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Brian Frederick Arthur Hines, más conocido como Denny Laine, nació en Birmingham, Reino Unido, el 29 de octubre de 1944, y murió en Naples, Florida, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 2023. Cantante, compositor y multiinstrumentista. Tocaba guitarra, bajo, flauta, piano, teclados, percusión y armónica.
El sitio www.theguardian.com publicó este recordatorio firmado por Adam Sweeting
Obituario de Denny Laine
Cantante, guitarrista y cofundador de los Moody Blues en la década de 1960, que posteriormente cosechó éxitos con la banda Wings de Paul McCartney.
Adam Sweeting / Miércoles 6 de diciembre de 2023, 16:04 GMT
Denny Laine, que falleció a los 79 años a causa de una enfermedad pulmonar, era conocido principalmente por haber sido miembro durante mucho tiempo de la banda Wings de Paul McCartney desde 1971 hasta 1981.
Contribuyó con voces, guitarras, percusión y teclados en los siete álbumes de estudio de la banda, desde su debut Wild Life (1971) hasta Back to the Egg (1979), incluyendo Band on the Run (1973), un éxito en las listas de popularidad a ambos lados del Atlántico que generó grandes éxitos con los sencillos Jet y la canción que da título al álbum, y que a menudo se cita como el momento cumbre de Wings.
Sin embargo, antes de unirse a McCartney, Laine ya había disfrutado de diversas experiencias musicales. En 1964, se unió a Mike Pinder y Ray Thomas para formar The Moody Blues, quienes inicialmente interpretaban versiones de temas de blues antes de virar hacia un estilo más pop. El éxito llegó rápidamente: su versión de "Go Now" (previamente grabada por la cantante estadounidense Bessie Banks, con Laine como vocalista principal y guitarrista) alcanzó el número uno en las listas británicas en 1964 y también entró en el Top 10 de Estados Unidos.
La etapa de Laine con la banda terminó en 1965 tras el lanzamiento de su álbum debut, The Magnificent Moodies, cuando renunció debido a una disputa financiera con su compañía discográfica. «Como a todas las demás bandas, nos estafaron», dijo. «Conseguimos la fama, pero no el dinero». Los Moody Blues reclutaron a Justin Hayward y John Lodge, y alcanzaron un enorme éxito internacional.
Posteriormente, Laine realizó algunos experimentos psicodélicos con su grupo Denny Laine & the Electric String Band, cuyo uso de un violonchelo amplificado y un cuarteto de violines anticipó el enfoque que más tarde adoptarían su paisano de Birmingham, Roy Wood, y Electric Light Orchestra. Sin embargo, el grupo no logró tener éxito comercial, a pesar de las buenas críticas. Tras pasar un tiempo en España aprendiendo guitarra clásica de forma autodidacta, en 1969 se unió a Balls, junto al antiguo guitarrista de The Move, Trevor Burton.
A pesar de estar dirigido por el ingenioso empresario Tony Secunda, Balls fracasó en medio de una serie de cambios de personal. Entonces, Laine fue reclutado como guitarrista principal y vocalista de Ginger Baker ’s Air Force, el grupo de jazz-rock formado por el ex baterista de Cream y Blind Faith.
La formación original incluía a figuras tan destacadas como Steve Winwood y Graham Bond, aunque tras generar gran expectación en la prensa musical, Air Force se disolvió después de una desastrosa gira por Estados Unidos. Su siguiente parada fue Wings.
Brian Hines Laine nació en Tyseley, Birmingham, hijo de Eva (de soltera Bassett) y Herbert Hines, y asistió a la escuela secundaria Yardley. Allí comenzó a aprender a tocar la guitarra, y una de sus principales inspiraciones fue el guitarrista de jazz Django Reinhardt. Tras su primera actuación en solitario a los 12 años, formó su primera banda, Denny Laine and the Diplomats, con el baterista Bev Bevan, quien más tarde se unió a Electric Light Orchestra.
No fue hasta 1971 que Laine finalmente encontró un lugar estable con McCartney. Ambos se conocían desde que los primeros Moody Blues habían estado de gira con los Beatles, y McCartney también había visto a Laine como telonero de Jimi Hendrix en el teatro Saville de Londres. "Le impresionó verme intentar hacer algo diferente en el escenario con mi Electric String Band, y como nos hicimos amigos, eso lo inspiró a llamarme porque quería hacer algo nuevo y diferente", dijo Laine.
Pronto se encontró en Escocia con Paul y Linda McCartney y el baterista Denny Seiwell, trabajando en el material para el álbum debut de Wings. El mundo luchaba por adaptarse a un McCartney sin los Beatles, y el álbum recibió críticas poco entusiastas, aunque alcanzó el puesto número 11 en las listas del Reino Unido y el número 10 en Estados Unidos.
Lo mejor estaba por venir con Red Rose Speedway (1973), que alcanzó el número uno en la lista de álbumes de Estados Unidos y el número 5 en el Reino Unido, mientras que Band on the Run, su tercer álbum, fue un éxito rotundo, llegando al número uno en ambos países. Grabado en condiciones bastante rudimentarias en Lagos, Nigeria, y con Seiwell y el guitarrista Henry McCulloch habiendo abandonado la banda antes de que comenzara la grabación, se compuso en medio de un caos creativo.
“Básicamente, solo éramos Paul y yo grabando las pistas de acompañamiento”, recordó Laine. “Fue una forma más relajada de grabar un álbum que si entraras con una banda y tuvieras que componer todas esas partes. Nos vimos obligados a hacerlo como último recurso porque dos de los chicos no vinieron a Lagos”.
En total, cuatro álbumes de Wings alcanzaron el número uno en las listas estadounidenses y dos lo hicieron en el Reino Unido. La banda también logró 24 sencillos que entraron en el Top 40 en Estados Unidos y 20 en Gran Bretaña, además de seis sencillos que llegaron al número uno en Estados Unidos. Su único sencillo que alcanzó el número uno en el Reino Unido fue «Mull of Kintyre» (1977), en el que Laine figuró como coautor (uno de los varios créditos que obtuvo durante su carrera con Wings).
Sin embargo, esto resultó ser motivo de controversia, ya que solo se le pagó una tarifa fija por su contribución y, por lo tanto, no participó en los derechos de autor generados por un disco que vendió más de 2 millones de copias en Gran Bretaña y que sigue siendo el sencillo no benéfico más vendido del Reino Unido.
Laine también se mostró disgustado por el arresto de McCartney por posesión de marihuana en Japón en 1980, lo que provocó la cancelación de la gira japonesa de Wings y un viaje posterior a Estados Unidos, causando importantes pérdidas financieras.
En diciembre de 1980, Laine publicó el álbum Japanese Tears, su tercer trabajo en solitario, pero permaneció con McCartney mientras este grababa su propio álbum en solitario, Tug of War (1981), antes de presentar su renuncia. En total, Laine grabó otros nueve álbumes en solitario, siendo el último de ellos The Blue Musician (2008).
De 1997 a 2002, realizó giras con World Classic Rockers, un grupo de veteranos del rock liderado por Nick St Nicholas de Steppenwolf. También realizó giras con sus propias bandas, interpretando canciones de Wings y The Moody Blues, y ofreció una serie de conciertos con una interpretación completa de Band on the Run. En 2018, ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Moody Blues.
A Laine le sobreviven su tercera esposa, Elizabeth Mele, con quien se casó a principios de este año, y cinco hijos: un hijo y una hija, Laine y Heidi Jo, de su primer matrimonio, en 1978, con la cantante estadounidense Jo Jo Laine (de soltera Joanne LaPatrie), que terminó en divorcio; y tres hijos, Damian, Ainsley y Lucianne, de otras relaciones.
Denny Laine (Brian Frederick Hines), músico y compositor, nació el 29 de octubre de 1944 y falleció el 5 de diciembre de 2023.
Este artículo fue modificado el 15 y el 20 de diciembre de 2023 para añadir más información sobre los familiares supervivientes y para corregir el lugar de nacimiento de Laine: nació en Birmingham, y no en las Islas del Canal, como se indicaba en una versión anterior.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, junto con Paul McCartney y Wings, en Go Now y Deliver Your Children.
