Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Hola, soy Leonardo Liberman. Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general. Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com Foto de portada: Magdalena Viggiani.
domingo, 31 de julio de 2016
Hank Jones
Henry Jones, conocido como Hank Jones, nació en Vicksburg, Estados Unidos, el 31 de julio de 1918 y murió en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, el 16 de mayo de 2010. Pianista y compositor de jazz.
Creció en Pontiac, donde estudió piano desde pequeño. Su
madre cantaba, sus dos hermanos mayores estudiaron piano, y sus dos hermanos menores
Thad, trompetista, y Elvin, batería, llegaron a ser también famosos músicos de
jazz.
A los 13 años tocaba en distintos lugares de Michigan y Ohio
con orquestas locales, gracias a lo cual llegó a conocer a Lucky Thompson,
quien lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar en el Onyx Club con Hot Lips
Page. Desde el principio recibió influencias de músicos como Earl Hines, Fats
Waller, Teddy Wilson y Art Tatum.
En Nueva York, al tiempo que practicaba y estudiaba música,
trabajó con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy
Eckstine. En 1947 empezó una gira con el grupo de Norman Granz “Jazz
at the Philharmonic”. Entre 1948 y 1953 acompañó a Ella Fitzgerald.
Durante
este periodo realizó grabaciones con Charlie Parker, entre ellas The Song Is
You, del disco Now's the Time, grabado en diciembre de 1952, con Teddy Kotick en
bajo y Max Roach en la batería.
Trabajó también con Artie Shaw y Benny Goodman, y grabó con
Lester Young, Cannonball Adderley y Wes Montgomery. Fue pianista del sello
Savoy, y entre 1959 y 1975 Hank Jones fue pianista de los estudios de CBS,
gracias a lo cual acompañó a Frank Sinatra en The Ed Sullivan Show.
Con su especial combinación de talentos como destacado
solista, acompañante sensible y músico intuitivo, fue muy demandado para
sesiones de grabación de todo tipo.
Hank Jones fue el pianista que acompañó a Marilyn Monroe
cuando le cantó el "Happy Birthday Mr. President" a John F. Kennedy
el 19 de mayo de 1962.
A finales de la década de 1960 participó como pianista y
director en el musical de Broadway Ain't Misbehavin, basado en la música de
Fats Waller, que lo hizo más popular más allá de los límites del jazz.
Hank Jones grabó unos 60 discos y tuvo incontables colaboraciones
como acompañante de otros músicos, y participó en los más importantes Festivales
de Jazz en Estados Unidos, Europa y Japón.
En sus últimos años actuó y grabó junto a la cantante
Roberta Gambarini, en interpretaciones que recordaban las clásicas de los años
cincuenta en que acompañaba a Ella Fitzgerald.
Estilísticamente, formó parte de las principales corrientes
jazzísticas anteriores a la vanguardia: swing, bop y hard bop, y a lo largo de
su carrera obtuvo premios y distinciones. En 1989, el National Endowment for
the Arts le otorgó el “NEA Jazz Masters Award”. En 2003 recibió el “Jazz Living
Legend Award” de la ASCAP, American Society of Composers, Authors and
Publishers.
En 2008, recibió la “National Medal of Arts”. El 13 de abril de
2009, la Universidad de Hartford dio un doctorado por sus aportes musicales.
Ese mismo año le fue otorgado un Premio Grammy por los logros de toda su
trayectoria.
A continuación, recordamos a Hank Jones, con su presentación
en Jazz A Vienne 2009, junto a Martial Solal en piano, Francois Moutin en contrabajo
y Louis Moutin en batería, donde interpretaron: Tea For Two, Rhythm A Night, What
Is This Thing Called Love, Round Midnight, Blue Monk, On Green Dolphin Street, Interlude.
sábado, 30 de julio de 2016
Robert Schumann. Introducción y Allegro Appassionato en Sol Mayor para Piano y Orquesta Op. 92.
Robert Schumann compuso Introducción y Allegro Appassionato en Sol Mayor para Piano y Orquesta Op. 92, en 1849, fue estrenada al año siguiente, y se publicó en 1852. También se la conoce como Pieza de Concierto, o Konzertstück, el compositor entendió que la obra no encajaba en el molde habitual de forma concierto.
A continuación, de Robert Schumann, Introducción y Allegro
Appassionato en Sol Mayor para Piano y Orquesta Op. 92, en la versión de Sviatoslav Richter, en piano, junto a la Orquesta de Cámara Inglesa, dirigida por Benjamin Britten.
viernes, 29 de julio de 2016
George Szell
György Széll, más conocido como George Szell, nació en Budapest, Hungría, el 7 de junio de 1897 y murió en Cleveland, Estados Unidos, el 29 de julio de 1970. Director de orquesta.
