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Kenneth Norville, más conocido como Red Norvo, nació en Beardstown,
Estados Unidos, el 31 de marzo de 1908, y murió en Santa Mónica, California,
Estados Unidos, el 6 de abril de 1999. Vibrafonista, xilofonista y director de
orquesta.
El xilofonista Red Norvo, inició sus estudios musicales a
los ocho años tomando clases de piano; durante su estancia en una escuela
musical estudio xilofón y en 1925 se independizó de su familia para realizar
una gira por el Middle West con una pequeña orquesta denominada: The
Collegians. En Chicago abandonó el grupo y aceptó el contrato que le ofreció
Paul Ash para un espectáculo de vaudeville al tiempo que le surgió la
oportunidad de tocar en un programa de radio local.
Entre 1926 y 1927 estudió en la Universidad de Missouri pero
apenas dos años después decidió volver a la música, ya con dedicación
exclusiva. En 1929 trabajó en la emisora KSTP de Minneapolis y mas tarde en la
NBC de Chicago en una formación dirigida por Victor Young. Tocó posteriormente en
la orquesta de Paul Whiteman y allí conoció a Mildred Bailey entonces cantante
de Whiteman con quien permaneció hasta 1932. Al año siguiente de dejar la
orquesta, Norvo y Bailey se casaron y el 8 de abril de ese mismo año, el
vibrafonista, grabó el primer disco a su nombre al frente de una formación en
la que figuraban: Jimmy Dorsey, Fulton McGrath, Dick McDonough y Artie
Bernstein.
De aquélla grabación primeriza solo queda como único
documento sonoro el tema "Two Tickest to Georgia". En 1934 se
trasladó a New York para colaborar con Hoagy Carmichael en unas grabaciones
para el sello Victor y creo su primer septeto de jazz junto a músicos de la
talla de Artie Shaw, Charlie Barnet o Teddy Wilson. A partir de esas
grabaciones, Red Norvo comenzó una actividad frenética que le llevo a grabar,
actuar y tocar con los mejores músicos del momento. Tras grabar para Decca y
Vocalion, en 1935 presentó en New York un octeto en el "Hickory
House" y posteriormente en el "Famous Door". Al año siguiente el
octeto se convirtió casi en una bigband cuando firmó un contrato para tocar en
el Hotel Commodore. Red Norvo y Mildred Bailey formaron por aquellos años una
combinación musical perfecta y los contratos se sucedían uno tras otro.
En 1943 se pasó definitivamente del xilofón al vibráfono y
pocos meses después ingresaría en la bigband de Benny Goodman aunque solo por
muy poco tiempo. Tras dejar a Goodman se enroló en la de Woody Herman con quien
estuvo todo el año 1946. Al año siguiente contrajo matrimonio con Eva Rogers tras
divorciarse de Mildred Bailey, con quine mantuvo unas relaciones amistosas
hasta la muerte de la cantante en 1951. En 1950 dio un cambio radical en su
concepción musical y de liderar grandes formaciones, pasó a dirigir un
excepcional trío junto a dos jóvenes músicos que por entonces empujaban fuerte
por hacerse un hueco en la escena del jazz en New York: el guitarrista, Tal
Farlow y el contrabajista, Charles Mingus. De aquélla magnifica experiencia que
duró dos años (1950-1951) quedó grabado un disco para la Savoy memorable:
"Move".
Ya instalado en el éxito y con una popularidad ganada a
pulso, Red Norvo se trasladó a Europa en 1954 con un grupo denominado
"Jazz Club USA". La experiencia de aquélla gira y el éxito obtenido
le animó de nuevo a formar otra grabación para visitar Australia en 1956 y a su
regreso abrió un club en Santa Mónica. En 1958 se fue nuevamente de gira pero
ahora en la formación liderada por el clarinetista Benny Goodman. Aquélla fue
su última experiencia en la carretera; salvo excepciones muy contadas, se limitó
a actuar en California y Las Vegas en el marco de algunos Night clubes, casinos
y salas de fiestas. En la década de los sesenta
volvió a viajar a Europa junto al guitarrista, Jimmie Raynei. En los
años setenta unas molestias en el oído le obligaron a abandonar casi
definitivamente sus actividades musicales.
Red Norvo fue un extraordinario músico; refinado, habilidoso
instrumentista; dúctil y versátil, supo adaptarse sin dificultad y con
naturalidad a la transición que supuso la revolución del bebop y como muestra
quedan unas grabaciones de 1945 para la Dial junto a Charlie Parker y Dizzy
Gillespie.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con All Of Me.
Desde que irrumpió en el mundo musical en 1988 con su cálido
y mágico álbum debut, Tracy Chapman ha sido una de nuestras mejores
compositoras contemporáneas y una intérprete de sorprendente originalidad,
gracia y encanto. Pero también se ha convertido en mucho más que eso.
Cuando sales de una tienda de discos con un nuevo álbum de
Tracy Chapman, no estás simplemente comprando una colección de canciones
finamente elaboradas y elegantemente ejecutadas. También estás entrando de
alguna manera en un mundo mejor en el que, al menos durante una hora de música,
los valores de la compasión, la honestidad y la humanidad se restauran en el
lugar que les corresponde en una cultura global cada vez más vertiginosa y
trivial.
Nacida y criada por su madre en Cleveland, Ohio, comenzó a
escribir poesía y cuentos a una edad temprana. El primer instrumento de Tracy
fue un ukelele que su madre le compró a los tres años porque reconoció que
amaba la música, y luego se lo robó la niña de enfrente. No había mucho dinero
en la familia, pero su madre ahorró dinero del dinero de la comida del hogar
para comprarlo en una tienda del vecindario.
