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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Eric Hilliard Nelson, más conocido como Ricky Nelson, nació en Teaneck, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 8 de mayo de 1940, y murió en Dallas, Texas, Estados Unidos, el 31 de diciembre de 1985. Cantante, compositor, guitarrista y actor.
El sitio www.ebsco.com publicó este recordatorio firmado por John R. Holmes.
Ricky Nelson
Ricky Nelson, cuyo nombre de nacimiento era Eric Hilliard Nelson, fue una figura destacada de la cultura pop estadounidense, conocido por su doble carrera como cantante y actor. Hijo del director de orquesta Ozzie Nelson y de la actriz Harriet Hilliard, alcanzó la fama gracias al programa de radio y televisión "The Adventures of Ozzie and Harriet". Nelson incursionó en la música a finales de la década de 1950, logrando un éxito notable con éxitos como "Poor Little Fool" y "Travelin' Man". Su estilo evolucionó con los años, inclinándose notablemente hacia el country rock a mediados de la década de 1960, aunque este cambio afectó su popularidad.
La vida personal de Nelson incluyó un matrimonio con Kristin Harmon, con quien tuvo cuatro hijos, algunos de los cuales se dedicaron a la música. A pesar de enfrentar dificultades, como un divorcio muy mediático y problemas con su estilo musical, experimentó un resurgimiento del interés durante las giras nostálgicas de la década de 1980. Trágicamente, Nelson falleció en un accidente aéreo en 1985 mientras se dirigía a un concierto. Su legado musical es significativo; se le atribuye haber contribuido a popularizar el rock and roll y a dar forma al género rockabilly en sus inicios, influyendo en futuras generaciones de músicos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Travelin' Man.
Stanisława Zambrzycki, más conocida como Stanisława Leszczyńska, nació en Łódź, Polonia, el 8 de mayo de 1896, y murió en su ciudad, el 11 de marzo de 1974. Enfermera – Partera.
El nazi Josef Mengele le pidió que matara a los judíos recién nacidos, pero la sobreviviente de Auschwitz y partera polaca Stanisława Leszczyńska, lejos de obedecerle, ayudó a nacer a miles de criaturas, a las que mantuvo con vida tanto como pudo. Estudiante tardía, como matrona ha pasado a la historia por su valentía y su dedicación a los más vulnerables en un momento del siglo XX marcado por una violencia extrema de un régimen que, un siglo después, no conviene olvidar.
Stanisława Leszczyńska, que dejó su trayectoria escrita en un documento titulado Raport położnej z Oświęcimia (Informe de la partera de Auschwitz), que acabaría convertido en una exitosa obra de teatro (Nowak), donde se relata la vida de las prisioneras embarazadas y sus bebés, había nacido el 8 de mayo de 1896 en Łódź (Polonia), de un soldado del ejército zarista y una obrera, en los duros albores de la industrialización. Cuando tenía 12 años, la familia emigró a Brasil en busca de mejor futuro y allí, en Río de Janeiro, asistió a una escuela en alemán y portugués. Dos años después, optaron por regresar a Polonia, donde la adolescente siguió sus estudios, aunque también ayudaba a su madre a criar a sus dos hermanos pequeños.
Tenía 20 años cuando se casó con el impresor Bronisław Leszczyński. Al año siguiente, tuvo su primer hijo y, dos después, una niña. Trasladados a Varsovia con sus dos pequeños, Stanislawa decidió matricularse en la Escuela de Matronas, donde obtuvo el Premio al Éxito por ser la mejor alumna en 1922. Y volvieron a Łódź, donde pese a tener dos hijos más, comenzó a trabajar como partera, una profesión que amaba y a la que dedicaría el resto de su vida.
Cuando en 1939, los nazis invadieron Polonia, al inicio de la Segunda Guerra Mundial, la casa de la familia Leszczyński se vio dentro del gueto creado en su ciudad para los judíos, a quienes ayudaron durante años con comida y documentos falsos que Bronislaw hacía en su imprenta. Aquello fue descubierto y en febrero de 1943, la Gestapo la arrestó con dos de sus hijos y su hija, con la acusación de asistir a personas buscadas por la policía secreta de los nazis. Bronisław y el otro hijo lograron escapar, aunque ella nunca volvió a ver vivo a su marido. Los nazis enviaron a los dos niños como mano de obra esclava a las canteras del campo de concentración de Mauthausen-Gusen y a ella y a su hija, de 24 años, al de Auschwitz, donde se les tatuaron los números 41335 y 41336.
Vida en un campo de concentración
Supervivientes de Auschwitz que la conocieron han relatado que siempre fue una persona reservada. Por su historial previo, madre e hija fueron trasladadas a la enfermería del campo (Sylvia estudiaba Medicina), donde las condiciones eran terribles. Hay testimonios que recogen que a los recién nacidos les tatuaban un número para gasearlos después o dejarlos morir de hambre. En este lugar, Stalisnawa conoció a Mengele. Él había levantado el que llamaba “el bloque de la recuperación”, donde estaban las enfermas con infecciones como tifus, malaria o fiebre tifoidea. Delgada y débil, como las demás, allí atendía a las jóvenes parturientas, a menudo pariendo sobre una estufa vacía. La recordarían por su serenidad y su sonrisa, y por ser una persona amable, tranquila y muy religiosa que les infundía esperanza.
Ante las terribles circunstancias en las que estaban, la matrona polaca se las apañaba para solucionar las necesidades de las madres y sus bebés, consiguiéndolas comida, trapos para pañales, agua hervida o mantas. Los testimonios recabados después aseguran que todos los bebés que trajo al mundo en ese lugar macabro nacieron vivos, sin complicaciones, pese a contar apenas con unas tijeras, una palangana, sus manos y poco más. Tras los partos, siempre los bautizaba con agua o una infusión, a modo de ritual que resultaba psicoterapéutico para las traumatizadas madres que con ella se sentían más seguras.
Pese a que las normas de Auschwitz decían que no se les cortara ni atara el cordón umbilical y se los arrojara a la basura con la placenta, Stalisnawa arriesgó su vida incumpliéndolas. Ella se los devolvía a sus madres, aunque la mayoría morían de hambre por falta de leche. En su informe contaría más tarde que el doctor Mengele, que le solicitaba información sobre estas muertes y que le ordenó que les practicara la eutanasia. “Ni ahora ni nunca”, le contestó. Fue sorprendente que no la mandara ejecutar en ese momento. Pero muchos se los arrebataban para ser ahogados en un barril. De los 3000 que ayudó a traer al mundo, acabaron muriendo 2500, mientras que nos pocos cientos, con ojos azules, fueron dados en adopción para ser germanizados y apenas 30 sobrevivieron junto a sus progenitoras. La empatía que Stanisława sentía por ellas le ayudaba a superar el trauma:
Es lo que me hacía más fuerte cada día y cada noche que dedicaba al trabajo arduo; el esfuerzo y el sacrificio eran solo una expresión de mi amor por los niños pequeños y sus madres, cuyas vidas intentaba salvar a toda costa. De lo contrario, no habría podido sobrevivir.
Cuando el campo fue liberado, el 27 enero de 1945, volvió a Łódź, adonde sus hijos también llegaron desde los campos de trabajos forzados. Se instaló en un apartamento y continuó trabajando como partera de su localidad hasta 1958, a pesar de su precaria salud tras el paso por el campo de concentración. En 1965, decidió publicar su famosa obra El informe de una partera de Auschwitz, que dio a conocer una vida que ella no consideraba especialmente destacable. No hay más referencias a su figura hasta el 27 de enero de 1970, cuando Stanisława asistió a una celebración oficial en Varsovia donde conoció a las prisioneras de Auschwitz y a sus hijos adultos, nacidos en el campo con su ayuda.
