Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Argeliers León Pérez nació en La Habana, Cuba, el 7 de mayo
de 1918, y murió en su ciudad, el 23 de febrero de 1991. Compositor, musicólogo, etnólogo y pedagogo.
Argeliers León, el Maestro de todos, se le reconoce como el
fundador de la musicología como disciplina científica en Cuba. Argeliers León
realizaría estudios en el Conservatorio Municipal de La Habana con los
profesores Domingo Fortún, Antonio Mompó, Manuel Luaces, César Pérez Sentenat y
José Ardévol. Estudiaría composición y análisis musical en París donde completó
su formación.
Se graduaría de pedagogía en la Universidad de La Habana en
1943. Fue alumno de etnología y folclore de la Universidad de La Habana, de los
profesores María Muñoz y Fernando Ortiz. Fue parte del grupo de Renovación
Musical junto a Harold Gramatges, Edgardo Martín, Serafín Pro, Virginia
Fleites, Julián Orbón, Juan Antonio Cámara, entre otros.
Su trabajo como docente se desempeñó principalmente en la
Universidad de La Habana y curiosamente no en la Escuela Nacional de Arte (ENA)
pues su trabajo estaba dedicado a la investigación musical.
Trabajó en el departamento de folclore del Teatro Nacional
de Cuba, en el de música de la Biblioteca Nacional José Martí y fue fundador
del Instituto de Etnología y Folclore de la Academia de Ciencias que a través
de la breve revista Etnología y Folclore difundía los factores y antecedentes
que han incidido en la formación de la música cubana.
Argeliers consideraba: la investigación bibliográfica es un
campo que aún hay que abordar en Cuba, trabajar críticamente con fuentes
bibliográficas y ponerlas al día, ponerlas a funcionar [..] En el desarrollo de
la musicología, buscar nuevos caminos, nos hemos quedado en quitar o poner esto
para aquí o para allá [..] Estoy plenamente consciente que tiene que haber un
cambio, no podemos seguir con ese patrón. Yo estoy consciente de que todo ese
trabajo de las fichas debía estar en el nivel medio, siempre lo he dicho, pero
mientras no esté resuelto en ese nivel no podemos suprimirlo del nivel superior
[..] No puede haber una investigación fuera de un camino científico. No puede
haber investigación si no nos adelantamos nosotros mismo en la ciencia.
Uno de los grandes empeños de Argeliers León era realizar
investigación de campo, especialmente en los temas relacionados con el folclor
y la cultura popular. A León también se debe, como promotor al frente del
Departamento de Música de la Casa de las Américas, la existencia del Premio
Latinoamericano de Musicología creado en 1979.
Algunas Obras
Coro: Nuestra América, Nuestra meta.
Coro y orquesta: La música, coro mixto, texto: Cintio
Vitier, El niño nació en Santiago, coro mixto, texto: popular, Soneto, Pregón,
coro mixto, texto: Rafael Alberti, Al nacimiento de Cristo Nuestro Señor,
villancico, coro mixto, texto: Francisco de Góngora, Elegía a Jesús Menéndez,
coro, solista, narrador y orquesta, texto: Nicolás Guillén.
Conjunto instrumental: Sonata, para trompeta, trombón y
percusión, Sonata a tres, para flauta, clarinete y fagot, Quinteto, para
instrumento de viento, divertimento, para clarinete, trompeta y piano.
Electroacústica: Homenaje a un amigo, piano y banda
magnetofónica, Saturnalia, banda magnetofónica, saxofón y cualquier número de
ejecutantes de percusión.
Guitarra: Tres canciones lentas, Sonata, Quinteto para
guitarra y cuarteto de maderas, Cinco piezas breves para guitarra, flauta y
clarinete.
Orquesta sinfónica: Sonata a la Virgen del Cobre, para piano
y orquesta de cuerdas, Suite cubana, para orquesta de cuerdas, Sinfonía núm. 2.
Piano: Cuatro invenciones, Danzón, Sonatina, Akorín, Sonatas
a la Virgen del Cobre, Hoy canto a mi patria.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concertino para Piano, Flauta y Orquesta, en la versión de Víctor Díaz en piano, Yailin Martínez en
flauta y la Orquesta del Lyceum de La Habana, dirigida por José A. Méndez.
Eduard Künneke nació en Emmerich, Renania del Norte-Westfalia, Alemania, el 27 de enero de 1885, y murió en Berlín, Alemania, el 27 de octubre de 1953. Compositor, pianista y director de orquesta.
Eduard Künneke nació el 27 de enero de 1885 en Emmerich (Alemania). Desde pequeño sintió fascinación por la música. Su padre le enseñó a leer notas y, gracias a ello, aprendió a tocar el piano de casa, principalmente de forma independiente. Posteriormente, recibió clases de piano de su madre y, a los 8 años, de un profesor de piano profesional. Además, el joven Eduard Künneke estudió partituras y libros de teoría musical para componer su propia música. Sentía debilidad por la música orquestal y asistía siempre que podía a los conciertos de la banda militar del pueblo vecino, Kleve. Durante sus años escolares en el Gymnasium, Eduard Künneke se convirtió en el director de la orquesta escolar, compuso la ópera completa "Blancanieves" con el libreto de un compañero a los 15 años y escribió más música bajo el seudónimo "E. v. Rigdmar" (seudónimo que nunca volvió a utilizar). Para su propia ceremonia de graduación, compuso otra ópera completa, "Sócrates", en 1903. Ambas obras quedaron sin estrenar debido a ciertas circunstancias, pero ya mostraban la trayectoria musical de Eduard Künneke. Tras sus años escolares, Eduard Künneke se trasladó a Berlín y estudió piano, teoría musical y contrapunto en la Real Academia de Bellas Artes. En 1906 fue aceptado en la clase magistral de Max Bruch, a la que asistió durante un año. En 1907, Eduard Künneke abandonó la universidad sin graduarse porque tenía que buscar trabajo y ganarse la vida. Primero trabajó como maestro de capilla en el Theater am Schiffbauerdamm y, en 1911, en el Deutsches Theater, bajo la dirección de Max Reinhardt. Tras la Primera Guerra Mundial, Eduard Künneke se centró cada vez más en su carrera como compositor y produjo principalmente operetas. Su salto a la fama internacional llegó con la opereta "Der Vetter aus Dingsda" en 1921. En los años siguientes, Eduard Künneke también intentó iniciar una carrera en Estados Unidos, pero fracasó y regresó a Alemania en 1926. A principios de la década de 1930, algunas de sus operetas tuvieron cierto éxito, pero Eduard Künneke, como compositor, se volvió cada vez más anticuado. Con el ascenso del régimen nazi, la situación empeoró porque su esposa no era aria. Sin embargo, el éxito y la importancia de "Der Vetter aus Dingsda" salvaron a Eduard Künneke de importantes restricciones, e incluso fue incluido en la lista de los Gottbegnadeten en 1944. Tras la Segunda Guerra Mundial, Eduard Künneke no tuvo la energía para revitalizar su carrera y enfermó gravemente en sus últimos años. Eduard Künneke falleció el 27 de octubre de 1953 en Berlín (Alemania).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en La Bemol Mayor Op.36, en la versión de Oliver Triendl, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Múnich, dirigida por Ernst Theis.
Rodión Konstantínovich Shchedrín nació en Moscú, Unión Soviética, el 16 de diciembre de 1932, y murió en Múnich, Alemania, el 28 de agosto de 2025. Compositor, pianista, profesor de música, libretista y compositor.
El sitio www.operaactual.com publicó este recordatorio firmado por Lourdes Morgades.
Muere el compositor ruso Rodión Shchedrín a los 92 años
Autor de siete óperas, desde finales de la década de 1960 obtuvo el reconocimiento internacional y el apoyo de grandes directores de orquesta y solistas
29 / 08 / 2025 - Lourdes MORGADES
El compositor ruso Rodion Shchedrin, considerado el sucesor de Prokófiev y Shostakóvich, ha muerto hoy en Múnich a los 92 años. Brillante pianista, fue un prolífico compositor que escribió sinfonías, conciertos, música de cámara, óperas y ballets, que escribió para su esposa la bailarina Maya Plisétskaya, con la que se casó en 1958. Shchedrin alcanzó pronto el reconocimiento tanto en la Unión Soviética como posteriormente en Rusia y en el extranjero, donde siempre tuvo el apoyo de grandes directores de orquesta que programaban sus obras, así como de los solistas que estrenaban sus conciertos.
