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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Arnel Pineda es conocido principalmente por ser el nuevo vocalista del grupo de rock Journey.
Actualizado: 20 de julio de 2020, 16:37 (EDT)
¿Quién es Arnel Pineda?
Tras una serie de desafortunados sucesos en su infancia, Arnel Pineda triunfó en Asia como vocalista del grupo The Zoo. En 2007, fue descubierto por Neal Schon, guitarrista de Journey, después de que se publicaran varios vídeos en YouTube donde interpretaba versiones de canciones estadounidenses, incluyendo el famoso éxito "Don't Stop Believin'". En diciembre de 2007, Pineda se convirtió en el nuevo vocalista de Journey. Su voz es notablemente similar a la del anterior vocalista de Journey, Steve Perry.
Infancia problemática
Arnel Pineda nació el 5 de septiembre de 1967 en Sampaloc, Manila, Filipinas. Durante su infancia, Pineda sufrió grandes desgracias. Cuando tenía apenas 13 años, su madre, de 35 años, falleció tras una larga lucha contra una enfermedad cardíaca. Los gastos médicos dejaron a la familia con graves deudas, y el padre de Pineda ya no pudo mantener a Pineda ni a sus tres hermanos menores: Russmon, Roderick y Joselito.
Mientras que sus familiares pudieron acoger a sus hermanos, Pineda quedó solo. Pasó los siguientes años sin hogar, durmiendo a menudo a la intemperie en parques públicos y buscando comida y agua a duras penas. Cuando era posible, se quedaba en casa de algún amigo, quien le ofrecía una litera en el exterior. Finalmente, Pineda se vio obligado a dejar la escuela y a aceptar trabajos ocasionales recogiendo chatarra y botellas en el muelle y vendiendo periódicos para mantener a su familia.
Inicio de carrera
La pasión de Pineda por la música comenzó a temprana edad. Empezó a cantar con tan solo cinco años y participó en numerosos concursos de canto durante su infancia. En 1982, a los 15 años, conoció a una banda local llamada Ijos, y sus amigos lo animaron a audicionar para ser su nuevo vocalista principal. Cantó "Help" de los Beatles y "Making Love Out Of Nothing At All" de Air Supply. Aunque les preocupaba su falta de formación, los miembros de Ijos quedaron impresionados por la potente voz de Pineda y lo eligieron como nuevo líder de la banda. Uno de los amigos de un miembro de la banda incluso se ofreció a pagarle el sueldo a Pineda, 35 pesos por noche, de su propio bolsillo, y a Pineda le ofrecieron una pequeña habitación para dormir debajo de las escaleras de la entrada del guitarrista.
En 1986, algunos miembros de Ijos se unieron para formar la nueva banda de pop-rock Amo. El grupo alcanzó el éxito versionando canciones de grupos populares como Heart, Queen y Journey. En 1988, llamaron la atención al ganar la fase filipina del concurso Yamaha World Band Explosion. Aunque fueron descalificados en la final por un tecnicismo, el evento se transmitió por televisión en Asia, ampliando así su base de fans. La banda continuó actuando en clubes y estadios populares de Filipinas.
En 1990, los miembros se reagruparon una vez más, bajo el nuevo nombre de Intensity Five, y volvieron a participar en el concurso. La banda quedó en segundo lugar y Pineda ganó el premio al Mejor Vocalista. Tras una serie de problemas de salud a principios de los 90, incluyendo la pérdida temporal de su voz, Pineda reapareció en 1999 con un nuevo álbum en solitario con Warner Brothers. El álbum homónimo tuvo varios éxitos en Asia.
Tras breves incursiones en varias bandas, Pineda volvió a cosechar éxitos en 2006 con The Zoo, grupo que formó con Monet Cajipe, guitarrista y compositor que había formado parte de todas sus bandas durante los 20 años anteriores. The Zoo actuó en varios clubes populares de la zona y, en 2007, lanzó un álbum con MCA Universal titulado Zoology . Pronto, la banda comenzó a versionar canciones de grupos como Journey, Survivor, Aerosmith, Led Zeppelin, The Eagles y otros, con más de 200 actuaciones subidas a YouTube.
Viaje
El 28 de junio de 2007, Neal Schon, guitarrista y miembro de la banda Journey, vio un video de Pineda en YouTube e inmediatamente lo contactó. La banda buscaba un nuevo vocalista, y la voz de Pineda sonaba sorprendentemente similar a la de Steve Perry, el legendario exlíder de Journey. Tras hablar con Schon por teléfono, Pineda organizó su viaje a Estados Unidos para audicionar con la banda en San Francisco. El 5 de diciembre de 2007, Pineda fue recibido como el nuevo vocalista de la banda.
Inmediatamente, Pineda se fue de gira con la banda, ofreciendo dos conciertos en Chile y dos en Las Vegas. Ambos fueron un gran éxito. Tras varias apariciones como invitado en programas de televisión y reportajes en revistas, Pineda ganó popularidad entre el público estadounidense. El 3 de junio de 2008, Journey, recién reorganizado, lanzó su primer álbum, Revelation, que alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos de Estados Unidos. Este álbum fue el que mejor posición alcanzó en las listas desde Trial by Fire (con Steve Perry) y obtuvo la certificación de platino en octubre de 2008.
Poco después del lanzamiento del álbum, la banda continuó de gira por todo el mundo con Pineda. El documental " Don't Stop Believin': Everyman's Journey", cuyo estreno está previsto para 2012, narrará la gira "Revelation Tour" de la banda y los primeros años de Pineda con ella.
Vida personal
Cuando no está de gira, Pineda reside en Filipinas con su esposa, Cherry, y sus hijos, Cherub y Thea. Tiene otros dos hijos —Matthew, de 19 años, y Angelo, de 13— de relaciones anteriores.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Don't Stop Believin
A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de David Oistraj, y la Orquesta Filarmónica de Moscú, dirigida por Gennady Rozhdestvensky.
María Kotarba nació en Nowy Sącz, Galicia y Lodomeria, entonces Austria-Hungría, el 4 de septiembre de 1907, y murió en Owczary, Polonia, el 30 de diciembre de 1956. Mensajera de la Resistencia. Justa entre las Naciones.
Nacida cerca de Nowy Sacz, Maria Kotarba había trabajado como mensajera para la resistencia polaca antes de ser capturada y transportada a Auschwitz el 6 de enero de 1943. Como prisionera política, Maria fue puesta a trabajar en el campo, en el comando de jardinería de Rajsko.
Un día, María conoció a Lena Lakomy, una "enfermera" que acompañaba a los prisioneros enfermos a la enfermería del campo. Lena había sido registrada en el campo como polaca no judía, debido a su apariencia. Un día, María se unió clandestinamente al grupo de prisioneros enfermos para introducir de contrabando medicamentos de la resistencia local para los prisioneros que hacían de médicos en la enfermería. A partir de entonces, se unió con frecuencia al grupo de enfermos de Lena, y a medida que su amistad se fortalecía, la visitaba en el barracón por la noche y le preparaba sopa de verduras con vegetales que sacaba de contrabando del huerto de las SS donde trabajaba. También ayudó a Guta, la hermana de Lena, y a otros prisioneros judíos, a pesar del riesgo personal y de las protestas de otros prisioneros polacos que la acusaban de ayudar a judíos en lugar de a cristianos polacos.
María ayudó a Lena de muchas maneras, a menudo arriesgando su vida: le proporcionó sándwiches durante la semana que estuvo encerrada en una celda de castigo y gestionó su traslado a tareas más ligeras cuando la asignaron al "Comando del Río", donde el arduo trabajo de extraer grava de los ríos seguramente la mataría. María también introdujo de contrabando alimentos y leche en Guta a través de una tercera persona, Henia Szainberg.
En enero de 1945, cuando María y Lena fueron trasladadas al campo de concentración de Ravensbrück, María les encontró un lugar en el bloque francés de los barracones, que ya estaban superpoblados. Continuó ayudando a Lena cuando fueron transportadas al subcampo de Neustadt-Glewe en febrero de 1945.
