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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Milan B. Williams nació en Okolona, Misisipi, Estados Unidos, el 28 de marzo de 1948, y murió en Houston Texas, Estados Unidos, el 9 de julio de 2006. Tecladista y compositor.
Milan B. Williams (28 de marzo de 1948 – 9 de julio de 2006) fue un tecladista estadounidense y miembro fundador de The Commodores .
Williams nació en Okolona, Mississippi, y comenzó a tocar el piano inspirado por su hermano mayor, Earl, quien era multiinstrumentista. Su primera banda se llamaba The Jays; tras su disolución, conoció a los demás miembros fundadores de los Commodores en 1967. Eran estudiantes de primer año en el Instituto Tuskegee de Alabama, y Williams fue reclutado para la banda recién formada. En 1969 viajó con la banda a Nueva York, donde grabaron un sencillo titulado "Keep on Dancing" con Atlantic Records.
Williams también escribió el primer éxito de los Commodores, el tema instrumental "Machine Gun". Otras canciones de los Commodores escritas por él son: "The Bump", "Rapid Fire", "I'm Ready", "Better Never Than Forever", "Mary Mary", "Quick Draw", "Patch It Up", "X-Rated Movie", "Wonderland", "Old-Fashion Love", "Only You" (un tema que Williams también produjo, tomado del primer LP de los Commodores sin Lionel Richie, Commodores 13), "You Don't Know That I Know", "Let's Get Started" y "Brick House".
Abandonó los Commodores en 1989, supuestamente tras negarse a actuar con ellos en Sudáfrica.
Milan Williams falleció de cáncer en un hospital de Houston el 9 de julio de 2006, a los cincuenta y ocho años. Fue sepultado en el cementerio Zion Spring, en su ciudad natal de Okolona, Mississippi.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Brick House.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Alexandra Dovgan, Orquesta Sinfónica de Galicia, dirigida por Dima Slobodeniouk. Fuera de programa, el Preludio Nº 12 en Sol Sostenido Menor Op. 32, de Serguéi Rachmáninov.
Anthony George Banks, más conocido como Tony Banks, nació en East Heathly, Sussex, Reino Unido, el 27 de marzo de 1950. Tecladista, pianista, cantante y compositor.
Biografía de Tony Banks, cofundador y tecladista de Genesis.
Sería interesante calcular en una encuesta cuántas personas responderían "Tony Banks" si se les preguntara "¿A qué músico asocias espontáneamente con Genesis?". Los resultados probablemente estarían en el rango bajo de un dígito. Es una verdadera lástima que el papel de Tony en Genesis solo sea apreciado por los fans y algún que otro crítico, cuando en realidad fue él quien ejerció la influencia dominante en la música de Genesis a lo largo de la historia de la banda y no se inmutó ante ningún cambio de formación. Sin embargo, su discreción lo mantuvo a la sombra de sus compañeros, sobre todo porque Genesis siempre tuvo un líder carismático para el público, ya fuera Peter Gabriel, Phil Collins o Ray Wilson. Por eso Tony Banks tuvo tanto éxito como parte de Genesis, pero nunca llegó a alcanzar el éxito en solitario.
Anthony George Banks nació el 27 de marzo de 1950 a las 7:30 de la mañana en East Hoathly, un pequeño pueblo del sur de Inglaterra. Es el menor de los hijos de Nora y John Banks, y tiene tres hermanos mayores: Mary, Margaret, Pauline y John. Cuando Tony empezó el colegio, también se suponía que iba a aprender a tocar el violín. Sin embargo, pronto se descubrió que su talento residía en el piano, por lo que su formación musical se centró en este instrumento. Su madre fue su primera influencia musical, y como la familia Banks tenía un piano, tuvo muchas oportunidades para practicar. En septiembre de 1963, Tony dejó la escuela primaria preparatoria Boarzell en Hurst Green para ir al internado Charterhouse en Godalming, el lugar donde se fundaría Genesis y donde se forjaría el futuro de Tony. Como muchos de sus compañeros, Tony no estaba muy contento con la supuesta educación privilegiada y la vida en el internado. A los dieciséis años, centró sus estudios en matemáticas, física y química. También empezó a aprender piano clásico. Sus principales intereses musicales se centraban en la música clásica, como Sergey Rachmaninov, y en grupos de pop contemporáneo como The Beatles. Encontró un amigo con quien compartía afinidad en Peter Gabriel, quien había llegado a Charterhouse al mismo tiempo. Pasaban mucho tiempo juntos y, para 1966, se habían convertido en una cooperativa de compositores que, al unirse su compañero Chris Stewart, pasó a llamarse The Garden Wall. Los fans recordarán la legendaria actuación conjunta de The Garden Wall y Anon (con los músicos Anthony Phillips y Mike Rutherford) en el festival escolar de fin de curso en el verano de 1966. Poco después, ambas bandas unieron fuerzas y se convirtieron en Genesis. A finales de 1967, Tony dejó Charterhouse para comenzar sus estudios en la Universidad de Sussex. Sin embargo, antes de empezar, quería "simplemente vivir" durante un año. Así que Peter Gabriel, otro amigo llamado David Thomas y Tony se mudaron a un pequeño piso en Londres. Nunca llegó a retomar sus estudios, ya que Tony y sus compañeros de banda decidieron dedicarse a la industria musical y continuar con Genesis.