Una beca académica la envió a la escuela secundaria en
Connecticut, donde tocó en los servicios de la capilla. Su madre compró su
primera guitarra cuando estaba en un internado cuando comenzó a tocar café en
la escuela con una guitarra prestada. Más tarde, el capellán de la escuela, el
reverendo Robert Tate, organizó una colecta para comprarle una guitarra nueva.
(Se le agradeció años después en los créditos de su primer álbum).
En la Universidad de Tufts en Medford, Massachusetts,
estudió antropología y perfeccionó sus habilidades musicales en el circuito
folclórico de Boston, tocando la guitarra y cantando en las calles de Harvard
Square y actuando en cafés locales y en el club folclórico del campus.
Para 1987, había firmado con Elektra, un sello con una
orgullosa historia de cantautores que se remontaba al apogeo del género en la
década de 1960. Su álbum debut homónimo, producido por David Kershenbaum, fue
lanzado a principios de 1988 y sus canciones cálidas, apasionadas y sentidas
anunciaron la llegada de un talento irresistible. En su momento, el disco fue
un soplo de aire fresco. A fines de la década de 1980, la música estaba
dominada por sintetizadores y cajas de ritmos y la simplicidad y sinceridad del
enfoque de Chapman fue enormemente refrescante. Las canciones en sí mismas
estaban llenas de aguda observación, profundamente arraigadas en su experiencia
personal de crecer en la pobreza en una comunidad de clase trabajadora en el
centro de la ciudad.
El álbum obtuvo un éxito comercial y de crítica inmediato,
pero fue una aparición en el concierto tributo del 70 cumpleaños de Nelson
Mandela en Wembley, Londres, en junio de ese año, lo que la presentó a una
audiencia global masiva. “No tenían cupo para mí y me hicieron esperar”,
recuerda. “Solo éramos yo y mi guitarra acústica y creo que me llamaron tres
veces con la esperanza de ponerme mientras se preparaba el próximo acto”. En
cada ocasión no sucedió, y tres veces la enviaron de regreso al vestidor y le
dijeron que esperara nuevamente.
Luego, justo cuando Stevie Wonder iba a actuar en un horario
de máxima audiencia, dijo a los consternados organizadores que sus programas
informáticos habían desaparecido y que no podía aparecer sin ellos. En pánico,
llamaron a Chapman. “Literalmente tuve que correr al escenario, arrastrando el
cable de mi guitarra”, recuerda. “Cuando miro hacia atrás en las imágenes,
puedo ver lo poco preparado que estaba. Pero creo que también significaba que
no tenía tiempo para sentir la presión”.
Sus actuaciones espontáneas, vistas por millones en la
televisión de todo el mundo, fueron una sensación y la reacción fue
instantánea. Ganó tantos corazones que la semana siguiente el álbum se elevó a
la cima de las listas tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos. Elektra
había creído en ella desde el principio y esperaba que el álbum pudiera vender
200.000 copias, una actuación muy creíble para un debut de canciones
básicamente acústicas. En cambio, vendió más de 10 millones de copias y ganó
tres premios Grammy.
Pero Tracy Chapman nunca ha sido una artista cuyo valor se
pueda medir en estadísticas y posiciones en las listas. Para ella, los premios
y elogios siempre han estado en segundo lugar después de la integridad de sus
composiciones y la honestidad emocional de su voz. Basándose en las canciones
que había escrito durante los nueve años anteriores, rara vez puede haber un
álbum debut formado de manera más perfecta.
El irresistible Fast Car le dio su primer sencillo exitoso,
una historia agudamente observada de esperanza para una vida mejor. Es una
actuación poderosa y conmovedora, la melodía contagiosa y el ritmo alegre se
yuxtaponen dramáticamente con la seriedad de su mensaje sobre las dificultades
de romper el ciclo de la privación.
Baby Can I Hold You es simplemente una de las canciones de
amor más hermosas jamás escritas, su perfecta simplicidad se combina con su
abrumadora conmoción. Sorprendentemente, Chapman tenía solo 18 años cuando
escribió la canción. Talkin' Bout A Revolution es otra composición temprana y
su posicionamiento deliberado como la pista de apertura de su primer álbum la
anunció de inmediato como una compositora con un compromiso apasionado con las
causas de la verdad y la justicia, y que no tenía miedo de decir lo que
pensaba. “Los pobres se levantarán y obtendrán su parte”, canta con una
convicción tan inquebrantable que crees implícitamente en la inevitabilidad de
que esas tornas cambien. She's Got Her Ticket, con su atractivo ritmo de
reggae, toma un tema similar a "Fast Car", pero está lleno de un
optimismo brillante, una esperanza fervientemente expresada de que todos dejemos
atrás el "odio,
En el momento de Crossroads, su segundo álbum lanzado en el
otoño de 1989, Chapman era una superestrella con ventas de platino. Pero
también se había ganado un gran respeto como una de las artistas más
comprometidas de su generación. Las canciones de su debut habían tratado temas
como la violencia contra las mujeres, el racismo institucionalizado y vivir de
la asistencia social. Había tocado en la gira de seis semanas de duración de
Amnistía Internacional Derechos Humanos Ahora con Bruce Springsteen, Peter
Gabriel, Youssou N'Dour y Sting, y también prestó su apoyo voluntario a una
gran cantidad de otros beneficios de recaudación de fondos para buenas causas.
“Soy músico y compositor más que activista”, dice simplemente. “Pero creo que es
importante que si eres un artista uses tu música para defender aquello en lo
que crees”.