Nacido el 16 de diciembre de 1932 en Moscú, Rodion Shchedrin era hijo de un compositor y profesor de teoría musical. A finales de la década de 1930 inició su formación en la escuela coral estatal y tras la Segunda Guerra Mundial entró en el Conservatorio de Moscú, donde estudió composición con Yuri Shaporin y piano con Jakov Flier. Se convirtió en un gran pianista y escribió numerosas obras para piano, que a menudo interpretaba él mismo en sus primeros conciertos. Además de intérprete y compositor, Shchedrin accedió en 1964 a la cátedra de composición del Conservatorio de Moscú y en 1973 sucedió a Dmitri Shostakóvich al frente de la Unión de Compositores Rusos, cargo que mantuvo hasta 1990.
La obra de Rodion Shchedrin fue en sus inicios de carácter tonal con uso de motivos temáticos del folclor ruso para pasar posteriormente al uso de técnicas aleatorias y seriales. Su obra saltó las fronteras de la Unión Soviética a partir de finales de la década de 1960 con el estreno en 1967 del ballet Carmen Suite que su esposa Maya Plisétskaya bailó con el Bolshói por todo el mundo. Shchedrin siempre tuvo el favor de los grandes directores de orquesta rusos y occidentales. Leonard Bernstein estrenó su Segundo Concierto para Orquesta en Nueva York en 1968 y tanto Lorin Maazel como Valery Gergiev le encargaron obras. Su extenso catálogo incluye seis conciertos para piano, uno para violín, uno para viola, uno para violonchelo, uno para trompeta y uno para oboe, así como varios para diversas combinaciones de instrumentos, tres sinfonías, música de cámara, siete óperas y numerosos ballets.
Su primera ópera, No solo amor, se estrenó el 25 de diciembre de 1961 en el Teatro Bolshói de Moscú. La obra, que narra la vida de un pueblo de la Unión Soviética tras la Segunda Guerra Mundial donde los hombres han muerto en la guerra y solo quedan niños y mujeres, irritó a las autoridades culturales de la época que en la segunda función prevista la sustituyeron por La traviata. Dos meses más tarde se programaron tres funciones de la obra y desapareció del repertorio. Solo años después volvió a los escenarios y Shchedrin realizó una revisión en 1971.
Tras el fiasco de la primera ópera tardó 15 años a volver a abordar el género. Fue a mitad de la década de 1970 que escribió Almas muertas, basada en la obra satírica del mismo título de Gogol, que el mismo compositor había convertido en libreto. Se estrenó el 7 de junio de 1977 en el Teatro Bolshói bajo la dirección de Yuri Temirkanov. Almas muertas, una obra maestra de la ópera del siglo XX, tuvo su estreno fuera de la Unión Soviética en Boston (Estados Unidos) en marzo de 1988 en el marco de la glásnost soviética en un festival que bajo el título de Making Music Together presentaba obras de compositores soviéticos y estadounidenses.
Su siguiente ópera, Lolita, basada en la obra homónima de Vladimir Nabokov, fue un encargo de Mstislav Rostrópovich, que inicialmente estaba previsto que se estrenara en el nuevo teatro de París, La Bastilla, inaugurado en 1989, pero acabó estrenándose el 14 de diciembre de 1994 en la Real Ópera de Suecia bajo la dirección musical de Rostrópovich. Posteriormente, se representó en Rusia, Alemania y la República Checa y es uno de los títulos más programados fuera de Rusia del repertorio operístico de Shchedrin. Volvió a la ópera ya en siglo XXI cuando recibió un encargo de Lorin Maazel para la Orquesta Filarmónica de Nueva York para la que escribió El peregrino encantado, basada en la obra del mismo título de Nikolái Leskov estrenada en versión de concierto el 19 de diciembre de 2002 en Nueva York. Posteriormente, se estrenó en Rusia y en 2008 se presentó en el Festival de Edimburgo.
El 30 de octubre de 2006, el Conservatorio de Moscú acogió el estreno de Boyarina Morozova una ópera coral rusa en dos partes para cuatro solistas, coro mixto, trompeta, timbales y percusión con libreto del propio compositor a partir de La vida de La boyarina Morozova del arcipreste Avvakum. Le siguió El zurdo, basada en el cuento de Leskov El zurdo bizco de Tula y la pulga de acero estrenada el 26 de junio de 2013 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, que también acogió el 26 de diciembre de 2015 el estreno de la última ópera del compositor, Un cuento de Navidad, basado en los cuentos de hadas de B. Nemtsov, traducidos al ruso por Nikolái Leskov.
Tras la perestroika, Rodion Shchedrin residió alternativamente en Moscú y Múnich, donde hoy ha muerto. - ÓA
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 Op.5, en su doble condición de compositor y solista, junto a la Orquesta Sinfónica Académica Estatal de la URSS, dirigida por Evgeni Svetlanov, y la Suite del Ballet Carmen, en la versión de la Orquesta Sinfónica, y la Big Band de la Radio de Frankfurt, bajo la dirección de Andrés Orozco-Estrada.
Isang Yun nació en Tongyong, Chōsen, Corea del Sur, el 17 de septiembre de 1917 y murió en Berlín, Alemania, el 3 de noviembre de 1995. Compositor, director de orquesta, musicólogo y profesor de música.
Isang Yun, también escrito Yun I-sang (nacido en Tongyong, Corea del Sur, el 17 de julio de 1917 y fallecido en Berlín el 3 de noviembre de 1995) fue un compositor coreano que desarrollo casí toda su carrera musical en Alemania.
Hijo de un renombrado poeta llamado Yun Ki-hyon comenzó a escribir música a la temprana edad de 14 años y no fue hasta dos años después en 1933 cuando empezó formalmente sus estudios musicales. Estudió en el Conservatorio de Osaka y a partir de 1938 lo hizo en Tokio, donde recibió clases de composición bajo la dirección de Tomojiro Ikenouchi. Cuando Japón entró en la II Guerra Mundial, regresó a Corea donde participó en el movimiento de independencia coreano, por lo que fue capturado y encarcelado por los japoneses en 1943. Al quedar en libertadd una vez finalizada la guerra, fundó un orfanato para los huérfanos de la guerra y se dedicó a la enseñanza de la música en Tongyong y Busan.
En 1953 al firmarse el armisticio de la Guerra de Corea, trabajó como profesor de música en la Universidad de Seúl. En 1955 recibe un Premio Cultural de la Ciudad de Seúl (Seoul City Culture Award) y al año siguiente viaja a Europa para proseguir sus estudios musicales.
En 1956 estudió composición en París con Tony Aubin y posteriormente fue discípulo en Berlín de Boris Blacher, Josef Rufer y Reinhard Schwarz-Schilling.
Una invitación de la Fundación Ford le permitió instalarse en Berlín en 1964, de donde fue secuestrado en 1967 y llevado a su país por la policía secreta coreana al verse implicado en un caso de espionaje. Una vez liberado en 1969, de nuevo regresa a Alemania. A Isang yun se le prohibió regresar a Corea.
En Alemania enseñó música en la Academia de Hannover durante un año y desde 1970 hasta 1985 fue profesor de composición en Berlín. En 1971 se le concedió la nacionalidad alemana. A partir de 1973 comenzó a participar en organizaciones de Japón y Estados Unidos con el fin de conseguir la democratización de Corea del Sur y la reunificación del país
Promovió la celebración de un concierto en el que participaran músicos de las dos Coreas, acto que por fín se celebró en 1990. En 1994 fue invitado a un festival musical en Corea, pero debido a problemas con el gobierno el acto fue suspendido. Yun falleció el 3 de noviembre de 1995 debido a una pulmonía y un año después se fundó en Berlín la Fundación Internacional Isang Yun.
