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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Joseph Jean Baptist Laurent Arban nació en Lyon, Francia, el
28 de febrero de 1825, y murió en París, Francia, el 9 de abril de 1889. Cornetista,
director de orquesta y pedagogo.
Joseph Jean-Baptiste Laurent Arban fue un cornetista,
director, compositor, pedagogo y el primer virtuoso famoso de la corneta a
pistón o corneta con válvula. Fue influenciado por la técnica virtuosa de
Niccolò Paganini en el violín y demostró con éxito que la corneta era un
verdadero instrumento solista al desarrollar una técnica virtuosa en el
instrumento.
Nació en Lyon, Francia, uno de los diez hijos de Simon
Arban, artífice. Un hermano mayor fue el aeronauta Francisque Arban.
Estudió trompeta con Francois Dauverné en el Conservatorio
de París de 1841 a 1845. Fue nombrado profesor de saxhorn en la École Militaire
en 1857 y profesor de corneta en el Conservatorio de París en 1869, donde Merri
Franquin estaba entre sus alumnos. Publicó su Grande méthode complète pour
cornet à pistons et de saxhorn en París en 1864. Este método, que a menudo se
conoce como la "Biblia del trompetista", todavía es estudiado por los
músicos de metal modernos. Sus variaciones sobre El Carnaval de Venecia siguen
siendo una de las grandes obras maestras de los solistas de corneta en la
actualidad. “Fantasie Brilliante” también se sigue interpretando y grabando con
frecuencia.
Al parecer, Arban hizo una grabación de cilindro de
fonógrafo para la Compañía Edison poco antes de su muerte. En un periódico de
Finlandia, Hufvudstadsbladet de Helsinki, (n. ° 96, de 11.4.1890, página 2), se
menciona la grabación de Arban: “Entre los fonogramas hay que mencionar uno en
particular: solo en corneta a pistón, interpretado por el famoso francés el
virtuoso monsieur Arban llamado “Fanfare d'Edison”. Arban murió en París el 8
de abril de 1889.
El libro Método Arban está disponible en varias editoriales,
siendo Carl Fischer y Alphonse Leduc las más destacadas. En 1982, Carl Fischer
publicó una versión anotada por Claude Gordon, destacado pedagogo. La versión
de Carl Fischer de 1982 restaura el texto original y designa las revisiones
anteriores de Walter Smith y Edwin Franko Goldman. Luego, Claude Gordon hace
comentarios en las notas a pie de página para aclarar y hacer referencias
cruzadas al material de apoyo. El texto original de Arban no defendía muchas
cosas que pretendían los profesores recientes y esta edición es útil para una
precisión histórica.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Carnaval de Venecia, en la versión de Maurice André.
Hoy les presentamos dos libros que tratan del mismo tema, la
Shoah, y sin embargo, no podrían hacerlo desde un ángulo más diferente. ''Cinco
cuentas de ámbar'' de Richard Aronovich y "La carta olvidada'' Josep
Calvet.
Dedicado al género chico, destacó en la generación de
músicos madrileños de finales del siglo XIX y comienzos del XX.
A los once años fijó su residencia en Madrid, donde ingresó
en las Escuelas Pías, Ya en Badajoz había comenzado a estudiar música,
continuando los estudios en Madrid. Posteriormente se trasladó a Valencia,
ciudad en la que inició su actividad como intérprete de flauta en diversas
bandas militares: se ha documentado que desde niño fue flautín de la Banda del
Regimiento de Valencia, experiencia que le sirvió de plataforma para ingresar
en la orquesta de varios teatros.
Al ingresar en un regimiento, fue nombrado profesor de Solfeo
de sus compañeros del Ejército.
En 1859 regresó a Madrid junto a su madre y su hermana
Balbina, por entonces una actriz famosa que le ayudó a encontrar empleo en la
orquesta del Teatro Príncipe, (el actual Teatro Español). Al mismo tiempo que
ejercía esta función, llevó a cabo estudios de Literatura y de carácter
científico, logrando así hacerse con tal bagaje intelectual que llegó a
escribir una serie de artículos y una colección poética.
En septiembre de 1863 ingresó como alumno en el
Conservatorio de Música de Madrid, donde cursó las materias de Flauta con Ramón
Sánchez, José Piqué y Pedro Sarmiento, Armonía con José Aranguren y Composición
con Emilio Arrieta. En 1867 obtuvo el Primer Premio de Flauta en 1867 y tres
años después finalizó los estudios de Composición con Arrieta en el mismo
Conservatorio, recibiendo asimismo el Primer Premio final de carrera.
En 1871 fue contratado para dirigir la orquesta del Teatro
Príncipe, pasando después al de la Comedia y más tarde al Teatro Lara. Durante
esta etapa llegó a componer más de doscientas piezas instrumentales para los
entreactos de los teatros donde dirigía la orquesta. Ese mismo año de 1871
obtuvo el Premio de la Sociedad Fomento de las Artes por su sinfonía Batylo. En
1874 compuso la colección de Estudios melódicos para flauta, obra que a partir
de entonces fue adoptada como libro de texto de la Escuela Nacional de Música;
al poco tiempo Valverde fue nombrado secretario del tribunal de oposiciones
para cubrir la Cátedra de Fagot, encargándose de componer el solo que los
opositores debían leer a primera vista: dicha obra gozó de tal aceptación que
más tarde la publicó con arreglos para distintos instrumentos. Una nueva obra
de carácter didáctico, titulada Preludios ad libitum, se publicó posteriormente,
En la primavera de 1875, tras haber escrito con Bretón la música de la zarzuela
El viaje de Europa, fue nombrado secretario en los tribunales de oposiciones
para cubrir las plazas de instrumentistas en el Ejército. Los pasodobles Una
bicoc y Parte y plaza, publicados en El Eco de Marte, son modelos con los que
enseñaba a sus alumnos particulares de Armonía y Composición. A 1876 se remonta
el comienzo de su amistad con Federico Chueca, iniciándose un período de
colaboración, que estaría plagada de éxitos: con sus profundos conocimientos de
composición, Valverde compensaba las carencias de Chueca. Sin embargo, el
trabajo conjunto de ambos compositores suscitó reacciones encontradas: se llegó
a escribir incluso que las notas que Chueca escribía eran “billetes de mil
pesetas, de los que otro se aprovecha con escasísimo trabajo”.
