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François-Auguste Gevaert nació en Huysse, Bélgica, el 31 de
julio de 1828, y murió en Bruselas, Bélgica, el 24 de diciembre de 1908. Compositor
y musicólogo.
El sitio www.biografiasyvidas.com
publicó esta biografía
François Auguste Gevaert
(Huysse, 1828 - Bruselas, 1908) Compositor y musicólogo
belga. François Auguste Gevaert estudió en el Conservatorio de Gante y a los
dieciocho años obtuvo el Premio de Roma de Bélgica con la cantata Le roi Lear,
lo que le permitió viajar por Francia, España, Italia y Alemania. Luego se
estableció en París, donde triunfó en el Teatro Lírico con las óperas Georgette
ou le moulin de Fontenoy (1853), Le billet de Marguerite (1854) y Les
lavandières de Santarem (1855).
François Auguste Gevaert
Tres años después de este último éxito, se presentó en la
Ópera-Comique con su obra más ambiciosa, Quentin Durward, que fue reestrenada
en Bruselas en 1930. Tras Le diable au moulin, Le chateau trompette y Le
capitaine Herniot, que no alcanzaron la calidad de la obra anterior, fue
nombrado en 1867 director de la música de la Ópera de París. Además de estas
óperas, también escribió la cantata Jacob van Artevelde (1864), varios coros,
un cuarteto de viento, motetes, misas y un Te Deum.
Pero mientras gran parte de esta producción prácticamente se
ha olvidado, actualmente es recordado por ser el autor del canto nacional del
Congo, Vers l'avenir, encargada por el rey Leopoldo II de Bélgica en 1908. En
1870 regresó a Bruselas, donde fue nombrado director del Conservatorio.
Allí se dedicó principalmente a sus actividades como
profesor y musicógrafo. Se centró en el estudio de la historia musical, entre
cuyos resultados se encuentra un tratado de canto gregoriano y la preparación
de una gran colección de música secular de los siglos XVII y XVIII. También
publicó una colección de canciones del siglo XIX y estudios de orquestación,
teoría y armonía.
A continuación, recordamos a François Auguste Gevaert en el
día de su nacimiento, con el Nocturno para Piano, en la interpretación de
Eliane Reyes.
Donald Matthews Redman, más conocido como Don Redman, nació
en Piedmont, Virginia Occidental, Estados Unidos, el 29 de julio de 1900, y
murió en Nueva York, Estados unidos, el 30 de noviembre de 1964. Arreglador,
compositor, director de orquesta, cantante, clarinetista, oboísta y
saxofonista.
Comenzó a estudiar con su padre, posteriormente ingresó en
varios conservatorios, en 1923 se trasladó a Nueva York en 1923, para tocar con
la orquesta de Billy Paige. En 1924 integró la big band de Fletcher Henderson,
con quien realizó sus primeras grabaciones. Muy arraigado en el blues, acompañó
a las mejores cantantes del género como Bessie Smith, Ma Rainey, y Ethel Waters,
entre otras. En 1925 grabó con Duke Ellington. En 1927 se trasladó a Detroit,
para dirigir a los McKinney's Cotton Pickers, con los que logró un gran éxito.
En 1931 regresó a Nueva York donde formó su propia banda, con músicos de los
Cotton Pickers. Con esta orquesta tuvo un éxito enorme que se plasmó en
programas de radio y grabaciones. Paralelamente realizó arreglos para las
bandas de músicos como Louis Armstrong, Paul Whiteman, Ben Pollack, Isham Jones
y Bing Crosby, y colaboró en grabaciones con Fats Waller y Billie Holiday. A
partir de 1941 abandona su papel como director de orquesta, y se centró en la
realización de arreglos para Count Basie, Jimmie Lunceford, Cab Calloway y
Jimmy Dorsey. Entre 1943 y 1946 retomó su banda para realizar giras. En 1949
grabó junto a Sonny Rollins y realizó diversos programas de televisión. Don Redman
fue una figura esencial en el desarrollo del jazz. Dominó la escena neoyorkina
en la década de 1930, su estilo de arreglos influenció a todas las orquestas de
la época y supuso el paso del jazz tradicional a la modernidad. Creó la fórmula
de coro vocal al unísono, contestando a la voz solista, que luego fue explotado
al máximo por Tommy Dorsey con Frank Sinatra, y se destacó como cantante y
solista instrumental.
A continuación, recordamos a Don Redman en el día de su
nacimiento, con How'm I Doin'?
Ignaz Bösendorfer nació en Viena, Austria, el 28 de julio de
1796, y murió en su ciudad, el 14 de abril de 1859. Músico y fundador de la
empresa L. Bösendorfer Klavierfabrik.
Su padre fue carpintero. A los 19 años comenzó como aprendiz
en el taller del constructor de órganos y pianos Joseph Brodmann en Viena. En
1828 solicitó la licencia comercial para crear su propia empresa de fabricación
de pianos, L. Bösendorfer Klavierfabrik, y se hizo cargo del negocio de su
maestro, y comenzó a producir instrumentos por cuenta propia. Por aquella época,
Franz Liszt probó un piano Bösendorfer, lo que le dio gran repercusión social a
la compañía. En 1830, el Emperador austríaco Fernando I le concedió el título
de Fabricante de pianos de cámara imperial y de la Corte Real, y obtuvo
numerosas medallas de oro y premios. Con el aumento de la demanda, comenzó a
pensar en fundar una nueva fábrica, pero falleció y su hijo Ludwig lo sustituyó
al frente de la compañía.
A continuación, recordamos a Ignaz Bösendorfer en el día de su nacimiento, con el Nocturno en Mi Bemol Mayor Op. 55 Nº 2, de Frédéric Chopin, interpretado por Aleksandra Mikulska, en un piano Bösendorfer.