La preocupación musical primaria de Yun era el desarrollo de la música coreana a través de los instrumentos musicales occidentales. Después de experimentar con 12 técnicas del tono durante sus estudios en Darmstad, Yun desarrolló su propia personalidad musical en sus trabajos de principios de los años 60. La música de Yun empleó las técnicas asociadas a música coreana tradicional, tal como glissandi, pizzicati y vibrati. También la central a su estilo era la presencia de las líneas múltiple-melódicas, que Yun llamó “Haupttöne.”
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Oboe y Orquesta, de 1990, en la versión de Yoon-jung Lee, y la Orquesta Sinfónica de Corea, dirigida por Yun-Sung Chang.
» Philippe Hurel, nació en 1955. Compositor francés de obras principalmente orquestales y de cámara que han sido interpretadas en toda Europa y otros lugares. Philippe Hurel estudió musicología en la Universidad de Toulouse de 1974 a 1979 y composición con Betsy Jolas e Ivo Malec en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París de 1980 a 1983. También realizó estudios privados en informática musical con Tristan Murail en París en 1983. Sus honores incluyen el Pensionnaire à la Villa Médicis à Rome (1986-88), el Förderpreis der Siemens-Stiftung en Munich 1995, por Six Miniatures en trompe l'œil, el Prix des Compositeurs de SACEM (2002) y el Prix de la Meilleure Création. de l'Année de SACEM 2003, para Aura. El Sr. Hurel también desempeña otros cargos. Trabajó como investigador musical en el IRCAM entre 1985 y 1986 y entre 1988 y 1989. Impartió clases de composición en el IRCAM entre 1997 y 2001. También fue compositor residente del Arsenal de Metz y de la Filarmónica de Lorena entre 2000 y 2002. Junto con Pierre André Valade, fundó el nuevo conjunto musical Court-circuit en 1990 y desde entonces es su director artístico. Desde 2013, imparte clases de composición en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de Lyon. Su música ha sido interpretada por numerosas orquestas y conjuntos y por directores como Pierre Boulez, David Robertson, Ludovic Morlot, Tito Ceccherini, Jonathan Nott, Esa Pekka Salonen, Kent Nagano, Pierre-André Valade, François Xavier Roth, Christian Eggen, Lorraine Vaillancourt, Reinbert de Leeuw, Bernard Kontarsky…
Después del estreno de su ópera Les pigeons d’argile (libreto de Tanguy Viel) en el Capitole de Toulouse, su ciclo Rasgos para violín y violonchelo fue estrenado ese mismo año en París por Alexandra Greffin-Klein y Alexis Descharmes. En 2015, su ciclo orquestal Tour à tour se estrenó en Radio France/Festival Manifeste/Ircam por la Orchestre Philharmonique de Radio-France dirigida por Jean Deroyer. Pas à pas, encargado por la Fundación musical Ernst von Siemens, se estrenó el mismo año en la Biennale di Venezia por Ensemble Recherche.
En marzo de 2017, Arditti Quartet estrenó Entre les lignes (2016-17) en el Wittener Tage für Neue Kammermusik de Alemania y en octubre de 2018, Diotima Quartet estrenó D'autre part (2017) en el Théâtre d’Orléans. Les Trois études pour Atlanta (2017), para flauta y percusión, se estrenó en octubre de 2017 en Atlanta. El concierto para clarinete y orquesta, Quelques traces dans l'air (2017-18), se estrenó mundialmente en junio de 2018 a cargo de Jérôme Comte, clarinete, y Johnannes Stockhammer, dirigiendo la Orquesta Filarmónica del Staatstheater Cottbus (encargo de la orquesta Cootbus, la Orquesta Regional de Normandía y Buffet Crampon). En diciembre de 2018, Les Percussions de Strasbourg estrenó Ritual Trio para tres percusionistas (2018). Actualmente compone un cuarteto de cuerda con electrónica para Tana e Ircam.
Editions Billaudot publica su música compuesta entre 1981 y 1996, y Éditions Lemoine, su música escrita desde 1997.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con el Concierto para Flauta y Orquesta, en la versión de Yubeen Kim, y la Orquesta Sinfónica de Bochum, dirigida por Tung-Chieh Chuang.
Gordon Percival Septimus Jacob nació en Londres, Reino Unido, el 5 de julio de 1895, y murió en Saffron Walden, Reino Unido, el 8 de junio de 1984. Compositor, director de orquesta, musicólogo y profesor.
Gordon Jacob fue uno de los compositores ingleses más prolíficos, abarcando diversos campos, desde lo serio hasta lo ligero. Nacido en Londres y educado en el Dulwich College, perteneció a la generación que se vio inevitablemente envuelta en la Gran Guerra de 1914-18, en la que resultó herido y hecho prisionero. Finalmente, se rehabilitó gracias a una beca que le permitió estudiar en el Royal College of Music de Londres con Stanford, Howells y Boult como profesores. Pronto se consolidó como docente. Formó parte del equipo docente del Royal College of Music durante cuarenta años a partir de 1926, enseñando composición y orquestación.
Entre sus libros, "Técnica Orquestal" (1931) se ha convertido en una obra de referencia. Las composiciones de Jacob incluyen dos sinfonías, además de otra música orquestal, música de cámara, canciones y canciones a partes, música para banda y bandas sonoras para películas. Los oyentes más veteranos recordarán los ingeniosos arreglos del Dr. Gordon Jacob para la popular serie de radio ITMA (It's That Man Again), protagonizada por el cómico de Liverpool Tommy Handley. Característica de la obra de Jacob es su búsqueda de áreas donde existían lagunas en el repertorio disponible. Escribió varios conciertos y solos, incluyendo algunos para instrumentos menos populares: trombón, fagot, corno inglés y contrabajo. Componía con gusto para un nuevo conjunto y aceptaba con entusiasmo los nuevos retos. Escribió un concierto para dos pianos (a tres manos) para Phyllis Sellick y el lamentablemente discapacitado Cyril Smith. Cuando conoció la destreza del brillante armonicista Tommy Reilly, esto lo inspiró a componer varias piezas sumamente atractivas para dicho artista.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Trompa y cuerdas, en la versión de Jörg Brückner, y la Orquesta del Musikgymnasium Schloss Belvedere, dirigida por Joan Pagès Valls.
Theodor Leschetizki nació en Łańcut, Polonia, entonces parte del Imperio austrohúngaro, el 22 de junio de 1830, y murió en Dresde, entonces Reino de Sajonia, el 14 de noviembre de 1915. Pianista, maestro y compositor.
Teodor Leschetizky, pianista polaco. También conocido como: Teodor Leszetycki
Escrito y verificado por Los editores de la Enciclopedia Británica
Última actualización: 18 de junio de 2025
Datos breves
Nombre original: Teodor Leszetycki
Nacido: 22 de junio de 1830, Łańcut, Polonia, Imperio Austriaco [ahora en Polonia]
Fallecido: 14 de noviembre de 1915, Dresde , Alemania (85 años)
Miembros notables de la familia: esposa Anna Esipova
Theodor Leschetizky (nacido el 22 de junio de 1830, Łańcut, Polonia, Imperio austríaco [ahora en Polonia] - murió el 14 de noviembre de 1915, Dresde, Alemania) fue un pianista y profesor polaco que, junto con Franz Liszt, fue el profesor de piano más influyente de su tiempo.
Leschetizky estudió con Carl Czerny en Viena y, por lo tanto, estuvo vinculado indirectamente con la interpretación del maestro de Czerny, Ludwig van Beethoven. En 1852 fue a San Petersburgo como pianista y profesor. A partir de 1878 enseñó en Viena. Como uno de los grandes pianistas de la era romántica, se acercó a la nota impresa con cierta libertad. Como profesor, enfatizó la comprensión profunda de la música , la técnica absolutamente sólida y, sobre todo, la belleza del tono. Aunque el célebre "método de enseñanza Leschetizky" fue muy discutido, él mismo afirmó no tener un método fijo, y sus estudiantes afirmaron que desarrolló las características individuales de cada estudiante. Entre sus alumnos se incluyeron muchos de los pianistas más destacados del siglo XIX y principios del XX, entre ellos Artur Schnabel, Ossip Gabrilowitsch e Ignacy Paderewski.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Piano en Do Mayor, en la versión de Peter Ritzen, y la Orquesta Filarmónica de Shanghái, dirigida por Peng Cao.
