lunes, 28 de febrero de 2022

Jean-Baptiste Arban

Joseph Jean Baptist Laurent Arban nació en Lyon, Francia, el 28 de febrero de 1825, y murió en París, Francia, el 9 de abril de 1889. Cornetista, director de orquesta y pedagogo.

El sitio www.es.mahlerfoundation.org publicó este recordatorio.

Jean-Baptiste Arban (1825-1889).

Joseph Jean-Baptiste Laurent Arban fue un cornetista, director, compositor, pedagogo y el primer virtuoso famoso de la corneta a pistón o corneta con válvula. Fue influenciado por la técnica virtuosa de Niccolò Paganini en el violín y demostró con éxito que la corneta era un verdadero instrumento solista al desarrollar una técnica virtuosa en el instrumento.

Nació en Lyon, Francia, uno de los diez hijos de Simon Arban, artífice. Un hermano mayor fue el aeronauta Francisque Arban.

Estudió trompeta con Francois Dauverné en el Conservatorio de París de 1841 a 1845. Fue nombrado profesor de saxhorn en la École Militaire en 1857 y profesor de corneta en el Conservatorio de París en 1869, donde Merri Franquin estaba entre sus alumnos. Publicó su Grande méthode complète pour cornet à pistons et de saxhorn en París en 1864. Este método, que a menudo se conoce como la "Biblia del trompetista", todavía es estudiado por los músicos de metal modernos. Sus variaciones sobre El Carnaval de Venecia siguen siendo una de las grandes obras maestras de los solistas de corneta en la actualidad. “Fantasie Brilliante” también se sigue interpretando y grabando con frecuencia.

Al parecer, Arban hizo una grabación de cilindro de fonógrafo para la Compañía Edison poco antes de su muerte. En un periódico de Finlandia, Hufvudstadsbladet de Helsinki, (n. ° 96, de 11.4.1890, página 2), se menciona la grabación de Arban: “Entre los fonogramas hay que mencionar uno en particular: solo en corneta a pistón, interpretado por el famoso francés el virtuoso monsieur Arban llamado “Fanfare d'Edison”. Arban murió en París el 8 de abril de 1889.

El libro Método Arban está disponible en varias editoriales, siendo Carl Fischer y Alphonse Leduc las más destacadas. En 1982, Carl Fischer publicó una versión anotada por Claude Gordon, destacado pedagogo. La versión de Carl Fischer de 1982 restaura el texto original y designa las revisiones anteriores de Walter Smith y Edwin Franko Goldman. Luego, Claude Gordon hace comentarios en las notas a pie de página para aclarar y hacer referencias cruzadas al material de apoyo. El texto original de Arban no defendía muchas cosas que pretendían los profesores recientes y esta edición es útil para una precisión histórica.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Carnaval de Venecia, en la versión de Maurice André. 


domingo, 27 de febrero de 2022

Shalom – Protagonista: Los libros


Shalom – Protagonista: Los libros

Hoy les presentamos dos libros que tratan del mismo tema, la Shoah, y sin embargo, no podrían hacerlo desde un ángulo más diferente. ''Cinco cuentas de ámbar'' de Richard Aronovich y "La carta olvidada'' Josep Calvet.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/protagonista-libros/6387799/

Joaquín Valverde


Joaquín Valverde Durán nació en Badajoz, España, el 27 de febrero de 1846, y murió en Madrid, España, el 17 de marzo de 1910. Compositor.

El sitio www.dbe.rah.es publicó este recordatorio firmado por Paulino Capdepón Verdú.

Joaquín Valverde Durán

Biografía

Valverde Durán, Joaquín. Badajoz, 27.XI.1846 – Madrid, 17.III.1910. Compositor, director, instrumentista y docente.

Dedicado al género chico, destacó en la generación de músicos madrileños de finales del siglo XIX y comienzos del XX.

A los once años fijó su residencia en Madrid, donde ingresó en las Escuelas Pías, Ya en Badajoz había comenzado a estudiar música, continuando los estudios en Madrid. Posteriormente se trasladó a Valencia, ciudad en la que inició su actividad como intérprete de flauta en diversas bandas militares: se ha documentado que desde niño fue flautín de la Banda del Regimiento de Valencia, experiencia que le sirvió de plataforma para ingresar en la orquesta de varios teatros.

Al ingresar en un regimiento, fue nombrado profesor de Solfeo de sus compañeros del Ejército.

En 1859 regresó a Madrid junto a su madre y su hermana Balbina, por entonces una actriz famosa que le ayudó a encontrar empleo en la orquesta del Teatro Príncipe, (el actual Teatro Español). Al mismo tiempo que ejercía esta función, llevó a cabo estudios de Literatura y de carácter científico, logrando así hacerse con tal bagaje intelectual que llegó a escribir una serie de artículos y una colección poética.

En septiembre de 1863 ingresó como alumno en el Conservatorio de Música de Madrid, donde cursó las materias de Flauta con Ramón Sánchez, José Piqué y Pedro Sarmiento, Armonía con José Aranguren y Composición con Emilio Arrieta. En 1867 obtuvo el Primer Premio de Flauta en 1867 y tres años después finalizó los estudios de Composición con Arrieta en el mismo Conservatorio, recibiendo asimismo el Primer Premio final de carrera.

En 1871 fue contratado para dirigir la orquesta del Teatro Príncipe, pasando después al de la Comedia y más tarde al Teatro Lara. Durante esta etapa llegó a componer más de doscientas piezas instrumentales para los entreactos de los teatros donde dirigía la orquesta. Ese mismo año de 1871 obtuvo el Premio de la Sociedad Fomento de las Artes por su sinfonía Batylo. En 1874 compuso la colección de Estudios melódicos para flauta, obra que a partir de entonces fue adoptada como libro de texto de la Escuela Nacional de Música; al poco tiempo Valverde fue nombrado secretario del tribunal de oposiciones para cubrir la Cátedra de Fagot, encargándose de componer el solo que los opositores debían leer a primera vista: dicha obra gozó de tal aceptación que más tarde la publicó con arreglos para distintos instrumentos. Una nueva obra de carácter didáctico, titulada Preludios ad libitum, se publicó posteriormente, En la primavera de 1875, tras haber escrito con Bretón la música de la zarzuela El viaje de Europa, fue nombrado secretario en los tribunales de oposiciones para cubrir las plazas de instrumentistas en el Ejército. Los pasodobles Una bicoc y Parte y plaza, publicados en El Eco de Marte, son modelos con los que enseñaba a sus alumnos particulares de Armonía y Composición. A 1876 se remonta el comienzo de su amistad con Federico Chueca, iniciándose un período de colaboración, que estaría plagada de éxitos: con sus profundos conocimientos de composición, Valverde compensaba las carencias de Chueca. Sin embargo, el trabajo conjunto de ambos compositores suscitó reacciones encontradas: se llegó a escribir incluso que las notas que Chueca escribía eran “billetes de mil pesetas, de los que otro se aprovecha con escasísimo trabajo”.