El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio
George Szell (Budapest, 1897 - Cleveland, 1970) Pianista,
compositor y director de orquesta norteamericano de origen húngaro. Niño
prodigio, ofreció su primer concierto a la temprana edad de diez años con la
Orquesta Sinfónica de Viena. Estudió en Viena bajo las órdenes de Richard
Robert, Eusebius Mandyczewski y Karl Prohaska, y en Leipzig con Max Reger.
A los 17 años dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín en
una actuación en la que se interpretaba uno de sus poemas sinfónicos, Till
Eulenspiegel. Richard Strauss lo llevó a la Ópera de Berlín como ayudante suyo;
allí permaneció entre 1914 y 1917, época en la que Strauss recomendó a Szell
para que sucediera a Otto Klemperer como primer director de la ópera de
Estrasburgo; ocupó este cargo desde 1917 hasta 1919.
Posteriormente, Szell fue director en varios centros, como
el Teatro Alemán de Praga, entre 1919 y 1921, la Compañía Berlín Broadcastin,
entre 1921 y 1929, Darmstadt entre 1921 y 1922, y Düsseldorf, en el que estuvo
desde 1922 a 1924; después fue nombrado director principal de la Ópera de
Berlín, cargo que ocupó entre 1924 y 1929. Al mismo tiempo se dedicaba a
dirigir la Orquesta Sinfónica de la Radio y daba clases en la Escuela de Música
de Berlín (1927-1930).
En 1930 dirigió la Orquesta Sinfónica de San Luis, y también acudió como director invitado de la Orquesta Nacional Escocesa de Glasgow (Gran Bretaña) y la Orquesta Residencial de La Haya (Holanda). Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Szell se encontraba en Australia. Regresó a los Estados Unidos invitado por Arturo Toscanini para dirigir la famosa Orquesta Sinfónica de la NBC en Nueva York.
Su presentación atrajo tanta atención que pronto le llovieron las ofertas para dirigir otras orquestas, entre ellas la Orquesta de Cleveland. Compaginaba esta actividad con la docente, en la Escuela Mannes de Nueva York. Entre 1940 y 1942 interpretó música de cámara junto a Paul Hindemith y Rudolf Serkin.
Entre 1942 y 1946 fue uno de los directores habituales de la
Metropolitan Opera House, antes de tomar el liderazgo de la Orquesta de
Cleveland en 1946, cargo en el que continuó hasta 1971; en este período
consiguió convertir dicha orquesta en una de las mejores del mundo. En 1946
adoptó la ciudadanía estadounidense. Como director, su carácter autoritario no
era bien acogido por los miembros de las orquestas, pero llevó extraordinarios
resultados a algunas de ellas.
Fue director invitado en los principales festivales de música europeos, entre ellos los de Viena, Salzsburgo, Milán, París, Florencia y Lucerna. Entre sus composiciones se encuentran las Variaciones para Orquesta, la Sinfonía en Re Menor, la Obertura Lírica y varias piezas de música de cámara.
A continuación, recordamos a George Szell, con su interpretación de la Serenata Nº 13 para Cuerdas en Sol Mayor KV 525, Eine kleine Nachtmusik, de Wolfgang Amadeus Mozart y Variaciones sobre un tema de Hindemith, de William Walton, al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena.
Fue director invitado en los principales festivales de música europeos, entre ellos los de Viena, Salzsburgo, Milán, París, Florencia y Lucerna. Entre sus composiciones se encuentran las Variaciones para Orquesta, la Sinfonía en Re Menor, la Obertura Lírica y varias piezas de música de cámara.
A continuación, recordamos a George Szell, con su interpretación de la Serenata Nº 13 para Cuerdas en Sol Mayor KV 525, Eine kleine Nachtmusik, de Wolfgang Amadeus Mozart y Variaciones sobre un tema de Hindemith, de William Walton, al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena.
jueves, 28 de julio de 2016
Gerda Valentiner, Dinamarca.
Gerda Valentiner |
No sólo arriesgaba su vida por esos niños sino que también manifestaba una gran sensibilidad y respeto por las costumbres religiosas de sus protegidos. Al comprobar que algunos de ellos cumplían las leyes dietéticas judías y por ello solamente comían pan, compró utensilios nuevos y alimentos que podían comer.
