Colin Edwin

Colin Edwin nació en Melbourne, Australia, el 2 de julio de 1970. Bajista. 

El sitio www.scienceofnoise.net publicó esta entrevista realizada por Jordi Tàrrega.   

Entrevista a Colin Edwin, bajista de O.R.k. y ex Porcupine Tree: ‘Definieron nuestra música como «caos controlado»: un viaje espontáneo impredecible’ 

27 abril, 2023 Jordi Tàrrega  

Andaba despistado yo sin saber que el bueno de Colin Edwin, el eterno bajista de Porcupine Tree estaba detrás del proyecto O.R.k. Si las cosas fueran cabales y lógicas Edwin, inglés de pura cepa, y todo educación, andaría con Steven Wilson en los remozados Porcupine Tree. Pero no han marchado así las cosas y Colin ha quedado fuera de una formación que ahora es cabeza de cartel en festivales veraniegos. Nuestro bajista supo que no estaba en el grupo por Email. 

Afortunadamente para nosotros Colin es un culo de mal asiento y sigue trabajando a destajo. O.R.k. están girando por Europa junto a LizZard y tiene varios proyectos en marcha. Le encanta tocar con otra gente y conocer sitios y personajes. Nos declara que Marruecos y su música son una de sus debilidades y también nos habla de los primeros y humildes pasos con P.T. 

En nada tenemos a Colin tocando en Madrid y Barcelona junto a ese maravilloso batería de King Crimson. Una formación impresionante de rock progresivo diferente a todo que responden al nombre de O.R.k. Por cierto, el bajista no nos quiere dar pista alguna de lo que significa el nombre de la banda… 

Hola, Colin, soy Jordi Tàrrega de Barcelona. En primer lugar, gracias por su tiempo. ¿Dónde estás ahora? ¿Va todo bien? 

Sí, ando aquí camino de París buscando algo de WiFi para esta entrevista (risas). Volaremos esta noche hacia la capital francesa. 

El principal motivo de esta entrevista es promocionar tus próximos shows en Madrid y Barcelona. Entonces… ¿Cómo va la gira? 

Te voy a ser completamente honesto: está siendo todo un desafío. Después del Covid se respira una nueva atmósfera y hemos hecho unos cuantos shows realmente buenos. La banda está tocando a un nivel fantástico, estamos disfrutando mucho y hay muchas ganas de volver a España. Te puedo decir que estamos “on fire”, que disfrutamos sobre el escenario y que las audiencias que tenemos son geniales. Hemos estado recientemente en el festival Prognoise en Holanda y a lo largo de la gira hay muy buena respuesta a nuestro material más nuevo, la gente está muy receptiva hacia Screamnasium. Estamos encantados de poder tocar en directo pues estos últimos años ha sido todo muy frustrante. Ahora estamos exultantes de poder subirnos a escena. 

¿Qué podemos esperar de su espectáculo? ¿Cómo es un concierto de O.R.k.? Imagino que la música y la técnica están en la primera línea… 

Bueno… yo no lo consideraría como una música esencialmente técnica. Lo veo música con algunos elementos que sí podrían ser considerados como técnicos y difíciles, pero no lo son todo para nosotros. Todo se resume más a la energía que desarrollamos con la química especial que hay entre los cuatro músicos. Personalmente lo veo como una energía única y es música que sale del corazón. Es música muy atractiva. 

Hubo una persona que nos describió el otro día y hablaba de “caos controlado” y esa definición me encantó, me encantó porque hace referencia a la espontaneidad y también se refiere a que es un viaje impredecible del que no sabes dónde vas a acabar. Es realmente excitante tocar en directo sin tener que regurgitar una y otra vez el mismo set y las mismas canciones de forma mecánica. En nuestra música hay espacio para la improvisación y es una de las mejores formaciones en directo con las que he tocado en toda mi vida. 

Tenía una pregunta preparada para intentar definir vuestra música, porque de veras que es difícil hacerlo, y lo de “caos controlado” me parece muy acertado… 

 Sí, ¡me encanta! Y también implica que todo nos empuja hacia nuestros límites, pero sin llegar a ellos, que todo se controla entre todos. Es divertido y disfrutable lo de tener este tipo de explosiones de espontaneidad. Es creativo y apunta a que las todo es posible con esa clase de energía y fricción. Es algo muy interesante y atractivo de conseguir como músico y espero que lo podamos transmitir a nuestro público. 

Es que es realmente complicado buscar un grupo que se parezca a O.R.k…. A ver, hay unas influencias claras que están allí, pero a día de hoy nadie suena como vosotros. Es algo que me parece un reto y creo que es fantástico. 

Me encanta que me digas esto ya que nosotros no queremos sonar a nada conocido (risas). Obviamente sí vas a poder notar muchos elementos de nuestras bandas previas. Yo, Carmelo, Pat y LEF hemos tocado todos en otros grupos y hay muchas cosas que nos son familiares. Pero tiramos para adelante, somos directos. Lo que hemos creado juntos tiene partes que te sonarán a nuestro background anterior, pero de verdad que aquí hay algo muy propio. Por cierto, tengo que corregirte de la pronunciación del grupo: sería “Ou-Ar-Key”. Es que se pronuncia así y no te puedo dar ni una pista de lo que significa… (risas). 

¿No me lo puedes decir? 

No, está abierto a todo tipo de interpretaciones… no puedo respondértelo. 

He visto vuestros vídeos en directo en Karlsruhe y parece que usáis un theremin o algo similar. ¿Es así? 

Vaya… has visto vídeos un poco antiguos. En esos tiempos LEF tocaba los teclados, pero ya no lo ha vuelto a hacer. Ahora toca la guitarra. De alguna manera digamos que en esta gira todo suena más netamente a rock, es todo mucho más directo, está todo más orientado hacia la guitarra. LEF toca la acústica y canta, y eso hace que nos sintamos más cómodos todos. 

¿Cuáles son las temáticas principales en vuestras letras? 

Bueno… el disco Screamnasium no es un disco conceptual en sí mismo, pero en lo musical hay algo que se hilvana, algo que tiene contenido y que es heredero de los tiempos de pandemia. Cortes como “Don’t Call Me a Joke” para mí tienen mucho significado pues profundiza mucho en lo que es la empatía. Trata también de expresar el sentimiento general de amor hacia la humanidad. 

Y no sé cómo lo expresáis en España, pero en el Reino Unido, la palabra “ordinario” queda como algo peyorativo, y hay luego esa gente que es vista como de los estratos sociales más bajos de la sociedad, pero que durante ese tiempo terminaron siendo los más importantes de la misma. Gente “ordinara” como basureros, enfermeras, los trabajadores del supermercado… Todos ellos pusieron en riesgo su vida para que pudiésemos seguir siendo alimentados. Podemos incluir a los conductores de camiones. 

Un poco el mensaje es que todos estuvimos juntos en eso, y también espero que la gente no lo olvide. Tuvimos un sentimiento especial hacia esa parte de la población y fue todo muy generalizado. El mensaje de la letra va por estos derroteros, un mensaje de inclusión. Queríamos expresarlo así. Es una canción que al escucharla te hace sentir bien. Cuando estábamos trabajando en el disco nos dimos cuenta de que queríamos expresar unas emociones muy positivas, y eso nos vino debido al confinamiento. 

Vemos el disco Screamnasium como estar en algún sitio concreto en el que vas y expresas todas tus emociones reprimidas. Era algo muy claro para los cuatro que formamos O.R.k. Y quisimos sacar este disco partiendo de las premisas emocionales. Y te diré que la canción “Song for the Ordinary” es mi favorita del disco. En el fondo es un mensaje de esperanza para la gente. Puedes ser “ordinario”, no importa, todo se basa en el trato que tienes hacia la gente, eso es lo realmente importante. 

Me has dicho cuáles son tus canciones favoritas del disco, pero yo te digo que mi canción favorita de O.R.k es “Kneel to Nothing”. ¿Significa algo especial para la banda este tema? 

