Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Johan Hendrik Weidner nació en Bruselas, Bélgica, el 22 de octubre de 1912, y murió en Monterey Park, California, Estados Unidos, el 21 de mayo de 1994. Justo entre las Naciones.
Esta es la historia de Johan Hendrik Weidner, quien nació hace 108 años, en octubre de 1912, en Bruselas, de padres holandeses. Era el mayor de cuatro hermanos. Su padre era pastor de la Iglesia Adventista del Séptimo Día.
Cuando Johan era niño, su familia se mudó a Collonges, Francia, donde su padre ejercía como pastor. Johan creció allí y, tras asistir a escuelas públicas francesas, se graduó del seminario adventista del séptimo día en Collonges y cursó estudios universitarios de Derecho y Administración de Empresas en París y Ginebra.
Tras obtener su título académico en 1935, fundó un negocio textil en París y abrió una tienda en Collonges. La ciudad estaba cerca de la frontera suiza y a tan solo 32 kilómetros de Ginebra, donde asistió a algunas sesiones de la Sociedad de Naciones, presenciando la incompetencia de este organismo para evitar el estallido de la guerra.
Tras la invasión alemana de Francia en mayo de 1940, se trasladó a Lyon para colaborar con la red clandestina «Países Bajos-París» (también conocida como «la Ruta Suiza»), cuyo objetivo era ayudar a judíos neerlandeses, aviadores aliados y disidentes políticos a huir a Suiza y España. Ambas rutas también se utilizaban para el tráfico de documentos falsificados que podían salvar vidas.
Su propia oficina en Lyon servía como cuartel general de la organización clandestina «Países Bajos-París», y en su apogeo, unas 300 personas, entre hombres y mujeres, participaron en ella. La mitad fueron arrestadas y 40 asesinadas, incluida la propia hermana de Johan, Gabrielle, quien operaba desde París y era buscada activamente por la Gestapo, que incluso ofreció una cuantiosa recompensa por su captura. Murió de desnutrición en el campo de concentración de Ravensbrück.
En total, Weidner y el grupo "Dutch-Paris" salvaron la vida de 1.080 personas, entre ellas 800 judíos holandeses y 112 pilotos aliados cuyos aviones fueron derribados y se encontraban escondidos.
Weidner protagonizó numerosas historias de rescate. Una de ellas fue la de la familia Rosenthal. El cabeza de familia fue detenido y trasladado al campo de Châteauneuf-les-Bains. Su esposa y su pequeño hijo se encontraban sin recursos y desprotegidos. Weidner consiguió una cita urgente con un dentista para Rosenthal en un pueblo cercano, donde el paciente fue secuestrado. Rosenthal fue trasladado en autobús a Lyon, donde se reunió con su esposa e hijo y, con documentos de identidad falsificados, huyeron a Suiza.
El 4 de mayo de 1978, Weidner fue reconocido por Yad Vashem como Justo entre las Naciones y también recibió el reconocimiento de los gobiernos de Estados Unidos, Reino Unido, Bélgica, Países Bajos y Francia por su valentía.
En 2014, la ADL honró a este héroe holandés con el “Premio Jan Karksi a la Valentía para Cuidar de la ADL”. Al entregar este premio póstumo, Abraham Foxman, entonces Director Nacional de la ADL, destacó:
“John Weidner dedicó toda su vida a ayudar a los demás, en el espíritu de lo que llamamos Tikkun Olam”, dijo Abraham H. Foxman, director nacional de la ADL y sobreviviente del Holocausto, al entregar el premio. “Hasta su muerte en 1994, vivió una vida de altruismo y servicio, trabajando incansablemente para hacer del mundo un lugar mejor”.
En una conversación telefónica que tuve con el Dr. Weidner a principios de la década de 1990, le pregunté por qué hizo lo que hizo. Noté su incomodidad al responder: «No tuve otra opción». Ciertamente, la gran mayoría de los rescatadores que entrevisté o sobre los que leí dieron la misma respuesta a esta pregunta. Este sorprendente denominador común invita a la reflexión, ya que, por supuesto, cada uno de ellos sí tuvo una opción.
En 2018, la Fundación Internacional Raoul Wallenberg decidió rendir homenaje a este héroe holandés y encargó un sello conmemorativo israelí con su imagen.
Este sello forma parte de la serie “Salvadores del Holocausto”.
Guillermo IX de Aquitania y VII de Poitiers, nació en Poitiers, Ducado de Aquitania, Reinado de Francia, el 22 de octubre de 1071, y murió en su ciudad, el 10 de febrero de 1126. Noble y trovador.
En los Cancioneros este trovador aparece con el nombre de Coms de Peitieus, históricamente, Guillermo, VII conde de Poitiers y IX duque de Aquitania. Gracias a su alta categoría feudal poseemos sobre él abundantes datos que nos han transmitido los cronistas de la época.
Nació el 22 de octubre de 1071, hijo de Gui-Geoffroi (Guillermo VI y VIII) y de Audearda, hija del duque de Borgoña, matrimonio al que la Iglesia se opuso por razones de consanguinidad, lo que obligó al padre de Guillermo a hacer un viaje a Roma, en el que por lo menos consiguió que el papa Gregorio VI reconociera la legitimidad de su hijo, antes considerado bastardo.
Guillermo perdió a su padre a los quince años y se convirtió en el rico heredero de unos dominios que en ese momento eran más extensos que los del rey de Francia, de quien era nominalmente vasallo.
Muy joven todavía, Guillermo se casó con Ermengarda de Anjou, unión que duró muy poco, pues en 1092 esta dama aparece casada otra vez con el duque de Bretaña, aunque en vida de este último Emerganda se retiró a la abadía de Fontevrault. Dos años más tarde, nuestro trovador vuelve a casarse con Felipa, hija y heredera del conde Guilhem de Tolosa. La boda con Felipa permitió al duque de Aquitania ocupar el Tolosanés, hacia 1097, sin seria oposición, pues el titular del condado, Raimon de Sant Gil, tío de Felipa, al partir para Tierra Santa como cruzado manifestó que no regresaría a sus dominios.
En 1112 Guillermo comenzó una relación con la vizcondesa de Châtellerault que provocó una grave querella entre Guillermo y su hijo, que se puso al lado de su madre. Hacia 1115 Felipa se retiró también a la misma abadía en la que se había refugiado Ermengarda disgustada por los amores irregulares de su marido y con ella Audearda, hija suya y del trovador.
Poco sabemos de la citada vizcondesa, conocida como Dangerosa o Maubergeonne; en todo caso, Guillermo se envanecía de sus amoríos con ella y, al parecer, llevaba en su escudo pintado el retrato de la vizcondesa porque afirmaba que quería tener a su lado en la batalla a aquella que tenía a su lado en el lecho.