Cuatro años después, el 11 de marzo de 1974, fallecía en su ciudad a los 77 años. Sobre su funeral, la doctora Jadwiga Węgierska‑Paradecka escribió:
Fue una manifestación, la despedida pública de una persona de complexión delgada, modesta en su conducta y vestimenta, pero simbólicamente una gigante, completamente dedicada al servicio de sus semejantes y de Polonia… Tuvo el coraje de desafiar las órdenes de los criminales nazis para ayudar a sobrevivir a sus compañeras de prisión cuyas vidas estaban en peligro y que también habían perdido a su mayor tesoro: los hijos.
Todavía hoy, en Polonia, varios hospitales y organizaciones llevan el nombre de Stanisława; también lo tiene la calle principal del museo del campo de concentración de Auschwitz y otra calle de la ciudad de Łódź. En 1983, la Escuela de Obstetras de Cracovia recibió, asimismo, su nombre en su honor. Por su labor humanitaria, la Iglesia católica a la que perteneció, ha iniciado su proceso de beatificación y las peregrinaciones a su tumba son habituales.
Argeliers León Pérez nació en La Habana, Cuba, el 7 de mayo
de 1918, y murió en su ciudad, el 23 de febrero de 1991. Compositor, musicólogo, etnólogo y pedagogo.
Argeliers León, el Maestro de todos, se le reconoce como el
fundador de la musicología como disciplina científica en Cuba. Argeliers León
realizaría estudios en el Conservatorio Municipal de La Habana con los
profesores Domingo Fortún, Antonio Mompó, Manuel Luaces, César Pérez Sentenat y
José Ardévol. Estudiaría composición y análisis musical en París donde completó
su formación.
Se graduaría de pedagogía en la Universidad de La Habana en
1943. Fue alumno de etnología y folclore de la Universidad de La Habana, de los
profesores María Muñoz y Fernando Ortiz. Fue parte del grupo de Renovación
Musical junto a Harold Gramatges, Edgardo Martín, Serafín Pro, Virginia
Fleites, Julián Orbón, Juan Antonio Cámara, entre otros.
Su trabajo como docente se desempeñó principalmente en la
Universidad de La Habana y curiosamente no en la Escuela Nacional de Arte (ENA)
pues su trabajo estaba dedicado a la investigación musical.
Trabajó en el departamento de folclore del Teatro Nacional
de Cuba, en el de música de la Biblioteca Nacional José Martí y fue fundador
del Instituto de Etnología y Folclore de la Academia de Ciencias que a través
de la breve revista Etnología y Folclore difundía los factores y antecedentes
que han incidido en la formación de la música cubana.
Argeliers consideraba: la investigación bibliográfica es un
campo que aún hay que abordar en Cuba, trabajar críticamente con fuentes
bibliográficas y ponerlas al día, ponerlas a funcionar [..] En el desarrollo de
la musicología, buscar nuevos caminos, nos hemos quedado en quitar o poner esto
para aquí o para allá [..] Estoy plenamente consciente que tiene que haber un
cambio, no podemos seguir con ese patrón. Yo estoy consciente de que todo ese
trabajo de las fichas debía estar en el nivel medio, siempre lo he dicho, pero
mientras no esté resuelto en ese nivel no podemos suprimirlo del nivel superior
[..] No puede haber una investigación fuera de un camino científico. No puede
haber investigación si no nos adelantamos nosotros mismo en la ciencia.
Uno de los grandes empeños de Argeliers León era realizar
investigación de campo, especialmente en los temas relacionados con el folclor
y la cultura popular. A León también se debe, como promotor al frente del
Departamento de Música de la Casa de las Américas, la existencia del Premio
Latinoamericano de Musicología creado en 1979.
Algunas Obras
Coro: Nuestra América, Nuestra meta.
Coro y orquesta: La música, coro mixto, texto: Cintio
Vitier, El niño nació en Santiago, coro mixto, texto: popular, Soneto, Pregón,
coro mixto, texto: Rafael Alberti, Al nacimiento de Cristo Nuestro Señor,
villancico, coro mixto, texto: Francisco de Góngora, Elegía a Jesús Menéndez,
coro, solista, narrador y orquesta, texto: Nicolás Guillén.
Conjunto instrumental: Sonata, para trompeta, trombón y
percusión, Sonata a tres, para flauta, clarinete y fagot, Quinteto, para
instrumento de viento, divertimento, para clarinete, trompeta y piano.
Electroacústica: Homenaje a un amigo, piano y banda
magnetofónica, Saturnalia, banda magnetofónica, saxofón y cualquier número de
ejecutantes de percusión.
Guitarra: Tres canciones lentas, Sonata, Quinteto para
guitarra y cuarteto de maderas, Cinco piezas breves para guitarra, flauta y
clarinete.
Orquesta sinfónica: Sonata a la Virgen del Cobre, para piano
y orquesta de cuerdas, Suite cubana, para orquesta de cuerdas, Sinfonía núm. 2.
Piano: Cuatro invenciones, Danzón, Sonatina, Akorín, Sonatas
a la Virgen del Cobre, Hoy canto a mi patria.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concertino para Piano, Flauta y Orquesta, en la versión de Víctor Díaz en piano, Yailin Martínez en
flauta y la Orquesta del Lyceum de La Habana, dirigida por José A. Méndez.
Lætitia Sadier, también conocida como Seaya Sadier, nació en Vincennes, Francia, nació el 6 de mayo de 1968. Cantante y multi instrumentista. Toca sintetizador, órgano, guitarra, pandereta y trombón.
El sitio www.eslocotidiano.com publicó este artículo firmado por José Luis Justes Amador.
54 Mujeres [XLII] Laetitia Sadier (Un laboratorio en estéreo y en solitario)
José Luis Justes Amador
Mundos de ciencia ficción y emociones delicadas
JC Peña
Aunque tendamos a considerar la música popular moderna como un invento cuya lengua es el inglés, los primeros trasvases que han continuado a lo largo de ya larga historia de la música pop fueron con Francia. Francia fue uno de los primeros países que, además, de aceptar la nueva moda, contribuyó con fusiones insospechadas entre la chanson y la modernidad. Y si Serge Gainsbourg —entre otros muchos– aportó una nueva sangre, si hay una persona que contribuyó al afrancesamiento del indie fue la gran Laetitia Sadier.
McCarthy era un grupo pop que se distinguía del resto de sus contemporáneos, no por su sonido o sus juegos de guitarras sino por la radical política que impregnaba todas sus letras, que la mayor parte de las veces eran visiones irónicas sobre el capitalismo o el sistema. La movida francesa de finales de los ochenta era, después de la creatividad de finales de la década anterior y los principios de la misma, un páramo que desesperaba a Laetitia, que no encontraba un estilo en el que diera rienda suelta a sus impulsos creativos. Fue, precisamente, un concierto de McCarthy en Paris en el que Laetitia conoció a Tim Gane, el líder del grupo inglés. Apenas unos meses después, Sadier estaba ya en Londres viviendo con Gane e intentando desarrollar una carrera dentro del mundo de la música. Una carrera que comenzó con la francesa colaborando con su voz en los últimos discos de McCarthy, que acabaría por disolverse en 1990.