Andre George Louis Onslow nació en Clermont-Ferrand,
Francia, el 27 de julio de 1784, y murió en su ciudad, el 3 de octubre de 1853.
Compositor.
Estudió piano con Nicolas-Joseph Hüllmandel en Londres, luego
con Jan Ladislav Dussek en Hamburgo. Años más tarde fue alumno de
Johann-Baptist Cramer, y de Anton Reicha. Aprendió a tocar el violonchelo con
el que interpretó obras de cámara de Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph
Haydn, y Ludwig van Beethoven. A lo largo de la década de 1820 su reputación continuó
creciendo tanto en Francia como en el extranjero a medida que se publicaron una
serie de tríos, cuartetos y quintetos. Sus obras fueron publicadas en París por
Ignaz y Camille Pleyel. En Alemania por Breitkopf und Härtel, y en Austria por
CF Peters. En 1831 fue elegido como segundo miembro honorario de la Sociedad
Filarmónica de Londres, y escribió su Sinfonía Op. 42, y mantuvo estrechas
relaciones con los principales músicos de esa ciudad. Entre 1835 y 1838 fue el
presidente del Ateneo Musical en París, una asociación fundada en 1829 para
propagar el estudio y el espíritu de la música, con la intención de reunir
tanto a aficionados como a profesionales. En 1839 fundó la Société
Philharmonique de Clermont en la que el violinista polaco emigrado Alexandre
Tarnowski fue muy activo. En 1842 sucedió a Luigi Cherubini como miembro de la
Académie des Beaux-Arts. En 1846 fue invitado al festival de música de Aachen,
y al año siguiente viajó a Colonia. Como compositor dejó una importante
producción. Escribió 36 cuartetos de cuerda y 34 quintetos de cuerda, 10 tríos
para piano, tres óperas, una ópera temprana, Les deux oncles, y 4 sinfonías,
además de varias obras para piano solo, dúo de piano y sonatas para cuerdas
solistas y piano. Su música tuvo muchos seguidores en Alemania e Inglaterra.
A continuación, recordamos a George Onslow en el día de su
nacimiento, con el Gran Septeteto en Si Bemol Mayor Op.79,en la versión del Ensemble Consortium
Classicum.
El 23 de julio falleció Elsa Púppulo. Gracias a la generosidad de Estela Telerman compartimos esta entrevista realizada en el IUNA, el 22 de septiembre de 2010.
A continuación, recordamos a Elsa Púppulo con su
interpretación del Concierto para Piano y Orquesta Nº 3 en Re Menor Op. 30, de
Sergei Rachmaninoff, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Bruno
D’Astoli.
La Sra. Violaine, hija de Elsa Púppulo redactó esta semblanza.
BIOGRAFÍA DE ELSA PUPPULO
En el día de ayer falleció la pianista argentina Elsa
Púppulo, máximo exponente de la cultura, quien representó lo más alto de la
técnica junto a una hondura expresiva que la distinguieron en el mundo. Nacida
en San Miguel, provincia de Buenos Aires, en el año 1933, su talento la condujo
a los escenarios de Buenos Aires, Roma, Milán y Londres en los que se presentó
como solista, así como también acompañada por directores de la talla de Pedro
Ignacio Calderón, Pierre Brannens, Bruno Bandini, Juan Carlos Zorzi y
Washington Castro entre otros. Sus actuaciones fueron aplaudidas por distintos
medios nacionales como los diarios La Nación y Clarín, e internacionales, como
el "Daily Telegraph" en Gran Bretaña, el "Midi Libre"en
Francia e "Il nuovo Corrieri della Sera" en Italia entre otros.
John Field nació en Dublín, Irlanda, el 26 de julio de 1782,
y murió en Moscú, Rusia, el 23 de enero de 1837. Compositor y pianista.
Nació en el seno de una familia de músicos. Su padre fue
violinista. Comenzó a estudiar piano con su abuelo, que fue organista
profesional, y posteriormente con Tommaso Giordani. A los 9 años debutó, con
buena recepción de la audiencia. En 1793 la familia se trasladó a Bath, y luego
a Londres, donde estudió con el pianista, compositor y constructor de pianos
Muzio Clementi. Franz Joseph Haydn ponderó sus interpretaciones. A los 17 años
presentó el primero de los 17 conciertos para piano. En 1801 publicó su primer
conjunto de sonatas para piano, dedicadas a Muzio Clementi, y lo acompañó en
una gira por París y Viena. En esa ciudad recibió algunas clases de Johann
Georg Albrechtsberger. Cuando Clementi se trasladó a Rusia, lo acompañó como
demostrador de pianos, y consolidó carrera como concertista, con actuaciones en
Moscú y San Petersburgo, donde se estableció. En 1831 se deterioró su salud, y viajó
a Londres para continuar con su tratamiento. En 1835 regresó a Rusia, y compuso
sus últimos nocturnos. Fue el primer compositor que le dio el nombre de
Nocturnos a esas composiciones, y está considerado como el padre del nocturno
romántico. Fue reconocido por sus contemporáneos por su forma de tocar el
piano, y sus obras influenciaron a muchos compositores como Frederick Chopin,
Johannes Brahms, Robert Schumann y Franz Liszt.
A continuación, recordamos a John Field en el día de su
nacimiento, con el Nocturno en Mi Menor Nº 10, en la versión de Eduardo Viñuela.
El artista estaba internado en la Fundación Favaloro desde
el pasado 3 de julio con un cuadro de coronavirus y distintos problemas de
salud. Fue uno de los grandes de la música popular argentina. En sus últimos
momentos pidió escuchar Chopin
25 de Julio de 2020
El pianista y compositor Manolo Juárez, de 83 años, un imprescindible de la música popular argentina, falleció hoy en la Fundación Favaloro, donde llevaba poco más de un mes internado por diversos problemas de salud y coronavirus detectados el 3 de julio.