Esta colaboración finalizó a finales de 1880, trayendo como consecuencia el declive —aunque lento— de Valverde, quien a partir de entonces no compuso ninguna obra de relieve al carecer de la vena creadora e intuitiva de su amigo y colaborador.

En agosto de 1879 se celebró en Ferrol (La Coruña) un concurso musical en el que Valverde obtuvo una mención honorífica por su sinfonía Todo es paz y dulzura.

En febrero de 1882 falleció su antiguo profesor de Flauta, Pedro Sarmiento, y al quedar vacante la cátedra, decidió presentarse animado por sus amigos, pero no obtuvo la plaza. Más tarde, en el prólogo a su método para la enseñanza de la flauta titulado La flauta: su historia, su estudio (Madrid, 1886), explicó las razones por las que no obtuvo dicha plaza. A raíz de ello, el Instituto Filarmónico, dirigido por el conde de Morphy, le hizo justicia nombrándolo profesor de Literatura Musical. También de 1882 data la publicación de los Estudios melódicos para flauta.

Como director de orquestas teatrales desplegó una intensa actividad entre 1871 y 1889. Consta, por ejemplo, que en 1873 dirigía la del Teatro Príncipe, en la temporada de 1875-1876 la del Teatro de la Comedia y entre 1876 y 1877 la orquesta del Teatro Apolo.

Por lo que se refiere a su producción musical, Valverde se dedicó plenamente a la música escénica. Su popularidad es debida principalmente a su colaboración con Chueca como orquestador, aunque también está reconocida su autoría en algunos números de zarzuelas. Miró Bachs afirma lo siguiente: “Fue uno de los compositores que podemos llamar castizos, de los que siguiendo las huellas de los Misón y Esteve, crearon la antigua tonadilla, que pasando luego por la musa retozona de Barbieri, desembocó en el género chico”. Por su parte, Augusto Martínez Olmedilla escribe: “Volviendo a Chueca, digamos que era un gran intuitivo, desconocedor de la técnica musical.

De aquí que necesitara imprescindiblemente la intervención de colaboradores para instrumentar sus admirables melodías”. Por esta razón, es ineludible citar a Joaquín Valverde al estudiar la obra compositiva de Federico Chueca, ya que de su trabajo en común surgieron numerosas zarzuelas, entre ellas La Gran Vía o Cádiz. En opinión de María Concepción Romero, “su obra se considera inspirada y de buen gusto, sin grandes complicaciones técnicas, pero tal vez habría alcanzado más popularidad si su carácter hubiera sido diferente, puesto que era conocido por su excesiva modestia”. Para Matilde Muñoz, “Chueca fue, con don Joaquín Valverde, el autor del primer sainete con música estrenado en España [La canción de la Lola, 1880]. Este sainete abría las puertas al ‘género chico’ en su aspecto lírico, el único en que después triunfó plenamente y se hizo representativo del nacionalismo musical español”.

Valverde compuso más de sesenta obras, muchas de ellas en colaboración con los músicos de su tiempo: M. Fernández Caballero, Arturo Saco del Valle, Tomás L. Torregrosa, Tomás Bretón, José Rogel, Ruperto Chapí, Romea y, por supuesto, Chueca y su hijo Quinito. Entre sus principales obras brilla con luz propia A los toros, una revista en dos actos con letra de Ricardo de la Vega, que fue estrenada en el Jardín del Buen Retiro el 1 de agosto de 1877. También destaca Las ferias, pasillo cómico-lírico en un acto, con letra de Ossorio y Bernard y Barranco, estrenado en el Teatro del Buen Retiro el 3 de julio de 1878, en colaboración con Chueca. Más tarde, en 1880, estrenó en el Teatro de la Alhambra La canción de la Lola o Celos engendran desdichas, sainete lírico en un acto en prosa y verso, con letra de Ricardo de la Vega. Fue esta obra la que abrió las puertas del teatro a Chueca y Valverde, y tiene un peso mítico en la historia de la zarzuela, puesto que con dicha obra se iniciaría el denominado género chico. Tras este primer éxito se sucedió Luces y sombras, una revista política estrenada el 1 de febrero de 1882 en el Teatro Variedades y en la que son frecuentes las sátiras y referencias políticas, pero siempre expuestas con gracia y buen humor. En la década de 1880 y con anterioridad a La Gran Vía aparecen Fiesta nacional, acontecimiento cómico-lírico, taurómaco, en un acto y seis cuadros, con letra de Tomás Luceño y Javier de Burgos, que fue estrenada en el Teatro Variedades en 1882, y Vivitos y coleando, pesca cómico-lírica en un acto, con letra de Lastra, Ruesga y Prieto (1884). La obra más famosa de la colaboración entre Chueca y Valverde fue, sin duda alguna, la revista La Gran Vía, que los consagró a ambos en el panorama lírico nacional. La colaboración conjunta de ambos autores culminó con una segunda obra de éxito, Cádiz, estrenada en 1885 en el Teatro Apolo, de cuya orquesta era director por aquel entonces el propio Chueca: tuvo tal repercusión que la marcha de esta pieza fue empleada como himno patriótico durante las guerras coloniales; en una entrevista hecha por Vicente Vidal a Valverde, éste dice lo siguiente sobre su autoría: “El borrador se halla en poder mío; pero escrito por mí, no por el maestro Chueca, de quien tomé a oído su parte, corrigiéndola a mi modo. Luego combiné las voces, y, por último, instrumenté en la forma que se oye por el teatro y en las bandas militares”. El año pasado por agua, revista estrenada el 1 de marzo de 1889 en el Teatro Apolo, con letra de Ricardo de la Vega, constituyó otro de los grandes éxitos surgidos del trabajo en común de Chueca y Valverde.