Gane y Sadier serían los líderes de un nuevo grupo, los imprescindibles Stereolab. Con ellos dos estaban el bajista de The Chills, el grupo neozelandés, Joe Dilworth y Gina Morris, con quien Sadier encontraría una armonía vocal inaudita en aquellos tiempos. Las letras seguían siendo políticas, pero a diferencia del grupo anterior, entraban nuevos temas que trataban de la cotidianeidad, que los acercaban a grupos como Belle and Sebastian o Pulp. De 2004 a 2009 dejaron una discografía que, a pesar de estar en una multinacional, Elektra, fue más influyente que vendida.
Stereolab, uno de los primeros grupos a los que se etiquetó como “post rock”, añadían situacionismo y surrealismo a sus letras, mientras que en lo musical mezclaban de una manera que otros muchos grupos repetirían después de ellos, krautrock, lounge y pop de los sesenta, además de incluir guiños al jazz, al funk o a la música brasileña, aunque en directo añadían una capa de feedback y ruido que no se mostraba en sus discos. Su álbum más reconocido fue “Emperor Tomato Ketchup”, de 1996, y una buena idea de ellos se puede hacer con “Serene Velocity: A Stereolab Anthology”, que en 2006 reunió sus mejores y más conocidos temas.
Problemas en la banda y en la pareja llevaron a Sadier a salir de Stereolab y buscar nuevos caminos en un proyecto liderado por ella misma, que sería Monade, junto a Rosie Cuckston, de Pram. La línea política se seguía manteniendo, como demuestra el título de su primer disco “Socialisme ou Barbarie: The Bedroom Recordings”. El sonido había evolucionado, descartando la onda más rockera de la formación anterior para centrarse más en las composiciones atmósfericas y francesas. Sadier continúa escribiendo las letras y combinando el francés y el inglés para crear una música hecha, al mismo tiempo, para disfrutar y para pensar. “A few steps more” y “Monstre Cosmic”, sus siguientes discos mantendrían esa atmósfera hasta que Sadier decidió disolver el proyecto para sacar unos maravillosos discos en solitario.
Muestra de ellos son “The Trip” de 2010, el atmósferico “Silencio” de 2012, titulado en español e inspirado por las iglesias de Zamora. Como ella misma dijo en una entrevista: “A nivel artístico, lo que me inspiró de Zamora fueron sus 23 iglesias. Desde pequeña siempre he sido una persona agnóstica y sólo hace unos años empecé a encontrar cierto gusto a dichas iglesias. Supongo que se debe a que he estado trabajando mucho en la espiritualidad, un concepto del que la religión ha cogido muchas cosas pero que no tiene por qué estar estrictamente ligado a ella”. “Something Shines”, un disco un poco más alegre y juguetón que el anterior, de 2014, fue el último que hasta ahora ha formado con su nombre, para pasar a publicar el último, “Find Me Finding You”, bajo el nombre de Lætitia Sadier Source Ensemble.
Sadier, una de las voces y personalidades más individuales del mundo indie, encuentra además tiempo siempre para sus colaboraciones, que han demostrado también la variedad de sus intereses. O la de quienes han colaborado con ella. Blur, Tyler the Creator, Luna (con una excepcional rendición del “Bonnie and Clyde” de Gainsbourg), Mouse on Mars, Fugu, Momotte, son algunos de los (muchísimos) nombres, aunque hay dos colaboraciones que por su calidad destacan entre todas. El delicadamente hermoso “Haiku One” de Sigmatropic, en el que prestó su voz al poeta griego Seferis, y la reciente rendición del clásico francés yeyé “Paroles Paroles” en el último disco de su alma gemela Jarvis Cocker.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cybele's Reverie.
El 05 de mayo de 1948, nació en Birmingham, Inglaterra, John Michael “Bill” Ward, conocido mundialmente como el legendario baterista de la banda de heavy metal Black Sabbath. Desde sus inicios, Ward demostró un talento excepcional para la percusión, convirtiéndose en una pieza fundamental en el sonido característico de una de las bandas más influyentes en la historia del rock.
Bill Ward co-fundó Black Sabbath en 1968 junto a Ozzy Osbourne, Tony Iommi y Geezer Butler. La banda rápidamente alcanzó la fama mundial con su álbum debut homónimo lanzado en 1970, el cual sentó las bases del género heavy metal. Ward se destacó por su estilo único y potente, combinando ritmos pesados con una precisión técnica impresionante.
A lo largo de su carrera con Black Sabbath, Ward contribuyó en la creación de álbumes icónicos como “Paranoid” (1970), “Master of Reality” (1971) y “Sabbath Bloody Sabbath” (1973), entre otros. Su habilidad para crear ritmos complejos y su energía en el escenario le valieron el reconocimiento de críticos y fans por igual.
Sin embargo, la relación de Ward con la banda no estuvo exenta de altibajos. Tuvo periodos de ausencia debido a conflictos internos y problemas de salud, lo que llevó a su salida y reincorporación en varias ocasiones. A pesar de esto, su contribución a la identidad de Black Sabbath sigue siendo inigualable.
Fuera de Black Sabbath, Bill Ward ha participado en varios proyectos musicales y lanzado álbumes como solista, explorando diferentes géneros musicales. Además, es conocido por su trabajo como pintor y escritor, expresando su creatividad en diversas formas artísticas.
A lo largo de su carrera, Ward ha sido reconocido con numerosos premios y nominaciones, incluidos los premios Grammy y múltiples inducciones al Salón de la Fama del Rock and Roll. Su legado como uno de los mejores bateristas de la historia del rock perdura hasta el día de hoy.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Tomorrow's Dream.
Derviš Korkut nació en Travnik, entonces Bosnia y Herzegovina, parte del Imperio austrohúngaro, el 5 de mayo de 1888, y murió en Sarajevo, República Socialista de Bosnia y Herzegovina, República Federativa Socialista de Yugoslavia. Erudito y humanista. Justo entre las Naciones.
Sarajevo, Yugoslavia… Marzo de 1942 – Dervis y Servet Korkut eran musulmanes de etnia albanesa que vivían en Sarajevo, ciudad que formaba parte del Estado Independiente de Croacia (actual Bosnia). Servet se dedicaba al cuidado de su hijo pequeño, y Dervis era el bibliotecario jefe del Museo Nacional de Bosnia. Tenía un interés especial en las contribuciones judías a la cultura del país.
Una muestra de esta cultura judía fue la Hagadá de Sarajevo del siglo XIV, el tipo de artefacto que Hitler esperaba conservar en un «museo de una raza extinta» tras haber exterminado a todos los judíos de Europa. Dervis reconoció su importancia y tomó medidas para salvarla durante la ocupación alemana. Cuando el comandante nazi Johann Fortner llegó al museo para reclamar la Hagadá, Dervis la escondió bajo su abrigo para que Fortner no la encontrara durante el registro. Posteriormente, Dervis salió discretamente del museo y confió el preciado símbolo de la vida judía a un imán musulmán que vivía en el país. Este lo ocultó en la biblioteca de su mezquita, donde la Hagadá de Sarajevo, uno de los manuscritos hebreos iluminados más conocidos, permaneció a salvo hasta después de la guerra.
El compromiso de los Korkut con la ayuda a los judíos perduró. Mira Papos se crio en la comunidad judía sefardí de Sarajevo. Tras el asesinato de sus padres a finales de 1941, Mira huyó a los bosques, donde se unió a los partisanos. En marzo de 1942, los partisanos se vieron obligados a reorganizarse tras sufrir duras derrotas. Ordenaron a Mira y a los demás jóvenes que regresaran a Sarajevo. Mira comprendió que aquello equivalía a una sentencia de muerte, pero también lo era permanecer sola en el bosque. Al llegar a la ciudad, se encontró con el conserje de la antigua oficina de su padre y le rogó que la ayudara. Él la condujo al Museo Nacional de Bosnia y le presentó a Dervis Korkut.
