domingo, 12 de julio de 2026

Shalom – Gabirol, premio a la excelencia educativa


Shalom – Gabirol, premio a la excelencia educativa  

Shalom conversa con Luna Alfon, directora del Colegio Ibn Gabirol, tras recibir el prestigioso Yael Award. Hablamos de excelencia educativa, innovación, tecnología, valores y comunidad, en un centro que se ha convertido en referente internacional de la educación judía. Inspirando generaciones hoy. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/gabirol-premio-excelencia-educativa/17153337/

Mari Trini


María Trinidad Pérez de Miravete Mille, más conocida como Mari Trini, nació en Caravaca de la Cruz, Murcia, España, el 12 de julio de 1947, y murió en Murcia, España, el 6 de abril de 2009. Cantautora. 

El sitio www.maritrinioficial.com publicó su biografía. 

Mari Trini nació en el centro de Murcia, y su verdadero nombre es María Trinidad Pérez-Miravete Mille. A los siete años contrajo una enfermedad que le obligó a permanecer en cama hasta los catorce. Los años de soledad le sirvieron para mirar dentro de sí misma y a descubrir las posibilidades que la música le ofrecía. Empezó a escribir canciones que nadie escuchaba y a sentir cosas que quería comunicar. 

La familia Pérez-Miravete se había trasladado a Madrid. Después de ese largo tiempo de enfermedad y silencio, la niña ya mujer, decidió que había llegado el momento de abandonar la cama y salir a la vida. Con quince años empezó a moverse por los ambientes artísticos y musicales en busca de una oportunidad que le permitiera iniciarse en el mundo de la canción. 

En Madrid conoció al célebre director de cine Nicholas Ray. Éste se ofreció para dirigir su carrera. En Londres estudia y se prepara para comenzar su carrera. Nicholas, manager y director artístico de Mari Trini, la introdujo en la cadena de televisión BBC, donde trabajó con Peter Ustinov, y colaboró en un programa de radio durante todo un año. También en Londres pudo conocer a gente tan dispar como interesante: Roman Polansky, James Mason, Marlene Dietrich y Paul McCartney entre otros. 

Llegó el momento en que separaron ella y su manager tuvieron que separar sus caminos. Ray se fue a rodar en Estados Unidos y Mari Trini eligió París para continuar con su preparación artística. Allí palpó directamente la influencia de las canciones de Brel o Becaud, sus favoritos en aquel momento. París, la artística, la grande, la bohemia, germinó un poco la semilla de su “divinidad” en la mente de Mari Trini. Ella dice de aquellos días que nunca tuvo el menor pensamiento o la menor ilusión de llegar a ser una diva, a pesar de que se lo dijeron las profesoras con las que estudió, una en especial, especialista en formar a grandes voces. No participó en manifestaciones artísticas, no ganó festivales, no tuvo premios… pero aprendió. 

En París logró su primer contrato discográfico con EMI, y llegó a publicar doce temas que se distribuyeron por medio de tres EP’s. Su canción "Guitarra" se incluyó en la película "La Nuit Infidele" (1967). 

En Francia, conoció a otros jóvenes cantantes que también empezaban sus carreras, como Adamo, Sylvie Vartan o Sheila. De esta forma logra hacerse de un pequeño espacio dentro del campo de la música. Hasta cinco años pasó Mari Trini en París, hasta cumplir su contrato discográfico, y decide entonces regresar a España. 

Inmediatamente logra llamar la atención de los ejecutivos de la RCA Española, con quienes firma un contrato. Así, graba su primer trabajo en español. En esos discos (reeditado en un CD en 2003), se incluyeron temas de autores como Luis Eduardo Aute, Juan Carlos Calderón y Patxi Andión, además de algunas composiciones propias. 

Pero no fue hasta el siguiente disco titulado “Amores”, que logra alcanzar el verdadero éxito y la fama. El álbum, arreglado y dirigido por Waldo de los Ríos, obtuvo tal éxito que llegó a permanecer todo un año en las listas de ventas. Hecho inédito en España hasta ese momento. En este trabajo, además de la canción que da nombre al disco, destacaron: “Un Hombre Marchó”, “Vals De Otoño”, “Cuando Me Acaricias”, "Mañana", "Déjame" y su versión de "Amanecí en tus brazos" y de "J'attendrai".  

En 1971 aparece su nuevo trabajo bajo el nombre de “Escúchame”, donde temas como “Yo confieso” y “Yo no soy esa” lograron los primeros puestos en las listas de éxito y así pasa a convertirse en la mejor voz femenina del momento. Otros números destacables son "Milord", "Canciones a mi manera", "Me marcharé", "Ayer", "Seré silenciosa", "Que seas feliz", "La fanette"... ¡todo el álbum! 

“Ventanas” fue su siguiente larga duración. Se lanzó en 1973. La portada era de lujo, con ventanas troqueladas en la imagen de la cubierta y en su interior una foto ampliada, y por supuesto, temas firmados en exclusiva por Mari Trini.  Entre ellos se encontraba “El desamor”, tema escrito especialmente para la película “Experiencia prematrimonial”. 

Aprovechando que Mari Trini se encontraba en la cúspide de su carrera, RCA publicó algunas de las grabaciones que había realizado en París durante los sesenta. Simultáneamente, Hispavox editó un álbum completo en francés que tituló “L’automne” en el que traducía algunas de las mejores canciones que formaban sus tres discos en español. 

En 1974 se editó el álbum “¿Quién?”, cuya canción principal fue “Mi tercer amor”. También había dos canciones francesas: “Ne me quittes pas” de Jacques Brel, y “Je reviens te chercher” de Gilbert Bécaud, aunque ésta última traducida al castellano. 

En este mismo año, Mari Trini es distinguida con un Disco de Oro que le otorga su discográfica Hispavox. Se lo entrega Rafael Trabucchelli. Este galardón era el resumen de muchos éxitos por los trabajos anteriores. A éste siguieron muchos premios, grandes distinciones y reconocimientos que consagran a Mari Trini como la más notable compositora-intérprete en el mundo de habla hispana. 

En esa época, sus discos se lanzaron en una veintena de países, y con frecuencia Mari Trini era frecuentemente invitada a “Domino”, un programa de la Televisión Francesa dirigido por Guy Lux. 