Con Juárez se va un pianista y un creador impetuoso y genial que abrió sendas para el abordaje del folclore como autor, intérprete y docente, tareas que resumió como uno de los fundadores de la Escuela de Música Popular de Avellaneda. Pianista, músico, compositor, arreglador y docente, Juárez se destacó en el país y también en el exterior tanto en la música popular como en la sinfónica y en la de cámara. Ha producido obras para ballet y teatro.
“Lamentamos comunicar que a las 14.40 del sábado 25 de julio falleció el pianista y compositor Manolo Juárez en la Fundación Favaloro. En su último momento pidió escuchar Chopin. Estaba acompañado de sus hijos Mora y Pablo, quienes le sostuvieron la mano hasta su último aliento”, comunicó la familia del artista.
“Son tremendas las complicaciones que trae el aislamiento producto de una pandemia. Para cualquier persona, y más en edad avanzada, como es el caso de mi padre, quien tiene 83 años, estar desconectado de la familia, dejar de ver a sus seres queridos, empeora la situación”, había contado su hija Mora Juárez en los primeros días de internación de su padre.
Nacido en Córdoba en 1937, Juárez, quien compuso música popular, sinfónica y de cámara, formó en los 70 el Trío Juárez, primero con el guitarrista Álex Erlich Oliva y el percusionista Chiche Heger, luego con el Chango Farías Gómez y Oscar Taberniso; y lideró el Trío Juárez + 2, con Castiñeira de Dios en piano, Juan Dalera en quena, Álex Erlich Oliva en guitarra y bombo y Marta Peñaloza en voz.
Además, el reconocido músico que tenía 15 discos editados, se destacó en su rol docente oficiando como jefe de la cátedra de Composición de música clásica en la Universidad Nacional de La Plata.
*Con información de Télam
A continuación, recordamos a Manolo Juárez, con su interpretación de la Zamba para Escuchar tu Silencio, de Guillo Espel, grabación en vivo de 1993.
John Arnold Griffin III, más conocido como Johnny Griffin,
nació en Chicago, Estados Unidos, el 24
de abril de 1928, y murió en Mauprévoir, Francia, el 25 de julio de 2008. Saxofonista.
Estudió música en el DuSable High School con Walter Dyett, comenzó
a tocar el clarinete, luego oboe, saxo alto. Entre 1945 y 1947 integró la
orquesta de Lionel Hampton, donde pasó al saxo tenor. Luego se unió a la
orquesta del trompetista Joe Morris hasta 1949. En 1957 formó parte de los Jazz
Messengers de Art Blakey. Después sucedió a John Coltrane como miembro del
cuarteto Five Spot de Thelonious Monk. Durante esa etapa, grabó con Clark Terry
en Serenade to Bus Seat acompañando al trío Wynton Kelly, Paul Chambers y
Philly Joe Jones. Grabó también con el quinteto de Nat Adderley en 1958. El
sello Blue Note editó en 1956 el álbum Presentando a Johnny Griffin en 1956.
También presentó a Wynton Kelly en piano, Curly Russell en el bajo y Max Roach
en la batería, la grabación le trajo aclamación de la crítica. En 1957 salió el
álbum A Blowin 'Session junto a John Coltrane y Hank Mobley. Johnny Griffin era
conocido como: el tenor más rápido del oeste, por la facilidad con la que podía
ejecutar anotaciones rápidas con excelente articulación. Entre 1960 y lideró
con Eddie "Lockjaw" Davis un quinteto, y grabaron varios álbumes
juntos. En 1970 se unieron otra vez y grabaron Tough Tenors Again 'n' Again, y con
el Big 7 de Dizzy Gillespie en el Montreux Jazz Festival. En 1963 se mudó a
Francia. En Europa se presentó regularmente en clubes de jazz como el
londinense Ronnie Scott's, y se convirtió en la primera opción en saxofón, de
cualquier músico estadounidense de gira en Europa. También continúo grabando y
haciendo giras. En 1965 grabó varios discos con Wes Montgomery. De 1967 a 1969,
formó parte del Kenny Clarke/Francy Boland Big Band4 y a finales de los setenta
grabó con Peter Herbolzheimer and his Big Band, que contaba, entre otros, con
músicos como Nat Adderley, Derek Watkins, Art Farmer, Slide Hampton, Jiggs
Whigham, Herb Geller, Wilton Gaynair, Stan Getz, Gerry Mulligan, Rita Reys,
Jean "Toots" Thielemans, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Grady Tate y
Quincy Jones como arreglador.
A continuación, recordamos a Johnny Griffin en el
aniversario de su fallecimiento, con el tema When We Were One.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Concierto para Violín,
Violonchelo y Piano en Do Mayor Op. 56, en la versión de Jaime Laredo en Violín,
Sharon Robinson en Violonchelo y Joseph Kalichstein en Piano, junto a la
Orquesta de Cámara Inglesa, dirigida por Sir Alexander Gibson.
El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Matías Bauso
La trágica vida de Peter Sellers: Pantera Rosa, Beatles, drogas y un corazón endeble
Hace cuatro décadas, a sus 54 años, moría Peter Sellers. El
actor de La Fiesta Inolvidable era reconocido como un genio cómico,pero se
volvía inmanejable para los directores. La Saga de la Pantera Rosa. Su relación
con los Beatles. Sus cuatro matrimonios. Su muerte prematura
Peter Sellers, en la película "The Naked Truth" ( ITV/Shutterstock)
Peter Sellers no se llamaba Peter. Y tal vez allí comenzaron sus problemas. Nació en 1925 y fue bautizado como Richard Henry Sellers. Pero desde siempre sus padres lo llamaron Peter. Ese era el nombre de su hermano mayor, del primer hijo de William y Agnes, el que había muerto un par de años antes del nacimiento del que después todos conoceríamos como Peter.
