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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Paula Kristiina Koivuniemi nació en Seinäjoki, Finlandia, el 19 de junio de 1947. Cantante.
El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Jason Birchmeier.
Paula Koivuniemi por Jason Birchmeier
Paula Koivuniemi es una cantante finlandesa de música contemporánea para adultos cuya carrera abarca varias décadas, alcanzando su máxima popularidad durante la década de 1980. Nacida el 19 de junio de 1947 en Seinäjoki, Finlandia, comenzó su carrera discográfica en la década de 1960 y logró su primer éxito en 1966 con el sencillo "Perhonen". Sin embargo, el éxito de Koivuniemi fue limitado en los años siguientes, y no debutó con un álbum de larga duración hasta 1975 con Leikki Riittää. La década de 1980 fue la década de mayor éxito para Koivuniemi, comenzando con Leikki Riittää en 1980. En total, lanzó ocho álbumes durante los 80, además de algunas recopilaciones de grandes éxitos. Se mantuvo activa y bastante popular durante la década de 1990, lanzando un álbum cada dos años y entrando regularmente en las listas de éxitos. Tras el cambio de siglo, su actividad disminuyó, pero su popularidad aumentó. Publicó un nuevo álbum cada pocos años y a menudo alcanzó el Top Ten, como con Yöperhonen (2006) y Nainen (2009). Dada su brillante trayectoria y su larga trayectoria, Koivuniemi se convirtió en una figura icónica en Finlandia.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Kuuleeko yö, o ¿Puede oír la noche?
Herman Friedrich Gräbe o Graebe nació en Gräfrath, Solingen, Alemania, el 19 de junio de 1900, y murió en San Francisco, California, Estados Unidos, el 17 de abril de 1986. Ingeniero. Justo entre las Naciones.
Hermann Friedrich Graebe fue un ingeniero alemán antinazi que presenció un horrible tiroteo masivo y dedicó su vida a salvar judíos y a dar testimonio.
Hermann nació en 1900 en el seno de una familia protestante de clase trabajadora en Renania. En 1931, se unió al partido nazi, pero pronto se desilusionó y lo abandonó. Comenzó a hablar públicamente contra Hitler, lo que provocó su arresto por la Gestapo y su encarcelamiento durante varios meses.
Tras formarse como ingeniero, al salir de prisión, Graebe se convirtió en supervisor de la construcción de las fortificaciones de la frontera occidental de Alemania. Reclutó a 500 judíos ucranianos, salvándolos de la deportación.
El 5 de octubre de 1942, Hermann trabajaba en el aeródromo cerca de Dubno, Ucrania, cuando vio cómo 5000 hombres, mujeres y niños judíos eran obligados a desnudarse y cavar sus propias tumbas antes de ser fusilados. Esta experiencia lo traumatizó y lo marcó profundamente para el resto de su vida.
Hermann decidió salvar a tantos judíos como pudiera. Alegando que su trabajo era esencial para el esfuerzo bélico alemán, contrató a muchos más trabajadores —todos judíos— de los que la empresa realmente necesitaba. Para salvar a aún más personas, creó documentos de identidad falsos que los hacían parecer "arios" para decenas de judíos. A sus expensas, creó una sucursal ficticia de la empresa en la remota Poltava y la utilizó para alojar a más trabajadores judíos.
Tras la guerra, Hermann ayudó a la División de Crímenes de Guerra del Ejército estadounidense a prepararse para los juicios de Núremberg. Fue el único alemán que testificó para la fiscalía, lo que lo convirtió en un paria en su país. En 1948, tras recibir numerosas amenazas de muerte, se mudó con su familia a San Francisco, donde continuó sus esfuerzos por llevar ante la justicia a los criminales de guerra nazis.
En 1965, Hermann Friedrich Graebe fue honrado como Justo entre las Naciones por el monumento conmemorativo del Holocausto israelí Yad Vashem. Falleció en San Francisco en 1986.
Por no permanecer impasible mientras los judíos eran masacrados, honramos a Hermann Friedrich Graebe como el Héroe del Jueves de esta semana.
James Paul McCartney nació en Liverpool, Reino Unido, el 18 de junio de 1942. Cantautor, compositor, multi instrumentista, empresario, productor, escritor, pintor y actor.
Paul McCartney (nacido el 18 de junio de 1942 en Liverpool, Inglaterra) es un vocalista, compositor, bajista, poeta y pintor británico cuyo trabajo en la década de 1960, con los Beatles contribuyeron a elevar la música popular, alejándola de sus orígenes en la industria del entretenimiento y transformándola en una forma de arte creativa y altamente comercial. Su colaboración como compositor con John Lennon se considera una de las grandes alianzas creativas del siglo XX. Además, es uno de los artistas solistas más populares de todos los tiempos, tanto por las ventas de sus grabaciones como por la asistencia a sus conciertos. Décadas después de su carrera con los Beatles, las actuaciones y grabaciones de McCartney seguían siendo consideradas eventos importantes. Produjo material nuevo aclamado por la crítica hasta bien entrado el siglo XXI, y en 2026 declaró a The New York Times: «La gente me pregunta: "¿Por qué sigues componiendo canciones?". Y es simplemente porque me encanta. Soy adicto».
Primeros años de vida
El padre de McCartney, James, trabajaba en la Bolsa de Algodón de Liverpool, y su madre, Mary, era comadrona, y salía a todas horas en bicicleta para traer bebés al mundo. Su muerte por cáncer de mama en octubre de 1956, cuando McCartney tenía 14 años, tuvo un profundo efecto en su vida y fue la inspiración para su balada “Let It Be” (1970). Su hermano menor, Michael, cambió más tarde su nombre a Mike McGear y tuvo varios éxitos en el grupo de rock satírico Scaffold. Al igual que sus compañeros Beatles George Harrison y Ringo Starr (Richard Starkey), McCartney creció en una sociedad tradicional de clase trabajadora del norte de Inglaterra, con una familia extensa que visitaba frecuentemente la casa en 20 Forthlin Road en el área de Allerton de Liverpool (la casa ahora es propiedad del National Trust). Su padre había sido el líder de la Jim Mac's Jazz Band, y por las noches la familia a menudo se reunía alrededor del piano, una experiencia que McCartney utilizó para canciones para cantar en grupo como “When I'm 64” (1967).
Los Beatles
El 6 de julio de 1957, se reunió con John Lennon en Woolton Village Fete, un festival local, y se unió a su grupo de skiffle, los Quarrymen, que, después de varios cambios de nombre, se convirtieron en los Beatles. Cuando la madre de Lennon murió atropellada por un coche de policía a gran velocidad en 1958, McCartney, con la muerte de su propia madre aún fresca en su memoria, pudo empatizar con el angustiado joven de 17 años, creando un vínculo que se convirtió en la base de su estrecha amistad. McCartney y Lennon se establecieron rápidamente como compositores del grupo y, para cuando los Beatles firmaron con EMI-Parlophone en 1962, ya escribían la mayor parte de su propio material. Para su tercer álbum, el grupo dejó de grabar versiones. La asociación de composición de Lennon y McCartney fue muy importante para ellos, tanto financiera como creativamente. Incluso en 1969, cuando estaban distanciados por asuntos de negocios y supuestamente no se hablaban, Lennon le trajo a McCartney su canción “La balada de John y Yoko” y trabajaron juntos en el “medio” (la sección independiente que suele aparecer a mitad de una canción). Su música trascendió las diferencias personales.