Los avances de Genesis también influyeron, naturalmente, en la vida de Tony. El joven pianista de Charterhouse se convirtió en un fantástico teclista en los años 70. Su sonido se convirtió en el sello distintivo de la banda durante esa época. Mientras tanto, también aprendió a tocar la guitarra. Esto se volvió muy importante durante un breve período después de que Anthony Phillips dejara la banda, pero también para las versiones en vivo de varias canciones. La única vez que cantó como vocalista principal fue en dos versos de la canción Shepherd, que no se incluyó en ningún álbum; por lo demás, se limitó a hacer coros. Como compositor y letrista, dejó su huella en toda la historia de la banda. Aparentemente indiferente a la moda y al espíritu de la época, Tony apenas cambió, mientras que Peter Gabriel se vestía con trajes extravagantes y la cabeza parcialmente rapada, Phil Collins experimentaba con barbas y peinados (o no) y Steve Hackett tuvo el valor de usar una chaqueta estampada con fresas. Tony vivió los ruidosos años 70 casi sin cambios. En los conciertos, siempre fue un intérprete poco espectacular. Su lugar, desde tiempos inmemoriales, era el lado derecho del escenario (desde la perspectiva del público). Allí se sentaba, totalmente concentrado en la música. Cada vez que un miembro de Genesis abandonaba la banda, Tony se colocaba un poco más en el centro de atención. También se hizo evidente la gran importancia de su papel en la música.
Cuando Peter Gabriel dejó Genesis en 1975, Tony barajó la idea de grabar un álbum en solitario. Dado que las dudas sobre el futuro de Genesis pronto se disiparon, las ideas terminaron plasmándose en el primer álbum de la banda tras la marcha de Gabriel, A Trick Of The Tail.
En 1979, Tony lanzó su primer disco en solitario, A Curious Feeling. El álbum alcanzó un respetable puesto número 21 en las listas británicas. Recordaba al estilo de Genesis de finales de los 70. Tony grabó todas las partes del álbum él mismo, a excepción de la batería, la percusión (ambas a cargo de Chester Thompson) y la voz (Kim Beacon). La letra se basaba en el relato de ciencia ficción Flowers For Algernon. Sin embargo, Tony modificó algunas partes, ya que existía un musical en Londres basado en la misma historia, por lo que la conexión se rompió. Justo un año antes, había compuesto la banda sonora de la película The Shout junto a Mike Rutherford. Aunque nunca se publicó como álbum, Tony utilizó el tema central de la composición para From The Undertow en A Curious Feeling. Tony se sintió bastante decepcionado con el éxito del álbum, pues consideraba que A Curious Feeling era, «en lo que a composición se refiere, superior a los tres discos anteriores de Genesis».
En los años 80, el éxito comercial de Genesis alcanzó su punto álgido. Los intervalos entre los lanzamientos de álbumes se alargaron y hubo tiempo para proyectos en solitario. Mike Rutherford y, sobre todo, Phil Collins, emprendieron exitosas carreras paralelas, y Tony dio nuevos pasos como solista.
Para su segundo álbum en solitario, The Fugitive (1983), se aventuró a cantar. Esto se debió a dos razones. Por un lado, no quería que Kim Beacon volviera a cantar, ya que A Curious Feeling no había tenido mucho éxito comercial. Por otro lado, quería experimentar lo que se sentía al ser el cantante. Si bien había mantenido las melodías y las letras intencionadamente sencillas para poder interpretarlas, aun así, le resultó difícil. El resultado, por lo tanto, merece, como mínimo, respeto.
En 1983 se publicó otro álbum de Banks, la banda sonora de The Wicked Lady. Tony grabó la primera mitad completamente solo. Consiste en variaciones sobre el tema y fue arreglada de forma muy similar a The Fugitive. La cara B del disco contenía arreglos orquestales de la banda sonora y fue grabada por la Orquesta Filarmónica Nacional de Londres. The Wicked Lady permaneció inédita en CD hasta 2013 (véase más abajo).
En la primavera de 1984, Tony recibió su primer encargo de componer la banda sonora de una película en Hollywood. Debía escribir la música para 2010: El año en que nos conocimos, la secuela de 2001: Una odisea del espacio. Cuando la euforia inicial se desvaneció, el proyecto resultó ser un fracaso. Tony trabajó en la banda sonora durante casi seis meses, componiendo dos horas de música, pero todo lo que envió a Hollywood fue rechazado y, finalmente, su música no se utilizó en la película. Esto supuso un duro golpe para su autoestima, sobre todo porque había rechazado otras ofertas para componer bandas sonoras con tal de poder trabajar en 2010.
Al menos pudo reutilizar algunas de sus grabaciones de "2010" para la banda sonora de Lorca y los Forajidos. Esa película tenía un presupuesto tan bajo que Tony aceptó trabajar gratis. Dos de estas canciones tienen voz: Tony le pidió a Jim Diamond que cantara en "You Call This Victory", mientras que Toyah Wilcox fue la vocalista principal en "Lion of Symmetry". Nunca se publicó un álbum de banda sonora dedicado a esta película porque no tuvo mucho éxito en taquilla.
En 1986, Tony compuso la música para la película Quicksilver. Entre otras canciones, se incluía "Shortcut To Nowhere". Tony coescribió este tema con Fish, vocalista de Marillion, quien también cantó en él.
Ese mismo año se publicaron las piezas instrumentales y las canciones de Tony de Lorca And The Outlaws y Quicksilver en el álbum Soundtracks.
El título del siguiente álbum de Tony era un juego de palabras. Bankstatement se lanzó en 1989 como un intento de Tony por imitar lo que Mike Rutherford había hecho con Mike + The Mechanics. Aunque adoptó un enfoque similar, es decir, tener dos cantantes diferentes y canciones pegadizas, el proyecto fracasó estrepitosamente. Los cantantes habían sido Alistair Gordon, Janey Klimek y, por primera vez desde 1983, el propio Tony.