Crossroads se convirtió inmediatamente en platino, aunque
finalmente sus ventas no alcanzaron el éxito de su primer álbum. Sin embargo,
en retrospectiva, como colección de canciones es otro logro imponente, rico en
la profundidad de su emoción y agudo en su observación social. Su conciencia
social fuertemente desarrollada es evidente en Subcity, en la que da voz a las
esperanzas y temores de la clase baja a quienes con demasiada frecuencia se les
niega lo suyo. La canción principal, Crossroads, es una canción más personal
que trata de mantener el sentido de uno mismo. “Todos ustedes, amigos, piensan
que dirigen mi vida, digan que debería estar dispuesta a comprometerme”, dice
con una voz que no deja dudas de que no comprometerá sus creencias por nadie.
El tema de la lucha por mantener la integridad en un mundo
corrupto se ha convertido en un pilar central en el trabajo de Chapman y All
That You Have Is Your Soul, la tercera canción incluida aquí de Crossroads, nos
insta de manera similar a “tener hambre solo por probar la justicia”. Los
sentimientos se compensan con un arreglo simple pero llamativo, que también
presenta a Neil Young, a quien había apoyado en la gira.
Pasaron casi tres años antes de su próximo álbum, tiempo
durante el cual hubo más apariciones en conciertos en Londres y Nueva York para
Nelson Mandela (ella había escrito "Freedom Now" en Crossroads para
él), beneficios de Farm Aid y una aparición en un Celebración de Martin Luther
King. Matters Of The Heart, su tercer álbum, apareció en mayo de 1992. Dirigido
por Jimmy Iovine (un productor más orientado al rock que había trabajado con
Tom Petty, Simple Minds y Patti Smith), presentaba a muchos de los músicos que
había conocido en el Gira de amnistía.
Como implica el título, Matters Of The Heart contenía una
mayor preponderancia de canciones personales y varias pistas parecían tratar
sobre la pérdida de la inocencia. Pero fue otra colección ganadora,
representada aquí por Bang Bang Bang, la canción más poderosa del álbum sobre
la hipocresía social con respecto a la violencia armada, y el suave Open Arms,
que contiene quizás la melodía más impactante del disco. Este último incluye a
la leyenda del soul Bobby Womack a la guitarra, una colaboración que fue
especialmente emocionante para Chapman. “Crecí escuchando música soul y siempre
me atrajeron las canciones que tenían un comentario social, como la música de
Stevie Wonder, Harold Melvin & The Bluenotes, Marvin Gaye y Bobby Womack”,
dice.
Después de un año sabático, su cuarto álbum, New Beginning,
fue lanzado a fines de 1995. Coproducido por Chapman y Don Gehman, rivalizaría
con su debut en términos de éxito comercial, vendiendo en un año tres millones
de copias solo en Estados Unidos. . También fue su colección de canciones más
madura hasta la fecha, caracterizada por arreglos sutiles que enfatizaron la
inmediatez de las melodías y la profundidad de su emoción lírica.
New Beginning tomó como temas el cambio, el crecimiento y la
renovación. También fue un disco imbuido de buenas dosis de idealismo y
esperanza. “Estamos en un lugar en este momento, acercándonos al nuevo siglo,
donde podemos encontrar nuevas soluciones a viejos problemas”, declaró Chapman
con optimismo en el momento del lanzamiento del álbum.
Aquí se incluyen cuatro pistas. The Promise es una canción
de dulce anhelo con una hermosa parte de cuerdas contrapuesta a su propia
delicada guitarra acústica. I'm Ready tiene una cualidad casi similar a un
mantra que refleja los temas espirituales de anhelo y redención de la canción.
Smoke and Ashes tiene un ritmo más acelerado, con una de sus voces más
sensuales y un estribillo conmovedor y conmovedor. Pero fue el blusero Give Me
One Reason el que resultó ser el sencillo más exitoso del álbum. Más tarde la
interpretaría en los premios Grammy de 1997 con el veterano bluesman Junior
Wells en la armónica.
Iba a haber una brecha de más de cuatro años antes de su
próximo álbum, pero Chapman no estaba ociosa. Se unió a la gira Lilith Fair,
tocó en los Conciertos de la Libertad Tibetana, participó en un tributo a Bob
Marley en Jamaica e incluso actuó en la Casa Blanca en un concierto benéfico
para las Olimpiadas Especiales. Finalmente, su quinto álbum, Telling Stories,
siguió a principios de 2000. La espera valió la pena. Una colección sutil y
líricamente compleja de canciones que alcanzaron nuevas alturas de expresión
poética, el álbum la encontró reunida con el productor David Kershenbaum por
primera vez en más de una década.
La mayoría de las canciones parecían tener un tema suelto.
“Tocan diferentes percepciones de la realidad: cómo la definimos, cambiamos,
manipulamos y corrompemos”, explicó en el lanzamiento del álbum. La canción que
da título al disco, Telling Stories, tiene una melodía memorable y trata sobre
las complejidades de la verdad y sus muchas capas diferentes. Las selecciones
del álbum que se incluyen aquí se completan con Speak The Word, una elegante
oda al poder del amor, y la cautivadora Canción de bodas, con sus impactantes
imágenes y su inquietante voz.
Por supuesto, un solo álbum no es suficiente para contener
todas las mejores canciones de Tracy Chapman. Piense en esto como una colección
que busca representar las mejores cualidades de su composición: intrépida
perspicacia, convincente relevancia social, aguda inteligencia, resonancia
emocional y compasión lírica.
En estas canciones, se podría decir, todo lo que tenemos es
su alma. Y ese es un regalo muy precioso, de hecho.