KK Downing, junto con el bajista Ian Hill, es miembro fundador de la legendaria banda británica de heavy metal Judas Priest. Tocó la guitarra con la banda durante 40 años, retirándose finalmente antes de su gira "Epitaph" en 2011. Durante esos 40 años, Priest creó varios himnos del metal atemporales, desde "Victim Of Changes" y "Hell Bent For Leather" hasta "Breaking The Law" y "Painkiller". Para 2011, Priest había vendido más de 45 millones de discos en todo el mundo. Downing, junto con el otro guitarrista de Priest, Glenn Tipton, establecieron los estándares de la guitarra en el heavy metal. Su sonido distintivo se convirtió en un sello distintivo del género, con el estilo más salvaje y blusero de KK complementando a la perfección la producción melódica de Tipton. Sus clásicos solos gemelos y riffs demoledores son una de las piezas más tocadas en las salas de ensayo de los jóvenes guitarristas de hoy en día.
1951-1981
Kenneth Downing nació el 27 de octubre de 1951 en West Bromwich, Inglaterra. Durante su juventud, el joven guitarrista quedó cautivado por el sonido de la guitarra de nuevos guitarristas legendarios como Jimi Hendrix, John Mayall y Eric Clapton.
“Hendrix era mi ídolo. Era absolutamente increíble y no creo que jamás haya nadie como él.”
Ken consiguió su primera guitarra acústica por 10 libras que había ahorrado de sus ganancias anteriores. “Una vez que la conseguí, logré comprar un libro de acordes. En ese entonces, solía juntarme con algunos amigos que básicamente hacían lo mismo que yo. Nos sentábamos todos en casa de alguien por las noches y había una pequeña rivalidad para ver quién podía recordar más acordes. Creo que yo era el que lograba hacer un acorde con cejilla correctamente. Así fue como empecé, y en cierto modo estuvo bien, ¡aunque esos acordes con cejilla eran un suplicio! No pasó mucho tiempo antes de que quisiera tener una guitarra eléctrica, porque eso era lo que todos esos chicos tocaban en los discos. Así que, como no podía permitirme una de verdad, me hice la mía con algunas piezas sueltas: Watkins Rapiers y cosas así”.
Después de ahorrar más, Ken compró un amplificador Marshall y estaba listo para empezar. Todavía quería tener una guitarra eléctrica de verdad y un par de años después pudo comprar una Gibson SG. “Siempre quise una Flying V, pero tuve que esperar un tiempo antes de poder conseguir una”, recuerda.
Su pasión por la música finalmente lo llevó a ser expulsado de casa a la temprana edad de 15 años. Abandonó la escuela al mismo tiempo y concentró todas sus energías en tocar la guitarra rock. Pronto formó una banda con su amigo de la secundaria, Ian Hill, y juntos continuaron ensayando intensamente, componiendo canciones y perfeccionando su actuación. La primera formación incluía a Al Atkins en la voz, Ken en la guitarra, Ian en el bajo y John Ellis en la batería. Musicalmente, la banda provenía del blues eléctrico y las influencias de Hendrix en Ken se veían y oían claramente en el material inicial del grupo. Su primer concierto fue en St. John's Hall en Essington el 16 de marzo de 1971. Desde el principio, el grupo quiso obtener reconocimiento por sus propios méritos, por lo que, además de sus propias composiciones, solo interpretaron algunas versiones poco conocidas.
KK: “Éramos aventureros y tratábamos de alejarnos de las estructuras básicas de doce compases, porque nos gustaba más el rock progresivo. La mayoría de las otras bandas de la zona se aferraban a lo mismo. En todo caso, nos parecíamos más a Cream o Black Sabbath”.
La vida de gira era dura y los ingresos no eran precisamente buenos, por lo que Al Atkins dejó la banda en 1973, llevándose consigo al segundo baterista, Chris “Congo” Campbell. Para un nuevo vocalista, la novia de Ian Hill, Sue Halford, sugirió a su hermano, Rob. Ken visitó a Rob una noche y lo escuchó cantar un disco de Doris Day, lo que causó una gran impresión en el joven guitarrista. En ese momento, con la posible excepción de Ian Gillan de Deep Purple, nadie en el heavy rock hacía falsetes tan agudos. Rob fue reclutado en el acto y poco después incorporó al baterista John Hinch de su anterior banda, Hiroshima, y los recién formados Judas Priest se dispusieron a pasar la mayor parte de 1973 y 1974 de gira. Tocaban prácticamente en todas partes de la región de Midlands, y poco a poco se fueron expandiendo hacia el sur del país, Londres y, finalmente, otras partes de Europa. Aunque el público era receptivo, conseguir un contrato discográfico resultó ser una tarea difícil. Finalmente, un pequeño sello subsidiario, Gull Records, le ofreció un contrato a Priest justo antes de una gira por Escandinavia.
Al mismo tiempo, Ken también comenzó a usar un nombre artístico abreviado: KK.
Las iniciales nacieron durante la gira europea de Priest cuando una chica en Dinamarca no pudo pronunciar el nombre de Downing y simplemente lo llamó KK. El nombre se quedó. Antes de que comenzaran las sesiones de grabación, Gull insistió en que la banda añadiera un segundo guitarrista para mejorar el sonido. Glenn Tipton se unió procedente de The Flying Hat Band y así se completó el núcleo de Judas Priest. A mediados de los 70 era algo inusual tener dos guitarristas principales, por lo que incluso en sus inicios Priest exploraba nuevos territorios.
El álbum debut de Judas Priest, sin embargo, dejó entrever poco del futuro ataque de guitarras de Downing y Tipton. "Rocka Rolla" era una mezcla de sus influencias de los setenta y aún no reflejaba su deseo de evolucionar hacia un sonido hard rock más melódico. Tampoco tuvo mucho éxito en las listas, pero la banda, a pesar de ello, siguió adelante con sus giras constantes.
Sin embargo, con su segundo y último álbum para Gull, “Sad Wings Of Destiny”, Judas Priest demostró ser una fuerza a tener en cuenta. Hoy universalmente aceptado como uno de los álbumes pioneros del heavy metal, “Sad Wings” incluyó una primera muestra de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico en forma de “The Ripper” y “Tyrant”. También contenía el que probablemente sea el clásico más querido de la banda, “Victim Of Changes”, una canción originalmente conocida como “Whiskey Woman” y que la banda ya tocaba mucho a principios de los setenta. Después de unirse, Rob y Glenn habían añadido sus propias contribuciones. KK hizo uno de sus solos más famosos en medio de la canción, el estilo de palanca de vibrato se convertiría más tarde en su sello distintivo.
Si bien artísticamente “Sad Wings Of Destiny” fue un triunfo, financieramente Priest estaba en una mala racha. La compañía discográfica no pudo promocionar a la banda como necesitaba en ese momento. También se estaban produciendo cambios en la formación, ya que el baterista Hinch se había marchado para entonces. En los años setenta, la banda tuvo cinco bateristas diferentes antes de decantarse por Dave Holland, antiguo miembro de Trapeze.
KK admitió: “Sabía que no sería feliz hasta que Priest lo lograra. Desde el principio, mi objetivo era alcanzar el éxito con la banda, sin importar lo difícil que fuera. Creo que todos sentíamos lo mismo porque no era algo a lo que pudiéramos renunciar de repente”.
Una nueva dirección y un nuevo contrato discográfico mundial con CBS Records finalmente llegaron y salvaron la situación. "Sin After Sin" se grabó a principios de 1977 y, además, le dio un toque especial al sonido de Priest con la potente canción de apertura "Sinner", que contenía otro solo de guitarra fulminante de KK Downing, la igualmente arrolladora "Starbreaker" y una de las canciones de metal más pesadas de la época, "Dissident Aggressor", que se mantuvo hasta el final. La banda también grabó una de sus primeras versiones, "Diamonds And Rust" de Joan Baez. Al igual que otras versiones que Priest grabó en los años siguientes, muchos las consideran hoy en día temas originales de Judas Priest. El sello que dejaron en canciones como "Diamonds And Rust" fue sin duda fuerte, ya que la grabación de Baez estaba muy alejada de cualquier cosa que se pareciera al heavy metal. Sin embargo, eso es exactamente lo que era la versión de Priest.