Ese puede ser el dato en el que se cifren su éxito y su tormento. Desde antes de que tuviera conciencia, ocupó el lugar de otro, interpretó a alguien que él no era, usurpó (involuntariamente) una identidad. La búsqueda de la risa, del afecto de los otros, a riesgo de postergar su propia personalidad, a expensas de que eso le carcomiera toda su energía, también puede tener ese origen.
En la década del 50, Peter Sellers empezó a hacerse conocido. Los espectadores quedaban hechizados con su capacidad para metamorfosearse, para adoptar diferentes acentos y encarnar personajes de distintas nacionalidades. Participaba de The Goon Show, un exitoso y a esta altura legendario programa radial, al que todos reconocen como el antecedente más evidente de Monty Python. Ese programa fue el precursor de todo un linaje de humor efectivo y refinado. Y Peter Sellers su representante más notorio.
Luego llegó el cine. Un cuarto de siglo en el que encadenó éxitos como El Quinteto de la Muerte, las películas de La Pantera Rosa, Dr. Insólito, Lolita, Casino Royale, Qué pasa Pussycat, Crimen porMuerte y Desde el Jardín.
A principios de la década del 70, Peter Sellers todavía no se había convertido en una estrella mundial, pero su talento (tal vez su genio) ya era reconocido y buscado por los principales directores cinematográficos. Lo que ellos todavía no sabían, lo que evitaba que se acobardaran, era que todas las ventajas de tener a Peter en cámara, muchas veces no compensaban los disgustos que producía fuera de ellas. Todavía no circulaba la leyenda (con evidentes fundamentos en datos reales) de lo inmanejable que era el actor. Sin embargo, se conocían varias de sus excentricidades.
Peter Sellers en el filme "Lolita" (Snap/Shutterstock)
Una de ellas era que confiaba mucho, quizá demasiado, en los consejos de un brujo/psíquico/ astrólogo al que acudía semanalmente. No aceptaba ningún proyecto sin que su consejero diera el visto bueno. Los estudios y los directores reconocieron en la situación una buena oportunidad. De pronto, el consejero espiritual y astral, comenzó a ser sobornado para que guiara a Sellers hacia sus proyectos. Blake Edwards venía tentando a Peter hacía bastante tiempo pero no conseguía contratarlo. Edwards decidió derivar unas libras hacia el consejero para que este persuadiera a Sellers de actuar en su película. Fue así como el brujo le dijo que veía en su futuro un enorme proyecto, algo que le cambiaría la vida y que en su visión aparecían con claridad dos letras la B y la E. Sellers llegó a su casa y prendió la televisión. No asoció esas dos letras a la decena de llamados telefónicos que había recibido en las últimas semanas ni en el guión que reposaba sobre una mesa firmado por Blake Edwards. En un noticiero entrevistaban a una rubia muy joven y de una belleza sobrecogedora. Alta y luminosa, Britt Ekland, la actriz sueca de 21 años había llegado a Inglaterra para participar de un rodaje. Sellers quedó deslumbrado y se propuso perseguirla hasta que le prestara atención. Al fin y al cabo, su asesor espiritual le dijo que en su futuro veía a alguien con una B y E en su nombre. Cada uno interpreta lo que quiere.
Diez días después de encontrarse por primera vez, la actriz se convirtió en una de las 4 esposas (las otras: Anne Howe, Miranda Quarry y Lynne Frederick) que llegó a tener el actor en su breve vida. El matrimonio fue igual a los otros tres. Tormentoso. Un calvario repleto de abusos, insultos, celos, actitudes arbitrarias. La inestabilidad de Sellers hizo sufrir a cada una de sus esposas.
El recuerdo de Ekland, parece, no es el mejor. Hace unas pocas semanas la BBC se comunicó con ella para que participara en un documental sobre la vida del cómico, que se emitirá en estos día en ocasión de cumplirse el aniversario 40 de su muerte. A sus 77 espléndidos años Britt, la ex Chica Bond, rechazó la invitación. Nadie la pudo convencer. Algunas cosas, adujo, mejor no recordarlas. Sólo atinó a responder: “Peter era un alma torturada. Muy torturada. Necesitaba ayuda, mucha más ayuda de la que recibió”.
Sus fracasos matrimoniales y de cada una de las relaciones que encaró se pueden explicar en algo que Sellers declaró alguna vez: “Si ni siquiera puede encontrar una manera de vivir conmigo mismo, de aguantarme a mí, no puedo esperar que alguna otra persona lo haga”.
También se le adjudicaron romances con cada una de sus compañeras de elenco que, según afirman, elegía cuidadosamente desde que se había convertido en una primera figura. Entre ellas se destacan Ursula Andrews y Liza Minelli. Con Liza vivieron un romance muy corto y la relación fue caótica aún dentro del Parámetro Sellers. El abuso de drogas por parte de ambos, el carácter fuerte, la inestabilidad. Algún biógrafo de Peter llegó a afirmar que la ruptura sobrevino cuando Liza, a modo de broma, le quitó a Peter un aplique capilar. El actor lo consideró una ofensa imperdonable.
Peter Sellers era reconocido como un genio cómico (Shutterstock)
Britt Ekland dijo que Peter Sellers, más allá del exceso de alcohol y del abuso de drogas, padecía un trastorno bipolar no diagnosticado. Las variables de sus estados de ánimo eran abruptas e impredecibles. Y lo convertían en un personaje inasible. El éxito tapó sus problemas, le permitió seguir adelante.