En 1975, Mari Trini cumplió actuaciones triunfales en Francia y grabó “Mari Trini canta en Francés”, con acompañamiento formado especialmente para la artista española que mejor domina la lengua de Molière, y en estudios de París. 

A su regreso a España, participó en el Festival y Muestra de la Canción Española, celebrado en Mallorca, como una de las representantes de España. Allí estrenó “No te preocupes amor”, la canción de su nuevo LP “Transparencias”. El éxito fue rotundo. A final de 1975, Mari Trini llevaba exactamente medio año inamovible entre los artistas superventas del panorama español. 

A comienzos de febrero de 1976, Mari Trini empieza una gira largamente esperada por las naciones de Iberoamérica. Mari Trini cantará en los principales países de habla española. Un mes antes, en el “Blanco y Negro” del 10 de enero, la cantautora obtiene un nuevo título, cuando el Jurado compuesto por diez personalidades de la TV, la Radio y el Periodismo, la clasifican como LA MEJOR CANTANTE DE ESPAÑA. 

Ese mismo año estrenó su nuevo trabajo “Como el rocío”. En esta nueva grabación, Mari Trini recurría a un nuevo tema de Jacques Brel: “La chanson des vieux amants”, y otro de Serge Lama, “Je suis malade”, en versión castellano. Pero el resto era material propio. Otras ocho canciones entre las que destacaron “Entre la lluvia y el viento”, “Por ti, por ti” y un maravilloso poema a su tierra "Olía a rocío". 

Su contrato con Hispavox la forzaba a publicar un álbum anual. El ritmo seguía imparable. “El tiempo y yo” se publicó en 1977, incluyendo varias canciones ajenas, como las francesas “Te quiero con locura” (en castellano), de Serge Lama, y “Le temps des cerises”, además de una adaptación de Leonard Cohen que tituló “Quiero vivir sola”. "La libertad" y "Acércate" fueron números que se situaron también en las listas y fueron muy radiados. 

En 1978 editó “Sólo para ti”, que incluía siete canciones propias y dos francesas, entre ellas una fantástica versión de “Non, je ne regrette rien”, de Edith Piaf. Comenzaba a percibirse un cambio particular en la autora y hubo temas que pasaron a la historia, como el magnífico “Estoy pensando en ti” o la impecable “Palabras”. Y también dejaron huella "Mi destino es llegar tarde", "Una casa en el aire", "La Star" o "Sí, Sr. Juez". 

Un año después, en 1979 se lanza “A mi aire”, anunciando un cambio radical en su imagen y en la manera con que se enfrenta al fenómeno de la canción de autor. Destacó sobre todo la canción “Ayúdala”, que se convirtió en un himno en todo Hispanoamérica, al ser el tema central de una famosa telenovela. También destacaron por su ritmo impactante, temas como “Soy un caso perdido” o “El desertor”. 

En el año 1981 lanza “Oraciones de amor”, y cuenta en la producción con Maryní Callejo, una institución de la música española. Todas las canciones llevaban la firma de Mari Trini, y entre ellas destacaron “Te amaré, te amo y te querré”, “Mírame”, "Llueve, duele y llueve" o "Guárdate". 

En 1982 publica “Una estrella en mi jardín”, el álbum que incluye una de sus canciones más populares y que da título al disco. Todos los temas están compuestos por Mari Trini, y entre otras, también destacan la impactante “Hablando sola”, "Amor mío", "Ay Señor" o "Robar amor. 

Para 1984 aparece un nuevo trabajo de Mari Trini: “Diario de una mujer”, en el que brillan canciones como “Hombre marinero”, “Tres veces olé” o “...Como debe ser”. Ese mismo año editó un álbum titulado simplemente “Mari Trini” y compuesto exclusivamente por canciones hispanoamericanas. Un total de once temas en los que había desde boleros clásicos, como “Noche de ronda” o “Cuando vuelva a tu lado”, a rancheras del estilo de “El jinete” o “La media vuelta”. 

En 1985 Hispavox lanzó un álbum doble titulado y grabado “En vivo”, que servía para volver a recuperar sus mejores canciones de los anteriores quince años, así como las más recientes. Un resumen de una hora del concierto se emitió a través de TVE en horario de máxima audiencia. Después llegó “Quién me venderá”, en el año 1986, con la autoría de todas las canciones de Mari Trini y la producción y arreglos de Maryní Callejo, que esa etapa era su directora artística para sus presentaciones en directo. Destacan canciones como la propia que da nombre al título, además de la siempre eterna “Si tú no estás si no estás tú”, o “Ay Dios mío”. 

En 1988 aparecía el álbum “En tu piel”, y vuelve Rafael Trabuccelli como productor. En este álbum hay una curiosidad: la adaptación para voz del segundo tiempo de la “Sonata Patética” que Beethoven escribió para piano. La canción resultante se tituló “Te juré”. Destacan también “La soledad”, “No se puede vivir así” y la versión de la célebre canción “Parlez-moi d’amour” con la que Mari Trini vuelve a recordarnos su pasado en París. 

“Espejismos” es del año 1990, y significa un cambio muy importante en la carrera de la cantante. Después de veinte años y otros tantos álbumes en Hispavox, Mari Trini volaba sola y cambiaba de compañía editora. Su primer álbum de los noventa se llamó “Espejismos” y se editó en el sello Espectacular. Todos los temas de este disco se debían en letra y música a la propia autora. Se aprecian temas de corte clásico y otros con influencias de rock. De este álbum destaca la eterna “Tuya”, que forma parte de las grandes canciones e Mari Trini. 

Empezaban a editarse los primeros CDs. Y la anterior casa discográfica de Mari Trini, la Hispavox, decidió editar un doble álbum CD con lo mejor de toda la carrera de la cantante. Y contó con su propio apoyo para defenderlo promocionalmente, con entrevistas en prensa y radio, y actuaciones en televisión. El disco fue un éxito y alcanzó la distinción del platino. Pero Mari Trini no quería ser una “vieja gloria” que se limitase a repetir hasta la saciedad los temas de siempre. Tenía nuevas canciones y quería mostrarlas. 

Y así negoció con un nuevo sello, Divucsa, que quería contratarla para que regrabara con sonido de los noventa, sus mejores canciones de siempre. El álbum se llamó “Sin barreras” (1995), y tenía trece temas. Entre ellos destacaban “Cuando me acaricias”, “Yo no soy esa”, “Una estrella en mi jardín” o “Amores” como canciones del ayer, y “Sin un adiós”, “Qué quieres que te diga corazón” o “Vals a la vida” entre las nuevas. 