Moritz Scheftelowitz relató en Yad Vashem que Gerda Valentiner había sido la maestra de su hermana y que una noche de septiembre de 1943 llegó a la casa de sus padres, Ester y Reuben Scheftelowitz, para prevenirlos del inminente peligro. Unos días después Moritz y sus hermanas Dora (más tarde Diamant) y Rita (más tarde Felbest), se mudaron a la casa de Gerda y permanecieron con ella hasta que pudo organizar su traslado. Dos intentos de abandonar el país fracasaron; recién tuvieron éxito con el tercero. Zarparon en un barco de pesca desde un amarradero situado a 10 km de Copenhague. Después de una noche plagada de dificultades llegaron a Landskrona, Suecia.
Al ser preguntada por sus empeños durante la guerra, contestó con modestia:
"Hice sólo lo que muchos daneses hicieron, nada especial. Pensábamos que era perfectamente natural ayudar a personas en peligro de muerte".Después de la guerra tomó una licencia de su trabajo como maestra para trabajar durante dos años como voluntaria en campos de refugiados judíos en Alemania y Austria. En 1971, cuando tenía 68 años, se retiró de la enseñanza y viajó a Israel por un año para conocer el país y estudiar hebreo.
El 28 de julio de 1968 Yad Vashem reconoció a Gerda Valentiner como Justa de las Naciones.
miércoles, 27 de julio de 2016
Horst Stein
Horst Walter Stein nació en Elberfeld, Alemania, el 2 de mayo de 1928 y murió en Vandœuvres, Suiza, el 27 de julio de 2008. Director de orquesta.
Estudió en Fráncfort del Meno piano, oboe y canto, continuó
sus estudios universitarios en Colonia, donde recibió clases de composición de
Philipp Jarnach. Entre 1947 y 1951 trabajó como maestro de ensayos en
Wuppertal.
En 1952, comenzó a trabajar como director de ensayos en el
Festival de Bayreuth, para directores como Joseph Keilberth, Hans
Knappertsbusch, Clemens Krauss o Herbert von Karajan.
Posteriormente se
convirtió en uno de los directores titulares habituales en el Festival, donde
dirigió repetidamente las grandes óperas de Wagner, como Parsifal, El anillo de
los nibelungos, Tannhauser, Tristán e Isolda y, en 1983, Los maestros cantores
de Núremberg, en la conmemoración del centenario de la producción de esa ópera.
En 1955 dirigió el acto de apertura de la Staatsoper Unter
den Linden, la Ópera Estatal de Berlín, en la que trabajó como
Staatskapellmeister. Entre 1961 y 1963, trabajó a las órdenes de Rolf
Liebermann en la Ópera del Estado de Hamburgo.
Entre 1963 y 1970 fue director de orquesta y ópera en el
Teatro Nacional de Mannheim, y dirigió regularmente en la Ópera Estatal de
Viena entre 1969 y 1971.
Entre 1972 y 1977 se desempeñó como director musical general
de la Ópera del Estado de Hamburgo. en 1972 y ocupó el cargo hasta 1977.
Mantuvo una estrecha relación con la Orquesta Sinfónica de Bamberg, la Orquesta
de la Suisse Romande y la Orquesta Sinfónica de Basilea.
Horst Stein está considerado como un especialista en la
interpretación de obras de Richard Wagner, Richard Strauss y Max Reger.
A continuación, recordamos a Horst Stein, con su
interpretación de la Sinfonía Nº 1 en Do Menor Op. 68, de Johannes Brahms, al
frente de la Orquesta Sinfónica de Bamberg, presentación realizada en Japón en
1990.
martes, 26 de julio de 2016
Franz Xaver Mozart
Franz Xaver Wolfgang Mozart nació en Viena, Austria, el 26 de julio de 1791 y murió en Karlovy Vary, actual República Checa, el 29 de julio de 1844. Compositor, pianista, y director de orquesta.
Nació cinco meses antes de la muerte de su padre, Wofgang
Amadeus Mozart, y su madre, al notar condiciones musicales, lo confió a distintos
maestros, como Johann Nepomuk Hummel, Georg Joseph Vogler, Antonio Salieri y
Johann Georg Albrechtsberger, entre otros. Aprendió a tocar el piano y el
violín, y como su padre, empezó a componer a edad temprana.
En 1805, a los 14 años, dio su primer concierto de piano, y
en 1808 viajó a Leópolis, donde impartió lecciones de música a las hijas del
conde Baworowski. En 1809 aceptó una oferta del representante imperial, von
Janiszewski, para enseñar música a sus hijas en la ciudad de Burshtyn, donde
dio conciertos, tocando sus propias obras, así como las de su padre. Estos
conciertos le permitieron tomar contacto y relacionarse con la alta sociedad.