Aunque generalmente se le asocia con baladas y canciones de amor, McCartney también fue responsable de muchas de las canciones de rock más duras de los Beatles, como “Lady Madonna”, “De vuelta en la URSS”, y “Helter Skelter” (todo de 1968), pero sobre todo tiene un don extraordinario para las melodías y a veces añade una completamente nueva al final de una canción, como hizo con “Hey Jude” (1968). Esta habilidad se extiende a su forma de tocar el bajo, que es famosa por su melodía, aunque a menudo pasa desapercibida. Multiinstrumentista, McCartney también tocó la batería en algunas canciones de los Beatles y todos los instrumentos en algunos de sus álbumes en solitario, además de la guitarra solista en conciertos.
Wings y carrera en solitario
Los Beatles dejaron de dar conciertos en 1966. Tras su separación en 1970, McCartney grabó dos álbumes en solitario, McCartney (1970) y Ram (1971), antes de formar la banda Alas con su esposa Linda (antes Linda Eastman), una fotógrafa y música estadounidense con quien se casó en 1969. Quería tenerla con él en todo momento, y tenerla en el escenario resolvió muchos de los problemas que afectan a los matrimonios en el mundo de la música popular. Wings realizó giras por todo el mundo y se convirtió en el grupo pop más vendido de la década de 1970, con la asombrosa cifra de 27 éxitos en el Top 40 de EE. UU. (superando los 25 de Elton John) y cinco álbumes número uno consecutivos, incluido el aclamado Banda en fuga (1973) y Alas a la velocidad del sonido (1976).
Los problemas de seguridad causados por el asesinato de Lennon en 1980 impidieron que McCartney saliera de gira durante una década, y en su lugar se concentró en la grabación en estudio y en escribir y protagonizar la película de 1984. Give My Regards to Broad Street, que fue mal recibido. Sin embargo, a los críticos les encantó su álbum de 1989, Flowers in the Dirt, que coincidió con su regreso a las presentaciones en vivo, y Flaming Pie (1997) recibió aún más elogios. En 1997, McCartney fue nombrado caballero por la reina Isabel II "por sus servicios a la música". Al año siguiente, Linda murió de cáncer. (En la década de 2000, McCartney se casó y se divorció de una actriz y activista. Heather Mills. En 2011 se casó Nancy Shevell. Tiene cinco hijos. Con Linda McCartney tuvo a Mary, Stella y James, además de adoptar a Heather, la hija de Linda de su primer matrimonio. Con Heather Mills tuvo una hija, Beatrice.
En 1999, McCartney lanzó una colección bien recibida de canciones, en su mayoría de sus inicios en el rock and roll. Run Devil Run, que grabó con Pink Floyd. David Gilmour, con críticas más positivas. Sus álbumes pop de principios del siglo XXI incluyen Lluvia de golpes (2001), Caos y creación en el patio trasero (2005), Memoria casi llena (2007), Nuevo (2013) y Egypt Station, que debutó en el número uno de la lista Billboard 200 en septiembre de 2018.
McCartney rindió homenaje a su infancia en Liverpool en su álbum de 2026, Los chicos de Dungeon Lane. Algunas de sus canciones relataban sus primeros días con los Beatles, y se reunió con Starr en la pista «Home to Us». El álbum fue recibido por la crítica como algo más que una simple ensoñación nostálgica. Destacando la inigualable capacidad compositiva de McCartney, The Guardian afirmó que «su talento para la melodía sigue asombrando».
Otros trabajos y legado
Paul McCartney en concierto. Más que un músico de rock, Paul McCartney es también un activista dedicado a causas como los derechos de los animales y la eliminación de las minas terrestres.
McCartney tenía intereses más allá de la música popular. Inspirado por un encuentro con Willem de Kooning a finales de la década de 1970, comenzó a pintar, y a finales de la década de 1980 le dedicaba gran parte de su tiempo. Su obra se mostró públicamente por primera vez en mayo de 1999 en una retrospectiva celebrada en Siegen, Alemania. McCartney también se diversificó en otras áreas: su composición clásica semiautobiográfica El Oratorio de Liverpool, escrito en colaboración con el compositor estadounidense Carl Davis, fue interpretado por primera vez en 1991 por laOrquesta Filarmónica Real de Liverpool en la catedral anglicana de Liverpool, donde McCartney fracasó en su audición para ser niño de coro. Posteriormente supervisó la grabación de otras composiciones clásicas, como Standing Stone (1997), Working Classical (1999) y Ecce Cor Meum (2006). En 2001 se publicó un volumen de su poesía, Blackbird Singing, que también incluía algunas letras de canciones. Además, compuso la música para el ballet Ocean's Kingdom (2011) de Peter Martins. McCartney es autor de varios libros infantiles, entre ellos Hey Grandude! (2019).
Con unos 60 discos de oro y ventas de más de 100 millones de sencillos a lo largo de su carrera, McCartney es posiblemente el intérprete y compositor de mayor éxito comercial en la música popular. La canción de los Beatles de 1965 «Yesterday» (escrita íntegramente por McCartney e interpretada en solitario con un cuarteto de cuerdas) se ha reproducido unos seis millones de veces en la radio y la televisión estadounidenses, superando con creces a su competidor más cercano. Además, con más de 3000 versiones, es también la canción más grabada de la historia. En 2010, McCartney recibió el Premio Gershwin de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos a la Canción Popular, y ese mismo año fue homenajeado por el Kennedy Center. En 2018, fue nombrado Compañero de Honor. Es uno de los pocos músicos que ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock and Roll: primero con los Beatles en 1988 y de nuevo como solista en 1999.
McCartney es un firme defensor del vegetarianismo y los derechos de los animales, y participa activamente en campañas para aliviar la deuda de los países menos desarrollados, eliminar las minas terrestres y prevenir la matanza de focas. Más que un músico de rock, McCartney es considerado una institución británica; un ícono como la cerveza tibia y el críquet se ha convertido en parte de la identidad británica.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Pipes Of Peace.
Gregg es miembro fundador de las bandas Santana, The Storm, Abraxas Pool y Journey, de la cual fue el vocalista principal original. Actualmente se presenta con su banda, Gregg Rolie Band. Rolie ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto con Santana y Journey.
Trayectoria
Antes de Santana, Rolie tocó con un grupo llamado William Penn and his Pals mientras asistía a la preparatoria Cubberley en Palo Alto, California, alrededor de 1965. Un año después de graduarse de la preparatoria en 1965, Rolie se unió a Carlos Santana y otros para formar la Santana Blues Band, que más tarde se abrevió simplemente a Santana. Como miembro fundador de Santana, Rolie formó parte de la primera ola de éxito de la banda, incluyendo una presentación en el Festival de Música y Arte de Woodstock en 1969 y papeles centrales en varios álbumes exitosos. Es quizás más conocido por ser su vocalista principal original, con su voz impulsando éxitos clásicos de Santana como Black Magic Woman (n.° 4 en EE. UU.), Oye Como Va, No One To Depend On y Evil Ways. También se hizo famoso por su sonido único y su trabajo innovador con el órgano Hammond B3, con solos clásicos en muchos de los éxitos mencionados. Sin embargo, las persistentes diferencias con Carlos Santana respecto a la dirección musical de la banda llevaron a Rolie a abandonar el grupo a finales de 1971.