Durante 1977, Judas Priest conquistó nuevos territorios con su gira debut por Estados Unidos, que culminó con dos conciertos al aire libre en Oakland como teloneros de Led Zeppelin. En cuanto a los álbumes, "Stained Class" se lanzó a principios de 1978 y "Killing Machine" (titulado "Hell Bent For Leather" en Estados Unidos) más tarde ese mismo año, año en el que la banda también visitó Japón por primera vez. Los fans japoneses recibieron a Judas Priest con entusiasmo e inspirados por ello, lanzaron al año siguiente el álbum en directo "Unleashed In The East", grabado durante su segunda gira por el Lejano Oriente. Este lanzamiento en directo ha alcanzado desde entonces la categoría de clásico y sigue siendo uno de los documentos esenciales del heavy metal en directo. En el escenario, KK y Glenn habían perfeccionado su estilo de guitarra y Judas Priest ya se había consolidado con su clásico look de cuero y tachuelas. Visualmente, esto añadió una nueva dimensión, especialmente gracias a Rob Halford, quien más tarde recibiría el título de "Dios del Metal".
Al comenzar la nueva década, Judas Priest estaba a punto de dar el gran salto. Estados Unidos les había brindado una cálida bienvenida y el hecho de haber teloneado a bandas de gran éxito como Kiss les había granjeado un público nuevo. Sin embargo, en su tierra natal, el Reino Unido, se gestaba un nuevo movimiento. Como respuesta al punk, la "Nueva Ola del Heavy Metal Británico" (abreviada como NWOBHM) lo tenía todo: guitarras afiladas como navajas, melodías pegadizas, el sonido característico de los "kerrang", voces potentes, ritmos contundentes, etc. "El punk se descontroló por completo aquí", recuerda KK. "En aquel entonces, UFO y Judas Priest eran las únicas bandas de metal que seguían de gira; las demás decidieron no hacerlo o se fueron a otro sitio. Nosotros solo intentábamos sobrevivir".
Para liderar la ola de la NWOBHM, Judas Priest lanzó "British Steel" en 1980 y alcanzó rápidamente el número 4 en su país natal. Muchos aún lo consideran el momento cumbre de Priest, y sin duda tenían razón. Himnos magníficos como "Breaking The Law", "Metal Gods", "Grinder" y "United" siguen presentes en sus conciertos. Con "Living After Midnight" lograron su primer éxito potencial, alcanzando el puesto número 12 en las listas del Reino Unido. "Breaking The Law" y "United" también se convirtieron en sencillos exitosos posteriormente.
En agosto de 1980, Judas Priest actuó en la primera edición del festival Monsters Of Rock en Donington Park y, desde allí, se dirigió directamente a Ibiza para comenzar a trabajar en el sucesor de "British Steel".
1981-1989
“Point Of Entry” apareció en primavera y, aunque no fue tan potente al instante como “British Steel”, incluyó varios temas para hacer headbanging, como el rockero tema de apertura “Heading Out To The Highway” y el excelente “Desert Plains”. En la gira por Estados Unidos, la banda tocó en salas más grandes que nunca, lo que indicaba claramente que algo estaba sucediendo. Esto se hizo realidad cuando el grupo lanzó su siguiente álbum, “Screaming For Vengeance”.
Liderado por el devastador ataque de dos por dos de “The Hellion/Electric Eye” y “Riding On The Wind”, el LP estaba hecho para ser escuchado a todo volumen. Desde la emotiva “Fever” hasta la arrolladora canción que da título al álbum y el pegadizo sencillo “You've Got Another Thing Comin'”, el álbum fue el sueño de cualquier fan del metal. Pesado y melódico a la vez, las guitarras dominaban el campo con KK y Glenn en plena forma.
“Screaming For Vengeance” catapultó a la banda al éxito en Estados Unidos, alcanzando ventas que llegaron al doble platino. El videoclip de “You've Got Another Thing Comin'” se emitía constantemente en el nuevo canal de música MTV. La gira “World Vengeance” continuó su ascenso meteórico y, para el año siguiente, habían conquistado todos los rincones de Estados Unidos.
“Todos los días recibíamos informes de ventas de la discográfica y nos sorprendía lo que estaba sucediendo”, afirma KK. “El álbum alcanzó el disco de oro hacia el final de la primera etapa de la gira. Creo que el disco despegó porque parecía tener todos los ingredientes adecuados y la gente estaba totalmente preparada para él”.
Al regresar a casa, Priest se dedicó de inmediato a la producción de su siguiente disco, "Defenders Of The Faith", que, si cabe, resultó aún más metalero que su predecesor. Tras la gira, volvieron a Europa antes de tomarse su primer descanso prolongado después de diez años de arduo trabajo. Este descanso solo se interrumpió para ofrecer un breve concierto en el festival Live Aid en el verano de 1985.
En 1986, con "Turbo", Judas Priest presentó un nuevo sonido moderno, realzado por sintetizadores de guitarra y producción digital. La acogida fue dispar, pero muchos pasaron por alto que contenía algunos de los mejores temas de la banda.
KK recuerda la época de “Turbo”: “Fue por entonces cuando Glenn y yo estábamos experimentando con todo tipo de sintetizadores de guitarra. Nos impresionaron tanto que decidimos usarlos y dejar que influyeran en el sonido y la estructura del nuevo álbum. Sabíamos que causaría controversia, pero hay que ampliar horizontes y adaptarse a los tiempos. Queríamos darle una nueva dimensión al heavy metal”.
A partir del verano de 1986, la gira "Fuel For Life" los llevó por todo el mundo y resultó ser otro éxito. Se grabaron algunos conciertos en directo para un álbum doble, "Priest…Live", que incluía exclusivamente temas de la época posterior a "Unleashed". El vídeo del concierto, del mismo nombre, se lanzó simultáneamente y fue magníficamente dirigido por Wayne Isham, y sigue siendo uno de los mejores vídeos de metal jamás publicados.
“Turbo” fue concebido originalmente como un álbum doble, y algunos de los temas reaparecieron en el lanzamiento de 1988, “Ram It Down”. Este disco fue un intento de volver a las raíces más pesadas del grupo, manteniendo intacto el toque melódico de Priest en canciones como “Blood Red Skies” y la impresionante versión del clásico de Chuck Berry, “Johnny B. Goode”.
Para los conciertos en vivo, tanto la favorita de KK, "Sinner", como la muy solicitada "Beyond The Realms Of Death" volvieron al repertorio. La gira "Mercenaries Of Metal" fue un éxito, y el grupo regresó a su tierra natal para ofrecer una serie de conciertos en Gran Bretaña, los primeros en cuatro años. Sin embargo, tras este viaje hubo cambios en la formación, ya que Dave Holland se marchó por motivos familiares y Scott Travis, de la banda estadounidense Racer X, ocupó su lugar. Además, la banda se vio obligada a comparecer ante el tribunal de Reno para defenderse de las acusaciones de mensajes ocultos en una antigua grabación. Tras el fallo judicial a su favor, Priest se preparó para entrar en los 90 con fuerza.
1990-2000
El juicio y la llegada del baterista Scott Travis inspiraron a Judas Priest a regresar con fuerza con su álbum más pesado y rápido hasta la fecha. "Painkiller" estaba repleto de solos de guitarra vertiginosos, con Downing y Tipton deslumbrando con magníficos ataques simultáneos. ¡Y encima, Rob Halford gritaba como si fuera a arrancarte la cabeza! "Painkiller" y "Metal Meltdown" tenían solos de guitarra rápidos y furiosos, sin perder de vista las melodías y armonías características de Priest.
“Ese álbum fue diferente para nosotros. Era feroz y muy contundente. Pero el heavy metal estaba pasando por un momento difícil. Y en aquel entonces éramos la máxima expresión del heavy metal.”
Tras el lanzamiento de «Painkiller», Judas Priest emprendió una exitosa gira mundial que los llevó a recorrer prácticamente todos los rincones del planeta. En 1991, el álbum recibió una nominación al Grammy y, durante el verano de ese mismo año, la banda viajó por Estados Unidos como parte del festival Operation Rock'n'Roll, junto a Motörhead y Alice Cooper, entre otros. Su último concierto tuvo lugar en Toronto en agosto de 1991; este sería el último show de Judas Priest durante más de seis años y la última actuación con el vocalista Rob Halford durante casi trece años.
Tras finalizar la gira, la banda decidió tomarse un año sabático. Después de veinte años de intensa actividad, era hora de un descanso. Halford se dedicó a trabajar en un álbum en solitario, lo que finalmente lo llevó a abandonar Priesthood en 1993. Ese mismo año se publicó el álbum doble recopilatorio "Metal Works '73 – '93", que celebraba los logros de una larga trayectoria.