Cuando en 1114, el obispo Pedro iba a pronunciar en la catedral de Poitiers la fórmula de excomunión, tal vez debida a esta irregularidad amorosa, Guillermo, espada en mano, lo amenazó de muerte, y ante la entereza del prelado que, a pesar de todo pronunció la fórmula y lo desafió a que lo hiriera, nuestro personaje respondió que lo odiaba hasta tal punto que no entraría en el cielo mediante la ayuda de su mano. Y cuando Girard, el legado pontificio y obispo de Angulema, lo excomulgó nuevamente por el mismo motivo, Guillermo le replicó sarcásticamente: «Antes peinarás en la frente tus cabellos que yo repudié a la vizcondesa.» El obispo era completamente calvo.
De nuevo en sus dominios, que había gobernado durante la ausencia su esposa Felipa, Guillermo intervino activamente en diferencias y luchas entre sus vasallos y en conflictos con obispos y abadías. Tuvo que luchar contra Hughes Le Brun de Lusignan y su aliado Guillaume de Parthenay, y en una de las acciones de esta pequeña guerra fue herido en una pierna y hasta se temió por su vida.
Cuando llegó a Occidente la noticia de la caída de Jerusalén, Guillermo de Poitiers partió hacia Tierra Santa en marzo de 1101, al mando de un contigente en el que figuraban sus principales vasallos. La expedición tuvo un fin desastroso: cayó en una emboscada en Asia Menor. Guillermo, uno de los pocos que escaparon, logró llegar a Antioquía. En Pascua de 1102 fue recibido por el rey Balduino en Jerusalén. Embarcado para Occidente, una tempestad lo obligó a regresar a Antioquía y entonces participó en el asedio de Ascalón. El 29 de octubre de 1102 estaba de regreso en Poitiers.
En 1113 volvió a ocupar el condado de Tolosa, al que aspiraba Alfons Jordan, hijo de Raimon de Sant Gil, ayudado este por los grandes vasallos del Languedoc, y las armas le fueron adversas y perdió la herencia de su esposa Felipa.
Cuando, tras la conquista de Zaragoza, los musulmanes españoles emprendieron una seria campaña contra Aragón, el rey Alfonso el Batallador logró el auxilio militar de un cuerpo de seiscientos caballeros mandados por el duque de Aquitania, a quien había sido levantada la excomunión en 1117 y acudía a esta empresa como cruzado. Consta que participó en la victoria de Cutanda y que condicionó la inmediata reconquista de Calatayud y de Daroca.
De vuelta a sus dominios, Guillermo de Peitieu murió, seguramente en Poitiers, el 10 de febrero de 1126, y fue enterrado en la abadía de San Juan Evangelista de Montierneuf.
Los historiadores contemporáneos o ligeramente posteriores ofrecen epigramáticos retratos de Guillermo de Peitieu: «enemigo de todo pudor y de toda santidad», «vehemente amador de mujeres», «fatuo y lúbrico y que se revolcaba en el fango». Pero no dejan de señalar su gracia, sus bromas y lo divertido que resultaba su trato, ni de atribuirle «recitales» que provocaban grandes carcajadas. Y hasta nos informan de que componía canciones en versos rítmicos, pues cuenta Orderico Vital que, al regresar de Tierra Santa «cantó en versos rítmicos las miserias de su cautiverio, con alegre melodía, ante reyes y grandes barones cristianos».
La obra
La obra conservada de Guillermo de Poitiers se reduce a once poemas que se suele distribuir en tres grupos:
Poemas sensuales
Piezas en las que el trovador se dirige a sus companho, compañeros o jóvenes caballeros de su mesnada, y en las que expone temas chistosos, divertidos o francamente obscenos al hablar de sus amores con sus amigas.
Farai un vers de dreit nien:
non er de mi ni d'autra gen,
non er d'amor ni de joven,
ni de ren au,
qu'enans fo trobatz en durmen
sus un chivau.
Non sai en qual hora.m fui natz,
no soi alegres ni iratz,
no soi estranhs ni soi privatz,
ni no.n puesc au,
qu'enaisi fui de nueitz fadatz
sobr'un pueg au.
No sai cora.m sui endormitz,
ni cora.m veill, s'om no m'o ditz;
per pauc no m'es lo cor partitz
d'un dol corau;
e no m'o pretz una fromitz,
per Saint Marsau!
Malautz soi e cre mi morir,
e re no sai mas quan n'aug dir.
Metge querrai al mieu albir,
e no.m sai tau;
bos metges er, si.m pot guerir,
mor non, si amau.
Amigu'ai ieu, non sai qui s'es:
c'anc no la vi, si m'aiut fes;
ni.m fes que m plassa ni que.m pes,
ni mo m'en cau:
c'anc non ac norman nin franses
dins mon ostau
--
Haré un verso sobre absolutamente nada
no será sobre mí ni sobre otra gente,
no será de amor ni de juventud,
ni de nada más,
sino que fue trovado durmiendo
sobre un caballo.
No sé en qué hora nací,
no estoy alegre ni triste,
no soy arisco ni soy sociable,
ni puedo ser de otro modo,
porque fui hechizado una noche
sobre una alta montaña.
No sé cuándo estoy dormido
ni cuando velo, si no me lo dicen,
por poco se me quiebra el corazón
por un cordial dolor
y ello no me importa una hormiga
¡por san Marcial!
Estoy enfermo y temo morirme
y solo sé lo que oigo decir.
Buscare médico a mi capricho,
y no sé de ninguno así;
será buen médico, si puede curarme
pero no si empeoro.
Tengo amiga, no sé quién es,
pues nunca la vi, a fe mía,
no hizo nada que me gustase ni me pesase
y no me importa
porque nunca hubo normando ni francés
dentro de mi casa.
Poemas «tiernos»
Son poemas corteses en los que aparece el vasallaje amoroso y en las que el trovador canta a la domna.
Leamos ahora una típica canción cortesana, Ab la dolchor del temps novel, en la que no se advierte ningún rastro de ironía, aunque sí la expresión desenfadada, familiar y optimista de los dos últimos versos.
Ab la dolchor del temps novel
foillo li bosc, e li auchel
chanton, chascus en lor lati,
segon lo vers del novel chan;
adonc esta ben c'om s'aisi
d'acho don hom a plus talan.
De lai don plus m'es bon e bel
non vei mesager ni sagel,
per que mos cors non dorm ni ri,
ni no m'aus traire adenan,
tro que eu sacha ben de fi
s'el es aissi com eu deman.
La nostr' amor vai enaissi
com la branca de l'albespi
qu'esta sobre l'arbre tremblan,
la nuoit, a la ploia ez al gel,
tro l'endeman, que•l sols s'espan
per la fuella vert e•l ramel.
Equer me membra d'un mati
que nos fezem de guerra fi,
e que•m donet un don tan gran,
sa drudari' e son anel:
equer me lais Dieus viure tan
c'aia mas manz soz so mantel.