“Kneel to Nothing”, ¡sí! Me gusta mucho. Pertenece al disco Ramagehead, por lo que tiene una actitud diferente de lo que hacemos ahora. Te diría que en esos días nuestro material iba hacia unos derroteros más tecnológicos. Y es que es imposible que las influencias de tu día a día no terminen influenciándote en la música que compones. Actualmente uno se siente vigilado constantemente y se invade tu privacidad por todo tipo de dispositivos electrónicos. 

Las grandes corporaciones tecnológicas son las que dominan y parece que el poder se inclina ante ellas. De eso trata “Kneel to Nothing”. Lo más interesante de todo es que vi el vídeo el otro día después de años sin verlo y pensé: “Wawwww, es realmente oscuro”. Es otro tipo de atmósfera completamente diferente a lo que hacemos en el último disco, pero también es genial poder tocarla en directo. Encaja perfectamente bien junto a las otras y es uno de nuestros momentos favoritos a la hora de tocar. 

Tengo que decir que es un verdadero reto lo de seguirte, porque estás en muchos proyectos como Obake, Jon Durant, SDang!, Gaudi… Pero ahora mismo parece que estás centrando todos tus esfuerzos en O.R.k., ¿o tienes muchos proyectos en marcha? 

Sí, es que siempre estoy haciendo cosas… Me gusta trabajar con gente diferente, me gusta ir a sitios los que nunca habría ido… Como bajista siempre formas parte de un proyecto, te juntas con otros músicos y la verdad es que no me he centrado nunca en realizar material propio. Actualmente me he puesto a reavivar un viejo proyecto como es Endless Tapes con mi viejo amigo Alessandro Pedretti y sacamos un disco después de la edición de Screamnasium. Realmente fue sólo un EP. 

Por otro lado, voy a seguir haciendo cosas con Gaudi, y con ellos haremos festivales de verano, que siempre son muy divertidos de hacer. Y bueno… luego tocara empezar a pensar en sacar otro nuevo disco de O.R.k.. Estoy seguro de que en los largos viajes en autocar ese tema va a salir y se hablará (risas). Nos encantaría sacar un disco en directo hasta el punto de que estamos grabando muchos conciertos de esta gira. Hay mucho material grabado, y el directo es algo que al fan le gusta. Es más, yo creo que el disco Screamnasium anda cercano a captar toda esa energía de directo, pero no es un disco en vivo. Poder sacar un álbum en directo sería maravilloso. 

He leído que te encanta la música marroquí. ¿Es eso cierto? 

Sí, lo es, me gusta mucho. Y me gusta lo de acercarla a lo que hacemos nosotros. Marruecos es un país muy musical con una rica cultura. Yo estoy feliz de haber podido estar varias veces e incluso de poder estar un mes entero allí, de poder viajar por todo el país y me enamoré de la música gnawa la cual es fascinante. A muchos de los llamados occidentales nos puede recordar hasta cierto punto al blues. Esa música posee una atmósfera blues muy accesible, pero a la vez es muy terrenal, funky, trance y especialmente: muy espiritual. Y me encanta el sonido del guinbri, que es el que hace de bajo en el estilo. Es una pasión que tengo… 

Yo de joven visité Marrakesh y la verdad es que me impresionó mucho la música de la gente… 

Allí he tenido experiencias muy locas. Los marroquíes son muy abiertos y amistosos y en alguna ocasión terminamos en casa de uno de ellos tocando los bongos (risas). “¿Eres músico? Pues ven a tocar a mi casa que tengo unos bongos y haremos percusión”. Allí la música está en todas partes, hay gente tocando los bongos en la calle, músicos callejeros a los que puedes ver en las ciudades… Algunas veces te piden dinero, pero sí, es un sitio genial e intentaré volver allí y visitar rincones que no haya visitado todavía. 

Cuando en tu infancia conociste a un joven Steven Wilson… ¿Te imaginabas que años más tarde tendríais una increíble carrera musical juntos siendo músicos profesionales? 

La verdad es que yo era un músico profesional antes de que empezásemos Porcupine Tree a rodar. Estaba tocando con varias bandas y tenía trabajo como músico. Bandas que no llegaron a nada, pero casi que podría considerarme como un músico de sesión, y me daba para ir tirando y vivir como podía. Era bajista y tocaba en muchas bandas por los alrededores de Londres. He trabajado como músico gran parte de mi vida adulta y cuando empezamos con Porcupine Tree digamos que no fue un éxito inmediato, fue un camino largo hasta conseguir cierta repercusión. 

Los primeros conciertos como grupo fueron interesantes porque la gente venía a vernos. Había gente que nos conocía y eso nos hizo pensar en que había un futuro. El siguiente paso implicó años, años y más años de ir tocando en todas partes para audiencias muy reducidas. No fue para nada lo de entrar en un grupo consagrado. Hubo muchísimo trabajo. Y bueno… contestando a tu pregunta, digamos que Porcupine Tree era una banda muy interesante, y estoy muy sorprendido por el hecho de que me sigáis preguntando por ello tras 25 años de trayectoria (risas). 

¿A qué edad empezaste a tocar el bajo? 

Hacia los 15 años. Empecé a tocar en bandas de instituto y conocí a Steven porque nuestra escuela era una pequeña comunidad. Un poco hubo atracción por parte de los dos y eso se suele dar cuando coinciden dos personas que tocan un instrumento. Si no terminas siendo amigo sabes que será una persona que terminará rondando tu círculo de amistades. Conocí a Steven Wilson en la escuela, pero no sería hasta años después, ya con la escuela terminada, que buscaríamos gente para tocar en directo. 

Él me lo dijo a sabiendas de que ya sabía el estilo de música que más me gustaba. En esos días no conocía a Richard Barbieri y a Chris Maitland. Luego nos juntamos para tocar… y eso sería ya en 1993. Aprovechamos mucho esa semana y luego ese mismo año empezamos a tener una sesión en una radio, dos o tres conciertos… Ensayábamos las canciones y las tocábamos en directo. Había una química entre nosotros que resultaba obvia al escucharnos y vernos, y eso se palpaba cada vez que tocábamos en directo. 

Sonábamos mejor en directo pues en el estudio era Steven quien se encargaba de casi todo. Tenía un estudio en su habitación y pasaba muchos ratos allí con esa caja de ritmos. Definitivamente éramos mejores cuando nos veían en directo. Pero no había garantías de que lo que estábamos haciendo le fuese a gustar a alguien o de que el grupo pudiera ir a más. El resultado fue la resultante de trabajar muy duro. 

Tengo que escribir sobre el disco Up the Downstair porque en junio va a cumplir 30 años. ¿Qué me podrías decir sobre ese álbum? 

Mi trabajo en ese disco se limitó a una canción titulada “Always Never”. Ya había grabado en un disco anterior y ya habíamos hecho algunos conciertos. Así que creo que así quedaría la cronología de lo que sucedió: Steve hizo el primer disco On the Sunday of Life… Allí había material grabado en diferentes casetes que él había ido haciendo. En eso nos basamos en esos primeros años y el disco Up the Downstair era un disco en el que ya estaba trabajando en ese momento. Juraría que Richard Barbieri tocó en un tema del álbum, yo en otro tema y luego se editó el disco justo antes de que empezásemos a tocar en directo, pero quizá ande equivocado. 

Estuvimos tocando una larga temporada y luego sacamos el disco The Sky Moves Sideways y en este sí que todos empezamos a involucrarnos mucho más. Richard también tocó en el disco, Chris en varios temas a pesar de que seguía habiendo baterías sampleadas. Y es un disco que muestra bastante lo que era el grupo en directo, o si más no… se va acercando. Es mucho más representativo de lo que hacíamos antes. En fin, digamos que Up the Downstair fue un disco muy interesante, aunque reconozco que no lo he escuchado desde hace mucho tiempo. 