Siegfried Alkan nació en Dillingen, Alemania, el 30 de marzo
de 1858, y murió en Maguncia, Alemania, el 24 de diciembre de 1941. Compositor,
pianista y empresario.
En 1884, a los 26 años, fundó una tienda de música, libros e
instrumentos en su ciudad natal. Su producción musical estaba principalmente
compuesta por canciones, muchas de ellas muy populares. Algunas de sus obras
son: Saludos al Sarre Op. 32, Bisabuela Op. 80. En los años posteriores a la
Primera Guerra Mundial, la pieza popular fue el número Da Capo para todas las
bandas de salón. También escribió: A los fieles habitantes de Sarre Op. 91, y La
niebla rueda en el valle Op. 92, entre otras. El 10 de noviembre de 1938 fue
una de las víctimas de la Kristallnacht. Fue atacado por las hordas nazis. Su
piano, que todavía tocaba todos los días, fue arrojado a la calle, sus
instrumentos destruidos, así como sus partituras.
Lamentablemente no encontré ninguna grabación de su música,
pero quiero recordarlo en el día de su nacimiento.
Hoy les presento el 5º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Giuseppe Verdi con el Réquiem.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
A lo largo de 34 años de trabajo en LRA 1 Radio Nacional
Buenos Aires, tuve la posibilidad de participar en diversos programas. Durante mucho tiempo cumplí mi labor en la FM Clásica 96,7
bajo la dirección artística de Juan Carlos Montero.
Recuerdo que los primeros días de septiembre de 2003, me
avisó del comienzo de un nuevo ciclo, dedicado a poner en
el aire todas las grabaciones, comerciales y privadas, de Arturo Toscanini, con la colaboración de Claudio von Foerster, que preparaba los textos, y ponía a disposición su propia colección. Me entusiasmé mucho con la propuesta, pero nunca me imaginé
la repercusión que tuvo con el tiempo.
En total se emitieron 430 programas, todo un récord. Fue un honor profesional como Locutor, haber presentado ese ciclo. La cortina musical que se utilizó para la apertura y cierre, fue el Dies Irae del
Réquiem de Giuseppe Verdi, y era estremecedor. Aun hoy sigo recordando algunos momentos muy especiales.
Aprovecho
estas líneas para agradecerle muy especialmente a Juan Carlos Montero, y recordar con mucho afecto a Claudio
von Foerster.
El Diario La Nación, en su edición del 19 de septiembre de
2003, dio cuenta del programa.
Toscanini, de lunes a viernes
Radio Nacional emite todos los registros existentes del célebre director de orquesta
La FM 96.7 Radio Nacional de música clásica inició un ciclo extraordinario de audiciones, dedicado a difundir todos los registros existentes en el mundo del célebre director de orquesta Arturo Toscanini, al frente de las diversas orquestas con las que actuó a lo largo de sesenta y ocho años de actividad.
Con el aporte del coleccionista Claudio von Foerter, la Coordinación Artística de la emisora a cargo del crítico musical Juan Carlos Montero, ha programado un ciclo denominado "Encuentros con Arturo Toscanini, el maestro", de lunes a viernes, a partir de las 13, que por sus características sólo tiene un antecedente parecido en el mundo, con la emisiones llevadas a cabo por la NBC (National Broadcasts Company) Symphony Orchestra de Nueva York, cuando se difundieron las series de grabaciones tomadas en su auditorio con las presentaciones de su organismo, dirigidos por el maestro italiano que fuera su brillante titular entre 1937 y 1954.
Pero a diferencia de aquellos ciclos, Radio Nacional Argentina, difundirá no sólo los conciertos sinfónicos, las óperas completas y las obras sinfónico-vocales, sino también ensayos ilustrativos del arte y la exigencia de Arturo Toscanini y actuaciones con otros organismos sinfónicos de diversas ciudades del mundo como Estocolmo, La Haya, Viena, Salzburgo, Buenos Aires, etc.
De tal modo que el ciclo abarcará un período de más de 280 audiciones de lunes a viernes, cuya duración en el tiempo horario estará supeditado a las características de las obras. En el caso de las óperas completas concertadas por el maestro italiano se aplicará el mismo criterio artístico de la NBC, con una subdivisión en emisiones consecutivas en dos o tres partes, tal como se hicieron originalmente. En cuanto a las tres óperas de Salzburgo, serán fragmentadas musicalmente, pero difundidas en forma completa.
Cabe recordar que Toscanini había nacido en Parma el 25 de marzo de 1867, fue violoncellista y debutó como director en Río de Janeiro, en 1886, dirigiendo por una circunstancia imprevista "Aida", de Giuseppe Verdi. Al retornar a Italia dirigió por primera vez en varios teatros líricos, incluyendo el estreno de "I Pagliacci", de Ruggero Leoncavallo, en 1892.
Fue nombrado director de la nueva Opera de Turín y en 1896 dirigió el estreno de "La Bohéme", de Giacomo Puccini y a los pocos días hizo su debut como director sinfónico. Fue amigo personal de Puccini, Verdi, Ravel, Debussy, Mascagni, Leoncavallo, Rachmaninov, Kodaly, entre otros grandes compositores.
Su notable éxito artístico lo llevó a ser invitado como director musical titular del teatro Alla Scala, de Milán, a pedido de Arrigo Boito. Consagrado ya como una de las grandes personalidades de la nueva generación, visitó Buenos Aires en 1901, actuando con señalado beneplácito de la crítica musical en el Teatro de la Opera, de la calle Corrientes.
En Buenos Aires
Después de dos nuevas visitas, en 1905 y 1906, retornó a Buenos Aires en 1912, para cumplir un compromiso de notable significación al dirigir 15 de los 17 espectáculos programados por el Teatro Colón en su temporada oficial, cantidad inusitada que no volvió a repetirse con ningún otro director de orquesta invitado en ese escenario.