En cada filmación los problemas con los directores se multiplicaban. No aceptaba marcaciones, no respetaba disciplinas. Sin embargo, era buscado con denuedo. Era muy efectivo en la pantalla, nadie conseguía carcajadas con tanta facilidad.
Aquello que lo atormentaba en su vida privada, el no poder encajar, el atravesar diferentes personalidades, era lo que le permitía triunfar en su arte.
Actuó en dos películas para Stanley Kubrick. Hacían una dupla improbable. El rey del control con el emperador de la improvisación. En Lolita hizo un papel secundario; en Dr. Insólito encarnó tres personajes diferentes, recurso que gracias a su energía y ductilidad repetiría en varias de sus películas. Por esta película obtuvo su primera nominación al Oscar. Consiguió otra por Desde el Jardín y una más en 1959 por un cortometraje.
No sólo logró éxitos radiales y de taquilla. También algunas de sus canciones lograron escalar en los rankings. En 1960 filmó Ella y sus Millones junto a Sophia Loren (de lo que también se enamoró perdidamente). Juntos cantaron Goodness Gracious Me, que fue un éxito en Inglaterra. Aceptó participar de esa película sólo por la posibilidad de estar junto a la italiana. Pasadas pocas semanas de rodaje, le declaró su amor incondicional a Sophia. Hubo dos problemas: el primero, que lo hizo delante de su propia esposa y el segundo, que después de eso la actriz temía acercarse a Sellers. Según la leyenda, fue por esa época cuando uno de los hijos del actor, ante sus ausencias prolongadas y los cambios de ánimo permanentes, le preguntó si los quería a él y a sus hermanos. Peter respondió: “Por supuesto que sí. Pero no tengo que mentirte: los quiero un poco menos que a Sophia Loren”. La relación con sus hijos tres hijos no mejoró con el transcurso del tiempo. En 1980 amenazó con desheredarlos porque su hija, durante la visita en medio de un rodaje, le dijo que lo veía más gordo.
El actor, en la película "Desde el Jardín"
Desde muy joven, Peter Sellers anheló ser baterista. Su ídolo era Gene Kupra, el gran batero de la era del swing. Muchos años después logró forjar una amistad con otro ícono de ese instrumento: Ringo Starr. Cuando Ringo abandonó la grabación del Álbum Blanco, se fue a navegar con Peter por el sur europeo. A ese viaje Ringo llevó unas cintas con grabaciones de esas sesiones y mientras tomaban cantidades ingentes de alcohol en medio del mar, las escuchaban. Luego de la muerte de Sellers alguien encontró entre sus pertenencias esas grabaciones y comenzaron a circular, convirtiéndose en uno de los piratas más requeridos de los Beatles. Se lo conoce como The Peter Sellers Sessions.
También grabó con éxito un cover satírico de A Hard Day´s Night, interpretándola como un actor shakesperiano, como un Laurence Olivier lisérgico, o múltiples versiones de She loves you con variados acentos. Conoció a los integrantes de los Beatles a través de George Martin que fue productor de sus canciones con Sofía Loren y de varios de sus discos de comedia.
Pese a que el ardid de las iniciales no resultó, Blake Edwards tuvo la posibilidad de contar con el actor. Cuando estaba a punto de comenzar el rodaje de Un disparo en la oscuridad, la primera película de la saga de La Pantera Rosa, Peter Ustinov, contratado hacía meses, se bajó del proyecto. Sin esperanzas le hicieron una nueva propuesta a Sellers, que esta vez aceptó sin mayores problemas.
Esa dupla de actor y director se repitió en muchas películas. El Inspector Clouseau, que inicialmente era un personaje secundario, tomó protagonismo de inmediato y se convirtió en el personaje principal. Volvió en otras cinco películas con Sellers. La dupla funcionaba en taquilla, aunque no siempre lo hacía artísticamente según la visión de los críticos. Pero la relación entre ellos -como casi todas las de la vida de Sellers- era desastrosa. Cada rodaje era peor que el otro. Las peleas eran épicas. Edwards creía que Sellers no era lo suficientemente obediente; Sellers estaba convencido de que lo único que hacía que esos proyectos valieran la pena era su aporte, por lo que se reservaba el derecho de hacer lo que quisiera en el set. Algo de razón tenía. El inspector original era torpe, sólo una máquina de provocar gags visuales y escrito sin cariño. Sellers lo dignificó, le incorporó ternura y una inesperada eficacia. Los intentos fallidos de Edwards por resucitar el personaje con actores como Alan Arkin, Dudley Moore, Steve Martin y hasta Roberto Benigni, demuestran que Sellers era insustituible.
Blake Edwards sólo no tuvo problemas con su actor fetiche en una sola de las entregas de la Pantera Rosa, en la última. En La Pista de la Pantera Rosa no hubo ni siquiera una discusión entre ellos. El motivo: Peter Sellers llevaba casi dos años muerto cuando Edwards decidió desempolvar retazos de escenas descartados en otras películas para intentar armar una nueva película de la Pantera Rosa. El intento, por supuesto, fue un fracaso colosal.
Pero Edwards y Peter Sellers también crearon juntos una inolvidable obra maestra: La Fiesta Inolvidable, un film en el que el talento desbordado de Sellers encontró su cauce, su gran película cómica. Sus años de soldado en la Segunda Guerra Mundial en destinos como India y Ceylán le sirvieron para encarnar a Hrundi V. Bakshi, el protagonista que comienza como un Gunga Din que se resiste a morir y termina haciendo desastres en una fastuosa fiesta. El guión tenía muy pocas páginas. Se basa en situaciones planteadas en términos generales que confían en el genio de improvisación de Sellers. Su actuación generó imitadores y continuadores, un estilo cuyo mayor exponente fue Mr. Bean. La Fiesta Inolvidable suponemos, en breve, caerá en la lista de cancelaciones: la cara pintada, el estereotipo del hindú, la torpeza puesta en una sola etnia. De hecho desde hace años que se lo acusa de racista. Por ahora se puede ver y disfrutar sin ningún cercenamiento en la plataforma Qubit.