Siempre me gustó tocar el tema que da título al disco pues es muy rockera y así la mostrábamos en os directos de la época. Recuerdo tocar “Burning Sky” una vez en directo y fue una pasada… ¿Qué más había de material en ese disco? Digamos que había muchas canciones que nunca las tocamos en directo. Nunca llegamos a tocar “Synesthesia” por ejemplo, y es una lástima, pues era un muy buen tema. Yo te diría que es un disco irregular, no es de los mejores, pero me gusta que la gente siga interesada en él. Es bueno que la música conecte a la gente después de tantos años. Eso siempre es bueno. 

¿Podemos decir que In-Absentia cambió muchas cosas para mejor? 

De In-Absentia podemos decir que fue un despegue total, principalmente porque había una multinacional allí respaldándolo. Por primera vez en nuestra carrera disponíamos de un presupuesto adecuado, un buen estudio y un buen ingeniero. De verdad que a nivel de sonido estaba muy por encima de todo lo que habíamos grabado antes. Salimos ganando y no podemos comparar Atlantic Records / Lava Records con los otros pequeños sellos con los que editamos anteriormente. Allí había dinero para promoción y nos apoyaron financieramente para ir a Norte América. 

Pudimos acceder a muchas cosas que antes habían sido impensables para nosotros. Era un mundo totalmente diferente al que estábamos acostumbrados. La distribución, los detalles, la promoción… Tenían más herramientas que los sellos independientes. Vimos un mundo nuevo y ahora hay otro diferente pues la industria musical ha cambiado mucho respecto a esos años. También podemos añadir que In-Absentia salió justo antes del uso masivo de Internet. Y eso lo cambió todo. Actualmente ya no hay esos presupuestos gigantes ni esos tratos favorables con las multinacionales, o si más no, nunca para un grupo que promete. Fue algo realmente grande para Porcupine Tree. Fue subir a otro nivel. 

Bien… apuesto a que estarás harto de responder a esta pregunta, pero me toca hacerla. En la reciente reunificación de Porcupine Tree no estás en el line-up y se te echa de menos… ¿Por qué no estás allí? 

La verdad es que no lo sé… No me ha llegado una explicación sobre ello. Es que ni siquiera hemos llegado a hablarlo. Sólo he recibido un Email diciendo que ellos iban a grabar un disco. Se me presentó como una cosa ya hecha. Steven nunca tuvo la valentía de llamarme así que, hasta donde yo sé, es algo que está finiquitado y es pasado. 

La verdad es que es triste pues… ¿Cuál es el primer disco que compraste con tu propio dinero? 

(Risas) Vale, es una pregunta muy fácil de contestar… Cuando yo tenía 11 o 12 años me compré un disco de Madness. Es que todos los chavales de mi edad les adorábamos y el disco era The Rise and Fall. Allí en Inglaterra eran una banda masiva, eran muy queridos por todos y eran un grupo muy divertido, y el disco The Rise and Fall es un álbum muy interesante, de hecho, lo volví a escuchar no hace mucho. Hay allí unas canciones realmente fascinantes. Es que no es el típico disco de Madness. Es un disco comprometido y que me sigue encantando. 

A mí es que lo que más me alucina de Madness es que más allá de esos discos geniales de los 70 y de los 80, en la actualidad, siguen sacando unos discos formidables como The Liberty of Norton Folgate (2009). 

Pero no sólo Madness, también muchas bandas de esa era. A mí por ejemplo me encantan The Beat, siguen teniendo muchísima energía. Hay muchas bandas de esa época que fueron masivas en cuanto a éxito. Yo tenía 11 o 12 años y empezaba a meterme en la música, y esas bandas estaban en todas partes. También destacaría a The Specials aunque desgraciadamente Terry Hall murió hace poco. Toda esa música es parte de mi ADN, pero… es que todavía me recuerdo a mí mismo yendo a comprar el disco de Madness. Lo compré en formato casete y me encantó. 

Pues nada, Colin, un placer charlar contigo. Nos vemos el sábado en Barcelona. 

Muchas gracias, por favor, ven a decirme hola en Barcelona y seguimos hablando. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Collapsing Hopes.  

Fred Schneider

Frederick William Schneider III, más conocido como Fred Schneider, nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 1 de julio de 1951. Cantante, guitarrista y tecladista. 

El sitio www.en.wikipedia.org publicó su biografía. 

Frederick William Schneider III (nacido el 1 de julio de 1951) es un cantautor estadounidense y líder de la banda de rock The B-52s, de la cual es miembro fundador. Schneider es conocido por su sprechgesang, que desarrolló recitando poesía acompañado de guitarras.  

Primeros años de vida 

Frederick William Schneider III nació el 1 de julio de 1951 en Newark, Nueva Jersey, y vivió en Long Branch, Nueva Jersey, después de mudarse allí desde Belleville, Nueva Jersey. Ha dicho que sus influencias musicales incluían "canciones de Halloween y canciones navideñas extravagantes", junto con Motown. Después de graduarse de Shore Regional High School, asistió a la Universidad de Georgia, donde escribió un libro de poesía para un proyecto de clase. Después de la universidad, fue conserje y conductor de Meals on Wheels. Cuando se formaron los B-52s, tenía muy poca experiencia musical.  

A principios de la década de 1970, Schneider trabajó en Ort's Oldies, una tienda de discos en Athens, Georgia, dirigida por William "Ort" Carlton. 

Los B-52 

Schneider con los B-52 

Los B-52s comenzaron su andadura en 1976 cuando sus fundadores, Cindy Wilson, Ricky Wilson, Kate Pierson, Keith Strickland y Schneider, improvisaron una canción tras beber en un restaurante chino en Athens, Georgia. La banda dio su primer concierto oficial en 1977 en una fiesta de San Valentín para sus amigos.  

El primer sencillo de la banda fue "Rock Lobster", grabado por DB Records en 1978. Fue un éxito underground, y vendió más de 20.000 copias en total. En 1979, los B-52 firmaron un contrato discográfico con Warner Bros. Records para Sudamérica, Norteamérica, Australia y Nueva Zelanda. También firmaron con Island Records para Europa y Asia. Tras la muerte de Ricky Wilson en 1985, la banda se tomó un descanso. Se reunieron en 1989 y alcanzaron el éxito comercial. 

Otros proyectos musicales 

Schneider ha publicado dos álbumes en solitario: Fred Schneider and the Shake Society (1984, reeditado en 1991 como Fred Schneider) y Just Fred (1996), del primero de los cuales surgió el sencillo y el vídeo "Monster", en el que participó Pierson en los coros. También trabajó en un proyecto paralelo llamado The Superions , que publicó un EP homónimo y el álbum Destination... Christmas! en 2010. En febrero de 2011, la banda anunció que estaba trabajando en un álbum de larga duración, que finalmente se publicó en 2017 con el título The Vertical Mind. 

Radio 

Hasta finales de 2008, Schneider presentó un programa llamado Party Out of Bounds que se emitía los viernes por la noche, de 9 p. m. a 12 a. m. (ET), en Sirius 33 First Wave. En el programa, Schneider ponía una mezcla de música dance de la era new wave, remezclas y rarezas, intercaladas con anécdotas y humor. 

Vida personal 

En julio de 2012, Schneider vivía en Long Island, Nueva York.  

En la emisión del 22 de febrero de 2010 de The Howard Stern Show, Schneider habló sobre su experiencia al confesarle a su madre que era gay. Schneider contó que su madre siempre supo más de él que él mismo, y que salió del armario mientras ella aspiraba. Su madre respondió: "Ah, ya lo sé, Freddie", y continuó aspirando. La reacción de Schneider fue: "Bueno, está bien. Supongo que volveré afuera a fumar un poco de marihuana".  

Schneider es vegetariana de toda la vida y en 2014 apareció en una campaña publicitaria de PETA que desaconsejaba el consumo de langosta.  