Tras ser liberados por el Ejército Rojo el 2 de mayo de 1945, se separaron sin que María pidiera ninguna compensación. Lena intentó encontrar a María después de la guerra, pero no lo logró hasta 1997, cuando supo que María había fallecido en 1956.
En septiembre de 2005, Yad Vashem reconoció a María Kotarba como Justa entre las Naciones.
Martin Dale Chambers, más conocido como Martin Chambers, nació en Hereford, Herefordshire, Reino Unido, el 4 de septiembre de 1951. Baterista, cantante y compositor.
Martin Dale Chambers (nacido el 4 de septiembre de 1951 en Hereford) es un músico inglés, conocido principalmente por ser miembro fundador y baterista de la banda de rock The Pretenders. Además de tocar la batería, Chambers canta coros (voz principal en la canción "Fast or Slow (The Law's the Law)", la cara B de los sencillos "2000 Miles" y "Show Me", que también compuso) y toca la percusión. Formó parte de la formación original, que también incluía a Chrissie Hynde (voz/guitarra), James Honeyman-Scott (guitarra/voz/teclados) y Pete Farndon (bajo/voz). Hynde y Chambers son los únicos dos miembros originales que siguen vivos, y él ha formado parte del grupo en dos etapas distintas.
Antes de unirse a los aún sin nombre Pretenders, Chambers tocó con James Honeyman-Scott en Cheeks, una banda liderada por el ex tecladista de Mott the Hoople, Verden Allen. Cuando Chambers se unió a la banda aún sin nombre en 1978, trabajaba como instructor de manejo en Tufnell Park, Londres, donde había conseguido un trabajo en la British School of Motoring "porque venía con un auto para que pudiera moverme" y por eso encontró dónde vivían Jim y Pete y luego reemplazó a Jerry Mackleduff en la batería (Uncut, 1999). En el primer ensayo de Chambers con el grupo, Hynde recordó: "Conectamos y empezamos a tocar 'Precious', y recuerdo claramente que tuve que darme la vuelta y mirar a la pared, me reía tanto, porque tan pronto como Martin empezó a tocar con nosotros, supe que esto era. Teníamos la banda." (Uncut, 1999). Martin también recordó el ensayo: "Lo supimos de inmediato. Simplemente nos compenetramos." (Rhino Entertainment Company, 2006).
Chambers demostró ser un baterista versátil dentro del grupo, con un estilo contundente que se evidencia en canciones como "Middle of the Road". El guitarrista Adam Seymour reconoció que "existe una dinámica rítmica particular entre la guitarra de Chrissie y la batería de Martin que requeriría una ecuación científica para explicar. Martin, por así decirlo, retrocede en el ritmo mientras Chrissie lo impulsa hacia adelante". (Rhino Entertainment Company, 2006).
La primera etapa de Chambers con el grupo duró desde mediados de 1978 hasta mediados de la década de 1980. Afrontar la muerte de sus compañeros Honeyman-Scott y Farndon resultó difícil, y su consiguiente falta de entusiasmo provocó su salida del grupo durante las sesiones de grabación de Get Close. Según Hynde, «Sentí que su forma de tocar se había deteriorado. Creo que todavía estaba muy traumatizado por la pérdida de Pete y Jimmy». (Uncut, 1999) Martin coincidió, admitiendo: «Para ser honesto, no me entusiasmaba mucho».
Chambers se reincorporó al grupo en 1994 durante las sesiones de grabación de Last of the Independents y ha permanecido con ellos desde entonces (Uncut, 1999). Cuando regresó, Seymour recordó: "Cuando Martin se sentó, empezó a sentirse como una banda de verdad". Martin resumió su reencuentro con el grupo diciendo: "Al final, [Chrissie] me pidió que volviera porque nadie podía hacer que funcionara como nosotros". (Rhino Entertainment Company, 2006) Hynde coincidió, diciendo: "Lo extrañé muchísimo... Tanto él como yo estábamos perdidos —y probablemente no tocábamos bien— y necesitaba que alguien me diera un empujón y me inspirara. Tocamos una canción y fue la misma emoción que cuando tocamos juntos por primera vez. Nadie tiene ese ritmo y esa sensación". (Hot Press, 1994).
A finales de 2008, The Pretenders lanzaron el álbum Break Up the Concrete, con Jim Keltner reemplazando a Chambers, aunque Chambers siguió siendo miembro oficial y tocó con la banda en los conciertos. Además de tocar con The Pretenders, Chambers también forma parte de la banda Miss World, liderada por el compositor Johnathon Perkins, quien había trabajado con artistas como Little Richard y Keith Richards.
A finales de septiembre y principios de octubre de 2009, Chambers tocó la batería en los siete conciertos de reunión de Mott the Hoople (2 en Monmouth y 5 en el Hammersmith Odeon) junto a su antiguo compañero de banda en Cheeks, Verden Allen, debido a la enfermedad de Dale Griffin, quien le había prestado su batería a Chambers para su primer concierto en vivo en 1967 en el St. Mary's Church Hall, Ross on Wye, Herefordshire.
Discografía
1980 - Pretenders
1981 - EP
1981 - Pretenders II
1984 - Aprendiendo a gatear
1986 - Acércate
1994 - El último de los independientes
1999 - Viva el Amor
2002 - Tornillo suelto
2009 - Hammersmith en directo con Mott the Hoople
DVD 2014 Mott the Hoople Live in Manchester Noviembre 2013
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Middle Of The Road.
Douglas Theodore "Doug" Pinnick, más conocido como Doug Pinnick, nació en Braidwood, Illinois, Estados Unidos, el 3 de septiembre de 1950. Cantante, compositor. Toca guitarra y bajo.
Doug Pinnick es conocido ante todo como el carismático cantante y bajista de la banda de hard rock King's X. Nacido el 3 de septiembre de 1950 en Joliet, Illinois, Pinnick descubrió el rock and roll a través de grandes como Sly and the Family Stone, Jimi Hendrix y Led Zeppelin, mientras que su estilo vocal se inspiró en el gospel. Cuando su trabajo como acompañante del guitarrista cristiano Phil Keaggy terminó a principios de los 80, Pinnick formó una nueva banda con su compañero Jerry Gaskill (batería) y el guitarrista Ty Tabor, ambos exmiembros de Keaggy. Pasaron varios años tocando versiones en bares del sur de Estados Unidos antes de que la nueva banda encontrara su sonido característico y finalmente adoptara el nombre de King's X. Tras firmar con Megaforce/Atlantic en 1987, el trío se convirtió en uno de los favoritos del público del metal y el rock progresivo; su música también incorporaba elementos alternativos en su hard rock, mucho antes de que se pusiera de moda durante los 90. Pinnick es uno de los pocos bajistas de hard rock que utiliza un bajo de 12 cuerdas con regularidad, un elemento clave del mágico sonido de King's X. Tras seis lanzamientos aclamados por la crítica, Pinnick publicó su primer álbum en solitario, Massive Grooves from the Electric Church of Psychofunkadelic Grungelism Rock Music, en 1998 bajo el seudónimo de Poundhound.
En 2000, Pinnick formó otro proyecto paralelo (Supershine), que incluía a exmiembros de los rockeros sludge de Sabbath Trouble (el guitarrista Bruce Franklin y el baterista Jeff Olson), publicando un lanzamiento homónimo en Metal Blade ese mismo año, mientras que un segundo álbum de Poundhound le siguió en 2001, titulado Pineappleskunk. Junto con su trabajo con King's X, Poundhound y Supershine, Pinnick también ha participado como invitado en álbumes de otros artistas, incluyendo 24-7 Spyz 6, Falling Into Infinity de Dream Theater y Guitar Zeus de Carmine Appice; ha producido un par de álbumes para Geek (que incluye a los dos hijos del baterista de King's X, Gaskill); y ha aparecido en varios álbumes tributo, incluyendo compilaciones para Jimi Hendrix (In From the Storm), Van Halen (Little Guitars: A Tribute To) y Metallica (Metallic Assault: A Tribute To).
