K.K. Downing

Kenneth Keith Downing Jr., más conocido como K.K. Downing nació en West Bromwich, Reino Unido, el 27 de octubre de 1951. Compositor y guitarrista. 

El sitio www.kkdowning.net publicó su biografía. 

KK Downing, junto con el bajista Ian Hill, es miembro fundador de la legendaria banda británica de heavy metal Judas Priest. Tocó la guitarra con la banda durante 40 años, retirándose finalmente antes de su gira "Epitaph" en 2011. Durante esos 40 años, Priest creó varios himnos del metal atemporales, desde "Victim Of Changes" y "Hell Bent For Leather" hasta "Breaking The Law" y "Painkiller". Para 2011, Priest había vendido más de 45 millones de discos en todo el mundo. Downing, junto con el otro guitarrista de Priest, Glenn Tipton, establecieron los estándares de la guitarra en el heavy metal. Su sonido distintivo se convirtió en un sello distintivo del género, con el estilo más salvaje y blusero de KK complementando a la perfección la producción melódica de Tipton. Sus clásicos solos gemelos y riffs demoledores son una de las piezas más tocadas en las salas de ensayo de los jóvenes guitarristas de hoy en día. 

1951-1981 

Kenneth Downing nació el 27 de octubre de 1951 en West Bromwich, Inglaterra. Durante su juventud, el joven guitarrista quedó cautivado por el sonido de la guitarra de nuevos guitarristas legendarios como Jimi Hendrix, John Mayall y Eric Clapton. 

“Hendrix era mi ídolo. Era absolutamente increíble y no creo que jamás haya nadie como él.” 

Ken consiguió su primera guitarra acústica por 10 libras que había ahorrado de sus ganancias anteriores. “Una vez que la conseguí, logré comprar un libro de acordes. En ese entonces, solía juntarme con algunos amigos que básicamente hacían lo mismo que yo. Nos sentábamos todos en casa de alguien por las noches y había una pequeña rivalidad para ver quién podía recordar más acordes. Creo que yo era el que lograba hacer un acorde con cejilla correctamente. Así fue como empecé, y en cierto modo estuvo bien, ¡aunque esos acordes con cejilla eran un suplicio! No pasó mucho tiempo antes de que quisiera tener una guitarra eléctrica, porque eso era lo que todos esos chicos tocaban en los discos. Así que, como no podía permitirme una de verdad, me hice la mía con algunas piezas sueltas: Watkins Rapiers y cosas así”. 

Después de ahorrar más, Ken compró un amplificador Marshall y estaba listo para empezar. Todavía quería tener una guitarra eléctrica de verdad y un par de años después pudo comprar una Gibson SG. “Siempre quise una Flying V, pero tuve que esperar un tiempo antes de poder conseguir una”, recuerda. 

Su pasión por la música finalmente lo llevó a ser expulsado de casa a la temprana edad de 15 años. Abandonó la escuela al mismo tiempo y concentró todas sus energías en tocar la guitarra rock. Pronto formó una banda con su amigo de la secundaria, Ian Hill, y juntos continuaron ensayando intensamente, componiendo canciones y perfeccionando su actuación. La primera formación incluía a Al Atkins en la voz, Ken en la guitarra, Ian en el bajo y John Ellis en la batería. Musicalmente, la banda provenía del blues eléctrico y las influencias de Hendrix en Ken se veían y oían claramente en el material inicial del grupo. Su primer concierto fue en St. John's Hall en Essington el 16 de marzo de 1971. Desde el principio, el grupo quiso obtener reconocimiento por sus propios méritos, por lo que, además de sus propias composiciones, solo interpretaron algunas versiones poco conocidas. 

KK: “Éramos aventureros y tratábamos de alejarnos de las estructuras básicas de doce compases, porque nos gustaba más el rock progresivo. La mayoría de las otras bandas de la zona se aferraban a lo mismo. En todo caso, nos parecíamos más a Cream o Black Sabbath”. 

La vida de gira era dura y los ingresos no eran precisamente buenos, por lo que Al Atkins dejó la banda en 1973, llevándose consigo al segundo baterista, Chris “Congo” Campbell. Para un nuevo vocalista, la novia de Ian Hill, Sue Halford, sugirió a su hermano, Rob. Ken visitó a Rob una noche y lo escuchó cantar un disco de Doris Day, lo que causó una gran impresión en el joven guitarrista. En ese momento, con la posible excepción de Ian Gillan de Deep Purple, nadie en el heavy rock hacía falsetes tan agudos. Rob fue reclutado en el acto y poco después incorporó al baterista John Hinch de su anterior banda, Hiroshima, y los recién formados Judas Priest se dispusieron a pasar la mayor parte de 1973 y 1974 de gira. Tocaban prácticamente en todas partes de la región de Midlands, y poco a poco se fueron expandiendo hacia el sur del país, Londres y, finalmente, otras partes de Europa. Aunque el público era receptivo, conseguir un contrato discográfico resultó ser una tarea difícil. Finalmente, un pequeño sello subsidiario, Gull Records, le ofreció un contrato a Priest justo antes de una gira por Escandinavia. 

Al mismo tiempo, Ken también comenzó a usar un nombre artístico abreviado: KK. 

Las iniciales nacieron durante la gira europea de Priest cuando una chica en Dinamarca no pudo pronunciar el nombre de Downing y simplemente lo llamó KK. El nombre se quedó. Antes de que comenzaran las sesiones de grabación, Gull insistió en que la banda añadiera un segundo guitarrista para mejorar el sonido. Glenn Tipton se unió procedente de The Flying Hat Band y así se completó el núcleo de Judas Priest. A mediados de los 70 era algo inusual tener dos guitarristas principales, por lo que incluso en sus inicios Priest exploraba nuevos territorios. 

El álbum debut de Judas Priest, sin embargo, dejó entrever poco del futuro ataque de guitarras de Downing y Tipton. "Rocka Rolla" era una mezcla de sus influencias de los setenta y aún no reflejaba su deseo de evolucionar hacia un sonido hard rock más melódico. Tampoco tuvo mucho éxito en las listas, pero la banda, a pesar de ello, siguió adelante con sus giras constantes. 

Sin embargo, con su segundo y último álbum para Gull, “Sad Wings Of Destiny”, Judas Priest demostró ser una fuerza a tener en cuenta. Hoy universalmente aceptado como uno de los álbumes pioneros del heavy metal, “Sad Wings” incluyó una primera muestra de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico en forma de “The Ripper” y “Tyrant”. También contenía el que probablemente sea el clásico más querido de la banda, “Victim Of Changes”, una canción originalmente conocida como “Whiskey Woman” y que la banda ya tocaba mucho a principios de los setenta. Después de unirse, Rob y Glenn habían añadido sus propias contribuciones. KK hizo uno de sus solos más famosos en medio de la canción, el estilo de palanca de vibrato se convertiría más tarde en su sello distintivo. 

Si bien artísticamente “Sad Wings Of Destiny” fue un triunfo, financieramente Priest estaba en una mala racha. La compañía discográfica no pudo promocionar a la banda como necesitaba en ese momento. También se estaban produciendo cambios en la formación, ya que el baterista Hinch se había marchado para entonces. En los años setenta, la banda tuvo cinco bateristas diferentes antes de decantarse por Dave Holland, antiguo miembro de Trapeze. 