En mayo de 2023, Schneider recibió un doctorado honoris causa del Five Towns College en Dix Hills, Nueva York, por sus contribuciones a la industria musical.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Who Threw That Ham At Me. Fred Schneider & the Superions. 

Hal Lindes

Harold Andrew Lindes, más conocido como Hal Lindes, nació en Monterey, California, Estados Unidos, el 30 de junio de 1953. Cantante, compositor y guitarrista. 

El sitio www.headlinerhub.com publicó esta entrevista. 

Hal Lindes sobre Dire Straits: "Me conquistaron con Sultans Of Swing". 

Hal Lindes es probablemente más conocido por su trabajo como miembro de Dire Straits, banda a la que perteneció desde 1980 hasta 1985. Sin embargo, tras dejar el grupo, forjó una exitosa carrera como compositor de bandas sonoras para cine y televisión. En esta entrevista, reflexiona sobre sus primeras impresiones de Dire Straits, explica cómo Tina Turner terminó grabando «Private Dancer» y nos habla de su colección de guitarras y amplificadores. 

Fuiste miembro de tiempo completo de Dire Straits durante cinco años en los años 80; ¿cómo llegaste a unirte a la banda? 

Cuando David [Knopfler] dejó la banda, me llamaron para preguntarme si me interesaba ir a tocar con ellos. Dije: "¡Claro que sí!", porque Mark [Knopfler] estaba en su mejor momento. Como guitarrista, quería verlos y comprobar de primera mano por qué eran tan populares. Me alegró mucho que me invitaran, aunque no sabía muy bien qué esperar.  

El ambiente era súper relajado y no había nadie más que la banda; no estaban haciendo audiciones a mucha gente. Creo que solo vieron a una persona antes que a mí. Era un lugar antiguo y con mucho encanto, con una ventana enorme con vistas al Támesis; había una atmósfera genial.  

Uno a uno, cada uno de los miembros se acercó y se presentó, y charlamos un rato, así que fue más bien un encuentro social que un simple "coge tu guitarra y toca". Enseguida me di cuenta de lo bien que me caían. Todos son muy interesantes y nos llevamos de maravilla. En un momento dado, Mark dijo: "¿Te apetece tocar un rato?". 

¿Qué sucedió después? 

Me dio un Walkman, que era algo muy importante en aquel entonces. Nunca había visto uno. Había leído sobre él, así que que me dieran un Walkman fue todo un acontecimiento. Me dijo: «Escucha esto, y no te preocupes por los cambios, simplemente capta la esencia». Por supuesto, la canción era «Tunnel Of Love», ¡y esos cambios no son para los débiles de corazón! Así que estaba escuchando aquello y pensé: «¡Madre mía!». Y esa fue la primera canción que tocamos, «Tunnel Of Love». Fue simplemente increíble; fue explosivo.  

Había química y nos compenetramos a la perfección. Creo que todos sabíamos que esto era lo nuestro. Luego tocamos un par de canciones más. Era verano, alrededor de agosto, así que todavía había noches muy largas y se podía ver la puesta de sol sobre el Támesis a través de esa gran ventana. El sol empezaba a ponerse, era una gran bola roja de fuego y tocamos Sultans Of Swing.  

Ese fue probablemente uno de los momentos más mágicos que viví con la banda. Me conquistaron con "Sultans". Después, Mark me preguntó: "¿Quieres tomar una copa de vino?". Así que fuimos a un bar de vinos y estuvimos charlando, y al final me dijo: "¿Quieres volver mañana?". Y yo le dije: "Vale".  

Al mismo tiempo que yo hacía la audición, un teclista llamado Alan Clark también estaba audicionando. Empezamos la gira en Canadá y luego fuimos a Estados Unidos. En un momento dado, mientras desayunábamos con Alan, le dije: «Nunca me pidieron oficialmente que me uniera a la banda», y él me respondió: «Sí, es curioso que digas eso, porque a mí tampoco». Lo único que Alan y yo recibimos fue: «¿Quieren volver mañana?». 

Así que fuimos a ver a Ed Bicknell y le preguntamos: "¿Conseguimos el trabajo o qué?". Él se rió y dijo: "¡Por supuesto que están en la banda!". Pero eso demuestra lo informal que fue todo. 

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Ese fue probablemente uno de los momentos más mágicos que viví con la banda; me conquistaron desde el primer momento con "Sultans Of Swing". 

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Mark Knopfler compuso «Private Dancer», que fue grabada por Tina Turner. ¿Cómo surgió tu participación en esta canción y cómo se convirtió en una canción de Tina Turner? 

Ensayábamos en el mismo sitio junto al río y Mark tenía unas veinte canciones, todas geniales. La idea original era que Love Over Gold fuera un álbum doble, y Private Dancer era una de ellas. Era muy diferente a Dire Straits, pero me encantó la letra sobre ser bailarina privada y contarla desde la perspectiva femenina.  

En muchas de sus canciones, Mark adopta un personaje y lo hace bien, pero creo que fue un poco excesivo intentar imitar el personaje de una bailarina. Hice mucha campaña con Mark; no paraba de decirle: "¡Vamos, tenemos que hacerlo!". Pero, por desgracia, no se concretó. Se grabó, pero quedó archivada. Luego, el mánager de Tina estaba buscando compositores para el álbum de Tina y se reunió con Ed y le preguntó si Mark tenía algo.  

Él me dijo: "En realidad, Mark tiene una canción que sería perfecta para ella", y así fue como terminé participando en la versión de Tina. A ella le encantó nuestra versión, pero no pudieron usarla porque se grabó bajo nuestro contrato con la discográfica, así que la discográfica era la propietaria.  

Ella quería que lo recreáramos exactamente como lo habíamos grabado, pero el problema era que Mark no estaba disponible, así que al final tuvimos que usar al resto de la banda sin Mark.  

Como eran estadounidenses, querían un guitarrista estrella, así que contrataron a Jeff Beck para el solo. Yo le di un toque más bailable; es como si estuviera haciendo mi propia versión de un ritmo de Nile Rodgers. La versión de Mark era increíble. Nunca la publicaría, pero ojalá lo hiciera. Creo que incluso hoy en día, se saldría con la suya sin problemas. 

Parece probable que tengas una envidiable colección de guitarras… 

¡Tengo un problema! Necesito terapia [ríe]. Intento esconderlas como un alcohólico que esconde sus botellas de alcohol. Mi esposa no tiene ni idea, pero de vez en cuando me dice: "¿Sabías que hay tres estuches de guitarra debajo de la cama?". Y yo le digo: "¿Ah, sí? ¡Guau! ¿Cómo es posible?". 

Creo que la broma es algo así como: "Solo me falta una guitarra". Pienso que va más allá de una simple guitarra; te transporta a tu juventud. Tengo una Gretsch Duo Jet roja que conseguí cuando estaba en Dire Straits y que solía usar en el escenario.  

Esa guitarra, hasta el día de hoy, es mi favorita. Es fenomenal. No suena exactamente como una Gretsch, ni como ninguna otra. Tiene un tono único y muy musical. De hecho, Mark la tocó en la grabación de Two Young Lovers y Twisting By The Pool. También soy un gran fan de la Telecaster; no sé qué tiene, es tan sencilla. Solo tiene un par de perillas y un par de pastillas; si no puedes hacerlo con una Telecaster, probablemente no podrás hacerlo con ninguna otra.  

Me encantan las cosas raras, como las guitarras barítono y las guitarras de cuerdas agudas, que básicamente son las seis cuerdas superiores de una guitarra de 12 cuerdas sin las seis inferiores; así que tocas una octava más arriba de lo normal. También me encantan los ukeleles y la mandolina. 

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Solo quiero escuchar el sonido que tengo en la cabeza, y por alguna razón, los altavoces Celestion lo consiguen. 

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¿Cuál es el primer momento de tu carrera en el que recuerdas haber tocado con un altavoz Celestion? 