A finales de 1996, Mari Trini volvió a grabar con Divucsa y editó el álbum “Alas de cristal”, un disco muy cuidado y con temas variados, en el que destacan la impecable canción “Mira”,  y también “Es que te quiero”, “No pasa nada”, o la magnífica versión de la canción “Avec le temps”, de Léo Ferré. 

Pasa el tiempo y Mari Trini prepara en esos años un disco especial. En 2001 sorprende a todos con un doble álbum con la colaboración de Los Panchos. El disco se titula “Mari Trini con Los Panchos”, y combina las mejores canciones de la autora con las mejores canciones del trío, todas a ritmo de bolero, adaptado a la voz de Mari Trini. El resultado es un precioso trabajo que Mari Trini cuidó al máximo y por el que apostó con valentía. Las ventas fueron subiendo hasta certificarse Disco de Oro, pero, lamentablemente la casa discográfica quebró y retiró la producción. 

Casi al mismo tiempo –y como haciendo competencia- su anterior casa discográfica Hispavox, volvió a editar un nuevo disco doble con grandes éxitos, que titulaba simplemente “Amores”. Como no podía ser menos, las ventas aumentaron considerablemente. 

En 2005 Mari Trini nos regala un nuevo recopilatorio. Esta vez, no sólo había música, sino que había imágenes. En efecto, la compilación "Una estrella en mi Jardín" consta de dos CD’s más un DVD con algunas actuaciones de la artista grabadas por TVE. En total, 40 grandes éxitos y 25 actuaciones y directos en TV, como reza en el disco, “irrepetibles”. 

Coincidiendo con la presentación de este recopilatorio, el 14 de septiembre de 2005, Mari Trini recibe un gran homenaje en la Sociedad General de Autores y Editores, S.G.A.E. en reconocimiento a su dilatada trayectoria artística y le es entregado un gran Disco Multidiamante por haber vendido más de diez millones de discos. 

Vivió sus últimos años en Murcia. La enfermedad le arrebató los planes en los que tenía puestas todas sus ilusiones: un concierto de despedida, un libro de poemas o la dirección de un Teatro nunca pudieron ver la luz. Por desgracia nada de esto pudo concluir, y tras un año de enfermedad, un 7 de abril, Martes Santo de 2009, Mari Trini falleció. 

En 2015 Helena Bianco llevó al teatro "Estoy pensando en ti", un musical biográfico que fue el primer tributo hecho a Mari Trini. Estrenó su espectáculo el 11 de julio de 2015 en el Teatro Thuiller, de Caravaca de la Cruz (Murcia). Después, continuó girando representando este homenaje por diversas ciudades de España. 

En 2019 el Ayuntamiento de Murcia le otorgó a título póstumo el reconocimiento como "Hija Predilecta de la Ciudad de Murcia".  

Carlos Tarque, Sole Giménez, Miguel Bañón, Xuso Jones y Funambulista entre otros artistas murcianos protagonizaron en 2020 un cover de "Te amaré, te amo y te querré". Se editó en un videoclip que se viralizó en Internet. Consiguieron una magnifica versión, y este himno de amor, fuerza y superación, sirvió como homenaje a los servicios esenciales que estuvieron activos durante toda la pandemia.  

A más de quince años de la partida de Mari Trini, su espíritu continúa más presente que nunca. La edición de 3 libros biográficos, el lanzamiento de un nuevo recopilatorio en doble CD y vinilo, el estreno de un documental en La 2, así como la solicitud de la Medalla de Oro de las Bellas Artes, han vuelto a realzar su figura artística y humana en prensa, radio y televisión, encontrando el clamor y apoyo de su público.   

Pero la historia continúa en 2025, año portador de nuevas sorpresas para todos cuantos amamos a la inolvidable Mari Trini.  

"Poesía Crónica" es un legado que Mari Trini nos dejó y que se presenta en la Fería del Libro de Madrid en mayo de 2025. Un libro inédito de poemas anunciado por ella en varias ocasiones pero que no pudo ser publicado hasta ahora. 

"¿Quién no escribió un poema?" es otro libro elaborado por algunos seguidores de la artista que llega tras "Poesía Crónica". Es el primer título de una colección que publicará "Ediciones Mari Trini - Oficial". 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con dos de sus grandes éxitos: Te Amaré, Te Amo, Y Te Querré y Yo No Soy Esa. 


Eryk Lipiński. Artista y Justo entre las Naciones.

Eryk Lipiński, 1984. Foto: PAP/T. prażmowski

Eryk Lipiński nació en Cracovia, Polonia, el 12 de julio de 1908, y murió en Varsovia, Polonia, el 27 de septiembre de 1991. Artista y Justo entre las Naciones. 

El sitio www.dzieje.pl publicó este recordatorio firmado por Anna Kruszyńska.   

Hace 115 años nació el artista gráfico Eryk Lipiński. 

PUBLICACIÓN: 12/07/2023 Cultura y arte 

Hace 115 años, el 12 de julio de 1908, nació en Cracovia el artista gráfico, caricaturista y satírico Eryk Lipiński. "Antes de aprender a leer y escribir, ya sabía manejar los materiales de arte", recordó el propio artista. 

«Eryk Lipiński fue un creador increíblemente versátil y una persona con una energía desbordante. Participó en una amplia gama de actividades: fue satírico, humorista, dibujante y caricaturista. También diseñó carteles, portadas de libros y discos, e ilustró libros tanto para niños como para adultos. Además, creó películas de animación. Fue el creador del famoso tema de apertura del Teatr Sensacji +Kobra+», declaró a la agencia PAP el Dr. Paweł Płoski, director del Museo de la Caricatura Eryk Lipiński. 

El director del Museo de la Caricatura destacó que lo que caracterizaba la obra de Lipiński era el humor. «Era un humor que impregnaba toda su obra: una especie de ingenio sutil, a veces anécdota. Abordaba cada tema de esta manera, utilizando siempre soluciones que rozaban el ingenio, o al menos algo que provocaba una sonrisa en el espectador», explicó. Añadió que «Lipiński era muy sensible a las tendencias actuales, así como al lenguaje cambiante del arte, comunicándose con el público contemporáneo». 