Esta colaboración finalizó a finales de 1880, trayendo como
consecuencia el declive —aunque lento— de Valverde, quien a partir de entonces
no compuso ninguna obra de relieve al carecer de la vena creadora e intuitiva
de su amigo y colaborador.
En agosto de 1879 se celebró en Ferrol (La Coruña) un
concurso musical en el que Valverde obtuvo una mención honorífica por su
sinfonía Todo es paz y dulzura.
En febrero de 1882 falleció su antiguo profesor de Flauta,
Pedro Sarmiento, y al quedar vacante la cátedra, decidió presentarse animado
por sus amigos, pero no obtuvo la plaza. Más tarde, en el prólogo a su método
para la enseñanza de la flauta titulado La flauta: su historia, su estudio (Madrid,
1886), explicó las razones por las que no obtuvo dicha plaza. A raíz de ello,
el Instituto Filarmónico, dirigido por el conde de Morphy, le hizo justicia
nombrándolo profesor de Literatura Musical. También de 1882 data la publicación
de los Estudios melódicos para flauta.
Como director de orquestas teatrales desplegó una intensa
actividad entre 1871 y 1889. Consta, por ejemplo, que en 1873 dirigía la del
Teatro Príncipe, en la temporada de 1875-1876 la del Teatro de la Comedia y
entre 1876 y 1877 la orquesta del Teatro Apolo.
Por lo que se refiere a su producción musical, Valverde se
dedicó plenamente a la música escénica. Su popularidad es debida principalmente
a su colaboración con Chueca como orquestador, aunque también está reconocida
su autoría en algunos números de zarzuelas. Miró Bachs afirma lo siguiente:
“Fue uno de los compositores que podemos llamar castizos, de los que siguiendo
las huellas de los Misón y Esteve, crearon la antigua tonadilla, que pasando
luego por la musa retozona de Barbieri, desembocó en el género chico”. Por su
parte, Augusto Martínez Olmedilla escribe: “Volviendo a Chueca, digamos que era
un gran intuitivo, desconocedor de la técnica musical.
De aquí que necesitara imprescindiblemente la intervención
de colaboradores para instrumentar sus admirables melodías”. Por esta razón, es
ineludible citar a Joaquín Valverde al estudiar la obra compositiva de Federico
Chueca, ya que de su trabajo en común surgieron numerosas zarzuelas, entre
ellas La Gran Vía o Cádiz. En opinión de María Concepción Romero, “su obra se
considera inspirada y de buen gusto, sin grandes complicaciones técnicas, pero
tal vez habría alcanzado más popularidad si su carácter hubiera sido diferente,
puesto que era conocido por su excesiva modestia”. Para Matilde Muñoz, “Chueca
fue, con don Joaquín Valverde, el autor del primer sainete con música estrenado
en España [La canción de la Lola, 1880]. Este sainete abría las puertas al
‘género chico’ en su aspecto lírico, el único en que después triunfó plenamente
y se hizo representativo del nacionalismo musical español”.
Valverde compuso más de sesenta obras, muchas de ellas en
colaboración con los músicos de su tiempo: M. Fernández Caballero, Arturo Saco
del Valle, Tomás L. Torregrosa, Tomás Bretón, José Rogel, Ruperto Chapí, Romea
y, por supuesto, Chueca y su hijo Quinito. Entre sus principales obras brilla
con luz propia A los toros, una revista en dos actos con letra de Ricardo de la
Vega, que fue estrenada en el Jardín del Buen Retiro el 1 de agosto de 1877.
También destaca Las ferias, pasillo cómico-lírico en un acto, con letra de
Ossorio y Bernard y Barranco, estrenado en el Teatro del Buen Retiro el 3 de
julio de 1878, en colaboración con Chueca. Más tarde, en 1880, estrenó en el
Teatro de la Alhambra La canción de la Lola o Celos engendran desdichas,
sainete lírico en un acto en prosa y verso, con letra de Ricardo de la Vega.
Fue esta obra la que abrió las puertas del teatro a Chueca y Valverde, y tiene
un peso mítico en la historia de la zarzuela, puesto que con dicha obra se
iniciaría el denominado género chico. Tras este primer éxito se sucedió Luces y
sombras, una revista política estrenada el 1 de febrero de 1882 en el Teatro
Variedades y en la que son frecuentes las sátiras y referencias políticas, pero
siempre expuestas con gracia y buen humor. En la década de 1880 y con
anterioridad a La Gran Vía aparecen Fiesta nacional, acontecimiento
cómico-lírico, taurómaco, en un acto y seis cuadros, con letra de Tomás Luceño
y Javier de Burgos, que fue estrenada en el Teatro Variedades en 1882, y
Vivitos y coleando, pesca cómico-lírica en un acto, con letra de Lastra, Ruesga
y Prieto (1884). La obra más famosa de la colaboración entre Chueca y Valverde
fue, sin duda alguna, la revista La Gran Vía, que los consagró a ambos en el
panorama lírico nacional. La colaboración conjunta de ambos autores culminó con
una segunda obra de éxito, Cádiz, estrenada en 1885 en el Teatro Apolo, de cuya
orquesta era director por aquel entonces el propio Chueca: tuvo tal repercusión
que la marcha de esta pieza fue empleada como himno patriótico durante las
guerras coloniales; en una entrevista hecha por Vicente Vidal a Valverde, éste
dice lo siguiente sobre su autoría: “El borrador se halla en poder mío; pero
escrito por mí, no por el maestro Chueca, de quien tomé a oído su parte,
corrigiéndola a mi modo. Luego combiné las voces, y, por último, instrumenté en
la forma que se oye por el teatro y en las bandas militares”. El año pasado por
agua, revista estrenada el 1 de marzo de 1889 en el Teatro Apolo, con letra de
Ricardo de la Vega, constituyó otro de los grandes éxitos surgidos del trabajo
en común de Chueca y Valverde.