En 1973, Rolie se unió a una nueva banda con el ex guitarrista de Santana, Neal Schon; esta se convertiría en Journey. Como parte de una formación que incluía a Schon, Aynsley Dunbar, George Tickner y Ross Valory, fue el tecladista en los primeros seis álbumes de la banda. En Journey y Look into the Future, fue el vocalista principal, y en Next compartió esa función con el guitarrista Neal Schon. Después de que Steve Perry se uniera a la banda en 1977, Rolie cantó como vocalista principal en varias canciones de los álbumes Infinity, Evolution y Departure.
Tras dejar Journey en 1980, Gregg publicó varios álbumes en solitario, entre ellos el homónimo Gregg Rolie en 1985. Este álbum incluía la canción «I Wanna Go Back», que más tarde se convirtió en un éxito para Eddie Money, y contó con la colaboración de Carlos Santana, Peter Wolf, Neal Schon y Craig Chaquico. Su segundo trabajo en solitario, Gringo, se publicó en 1987.
Rolie formó The Storm en 1991 con Steve Smith (reemplazado por Ron Wikso después de la grabación del primer álbum) y Ross Valory de Journey. La banda también incluía a Josh Ramos (cuyo estilo de guitarra se asemeja al de Neal Schon) y Kevin Chalfant (cuya voz se asemeja a la de Steve Perry). Al igual que en su trabajo con Journey y Steve Perry, Rolie tocaba los teclados y era uno de los vocalistas principales en varias canciones del primer álbum homónimo de la banda, que alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes de Billboard y generó el sencillo "I've Got A Lot To Learn About Love", que llegó al Top Ten. A pesar de este éxito, su segundo álbum, grabado en 1993, fue archivado debido al cambio de enfoque de la industria hacia el rap y la música alternativa. Finalmente, tuvo un lanzamiento limitado en 1996, y en 1998, Rolie y otros exmiembros de Santana, incluido Neal Schon, se reunieron brevemente como Abraxas Pool, lanzando un álbum homónimo.
Cuando Schon se marchó para liderar una reformada formación de Journey ese mismo año, Rolie y Ron Wikso comenzaron a trabajar en 1999 en un CD en solitario de Gregg Rolie titulado "Roots", que finalmente dio lugar a la formación de la Gregg Rolie Band. Además de Rolie y Wikso, en "Roots" participaron Neal Schon, Alphonso Johnson, Dave Amato, Adrian Areas y Michael Carabello. En la Gregg Rolie Band, Kurt Griffey se hizo cargo de la guitarra y se incorporó Wally Minko como segundo teclista. Grabaron un CD en directo en Sturgis llamado "Rain Dance", que se publicó en 2009.
En 2010, Rolie lanzó "Five Days" y posteriormente formó un dúo con Alan Haynes, lo que finalmente llevó a la formación del Gregg Rolie Quartet, con la incorporación del colaborador de larga data y baterista, Ron Wikso, y el bajista Evan "Sticky" Lopez.
Entre 2012 y 2014, realizó una gira como miembro de Ringo Starr y su All Starr Band, interpretando éxitos de Santana como Black Magic Woman, Evil Ways y Everybody's Everything. La banda también incluía al guitarrista de Toto, Steve Lukather, Todd Rundgren, Richard Page, Mark Rivera y Gregg Bissonette. El 2 de febrero de 2013, Carlos Santana confirmó que reuniría a su formación clásica, la mayoría de cuyos miembros tocaron con él en Woodstock en 1969. Santana dijo sobre Rolie: "Estoy bastante seguro de que Gregg lo hará". En 2012, hablando sobre dicha reunión, Rolie declaró a Radio.com: "Es solo cuestión de organizarlo y llevarlo a cabo. Yo lo haría. Creo que es una gran idea. A la gente le encantaría. ¡Podría ser genial!".
Filantropía:
Gregg es un defensor de la educación musical para niños. En 2005, se convirtió en colaborador oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que proporciona instrumentos musicales e instrucción gratuitos a niños de escuelas públicas desfavorecidas en todo Estados Unidos. Forma parte de la Junta Directiva Honoraria de la organización.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con dos momentos deferentes de su carrera: Just the Same Way y Goin' Home.
Jóhannes Helgason (Reikiavik, 16 de junio de 1958) fue un guitarrista conocido por su trabajo en el grupo Þeyr y actualmente trabaja como piloto para Icelandair.
Las primeras bandas
En el invierno de 1972 Jóhannes Helgason se unió al vocalista Guðmundur Eyjólfsson, el bateristaHilmar Örn Hilmarsson, y el bajista Birgir Ottóson para formar una banda escolar llamada Fatima. Hacia 1974 Eiríkur Hauksson reemplazó a Guðmundur y el guitarrista Sigurgeir Sigmundsson se une a la banda, la cual se separó un año después.
La siguiente agrupación fue Piccolo, la cual duró dos años, y después de la misma, sus integrantes siguieron caminos distintos: Eiríkur alcanzó el éxito como vocalista de la banda noruega Art, y el resto de los integrantes siguieron como músicos de sesión. Jóhannes, se unió al cantante Magnús Guðmundsson, el bajista Hilmar Örn Agnarsson, y Hilmar Örn Hilmarsson en batería y sintetizador, que estaban en el grupo Fellibylur, y con la incorporación de la vocalista Elín Reynisdóttir y el baterista Sigtryggur Baldursson formaron una nueva banda llamada Frostrósir (Rosas Congeladas) y tocaron en Reikiavik y sus alrededores. Esta banda abrió el camino a un proyecto más ambicioso.
Þeyr
En 1979 Frostrósir cambió su nombre a Þeyr y Hilmar Örn Hilmarsson pasó a colaborar con algunas letras y como mánager de la banda junto a Guðni Rúnar Agnarsson. En ese año se contactaron con Svavar Gestsson del sello SG-Hljómplötur y le presentaron dos canciones. Una vez obtenido el acuerdo discográfico empezaron a grabar en enero de 1980 hasta febrero y se tomaron una pausa hasta septiembre, período que les sirvió para ser influenciados por el New Wave, por lo que cambiaron su estilo musical y esto trajo algunos inconvenientes con la discográfica al momento de lanzar su primer álbum.
El álbum al final fue lanzado con el nombre de Þagað í Hel (Callado Hasta la Muerte) en diciembre de 1980. Posteriormente la banda realizó varias presentaciones para la promoción del disco y la banda se amplió con la llegada del guitarrista Guðlaugur Kristinn Óttarsson. Hacia inicios de 1981, Jóhannes decide dejar la banda para continuar con sus estudios aeronáuticos y Elín también decide abandonar. Magnús quedó como el único vocalista y la banda incorpora al guitarrista Þorsteinn Magnússon.
En 1998, la discográfica Spor lanzó un compilado llamado Nælur, que contiene tres canciones de Þeyr, incluyendo “En”, de Þagað í Hel convirtiéndose en la única canción reeditada del primer álbum ya que las grabaciones originales se perdieron en un incendio en los estudios Tóntækni al poco tiempo de que el álbum fuera lanzado.