Esta película es una buena excusa para hablar de la mala suerte que tuvieron los títulos de los trabajos de Sellers en España. The Party conocida en Argentina como La Fiesta Inolvidable en España se tituló, aunque usted se resista a creerlo, El Guateque. Dr. Insólito (Dr. Strangelove) allí fue conocida como Teléfono Rojo: ¿volamos hacia Moscú?. Y Desde el Jardín (Being there) fue traducida como Bienvenido Mr. Chance. Este breve enumeración nos hace descubrir que en España contaban más de la película en el título (cuando este se entendía), pero que en Argentina y Latinoamérica tampoco se preocupaban demasiado para respetar el título original ni acercarse a su espíritu.
En 1964, mientras filmaba bajo las ordenes de Billy Wilder, sufrió una cadena de ataques cardíacos. Ocho infartos en pocas horas. Un cóctel de alcohol, cocaína y drogas para potenciar su rendimiento sexual para complacer a su Chica Bond hicieron explotar su corazón. Los médicos no entendían cómo logró sobrevivir. A partir de ese momento, pese a las recomendaciones de los especialistas y de los pedidos de la gente que lo quería, Peter Sellers siguió viviendo al mismo ritmo de antes y consumiendo las mismas sustancias en iguales cantidades. No se sabe si se consideraba inmortal o buscaba desesperadamente la muerte.
En 1980 filmó Desde el Jardín. En la película basada en la novela de Jerzy Kosinsky interpretó a Mr. Chance, un jardinero que hoy sería considerado como dentro del espectro autista que logra acceder al poder. Desde que leyó la novela deseó llevar ese personaje al cine. Persiguió a Kosinsky para que permitiera la adaptación e impulsó el proyecto. Es una actuación contenida, casi una rareza en su trayectoria, que pareció que iba a darle su primer Oscar, pero la estatuilla quedó en manos de Dustin Hoffman y su padre separado de Kramer Vs Kramer. Este film podría haber sido su testamento, pero en realidad fu su anteúltima película. Luego hizo de un olvidable Fu Manchú.
Murió el 24 de julio de 1980. Tenía 54 años. El que lo derribó definitivamente fue el infarto número quince. Nadie se sorprendió demasiado.
Jennifer Lynn López Rodríguez nació en Nueva York, Estados Unidos, el 24
de julio de 1969, más
conocida como Jennifer López o J.Lo, es una actriz, cantante, bailarina,
compositora, productora discográfica,
diseñadora de modas,
empresaria, productora de televisión, coreógrafa y perfumista.
La Revista Hola, en su edición digital, publicó esta reseña
de Jennifer López.
Nacida en el barrio neoyorquino del Bronx en la década de
los setenta, se ha erigido como la actriz hispana mejor pagada de Hollywood y
una estrella de la música pop.
Pero si bien como actriz, esta explosiva mujer ya había
demostrado su talento con cintas como Selena o Un romance muy peligroso, no dio
el salto al mundo de la música hasta 1999, cuando grabó una maqueta y la envió
a las discográficas. Tommy Mottola -director de Sonic Music- quedó impresionado
con sus ritmos. La llamó y López firmó el contrato discográfico en el acto.
Los productores pretendían que escribiera algunas de las
letras del álbum pero ella creyó no estar suficientemente preparada. No
obstante, le echó valentía y acabó componiendo una de las canciones con más
fuerza de On the six, su primer disco. Jennifer López lo tituló así en honor a
la línea de metro que le llevaba desde el Bronx a Manhattan, donde asistía a
clases de baile. 'Mi música es una mezcla sabrosa de ritmos latinos, rap y
jazz'.
Producido en parte por Emilio Estefan, la combinación
funcionó y consiguió vender más de seis millones de copias. 'Para mí supone
diversificarme, dar rienda suelta al talento y a la personalidad. Me considero una
artista completa. Bailo, actúo y canto'.
Jennifer López, número uno
Jennifer pasó a ser un fenómeno social: consiguió enseguida
llegar al número uno de las listas de ventas, una nominación para los Grammy y
llenos en sus conciertos por todo el mundo. Sin embargo, ésta no era la primera
vez que se veía envuelta en un proyecto musical. De hecho, sus inicios en el
mundo artístico fueron como bailarina. Algunas representaciones musicales de
clásicos como Jesuscristo Superstar, un par de videoclips de Janet Jackson y un
papel televisivo en la serie In living color en la que interpretaba a una
bailarina.
'De pequeña no era nada femenina'
Nacida en el seno de una familia puertorriqueña, el ritmo lo
lleva en la sangre. 'De pequeña era una niña delgaducha que se sentía como un
chico. Me pasaba el tiempo colgada de los árboles y jugando con los niños; no
era nada femenina. Pero ya entonces me gustaba bailar y por ahí me entró el
gusanillo de la actuación', recuerda la cantante. López, la segunda de tres
hijas, confiesa que en la calle descubrió la pasión por la música. 'El latin
soul que yo hago no es más que una mezcla de rhythm and blues con el hip hop
que oía en mi barrio, el pop de la cultura americana y la salsa y el merengue
que escuchaba en casa'.
Una nueva diva de Hollywood
Jennifer es además una actriz de éxito. Cobra dos millones
por película, aunque su caché se ha visto ligeramente incrementado con su
trabajo en The Cell, largometraje por el que ha percibido la cantidad nada
deleznable de diez millones de dólares.