Su vinculación con La Scala, el Metropolitan de Nueva York, con la Filarmónica de Nueva York, y sus conciertos y giras con la NBC (en 1940 actuó con ese organismo en el Teatro Colón, retornando para dirigir la Orquesta Estable al año siguiente) lo consagraron como uno de los más notables directores del siglo XX al punto de que su nombre trascendió los límites de su especialidad, transformándose en el mundo, y a nivel popular, en sinónimo de maestro de maestros en el arte de la batuta.
De ahí que el ciclo programado por Radio Nacional seguramente tendrá la adhesión de una enorme cantidad de oyentes melómanos y de nuevos públicos, que tendrán así la oportunidad de apreciar el arte de una de las grandes figuras de la música.
Pearl Mae Bailey nació en Southampton County, Virginia,
Estados Unidos, el 29 de marzo de 1918, y murió en Filadelfia, Estados Unidos,
el 17 de agosto de 1990. Actriz y cantante.
A los 15 años debutó como cantante. Su hermano Bill Bailey
estaba comenzando su propia carrera como bailarín de claqué y le sugirió que
participara en un concurso de aficionados en el Teatro Pearl de Filadelfia. Más
tarde ganó una competencia similar en el famoso Teatro Apollo de Harlem y
decidió seguir una carrera en el entretenimiento. En la década de 1930 inició su carrera cantando y bailando
en los clubes nocturnos negros de Filadelfia, y pronto comenzó a actuar en
otras partes de la costa este. En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial,
Bailey realizó una gira por el país, actuando para las tropas. Después de la
gira, se instaló en Nueva York. Posteriormente cantó en clubes nocturnos con
las orquestas de Cab Calloway y Duke Ellington. En 1946 debutó en Broadway en
St. Louis Woman. Por su actuación, ganó un premio Donaldson como la mejor
recién llegada a Broadway. Bailey continuó de gira y grabando álbumes junto con
sus actuaciones en el escenario y la pantalla. Al principio del medio
televisivo, Bailey fue estrella invitada en la cadena CBS en el programa La
ciudad maravillosa de Faye Emerson. En 1952 su versión de la canción Takes Two to Tango
consiguió ser una de las favoritas de ese año. En 1954 interpretó el papel de
Frankie en la versión cinematográfica de Carmen Jones, y su interpretación de Beat
Out That Rhythm on the Drum, es uno de los momentos culminantes de la película.
También protagonizó el musical de Broadway House of Flowers. En 1959, fue María
en la versión cinematográfica de Porgy and Bess, protagonizada por Sidney
Poitier y Dorothy Dandridge. Ese año también interpretó el papel de Aunt Hagar
en St. Louis Blues, junto a Mahalia Jackson, Eartha Kitt, y Nat King Cole. En
1968 ganó un premio Tony por el papel principal de la producción Hello, Dolly!,
con un elenco integrado por artistas negros. En la década de 1970 tuvo su
propio programa de televisión, y también dio voz a personajes de dibujos
animados. En 1975 volvió a Broadway con el papel principal de Hello Dolly. En
1985 consiguió una licenciatura en Teología por la Universidad de Georgetown. En
1987 ganó un Daytime Emmy por su actuación como hada madrina en el programa
televisivo de la ABC Cindy Eller: A Modern Fairy Tale. En 1988 recibió la Medalla
Presidencial de la Libertad.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Beat Out dat Rhythm on a Drum, de la película Carmen Jones.
Alf Heiberg Clausen, más conocido como Alf Clausen, nació en
Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos, el 28 de marzo de 1941. Compositor, y
productor musical.
Hoy día en el que el concepto de libertad está más presente
que nunca, cada día nos encontramos con la paradoja de los condicionamientos
sociales de las redes sociales y con la necesidad de muchos de tener un
"like" para sentirse bien. Afrontamos este tema con el Rabino Pinhas
Punturello.
Paul Marie Théodore Vincent d'Indy nació en París, Francia,
el 27 de marzo de 1851, y murió en su ciudad, el 2 de diciembre de 1931. Compositor
y profesor de música.
Vincent d'Indy (París), fue un destacado compositor y
profesor de música francés, así como uno de los fundadores de la Schola
Cantorum de París.
Sus estudios musicales comenzaron desde muy temprano a
través de lecciones de piano. Posteriormente, siguiendo el deseo de su familia,
estudió Derecho lo cual no le impidió dedicarse finalmente a la música. Fue
discípulo y devoto de César Franck en el Conservatorio de París. En 1880, tras
contraer matrimonio con su prima hermana, emprende un breve viaje a Suiza,
Alemania, así como Austria. Fue co-fundador, junto con Charles Bordes y
Alexander Guilmant, de la Schola Cantorum de París en 1894, escuela creada inicialmente
para el estudio de la música religiosa. D'Indy dio clases allí hasta su
fallecimiento, compatibilizando este trabajo con el de profesor en el
Conservatorio de París. Puso en práctica su creencia de que la educación
musical debe formar a un músico por completo, que incorpore el conocimiento de
la teoría musical y la historia de la música, así como las habilidades
prácticas de la interpretación musical, todo esto en directo contraste a las
prácticas del Conservatorio, conocido como una escuela que generaba intérpretes
profesionales con poco conocimiento de la historia y de los elementos teóricos
de la música.