Dervis la llevó a su casa, donde conoció a Servet. Dervis y Servet tenían un plan: vestirían a Mira con ropa tradicional musulmana, le darían el nombre musulmán de Amira y dirían a cualquiera que preguntara que la habían contratado para cuidar al bebé. No debía hablar con nadie fuera de la familia, ya que en la zona donde vivían residían otros hablantes de albanés. Durante los siguientes cinco meses, Mira permaneció en la casa de Servet. Un oficial alemán vivía en el segundo piso, pero no tenía motivos para cuestionar a la joven sirvienta musulmana. Mira se separó de Dervis y Servet en agosto de 1942, cuando su tía logró pasarle de contrabando documentos falsificados y un billete de tren. Con los documentos falsos, Mira se mudó a la costa dálmata y se hizo pasar por no judía durante el resto de la guerra. Todos sobrevivieron a la guerra.
Dervis Korkut murió en 1969. Servet Korkut murió el 9 de septiembre de 2013, a los 88 años.
Un epílogo a la historia del rescate de Korkut. En la primavera de 1999, cuando Kosovo comenzó a sumirse en la guerra y los musulmanes albaneses fueron expulsados de Kosovo, la mayoría huyó con poco más que la ropa que llevaban puesta. Lamija Jahas había llevado consigo una copia de un documento muy preciado: un certificado que Yad Vashem había entregado a sus padres. Tras llegar a un campo de refugiados en Macedonia, Lamija mostró este certificado a miembros de la comunidad judía local. El gobierno israelí trasladó a Lamija, a su esposo y a sus dos hijos a Israel, donde fueron recibidos en el aeropuerto por Davor Bakovic, hijo de Mira Papos Bakovic, quien había fallecido el año anterior. El hijo de Justos entre las Naciones fue recibido por el hijo del superviviente judío… y Lamija y su familia de Kosovo comenzaron una nueva vida en Israel.
Sigmund Esco Jackson, más conocido como Jackie Jackson, nació en Gary, Indiana, Estados Unidos, el 4 de mayo de 1951. Cantante, compositor, actor, productor y bailarín.
Sigmund Esco "Jackie" Jackson es miembro de The Jackson 5. Es el segundo hijo y el mayor de los hermanos Jackson. Aspiraba a ser jugador profesional de béisbol, pero esos planes cambiaron cuando su padre, Joseph, formó una banda con Jackie y sus hermanos.
Jackson se ha casado tres veces y tiene cuatro hijos.
Primeros años de vida
Jackie nació el día del 21 cumpleaños de su madre, Katherine, en 1951. Su abuelo le puso el apodo de Jackie, derivado de Jackson Boy. Provenía de una familia negra de clase trabajadora. Él y sus hermanos crecieron en una casa de dos habitaciones en Gary, Indiana, una ciudad industrial a las afueras de Chicago. En 1964, el padre de Jackie, Joseph, formó el grupo musical The Jackson Brothers, integrado por Jackie y sus hermanos Tito y Jermaine. Posteriormente, se unieron al grupo sus hermanos menores, Marlon y Michael, quienes tocaban diversos instrumentos de percusión. En 1966, Joseph convirtió a Michael en el vocalista principal y, en dos años, se dieron a conocer profesionalmente bajo el nombre de The Jackson Five, que luego se modificó al número 5 tras firmar con Motown en 1969. Antes de firmar con Motown, Jackson deseaba dedicarse al béisbol profesional.
Carrera
Los Jackson 5
Jackson cantaba con una voz de tenor agudo. Añadió breves partes en algunos de los sencillos de éxito de The Jackson 5, incluyendo "I Want You Back" y "ABC". En 1973, lanzó un álbum en solitario que, desafortunadamente, no entró en las listas. Después de que The Jackson 5 se convirtiera simplemente en "The Jacksons" tras su salida de Motown para unirse a CBS Records en 1976, el papel de Jackson como vocalista y compositor aumentó. Añadió una voz principal junto a Michael en su sencillo de Epic que alcanzó el Top 10, "Enjoy Yourself", y también añadió composición en seis de los álbumes del grupo con Epic. La voz de Jackson cambió a un estilo vocal de tenor más grave durante los años de Epic. Una de las composiciones más exitosas de Jackson fue coescrita con Michael, "Can You Feel It", que se convirtió en un éxito internacional en 1981. Jackson comenzó a interpretar más voces principales mientras Michael seguía una exitosa carrera en solitario. En su álbum de 1984, Victory, Jackie interpretó la voz principal en la canción "Wait", mientras escribía el sencillo "Torture". Cabe destacar que, antes del inicio de la gira Victory Tour en 1984, sufrió lo que oficialmente se describió como una lesión de rodilla sufrida durante los ensayos. Sin embargo, Margaret Maldonado, antigua compañera de Jermaine, escribió en su libro de 1995, Jackson Family Values, que Jackson resultó herido en un accidente automovilístico, provocado por su entonces esposa, Enid Jackson, quien lo atropelló con su coche tras sorprenderlo con la coreógrafa y entonces Laker Girl, Paula Abdul. Jackson se recuperó lo suficiente como para actuar en la última parte de la gira en diciembre de 1984 en Los Ángeles, donde Michael anunció su salida del grupo. A principios de 1985, Marlon se unió a su hermano menor y abandonó el grupo.
Jackie, Tito y Randy se convirtieron en músicos de sesión, vocalistas y productores durante este tiempo. En 1987, la banda se reformó como The Jacksons y grabó "Time Out for the Burglar", el tema principal de la película Burglar. El sencillo fue un éxito menor de R&B en los EE. UU., pero tuvo más éxito en Bélgica, donde alcanzó el puesto número 17 en el Top 40 durante dos semanas consecutivas. Los Jacksons también contribuyeron con coros a la canción principal del álbum Freedom de Tramaine Hawkins de 1987, producida por Tito. A finales de 1988, los Jacksons se dispusieron a grabar su último álbum con Epic, 2300 Jackson Street, en el que Jackie y Jermaine se repartieron las voces principales en la mayoría de las canciones. Sin embargo, 2300 Jackson Street no entró en las listas, a pesar de "Nothin' (That Compares 2 U)", con Randy y Jermaine como vocalistas principales. Randy no participó mucho en la promoción del álbum, ya que estaba trabajando en su proyecto en solitario, dejando a Jackie, Tito y Jermaine promocionarlo principalmente en el extranjero. Después, el grupo fue despedido del sello discográfico y cada hermano se dedicó a proyectos en solitario. Jackson firmó con Polydor y lanzó su primer álbum en solitario en 16 años, Be the One, a finales de 1989. El álbum fue un éxito menor, alcanzando el puesto número 89 en las listas de R&B. El primer sencillo, "Stay", fue un éxito en el Top 40 de R&B, mientras que el segundo sencillo, "Cruzin'", tuvo un éxito moderado. En 2001, después de años alejado de los focos, Jackie, junto con sus otros hermanos, regresó al panorama musical en una actuación de reunión con Michael durante su especial del 35 aniversario en el Madison Square Garden.