Obras de ~: Música escénica (todas se conservan en el Archivo de la Sociedad General de Autores de Madrid): A los toros, 1877; Los barrios bajos, 1878; La función de mi pueblo, 1878; El mundo nuevo, 1878; Salón Eslava, 1879; R. R., 1880; La canción de la Lola, 1880; Fiesta nacional, 1882; De la noche a la mañana, 1883; Vivitos y coleando, 1884; Caramelo, 1884; Medidas sanitarias, 1884; El último tranvía, 1884; Chocolate y mojicón, 1885; En la tierra como en el cielo, 1885; La baronesita, 1885; Cádiz, 1886; Pasar la raya, 1886; Niña plancha, 1886; La Gran Vía, 1886; El canario, 1886; Los domingueros, 1888; Lección conyugal, 1888; El año pasado por agua, 1889; De Madrid a París, 1889; La revista nueva o Tienda de comestibles, 1889; Las grandes potencias, 1890; Caretas y capuchones, 1890; La segunda tiple, 1890; La baraja francesa, 1890; Cerrado por nacimiento, 1891; Retolondrón, 1892; El novio de su señora, 1892; La noche de san Juan, 1894; La india brava, 1894; El candidato, 1895; Merendero de Toribio, 1896; La manía de Tomás, 1896; Portafolio madrileño, 1897; La primera vara, 1897; El barquillero, 1900; El estuche de monerías, 1905; Pícara lengua, 1905; Los bárbaros del norte, 1906; Sangre moza, 1907; La isla de los suspiros, 1910; Agua y cuernos; El amor no tiene edad; El pecado original.

Bibl.: L. Ruiz y Contreras, Desde la platea (Divagaciones y críticas), Madrid, Fernando Fe, 1894; S. Canals, El año teatral (1895-96). Crónicas y documentos, Madrid, El Nacional, 1896; J. de Lace, Balance teatral de 1899-1900, Madrid, Herres, 1900; Balance teatral de 1900-1901, Madrid, Hijos de M. G. Hernández, 1901; F. Pérez y González, Casos y cosas teatrales de antaño y de hogaño, Madrid, Velasco, 1904; L. Carmena y Millán, Cosas del pasado, Madrid, 1905; J. Francos Rodríguez, El teatro en España 1908, Madrid, Nuevo Mundo, 1908; L. Villalba Muñoz, Últimos músicos españoles del siglo XIX, Madrid, IA, 1914; P. Caballero, Diez años de crítica teatral (1907-1916), Madrid, Apostolado de la Prensa, 1916; M. Zurita, Historia del género chico, Madrid, Prensa Popular, 1920; A. Miró Bachs, Cien músicos célebres españoles, Barcelona, Pentagrama, 1942; E. Chicote, La Lareto y este humilde servidor (Recuerdos de la vida de dos comediantes madrileños), Madrid, M. Aguilar, 1944; M. Muñoz, Historia de la zarzuela y del género chico, Madrid, Tesoro, 1946; J. Deleito y Piñuela, Origen y apogeo del género chico, Madrid, 1949; E. Chicote, Cuando Fernando VII gastaba paletó... Recuerdos y anécdotas del año de la Nanita, Madrid, Instituto Editorial Reus, 1952; Las señoritas del “pan-pringao”, Madrid, Instituto Editorial Reus, 1953; A. Sagardía, La zarzuela y sus compositores, Madrid, Sociedad Anónima Basconia, 1958; C. Corbera Fradera, Pulso universal. Ensayos en defensa de la zarzuela, Madrid, Linear, 1960; S. Delgado, Mi teatro, Madrid, Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), 1960; A. Martínez Olmedilla, Arriba el telón, Madrid, Aguilar, 1961; J. Alfaro López, Madrid. Primera década del siglo XX, 1901-1910. Música-teatro-toros-costumbres, Madrid, Magisterio Español, 1979; A. Castilla, “Significación estética y social de La Gran Vía”, en VV. AA., Actas del Sexto Congreso Internacional de Hispanistas, Canadá, 1980; J. M. Gómez Labad, El Madrid de la zarzuela, Madrid, Juan Piñero G., 1983; M. C. Romero Sánchez, “Valverde, Joaquín”, en Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana, t. X, Madrid, SGAE, 2002.

Paulino Capdepón Verdú

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Vals del Caballero de Gracia, Caballero de Gracia me llaman, de la zarzuela La Gran Vía, de Federico Chueca y Joaquín Valverde, en la versión del tenor Antonio Blancas, junto al Coro Cantores de Madrid, y la Orquesta Filarmonía de España, dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos.

A Primera Vista - Pedro Aznar


sábado, 26 de febrero de 2022

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Shmulik Shiló.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Shmulik Shiló: la sombra detrás de mí

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Shmulik Shiló  nació el 1 de diciembre de 1929 en Lutsk, al este de Polonia. Tras la invasión nazi-soviética del país, Shmulik y su familia fueron internados en el gueto. Logra sobrevivir y esconderse en diferentes sitios con solo 12 años: en los bosques, en casa de unos campesinos polacos, y finalmente se unirá a los partisanos. Una vez acabada la guerra llegará a la tierra de Israel junto a su hermana. Fue miembro del Palmaj y fundador del kibutz Tzeelim en el Néguev. En Israel se convirtió en actor y director de teatro, llevando adelante una carrera profesional destacada. En 1983 fundó el Teatro del Néguev y fue su director creativo durante quince años. Obtuvo dos veces el premio de la Academia al actor del año. Falleció en 2011 a los 81 años.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Johnny Cash


Johnny Cash nació en Kingsland, Arkansas, Estados Unidos, el 26 de febrero de 1932, y murió en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, el 12 de septiembre de 2003. Cantante, compositor, músico, y actor.

El sitio www.buscabiografias.com publicó este recordatorio.

Johnny Cash Cantante estadounidense

Nació el 26 de febrero de 1932 en Kingsland, Arkansas meridional.

La vida allí siempre fue difícil, la Gran Depresión destruyó la economía agrícola de la región y sus padres, Ray y Carrie, tuvieron que hacer milagros para alimentar a sus siete niños.

En 1935, la nueva administración del presidente Franklin D. Roosevelt animó a granjeros del país a que cultivasen en el suelo más fértil de Arkansas del noreste. Por las tardes cuando las tareas ya habían sido realizadas, su madre tocaba la guitarra y la familia entera cantaba himnos y canciones tradicionales.

Johnny obtuvo su primer trabajo no agrícola con 14 años, llevando el agua para las cuadrillas del trabajo. Tras graduarse en el High School de secundaria en 1950, decidió no ir a la universidad. La guerra coreana estaba a punto de estallar por lo que se alistó en la fuerza aérea de los Estados Unidos. Servía a la fuerza aérea en Alemania cuando se compró su primera guitarra.

Con algunos amigos formó una banda, Los Bárbaros para actuar en clubs pequeños alrededor de la base aérea. En 1954 fue contratado por la Sun Records de Sam Phillips, que antes había descubierto a personajes como Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. Philips se quedó asombrado con la canción " Hey ", que Crash había escrito cuando volvía a casa de la fuerza aérea.