A lo largo de principios del siglo XXI, Pinnick siguió siendo el cantante de referencia del rock, como lo demuestra su aparición en grabaciones de varios proyectos, entre ellos Tres Mts. (junto al bajista de Pearl Jam, Jeff Ament), The Mob (con Kip Winger y Red Beach), Pinnick Gales Pridgen (que incluye al guitarrista Eric Gales y al baterista Thomas Pridgen), Grinder Blues (con el dúo de hermanos Jabo y Scot Bihlman) y KXM (donde Pinnick se unió al ex guitarrista de Dokken, George Lynch, y al baterista de Korn, Ray Luzier). Además, Pinnick abandonó el apodo de Poundhound y publicó álbumes en solitario bajo su propio nombre, entre ellos Emotional Animal (2005), Songs from the Closet (2006), Strum Sum Up (2007) y Naked (2013), además de continuar de gira por todo el mundo con King's X, quienes por esa época experimentaron un merecido resurgimiento de su carrera.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Rescue Me.
Rudolf Stefan Jan Weigl nació en Přerov, Moravia, Imperio Austro-Húngaro, el 2 de septiembre de 1883, y murió en Zakopane, Polonia, el 11 de agosto de 1957. Biólogo y Justo entre las Naciones.
Rudolf Weigl nació el 2 de septiembre de 1883, en Przerów, Moravia, Imperio austrohúngaro (actual República Checa).
Padres
Hijo de Fryderyk Weigl y Elzbieta Krösel. Tras la prematura muerte de su progenitor en un accidente de bicicleta, su madre se casó con Józef Trojnar, profesor de secundaria en Jaso Stryj.
Estudios
Asistió a gimnasios en Jaso Stryj. En 1907 se graduó en Ciencias Naturales en la Universidad de Lwów, convirtiéndose en asistente del profesor Nusbaum-Hilarowicz. Fue habilitado en 1913 en Zoología, Anatomía Comparada e Histología.
Investigador
Con sus primeros trabajos, relacionados con la estructura celular, ganó prestigio.
Durante la Primera Guerra Mundial, fue reclutado como parasitólogo.
Vacuna contra el tifus
Inició sus investigaciones sobre el tifus y los piojos que lo propagaban, llegando a diseñar la primera vacuna eficaz del mundo contra esta enfermedad. Desarrolló un sistema que le permitió cultivar la bacteria Rickettsia prowazekii -responsable del tifus- en el intestino de los piojos, inoculando en el ano del pequeño insecto esta bacteria mediante una pequeña aguja. Hasta entonces, este tipo de investigaciones solo se realizaban con animales de laboratorio. Creó una granja de piojos, a los que alimentaba con sangre humana, incluida la suya.
Entre 1915 y 1918 trabajó en un hospital militar en Przemyl y en 1918 asumió la dirección del recién creado Laboratorio de Investigación del Tifus.
Continuó su actividad investigadora sobre la vacuna en el Instituto de Biología General de la Universidad Jan Kazimierz de Lwów (posteriormente llamado Instituto Weigl), del que fue director durante la ocupación soviética y después por la Alemania nazi. No fue apartado de su cargo porque la vacuna producida por el instituto fue la más eficaz para uso de la Wehrmacht.
El empleo en el Instituto fue una oportunidad de supervivencia para muchos, y tener la tarjeta de empleado en la investigación, un medio de protección contra arrestos. La Gestapo evitaba el contacto con estas personas utilizadas en los experimentos por temor a infectarse con tifus. Weigl empleó a muchos de los que estaban en peligro, principalmente a miembros de la resistencia e intelectuales perseguidos. Protegió a judíos utilizándolos como alimentadores de piojos y se considera que así salvó a unas cinco mil personas. Además, la vacuna producida en el instituto llegó clandestinamente a civiles y partisanos; a los guetos de Lwów y Varsovia, así como a campos de concentración y prisiones de la Gestapo.
Finalizada la guerra, Weigl se radicó en Cracovia, continuando sus investigaciones en la Universidad Jagielloniana y, más tarde, hasta su jubilación, en la Universidad de Pozna?.
Reconocimientos
Nominado al Premio Nobel dos veces. La primera, en 1942, fue bloqueada por los alemanes. En la segunda, en 1948, los comunistas impidieron su adjudicación.
Póstumamente se reconoció la investigación, el trabajo y el servicio de Weigl, siendo honrado en 2003 con el título de Justo entre las Naciones, premio otorgado por Israel que reconoce su labor por salvar innumerables vidas de judíos durante la Segunda Guerra Mundial.
Matrimonios e hijo
Durante 1921 se casó con Zofia Kulikowska, con quien tuvo a su hijo Wiktor.
Posteriormente, se casó con Anna Herzig.
Muerte
Rudolf Weigl falleció el 11 de agosto de 1957, en Zakopane, Polonia.
John Zorn nació en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1953. Compositor, director, arreglador y productor. Toca saxo, piano, clarinete y theremín.
Desde mediados de la década de 1970, el compositor, intérprete y productor de discos y conciertos John Zorn ha sido una de las figuras más ilustres y carismáticas asociadas con el mundo vanguardista de la expresión alternativa, experimental, basada en la fusión y la improvisación libre, conocida como la escena musical del "centro" de Nueva York.
Nacido en la ciudad de Nueva York, Zorn asistió a la Escuela Internacional de las Naciones Unidas y posteriormente al Webster College en San Luis. Allí, entró en contacto con el Black Artists Group (BAG) y la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), que ejercieron una profunda influencia en su trayectoria posterior; y se dedicó al saxofón como su instrumento principal, convirtiéndose en un virtuoso consumado y un innovador destacado en cuanto a sus posibilidades ampliadas. Tras una breve estancia en la Costa Oeste, regresó a Nueva York y comenzó a labrarse un nombre en el estimulante ambiente del centro de la ciudad, un entorno en el que prosperó con naturalidad y cuya dedicación a la participación espontánea y comunitaria y a la improvisación colectiva fomentó y nutrió sus propias inclinaciones.
Zorn causó revuelo rápidamente con su serie de experimentos sonoros poco convencionales, que en aquella etapa inicial incluían imitar el canto de un pato soplando en cuencos de agua y crear extraños aullidos con una boquilla de saxofón desmontada. Empezó a apropiarse libremente de los sonidos de lo que él denomina el «bombardeo mediático» de nuestra época. Si bien los músicos más convencionales podrían lamentar la avalancha de ruidos industriales, cacofonías comerciales y sonidos electrónicos que impregnan nuestro entorno, Zorn los acoge como influencias inspiradoras y parámetros extra musicales en sus composiciones. Prácticamente todos los sonidos, cualquiera que sea su origen, se han convertido, en principio, en presa fácil para su manipulación e incorporación musical.
El trabajo experimental de Zorn con el rock y el jazz, especialmente en fusiones con otros géneros y estilos, ha atraído a un grupo de seguidores fieles que se ha caracterizado como un culto. Pero en conjunto, su obra se nutre de una variedad mucho más amplia de su experiencia, que incluye formas clásicas, hardcore y punk rock, música de bandas judías de Europa del Este, tradiciones étnicas no occidentales y música de cine, dibujos animados, popular e improvisada, además del jazz tradicional. Él reconoce que una selección de fuentes artísticas impulsó su desarrollo inicial: innovadores estadounidenses dentro del molde de la música culta, como los compositores Charles Ives, Elliott Carter, John Cage y Harry Partch; la etapa del siglo XX de la tradición europea manifestada en la Segunda Escuela de Viena (Schoenberg, Berg y Webern), así como la obra de Stravinsky, Boulez y Kagel; jazz y rock experimental; y teatro, cine, artes visuales y literatura de vanguardia. Como los compositores del centro de la ciudad en general, su música desafía las categorías convencionales o académicas. Pero quizás incluso más que sus contemporáneos de ese mundo, Zorn ha cultivado una expresión irreverente e intensamente idiosincrásica que a menudo disuelve las fronteras entre los estilos previamente establecidos, difuminando la distinción entre la composición tradicionalmente entendida en el sentido occidental (es decir, el desarrollo musical organizado y luego anotado) y la improvisación. Y con frecuencia ha erosionado la distinción entre grabación e interpretación en vivo. De hecho, algunas de sus piezas se adaptan mejor al estudio de grabación como medio, donde pueden ensamblarse poco a poco, momento a momento, evento a evento y gesto a gesto.
