Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Cantante, actriz y presentadora de radio y televisión. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Barcelona. En 1963 comenzó a componer uniéndose al grupo Els Setze Jutges en 1964, año en que salió su primer single “Els snobs”, iniciando así su recorrido en el movimiento musical de la “Nova Cançó”. En 1965 grabó “Recital Guillermina Motta”, con el que obtuvo el Gran Premio de Disco Catalán del Año y en 1966 debutó en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona, en un concierto colectivo de Els Setze Jutges. En 1968 actuó en Francia y Bélgica. En 1969 recibió varios premios por “Visca l’amor” e intervino en las representaciones de “Amics i coneguts” del Teatro Poliorama. Protagonizó la película “Topical Spanish” de Ramón Masats en 1970 y presentó su disco homenaje al cuplé “Remena nena”. Al año siguiente Mario Gas la dirigió en la obra del mismo título en la sala La Paloma de Barcelona. En 1972 intervino en la película “Los viajes escolares” de Jaime Chávarri y presentó el espectáculo “Tango”, dirigido por Mario Gas, que se grabará en disco y que permaneció durante dos años en cartel en las salas Martin’s y Gaslight de Barcelona. Grabó un programa especial de la serie “A su aire” en Televisión Española en 1973 y ese mismo año grabó el disco en castellano con letras de Manuel Vázquez Montalbán titulado “Guillermotta en el país de las Guillerminas”. En 1974 protagonizó un especial para televisión titulado “Cançons que estimo per els llocs que estimo” y TVE emitió “La hora de Guillermina Motta”. En 1975 se incorporó a la organización socialista en Barcelona. Los días 28 y 29 de noviembre de 2002 realizó su última presentación en concierto en la sala L’Espai de Barcelona, actuación en la que recordó lo principal de su repertorio, siendo grabados en una caja de 6 CD con el título “Fent equilibris”. Trabajó como presentadora de programas de música en la radio catalana y colaboradora de programas de televisión en RTVE y TV3. Junto a Enric Barbat y Joan Manuel Serrat se caracterizó en los años de la Nova Cançons por utilizar también el castellano en alguno de sus discos frente al monolingüismo militante en catalán que reivindicaban otros componentes del mencionado movimiento. En 2007 fue galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento a su labor realizada para Els Setze Jutges, aunque no recogió el premio personalmente por considerar que llegaba demasiado tarde. Después de anunciar su retirada, en 2008 participó en el CD colectivo “Catorze poemes, catorze cançons” en homenaje a la poetisa María Mercè Marçal, grabando el tema “Sóc culpable”.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Remena nena.
John Anthony Burgess Wilson, más conocido como Anthony Burgess, nació en Harpurhey, Mánchester, Reino Unido, el 25 de febrero de 1917, y murió en Londres, Reino Unido, el 22 de noviembre de 1993. Autor, compositor, poeta, libretista, dramaturgo, guionista, traductor y lingüista.
John Burgess Wilson nació en Harpurhey, Mánchester, el domingo 25 de febrero de 1917. Su madre, Elizabeth Burgess, era cantante y bailarina en teatros de music-hall de Glasgow y Mánchester. Su padre, Joseph Wilson, tocaba el piano en salas de música y trabajaba como vendedor ambulante de enciclopedias antes de alistarse en el Cuerpo de Pagos del Ejército durante la Primera Guerra Mundial.
La madre de Burgess y su única hermana, Muriel, fallecieron durante la pandemia de gripe de 1918. La pérdida de su madre tuvo un profundo impacto en su vida y obra literaria. En 1922, Joseph Wilson se casó con una tabernera, Margaret Dwyer (de soltera Byrne), y la familia vivió encima de un pub, el Golden Eagle, en Lodge Street, en la zona de Miles Platting de Mánchester. Para 1928, cuando Burgess se matriculó en la escuela secundaria, se mudaron a Moss Side, donde escribió sus primeros poemas y relatos publicados. Afirmó haber compuesto su primera sinfonía a los 18 años, aunque no se interpretó y el manuscrito no se ha conservado.
Burgess estudió en el Xaverian College y en la Universidad de Manchester, graduándose en Literatura Inglesa en 1940. Sirvió en el Cuerpo Médico del Ejército Real y en el Cuerpo Educativo del Ejército de 1940 a 1946. En 1942 se casó con su primera esposa, Llewela (Lynne) Jones, en Bournemouth, mientras era director musical de una banda de baile del ejército. Desde diciembre de 1943 estuvo destinado en Gibraltar, donde, como miembro del Cuerpo Educativo del Ejército, impartió un curso titulado «The British Way and Purpose» a las tropas. En agosto de 1945 compuso una Sonata para violonchelo y piano en sol menor, que es su obra musical más antigua que se conserva.
Tras la guerra, Burgess impartió clases en colegios de Wolverhampton y Bamber Bridge. En 1950 se mudó con Lynne a Adderbury, en Oxfordshire, y enseñó en la cercana Banbury Grammar School. Su primera obra de teatro se completó en 1951. Por aquella época escribió sus dos primeras novelas: Una visión de las almenas, basada en sus experiencias en Gibraltar, y El gusano y el anillo, aunque ninguna se publicó hasta varios años después.