Por estas razones, el siguiente álbum en solitario, Still (1991), se publicó nuevamente como un álbum de Tony Banks. Cinco cantantes diferentes y una mezcla de pop, soft rock y el estilo propio de Tony hicieron que este disco no encajara ni como un trabajo de banda ni como un proyecto en solitario. No se ajustaba a ninguna categoría de descripción comercial y, por lo tanto, cayó en el olvido. Los cantantes que participaron en este álbum fueron Andy Taylor y Nik Kershaw, además de Jayney Klimek, Fish y (en una canción) el propio Tony.
En 1995, Tony Banks intentó por segunda vez comercializar su música en solitario bajo el nombre de una banda. El CD que grabó con Jack Hues, vocalista de Wang Chung, se titulaba Strictly Inc. La música combinaba sonidos modernos, melodías pegadizas y elementos tradicionales de su estilo. El álbum también incluía uno de los mejores temas en solitario de Banks, una obra de 17 minutos titulada An Island In The Darkness. Strictly Inc. fue un fracaso comercial.
Varios nombres conocidos del círculo de Genesis también colaboraron en los álbumes. Daryl Stuermer, por ejemplo, es el guitarrista en la mayoría de los discos de Banks, y Nick Davis, al igual que David Hentschel, coprodujo con Tony.
Sin embargo, resulta curioso que un artista con una influencia tan tremenda en la música de Genesis, que logró numerosos éxitos en el top 10 con la banda, apenas haya alcanzado el éxito comercial. Una posible razón es que a Tony no le gusta ser el centro de atención. Sin duda, sería más conocido si hubiera realizado giras en solitario para promocionar sus álbumes. Lamentablemente, hasta la fecha no ha ofrecido ni un solo concierto en solitario.
Tony no era ni es un artista que se exponga para complacer a la prensa sensacionalista. No es una estrella, sea lo que sea que eso signifique. Su vida privada parece de lo más común. Está casado con su esposa Margaret desde 1972, tiene dos hijos, Ben y Emily, y vive en una zona rural cerca de Guildford, al sur de Londres. Eso es prácticamente todo lo que se puede decir de Tony Banks en su vida privada. Aparentemente, no tiene ningún deseo de gastar su considerable fortuna en coches de lujo o ropa de diseñador. Más bien parece estar contento con su vida. Al fin y al cabo, ha disfrutado de una magnífica carrera como músico de rock en Genesis, lo que le ha proporcionado una buena posición económica, y aún puede componer, grabar y publicar toda la música que no pudo o no quiso hacer con Genesis.
El final de los 90 debió ser algo desalentador, trayendo consigo el desastre total de Strictly Inc., el fin de la era Genesis de Banks/Collins/Rutherford (/Thompson/Stuermer) y el nuevo comienzo con Ray Wilson y compañía, que recibió críticas mixtas por parte de la prensa y los fans. Al final de la breve etapa de Ray con Genesis, las cosas se calmaron alrededor de Tony. En 2004, cumplió uno de sus sueños: lanzó una obra orquestal llamada Seven en la que había trabajado durante varios años. En las entrevistas que concedió en ese momento, no descartó ni una reunión de Genesis ni la posibilidad de volver a hacer algo en el mundo del rock/pop. También afirmó que no había planes. Genesis, el gigante del rock, estaba descansando cuando, en 2006, la noticia de que este gigante del rock volvería a salir de gira y de repente estaba de moda de nuevo, cayó como una bomba. Tony Smith, mánager de Genesis, describió a la banda como "el proyecto en solitario de Tony", y Genesis cosechó un éxito arrollador en 2007, con Tony Banks como figura clave. De hecho, sin él, este gigante no habría perdurado 40 años. Aún no está claro si Genesis continuará ni cómo lo hará, pero la gira "Turn It On Again" debió de ser un incentivo para Tony Banks.
Tras la gira, Tony comenzó a trabajar en su siguiente álbum clásico, que finalmente se convertiría en SIX. Como era de esperar, el título indica el número de piezas clásicas que contiene. SIX se publicó en 2012 y Tony expresó cierto interés en reeditar su catálogo anterior en una entrevista ese mismo año. En 2013, The Wicked Lady se publicó por primera vez en CD bajo su propio sello, "Fugitive Inc", que más tarde describió como un experimento.
En 2014, Genesis se reunió de nuevo para promocionar su documental de la BBC Together And Apart (posteriormente lanzado como Sum Of The Parts ) y el recopilatorio R-Kive , que abarcaba toda su carrera e incluía también material en solitario. Y aunque las conversaciones sobre una posible reunión de Genesis nunca cesaron, Tony siempre mantuvo una visión realista al respecto.
Finalmente, decidió lanzar en 2015 una caja recopilatoria que abarcaba toda su carrera, titulada A Chord Too Far, con Esoteric Records. También tenían previsto reeditar otros álbumes, incluyendo una mezcla 5.1 para cada uno. Ese mismo año, Tony Banks fue nombrado "Dios del Progreso" en la ceremonia de los Premios de Música Progresiva. El discurso de elogio corrió a cargo de Peter Gabriel, quien había recibido el galardón el año anterior. Un vídeo de la ceremonia está disponible en YouTube.
Las versiones ampliadas de A Curious Feeling y The Fugitive se publicaron a principios de 2016, pero los fans siguen esperando los demás álbumes, ya que el proyecto se detuvo indefinidamente.
En 2017, Tony se unió a Nick Ingman para su tercer álbum de música clásica, titulado FIVE, que salió en 2018. Sigue negándose a grabar otro álbum de rock o pop y no quiere formar parte de ningún supergrupo (ver nuestra entrevista aquí). Tampoco está a favor de reeditar y reempaquetar constantemente el material de Genesis. Así que, en muchos sentidos, sigue siendo el mismo Toyn Banks de hace muchos años.