Fue uno de los principales responsable de la creación, con
la etiqueta Ars gallica, de una «música francesa», esto es, de una música
instrumental autóctona, más concretamente de cámara, elaborada por autores
franceses con la finalidad de contraponer la formalidad instrumental a la
ligereza operística, y de ese modo desvanecer la influencia musical germana
dando paso a la creación de un repertorio instrumental francés guiado por la
elegancia sin excesos. Asimismo, su ideología monárquica le llevó a afiliarse
al partido político Action Française.
Era partidario de la armonía y la escritura compositiva
heredada de la tradición, oponiéndose, así, a la escritura de compositores como
Bartók o Schönberg y ganándose el respeto de músicos como Saint-Saëns, Debussy,
Monteux y Much. Compuso música sinfónica, de cámara, obras para piano y voz,
así como diversas óperas, si bien pocas de sus obras se ejecutan hoy en día con
regularidad. Las más conocidas son la Symphonie Cévenole, Symphonie sur un
chant montagnard français, para piano y orquesta, e Istar, poema sinfónico en
forma de variaciones. Asimismo, ayudó a revitalizar un gran número de obras de
música antigua, tales como la ópera de Claudio Monteverdi L'incoronazione di
Poppea. Tuvo a lo largo de su vida una gran cantidad de alumnos entre los que
se encuentran Erik Satie, Bohuslav Martinů, Albert Roussel, Isaac Albéniz,
Joaquín Turina, Jesús Guridi, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Joseph
Canteloube (quien posteriormente realizaría una biografía suya),
principalmente.
Sus escritos musicales incluyen un Cours de composition
musicale publicado en tres volúmenes (1903), así como diversos estudios sobre César
Franck (César Franck - Les maitres de la musique, 1906) y L. V. Beethoven. Cabe
resaltar que en octubre de 1930, Vincent d'Indy dio un concierto en España,
dirigiendo a la orquesta de Pablo Casals en una interpretación de su Sinfonía
nº 2 en Si bemol, opus 57, en cuatro movimientos, compuesta en 1902-1903.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sinfonía sobre un aire montañés francés Op. 25, en la versión de Grant
Johannesen en piano, y la Orquesta Filarmónica de Londres, dirigida por Sir
Eugene Goossens.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Aarón Weiss: entre paredes
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Aarón Weiss nació en 1928 en Boryslav, Polonia (hoy Ucrania).
En junio de 1941, la Alemania nazi ocupó la ciudad dando comienzo de la
Operación Barbarroja. Los pogromos contra los judíos tuvieron lugar a lo largo
y ancho de toda la ciudad. Los miembros de su familia encontraron refugio en la
casa de su vecina ucraniana y más tarde en el sótano de un jardín de infancia.
Permanecieron escondidos hasta que la ciudad fue liberada en agosto de 1944 por
el Ejército Rojo. Después del Holocausto, la familia Weiss emigró a la Tierra
de Israel.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Manuel Humberto Wirzt Retta, más conocido como Manuel Wirzt,
nació en San Nicolás de los Arroyos, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el
26 de marzo de 1963. Cantante, músico, compositor, mago, actor, mimo, director
teatral, y conductor de televisión.
Nació el 26 de marzo en San Nicolás, Provincia de Buenos
Aires.
Fue mimo en los shows de Juan Carlos Baglietto. El mismo año
que se inició como solista, editó su primer disco titulado "Funcionamiento"
(1987), el cual presentó en el Chateau Rock ’88.
Junto a La Torre realizó una gira en 1988 por la Unión
Soviética en donde se presentó ante 300 mil personas. Después de su segundo
álbum, "Mala Información", se dedicó a conducir programas infantiles
como "Dibujuegos" y "No te quedes afuera". Además participó
en programas de humor junto al actor Guillermo Francella.
En 1992 lanzó "Manuel Wirtz", con la participación
de Hilda Lizarazu. En este álbum se destacó el tema "Donde Quiera Que
Estés". Luego surgió en 1994 "Magia", su cuarto trabajo; el
mismo contiene los temas "Rescata Mi Corazón" y "Por Ganar Tu
Amor". Un año después grabó "Cielo y Tierra" y en 1997 presentó
su sexta placa, llamada "Una razón".
En el año 2002 sale a la venta "Grandes Éxitos" y
en el 2005 llega su disco "Quimera", con composiciones originales de
Wirzt y Alberto Lucas, y con la participación de Gustavo Cordera en "Bla,
Bla, Bla". "Loco Por Ti", corte de difusión, fue cortina de la
telenovela "Yago, pasión morena".
En el 2009 editó "Vení", del cual se desprende el
hit "No Me Digas Que No". Este álbum fue presentado en 2011 junto a
sus grandes éxitos en La Trastienda.
En 2014 llevó a cabo la dirección del espectáculo de Topa y
ese mismo año, en el mes de septiembre edita "Manuel Wirzt Vivo", que
es su primer disco en vivo en toda su carrera, el décimo en su historia y fue
grabado a fines del 2013 en el Teatro Opera City.
En el 2019 lanza los sencillos "Todo", "Loca
de mi corazón" y la versión del tango "Uno".
En mayo de 2020 lanza la balada "Tanto amor", en
septiembre edita la canción "Desde que te vi", grabada antes de la
pandemia, con la colaboración de Diego Torres. El 20 de noviembre del mismo año
lanza su disco "Todo".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: Rescata Mi Corazón.
A continuación, de Robert Schumann, la Sinfonía Nº 3 en Mi
Bemol Mayor Op. 97, Renana, en la versión de la Orquesta NDR de la Filarmónica
del Elba, dirigida por Christoph Eschenbach.
Francis Nunzio Carlone, más conocido como Frankie Carle,
nació en Providence, Rhode Island, Estados Unidos, el 25 de marzo de 1903, y
murió en Mesa, Arizona, Estados Unidos, el 7 de marzo de 2001. Pianista y
director de orquesta.