KK admitió: “Sabía que no sería feliz hasta que Priest lo lograra. Desde el principio, mi objetivo era alcanzar el éxito con la banda, sin importar lo difícil que fuera. Creo que todos sentíamos lo mismo porque no era algo a lo que pudiéramos renunciar de repente”. 

Una nueva dirección y un nuevo contrato discográfico mundial con CBS Records finalmente llegaron y salvaron la situación. "Sin After Sin" se grabó a principios de 1977 y, además, le dio un toque especial al sonido de Priest con la potente canción de apertura "Sinner", que contenía otro solo de guitarra fulminante de KK Downing, la igualmente arrolladora "Starbreaker" y una de las canciones de metal más pesadas de la época, "Dissident Aggressor", que se mantuvo hasta el final. La banda también grabó una de sus primeras versiones, "Diamonds And Rust" de Joan Baez. Al igual que otras versiones que Priest grabó en los años siguientes, muchos las consideran hoy en día temas originales de Judas Priest. El sello que dejaron en canciones como "Diamonds And Rust" fue sin duda fuerte, ya que la grabación de Baez estaba muy alejada de cualquier cosa que se pareciera al heavy metal. Sin embargo, eso es exactamente lo que era la versión de Priest. 

Durante 1977, Judas Priest conquistó nuevos territorios con su gira debut por Estados Unidos, que culminó con dos conciertos al aire libre en Oakland como teloneros de Led Zeppelin. En cuanto a los álbumes, "Stained Class" se lanzó a principios de 1978 y "Killing Machine" (titulado "Hell Bent For Leather" en Estados Unidos) más tarde ese mismo año, año en el que la banda también visitó Japón por primera vez. Los fans japoneses recibieron a Judas Priest con entusiasmo e inspirados por ello, lanzaron al año siguiente el álbum en directo "Unleashed In The East", grabado durante su segunda gira por el Lejano Oriente. Este lanzamiento en directo ha alcanzado desde entonces la categoría de clásico y sigue siendo uno de los documentos esenciales del heavy metal en directo. En el escenario, KK y Glenn habían perfeccionado su estilo de guitarra y Judas Priest ya se había consolidado con su clásico look de cuero y tachuelas. Visualmente, esto añadió una nueva dimensión, especialmente gracias a Rob Halford, quien más tarde recibiría el título de "Dios del Metal". 

Al comenzar la nueva década, Judas Priest estaba a punto de dar el gran salto. Estados Unidos les había brindado una cálida bienvenida y el hecho de haber teloneado a bandas de gran éxito como Kiss les había granjeado un público nuevo. Sin embargo, en su tierra natal, el Reino Unido, se gestaba un nuevo movimiento. Como respuesta al punk, la "Nueva Ola del Heavy Metal Británico" (abreviada como NWOBHM) lo tenía todo: guitarras afiladas como navajas, melodías pegadizas, el sonido característico de los "kerrang", voces potentes, ritmos contundentes, etc. "El punk se descontroló por completo aquí", recuerda KK. "En aquel entonces, UFO y Judas Priest eran las únicas bandas de metal que seguían de gira; las demás decidieron no hacerlo o se fueron a otro sitio. Nosotros solo intentábamos sobrevivir". 

Para liderar la ola de la NWOBHM, Judas Priest lanzó "British Steel" en 1980 y alcanzó rápidamente el número 4 en su país natal. Muchos aún lo consideran el momento cumbre de Priest, y sin duda tenían razón. Himnos magníficos como "Breaking The Law", "Metal Gods", "Grinder" y "United" siguen presentes en sus conciertos. Con "Living After Midnight" lograron su primer éxito potencial, alcanzando el puesto número 12 en las listas del Reino Unido. "Breaking The Law" y "United" también se convirtieron en sencillos exitosos posteriormente. 

En agosto de 1980, Judas Priest actuó en la primera edición del festival Monsters Of Rock en Donington Park y, desde allí, se dirigió directamente a Ibiza para comenzar a trabajar en el sucesor de "British Steel". 

1981-1989 

“Point Of Entry” apareció en primavera y, aunque no fue tan potente al instante como “British Steel”, incluyó varios temas para hacer headbanging, como el rockero tema de apertura “Heading Out To The Highway” y el excelente “Desert Plains”. En la gira por Estados Unidos, la banda tocó en salas más grandes que nunca, lo que indicaba claramente que algo estaba sucediendo. Esto se hizo realidad cuando el grupo lanzó su siguiente álbum, “Screaming For Vengeance”. 

Liderado por el devastador ataque de dos por dos de “The Hellion/Electric Eye” y “Riding On The Wind”, el LP estaba hecho para ser escuchado a todo volumen. Desde la emotiva “Fever” hasta la arrolladora canción que da título al álbum y el pegadizo sencillo “You've Got Another Thing Comin'”, el álbum fue el sueño de cualquier fan del metal. Pesado y melódico a la vez, las guitarras dominaban el campo con KK y Glenn en plena forma. 

“Screaming For Vengeance” catapultó a la banda al éxito en Estados Unidos, alcanzando ventas que llegaron al doble platino. El videoclip de “You've Got Another Thing Comin'” se emitía constantemente en el nuevo canal de música MTV. La gira “World Vengeance” continuó su ascenso meteórico y, para el año siguiente, habían conquistado todos los rincones de Estados Unidos. 

“Todos los días recibíamos informes de ventas de la discográfica y nos sorprendía lo que estaba sucediendo”, afirma KK. “El álbum alcanzó el disco de oro hacia el final de la primera etapa de la gira. Creo que el disco despegó porque parecía tener todos los ingredientes adecuados y la gente estaba totalmente preparada para él”. 

Al regresar a casa, Priest se dedicó de inmediato a la producción de su siguiente disco, "Defenders Of The Faith", que, si cabe, resultó aún más metalero que su predecesor. Tras la gira, volvieron a Europa antes de tomarse su primer descanso prolongado después de diez años de arduo trabajo. Este descanso solo se interrumpió para ofrecer un breve concierto en el festival Live Aid en el verano de 1985. 

En 1986, con "Turbo", Judas Priest presentó un nuevo sonido moderno, realzado por sintetizadores de guitarra y producción digital. La acogida fue dispar, pero muchos pasaron por alto que contenía algunos de los mejores temas de la banda. 

KK recuerda la época de “Turbo”: “Fue por entonces cuando Glenn y yo estábamos experimentando con todo tipo de sintetizadores de guitarra. Nos impresionaron tanto que decidimos usarlos y dejar que influyeran en el sonido y la estructura del nuevo álbum. Sabíamos que causaría controversia, pero hay que ampliar horizontes y adaptarse a los tiempos. Queríamos darle una nueva dimensión al heavy metal”. 

A partir del verano de 1986, la gira "Fuel For Life" los llevó por todo el mundo y resultó ser otro éxito. Se grabaron algunos conciertos en directo para un álbum doble, "Priest…Live", que incluía exclusivamente temas de la época posterior a "Unleashed". El vídeo del concierto, del mismo nombre, se lanzó simultáneamente y fue magníficamente dirigido por Wayne Isham, y sigue siendo uno de los mejores vídeos de metal jamás publicados. 