Esperemos que Tony encuentre la fuerza para ignorar a los críticos y las cifras de ventas para que podamos seguir disfrutando de nuevas propuestas artísticas en forma de discos y/o conciertos.
Autor: Helmut Janisch (2000).
Actualizado por Christian Gerhardts (marzo de 2019).
Traducido por Martin Klinkhardt.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con The Lamb Lies Down On Broadway, Hold On My Heart y Prelude to a Million Years, en la interpretación de Tony Banks, y la Orquesta Sinfónica Nacional de Chequia, dirigida por Nick Ingman.
26 Mar, 2026 03:38 a.m.Actualizado: 26 Mar, 2026 07:26 a.m. AR
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ARCHIVO - Una persona lleva en una marcha un cuadro con una imagen compuesta de Fidel Castro, Raúl Castro y del presidente de Cuba, Miguel Díaz-Canel, en la plaza de la Revolución en La Habana, el 1 de mayo de 2025 (AP Foto/Ramon Espinosa, Archivo)
Este artículo podría empezar con los datos, y ellos solos ya son la crónica de lo que Alejo Schapire llama una siniestra obscenidad. Datos fríos, secos como la mentira, precisos como la verdad: el hotel es el Gran Bristol en La Habana vieja; cinco estrellas, planta eléctrica propia, agua constante, servicios de lujo; las habitaciones superan los 500 euros la noche; el hotel es propiedad de Gaviota, el holding empresarial de las fuerzas armadas cubanas; el régimen ha pagado los costes; Pablo Iglesias, Jeremy Corbyn y otros VIPS, han viajado en business hasta La Habana... Y, con su viaje con copita de champagne, su ducha de precisión, la panza rellena, la electricidad para los móviles y sus selfies, y el paseo en autobús alternativo, los salvadores de Cuba han perpetrado su canallada.
Cuba convertida en un parque temático ideológico, manoseada por una izquierda caviar que la quiere mantener, humillada y oprimida. Nuevamente se repite el esquema: de viaje a Gaza, para que los palestinos se mantengan bajo la brutalidad de los terroristas de Hamas y no salgan nunca del círculo de la violencia; y de viaje a Cuba, para que los cubanos se mantengan bajo la bota del castrismo que hace 67 años que saquea sus recursos, oprime a su pueblo y destruye sus esperanzas. ¡Qué importa la dura realidad que sufren los cubanos, si prevalece el mito ideológico! La vieja causa por encima del hambre, el dolor, la represión y la completa destrucción de la esperanza. Y es así como se perpetra un viaje simbólico que no intenta liberar al pueblo, sino consolidar su cárcel. En nombre de la revolución, por supuesto, que acostumbra a derivar en la más brutal de las involuciones.
Quizás se trata de hablar claro: hay una izquierda que siempre fue reaccionaria en el sentido más desgarrador y abrupto del término. Una izquierda, heredera del totalitarismo comunista, que mutó a posiciones más modernas, pero mantiene intactos los tics autoritarios. Es esa izquierda que levanta banderas de justicia social, pero se amiga con las peores dictaduras del mundo, de Irán a China, del chavismo al castrismo. Esa izquierda que defiende la libertad en abstracto, como una quimera o un poema nostálgico, pero cercena insistentemente la libertad de expresión, la libertad de mercado, la libertad de opción, todas las libertades que concretan la libertad. Esa izquierda que gusta de listas negras y practica la cultura de la cancelación, cuando las ideas desmienten a sus dogmas. En definitiva una izquierda que adora el pueblo, pero desprecia al ciudadano, quizás porque la masa siempre es más moldeable que el individuo. No es cierto que defienda las ideas de progreso, al contrario: allí donde sus ideas triunfan, el progreso se detiene. Amante del estado como tutelador y controlador, pero enemigo de la iniciativa privada, la sana competencia, el libre albedrío ciudadano.
Por eso odia a las democracias liberales, porque no cree en el ciudadano libre, sino en el pueblo tutelado. Por eso odia a Estados Unidos, que representa la culminación del individuo ante sus capacidades y sus oportunidades. Y por eso su odio más puro se dirige Israel, porque Israel es una historia de éxito, de plantar naranjas a convertirse en una start up nation, a pesar de luchar por su existencia contra todo tipo de violencias.
No es ninguna casualidad que toda esta izquierda caviar que levanta el puño en la ceremonia de los Oscar, y monta excursiones con flotillas anhelando sus quince minutos de fama revolucionaria, toda esa izquierda odie las democracias más sólidas del planeta. No son defensores de la libertad, la libertad en mayúsculas, la que defendía Camus frente a Sartre, no son defensores de la libertad, son sus enemigos más vitriólicos y sutiles.
Por eso callan, callan como ratas ante los crímenes de los ayatollahs, ante las cárceles del castrismo, ante las redes criminales del chavismo, ante la matanza de cristianos en Nigeria, ante la brutal represión de China contra los uigures o contra los tibetanos, o es igual, porque callan, callan como ratas siempre que las víctimas no corresponden a sus cánones y a sus dogmas.
Ahora quieren salvar a los cubanos de sí mismos, no fuera caso que se convirtieran en ciudadanos libres y el parque temático de la izquierda caviar se les fuera al carajo. ¿A dónde irán los Iglesias y los Corbyn, cuando Cuba sea finalmente libre? Siempre les quedará Corea del Norte. Es ideal para el turismo ideológico.
Kenneth Arnold Chesney, más conocido como Kenny Chesney, nació en Knoxville, Tennessee, Estados Unidos, el 26 de marzo de 1968. Cantante, guitarrista y compositor.