Qu'eu non ai soing de lor lati
que•m parta de mon Bon Vezi,
qu'eu sai de paraulas com van,
ab un breu sermon que s'espel,
que tal se van d'amor gaban,
nos n'avem la pessa e•l coutel
--
Con la dulzura del tiempo nuevo
los bosques se llenan de hojas y los pájaros
cantan, cada uno en su latín,
según el verso del nuevo canto:
Entonces conviene que cada cual
se provea de aquello que más anhela.
Del lugar que considero más bueno y bello
no veo [llegar] mensajero ni misiva,
por lo que mi corazón no duerme ni ríe,
y no me atrevo a seguir adelante
hasta que sepa bien
si el resultado será como yo quiero.
A nuestro amor le ocurre
como a la rama del blanco espino,
que está en el árbol temblando
por la noche, por la lluvia y el hielo,
hasta que al día siguiente el sol se extiende
por las hojas verdes en el ramaje.
Aún me acuerdo de una mañana
en que dimos fin a la guerra,
y que me otorgó una gran dádiva:
su amor y su anillo.
¡ojalá Dios me deje vivir
hasta que ponga las manos bajo su manto!
No me preocupa que extraño latín
me separe de mi Buen Vecino,
porque sé el alcance que tienen las palabras
que se difunden en un breve discurso.
Vayan otros envaneciéndose de su amor:
nosotros tenemos la pieza y el cuchillo.
Canto de Guillermo de Poitiers de despedida del mundo
Se había creído que este poema era una «canción de penitencia» escrita por Guillermo de Poitiers en 1117, cuando le fue levantada por el papa la excomunión y se propuso emprender una peregrinación, tal vez a Santiago de Compostela. Pero J. Storost en su minucioso estudio descubrió que fue compuesta cuando, a consecuencia de una guerra local contra los señores de Lusignan y de Parthenay, Guillermo fue herido gravemente en una pierna y estuvo en peligro de morir.
Parece ser que esta situación provocó que Guillermo compusiese este canto, de ritmo litúrgico y tono sincero, con muestras de arrepentimiento y gran preocupación por la muerte de su hijo y heredero, el futuro Guillermo X, que entonces tenía unos doce años.
La melodía de esta composición disfrutó de cierto prestigio, ya que en el misterio provenzal de Santa Ainés, del siglo XIV, hay una serie de fragmentos líricos sobre los que se acota que deben ser cantados con melodías de canciones trovadorescas muy divulgadas, y para uno de ellos se pide que se interprete con la música del planto del conde de Poitiers.
Pos de chantar m'es pres talenz,
farai un vers, don sui dolenz:
mais non serai obedienz
en Peitau ni en Lemozi.
Qu'era m'en irai en eisil;
en gran paor, en gran peril,
en guerra laisserai mon fil;
faran li mal siei vezi.
Lo departirs m'es aitan greus
del seignoratge de Peiteus!
En garda lais Folcon d'Angeus
tota la tera son cozi.
Si Folcos d'Angeus no.l socor,
e.l reis de cui ieu tenc m'onor,
faran li mal tut li plusor,
felon gascon et angevi.
Si ben no es savis ni pros,
can ieu serai partitz de vos,
vias l'auran tornat en jos,
car lo veiran jove mesqui.
Per merce prec mon compaignon:
s'anc li fi tort, qu'il m'o perdon;
et il prec En Jezu del tron
en romans et en son lati.
De proeza e de joi fui,
mais ara partem ambedui;
et ieu irai m'en a Cellui
on tut peccador troban fi.
Mout ai estat cuendes e gais
mas Nostre Seigner no.l vol mais:
ar non pues plus soffrir lo fais,
tant soi aprochatz de la fi.
Tot ai guerpit cant amar sueill:
cavalaria et orgueill;
e pos Dieu platz, tot o acueill,
e prec li que.m reteng'am si.
Toz mos amics prec a la mort
que.i vengan tut e m'onren fort;
qu'ieu ai agut joi e deport
long e pres et e mon aizi
Aissi guerspic joi e deport,
e vair e gris e sembeli.
--
Ya que me ha venido deseo de cantar
haré un verso, por el que estoy doliente
nunca más seré servidor
en Peitieu ni en Lemosín.
Pues ahora me iré al destierro;
dejaré a mi hijo con gran temor,
en gran peligro y en guerra;
sus vecinos le harán daño.
¡Qué duro me resulta separarme
del señorío de Peiteus!
Dejo a Folcón de Angiers en guardia
de toda la tierra de su primo.
Si no lo socorren Folcón de Angiers
y el rey de quien tengo mi feudo,
todo el mundo le causará daño:
los viles gascones y los angevinos.
Si no se muestra muy avisado y animoso,
en cuanto me separe de vosotros,
lo derribarán muy pronto
al verlo mozo débil.
Pido por piedad a mi compañero:
si fui injusto con él, que me perdone
y rece a Jesús del firmamento
tanto en romance como en latín.
Fui amigo de la bravura y de la alegría,
pero ahora me separo de las dos
y me encaminaré hacia Aquel
junto al cual todos los pecadores hallan reposo
He sido muy jovial y alegre,
pero Nuestro Señor ya no lo permite más:
ahora ya no puedo soportar más la carga,
tan cercano estoy del fin.
He renunciado a todo cuanto solía gustarme:
caballería y orgullo;
y, ya que place a Dios, todo lo acepto
y le ruego que me retenga a su lado.
Ruego a todos mis amigos que, a mi muerte,
vengan todos y me honren mucho,
pues yo he mantenido alegría y regocijo,
cerca, lejos y en mi morada.
Así, renuncio al gozo y al regocijo,
y a los veros, al gris y al armiño.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Pos De Chantar M'es Pres Talenz, en la versión de Pascal Bertin, contratenor, junto a la Capella Reial de Catalunya, y el Ensamble Hespérion XXI, dirigidos por Jordi Savall.
Genia Dunski nació en Sosnowiec, Polonia, en 1924, y murió en el Campo de Concentración de Auschwitz, Polonia, en agosto de 1943. Miembro de la Resistencia.
"Genia Dunski nació en algún momento de 1924. Genia era judía, hija de Haime y Fajga Dunski. Aunque probablemente nunca hayas oído su nombre, su hermano lideraba un importante movimiento de resistencia en Będzin, Polonia.
Będzin y Sosnowiec (la ciudad donde nació Genia) estaban muy cerca la una de la otra. Para 1939, ambas albergaban comunidades judías de aproximadamente 28.000 personas cada una.
El 4 de septiembre de 1939, los nazis llegaron a Sosnowiec. Cinco días después, incendiaron la Gran Sinagoga de Będzin. Muchas casas cercanas también se incendiaron y muchos civiles perdieron la vida. Sin embargo, la familia de Genia se salvó de las llamas.
Su hermano, Tzvi, se unió al célebre Mordechai Anielewicz, quien pasó varios meses en la zona de Zagłębie. Tzvi organizó a los jóvenes en células de resistencia y comenzó a publicar un periódico clandestino llamado "Przełom". También encabezó los esfuerzos para recopilar armas, construir búnkeres y prepararse para un levantamiento.