Desde 1994 hasta 1997, el grupo se dedicó a trabajar en material nuevo y a revisar montones de demos de todo el mundo, con muchos vocalistas aspirantes intentando conseguir una oportunidad frente al micrófono. Glenn Tipton, compañero de banda de Downing, grabó dos álbumes en solitario durante este tiempo, mientras que KK se concentró en componer material para el siguiente álbum de Priest, que prometía ser el capítulo más pesado y brutal en la historia de la banda. Priest también firmó un nuevo contrato con SPV Records (con Atlantic como distribuidora internacional) y estaba listo para empezar.
El cantante estadounidense Tim Owens pronto se unió a la banda, rebautizada rápidamente como Ripper tras su brillante audición con la misma canción, y Priest se preparó para regresar al centro de atención del metal. Finalmente lanzado en 1997, "Jugulator" fue directo al grano. Algunos fans se sorprendieron por el cambio de rumbo. Sin embargo, Priest volvía a arriesgarse y a explorar nuevos territorios musicales. KK y Glenn habían desafinado sus guitarras para el álbum y la gira posterior, por lo que incluso los viejos clásicos sonaban más pesados y brutales que nunca.
KK: “El metal había estado evolucionando, y queríamos evolucionar con él. Habían pasado siete años desde «Painkiller» y queríamos mostrar en qué punto nos encontrábamos. Además, de hecho, habíamos desafinado nuestras guitarras desde los tiempos de «Sin After Sin».”
Con Ripper ya consolidado como el nuevo líder de Priest, era el momento perfecto para un nuevo álbum en directo de la banda. Así nació "Live Meltdown '98", grabado alrededor del mundo, que incluía temas de todas las épocas de Priest y mostraba el innegable talento vocal de Owens. "Meltdown" fue quizás un disco más directo y contundente debido a los recintos más pequeños y las guitarras desafinadas. Sin embargo, la potencia arrolladora de temas como "Grinder", "Painkiller" y "Jugulator" —por nombrar solo algunos— estaba presente y fuerte. Tras una breve gira por Estados Unidos en otoño, Priest se tomó un descanso para recargar energías antes de regresar con un álbum para el nuevo milenio.
2001 – presente
El segundo álbum de la banda con SPV y Owens como vocalistas, "Demolition", se publicó en el verano de 2001. Además, llevó a la banda a experimentar con sonidos de metal moderno, algo que ya habían experimentado en "Jugulator". Sin embargo, el álbum aún presentaba algunas canciones con claras influencias del pasado de la banda, siendo dos potentes temas, "Bloodsuckers" y "One On One", buenos ejemplos de ello.
La extensa gira mundial "Demolition World Tour" llevó a la banda por todo el mundo hasta mediados de 2002. Un concierto especial en la Brixton Academy de Londres en diciembre de 2001 fue grabado para el primer DVD de conciertos completos de Priest, "Live In London", lanzado al año siguiente.
En 2003, mientras la banda se tomaba un descanso de las giras y las grabaciones, se programaron algunos eventos especiales. Se lanzó otro DVD, "Electric Eye", que recopilaba todos los videos promocionales oficiales de la banda de la era Halford en un solo disco. También se planeó una enorme caja recopilatoria, "Metalogy", para 2004. Fue en esta ocasión cuando Rob Halford volvió a formar parte de Judas Priest. Aunque los miembros de la banda ya habían hecho las paces con Halford, esta fue la primera vez que todos estuvieron juntos para tener una conversación seria. Inicialmente, todo giró en torno a "Metalogy" y otras reediciones de Priest, pero finalmente se tomó la decisión de reagruparse. La reunión de Priest se anunció oficialmente en el verano de 2003.
Desde el principio, la banda dejó claro que no se reunían simplemente para una gira nostálgica, sino que estaban totalmente comprometidos a seguir adelante con un nuevo álbum de estudio. Se finalizó un nuevo contrato con Sony y, para tantear el terreno, Priest se unió al festival anual Ozzfest en el verano de 2004 para una serie de fechas en Estados Unidos. Antes de esto, la banda había ofrecido sus primeros conciertos en casi 13 años con Rob Halford como vocalista principal, en forma de algunos conciertos al aire libre y en recintos cerrados en Europa.
Priest recibió una cálida bienvenida por parte de sus fans a ambos lados del Atlántico, y en la primavera de 2005 marcó su regreso triunfal con "Angel Of Retribution". Tanto KK como Glenn demostraron su talento con solos de guitarra de gran calidad en temas emblemáticos del metal como "Deal With The Devil", "Judas Rising" y "Hellrider". El álbum también mostró la versatilidad de Priest en canciones como la hermosa "Angel", la melódica "Worth Fighting For" y los sonidos doom del épico tema que cierra el álbum, "Lochness".
Tras el lanzamiento de «Angel Of Retribution», Judas Priest emprendió otra gira mundial que batió récords, entre cuyos momentos más destacados se encontraban varias presentaciones con entradas agotadas en el legendario Budokan Hall de Tokio. De estos conciertos se extrajo el DVD «Rising In The East», publicado a finales de 2005 tras la conclusión de la gira. En 2008, Judas Priest lanzó el ambicioso álbum conceptual «Nostradamus», que abordaba la vida y los crímenes del profeta de la Edad Media. El álbum contenía una asombrosa variedad de temas, con influencias de toda la trayectoria de la banda, especialmente de obras maestras de los años 70 como «Sad Wings Of Destiny» y «Sin After Sin».
Después de una exitosa gira para promocionar el álbum y otra para celebrar el 30 aniversario de “British Steel”, KK anunció su retiro de la banda. 40 años después del primer concierto de Judas Priest, KK reflexionó sobre su larga carrera: “Siento que Priest ha jugado su papel en la historia de la música y me siento muy orgulloso de haber logrado lo que hemos logrado. Así que hay una buena sensación positiva dentro de mí y, por supuesto, me siento muy en deuda con los fans de todo el mundo. He tenido la suerte de haber tenido una gran vida y de haber cumplido muchos objetivos, uno de los más significativos siendo las amistades que he hecho con mis fans”.
Durante su carrera como guitarrista profesional de metal, KK ha concentrado sus energías exclusivamente en Judas Priest, por lo que aún no han aparecido discos en solitario de Downing. Sin embargo, en 2006 KK coprodujo y participó como invitado en el álbum “Storm Warning” de Violent Storm tocando solos en 2 de las 10 canciones del álbum. Más recientemente, también produjo el álbum debut de la banda Hostile, originaria de Midlands, y colaboró con ellos como coautor. En 2014, lanzó su propia línea de fragancias Metal For Men.
KK: “Siempre pensé: ‘Si hiciera un álbum en solitario, ¿no sonaría igual que Judas Priest?’. Y si fuera así, ¿no estaría desperdiciando mucho buen material? Sin embargo, creo que me encantaría producir más álbumes porque creo que hay buenas bandas por ahí”.
KK Downing dejó Judas Priest en 2011.
KK en sus propias palabras:
Sobre el secreto de la composición de canciones de Priest:
“Creo que siempre nos hemos enorgullecido, ante todo, de nuestras canciones. Siempre hemos intentado crear música que perdure en el tiempo. Si escuchas los discos más exitosos de Judas Priest, ya sea «Living After Midnight» o «You've Got Another Thing Comin'», los solos de guitarra son muy sencillos. Incluso ahora, no creo que Glenn y yo tengamos nada que demostrar como guitarristas. Si pensáramos que una canción puede valerse por sí misma sin ningún solo de guitarra, no nos molestaríamos en añadirle nada.”
Sobre los homenajes y los fans:
“Hace muchos años, cuando era un mocoso que empezaba a tocar la guitarra, lo máximo a lo que podía aspirar era a salir de mi ciudad. Jamás imaginé que otras bandas dirían que nuestra música las inspiraba. Es un gran logro poder influir en otras personas. Me considero afortunado.”
Sobre el heavy metal y el papel de Judas Priest en el género:
“Nos enorgullece formar parte del género heavy metal, conocido en todo el mundo. Es un género musical que ha llegado para quedarse, porque ya sea blues, jazz, funk, música clásica, pop, o cualquier otro, el heavy metal forma parte de él. Ninguno de esos géneros desaparecerá ni se extinguirá, y el heavy metal tampoco. Estoy seguro de ello. Es algo indiscutible.”
Sobre el futuro y las metas musicales:
“Antes de morir, me gustaría ver a la banda donde se merece. Creo firmemente que la gente lleva su música consigo toda la vida. Es decir, si eras fan de Judas Priest en tu adolescencia y recuerdas tu primer encuentro sexual, tu primer cigarrillo, tu primera pinta de cerveza, tu primer coche y todas tus primeras experiencias; si Priest formó parte de eso, entonces lo más probable es que cuando tengas 100 años y estés sentado en una mecedora, sigas escuchando a Judas Priest. Yo, sin duda, seguiré escuchando heavy metal cuando sea un viejo cascarrabias. ¡Y meceré esa mecedora mucho más rápido y con más fuerza que los demás!”