Nacido el 26 de marzo de 1968 en Knoxville, Tennessee, el cantante y compositor de música country Kenny Chesney disfrutó de su primer éxito con su segundo álbum, All I Need to Know , en 1996. Álbumes posteriores como Everywhere We Go, No Shoes, No Shirt, No Problems y When the Sun Goes Down consolidaron su posición como uno de los artistas más vendidos, y tanto la Academia de Música Country como la Asociación de Música Country lo honraron como Artista del Año en múltiples ocasiones.
Primeros años de vida y carrera profesional
El cantante de música country Kenny Chesney nació el 26 de marzo de 1968 en Knoxville, Tennessee. Mientras estudiaba en la Universidad Estatal del Este de Tennessee, Chesney se unió a una banda universitaria y comenzó a componer sus propias canciones y a tocar en bares locales. Este músico trabajador finalmente grabó un álbum para venderlo en sus conciertos. Tras graduarse en marketing en 1991, se mudó a Nashville para dedicarse a la música.
Álbumes y canciones de éxito
Todo lo que necesito saber, Tú y yo, Me mantendré firme y A dondequiera que vayamos
Tras unas ventas modestas de sus grabaciones con Opryland Music Group y Capricorn Records, Chesney llamó la atención de BNA Records, filial de RCA. Fue durante su etapa con BNA que el cantante consiguió el disco de oro con " All I Need to Know" en 1995, el de platino con "Me and You" en 1996 y " I Will Stand" en 1997, y el doble platino con "Everywhere We Go" en 1999. Para el año 2000, Chesney era una auténtica estrella, adorada por legiones de fans de la música country.
Sin zapatos, sin camisa, sin problemas y cuando se pone el sol
En 2001, Chesney lanzó su primer álbum de grandes éxitos, seguido en 2002 por No Shoes, No Shirt, No Problems , con influencias del rock. Impulsado por los exitosos sencillos "Young" y "The Good Stuff", se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de su carrera. Su siguiente trabajo, When the Sun Goes Down (2004), también alcanzó el número 1 en la lista Billboard 200 y produjo tres sencillos que encabezaron las listas, incluyendo "There Goes My Life".
Sé como eres y El camino y la radio
En 2005, Chesney fue galardonado por primera vez como Artista del Año por la Academia de Música Country. Ese mismo año lanzó dos nuevos álbumes: Be As You Are (Songs From an Old Blue Chair) y The Road and The Radio. Ambos discos fueron grandes éxitos, alcanzando la cima de las listas de música country con sencillos como "Who You'd Be Today" y "Guitars and Tiki Bars". Al año siguiente, lanzó un álbum en directo, Live: Live Those Songs Again , que encabezó las listas de música country y también tuvo una destacada presencia en las listas de música pop.
Simplemente quién soy: Poetas y piratas
Para su siguiente lanzamiento, Chesney ayudó a producir Just Who I Am: Poets & Pirates (2007), que incluyó una serie de éxitos. La introspectiva "Don't Blink" encabezó las listas de música country, al igual que "Never Wanted Nothing More" y "Better As a Memory". La grabación también incluyó dos duetos populares: "Every Other Weekend" con Reba McEntire y "Shiftwork" con George Strait . Ese mismo año, ganó un premio CMA al Evento Musical del Año por su trabajo en "Find Out Who Your Friends Are" de Tracy Lawrence con Tim McGraw.
Chesney salió de gira durante el verano de 2008 para promocionar Just Who I Am: Poets & Pirates, que fue todo un éxito. En septiembre de ese año, Chesney fue nominado a siete premios CMA, incluyendo Artista del Año y Vocalista Masculino del Año. También recibió nominaciones en la categoría de Evento Musical del Año por "Every Other Weekend" y "Shiftwork".
El Sol del Viejo Suerte y el Whisky de Hemingway
Chesney lanzó Lucky Old Sun en 2008. Uno de los sencillos del álbum, "Everybody Wants to Go to Heaven", se convirtió instantáneamente en un éxito número uno en la música country. En noviembre de ese mismo año, la Asociación de Música Country le otorgó a Chesney su cuarto premio al Artista del Año, igualando a Garth Brooks con la mayor cantidad de galardones en esa categoría. Posteriormente, alcanzó la cima de las listas de música country con el álbum Hemingway's Whiskey (2010), que incluía los exitosos sencillos "The Boys of Fall", "Somewhere with You", "Live a Little" y "Reality".
Bienvenidos a la Nación del Pecera y Sin Zapatos
Tras Welcome to the Fishbowl (2012), que incluyó el exitoso tema "Come Over", Chesney mantuvo su ritmo de lanzar un nuevo álbum casi anualmente, publicando Life on a Rock (2013), The Big Revival (2014), Cosmic Hallelujah (2016) y No Shoes Nation (2017). Su siguiente álbum, Live in No Shoes Nation , debutó en el número 1 de la lista Billboard 200 ese mismo año.
Canciones para los santos y aquí y ahora
Chesney lanzó Songs for the Saints bajo un nuevo sello discográfico, Warner Music Nashville, en julio de 2018, y se unió a Ed Sheeran para componer "Tip of My Tongue" al año siguiente. Aunque sus ambiciosos planes para la gira Chillaxification Tour de 2020 se vieron interrumpidos por la pandemia del coronavirus, el artista complació a sus fans con el lanzamiento de un nuevo álbum, Here and Now, el 1 de mayo.
Personal
Chesney se casó con la actriz Renée Zellweger en mayo de 2005, pero ella solicitó la anulación del matrimonio tan solo cuatro meses después, lo que desató rumores sobre la sexualidad del cantante de música country. Ambas partes negaron que esto fuera un problema, y Chesney explicó posteriormente que entró en pánico al darse cuenta de que no estaba preparado para el matrimonio. Desde entonces, ha mantenido relaciones sentimentales con la ex Miss Tennessee Amy Colley y con su novia de muchos años, Mary Nolan.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con American Kids.