Obras de ~: Música escénica (todas se conservan en el
Archivo de la Sociedad General de Autores de Madrid): A los toros, 1877; Los
barrios bajos, 1878; La función de mi pueblo, 1878; El mundo nuevo, 1878; Salón
Eslava, 1879; R. R., 1880; La canción de la Lola, 1880; Fiesta nacional, 1882;
De la noche a la mañana, 1883; Vivitos y coleando, 1884; Caramelo, 1884;
Medidas sanitarias, 1884; El último tranvía, 1884; Chocolate y mojicón, 1885;
En la tierra como en el cielo, 1885; La baronesita, 1885; Cádiz, 1886; Pasar la
raya, 1886; Niña plancha, 1886; La Gran Vía, 1886; El canario, 1886; Los
domingueros, 1888; Lección conyugal, 1888; El año pasado por agua, 1889; De
Madrid a París, 1889; La revista nueva o Tienda de comestibles, 1889; Las
grandes potencias, 1890; Caretas y capuchones, 1890; La segunda tiple, 1890; La
baraja francesa, 1890; Cerrado por nacimiento, 1891; Retolondrón, 1892; El
novio de su señora, 1892; La noche de san Juan, 1894; La india brava, 1894; El
candidato, 1895; Merendero de Toribio, 1896; La manía de Tomás, 1896;
Portafolio madrileño, 1897; La primera vara, 1897; El barquillero, 1900; El
estuche de monerías, 1905; Pícara lengua, 1905; Los bárbaros del norte, 1906;
Sangre moza, 1907; La isla de los suspiros, 1910; Agua y cuernos; El amor no tiene
edad; El pecado original.
Bibl.: L. Ruiz y Contreras, Desde la platea (Divagaciones y
críticas), Madrid, Fernando Fe, 1894; S. Canals, El año teatral (1895-96).
Crónicas y documentos, Madrid, El Nacional, 1896; J. de Lace, Balance teatral
de 1899-1900, Madrid, Herres, 1900; Balance teatral de 1900-1901, Madrid, Hijos
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antaño y de hogaño, Madrid, Velasco, 1904; L. Carmena y Millán, Cosas del
pasado, Madrid, 1905; J. Francos Rodríguez, El teatro en España 1908, Madrid,
Nuevo Mundo, 1908; L. Villalba Muñoz, Últimos músicos españoles del siglo XIX,
Madrid, IA, 1914; P. Caballero, Diez años de crítica teatral (1907-1916),
Madrid, Apostolado de la Prensa, 1916; M. Zurita, Historia del género chico,
Madrid, Prensa Popular, 1920; A. Miró Bachs, Cien músicos célebres españoles,
Barcelona, Pentagrama, 1942; E. Chicote, La Lareto y este humilde servidor
(Recuerdos de la vida de dos comediantes madrileños), Madrid, M. Aguilar, 1944;
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Deleito y Piñuela, Origen y apogeo del género chico, Madrid, 1949; E. Chicote,
Cuando Fernando VII gastaba paletó... Recuerdos y anécdotas del año de la
Nanita, Madrid, Instituto Editorial Reus, 1952; Las señoritas del
“pan-pringao”, Madrid, Instituto Editorial Reus, 1953; A. Sagardía, La zarzuela
y sus compositores, Madrid, Sociedad Anónima Basconia, 1958; C. Corbera
Fradera, Pulso universal. Ensayos en defensa de la zarzuela, Madrid, Linear,
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(SGAE), 1960; A. Martínez Olmedilla, Arriba el telón, Madrid, Aguilar, 1961; J.
Alfaro López, Madrid. Primera década del siglo XX, 1901-1910.
Música-teatro-toros-costumbres, Madrid, Magisterio Español, 1979; A. Castilla,
“Significación estética y social de La Gran Vía”, en VV. AA., Actas del Sexto
Congreso Internacional de Hispanistas, Canadá, 1980; J. M. Gómez Labad, El
Madrid de la zarzuela, Madrid, Juan Piñero G., 1983; M. C. Romero Sánchez,
“Valverde, Joaquín”, en Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana,
t. X, Madrid, SGAE, 2002.
Paulino Capdepón Verdú
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Vals del Caballero de Gracia, Caballero de Gracia me llaman, de la
zarzuela La Gran Vía, de Federico Chueca y Joaquín Valverde, en la versión del
tenor Antonio Blancas, junto al Coro Cantores de Madrid, y la Orquesta
Filarmonía de España, dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Shmulik Shiló: la sombra detrás de mí
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Shmulik Shiló nació el 1
de diciembre de 1929 en Lutsk, al este de Polonia. Tras la invasión
nazi-soviética del país, Shmulik y su familia fueron internados en el gueto.
Logra sobrevivir y esconderse en diferentes sitios con solo 12 años: en los
bosques, en casa de unos campesinos polacos, y finalmente se unirá a los
partisanos. Una vez acabada la guerra llegará a la tierra de Israel junto a su
hermana. Fue miembro del Palmaj y fundador del kibutz Tzeelim en el Néguev. En
Israel se convirtió en actor y director de teatro, llevando adelante una
carrera profesional destacada. En 1983 fundó el Teatro del Néguev y fue su
director creativo durante quince años. Obtuvo dos veces el premio de la
Academia al actor del año. Falleció en 2011 a los 81 años.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Johnny Cash nació en Kingsland, Arkansas, Estados Unidos, el
26 de febrero de 1932, y murió en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, el 12
de septiembre de 2003. Cantante, compositor, músico, y actor.
Nació el 26 de febrero de 1932 en Kingsland, Arkansas
meridional.
La vida allí siempre fue difícil, la Gran Depresión destruyó
la economía agrícola de la región y sus padres, Ray y Carrie, tuvieron que
hacer milagros para alimentar a sus siete niños.
En 1935, la nueva administración del presidente Franklin D.
Roosevelt animó a granjeros del país a que cultivasen en el suelo más fértil de
Arkansas del noreste. Por las tardes cuando las tareas ya habían sido
realizadas, su madre tocaba la guitarra y la familia entera cantaba himnos y
canciones tradicionales.
Johnny obtuvo su primer trabajo no agrícola con 14 años,
llevando el agua para las cuadrillas del trabajo. Tras graduarse en el High
School de secundaria en 1950, decidió no ir a la universidad. La guerra coreana
estaba a punto de estallar por lo que se alistó en la fuerza aérea de los
Estados Unidos. Servía a la fuerza aérea en Alemania cuando se compró su
primera guitarra.
Con algunos amigos formó una banda, Los Bárbaros para actuar
en clubs pequeños alrededor de la base aérea. En 1954 fue contratado por la Sun
Records de Sam Phillips, que antes había descubierto a personajes como Elvis
Presley y Jerry Lee Lewis. Philips se quedó asombrado con la canción " Hey
", que Crash había escrito cuando volvía a casa de la fuerza aérea.