Eryk Lipiński era hijo del dibujante y caricaturista Teodor Rawicz Lipiński y de Jadwiga Czartoryska. «Desde muy pequeño estuve en contacto con la pintura y el dibujo. En casa siempre había óleos, acuarelas, pasteles, lápices de colores y tintas de diversos tipos. Cuadernos de dibujo, hojas de papel blanco y de colores se apilaban en estantes y mesas. Cuando mi padre dibujaba o pintaba, yo observaba atentamente sus actividades, e incluso antes de aprender a leer y escribir, ya sabía manejar los materiales artísticos. Por supuesto, imitaba a mi padre en esto», recordó Lipiński, citado en «Eryk Lipiński. Presentando», Varsovia, 1983. 

Entre 1912 y 1913, los Lipiński se mudaron a Moscú. «Mis primeros dibujos infantiles no se conservan, pero por algún milagro encontré obras que hice en mi adolescencia, y reflejan mis intereses, principalmente los relacionados con la historia de Polonia. Viví en Moscú hasta los trece años y solo conocía mi patria a través de ilustraciones, libros y las historias de mi padre. Polonia me parecía un país ideal, lleno de héroes nacionales, y cuando recuperó su independencia, yo —un niño de diez años por aquel entonces— creía que todos los polacos llevaban un águila en la solapa. Tras regresar a casa en diciembre de 1921, me decepcionó mucho comprobar que no era así», escribió el artista. 

En Varsovia, asistió a la escuela secundaria J. Lelewel y a la Segunda Escuela Secundaria del Sindicato de Maestros. Curiosamente, durante su época escolar, Lipiński limitó sus dibujos exclusivamente a las tareas escolares. «Dibujar en la escuela me aburría muchísimo, y siempre me esforzaba a última hora para sacar al menos un aprobado raspado en el examen. Y la opinión de los profesores sobre mí siempre era la misma: muy talentoso, pero muy vago. Prefería esa opinión a la de "sin talento, pero trabajador". Viví con esa idea de ser talentoso durante muchos años, y solo cuando aprobé el examen de la Academia de Bellas Artes descubrí, para mi horror, que había cientos de personas con ese talento», se lee en las memorias del diseñador gráfico. 

En 1934, comenzó a dibujar para "Tygodnik Robotnika", uno de los órganos del Partido Socialista Polaco. El entonces joven editor de la revista, Zbigniew Mitzner, le propuso colaborar. Fue con Mitzner con quien Lipiński fundó el semanario satírico "Szpilki" un año después. Como él mismo recordaba: "Durante muchos años publiqué mis dibujos en 'Szpilki', y durante muchos años también fui redactor jefe o miembro del equipo editorial". 

Como dibujante, ilustrador y diseñador gráfico, también colaboró con revistas como "Mucha", "Przekrój", "Karuzela", "Literatura", "Zwierciadło", "Polska", "Stolica", "Świat", "Świerszczyk" y "Trybuna Ludu". Su "Otek", una caricatura de Otto Axer, un amigo de Eryk Lipiński, apareció en diversas formas en la contraportada de "Przekrój" en los años 1960. 

Durante la Segunda Guerra Mundial, fue prisionero del campo de concentración alemán de Auschwitz, del que escapó gracias a los esfuerzos de su familia. Durante la ocupación, él y su esposa, Anna Gosławska-Lipińska, escondieron al actor Wilhelm Wind, a la artista Olga Binder (Siemaszko) y a otras personas de ascendencia judía. Lipiński participó en la elaboración de documentos falsos para los judíos escondidos. En 1991, el Instituto Yad Vashem de Jerusalén le otorgó el título de «Justo entre las Naciones». 

Lipiński, junto con Henryk Tomaszewski, fue uno de los fundadores de la Escuela Polaca de Carteles. Según recordaba, participaba frecuentemente en concursos de carteles, ganando su primer premio a los seis años. «En 1916, se anunció un concurso de carteles en Moscú, cuyo tema era la trágica situación de los soldados polacos obligados a luchar entre sí en las filas de los tres ejércitos que se repartían el país. Mi padre se presentó al concurso y, mientras lo veía pintar, yo también creé mi propio diseño infantil. (...) A mi padre le gustó el boceto. Me sugirió que lo ampliara al tamaño de un cartel y, cuando lo hice, presentó mi obra al concurso, quizás en broma. El jurado otorgó el primer premio al pintor Kamieński, el segundo a mi padre y el tercero a mí. Los miembros del jurado probablemente pensaron que el dibujo, trazado con líneas gruesas y lleno de color, era obra de algún artista demasiado refinado», escribió. 

Lipiński fue también una figura importante en la Bienal Internacional del Cartel de Varsovia: fue su promotor, participante y curador de la primera edición del concurso en 1966. 

También estuvo vinculado al cabaret "Dudek", donde, como él mismo escribió, "durante diez años hice carteles para todos los programas del cabaret +Dudek+", y añadió que "estuve vinculado a este cabaret como escenógrafo y letrista". 

En 1978, fundó el Museo de la Caricatura en Varsovia, donde se convirtió en director y ejerció su cargo hasta su fallecimiento. Su propia colección se convirtió en la piedra angular de la misma. «Gracias a su padre, coleccionaba dibujos y caricaturas. Cabe recordar que su padre recopilaba recortes de prensa de dibujos y caricaturas satíricas. Lipiński heredó de él tanto su pasión por el coleccionismo como su impresionante colección», afirmó el Dr. Paweł Płoski. 

La idea de crear un museo de la caricatura surgió en conversaciones ya a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. «Para Eryk Lipiński, la idea maduró durante mucho tiempo. Además, en los años sesenta, presenció la creación del Museo del Cartel dentro del Museo Nacional de Varsovia. Sin embargo, mientras que los carteles pronto empezaron a considerarse una rama del arte, el dibujo satírico se trataba como una actividad utilitaria», recordó el director del Museo de la Caricatura. «A Lipiński le llevó más de veinte años establecer la estructura de una institución museística en la que la caricatura desempeñara un papel central», añadió. 

Inicialmente, el museo funcionaba como una sucursal del Museo de Literatura. Tan solo cinco años después, en 1983, obtuvo su propia sede en la calle Kozia número 11 y se convirtió en una institución independiente. Desde 2002, lleva el nombre de su fundador. 