Paul Stephen Motian nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de marzo de 1931, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 2011. Baterista y compositor.
El maestro de la batería, Paul Motian, (Providence, 25 de marzo de 1931 – Nueva York, 22 de noviembre de 2011), debutó en 1949 en su localidad natal, Providence, como guitarrista y más tarde estudió la batería. Después de licenciarse en el ejército americano, en 1954, se trasladó a New York donde estudio en la «Manhattan School of Music». En 1956 obtuvo su primer contrato importante con el pianista, George Wallington y ese mismo año colaboró con Jerry Wald y Russell Jacquet.
En 1957 trabajó durante un año con el clarinetista, Tony Scott y al año siguiente, en 1958, colaboró con dos importantes músicos adscritos al movimiento jazzístico de la Costa Oeste: Lenny Tristano y Zoot Sims. A finales de 1959 conoció al pianista, Bill Evans, un hecho histórico en la historia del jazz y que supondría un giro espectacular en la carrera profesional de Motian. Bill Evans, tras escucharlo, lo invitó a formar parte de su histórico trío, junto al contrabajista, Scott LaFaro.
Tras de sí, Motian tenía ya en su haber grabaciones discográficas con George Russell; Eddie Costa; Don Elliot o Lee Konitz. Entre 1959, año en que se unió a Bill Evans, y 1963, año en que abandonó el trío tras la muerte del contrabajista, los tres dieron vida a una formación legendaria, única e irrepetible en la historia del jazz. En ese tiempo, Motian, LaFaro y Evans grabaron una serie de obras maestras del jazz imperecederas, destacando las grabaciones en el Village Vanguard de New York y el disco «Waltz for Debby» (Riverside 1961).Tras la disolución del trío, Motian colabora con el pianista, Paul Bley y su esposa Carla con quien fundó en 1968 la «Jazz Composer’s Orchestra Association» (JCOA), un organismo gestionado por los propios músicos y de donde salieron grandes proyectos musicales, entre otros el extraordinario disco «Escalator Over the Hill».
Entre 1969 y 1979, Paul Motian colaboró estrechamente con el pianista, Keith Jarrett, otro músico extraordinario del jazz moderno. En el trío de Jarrett, estaba otro magnifico contrabajista, Charlie Haden quien utilizo al baterista para otro extraordinario proyecto jazzístico liderado por Haden y al que denominó: «La Liberation Music Orchestra», uno de los más sólidos pilares de la improvisación jazzística de nuestros tiempos. Tras dejar a Jarrett y a Haden, Paul Motian inició su carrera profesional como solista, colaborando con infinidad de músicos, grabaciones y conciertos.
En su etapa contemporánea, y ya superados los setenta años, Paul Motian ha venido a España en varias ocasiones y al frente de distintas formaciones, como cuando se presentó al frente de su «Electric Be Bop Band» (E.B.B.B.) en Madrid en el 2001, o en San Sebastián, el 29 de mayo de 2002 con la International Sextet, formación conformada por dos saxofonistas, dos guitarristas eléctricos, un bajista y el propio Paul Motian a la batería. Motian, es, por tanto, uno de los grandes músicos de jazz de todos los tiempos. Nada acomodaticio, asumiendo riesgos, siempre a la vanguardia de la música de jazz y sabiendo estar, a sus setenta y cuatro años, en primera línea.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Brilliant Corners. Paul Motian & The Electric Bebop Band. Paul Motian en batería; Jakob Bro y Steve Cardenas, en guitarra; Chris Cheeck y Tony Malaby, en saxo; y Anders Christensen, en bajo.
Klaus Dinger nació en Warburg, Alemania, el 24 de marzo de 1946, y murió en Düsseldorf, Alemania, el 20 de marzo de 2008. Baterista, guitarrista y compositor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Como la mitad del legendario dúo de Krautrock Neu!, el baterista Klaus Dinger fue pionero del hipnótico patrón rítmico de movimiento perpetuo, más tarde denominado "motorik", creando ritmos mecánicos, pero profundamente humanos que inspirarían a sucesivas generaciones de artistas electrónicos y pop. Nacido en Alemania el 24 de marzo de 1946, Dinger se dedicó a la música tras abandonar la arquitectura. Se dio a conocer como miembro de otro grupo de gran influencia, Kraftwerk, reemplazando al baterista original Andreas Hohmann durante las sesiones de grabación de su álbum debut homónimo de 1970. El guitarrista Michael Rother se unió a Kraftwerk tras la finalización del álbum, pero en 1971 él y Dinger se separaron para formar Neu!, colaborando con el productor Conny Plank para comenzar a trabajar en su primer álbum, publicado por Brain Records al año siguiente. Mientras que la guitarra de Rother prescindía de los cambios de acordes convencionales en favor de evocadores drones armónicos, la batería de Dinger se redujo a un ritmo simple y repetitivo de 4/4 que él denominó "ritmo Apache", pero que los críticos musicales posteriores bautizaron como "motorik" en honor a la palabra alemana para "habilidad motora". Canciones como la épica de diez minutos "Tellogallo" ostentan ritmos pulsantes que parecen extenderse hasta el infinito, con toda la precisión e ingeniería de un BMW corriendo por la Autobahn.