Nació en el seno de una familia trabajadora que no le podía
comprar un piano. Un tío pianista lo proveyó de un teclado hasta que en una
oportunidad encontró un instrumento averiado en un salón de baile. En 1916
comenzó a trabajar con la banda de su tío, así como con varios grupos locales
en el área de Rhode Island. Poco después adoptó su nombre artístico. Entre 1924
y 1929 realizó sus primeras grabaciones y actuaciones con la Orquesta Edwin J.
McEnelly, en la que hizo varios arreglos, y también tocaba el piano. En 1934 integró
la orquesta de Mal Hallett, y al año siguiente tenía su propia orquesta. En ese
tiempo fue catalogado en el anuncio de un club nocturno como El pianista más
grande de Estados Unidos. En 1939 se unió a Horace Heidt and His Musical
Knights, en la que fue codirector. En 1944 formó la banda The Frankie Carle
Orchestra, en la que su hija fue la vocalista. Algunos de sus grandes éxitos
fueron Sunrise Serenade, y Oh! What It Seemed To Be!. A partir de 1955 y hasta
la década de 1980 actuó como solista. Desde muy joven participó en programas de
Radio como pianista del grupo de canto The Four Belles en la WBS, y más
adelante en la Cadena CBS. En 1989 se lo incluyó en el salón de la Fama de las
Big Band y el Jazz. Además, se le concedió una estrella por su actividad
discográfica en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1751 de Hollywood
Boulevard.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: Sunrise Serenade.
Franziska Danzi, más conocida como Franziska Lebrun, nació
en Mannheim, Alemania, el 24 de marzo de 1756, y murió en Berlín, Alemania, el
14 de mayo de 1791. Cantante y compositora.
Francesca Lebrun (de soltera Danzi; 24 de marzo de 1756-14
de mayo de 1791) fue una destacada cantante y compositora alemana del siglo
XVIII. Su talento se extendió más allá del escenario a la composición musical y
la interpretación de teclados. Como compositora, sus doce sonatas, seis cada
una en opus 1 y opus 2, para piano o clavecín con acompañamiento de violín, se
publicaron por primera vez en Londres, Inglaterra, en 1779-1781, con más
ediciones en Londres, París y varios centros alemanes. [1] Las sonatas opus 1
están disponibles en grabaciones comerciales.
Vida temprana
Nació Franziska Dorothea Danzi en Mannheim, Alemania. Su
padre era el violonchelista de origen italiano Innocenz Danzi y su hermano
menor era el compositor y violonchelista Franz Danzi (1763–1826). Era
reconocida por su destreza vocal y muy buscada por contemporáneos notables,
como Anton Schweitzer, Ignaz Holzbauer y Antonio Salieri, para los papeles
principales en sus óperas más desafiantes.
Francesca era la hija mayor de la familia de talentosos
músicos. Su madre (Barbara Sidonia Margaretha Toeschi), bailarina, y su padre
(Innocenz Danzi), un violonchelista italiano, fueron el núcleo de los artistas
electores de élite de la corte de Mannheim a finales de la década de 1750. Sus
hermanos, Franz (Ignaz) y Johann Baptist, eran violonchelistas y violinistas
respectivamente y exitosos compositores. Karl Joseph (Carlo Giuseppe) Toeschi,
violinista, compositor y director, era su tío materno.
Carrera profesional
Hizo su primera aparición pública como cantante a la edad de
16 años y al año siguiente fue contratada por la Ópera de Mannheim. Parece
haber cierto debate sobre si actuó por primera vez en L'amore artigiano de
Gassmann en mayo de 1772, o La Contadina in Corte de Sacchini, el papel por el
que se ganó el título de músico de la corte (virtuosa da camera). Se quedó con
la ópera de la corte de Mannheim durante cuatro años y fue elegida para los
papeles principales: Parthenia en Alceste de Anton Schweitzer (1775,
Schlosstheater Schwetzingen), y Anna en Günther von Schwarzburg de Holzbauer
(1777), un papel compuesto específicamente para su voz. A los veintiún años
viajó a Londres para cantar series de cuatro óperas de JC Bach & Sacchini.
En 1778, se casó con el virtuoso del oboe y compositor
Ludwig August Lebrun (1752-1790) de Mannheim. Ese verano, ahora conocida como
Signora Lebrun, realizó una gira por Italia con Ludwig. En la inauguración del
Teatro Alla Scala de Milán el 3 de agosto de 1778, Francesca Lebrun fue la
protagonista femenina de la ópera Europa Riconosciuta de Antonio Salieri. Creó
sensación en 1779 en París en el Concert Spirituel gracias a su capacidad para
encajar las palabras italianas en partes instrumentales de sinfonías
concertantes y cantarlas. Los Lebrun vivieron en Londres desde 1779 hasta 1781
mientras Francesca se presentaba en el King's Theatre. En 1780, el célebre
artista inglés Thomas Gainsborough pintó su retrato.
Soprano célebre, cantó en los principales escenarios de
ópera y conciertos de Europa, incluyendo Inglaterra, Alemania e Italia, con
gran éxito. El músico y escritor CFD Schubart señaló que podía cantar A, tres
octavas por encima del C medio con "claridad y distinción". Charles
Burney escribió que cuando ella y su esposo realizaron divisiones de tercios y
sextos era imposible descubrir quién estaba en la parte superior del intervalo.