Tras 2 años en Burshtyn, se trasladó a Leópolis, donde fue
profesor y ofreció conciertos. Entre 1826 y 1829, fue director del coro de Santa
Cecillia, que estaba constituido por 400 cantantes no profesionales.
En 1826,
dirigió el Réquiem de su padre durante un concierto en la catedral de la
Iglesia Ortodoxa de Grecia de San Jorge. Desde su coro, creó la hermandad musical
de Santa Cecillia, siendo la primera escuela de música en Leópolis. Viajó por
lo que hoy se conoce como Ucrania.
En 1821, cuando tenía 30 años, su tía paterna Maria Anna
Mozart, Nannerl, lo visitó cuando ella ya tenía 70 años, lo vio tocar el piano
y fue un encuentro familiar feliz.
En 1838 se trasladó a Viena y luego a Salzburgo, donde fue
elegido para dirigir el Mozarteum. Desde 1841, dio clases de piano, entre sus
alumnos tuvo a Ernst Pauer.
A continuación, recordamos a Franz Xaver Mozart, con el Rondo
para Flauta y Piano, en la versión de Yoel Culiner en flauta y Tomer Lev en
piano.
lunes, 25 de julio de 2016
Gianandrea Gavazzeni
Gianandrea Gavazzeni nació en Bérgamo, Italia, el 25 de julio de 1909 y murió en si ciudad, el 5 de febrero de 1996. Director de orquesta, compositor, musicólogo y ensayista.
Su padre organizaba temporadas de ópera y su madre, era
aficionada al teatro. De niño escuchó la ópera Isabeau de Pietro Mascagni en
brazos de su abuela y esta experiencia marcó su futura vocación por este
género.
Estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia de Roma y en
1925 se matriculó en el Conservatorio de Milán, donde fue alumno de Renzo
Lorenzoni en piano y de Ildebrando Pizzetti en composición y pudo seguir todas
las funciones de Arturo Toscanini en el Teatro Alla Scala de Milán.
Como compositor siguió los pasos de su maestro Ildebrando
Pizzetti. En sus obras abundan alusiones a su ciudad natal, como en el Concerto
bergamasco, en los Canti per Sant'Alessandro, en honor de San Alejandro de
Bérgamo, patrón católico de la ciudad, las Cantate su Iscrizioni di Meridiane,
sobre inscripciones recogidas por el estudioso Luigi Angelini, los Notturni di
bevitori bergamaschi, el Dialogo para tenor, barítono y orquesta dedicado a la
ciudad de Martinengo o sus Concerti di Cinquandò, lugar campestre donde pasaba
los veranos.
En 1935 escribió para el Teatro Donizetti de Bergamo la
ópera Paolo e Virginia, con libreto de Mario Ghisalberti, que trata sobre el
amor total y trágico de dos jóvenes.
Esta ópera lo animó a promover, junto a otros colegas, el interés
a los jóvenes músicos para acercarse al teatro lírico, con el propósito de
continuar la tradición de la ópera y revalorizar el inmenso patrimonio lírico
nacional.
A partir de 1933 comenzó su actividad profesional como
director, y desde 1949 dejó la composición y se dedicó exclusivamente a su
carrera como director de orquesta. Primero dirigió a la orquesta EIAR de Turín
y poco después fue director suplente en el Teatro delle Novità de Bérgamo.
En 1944 dirigió por primera vez en el Teatro Alla Scala de
Milán, donde condujo la ópera Il campiello de Ermanno Wolf-Ferrari. Posteriormente
interpretó Mavra de Ígor Stravinski y La pulce d'oro de Giorgio Federico
Ghedini.
En 1948 dirigió en Bérgamo la Messa da Réquiem de Gaetano
Donizetti, y fue uno de los impulsores de la revalorización de este compositor,
del que reestrenó numerosas obras que hasta entonces habían estado olvidadas.
En 1957 llevó al escenario del Teatro Alla Scala de Milán la ópera Anna Bolena,
con Maria Callas como protagonista y una fastuosa escenografía de Luchino
Visconti. También estrenó obras contemporáneas, como las de su antiguo
profesor Ildebrando Pizzetti: L'Assassino nella Cattedrale y La Figlia di
Lorio.
Gianandrea Gavazzeni dirigió a las mejores orquestas de
Europa y Estados Unidos, participó en los festivales de Aix-en-Provence,
Salzburgo o Glyndebourne. El 11 de octubre de 1976 debutó en el Metropolitan Ópera
House de New York, con Il trovatore de Giuseppe Verdi, que dirigió ocho veces
esa temporada.