En 1954, Burgess y Lynne se mudaron a Kuala Kangsar, en la provincia malaya de Perak, donde él impartió clases en el Malay College. En 1956, publicó su primera novela, Time for a Tiger, bajo el seudónimo de Anthony Burgess. Continuó compaginando su carrera docente con la de escritor, completando su Trilogía Malaya con las novelas The Enemy in the Blanket (1958) y Beds in the East (1959). Con el nombre de John Burgess Wilson, publicó una historia de la literatura inglesa en 1958. Lynne y Burgess se mudaron de Malasia a Brunéi, pero a finales de 1959, él sufrió un colapso en el aula y tuvo que regresar a Inglaterra con una misteriosa enfermedad.
Su prolífica producción literaria como novelista comenzó en esta época, mientras buscaba mantener a su futura viuda. A finales de 1962, había publicado siete novelas, entre ellas El doctor está enfermo, El gusano y el anillo, La naranja mecánica y La semilla que falta. Colaborando con Lynne, tradujo tres novelas del francés. También adoptó otro seudónimo, publicando dos novelas, Una mano aplaudiendo (1961) y Dentro del señor Enderby (1963), bajo el nombre de Joseph Kell. Su trabajo como periodista literario y colaborador frecuente en programas de radio y televisión comenzó en 1961.
La década siguiente fue prolífica, con Burgess publicando otras cinco novelas antes de 1970, así como diversas obras críticas, incluyendo su edición abreviada de Finnegans Wake de James Joyce. Por aquella época también trabajó en una edición abreviada de Ulises. Tras una larga enfermedad, Lynne falleció por insuficiencia hepática en marzo de 1968.
Ese mismo año, Burgess se casó con Liliana (Liana) Macellari Johnson, lingüista y traductora italiana. Junto con el hijo de Liana, Paolo Andrea (posteriormente conocido como Andrew), pronto dejaron Inglaterra para trasladarse a Malta, iniciando una vida itinerante que duraría el resto de la vida de Burgess. Adquirieron varias casas por toda Europa, incluyendo residencias en Londres, Cambridge, Roma, Bracciano, Lugano y Callian, en el sur de Francia, antes de establecerse en Mónaco a mediados de la década de 1970.
A lo largo de este período, Burgess continuó su prodigiosa producción como novelista, poeta, guionista, presentador y compositor. Sus créditos televisivos incluyen Moses the Lawgiver, protagonizada por Burt Lancaster, Jesus of Nazareth, dirigida por Franco Zeffirelli y con Robert Powell como Jesús, y la miniserie épica AD: Anno Domini. En total, escribió treinta y tres novelas y más de veinticinco obras de no ficción, incluyendo dos volúmenes de autobiografía, Little Wilson and Big God (1987) y You've Had Your Time (1990). Hay tres volúmenes publicados de sus ensayos: Urgent Copy (1968), Homage to Qwert Yuiop (1986) y One Man's Chorus (1998).
La novela más sustancial de Burgess, Poderes Terrenales, se publicó con gran éxito internacional en 1980. George Steiner escribió en The New Yorker: «Todo el panorama se vuelve más brillante gracias a Poderes Terrenales, una proeza de amplitud imaginativa e inteligencia que eleva la ficción a un nuevo nivel». Poderes Terrenales recibió el Premio Charles Baudelaire y el Premio del Mejor Libro Extranjero en Francia en 1981.
Burgess también compuso más de 200 obras musicales, estimulado en esta actividad por la presentación en 1975 de su Sinfonía en do mayor por la Universidad de Iowa. Escribió la letra del galardonado musical de Broadway Cyrano, con música compuesta por Michael Lewis y con Christopher Plummer en el papel principal. Su suite de ballet sobre la vida de William Shakespeare, Mr WS, se transmitió en la radio de la BBC. Escribió un ciclo de canciones basado en sus propios poemas, The Brides of Enderby, junto con configuraciones musicales de textos de TS Eliot, James Joyce, DH Lawrence y Gerard Manley Hopkins. Blooms of Dublin, su adaptación musical de Ulises de James Joyce, se transmitió en la radio de la BBC en 1982. También proporcionó nuevos libretos para la producción de Oberon de la Ópera Escocesa en Glasgow en 1985 (revivida en Venecia en 1987), y para la producción de Carmen de la Ópera Nacional Inglesa en 1986.
Incluso sabiendo que se estaba muriendo de cáncer de pulmón, Burgess continuó escribiendo y componiendo música. Su novela sobre el asesinato de Christopher Marlowe, Un hombre muerto en Deptford, se publicó en 1993. Su obra de teatro, Chatsky, protagonizada por Colin Firth y Jemma Redgrave, se representó en el Teatro Almeida de Londres en marzo de 1993. Completó su Sonata de San Juan el 12 de noviembre de 1993.