Es muy probable que Genia participara en estas actividades. Independientemente de si lo hizo o no, ella y su familia pagaron las consecuencias. En febrero de 1943, su madre y su hermana menor, Sala, fueron tomadas como rehenes. Tzvi fue capturado por la Gestapo, torturado y ejecutado.
Sala y Fajga fueron enviadas a Auschwitz. En el plazo de un mes, los padres, la hermana y el hermano de Genia habían fallecido. Solo le quedaba un familiar con vida: una hermana llamada Frania.
Hacia agosto de 1943, Genia fue deportada a Auschwitz. Fue asesinada en una cámara de gas inmediatamente después de su llegada. Tenía apenas dieciocho o diecinueve años.
Genia ha quedado prácticamente en el olvido. Me encantaría que otras personas publicaran algo sobre ella si así lo desean.
Que su recuerdo sea una bendición. Recordemos los actos de heroísmo durante el Holocausto.
Fuente: USHMM.org. Fotos cortesía de Frania Dunski. -Holocaust.angels
Charlotte Irene Caffey nació en Santa Mónica, California, Estados Unidos, el 21 de octubre de 1953. Música, cantante y compositora. Toca guitarra, teclados y bajo.
Charlotte Caffey (nacida el 21 de octubre de 1957 en Santa Mónica, California) es una guitarrista y compositora estadounidense de rock and roll, conocida principalmente por su trabajo en The Go-Go's en la década de 1980. Caffey comenzó su carrera musical como bajista en la banda punk de Los Ángeles The Eyes antes de unirse a The Go-Go's en 1978 y pasarse a la guitarra. De 1988 a 1992, lideró su propia banda, The Graces, con Meredith Brooks y Gia Ciambotti, con quienes lanzó el álbum Perfect View Caffey también coescribió el tema principal de la serie de televisión Cluelesscon Anna Waronker, y tocó el piano en la versión del álbum de "Foolish Games" de Jewel, además de coescribir el éxito country número 1 en Estados Unidos "But for the Grace of God" con Keith Urban. Caffey escribió el libreto, la música y las letras deLovelace: A Rock Musicalcon Anna Waronker. (Más información en Wikipedia) Chris Ashford se dispuso entonces a grabar a las demás bandas que tocaban en el primer club punk, el Masque. The Eyes era una de estas bandas, con un sonido que en las notas del disco What? Stuff se describía como "pop pero con un toque duro". "Don't Talk to Me", con la voz de Charlotte Caffey, salió en el tercer lanzamiento de What Records?; la cara B tenía dos canciones: "Victims" de The Skulls y la maravillosa "Neutron Bomb" de The Controllers (que también se publicó como cara A en What 04). Otra canción de The Eyes con un ritmo igualmente cautivador también se incluye en el álbum recopilatorio, titulada "Kill Your Parents". (Quisiera decir que era una broma, ¡pero sinceramente, no estoy seguro!). Charlotte Caffey dejó The Eyes poco después para convertirse en una de las integrantes fundadoras de The Go-Go's (una de mis favoritas de todos los tiempos); era bajista en The Eyes, pero se convirtió en guitarrista principal en su nueva banda. A pesar de su reputación de chicas de al lado y su atractivo de animadoras, esta exitosa banda de rock exclusivamente femenina estaba bien arraigada en la escena punk rock de Los Ángeles: las otras dos integrantes fundadoras, la vocalista principal Belinda Carlisle y la guitarrista Jane Wiedlin, se contaban entre las coristas llamadas Blackettes que actuaban con Black Randy y The Metrosquad. (Julio de 2010) * * * Esta es una banda de punk rock de la primera ola con una formación estelar: la bajista y vocalista Charlotte Caffey más tarde fue guitarrista principal de las Go-Go's , mientras que DJ Bonebrake se convirtió en el baterista de X. Mi artículo anterior sobre los Eyes mencionaba que los miembros de las Go-Go's tenían profundas raíces en la escena punk rock de Los Ángeles, pero no sabía ni la mitad. Recientemente conseguí un LP llamado Germicide (oh, sí, todavía hacen nuevos LP, los consigo todo el tiempo) del primer concierto en vivo en junio de 1977 de los Germs (también mencioné esa banda en el artículo); su primer sencillo en What Records?, " Forming " b/w " Sex Boy " es considerado el primer disco de punk rock que se lanzó en Los Ángeles. La mujer que presentó a la banda al comienzo del concierto era "Belinda"; y efectivamente, pude confirmar que era Belinda Carlisle, la vocalista principal de las Go-Go's. Hay algunos sencillos originales de Eyes en YouTube, pero el verdadero placer para mí fue una reunión de 2007 en el Masque con una presentación en vivo de “Don't Talk to Me” (aunque las voces no son muy claras) por la formación original de la banda: Charlotte Caffey, DJ Bonebrake y Joe Ramírez: http://www.youtube.com/watch?v=A6VYFCf54AA. Su canción más conocida, “Disneyland”, se puede escuchar en http://www.youtube.com/watch?v=hOc2Q42t3k8. (Julio de 2012) * * *
A continuación, celebramos su cumpleaños, con We Got the Beat.
Con una voz ronca y una presencia escénica dinámica, Wanda Jackson conquistó la Costa Oeste a mediados de la década de 1950. Vestida con sus característicos vestidos de movimiento sensual, interpretaba canciones enérgicas como "Mean, Mean Man" y "Fujiyama Mama", de su propia autoría, lo que llevó a un crítico a describirla como "una mujer realmente dulce, con una voz desagradable". Wanda era "rockabilly" cuando se acuñó el término, y cuando le preguntaron qué significaba, respondió: "¡La vida!".
Wanda nació durante la Gran Depresión. Su familia abandonó Oklahoma al final de la migración de los Okies y llegó a California en 1942. Los fines de semana, sus padres la llevaban a los salones de baile locales, donde descubrió el Western Swing y los ritmos vibrantes de los Maddox Brothers y Rose.
Me quedaba de pie junto al escenario toda la noche. Nunca tenían que preocuparse de dónde estaba; ¡estaba allí mismo, mirando hacia arriba! Y cuando vi a Rose Maddox... Ya había visto cantantes antes, pero esta... era enérgica; tocaba el bajo como un hombre. Se entregaba por completo y cantaba. Pensé: «Eso es lo que quiero hacer cuando sea mayor. ¡Quiero vestirme así y estar en un escenario!».