Carl Philip Stamitz es el representante más conocido de la
segunda generación de compositores que estuvieron activos en la corte del
Elector Palatino en Mannheim durante las décadas centrales del siglo XVIII.
Recibió su primera formación musical de su padre, Johann Stamitz, director de
música instrumental y líder de la incomparable orquesta de la corte de
Mannheim, y en los años posteriores a la temprana muerte de su padre, de los
músicos de la corte Christian Cannabich, Ignaz Holzbauer y Franz Xaver Richter.
Los registros orquestales existentes para el período 1762-1770 incluyen a Carl
Stamitz como segundo violinista en la orquesta de la corte, una posición que le
permitió forjar una brillante técnica interpretativa, así como estudiar el
repertorio contemporáneo de Mannheim.
Stamitz abandonó Mannheim en 1770 y viajó a París, donde, al
año siguiente, fue nombrado compositor de la corte del duque Luis de Noailles.
En París entró en contacto con muchos músicos destacados, entre ellos Gossec,
Leduc, Beer y Sieber, quienes publicaron varias de sus composiciones más
recientes y, junto con su hermano Anton, actuó habitualmente en el Concert
Spirituel. En el verano de 1772 Stamitz vivió en Versalles y compuso la primera
de varias sinfonías programadas, La promenade royale. Sus viajes como virtuoso
lo llevaron a Viena en 1772, a Frankfurt al año siguiente y en 1774 a
Augsburgo, Viena y Estrasburgo, donde publicó los seis cuartetos op.14.
La salida de Stamitz de París no ha sido documentada con
precisión, aunque Pohl afirmó que estuvo en Londres desde 1777 hasta al menos
1779. Los años de París fueron seguros y relativamente prósperos para Stamitz.
Después de su partida, sin embargo, nunca volvió a ocupar un puesto permanente
importante, ni siquiera durante los años de su mayor fama internacional. En
Londres publicó muchas composiciones, especialmente obras de cámara, y continuó
autodenominándose "Compositor del duque de Noailles". Algún tiempo
después de 1779 se trasladó a La Haya, donde apareció como solista de viola en
al menos 28 conciertos en la Corte de Guillermo V de Orange, incluido uno el 23
de noviembre de 1783 en el que Beethoven (de doce años) tocó el fortepiano.
Durante los años siguientes, Stamitz viajó incesantemente,
presentando academias en Hamburgo, Lübeck, Magdeburgo, Leipzig y muchos otros
centros. Dirigió una representación del Mesías de Händel en la Catedral de
Berlín en 1786 y en 1787 estuvo en Núremberg para una representación de su
alegoría musical con motivo del ascenso en globo de Blanchard.
Los últimos años de Stamitz siguieron prácticamente el mismo
patrón que la década inmediatamente posterior a su salida de París. Viajó
mucho, hizo peticiones ocasionales de empleo y envió sus composiciones a
lugares tan lejanos como Gales y Rusia con la esperanza de obtener una
compensación lucrativa. A mediados de la década de 1790 se desempeñó brevemente
como maestro de capilla y profesor de música en la universidad de Mannheim,
pero los ingresos eran insuficientes para mantener a su familia. Su esposa
durante diez años, María Josepha (de soltera Pilz) murió en enero de 1801 y el
propio Stamitz murió en noviembre del mismo año, poco antes de que su viaje
planeado a San Petersburgo recibiera la aprobación oficial. A pesar de su
temprana fama, sus obvias dotes como intérprete y compositor y sus esporádicos
experimentos en alquimia, Carl Stamitz murió tan endeudado que sus posesiones tuvieron
que ser subastadas para ayudar a pagar a sus acreedores. Se imprimió un
catálogo impreso de su colección de música para una subasta separada en 1810,
pero la colección desapareció hace mucho tiempo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Flauta y Orquesta en Sol Mayor, en la versión de Davide
Baldo, y la Orquesta Bohemia, dirigida por Giuseppe Montesano.
Domenico Carlo Maria Dragonetti nació en Venecia, Italia, el
7 de abril de 1763, y murió en Londres, Reino unido, el 16 de abril de 1846. Contrabajista
y compositor.
Domenico Dragonetti, bajista y compositor italiano (m. 1846)
Domenico Carlo Maria Dragonetti (7 de abril de 1763 - 16 de
abril de 1846) fue un virtuoso y compositor italiano del contrabajo con un
contrabajo de 3 cuerdas. Permaneció durante treinta años en su ciudad natal de
Venecia, Italia y trabajó en la Ópera Buffa, en la Capilla de San Marco y en la
Gran Ópera de Vicenza. En ese momento se había vuelto notable en toda Europa y
había rechazado varias oportunidades, incluidas las ofertas del Zar de Rusia.
En 1794, finalmente se mudó a Londres para tocar en la orquesta del King's
Theatre y se estableció allí por el resto de su vida. En cincuenta años, se
convirtió en una figura destacada en los eventos musicales de la capital
inglesa, actuando tanto en los conciertos de la Philharmonic Society of London
como en eventos más privados, donde se reunía con las personas más influyentes
del país, como el El príncipe consorte y el duque de Leinster. Conoció a los
compositores Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, a los que visitó en varias
ocasiones en Viena, ya los que mostró las posibilidades del contrabajo como
instrumento solista. Su habilidad con el instrumento también demostró la
relevancia de escribir partituras para el contrabajo en la orquesta separadas
de la del violonchelo, que era la regla común en ese momento. También se le
recuerda hoy por el arco Dragonetti, que desarrolló a lo largo de su vida.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Contrabajo y Orquesta en La Mayor, en la versión de Charles
Chandler, junto a la Orquesta de la Academia de San Francisco, dirigida por Andréi
Gorbatenko.
Karl Yulievich Davydov nació en Goldingen, Imperio ruso, el 15
de marzo de 1838, y murió en Moscú, Rusia Imperial, el 26 de febrero de 1889. Violonchelista,
compositor, director de orquesta y pedagogo.
Karl Davidov fue un importante violonchelista ruso del siglo
XIX. Nació en Letonia en 1838 en el seno de una familia de músicos. Su padre
era médico y violinista aficionado. Karl comenzó a tomar clases de piano a los
cinco años y a los doce empezó a tocar el violonchelo con Heinrich Schmidt,
violonchelista principal del Teatro de Moscú.
Davidov fue un niño prodigio, pero sus padres insistieron en
que completara su educación antes de emprender una carrera como violonchelista.
Se licenció en matemáticas en la Universidad de San Petersburgo y
posteriormente estudió composición en el Conservatorio de Leipzig con Moritz
Hauptmann. Bajo la influencia de Hauptmann, Davidov se convirtió en uno de los
primeros violonchelistas en vincular la técnica del violonchelo con los
aspectos anatómicos y fisiológicos de la interpretación.
En ese momento de su vida, la intención de Davidov era ser
compositor; sin embargo, tras sustituir a Grutzmacher con poca antelación y ser
muy bien recibido como violonchelista, optó por esa vía. Cuando Grutzmacher se
mudó a Dresde, Davidov, que entonces tenía 22 años, ocupó su puesto en el
Conservatorio de Leipzig como profesor de violonchelo.
Posteriormente, Davidov realizó extensas giras por Europa y
fue considerado el mejor violonchelista de su época. Chaikovski lo declaró el
"Zar de los Violonchelistas". Julius Klengel, otro violonchelista
destacado, dijo: "Solo entendí el significado de tocar el violonchelo
después de escuchar a Davidov en San Petersburgo en mi juventud".
En 1876, Chaikovski y Davidov se postularon para el puesto
de director del Conservatorio de San Petersburgo, y fue Davidov quien obtuvo el
puesto. En 1887, se vio obligado a huir de Rusia tras ser descubierto en una
escandalosa relación amorosa con una bella joven estudiante del conservatorio.