A continuación, celebramos su cumpleaños, con One More Shot At Glory.
Jiles Perry Richardson Jr., más conocido como The Big Bopper, nació en Sabine Pass, Texas, Estados Unidos, el 24 de octubre de 1930, y murió en Clear Lake, Iowa, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1959. Cantante, compositor, guitarrista y disc-jockey.
El sitio www.tshaonline.org publicó este recordatorio firmado por Alan Lee Haworth.
El gran Bopper: Vida, música y legado de Jiles Perry Richardson, Jr.
Por: Alan Lee Haworth
Jiles P. Richardson, conocido como The Big Bopper, consiguió su primer éxito con "Chantilly Lace" en 1958 y se ganó un lugar trágico en la historia del rock and roll el "día en que murió la música", cuando falleció en un accidente aéreo junto a Buddy Holly y Ritchie Valens el 3 de febrero de 1959. Cortesía de los archivos de SugarHill Studios.
Richardson, Jiles Perry [Big Bopper] (1930-1959). Jiles Perry Richardson, Jr., conocido como The Big Bopper, disc jockey, compositor y cantante, nació el 24 de octubre de 1930 en Sabine Pass, Texas. Era hijo de Jiles Perry Richardson, Sr. y Elsie (Stalsby) Richardson. Solía usar las iniciales JP y, brevemente, el apodo de Jape, antes de adoptar el seudónimo de "The Big Bopper" tanto en la radio como en sus grabaciones. Es famoso por su éxito "Chantilly Lace", que alcanzó el número 6 en las listas de éxitos en 1958, y por haber fallecido en un accidente aéreo junto a Ritchie Valens y Buddy Holly.
Su familia se mudó a Beaumont cuando él era muy pequeño. En la preparatoria de Beaumont, cantaba en el coro y también jugaba en el equipo de fútbol americano. Se graduó en 1947 y se matriculó en Lamar College. Siendo aún adolescente, Richardson empezó a trabajar como locutor de radio en KTRM en Beaumont, y pronto dejó la universidad para dedicarse a ello a tiempo completo. Con el tiempo, llegó a ser director de programación sin dejar de trabajar como locutor. Su carismática personalidad en antena (un marcado contraste con la timidez natural de Richardson) lo convirtió en un locutor muy popular en la zona del Triángulo Dorado.
Richardson se vio influenciado desde joven por cantantes de country, pero pronto se adentró en el mundo del rock and roll. En 1958 viajó a los estudios Gold Star de Houston para grabar canciones para D Records, el sello de Pappy Daily. Richardson grabó su canción cómica, "Purple People Eater Meets the Witch Doctor", como la cara A de un sencillo con la esperanza de aprovechar la popularidad de otras canciones cómicas lanzadas recientemente. Para la cara B grabó "Chantilly Lace", que, según se cuenta, compuso de forma espontánea en el asiento trasero del coche mientras se dirigía a la sesión de grabación. Durante la grabación, también adoptó formalmente su apodo "The Big Bopper" como su personaje musical.
Inesperadamente, la cara B del disco, "Chantilly Lace", rápidamente captó la atención de los programadores de radio y del público, y Daily la lanzó en su sello D y posteriormente la cedió a Mercury Records para su distribución nacional. "Chantilly Lace" se convirtió en un gran éxito y finalmente alcanzó el disco de oro y el multiplatino, siendo uno de los primeros éxitos en la historia del rock and roll. Fue, con diferencia, el disco más famoso del sello D de Daily. Las canciones de las sesiones de Gold Star conformaron el único álbum de Richardson, Chantilly Lace.
Luego lanzó "Caperucita Roja" y "La boda de Big Bopper", que también fueron éxitos, pero no del mismo calibre que "Chantilly Lace". La canción de Richardson, "White Lightning", se convirtió en el primer número 1 para George Jones en 1959. Más tarde ese mismo año, su canción "Running Bear" se convirtió en un éxito número 1 para su compatriota texano Johnny Preston.
Bopper escribió alrededor de treinta y ocho canciones a lo largo de su vida y grabó veintiuna de ellas. La mayoría de sus grabaciones se clasificaron como canciones novedosas que no alcanzaron popularidad duradera. Su atractivo residía principalmente en sus extravagantes actuaciones en el escenario. Vestía chaquetas a cuadros y trajes zoot, y usaba un teléfono de utilería durante "Chantilly Lace" para hablar con su novia. En 1958 también realizó un video pionero para la exitosa canción y más tarde acuñó el término "video musical" para la producción. Para mantener su imagen de showman, no usaba su anillo de bodas en público y, en general, mantuvo en secreto su matrimonio con Adrianne "Teetsie" Fryou (con quien se casó el 18 de abril de 1952) para sus fans. La pareja tuvo dos hijos.
Con su recién adquirida fama, Richardson renunció a su puesto de disc jockey en KTRM en Beaumont para dedicarse a la música a tiempo completo a partir de noviembre de 1958. En esta faceta, apareció en los programas de pop más importantes del momento y fue contratado para la gira "Winter Dance Party" con Buddy Holly y Ritchie Valens. El 2 de febrero de 1959, Richardson, Holly y Valens dieron un concierto en el Surf Ballroom de Clear Lake, Iowa. Tenían previsto tocar en Dakota del Norte al día siguiente. Tras el concierto, Holly y Valens alquilaron un avión para descansar antes de que llegaran sus bandas. Richardson, que tenía gripe, debía viajar en autobús, pero en el último momento intercambió su lugar con Waylon Jennings, miembro de la banda de Holly. El avión se estrelló poco después del despegue, alrededor de la 1:00 de la madrugada, en el condado de Mason, Iowa, causando la muerte del piloto y de los tres músicos. A Richardson le sobrevivieron su esposa, una hija y un hijo. Fue enterrado en el cementerio de Beaumont.
A finales de la década de 1980, la Sociedad Histórica de Port Arthur encargó al escultor Donald Clark la creación de un monumento en memoria de los músicos. La obra se exhibió inicialmente en un concierto benéfico de los Fabulous Thunderbirds el 3 de febrero de 1989, treinta años después del accidente. The Big Bopper es miembro del Salón de la Fama del Rockabilly y se le rinde homenaje en el Salón de la Fama de la Música del Museo de la Costa del Golfo en Port Arthur. En 2004, ingresó en el Salón de la Fama de la Música Country de Texas. Al año siguiente, la Comisión Histórica de Texas erigió una placa en su honor. Sus restos fueron inhumados junto a los de su esposa en el cementerio Forest Lawn de Beaumont en 2007. En 2008, ingresó en el Salón de la Fama de la Radio de Texas. Su hijo Jay tuvo una exitosa carrera musical y se presentó como The Big Bopper, Jr. Falleció el 21 de agosto de 2013.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Chantilly Lace.
Charles Edward Anderson Berry, más conocido como Chuck Berry, nació en San Luis, Misuri, Estados Unidos, el 18 de octubre de 1926, y murió en Wentzville, Misuri, Estados Unidos, el 18 de marzo de 2017. Cantante, compositor, y guitarrista.
La música de Chuck Berry ha trascendido generaciones. Se le respeta hasta el día de hoy porque fue un verdadero artista. Berry, también conocido como "El Padre del Rock & Roll", alcanzó el éxito observando la reacción del público y tocando en consecuencia, priorizando la diversión de sus oyentes por encima de todo. Por esta razón, canciones como "Johnny B. Goode", "Maybellene" y "Memphis" se han convertido en himnos para la juventud y la cultura popular estadounidenses. Berry es un ícono musical que estableció el rock and roll como género musical y unió los mundos blanco y negro a través de la música. Nacido en St. Louis el 18 de octubre de 1926, Berry tuvo muchas influencias en su vida que moldearon su estilo musical. Emuló la suave claridad vocal de su ídolo, Nat King Cole, mientras interpretaba canciones de blues de bandas como Muddy Waters. Para su primera presentación en el escenario, Berry eligió cantar una canción de Jay McShann llamada "Confessin' the Blues". Fue durante la función musical de su instituto, cuando el blues gozaba de popularidad pero no se consideraba apropiado para un evento de esa índole. Su audaz elección le valió una ovación atronadora, y desde entonces, Berry no podía faltar en el escenario.