Últimos años
Jackson, que actualmente reside en Las Vegas, dirigió en su momento dos compañías discográficas: Jesco Records y Futurist Entertainment. Su hijo, Sigmund Jr., conocido como DEALZ, lanzó un mixtape con Jesco en 2007. En 2009, él, Tito, Jermaine y Marlon protagonizaron su breve reality show, The Jacksons: A Family Dynasty. En 2012, el cuarteto inició su primera gira desde el final del Victory Tour en 1984. Los cuatro hermanos continúan de gira y actualmente planean ofrecer una serie de conciertos en los casinos de Las Vegas.
Vida personal
Jackson se casó tres veces y tuvo cuatro hijos. Contrajo matrimonio con su primera esposa, Enid Adren Spann (27 de junio de 1954 - 20 de diciembre de 1997), en noviembre de 1974, tras cinco años de noviazgo. Fue un matrimonio turbulento debido a la infidelidad y el comportamiento volátil de Jackson. Se separaron en 1984 y Enid solicitó el divorcio, pero se reconciliaron en 1985. En enero de 1986, Enid solicitó el divorcio definitivamente. Obtuvo una orden de alejamiento contra Jackson tras acusarlo de maltrato físico. Enid falleció a causa de un aneurisma cerebral en 1997.
En la década de 1980, Jackson fue noticia por su romance con la estrella del pop Paula Abdul. Desde 1989 hasta 1991, Jackson mantuvo una relación sentimental con la actriz Lela Rochon.
En 2001, Jackson se casó con su segunda esposa, Victoria Triggs. Posteriormente se divorciaron. En 2012, Jackson se casó con su tercera esposa, Emily Besselink.
Niños
Sigmund Esco "Siggy" Jackson Jr. (nacido el 29 de junio de 1977) - con Enid Spann
Brandi Jackson (nacida el 6 de febrero de 1982) - con Enid Spann
Jaylen Milan Jackson (nacido el 31 de diciembre de 2013) - con Emily Basselink
River T Jackson (nacido el 31 de diciembre de 2013) - con Emily Basselink
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Stay.
Hace más de 20 años, la Biblioteca Castro publicó la Biblia de Ferrara, editada por Moshe Lazar, una obra clave de la tradición sefardí. Recientemente, la colección recuperó este texto fundamental en una nueva edición con prólogo de Paloma Díaz-Mas, incorporándolo al canon de los clásicos españoles.
Konrad Plank más conocido como Conny Plank, nació en Hütschenhausen, Alemania, el 3 de mayo de 1940, y murió en Colonia, Alemania, el 18 de diciembre de 1987. Productor y músico. Tocaba sintetizador y guitarra.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Andy Kellman.
Konrad Plank es al Krautrock lo que Phil Spector es a la música pop: un productor y colaborador ingenioso con una trayectoria que abarca desde los influyentes discos de rock alemanes de los 70 hasta los más conocidos y menos conocidos discos de post-punk/new wave de finales de los 70 y principios de los 80. Tras iniciarse trabajando para Marlene Dietrich, no fue hasta su producción de los primeros discos de Kraftwerk que su prestigio creció significativamente. Al producir, grabar y gestionar la grabación de los tres legendarios LP de Neu en los 70 (era, en esencia, el tercer miembro no oficial), Plank se consolidó como uno de los ingenieros de estudio más importantes del rock experimental. Dirigió su propio estudio en Colonia y grabó a bandas alemanas como Grobschnitt, Guru Guru, Kraan y Scorpions, además de otros artistas internacionales como Ultravox, Devo, Killing Joke y Eurythmics. Plank, quien también trabajó con Dieter Moebius en un par de grabaciones de principios de los 80 bajo el nombre de Moebius & Plank, falleció a finales de los 80.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Autobahn, interpretado por Kraftwerk, en vivo en el programa The Midnight Special, el 25 de julio de 1975.
Louis Andrew Grammatico, más conocido como Lou Gramm, nació en Rochester, Nueva York, Estados Unidos, el 2 de mayo de 1950. Cantante y compositor.
La página de Facebook Behind the Songs publicó su biografía.
Lou Gramm: 75 años de lucha, legado y rock eterno
El 2 de mayo de 2025, Lou Gramm —el legendario vocalista original de Foreigner— cumple 75 años. Su historia no solo está escrita con éxitos como “I Want to Know What Love Is”, “Cold as Ice” o “Juke Box Hero”, sino también con resiliencia, fe y una lucha constante contra los estragos de la salud que lo han acompañado en las últimas décadas.
Nacido como Louis Andrew Grammatico en Rochester, Nueva York, en 1950, Lou creció en un ambiente musical: su madre era cantante y su padre dirigía una banda. En los años 70, tras liderar la banda Black Sheep, fue reclutado por Mick Jones para formar parte de un nuevo proyecto: Foreigner. La voz poderosa, rasposa y melódica de Gramm se volvió marca registrada del sonido del grupo, convirtiéndose en una de las voces más reconocibles del rock arena de los años 70 y 80.
Pero el trayecto no fue fácil. En los años 90, mientras desarrollaba su carrera como solista y se mantenía con apariciones intermitentes en Foreigner, su vida dio un giro dramático. En 1997, fue diagnosticado con un craneofaringioma, un tumor cerebral raro y benigno, aunque de crecimiento lento. La cirugía fue riesgosa. El tumor afectó su glándula pituitaria, lo que alteró su metabolismo y le hizo ganar peso rápidamente. Los efectos secundarios incluyeron fatiga crónica, dificultades para recordar letras, lentitud al moverse, y un deterioro vocal notable.
A pesar de los retos, Gramm regresó a los escenarios. En 2003 volvió brevemente a Foreigner, pero su salud le impedía mantener el ritmo de las giras. Finalmente, se retiró oficialmente de la banda en 2005, siendo reemplazado por Kelly Hansen. Lou continuó presentándose en solitario, con su banda The Lou Gramm Band, enfocándose también en música cristiana y compartiendo su testimonio de vida, fe y superación.
En entrevistas recientes, ha hablado abiertamente sobre su estado de salud. Aunque el tumor fue extirpado, las secuelas endocrinas siguen presentes. En 2019, durante una gira, sufrió una recaída de salud que lo obligó a cancelar fechas. En declaraciones a medios como Billboard y Ultimate Classic Rock, explicó: “Tengo problemas respiratorios, fatiga y deshidratación crónica. No quiero subir al escenario sabiendo que no puedo dar lo mejor de mí”.
Sin embargo, Lou nunca se ha rendido. En 2022, participó en la ceremonia del Salón de la Fama de los Compositores, donde fue reconocido junto a Mick Jones por su trabajo en Foreigner. El grupo ha sido inducido al Rock & Roll Hall of Fame y el legado de Gramm sigue creciendo. Sus canciones siguen sonando en radios, películas, estadios y karaokes de todo el mundo. Lou ahora es parte de la gira latinoamericana de Foreigner.
Hoy, a los 75 años, Lou Gramm es un sobreviviente. No solo del negocio musical, sino de las batallas internas que ha librado por más de dos décadas. Vive en Nueva York, mantiene contacto con sus fans y, aunque ya no canta como en los días de gloria, su voz sigue resonando en millones de corazones.
“Dios me ha dado otra oportunidad, y eso no lo tomo a la ligera”, dijo alguna vez. Y así, sin buscar los reflectores, pero con el respeto inquebrantable de la comunidad del rock, Lou Gramm sigue siendo un verdadero Juke Box Hero.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con I Want To Know What Love Is.