«La creación del Museo de la Caricatura fue una iniciativa pionera. En su momento, fue una de las primeras instituciones de este tipo en Europa. Lipiński reconoció el valor de los dibujos satíricos, por un lado, como objeto artístico y, por otro, como documento de la vida social, una especie de comentario sobre la actualidad», señaló el Dr. Płoski. «Su objetivo era también organizar el legado de la caricatura polaca. Debemos recordar, además, que los dibujos satíricos solían ser obras pequeñas, tratadas casi como efímeras. Por lo tanto, se perdían fácilmente, y Lipiński decidió darles una segunda vida y, sobre todo, conservarlos», recalcó. 

Eryk Lipiński fue también el principal impulsor y primer presidente de la Asociación de Caricaturistas Polacos (SPAK) en 1987, y actualmente la SPAK otorga anualmente el premio "Eryk" a la trayectoria en el campo de la caricatura. Asimismo, impulsó la creación del Comité Social para la Protección de Cementerios y Monumentos Judíos en Polonia en 1980. Fue condecorado con la Cruz de Oro al Mérito por su trayectoria artística. 

Eryk Lipiński murió el 27 de septiembre de 1991. Fue enterrado en el cementerio militar de Powązki en Varsovia. (PAPILLA) 

Autora: Anna Kruszyńska

sábado, 11 de julio de 2026

Jean Sibelius. Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47. Hilary Hahn.


A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Hilary Hahn, y la Orquesta Filarmónica de Radio France, dirigida por Mikko Franck.

Peter Murphy


Peter John Joseph Murphy, más conocido como Peter Murphy, nació en Northampton, Reino Unido, el 11 de julio de 1957. Cantante. 

El sitio www.solorock-uruguay.com publicó este artículo firmado por Niko Pérez   

Su Majestad El Vampiro: Peter John Joseph Murphy / 26 febrero, 2024 

«En lo lírico, siempre fui más de estar interesado en escribir letras, esas, que suelen ser algo esotéricas…». 

Hace 67 años, Peter John Murphy nacía en la ciudad de Northampton, en el centro de Inglaterra, un 11 de julio de 1957, en el seno de una humilde familia católica de nueve hijos, siendo el menor de ellos. Su fascinación por la música fue gracias a la costumbre de su madre de canturrear diariamente… En su adolescencia las inclinaciones artísticas se hacían más tangibles lidiando con su personalidad un tanto antisocial y tímida. Su espíritu solitario marcó su personalidad, rechazando la oportunidad de ir a la escuela de arte y, en su lugar, trabajar como ayudante de impresor, mientras perseguía sus intereses en la pintura, la escritura y el canto en su tiempo libre. 

En 1979, un viejo amigo de la escuela y colega pintor, Daniel Ash, contactó con Murphy para que se uniera a una banda que estaba formando con los hermanos David J. Haskins y Kevin Haskins. Con Ash en la guitarra, David J. en el bajo y Kevin Haskins en la batería, y así con su profunda y enigmática voz, Peter Murphy se convirtió en el icónico vocalista de Bauhaus. 

«En aquel entonces la energía creativa provenía de un desencanto social, todo ese enojo se traducía en la música, ya no había forma de estar más enojados con la situación social. También la proliferación de sellos independientes, que se alejaban de lo que la industria musical proponía. Asimismo, era algo contracultural, y cuando empezamos a viajar con Bauhaus, nos dimos cuenta que las cosas se aceleraban y empezaban a encenderse con la música punk y post-punk, que tenía esa energía liberadora, era una forma de crear una vía de escape de todo. En la música de hoy se siente un corporativismo, una especie de gentrificación que ha atrapado a la industria musical, un modelo aburrido que no genera nada interesante. Otrora, había una especie de riesgo asociado con la música, con Bauhaus no contábamos con nada, así que tomábamos la oportunidad de hacer lo que quisiéramos, hacerlo solos y de alguna manera aislados…». 

El joven y solitario Murphy estaba destinado a desempeñar uno de los roles más trascendentales de la movida contracultural inglesa. Con sus pómulos altos, cuerpo delgado e inclinación teatral, Murphy era casi como una sombría descendencia de Bowie’s Ziggy Stardust e Iggy Pop. Bauhaus combinó elementos de glam rock, punk, dub, art-rock, heavy metal y la crudeza de otras agrupaciones post-punk como Joy Division y Public Image Limited, pero de una forma más brumosa. El primer lanzamiento del grupo, «Bela Lugosi’s dead», fue lanzado en el sello independiente Small Wonder en 1979, y se convirtió instantáneamente en un éxito de baile underground. Con esa primera canción y el oscuro performance de la banda, su inclinación por la ropa negra y su apariencia pálida, Bauhaus inventó casi por su cuenta el subgénero del goth, que inicialmente era casi como un culto. 

The Flat Field, lanzado el mismo año, fue un éxito clandestino y el grupo se lanzó al gran sello independiente Beggars Banquet para su próximo lanzamiento, Mask. Para entonces, la mezcla de la banda de Ash, la guitarra distorsionada sobre la batería doblada con inflexión de Haskins y las sólidas líneas de bajo de David J. combinadas con la cavernosa y huracanada voz de Murphy, los diferenciaban de todo a su alrededor y el grupo siguió abriéndose espacio exponencialmente. 

«Daniel y yo comenzamos a escribir juntos, sólo con la guitarra y las voces. Un montón del trabajo temprano salió solo en dos días. Luego Kevin (Haskins) entró a tocar batería y finalmente llegó el gran (David) J. La agrupación fue muy prolífica, escribíamos muy fácil y… bueno, logramos algo muy especial». «Bowie fue una gran influencia de joven para mí, lo amaba. Constantemente fue un artista seminal. Cuando descubrí su música a los 14 años, él era totalmente independiente de todo. Siempre tuvo esa libertad de explorar, de ser una obra de arte en sí mismo, en constante cambio; fue una poderosa influencia en mí». 

Bauhaus lanzó un álbum en vivo, Press The Eject And Give Me The Tape (1982), y luego su tercer álbum de estudio, The Sky’s Gone Out. Las tensiones en la banda empezaban a aumentar cuando el grupo comenzó a hacer planes para grabar un cuarto álbum. Tanto David J. como Ash se estaban cansando de escribir la mayoría de las canciones, pero Murphy se robó la mayor parte de la atención, y así, cuando Murphy se enfermó gravemente de neumonía al principio de la grabación, los tres restantes continuaron sin él. Cuando Murphy estuvo lo suficientemente bien como para regresar, se sintió herido de que la banda sólo había dejado algunas canciones para que cantara, ya que tanto Ash como J. se hicieron cargo de las tareas vocales por primera vez. 