Anthony Burgess murió a la edad de 76 años en Londres el 22 de noviembre de 1993. Su última novela, Byrne, se publicó póstumamente en 1995. Andrew Burgess Wilson murió en Londres de una hemorragia cerebral en 2002. Liana Burgess murió en Italia el 3 de diciembre de 2007.
En los últimos años, el interés por la obra de Burgess ha resurgido a nivel mundial. Se han producido numerosas reimpresiones y nuevas traducciones, y Manchester University Press ha publicado los primeros volúmenes de la Edición Irwell de las Obras de Anthony Burgess.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Pequeña Sinfonía de Estrasburgo, en la versión de la Orquesta Filarmónica de Stanford, dirigida por Paul Phillips.
Pablo Paulo Milanés Arias, más conocido como Pablo Milanés, nació en Bayamo, Cuba, el 24 de febrero de 1943, y murió en Madrid, España, el 22 de noviembre de 2022. Cantautor, guitarrista y poeta.
El cantante, compositor y guitarrista Pablo Milanés (Cuba, 1943) ha fallecido el 21 de noviembre en Madrid, tras luchar duramente contra una larga enfermedad. Con más de 40 álbumes en el mercado, era uno de los fundadores de la Nueva Trova Cubana (junto a Silvio Rodríguez y Noel Nicola). A lo largo de su prolífica carrera musical, ha colaborado con numerosos artistas a ambos lados del Atlántico; entre los que destacan Luis Eduardo Aute, Mercedes Sosa, Chico Buarque, José María Vitier, Víctor Manuel, Ana Belén, Chucho Valdés, Fito Páez, Ricardo Arjona, Maná, Luis Represas, Joaquín Sabina, Caco Senante, Ismael Serrano, Joan Manuel Serrat, Los Van Van, Carlos Varela, Lilia Vera o Javier Ruibal.
Socio de SGAE desde 1978 como compositor, letrista y autor dramático, Milanés contaba con 255 obras registradas en la entidad. SGAE expresa públicamente sus condolencias a familiares y allegados en estos difíciles momentos.
Yolanda o El breve espacio en que no estás son dos de sus inolvidables himnos; canciones que evocan la búsqueda poética de un hombre que llevó la música cubana a un nuevo nivel de creatividad. Grammy Latino al Mejor Cantautor en 2006 por su álbum Como un campo de maíz (2005). En 2015, recibió el Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical por su contribución a la música.
TROVADOR CUBANO POR EXCELENCIA
Además de la música tradicional cubana de su isla natal, recibe en su juventud una poderosa influencia de otros estilos; principalmente, ritmos norteamericanos y brasileños. A inicios de los 60 comienza su carrera profesional en grupos vocales: el trío Los Armónicos, el conjunto Sensación y el Cuarteto del Rey, agrupación de negro spirituals, donde ya tiene un papel protagonista.
En 1963 compone Tú, mi desengaño, su primera canción, y desde entonces comienza a interpretar sus canciones en clubes habaneros. En 1964, pasa a formar parte del grupo vocal Los Bucaneros. Con la composición Mis veintidós años, en 1965, se introduce en un nuevo lenguaje musical que acentúa su condición de compositor y crea temas que versan sobre el amor o el compromiso político y social, muchos de ellos en el marco del I Encuentro Internacional de la Canción Protesta celebrado en Cuba en 1967.
En 1969 se integra al Grupo de Experimentación Sonora (GES) junto a importantes trovadores y músicos, bajo la tutela de los maestros Federico Smith y Leo Brower. Por esos años surgen canciones emblemáticas como Yolanda.
A inicios de los 80 publica álbumes cardinales: Yo me quedo, El Guerrero o Comienzo y final de una verde mañana. Sin dudas, el titulado Querido Pablo (1985), un disco grabado en colaboración con grandes músicos amigos como Chico Buarque, Mercedes Sosa o Luis Eduardo Aute, entre muchos otros, vino a aglutinar sus canciones.
Junto al músico español Víctor Manuel realiza dos discos con sus respectivas giras: Mucho más que dos (1994) y En Blanco y Negro (1995). La década culmina con un gran trabajo colectivo, Pablo Querido, homenaje de artistas latinoamericanos a la obra de Pablo.
En 2019 su hija Haydée Milanés presentó en la sede de la SGAE de Madrid un homenaje musical a su padre, antes de iniciar una gira por diversas ciudades de España.
En marzo de 2020 -una semana antes de la crisis sanitaria que provocó el coronavirus en España- Pablo Milanés actuó en la plaza de toros de Madrid; en una cita musical a la que no faltaron sus fieles e incondicionales seguidores, que se cuentan por miles en nuestro país.
Fuente de la biografía: página oficial del artista http://www.milanespablo.com/bio
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con El Breve Espacio En Que No Estas.
Brad Whitford es el guitarrista, junto con Joe Perry, de la banda de rock Aerosmith. Nació el 23 de febrero de 1952, en Reading, Massachusetts.