Resulta particularmente curioso que Zorn reconozca con orgullo su deuda con las bandas sonoras de dibujos animados y sus compositores, cuyo universo sonoro, según afirma, es similar al suyo: «Eso proviene de todas las películas y series de televisión que vi de niño». La revista Keyboard llegó a decir que su música se parecía a «bandas sonoras de películas que nunca se hicieron».
Un salto significativo hacia el éxito comercial llegó con el lanzamiento en 1986 del álbum de Zorn, The Big Gundown, que incluía arreglos de música del compositor de cine italiano Ennio Morricone. Como en varias piezas posteriores, empleó bloques de sonido autónomos que alternaban abruptamente entre estilos, timbres y fuentes sonoras contrastantes. Anotaba estos parámetros en fichas para introducir estructura en la improvisación colectiva, que de otro modo sería libre. De ahí el nombre de "piezas de fichas", por las fichas que contienen sus ideas musicales anotadas (a las que llama "momentos musicales"), las cuales luego se clasifican y ordenan como instrucciones sugeridas para los demás intérpretes. Esto se convirtió en una de sus primeras señas de identidad. En sus "piezas de juego" improvisadas, esa estructura, por ejemplo, se proporciona utilizando las fichas para guiar la interacción de los intérpretes, sin especificar el material musical preciso de cada parte.
Entre las grabaciones más destacadas de Zorn de la década de 1980 se encuentran Archery, una serie de improvisaciones con toques electrónicos; Ganryu Islands, duetos entre Zorn con instrumentos de viento y el intérprete japonés de shamisen Michihiro Sato; y Spillane, cuyo tema principal está inspirado en la música de las películas de serie B de las populares películas de detectives de Mickey Spillane de la década de 1950. Durante la década de 1980, el crítico John Rockwell, de The New York Times, citó a Zorn como el compositor más interesante, importante e influyente surgido de la vanguardia del centro de Manhattan desde Steve Reich y Philip Glass. «Lo que ellos [Reich y Glass] fueron para la década de 1970», escribió Rockwell, «él [Zorn] lo es para la década de 1980». Zorn siguió componiendo y grabando prolíficamente, y para celebrar su cuadragésimo cumpleaños, en 1993, ofreció una serie de conciertos durante un mes, cada uno con música distinta, en el Knitting Factory, que para entonces se había convertido en el punto neurálgico de la música del centro de la ciudad.
Aunque judío de nacimiento, Zorn no había estado involucrado previamente con la cultura judía, ni religiosa ni secular, pero a principios de la década de 1990 comenzó a explorar sus raíces judías en su música, en el contexto de su propia estética en constante evolución. Su primera composición que abordaba temas judíos fue Kristallnacht (1992), una obra relacionada con el Holocausto inspirada en el recuerdo del pogromo orquestado en todo el Tercer Reich los días 9 y 10 de noviembre de 1938, que, tras cinco años de creciente persecución, se convirtió en el preludio del eventual intento de Alemania de aniquilar por completo a los judíos europeos. Una mezcla de canciones y elementos sonoros dispares que ha sido calificada como un "brutal retrato sonoro del Holocausto" —que abarca desde referencias a melodías folclóricas judías tradicionales hasta ruidos caóticos, discordantes, violentos, estridentes e incluso ensordecedores—, la grabación contenía una advertencia provocativa en su carátula sobre sus extremos de alta frecuencia en los límites de la audición humana y más allá: "No se recomienda la escucha prolongada o repetida, ya que puede provocar daños auditivos temporales o permanentes".
También en la década de 1990, Zorn, junto con Marc Ribot, formuló una nueva iniciativa llamada Cultura Judía Radical, cuyo propósito declarado es extraer, exponer e iluminar elementos que él percibe como componentes judíos de la cultura estadounidense. Sin embargo, no todas esas percepciones subjetivas sobre lo que puede constituir componentes judíos son necesariamente compartidas ni por los críticos culturales o sociales judíos convencionales (incluidos los razonablemente liberales) ni por los artistas con formación judaica.
Sin embargo, temas judíos reales han inspirado algunas de las obras más admirables de Zorn, algunas de las cuales integran aspectos de melodías judías auténticas de diversas fuentes. Piezas de cámara improvisadas, como Bar Kokhba e Issachar, contienen ecos de la vida judía de Europa del Este de antes de la guerra y exploran comparaciones entre el jazz y la música folclórica judía instrumental. Su célebre conjunto, Masada (una de sus varias bandas), toma su nombre de la fortaleza en la meseta sobre el Mar Muerto en Israel, donde un grupo fanático de zelotes protagonizó una última resistencia contra Roma y, según una leyenda que ha sido objeto de una reevaluación histórica en los últimos años, cometió suicidio colectivo (que, al menos en el caso de los niños, debe considerarse homicidio) en lugar de rendirse. Ha compuesto más de 100 «melodías de Masada» para el grupo. Otro conjunto, Bar Kokhba —un sexteto que lleva el nombre del líder rebelde judío que organizó una revuelta fallida contra la autoridad romana en el año 132 d. C.— se formó en 1996 y continúa prosperando.
El enfoque compositivo de Zorn ha sido descrito como «caleidoscópico» debido a la forma en que muchas de sus piezas presentan destellos fugaces y sin relación entre sí, de elementos sonoros inconexos, gestos y series de momentos musicales, todo ello en un flujo vertiginoso de información sonora. Su música, que puede parecer saltar de una idea a otra y de un estilo a otro en abstracciones destiladas, sin apenas desarrollo, puede tener un aire hipercinético. Al comienzo del nuevo milenio, cuando su reputación como el «chico malo» de la vanguardia ya estaba firmemente establecida, sus obras ya habían aparecido en más de sesenta grabaciones.
No todas las obras de Zorn son completamente improvisadas. Sus composiciones escritas han sido encargadas e interpretadas por conjuntos y artistas de renombre como la Filarmónica de Nueva York, el Cuarteto Kronos, la Orquesta de Vientos de los Países Bajos, la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia y la Ópera Estatal de Baviera. Su propio sello discográfico, Tzadik (palabra hebrea que significa líder espiritual justo, generalmente en contextos jasídicos), en el que aparece su música, también ha incluido obras de autores con una sólida formación académica, ajenos a la estética del centro de la ciudad, como Charles Wuorinen.
No siempre resulta evidente hasta qué punto la retórica de Zorn debe tomarse en serio, hasta qué punto debe interpretarse con escepticismo o hasta qué punto su propósito radica en su capacidad de generar impacto. Sin embargo, a pesar de todos los cuestionamientos a sus teorías sobre la música o la identidad judías, su talento musical es innegable. «Con toda justicia se le puede considerar un músico "serio"», escribió Rockwell, «tan serio e importante como cualquiera de su generación».
Por: Neil W. Levin
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Karaim. John Zorn, composición, saxofón, dirección; Marc Ribot, en guitarra; Kenny Wollesen, en vibráfono; Jamie Saft, en teclados; Trevor Dunn, en bajo; Cyro Baptista, en percusión; y Joey Baron, en batería.
Gloria María Milagrosa Fajardo García, más conocida como Gloria Estefan, nació en La Habana, Cuba, el 1 de septiembre de 1957. Cantante, compositora, actriz, productora discográfica y empresaria. Toca guitarra y percusión.
(Nombre artístico de Gloria Fajardo; La Habana, Cuba, 1957) Vocalista de Pop y Salsa. Hija de José Fajardo, policía y destacado jugador de balón-volea, emigró a Miami pocos meses después del triunfo de la Revolución de Fidel Castro. Su padre fue uno de los mil cuatrocientos anticastristas que desembarcaron en Bahía de Cochinos y hecho prisionero, pasando después a integrarse en el ejército norteamericano y siendo enviado a Vietnam, de donde regresó enfermo de esclerosis múltiple y trastornos mentales.