“Turbo” fue concebido originalmente como un álbum doble, y algunos de los temas reaparecieron en el lanzamiento de 1988, “Ram It Down”. Este disco fue un intento de volver a las raíces más pesadas del grupo, manteniendo intacto el toque melódico de Priest en canciones como “Blood Red Skies” y la impresionante versión del clásico de Chuck Berry, “Johnny B. Goode”. 

Para los conciertos en vivo, tanto la favorita de KK, "Sinner", como la muy solicitada "Beyond The Realms Of Death" volvieron al repertorio. La gira "Mercenaries Of Metal" fue un éxito, y el grupo regresó a su tierra natal para ofrecer una serie de conciertos en Gran Bretaña, los primeros en cuatro años. Sin embargo, tras este viaje hubo cambios en la formación, ya que Dave Holland se marchó por motivos familiares y Scott Travis, de la banda estadounidense Racer X, ocupó su lugar. Además, la banda se vio obligada a comparecer ante el tribunal de Reno para defenderse de las acusaciones de mensajes ocultos en una antigua grabación. Tras el fallo judicial a su favor, Priest se preparó para entrar en los 90 con fuerza. 

1990-2000 

El juicio y la llegada del baterista Scott Travis inspiraron a Judas Priest a regresar con fuerza con su álbum más pesado y rápido hasta la fecha. "Painkiller" estaba repleto de solos de guitarra vertiginosos, con Downing y Tipton deslumbrando con magníficos ataques simultáneos. ¡Y encima, Rob Halford gritaba como si fuera a arrancarte la cabeza! "Painkiller" y "Metal Meltdown" tenían solos de guitarra rápidos y furiosos, sin perder de vista las melodías y armonías características de Priest. 

“Ese álbum fue diferente para nosotros. Era feroz y muy contundente. Pero el heavy metal estaba pasando por un momento difícil. Y en aquel entonces éramos la máxima expresión del heavy metal.” 

Tras el lanzamiento de «Painkiller», Judas Priest emprendió una exitosa gira mundial que los llevó a recorrer prácticamente todos los rincones del planeta. En 1991, el álbum recibió una nominación al Grammy y, durante el verano de ese mismo año, la banda viajó por Estados Unidos como parte del festival Operation Rock'n'Roll, junto a Motörhead y Alice Cooper, entre otros. Su último concierto tuvo lugar en Toronto en agosto de 1991; este sería el último show de Judas Priest durante más de seis años y la última actuación con el vocalista Rob Halford durante casi trece años. 

Tras finalizar la gira, la banda decidió tomarse un año sabático. Después de veinte años de intensa actividad, era hora de un descanso. Halford se dedicó a trabajar en un álbum en solitario, lo que finalmente lo llevó a abandonar Priesthood en 1993. Ese mismo año se publicó el álbum doble recopilatorio "Metal Works '73 – '93", que celebraba los logros de una larga trayectoria. 

Desde 1994 hasta 1997, el grupo se dedicó a trabajar en material nuevo y a revisar montones de demos de todo el mundo, con muchos vocalistas aspirantes intentando conseguir una oportunidad frente al micrófono. Glenn Tipton, compañero de banda de Downing, grabó dos álbumes en solitario durante este tiempo, mientras que KK se concentró en componer material para el siguiente álbum de Priest, que prometía ser el capítulo más pesado y brutal en la historia de la banda. Priest también firmó un nuevo contrato con SPV Records (con Atlantic como distribuidora internacional) y estaba listo para empezar. 

El cantante estadounidense Tim Owens pronto se unió a la banda, rebautizada rápidamente como Ripper tras su brillante audición con la misma canción, y Priest se preparó para regresar al centro de atención del metal. Finalmente lanzado en 1997, "Jugulator" fue directo al grano. Algunos fans se sorprendieron por el cambio de rumbo. Sin embargo, Priest volvía a arriesgarse y a explorar nuevos territorios musicales. KK y Glenn habían desafinado sus guitarras para el álbum y la gira posterior, por lo que incluso los viejos clásicos sonaban más pesados y brutales que nunca. 

KK: “El metal había estado evolucionando, y queríamos evolucionar con él. Habían pasado siete años desde «Painkiller» y queríamos mostrar en qué punto nos encontrábamos. Además, de hecho, habíamos desafinado nuestras guitarras desde los tiempos de «Sin After Sin».” 

Con Ripper ya consolidado como el nuevo líder de Priest, era el momento perfecto para un nuevo álbum en directo de la banda. Así nació "Live Meltdown '98", grabado alrededor del mundo, que incluía temas de todas las épocas de Priest y mostraba el innegable talento vocal de Owens. "Meltdown" fue quizás un disco más directo y contundente debido a los recintos más pequeños y las guitarras desafinadas. Sin embargo, la potencia arrolladora de temas como "Grinder", "Painkiller" y "Jugulator" —por nombrar solo algunos— estaba presente y fuerte. Tras una breve gira por Estados Unidos en otoño, Priest se tomó un descanso para recargar energías antes de regresar con un álbum para el nuevo milenio. 

2001 – presente 

El segundo álbum de la banda con SPV y Owens como vocalistas, "Demolition", se publicó en el verano de 2001. Además, llevó a la banda a experimentar con sonidos de metal moderno, algo que ya habían experimentado en "Jugulator". Sin embargo, el álbum aún presentaba algunas canciones con claras influencias del pasado de la banda, siendo dos potentes temas, "Bloodsuckers" y "One On One", buenos ejemplos de ello. 

La extensa gira mundial "Demolition World Tour" llevó a la banda por todo el mundo hasta mediados de 2002. Un concierto especial en la Brixton Academy de Londres en diciembre de 2001 fue grabado para el primer DVD de conciertos completos de Priest, "Live In London", lanzado al año siguiente. 

En 2003, mientras la banda se tomaba un descanso de las giras y las grabaciones, se programaron algunos eventos especiales. Se lanzó otro DVD, "Electric Eye", que recopilaba todos los videos promocionales oficiales de la banda de la era Halford en un solo disco. También se planeó una enorme caja recopilatoria, "Metalogy", para 2004. Fue en esta ocasión cuando Rob Halford volvió a formar parte de Judas Priest. Aunque los miembros de la banda ya habían hecho las paces con Halford, esta fue la primera vez que todos estuvieron juntos para tener una conversación seria. Inicialmente, todo giró en torno a "Metalogy" y otras reediciones de Priest, pero finalmente se tomó la decisión de reagruparse. La reunión de Priest se anunció oficialmente en el verano de 2003. 

Desde el principio, la banda dejó claro que no se reunían simplemente para una gira nostálgica, sino que estaban totalmente comprometidos a seguir adelante con un nuevo álbum de estudio. Se finalizó un nuevo contrato con Sony y, para tantear el terreno, Priest se unió al festival anual Ozzfest en el verano de 2004 para una serie de fechas en Estados Unidos. Antes de esto, la banda había ofrecido sus primeros conciertos en casi 13 años con Rob Halford como vocalista principal, en forma de algunos conciertos al aire libre y en recintos cerrados en Europa. 