Carrera
Después de que Brad Whitford asistió a la escuela "Berklee College of Music", comenzó a tocar en bandas locales como Symbols of Resistance, Teapot Dome, Earth, Inc., y finalmente en Justin Thyme antes de unirse a Aerosmith en el año 1971, remplazando al guitarrista original Ray Tabano. Aerosmith se convirtió en una de las mejores y más exitosas bandas de los '70. Sin embargo, debido al ambiente de conflictos, drogas y peleas en la banda y de álbumes sin demasiado éxito a finales de los setenta, Whitford se retiró, siendo reemplazado por el guitarrista Rick Dufay. Whitford aclaró que él quería seguir trabajando, por lo que formó un proyecto aparte con el cantante Derek St. Holmes, la cual se llamó "Whitford/St. Holmes". El proyecto se disolvió después de un álbum del mismo nombre en 1981. En 1985 Brad Whitford regresa a Aerosmith.
Equipamiento
En actuaciones actuales, Brad toca guitarras de cuerpo sólido, como Gretsches, a gold-painted (estilo Stratocaster) Melancon Pro Artist, y una notable Gibson Les Paul Goldtop. En los 70s, Brad y Joe Perry usaban guitarras BC Rich (Whitford usaba una Eagle, mientras que Perry solía usar una Bich).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Last Child.
Les ofrecemos el acto celebrado el pasado mes de enero en el Senado en memoria de las víctimas del Holocausto y en defensa de la prevención de los crímenes contra la humanidad. Este programaSoc pretende recordar la importancia de la memoria y el compromiso internacional frente a la intolerancia.
Genesis Breyer P-Orridge, fotografiada en Nueva York el 19 de agosto de 2007. La artista, mejor conocida por su trabajo en los grupos Throbbing Gristle y Psychic TV, murió el 14 de marzo de 2020. Neville Elder/Redferns/Getty Images
Neil Andrew Megson, más conocida como Genesis Breyer P-Orridge, nació en Mánchester, Reino Unido, el 22 de febrero de 1950, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 14 de marzo de 2020. Artista, escritora, poeta, actriz y cantante. Tocaba guitarra eléctrica, sintetizador y violín.
El sitio www.npr.org publicó este recordatorio firmado por Sacha Geffen.
Genesis Breyer P-Orridge, provocadora y cocreadora de música industrial, falleció a los 70 años.
15 de marzo de 2020, 11:55 a. m. ET Por Sasha Geffen
Genesis P-Orridge, la artista visual, musical y de performance cuyo trabajo con Throbbing Gristle y Psychic TV dio origen a los géneros industrial y acid house, falleció a los 70 años, tras ser diagnosticada con leucemia hace dos años y medio. Sus dos hijas, Caresse y Genesse P-Orridge, compartieron un comunicado confirmando su fallecimiento a través de su sello discográfico, Dais Records.
P-Orridge nunca tuvo la intención de engendrar la música industrial, el género con el que se les asocia más estrechamente. Junto con sus colaboradores del colectivo artístico de vanguardia COUM Transmissions y su banda Throbbing Gristle, se adentraron en la música tal como la conocían; lo que llegó a conocerse como industrial fue simplemente lo que quedó. El músico, artista y provocador social inglés vio la destrucción como un medio para la creación, y lo tomó todo, desde el ruido hasta el lenguaje, e incluso su propio cuerpo, que modificó extensamente antes y durante su transición de género, como materia prima para reordenar el mundo.
Desde temprana edad, P-Orridge aprendió cómo el poder pesaba sobre el cuerpo. Pequeño y enfermizo, proveniente de una familia trabajadora de Manchester, asistió a un instituto de élite gracias a una beca. Allí, sufrió abusos físicos a manos de sus compañeros más adinerados, una simulación ritualizada de cómo se desarrollan las relaciones de clase en la edad adulta. Sin recursos económicos ni virilidad, P-Orridge se dio cuenta en su adolescencia de que la violencia simbólica daba lugar a la violencia implícita y real del trabajo forzoso y la imposición de género bajo el capitalismo. "Tuve que ir a una maldita escuela pública, tuve que lidiar con eso durante cuatro años, siendo torturado física y mentalmente, literalmente, y al final pensé: 'Conozco al enemigo. Esta gente gobernará Gran Bretaña en veinte años'", declaró en una entrevista de 1994. También se dio cuenta de que podía usar el poder de los símbolos y los rituales para sus propios fines.
En 1976, Throbbing Gristle ofreció uno de sus primeros conciertos en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres durante una exposición del COUM titulada "Prostitución". Se exhibían fotos pornográficas de Cosey Fanni Tutti, miembro del COUM, así como tampones usados, jeringas y sangre embotellada. El abyecto cuadro escandalizó a un diputado conservador, que lo calificó infamemente como "destructor de la civilización", una declaración reveladora (de un trajeado sin sentido del humor que bien podría haber sido uno de los antiguos compañeros de clase de P-Orridge). ¿Qué clase de civilización era tan frágil que sus cimientos podían resquebrajarse por la desnudez y la suciedad?