Cuando Phillips buscaba una balada para " Hey" de Crash, él escribió "Cry, Cry, Cry" durante la noche. Vendió 100.000 copias en su país. Comenzó a viajar con Elvis Presley. Aparecieron en el programa de radio de Luisiana Hayride y realiza sus primeras apariciones en la televisión en programas locales en el sur.

Con su segunda grabación, "Folsom Prison Blues" triunfó en todo el país. En 1956 "I Walk the Line" vendía un millón de copias. Johnny comenzó a aparecer en Grand Ole Opry en Nashville, la Meca de la música del país. Antes de 1958 había publicado 50 canciones y vendido seis millones de copias.

En 1959 su álbum "Fabulous Johnny Cash" vendió más de un millón de copias, al igual que "Hymns y Songs of Our Soil", y el single "Don't Take Your Guns to Town". Sus conciertos le llevaron a Europa, a Asia y a Australia. Comenzó a aparecer como actor en westerns de la televisión.

En 1960 su single "Ride This Train" obtuvo un disco de oro, al igual que en 1963 "Ring of Fire" o en 1968 "Johnny Cash at Folsom Prison".

Invirtió muchas de sus ganancias en apoyar a asociaciones mentales de la salud, un hogar para los niños autistas, refugios para las mujeres maltratadas, la sociedad americana del cáncer, YWCA, la juventud para Cristo, la vida del campus, y otras sociedades.

Johnny Cash falleció el 12 de septiembre de 2003 en un hospital de Nashville, Tennessee, a causa de la diabetes que padecía.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Ghost Riders In The Sky.

Robert Schumann. Sinfonía Nº 3 en Mi Bemol Mayor Op. 97, Renana. Marek Janowski.

Hadi Karimi

A continuación, de Robert Schumann, la Sinfonía Nº 3 en Mi Bemol Mayor Op. 97, Renana, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, dirigida por Marek Janowski.

viernes, 25 de febrero de 2022

Jesús López Cobos


Jesús López Cobos nació en Toro, España, el 25 de febrero de 1940, y murió en Berlín, Alemania, el 2 de marzo de 2018. Director de orquesta.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Jesús López Cobos

(Toro, 1940) Director de orquesta español que fue premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1981. Estudió en los conservatorios de Granada y Madrid y en la Universidad de Filosofía y Letras, de la que salió licenciado en 1964, y Diplomado en Composición en 1966. Su carrera se inició al frente de la Coral Universitaria Santo Tomás de Aquino y, después de obtener varios premios marchó a Alemania y a Norteamérica, becado por el banco Urquijo, para ampliar sus estudios.

El hecho de ganar el concurso internacional de Besançon (Francia), en 1969, significó la posibilidad de debutar en el concierto del Festival de Praga y, ese mismo año, de dirigir la orquesta de La Fenice de Venecia, momento a partir del cual queda patente su doble orientación sinfónica y operística. En 1970 vuelve a España para trabajar con la Orquesta Nacional y la Orquesta de la ciudad de Barcelona.

Desde 1976 fue contratado como director permanente de la orquesta de Berlín, y ha dirigido, además, a la Scala de Milán, la Orquesta de París y el Covent Garden. Desde 1981 hasta 1991 fue director general de música de la Ópera de Berlín. Fue también director de la Orquesta Nacional de España de 1984 a 1990 y responsable artístico de la Orquesta Filarmónica de Cincinatti entre 1986 y 1994. En julio de 2002 fue elegido director musical del Teatro Real de Madrid.

En el campo de la investigación musicológica, ha revisado algunas de las óperas de antiguos maestros, como Lucía de Lamermoore y Otelo y Moisés de Rossini, que han obtenido considerable las mejores críticas del público, y cuyas grabaciones discográficas han sido un completo éxito de ventas. En febrero de 2001, el Consejo de Ministros acordó concederle la Medalla de Oro de Bellas Artes, condecoración que recibió de manos del rey Juan Carlos I en una ceremonia celebrada el 29 de mayo en el palacio de El Pardo.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de la Sinfonía Nº 4, en Si Bemol Mayor Op. 60, al frente de la Orquesta Sinfónica de Galicia.

jueves, 24 de febrero de 2022

Dinah Shore

Frances Rose Shore, más conocida como Dinah Shore, nació en Winchester, Tennesse, Estados Unidos, el 1 de marzo de 1916, y murió en Beverly Hills, California, Estados Unidos, el 24 de febrero de 1994. Cantante.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Dinah Shore.

Nacida en la zona rural de Tennessee, Dinah Shore actuaba en la radio de Nashville cuando aún era una adolescente. Su carrera profesional la llevó posteriormente a Nueva York, donde cantó con Xavier Cugat. Sin embargo, después de fallar en las audiciones con Benny Goodman y Tommy Dorsey, decidió simplemente convertirse en cantante solista. Shore firmó con Bluebird y grabó varios éxitos durante 1940-41, incluidos "Yes, My Darling Daughter", "I Hear a Rhapsody" y "Jim". Su primer millón de ventas llegó en 1942 con el prototipo de crossover de blues, "Blues in the Night". Más tarde ese año, se mudó a Victor y tuvo un gran éxito con "You would be so nice to come home to" y su primer éxito número uno, "I'll Walk Alone" de 1944. Shore también comenzó a aparecer en películas, incluidas Up in Arms de 1944 y Till the Clouds Roll By de 1946.

El final de los 40 resultó ser su época más popular para grabar. Entre 1946 y 1949, tuvo un gran éxito con varias canciones, como "The Gypsy", "I Love You for Sentimental Reasons", "Anniversary Song", "I Wish I Didn't Love You So", "Buttons and Bows" y "Queridos corazones y gente amable". Aunque sus récords no llegaron tan alto durante los años 50, Dinah Shore disfrutó aún más de la exposición con su programa de variedades mejor calificado, The Dinah Shore Chevy Show. Para muchos, la apertura y el cierre de cada espectáculo de Shore con "Vea los Estados Unidos en su Chevrolet, Estados Unidos es la tierra más grande de todas" definió prácticamente los años 50. Su patrocinio de Chevrolet duró hasta 1963, pero regresó en los años 70 con un nuevo formato, el programa de entrevistas diurno. Durante la década de 1980, comenzó a actuar una vez más, pero volvió a la televisión una vez más con una serie que duró dos años.

Dinah Shore, fue una de las artistas más populares de Estados Unidos mucho después de su apogeo comercial de mediados de los 40, y fue la primera vocalista importante en romper con el formato de las grandes bandas y comenzar una carrera en solitario. Durante la década de los 40, grabó varios de los sencillos más importantes de la década: "Buttons and Bows", "The Gypsy" y "I'll Walk Alone", todos los cuales pasaron más de un mes en el número uno de las listas de éxitos. Murió de cáncer en 1994.