Después del lanzamiento de Burning From The Inside (1983), el grupo realizó una gira, pero las relaciones interpersonales de la banda estaban rotas, y después de que se completó la gira, se anunció que Bauhaus se separaría. (Ash, J. y Haskins formaron el exitoso trío Love and Rockets unos años más tarde). Para Murphy el final de Bauhaus no significó el final de su carrera, por el contrario, lo dotó de audacia para iniciar una aventura en solitario, la cual a la fecha abarca 10 discos de estudio tan eclécticos y experimentales que musicalmente difieren uno de otro abismalmente. 

Murphy rápidamente forjó una nueva alianza musical con el ex bajista / multi instrumentista de Japan, Mick Karn, y los dos formaron la banda Dali’s Car en 1984 y lanzaron un álbum, Waking Hour, el mismo año antes de separarse poco después. Después, Murphy se tomó un descanso de su carrera musical y estudió danza con la mujer que eventualmente se convertiría en su esposa, Beyhan Foulkes, una coreógrafa profesional. Murphy finalmente regresó y reclutó a un grupo de músicos de estudio, a los que eventualmente apodó The Hundred Men, para grabar su primer álbum en solitario, en 1986, Should The World Fail To Fall Apart. El álbum, una actualización un poco más optimista sobre el sonido que comenzó con Bauhaus, fue un éxito entre los seguidores de Bauhaus. Para el segundo álbum en solitario de Murphy, Love Hysteria de 1988, se unió al compositor Paul Statham, y los dos escribieron canciones que tenían un brillo más pulcro y más comercial, al tiempo que conservaban la mayor parte del encanto oscuro de Murphy. Love Hysteria se lanzó en todo el mundo, y Murphy anotó dos éxitos con los singles «Indigo eyes» y «All night long». Luego vendría el disco Deep, lanzado en 1990. Murphy reinventó su imagen y su sonido. Obtuvo el mayor éxito de su carrera con la canción «Cuts you up», y el sencillo continuó teniendo una de las carreras más largas en los primeros puestos de la lista Billboard Modern Rock Tracks, una racha que luego fue superada sólo por el famoso tema de REM, «Losing my religion». 

Murphy continuó expandiendo su sonido y pasando por cambios en la vida. A principios de la década de 1990, también se convirtió al islam con toda su corriente filosófica sufista y se mudó a Turquía. Murphy mezcló algunas influencias de Oriente Medio con su sonido de rock moderno post-Bowie para su próximo álbum, Holy Smoke de 1992. Si bien el álbum era una sólida colección de canciones, no se vendió muy bien. En 1995 llegaría el disco Cascade, que tenía un sonido más maduro y hermoso que cualquiera de los álbumes anteriores de Murphy, pero fue ampliamente ignorado por el público. Siguiendo a Cascade, Murphy dejó su largo sello Beggars Banquet y también terminó su colaboración con Statham. Murphy firmó con el nuevo sello Red Ant (que también es el hogar de sus antiguos compañeros de la banda Bauhaus en Love and Rockets), y lanzó el Recall EP en 1997, con colaboraciones con miembros de KMFDM en versiones fuertemente electrónicas de algunas de sus canciones más antiguas, con un par de nuevas canciones también incluidas. 

La presencia de Murphy y Love and Rockets en la misma disquera alimentó los rumores de una posible reunión de Bauhaus, y aunque la disquera de Red Ant se retiró poco después de lanzar el EP de Murphy, Bauhaus se reformó en 1998 para una gira apodada «Resurrection Tour». Una de las paradas de la gira, en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, fue grabada y lanzada como el DVD Gotham en 1998. 

«En lo lírico, siempre fui mucho de estar interesado en escribir letras, las que suelen ser algo esotéricas y con mucho significado, poéticas, cosas así. La disolución de Bauhaus fue como desacoplarme, el despegarme de esa primera escuela. Fue el continuar con esa energía y hacer lo que pudiese por mí mismo». 

Murphy regresó a su carrera en solitario en 2000, cuando lanzó su gira «Just For Love», una retrospectiva de su carrera que contó con sólo dos músicos de respaldo, el guitarrista Peter DiStefano, anteriormente en Porno For Pyros, y el violinista eléctrico Hugh Marsh. (Ocasionalmente, los tres también se unieron a David J. en el bajo). Una grabación en vivo de uno de los espectáculos, titulada Alive Just For Love, se lanzó en 2001. 

Murphy sorprendió a muchos de sus fanáticos con su próximo álbum, Dust, que lo emparejó con el músico turco Mercan Dede, y fue fuertemente influenciado por la música tradicional turca. Muchos de los seguidores góticos de Murphy no apreciaron el álbum, pero muchos de los fanáticos más progresistas de Murphy dieron la bienvenida a ese sonido desconocido. En 2004, Murphy firmó con el sello Viastar y lanzó el álbum Unshattered el mismo año. Unshattered fue un regreso al sonido más rock de algunos de sus álbumes de la década de los ’90, y Murphy formó una nueva banda y volvió a la gira en 2005, y nuevamente en 2007. En 2008, Murphy se reunió nuevamente con Daniel Ash, David J. y Kevin Haskins para tocar algunos shows como Bauhaus, y lo más sorprendente: el cuarteto regresó al estudio y grabó un álbum completo de material nuevo, Go Away White (2008). Inicialmente, el grupo había planeado lanzar el álbum y hacer una gira con él, pero las tensiones internas entre los miembros levantaron su temible cabeza de nuevo, y cuando el álbum fue lanzado en marzo de 2008, el grupo se había separado nuevamente. 

Sobrevive a un ataque cardíaco y renace… El eterno vampiro sigue dando conciertos y creando… Con Bauhaus o sin Bauhaus, Murphy sigue siendo el monarca de la subcultura goth de todos los tiempos con su inconfundible voz y aura espectral. Todo él representa esa casta de artistas que ya han alcanzado la inmortalidad en la historia de la música. Murphy es de las voces más sobresalientes y elegantes del postpunk sin dejar de ser feroz. 