Elena de Schleswig-Holstein-Sonderburg-Glücksburg, nació en Atenas, Grecia, el 2 de mayo de 1896, y murió en Lausana, 28 de noviembre de 1982. Justa entre las Naciones.
Elena de Grecia (Atenas, 2 de mayo de 1896 - Lausana, 28 de noviembre de 1982) fue princesa de Grecia y Dinamarca, y princesa heredera de Rumanía por matrimonio. Recibió el título de reina madre durante el mandato de su hijo Mihai.
Biografía
Familia
Elena nació en Atenas en 1896, siendo sus padres el duque de Esparta y su esposa, la princesa Sofía de Prusia. En el momento de su nacimiento reinaba en Grecia su abuelo, Jorge I de Grecia. Tuvo tres hermanos llamados Jorge (1890-1947), Alejandro (1893-1920) y Pablo (1901-1964), todos reyes de Grecia, y dos hermanas llamadas Irene (1904-1974), luego duquesa de Aosta y reina de Croacia, y Catalina (1913-2007), luego Lady Brandram.
Elena era pues la nieta de Jorge I de Grecia y su esposa, la gran duquesa Olga de Rusia por parte paterna, y por vía materna lo era del káiser Federico III de Alemania y Victoria, princesa Real del Reino Unido. Estaba pues emparentada con la mayor parte de las familias reales de Europa.
Vida en el exilio
En 1910 salió de Grecia exiliada junto con sus padres y hermanos como resultado de un complot militar para poner en el trono de Grecia a su padre y quitar a su abuelo el rey Jorge I de Grecia. La familia pasó el verano en el castillo de Friedrichshof, propiedad de su tía materna Margarita, landgravina de Hesse. El invierno lo pasaron en un hotel en Fráncfort del Meno hasta que regresaron a Atenas. Su abuelo el rey fue asesinado por un demente en Tesalónica en 1913.
En 1917 Elena y su familia de nuevo partieron hacia el exilio por negarse su padre a apoyar a los Aliados en la Primera Guerra Mundial. Tras permanecer una temporada en Sankt Moritz se trasladó a Zúrich, donde la familia real griega era observada de cerca por las autoridades; se vieron obligados a permanecer en la zona germanófona de Suiza, donde sus sirvientes británicos y franceses fueron despedidos.
Matrimonio
En 1919, todavía en el exilio, Elena conoció en la ciudad cantonal de Lucerna al que había de convertirse en su marido, el príncipe heredero Carlos de Rumanía, primo segundo suyo. Carlos acababa de divorciarse de su primera esposa, Zizi Lambrino, por no contar esta unión con la autorización del rey de Rumanía. Elena acompañó a Carlos a Rumanía por celebrarse en aquellos tiempos la boda entre la hermana de él, Isabel, con el hermano de ella, el futuro Jorge II de Grecia. En 1920 Carlos y Elena se prometieron. Ese mismo año el padre de Elena pudo regresar al trono griego y Elena pudo volver a Atenas.
En 1921 Elena y Carlos contrajeron matrimonio en la Catedral Metropolitana de Atenas (la primera boda de una princesa de Grecia que tuvo lugar en Atenas). La pareja pasó la luna de miel en Tatoi y más tarde partieron en barco hacia Bucarest. Se instalaron en el Palacio de Cotroceni, aunque pasaron la mayor parte de su tiempo en el Castillo de Peleş, en Sinaia.
Vida conyugal y divorcio
El matrimonio, que inicialmente fue feliz, pronto empezó a hacer aguas. Fruto de esta unión nació el futuro Miguel I de Rumania, único hijo de la pareja, nacido en 1921 y depuesto en 1947.
En 1925 Carlos empezó un romance con Magda Lupescu, y ese mismo año renunció a sus derechos al trono rumano, quedando así su hijo Miguel como heredero. Elena permaneció en Rumanía al cuidado de su hijo, y se divorció de su esposo en 1928; tras ser regente en nombre de su hijo entre 1927 y 1930, tuvo que soportar el gobierno despótico de su exmarido, [cita requerida] que en 1930 había regresado a Rumanía y reclamado el trono. Carlos fue rey hasta 1940, año en el que volvió a abdicar. En 1947, al ser derrocado su hijo, Elena huyó al exilio.
Previamente, en la década de 1930 propulsó la creación del primer Hospital de Emergencias en Rumania.
Elena estuvo siempre muy unida a su hermano el rey Pablo I de Grecia, siendo, por tanto, tía carnal de la reina Sofía de España. Mujer culta y con inquietudes artísticas, Elena de Grecia hablaba seis idiomas y era una interesante pintora.
Permaneció en Bucarest durante la Segunda Guerra Mundial, auxiliando a los refugiados judíos, por lo cual fue reconocida como «Justa entre las Naciones» en 1993.
Falleció en la ciudad suiza de Lausana a la edad de 86 años.
Fue reenterrada en la Nueva Episcopal y Real Catedral de Curtea de Arges el 19 de octubre de 2019, donde descansan su hijo y su nuera.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Won Kim, y la Orquesta Sinfónica de Corea, dirigida por Hun-Joung Lim.
D'arcy Elizabeth Wretzky-Brown, más conocida como D'arcy Wretzky, nació en South Haven, Míchigan, Estados Unidos, el 1 de mayo de 1968. Bajista y cantante.
D'arcy Elizabeth Wretzky-Brown, también conocida simplemente como D'arcy Wretzky (South Haven, Míchigan; 1 de mayo de 1968), es una bajista y cantante estadounidense conocida por su trabajo como la miembro original de The Smashing Pumpkins. Además de tocar el bajo ha tocado violín clásico y oboe. También interpretó la canción "Daydream" del álbum debut de la banda Gish que fue lanzado en 1991. Vive en una granja de caballos en Watervliet (Míchigan)
Entre sus influencias musicales se encuentran The Beatles, Stooges, Nirvana, Queen, Rolling Stones, Guns N' Roses, Depeche Mode y Duran Duran.
Biografía
La banda se formó en 1988 por Billy Corgan y James Iha. Estos conocieron a Wretzky en un concierto de una banda local cuando Corgan escuchó los comentarios que hacía Wretzky sobre la banda en el escenario. Siguió una discusión, y al enterarse de que ésta tocaba el bajo, Corgan la invitó a unirse a la banda. Wretzky mantuvo una breve relación amorosa con su compañero James Iha mientras estaban en la banda, pero se separaron al poco tiempo sin muchas consecuencias.
Después de casi doce años en la banda, en septiembre de 1999, después de finalizar la grabación de MACHINA/The Machines of God y antes de iniciar la gira de despedida, Wretzky decidió separarse para seguir su carrera de actuación. Fue reemplazada por Melissa Auf der Maur, antigua bajista de Hole. Años más tarde, Corgan se referiría a ella en su blog como una "drogadicta de mal espíritu".
Wretzy participó en los discos Gish, Siamese Dream, Mellon Collie and the Infinite Sadness y Adore. Antes de su alejamiento grabó el bajo en todas las canciones menos una (Age of Innocence) de MACHINA/The Machines of God.
El 25 de enero de 2000 fue arrestada en el oeste de Chicago después de admitir que compró tres bolsas de cocaína. La corte le ordenó que asistiera a un programa de rehabilitación y los cargos fueron sobreseídos.
Después de la declaración oficial de Billy Corgan y Chamberlin, el 20 de abril de 2006 de haber firmado un contrato discográfico bajo el nombre de "Smashing Pumpkins", no hubo respuesta alguna por parte de Wretzky para unirse al proyecto. De hecho, la bajista sustituta, Melissa Auf Der Maur, dijo estar encantada de ser la segunda opción en caso de que Wretzky no estuviera disponible. Finalmente, la bajista elegida para la gira fue Ginger Reyes.