“Wanda no era como los demás niños después de que la guitarra llegara a su vida”, les contó su madre a los historiadores Mary Bufwack y Robert Oermann. “Nuestro problema nunca fue lograr que practicara; era lograr que dejara de hacerlo”. A los trece años, Jackson tenía su propio programa de radio de música country y, mientras aún estaba en la escuela secundaria, lanzó una serie de discos. Al graduarse, firmó con Capitol Records, en parte gracias al fuerte respaldo de la estrella del country Hank Thompson. Durante una gira de 1955-1956 con Elvis Presley, la superestrella emergente convenció a Jackson de probar suerte en el rockabilly. Con la ayuda del virtuoso guitarrista Joe Maphis y un joven Buck Owens, pronto estaba arrasando en los escenarios de todo el país, con su padre como acompañante y representante. La madre de Jackson, costurera de profesión, confeccionaba todos sus vestidos de escenario: ajustados vestidos de tubo sostenidos por finos tirantes de espagueti con pedrería y adornados con flecos cortos de seda. Ese fleco sigue siendo el sello distintivo de Wanda. “Yo nunca me movía mucho”, recuerda, “¡pero mi vestido sí!”.
El sencillo de Jackson de 1960, "Let's Have a Party", fue su primer éxito en el Top 40, seguido de los LP Rockin' with Wanda y There's a Party Goin' On y sus álbumes "divididos": country en una cara y rockabilly en la otra. Salió de gira con una de las primeras bandas integradas, incluyendo a "Big Al" Dowling al piano. Durante un concierto en Butte, Montana, el dueño del club le dijo a Wanda que Al tendría que irse. "Y yo dije: 'Bueno, señor, si él no puede quedarse en el escenario, yo tampoco'", recuerda. Su banda de gira también le brindó una plataforma inicial al guitarrista principal Roy Clark, prácticamente desconocido en ese momento.
Hoy en día, Jackson es recordada como la "Reina del Rockabilly". Tras seis décadas en la industria —incluyendo éxitos en el rockabilly, el country comercial y el gospel— su papel pionero para las mujeres en la música country ha sido celebrado en películas, libros, numerosos sitios web y exposiciones. En 2009, ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el mismo año en que colaboró con el productor Jack White para grabar " The Party Ain't Over". Tres años después, lanzó su trigésimo primer álbum de estudio, "Unfinished Business", producido por el cantautor de música americana Justin Townes Earle.
Nacida: 20 de octubre de 1937, Maud, Oklahoma
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Hard Headed Woman y Thunder On The Mountain.
Luis César Amadori en su juventud. Archivo Teatro Maipo.
De Italia a Buenos Aires: Luis César Amadori y la sensibilidad del tango
Por Carlos Szwarcer
Cuando Luis César Amadori llegó a Buenos Aires tenía apenas cinco años. Había nacido en Pescara, Italia, el 28 de mayo de 1902, y aunque aquella ciudad quedó atrás siendo todavía un niño, la raíz italiana permanecería integrada a su identidad. Buenos Aires habría de ser su ciudad de formación, de trabajo y de consagración, pero en su trayectoria artística pueden reconocerse también rasgos de una sensibilidad nacida de aquella primera pertenencia y enriquecida después por el mundo porteño.
Era la Buenos Aires de la gran inmigración, una ciudad donde italianos, españoles, criollos y otras colectividades fueron modificando el paisaje humano y cultural. El tango fue una de las expresiones más acabadas de aquella convivencia. En sus calles, cafés, teatros y conventillos se cruzaban lenguas, costumbres, músicas y maneras de entender la vida, y de esa mezcla surgía una cultura popular que ya no podía considerarse patrimonio exclusivo de ninguna de sus procedencias.
En ese ambiente creció Amadori. Dejó los estudios de medicina para dedicarse al periodismo e ingresó en el diario Última Hora en 1921. Su primera colaboración fue una crónica sobre I Puritani, de Vincenzo Bellini, un dato que no resulta menor si se observa posteriormente su estrecha relación con la música, el teatro y el espectáculo. Poco después, su actividad periodística habría de conducirlo hacia las tablas y a una trayectoria que lo llevaría a dirigir primero el Teatro Cervantes y, desde 1931, el Teatro Maipo.
El Maipo sería uno de los grandes escenarios de esa transformación y ubicaría a su director dentro de una trayectoria que reúne a algunas de las figuras fundamentales de la revista porteña. Allí puede observarse una parte sustancial de su aporte. Se movía con naturalidad entre el teatro, la música y la canción, en un universo donde el tango encontraba nuevos espacios para llegar al público. No es casual que algunas de sus letras nacieran precisamente de esa actividad teatral. Él mismo recordaría que, al tener en sus compañías figuras como Azucena Maizani, Mercedes Simone y Sofía Bozán, comenzó a escribir letras para tangos.
La canción ciudadana encontró en él a un letrista atento a las emociones. Amor, abandono, nostalgia, desencuentro, arrepentimiento y dolor aparecen reiteradamente en su obra. Rencor, Cobardía, Confesión, Alma de bandoneón, Desencanto y Madreselva forman parte de una producción vinculada a músicos como Charlo, Francisco Canaro y Enrique Santos Discépolo.
Cinco de sus tangos fueron grabados por Carlos Gardel. Madreselva resulta particularmente significativa.
La música pertenece a Francisco Canaro y la letra a Amadori; estrenado en 1931, el tango fue grabado ese mismo año por Carlos Gardel con la orquesta de Canaro. La vieja pared, la infancia, el primer amor, los desengaños y el paso del tiempo construyen allí un pequeño drama sentimental, en el que la memoria termina siendo casi tan importante como la propia historia de amor.
Máquina de escribir de Amadori. En ella escribía obras y letras de tango. Gentileza de Norberto Campana.
Hay en esa manera de concebir la canción una afinidad con la tradición italiana de la música y del espectáculo, particularmente en la importancia concedida al drama, la pasión y la expresión sentimental. Pero en su obra esos elementos aparecen ya fundidos con el lenguaje porteño. La tradición recibida y la experiencia adquirida en Buenos Aires no marchan por caminos separados: se encuentran en una producción que pertenece plenamente a la cultura rioplatense.
La relación de Amadori con el espectáculo fue todavía más amplia. Periodista, autor teatral, empresario, letrista y posteriormente cineasta, participó de una cultura en la que la canción, el teatro y el cine comenzaron a estrechar sus vínculos. El estudio del CONICET sobre su archivo lo define precisamente como director cinematográfico, guionista, escritor de teatro y de tangos, empresario teatral y cinematográfico.
El Maipo fue un ámbito donde distintas expresiones de la cultura popular porteña podían encontrarse en una misma noche: teatro, música, humor, revista y tango. La experiencia que desarrolló allí puede leerse dentro de un proceso mayor. La inmigración italiana no solamente aportó habitantes a Buenos Aires; llevó consigo músicas, formas de sociabilidad, tradiciones familiares, modos de expresión y una particular relación con el teatro y la canción. En la ciudad, aquellas herencias se encontraron con otras y fueron adquiriendo formas nuevas.
Amadori representa muy bien ese proceso. Italia fue su origen; Buenos Aires, la ciudad que lo recibió, lo educó y lo convirtió en artista. El tango fue uno de los lenguajes en los que esa síntesis encontró expresión, mientras el teatro y posteriormente el cine ampliaron su alcance hacia públicos cada vez más numerosos.