Cuando Phillips buscaba una balada para " Hey" de
Crash, él escribió "Cry, Cry, Cry" durante la noche. Vendió 100.000
copias en su país. Comenzó a viajar con Elvis Presley. Aparecieron en el
programa de radio de Luisiana Hayride y realiza sus primeras apariciones en la
televisión en programas locales en el sur.
Con su segunda grabación, "Folsom Prison Blues"
triunfó en todo el país. En 1956 "I Walk the Line" vendía un millón
de copias. Johnny comenzó a aparecer en Grand Ole Opry en Nashville, la Meca de
la música del país. Antes de 1958 había publicado 50 canciones y vendido seis
millones de copias.
En 1959 su álbum "Fabulous Johnny Cash" vendió más
de un millón de copias, al igual que "Hymns y Songs of Our Soil", y
el single "Don't Take Your Guns to Town". Sus conciertos le llevaron
a Europa, a Asia y a Australia. Comenzó a aparecer como actor en westerns de la
televisión.
En 1960 su single "Ride This Train" obtuvo un
disco de oro, al igual que en 1963 "Ring of Fire" o en 1968
"Johnny Cash at Folsom Prison".
Invirtió muchas de sus ganancias en apoyar a asociaciones
mentales de la salud, un hogar para los niños autistas, refugios para las
mujeres maltratadas, la sociedad americana del cáncer, YWCA, la juventud para
Cristo, la vida del campus, y otras sociedades.
Johnny Cash falleció el 12 de septiembre de 2003 en un
hospital de Nashville, Tennessee, a causa de la diabetes que padecía.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Ghost Riders In The Sky.
A continuación, de Robert Schumann, la Sinfonía Nº 3 en Mi
Bemol Mayor Op. 97, Renana, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio
de Fráncfort, dirigida por Marek Janowski.
(Toro, 1940) Director de orquesta español que fue premio
Príncipe de Asturias de las Artes en 1981. Estudió en los conservatorios de
Granada y Madrid y en la Universidad de Filosofía y Letras, de la que salió
licenciado en 1964, y Diplomado en Composición en 1966. Su carrera se inició al
frente de la Coral Universitaria Santo Tomás de Aquino y, después de obtener
varios premios marchó a Alemania y a Norteamérica, becado por el banco Urquijo,
para ampliar sus estudios.
El hecho de ganar el concurso internacional de Besançon
(Francia), en 1969, significó la posibilidad de debutar en el concierto del
Festival de Praga y, ese mismo año, de dirigir la orquesta de La Fenice de
Venecia, momento a partir del cual queda patente su doble orientación sinfónica
y operística. En 1970 vuelve a España para trabajar con la Orquesta Nacional y
la Orquesta de la ciudad de Barcelona.
Desde 1976 fue contratado como director permanente de la
orquesta de Berlín, y ha dirigido, además, a la Scala de Milán, la Orquesta de
París y el Covent Garden. Desde 1981 hasta 1991 fue director general de música
de la Ópera de Berlín. Fue también director de la Orquesta Nacional de España
de 1984 a 1990 y responsable artístico de la Orquesta Filarmónica de Cincinatti
entre 1986 y 1994. En julio de 2002 fue elegido director musical del Teatro
Real de Madrid.
En el campo de la investigación musicológica, ha revisado
algunas de las óperas de antiguos maestros, como Lucía de Lamermoore y Otelo y
Moisés de Rossini, que han obtenido considerable las mejores críticas del
público, y cuyas grabaciones discográficas han sido un completo éxito de
ventas. En febrero de 2001, el Consejo de Ministros acordó concederle la
Medalla de Oro de Bellas Artes, condecoración que recibió de manos del rey Juan
Carlos I en una ceremonia celebrada el 29 de mayo en el palacio de El Pardo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de la Sinfonía Nº 4, en Si Bemol Mayor Op. 60, al frente
de la Orquesta Sinfónica de Galicia.
Frances Rose Shore, más conocida como Dinah Shore, nació en Winchester,
Tennesse, Estados Unidos, el 1 de marzo de 1916, y murió en Beverly Hills, California,
Estados Unidos, el 24 de febrero de 1994. Cantante.
Nacida en la zona rural de Tennessee, Dinah Shore actuaba en
la radio de Nashville cuando aún era una adolescente. Su carrera profesional la
llevó posteriormente a Nueva York, donde cantó con Xavier Cugat. Sin embargo,
después de fallar en las audiciones con Benny Goodman y Tommy Dorsey, decidió
simplemente convertirse en cantante solista. Shore firmó con Bluebird y grabó
varios éxitos durante 1940-41, incluidos "Yes, My Darling Daughter",
"I Hear a Rhapsody" y "Jim". Su primer millón de ventas llegó
en 1942 con el prototipo de crossover de blues, "Blues in the Night".
Más tarde ese año, se mudó a Victor y tuvo un gran éxito con "You would be
so nice to come home to" y su primer éxito número uno, "I'll Walk
Alone" de 1944. Shore también comenzó a aparecer en películas, incluidas
Up in Arms de 1944 y Till the Clouds Roll By de 1946.
El final de los 40 resultó ser su época más popular para
grabar. Entre 1946 y 1949, tuvo un gran éxito con varias canciones, como
"The Gypsy", "I Love You for Sentimental Reasons",
"Anniversary Song", "I Wish I Didn't Love You So",
"Buttons and Bows" y "Queridos corazones y gente amable".
Aunque sus récords no llegaron tan alto durante los años 50, Dinah Shore
disfrutó aún más de la exposición con su programa de variedades mejor
calificado, The Dinah Shore Chevy Show. Para muchos, la apertura y el cierre de
cada espectáculo de Shore con "Vea los Estados Unidos en su Chevrolet,
Estados Unidos es la tierra más grande de todas" definió prácticamente los
años 50. Su patrocinio de Chevrolet duró hasta 1963, pero regresó en los años
70 con un nuevo formato, el programa de entrevistas diurno. Durante la década
de 1980, comenzó a actuar una vez más, pero volvió a la televisión una vez más
con una serie que duró dos años.
Dinah Shore, fue una de las artistas más populares de
Estados Unidos mucho después de su apogeo comercial de mediados de los 40, y
fue la primera vocalista importante en romper con el formato de las grandes
bandas y comenzar una carrera en solitario. Durante la década de los 40, grabó
varios de los sencillos más importantes de la década: "Buttons and
Bows", "The Gypsy" y "I'll Walk Alone", todos los
cuales pasaron más de un mes en el número uno de las listas de éxitos. Murió de
cáncer en 1994.