Gloria Estefan estudió en un colegio católico de Miami, donde aprendió a tocar la guitarra y se inició en el aprendizaje de la música. Se graduó en la posición 25 de un total de ciento cincuenta y cuatro alumnos de su curso. Por aquel entonces conoció a quien posteriormente sería su esposo, Emilio Estefan, hijo de español y libanesa, integrante de The Miami Latin Boys, grupo salsero de escasos recursos económicos (todos sus miembros habían adquirido los instrumentos en tiendas de segunda mano).
Gloria Estefan
Gloria debutó con ellos como vocalista en una fiesta para cubanos en el Hotel Dupont, interpretando el tema What a difference a day makes, allá por 1974. Quedaba formado de este modo la base de lo que sería el grupo Miami Sound Machine, que con ese nombre se había creado un año antes. Gloria Estefan compaginaba las cada vez más frecuentes actuaciones, sus estudios de psicología y comunicaciones en la Universidad de Miami mientras trabajaba como intérprete en el Servicio de Inmigración y Naturalización e impartía clases de guitarra tres noches por semana.
En 1976, el conjunto de Salsa -ya bajo el nombre de Miami Sound Machine- graba su primer álbum, con una cara en castellano y otra en inglés, incluyendo el tema que se convertiría en su primer gran éxito, Renacer, una canción que permaneció dieciséis semanas en la primera posición del Top USA de música latina. Los éxitos menores en listas latinas se suceden hasta 1984, cuando consiguen conquistar el mercado británico. Desde 1987, Gloria Estefan (que termina siendo el integrante más veterano de la formación) encabeza el grupo.
Casada en 1979 con Emilio (por el mismo sacerdote que casó a sus padres en La Habana) y dirigiendo éste los hilos de su carrera musical, la trayectoria ascendente de Gloria Estefan pudo haberse frustrado la noche del 20 de marzo de 1990, cuando un tractor embistió por detrás el autobús en el que descansaba la banda durante una tormenta de nieve, en el arcén de una carretera de Pennsylvania, cerca de la ciudad de Scranton.
La fractura de dos vértebras cervicales obligó a la intérprete a sucesivas intervenciones quirúrgicas que pasaban por la sustitución total de varios músculos de la espalda por varillas metálicas de hasta ocho pulgadas de longitud para sujetar las vértebras dañadas y más de cuatrocientos puntos de sutura. Tal vez los meses de rehabilitación y las consiguientes limitaciones físicas replantearon su estilo musical, fruto del cual recibe en marzo de 1994 el Grammy al "mejor disco latino tropical" de 1993 por Mi Tierra, un álbum totalmente dedicado al recuerdo de su isla natal.
En 1994 edita un nuevo L.P., repaso de clásicos del Pop y el Soul americano de los sesenta, pero en septiembre de 1995 vuelve a la carga con otro álbum latino, con el título de Abriendo Puertas, que cuenta con la colaboración de Paquito De Rivera, Tito Puente, Israel López "Cachao", Sheila E o Luis Enrique, naturalmente con la producción de Emilio Esteban. El éxito lleva a Gloria Estefan a la posición más alta en su carrera, convirtiéndola en la estrella de música latina más importante de la década, a la altura ya de una Celia Cruz o un Rubén Blades.
Gloria Estefan y su marido en los Grammy (2003)
Después de este lanzamiento en castellano, y debido al olfato comercial de esta cubana, el siguiente disco de Gloria Estefan es Destiny, editado en el año 1996, y en inglés. A este registro le sigue Gloria!, del año 1998, disco también grabado en inglés, a pesar de que su single de adelanto sea el tema Oye. A pesar de ello, Gloria graba también alguna versión en castellano, como la que está incluida en el cd single de Oye.
En el año 1999 grabó junto a Só Pra Contrariar el clásico tema Santo, incluido en el álbum del artista brasileño. El tema Cuba Libre se oyó insistentemente durante el verano de 1999, mientras Emilio Estefan apareció frecuentemente en diversos programas de debate de la televisión de Miami, donde recibe el cariñoso apodo de Padrino, nombre tambien de la empresa de limusinas mas importante de la ciudad.
En el año 2000 publicó un nuevo elepé, Alma caribeña, una especie de continuación de Mi tierra, pero con más fusión. Gloria Estefan lo definió como un disco "más atrevido, con más fusión, hecho sin restricciones creativas. En cuanto a lo musical, predomina lo cubano, con el son y un viejo ritmo llamado caballito, pero también tiene algo de salsa de los años setenta, tipo Fania; bachata dominicana y murga panameña". Entre las colaboraciones especiales figuraron las del puertorriqueño José Feliciano y la también cubana Celia Cruz. Reapareció en 2003 con Unwrapped, nuevo disco grabado en inglés con una fuerte carga de sonidos étnicos y colaboraciones de lujo, como las de Stevie Wonder y Chrissie Hynde.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Mi Tierra.
La famosa obra de Gusta Dawidson Draenger, El diario de Justina, relata sus experiencias en los movimientos de resistencia durante la Segunda Guerra Mundial. Nacida en Cracovia en 1917, participó activamente en movimientos juveniles desde muy joven. Durante la guerra, fue encarcelada en numerosas ocasiones, pero mantuvo su devoción a la lucha contra los alemanes. Estaba dedicada a su esposo, quien también fue líder de la resistencia. Durante su encarcelamiento, Draenger escribió El diario de Justina con el fin de transmitir sus recuerdos y experiencias a las generaciones futuras. No solo es una fuente histórica, sino también una obra literaria de primer nivel.
Participación en movimientos juveniles
Gusta Dawidson nació en 1917 en Cracovia en el seno de una familia extremadamente religiosa de Gurú. Ella fue miembro del movimiento juvenil B'nos Ya'akov de Agudat Israel. Tras graduarse de la escuela local, tomó cursos complementarios en una escuela de idiomas extranjeros.
Un miembro del movimiento juvenil Akiva (un grupo de orientación pionera, pero de tradición judía, afiliado al Partido Sionista General) convenció a Gusta Dawidson para que se uniera, convirtiéndose así en una de sus integrantes más activas, totalmente involucrada en la labor educativa del movimiento, primero como líder de grupo y luego como miembro del comité central en Polonia. Al mismo tiempo, escribía y editaba el periódico juvenil del movimiento, Zeirim, y se encargaba de los archivos en Cracovia. Esto resultó ser una preparación inesperada para escribir su propio diario, publicado posteriormente como El diario de Justina, que muestra tanto su capacidad de expresión como su aguda observación de las personas y las situaciones.
Esfuerzos de resistencia durante la Segunda Guerra Mundial
Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial el 1 de septiembre de 1939, tres de los líderes más jóvenes del movimiento —Aharon (“Dolek”) Liebeskind (1912–1942), Shimshon Draenger (1917–1943) y Dawidson— permanecieron en la ciudad. Los miembros de mayor edad lograron emigrar a Palestina antes del inicio de la guerra. Parecía que el movimiento se recuperaría bajo el liderazgo de los jóvenes, pero a finales de septiembre de 1939, Shimshon Draenger fue arrestado por la Gestapo por haber sido editor de Divrei Akiva, el periódico del movimiento, que había dado gran protagonismo a artículos de Irene Harand, una católica austriaca que se hizo amiga del movimiento y luchó contra los nazis, fundando una organización antinazi llamada Movimiento de Defensa Judía. Gusta, que para entonces estaba comprometida con Shimshon Draenger, pidió permiso para acompañarlo al campo de concentración de Troppau, cerca de Opava, en los montes Sudetes.
A principios de 1940, un enorme soborno les permitió ser liberados, pero quedaron bajo vigilancia, obligados a presentarse ante la Gestapo tres veces por semana y a cortar toda relación con sus camaradas y los miembros más jóvenes del movimiento. No obstante, continuaron reuniéndose en secreto con los miembros del movimiento en la casa de uno de ellos. Gusta y Shimshon se casaron a principios de 1940.