En mi adolescencia tocaba en una banda de club y actuábamos seis noches a la semana. Me compré un amplificador Marshall, y ni me imagino cómo lo usaba en una discoteca. ¡Debía de ser altísimo! ¡Me sorprende poder oírte! Pero me encantaban los altavoces. Recuerdo que había cuatro, y en aquella época, con pantalones acampanados, intentábamos que vibraran con la presión del viento que salía de los altavoces.  

Sonaban fenomenal al subir el volumen al máximo, pero también, al bajarlo, se obtenía un sonido nítido, musical y cálido. Quité la tapa trasera y vi unas cosas verdes que no tenía ni idea de qué eran. Eran altavoces Celestion [G12H] verdes. 

Más tarde conseguí un Vox AC-30, que, cuando dejé de usar el Marshall, se convirtió en mi amplificador favorito. Usaba altavoces Vox Bulldog azules, y no tenía ni idea de que eran Celestion, pero años después descubrí que, efectivamente, también lo eran.  

Esos eran mis dos altavoces favoritos, los Greenbacks y los Bulldogs, y descubrí que, si los ponías en un amplificador Fender, el resultado era espectacular. Uno de mis amplificadores favoritos es un Fender Super Champ, que salió en los años 80.  

Tengo un Celestion G10 Greenback instalado y es fenomenal. Es uno de los mejores amplificadores que he escuchado, y lo uso casi siempre. Tengo un armario lleno de amplificadores, pero ese es el que más utilizo. También tengo un Fender Deluxe Reverb con un Greenback, que suena de maravilla. 

¿Qué es lo que te atrae del sonido de Celestion ? 

No quiero oírlo; no quiero oír ningún matiz. Solo quiero oír el sonido que tengo en la cabeza, y por alguna razón, los Celestion lo consiguen. No es como si dijeran: «Sí, tiene unos medios atenuados y unos graves potentes». Simplemente conecto la guitarra y digo: «Sí, suena genial», y ya está. No lo analizo.  

Si pones otros altavoces, piensas: "Sí, está bien, no hay problema". Pero hay algo en los Celestion que simplemente me funciona. No lo cuestiono. Mucha gente suele pensar que los Celestion son para tocar a todo volumen, porque buscan ese sonido crudo y distorsionado, pero yo toco con un sonido bastante limpio.  

Toco mucho con los dedos y el sonido es excelente y nítido. Los tonos nítidos pueden ser complicados porque no quieres que suenen delgados ni estridentes. Buscas un sonido con cuerpo, rico, con mucha personalidad y calidez. Y eso es Celestion: no hay nada que se le acerque. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Sultans Of Swing.  

Shalom – Los ayunos en el judaísmo, El 17 de Tamuz

Shalom – Los ayunos en el judaísmo, El 17 de Tamuz  

Hoy en Shalom exploramos el significado de los ayunos en el judaísmo, su origen bíblico y talmúdico, quién los practica y cómo se viven hoy. De la mano del rabino Abraham Medina nos centramos en el ayuno del 17 de Tamuz, inicio de un periodo de reflexión. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/ayunos-judaismo-17-tamuz/17134714/

Chayanne

Elmer Figueroa Arce, más conocido como Chayanne, nació en Río Piedras, Puerto Rico, el 28 de junio de 1968. Cantante, compositor, guitarrista, bailarín y actor.   

El sitio www.prpop.org publicó su biografía firmada por Javier Santiago. 

Con más de 25 Discos de Oro, 30 de Platino, premios MTV Latino, Cemí, Paoli, Bravo, Antorcha de Plata; dos nominaciones al Grammy; actuaciones en tres largometrajes y en cinco telenovelas; más de 500 semanas en las listas de Billboard; y más de cinco millones de discos vendidos en el mundo; Chayanne es una de las figuras de mayor impacto en el pop contemporáneo. 

Sus comienzos en el arte se remontan a la década del 70. Al son de la poesía "Danza negra" del inmortal Luis Palés Matos, el entonces niño de nombre Elmer Figueroa Arce dio sus primeros pasos tras su futura vocación en la Escuela Manuel Cruz del Barrio Espino de San Lorenzo. 

Corría el año 1975, el grupo infantil español La Pandilla estaba en pleno apogeo y Elmer apenas cumplía siete años de edad. Pero lo que nadie sospechó fue que aquel inquieto niño, a quien su progenitora apodó Chayanne por la serie televisiva del mismo nombre, iba a estar destinado a convertirse en una de las grandes figuras del mundo artístico puertorriqueño. 

Chayanne nació en Río Piedras un 28 de junio de 1968. Hijo de la maestra escolar doña Irma Luz Arce y don Quintino Figueroa, gerente de ventas, su infancia transcurrió sanamente en el pueblo de San Lorenzo rodeado de sus hermanos Kenny, Clarita, Elliot y Noel. 

Fue junto a ellos que Chayanne entró en contacto directo con la música. Mientras su hermana tocaba la guitarra y otro de sus hermanos tocaba el acordeón en el coro de la iglesia, el niño tomó la pandereta y comenzó a acompañarlos en distintas actividades de la iglesia. 

Mas un día Chayanne acompañó a su hermana Clara a una audición profesional. Y cuál sería su sorpresa cuando fue él el escogido a formar parte de un proyecto musical llamado Los Chicos. 

En plena era dorada del reinado de Menudo, Los Chicos le brindaron a Chayanne el taller que necesitaba para descubrir su verdadera vocación por el arte. La experiencia le dio al artista exposición nacional e internacional. Con Los Chicos viajó a Centro y Suramérica. Y de igual forma grabó cinco producciones discográficas y participó en el largometraje "Conexión Caribe". 

Su experiencia con Los Chicos concluyó a finales de 1983. En ese periodo, Chayanne, que ya había conocido la fama en diversos países, comenzó a caminar nuevos rumbos como solista. De la mano de Gustavo Sánchez Mas, el carismático joven firmó contrato de exclusividad con el sello RCA/Ariola y comenzó a abrirse paso por méritos propios. 

Con el lanzamiento de su primer álbum como solista, el joven boricua comenzó su plan de conquista vía Centroamérica. Bajo el título de "Chayanne es mi nombre", su producción para Ariola irrumpió en las ondas en 1985 con el tema "Y qué culpa tengo yo". Con vídeos filmados en Costa Rica y México, su relación con la multinacional produjo dos años más tarde el álbum "Sangre latina". Pero, aunque Chayanne había trascendido en las ondas centroamericanas, su difusión en Puerto Rico aún no se había dado con fuerza. 

En 1987 Chayanne firmó contrato con la división de Nueva York de la multinacional Sony Discos (entonces CBS Internacional). Al son del tema "Fiesta en América", que eventualmente fue editado en una versión bailable del programador de música ("disc jockey") Pablo Flores, Chayanne comenzó a aumentar su popularidad. Canciones como "Para tenerte otra vez", "Violeta" y la balada "Peligro de amor", fueron éxitos de peso en el pentagrama internacional. De la misma manera, éste se convirtió en su primer álbum editado en portugués, mientras en el Festival de Viña del Mar ganó la Antorcha de Oro, otorgada por el público asistente. 

Un año más tarde, Chayanne se consolidó con su segunda producción para Sony, que incluía éxitos como "Fuiste un trozo de hielo en la escarcha", "Este ritmo se baila así", "Fantasías" y "Tu pirata soy yo". Este último sirvió de tema para la telenovela "Sombras del pasado", en la cual el propio artista compartió estelares con el primer actor puertorriqueño Daniel Lugo y con Alba Nydia Díaz. 

Chayanne, quien llamó la atención de los medios con su actuación en la telenovela, ya había probado suerte con anterioridad en el mundo del drama y la comedia. En México había actuado en el melodrama "Pobre juventud", mientras en Puerto Rico, en otras etapas, había laborado en la telenovela "Tormento", la comedia "Los nietos y los suegros" de Wapa Televisión y la aclamada miniserie "Las divorciadas". 