A continuación, la recordamos en el día de su fallecimiento, con 2 canciones: Begin the Beguine, y April in Paris, acompañada en piano por Andre Previn.

miércoles, 23 de febrero de 2022

Georg Friedrich Händel


Georg Friedrich Händel nació en Halle, Brandeburgo, Prusia, el 23 de febrero, y murió en Londres, Reino Unido, el 14 de abril de 1759. Compositor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Georg Friedrich Haendel

(Georg Friedrich Händel o Haendel; Halle, actual Alemania, 1685 - Londres, 1759) Compositor alemán naturalizado inglés. Estricto contemporáneo de Johann Sebastian Bach (aunque difícilmente podrían hallarse dos compositores más opuestos en cuanto a estilo y aspiraciones), Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su producción abarca todos los géneros de su época, con especial predilección por la ópera y el oratorio, a los que, con su aportación, contribuyó a llevar a una etapa de gran esplendor.

 

Haendel

Oponiéndose a los deseos de su padre, quien pretendía que siguiera los estudios de derecho, la carrera de Haendel como músico comenzó en su Halle natal, donde tuvo como profesor al entonces célebre Friedrich Wilhelm Zachau, organista de la Liebfrauenkirche; fue tal su aprovechamiento que en 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo, donde entabló contacto con Reinhard Keiser, un compositor que le introdujo en los secretos de la composición para el teatro.

En Hamburgo, precisamente, estrenó Haendel en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. Un año más tarde el músico emprendió un viaje a Italia que había de tener especial importancia, ya que le dio la oportunidad de familiarizarse con el estilo italiano e introducir algunas de sus características en su propio estilo, forjado en la tradición contrapuntística alemana. Las óperas Rodrigo y Agrippina y el oratorio La Resurrezione datan de esa época.

En 1710, de regreso en Alemania, Georg Friedrich Haendel fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra, donde pronto se dio a conocer como autor de óperas italianas. El extraordinario triunfo de la segunda de su autoría, Rinaldo, le decidió a afincarse en Londres a partir de 1712.

Dos años más tarde, su antiguo patrón, el Elector de Hannover, fue coronado rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I, y el compositor reanudó su relación con él, interrumpida tras el abandono de sus funciones en la ciudad alemana. Fueron años éstos de gran prosperidad para Haendel: sus óperas triunfaron en los escenarios londinenses sin que los trabajos de autores rivales como Bononcini y Porpora pudieran hacerles sombra.

Sin embargo, a partir de la década de 1730, la situación cambió de modo radical: a raíz de las intrigas políticas, las disputas con los divos (entre ellos el castrato Senesino), la bancarrota de su compañía teatral y la aparición de otras compañías nuevas, parte del público que hasta entonces lo había aplaudido le volvió la espalda.

A partir de ese momento, Haendel volcó la mayor parte de su esfuerzo creativo en la composición de oratorios: si Deidamia, su última ópera, data de 1741, de ese mismo año es El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés, los oratorios -entre los que cabe citar Israel en Egipto, Sansón, Belshazzar, Judas Maccabeus, Solomon y Jephta- constituyen la parte más original de toda la producción del compositor y la única que, a despecho de modas y épocas, se ha mantenido en el repertorio sin altibajos significativos, especialmente en el Reino Unido, donde el modelo establecido por Haendel ha inspirado la concepción de sus respectivos oratorios a autores como Edward Elgar o William Walton.

No obstante, no hay que olvidar otras facetas de su producción, en especial la música instrumental, dominada por sus series de Concerti grossi y conciertos para órgano. Los últimos años de vida del compositor estuvieron marcados por la ceguera originada a consecuencia de una fallida operación de cataratas. A su muerte fue inhumado en la abadía de Westminster junto a otras grandes personalidades británicas.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Música acuática, en la versión de la Academia de Música Antigua de Berlín, dirigida por Georg Kallweit.

martes, 22 de febrero de 2022

El Mirador Nocturno – Radio / Jean Sibelius – Cuarteto de Cuerda en Re Menor, Op. 56, Voces Intimas, Sinfonía Nº 7 en Do Mayor Op. 105, Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47.

Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Jean Sibelius con el Cuarteto de Cuerda en Re Menor, Op. 56, Voces Intimas, la Sinfonía Nº 7 en Do Mayor Op. 105, y el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Vera Timánova


Vera Víktorovna Timánova nació en Ufá, Imperio ruso, el 18 de febrero de 1855, y murió en Leningrado, Unión Soviética, el 22 de febrero de 1942. Pianista.

De niña mostró aptitudes musicales. A los 6 años comenzó a recibir clases de piano con profesores locales y a los 9 años se presentó en público. Pronto llamó la atención de Antón Rubinstein, con el que entabló una estrecha amistad. Gracias a su recomendación, obtuvo el patrocinio para estudiar con Carl Tausig en Berlín. Posteriormente fue alumna de Franz Liszt y se convirtió en una intérprete destacada en Rusia, Francia, Austria, Reino Unido, Alemania y Turquía. Periódicamente regresaba a su ciudad natal para ofrecer conciertos. También se relacionó con Aleksandr Borodín y con Piotr Ilich Tchaikovski, que le dedicó el Scherzo humoristique, de sus Seis piezas para piano Op. 19. El director checo Eduard Nápravník le dedicó la Fantasía compuesta en 1881, basada en canciones populares rusas. En 1907, luego de giras y presentaciones en distintos países, se estableció en San Petersburgo, donde dio conciertos, clases de piano, y grabó varias piezas en rollos para el piano reproductor Welte-Mignon, incluyendo obras de Franz Liszt, Sergéi Liapunov, y Moritz Moszkowski, entre otros. En 1937 realizó su última actuación pública. Murió durante el Sitio de Leningrado el 22 de febrero de 1942.​

A continuación, la recordamos en el día de su fallecimiento, con su interpretación de la Rapsodia Húngara Nº 1 de Franz Liszt.

lunes, 21 de febrero de 2022

Charles-Marie Widor


Charles-Marie Widor nació en Lyon, Francia, el 21 de febrero de 1844, y murió en París, Francia, el 12 de marzo de 1937. Compositor y organista.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Charles-Marie Widor fue un compositor y organista francés, célebre por sus sinfonías. La obra que más se destaca es la toccata de su Sinfonía nº. 5. Escribió música sinfónica, de cámara, óperas y, sobre todo, composiciones para órgano.

Biografía

Infancia y juventud

Charles-Marie Widor nació en Lyon. Su padre, el organista de San Francisco, Lyon, fue su primer maestro. Más tarde estudió con Jacques Lemmens en Bruselas. Cuando era niño, Widor fue un improvisador experto. Antes de 1860, a los 16 años, reemplazó a su padre como organista de San Francisco, y en 1869 se convirtió en el organista de Saint Sulpice en París, donde permaneció hasta 1934.