CLASES DE GUITARRA
Berry empezó a tocar la guitarra después de eso, inspirado por su compañero en la obra de teatro escolar. Descubrió que si aprendía cambios de ritmo y acordes de blues, podía tocar la mayoría de las canciones populares que sonaban en la radio en ese momento. Su amigo, Ira Harris, le enseñó técnicas de guitarra que se convertirían en la base del sonido original de Berry. Luego, en 1952, comenzó a tocar la guitarra y cantar en una banda de club cuyo repertorio abarcaba desde blues y baladas hasta calipso y country. Berry se estaba convirtiendo en un consumado artista, incorporando gestos y expresiones faciales que acompañaban las letras. Fue en 1953 cuando Chuck Berry se unió al Sir John's Trio (que más tarde se renombró como Chuck Berry Combo), que tocaba en el popular Cosmopolitan Club de San Luis. La música country-western estaba en auge en ese momento, así que Berry decidió usar algunos de los riffs y crear su propio sonido hillbilly único. El público negro pensó que estaba loco al principio, pero no pudo resistirse a intentar bailar al ritmo de su música. Como la música country era popular entre los blancos, estos empezaron a asistir a los conciertos, y en ocasiones el público llegó a ser casi un 40% blanco. Las payasadas de Berry en el escenario llamaban la atención, pero los demás miembros de la banda también hacían lo suyo. En sus propias palabras: «Yo arrastraba las cuerdas para crear un pasaje que Johnnie (Johnson) no podía producir con las teclas del piano, pero la respuesta era tan parecida que recibía una tremenda ovación. Su respuesta sonaba similar a algunas que Jerry Lee Lewis luego empezó a tocar con maestría».
ALGUNOS BUENOS CONSEJOS
Más tarde, en 1955, Berry hizo un viaje por carretera a Chicago, donde casualmente se topó con un club donde actuaba su ídolo, Muddy Waters. Llegó tarde y solo escuchó la última canción, pero cuando terminó, llamó la atención de Waters y le preguntó a quién debía dirigirse para grabar un disco. Waters respondió: "Sí, Leonard Chess. Sí, Chess Records, en la esquina de la Calle Cuarenta y Siete y Cottage". Berry fue allí el lunes y descubrió que era un sello discográfico de blues donde habían grabado grandes como Howlin' Wolf y Bo Diddley. No tenía ninguna cinta para mostrar, pero Chess estaba dispuesto a escuchar si traía algunas de San Luis. Así que Berry regresó a casa y grabó algunas canciones originales, incluyendo la que sería "Maybellene", entonces llamada "Ida May", y condujo de vuelta a Chicago esa misma semana para la audición. Para sorpresa de Berry, fue esa canción country la que llamó la atención de Chess. Berry firmó con Chess Records y, en el verano de 1955, "Maybellene" alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos pop y el número 1 en las de R&B. Gracias a Chuck Berry, Chess Records pasó del género R&B al éxito comercial, y Berry se encaminaba hacia el estrellato.
EL RESTO ES HISTORIA
Berry continuó su éxito con temas como “Brown-Eyed Man”, “Too Much Monkey Business”, “Memphis”, “Roll Over, Beethoven!” y “Johnny B. Goode”. “Johnny B. Goode” es la obra maestra de Berry, ya que reunió todos los elementos de su sonido musical único. Consolidó su lugar en la historia del rock y lo catapultó a la fama en la década de 1950. Su popularidad le valió apariciones en televisión y cine, y realizó giras con frecuencia. El increíble éxito de Berry se debe a su capacidad para expresar las inquietudes y actitudes de su público en su música. En la cima de su éxito, Berry era un hombre negro de 30 años que cantaba para un público mayoritariamente blanco y adolescente. Apodado el “Eterno Adolescente”, el conocimiento de Chuck Berry sobre el mercado pop le permitió romper barreras raciales y tocar para un público integrado. En las décadas de 1960 y 1970, la música de Berry fue la inspiración para grupos como los Beatles y los Rolling Stones. Berry tuvo varios éxitos de regreso y en 1972 logró el primer y único número uno en las listas de pop de su carrera con "My Ding-A-Ling". En 1986, ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll, siendo el primer miembro en la historia en recibirlo. Como tributo a su omnipresencia en el mundo del rock, se seleccionó un fragmento de "Johnny B. Goode" para reproducirlo en la sonda espacial Voyager 1, demostrando que Chuck Berry y su legado rockero son verdaderamente extraordinarios.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Johnny B. Goode.
Luiz Floriano Bonfá nació en Río de Janeiro, Brasil, el 17 de octubre de 1922, y murió en su ciudad, el 12 de enero de 2001. Guitarrista, cantante y compositor.
Luís Floriano Bonfá, Luis Bonfá, nació en la ciudad de Rio de Janeiro en octubre de 1922, falleciendo en esa misma ciudad en enero del 2001. Su padre tocaba guitarra, instrumento que comenzó también a aprender a los 12 años, de oído. Más tarde se volvió alumno del maestro uruguayo Isaías Savio, se inició en música clásica e hizo parte de la orquesta de guitarras organizada por el maestro. En un concurso para seleccionar los seis mejores guitarristas en el programa "Hora do Guri", de Tia Chiquinha, en la Radio Tupi, de Rio de Janeiro, se clasificó en tercer lugar, ejecutando una pieza del español Francisco Tárrega (1852-1909). Se fue a vivir a São Paulo, donde pasó a interesarse por la música popular. Se estrenó profesionalmente en 1945 como solista de guitarra y vocalista del Trio Campesino, que se presentó como éxito en los casinos de la isla Porchat, de Santos (São Paulo), y de Icaraí, en Niterói (Rio de Janeiro). En 1946 entró para la Radio Nacional, de Rio de Janeiro, llevado por Garoto, al lado de quien tocaba en el programa Clube da Bossa y de quien asimiló gran parte de la harmonía moderna. En ese año realizó para la Continental su primera grabación, "Uma prece" y "Pescaria em paquetá" (ambas composiciones suyas). En el mismo año pasó a hacer parte del conjunto Quintandinha Serenaders, al lado de Luís Telles, Francisco Pacheco y Alberto Ruschell. Con la disolución de los Quintandinha Serenaders, en 1952, pasó a actuar solo como solista de guitarra. En 1953, Dick Farney grabó sus composiciones, entre las cuales "Ranchinho de palha", "Perdido de amor", "Sem esse céu" y "Canção do vaqueiro". Fue el guitarrista en la grabación de las músicas de la pieza "Orfeu da Conceição", de Vinícius de Moraes, hecha en 1956 para la Odeón. Excursionó por los Estados Unidos, en 1956 y en 1959, con la cantante Mary Martin, grabando LPs en la etiqueta Atlantic, con elogios de la crítica norteamericana por su virtuosismo. A partir de entonces se adhirió a la bossa nova, participando en el festival realizado en el Carnegie Hall, en Nueva York (Estados Unidos), en noviembre de 1962. Volvió a Estados Unidos para vivir durante dos años -de 1964 a 1966-, presentándose en programas de televisión y en espectáculos en salas, acompañado de su esposa y a veces parceira, Maria Helena Toledo. Escribió músicas para diversas películas, entre las cuales "Orfeu do Carnaval" (dirección de Marcel Camus, 1959), "Chico Viola não morreu" (dirección de Román Vignoly Barreto, 1955) y "Os cafajestes" (dirección de Rui Guerra, 1962). Sus composiciones de mayor éxito son "De cigarro em cigarro", samba grabado por Nora Ney en 1953; "A chuva caiu" (con Tom Jobim), toada grabada en 1955 por Ângela Maria; "Samba do Orfeu" y "Manhã de Carnaval" (ambas con Antônio Maria, para la película "Orfeu do Carnaval. Esta última, cuya primera grabación fue de Agostinho dos Santos, se convirtió en gran éxito mundial y su composición más conocida, siendo regrabada en varios países. Se clasificó en tercer lugar la composición "Dia das rosas" (con Maria Helena Toledo), en el I FIC, de la TV-Rio, Rio de Janeiro, en interpretación de la cantante Maísa. En el II FIC, de la TV Globo, en 1967, presentó "Vem comigo cantar" y "Amada canta" (ambas con Maria Helena Toledo). A partir de 1967, viviendo en Estados Unidos, se asoció con Eumir Deodato y se mudó enteramente para el jazz. Grabó, entre otros, "The new face of Luís Bonfá" (1970) e "Introspection" (1972), este considerado un clásico de la guitarra sola en Estados Unidos. En esta misma época participó, con Dom Um Romão, en el disco "The movie song album de Tony Bennett". En 1997 la cantante Ithamara Koorax lanzó "Almost in love/The Luís Bonfá Songbook", disco dedicado a la obra del guitarrista y compositor, que toca la guitarra en doce canciones del disco. Aún en 1997, la canción "Correnteza", en la voz de Djavan, fue éxito de la telenovela "O Rei do Gado", de la TV Globo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Insensatez, con Stan Getz y la voz de Maria Toledo, y un fragmento del programa de Perry Como del 2 de enero de 1963, con una selección de temas entre otros: Tenderly, Manhã De Carnaval a dúo con Perry Como y Desafinado, con Boomie Richman.