Gusta Draenger amaba tanto a Shimshon que no soportaba separarse de él. En tres ocasiones se entregó a la Gestapo, a pesar de no ser buscada, al enterarse de su arresto. A pesar de las marcadas diferencias entre sus personalidades, existía una profunda comprensión entre ellos, así como una total devoción a la lucha contra los alemanes. Con la ayuda de Gusta, Shimshon falsificaba documentos de identidad para los miembros del movimiento, permitiéndoles moverse libremente entre los distintos guetos. La venta de estos documentos a quienes deseaban abandonar el gueto constituía una fuente de ingresos para la resistencia.
Gusta Draenger buscaba casas seguras fuera de Cracovia para esta peligrosa actividad. En estos apartamentos, Shimshon falsificaba los documentos e imprimía panfletos para distribuirlos entre los miembros del movimiento. Gusta incluso realizaba misiones personales y organizativas para Shimshon. En el prefacio de El diario de Justina, publicado en polaco en 1946, Josef Wulf recordaba a Shimshon Draenger como una persona obstinada que solo valoraba una vida difícil, basada en principios e ideas. Un hombre así solo podía apreciar a una mujer independiente, capaz de tomar decisiones, entregada a los principios y a un espíritu de sacrificio y lucha. Por consiguiente, la dureza de su marido a menudo la hería. Gusta insinuaba este dolor en su diario, pero con comprensión.
El 18 de enero de 1943, su esposo fue arrestado por segunda vez al llegar a Cracovia tras la operación Cyganeria (el ataque de la resistencia a uno de los cafés exclusivos frecuentados por oficiales del ejército alemán y la Gestapo, ocurrido el 22 de diciembre de 1942) para averiguar qué había sucedido con sus compañeros. Gusta Draenger se dispuso a buscarlo, decidiendo preguntar a la Gestapo si estaba en sus manos. Al descubrir su parentesco con él, también la arrestaron. Mientras él era encarcelado en la tristemente célebre prisión de Montelupich, ella fue recluida en la prisión femenina de Helzlaw, al otro lado de la calle.
Wulf recordó que Shimshon, su compañero de celda, fue llevado a reunirse con Gusta en la oficina del alcaide de la Gestapo. La intención era que, al ver a Draenger tras haber sido brutalmente torturada, se derrumbara y revelara todo lo que sabía. Pero Gusta, según le contó Shimshon a Wulf, declaró con orgullo a los alemanes: «Sí, es cierto. Organicé grupos de combatientes judíos y les prometo que, si nos salvan, lo volveremos a hacer». Esperaba así mantener la moral de su marido.
Fuga de la prisión
Al igual que los hombres de la resistencia, Gusta Draenger permaneció en prisión desde el 18 de enero hasta el 29 de abril de 1943, fecha en la que participó en la fuga liderada por Shimshon y Avraham Leibovich (Laban) cuando iban a ser llevados a la "Colina de la Muerte" en Płaszów. Entre las mujeres que participaron en el intento de fuga se encontraban Mire Gola y Genia Meltzer. Draenger y Meltzer fueron las únicas mujeres que sobrevivieron. Gusta Draenger se dirigió a Bochnia, cerca de Cracovia, donde encontró a Shimshon. Desde allí, se dirigieron al búnker en el bosque de Nowy Wisnicz (a 43 km al sureste de Cracovia), que su compañero Hillel Wodzislawski de Wisnicz había preparado con antelación; allí continuaron su lucha bajo el liderazgo de Shimshon Draenger.
Aquí resistieron, como lo demuestra un periódico clandestino, He-Haluz ha-Lohem, (El Pionero Combatiente), que Shimshon escribía y editaba a máquina. En el fragor de la batalla, se imprimían doscientos cincuenta ejemplares de cada edición de diez páginas todos los viernes. Hasta agosto de 1943, se distribuían en los guetos que aún existían, Bochnia y Tarnow, y entre los refugiados y combatientes judíos dispersos por el bosque. Gusta Draenger supo de un judío con ciudadanía húngara que vivía en Wieliczka y ayudaba a pasar de contrabando a judíos a través de la frontera húngara con documentos falsificados. Dado que los fascistas polacos se acercaban, Gusta y Shimshon decidieron contactarlo y pedirle ayuda para cruzar la frontera. Draenger esperaba una señal de su esposo. Habían acordado que ella lo acompañaría, pasara lo que pasara. Shimshon Draenger llegó a la casa del judío húngaro, pero fue seguido por el comandante alemán, quien entró tras él gritando triunfalmente: «¡Esta vez no escaparás!». Shimshon pidió que trajeran a su esposa, y así se hizo. Cuando los alemanes llegaron a su escondite con una carta de su marido, ella se entregó de inmediato. Presumiblemente, ambos fueron ejecutados inmediatamente. De ellos se puede decir con toda razón: «Ni en vida ni en la muerte se separaron».
Escritura y publicación del diario de Justina
Gusta Draenger escribió su famoso diario, conocido posteriormente como el Diario de Justina (Justina era su nombre en clave en la resistencia), en la celda de la muerte de la prisión de Helzlaw, antes de su fuga. Al igual que Shimshon Draenger infundió ánimo en su propia celda, la celda de la muerte número 15, Gusta Draenger, junto con Mire Gola, hizo lo mismo. Una de sus compañeras de prisión testificó más tarde: «Su dulzura, feminidad y gentileza de espíritu conquistaron a todas las prisioneras», incluidas las polacas encarceladas con ellas por delitos.
Gusta Draenger se esforzó por cumplir la misión del movimiento: contar a las generaciones futuras sobre «la última y más audaz rebelión de nuestras vidas», como escribió en la introducción de su diario, descubierto posteriormente. Gusta Draenger nunca se rindió. Con los dedos aplastados por la tortura y en las horribles condiciones de la prisión, aun así, logró escribir. Su diario no es la historia autobiográfica de un individuo o grupo en prisión, ya que esa no era su intención. Describió su objetivo en la introducción:
Desde dentro de estos muros de prisión, de los que sin duda no saldremos con vida, os enviamos [a vuestros camaradas en Palestina] este saludo, el último saludo de jóvenes combatientes que caemos por nuestra meta más elevada y sagrada. Nuestro mayor anhelo es que nuestra memoria perdure para el futuro. Ruegamos que estas breves memorias, escritas en páginas dispersas, os ofrezcan una imagen fiel de la última y más audaz rebelión de nuestras vidas.
El diario narra el movimiento desde que se planteó la idea de la lucha hasta la operación de Cyganeria. Sin embargo, esta sección heroica no se conserva.
Según Pesia Warszawska, una de las compañeras de celda de Gusta Draenger, ella escribía «entre interrogatorios, a veces se la veía escribir a la luz de la luna, en papel higiénico [suministrado por miembros del movimiento que trabajaban como mecánicos en el taller de la prisión y mantenían contacto con ellas], con el cuerpo inclinado sobre su trabajo. A veces, las mujeres se sentaban a escuchar fragmentos del diario mientras se leían en voz alta, soñando con que tal vez esos trozos de papel sobrevivirían y contarían al mundo sus luchas y su tormento». En ocasiones, cuando el dolor en las manos de Gusta Draenger era tan intenso por las torturas que no podía escribir, dictaba su diario a sus compañeras. Para evitar que sus palabras se oyeran fuera, algunas de las jóvenes cantaban mientras otras vigilaban al guardia. Draenger revisaba su escrito, «quizás diez veces», según Elsa, una de sus compañeras de celda que sobrevivió. El texto se escribía en cuatro copias simultáneamente para que al menos una de ellas pudiera sobrevivir y ser encontrada por las generaciones futuras. Actualmente, solo se conservan los capítulos del cuarto al decimonoveno del diario, junto con el primero, hallado recientemente y publicado en Testimonio (número 1), editado por la Casa de los Combatientes del Gueto. El diario fue escrito entre febrero y finales de abril de 1943, cerca de la fecha de la fuga. No solo constituye una fuente histórica, sino también una obra literaria de primer nivel.
Los mecánicos judíos se enteraron del diario por las mujeres. Gusta les pidió que hicieran todo lo posible por encontrar el diario en su celda, la número 15, después de la liberación, pero no reveló su paradero exacto por temor a que cayera en malas manos.