Regresó a Rusia al año siguiente y reanudó sus conciertos. En enero de 1889, a
los cincuenta años, enfermó repentinamente durante la interpretación de una
sonata de Beethoven, falleciendo pocos días después.
Davidov opinaba que los violonchelistas debían aprender de
la técnica de los violinistas y aconsejaba a sus alumnos que observaran
atentamente a los mejores violinistas. Perfeccionó la técnica del violonchelo,
tocando con el pulgar en las cuerdas graves (posteriormente llamada bisagra
Davidov). Su composición más famosa para violonchelo, que aún se interpreta hoy
en día, es "En la fuente". También escribió cuatro conciertos para
violonchelo. Entre sus numerosos alumnos se encontraban Carl Fuchs, Leo Stern y
Hanus Wihan, a quien Dvorák dedicó su famoso concierto para violonchelo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con dos obras, en primer término, el Concierto para Violonchelo y Orquesta Nº 1
en Si Menor Op. 5, en la versión de Marina Tarasova, junto a la Orquesta
Sinfónica Davydov, dirigida por Konstantin Krimets, y la Fantasía sobre una
canción popular rusa para Violonchelo y Orquesta, Op. 7, en la versión de Alexander
Rudin, como solista y director al frente de la Orquesta de Cámara Música Viva.
Michel Blavet nació en Besançon, Francia, el 13 de marzo de
1700, y murió en París, Francia, el 28 de octubre de 1768. Compositor y flautista.
El sitio www.early-music.com
publicó este recordatorio firmado por Francois Filiatrault.
Miguel Blavet (1700-1768)
La mayoría de los compositores del Barroco alcanzaron la
fama en vida como intérpretes virtuosos; basta pensar en Vivaldi, el
violinista, o en Bach, tocando el órgano o el clavicémbalo, enriqueciendo el
repertorio de sus instrumentos. Aunque su producción fue considerablemente
menor, Michel Blavet, quizás el flautista francés más distinguido de su siglo,
aprovechó de forma ejemplar las posibilidades del instrumento perfeccionado por
la familia Hotteterre a mediados del reinado de Luis XIV. Conocida entonces
como flauta allemande (por razones que aún permanecen desconocidas), la flauta
barroca, con su ánima cónica, compuesta primero por tres y luego por cuatro
segmentos ajustables, así como una llave para facilitar la obtención del re
sostenido en el registro de potencia, relegó a un segundo plano a la flauta
dulce en las primeras décadas del siglo XVIII. Músicos y público preferían su
refinamiento, su sutil expresividad y su potencial para modular el volumen
mediante la respiración. Los compositores se apresuraron a explotar estos
atributos y a ocultar las ligeras desigualdades de intensidad resultantes de la
digitación cruzada necesaria para producir medios tonos.
Nacido en Besançon en marzo de 1770, Michel Blavet era hijo
de un hábil tornero de madera. En el taller de su padre, comenzó a manipular
desde muy joven el instrumento que más tarde sería suyo, familiarizándose
también con el fagot. A los 21 años, se definiría como músico. Curiosamente, al
no haber tenido profesor, tocaría con la mano izquierda toda su vida. Pero,
como comentaría posteriormente el flautista Philippe Allain-Dupré, «esta forma
de tocar es perfectamente compatible con la posición de las manos en un
instrumento de una sola llave, aunque la configuración asimétrica de la
boquilla normalmente favorece la ejecución con la mano derecha». Lo más
probable es que Blavet encargara instrumentos según sus especificaciones o los
fabricara él mismo, como ya hicieron Hotteterre y Quantz antes que él.
En 1723, poco después de su matrimonio, y con el apoyo del
marqués de Levis, Blavet acompañó al marqués a París, donde tres años más tarde
lo encontramos al servicio del príncipe de Carignan. No tardaría en abandonar
este primer puesto; el príncipe, profundamente endeudado, no pudo pagar a sus
músicos, quienes posteriormente fueron contratados por el general La
Poupliniere, protector de Rameau, quien formaría el núcleo de su orquesta
privada. Desde 1731 hasta su muerte el 28 de octubre de 1766, Blavet ocupó el
cargo de superintendente de música de Luis de Borbón-Condé, conde de Clermont.
Rápidamente, la reputación de nuestro músico trascendió las fronteras
existentes; siendo aún príncipe heredero de Prusia, el futuro Federico II, un
flautista de talento, intentó en varias ocasiones conseguir sus servicios. Blavet
declinó la oferta y fue nombrado Ordinario de la música de la Cámara del Rey
alrededor de 1736, y cuatro años más tarde, flauta solista de la Ópera. También
tocó en la orquesta del Théâtre des Petits Appartements, cuyas actividades
musicales supervisaba la Marquesa de Pompadour, junto a violinistas como
Mondonville y Guillemain, así como distinguidos aficionados: el Marqués de
Sourches y el Conde de Dampierre a las violas, y el Príncipe de Dombes al
fagot.
Poco después de establecerse en la capital, en marzo de
1736, Blavet actuó por primera vez en el Concert Spirituel, la serie de
conciertos públicos abiertos a melómanos de todos los ámbitos, donde se
interpretaba música que antes estaba reservada a la Corte Real y a los lujosos
salones privados de París. Pocos dudan de que su actuación en el Concert
Spirituel impulsó su carrera.
A lo largo de los años, hasta 1749, interpretó, junto a
virtuosos violinistas como Guignon, Leclair y Mondonville, obras de
compositores franceses e italianos, así como sus propias composiciones,
incluyendo su único concierto para flauta. Dos relatos coincidentes también
establecen que, en 1738, participó en el estreno de los Nouveau Quatuors
Parisiens de Telemann con motivo de la visita del prolífico alemán a París.
Además de Blavet, Hubert LeBlanc menciona a intérpretes como Leclair, Forqueray
el Joven a la viola, Camus al violonchelo, con el compositor al clavicémbalo,
mientras que el propio Telemann designó a Guignon como violinista y a Edouard
como violonchelista. Es perfectamente razonable concluir que se celebró más de
una velada musical. Y parece que Blavet era un intérprete habitual. Admirador
de Telemann, fue uno de los primeros suscriptores de Tafelmusik, publicada
cinco años antes en Hamburgo.
Aunque estaban más impresionados con el intérprete que con
el compositor, los contemporáneos de Blavet fueron unánimes en sus elogios a su
arte. La precisión y belleza de su técnica, la diversidad de su rango expresivo
y su extraordinaria destreza en los pasajes rápidos se ganaron una admiración
incondicional. Serre de Rieux, en su Les Dons des enfants de Latone, publicado
en 1734, escribió que "resucitó el arte y el destino de la flauta de la
somnolencia a la que había parecido condenada durante mucho tiempo", y que
su interpretación se caracterizaba por "un fresco estallido de luz
brillante". Hubert LeBlanc, en su Defense de la basse de viole, publicado
en 1740, escribió que "la flauta, tal como la tocaba Blavet, es preferible
al violín en su capacidad de imitar la voz", que era, para su época, el
cumplido de los cumplidos; la voz humana seguía siendo el estándar absoluto de
la expresividad musical. Daquin de Chateau-Lyon, en su Lettre sur les homes
celebres du regne de Louis XV (1752), informa que «según la admisión de aquellos
que están al tanto, Monsieur Blavet no conoce a nadie superior en la ejecución
de sonatas y conciertos», concluyendo; «la lengua más limpia, el fraseo más
fino, una vivacidad prodigiosa. Igualmente en casa en los pasajes tiernos,
voluptuosos y en los más desafiantes: he aquí, Monsieur Blavet». También
podríamos agregar que, en 1742, Boismortier, al dedicarle las Sonatas del Opus
91, opinó que «los sonidos arrebatadores por los cuales penetra nuestro sentido
mismo son, para estas piezas, la mejor garantía de una audiencia pública»,
mientras confiaba en que serían recibidas «como prueba positiva de la amistad
que encarnan». Por último, pero no por ello menos importante, Quantz, a quien
había conocido durante una visita a París en 1726, elogió a Blavet en su
autobiografía, declarándolo como el “más admirable” de todos los flautistas que
había escuchado hasta entonces.