Con COUM, Throbbing Gristle y, posteriormente, la banda más pop Psychic TV, además de su abundante arte visual, P-Orridge aplicó las técnicas creativas de copia y pega de William S. Burroughs y las filosofías ocultistas de Aleister Crowley a una obra cultural que buscaba corromper y perturbar los hábitos de la sociedad normativa. Tomaron la violencia simbólica como un rito de creación: en el desgarrador tema "Slug Bait", del álbum debut de Throbbing Gristle de 1977, The Second Annual Report , P-Orridge canta desde la perspectiva de un intruso doméstico que castra a un marido y luego se come el feto del abdomen lacerado de su esposa embarazada. Su voz delgada y andrógina tiembla sobre la electrónica distorsionada orquestada por sus compañeros de banda, rompiendo en gritos ocasionales, como si encarnaran tanto al asesino como al asesinado a la vez.
Como cantante principal de Throbbing Gristle, las letras de P-Orridge abarcaban toda la gama de lo tabú. La mutilación, la enfermedad, el suicidio y la violación poblaban sus canciones, cuya irónica oscuridad lidiaba con lo que el mundo puede hacerle al cuerpo y lo que el cuerpo puede hacer para reclamar su derecho a la supervivencia en un entorno tóxico. La postura irreverente y oscuramente juguetona de la banda hacia los horrores de la vida bajo el capitalismo posindustrial resuena en generaciones de músicos, desde Depeche Mode y New Order hasta Death Grips y Pharmakon , quienes encontraron simbiosis en la relación entre el cuerpo y la máquina. Si el capitalismo desgasta los cuerpos de los trabajadores hasta que pueden ser brutalmente desechados, la música industrial se apropia de los sonidos de las fábricas, la maquinaria y las ciudades en una visión de resistencia espiritual a la opresión sistémica.
Par de Fakir Musafar, el artista estadounidense que lideró el movimiento primitivo moderno, una subcultura ritualista de modificación corporal, en la segunda mitad del siglo XX, P-Orridge concibió su propio cuerpo como lienzo de un proyecto artístico que perduró toda su vida. Se perforaron y tatuaron extensamente antes de que tales modificaciones se volvieran comunes, y participaron en rituales escénicos que implicaban autolesiones peligrosas. "Tengo que hacerme al menos un corte, y tiene que ser uno que deje cicatriz, por pequeño que sea", dijo en una entrevista para el libro " Modern Primitives " de Re/Search de 1989. Al igual que Musafar, P-Orridge buscó el tipo de significado visceral del que la cultura blanca occidental puede carecer, a menudo apropiándose del lenguaje visual (como los tatuajes tribales y las rastas) de las culturas negras e indígenas. "Buscaba algún tipo de devoción y santidad, pero de una manera contemporánea, intentaba redescubrir qué es lo que nos han arrebatado de nuestra cultura", dijeron en 1994. Su práctica de sampling, que se inspiraba en la imaginería fascista, era voraz, y sus resultados a menudo desconcertantes y emocionantes. Si bien la obra de P-Orridge buscaba representar violencia simbólica contra la blancura, también replicaba armas colonialistas como la apropiación cultural sin cuestionarlas explícitamente.
Como muchos artistas transgénero, P-Orridge era conocido tanto por su transición como por su arte; a diferencia de la mayoría de sus compañeros y sucesores trans, no veían una línea divisoria entre ambos. La identidad no era un aspecto secundario de su práctica. A finales de los 90, tras mudarse de Inglaterra a Nueva York y casarse con la dominatrix Jacqueline Breyer, P-Orridge y su esposa comenzaron lo que llamaron el Proyecto Pandrogeny: un viaje que duró toda la vida hacia la unión. Tanto P-Orridge como Breyer se sometieron a cirugía estética para parecerse mutuamente. Para P-Orridge, el proyecto constituyó una transición de género de facto, acorde con la androginia que habían sentido durante tanto tiempo. "Será sepultado con su media naranja, Jaqueline 'Lady Jaye' Breyer, quien nos dejó en 2007, donde se reunirán", escribieron las hijas de P-Orridge en su declaración del sábado. Para ambos, fue una transformación espiritual y una forma de superar las expectativas heteronormativas. "En lugar de tener hijos... ¿qué pasaría si nos convirtiéramos en la nueva persona?", pregunta P-Orridge en The Ballad of Genesis and Lady Jaye , el documental de Marie Losier de 2011 sobre el proyecto.
P-Orridge cuestionaba descaradamente el poder, pero también parecía disfrutarlo. En su autobiografía de 2017, "Art Sex Music", Cosey Fanni Tutti detalla el terrible abuso físico, emocional y sexual que, según ella, sufrió por parte de P-Orridge mientras eran pareja y creativa en la década de 1970. (P-Orridge ha negado las acusaciones). Varios exmiembros de Thee Temple ov Psychick Youth, la organización "antisecta" que P-Orridge dirigió mientras estuvo en Psychic TV en la década de 1980, lo han descrito como un líder explotador y dominante que buscaba activamente a adolescentes vulnerables para incorporarlos a su grupo.