Anthony Lawrence Carey, más conocido como Tony Carey, nació en Watsonville, California, Estados Unidos, el 16 de octubre de 1953. Cantante, compositor, productor discográfico y de cine. Toca piano, teclados, guitarra y bajo.
Tony Carey apareció por primera vez en la escena internacional en 1975, tocando los teclados para la banda Rainbow, de Ritchie Blackmore.
Carey participó en los álbumes clásicos «Rising» y «On Stage», formando parte de una alineación de Rainbow que incluía a Ronnie James Dio, Cozy Powell, Jimmy Bain y Ritchie Blackmore, con la cual realizó una gira mundial durante dos años.
Originario de California, Carey se trasladó a Alemania en 1978 para desarrollar su carrera en solitario. Aprendiendo sobre la marcha, grabó varios álbumes instrumentales en los que él mismo interpretó la mayor parte de los instrumentos: teclados, bajo, guitarras y batería.
En 1980, incursionó en el canto con su primer álbum vocal, «In the Absence of the Cat», al que siguió «I Won’t Be Home Tonight», publicado por el sello discográfico —entonces incipiente y envuelto en escándalos— Rocshire Records, con sede en Anaheim, California.
«I Won’t Be Home Tonight» se convirtió en un éxito radiofónico en Estados Unidos en 1982; el sencillo alcanzó el puesto número 8 en la lista «Rock Radio» de Billboard.
Entre 1978 y 1983, este prolífico compositor pasó sus días en el estudio, explorando diversos estilos musicales. Su proyecto de temática de ciencia ficción, «Planet P Project», llamó la atención del sello Geffen Records. El álbum homónimo, que incluía el sencillo «Why Me», fue un gran éxito en MTV, al que siguió el disco «Some Tough City», del cual se extrajeron dos sencillos que alcanzaron el «Top 40» en 1984: «A Fine, Fine Day» y «The First Day of Summer».
Posteriormente, Planet P Project lanzó «Pink World», un álbum doble editado en vinilo de color rosa que hoy es considerado un clásico.
Tras superar una grave enfermedad en 2009, Carey logró recuperarse por completo y ha dedicado los últimos años a grabar y realizar giras por Europa y Escandinavia. Carey ha grabado y publicado más de 40 discos, y ha producido álbumes para artistas como John Mayall, Chris Norman, David Knopfler, Joe Cocker y Peter Maffay (el artista de rock con mayores ventas en Alemania). Asimismo, ha compuesto bandas sonoras para varias películas y ha publicado más de 1.000 canciones.
El álbum Steeltown (de Planet P Project), lanzado en 2013, refleja su amor y aprecio por Noruega, explorando temáticamente la historia y las luchas de este fascinante país.
En 2014 llegó The G.O.D.B.O.X., una colección de 4 CD de Planet P Project que incluye grabaciones realizadas entre 1991 y 2013. The G.O.D.B.O.X. constituye toda una lección de historia, que abarca desde la brutalidad de la Segunda Guerra Mundial hasta la búsqueda del esquivo «sueño americano».
El año 2019 marcó el 50.º aniversario de Carey como «poeta beat», «hippie» (que aún conserva su espíritu) y alguien que, afortunadamente, «todavía no ha muerto». Este hito se conmemoró con el lanzamiento de Lucky Us —su primer disco fuera de Planet P Project en muchísimo tiempo— y la reedición de 12 álbumes de su catálogo. Entre ellos se incluyen cinco discos de Planet P Project, dos álbumes de versiones (Stanislaus County Kid I y II), un disco navideño (¡sí, navideño!), una banda sonora para una película inexistente y tres álbumes en solitario.
Citando su sencillo de 1983 «Why Me»:
«Del último hombre que estuvo aquí no se supo nada más;
no volverá por estos lares hasta el año dos mil diez».
Ante esto, Carey comenta: «Bueno, llego un poco tarde, pero ya estoy de vuelta».
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Why Me y Room With A View.
Carlos Núñez Cortés nació en Buenos Aires, Argentina, el 15 de octubre de 1942. Humorista, actor, cantante, compositor, escritor y químico. Multi instrumentista, toca piano, quena, flautas, acordeón, melódica, bongó, teclado electrónico, pinquillo, mirlitón, e instruentos de percusión.
A los 83 años, Carlos Núñez Cortés publica Es que me pasaron muchas cosas en la vida.Se trata de un libro de memorias atravesado por anécdotas personales y artísticas. El histórico integrante de Les Luthiers repasa más de cinco décadas de humor y música.
“A mí me obligaban un poco a rizar el rizo y adornar la anécdota, amplificarla, hacerla casi inverosímil”. Quien habla es Carlos Núñez Cortes, que a sus 83 años sostiene en actos aquel lugar común que afirma que la juventud es un estado de la mente. En su caso esto es un hecho. Con la misma calidez, toca el piano ubicado en el living de su casa y le muestra al fotógrafo de Clarín parte de su colección de más de cuatro mil caracoles, otra de sus grandes pasiones. Su casa está rodeada de piezas de memorabilia Luthier. De hecho, él es el principal archivista del grupo, siempre dispuesto a colaborar con quien esté interesado en indagar en su historia.
Mientras toma un café y come un budín casero delicioso que preparó su esposa, repasa anécdotas de más de 50 años como integrante de Les Luthiers, el mítico grupo artístico-musical que forjó un estilo único del cual decidió alejarse en 2017 al cumplir aquella contundente cifra. Muchas de ellas se incluyen en su libro de reciente aparición Es que me pasaron muchas cosas en la vida (Libros del Kultrum). Desde la famosa “La percha”, que puede verse en YouTube, hasta el fanatismo de su padre por River Plate o su pasión por los caracoles.
–¿Cómo fue trasladar estas anécdotas al papel?
–Te confieso algo: nunca estudié escritura ni fui a un taller literario ni nada. En ese sentido, soy medio caradura porque me largué a escribir algo sin haber estudiado antes. Sé lo que es hacer una cosa bien, como por ejemplo tocar el piano. Me pasé toda mi vida estudiando el piano un par de horas por día, siempre. Entonces es obvio que ahora me animo a cualquier cosa. Me ponen una partitura y… ahora estoy estudiando la “Fantasía-Impromptu” de Chopin que es dificilísimo. Tenés que volar por el teclado. Y me da tanto placer. Con la escritura no me pasó eso. Me entrené con mis libros anteriores: Los juegos de Mastropiero, donde hago una investigación filológica donde trato de explicar los juegos de palabras que usábamos. Después me quedó como el gustito. Qué lindo es esto de escribir, dije. Y pensé: ¿Ahora qué voy a hacer? Pensé que la gente siempre nos preguntaba cómo se nos ocurrían las cosas que hacíamos y así decidí narrar nuestra mecánica de la creación. Así nació Memorias de un Luthier. Me llevó mucho tiempo porque como cumplíamos 50 años decidí narrar el nacimiento de 50 obras. Después, como siempre fui un culo inquieto, hice muchas cosas. Cada vez que me bajaba del escenario me iba a todos lados: tuve contacto con las civilizaciones más extrañas. Me gustaba subir montañas, andar a caballo, meterme en la selva a buscar mariposas, bucear, buscar caracoles marinos. Me subía a los árboles a grabar el canto de los pájaros. Entonces dije: ahí está el tercer libro, con el que me despido. Ya tengo 83 pirulos.
–Al comienzo contás una historia con tu sobrina que dijo la frase que da título al libro. ¿Qué te ocurre con la infancia?