A continuación, la recordamos en el día de su fallecimiento,
con 2 canciones: Begin the Beguine, y April in Paris, acompañada en piano por Andre
Previn.
(Georg Friedrich Händel o Haendel; Halle, actual Alemania,
1685 - Londres, 1759) Compositor alemán naturalizado inglés. Estricto
contemporáneo de Johann Sebastian Bach (aunque difícilmente podrían hallarse
dos compositores más opuestos en cuanto a estilo y aspiraciones), Haendel
representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la
música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su producción abarca
todos los géneros de su época, con especial predilección por la ópera y el
oratorio, a los que, con su aportación, contribuyó a llevar a una etapa de gran
esplendor.
Haendel
Oponiéndose a los deseos de su padre, quien pretendía que
siguiera los estudios de derecho, la carrera de Haendel como músico comenzó en
su Halle natal, donde tuvo como profesor al entonces célebre Friedrich Wilhelm
Zachau, organista de la Liebfrauenkirche; fue tal su aprovechamiento que en
1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde,
violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo, donde entabló contacto con
Reinhard Keiser, un compositor que le introdujo en los secretos de la
composición para el teatro.
En Hamburgo, precisamente, estrenó Haendel en 1705 su
primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. Un año más tarde el
músico emprendió un viaje a Italia que había de tener especial importancia, ya
que le dio la oportunidad de familiarizarse con el estilo italiano e introducir
algunas de sus características en su propio estilo, forjado en la tradición
contrapuntística alemana. Las óperas Rodrigo y Agrippina y el oratorio La
Resurrezione datan de esa época.
En 1710, de regreso en Alemania, Georg Friedrich Haendel fue
nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que
abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra, donde pronto
se dio a conocer como autor de óperas italianas. El extraordinario triunfo de
la segunda de su autoría, Rinaldo, le decidió a afincarse en Londres a partir
de 1712.
Dos años más tarde, su antiguo patrón, el Elector de
Hannover, fue coronado rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I, y el
compositor reanudó su relación con él, interrumpida tras el abandono de sus
funciones en la ciudad alemana. Fueron años éstos de gran prosperidad para
Haendel: sus óperas triunfaron en los escenarios londinenses sin que los
trabajos de autores rivales como Bononcini y Porpora pudieran hacerles sombra.
Sin embargo, a partir de la década de 1730, la situación
cambió de modo radical: a raíz de las intrigas políticas, las disputas con los
divos (entre ellos el castrato Senesino), la bancarrota de su compañía teatral
y la aparición de otras compañías nuevas, parte del público que hasta entonces
lo había aplaudido le volvió la espalda.
A partir de ese momento, Haendel volcó la mayor parte de su
esfuerzo creativo en la composición de oratorios: si Deidamia, su última ópera,
data de 1741, de ese mismo año es El Mesías, la obra que más fama le ha
reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés, los oratorios
-entre los que cabe citar Israel en Egipto, Sansón, Belshazzar, Judas
Maccabeus, Solomon y Jephta- constituyen la parte más original de toda la
producción del compositor y la única que, a despecho de modas y épocas, se ha
mantenido en el repertorio sin altibajos significativos, especialmente en el
Reino Unido, donde el modelo establecido por Haendel ha inspirado la concepción
de sus respectivos oratorios a autores como Edward Elgar o William Walton.
No obstante, no hay que olvidar otras facetas de su
producción, en especial la música instrumental, dominada por sus series de
Concerti grossi y conciertos para órgano. Los últimos años de vida del
compositor estuvieron marcados por la ceguera originada a consecuencia de una
fallida operación de cataratas. A su muerte fue inhumado en la abadía de
Westminster junto a otras grandes personalidades británicas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Música acuática, en la versión de la Academia de Música Antigua de
Berlín, dirigida por Georg Kallweit.
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Jean Sibelius con el Cuarteto de Cuerda en Re Menor, Op.
56, Voces Intimas, la Sinfonía Nº 7 en Do Mayor Op. 105, y el Concierto para
Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Vera Víktorovna Timánova nació en Ufá, Imperio ruso, el 18
de febrero de 1855, y murió en Leningrado, Unión Soviética, el 22 de febrero de
1942. Pianista.
De niña mostró aptitudes musicales. A los 6 años comenzó a
recibir clases de piano con profesores locales y a los 9 años se presentó en público.
Pronto llamó la atención de Antón Rubinstein, con el que entabló una estrecha
amistad. Gracias a su recomendación, obtuvo el patrocinio para estudiar con Carl Tausig en Berlín.
Posteriormente fue alumna de Franz Liszt y se convirtió en una intérprete
destacada en Rusia, Francia, Austria, Reino Unido, Alemania y Turquía. Periódicamente regresaba a su ciudad natal para ofrecer conciertos. También
se relacionó con Aleksandr Borodín y con Piotr Ilich Tchaikovski, que le dedicó
el Scherzo humoristique, de sus Seis piezas para piano Op. 19. El director
checo Eduard Nápravník le dedicó la Fantasía compuesta en 1881, basada en
canciones populares rusas. En 1907, luego de giras y presentaciones en
distintos países, se estableció en San Petersburgo, donde dio conciertos, clases
de piano, y grabó varias piezas en rollos para el piano reproductor
Welte-Mignon, incluyendo obras de Franz Liszt, Sergéi Liapunov, y Moritz
Moszkowski, entre otros. En 1937 realizó su última actuación pública. Murió durante
el Sitio de Leningrado el 22 de febrero de 1942.
A continuación, la recordamos en el día de su fallecimiento,
con su interpretación de la Rapsodia Húngara Nº 1 de Franz Liszt.
Charles-Marie Widor fue un compositor y organista francés,
célebre por sus sinfonías. La obra que más se destaca es la toccata de su
Sinfonía nº. 5. Escribió música sinfónica, de cámara, óperas y, sobre todo,
composiciones para órgano.
Biografía
Infancia y juventud
Charles-Marie Widor nació en Lyon. Su padre, el organista de
San Francisco, Lyon, fue su primer maestro. Más tarde estudió con Jacques
Lemmens en Bruselas. Cuando era niño, Widor fue un improvisador experto. Antes
de 1860, a los 16 años, reemplazó a su padre como organista de San Francisco, y
en 1869 se convirtió en el organista de Saint Sulpice en París, donde
permaneció hasta 1934.