Incluso en la muerte, P-Orridge y su legado se resisten a un resumen sencillo. La obra de su vida desafía la línea entre opresor y oprimido, sagrado y profano, masculino y femenino, individual y colectivo, sublime y grotesco. Sufrieron, confrontaron, y también recrearon y proyectaron la violencia que este mundo ejerce contra aquellos considerados defectuosos o excesivos. Una figura compleja y desbordante, deja tras de sí palabras, imágenes y música que han resultado vitales para la reinvención de la música pop y el género por igual. Muchos de nosotros somos mejores por la podredumbre que infligieron en un entorno que intentó sofocarlos. Tantos de nosotros —artistas, músicos y buscadores de la verdad mal definidos por el género— hemos prosperado en su mancha. Han dejado tras de sí un corpus de trabajo preñado, cargado de confusión, contradicción, horror y belleza. Incluso su ausencia estremece, eléctrica.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Discipline.
Eunice Kathleen Waymon, más conocida como Nina Simone, nació en Tryon, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 21 de febrero de 1933, y murió en Carry-le-Rouet, Francia, el 21 de abril de 2003. Cantante, compositora y pianista.
El deber de un artista es reflejar los tiempos... Te diré lo que La libertad para mí es: Sin miedo.
Fue uno de los artistas más extraordinarios del siglo XX, un ícono de la música estadounidense. Ella fue una consumada narradora musical, una griot, como llegaría a descubrir, que utilizó su extraordinario talento para crear un legado de liberación, empoderamiento, pasión y amor a través de una magnífica obra. Se ganó el apodo de «Suma Sacerdotisa del Soul» por su capacidad para tejer un hechizo tan seductor e hipnótico que el oyente perdía la noción del tiempo y el espacio al sumergirse en el momento. Fue a quien el mundo conocería como Nina Simone.
Cuando Nina Simone falleció el 21 de abril de 2003, dejó un tesoro intemporal de magia musical que abarca más de cuatro décadas, desde su primer éxito, el clásico del Top 10 de 1959, "I Loves You Porgy", hasta "A Single Woman", el tema que da título a su único álbum Elektra de 1993. Aunque treinta y tres años separan estas grabaciones, la sincera emoción es el pegamento que las une; es ese enfoque en cada obra lo que se convirtió en el sello musical inquebrantable de Nina.
Al final de su vida, Nina disfrutaba de un reconocimiento sin precedentes. Su música era disfrutada por las masas gracias a la revolución del CD, su descubrimiento en internet y su difusión a través del cine y la televisión. Nina había vendido más de un millón de CD en su última década, convirtiéndose en un éxito de ventas a nivel mundial.
Ningún sitio web puede explorar por completo los múltiples matices y matices que conformaron los más de 40 álbumes originales de Nina Simone. Este sitio contiene la mayoría de sus mejores obras y menciones en la prensa. Sin embargo, quizá no hubiéramos tenido la oportunidad de presenciar la impresionante variedad de material que Nina pudo abarcar si no hubiera tomado el camino que tomó.
Nacida Eunice Kathleen Waymon en Tryon, Carolina del Norte, el 21 de febrero de 1933, el prodigioso talento musical de Nina se hizo evidente desde muy joven, cuando empezó a tocar el piano de oído a los tres años. Su madre, ministra metodista, y su padre, manitas y predicador, no podían ignorar el don musical que Dios le había dado a la joven Eunice.
Criada en la iglesia, en el buen camino, sus padres le enseñaron a distinguir el bien del mal, a comportarse con dignidad y a trabajar duro. Tocaba el piano, pero no cantaba, en la iglesia de su madre, mostrando un talento extraordinario desde muy joven.
Capaz de tocar prácticamente cualquier instrumento de oído, pronto estudió música clásica con una inglesa llamada Muriel Mazzanovich, quien se había mudado a la pequeña ciudad sureña. Fue a partir de estas humildes raíces que Eunice desarrolló una pasión que perduró por Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms, Beethoven y Schubert.
Después de graduarse como la mejor estudiante de su clase de la escuela secundaria, la comunidad recaudó dinero para una beca para que Eunice estudiara en Julliard en la ciudad de Nueva York antes de postularse al prestigioso Instituto de Música Curtis en Filadelfia.
Su familia ya se había mudado a la Ciudad del Amor Fraternal, pero las esperanzas de Eunice de una carrera como pianista clásica afroamericana pionera se vieron frustradas cuando la escuela le negó la admisión.
Hasta el final, ella misma afirmaría que el racismo fue la razón por la que no asistió. Aunque su sueño original no se cumplió, Eunice culminó con una increíble carrera internacional como Nina Simone.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con To Love Somebody, en vivo en Antibes, en 1969, y My baby just cares for me.
Ismael Miranda, nació en Aguada, Puerto Rico. Mostrando desde pequeño interés por la música, a los 11 años formó parte de grupos de vocalización llamados "The 4 J's" y "Little Jr. and the Class Mates". Participó con ellos en varias actividades, incluyendo una de las primeras ediciones del espectáculo que celebraba Jerry Lewis para la Distrofia Muscular en Palm Gardens.