Estudios aeronáuticos
En febrero de 1978 después de terminar la preparatoria en Menntaskólinn við Sund, comenzó a tomar lecciones de vuelo en la escuela Flugtak. En la primavera de 1981 se retiró de Þeyr para concentrarse en sus estudios y obtuvo la licencia de vuelo comercial y la licencia de instructor de vuelo. Comenzó a trabajar para Flugtak por dos años, y más tarde trabajó como instructor de vuelo para Hnit Consulting Engineers. Desde febrero de 1983 ha estado volando para la compañía Icelandair.
Jóhannes Helgason está casado con Unnur Einarsdóttir y tiene dos hijos: Helgi (1982) y Atli Jóhannesson (1988).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Heilarokk.
Otto Clarence Luening nació en Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, el 15 de junio de 1900, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1996. Compositor, profesor de composición, director de orquesta y flautista.
Otto Luening (nacido el 15 de junio de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, EE. UU. y fallecido el 2 de septiembre de 1996 en Nueva York, NY) fue un compositor, director de orquesta, profesor de composición y flautista estadounidense conocido por sus innovadores experimentos de composición utilizando la grabadora de cinta.
El padre de Luening trasladó a su familia de Milwaukee a Múnich en 1912 y a Zúrich en 1917. Luening estudió en conservatorios de Múnich y Zúrich y con el compositor Ferruccio Busoni. Regresó a Estados Unidos en 1920 y ocupó puestos docentes en la Eastman School of Music, la Universidad de Arizona y el Bennington College. De 1944 a 1970, Luening enseñó en la Universidad de Columbia, donde dirigió un innovador grupo de producción de ópera que presentó un total de aproximadamente 40 óperas nuevas. En 1952 comenzó a experimentar con las posibilidades de las grabaciones en cinta magnética, y ese mismo año colaboró con el compositor Vladimir Ussachevsky presentando el primer concierto de música para grabadora en los Estados Unidos (en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York). En las décadas de 1950 y 1960, Luening, ya sea solo o en colaboración con Ussachevsky, compuso una variedad de obras en las que Los sonidos electrónicos se integran con la orquesta tradicional. Entre sus obras se encuentra Variaciones rapsódicas para grabadora y orquesta (1953), en la que la grabadora tiene un papel solista. En 1959, ambos fundaron lo que se convertiría en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York, que Luening codirigió hasta 1980.
Aunque fue un incansable defensor de la música contemporánea, Luening también compuso una considerable cantidad de música elegante y conservadora para instrumentos tradicionales. Entre estas obras se encuentran la Fantasía Sinfónica n.° 1 (1922-1924) y el Concierto de Louisville (1951). La autobiografía de Luening, La odisea de un compositor estadounidense, se publicó en 1980.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Fantasía Sinfónica Nº 1, en la versión de la Orquesta de Viena, dirigida por Frederick Charles Adler.
El programa Shalom de hoy recorre la historia de Ángel Sanz Briz, el diplomático español que salvó a miles de judíos durante el Holocausto nazi en Budapest. Un relato de valentía, memoria y humanidad y mucho más allá del deber, de un Justo entre las Naciones.
Renaldo Benson, más conocido como Obie Benson, nació en Detroit, Michigan, Estados Unidos, el 14 de junio de 1936, y murió en su ciudad, el 1 de julio de 2005. Cantante y compositor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Obie Benson fue la pieza clave de los Four Tops durante la dilatada trayectoria del legendario grupo de Motown, cantando el bajo y coreografiando sus impecables rutinas de baile. Su voz, que se escuchaba con brillantez junto al vocalista principal Levi Stubbs en clásicos como "Reach out, I'll Be There" y "Standing in the Shadows of Love", también fue un aclamado compositor por derecho propio, siendo el autor más famoso del emblemático tema de Marvin Gaye, "What's Goin' On".
Renaldo Benson nació en Detroit el 14 de junio de 1936 y se inició cantando doo wop y gospel junto a su compañero de instituto Lawrence Payton. En 1954, conocieron a Stubbs y Abdul "Duke" Fakir en una fiesta, poco después de formar The Four Alms. Tras ganar popularidad en un concurso de talentos local, el cuarteto cambió su nombre a The Four Tops en 1956 para evitar confusiones con los Ames Brothers. Sus primeros sencillos para Chess, Columbia y otros sellos no tuvieron éxito, y el grupo pasó casi una década en el circuito de clubes de jazz de Nueva York, actuando como teloneros del baladista Billy Eckstein y la Count Basie Orchestra. Mientras interpretaban un arreglo de jazz del clásico "In the Still of the Night" en el programa The Tonight Show de la NBC en 1963, The Four Tops captaron la atención del dueño de Motown Records, Berry Gordy Jr., quien inmediatamente les ofreció un contrato. El álbum Breaking Through, con influencias de jazz, apareció bajo el sello Workshop de Motown, pero no tuvo éxito. Mientras decidía qué rumbo tomar la carrera del grupo, Gordy los asignó a sesiones de acompañamiento encabezadas por las Supremes y otras estrellas de Motown.
Cuando se unieron al trío de compositores y productores Eddie y Brian Holland y Lamont Dozier, los Four Tops encontraron su ritmo, literal y figuradamente. Con los enérgicos solos de Stubbs envueltos en impresionantes armonías ancladas por Benson, el cuarteto alcanzó el éxito en las listas por primera vez con la conmovedora "Baby, I Need Your Lovin'" de 1964 y en los años siguientes encadenaron una serie de discos clásicos de soul que incluyen además "Bernadette", "Can't Help Myself (Sugar Pie, Honey Bunch)" y "It's the Same Old Song". Los Four Tops realizaron extensas giras por su país, Europa y Asia, siendo reconocidos por las impecables rutinas de baile ideadas por Benson.
Durante una parada en San Francisco, presenció un ataque policial contra un grupo de hippies, una experiencia que le resultó tan perturbadora que, al regresar a Detroit, se reunió con el compositor y productor de Motown, Al Cleveland, para componer "What's Goin' On", una crítica mordaz de la vida en una América dividida por la guerra de Vietnam. Sus compañeros de The Tops rechazaron la canción, considerándola poco más que una canción de protesta, y Benson intentó en vano interesar a Joan Baez. Finalmente, Gaye se decidió por "What's Goin' On", que se convirtió en el tema principal de su obra maestra de 1971 y que hoy se considera uno de los mejores sencillos pop de todos los tiempos.
Mientras tanto, los Four Tops abandonaron Motown en 1972 tras el traslado del sello discográfico a Los Ángeles. Nunca volvieron a alcanzar el mismo nivel de éxito creativo o comercial, llegando por última vez a las listas de éxitos pop de Billboard con el álbum Indestructible de 1988. Sin embargo, el grupo siguió siendo una atracción popular en directo, con su formación original intacta hasta la muerte de Payton en 1997; Benson continuó actuando como miembro de los Four Tops hasta poco antes de su propia muerte por cáncer de pulmón el 1 de julio de 2005.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Walk Away Renee y What's Going On, cantado por Marvin Gaye.
María del Olvido Gara Jova, más conocida como Alaska, nació en Ciudad de México, México, el 13 de junio de 1963. Cantante, guitarrista, actriz, compositora, presentadora de televisión, empresaria, escritora, productora y DJ.
(Olvido Gara Jova; México D.F., 1963) Cantante española de origen mexicano. Figura fundamental de la llamada movida madrileña, su inquieta trayectoria la llevó a fundar y en ocasiones liderar una serie de exitosos grupos musicales (Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Dinarama, Fangoria) que figuran entre lo más granado de la historia reciente del pop español.