La familia de Francesca también floreció, dio a luz a su
hija Sophie mientras estaba en Londres en junio de 1781, y a su hija Rosine en
1783 en Munich. Francesca y Ludwig volvieron a viajar por Europa en 1785,
pasando una temporada en Nápoles, luego Berlín y Londres, donde Ludwig murió en
1790. Ella actuó solo dos veces después de su muerte y le sobrevivió solo cinco
meses, muriendo el 14 de mayo de 1791 a la edad de 35 años. Nació y murió en
los mismos años que Mozart, 1791.
Sus hijas también se hicieron conocidas. Rosine Lebrun [ Wikidata ] (1783–1855) fue una exitosa
cantante de ópera y actriz y fue miembro de la compañía de teatro de Munich,
1801–1830. Sophie [Dülken] (1781-1863) se convirtió en una reconocida pianista
y compositora. Las hijas de Sophie y sus hijas también se convirtieron en
músicas.
Discografia
Seis Sonatas para Fortepiano y Violín, Op. 1. Monica Jakuc
(piano), Dana Maiben (violín). Dorian Discovery, 1996.
Sonata para piano y violín, op. 1, no 2, en mi bemol mayor.
Jaroslav Sveceny (violín), Fine Zimmermann (clavecín). Mujeres compositoras en
los tribunales de Europa (Cybele Records, 2000). Ambos disponibles en CD
Universe.
Sonata para violín y piano, op. 1, no. 6 en re mayor;
Aleksandra Maslovaric (violín), Tania Fleischer (piano). Feminae in Musica,
Feminae Records 2007. Disponible en Arkiv Music.
Referencias
^ Se han publicado nuevas ediciones de ambos op. 1 (Nueva
York: Da Capo Press, 1990) y op. 2 (Fayetteville, AR: ClarNan Editions, 2003).
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sonata para Violín en Re Mayor Op. 1 Nº 6, en la versión de Dana Maiben
en violín, y Monica Jakuc, en piano.
Nibya Mariño Bellini nació en Montevideo, Uruguay, el 23 de
marzo de 1919, y murió en su ciudad, el 1 de septiembre de 2014. Pianista.
El sitio www.elpais.com.uy
publicó, el 23 de marzo de 2019, este artículo firmado por Julio César Huertas.
Evocación
Hoy se cumplen 100 años del nacimiento de Nibya Mariño
Una vida llena de anécdotas y de triunfos de una eximia
pianista uruguaya
JULIO CÉSAR HUERTAS
Sábado, 23 Marzo 2019 03:50
El 23 de marzo de 1919 a las 11 en Hocquart 1579 nacía Nivea
Elida, tercera hija de Alfredo Mariño y Ercilia Bellini. A aquella criatura el
destino le tenía preparado un futuro de fama y gloria. Desde su tierna infancia
el piano sería su amigo inseparable. Puesto que no quería que la asociaran con
la ya famosa crema Nivea decidió desde su primera presentación en público en el
conservatorio La Lira en 1929 cambiar su nombre por Nibya. Al fallecer en 1932
su primera profesora de piano Adela Piera, continúa sus estudios con el
prestigioso maestro polaco Wilhelm Kolischer.
Era una niña prodigio y traviesa. Una vez, Kolischer prestó
para estudiar la partitura del primer número de Goyescas de Granados que se
titula “Requiebros”. Cuando se lo devolvió el maestro no reparó en que Nibya
había modificado el título a la obra bautizándola como “Los requiebros de
Kolischer”. Al prestarlo nuevamente a otra alumna ésta quiso aclarar que ella
no había escrito ese agregado. A lo que el paciente maestro respondió: “No te
preocupes muchacha son las locuras de Nibya”.
Kolischer viendo los progresos de su precoz discípula le
pide a su gran amigo y colega Arturo Rubinstein que la escuche y emita su
opinión. Su juicio le valdrá para que sea convocada a actuar en el Teatro Colón
de Buenos Aires con tan 13 trece años, interpretando el Concierto para piano y
orquesta de Schumann bajo la conducción del maestro suizo Ernest Ansermet.
Después de este triunfo en 1935 las autoridades del Sodre
deciden otorgarle una beca para estudiar en la Escuela Normal de Música de
París. Allí recibe lecciones de los ilustres maestros Alfred Cortot y Marcel
Ciampi. En 1938 obtiene en el famoso Concurso Ysaÿe de Bruselas entre más de
100 competidores uno de los primeros premios convirtiéndose en la primera
pianista uruguaya en lograr esta clasificación.
Al estallar la guerra Nibya retorna al Uruguay coincidiendo
con la venida del maestro Eric Kleiber. Data de esta época otra anécdota:
Kleiber después de escucharla decide llamarla e invitarla a dar un concierto
juntos en Buenos Aires. Nibya piensa que es una broma y cuando el maestro se
anuncia le responde: “Aquí habla Greta Garbo”. La llamada vuelve a repetirse y
a la tercera vez decide atenderlo y Kleiber marca un encuentro en el Parque
Hotel. Nibya aún desconfiada va a la cita de incognito con lentes negros para
no ser reconocida. Cuando ve sentado al mismísimo maestro se avergüenza y
Kleiber le dice: “Ud es la primera mujer que me corta dos veces en la vida y me
dice que es Greta Garbo”.
Nibya formó parte de una generación de notables pianistas
mujeres: Fanny Ingold, Mercedes Olivera, Bettina Rivero y Victoria Schenini,
que nos dejaron un legado pianístico excepcional.
Para definir a Nibya Mariño alcanzan cuatro palabras:
talento, pasión, vocación y disciplina.
En este mes que se celebra el día internacional de la mujer
ofrezco en esta breve evocación a Nibya mi humilde homenaje a todas las mujeres
que hicieron y hacen por un mundo mejor.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Arabesque Op. 18, de Robert Schumann.