De este modo, su italianidad no quedó detenida en Pescara ni se convirtió en un recuerdo familiar ajeno a su obra. Se incorporó a la experiencia porteña y, como tantas otras herencias inmigratorias, terminó transformándose.
Tal vez allí se encuentre la particular riqueza de su trayectoria. Aquel niño llegado de Italia a los cinco años terminó convertido en uno de los protagonistas de la cultura popular argentina. Su obra pertenece al tango, al teatro y al cine porteños, pero en ella también permanece aquella raíz italiana que Buenos Aires supo recibir, integrar y devolver con una identidad nueva.
Bibliografía
• Szwarcer, Carlos. Teatro Maipo. 100 años de historia entre bambalinas. Buenos Aires: Corregidor.
• CONICET. Archivo Luis César Amadori: fuentes para contar la historia. Digitalización del patrimonio fotográfico y documental. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas.
• Gravina, Alfredo Dante (selección). Antología del tango: letras. Montevideo: Del Caballo Perdido, 2002.
• Fundación Internacional Carlos Gardel. Discografía de Carlos Gardel: 1931. Información sobre las grabaciones de Gardel, entre ellas Madreselva, de Francisco Canaro y Luis César Amadori.
• Todo Tango. “Luis César Amadori”. Biografía y repertorio de sus composiciones.
• Todo Tango. “Madreselva”. Información sobre autores, música, letra y trayectoria del tango.
• Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Buenos Aires Italiana. Temas de Patrimonio Cultural. Buenos Aires.
Publicado en Tango y Gotan. Faitango: Federacion de Asociaciones Italianas de Tango Argentino. Autor: Carlos Szwarcer. 7 de octubre de 2026.
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A continuación, el tango Madreselva, de Canaro y Amadori, en la interpretación de Carlos Gardel, y la Orquesta de Francisco Canaro.
Carlos Szwarcer es historiador, periodista y escritor argentino.
Autor de los libros “Teatro Maipo. 100 años de historias entre bambalinas”, “Buenos Aires Sefaradi” (compilador), “El Tortoni y el Izmir, un nexo para la historia” (cuaderno del Tortoni N° 9), "Desde el umbral del Tiempo", y numerosos artículos, ensayos y narrativa publicados en prestigiosos medios nacionales y del exterior.
También participó como coordinador en diversos emprendimientos organizados por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, y se enfoca en la diversidad porteña, los barrios, la inmigración y las colectividades, entre otros temas.
Jeanne Carolyn Stephenson, más conocida como Jeannie C. Riley, nació en Stamford, Texas, Estados Unidos, el 19 de octubre de 1945. Cantante y compositora.
El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Mark Deming.
Pocos artistas en la historia de la música country alcanzaron la fama tan rápidamente como Jeannie C. Riley. Su segundo sencillo, "Harper Valley PTA", fue un éxito arrollador inmediatamente después de su lanzamiento en 1968; vendió más de cinco millones de copias en Estados Unidos y fue la primera canción de una artista femenina en encabezar las listas de country y pop simultáneamente. La canción también sentó las bases para gran parte de la carrera posterior de Riley, quien cantaba sobre el lado más duro de la vida y los escándalos de los pueblos pequeños, vistos a través de los ojos de una mujer sencilla con un espíritu orgulloso y una voz potente, realzada por el inconfundible acento tejano de su instrumento. El sonido country accesible pero desinhibido de la música de Riley adquirió un tono más suave después de que abrazara el cristianismo a finales de los 70 y lanzara álbumes como Wings to Fly de 1979 y From Harper Valley to the Mountain Top de 1981. En la década de los 90, la carrera discográfica de Riley se había desvanecido y su lucha contra la depresión la mantuvo alejada del ojo público durante la mayor parte de la década, pero hizo un discreto regreso a principios de los 2000, presentando un programa de radio y volviendo a las actuaciones en directo.
Jeannie C. Riley nació como Jeanne Carolyn Stephenson el 19 de octubre de 1945 en el pequeño pueblo texano de Stamford. Su padre era mecánico y su madre ejercía como enfermera. Al crecer en Texas, Riley desarrolló una gran pasión por la música y soñaba con que su talento fuera la clave para una vida mejor. Riley debutó como cantante a principios de los años 60 en una actuación organizada por su tío Johnny Moore, un cantante de música country que había cosechado algunos éxitos regionales. Los aficionados locales quedaron impresionados con la actuación de Riley, y ella comenzó a cantar regularmente en los festivales mensuales de Moore. Aún no se había graduado de la escuela secundaria cuando se casó con su novio, Mickey Riley, en diciembre de 1962, y tuvieron una hija, Kim Michelle Riley, en enero de 1966. Mientras tanto, Weldon Myrick, un guitarrista de pedal steel que había tocado en varios de los conciertos de Riley en Texas, se había mudado a Nashville y sentía que la estrella emergente Connie Smith sonaba muy parecida a ella. Myrick animó a Riley a ir a Nashville y seguir una carrera como cantante, y con el tiempo Riley y Mickey hicieron las maletas y se mudaron a la Ciudad de la Música. Trabajó como secretaria en Passkey Records mientras grababa demos en su tiempo libre y finalmente llegó a un acuerdo con Little Darlin' Records, un sello de Nashville cofundado por Johnny Paycheck. En 1967, Little Darlin' lanzó su sencillo debut, "You Write the Music" con "What About Them" en la cara B. Riley grabaría material para un álbum con Little Darlin', pero después de que su primer sencillo de 45 rpm fracasara, se negaron a lanzar un segundo sencillo.
La carrera de Riley parecía estancada hasta que Shelby Singleton, un productor y promotor que había ayudado a convertir varios discos en éxitos, escuchó una maqueta que ella había grabado para una canción llamada "The Old Town Drunk". Singleton había lanzado recientemente su propio sello de música country, Plantation Records, y estaba ansioso por grabar una canción escrita por Tom T. Hall sobre una mujer que se enfrenta a los hipócritas de un pueblo pequeño en nombre de su hija. Singleton creía que Riley tenía la voz adecuada para la canción, así que compró su contrato con Little Darlin' y la llevó al estudio para grabarla. Aunque al principio a Riley no le convenció mucho la canción, le dio una oportunidad, y en menos de una hora había grabado "Harper Valley PTA". Tras el lanzamiento del sencillo, tanto la radio country como la pop lo acogieron con entusiasmo, aunque algunas emisoras de C&W se escandalizaron por la descripción que hacía la canción de la pecaminosidad de un pueblo pequeño, y las emisoras de rock solían rechazar las canciones que no hacían concesiones al mercado crossover. En agosto de 1968, "Harper Valley PTA" alcanzó la cima de las listas de éxitos pop y country; fue la primera vez que una artista femenina lograba esta hazaña, y no volvería a ocurrir hasta 1980, cuando Dolly Parton lanzó "9 to 5".