Charles Marie Widor mantuvo amistad con músicos de generaciones tan distintas desde Rossini hasta Milhaud. Entre sus colegas más cercanos estuvieron Gounod, Delibes, Massenet y Saint-Saëns.

Como profesor educó a organistas como Charles Tournemire, Marcel Dupré y Albert Schweitzer, mientras que algunos de sus estudiantes de composición fueron Arthur Honegger y Darius Milhaud.

Su carrera de compositor

La mejor pieza de órgano de Widor conocido es la Toccata, que suele tocarse al culminar una ceremonia nupcial. Escribió 10 sinfonías en total.A sus 26 años ocupó el puesto de organista en la iglesia de Saint-Sulpice de París.

Como compositor, cultivó aquellos valores apreciados por largo tiempo en Francia y asociados con todas las artes francesas: lógica, claridad, moderación y balance. En sofisticación y maestría, su música puede ser comparada con la de Saint-Saëns. En 1914 fue incorporado como secretario permanente de la Academia de Bellas Artes de Francia.

Durante una extensa y prolífica carrera, Widor compuso en todos los géneros. Tiene a su crédito dos ballets (La Korrigane y Jeanne d’Arc), tres óperas (Maître Ambros, Les Pecheurs de Saint-Jean y Nerto) y música incidental para Conte d’Avril y Les Jacobites. Compuso dos sinfonías para orquesta y tres para órgano con orquesta, el poema sinfónico La Nuit de Walpurgis, una Ouverture Espagnole y cinco conciertos, incluyendo para cello y para piano. Además escribió música para piano solo, obras vocales religiosas y seculares así como numerosas partituras de cámara.

Su mayor aporte, el órgano

El nombre de Widor está asociado principalmente a la música para órgano. Y son tales sus logros en este ámbito que todo el resto de su obra ha caído casi en el olvido. Sus experiencias como intérprete y compositor para órgano surgen tempranamente en su carrera. Su abuelo era constructor de órganos y su padre continuó con la profesión además de ser intérprete. Widor recibió de él su instrucción inicial.

Sucedió a Lefebure-Wely en 1870 como organista en Saint Sulpice y mantuvo este cargo durante sesenta y cuatro años. A los noventa se lo traspasó a Marcel Dupré. En 1890 asumió el puesto como profesor de órgano en el Conservatorio de París y seis años después tomó el curso de Theodore Dubois como profesor de composición.

Como organista demostró una prodigiosa virtuosidad. Era muy talentoso en la improvisación y miraba al órgano como una especie de orquesta. Reconocía que su potencial excedía lejos a los límites del antiguo estilo polifónico germano y se dedicó a crear un nuevo repertorio que revelara los vastos y gloriosos recursos tonales que estaban esperando ser descubiertos. Al hacerlo creó un nuevo género, la sinfonía francesa para órgano, y toda una escuela de composición.

Widor compuso diez sinfonías para órgano solo. Las primeras fueron diseñadas como suites con preludios, marchas, pastorales, intermezzi, tocatas y fugas. Solamente en las últimas tres logró una verdadera cohesión sinfónica en una estructura de cuatro movimientos. Las sinfonías ejercieron gran influencia sobre la posterior música francesa de órgano y estableció una escuela caracterizada por una belleza tonal y brillantes efectos. Su ejemplo ha sido emulado muchas veces, sobre todo por compositores belgas y franceses, pero difícilmente igualado.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sinfonía Sacra Op. 81, en la versión de Christian Schmitt en órgano, y la Orquesta Sinfónica de Bamberg, dirigida por Stefan Solyom.

domingo, 20 de febrero de 2022

Shalom – En Memoria de las Víctimas del Holocausto


Shalom – En Memoria de las Víctimas del Holocausto

Un año más, el programa SHALOM se desplazó hasta el Senado con motivo del Acto por la Memoria de las Víctimas del Holocausto y Crímenes contra la Humanidad que se conmemora el 27 de enero por ser la fecha de la liberación del Campo de Exterminio de Auschwitz-Birkenau

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/memoria-victimas-del-holocausto/6377622/

Jimmy Yancey


James Edward Yancey, más conocido como Jimmy Yancey, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 20 de febrero de 1898, y murió en su ciudad, el 17 de septiembre de 1951. Pianista y compositor.

El sitio www.delphipages.live publicó este recordatorio.

Jimmy Yancey | Biografía, música y hechos

Jimmy Yancey, con el nombre de James Edward Yancey, (nacido el 20 de febrero de 1898?, Chicago, Illinois, EE. UU., Fallecido el 17 de septiembre de 1951 en Chicago), pianista de blues estadounidense que estableció el estilo boogie-woogie con una izquierda lenta, constante y simple, patrones de bajo de mano. Estos se hicieron más rápidos en el trabajo de sus estudiantes Albert Ammons y Meade "Lux" Lewis, quien popularizó el patrón de bajo "Yancey Special". Yancey también era conocido por la inventiva impredecible de su mano derecha.

Yancey fue en gran parte un pianista autodidacta con alguna instrucción de su hermano Alonzo. Tuvo una carrera infantil como cantante y bailarín, recorrió circuitos de vodevil estadounidenses y salas de música europeas, dando una actuación de mando para el rey Jorge V de Inglaterra en 1913. Al regresar a Chicago, Yancey actuó en pequeñas tabernas y reuniones informales. Jugó béisbol en las ligas negras hasta 1919, año en que se casó con Estella Harris (Mama Yancey), quien cantó con él en fiestas en casa durante las décadas de 1920, 1930 y 1940. Tuvieron tres sesiones de grabación juntos y actuaron en una cadena de radio en 1939 y en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York en 1948. Desde 1925 hasta poco antes de su muerte, Yancey trabajó como jardinero en el estadio de béisbol Chicago White Sox.

La influencia de Yancey en otros músicos fue profunda, pero su música fue conocida por solo una pequeña cuadrilla durante su vida. Mama Yancey continuó actuando y grabando, trabajando con los pianistas Little Brother Montgomery y Erwin Helfer. Volvió a cantar en el Carnegie Hall en 1981. Jimmy Yancey fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Yancey Stomp.