A continuación, recordamos a Gianandrea Gavazzeni, con su
interpretación de la obertura de la ópera I due Foscari, de Giuseppe Verdi.
domingo, 24 de julio de 2016
Isaac Bashevis Singer
Isaac Bashevis Singer nació en Leoncin, Polonia, el 21 de noviembre de 1902 y murió en Surfside, Florida, Estados Unidos, el 24 de julio de 1991. Escritor.
A continuación, recordamos a Isaac Bashevis Singer, con una
emisión del programa de la TV mexicana La Otra Aventura.
sábado, 23 de julio de 2016
Robert Schumann. 6 Gedichte de Nikolaus Lenau y Réquiem Op. 90.
Las 6 canciones sobre poemas de Nikolaus Lenau y Réquiem Op. 90, es un conjunto de 7 piezas para voz y acompañamiento de piano, escrita por Robert Schumann en 1850. Este ciclo fue el último trabajo que Schumann compuso en Dresden antes de su traslado a Düsseldorf. Las piezas fueron publicadas por primera vez al año siguiente.
A continuación, de Robert Schumann, 6 Gedichte de Nikolaus Lenau
y Réquiem Op. 90, en la interpretación de Dafni Georgali y Tatiana Chernichka.
viernes, 22 de julio de 2016
Mireille Mathieu
Mireille Mathieu nació en Aviñón, Vaucluse, Francia, el 22 de julio de 1946. Cantante.
Comenzó a cantar desde los 4 años en la iglesia de su
comunidad. Luego de estudiar canto, se presentó durante 3 años en el concurso On
chante dans mon quartier, En mi barrio
se canta, organizado por la alcaldía de Avignon, recibió apoyo y participó en
numerosas galas y en el programa de TV Jeu de la Chance, Juego de la suerte.
Johnny Stark, el agente de Johnny Hallyday, la descubrió,
recibió asesoramiento de Paul Mauriat y André Pascal le compuso Mon credo, Viens
dans ma rue y La première etoile.
Después de su aparición en televisión y de su debut en el
Olympia de París fue señalada como la próxima Édith Piaf, y pronto se convirtió
en una gran estrella en Francia y Europa.
También se presentó en Estados Unidos, Canadá y México, con la versión francesa de la canción The last Waltz, La Dernière Valse, de Engelbert Humperdinck.
Su imagen como La voz de Francia, la logró con una de sus
canciones más emblemáticas: Paris en Colère, escrita por Maurice Vidalin con
música de Maurice Jarre para el largometraje de Renè Clement, Paris brûle-t-il?.
A mediados de la década de 1960 comenzó la colaboración
entre Mireille Mathieu y Francis Lai, que le compuso más de 30 canciones,
muchas de ellas grandes éxitos en su carrera.
En la década de 1970 conquistó al público alemán con
canciones compuestas y arregladas en su mayor parte por Christian Bruhn, y se convirtió
en el símbolo de la amistad franco-alemana iniciada por Konrad Adenauer y el
General Charles de Gaulle.
Participó en el musical Paris Populi y en varias películas. Jaques Demy la filmó en el music hall Bobino interpretando Paris Perdu, sobre una melodía de Michel Legrand, y Claude Lelouch la convocó para la película La bonne Année, así como la canción tema del mismo escrita por Francis Lai.
En la década de 1980 realizó giras en Alemania, Japón,
Canadá, México, Estados Unidos, grabó con Paul Anka y con el director de
orquesta Don Costa.
Después de Bravo tu as gagné, su adaptación de The Winner
Takes it All con el grupo Abba, y un dúo de éxito con Patrick Duffy, Together
we're strong, colaboró con Plácido Domingo en el aria Tous mes rêves, compuesto
por Michel Legrand con letra de Jean Dréjac. En 1986 realizó una gira en China,
y al año siguiente en la Unión Soviética.
Para el centenario de la Estatua de la Libertad cantó a dúo
con Andy Williams en Nueva York ante los presidentes Ronald Reagan y François
Mitterrand.
Mireille Mathieu está considerada como un símbolo de la canción francesa, grabó en 11
idiomas, francés, alemán, inglés, español, italiano, ruso, finlandés, japonés,
chino, catalán y provenzal.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Mireille Mathieu, con una presentación en el Olympia de París, en 2005.
Hermana Gertruda Stanisława Marciniak, Polonia.
Hermana Gertruda Stanisława Marciniak |
La hermana Gertruda Stanisława Marciniak, una monja de la Congregación de las Religiosas Franciscanas Elisabetinas, estudió magisterio y comenzó a trabajar en un orfanato de Grabie. Allí se convirtió en la directora de la escuela local.