Hoy rendimos tributo a su vida en vida, a su obra y a su magistral voz. Más de cuatro décadas envolviéndonos en su sombría magia. Murphy es un hipnotista, un brujo, que logra sumergirnos en un trance. Hoy sigue prodigando misterio como una misión que le ha sido encomendada por el destino. Murphy ha esculpido su propia leyenda, eternizándose. Su vampira y eterna majestad aún nos deleita, y hoy reverenciamos su existir. Salve al vampiro mayor. 

«Me conmueve mucho el lograr ser influencia de tantos músicos alrededor del mundo, haber logrado eso con tantos músicos. Ni siquiera soy consciente de que ellos me conocen. Olvido que soy conocido… muy seguido… Es la verdad… 

Niko Pérez 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cuts You Up.  

viernes, 10 de julio de 2026

El síntoma Taylor Swift

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Pilar Rahola.

El síntoma Taylor Swift

La polémica desatada por la elección de Adam Sandler como oficiante

de la boda de la estrella del pop y Travis Kelce revela algo más que 

una discusión de redes sociales: la imposición de un pensamiento 

único pro palestino que criminaliza el silencio, estigmatiza la identidad 

judía y normaliza el antisemitismo bajo el disfraz del antisionismo

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El ala cerrada de los Chiefs de Kansas City, Travis Kelce (87), besa a Taylor Swift después de que los Chiefs de Kansas City derrotaran a los 49ers de San Francisco en el Super Bowl en Las Vegas el 11 de febrero de 2024 (Foto AP/John Locher, archivo)
El ala cerrada de los Chiefs de Kansas City, Travis Kelce (87), besa a Taylor Swift después de que los Chiefs de Kansas City derrotaran a los 49ers de San Francisco en el Super Bowl en Las Vegas el 11 de febrero de 2024 (Foto AP/John Locher, archivo)

Ni los famosos invitados, ni sus rutilantes vestuarios, ni la peculiar gastronomía, ni tan solo la grandilocuencia del Madison Square Garden donde se ha oficiado la ceremonia. No, el gran ítem de la boda entre Taylor Swift y Travis Kelce que ha movido un gran ruido público ha sido el oficiante del acto, el actor Adam Sandler. A pesar de ser amigo de la pareja, con cuya compañía ha sido visto en muchas ocasiones, su condición de judío, mutada inmediatamente en “sionista”, se ha convertido en el motivo de ataque y señalamiento, tanto del actor, como de la cantante.

A partir de aquí, el asedio de los sospechosos habituales ha sido implacable. Los de Land Palestine (cuya cuenta fue suspendida en Instagram) han asegurado que Swift ha dejado clara su posición proisraelí, y la vocera pro palestina Kate Crawford ha postulado que “todos son sionistas, y no hay duda al respecto”. El debate, abierto en canal en las redes, ha sentenciado dos cosas preocupantes: una, que Swift tenía una posición geopolítica respecto al conflicto, a pesar de no haberse posicionado nunca; y dos, que Sandler era la prueba fehaciente de dicho posicionamiento, a pesar de haber mantenido un perfil bajo al respecto. Por el camino, las excavadoras han buscado otras “pruebas de cargo”, como el hecho que la pareja hubiera cenado en el popular Or’esh, el restaurante israelí del Soho, o que en 2023 Sandler había dicho que tenía “el corazón destrozado” después de la masacre del 7-O, y había firmado una carta a Joe Biden para que ayudara al retorno de los rehenes de Hamás. Solo existía esa acción de Sandler, alejado del activismo de otras personalidades de Hollywood, pero ya ha sido suficiente para grabarle la estrella en el brazo. Tampoco no ha servido de nada que Sandler no haya visitado nunca Israel, o que Gigi Hadid, cuya retórica antiisraelí es sobradamente conocida, estuviera entre los invitados.

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En conclusión, nada importa, porque en este momento de masificación del discurso pro palestino, no existe ni el derecho al silencio, ni la ambigüedad racional, ni el gris argumental, ni la posibilidad de tener la posición contraria y defender abiertamente a Israel. Convertida en el gran Satán y despojada de su historia trágica y de todas sus razones, Israel es el apestado del debate público, y a partir de la demonización del estado hebreo, todo el mundo judío queda bajo sospecha. No sirve intentar estar al margen, ser un actor o una cantante que solo quieren actuar o cantar, vivir la creación más allá de la geopolítica, es igual porque los judíos y sus amigos están bajo asedio. Se ha abierto la veda de caza al judío así, en seco, sin la coartada del antisionismo, la plataforma que disfraza hábilmente el antisemitismo de siempre. Ese es el síntoma preocupante que emana de la polémica Swift-Sandler: la imposición, vía amenaza de estigmatización, del pensamiento único pro palestino. Único e integral, porque este pensamiento único normaliza y blanquea, dentro del “Free Palestine” todo lo detestable, desde el terrorismo palestino, hasta el papel de Irán o la masacre del 7-O. ¿Por qué Swift deber estar obligada a tener una posición clara sobre el conflicto más complejo del mundo, cuyas derivadas internacionales son múltiples? ¿Por qué no puede ser su oficiante de boda un amigo judío, sin que ello la convierta en enemiga del pueblo palestino? Y a partir de aquí, el resto de preguntas que levantan la red flag del momento que vivimos: el palestinismo se ha convertido en un dogma impuesto, sin debate, ni réplica, simplificado hasta el paroxismo y sin las múltiples aristas que deberían motivar el debate. Un palestinismo ideológico, alejado de la realidad (y las necesidades) del pueblo al que dice defender, no en vano blanquear al terrorismo solo sirve para hipotecar eternamente el futuro del pueblo palestino.