El primero de ellos, Kaka de Luxe, se originó en un colectivo punk al que pertenecían Alaska (que a los diez años se había trasladado a Madrid con su familia) y Fernando Márquez "El Zurdo". Ambos fueron el núcleo de una iniciativa a la que se adherirían Enrique Sierra (voz), Nacho Canut (bajo), Carlos García Berlanga (guitarra), Manolo Campoamor (voz), y, algo más tarde, Pablo Martínez (batería)
Alaska
Su primera actuación en directo tuvo lugar en noviembre de 1977 en el pub People, en el barrio madrileño de Argüelles. Publicaron su primer disco en junio de 1978, poco después de participar en el Villa de Madrid, famoso concurso organizado por el ayuntamiento de la capital; llegaron a la final y quedaron segundos, ante la sorpresa de todos los presentes, que esperaban que se llevaran el primer premio. Diversos factores fueron desintegrando el grupo, que daría sus últimos conciertos en julio el mismo año, aunque no se disolvieron oficialmente hasta noviembre de 1978.
Kaka de Luxe fue el detonante de una original y gloriosa eclosión de bandas que tuvo lugar en el marco de la movida: comenzó en Madrid y se extendió con rapidez a todo el país en el comienzo de la década de los ochenta. El panorama musical de aquella época en España incluía rock duro, restos del rock de los setenta en sus facetas más decadentes y música disco; el punk fue el revulsivo que rompió el tedio de final de los setenta. Kaka de Luxe fue un grupo punk en sus formas, si bien su música no llegaba al punk clásico de The Ramones o los Sex Pistols, y navegaba en un terreno algo más pop. Esto, unido al estilo gracioso de las letras, hizo que ese puñado de canciones que compusieron se convirtieran casi instantáneamente en clásicos.
Tras su separación, los miembros de Kaka de Luxe se dispersaron por diversos grupos: Radio Futura, Paraíso, La Mode y Alaska y los Pegamoides. Este último reunió a Alaska, Carlos Berlanga y Nacho Canut, un trío que en aquel momento tenía grandes ideas, pero todavía pocos conocimientos musicales. Pronto se les unieron Ana Curra, teclista, y Eduardo Benavente, batería.
Alaska y los Pegamoides irrumpió en el panorama musical español con una estética pop, patente en temas como Horror en el hipermercado, Quiero ser un bote de Colón y sobre todo Otra dimensión, una de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos. Esos singles fueron editados por Hispavox, que los había contratado en 1980. Entretanto, la imagen de Alaska adquiría mayor proyección al interpretar a una sádica cantante de punk en el primer filme de Pedro Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), acaso el mejor retrato de aquellos años de la movida madrileña.
El álbum de debut de Alaska y los Pegamoides, Grandes Éxitos, llegó en 1982, y no contenía ninguna de las canciones conocidas previamente en single, sino otras como Bailando, La tribu de las chochoni o Llegando hasta el final. Después de editar su primer álbum, Alaska y los Pegamoides se deshizo. Ana Curra y Eduardo Benavente formaron el grupo Parálisis Permanente, de breve presencia en el panorama musical español debido al trágico accidente de circulación que acabó con la vida de Benavente, en mayo de 1983.
Dinarama surgió inicialmente como proyecto en solitario de Carlos Berlanga y Nacho Canut. Sin embargo, en poco tiempo aceptaron de nuevo ser comandados por la voz y la imagen de Alaska. En ese momento pasan a llamarse Dinarama + Alaska, para figurar finalmente como Alaska y Dinarama. Canciones profanas (1983) fue el primer elepé del grupo y probablemente el mejor. Contenía un buen número de canciones de enorme gancho comercial; del álbum se llegaron a extraer hasta cuatro singles, entre los que destacó especialmente Perlas ensangrentadas, todo un clásico del pop español de los primeros ochenta.
Un año más después aparecía su segundo disco, Deseo carnal, en el que Alaska y Dinarama abundaba nuevamente en el pop algo sofisticado, pero claramente comercial de su debut. El disco se convirtió en un rotundo éxito. No es pecado (1986) apenas ofreció sustanciales novedades, lo que sí ocurrió con Fan Fatal (1989), un disco en el que se apreciaba ya la divergencia entre el pop elegante y de corte clásico de Carlos Berlanga y las frivolidades para la pista de baile de las que gustan Alaska y Nacho Canut.
Fan fatal (1989)
Alaska y Nacho formarían finalmente su propio grupo, Fangoria. Sin dejar de tener una base pop, la nueva propuesta se orientaba hacia un sonido electrónico más experimental. Para su primer álbum, Salto mortal (1990), contaron con la colaboración de destacados artistas. Salto mortal gustó, pero también sorprendió y causó cierto estupor; se trataba de un disco de música tecno difícil de asimilar por el público masivo.
Tras ello, Alaska y Nacho crearon su propio sello, Metal Sonic Disco, y alquilaron una casa en Madrid donde instalaron un estudio de grabación, Vulcano (nombre del planeta de origen de Mr. Spock, personaje de Star Trek); una subdivisión de videojuegos, Bleep; otra de videoclips, Vídeo Inferno; y crearon el Club Fan Fatal, concebido no como un club de fans al uso, sino como un medio para intercambiar ideas entre personas con gustos parecidos. El Club también editaba regularmente un fanzine con toda la particular mitología de Fangoria.
El siguiente trabajo de Fangoria fue Un día cualquiera en Vulcano 1.0, primera entrega de una serie de tres mini-álbumes. En el disco se incluyeron los singles Sálvame y El dinero no es nuestro Dios; Big Toxic y los propios Fangoria se encargaron de hacer las remezclas. Paralelamente, los incansables Alaska y Nacho llevaban a cabo otras actividades. Entre 1990 y 1997 dirigieron la discoteca Stella, con la filosofía de hacer un club para bailar que fuera distinto cada día. Entre 1992 y 1998 dirigieron también Morocco, sala de conciertos y de música lounge, que abrió sus puertas en Madrid y en Buenos Aires.
El segundo capítulo vulcaniano, Un día cualquiera en Vulcano 2.0, se publicó en 1993, y el tercero, en 1995. En 1996 publicaron A la felicidad por la electrónica, con remezclas del 3.0 realizadas por Vanguard, Big Toxic y Culture Kultur y con Luis Paniagua tocando el sitar. Pero Fangoria se quedó sin sello para distribuir su obra, y Alaska y Nacho empezaron a trabajar de discjockey. En la temporada 94-95 trasladaron el estudio Vulcano a Londres, pero poco después lo cerraron. Lo mismo ocurrió con todas las subdivisiones de su pequeño emporio. Sólo subsistió el Club Fan Fatal, que cada año editaba discos con versiones de variados grupos y artistas.
Nacho Canut y Alaska en la portada de Una temporada en el infierno (1999)
En 1999 publicaron el celebrado Una temporada en el infierno, producido por Carlos Jean y mejor disco del año para casi toda la crítica especializada. De él se extrajo como single Electricistas, una canción-himno con visos de convertirse en todo un clásico. Tras el éxito de Una temporada en el infierno, el matrimonio artístico que forman Alaska y Nacho Canut volvió a ponerse manos a la obra para editar en 2001 Naturaleza muerta, un nuevo trabajo con doce canciones cortas y bailables, montadas "para simular el efecto de una pastilla: empieza suave, va subiendo y baja". A finales de 2002, Fangoria lanzó al mercado su álbum Hombres y, en abril de 2004, Arquitectura efímera.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con No puedo quitar mis ojos de ti, cantando a dúo con Raphael.