Jimmy Fontana - Il Mondo


sábado, 19 de febrero de 2022

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Hannah Szenes.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Hannah Szenes: lejos pero cerca

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Entre los héroes más importantes de Israel se encuentra Hannah Szenes, nacida en Budapest, quien descubrió su amor por la Tierra de Israel, se ofreció como voluntaria para una misión de rescate de los judíos de Hungría ocupada por los nazis, y se convirtió en un símbolo de coraje y determinación. Su corta vida expresa el espíritu de sacrificio por el bien del pueblo judío.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Paloma O'Shea


Paloma O'Shea y Artiñano nació en Guecho, Bilbao, España, el 19 de febrero de 1936. Pianista, filántropa y mecenas, presidenta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.

El sitio https://www.abc.es/ publicó este artículo fechado el 19 de febrero de 2018.

Paloma O'Shea, una mujer adelantada a su tiempo

La presidenta de la Fundación Albéniz y directora de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, fundado por ella misma en 1991, cumple hoy 82 años

ABC.ES MADRID Actualizado:


La presidenta de la Fundación Albéniz y directora de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, fundado por ella misma en 1991, cumple hoy 82 años. Paloma O’Shea, quien desde el año 2008 ostenta el título de marquesa de O’Shea, es una pianista que gracias a su talante y profesionalidad se ha convertido en una de las mayores promotoras de la música clásica española gracias a su trabajo. Una pasión que transmitió a sus seis hijos, que recibieron clases de piano hasta los 15 años, fruto de su matrimonio con el banquero Emilio Botín.

Descendiente de irlandeses, Paloma O’Shea nació en 1936 en Las Arenas, Vizcaya. Comenzó la carrera de Piano con tan solo 5 años y la finalizó diez años después, convirtiéndose en una de las mujeres más jóvenes en obtener una carrera musical. Contrajo matrimonio a los 22 años, tras lo cual dedicó detuvo su actividad profesional unos años para formar junto a su esposo la familia que hoy les acompaña. Tres de sus hijos: Ana Patricia, Emilio y Francisco Javier, al igual que su padre, decidieron encaminar su vida hacia el mundo de las finanzas; otros dos: Paloma y Carolina, se apasionaron por la vocación humanística; y Carmen concentró su vida en la acción social y la vida familiar.

A los 36 se alzaba como directora del Conservatorio de Mús y promotora de un concurso de piano que más tarde llevaría su nombre y que ha acabado convirtiéndose en el «Concurso Internacional de Piano de Santander», una cantera de genios de la música.

Marquesa, filántropa, mecenas y pianista. Una mujer adelantada a su tiempo cuya fortaleza y energía la han convertido en una de las aristócratas más queridas y respetadas de nuestro país.

Robert Schumann. Sinfonía Nº 3 en Mi Bemol Mayor Op. 97, Renana. Riccardo Muti.

Hadi Karimi

A continuación, de Robert Schumann, la Sinfonía Nº 3 en Mi Bemol Mayor Op. 97, Renana, en la versión de la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Riccardo Muti.

viernes, 18 de febrero de 2022

George Henschel

 

Isidor Georg Henschel, más conocido como George Henschel, nació en Breslavia, Reino de Prusia, el 18 de febrero de 1850, y murió en Aviemore, Reino Unido, el 10 de septiembre de 1934. Barítono, pianista, director de orquesta y compositor.

Estudió piano, y en 1862 realizó su primera presentación en público, en Berlín. Posteriormente comenzó a cantar, inicialmente y por un breve tiempo, como bajo profundo, pero se destacó como barítono. En 1868, cantó el rol de Hans Sachs, de la ópera Los Maestros Cantores de Núremberg, de Richard Wagner, en un concierto en Múnich. Fue amigo cercano de de Johannes Brahms. En 1877 comenzó una exitosa carrera en Inglaterra, donde cantó en los principales conciertos. También realizó una carrera como pianista acompañante. En ocasiones combinó ambas funciones. Grabó varios discos cantando y acompañándose en piano en Lieder de Franz Schubert, y Robert Schumann. Como director de orquesta se presentó en el Reino Unido y en Estados Unidos. En 1881 fue el primer director de orquesta de la Orquesta Sinfónica de Boston. En 1886, comenzó una serie conocida como los Conciertos Sinfónicos de Londres, y en 1893 se convirtió en el director de la Real Orquesta Nacional Escocesa. Como compositor dejó obras instrumentales, un Stabat Mater, la ópera Nubia, y un Réquiem. En 1907 publicó una colección de sus diarios y correspondencia en Recuerdos personales de Johannes Brahms y en 1918 Reflexiones y recuerdos de un músico.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con 3 lieder de Franz Schubert: Lachen und Weinen D. 777, Das Wandern D. 795, y Der Leiermann D. 911, y 3 lieder de Robert Schumann: Die beiden Grenadiere Op. 49 Nº 1, Lied eines Schmiedes Op. 90 Nº 1, e Ich grolle nicht Op. 48 Nº 7.

jueves, 17 de febrero de 2022

Henri Vieuxtemps


Henri François Vieuxtemps nació en Verviers, Bélgica, el 17 de febrero de 1820, y murió en Argel, Argelia, el 6 de junio de 1881. Violinista y compositor.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Henri Vieuxtemps

Henri Vieuxtemps Violinista y compositor belga. Gran virtuoso del violín, viajó por toda Europa, siendo alabado por Schumann. Escribió numerosas obras para violín, sobre todo seis notables conciertos. En sus composiciones, casi todas para violín, mostró un estilo personal, sobre todo en Concierto para violín en la menor, opus 37 en (1877), que es pieza predilecta de muchos violinistas actuales.

Síntesis biográfica

Nació en Verviers en 1820, criado en un ambiente familiar impregnado de música, su padre -violinista aficionado. Con solo seis años, en 1826 inicia su carrera concertística junto a su profesor, con el Concierto para Violín y Orquesta n.º 5 . En 1827 da su primer concierto en Bruselas, donde fue escuchado por Charles-Auguste de Bériot, quien accede a admitirlo en sus clases del Conservatorio de París, donde se traslada en 1828.

Permanece en la capital del Sena hasta 1833, alternando sus estudios con una importante actividad concertística por la propia Francia, Bélgica, Alemania, Italia y Estados Unidos. Son los tiempos en los que su juventud y su virtuosismo al violín le crean una fama legendaria. Con solo trece años, en 1833, se instala en Viena y estudia composición con Simon Sechter. En 1834 realiza una gira por Alemania y es escuchado en Leipzig por Schumann, quien lo compara con Paganini. Al año siguiente, decide volver a París y concluir sus estudios de composición con Anton Reicha. En 1844 se casa con la pianista vienesa Josephine Eder.

Entre 1846 y 1852, en que fue violinista de la corte del zar en San Petersburgo y profesor de violín en el Conservatorio de esta ciudad. A partir de 1871 abandonó las giras de conciertos y se estableció en Bruselas, donde también fue director de los Conciertos Populares y profesor del Conservatorio.