Al comienzo de la ocupación alemana fue arrestada. En el otoño de 1940 fue liberada y se dirigió a Varsovia, para pasar más tarde a Świder, donde fundó un orfanato y adyacente a éste un hogar para niñas que sufrían de tuberculosis. Aprovechando el temor alemán por las enfermedades contagiosas utilizó el hogar como cubierta para ocultar a miembros de la resistencia, así como a un grupo de niños salvados de un transporte que debía partir de la estación Zachodni de Varsovia.
Una proeza especial de parte de las hermanas elisabetinas fue el ocultamiento de niños judíos de Otwock y los alrededores, entre ellos Marysia Osowiecka, Rutka (Ruth) Noj y Dan Landsberg. Todos ellos contaban con certificados de nacimiento falsificados, suministrados por el cura local, Ludwik Wolski.
Rose y Max Noj recordaron que cuando trajeron a Rut por primera vez, la hermana Gertruda les dijo: "Cuando me traen un niño su destino se convierte también en el mío".
Dan Landsberg visitó el orfanato muchos años después y encontró a la hermana Gertruda en su lecho de muerte. Ella les contó que en una oportunidad los nazis irrumpieron en su casa en busca de niños judíos. Dan era todavía muy pequeño y no entendió lo que estaba pasando. La hermana Gertruda lo cubrió con su hábito y estuvo de pie inmóvil hasta que los alemanes se retiraron. "Así eran esas "madres de la ocupación" que ocultaban a niños judíos, cada día nos daban vida", comentó Dan a Yad Vashem.
La madre de Dan había sido criada en el orfanato de Janusz Korczak. Su padre poseía una compañía constructora. Había levantado la casa familiar, que fue incendiada durante la guerra. La familia acabó en el gueto de Otwock, pero cuando éste fue liquidado los padres consiguieron escapar y hacer entrar a Dan al convento elisabetino. Allí recibió un certificado de nacimiento a nombre de Wojciech Płochowski.
Después de un tiempo fue colocado en el hogar de una familia polaca, en el cual sobrevivió la guerra. Su madre y la mayoría de sus familiares fueron asesinados, pero su madre sobrevivió y consiguió encontrarlo después de la liberación. Más tarde se casó con un polaco que la había ayudado durante la guerra. Dan emigró a Israel en 1965, donde constituyó su propia y numerosa familia.
El 22 de julio de 2007 la hermana Gertruda Stanisława Marciniak fue reconocida como Justa de las Naciones por Yad Vashem.
jueves, 21 de julio de 2016
martes, 19 de julio de 2016
Murió Carlos Gorostiza
El Diario La Nación, en su edición digital, publicó esta información.
Murió Carlos Gorostiza
Leyenda del teatro argentino, fue autor de obras emblemáticas e impulsor de Teatro Abierto; tenía 96 años; será velado en el Cervantes
MARTES 19 DE JULIO DE 2016 • 12:10
El dramaturgo Carlos Gorostiza, un nombre central del teatro argentino que fue autor de piezas emblemáticas como El pan de la locura, El puente y Los prójimos, murió hoy, a los 96 años. Según confirmó el ministro de Cultura, Pablo Avelluto, sus restos serán velados en el Teatro Nacional Cervantes desde las 19 hasta las 24.
Escribió más de 30 obras, seis novelas, un libro de memorias y poemas, y es prueba de su gran relevanciaartística que en 2015 tuvo cuatro de sus obras en cartel simultáneamente en el circuito teatral porteño
."Es muy importante tomar conciencia de que uno ha sido un privilegiado: nació y transcurrió por la vida gozando. Es maravilloso. No puedo estar triste. Por ahí estoy frustrado porque anhelaba ver otras cosas, pero qué linda es la vida", dijo a LA NACION el año último, con una amable y entrañable sonrisa.
Había nacido en Buenos Aires, el 7 de junio de 1920, en una familia de ascendencia vasca. Su padre, Fermín -uno de los primeros argentinos en obtener licencia de piloto- se separó de su madre, y fue su padrastro, un dramaturgo español, quien lo introdujo en la escena teatral. Debutó en 1943 con una obra para títeres. En 1949 estrenó su primera pieza, El puente, considerada como una de las precursoiras de la corriente moderna en la dramaturgia argentina, que tuvo una gran repercusión y una adaptación cinematográfica en 1950.
En 1958 ganó el Primer Premio Municipal de Teatro con El pan de la locura. En 1960 fue invitado como profesor de Arte Dramático a la Universidad Central de Venezuela, donde permaneció cuatro años. De regreso a la Argentina, enseñó en la Universidad de Buenos Aires hasta 1976. Gorostiza fue uno de los miembros clave del ciclo Teatro Abierto en 1981, y con el regreso de la democracia, Raúl Alfonsín lo designó secretario de Cultura de la Nación, cargo que ejerció entre 1984 y1986.