Cuando uno de los trabajadores judíos esclavizados se enteró de que un albañil polaco había encontrado unas páginas escritas bajo el suelo de una de las celdas, le pidió que le entregara los papeles, que estaban incompletos. Estos documentos fueron entregados finalmente a la Sociedad Histórica Judía de Cracovia, que publicó el material en polaco en 1946 con el título de «El diario de Justina».
El manuscrito en sí fue entregado a Dov Johanes, presidente de la Sociedad Histórica Judía de Cracovia, quien lo depositó en la Casa de los Combatientes del Gueto cuando emigró a Israel. Traducido al hebreo por Meir Zinger, miembro de Akiva y Kibutz Bet Yehoshua fue publicado por la Casa de los Combatientes del Gueto en 1953 con notas de Nahman Blumental. Actualmente, la Casa de los Combatientes del Gueto está preparando una edición más revisada y completa, que incluye el capítulo inicial del Diario.
Sin duda el virtuoso indiscutible del violín, Itzhak Perlman goza de un estatus de superestrella que rara vez se concede a un músico clásico. Admirado por su encanto y humanidad, además de por su talento, es venerado por el público de todo el mundo, que no solo reconoce su extraordinario arte, sino también su incontenible alegría al hacer música.
Tras haber actuado con las principales orquestas y en salas de conciertos de todo el mundo, Perlman ha sido galardonado con 16 premios GRAMMY®, cuatro premios Emmy, un premio Kennedy Center Honor, un premio Grammy a la trayectoria artística y un premio Genesis. A lo largo de los años, Perlman ha recibido múltiples distinciones de presidentes estadounidenses: la Medalla Presidencial de la Libertad, la máxima distinción civil del país, otorgada por el presidente Obama en 2015; un premio Kennedy Center Honor en 2003; la Medalla Nacional de las Artes, otorgada por el presidente Clinton en 2000; y la Medalla de la Libertad, otorgada por el presidente Reagan en 1986.
El Sr. Perlman ha actuado en varias ocasiones en la Casa Blanca, la más reciente en 2012 por invitación del presidente Barack Obama y la Sra. Obama, para el presidente israelí y galardonado con la Medalla Presidencial de la Libertad, Shimon Peres; y en una cena de Estado en 2007, ofrecida por el presidente George W. Bush y la Sra. Bush, para Su Majestad la Reina y Su Alteza Real el Duque de Edimburgo. En 2009, tuvo el honor de participar en la investidura del presidente Obama, estrenando una pieza compuesta para la ocasión por John Williams junto al violonchelista Yo-Yo Ma, el clarinetista Anthony McGill y la pianista Gabriela Montero, ante una audiencia de casi 40 millones de telespectadores en Estados Unidos y millones más en todo el mundo.
Uno de los elementos más importantes en la enseñanza, la dirección y la interpretación, en las tres áreas, es la escucha.
Nacido en Israel en 1945, el Sr. Perlman completó su formación inicial en la Academia de Música de Tel Aviv. Tras recibir una beca de la Fundación Cultural América-Israel, se trasladó a Nueva York y pronto alcanzó reconocimiento nacional con su aparición en el programa de Ed Sullivan en 1958. Después de estudiar en la Juilliard School con Ivan Galamian y Dorothy DeLay, ganó el prestigioso Concurso Leventritt en 1964, lo que impulsó una floreciente carrera internacional. Desde entonces, Itzhak Perlman se ha consolidado como un ícono cultural y una figura reconocida en el mundo de la música clásica.
Recientemente, Perlman lanzó una serie exclusiva de clases con Masterclass.com, la principal plataforma de educación en línea que brinda acceso a las mentes más brillantes del mundo, incluyendo a Gordon Ramsay, Wolfgang Puck, Martin Scorsese, Ron Howard, Helen Mirren, Jodie Foster y Serena Williams, siendo esta la única presentación de música clásica de la compañía. Disponible exclusivamente en www.masterclass.com/ip, la clase de Perlman ofrece a los estudiantes un enfoque íntimo e inspirador del mundo del violín, donde aborda técnicas fundamentales, estrategias de práctica y maneras de lograr un sonido más rico.
El Sr. Perlman ha deleitado al público con sus frecuentes apariciones como director de orquesta. Ha dirigido con la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Filadelfia, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica Nacional, la Sinfónica de San Francisco, la Filarmónica de Los Ángeles y las orquestas sinfónicas de Dallas, Houston, Pittsburgh, Seattle, Montreal y Toronto, así como en los festivales de Ravinia y Tanglewood. Fue asesor musical de la Sinfónica de San Luis de 2002 a 2004, donde dirigió con regularidad, y fue director invitado principal de la Sinfónica de Detroit de 2001 a 2005. A nivel internacional, el Sr. Perlman ha dirigido la Filarmónica de Berlín, la Orquesta del Concertgebouw, la Filarmónica de Londres, la Orquesta de Cámara Inglesa y la Filarmónica de Israel.
La temporada 2018/19 conmemora el 60 aniversario del debut de Itzhak Perlman en Estados Unidos y su aparición en el programa de Ed Sullivan, el 2 de noviembre de 1958. Este hito se celebró con su regreso al Teatro Ed Sullivan el 2 de noviembre de 2018, en una aparición especial en The Late Show with Stephen Colbert. Esta temporada, Perlman interpreta el Concierto de Mendelssohn con Gustavo Dudamel en el Hollywood Bowl y participa en las galas de apertura de temporada con la Sinfónica de San Francisco y Michael Tilson Thomas, y con la Sinfónica de Indianápolis y Krzysztof Urbański. También ha colaborado con orquestas como las de Seattle, Vancouver y Colorado. Como director, lidera la Sinfónica de Houston y la Orquesta Juilliard en programas que incluyen obras de Bach, Mozart, Schumann, Dvořák y Elgar. En febrero de 2019, se presentó en el Carnegie Hall junto a su amigo de toda la vida, Zubin Mehta, y la Orquesta Filarmónica de Israel, con la que ha mantenido una estrecha relación desde su adolescencia. En la primavera de 2019, ofreció por primera vez conciertos a dúo con el célebre pianista Evgeny Kissin en Boston, Chicago, Washington D.C. y Nueva York. A lo largo de la temporada, ofreció recitales por toda Norteamérica junto a su colaborador habitual, Rohan De Silva. En mayo de 2019, estrenó un nuevo programa titulado «Una velada con Itzhak Perlman», que recogía los momentos más destacados de su carrera a través de elementos narrativos y multimedia, entrelazados con la interpretación.
Ser un niño prodigio es una maldición porque conlleva todas esas terribles posibilidades.
Imagínate en una silla de ruedas. Recorre el edificio. Si hay algún lugar al que no puedas acceder, no es accesible.
Además de sus compromisos como violinista y director de orquesta, el Sr. Perlman participa cada vez con mayor frecuencia como orador. Entre sus recientes presentaciones se incluyen charlas en la Universidad Lamar de Texas, en Dakota del Sur con la Fundación John Vucurevich y en Washington D.C. para la Fundación Marriott. En noviembre de 2018, conversó con Alan Alda en el escenario del 92nd Street Y de Nueva York.
El premiado documental sobre el Sr. Perlman, titulado “Itzhak”, se estrenó en octubre de 2017 como película inaugural del 25.º Festival Internacional de Cine de Hamptons. Se estrenó en cines en más de 100 salas en todo el país en marzo de 2018, con estrenos internacionales en el verano de ese mismo año. Dirigido por la cineasta Alison Chernick, este fascinante documental detalla las propias luchas del virtuoso como superviviente de la polio y emigrante judío, y nos recuerda por qué el arte es vital para la vida. Para más información, visite www.itzhakthefilm.com. En 2018, la película se estrenó en el programa American Masters de PBS, con emisión en todo Estados Unidos.
Las grabaciones de Itzhak Perlman han recibido 16 premios GRAMMY® y figuran habitualmente en las listas de los discos más vendidos. En 2008, el Sr. Perlman fue galardonado con el premio Grammy a la trayectoria artística por su excelencia en el ámbito de la grabación.