En 2009 fue arrestada en Watervliet (Míchigan). El motivo fue que varios caballos de su granja se escaparon y galoparon sueltos por el pueblo, lo que causó gran alboroto y serio peligro para sus vecinos. Posteriormente, la exbajista no se presentó a cuatro audiencias y tampoco pagó la multa a la que se hizo acreedora, por lo que dos años después, el 8 de febrero de 2011, fue arrestada, y finalmente puesta en libertad el 14 del mismo mes.
En febrero de 2016, y tras conocer que Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin habían actuado juntos como The Smashing Pumpkins por primera vez en dieciséis años, D'arcy declaró en una entrevista que estaría dispuesta a formar parte de nuevo de la banda si se dieran las condiciones adecuadas para volver.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Ava Adore.
Luis Livingstone, músico, compositor, actor y reservista del Ejército de Tierra
May 12, 2021
Siempre elegante, con ese bombín típico de Madrid y ese chaleco tan castizo, Luis Livingstone sigue subiéndose a un escenario a darlo todo para su público. Compagina su vida artística con el servicio a su país. Un país que adora y al que le dedicó una canción que emociona cada vez que la escuchas. Después de un año de sequía de conciertos, comienza una gira con otros grandes artistas con El Último Aplauso que arranca en Madrid pero que visitará Marbella, Valencia, Oviedo, Pamplona y Córdoba entre otras ciudades españolas.
“Soy un tío con suerte, con muchísima suerte en la vida”
Pregunta. - De Luis Livingstone conocemos más tu faceta de artista, pero cuéntanos ¿cómo ingresas en el Ejército?
R.- La historia es que estaba estudiando en EEUU cuando me pilló fuera de plazo la prórroga por estudios a los 17 años y, al volver de Ucla, tuve que ir directamente a la mili. Por mi quinta me tocó en Tenerife y antes, en la mili, llegaban a los cuarteles para hacer captación el tercio de la Legión, la Brigada Paracaidista y el GOES.
Los del tercio y el GOES no me convencieron, pero cuando llegaron los paracaidistas, llenos de medallas, me gustaron, además volvía a Madrid, mi ciudad, pero tenía que hacer 18 meses en vez de 12. Esa noche estábamos en formación de retreta, que es cuando pasan lista. Como era en los primeros días, todos teníamos un número asignado en lugar de pasar la lista con los nombres y yo estaba pensando si me iba a Madrid con los paracaidistas, o me quedaba en Tenerife. Gritaron mi número unas tres veces, cuando me di cuenta, el sargento estaba pidiendo la lista al cabo que no sabía dónde la había puesto y, como soy un tío con suerte, con muchísima suerte en la vida, dijo “mi sargento el 125 se ha ido voluntario a la Brigada Paracaidista”. Esa misma noche me fui al barracón de la Bripac y al día siguiente embarcamos hacia Cádiz, de ahí a Alcantarilla y finalmente a Alcalá de Henares.
Hice los 18 meses y aprendí muchas cosas por lo que me reenganché otras dos veces más. Después de llevar casi cinco años mi padre me dijo que me fuese, bien a la academia militar o a la universidad, pero en ese momento yo ya estaba empezando a tocar, había conocido por medio de uno que trabajaba en el cuartel a Javi, hermano de Ana Torroja, hicimos un grupo y ensayábamos por las tardes. En el 2005 salió la figura de reservista voluntario, que era como una oposición para estar en el ejército hasta cinco meses al año, me apunté y los meses que no tengo giras sigo ligado al Ejército de Tierra.
P.- ¿Cómo empieza tu relación con la música?
R.- En Cercedilla, donde iba a veranear con mis padres, resulta que un año mis vecinos se compraron una guitarra, solían tocar Clavelitos y yo decía “es la leche”. Mis padres me compraron una guitarra, pero en vez de ir a clases de guitarra porque no me apetecía, empecé con un libro a aprender yo solo, me hacía mis propias canciones. Y así fue como empecé. Cuando salí del ejército ya había formado con amigos, un grupo de música y tuve la suerte, porque soy un tío con suerte como te he dicho, que nos fichó Dró que era la compañía que tenía todos los grupos españoles de la época: Gabinete Galigari, Nacha Pop, Los Hombres G, Dunca Dhu… y desde entonces hasta ahora.
P.- ¿Recuerdas cómo fue la grabación del primer disco?
R.- Sí, terrorífica porque éramos unos niños y daba miedo porque los estudios eran muy espectaculares. La diferencia de antes a ahora es que antes era muy complicado grabar un disco. En Dró había como dos divisiones. La segunda división, según entrabas, tenías que hacer un disco de seis canciones en siete días. Yo siempre he compuesto todo. Si ese disco vendía más de diez mil, que era una venta razonable, pasabas a primera división y ahí ya no había límite, podías hacer los discos que quisieras, tenías promoción…. Nosotros tuvimos mucha suerte porque en una semana habíamos vendido todo, fuimos número 1 en 40 principales con ‘Una Chica Formal’ que fue el primer single que sacamos.
P.- ¿Cómo recuerdas esa época dorada del pop de los 80/90?
R.- Pues dorada, fue una buena época. Hemos vivido lo que se llama la generación de oro del pop español, el sueño de todo adolescente: ligabas, todo el día de fiesta, no tenías que madrugar, tenías dinero…. Los managers sabían muy bien como tenerte contento para que no dieras ningún problema, pero claro no pensabas en el futuro. Profesionalmente es mucho mejor esta época, ganamos más dinero.
P.- ¿Qué fue para ti hacer ‘Yo soy de aquí’?
R.- La canción de mi vida. Nace del concierto de Bruce Springsteen que fui a ver al Calderón. Cuando cantó ‘Born in the USA’ y dos tíos desplegaron una bandera de Estado Unidos, todos los que fuimos nos pusimos como locos, como si fuésemos del mismísimo Wisconsin y me dije, “yo quiero hacer eso”. Hablando con mi amigo el teniente coronel Pita me animó a hacerlo y dando un paseo por Fuencarral me vino la canción. Fue como un bofetón, hasta tal punto que volví al bar donde estábamos y les pedí un papel para escribir la canción.
El primer día que la estrenamos que fue en el teatro Capital en Madrid, no había visto el audiovisual que habían preparado y cuando miré hacia atrás y vi una bandera de España, casi no pude acabar de cantar la canción de la emoción. La canté hace dos años el 12 de octubre en la Plaza de Cataluña y eso fue bestial.
P.- ¿Cómo acabaste haciendo parte de la banda sonora de “Sexo en Nueva York”?
R.- Porque soy un tío con suerte (risas). Estaba en mi casa y me llaman al teléfono un tío cubano: “le llamo desde Miami, soy de la discográfica Lideres que hemos sacado un disco recopilatorio con una canción suya de Dr. Lisvingstone y teníamos aquí la duda de si poníamos Luis Núñez Olalla que es como hemos visto que se llama usted o su pseudónimo” “No, ponerme Luis Livingstone”. “Mire es que yo aquí muevo canciones si me envía música aquí, se la podría mover. Apunte usted mi dirección”. Dio la casualidad, porque soy un tío con suerte, que tenía delante de mí un papel y un boli, lo apunté y tenía encima de la mesa un Cd con una demo de música nueva, un sobre y sellos. Lo metí y enfrente de mi casa tenía un buzón. Lo envié y me olvidé. Pasa el tiempo y me llaman de la Sociedad de Autores y me dicen que les ha llegado un pastón a mi nombre por unas canciones de Sexo en Nueva York. Yo ni me acordaba del cd, ni del señor. Así que tengo 14 canciones en 20 episodios de las seis temporadas y en las dos películas. Le llamé para darle las gracias, de hecho hace poco le he enviado canciones para la serie Hawai 5.0.