Peter Granville Farndon, conocido como Pete Farndon, nació en Hereford, Reino Unido, el 12 de junio de 1952, y murió en Londres, Reino Unido, el 14 de abril de 1983. Bajista y guitarrista.
El sitio de Facebook Los muertos del rock, publicó este recordatorio.
Pete Farndon nació en Reino Unido en 1952. Fue bajista y miembro fundador del grupo de rock The Pretenders. Además de tocar el bajo, añadía coros e intervino en la composición de dos de las canciones del grupo –«The Wait» y «Space Invader»–.
Farndon se unió a los Pretenders a principios de 1978 y fue el primer miembro de la formación de 1978-82 en ser reclutado por Chrissie Hynde. Luego Farndon reclutó al guitarrista principal James Honeyman-Scott.
Hynde reconoció más tarde que dos canciones de los Pretenders, "Biker" y "Samurai", tenían "referencias a un personaje tipo Pete Farndon". Como intérprete, Hynde recordaba que "Pete era fantástico: no era un gran músico, pero tenía mucho corazón, como en el boxeo, podía ganar la pelea sólo con el corazón. Y tenía una gran energía”.
A principios de 1982, el consumo de drogas de Farndon estaba provocando relaciones tensas con sus compañeros de banda. El guitarrista James Honeyman-Scott amenazó con dejar la banda si no se despedía a Farndon. El 14 de junio de 1982, el director de la banda, Dave Hill, por orden de Hynde, despidió a Farndon. Dos días después del despido de Farndon, Honeyman-Scott fue encontrado muerto de insuficiencia cardíaca causada por una sobredosis de cocaína. Tras cuatro años de carrera de The Pretenders, Hynde y el baterista Martin Chambers eran los únicos miembros originales que quedaban.
Después de su despido de los Pretenders, Farndon trabajó con el ex baterista de The Clash, el guitarrista Henry Padovani, el organista Mick Gallagher y el vocalista Steve Allen (antes de Deaf School) en una banda que llamaron Samurai.
El 14 de abril de 1983, a los 30 años, Farndon fue encontrado por su mujer ahogado en la bañera de su casa de Londres, tras haber perdido el conocimiento por una sobredosis de heroína.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Wait.
Joseph Di Nicola, más conocido como Joey Dee, nació en Passaic, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de junio de 1940. Cantante, compositor, saxofonista y actor.
Joey Dee and the Starliters (también conocidos como Joey Dee and the Starlighters ) es un grupo de música popular estadounidense. El grupo es más conocido por su grabación millonaria "Peppermint Twist" (1961). La formación más destacada del grupo es considerada Joey Dee, David Brigati, Larry Vernieri (voz), Carlton Lattimore (órgano), Sam Taylor (guitarra) y Willie Davis (batería). Jimi Hendrix y Joe Pesci tocaron la guitarra con el grupo en diferentes momentos en la década de 1960.
Primeros sencillos
Con el vocalista principal Rogers Freeman, el primer sencillo de Joey Dee and the Starliters fue "Lorraine", con "The Girl I Walk To School" en la cara B, en 1958, distribuido por la compañía Little. Ese mismo año, Joey Dee reclutó a David Brigati para el grupo tras conocerlo durante un concierto en la escuela secundaria Garfield en Nueva Jersey. David y Joey compartirían posteriormente las voces principales de los Starliters, y Joey se convertiría finalmente en el vocalista principal. Otro de los primeros sencillos del grupo fue "Face of an Angel", con David como vocalista principal, lanzado por Scepter Records; la cara B era "Shimmy Baby". Posteriormente, la compañía Scepter también lanzó un álbum titulado The Peppermint Twisters, acreditado a "Joey Dee and the Starlighters".
Los años sesenta
En 1960, el agente Don Davis descubrió a los Starliters mientras actuaban en el club nocturno Oliveri's de Lodi, Nueva Jersey. El grupo fue contratado para tocar en el Peppermint Lounge, un local íntimo en la calle 45 de Nueva York, en lo que se suponía que sería una actuación única de fin de semana. Durante su primera presentación en el club, la actriz Merle Oberon y el príncipe Serge Oblinski bailaron allí gran parte de la noche, según informaron a la mañana siguiente los columnistas Earl Wilson y Cholly Knickerbocker. La noche siguiente, se necesitaron barricadas y policía montada para contener a la multitud, que llegaba hasta Broadway, y durante varios meses, la locura continuó en el Lounge. Celebridades como Judy Garland, John Wayne, Jackie Kennedy, Nat "King" Cole, Shirley MacLaine, Tennessee Williams, Truman Capote y Liberace siguieron apareciendo por el local. Dee y compañía fueron tal sensación que se convirtieron en la banda residente del Peppermint Lounge durante más de un año. Dee escribió "Peppermint Twist", junto con el productor Henry Glover, como un homenaje al salón y la canción alcanzó el número uno en las listas de éxitos de EE. UU. a principios de 1962. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. Para entonces, el equipo había firmado un contrato con Roulette Records.
Dee en 1962
En 1961, Joey Dee y los Starliters filmaron la película Hey, Let's Twist, protagonizada por Jo Ann Campbell y Teddy Randazzo, para Paramount Pictures. Hey, Let's Twist era una historia ficticia de Joey Dee (Randazzo y Dino DiLuca interpretaron los papeles del hermano y el padre de Joey, respectivamente) y el Peppermint Lounge; su lanzamiento capitalizó la moda del twist del momento y convirtió al Lounge, antes desconocido, en famoso. La película y el álbum de la banda sonora contribuyeron a que el Peppermint Lounge se convirtiera en un local de fama mundial. Los sencillos exitosos que surgieron de Hey, Let's Twist fueron la canción que da título al álbum y "Shout, Part I", que se convirtió en el segundo disco más vendido del grupo, alcanzando el número seis en la lista de éxitos de Estados Unidos. También vendió un millón de copias, lo que le dio al grupo su segundo disco de oro. Otros álbumes publicados durante este tiempo fueron Doin' The Twist at the Peppermint Lounge, que fue grabado en vivo en el local, y All The World's Twistin' With Joey Dee & the Starliters (1961).
En 1962, Joey Dee y los Starliters protagonizaron su segunda película, Two Tickets to Paris, junto con Gary Crosby, Jeri Lynne Fraser y Kay Medford. Una de las canciones de esta película, "What Kind Of Love Is This", escrita por Johnny Nash, fue lanzada en septiembre de ese año y alcanzó el Top Twenty. En diciembre de 1962, los Starliters originales hicieron su última sesión de grabación como grupo, produciendo "Help Me Pick Up the Pieces", también compuesta por Nash, y "Baby, You're Driving Me Crazy", escrita por Joey Dee y Henry Glover. En 1963, Joey Dee grabó un álbum titulado Dance, Dance, Dance, con las Ronettes como su grupo de acompañamiento. Durante la primavera de ese año, Roulette lanzó la canción "Hot Pastrami with Mashed Potatoes", del álbum en vivo previamente publicado, como un sencillo de dos partes; el disco llegó al Top Forty de EE. UU. Roulette lanzó más tarde "Ya Ya" y "Fannie Mae" del mismo álbum. También en 1963, el exeditor de Mersey Beat, Bill Harry, cita en las notas de la carátula del CD de 2004, The Early Tapes Of The Beatles, que el grupo fue la banda de acompañamiento en la canción Ruby Baby de Tony Sheridan, aunque esto no ha sido verificado por ningún miembro. La canción ha sido ampliamente reeditada en varias versiones de las grabaciones de los Beatles en Hamburgo. Durante octubre y noviembre de 1963, los Starliters giraron por Europa, ofreciendo una noche extraordinaria en Estocolmo con los Beatles (que ya eran la banda más grande del norte de Europa) como teloneros. En 1964, Joey Dee salió de gira con varios Starliters, incluidos los futuros Young Rascals Gene Cornish, Felix Cavaliere y el hermano de David, Eddie Brigati.