Si bien los siguientes Neu! 2 y Neu! '75 anticiparon desde remezclas de clubes hasta punk, las ventas fueron limitadas; aun así, la influencia del dúo demostró ser enorme, y Brian Eno señaló más tarde: "Hubo tres grandes ritmos en los 70: el afrobeat de Fela Kuti, el funk de James Brown y el ritmo Neu! de Klaus Dinger". Después de que Neu! se separara en 1975, Dinger montó el proyecto electrónico La Düsseldorf con su hermano Thomas y Hans Lampe, grabando más tarde una serie de álbumes acreditados a La! Neu?. A finales de 1985, él y Rother también se reunieron para una sesión abortada que finalmente se lanzó una década después como Neu! 4. Para entonces, el dúo era citado entre las influencias más importantes de una generación de artistas de pop electrónico y rock de vanguardia, incluidos Stereolab, Sonic Youth y Radiohead. Dinger falleció de insuficiencia cardíaca el 20 de marzo de 2008, apenas cuatro días antes de cumplir 62 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cha Cha 2008.
El diplomático iraní Abdol Hossein Sardari prestó una ayuda crucial a los judíos iraníes en la Francia ocupada (1940-1944). En junio de 1940, tras la invasión alemana de Francia, el embajador iraní Anoushirvan Sepahbodi partió hacia Vichy, en la zona no ocupada, para reconstituir la embajada. Esto dejó a Sardari, cónsul general de Irán, a cargo de los asuntos consulares en París. En esta función, Sardari solicitó en varias ocasiones que se eximiera a los judíos iraníes y de otros países de Asia Central que vivían en la Francia ocupada por los alemanes de las medidas antisemitas decretadas por las autoridades francesas y alemanas.
Judíos de Irán residentes en Francia
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, unos 150 judíos de Irán, Afganistán y Bujará (ciudad de la República Soviética de Uzbekistán y antiguo centro cultural del Imperio Persa) residían en Francia. Muchos de estos judíos de Asia Central, que compartían lazos lingüísticos y culturales y huían de la Revolución Bolchevique de 1917, se habían asentado en París durante la década de 1920. Tras la ocupación alemana del norte de Francia en 1940, representantes de estas tres comunidades se presentaron ante los funcionarios de la Francia de Vichy y las autoridades de ocupación alemanas como «jugutis» (djougoutes en francés). Los jugutis eran descendientes de judíos persas que, obligados a convertirse al islam en 1838, continuaron practicando el judaísmo en privado en sus hogares. Los documentos de identidad oficiales, como los pasaportes, generalmente identificaban a los jugutis como musulmanes.
Ocupación alemana
El 27 de septiembre de 1940, las autoridades de ocupación alemanas emitieron una ordenanza que obligaba a todos los judíos residentes en Francia a registrarse ante la policía. Los judíos residentes en París debían presentarse en el Departamento del Sena; los que residían en las provincias ocupadas fuera de París debían presentarse en la subprefectura local del departamento responsable de la zona en la que vivían. En octubre de 1940, Sardari intervino para proteger a los yugutis. En una carta fechada el 29 de octubre, intentó convencer a los funcionarios de Vichy, cuyas leyes eran vinculantes en la Francia ocupada, de que los yugutis se habían asimilado a los persas no judíos por cultura y matrimonios mixtos, y que no debían ser considerados judíos según la ley de Vichy. Escribiendo en papel con membrete del "Consulado Imperial de Irán", Sardari afirmó:
Según un estudio etnográfico e histórico sobre las comunidades religiosas judías de raza no judía en Rusia, recibido por este consulado y validado por la Embajada [alemana] en París el 28 de octubre de 1940… los judíos autóctonos (jugutis) de los territorios de los antiguos kanatos de Bujará, Jiva y Jokand (actualmente dentro de las Repúblicas Soviéticas de Uzbekistán y Tayikistán) se consideran del mismo origen [étnico] que los de Persia.
Según el estudio, los yugutis de Asia Central pertenecen a la comunidad judía únicamente por la observancia de los principales ritos del judaísmo. Por su linaje, su idioma y sus costumbres, están asimilados a la población indígena y pertenecen al mismo grupo biológico que sus vecinos, los persas y los sartes (uzbekos).
El líder de la comunidad Juguti en París durante la guerra fue el Dr. Asaf Atchildi, médico originario de Samarcanda (ciudad de Uzbekistán). En sus memorias de 1965, recordó los peligros que enfrentaron los miembros de su comunidad durante la ocupación alemana. En el verano de 1941, seis Jugutis registrados en la policía fueron arrestados y la mayoría de ellos encarcelados en el campo de internamiento de Drancy, en las afueras de París. Algunos, según Atchildi, fueron retenidos como rehenes en represalia por actos de resistencia antialemana.
Otros Jugutis, que también se habían registrado en la policía y ahora temían ser arrestados, evitaban quedarse en sus casas. Utilizando una certificación alemana dirigida al prefecto de policía de París a principios de febrero de 1942, que indicaba que los Jugutis no debían ser sometidos a las leyes antisemitas de Vichy, Atchildi consiguió la liberación de dos prisioneros de Drancy. Atchildi atribuyó la idea del argumento de los "Jugutis" a otros miembros de la comunidad, la familia Kachurine, quienes contrataron al abogado Julien Kraehling para que los representara.
Ocupación soviética y británica de Irán
En agosto de 1941, las fuerzas soviéticas y británicas ocuparon Irán. Al considerarlo partidario del Eje, los Aliados obligaron al gobernante iraní, Reza Shah Pahlavi (1925-1941), a abdicar en favor de su hijo, Mohammed Reza (1941-1979). Dado que Irán se encontraba ahora bajo la ocupación aliada, los diplomáticos suizos asumieron la responsabilidad de proteger los intereses iraníes en Francia y otros países de la Europa ocupada en noviembre de 1941, e intercedieron en favor de los judíos iraníes.