Charles Marie Widor mantuvo amistad con músicos de
generaciones tan distintas desde Rossini hasta Milhaud. Entre sus colegas más
cercanos estuvieron Gounod, Delibes, Massenet y Saint-Saëns.
Como profesor educó a organistas como Charles Tournemire,
Marcel Dupré y Albert Schweitzer, mientras que algunos de sus estudiantes de
composición fueron Arthur Honegger y Darius Milhaud.
Su carrera de compositor
La mejor pieza de órgano de Widor conocido es la Toccata,
que suele tocarse al culminar una ceremonia nupcial. Escribió 10 sinfonías en
total.A sus 26 años ocupó el puesto de organista en la iglesia de Saint-Sulpice
de París.
Como compositor, cultivó aquellos valores apreciados por
largo tiempo en Francia y asociados con todas las artes francesas: lógica,
claridad, moderación y balance. En sofisticación y maestría, su música puede
ser comparada con la de Saint-Saëns. En 1914 fue incorporado como secretario
permanente de la Academia de Bellas Artes de Francia.
Durante una extensa y prolífica carrera, Widor compuso en
todos los géneros. Tiene a su crédito dos ballets (La Korrigane y Jeanne
d’Arc), tres óperas (Maître Ambros, Les Pecheurs de Saint-Jean y Nerto) y
música incidental para Conte d’Avril y Les Jacobites. Compuso dos sinfonías
para orquesta y tres para órgano con orquesta, el poema sinfónico La Nuit de
Walpurgis, una Ouverture Espagnole y cinco conciertos, incluyendo para cello y
para piano. Además escribió música para piano solo, obras vocales religiosas y
seculares así como numerosas partituras de cámara.
Su mayor aporte, el órgano
El nombre de Widor está asociado principalmente a la música
para órgano. Y son tales sus logros en este ámbito que todo el resto de su obra
ha caído casi en el olvido. Sus experiencias como intérprete y compositor para
órgano surgen tempranamente en su carrera. Su abuelo era constructor de órganos
y su padre continuó con la profesión además de ser intérprete. Widor recibió de
él su instrucción inicial.
Sucedió a Lefebure-Wely en 1870 como organista en Saint
Sulpice y mantuvo este cargo durante sesenta y cuatro años. A los noventa se lo
traspasó a Marcel Dupré. En 1890 asumió el puesto como profesor de órgano en el
Conservatorio de París y seis años después tomó el curso de Theodore Dubois
como profesor de composición.
Como organista demostró una prodigiosa virtuosidad. Era muy
talentoso en la improvisación y miraba al órgano como una especie de orquesta.
Reconocía que su potencial excedía lejos a los límites del antiguo estilo
polifónico germano y se dedicó a crear un nuevo repertorio que revelara los
vastos y gloriosos recursos tonales que estaban esperando ser descubiertos. Al
hacerlo creó un nuevo género, la sinfonía francesa para órgano, y toda una
escuela de composición.
Widor compuso diez sinfonías para órgano solo. Las primeras
fueron diseñadas como suites con preludios, marchas, pastorales, intermezzi,
tocatas y fugas. Solamente en las últimas tres logró una verdadera cohesión
sinfónica en una estructura de cuatro movimientos. Las sinfonías ejercieron
gran influencia sobre la posterior música francesa de órgano y estableció una
escuela caracterizada por una belleza tonal y brillantes efectos. Su ejemplo ha
sido emulado muchas veces, sobre todo por compositores belgas y franceses, pero
difícilmente igualado.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sinfonía Sacra Op. 81, en la versión de Christian Schmitt en órgano, y
la Orquesta Sinfónica de Bamberg, dirigida por Stefan Solyom.
Shalom – En Memoria de las Víctimas del Holocausto
Un año más, el programa SHALOM se desplazó hasta el Senado
con motivo del Acto por la Memoria de las Víctimas del Holocausto y Crímenes
contra la Humanidad que se conmemora el 27 de enero por ser la fecha de la
liberación del Campo de Exterminio de Auschwitz-Birkenau
James Edward Yancey, más conocido como Jimmy Yancey, nació
en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 20 de febrero de 1898, y murió en su
ciudad, el 17 de septiembre de 1951. Pianista y compositor.
Jimmy Yancey, con el nombre de James Edward Yancey, (nacido
el 20 de febrero de 1898?, Chicago, Illinois, EE. UU., Fallecido el 17 de
septiembre de 1951 en Chicago), pianista de blues estadounidense que estableció
el estilo boogie-woogie con una izquierda lenta, constante y simple, patrones
de bajo de mano. Estos se hicieron más rápidos en el trabajo de sus estudiantes
Albert Ammons y Meade "Lux" Lewis, quien popularizó el patrón de bajo
"Yancey Special". Yancey también era conocido por la inventiva impredecible
de su mano derecha.
Yancey fue en gran parte un pianista autodidacta con alguna
instrucción de su hermano Alonzo. Tuvo una carrera infantil como cantante y
bailarín, recorrió circuitos de vodevil estadounidenses y salas de música
europeas, dando una actuación de mando para el rey Jorge V de Inglaterra en
1913. Al regresar a Chicago, Yancey actuó en pequeñas tabernas y reuniones
informales. Jugó béisbol en las ligas negras hasta 1919, año en que se casó con
Estella Harris (Mama Yancey), quien cantó con él en fiestas en casa durante las
décadas de 1920, 1930 y 1940. Tuvieron tres sesiones de grabación juntos y
actuaron en una cadena de radio en 1939 y en el Carnegie Hall de la ciudad de
Nueva York en 1948. Desde 1925 hasta poco antes de su muerte, Yancey trabajó
como jardinero en el estadio de béisbol Chicago White Sox.
La influencia de Yancey en otros músicos fue profunda, pero
su música fue conocida por solo una pequeña cuadrilla durante su vida. Mama
Yancey continuó actuando y grabando, trabajando con los pianistas Little
Brother Montgomery y Erwin Helfer. Volvió a cantar en el Carnegie Hall en 1981.
Jimmy Yancey fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Yancey Stomp.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Hannah Szenes: lejos pero cerca
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Entre los héroes más importantes de Israel se encuentra Hannah
Szenes, nacida en Budapest, quien descubrió su amor por la Tierra de Israel, se
ofreció como voluntaria para una misión de rescate de los judíos de Hungría
ocupada por los nazis, y se convirtió en un símbolo de coraje y determinación.
