitarra; Will Boulware, en teclados; Rodney "Skeet" Curtis, en bajo; y Marcus Parker en batería.
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