Si este fenómeno de imposición del dogma es especialmente vistoso en la polémica Swift-Sandler, dada la relevancia de sus protagonistas, es igualmente visible en los múltiples actos antisemitas que se están produciendo en el mundo. Solo en los últimos días en España, los ejemplos van en cadena: expulsión de dos mujeres de una sauna LGTB de Barcelona por llevar un colgante con una estrella de David; persecución en masa de un grupo de judíos jasídicos franceses que salían de una sinagoga de Barcelona con sus kipás después del oficio; suspensión de la presentación en la Feria del libro de Santander de un libro de Haikus japoneses del escritor judío-argentino Marcos Ricardo Barnatán, después del violento asedio de centenares de pro palestinos; y, finalmente, la vergonzosa pancarta “Destroy Israel” en el chupinazo de los Sanfermines en San Sebastián, emitido en directo por Televisión Española, sin ningún comentario crítico, ni reproche. ¿Qué une a todos estos actos de boicot, sino es la judefobia? Expulsar a unas mujeres por llevar un mero símbolo judío…, perseguir a un grupo de judíos jasídicos por sus vestimentas…, boicotear a un poeta que considera que la cultura une a los pueblos…, y al final, pedir la destrucción de todo un país, es decir, hacer apología del genocidio de nueve millones de personas, y todo ello, hacerlo en nombre de la solidaridad, la paz, los pueblos y etcétera…

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¿Cuántas más alarmas necesitamos para entender que lo que está ocurriendo es muy grave? ¿Cuántas para entender que la caza al judío se está normalizando a pasos de gigante? ¿Cuántas para considerar que este fenómeno de imposición del pensamiento único destruye los fundamentos de la sociedad democrática? El síntoma Taylor Swift nos apela directamente, porque representa la degradación de los valores occidentales que han dado forma a la sociedad de la libertad. Sustituidas las ideas por los dogmas, y los debates por las pancartas, no queda nada: el pensamiento muere cuando vence el miedo.

X: @RaholaOficial

Web: https://pilarrahola.com

Instagram: pilar_rahola/

Greg Kihn


Gregory Stanley Kihn, más conocido como Greg Kihn, nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 10 de julio de 1949, y murió en San Francisco, California, Estados Unidos, el 13 de agosto de 2024. Cantante, guitarrista, compositor y novelista. 

El sitio www.magicpopblog.wordpress.com publicó este recordatorio. 

Gregory Stanley Kihn nació en Baltimore el 10 de julio de 1949 y nos dejaba el 13 de agosto de 2024. Cantante, guitarrista, compositor, novelista de terror y presentador de radio, fundó The Greg Kihn Band, grupo exitoso de los ochenta de powerpop. 

Influenciado por los Beatles, Kihn comenzó su carrera en su ciudad natal. Comenzó a escribir canciones y a tocar en cafeterías mientras todavía estaba en la escuela secundaria en el área de Baltimore. Cuando tenía 17 años, su madre presentó una cinta suya con una de sus canciones originales al concurso de talentos de la radio local Top 40 WCAO, en la que se llevó el primer premio y ganó tres cosas que cambiarían su vida: una máquina de escribir, una pila de discos y una guitarra eléctrica Vox. 

Se mudó a San Francisco en 1974 y trabajó pintando casas, cantando en las calles y en el mostrador de la tienda de discos Rather Ripped Records de Berkeley con su futuro compañero de banda y guitarrista de Earth Quake, Gary Phillips. Al año siguiente, se convirtió en uno de los primeros artistas contratados por Beserkley Records de Matthew King Kaufman. Con Jonathan Richman, Earth Quake y The Rubinoos, Kihn ayudó a forjar el sonido del sello (pop melódico con influencia de los años 60). En 1976, después de su debut en el recopilatorio Beserkley Chartbusters, grabó su primer álbum con su propio proyecto, The Greg Kihn Band, con Robbie Dunbar (guitarra), Steve Wright (bajo) y Larry Lynch (batería). Dunbar, que ya era miembro de Earth Quake, fue reemplazado por Dave Carpender para grabar su segundo álbum, “Greg Kihn Again”. Mientras tanto, su amigo Gary Phillips, que había contribuido con guitarras al primer álbum de Kihn, volvió como músico de sesión en el álbum “Glass House Rock” (1980) y se unió oficialmente a la banda como teclista para el siguiente trabajo, “Rockihnroll” (1981). La formación de Kihn, Wright, Lynch, Phillips y Carpender duró hasta 1983, cuando Greg Douglass reemplazó a Dave Carpender. 

En los setenta Kihn lanzó un álbum cada año y se ganó un gran número de seguidores gracias a sus constantes giras, convirtiéndose en el artista más vendido de Beserkley. En 1981, consiguió su primer éxito en la lista Billboard Hot 100 con el sencillo «The Breakup Song (They Don’t Write ‘Em)», del álbum “Rockihnroll”. Siguió en una línea más comercial durante la década de los ochenta con una serie de álbumes como “Kihntinued” (1982), “Kihnspiracy” (1983), “Kihntageous” (1984) y “Citizen Kihn” (1985). 

Kihn consiguió su mayor éxito con «Jeopardy» (1983), que alcanzó el número 2 en la lista Billboard Hot 100, del álbum “Kihnspiracy”. Ese año, el innovador vídeo de «Jeopardy» se convirtió en un favorito de MTV. «Jeopardy» fue parodiado por «Weird Al» Yankovic como «I Lost on Jeopardy». Kihn autorizó a Yankovic a hacer la parodia con la condición de que pudiera participar. 

Durante la mayor parte de la década de los ochenta, Kihn realizó giras constantemente. En 1985, rompió con Beserkley Records y firmó con EMI. Matthew Kaufman continuó produciendo los álbumes de Kihn. Salieron discos como «Lucky» (1985). En 1986, Joe Satriani reemplazó a Greg Douglass a la guitarra principal, Tyler Eng reemplazó a Larry Lynch en la batería y Gary Phillips se fue, entrando Pat Mosca a los teclados. Esa es la formación que grabó el álbum “Love and Rock & Roll” (1986). 

Desde 1996 hasta 2012, Kihn fue disc jockey en KUFX, una estación de radio de rock clásico del Área de la Bahía. También comenzó una carrera literaria en 1996 con el lanzamiento de su primera novela, “Horror Show”, publicada por Tor/Forge Books. Le siguieron “Shade of Pale! (1997), “Big Rock Beat” (1998) y “Mojo Hand” (1999). Publicó muchos cuentos durante este período, algunos de los cuales aparecen en la serie Hot Blood de ficción de terror erótico. Kihn fue además editor de Carved in Rock, una recopilación de cuentos de músicos como Pete Townshend, Joan Jett, Ray Davies y Kinky Friedman. La Greg Kihn Band siguió tocando con una formación que incluiría al hijo de Kihn, Ry Kihn, en la guitarra principal, Dave Danza (de Eddie Money) en la batería, Dave Medd (de The Tubes) en los teclados y Robert Berry (de Hush) en el bajo.  Kihn fue incluido en el Salón de la Fama de San Jose Rocks en 2007. El último álbum de Kihn, “ReKihndled”, fue lanzado en 2017. Continuó actuando en vivo hasta diciembre de 2019. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Jeopardy.