Jimi Hendrix y Joe Pesci tocaron la guitarra con el grupo en diferentes momentos en la década de 1960.
Historia posterior
Dee continuó grabando y publicando grabaciones en solitario desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 1970, incluyendo una canción que escribió con los miembros originales de Starliters, David Brigati y Larry Vernieri, titulada "How Can I Forget", que fue lanzada bajo el nombre de Joey Dee and the New Starliters.
En 2001, el grupo apareció en un programa especial de PBS, Rock, Rhythm and Doo-Wop, y en 2005 participaron en el teletón de Jerry Lewis para la distrofia muscular.
En 2009, Joey Dee and the Starliters estaba formado por Dee, quien a veces actuaba con Bobby Valli (hermano de Frankie Valli) y el miembro original de Starliters, David Brigati, y otras veces con los miembros originales de Soul Survivors, Charlie y Richie Ingui. Los tres cantantes lideraban el grupo interpretando sus propios éxitos, así como versiones de otros artistas. El hijo de Joey, Ronnie DiNicola, solía tocar el saxofón y hacer los coros para su padre.
Dee ha residido durante mucho tiempo en el condado de Pinellas, en Florida.
El 19 de septiembre de 2010, se dedicó una esquina de una calle en honor a la banda en su ciudad natal de Passaic, Nueva Jersey. La firma de la calle tuvo lugar en la esquina de Washington Place y Columbia Ave.
En 2021, Joey Dee publicó su autobiografía, titulada Peppermint Twist Chronicles: My True Story of Sex, Rock n' Roll, Jimi Hendrix, Fighting Racism, and the Mob (Crónicas de Peppermint Twist: Mi verdadera historia de sexo, rock n' roll, Jimi Hendrix, la lucha contra el racismo y la mafia). Las memorias de Dee fueron coescritas por J. Kevin Morris.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Peppermint Twist.
Kelley Deal, hermana gemela de Kim Deal, nació en Dayton, Ohio, Estados Unidos, el 10 de junio de 1961. Cantante y compositora. Toca bajo, guitarra y violín.
Kelley Deal, guitarrista de The Breeders: "Nunca fuimos las hermanas menores de los Pixies"
La banda viene a Chile a conmemorar los 20 años de su disco más célebre, <I>Last splash</I>. </P>
Por La Tercera 24 JULIO 2013
Hace 20 años, Kelley Deal vivía en una casa flotante en las orillas de Sausalito, un barrio pudiente de San Francisco. "Era más barato vivir en barcos", recuerda al teléfono, "y a la vez surreal". En tierra firme, en los estudios Record Plant -donde Fleetwood Mac hizo Rumors- se mezclaba el disco Last splash, el álbum más importante de su banda The Breeders y del cual se extrajo el hit Cannonball. Fueron un par de semanas flotando, hasta que emergió el disco con que su grupo se graduó como uno de los más importantes de los años 90, con más de un millón de copias vendidas en su primer año. Un álbum que, como muchas otras bandas de esa época, motivó la reunión de sus miembros originales y que hoy tiene a The Breeders girando por el mundo, con parada en Chile para este sábado, para tocar Last splash de principio a fin.
Dos décadas atrás, estaban de gira con Nirvana. ¿Cuán distintos eran esos días?
Nirvana era la banda más grande del mundo y se notaba. No creo que eso vuelva a pasar. Hoy tienes a Lady Gaga, Justin Bieber o lo que sea, pero nunca más habrá una banda tan grande. Soy feliz de haber formado parte de eso.
Tenían un hit como Cannonball que liberó a The Breeders de ser "el otro grupo de Kim Deal". ¿Cómo toman distancia hoy, de Pixies?
Como The Breeders se volvió en algo tan grande como Pixies, nunca fuimos "los hermanas chicas". Quizás en Sudamérica, pero nunca lo sentimos así. Siempre me ha interesado mostrar una banda de chicas haciendo rock.
Tuvo que aprender a tocar guitarra cuando su hermana la invitó a unirse, en 1992. ¿Cómo cambió su relación con la música?
Bueno, ahora sé tocar. Pero debo decir que tocaba con Kim desde que éramos chicas. Fue muy fuerte renunciar a mi trabajo (analista de sistemas), porque me gustaba. Tenía un grado de seguridad que me permitía acceder a documentos secretos, era cool. Me lancé, nada más.
Y la caída fue dura: en 1994 entró a rehabilitación por drogas.
Es que no fue la música o salir de gira lo que me hizo alcohólica o adicta a las drogas. Eso partió antes, cuando era chica. Fui yo. Sí, creo que la música te da algunas horas en el día para recuperarte, que te permite reventarte todos los días, así que probablemente activó mi hábito. De no haber renunciado a mi trabajo, probablemente habrían sido años de descenso silencioso, sin tocar fondo. Honestamente, es algo que agradezco.
Hace pocas semanas se conoció que Kim Deal ya era parte de Pixies. ¿Cómo lo resolvieron?
No nos afecta. Hemos lidiado con estos quiebres desde los 90. Somos hermanas, siempre vamos a tocar música juntas. Los Pixies sacaron este anuncio hace poco, pero nos había comentado esta noticia en diciembre pasado, así que no nos tomó por sorpresa. Hace meses que los Pixies están separados.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Canyon.
Foto: Al Pereira/Michael Ochs Archives/Getty Images
Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul, nació en Waukesha, Wisconsin, Estados Unidos, el 9 de junio de 1915, y murió en Nueva York, White Plains, Estados Unidos, el 13 de agosto de 2009. Guitarrista.
Les Paul fue músico y uno de los pioneros de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido.
Actualizado: 30 de noviembre de 2021, 14:27 EST
(1915-2009)
¿Quién fue Les Paul?
Les Paul diseñó una guitarra eléctrica de cuerpo sólido en 1941, pero para cuando Gibson la tuvo lista para su producción en 1952, Leo Fender ya había fabricado en masa la Fender Broadcaster cuatro años antes, adelantándose así a Paul en el reconocimiento popular por la invención. No obstante, la Les Paul se ganó una legión de seguidores, y su versatilidad y equilibrio la convirtieron en la guitarra favorita de muchos guitarristas de rock.
Primeros años
Les Paul nació como Lester William Polsfuss el 9 de junio de 1915 en Waukesha, Wisconsin. Según al menos un testimonio, la habilidad musical de Paul en sus inicios no era excepcional. "Tu hijo, Lester, nunca aprenderá música", escribió un profesor a su madre. Pero nadie pudo disuadirlo de intentarlo, y de niño aprendió a tocar la armónica, la guitarra y el banjo por su cuenta.