La producción de Blavet es, en efecto, modesta. Aparte de
cuatro óperas, encargadas por su patrón en 1752 y 1753 para el Château de Berry
—su ópera bufa, Le Jaloux Corrige , se representaría en la Ópera en el apogeo
de la controversia filosófica y musical conocida como la «Quelelle des
Bouffons»—, dejó, además de un concierto manuscrito, tres libros de seis
sonatas cada uno: el primero para dos flautas sin bajo, dedicado al Príncipe de
Carignan, y otros dos para flauta y bajo continuo, publicados en 1732 y 1740,
uno dedicado a la Duquesa de Bouillon, entonces amante del Conde de Clermont, y
el otro al propio Conde. Por razones pedagógicas también publicaría, entre 1744
y 1751, tres Recueil(s) de pieces, petits airs, Brunettes, Menuets, etc., avec
des doubles et varys, accomodes pour les flutes traversiers, violins, pardessus
de viole, etc., consistentes en arreglos para dos instrumentos, sin línea de
bajo, de arias de ópera o piezas para clavicémbalo de varios compositores
diferentes, incluidos Rameau y Handel, cuya música rara vez se escuchaba en
Francia en ese momento. La segunda colección, publicada en 1732, se titula:
Sonates melees de pieces pour le flute traversiere avec la basse. Blavet ya no
pertenece a la generación de “les gouts reunis”, que se había propuesto
explícitamente fusionar formas y géneros italianos y franceses para “llevar la
música al punto de la perfección”, como lo expresó Couperin. Abandonando la
antigua suite de danzas, los franceses ahora escribieron descaradamente sonatas
al estilo italiano, empleando los rasgos virtuosos comunes a Vivaldi y
Locatelli mientras adoptaban la terminología musical italiana que se ha vuelto tan
familiar para los asistentes a conciertos de hoy.
Si damos crédito a los numerosos testimonios sobre su arte,
Michel Blavet debe considerarse uno de los mejores intérpretes de su época,
independientemente de su origen nacional. Por diversas razones, desde la
tecnología de la fabricación de instrumentos hasta la difusión de la música
mediante conciertos públicos, sin mencionar las posibilidades que ofrecían las
nuevas formas musicales, el siglo XVIII fue sin duda la cuna del virtuosismo,
tanto vocal como instrumental. Pero las obras de este gran flautista demuestran
que nunca fue en detrimento de la música.
Texto de Francois Filiatrault.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Flauta, dos Violines y Bajo Continuo en La Menor, en la
versión de Bathold Kuijken, en flauta barroca, y la Orquesta Barroca de
Indianápolis.
Ludwig Philipp Scharwenka nació en Szamotuły, Gran Ducado de
Posen, entonces reino de Prusia, el 16 de febrero de 1847, y murió en Bad
Nauheim, Alemania, el 16 de julio de 1917. Pianista, compositor y profesor de
música.
Ludwig Philipp Scharwenka (16 de febrero de 1847, Szamotuły,
Gran Ducado de Posen - 16 de julio de 1917, Bad Nauheim) fue un compositor y
profesor de música polaco-alemán. Era el hermano mayor de Xaver Scharwenka.
Entrenamiento temprano
Scharwenka nació en Szamotuły (Samter), Gran Ducado de Posen.
Al igual que su hermano menor Xaver, recibió su primera instrucción musical
intermitente en Posen (hoy Poznań). Después del cierre del Gymnasium
(universidad) en 1865, estudió teoría musical junto con su hermano con Richard
Wüerst y Heinrich Dorn en la nueva Academia de Música de Berlín, donde, a
partir de 1868, él mismo fue contratado como profesor de teoría y composición.
En este período aparecieron sus primeras composiciones. En 1874 estrenó una
obertura y una sinfonía por primera vez en un concierto propio.
Composiciones
A pesar de sus numerosas obligaciones docentes, Philipp
Scharwenka se mantuvo en primera línea como compositor y fue reconocido como
tal durante su vida. Sus composiciones incluyen tres sinfonías, poemas
sinfónicos, un concierto para violín, algunas obras corales (de las que
Sakuntala se hizo muy famoso), la ópera de 4 actos Roland, así como numerosas
obras instrumentales como sonatas, cuartetos, caprichos y danzas. Muchos de los
principales directores de la época, incluidos Arthur Nikisch, Anton Seidl y
Hans Richter, interpretaron sus obras orquestales. Todavía es conocido por sus
obras de cámara, incluidos dos tríos para piano, dos tríos para violín, viola y
piano, dos sonatas para violín, una sonata para viola, una sonata para
violonchelo, dos cuartetos de cuerda, y un quinteto para piano.
En contraste con las composiciones muy extrovertidas de su
hermano, las obras polifacéticas de Philipp tienen inflexiones oníricas y
profundamente melancólicas. Sus obras más apreciadas son las obras de cámara a
partir de 1896, que mantienen los modelos formales tradicionales y muestran una
considerable variedad de invenciones melódicas y rítmicas. En ellas, Scharwenka
logró (a pesar de las restricciones conservadoras de la época en la que
escribía) mediante técnicas compositivas muy refinadas, algo cercano a una
paleta tonal impresionista. Estas obras encontraron intérpretes tan
distinguidos como Willy Burmester, Julius Klengel y Moritz Meyer-Mahr.
Uno de sus admiradores fue Max Reger, quien en 1898 le
dedicó sus Fantasías Op. 26. En el marco del 37º Congreso de Compositores de
1900, se representó en Bremen su Fantasía dramática para orquesta Op. 108, que
fue premiada por la Sociedad Nacional de Música Alemana.
Director del conservatorio
En 1881, cuando se inauguró el Conservatorio Scharwenka en
Berlín, su hermano Xaver le confió la dirección de la enseñanza de teoría y
composición y, en 1891, la del conservatorio hermano de Nueva York. Philipp
regresó a Berlín en 1892 para hacerse cargo del Conservatorio, que en 1893
fusionó con la Escuela de piano de Karl Klindworth para formar el Conservatorio
Klindworth-Scharwenka. Este se convirtió en una institución destacada en el
panorama musical de Berlín. Como director del Conservatorio, Scharwenka
permaneció activo hasta su muerte en 1917. Otto Klemperer estudió con él en
Berlín y Oskar Fried fue otro alumno muy distinguido.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Violín y Orquesta en Sol Mayor Op. 95, en la versión de Linus
Roth, y la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC, dirigida por Antony Hermus.
Mieczysław Weinberg (Mojsze Wajnberg en polaco; Moisey
Samilovich Vay(i)nberg en ruso), compositor soviético de origen judío-polaco,
está considerado uno de los compositores soviéticos de mayor éxito del siglo
pasado, junto con Prokofiev y Shostakovich. Weinberg escribió 22 sinfonías, 17
cuartetos de cuerda, siete óperas, seis conciertos, tres ballets, 30 sonatas y
más de 200 canciones, además de 60 partituras para películas y música
incidental para teatro y circo. La música de Weinberg no se interpretó
internacionalmente durante su vida, en parte debido a su aversión a la
autopromoción y a que se le consideraba poco comercial (al menos a los ojos de
los soviéticos) por ser judío polaco, aunque sus obras fueron interpretadas
ampliamente en Rusia por destacados músicos y directores. En los últimos años,
Weinberg ha disfrutado de un éxito póstumo, y la publicación de grabaciones de
sus obras y estrenos de composiciones no interpretadas anteriormente fuera de
Rusia (incluido un concierto de su ópera El pasajero en Moscú 2006, y su
Réquiem en 2009) han fomentado una reevaluación de su importancia como
compositor posmoderno.
Nacido en Varsovia en el seno de una familia judía de
músicos y actores, Weinberg demostró talento como pianista e ingresó en el
Conservatorio de Varsovia a los 12 años, estudiando con Jozef Turczynski. La familia
Weinberg había sufrido persecución antisemita durante la década de 1930 y,
cuando estalló la guerra en 1939, Mieczysław se vio obligado a rechazar la
oportunidad de viajar a Filadelfia, Estados Unidos, para trabajar con el
compositor polaco-estadounidense Josef Hofmann. En su lugar, Weinberg viajó al
este, a Minsk: en la frontera, los guardias escribieron su nombre en los
papeles como "Moisey", una versión de su nombre que le acompañaría
hasta 1982, cuando se le permitió oficialmente volver a adoptar su nombre
polaco. La madre, el padre y la hermana de Weinberg, que se habían quedado en
Varsovia, murieron en el campo de concentración de Trawniki.