Su corta vida expresa el espíritu de sacrificio por el bien del pueblo judío.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Paloma O'Shea y Artiñano nació en Guecho, Bilbao, España, el
19 de febrero de 1936. Pianista, filántropa y mecenas, presidenta de la Escuela
Superior de Música Reina Sofía.
El sitio https://www.abc.es/
publicó este artículo fechado el 19 de febrero de 2018.
Paloma O'Shea, una mujer adelantada a su tiempo
La presidenta de la Fundación Albéniz y directora de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, fundado por ella misma en 1991, cumple hoy 82 años
La presidenta de la Fundación Albéniz y directora de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, fundado por ella misma en 1991, cumple hoy 82 años. Paloma O’Shea, quien desde el año 2008 ostenta el título de marquesa de O’Shea, es una pianista que gracias a su talante y profesionalidad se ha convertido en una de las mayores promotoras de la música clásica española gracias a su trabajo. Una pasión que transmitió a sus seis hijos, que recibieron clases de piano hasta los 15 años, fruto de su matrimonio con el banquero Emilio Botín.
Descendiente de irlandeses, Paloma O’Shea nació en 1936 en Las Arenas, Vizcaya. Comenzó la carrera de Piano con tan solo 5 años y la finalizó diez años después, convirtiéndose en una de las mujeres más jóvenes en obtener una carrera musical. Contrajo matrimonio a los 22 años, tras lo cual dedicó detuvo su actividad profesional unos años para formar junto a su esposo la familia que hoy les acompaña. Tres de sus hijos: Ana Patricia, Emilio y Francisco Javier, al igual que su padre, decidieron encaminar su vida hacia el mundo de las finanzas; otros dos: Paloma y Carolina, se apasionaron por la vocación humanística; y Carmen concentró su vida en la acción social y la vida familiar.
A los 36 se alzaba como directora del Conservatorio de Mús y promotora de un concurso de piano que más tarde llevaría su nombre y que ha acabado convirtiéndose en el «Concurso Internacional de Piano de Santander», una cantera de genios de la música.
Marquesa, filántropa, mecenas y pianista. Una mujer adelantada a su tiempo cuya fortaleza y energía la han convertido en una de las aristócratas más queridas y respetadas de nuestro país.
A continuación, de Robert Schumann, la Sinfonía Nº 3 en Mi
Bemol Mayor Op. 97, Renana, en la versión de la Orquesta Filarmónica de Berlín,
dirigida por Riccardo Muti.
Isidor Georg Henschel, más conocido como George Henschel,
nació en Breslavia, Reino de Prusia, el 18 de febrero de 1850, y murió en
Aviemore, Reino Unido, el 10 de septiembre de 1934. Barítono, pianista,
director de orquesta y compositor.
Estudió piano, y en 1862 realizó su primera presentación en público,
en Berlín. Posteriormente comenzó a cantar, inicialmente y por un breve tiempo,
como bajo profundo, pero se destacó como barítono. En 1868, cantó el rol de
Hans Sachs, de la ópera Los Maestros Cantores de Núremberg, de Richard Wagner,
en un concierto en Múnich. Fue amigo cercano de de Johannes Brahms. En 1877
comenzó una exitosa carrera en Inglaterra, donde cantó en los principales
conciertos. También realizó una carrera como pianista acompañante. En ocasiones
combinó ambas funciones. Grabó varios discos cantando y acompañándose en piano
en Lieder de Franz Schubert, y Robert Schumann. Como director de orquesta se presentó
en el Reino Unido y en Estados Unidos. En 1881 fue el primer director de
orquesta de la Orquesta Sinfónica de Boston. En 1886, comenzó una serie
conocida como los Conciertos Sinfónicos de Londres, y en 1893 se convirtió en
el director de la Real Orquesta Nacional Escocesa. Como compositor dejó obras
instrumentales, un Stabat Mater, la ópera Nubia, y un Réquiem. En 1907 publicó
una colección de sus diarios y correspondencia en Recuerdos personales de
Johannes Brahms y en 1918 Reflexiones y recuerdos de un músico.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con 3 lieder de Franz Schubert: Lachen und Weinen D. 777, Das Wandern D. 795, y
Der Leiermann D. 911, y 3 lieder de Robert Schumann: Die beiden Grenadiere Op.
49 Nº 1, Lied eines Schmiedes Op. 90 Nº 1, e Ich grolle nicht Op. 48 Nº 7.
Henri François Vieuxtemps nació en Verviers, Bélgica, el 17
de febrero de 1820, y murió en Argel, Argelia, el 6 de junio de 1881. Violinista
y compositor.
Henri Vieuxtemps Violinista y compositor belga. Gran
virtuoso del violín, viajó por toda Europa, siendo alabado por Schumann.
Escribió numerosas obras para violín, sobre todo seis notables conciertos. En
sus composiciones, casi todas para violín, mostró un estilo personal, sobre
todo en Concierto para violín en la menor, opus 37 en (1877), que es pieza
predilecta de muchos violinistas actuales.
Síntesis biográfica
Nació en Verviers en 1820, criado en un ambiente familiar
impregnado de música, su padre -violinista aficionado. Con solo seis años, en
1826 inicia su carrera concertística junto a su profesor, con el Concierto para
Violín y Orquesta n.º 5 . En 1827 da su primer concierto en Bruselas, donde fue
escuchado por Charles-Auguste de Bériot, quien accede a admitirlo en sus clases
del Conservatorio de París, donde se traslada en 1828.
Permanece en la capital del Sena hasta 1833, alternando sus
estudios con una importante actividad concertística por la propia Francia,
Bélgica, Alemania, Italia y Estados Unidos. Son los tiempos en los que su
juventud y su virtuosismo al violín le crean una fama legendaria. Con solo
trece años, en 1833, se instala en Viena y estudia composición con Simon
Sechter. En 1834 realiza una gira por Alemania y es escuchado en Leipzig por
Schumann, quien lo compara con Paganini. Al año siguiente, decide volver a
París y concluir sus estudios de composición con Anton Reicha. En 1844 se casa
con la pianista vienesa Josephine Eder.
Entre 1846 y 1852, en que fue violinista de la corte del zar
en San Petersburgo y profesor de violín en el Conservatorio de esta ciudad. A
partir de 1871 abandonó las giras de conciertos y se estableció en Bruselas,
donde también fue director de los Conciertos Populares y profesor del
Conservatorio.