P.- ¿Cómo está ahora Dr. Livingstone, supongo?
R.- Mejor que nunca, mejor que en el año 89 y ahora con mis chicas. Como soy un tío con suerte, cambié de manager y ahora estoy con César Zappa que lleva la única gira de este año. Encajé perfectamente con el promotor Ramón Viyella y estamos preparando El Último Aplauso, un concierto solidario que comienza en Madrid el 28 y 29 de mayo en el WiZink Center. Estoy preparando un concierto que va a ser la leche con los audiovisuales.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Una chica formal.
Graciana Nélida Federico nació en Buenos Aires, Argentina, el 29 de abril de 1920, y murió en su ciudad, el 24 de mayo de 2007. Cantante, bandoneonista y artista plástica.
Nélida Federico (Buenos Aires, Argentina, 29 de abril de 1920) fue una bandoneonista y pintora argentina, nacida en Buenos Aires, Argentina, el 29 de abril de 1920. Desde pequeña recibió las influencias del arte en el seno familiar. Primero, de su padre, Francisco, violinista y músico de profesión; luego, de Domingo Federico, su hermano mayor, bandoneonista, y quien la iniciaría en la práctica del instrumento.
Con él Nélida formó el Dúo Federico, en el que Domingo ejecutaba el bandoneón y Nélida cantaba. Así, surgieron primero las giras y actuaciones en teatros, cines y confiterías, tanto de Buenos Aires como del interior del país. Con el correr de los años, Domingo creó una orquesta de señoritas -algo poco usual en la época-, en la que Nélida tocaba el bandoneón. Al poco tiempo, Nélida quedó a cargo de la pequeña orquesta; su hermano continuó su carrera por separado, convirtiéndose en un reconocido compositor de tangos en los años 40 y 50.
Paralelamente, Nélida estudió dibujo y pintura con el Profesor Galante, despertando en ella otro de sus talentos. A la música se le sumó la pintura, la que desarrolló profusamente entre los años 1936 y 1940. No obstante, muy pocas obras suyas de aquella época se han conservado.
En la década de 1950 Graciana Nélida Federico contrajo matrimonio con Adelmo Panini, abandonando momentáneamente la música, y dedicándose a la pintura, destacándose especialmente por sus retratos al óleo. Realizó numerosas exposiciones y participó en concursos y salones provinciales y municipales, obteniendo premios y menciones especiales.
Ya en su madurez, su pasión por la música volvió a seducirla. Retomó su carrera musical actuando en teatros, y en programas de tango de radio y televisión. A los 80 años de edad grabó su primer y único registro discográfico, y continuó tocando hasta los 86, cuando ofreció su último recital en la Academia Porteña del Lunfardo. Falleció el 24 de mayo de 2007, a la edad de 87 años.
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Lamentablemente no encontré ningún registro de sus grabaciones.
Jeffrey Tate nació en Salisbury, Wiltshire, Reino Unido, el 28 de abril de 1943, y murió en Bérgamo, Italia, el 2 de junio de 2017. Director de orquesta.
El sitio www.bach-cantatas.com publicó este recordatorio.
Jeffrey Tate (Director de orquesta)
Nacido: 28 de abril de 1943 - Salisbury, Wiltshire, Inglaterra
Fallecido: 2 de junio de 2017 - Bérgamo, Lombardía, Italia
El director de orquesta inglés Jeffrey Philip Tate nació en Salisbury, Inglaterra, con espina bífida, una malformación congénita grave, y también presentaba una curvatura espinal asociada, la cifosis. Su familia se mudó a Farnham, Surrey, cuando era niño y asistió a la Farnham Grammar School entre 1954 y 1961, obteniendo una beca estatal para la Universidad de Cambridge, donde dirigió producciones teatrales. Tate inicialmente estudió medicina en el Christ's College de Cambridge (1961-1964), especializándose en cirugía ocular. Posteriormente trabajó en el Hospital St Thomas de Londres, antes de abandonar su carrera clínica para estudiar música en el London Opera Centre. Se convirtió en repetidor y profesor en la Royal Opera House de Covent Garden, bajo la tutela de Sir Georg Solti.
El debut internacional de Jeffrey Tate como director de orquesta tuvo lugar en la Metropolitan Opera de Nueva York en 1979. En 1985, fue nombrado primer director titular de la English Chamber Orchestra (ECO), cargo que ocupó hasta el año 2000. Entre sus grabaciones con la English Chamber Orchestra se incluyen ediciones para EMI de sinfonías de Haydn. En septiembre de 1986, se convirtió en director titular de la Royal Opera House, Covent Garden, siendo la primera persona en la historia de la compañía en ostentar dicho título. Ocupó este puesto en Covent Garden hasta 1991, y posteriormente fue director invitado principal en Covent Garden de 1991 a 1994. Fue director titular de la Orquesta Filarmónica de Rotterdam de 1991 a 1995. En 2005, fue nombrado director musical del Teatro San Carlo de Nápoles, cargo que desempeñó hasta 2010.
En octubre de 2007, la Hamburger Symphoniker anunció el nombramiento de Jeffrey Tate como su próximo director titular. Asumió formalmente el cargo en 2009. En febrero de 2014, la orquesta anunció la extensión de su contrato como director titular hasta 2019. Ocupó el puesto en Hamburgo hasta su fallecimiento el 2 de junio de 2017. Tate fue director invitado principal y asesor artístico de la Orquesta Sinfónica de Adelaida, en parte como resultado de su vinculación con la orquesta desde una producción de El anillo del nibelungo de Wagner en 1998, desde 2016 hasta su muerte.
Las grabaciones de Jeffrey Tate incluyen una serie de conciertos para piano de WA Mozart con Dame Mitsuko Uchida. Fue presidente de la organización benéfica británica para la espina bífida ASBAH (ahora SHINE [Espina bífida, hidrocefalia, información, redes, igualdad]) desde 1989. Un retrato de Jeffrey Tate aparece en el libro de David Blum, Quintet, Five Journeys toward Musical Fulfillment (Cornell University Press, 1999). Originalmente apareció como artículo en la edición del 30 de abril de 1990 de The New Yorker. Fue nombrado Caballero en la lista de honores de Año Nuevo de 2017 por sus servicios a la música británica en el extranjero. También fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE) en la lista de honores del cumpleaños de la Reina de 1990.
En su vida privada, Jeffrey Tate fue pareja de Klaus Kuhlemann, un geomorfólogo alemán, a quien conoció cuando dirigía en Colonia desde 1977. Tate y Kuhlemann finalmente se casaron. Ofreció sus últimos conciertos los días 30 y 31 de mayo de 2017 en Bolzano y Trento, con la Orquesta Haydn. Falleció de un ataque al corazón en Bérgamo, Lombardía, Italia, el 2 de junio de 2017 a la edad de 74 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de la Sinfonía Nº 40 en Sol Menor, K. 550, de Wolfgang Amadeus Mozart, al frente la Orquesta de Cámara Inglesa, y un fragmento del ensayo con público de Nimbrod, de las Variaciones Enigma, de Edward Elgar.
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