El embajador iraní en Vichy fue llamado a consultas por su gobierno, pero Sardari permaneció en París, continuando su labor extraoficial en favor de los iraníes, incluidos los judíos iraníes, residentes en Francia. Según Asaf Atchildi, el 11 de febrero de 1942, Sardari le escribió pidiéndole, como líder de los Jugutis en Francia, que incluyera a los judíos de nacionalidad iraní en la lista de Jugutis que había preparado para las autoridades de Vichy.
En cartas fechadas el 29 de septiembre de 1942 y el 17 de marzo de 1943, Sardari se comunicó con funcionarios alemanes sobre la situación de los judíos iraníes residentes en París y sus alrededores, con el fin de protegerlos de ser arrestados y deportados. Poco después, el 4 de mayo de 1943, los nombres de 41 iraníes se incluyeron en una lista de 91 personas de la etnia "jugutí originaria de Irán, Afganistán y Bujará (Asia Central) que residían en París y sus alrededores", elaborada por Atchildi para funcionarios de Vichy (dentro del Comisariado General para Asuntos Judíos).
"Solución Final" en Francia
Las acciones de Sardari, en colaboración con Atchildi, coincidieron con una aceleración de las deportaciones, a medida que los alemanes implementaban la «Solución Final» en Francia. El 16 de julio de 1942, la policía francesa arrestó a más de 13.000 judíos extranjeros y apátridas residentes en París. Las autoridades francesas encarcelaron a adultos solteros y parejas sin hijos en Drancy y mantuvieron a familias —más de 8.000 hombres, mujeres y niños— en condiciones inhumanas en el Velódromo de Invierno (un estadio cubierto) antes de su traslado a campos de tránsito en el departamento de Loiret durante la semana siguiente. Un mes después, en agosto, los alemanes deportaron a prácticamente todos los detenidos el 16 de julio de 1942 en tren, vía Drancy, a Auschwitz; pocos sobrevivieron.
El 17 de marzo de 1943, Sardari, en un alegato en defensa de los judíos iraníes en París, utilizó la terminología de la ideología racial nazi, que consideraba persuasiva para los funcionarios alemanes. Argumentó que los yugutis no debían ser considerados judíos desde el punto de vista racial. Explicó que se trataba de una minoría mayoritariamente asimilada, cuyos miembros se casaban frecuentemente con personas no judías y hablaban persa, no yiddish ni hebreo. Sardari también señaló que los yugutis en Irán gozaban de «todos los derechos y responsabilidades civiles, legales y militares de los musulmanes».
En la primavera de 1943, como consecuencia de las gestiones de Sardari, realizadas en colaboración con Atchildi a través de Kraehling y diplomáticos suizos, los alemanes accedieron a eximir a los yugutis residentes en la zona ocupada de las medidas antisemitas; a mediados de 1943, las autoridades de Vichy adoptaron la misma política. El historiador Warren Green ha atribuido la respuesta alemana a los yugutis y a otros grupos étnicos judíos caucásicos y centroasiáticos en Francia, como los caraítas rusos y los judíos gruzinianos de Georgia, como parte de una política alemana más amplia para cultivar lazos con las minorías étnicas no eslavas y anticomunistas de la Unión Soviética.
Después de la Segunda Guerra Mundial
La mayoría de los Jugutis que vivían en Francia sobrevivieron a la ocupación alemana. Un miembro de la comunidad, Ibrahim Morady, estuvo presente en 1994 en una ceremonia en honor a Sardari en el Centro Simon Wiesenthal para la Tolerancia en Los Ángeles, California. Morady, junto con sus padres y otros dos familiares, aparece en una lista de 38 nombres que Sardari identificó en una solicitud dirigida al diplomático alemán L. Krafft von Dellmensingen en París el 17 de marzo de 1943. Los nombres de los cuatro Morady también figuran en la lista de 91 nombres que Atchildi presentó a los funcionarios de Vichy el 4 de mayo de 1943.
El sobrino de Sardari, Fereydoun Hoveyda, quien fue embajador de Irán ante la ONU en la década de 1970, declaró en una entrevista de 1998 que Sardari también ayudó a proteger a judíos no iraníes en París durante la guerra, emitiendo 1500 pasaportes iraníes a judíos en peligro durante 1942. Hasta el momento, no ha aparecido documentación ni testimonio que confirme esta cifra inverosímilmente alta (considerando la cantidad de pasaportes en blanco que Sardari probablemente tenía a su disposición, dada la pequeña comunidad iraní en Francia), y no existe evidencia de que Sardari haya ayudado a personas no iraníes. Aunque vivió con su tío en París en 1942, Hoveyda nunca mencionó el asunto en su diario.
Tras la Segunda Guerra Mundial, Sardari permaneció en el servicio diplomático iraní, desempeñándose como encargado de negocios en Bruselas. A mediados de la década de 1950, dejó el cuerpo diplomático y se unió a la Compañía Nacional Iraní de Petróleo. Falleció en Londres en 1981. En abril de 1978, tres años antes de su muerte, Abdol Hossein Sardari respondió a las preguntas de Yad Vashem, el Memorial Nacional del Holocausto de Israel, sobre sus acciones de la siguiente manera: «Como saben, tuve el placer de ser cónsul iraní en París durante la ocupación alemana de Francia, y como tal, era mi deber salvar a todos los iraníes, incluidos los judíos iraníes».
"Giro de cero grados"
El interés por las actividades de Sardari durante la guerra resurgió en 2007, cuando la telenovela "Giro de cero grados" lo retrató como un héroe romántico en la televisión estatal iraní. Tras la negación del Holocausto por parte del presidente iraní Makmoud Amidineijad en 2006, algunos analistas consideraron el programa como un intento de mejorar la imagen de Irán y subrayar la diferencia entre la actitud iraní hacia los judíos y hacia el Estado de Israel.
Autor(es): Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos, Washington, D.C.
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