Murió el 6 de junio de 1881 en Argel, pero su cuerpo es
trasladado a Bélgica donde es recibido como un héroe nacional y enterrado en
Verviers, su ciudad natal.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto Nº 5 en La Menor Op. 37, en la versión de Alexander Markov,
junto a la Orquesta de Cámara Real de Valonia, dirigida por Vahan Mardirossian.
Gaetano Fraschini (16 de febrero de 1816-23 de mayo de 1887)
fue un italiano tenor. Creó muchos papeles en óperas del siglo XIX, incluidos
cinco compuestos por Giuseppe Verdi. Su voz era "heroica ... con una
calidad de barítono, ... sin embargo, Verdi y Donizetti apreció su habilidad
para cantar suavemente y con sutileza ".[1] Un biógrafo italiano ha
señalado el papel de Fraschini en la prolongación de la longevidad de las
óperas de Donizetti, mientras que al mismo tiempo acelera el ascenso del repertorio
de Verdi. De hecho, fue el cantante más destacado que facilitó la transición de
Donizetti a Verdi. Fraschini cantó más de cien papeles y Verdi lo colocó en la
parte superior de la lista de sus tenores favoritos y lo describió como un
"Manrico natural" por su Il trovatore. Fraschini también jugó un
papel fundamental en el éxito de muchas óperas de Pacini y Mercadante.[2]
Biografía
Nacido en Pavía el 16 de febrero de 1816, el segundo hijo de
Domenico Fraschini y Grazia Cremaschi,[3] Fraschini estudió con Felice
Moretti[4] antes de debutar en su ciudad natal el 4 de abril de 1837, en el
Teatro dei Nobili Cavalieri, ahora conocido como Teatro Fraschini, cantando el
papel de Lord Arturo en Gaetano Donizetti's Lucia di Lammermoor.[5] Un mes
después, como comprimario, cantó el papel de Hervey en Donizetti's Anna Bolena
en el mismo teatro. En la misma casa cantó Iago en Rossini's Otello junto al
legendario Giovanni David en el papel principal, en abril de 1838.[6] Al mes
siguiente, en el mismo escenario cantó en Donizetti's L'Esule di Roma. El
Teatro della Societa de Bérgamo lo aseguró para el mismo papel. Continuó
cantando Donizetti, actuando en Torquato Tasso en Bérgamo en enero de 1839.
Regresó a su ciudad natal para cantar en Mercadante
Gabriella di Vergy, también en Donizetti's Gemma di Vergy y Fausta. De julio a
septiembre estuvo en Vicenza, donde cantó en Mercadante's Elena da Feltre, De
Donizetti Torquato Tasso y Roberto Devereux. Para coronarlo todo cantó Pollione
en Bellini's Norma con Giuseppina Ronzi de Begnis (su futura esposa) en el
papel principal. En octubre debutó en Venecia en el Teatro San Benedetto como
Pollione y Roberto Devereux; la primadonna assoluta fue Ronzi de Begnis.[7]
El 28 de marzo de 1840 hizo su debut en La Scala en Marino
Faliero.[4] Aunque su voz era excelente, sus habilidades de actuación dejaban
mucho que desear y generaban algunos abucheos aislados. Estos fueron
magnificados por una revisión y lastimaron tanto a Fraschini que juró no volver
a cantar nunca más en La Scala.
A partir de ese año se comprometió en la Teatro San Carlo en
Nápoles, donde permaneció continuamente hasta 1853. Allí creó papeles en numerosas
óperas de Giovanni Pacini, incluyendo La fidanzata corsa, La stella di Napoli,
La regina di Cipro, Merope y Romilda di Provenza y Faone en Saffo; también creó
a Gerardo en Caterina Cornaro para Donizetti en 1844. También cantó en otras
óperas de Donizetti, incluyendo Linda di Chamounix, Maria di Rohan, La
favorita, Poliuto, y Lucia di Lammermoor. La fuerza con la que liberó la
maldición de Edgardo en este último llevó a su apodo ".tenore della
maledizione".[1][4] Este papel se convirtió en un verdadero caballo de
batalla para Fraschini. Aparte de lo ya mencionado Norma, otras óperas
bellinianas cantadas por él incluyeron Il Pirata, y Beatrice di Tenda.
Uno de los primeros tenore di forza, creó varios roles
verdianos, comenzando con Zamoro en Alzira en 1845. También fue el primer
Corrado en Il corsaro (1848), Arrigo en La battaglia di Legnano (1849), el
papel principal en Stiffelio (1850) y Riccardo en Un Ballo in Maschera (1859).
También cantó en Oberto, Ernani, I Lombardi, I masnadieri, Luisa Miller, y Il
trovatore. 1856 lo vio cantando Henri en Les vêpres siciliennes en Roma, y en 1858 fue Gabriele Adorno en
Simón Boccanegra para Nápoles.[4]
En 1846 hizo su debut internacional en el
Kaertnerthortheater de Viena, donde cantó Chalais en Donizetti's Maria di
Rohan, seguido de Verdi Ernani y Donizetti's Lucia di Lammermoor y Don
Pasquale.[8]También a nivel internacional cantó mucho de Verdi: en Teatro de Su
Majestad en 1847, donde participó en la primera representación de Londres de Le
debo a Foscari; en 1863 en Madrid, donde cantó en La forza del destino;[4] y el
otoño siguiente en el Théâtre Italien en París, donde apareció en Un Ballo en
Maschera Ernani, y Il Trovatore, así como en Lucia di Lammermoor y Poliuto.[9]
Monaldi describió la voz de Fraschini como "un gong de
plata golpeado con un martillo de plata",[1] Obviamente se estaba haciendo
eco del famoso profesor de voz. Henry Panofka quien - en su tratado sobre
"Cantantes y voces" - exhortó a los jóvenes tenores a emular a
Fraschini y señaló la cualidad "plateada" de su voz.[10][página
necesaria]
Fraschini se retiró en 1873 y se despidió en Roma como
Gennaro en Lucrezia Borgia y en Florencia como Don Alvaro en La forza del
destino. Su último papel fue Lyonel en Flotow's Martha,[4] que cantó en el
Teatro della Pergola de Florencia en enero de 1874. En ese momento "su voz
y técnica aún estaban intactas".[1] Fraschini murió en Nápoles en 1887. El
teatro de la ópera de Pavía lleva su nombre.[11]
Referencias
Migliavacca, Giorgio. "Gaetano Fraschini: il tenore
della transizione da Donizetti a Verdi"