En cuestión de semanas, Riley pasó del anonimato al estrellato cuando "Harper Valley PTA" se convirtió en un fenómeno cultural y Little Darlin' no perdió el tiempo en lanzar su material de Riley en un álbum de 1968 llamado Sock Soul; en 1969 Capitol reeditó el mismo LP bajo el título The Songs of Jeannie C. Riley. Fue superado en ventas por el primer álbum de Riley para Plantation, llamado Harper Valley USA, que encabezó la lista de álbumes country y alcanzó el puesto número 12 en la lista pop. La canción también le valió a Riley un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina Country. "Harper Valley PTA" resultó ser el primer y único sencillo de Riley en entrar en el Top 40 pop, pero se convirtió en una presencia frecuente en la televisión nacional en 1969 y 1970, protagonizando su propio especial de televisión (titulado, por supuesto, Harper Valley PTA) y apareciendo en The Ed Sullivan Show, The Johnny Cash Show, The Bob Hope Show, American Bandstand y The Glen Campbell Goodtime Hour, además de realizar giras con frecuencia. Riley continuó cosechando éxitos en las listas de música country, colocando diez sencillos más en el Top 40 entre diciembre de 1968 y octubre de 1971. (Cinco de ellos —"The Girl Most Likely", "There Never Was a Time", "Country Girl", "Oh, Singer" y "Good Enough to Be Your Wife"— llegaron al Top Ten). Riley también lanzó cinco álbumes más para Plantation durante el mismo período, pero tras una disputa con Singleton, a quien consideraba que le pagaba menos de lo debido, dejó el sello y firmó con MGM Records. Su primer sencillo para MGM, "Houston Blues", llegó en noviembre de 1971, y en 1972 consiguió dos sencillos más en el Top 40 de música country: "Give Myself a Party" y "Good Morning Country Rain". Sin embargo, después de que "When Love Has Gone Away" alcanzara el puesto número 44 en marzo de 1973, sería la última vez que Riley lanzaría un sencillo de 45 rpm que superara el puesto 50 en las listas de sencillos country. Los contratos efímeros con Mercury y Warner Bros. dieron como resultado sencillos que tuvieron poca repercusión, y aunque Riley siguió de gira, su lanzamiento más exitoso de este período fue el álbum de la banda sonora de una adaptación cinematográfica de 1978 de Harper Valley USA, protagonizada por Barbara Eden.
Mientras Riley lidiaba con un matrimonio infeliz, una carrera en declive y problemas financieros, experimentó un renacimiento espiritual y se convirtió al cristianismo. En 1979, lanzó un álbum de música de temática cristiana, Wings to Fly, y en 1981, publicó From Harper Valley to the Mountain Top, que apareció al mismo tiempo que sus memorias del mismo nombre. A lo largo de los años 80, Riley se centró principalmente en la música espiritual, aunque también grabó material secular en los álbumes Total Woman (1984) y Jeannie C. Riley (1986), en este último regrabó "Harper Valley PTA". El álbum Here's Jeannie C. llegó en 1991, pero una disputa con su representante a principios de los 90 volvió a meter a Riley en problemas legales y financieros, y desarrolló un caso grave de depresión clínica, que le impidió trabajar durante casi seis años. Para el año 2000, Riley había recuperado su salud física y mental, y se convirtió en la presentadora de un programa de radio semanal titulado Inside Nashville Country, además de ofrecer conciertos, dar charlas a grupos cristianos y escribir. En 2019, "Harper Valley PTA" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy, que reconoce grabaciones de mérito y trascendencia perdurables.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Harper Valley PTA.
En el programa de hoy nos visitan las hermanas Lara que, con ocasión de la publicación de su libro más reciente: Isabel Zendal, La mujer que llevó la vacuna de la viruela al fin del mundo, nos acercarán al mundo de la enfermería y su papel en la sociedad y en el mundo judío.
Emanuele Levrero nació en Génova, Italia, el 18 de octubre de 1915, y murió en Novi Ligure, Italia, el 31 de octubre de 1999. Religioso. Justo entre las Naciones.
Monseñor Emanuele Levrero, hijo de Emilio y Rossi Maria, nació en Génova el 18 de octubre de 1915. Fue ordenado sacerdote el 11 de junio de 1938. Fue Vicario Cooperador de los SS. Salvatore y S. Croce di Sarzano desde 1938 y Vicario Cooperador de S. Bartolomeo del Fossato en Génova desde 1941, luego Párroco desde 1955. Se convirtió en Párroco de Santa Maria Assunta en Carrosio (AL) desde el 16 de diciembre de 1975. Vicario del XV Vicariato Foráneo “Zona Norte-Alta Val Lemme” de 1986 a 1995. Fue elegido miembro del Consejo Presbiteral diocesano de 1988 a 1996. Capellán de Su Santidad desde 1976. Monseñor Emanuele Levrero terminó su día terrenal como buen obrero del Evangelio el 31 de octubre de 1999 y fue enterrado en el cementerio de Carrosio el 2 de noviembre. En su homilía, el cardenal Tettamanzi recordó cómo el hogar de Don Levrero era el de cada uno de sus feligreses (de ayer y de hoy), donde el sufrimiento y la necesidad requerían su presencia sencilla y humilde. Todos —familiares, feligreses de todas las edades y hermanos— recuerdan su capacidad de organización, su precisión en la liturgia y el canto, su profunda y sólida espiritualidad, su disposición a escuchar, su dedicación a los deberes pastorales y su generosidad al asumir cualquier compromiso, incluso el más exigente. Su estilo de vida y su ministerio se centraron en lo esencial. Solo mucho tiempo después se reconoció la labor sumamente generosa y arriesgada que realizó en favor de los judíos durante los años de la persecución nazi-fascista.
«Jamás», escribe Mario Macciò en su libro «Génova y la Shoá: Salvados por la Iglesia», «el sacerdote ha estado tan cerca de su rebaño como durante los años de la ocupación alemana y la guerra fratricida; jamás, como en aquellos meses, los perseguidos y oprimidos han sentido la grandeza de la misión sacerdotal». La historia de Don Levrero —un «Perlasca de más allá de la Lanterna»— comenzó en los atormentados y difíciles años posteriores al 8 de septiembre de 1943. Su hermana Erminia vivía con él, haciendo de ama de llaves.
Una tarde de mediados de diciembre, "u Petrin", ayudante del anciano sacristán de San Bartolomé, se acercó a Don Levrero y le pidió que alojara temporalmente a su hermana, a su marido y a su hija pequeña, Myriam, en el Oratorio. Habían llegado inesperadamente, tras un viaje lleno de aventuras desde Francia, huyendo de la policía de Pétain, que perseguía a los judíos: el cuñado de "Petrin" era, de hecho, judío. A esta primera familia, acogida en el Oratorio por Don Levrero, pronto se unieron otras, todas judías: encontraron refugio seguro en la cabina del cine parroquial, en el ático del Oratorio e incluso en el sótano. Don Levrero reveló sus experiencias, los peligros que había afrontado y sus intervenciones para salvar tantas vidas de la persecución nazi-fascista a tan solo unas pocas personas, entre ellas el secretario del cardenal Boetto, Don Repetto. Según los testimonios recogidos, se estima que se salvaron más de 400 personas. En Sampierdarena, quienes lo sabían intentaron ayudar a su párroco en la difícil tarea de esconder a sus "invitados".