Priest recibió una cálida bienvenida por parte de sus fans a ambos lados del Atlántico, y en la primavera de 2005 marcó su regreso triunfal con "Angel Of Retribution". Tanto KK como Glenn demostraron su talento con solos de guitarra de gran calidad en temas emblemáticos del metal como "Deal With The Devil", "Judas Rising" y "Hellrider". El álbum también mostró la versatilidad de Priest en canciones como la hermosa "Angel", la melódica "Worth Fighting For" y los sonidos doom del épico tema que cierra el álbum, "Lochness". 

Tras el lanzamiento de «Angel Of Retribution», Judas Priest emprendió otra gira mundial que batió récords, entre cuyos momentos más destacados se encontraban varias presentaciones con entradas agotadas en el legendario Budokan Hall de Tokio. De estos conciertos se extrajo el DVD «Rising In The East», publicado a finales de 2005 tras la conclusión de la gira. En 2008, Judas Priest lanzó el ambicioso álbum conceptual «Nostradamus», que abordaba la vida y los crímenes del profeta de la Edad Media. El álbum contenía una asombrosa variedad de temas, con influencias de toda la trayectoria de la banda, especialmente de obras maestras de los años 70 como «Sad Wings Of Destiny» y «Sin After Sin». 

Después de una exitosa gira para promocionar el álbum y otra para celebrar el 30 aniversario de “British Steel”, KK anunció su retiro de la banda. 40 años después del primer concierto de Judas Priest, KK reflexionó sobre su larga carrera: “Siento que Priest ha jugado su papel en la historia de la música y me siento muy orgulloso de haber logrado lo que hemos logrado. Así que hay una buena sensación positiva dentro de mí y, por supuesto, me siento muy en deuda con los fans de todo el mundo. He tenido la suerte de haber tenido una gran vida y de haber cumplido muchos objetivos, uno de los más significativos siendo las amistades que he hecho con mis fans”. 

Durante su carrera como guitarrista profesional de metal, KK ha concentrado sus energías exclusivamente en Judas Priest, por lo que aún no han aparecido discos en solitario de Downing. Sin embargo, en 2006 KK coprodujo y participó como invitado en el álbum “Storm Warning” de Violent Storm tocando solos en 2 de las 10 canciones del álbum. Más recientemente, también produjo el álbum debut de la banda Hostile, originaria de Midlands, y colaboró con ellos como coautor. En 2014, lanzó su propia línea de fragancias Metal For Men. 

KK: “Siempre pensé: ‘Si hiciera un álbum en solitario, ¿no sonaría igual que Judas Priest?’. Y si fuera así, ¿no estaría desperdiciando mucho buen material? Sin embargo, creo que me encantaría producir más álbumes porque creo que hay buenas bandas por ahí”. 

KK Downing dejó Judas Priest en 2011. 

KK en sus propias palabras: 

Sobre el secreto de la composición de canciones de Priest: 

“Creo que siempre nos hemos enorgullecido, ante todo, de nuestras canciones. Siempre hemos intentado crear música que perdure en el tiempo. Si escuchas los discos más exitosos de Judas Priest, ya sea «Living After Midnight» o «You've Got Another Thing Comin'», los solos de guitarra son muy sencillos. Incluso ahora, no creo que Glenn y yo tengamos nada que demostrar como guitarristas. Si pensáramos que una canción puede valerse por sí misma sin ningún solo de guitarra, no nos molestaríamos en añadirle nada.” 

Sobre los homenajes y los fans: 

“Hace muchos años, cuando era un mocoso que empezaba a tocar la guitarra, lo máximo a lo que podía aspirar era a salir de mi ciudad. Jamás imaginé que otras bandas dirían que nuestra música las inspiraba. Es un gran logro poder influir en otras personas. Me considero afortunado.” 

Sobre el heavy metal y el papel de Judas Priest en el género: 

“Nos enorgullece formar parte del género heavy metal, conocido en todo el mundo. Es un género musical que ha llegado para quedarse, porque ya sea blues, jazz, funk, música clásica, pop, o cualquier otro, el heavy metal forma parte de él. Ninguno de esos géneros desaparecerá ni se extinguirá, y el heavy metal tampoco. Estoy seguro de ello. Es algo indiscutible.” 

Sobre el futuro y las metas musicales: 

“Antes de morir, me gustaría ver a la banda donde se merece. Creo firmemente que la gente lleva su música consigo toda la vida. Es decir, si eras fan de Judas Priest en tu adolescencia y recuerdas tu primer encuentro sexual, tu primer cigarrillo, tu primera pinta de cerveza, tu primer coche y todas tus primeras experiencias; si Priest formó parte de eso, entonces lo más probable es que cuando tengas 100 años y estés sentado en una mecedora, sigas escuchando a Judas Priest. Yo, sin duda, seguiré escuchando heavy metal cuando sea un viejo cascarrabias. ¡Y meceré esa mecedora mucho más rápido y con más fuerza que los demás!” 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con One More Shot At Glory.  

NAGRELA editores presenta: Los Libros del Rabino Jonathan Sacks.

 

Eugenia Wasowska - Hermana Alfonsja. Religiosa. Justa entre las Naciones.

Eugenia Wasowska - Hermana Alfonsja. No hay registro de los datos exactos de la fecha y el lugar de su nacimiento y fallecimiento.  

El sitio www.jfr.org publicó este recordatorio. 

Hermana Alfonsja (Eugenia Wasowska) 

Polonia 

Przemysl, Polonia… 1939 – Un año antes de que Alemania iniciara la Segunda Guerra Mundial, la hermana Alfonsja se convirtió en directora de un orfanato en Przemysl. Tenía diecinueve años. Nacida como Eugenia Wasowska, se hizo monja a raíz de una promesa que su padre le había hecho cuando tenía trece años. La joven fue atropellada por un carruaje y resultó gravemente herida. Su padre le prometió a Dios que, si su hija sobrevivía, ingresaría en un convento. Eugenia se recuperó y, tras terminar la secundaria, se hizo monja. Adoptó el nombre de hermana Alfonsja. Debido a su amor por los niños, fue asignada a un orfanato católico en Przemysl. 

Poco después del inicio de la guerra, la hermana Alfonsja comenzó a acoger a niños judíos. "María" fue una de las primeras. Un día, María apareció en la puerta del orfanato. Cuando la hermana Alfonsja abrió la puerta, María susurró entre lágrimas: "Me llamo María. Soy católica. Por favor, cuide de mí". La hermana Alfonsja se percató de que una joven pareja observaba a la niña desde el linde del bosque cerca del orfanato. Inmediatamente la dejó entrar. "María" era en realidad Hedy Rosen, y la pareja que estaba al borde del bosque eran sus padres. Fingiendo ser polaca, la madre de Hedy trabajaba como lavandera en un pueblo cercano. Iba al orfanato en plena noche y dejaba comida para los niños junto a la puerta. 