En el teatro de Gorostiza es posible encontrar una aguda crítica social que se vuelca a las relaciones que se establecían tanto en la sociedad como en las familias argentinas.
"Hay una obra mía, Aeroplanos -recordaba en la entrevista con este diario en 2015- que se está haciendo mucho en distintas partes del mundo. Es la historia de dos hombres mayores. Uno de ellos va al médico por cierta enfermedad y el doctor le pregunta: "¿Cuánto tiempo quiere vivir usted?".Y el personaje tiembla, se da cuenta de que su vida tiene un término. Sale a la calle y ve a un taxista, a una florista, ve a la gente y siente que todos esos son compañeros de un viaje. Dentro de 150 años no vamos a estar. Somos pasajeros de un viaje que hay que saber descubrir para poder gozarlo, aun con frustraciones".
Nadiah Demarco
En RAE, Argentina al Mundo, en el ciclo Entrevistas conversamos con Nadiah Demarco sobre las presentaciones de su primer CD Cuanta Historia este Bolero. Participó también Marco Hernández en arreglos y guitarra.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Esteban Villarruel
Nadiah Demarco “La Dama del Bolero” presenta su primer disco “Cuanta Historia este Bolero...!” el sábado 23 de julio a las 21:30 en Sadem Art, Av. Belgrano 3655, y el sábado 30 de julio a las 21:30 en El Viejo Buzón, Neuquen 1100, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
“...el bolero es la sublimación del amor no correspondido.
Su catarsis alivia penas, enciende la nostalgia, sumerge en el pasado para
vivir el presente. Finalmente es una historia de amor, desamor o pasión en tres
minutos...”
Nadiah Demarco
Luego de sus exitosas presentaciones junto a su padrino
artístico Rafael Basurto Lara, última primera voz del original y legendario
Trío Los Panchos, Nadiah Demarco continúa presentando su primer CD,
"Cuanta Historia Este Bolero", el cual está disponible en todas las
plataformas digitales del mundo con gran suceso y demanda.
“La Dama del Bolero” nació en Villa Devoto, Buenos Aires y de muy pequeña se inició en el arte a través del patín y la gimnasia artística para luego, a los 6 años, comenzar su carrera en la danza atravesando por distintos géneros como la danza clásica, tap, flamenco, árabe, hip-hop, jazz, ritmos latinos, contemporáneo, lyrical jazz y que aún hoy son parte de su mundo de todos los días. Todos estos ritmos fueron dejando su aporte en la música de la joven intérprete, con el agregado de sus estudios de teatro con Ana María Campoy y otros profesores. Pero a lo largo de este recorrido el canto siempre estuvo presente como parte de su vida.
Su acercamiento al bolero fue a través de un reproductor de
cd que dominaba el comedor de su casa, en el que su madre amaba escuchar
boleros en sus rutinas matinales, y de niña cantaba lo que escuchaba
cotidianamente. Para Nadiah el bolero es el corazón, el seno familiar y el
lugar cómodo donde hacer rodar sus fantasías. El bolero es su casa.
Pasó por distintos tipos de espectáculos buscando su
identidad artística. Cantó, bailó y actuó en distintas propuestas y hasta en
distintos idiomas, siempre sintiendo que algo faltaba. Fue entonces que decidió
hacer un paréntesis en sus actividades y realizar una profunda introspección
para lograr escuchar su música interior. Y en el inmenso silencio de su alma,
en la soledad de su interior se escucharon los acordes de su primera infancia.
La música de su corazón era el bolero...
Comienza su carrera como cantante y bailarina haciendo
covers para elencos especializados en hacer shows en fiestas y eventos
recorriendo los escenarios de los principales salones y hoteles argentinos.
En 2012 decide dedicarse exclusivamente el bolero haciendo desde ese momento teatros, bares notables de la ciudad y presentaciones para la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura. Teatro Auditorio Losada, Teatro Auditorio de Belgrano, Velma Café, Los 36 Billares y El Viejo Buzón han sido escenarios frecuentes en la vida profesional de esta artista.
En 2012 decide dedicarse exclusivamente el bolero haciendo desde ese momento teatros, bares notables de la ciudad y presentaciones para la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura. Teatro Auditorio Losada, Teatro Auditorio de Belgrano, Velma Café, Los 36 Billares y El Viejo Buzón han sido escenarios frecuentes en la vida profesional de esta artista.