En aquel entonces, las limosnas en las cajas de la iglesia eran sustanciales, porque estaban destinadas a ayudar a alimentar a los "huéspedes", cuyo número aumentaba constantemente.
El título de "Justo entre las Naciones" otorgado por la Corte Suprema de Israel fue entregado a su sobrina durante una emotiva e histórica ceremonia el 2 de diciembre de 2009 en la Sinagoga de Génova. La Dra. Sara Ghilad, asistente administrativa de la Embajada de Israel, entregó el galardón a Anna Bozano, sobrina de Monseñor Levrero (hija de su hermana mayor Emilia), quien también estuvo presente con su hermana Carla.
Charles Edward Anderson Berry, más conocido como Chuck Berry, nació en San Luis, Misuri, Estados Unidos, el 18 de octubre de 1926, y murió en Wentzville, Misuri, Estados Unidos, el 18 de marzo de 2017. Cantante, compositor, y guitarrista.
La música de Chuck Berry ha trascendido generaciones. Se le respeta hasta el día de hoy porque fue un verdadero artista. Berry, también conocido como "El Padre del Rock & Roll", alcanzó el éxito observando la reacción del público y tocando en consecuencia, priorizando la diversión de sus oyentes por encima de todo. Por esta razón, canciones como "Johnny B. Goode", "Maybellene" y "Memphis" se han convertido en himnos para la juventud y la cultura popular estadounidenses. Berry es un ícono musical que estableció el rock and roll como género musical y unió los mundos blanco y negro a través de la música. Nacido en St. Louis el 18 de octubre de 1926, Berry tuvo muchas influencias en su vida que moldearon su estilo musical. Emuló la suave claridad vocal de su ídolo, Nat King Cole, mientras interpretaba canciones de blues de bandas como Muddy Waters. Para su primera presentación en el escenario, Berry eligió cantar una canción de Jay McShann llamada "Confessin' the Blues". Fue durante la función musical de su instituto, cuando el blues gozaba de popularidad pero no se consideraba apropiado para un evento de esa índole. Su audaz elección le valió una ovación atronadora, y desde entonces, Berry no podía faltar en el escenario.
CLASES DE GUITARRA
Berry empezó a tocar la guitarra después de eso, inspirado por su compañero en la obra de teatro escolar. Descubrió que si aprendía cambios de ritmo y acordes de blues, podía tocar la mayoría de las canciones populares que sonaban en la radio en ese momento. Su amigo, Ira Harris, le enseñó técnicas de guitarra que se convertirían en la base del sonido original de Berry. Luego, en 1952, comenzó a tocar la guitarra y cantar en una banda de club cuyo repertorio abarcaba desde blues y baladas hasta calipso y country. Berry se estaba convirtiendo en un consumado artista, incorporando gestos y expresiones faciales que acompañaban las letras. Fue en 1953 cuando Chuck Berry se unió al Sir John's Trio (que más tarde se renombró como Chuck Berry Combo), que tocaba en el popular Cosmopolitan Club de San Luis. La música country-western estaba en auge en ese momento, así que Berry decidió usar algunos de los riffs y crear su propio sonido hillbilly único. El público negro pensó que estaba loco al principio, pero no pudo resistirse a intentar bailar al ritmo de su música. Como la música country era popular entre los blancos, estos empezaron a asistir a los conciertos, y en ocasiones el público llegó a ser casi un 40% blanco. Las payasadas de Berry en el escenario llamaban la atención, pero los demás miembros de la banda también hacían lo suyo. En sus propias palabras: «Yo arrastraba las cuerdas para crear un pasaje que Johnnie (Johnson) no podía producir con las teclas del piano, pero la respuesta era tan parecida que recibía una tremenda ovación. Su respuesta sonaba similar a algunas que Jerry Lee Lewis luego empezó a tocar con maestría».
ALGUNOS BUENOS CONSEJOS
Más tarde, en 1955, Berry hizo un viaje por carretera a Chicago, donde casualmente se topó con un club donde actuaba su ídolo, Muddy Waters. Llegó tarde y solo escuchó la última canción, pero cuando terminó, llamó la atención de Waters y le preguntó a quién debía dirigirse para grabar un disco. Waters respondió: "Sí, Leonard Chess. Sí, Chess Records, en la esquina de la Calle Cuarenta y Siete y Cottage". Berry fue allí el lunes y descubrió que era un sello discográfico de blues donde habían grabado grandes como Howlin' Wolf y Bo Diddley. No tenía ninguna cinta para mostrar, pero Chess estaba dispuesto a escuchar si traía algunas de San Luis. Así que Berry regresó a casa y grabó algunas canciones originales, incluyendo la que sería "Maybellene", entonces llamada "Ida May", y condujo de vuelta a Chicago esa misma semana para la audición. Para sorpresa de Berry, fue esa canción country la que llamó la atención de Chess. Berry firmó con Chess Records y, en el verano de 1955, "Maybellene" alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos pop y el número 1 en las de R&B. Gracias a Chuck Berry, Chess Records pasó del género R&B al éxito comercial, y Berry se encaminaba hacia el estrellato.
EL RESTO ES HISTORIA
Berry continuó su éxito con temas como “Brown-Eyed Man”, “Too Much Monkey Business”, “Memphis”, “Roll Over, Beethoven!” y “Johnny B. Goode”. “Johnny B. Goode” es la obra maestra de Berry, ya que reunió todos los elementos de su sonido musical único. Consolidó su lugar en la historia del rock y lo catapultó a la fama en la década de 1950. Su popularidad le valió apariciones en televisión y cine, y realizó giras con frecuencia. El increíble éxito de Berry se debe a su capacidad para expresar las inquietudes y actitudes de su público en su música. En la cima de su éxito, Berry era un hombre negro de 30 años que cantaba para un público mayoritariamente blanco y adolescente. Apodado el “Eterno Adolescente”, el conocimiento de Chuck Berry sobre el mercado pop le permitió romper barreras raciales y tocar para un público integrado. En las décadas de 1960 y 1970, la música de Berry fue la inspiración para grupos como los Beatles y los Rolling Stones. Berry tuvo varios éxitos de regreso y en 1972 logró el primer y único número uno en las listas de pop de su carrera con "My Ding-A-Ling". En 1986, ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll, siendo el primer miembro en la historia en recibirlo. Como tributo a su omnipresencia en el mundo del rock, se seleccionó un fragmento de "Johnny B. Goode" para reproducirlo en la sonda espacial Voyager 1, demostrando que Chuck Berry y su legado rockero son verdaderamente extraordinarios.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Johnny B. Goode.
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