A pesar del peligro y la lucha diaria por mantener a los niños del orfanato, la hermana Alfonsja acogió a trece niños judíos. Nunca había suficiente comida ni medicinas, y a menudo tenía que mendigar raciones. El orfanato no tenía calefacción y el agua tenía que ser acarreada de un pozo. Los desechos humanos se recogían en cubos, que luego había que vaciar. Además de dar cobijo a los niños, el orfanato se encargaba de su educación. Dado que la hermana Alfonsja se había comprometido a acoger únicamente a niños católicos, tuvo que mantener en secreto la verdadera identidad de los niños judíos ante los sacerdotes que dirigían la iglesia local. Los trató como si fueran católicos. Asistían a misa con los demás y se les enseñó que, si un alemán les preguntaba qué querían ser de mayores, debían responder monja o sacerdote. 

En la primavera de 1944, cuando los alemanes se retiraban del este de Polonia, la hermana Alfonsja llevó a los trece niños judíos a la comunidad judía de Przemysl, de la que solo sobrevivieron 300 personas. En 1950 dejó el convento y recuperó su nombre original, Eugenia Wasowska. Emigró a Australia en 1960. En 1980, viajó a Israel y se reunió con ocho de los trece niños que había salvado. 

Eugenia Wasowska falleció en Australia en 2010.

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Fue honrada oficialmente el 26 de octubre de 1980 como Justa entre las Naciones. 

Natalie Anne Merchant

Crédito: Shervin Lainez 

Natalie Anne Merchant nació en Jamestown, Nueva York, Estados Unidos, el 26 de octubre de 1963. Cantante y compositora. Toca piano y teclados. 

El sitio www.nataliemerchant.com publicó su biografía.  

A lo largo de una carrera de cuatro décadas, Natalie Merchant se ha ganado un lugar entre los artistas más respetados de Estados Unidos, forjando una reputación de compositora reflexiva a través de diez álbumes en solitario y seis como vocalista principal de 10,000 Maniacs, publicados por Elektra y Nonesuch Records. Su undécimo álbum, Cabinet of Wonder, una colección para niños, será lanzado por Nonesuch Records el 21 de agosto de 2026. Merchant ha realizado extensas giras a lo largo de su carrera y ha colaborado en el escenario y en el estudio con una amplia gama de artistas, entre ellos Billy Bragg, Philip Glass, David Byrne, The Chieftains, REM, Wilco, Medeski Martin & Wood, Tracy Chapman, Mavis Staples y Ladysmith Black Mambazo.  

Más allá de su trabajo como artista discográfica, Merchant ha apoyado durante mucho tiempo a organizaciones sin fines de lucro dedicadas a la conservación del medio ambiente, la justicia social, la defensa de los derechos de la infancia y las artes, como Scenic Hudson, The Fresh Air Fund, Médicos Sin Fronteras, Tibet House y Planned Parenthood. Fue miembro del Consejo Estatal de las Artes de Nueva York durante cinco años y, en 2022, el senador Chuck Schumer la nombró miembro del Consejo de Administración del Centro Americano de Folclore de la Biblioteca del Congreso por un período de seis años. Su compromiso con la educación artística la llevó a ser artista residente en un programa preescolar Head Start en el norte del estado de Nueva York, donde desarrolló el Proyecto Madre Ganso, sentando las bases de Cabinet of Wonder.  

Cabinet of Wonder es un álbum que incluye música y videos fruto de su colaboración multimedia con la Orquesta Sinfónica de Chicago y el Teatro Infantil de Chicago. Diseñado como un programa educativo gratuito que introduce la música, la poesía y las artes dramáticas a niños de 2 a 6 años, Cabinet of Wonder reinventa a Mamá Ganso y sus rimas mediante interpretaciones modernas del repertorio clásico infantil. Los arreglos abarcan música clásica, folk, jazz, funk, blues y mucho más, abriendo un universo de imaginación tanto en el aula como en casa, reflejando la dedicación de Merchant a la narración, la educación artística y la colaboración creativa. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Carnival.  

Shalom – Teshuvá y segundas oportunidades

Shalom – Teshuvá y segundas oportunidades  

Shalom conversa con Jordan Spencer Jacobs sobre la Teshuvá, concepto judío de arrepentimiento y retorno. Una reflexión sobre el error, la responsabilidad, el perdón y las segundas oportunidades, y sobre cómo transformar el pasado para construir un futuro desde la conciencia y responsabilidad ética. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/teshuva-segundas-oportunidades/17282319/ 

Barbara Cook

Barbara Nell, más conocida como Barbara Cook, nació en Atlanta, Georgia, Estados Unidos, el 25 de octubre de 1927, y murió en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, el 8 de agosto de 2017. Actriz y cantante. 

El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por William Ruhlmann. 

Cantante de soprano cálida y ligera, Barbara Cook se convirtió en una exitosa intérprete de musicales de Broadway en las décadas de 1950 y 1960. En la década de 1970, se dedicó principalmente al cabaret, donde cosechó igual éxito. Nacida como Barbara Nell en Atlanta, Georgia, el 25 de octubre de 1927, mostró un interés temprano por el canto y participó en espectáculos infantiles desde niña. A los 14 años, ganó el premio de diez dólares en un concurso de aficionados en el Teatro Roxy de Atlanta, interpretando "My Devotion". En febrero de 1948, acompañada por su madre, se mudó a Nueva York para dedicarse al teatro musical. El compositor Vernon Duke, tras escucharla cantar en una audición, le recomendó actuar en Camp Tamiment, un centro vacacional de verano en los Poconos, y en el verano de 1950 fue descubierta allí por Max Gordon, quien junto a su socio Herbert Jacoby dirigía el club nocturno Blue Angel en Nueva York. Poco después, hizo su debut profesional en el Blue Angel. Como resultado, en 1951 obtuvo un papel destacado en Flahooley, un musical de Broadway con canciones escritas por Sammy Fain y EY Harburg. Se estrenó el 14 de mayo de 1951 y cerró tras solo 40 funciones el 17 de junio. Sin embargo, se grabó para un álbum del elenco original de Broadway de Capitol Records, lo que supuso el debut discográfico de Cook. 

Tras el cierre de Flahooley, Cook consiguió un segundo contrato en el Blue Angel. El 9 de marzo de 1952, se casó con el actor David LeGrant. (Se divorciaron en 1965). Regresó a Broadway en una reposición de Oklahoma!, una temporada limitada en el City Center, interpretando el papel principal de Ado Annie. Se estrenó el 31 de agosto de 1953 y se representó durante 40 funciones hasta el 3 de octubre, para luego iniciar una gira nacional. Cook regresó a Nueva York para otra reposición en el City Center, esta vez de Carousel, en la que interpretó el papel principal de Carrie Pipperidge. Se estrenó el 2 de junio de 1954 y se representó durante 79 funciones, finalizando el 8 de agosto. Simultáneamente, Cook actuaba en la serie de televisión vespertina Golden Windows de la NBC, que se estrenó el 5 de julio de 1954 y se emitió hasta el 8 de abril de 1955. También en 1954, apareció en una producción televisiva de Babes in Toyland. 