En el 2014 su espectáculo "Cuanta Historia este Bolero...!" fue declarado de Interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación. Es la historia cantada y contada del bolero. Las canciones, anécdotas y relatos de los autores e intérpretes del género más romántico del idioma español.
Este espectáculo musical realizado recientemente con gran éxito en el escenario de Palacio La Argentina está protagonizado por Rafael Basurto Lara, última primera voz del original y legendario Trío Los Panchos, y Nadiah Demarco, La Dama del Bolero.
Juntos en el escenario recrean la esencia y el espíritu de Eydie Gormé y Los Panchos, la primer cantante femenina que logró con el trío mexicano éxito mundial hace ya 50 años.
Completan el elenco Los Juglares de Lara (trío que acompaña a Basurto recreando el sonido de Los Panchos) y la Orquesta Estable del Club del Bolero (acompañantes de Nadiah Demarco en todas sus actuaciones),con dirección y arreglos de Marco Hernández e integrada por 6 músicos completando un elenco de 12 artistas en escena.. Un espectáculo de total romanticismo para cantar, participar y recordar melodías y épocas con familia, amigos o pareja.
Vikki Carr
Florencia Vicenta de Casillas Martínez Cardona, más conocida como Vikki Carr, nació en El Paso, Texas, Estados Unidos, el 19 de julio de 1941. Cantante y actriz.
En 1962 firmó un contrato con Liberty Records y sus primeras
grabaciones alcanzaron el éxito. En 1967 su álbum It Must Be Him fue nominado a tres premios
Grammy. Ese año la canción que da nombre al disco alcanzó el 3º puesto de los
Billboard Hot 100 en EE.UU. En 1968 la canción The Lesson y With Pen in Hand en
1969, lograron puestos destacados. Grabó 10 simples y 13 álbumes entraron en
las listas de popularidad de EE. UU.
Se presentó en radio, televisión, cine y teatro,
interpretando varios estilos, incluido jazz, pop y country, pero sus más
grandes éxitos son en español. A lo largo de su carrera se presentó con grandes
figuras como Julio Iglesias, Claudia de Colombia, Ana Gabriel, Manoella Torres,
Vicente Fernández, Trini López, Danny Rivera, Yuri, entre muchos otros, y sus
canciones lograron gran éxito en Estados Unidos, Europa y América Latina.
En 1968, como parte de su trabajo solidario, grabó seis
especiales para London Weekend TV. En 1971 estableció la fundación de becas
Vikki Carr Scholarship Foundation, dedicada a ofrecer becas estudiantiles a jóvenes
latinos en los estados de California y Texas.
En 1985 ganó premios Grammy a la mejor grabación
mexicano-estadounidense por su álbum Simplemente mujer. En 1988 participó en el
doblaje de la película de Disney, Oliver y su pandilla, donde dio voz a
Georgette además de interpretar la canción "La perfección". En 1992
por el mejor álbum pop latino, por el disco Cosas del amor; en 1995 por la
mejor grabación mexicano-estadounidense, por Recuerdo a Javier Solís. También
fue nominada a los Grammy por los discos Brindo a la vida, al bolero, a ti en 1993
y Emociones en 1996.
Sus álbumes en español han recibido discos de oro y platino
en Colombia, Costa Rica, Chile, Ecuador. México, Puerto Rico y Venezuela.
En 1999, grabó un especial de televisión PBS: Vikki Carr:
Memories, Memorias en el que cantó canciones populares bilingües de los años
cuarenta y cincuenta. Tuvo como invitados a Pepe Aguilar, Arturo Sandoval y
Jack Jones. En 2001, lanzó un álbum navideño bilingüe: The Vikki Carr Christmas
Album.
En 2002, participó en el musical Follies, de Stephen
Sondheim, en 2006, hizo una aparición cameo en un thriller exclusivo para
vídeo, llamado Puerto Vallarta Squeeze. En 2008 participó en un especial de
música mexicana como conductora y cantante, para la cadena cultural
estadounidense PBS. En el 2008 cantó en los Grammy Latinos en el Toyota Center
de Texas e interpretó el tema "Cosas del Amor" junto a Olga Tañón y
Jenny Rivera.
Vikki Carr desarrolla una importante acción filántropa,
dedica tiempo a muchos grupos humanitarios, incluidos la Asociación por la
Distrofia Muscular, la Asociación Pulmonar de EE. UU., United Way of America y
el Hospital St. Jude de Investigación Infantil. Durante 22 años realizó
conciertos a beneficio para la escuela secundaria Holy Cross High School en San
Antonio, Texas.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Vikki Carr, con
algunos de sus grandes éxitos: Ni princesa ni esclava, Nomas ocho dias, Total, a dúo
con Ana Gabriel.
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