Ahora, ha entrado en el santuario de las divas de Hollywood
y aunque asegura que disfruta haciendo películas, confiesa que cantar y bailar
siempre ha sido su vocación. Sin embargo, no lo ha tenido nada fácil. 'Ser
mujer y además latina es, desafortunadamente, en este mundo en que vivimos,
como recibir dos golpes directos. Al ser mujer latina todo resulta un poco más
difícil, pero eso no quiere decir que no puedas conseguir lo que te propones'.
López parece haberlo logrado.
Desde su espectacular actuación en la película Selena, en la
que recreaba a una cantante mexicana, la actriz no ha parado de rodar: Sangre y
vino, donde enamora a Jack Nicholson, Anaconda, en la que aparece alrededor de
30 serpientes drogadas, Giro al infierno, y, finalmente La celda o Angel Eyes.
López no descansa Pero López no quiere alejarse del mundo de la canción y sin
perder un momento se ha puesto a trabajar en su próximo disco. Y es que López
considera que el cine y la música forman parte de una misma carrera.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Jennifer López, con el tributo a Celia Cruz, en vivo en el American Music Awards, de 2013.
Édouard Judas Colonne nació en Burdeos, Francia, el 23 de
julio de 1838, y murió en París, Francia, el 28 de marzo de 1910. Director de
orquesta.
Nacido en una familia de músicos, su padre y su abuelo
fueron músicos profesionales, en 1856 ingresó en el Conservatorio de París
donde ganó en 1858 en Primer Premio de armonía y, en 1863, el Primer Premio de
violín. Mientras estudiaba en el Conservatorio, trabajaba como violinista en el
Théâtre-Lyrique, y en 1858, fue primer violín en la Opéra National de Paris.
Fue también segundo violín del Cuarteto Lamoureux, junto con el violinista
Charles Lamoureux, que posteriormente fundó la Orchestre Lamoureux. Tiempo después
tocó en la orquesta de Jules Pasdeloup, donde hizo sus primeras armas con la
batuta. En 1873, gracias a los fondos aportados por la editora musical
Hartmann, fundó el Concert National en el Théâtre de l'Odéon. Durante el
concierto inaugural, ofreció el estreno mundial del oratorio de César Franck,
Rédemption, con Vincent d'Indy dirigiendo el coro. Tras la retirada de la
editorial Hartmann, seguida de muchas dificultades financieras, creó su propia
orquesta, los Conciertos del Châtelet, rápidamente rebautizada como Asociación
artística de los Conciertos Colonne, y popularmente conocida como Conciertos
Colonne, instalada en el Théâtre du Châtelet y que se especializó en el
repertorio francés contemporáneo. En 1892, fue nombrado director artístico de
la orquesta de la Ópera de Paris donde debutó, pero permaneció en el cargo
durante una sola temporada, para consagrarse a su propia orquesta. Con André
Messager y Camille Chevillard, fue uno de los tres directores de orquesta
franceses de renombre, pioneros de las grabaciones orquestales. En 1907 realizó
una veintena de registros para Pathé, dirigiendo una orquesta reducida, acorde a
las posibilidades técnicas del momento.
A continuación, recordamos a Édouard Colonne en el día de su
nacimiento, con su interpretación de la Marcha Turca K. 331, de Wolfgang Amadeus
Mozart, al frente de la Orquesta de Conciertos Colonne. Grabación realizada en
París, en 1906.
Margaret Whiting nació en Detroit, Michigan, Estados Unidos,
el 22 de julio de 1924, y murió en Englewood, Nueva Jersey, Estados Unidos, el
10 de enero de 2011.
Nació en el seno de una familia de artistas. Su padre fue un
famoso compositor. A los 7 años cantó para Johnny Mercer, con quien su padre
había colaborado en algunas canciones populares. A principios de la década de
1940 comenzó con presentaciones en programas de radio, cantando con el
vocalista y compositor Johnny Mercer, logrando gran éxito. En 1942 Johnny Mercer cofundó Capitol Records y Margaret Whiting firmó contrato para realizar sus grabaciones. Posteriormente cantó
con las orquestas de Freddie Slack, Billy Butterfield y Paul Weston. En 1948 logró tres grandes éxitos:
Now Is the Hour, A Tree in the Meadow y Far Away Places y con Jimmy Wakely en
1949 con Slippin' Around. Ambos cantantes formaron un exitoso dúo
durante años. Hasta mediados de la década de 1950, continuó grabando para
Capitol Records, posteriormente cambió a Dot Records, y en 1960 firmó contrato
con el sello Verve Records. Trabajó con distinguidos directores y arregladores como Buddy Bregman, Frank DeVol, Russell
Garcia, Johnny Mandel, Billy May, Marty Paich, Nelson Riddle, Pete Rugolo y
Paul Weston. A principios de la década de 1970 se presentó en una gira con los
conjuntos de Bob Crosby y otros. A lo largo de las décadas de 1950, 1960 y
1970, fue invitada habitual en programas de variedades y programas de
entrevistas. En 1984 apareció en la película musical de televisión Taking My
Turn. La música fue compuesta por Gary William Friedman con letra de Will Holt,
y ganó el Premio Outer Critic's Circle de ese año, a la Mejor Letra / Música y
fue nominada al Premio Drama Desk de 1984 al Mejor Musical. En la década de
2000 fue entrevistada en varios documentales sobre cantantes y compositores de
su época, incluidos Judy Garland: By Myself, y Fever: The Music of Peggy Lee en
2004, Anita O'Day: The Life of a Jazz Singer en 2007, Johnny Mercer: The
Dream's on Me, y The Andrews Sisters: Queens of the Music Machines en 2009 y el
Cancionero americano de Michael Feinstein en 2010.