Toda esta exposición llevó a Cook a obtener el papel principal en su segundo musical de Broadway, Plain and Fancy. Se estrenó el 27 de enero de 1955 y se convirtió en un éxito, con 461 funciones antes de su cierre el 3 de marzo de 1956. Nuevamente, apareció en el álbum del elenco original de Broadway lanzado por Capitol Records. Luego, apareció en una producción televisiva del musical Bloomer Girl. Su trabajo más prestigioso hasta el momento llegó más tarde en 1956 cuando fue elegida para interpretar a Cunegunda en la adaptación musical de Leonard Bernstein de Cándido de Voltaire, que requería que cantara la exigente canción de soprano de coloratura "Glitter and Be Gay". El espectáculo se estrenó el 1 de diciembre de 1956 y solo tuvo 73 funciones, cerrando el 2 de febrero de 1957. Pero Columbia Records grabó un álbum del elenco que mantuvo viva la música y ayudó a que se reestrenaran años después. 

A pesar de su fracaso inicial, la reputación de Cook no hizo más que crecer gracias a su participación en el espectáculo. Formó parte de una producción televisiva de "Yeoman of the Guard" de Gilbert y Sullivan, y posteriormente apareció en escena en otra reposición de "Carousel" en el City Center, esta vez interpretando el papel principal de Julie Jordan. Se estrenó el 11 de septiembre de 1957 y se representó durante 24 funciones, hasta su clausura el 29 de septiembre. Cook no tardó en embarcarse en su cuarto musical de Broadway, el más exitoso de todos, interpretando a Marian, la bibliotecaria, en "The Music Man" de Meredith Willson. Uno de los musicales de mayor duración de su época, el espectáculo se estrenó el 19 de diciembre de 1957 y ofreció 1375 funciones, finalizando el 15 de abril de 1961. (Cook participó en él hasta la primavera de 1959, cuando se retiró para dar a luz a su hijo, Adam LeGant, quien se convirtió en actor de reparto y cantante). Cantó "Goodnight, My Someone", "My White Knight" y "Till There Was You" en el escenario y en el álbum del elenco de Capitol Records, que encabezó las listas de éxitos durante 12 semanas y vendió un millón de copias. También ganó el premio Tony a la mejor actriz de reparto en un musical. (Sin embargo, fue descartada para la versión cinematográfica en favor de la ya consagrada estrella de cine Shirley Jones, y nunca desarrolló una carrera en el cine). 

El estrellato teatral que Cook alcanzó con The Music Man la llevó a otras oportunidades. El 27 de abril de 1958, apareció en una adaptación musical televisiva de Hansel y Gretel con canciones de Alec Wilder en NBC. MGM Records lanzó un álbum de la banda sonora. El sello independiente Urania Records la contrató y lanzó dos álbumes en solitario, Songs of Perfect Propriety (1958), que consistía en poemas de Dorothy Parker musicalizados, y Barbara Cook Sings "From the Heart" (1959), una colección de canciones de Rodgers & Hart. Regresó a los escenarios en una reposición de The King & I en el City Center, interpretando el papel principal de Anna Leonowens. Se presentó 15 funciones, entre el 11 y el 29 de mayo de 1960. Su quinta aparición en un nuevo musical de Broadway fue con The Gay Life, cuyas canciones fueron escritas por Arthur Schwartz y Howard Dietz. Se estrenó el 18 de noviembre de 1961 y cerró sus puertas tras 113 representaciones el 24 de febrero de 1962. Capitol Records grabó el álbum del reparto, que entró en el Top 100. 

En 1962, Cook grabó un álbum de estudio con el elenco de Show Boat para Columbia Records, cantando el papel principal de Magnolia. Tuvo su sexta aparición en un nuevo musical con She Loves Me; con canciones de Jerry Bock y Sheldon Harnick, She Loves Me se estrenó el 23 de abril de 1963 y tuvo 301 funciones, cerrando el 11 de enero de 1964. MGM Records lanzó la grabación del elenco en doble LP, que llegó al Top 20. En 1964, grabó otro álbum de estudio con el elenco para Columbia Records, esta vez regresando a la música de El rey y yo. Su séptimo nuevo musical de Broadway, Something More!, que tenía canciones con música de Sammy Fain y letras de Marilyn y Alan Bergman, tuvo una temporada de solo 15 funciones entre el 10 y el 21 de noviembre de 1964, y nunca fue grabado. Cook se diversificó hacia la actuación teatral no musical en 1965, reemplazando a Sandy Denny en la obra Any Wednesday en Broadway. También lanzó un sencillo titulado "Any Wednesday" con Summit Records. En el verano de 1966, protagonizó una reposición en Broadway de Show Boat, producida por el Music Theatre of Lincoln Center. La obra tuvo una temporada limitada de 64 funciones en Nueva York entre el 19 de julio y el 10 de septiembre de 1966, y luego salió de gira; RCA Victor Records grabó un álbum con el elenco. 

Cook regresó a Broadway en una obra de teatro seria, Little Murders de Jules Feiffer, que se estrenó el 25 de abril de 1967 y solo estuvo en cartelera una semana (aunque una producción posterior fuera de Broadway en la que no participó tuvo mucho más éxito). No volvió a Broadway hasta cuatro años después, tiempo durante el cual apareció en reposiciones regionales de musicales como Funny Girl. Cuando creó su octavo papel en un nuevo musical de Broadway, fue en The Grass Harp, que se estrenó el 2 de noviembre de 1971 y cerró después de solo siete funciones el 6 de noviembre. (El pequeño sello Painted Smiles grabó el álbum del elenco). Cook actuó en otra obra de teatro seria, Gorky's Enemies, en 1972. En 1973, realizó una gira en una revista musical llamada The Gershwin Years, que consistía enteramente en canciones escritas por George Gershwin, que no requería que interpretara a ningún personaje más que a sí misma. 

A mediados de sus cuarenta, con la escasez de ofertas para musicales de Broadway, reevaluó su carrera y decidió regresar a los clubes nocturnos y a los conciertos. Aceptó una oferta del pequeño club nocturno Brothers and Sisters, ubicado en el distrito teatral de Nueva York, en el verano de 1974, y se presentó con el pianista Wally Harper como único acompañamiento. (Harper permaneció con ella durante los siguientes 30 años). Este compromiso la llevó a asociarse con el empresario de conciertos Herbert H. Breslin y, el 26 de enero de 1975, debutó en concierto en el Carnegie Hall, seguido de presentaciones igualmente prestigiosas en el Hollywood Bowl y el Kennedy Center, así como en importantes clubes nocturnos de todo el país. De esta manera, se embarcó en una nueva y exitosa etapa de su carrera. 

El espectáculo del Carnegie Hall fue grabado por Columbia Records y lanzado en 1975 como el tercer álbum en solitario de Cook (y el primero en 16 años), Barbara Cook at Carnegie Hall. Le siguió en 1977 un LP de estudio, As of Today. En 1981, su regreso al Carnegie Hall fue celebrado en el LP It's Better with a Band, lanzado por Moss Music Group (MMG). El 6 de septiembre de 1985, tuvo un papel destacado en la grabación de un concierto del musical Follies de Stephen Sondheim en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center. El doble LP resultante de RCA Victor ganó el premio Grammy de 1986 al Mejor Álbum de Reparto de un Musical. Además de las presentaciones en concierto, a veces realizaba compromisos prolongados anunciados como espectáculos de una sola mujer. En septiembre de 1986, actuó en el West End de Londres en el espectáculo titulado Wait 'Til You See Her, y el 15 de abril de 1987 ofreció la primera de sus 13 funciones en el Ambassador Theatre de Broadway, dentro del espectáculo Barbara Cook: A Concert for the Theatre. Esta última actuación le valió un premio Drama Desk. 