En Minsk, Weinberg estudió con Vasily Zolotaryov (alumno de
Rimsky-Korsakov) hasta que los alemanes llegaron a Rusia en junio de 1941 y se
vio obligado a trasladarse de nuevo, esta vez a Tashkent (actual capital de
Uzbekistán), donde conoció y se casó con Natalia Vovsi, hija del famoso actor e
intelectual soviético-judío Solomon Mikhoels. Durante su estancia en Tashkent,
Weinberg compuso su Primera Sinfonía y su ciclo de Canciones infantiles
utilizando textos judíos e inspirándose en la música klezmer y ashkenazi. El
compositor envió un manuscrito de su Primera Sinfonía a Dmitri Shostakóvich,
quien le invitó a Moscú; Weinberg obtuvo permiso para vivir en Moscú a partir
de 1943, donde se hizo muy amigo de Shostakóvich. Aunque Weinberg nunca fue su
discípulo, el primero se describió a sí mismo como "[el] alumno [de
Shostakovich, su carne y su sangre"
Incluso después de la Segunda Guerra Mundial, Weinberg no
había escapado a la persecución. Aunque el antisemitismo se había relajado un
poco bajo Stalin (que había querido contar con el apoyo financiero judío
durante la guerra), a partir de 1946 se sucedieron las purgas antisemitas. El
13 de enero de ese año, el suegro de Weinberg fue asesinado por orden de
Stalin, y su muerte escenificada como un accidente. Ese mismo día, el
secretario del Comité Central, Andrei Zhdanov, amplió la zhdanovshchina -una
política cultural diseñada para librar a la Unión Soviética de obras creativas
que pudieran asociarse con la cultura occidental- para incluir tanto a
compositores como a escritores e intelectuales. La política de Zhdanov incluía
implícitamente asociaciones con artistas y pensadores judíos. Muchos
compositores influyentes, como Shostakovich, Prokofiev, Khachaturian, Popov y
Myaskovsky, fueron señalados como "formalistas" y sus obras fueron
prohibidas. Aunque la música de Weinberg no se prohibió oficialmente al principio,
fue ignorado por la clase dirigente musical de la Unión Soviética y denunciado
en discursos, principalmente por su asociación con Shostakovich. Durante esta
época, Weinberg se ganaba la vida componiendo música incidental para teatro y
circo. En 1948, los soviéticos prohibieron su Sexto Cuarteto, Cuadros festivos
para orquesta y Seis sonetos después de Shakespeare.
En 1953, el compositor fue detenido y acusado de conspirar
para establecer una república judía en Crimea, una acusación que no se basaba
en ningún hecho real pero que, sin embargo, conllevaba una sentencia de muerte.
Shostakovich consiguió un poder notarial para la hija de los Weinberg en caso
de que fuera enviada a un orfanato, y también escribió una carta personal al
viceprimer ministro de Stalin, Lavrentiy Beria, pidiendo que Weinberg fuera
liberado. Afortunadamente para el compositor, Stalin murió a finales de ese año
y Weinberg, junto con muchos otros prisioneros, fue liberado.
Aunque Weinberg vivió dos dictaduras, no se consideraba una
víctima y se enorgullecía de que muchas de sus composiciones fueran
interpretadas por intérpretes rusos "estelares". Sin embargo, muchas
de sus composiciones tenían como tema la guerra, y su estilo estaba influido
por la música folclórica judía, que a menudo citaba. Muchas de mis obras",
escribió, "están relacionadas con el tema de la guerra. Desgraciadamente,
no fue mi elección. Fue dictada por mi destino, por el trágico destino de mis
parientes. Considero mi deber moral escribir sobre la guerra, sobre los horrores
que se abatieron sobre la humanidad en nuestro siglo". Las sinfonías nº
17, 18 y 19 del compositor forman un trío titulado En el umbral de la guerra, y
su última sinfonía orquestal (completada), la nº 21, Kaddish, está dedicada a
los judíos que murieron en el gueto de Varsovia. Weinberg dedicó el manuscrito
de esta obra a Yad Vashem. Consideraba que su ópera, Passazhirka (El pasajero),
que transcurre en parte en Auschwitz, era su obra más importante.
El estilo musical de Weinberg se vio influido por su
estrecha amistad con Shostakovich, así como por Prokofiev, Mahler, Mendelssohn,
Myaskovsky y Bartók, y por influencias como la música folclórica judía, polaca
y moldava. Después de la zhdanovshchina, Weinberg empezó a incluir más
influencia folclórica y estructuras más sencillas en sus obras, quizá porque
esto estaba más en consonancia con la política cultural soviética. La
Sinfonietta n.º 1 de Weinberg, terminada en marzo de 1948, iba precedida de una
cita de su suegro que posteriormente fue eliminada al publicarse: "En los
campos de los koljoses también empezó a sonar una canción judía; no una canción
del pasado, llena de tristeza y miseria, sino una nueva y alegre canción de
creación y trabajo". La cita hace referencia al mismo tiempo a la
influencia judía de la obra y puede interpretarse como propaganda realista
soviética.
Weinberg casi siempre se caracteriza (y a menudo es
criticado) por su parecido con Shostakovich, aunque la influencia fue ciertamente
recíproca, y se cree que Weinberg inspiró el interés de Shostakovich por la
música folclórica judía. Los compositores comparten similitudes en la
orquestación, la instrumentación, los gestos, la temática, la exploración del
registro y el uso de temas largos, y en ocasiones se citan mutuamente sus
composiciones: Weinberg cita el motivo de dos notas de la Cuarta Sinfonía de
Shostakovich en su propia Quinta Sinfonía, por ejemplo. El ciclo de
Shostakovich De la poesía popular judía fue compuesto poco después de que ambos
compositores se conocieran, meses después de que Weinberg compusiera su ciclo
Canciones infantiles, inspirado en el folclore judío. Weinberg solía ayudar a
Shostakovich a presentar sus nuevas composiciones a la Unión de Compositores
interpretando las nuevas obras como dúos de piano a cuatro manos; su recital de
la Décima Sinfonía de este último en 1954 se ha publicado en LP y CD.
Por Abaigh McKee
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Violonchelo y Orquesta en Re Menor Op. 43, en la versión
de Sol Gabetta, y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, dirigida por Mikko
Franck.
Robert Juan René Gerhard Ottenwaelder, más conocido como
Roberto Gerhard, nació en Valls, Tarragona, España, el 25 de septiembre de 1896,
y murió en Cambridge, Reino Unido, el 5 de enero de 1970. Compositor.
(Roberto o Robert Gerhard; Valls, 1896 - Cambridge, 1970)
Compositor español. Introductor en España del dodecafonismo y las teorías de la
Segunda Escuela de Viena, fue uno de los más notables representantes de la
Generación musical del 27.
Roberto Gerhard
De padre suizo y madre alsaciana, Roberto Gerhard siempre
dirigió su mirada hacia la música germánica, combinándola acertadamente con los
ritmos y melodías del folclore de su Cataluña natal. A los doce años de edad se
trasladó a Lausanne (Suiza) para estudiar comercio obligado por su padre, pero
a los diecisiete años decidió dedicarse de lleno a la música y para ello viajó
a Múnich, en cuyo conservatorio (Musikhochschule) se matriculó en 1913.
Poco después estalló la Primera Guerra Mundial, y Gerhard
tuvo que volver a Cataluña. Una vez en Barcelona se inscribió en las clases de
piano de Enric Granados, y tras la muerte de éste, ocurrida en 1916, continuó
recibiendo lecciones de Frank Marshall. Comenzó también a estudiar composición
con Felip Pedrell, que había sido maestro de Isaac Albéniz, Manuel de Falla y
Enric Granados y defendía la simbiosis de las raíces musicales españolas con la
metodología de la tradición sinfónica europea. La influencia de Pedrell fue
crucial para la carrera compositiva de Roberto Gerhard, quien en aquella época
fue asistente del folclorista Joan Amades y cultivó una buena amistad con
Manuel de Falla, al que admiraba profundamente.