En su adolescencia, Paul tocaba en grupos de música country por todo el Medio Oeste. También actuaba en directo en emisoras de radio de San Luis, donde se hacía llamar Rhubarb Red.
Además del interés de Paul por tocar instrumentos, le apasionaba modificarlos. A los nueve años construyó su primera radio de cristal. A los diez, fabricó un soporte para armónica con una percha, y más tarde construyó su propia guitarra amplificada.
No conforme con ser solo un músico de country, Paul desarrolló un interés por el jazz y, a mediados de la década de 1930, se mudó a Chicago y formó el Trío Les Paul. Formó su primer trío y aprendió jazz en el South Side de Chicago mientras tocaba música country durante el día en las emisoras de radio de la ciudad. Para la década de 1940, Paul se había consolidado en el mundo del jazz, grabando con estrellas como Nat King Cole, Rudy Vallee y Kate Smith.
La nueva guitarra eléctrica
En 1941, el perfeccionista Paul creía que podía mejorar la guitarra amplificada común. Para ello, le añadió cuerdas y dos pastillas a lo que era esencialmente una tabla de madera con un mástil de guitarra. Paul la llamó "el tronco" y, aunque recibió algunas críticas iniciales, principalmente por su aspecto, producía justo el tipo de sonido que su creador buscaba.
"Podías salir a comer, volver y la nota seguiría sonando", describió más tarde.
Fue la primera guitarra de cuerpo sólido y revolucionó la música de maneras increíbles. En la década de 1960, el mundo del rock la acogió con entusiasmo y la adoró. Para entonces, Paul se había asociado con el fabricante de guitarras Gibson, que lo contrató para diseñar una Les Paul. Paul se había acercado a Gibson en 1941, pero pasaron 10 años, y la presentación de la guitarra de cuerpo sólido de Leo Fender para Gibson, para que la compañía desarrollara lo que hoy se conoce como la Gibson Les Paul.
Músicos como Keith Richards, Eric Clapton y Paul McCartney usaron esta guitarra. Desde su debut en 1952, la Gibson Les Paul ha sido una de las guitarras más populares y vendidas.
La dedicación de Paul a la música era tal que en 1948 un accidente automovilístico le provocó una fractura en el codo derecho. Ante la perspectiva de que los médicos le colocaran el brazo en una posición que le impediría volver a moverlo, Paul, siempre pendiente de su carrera, pidió que se lo colocaran en un ligero ángulo para poder seguir tocando la guitarra.
Artista discográfico revolucionario
La influencia de Paul en el mundo de la música se extendió mucho más allá de la guitarra. Animado por Bing Crosby, con quien había actuado y grabado, Paul construyó un estudio de grabación en el garaje de su casa en Los Ángeles en 1945.
Allí, Paul experimentó con diversas técnicas de grabación. Su gran éxito llegó en 1948 con la grabación de la canción "Lover", que utilizó varias pistas y le permitió introducir sus nuevas técnicas de grabación. Poco después, Paul ya creaba grabaciones de 24 pistas y producía éxitos como "How High the Moon" y "The World Is Waiting for Sunrise".
Estatus de estrella
Tras divorciarse de su primera esposa, Virginia Webb, Paul conoció a Colleen Summers, una cantante que había tocado con la banda de Gene Autry. Paul le cambió el nombre a Mary Ford y comenzó a grabar con ella. Se casaron en 1949 y, durante gran parte de la década de 1950, ambos tuvieron su propio programa de televisión, Les Paul and Mary Ford at Home.
Además, la pareja cosechó más de tres docenas de éxitos juntos, todos ellos utilizando las técnicas de grabación que Paul había creado en su estudio.
En sus últimos años, la reputación y la leyenda de Paul en la industria musical no hicieron más que crecer. Su último álbum grabado, American Made, World Played, se lanzó en 2005 y contó con la participación de artistas como Keith Richards, Jeff Beck, Sting y Eric Clapton. Paul ganó dos premios Grammy por este álbum.
Entre sus numerosos galardones, Les Paul es la única persona que ha sido incluida tanto en el Salón de la Fama del Rock and Roll como en el Salón de la Fama de los Inventores Nacionales.
Muerte
Según la revista Rolling Stone, Paul falleció el 12 de agosto de 2009 a causa de complicaciones derivadas de una neumonía. Otras fuentes indican el 13 de agosto como la fecha de su muerte, pero su monumento conmemorativo en Waukesha, Wisconsin, señala el 12 de agosto como la fecha oficial. Paul fue sepultado en el cementerio Prairie Home junto a su madre.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con How High The Moon cantada por Mary Ford.
Alida Margaretha Bosshardt nació en Utrecht, Países Bajos, el 8 de junio de 1913, y murió en Ámsterdam, Países Bajos, el 25 de junio de 2007. Oficial del Ejército de Salvación. Justa entre las Naciones.
El sitio de Facebook La Fraternidad Internacional de Cristianos y Judíos publicó este recordatorio.
Héroes del Holocausto | Alida Bosshardt
Alida Bosshardt, cristiana neerlandesa y miembro del Ejército de Salvación, dio refugio y cuidó a muchos niños judíos durante el Holocausto.
Nacida en una familia cristiana en Utrecht, Países Bajos, Alida Bosshardt demostró ser independiente y de carácter fuerte desde muy joven. Siendo aún adolescente, se unió al Ejército de Salvación.
Alida comenzó a cuidar a niños de familias desestructuradas en el barrio judío de Ámsterdam. Para 1941, cuatro de los niños a los que cuidaba eran las hermanas judías Terhorst: Hendrina, Helena, Dimphina y Roosje. Casi al mismo tiempo, los nazis comenzaron a perseguir a los judíos neerlandeses, ilegalizando al Ejército de Salvación y confiscando sus propiedades y fondos. Sin embargo, la casa que Alida dirigía continuó acogiendo niños, aunque como residencia privada.
Muchas familias judías comenzaron a llevar a sus bebés con Alida, confiando en que ella encontraría lugares donde esconderlos. Alida lo hizo, incluso paseando a los pequeños por Ámsterdam en bicicleta.
Sin embargo, poco después, los nazis clausuraron la casa de Alida. Llevándose consigo a tantos niños como pudo, Alida encontró un nuevo apartamento y continuó cuidando de sus amados hijos judíos. Durante la mudanza, les quitó las estrellas de David amarillas, obligatorias por los nazis, de la ropa de los niños, explicando: «Nosotros no hacemos este tipo de cosas».
Después de que su nuevo hogar quedara casi destruido por una bomba perdida, Alida y los niños se mudaron. Cuando estas mudanzas se hicieron más frecuentes, ella buscaba escondites para los niños.
Como tantos otros durante este oscuro capítulo de la historia, Alida fue traicionada y arrestada por los alemanes. Pero mientras estaba detenida en la sede de la Gestapo, escapó. Conscientes del peligro que corría, sus superiores le ordenaron que se escondiera. Ella obedeció, pero tan pronto como pasó la amenaza inmediata, esta heroína del Holocausto volvió a rescatar y cuidar de niños judíos. Lo hizo hasta el final de la guerra y mantuvo el contacto con los niños que había salvado durante décadas, incluso ya nonagenaria. En 2004, Yad Vashem reconoció a Alida Bosshardt como Justa entre las Naciones.
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