También en 1987, Cook participó en una grabación de estudio de Carousel para MCA Classics, cantando nuevamente el papel principal de Julie Jordan. En 1988, hizo otra grabación de estudio de una versión musical de El jardín secreto, lanzada por Columbia. (Esta era una obra completamente diferente del musical del mismo nombre con canciones de Lucy Simon y Marsha Norman que llegó a Broadway en 1991). También en 1988, participó brevemente en lo que se pretendía que fuera su regreso a los escenarios de Broadway por primera vez en 17 años cuando se unió al elenco de una adaptación musical de la novela y película de terror Carrie montada por la Royal Shakespeare Company en Gran Bretaña. Sin embargo, se retiró de la producción. (Cuando llegó a Broadway en mayo, el espectáculo cerró después de cinco funciones). En diciembre de 1988, MCA Classics lanzó su primer LP en solitario en seis años, una colección de canciones de películas de Walt Disney llamada The Disney Album. 

A principios de los 90, Cook actuaba regularmente en clubes elegantes como el Cafe Carlyle en el Hotel Carlyle en el Upper East Side de Manhattan, donde disfrutaba de contratos recurrentes. En 1993, firmó con el sello discográfico independiente DRG, orientado al teatro, y lanzó su primer álbum en solitario en cinco años, Close as Pages in a Book, un tributo a la letrista Dorothy Fields. En 1994, su voz se escuchó en la película musical animada Thumbelina y en su álbum de banda sonora, lanzado por SBK Records, y tuvo un segundo álbum en solitario con DRG, Live from London. Oscar Winners: The Lyrics of Oscar Hammerstein II le siguió en 1997, y luego All I Ask of You en 1999. Otro lanzamiento de DRG a finales de 1999 documentó su último espectáculo en clubes nocturnos, grabado en vivo en el Cafe Carlyle: The Champion Season: A Salute to Gower Champion. En el año 2000, se inspiró en una lista recopilada por Stephen Sondheim con motivo de su 70 cumpleaños, en la que incluía canciones que le hubiera gustado escribir. Creó un espectáculo basado en él, titulado Mostly Sondheim, que presentó en el Carnegie Hall, donde fue grabado para un álbum publicado por DRG en 2001. En 2003, DRG también lanzó un vídeo de Mostly Sondheim, que documentaba la temporada del espectáculo en el Kennedy Center. También en 2003, DRG publicó el álbum navideño de Cook, Count Your Blessings. 

En la víspera de Año Nuevo de 2003, a los 76 años, debutó en la Metropolitan Opera como invitada especial en la escena de la fiesta del último acto de La viuda alegre. Tradicionalmente, la Metropolitan Opera permite a estos invitados cantar su propio repertorio en estas funciones de Nochevieja, y Cook interpretó un breve repertorio que incluía "On a Clear Day You Can See Forever"; "A Wonderful Guy" de South Pacific; un popurrí de dos de sus canciones favoritas, "He Was Too Good to Me" de Rodgers & Hart y "Losing My Mind" de Sondheim ; y, sin micrófono, "We'll Be Together Again". Cantó "espléndidamente", según el crítico Anthony Tommasini de The New York Times, quien añadió: "Que su suave voz resonara con tanta autenticidad fue un testimonio de su incomparable técnica vocal y su clara dicción". 

El siguiente espectáculo unipersonal de Cook se tituló simplemente Barbara Cook's Broadway! y se presentó en el Teatro Vivian Beaumont del Lincoln Center en la primavera de 2004; DRG lo grabó para un álbum lanzado el 25 de mayo de 2004. En el espectáculo retrospectivo, cantó canciones de The Music Man, Carousel, She Loves Me y Follies, así como canciones de espectáculos en los que no había participado. En octubre de 2004, su acompañante de toda la vida, Wally Harper, falleció. Su siguiente álbum, grabado en junio de 2005 y lanzado el 6 de septiembre de 2005, se tituló apropiadamente Tribute y estuvo dedicado a Harper. El 20 de enero de 2006, regresó a la Metropolitan Opera para dar un concierto, acompañada por los invitados Audra McDonald y Josh Groban. Fue la primera vez que la ópera acogía a una cantante solista femenina no clásica en un concierto completo. DRG grabó el espectáculo, que se publicó con el título de Barbara Cook at the Met with Special Guests el 6 de junio de 2006. 

Cook regresó al Carnegie Hall para un concierto con motivo de su 85 cumpleaños en 2012, y el crítico del New York Times, Tommasini, estuvo presente una vez más para evaluar su maestría, incluso a su avanzada edad: "Hace mucho tiempo, la Sra. Cook comprendió lo que realmente importa al cantar: transmitir las letras como si te estuviera confiando algo, moldear las frases melódicas para lograr una expresión conmovedora, infundir en su voz dolor, felicidad, descaro, amargura o lo que el momento requiera". En agosto de 2017, Barbara Cook falleció a los 89 años en su casa de Manhattan. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Losing My Mind, del musical Follies, con letra y música de Stephen Sondheim y libreto de James Goldman. 

The Big Bopper

Jiles Perry Richardson Jr., más conocido como The Big Bopper, nació en Sabine Pass, Texas, Estados Unidos, el 24 de octubre de 1930, y murió en Clear Lake, Iowa, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1959. Cantante, compositor, guitarrista y disc-jockey. 

El sitio www.tshaonline.org publicó este recordatorio firmado por Alan Lee Haworth. 

El gran Bopper: Vida, música y legado de Jiles Perry Richardson, Jr. 

Por: Alan Lee Haworth 

Jiles P. Richardson, conocido como The Big Bopper, consiguió su primer éxito con "Chantilly Lace" en 1958 y se ganó un lugar trágico en la historia del rock and roll el "día en que murió la música", cuando falleció en un accidente aéreo junto a Buddy Holly y Ritchie Valens el 3 de febrero de 1959. Cortesía de los archivos de SugarHill Studios. 

Richardson, Jiles Perry [Big Bopper] (1930-1959). Jiles Perry Richardson, Jr., conocido como The Big Bopper, disc jockey, compositor y cantante, nació el 24 de octubre de 1930 en Sabine Pass, Texas. Era hijo de Jiles Perry Richardson, Sr. y Elsie (Stalsby) Richardson. Solía usar las iniciales JP y, brevemente, el apodo de Jape, antes de adoptar el seudónimo de "The Big Bopper" tanto en la radio como en sus grabaciones. Es famoso por su éxito "Chantilly Lace", que alcanzó el número 6 en las listas de éxitos en 1958, y por haber fallecido en un accidente aéreo junto a Ritchie Valens y Buddy Holly. 

Su familia se mudó a Beaumont cuando él era muy pequeño. En la preparatoria de Beaumont, cantaba en el coro y también jugaba en el equipo de fútbol americano. Se graduó en 1947 y se matriculó en Lamar College. Siendo aún adolescente, Richardson empezó a trabajar como locutor de radio en KTRM en Beaumont, y pronto dejó la universidad para dedicarse a ello a tiempo completo. Con el tiempo, llegó a ser director de programación sin dejar de trabajar como locutor. Su carismática personalidad en antena (un marcado contraste con la timidez natural de Richardson) lo convirtió en un locutor muy popular en la zona del Triángulo Dorado. 