En su continuo interés por la música, sobre todo el género afroantillano, formó parte del Sexteto Pipo y su Combo y del grupo Andy Harlow y su Sexteto. En el mismo cantó y tocó conga. En 1967 hizo su primera grabación discográfica con Joey Pastrana titulada "Let's Ball". En ésta el entonces adolescente Ismael se anotó su primer éxito radial con "Rumbón melón".
Con la buena impresión que causó sus actuaciones con Andy Harlow, el hermano de éste, Larry, decidió reclutarlo para su orquesta. Ismael Miranda inició su ciclo de grabaciones con el llamado "Judío Maravilloso" en el álbum "El exigente".
Convencido del potencial del joven cantante, en 1968 Larry lanzó una nueva producción titulada "Orquesta Harlow presenta a Ismael Miranda". Y a renglón seguido, los aciertos se repitieron disco tras disco con las grabaciones "Electric", "Tribute to Arsenio Rodríguez", "Harlow's Harem", "Abran paso" y "Oportunidad".
Con Larry Harlow Ismael incursionó también en el campo de la composición, compartiendo créditos con éste en los temas "La revolución", "Guasasa", "Arsenio", "El malecón" y "Lamento cubano", entre otros.
A la edad de 19 años se integra a las Estrellas de Fania convirtiéndose en el cantante más joven que compone este grupo, ganándose el mote de "El Niño Bonito de la Salsa".
En pleno auge de la salsa, Ismael irrumpió con fuerza espectacular en las ondas en 1973 al lanzar al mercado la producción "Así se compone un son". Este disco, editado por el sello Fania, marcó el inicio del cantante con su propia agrupación, la Orquesta Revelación. Con ellos tomó por asalto la cuenca del Caribe, los mercados latinos de los Estados Unidos y Europa.
Posteriormente su carrera le dio innumerables aciertos en la música. Temas como "La cama vacía", "La copa rota", "Borinquen tiene montuno", "Como mi pueblo" y "Las cuarentas" le ganaron amplia difusión radial.
En la composición también se anotó éxitos como "Señor sereno", "Abren paso", "Así se compone un son", "Lupe, Lupe" y "Pa' bravo yo", esta última popularizada por el sonero cubano Justo Betancourt.
En la década del 80 grabó varias producciones con su sello discográfico independiente. En 1986 su grabación "Versos de nuestra cultura" junto al cantautor José Nogueras fue uno de los grandes aciertos de la temporada navideña de ese año.
En 1988 anunció su intención de retirarse de los medios artísticos. Pero esa idea nunca llegó a cristalizarse.
Entrados los años 90, Ismael ha grabado con su propio sello discográfico, IM Records, y con la compañía RMM. Y en las postrimerías de la década su unión a Andy Montañez en tres proyectos discográficos de boleros del ayer, le han ganado el apoyo popular.
En 2002 la grabación de uno de sus conciertos fue distinguida por la Fundación Nacional para la Cultura Popular como una de las producciones más sobresalientes del año. Posteriormente, Ismael cosechó nuevos aplausos con el lanzamiento de un compacto donde interpretaba clásicos del compositor mexicano José Alfredo Jiménez en versiones de salsa.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Abran Paso.
Si Tu Abuela Hace Estas 7 Cosas, Eres Judío Sin Saberlo | Conversos 1492
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta: Si Tu Abuela Hace Estas 7 Cosas, Eres Judío Sin Saberlo | Conversos 1492. ¿Tu abuela enciende 2 velas cada viernes? ¿Pone sal en esquinas de casa? ¿Cubre espejos 7 días tras muerte? Son rituales judíos de 3,000 años que millones de familias españolas practican sin saber su origen. 7 COSTUMBRES CONVERSAS: 1. Encender velas viernes noche 2. Sal en esquinas o umbrales 3. Espejos cubiertos 7 días 4. No mezclar leche con carne 5. Nombres bíblicos en ciclo 6. Bendecir pan con manos 7. Limpiar casa viernes antes de oscurecer.
El crecimiento de la ideología salafista en Europa pone en jaque la convivencia y la igualdad. EFE/Blanca Millez
Antes de empezar este artículo he buscado en mi hemeroteca cuántos y desde hace cuántos años escribo sobre la materia, y el resultado es desolador: mi primer artículo sobre la necesidad de prohibir el velo integral islámico en el espacio público es de 2012, más o menos al tiempo que publiqué un libro titulado “La República Islámica de España”, donde alertaba del reto que la ideología salafista estaba planteando a las democracias liberales. Francia, bajo mandato de Nicolás Sarkozy, lo había prohibido y después vendrían otros países: Bélgica en 2011, Bulgaria en 2016, Austria en 2017, Dinamarca y Países Bajos en 2018 y Suiza en 2021. Portugal e Italia tienen planteadas iniciativas en la misma dirección, y en España acaba de rechazarse la primera de las propuestas (de Vox) para prohibir el velo integral, pero Junts ya ha presentado otra iniciativa que puede conseguir la mayoría parlamentaria.