Fue durante 1988 que Chayanne se convirtió en figura exclusiva de la compañía Pepsi. De esta forma, la firma gaseosa estrenó su campaña publicitaria la noche de entrega de los Grammy, transmitiendo así el comercial de costa a costa en los Estados Unidos en versiones en español e inglés. 

Ese mismo año, Chayanne ganó el primer premio que la compañía MTV dedicó a un artista latino, por su vídeo "Este ritmo se baila así". Igualmente, esta producción, que se mantuvo durante 65 semanas en las listas de la popularidad, le ganó su primera nominación al Grammy en la categoría pop balada latina en 1989. 

Al asomarse el año 1990, Chayanne abrió la década con un clásico en su repertorio: "Tiempo de vals". Presentando un excelente vídeo del tema compuesto por Nacho Cano, la producción discográfica logró sobresalir con canciones como "Completamente enamorados", "Daría cualquier cosa", "Simon Sez", "Soleil, soleil" y "No pensar en ti". 

Un Chayanne más maduro y sensual apareció en 1991 con el álbum "Provócame". La producción se destacó en las ondas con los temas "El centro de mi corazón", "Todo el mundo necesita un beso", "Extasis" y la canción que dio título a la producción. Al margen de esta grabación, y de su repercusión en el pentagrama internacional, el cantante fue nombrado Embajador Especial de la Fundación Internacional de Inmigrantes ante las Naciones Unidas, en 1992. 

En Puerto Rico, "Provócame" dio paso a una exitosa presentación en el estadio municipal de San Juan, Hiram Bithorn, llenando a capacidad la función. El espectáculo, que cumplió una cargada agenda de 84 presentaciones a través de 17 países, contó con la coreografía de Jerry Evans. Previo a su actuación, en las calles del área metropolitana el pueblo le brindó un recibimiento por su destacada participación en el pentagrama internacional. 

Precisamente uno de los momentos más emocionantes de su carrera, lo vivió en noviembre de 1993 cuando, con su espectáculo musical, Chayanne clausuró los Juegos Centroamericanos que se celebraban en la ciudad de Ponce, al sur de Puerto Rico. 

Su empuje musical tuvo un alto en 1994 cuando grabó "Influencias"; producción que Chayanne quiso dedicar a todos aquellos cantantes que, de una forma u otra, habían marcado musicalmente su vida. Canciones como "La vida sigue igual" de Julio Iglesias, "Amada amante" de Roberto Carlos, "Querida" de Juan Gabriel, "Una muchacha y una guitarra" de Sandro y "Pedro Navaja" de Rubén Blades, formaron parte de un escogido musical que tuvo una tibia recepción en los medios. A este revés se sumó entonces su rompimiento con su hasta entonces manejador, Gustavo Sánchez Más. Y ante el proceso, la carrera de Chayanne tuvo un lapso de silencio en lo que el joven artista estructuraba toda su base de operaciones. 

En medio del proceso, Chayanne se convirtió en el primer cantante de su generación en aparecer en las páginas de la revista dedicada a la belleza masculina "Playgirl". Sin "destaparse" Chayanne ocupó la portada de la publicación mientras revistas como "People" reconocieron el talento del boricua en sus páginas. 

Sin embargo, el momento de mayor gloria en este periodo para el joven artista fue su aparición en el largometraje "Linda Sara". Compartiendo estelares con Dayanara Torres, Miss Universo 1993, Chayanne coronó su sueño de protagonizar un largometraje en su País. En la producción, el joven sanlorenceño fue dirigido por Jacobo Morales, cineasta puertorriqueño cuya película "Lo que le pasó a Santiago" fue nominada en 1990 al Oscar como Mejor Película Extranjera. 

"Linda Sara" tuvo una exitosa temporada en las carteleras de cine nacional. De la misma manera mereció el Premio a la Mejor Contribución Artística del Festival de Cine Latinoamericano de Trieste, Italia y el Premio del Público en el Festival de Cine de Mar del Plata en Argentina. Igualmente, la banda sonora de la producción incluyó su interpretación de la danza puertorriqueña "Linda Sara". 

En 1996 una nueva producción, "Volver a nacer", reubicó a Chayanne en primeros planos de la popularidad musical. Temas como "Sólo traigo mi ritmo", "Tal vez es amor", "Baila, baila", "Solamente tu amor" y el propio tema central de la grabación, fueron difundidos ampliamente en los medios. 

"Volver a nacer" dio paso a la contratación de Chayanne por parte de Televisa en México. Como artista exclusivo de la empresa televisiva, el ídolo boricua protagonizó la telenovela, de corte autobiográfico, que llevó el título de su producción musical. 

En plena reconquista del favor popular en el mundo hispano, Chayanne inició una nueva gira que lo cubrió de éxitos en toda Latinoamérica. De la misma manera, en su natal Puerto Rico regresó al estadio municipal Hiram Bithorn para arrancar aplausos de su fanaticada con su espectáculo. 

En medio del renacer de su carrera musical, Chayanne irrumpió con fuerza en el cine estadounidense en la producción "Dance with Me". Contando con Vanessa Williams como coestrella, el versátil artista cautivó a la crítica con su actuación y sus bailes. Y también formó parte de la banda sonora de la producción cantando con Williams el tema "You're My Home" ("Refugio de amor"), en versiones en inglés y español. 

Al acercarse a las postrimerías de la década, Chayanne reforzó su presencia en el pentagrama mundial con el lanzamiento de su séptima producción como solista, "Atado a tu amor". Con un despliegue de fuerza respetable, el pentagrama hispano recibió con beneplácito sus interpretaciones como "Dejaría todo", "Atado a tu amor", "Nadie como tú" y "Refugio de amor". Pero entre todas ellas ha sido "Salomé" el tema que le ha despuntado hacia los primeros lugares, llevándolo a conquistar, finalmente, el mercado español. 

En pleno plan de reconquista, "Atado a tu amor" le valió de una segunda nominación al Grammy en la categoría balada pop latina, en 1999. En dicho renglón compitió con figuras como José Feliciano y el ídolo boricua mundial, Ricky Martín, siendo este último acreedor de la presea por su producción "Vuelve". 

En el año 2000, su gira internacional le cosechó laureles en España, donde llenó numerosas plazas de toros con sus conciertos. Al cruce de los Pirineos, el cantante boricua debutó en suelo francés, marcando así su primera incursión en este país. Mientras en América, Chile le volvió a abrir las puertas consagrándolo una vez más en la cuna de su carrera internacional: el festival de Viña del Mar. 

Autor Javier Santiago 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Salomé.  

Asier Etxeandia

Asier Gómez Etxeandia nació en Bilbao, Vizcaya, España, el 27 de junio de 1975. Actor y cantante. 

El sitio www.fnac.es publicó esta biografía. 

Asier Etxeandia, un gran nombre de la televisión y el cine español del siglo XXI 

Asier Gómez Etxeandia (Bilbao, 1975) aunque inicialmente su sueño era ser cantante, se convirtió en un actor habitual de la pequeña pantalla que ha ido ganándose un nombre y un hueco en la gran pantalla. 

Realizó sus estudios de interpretación en Vizcaya y con 20 años se mudó a Madrid. Mientras seguía con sus estudios en la ciudad madrileña, trabajó como encargado en un sex shop hasta que en 1995 fue como concursante al programa presentado por Goyo González, Uno para todos. 

Debutaría en la primera temporada de Un paso Adelante dando vida a Beni, un joven homosexual que quiere convertirse en actor. Aunque solo estuvo una temporada, dejó la serie por temor a encasillarse, creo una gran amistad con Natalia Millán, quien llegado el momento, pensó en él para participar en el musical de Cabaret como Maestro de Ceremonias. 