Durante su periodo de formación en Barcelona compuso dos
obras vocales destacables: el ciclo de canciones basado en poemas de Josep
Maria López Picó, gran amigo del compositor, y L'infantament meravellós de
Schahrazada, dedicado a la soprano Conchita Badía. Esta última obra utiliza
profusamente el cromatismo y posee sonoridades de las músicas alemana y rusa de
las primeras décadas del siglo XX, lo cual era realmente innovador para la
música española de la época, más cercana a la tradición francesa. En su Trío
con Piano de 1918, Gerhard se acerca más a los lenguajes de Maurice Ravel y
Claude Debussy, conjugando dicha influencia con aspectos del folclore
peninsular.
En 1920 concluyó sus estudios con Pedrell y continuó
componiendo obras como Dos Apunts para piano o Sept Haiku para voz y ensemble
en un estilo cercano al serialismo. En 1923 fue aceptado en las clases de
composición de Arnold Schönberg en Viena, ciudad donde conoció a la que más
tarde se convertiría en su esposa, Leopoldina Feichtegger. En 1925 se trasladó
a Berlín junto a su maestro, del que ya había llegado a ser asistente, y continuó
su formación con él.
Sus obras de este período muestran las influencias de
Schönberg en aspectos como la claridad en la forma, lo complejo de la textura
contrapuntística y la concisión formal. Estas características se pueden
escuchar tanto en su Quinteto de Viento como en el Concertino para Cuerdas, si
bien poco tiempo después, al regresar a Barcelona, compuso una obra de raíces
claramente nacionalistas: las Catorce canciones populares de Cataluña.
En 1930 se celebró su boda con Leopoldina en Barcelona. Al
año siguiente Gerhard obtuvo un puesto de profesor de música en la Escola
Normal de la Generalitat de Catalunya y pasó a encargarse del departamento de
música de la Biblioteca de Catalunya. Ese mismo año, en 1931, Schönberg y su
esposa se trasladaron a la capital catalana durante ocho meses invitados por
los Gerhard. Allí Schönberg tuvo la oportunidad de dirigir sus obras con la
orquesta de Pau Casals y compuso la partitura de Moises y Aaron.
En 1936, y gracias al empeño de Roberto Gerhard, tuvo lugar en
Barcelona el XVI Festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea.
En el marco de dicho evento se estrenó el Concierto para Violín de Alban Berg y
el ballet del propio Gerhard titulado Ariel, sobre textos de Josep Vicenç Foix
basados en La tempestad de Shakespeare, así como en ciertas imágenes
folclóricas catalanas. Pocos meses después del estreno de Ariel, Gerhard se
centró en la composición de otro ballet basado en danzas folclóricas de
Cataluña que se estrenó en forma de suite en 1972. Su título provisional fue
Soirées de Barcelone y en él se dejan ver influencias tanto de Igor Stravinsky
como de Bela Bartok.
Tras el fin de la Guerra Civil española y el ascenso al
poder del general Francisco Franco en 1939, Gerhard decidió trasladarse al
extranjero, como hicieron muchos de los artistas de la Generación del 27. En un
principio se instaló en París, ciudad donde residían sus amigos Joan Miró y
Josep Lluís Sert, pero en junio de 1939 le fue ofrecida una beca de
investigación en el King's College de la Universidad de Cambridge (Reino
Unido), donde permanecería hasta su muerte. Dado que su música no poseía en un
principio un público fiel en Inglaterra, durante la década de los años cuarenta
Gerhard tuvo que realizar arreglos de zarzuelas y música popular española para
la orquesta de la BBC utilizando el pseudónimo de "Juan Serralonga".
En 1941 se celebró el centenario del nacimiento de Pedrell,
para el que Gerhard escribió el Cançionero de Pedrell. Ese mismo año terminó el
ballet Don Quijote para orquesta de cámara, una obra serial que describe con
maestría las contradicciones entre Don Quijote y Sancho Panza. El ballet, que
más tarde fue divulgado por la BBC en un programa de radio sobre la célebre
novela de Miguel de Cervantes, se estrenó en el teatro Sadler's Wells de
Londres en 1951 tras sufrir diversos cambios.
Antes de esa fecha Gerhard ya había compuesto otros dos
ballets, Alegría y Pandora, por encargo del Ballet Rambert y del Ballet Joos,
respectivamente. El primero de ellos, Alegría, posee ciertas resonancias del
folclore andaluz, mientras que el segundo contiene muchos elementos de la
música popular de Cataluña. Pero su obra escénica más importante es sin duda La
Dueña, inspirada en la comedia The Duenna, de Richard Sheridan, en la que rinde
tributo a la tonadilla escénica dieciochista de compositores como Pablo Esteve
o Blas de Laserna.
Además de dedicarse a componer música para la escena,
Gerhard creó numerosas obras orquestales como el Concierto para violín,
dedicado al solista catalán Antonio Brosa y muy cercano a las ideas
compositivas de Schönberg. Asimismo, el lenguaje utilizado en su Concierto para
piano vuelve a ser de carácter serial, pero con incursiones en el folclore
catalán y en la música ibérica renacentista para teclado.
El interés por la búsqueda de nuevos sonidos y texturas le
llevó a acercarse a la música electroacústica. La BBC le montó en su propia
casa un pequeño estudio donde Gerhard manipulaba electrónicamente sonidos y los
utilizaba en ciertas composiciones de música incidental para seriales
radiofónicos u obras de teatro como King Lear, de Peter Brook, en 1955.
Al año siguiente, la revista The Score le rindió un homenaje
dedicándole un número completo en el que escribieron Laurence Picken y David
Drew, entre otros. Por aquel entonces el compositor catalán ya había concluido
su Sinfonía nº 2 por encargo de la BBC, institución en la que Gerhard ocupó
diversos puestos. Además, enseñó en los cursos de verano de Dartington
(Inglaterra) y ejerció la docencia en los Estados Unidos de manera ocasional,
concretamente en el prestigioso Berkshire Music Center de Tanglewood y en la
Universidad de Michigan.
Los últimos diez años de la obra de Gerhard están marcados
por una evolución en sus técnicas compositivas cuyo fruto se deja ver en las
obras de este periodo, todas ellas de un solo movimiento polimórfico. Las
numerosas composiciones de esta última década comienzan con su Sinfonía nº 3
"Collages", que data de 1960. En ella sólo hay un movimiento que se
divide en siete secciones en las que intenta reflejar las experiencias vividas
en sus viajes al continente americano. En la cuarta sección, Gerhard utiliza la
electrónica para crear distintos efectos.
Otras obras, como el Cuarteto de cuerda nº 2 o el Concert
per a 8, también constan de un solo movimiento dividido en secciones. Pero sin
duda su obra más notoria de este periodo es la cantata La peste. La partitura
está basada en la obra de igual nombre de Albert Camus, con quien Gerhard
colaboró estrechamente. Además de utilizar recursos electrónicos, Gerhard
cuenta en La peste con un narrador para recitar el texto y con un coro,
siguiendo la tradición de las tragedias griegas. Tras La peste vinieron su
Sinfonía nº 4 "New York" -compuesta por encargo de la Orquesta
Filarmónica de Nueva York- y tres obras camerísticas basadas en los signos del
zodíaco: Libra, Leo y Gemini.
Casi al final de su vida, en 1967, Gerhard fue nombrado
Comendador del Imperio Británico. Al año siguiente fue investido doctor honoris
causa por el King's College de la Universidad de Cambridge en reconocimiento a
su labor compositiva. En 1992, veintidós años después de la muerte de Gerhard,
La Dueña vio la luz en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y en el Liceu de
Barcelona, en una versión de la compañía británica Opera North dirigida por
Antoni Ros Marbá.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Orquesta, en la versión de la Orquesta sinfónica de la
BBC, dirigida por Matthias Bamert.
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