Así pues, con más o menos retraso, Europa va consiguiendo restringir el uso del burka y el niqab en el ámbito público y algunos de ellos también han prohibido el hiyab en las escuelas. ¿Significa que el espeso, incómodo y eternamente aplazado debate sobre el choque entre la ideología islamista y la democracia liberal empieza a abrirse paso?
Debería, porque desde los tiempos en que Oriana Fallaci avisaba de los riesgos que implicaba el fenómeno ideológico del salafismo y su confrontación con la sociedad de las libertades, poco o nada se ha hecho para frenarlo. Durante décadas las democracias liberales han confundido lo ideológico con lo religioso y han relativizado el proyecto de dominio que latía por debajo. El buenismo de las derechas y la complicidad de las izquierdas han minimizado la presión que el fenómeno islamista generaría en las estructuras democráticas, y no han entendido que se enfrentaban a una ideología de conquista. Y así, considerado el fenómeno como una simple cuestión de fe, el problema social ha crecido hasta convertirse en una bomba de tiempo, especialmente en Europa, donde el reto islamista se ha disparado.
¿Cuál es el problema de fondo? Sin duda, no lo es el Islam como creencia religiosa, porque justamente la democracia se basa en el respeto a los dioses de cada cual. El problema no es, ni ha sido nunca la fe. El problema se crea cuando la fe se convierte en la coartada de una ideología de conquista que intenta imponer leyes medievales arremetiendo contra los derechos conquistados. Eso es el salafismo: una ideología reaccionaria, abiertamente contraria a los avances de la civilización moderna y que basa el conjunto de leyes civiles y penales en una lectura radical de los textos sagrados. El concepto básico es el retorno a los salaf, es decir a los primeros seguidores de Mahoma, ergo el retorno al siglo VIII, pero con la tecnología y los medios del siglo XXI. Ha sido este fenómeno el que ha crecido en las comunidades musulmanas que viven en Occidente hasta convertirse en una ideología de masas que controla las mezquitas y los lugares de culto y acaba dominando barrios enteros.
Es el fenómeno de los banlieus de París o del Molenbeek de Bruselas, o cualquier zona del Londostan donde, lejos de ser territorio francés o belga o británico, se convierten en islas de la Umma dentro del país. Y a partir de aquí, empiezan las presiones a las leyes democráticas que se confrontan con la sharia.
Europa va consiguiendo restringir el uso del burka y el niqab en el ámbito público (Europa Press)
De ahí que la cuestión de la mujer sea un tema central porque la lucha por la igualdad rompe los esquemas del integrismo islámico, inequívocamente misógino. Si consiguen imponer el velo a las niñas -que nunca fue un signo religioso, sino de dominio sexista-, o consiguen la naturalización del velo integral, sea el niqab o el burka, quiebran esa igualdad y restringen los límites de la libertad. No hay nada más perverso para la mujer que esa cárcel textil que las invisibiliza, las aparta, las estigmatiza, las convierte en espectros andantes, totalmente controladas por sus propietarios masculinos.
Todo esto del burka y el niqab e incluso el hijab no tiene nada que ver con la fe religiosa. De hecho, el Corán solo exige que se escondan “sus partes sexuales”, y durante décadas la imposición del velo se consideraba arcaica y regresiva en muchos países musulmanes. Es famosa una intervención del presidente Nasser de Egipto, en 1958, que se ríe a carcajadas ante la petición del líder de los Musulmanes para que las mujeres lleven el hijab por la calle. Y, qué decir de las espléndidas iraníes de los tiempos del sha, que ahora mueren en las calles de Irán por intentar sacarse el velo impuesto. El velo integral es una aberración criminal que aniquila a la mujer hasta borrarla del paisaje. Prohibirlo es una exigencia democrática. No es libertad de culto. Es apología de la esclavitud.
Y de las leyes sobre la mujer, a la formulación de leyes islámicas que, a través de los congresos salafistas, impregnan y radicalizan a las comunidades musulmanas. Centenares de imanes radicales propagando ideas antidemocráticas, aprovechándose de los beneficios y la tolerancia que les otorgan las democracias. El reto es considerable porque, mientras el integrismo islámico sea predominante en los barrios con mayorías musulmanas, las democracias sufrirán tensiones muy severas. Especialmente si se tienen en cuenta los datos demográficos que auguran que para 2050, la población musulmana superará el 15 % de la población de Europa. De momento, solo en la Unión Europea viven 25 millones de musulmanes. ¿Cuántos de ellos abrazan el integrismo? Esa es la pregunta incómoda que no formulamos, o por miedo a la incorrección política, o por estupidez progresista. ¿Hay nada más patético que el paternalismo de determinada izquierda con el Islam? Y así, con la permisividad de las democracias, la incomodidad de los políticos y la complicidad de las izquierdas, el fenómeno radical va devorando espacios. Debatir sobre el problema es un acto de responsabilidad. Actuar sobre el tema empieza a ser un acto de supervivencia.
.jfif)
.jfif)