Ha participado en diversas series de televisión como Cuéntame cómo pasó, Motivos personales, Herederos o Los hombres de Paco. Quizás el papel más recordado sea el de Raul de la Riva, un modisto snob que llega a las galerías Velvet para diseñar una colección de moda. Seguiría también en la continuación Velvet Colección. 

Cuenta en su filmografía papeles en películas como El Próximo Oriente (Fernando Colomo), Las 13 rosas (Emilio Martínez Lázaro), Musarañas (Juanfer Andrés), Ma Ma (Medem) o Sordo (Alfonso Cortés-Cavanillas). 

Pero sería con el segundo largometraje de Paula Ortiz, La Novia, donde llegaría su primera nominación al premio Goya por mejor actor principal por la adaptación de la obra de teatro de Federico Garcia Lorca, Bodas de Sangre. 

Su segunda nominación a un Goya ha sido de la mano de Pedro Almodóvar, por Dolor y Gloria. Aunque ya trabajó con el director manchego en Los abrazos roto, la escena donde aparecía fue finalmente eliminada del montaje final.   

En el plano musical, ha creado su grupo Mastodonte, junto con Enrico Barbaro y lanzó su disco homónimo con producción propia. Un disco de música conceptual, muy barroco, que no deja indiferente a nadie y con el que están cosechando bastante éxito, recibiendo una nominación a los Grammy latino por mejor video musical versión larga. 

En su vida personal, Asier es un hombre muy comprometido con causas sociales. Ha hecho pública su experiencia personal contando el bullying que sufrió en su infancia, tanto por parte de sus compañeros como de sus profesores, y su rechazo al mismo. 

Está casado con José Luis Huertas, su pareja desde su juventud. Juntos han fundado la productora Factoría Madre Constriktor, para desarrollar sus proyectos más personales o ayudar a otros artistas. 

Su revancha, en propias palabras del actor, ha sido “… que los niños que me pegaban acabaran bailando lo que yo cantara…” 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Blue Velvet y Tú te me dejas querer.  

Chris Isaak

Christopher Joseph Isaak, más conocido como Chris Isaak, nació en Stockton, California, Estados Unidos, el 26 de junio de 1956. Cantautor, guitarrista y actor. 

El sitio www.es.laphil.com publicó esta información. 

Chris Isaak 

A lo largo de su carrera, Chris Isaak ha publicado nueve álbumes extraordinarios, doce sencillos, ha sido nominado a dos premios Grammy, ha actuado en varias películas y ha protagonizado su propia serie de televisión, muy aclamada por la crítica. Sus legendarios espectáculos con su legendaria banda Silvertone han entretenido a decenas de miles de personas durante más de dos décadas. Incluso su pelo tiene su propio club de fans. Y, aun así, este muy elogiado artista de ventas de platino del Herald nunca ha lanzado un álbum de grandes éxitos. 

Es difícil de creer, ¿no? Bueno, a diferencia de algunos artistas que lanzan un paquete de grandes éxitos después de, digamos, su segundo álbum, Isaak esperó hasta que tuvo suficientes éxitos para describir legítimamente la colección como tal. 

"¿No debería una colección de grandes éxitos después de dos discos llamarse 'Greatest Hit'?" Isaak pregunta. "Supongo que siempre he estado muy ocupado haciendo discos. Además, toma un tiempo antes de que realmente quieras compilar todo. Pero después de repasar todas las canciones para hacer lo mejor, siento que tenemos buen material." 

Buen material. Es el típico autodesprecio de Isaak, es mucho más que cosas buenas. Best Of Chris Isaak -el CD y el DVD que lo acompaña, que contiene 18 video clips de directores tan estimados como Gus Van Sant, Bruce Weber, Herb Ritts, Mary Lambert y Jean-Baptiste Mondino- lleva a los oyentes a un gratificante viaje musical a través de las dos décadas de carrera del nativo de Stockton, California, mostrando sus estelares composiciones; su suave y oscuro barítono (y su tierno falsete que alertará a su perro); y su estilo retro-cool sin esfuerzo. 

El álbum muestra los diferentes personajes musicales de Isaak: el rebelde rockabilly ("Dancin'", "Baby Did A Bad, Bad Thing", "Speak Of The Devil"), el cantante con el corazón roto ("Wicked Game", "Somebody's Crying"), y el alegre narrador acústico ("San Francisco Days", "Two Hearts"). Incluye dos nuevas canciones, la elegante "King Without A Castle" y la exhortación de ruptura "Let's Have A Party", así como dos covers: El himno power-pop de Cheap Trick "I Want You To Want Me", un favorito en vivo que no estaba disponible en ninguno de sus CDs ("Es divertido hacer algo un poco diferente para mí", dice Isaak), una versión inspirada de la balada clásica de su héroe Roy Orbison "Only The Lonely", y una conmovedora versión acústica nunca antes escuchada de "Forever Blue". 

"Qué tipo tan dulce era Roy", dice Isaak. "Abrimos para él una vez y después del show le dije: 'No sé si escribo éxitos o no', y me dijo: 'Escribes éxitos, pero no lo sabes'". Era exactamente lo que necesitaba oír en ese momento para seguir adelante durante otro año". 

Eso fue antes de que el famoso director David Lynch usara "Wicked Game", una balada de repuesto y malhumorada del tercer álbum de Isaak, "Heart-Shaped World", en la película "Wild At Heart". La canción llegó al Top Ten en 1991, y el videoclip dirigido por Herb Ritts, que presentaba al cantante rodando por la playa con una Helena Christensen en topless, convirtió a Isaak en una estrella. "'Wicked Game' realmente nos puso ahí fuera", dice. "Estábamos en la carretera en ese momento, y tuvimos que deshacernos de nuestra camioneta y subirnos a un autobús. Por primera vez en años, ¡dormimos un poco!" 

Otro éxito significativo incluido en Best Of es la balada con sabor a sur de la frontera "Somebody's Crying" de Forever Blue de 1995 (tanto el single como el álbum fueron nominados a los premios Grammy en 1996). "Escribí esa canción en un armario", dice Isaak. "Acababa de romper con alguien y no había salido mucho de casa. Un amigo mío estaba haciendo una fiesta y en cuanto llegué me di cuenta de que no quería estar allí. La casa tenía un gran vestidor en el pasillo, así que entré, cerré la puerta y sáb. me metí debajo de los abrigos. Había una guitarra apoyada en la pared de atrás. Empecé a afinarla y escribí 'Somebody's Crying'". 

Luego está el rockero fanfarrón y azulado "Baby Did A Bad, Bad Thing" (también de Forever Blue), que se puede escuchar en la película de Stanley Kubrick de 1999 Eyes Wide Shut, protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman. El director le preguntó a Kidman qué música quería para ensayar la escena de striptease. "Nicole había estado escuchando el tema y lo trajo para ensayar", recuerda Isaak. "Stanley dijo: 'Me encanta' y la puso en la película. Le debo a Nicole Kidman un masaje de cuerpo entero". 

Entonces, ¿cuáles fueron los criterios de Isaak para la inclusión de una canción en el álbum? "Quería que fuera un disco que la gente quisiera escuchar una y otra vez", dice Isaak. "Intenté elegir las canciones que la gente más pide cuando tocamos en vivo, y luego me aseguré de que estuviera equilibrada entre las melodías lentas y las rápidas". 

Mientras revisa los temas, algunos de ellos de mediados de los años 80, Isaak dice que lo que más le impresionó fue la suerte que ha tenido de tener a su alrededor a la gente con la que trabaja, como el productor Erik Jacobsen ("que me enseñó todo lo que sé sobre hacer discos, pero no todo lo que él sabe"), el ingeniero Mark Needham, y sus compañeros de banda de Silvertone, el baterista Kenney Dale Johnson, el bajista Rowland Salley, y el guitarrista Hershel Yatovitz, que han estado con Isaak durante años. "La gente ve mi foto en las portadas de los discos y piensa: 'Chris entra en una habitación y hace un disco'. Pero entro en una habitación y lo hago con estos tipos, que me han apoyado, y tienen buenas ideas y buena energía". 