A continuación, recordamos a Margaret Whiting en el día de
su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: My Foolish Heart.
Anthony Rolfe Johnson nació
en Tackley, Oxfordshire, Reino Unido, el 5 de noviembre de 1940, y murió
en Londres, Reino Unido, el 21 de julio de 2010. Tenor.
Graduado en Agronomía, participó del coro de Crawley en West
Sussex, donde el director lo convenció a seguir una carrera profesional como
cantante. Se perfeccionó con Ellis Keele y con la célebre maestra de canto Vera Rozsa
en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Postriormente tomó clases
con Peter Pears. Debutó a los 29 años en Radio BBC 3, donde interpretó el Nocturno
de Benjamin Britten. Cantó en el Festival de Glyndebourne, y con el English
Opera Group logró su primer papel importante como el conde Vaudemont, en
Iolanthe de Piotr Ilich Tchaikovski. En 1978 debutó en la English National
Opera como Don Ottavio en Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, seguido por
exitosos Il ritorno d'Ulisse in patria y Orfeo de
Monteverdi, y Essex en Gloriana, de Benjamin Britten. En el Covent Garden
debutó como Júpiter en Sémele de Georg Friedrich Händel. Dos de sus grandes roles fueron Peter Grimes y
Gustav von Aschenbach en Muerte en Venecia de Benjamin Britten, que cantó en
Ginebra y en la Ópera de Escocia, asimismo Pelleas de Pelléas et Mélisande de
Claude Debussy. En 1991 debutó en el Metropolitan Opera house de Nueva York con
Idomeneo de Wolfgang Amadeus Mozart. También interpretó y grabó La flauta
mágica y La clemenza di Tito. Se destacó en el repertorio de Claudio Monteverdi,
oratorios y misas de Georg Friedrich Händel y de Johann Bach y en los solos de
La creación de Franz Joseph Haydn así como el Réquiem de Guerra, de Benjamin
Britten. A lo largo de su carrera se presentó en diversos escenarios de ópera
como el Teatro Alla Scala de Milán, Ópera Estatal de Viena, Ópera Garnier de
París y el Festival de Salzburgo. Fue un distinguido liederista, miembro
fundador junto a Felicity Lott, Ann Murray y Richard Jackson del grupo
Songmakers Almanac del pianista Graham Johnson, se destacó en lieder de Robert
Schumann y Franz Schubert.
A continuación, recordamos a Anthony Rolfe Johnson en el
aniversario de su fallecimiento, con la Misa en Do Menor K 427 de Wolfgang
Amadeus Mozart, junto a los solistas Barbara Bonney, Anne Sofie von Otter, y Alastair
Miles, el Coro Monteverdi, los Solistas Barrocos Ingleses, dirigidos por John
Eliot Gardiner.
Gonzalo Roig Lobo nació en La Habana, Cuba, el 20 de julio
de 1890, y murió en su ciudad, el 13 de junio de 1970. Músico, compositor, y
fundador de varias orquestas.
En 1902 comenzó a estudiar piano, teoría musical y solfeo, y
posteriormente se graduó en el
Conservatorio de La Habana. En 1907 comenzó su carrera profesional como
pianista, y compuso su primera obra para piano y voz solista. Dos años más
tarde, comenzó a tocar el violín en el Teatro Martí de La Habana. En 1917 viajó
a México. En 1922 cofundó la Orquesta Sinfónica de La Habana, de la cual fue director
musical. En 1927 fue
nombrado director de la Banda Municipal de Música de La Habana. Durante su
mandato hizo innumerables aportes a la música cubana. En 1929 fundó la Orquesta de Ignacio Cervantes, y
al año siguiente fue invitado por la Unión Panamericana para dirigir una serie
de conciertos en Estados Unidos.
En 1931, durante su participación
en la creación del Teatro
Nacional, compuso y estrenó
su zarzuela Cecilia Valdés. En
1938 fundó la Ópera Nacional de La Habana, que dirigió durante varios años. También
fundó la Sociedad de Autores
de Cuba, la Federación
Nacional de Autores de Cuba, la Unión
Nacional de Autores de Cuba y la Sociedad Nacional de Autores de Cuba. Fue un
pionero del movimiento sinfónico en Cuba, y uno de los principales compositores
que redefinió la zarzuela cubana. Además de su Cecilia Valdés, compuso muchas
canciones populares, entre ellas, Quiéreme mucho y Ojos brujos.
A continuación, recordamos a Gonzalo Roig en el día de su nacimiento con 2 obras: Quiéreme
Mucho, en la voz de Nana Mouskouri, y el aria Salida de Cecilia Valdes, de la
zarzuela homónima, en la versión de Betty Garcés, junto a la Orquesta Filarmónica
de Tailandia, dirigida por Alfonso Scarano.
Aldo Protti nació en Cremona, Italia, el 19 de julio de 1920,
y murió en su ciudad, el 10 de agosto de 1995. Barítono.
Estudió en Parma, en 1948 debutó en Pesaro como Fígaro. En
1950 hizo su debut en el Teatro Alla Scala de Milán, como Amonasro, papel que
cantó durante muchos años. Fue particularlmente apreciado en los papeles de
Verdi, especialmente Rigoletto, su gran rol pero también Alfio, Tonio, Gérard,
Scarpia, entre otros. etc. Se le puede escuchar en muchas grabaciones,
incluyendo Rigoletto, La traviata, Aida y Otello. En 1985 debutó en el
Metropolitan Opera House de Nueva York, como Rigoletto, de Giuseppe Verdi.
A continuación, recordamos a Aldo Protti en el día de su
nacimiento, con su interpretación del aria Cortigiani, vil razza dannata, del
II acto de la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi, junto a la Orquesta Sinfónica
de la NHK, dirigida por Arturo Basile.
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