Murió el 6 de junio de 1881 en Argel, pero su cuerpo es trasladado a Bélgica donde es recibido como un héroe nacional y enterrado en Verviers, su ciudad natal.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto Nº 5 en La Menor Op. 37, en la versión de Alexander Markov, junto a la Orquesta de Cámara Real de Valonia, dirigida por Vahan Mardirossian.

miércoles, 16 de febrero de 2022

Gaetano Fraschini


Gaetano Fraschini nació en Pavía, Italia, el 16 de febrero de 1816, y murió en Nápoles, Italia, el 23 de mayo de 1887. Tenor.

El sitio www.wikioes.icu publicó este recordatorio.

Gaetano Fraschini 

Gaetano Fraschini (16 de febrero de 1816-23 de mayo de 1887) fue un italiano tenor. Creó muchos papeles en óperas del siglo XIX, incluidos cinco compuestos por Giuseppe Verdi. Su voz era "heroica ... con una calidad de barítono, ... sin embargo, Verdi y Donizetti apreció su habilidad para cantar suavemente y con sutileza ".[1] Un biógrafo italiano ha señalado el papel de Fraschini en la prolongación de la longevidad de las óperas de Donizetti, mientras que al mismo tiempo acelera el ascenso del repertorio de Verdi. De hecho, fue el cantante más destacado que facilitó la transición de Donizetti a Verdi. Fraschini cantó más de cien papeles y Verdi lo colocó en la parte superior de la lista de sus tenores favoritos y lo describió como un "Manrico natural" por su Il trovatore. Fraschini también jugó un papel fundamental en el éxito de muchas óperas de Pacini y Mercadante.[2]

Biografía

Nacido en Pavía el 16 de febrero de 1816, el segundo hijo de Domenico Fraschini y Grazia Cremaschi,[3] Fraschini estudió con Felice Moretti[4] antes de debutar en su ciudad natal el 4 de abril de 1837, en el Teatro dei Nobili Cavalieri, ahora conocido como Teatro Fraschini, cantando el papel de Lord Arturo en Gaetano Donizetti's Lucia di Lammermoor.[5] Un mes después, como comprimario, cantó el papel de Hervey en Donizetti's Anna Bolena en el mismo teatro. En la misma casa cantó Iago en Rossini's Otello junto al legendario Giovanni David en el papel principal, en abril de 1838.[6] Al mes siguiente, en el mismo escenario cantó en Donizetti's L'Esule di Roma. El Teatro della Societa de Bérgamo lo aseguró para el mismo papel. Continuó cantando Donizetti, actuando en Torquato Tasso en Bérgamo en enero de 1839.

Regresó a su ciudad natal para cantar en Mercadante Gabriella di Vergy, también en Donizetti's Gemma di Vergy y Fausta. De julio a septiembre estuvo en Vicenza, donde cantó en Mercadante's Elena da Feltre, De Donizetti Torquato Tasso y Roberto Devereux. Para coronarlo todo cantó Pollione en Bellini's Norma con Giuseppina Ronzi de Begnis (su futura esposa) en el papel principal. En octubre debutó en Venecia en el Teatro San Benedetto como Pollione y Roberto Devereux; la primadonna assoluta fue Ronzi de Begnis.[7]

El 28 de marzo de 1840 hizo su debut en La Scala en Marino Faliero.[4] Aunque su voz era excelente, sus habilidades de actuación dejaban mucho que desear y generaban algunos abucheos aislados. Estos fueron magnificados por una revisión y lastimaron tanto a Fraschini que juró no volver a cantar nunca más en La Scala.

A partir de ese año se comprometió en la Teatro San Carlo en Nápoles, donde permaneció continuamente hasta 1853. Allí creó papeles en numerosas óperas de Giovanni Pacini, incluyendo La fidanzata corsa, La stella di Napoli, La regina di Cipro, Merope y Romilda di Provenza y Faone en Saffo; también creó a Gerardo en Caterina Cornaro para Donizetti en 1844. También cantó en otras óperas de Donizetti, incluyendo Linda di Chamounix, Maria di Rohan, La favorita, Poliuto, y Lucia di Lammermoor. La fuerza con la que liberó la maldición de Edgardo en este último llevó a su apodo ".tenore della maledizione".[1][4] Este papel se convirtió en un verdadero caballo de batalla para Fraschini. Aparte de lo ya mencionado Norma, otras óperas bellinianas cantadas por él incluyeron Il Pirata, y Beatrice di Tenda.

Uno de los primeros tenore di forza, creó varios roles verdianos, comenzando con Zamoro en Alzira en 1845. También fue el primer Corrado en Il corsaro (1848), Arrigo en La battaglia di Legnano (1849), el papel principal en Stiffelio (1850) y Riccardo en Un Ballo in Maschera (1859). También cantó en Oberto, Ernani, I Lombardi, I masnadieri, Luisa Miller, y Il trovatore. 1856 lo vio cantando Henri en Les vêpres siciliennes en Roma, y ​​en 1858 fue Gabriele Adorno en Simón Boccanegra para Nápoles.[4]

En 1846 hizo su debut internacional en el Kaertnerthortheater de Viena, donde cantó Chalais en Donizetti's Maria di Rohan, seguido de Verdi Ernani y Donizetti's Lucia di Lammermoor y Don Pasquale.[8]También a nivel internacional cantó mucho de Verdi: en Teatro de Su Majestad en 1847, donde participó en la primera representación de Londres de Le debo a Foscari; en 1863 en Madrid, donde cantó en La forza del destino;[4] y el otoño siguiente en el Théâtre Italien en París, donde apareció en Un Ballo en Maschera Ernani, y Il Trovatore, así como en Lucia di Lammermoor y Poliuto.[9]

Monaldi describió la voz de Fraschini como "un gong de plata golpeado con un martillo de plata",[1] Obviamente se estaba haciendo eco del famoso profesor de voz. Henry Panofka quien - en su tratado sobre "Cantantes y voces" - exhortó a los jóvenes tenores a emular a Fraschini y señaló la cualidad "plateada" de su voz.[10][página necesaria]

Fraschini se retiró en 1873 y se despidió en Roma como Gennaro en Lucrezia Borgia y en Florencia como Don Alvaro en La forza del destino. Su último papel fue Lyonel en Flotow's Martha,[4] que cantó en el Teatro della Pergola de Florencia en enero de 1874. En ese momento "su voz y técnica aún estaban intactas".[1] Fraschini murió en Nápoles en 1887. El teatro de la ópera de Pavía lleva su nombre.[11]

Referencias

Migliavacca, Giorgio. "Gaetano Fraschini: il tenore della transizione da Donizetti a Verdi"