¿Y a qué atribuye la longevidad de su carrera? "Sabes, nunca he intentado saltar a una tendencia, y nunca he tenido que saltar de una", dice. "Trato de hacer lo que se siente bien para cada canción. Así que nunca tengo que decir, 'Bueno, no más disco para mí'". 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Wicked Game.  

Harold Melvin

Harold James Melvin nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de junio de 1939, y murió en su ciudad, el 24 de marzo de 1997. Cantante, compositor, arreglador, coreógrafo y pianista. 

El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Steve Huey.   

Harold Melvin fue una de las figuras clave del soul de Filadelfia, llevando a su grupo, los Blue Notes, a la cima de las listas durante su etapa en el sello Philadelphia International de Kenny Gamble y Leon Huff. A pesar de que Melvin figuraba como líder, el eje central de los Blue Notes era el vocalista y exbaterista Teddy Pendergrass, cuyo potente barítono adornó las grabaciones del grupo durante sus años de gloria (1972-1975) y les otorgó un sonido verdaderamente distintivo. Su producción abarcaba desde extensas y envolventes pistas de baile proto-disco hasta baladas suaves y conmovedoras, todo ello envuelto en la exuberante producción orquestal de Gamble y Huff. Cuando Pendergrass se marchó para iniciar su carrera en solitario, la suerte comercial de Melvin & the Blue Notes volvió en gran medida a los tiempos anteriores a Pendergrass (de los cuales hubo bastantes), aunque continuaron grabando durante un tiempo. Nunca se disolvieron del todo, y cuando Melvin falleció en 1997, llevaba más de cuatro décadas liderando los Blue Notes. 

Melvin nació el 25 de junio de 1939 en Filadelfia. Pianista autodidacta, comenzó a cantar doo wop en su adolescencia con un grupo llamado Charlemagnes, y formó la primera edición de los Blue Notes en 1954. La formación original era un quinteto con Melvin como vocalista principal (durante un tiempo), compositor, arreglista y coreógrafo; irónicamente, abandonaría la mayoría de estas funciones cuando el grupo alcanzó su mayor éxito. Los otros miembros eran el colíder Bernard Williams, Roosevelt Brodie, Jesse Gillis, Jr. y Franklin Peaker. Los Blue Notes grabaron su primer sencillo, "If You Love Me", para Josie en 1956, y lo convirtieron en un éxito regional. Grabaron para varios sellos discográficos durante los años siguientes, principalmente Dot, antes de lograr su primer éxito en las listas de R&B en 1960 con "My Hero" (lanzado por Val-Ue). Numerosos cambios de personal mantuvieron al grupo en constante inestabilidad a pesar de su continua actividad discográfica, y Bernard Williams se separó para liderar lo que él denominó los Original Blue Notes a mediados de los 60. Melvin formó una nueva versión de los Blue Notes centrada en el vocalista John Atkins, quien devolvió al grupo a las listas de R&B en 1965 con el sencillo de Landa "Get Out (And Let Me Cry)". Le siguieron otros lanzamientos en Arctic, Checker y Uni durante el resto de los 60, así como más cambios de personal. A finales de los 60, el grupo salió de gira frecuentemente con los Cadillacs, cuyo joven baterista Teddy Pendergrass se convertiría en el mayor descubrimiento de Melvin. 

Pendergrass se unió inicialmente a la banda de acompañamiento de los Blue Notes, pero demostró tal talento vocal que, tras la marcha de John Atkins en 1970, Melvin lo ascendió rápidamente al puesto de vocalista principal. Este cambio les ayudó a conseguir un contrato con el sello Philadelphia International de Gamble y Huff en 1972, justo cuando la compañía se estaba consolidando como el nuevo epicentro de la música soul; la voz de Pendergrass era similar a la del cantante de Dells, Marvin Junior, a quien Gamble y Huff habían intentado fichar con insistencia. Para entonces, los Blue Notes estaban formados por Melvin, Pendergrass, el bajista Lawrence Brown, el barítono Bernard Wilson y el tenor Lloyd Parks. Con Gamble y Huff proporcionando ahora material y producción de primera calidad, Harold Melvin & the Blue Notes se convertirían en uno de los grupos más populares del R&B en los años siguientes. Su álbum debut homónimo incluía principalmente canciones escritas con la esperanza de fichar a Marvin Junior. El primer sencillo, "I Miss You", fue un éxito en las listas de R&B, pero el segundo fue un éxito rotundo: la clásica balada "If You Don't Know Me by Now", que contó con una interpretación vocal conmovedora y que catapultó a la fama a Pendergrass. "If You Don't Know Me by Now" llegó al número uno en las listas de R&B y también se convirtió en su único éxito en el Top 5 de las listas pop; posteriormente, en 1989, Simply Red hizo una versión que se convirtió en un éxito número uno. 

Los Blue Notes volvieron a triunfar en 1973 con el tema bailable con arreglos de cuerda "The Love I Lost", considerado por muchos como uno de los primeros discos de música disco; fue su segundo número uno en las listas de R&B y un sencillo pop que alcanzó el Top Ten. El álbum que lo acompañaba, Black & Blue, produjo otro Top Ten de R&B con el siguiente sencillo "Satisfaction Guaranteed (Or Take Your Love Back)". En 1974, Lloyd Parks fue reemplazado por Jerry Cummings, quien debutó en el LP To Be True, que alcanzó el número uno en las listas de R&B. "Where Are All My Friends" y "Bad Luck" continuaron su racha de éxitos en el Top Ten de R&B, y una nueva incorporación al grupo, la vocalista Sharon Paige, los ayudó a regresar a la cima de las listas de R&B en 1975 con el dúo "Hope That We Can Be Together Soon". Otro excelente álbum le siguió más tarde ese año en Wake Up Everybody, cuyo tema principal fue otro número uno de R&B; "Tell the World How I Feel About 'Cha Baby" también alcanzó el Top Ten de R&B, y la canción del álbum "Don't Leave Me This Way" fue versionada posteriormente para un gran éxito disco por Thelma Houston. 

Sin embargo, la tensión aumentaba dentro del grupo. Pendergrass, que acaparaba toda la atención, ansiaba figurar por separado en los créditos, pero Melvin, aún la principal fuerza organizadora del grupo se negó. En 1976, Pendergrass dejó los Blue Notes para emprender una carrera en solitario que rápidamente lo convirtió en uno de los mayores sex symbols del R&B. Sharon Paige lo reemplazó como vocalista principal, al igual que el nuevo vocalista masculino David Ebo, cuyo sonido era bastante similar al de Pendergrass. Sin embargo, la partida de Pendergrass también marcó el final de la relación de los Blue Notes con Philadelphia International; sus siguientes grabaciones fueron para ABC, con quienes alcanzaron el Top Ten de R&B en 1977 con el tema principal de Reaching for the World. Sin embargo, este sería su último gran éxito; después de un álbum más con ABC, se unieron a Source, subsidiaria de MCA, en 1979 para grabar dos LP que no lograron reactivar su éxito comercial. Cummings y Wilson se marcharon en 1977, siendo reemplazados por Dwight Johnson y William Spratelly, y Paige y Ebo se fueron en 1980. Aun así, Melvin siguió adelante, grabando un último álbum con material nuevo para Philly World en 1984, titulado con optimismo Talk It Up (Tell Everybody). Tuvo una popularidad moderada en el Reino Unido, pero no la suficiente como para relanzar la banda. Melvin continuó de gira con diferentes formaciones de los Blue Notes durante la década de los 90, y Paige finalmente también regresó al grupo. Lamentablemente, Melvin sufrió un derrame cerebral y nunca se recuperó por completo; falleció el 24 de marzo de 1997 en su querida ciudad natal de Filadelfia. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con If You Don't Know Me By Now.