El álbum más reciente del Sr. Perlman lo presenta en una colaboración especial con Martha Argerich. Publicado en 2016 por Warner Classics, marcó un hito histórico para este legendario dúo que explora obras maestras de Bach, Schumann y Brahms. Habían transcurrido 18 años desde su primer álbum, un recital en vivo desde el Saratoga Performing Arts Center. En aquella memorable ocasión de 1998, además de grabar el material para su disco inicial, el dúo grabó la Sonata para violín n.° 1 de Schumann. La Sonata de Schumann finalmente se publicó en 2016 junto con material nuevo, lo que convierte al álbum en un fascinante retrato del pasado y el presente que muestra cómo dos leyendas vivas han evolucionado musicalmente.
El Sr. Perlman grabó una pista adicional para la grabación del elenco original de la aclamada reposición de Broadway de El violinista en el tejado, lanzada por Broadway Records en marzo de 2016. La grabación del elenco incluye a Perlman en una pista titulada "Extractos de El violinista en el tejado", con arreglos de John Williams.
El año 2015 trajo consigo tres lanzamientos discográficos para celebrar el 70 cumpleaños del Sr. Perlman: un nuevo álbum de Deutsche Grammophon con el pianista Emanuel Ax interpretando sonatas de Fauré y Strauss, una caja de 25 discos con su discografía completa de Deutsche Grammophon y Decca, y una caja de 77 discos con su discografía completa de EMI/Teldec titulada Itzhak Perlman: The Complete Warner Recordings.
En 2012, Sony lanzó Eternal Echoes: Songs & Dances for the Soul, que incluye una colaboración con el aclamado cantor Yitzchak Meir Helfgot en arreglos litúrgicos y judíos tradicionales para orquesta de cámara y músicos klezmer, y en 2010, Sony lanzó una grabación de los Tríos para piano de Mendelssohn con el violonchelista Yo-Yo Ma y el pianista Emanuel Ax. Entre los álbumes más destacados de las últimas dos décadas se incluyen un álbum de Deutsche Grammophon con el Sr. Perlman dirigiendo la Filarmónica de Israel, una grabación en vivo con Martha Argerich interpretando sonatas de Beethoven y Franck (EMI); Cinema Serenade con éxitos populares de películas con John Williams dirigiendo (Sony); A la Carte, una grabación de piezas cortas para violín con orquesta (EMI) e In the Fiddler's House, una celebración de la música klezmer (EMI) que formó la base del especial de televisión de PBS. En 2004, EMI lanzó The Perlman Edition , una caja de edición limitada de 15 CD que incluye muchas de sus mejores grabaciones para EMI, así como material recién recopilado. Por su parte, RCA Red Seal lanzó un CD titulado Perlman rediscovered , que incluye material grabado en 1965 por un joven Itzhak Perlman. Otras grabaciones revelan la dedicación del Sr. Perlman a la educación, como Concertos from my Childhood con la Orquesta Juilliard bajo la dirección de Lawrence Foster (EMI) y Marita and her Heart's Desire, compuesta y dirigida por Bruce Adolphe (Telarc).
Otra cosa que realmente se hace al jugar, que se supone que se debe hacer, son los colores. Sabes, no se puede jugar con un solo color. Si juegas con un solo color, es como ver una hermosa pintura o un dibujo, pero todo en azul o todo en rojo. Puede ser muy bonito, pero no muy interesante.
Con una presencia destacada en las artes escénicas en televisión, Itzhak Perlman ha sido galardonado con cuatro premios Emmy, el más reciente por el documental de PBS Fiddling for the Future, una película sobre su trabajo como profesor y director del Programa de Música Perlman. En 2004, PBS emitió un especial titulado Perlman in Shanghai que narraba una visita histórica e inolvidable del Programa de Música Perlman a China, con la interacción entre estudiantes estadounidenses y chinos, y que culminó en un concierto en el Gran Teatro de Shanghái y una actuación con mil jóvenes violinistas, dirigida por el propio Perlman y retransmitida por toda China. Su tercer premio Emmy reconoció su dedicación a la música klezmer, tal como se mostró en el especial de televisión de PBS de 1995 In the Fiddler's House, filmado en Polonia, donde actuó con cuatro de las mejores bandas de klezmer del mundo.
El Sr. Perlman ha entretenido e ilustrado a millones de telespectadores de todas las edades en programas populares tan diversos como The Late Show with David Letterman, Sesame Street, The Frugal Gourmet, The Tonight Show y varias transmisiones de los Premios Grammy. Sus apariciones en PBS han incluido A Musical Toast y Mozart by the Masters, así como numerosas transmisiones de Live From Lincoln Center como The Juilliard School: Celebrating 100 Years. En 2008, se unió al renombrado chef Jacques Pépin en Artist's Table para hablar sobre la relación entre las artes culinarias y musicales, y prestó su voz como narrador de Visions of Israel para la aclamada serie Visions de PBS. El Sr. Perlman presentó la transmisión estadounidense de 1994 de Los Tres Tenores, Encore ! en vivo desde el Dodger Stadium en Los Ángeles. Durante la 78.ª edición de los Premios Óscar en 2006, interpretó en directo un popurrí de las cinco bandas sonoras nominadas a Mejor Banda Sonora Original ante una audiencia mundial de cientos de millones de personas. Uno de los mayores logros del Sr. Perlman es su colaboración con el compositor John Williams en la película ganadora del Óscar, La lista de Schindler, de Steven Spielberg, en la que interpretó los solos de violín. También se le puede escuchar como violinista solista en la banda sonora de la película Hero de Zhang Yimou (música de Tan Dun) y en Memorias de una geisha de Rob Marshall (música de John Williams).
El Sr. Perlman tiene una larga trayectoria con la Filarmónica de Israel y ha participado en numerosas giras pioneras con esta orquesta desde su país natal. En 1987, se unió a la IPO para ofrecer conciertos históricos en Varsovia y Budapest, representando las primeras presentaciones de esta orquesta y solista en países del bloque del Este. Volvió a hacer historia al unirse a la orquesta en su primera visita a la Unión Soviética en 1990, donde fue aclamado por el público en Moscú y Leningrado, que acudió en masa a escuchar su recital y sus interpretaciones orquestales. Esta visita quedó registrada en un documental de PBS titulado "Perlman en Rusia", que ganó un premio Emmy. En 1994, el Sr. Perlman se unió a la Filarmónica de Israel en sus primeras visitas a China e India.
Durante las últimas dos décadas, el Sr. Perlman se ha involucrado activamente en la educación musical, aprovechando esta oportunidad para alentar a jóvenes instrumentistas de cuerda con talento. Junto con su esposa Toby, su estrecha participación en el Programa de Música Perlman ha sido una experiencia particularmente gratificante, y ha impartido clases a tiempo completo en el programa cada verano desde su fundación en 1993. Actualmente, el Sr. Perlman ocupa la Cátedra Dorothy Richard Starling de la Juilliard School.
PREMIOS Y DISTINCIONES
Numerosas publicaciones e instituciones han rendido homenaje a Itzhak Perlman por el lugar único que ocupa en el panorama artístico y humanitario de nuestra época. Harvard, Yale, Brandeis, Roosevelt, Yeshiva y la Universidad Hebrea se encuentran entre las instituciones que le han otorgado títulos honoris causa. Recibió un doctorado honoris causa y una medalla del centenario con motivo de la ceremonia de graduación número 100 de Juilliard en 2005. La presencia de Itzhak Perlman en el escenario, ante las cámaras y en todo tipo de apariciones públicas habla elocuentemente en favor de las personas con discapacidad, y su dedicación a su causa es parte integral de su vida.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con dos interpretaciones, en primer término, el Concierto para Violín y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 26, de Max Bruch, junto a la Orquesta Sinfónica de Tokio, dirigida por Kazuyoshi Akiyama, y Tati un Mama Tants, junto a la Orquesta Klezmer de Andy Statman.
Los textos de Qumrán, o Manuscritos del Mar Muerto, son un importante hallazgo arqueológico descubierto entre 1947 y 1956 cerca del mar Muerto. Andrés Piquer nos explica la importancia de su aportación a nuestro conocimiento sobre la vida religiosa, cultural y social del judaísmo antiguo.
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