–Es la formación del individuo. Si a un pibe no le haces escuchar una nota a lo largo de toda su infancia es imposible pedirle que alguna vez sea músico o intente sacarle notas a algún instrumento. Es como una alcancía que uno va llenando.
–Otra historia interesante es la del Mundial 78, que contás que los habían contratado para los festejos de Argentina campeón
–Nunca fui muy futbolero. En el libro cuento la historia con mi padre, fanático de River. Mis compañeros estaban que se morían, se derretían. Para mí era algo medio lejano. Igual me emocioné con el partido. Después salí corriendo a ensayar el repertorio de la noche que iba a ser en el Alvear Palace. Era una mesa larga donde estaban los once jugadores argentinos de un lado y los once holandeses del otro. ¡No sé qué hablaron, qué entendieron! El asunto fue que el programa lo amenizó Les Luthiers. Cuando terminó el concierto pensé: si mi viejo estuviera acá se desmaya. Entonces agarré un plato de la mesa y fui hasta donde estaban los argentinos y les pedí si me lo podrían firmar con un marcador. Me firmaron los once. Me acuerdo especialmente de la firma de Kempes. Le pedí si se lo podía dedicar a mi viejo. Puso: para Anselmo, con mucho cariño. A la madrugada se lo llevé. Lo quise mucho a mi viejo. No tuvo la posibilidad de ilustrarse. Era relojero. Laburó toda su vida y fue el principal sostén.
–Trazando un paralelismo con el fútbol. ¿Cuándo dejaste los escenarios te pasó como los futbolistas que se retiran, de sentir un vacío?
–Cuando cumplimos cincuenta años y decidí bajarme del escenario sentí que corría peligro. Era como una persona que la acostumbrás a comer milanesas todos los días y, de pronto, se las sacás. Pensaba que podría tener problemas serios si no tenía que ir al teatro todas las noches. Lo único que no tengo, lo que más extraño, es tocar el piano arriba del escenario. Después mi vida actual sigue rodeada, aunque no tanto, de Les Luthiers. Colaboro con los chicos del podcast La hora de la nostalgia, que repasan nuestra historia. Sigo tocando el piano. Eso no me lo quita nadie. Y trabajo en el archivo de Les Luthiers que llevo desde 1965. ¡Tengo todo! Libretos, fotografías, todas las grabaciones. Las atesoro, las escucho, las sigo limpiando, clasificando. Siempre tuve esa cosa de archivista.
–Ustedes hicieron durante un tiempo terapia grupal.
–Sí, con el doctor Fernando Ulloa. Un profesional maravilloso. Estuvimos 17 años con él. Dentro de todo tuvimos la enorme suerte de que no había ningún loco de mierda en el grupo sino todo lo contrario. Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor. Nos estábamos cagando siempre de risa todos. Son elementos que unen más que la poxilina. Nos gustaba estar juntos. Nadie se quería cortar solo. No primaba el ego. Éramos exégetas de Mastropiero.
–Pensaba el paralelismo con una banda de rock. El trabajo de la creación colectiva muchas veces se agota.
–Claro. ¿Qué banda de rock duró 55 años? Y fijate que fuimos contemporáneos de los Beatles. Me acuerdo que moríamos. Temblábamos cuando nos poníamos a escuchar un nuevo disco. Cuando se separaron empezábamos a pensar: qué no nos pase esto a nosotros.
-Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor.
–En un podcast con Adrián Lakerman hablabas del tema del prestigio, algo que en el humor no se suele dar pero sí ocurrió en el caso de Les Luthiers. ¿Tal vez haya tenido que ver con lo innovador de la propuesta? ¿Encontraron referencias similares en otros países?
–Marcos Mundstock una vez dijo que Les Luthiers no podría haber nacido en otro lugar que no fuera un coro universitario. Los primeros chistes empezaron en el medio del coro. La mujer de Gerardo Mazana, Malena, imprimía un diario, se llamaba L’aphonique, el afónico. Ahí se contaban nuestras novedades: que fulanito miraba a menganita, la contralto del coro. Que sultanito había desafinado. Y un día llegó Gerardo con una propuesta de armar algo. Éramos todos universitarios. Nos gustaba a todos la música. Todos teníamos sentido del humor. Y éramos jóvenes. ¡Teníamos un cohete en el culo! ¿Cómo no le voy a dar la razón a Marcos de que sólo ahí pudo haber nacido Les Luthiers?
–¿Cómo ves el humor hoy en día?
–Sobre la cancelación nos tocó a nosotros. Especialmente a mí me tocó dos o tres veces hacer algunas obras donde nos reíamos mucho de la mujer. Nos parecía un lugar inagotable del cual sacar chistes. Hacía, por ejemplo, la serenata tímida. Era un pusilánime que se moría de miedo de cantarle a una mujer. Después la intimidatoria, la astrológica y la última es una serenata donde he perdido todas las esperanzas y entonces hago lo que hace cualquier loco de mierda: transformo todo el amor en odio y me lanzo contra ella con una virulencia exagerada y la quiero matar. Una obra que hacíamos con muy buen éxito y todo el mundo se reía a carcajadas, sabía que estábamos jugando y que ninguna de esas cosas que estaba intentando hacer las haría. Ni en pedo. Lo que estaba haciendo era amplificar la realidad, amplificar el absurdo y elevar mis intenciones hasta un nivel que ya era enfermizo. Ahora están los fenómenos de cancelación en los cuales cada persona tiene todo el derecho de hacer de su vida lo que se le cante el culo. Todo eso es respetable. Hemos entendido finalmente y gracias a Dios que la gente puede elegir cómo vivir, cómo vestir, cómo caminar por la calle. Hay que respetar eso. No te podés reír ahora de un tipo que resbala en la calle y se pega un porrazo. Ese humor se ha terminado.
–Nombramos a Gerardo Masana, Marcos Mundstock, también le ha tocado partir a Daniel Rabinovich. ¿Qué te viene a la mente de los Les Luthiers que ya no están?
–Todos tuvieron su aporte. Yo aporté mucho al grupo en cuanto pianista. Era el mejor pianista. Ernesto Acher tocaba bastante bien el piano y nadie más. Los demás champurreaban un poquitito. Gerardo tocaba un poquito y ellos me tomaron a mí fundamentalmente porque yo era muy buen pianista. No tenía ni idea ni de mi sentido de humor, tenía una voz de tenor medio agudita no demasiado potente, ni siquiera era educada, como la voz de Marcos, que estudió canto y demás. El recuerdo que tengo es el que me hayan cobijado bajo su ala dos tipos como Marcos y Gerardo Masana que fueron los que empezaron toda esta movida. Gerardo con la música y Marcos con los textos. Enseguida me llamaron porque decían que era un elemento valioso que puede ayudarnos. Entonces yo les debo fundamentalmente a ellos dos, en especial el hecho de que me arreglaron la vida. En el momento en que uno está pensando que es casi un adolescente, como era yo, que voy a hacer, yo tenía ya un título universitario, ya era químico, trabajaba de químico, no me gustaba demasiado lo que hacía. De pronto encontrar esa vertiente, este espacio donde más que trabajar íbamos a jugar, me llenó de satisfacción, esperanza. Estoy en el lugar correcto. Un día tuve que renunciar a mi trabajo de químico para siempre y dedicarme a esto de hacer humor con la música y tocar el piano lo mejor posible. Agradezco al cielo haberme cruzado con Marcos y Gerardo y que nos hayamos hecho amigos. Porque en primer lugar fuimos amigos. Amigos y coreutas del coro de Ingeniería. Después, despacito, empezó toda esta aventura que nadie, absolutamente nadie, en esos momentos podría haber aventurado ni una milésima parte de lo que pasaría después. Estar en el Palacio Oviedo recibiendo el Premio Príncipe de Asturias de manos del Rey de España como contribución a la lengua española. ¿Qué más pretendo? ¿El Nobel? Me queda el Nobel, puede ser.
Carlos Núñez Cortés básico
Nació en Buenos Aires, en 1942. Es concertista de piano, compositor y arreglador de música.
Licenciado en Química Biológica y estudioso de la fauna marina ha recorrido los mares del mundo investigando y coleccionando caracoles.
Es inventor de entretenimientos matemáticos y programador de juegos para ordenadores.
Pertenece al grupo Les Luthiers desde sus comienzos, donde, además de la actuación en el escenario, se ocupa de la composición musical y de la creación y construcción de instrumentos informales.
Es que me pasaron muchas cosas en la vida, de Carlos Núñez Cortes (Libros del Kultrum).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con El Explicado.