Richardson se vio influenciado desde joven por cantantes de country, pero pronto se adentró en el mundo del rock and roll. En 1958 viajó a los estudios Gold Star de Houston para grabar canciones para D Records, el sello de Pappy Daily. Richardson grabó su canción cómica, "Purple People Eater Meets the Witch Doctor", como la cara A de un sencillo con la esperanza de aprovechar la popularidad de otras canciones cómicas lanzadas recientemente. Para la cara B grabó "Chantilly Lace", que, según se cuenta, compuso de forma espontánea en el asiento trasero del coche mientras se dirigía a la sesión de grabación. Durante la grabación, también adoptó formalmente su apodo "The Big Bopper" como su personaje musical. 

Inesperadamente, la cara B del disco, "Chantilly Lace", rápidamente captó la atención de los programadores de radio y del público, y Daily la lanzó en su sello D y posteriormente la cedió a Mercury Records para su distribución nacional. "Chantilly Lace" se convirtió en un gran éxito y finalmente alcanzó el disco de oro y el multiplatino, siendo uno de los primeros éxitos en la historia del rock and roll. Fue, con diferencia, el disco más famoso del sello D de Daily. Las canciones de las sesiones de Gold Star conformaron el único álbum de Richardson, Chantilly Lace. 

Luego lanzó "Caperucita Roja" y "La boda de Big Bopper", que también fueron éxitos, pero no del mismo calibre que "Chantilly Lace". La canción de Richardson, "White Lightning", se convirtió en el primer número 1 para George Jones en 1959. Más tarde ese mismo año, su canción "Running Bear" se convirtió en un éxito número 1 para su compatriota texano Johnny Preston. 

Bopper escribió alrededor de treinta y ocho canciones a lo largo de su vida y grabó veintiuna de ellas. La mayoría de sus grabaciones se clasificaron como canciones novedosas que no alcanzaron popularidad duradera. Su atractivo residía principalmente en sus extravagantes actuaciones en el escenario. Vestía chaquetas a cuadros y trajes zoot, y usaba un teléfono de utilería durante "Chantilly Lace" para hablar con su novia. En 1958 también realizó un video pionero para la exitosa canción y más tarde acuñó el término "video musical" para la producción. Para mantener su imagen de showman, no usaba su anillo de bodas en público y, en general, mantuvo en secreto su matrimonio con Adrianne "Teetsie" Fryou (con quien se casó el 18 de abril de 1952) para sus fans. La pareja tuvo dos hijos. 

Con su recién adquirida fama, Richardson renunció a su puesto de disc jockey en KTRM en Beaumont para dedicarse a la música a tiempo completo a partir de noviembre de 1958. En esta faceta, apareció en los programas de pop más importantes del momento y fue contratado para la gira "Winter Dance Party" con Buddy Holly y Ritchie Valens. El 2 de febrero de 1959, Richardson, Holly y Valens dieron un concierto en el Surf Ballroom de Clear Lake, Iowa. Tenían previsto tocar en Dakota del Norte al día siguiente. Tras el concierto, Holly y Valens alquilaron un avión para descansar antes de que llegaran sus bandas. Richardson, que tenía gripe, debía viajar en autobús, pero en el último momento intercambió su lugar con Waylon Jennings, miembro de la banda de Holly. El avión se estrelló poco después del despegue, alrededor de la 1:00 de la madrugada, en el condado de Mason, Iowa, causando la muerte del piloto y de los tres músicos. A Richardson le sobrevivieron su esposa, una hija y un hijo. Fue enterrado en el cementerio de Beaumont. 

A finales de la década de 1980, la Sociedad Histórica de Port Arthur encargó al escultor Donald Clark la creación de un monumento en memoria de los músicos. La obra se exhibió inicialmente en un concierto benéfico de los Fabulous Thunderbirds el 3 de febrero de 1989, treinta años después del accidente. The Big Bopper es miembro del Salón de la Fama del Rockabilly y se le rinde homenaje en el Salón de la Fama de la Música del Museo de la Costa del Golfo en Port Arthur. En 2004, ingresó en el Salón de la Fama de la Música Country de Texas. Al año siguiente, la Comisión Histórica de Texas erigió una placa en su honor. Sus restos fueron inhumados junto a los de su esposa en el cementerio Forest Lawn de Beaumont en 2007. En 2008, ingresó en el Salón de la Fama de la Radio de Texas. Su hijo Jay tuvo una exitosa carrera musical y se presentó como The Big Bopper, Jr. Falleció el 21 de agosto de 2013. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Chantilly Lace.   

Joseph Migneret. Director de escuela. Justo entre las Naciones.

Joseph Migneret nació en Fretigney-et-Velloreille, Francia, el 24 de octubre de 1888, y murió en Beaujeu, Francia, el 18 de junio de 1949. Director de escuela. Justo entre las Naciones.  

El sitio wwv.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Joseph Migneret 

Francia 

Joseph Migneret era el director de una escuela primaria pública situada en la Rue Hospitalières St. Gervais, en el corazón del barrio de Le Marais en París. Éste, conocido como el "Pletzl" en el periodo de entreguerras, era el barrio judío en el que se habían asentado muchos inmigrantes de Europa oriental. 

Durante la masiva redada realizada contra los judíos de París el 16 y 17 de julio de 1942 muchos de los que habitaban en Le Marais fueron arrestados. Migneret, viendo como sus alumnos presentes y pasados eran sacados de sus casas, recluidos en condiciones deplorables y encerrados en campos antes de su deportación, se dedicó a salvar a tantos judíos como fuese posible. Se unió a una red de resistencia y comenzó a suministrar documentos falsos a judíos escapados y a esconder a otros. Sarah Traube, que había asistido a la escuela de Migneret, estuvo escondida durante dos años en su domicilio. Shlomo Fisher, otro alumno, fue ocultado por el director hasta que fue posible encontrarle un refugio seguro. Otros recibieron papeles falsificados que les permitieron llegar al sur de Francia. Otro alumno, Joseph Schulman, de 14 años, que había resultado gravemente herido durante un intento de huida de un tren destinado a Auschwitz y estaba internado bajo supervisión policial, recibió ayuda de Migneret, que lo visitaba y trató de obtener su libertad. 

El 28 de marzo de 1990 Yad Vashem reconoció a Joseph Migneret como Justo de las Naciones. 

Mike Harding

Mike Harding nació en Crumpsall, Mánchester, Reino Unido, el 23 de octubre de 1944. Cantante, compositor, comediante, escritor y locutor de radio. Toca guitarra acústica, armónica, banjo, mandolina, concertina, ukelele, piano, y tin whistle. 

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Steven McDonald. 

Mike Harding nació en 1944 en Lancashire, Inglaterra. Su padre, miembro de la tripulación de un bombardero de la Real Fuerza Aérea, falleció pocas semanas antes de su nacimiento, un suceso que Harding inmortalizó en "Bomber's Moon", una de sus pocas obras serias. De adulto, desempeñó diversos trabajos, hasta que finalmente se licenció en educación, manteniéndose con actuaciones en clubes de música folk. También tocó en varias bandas locales de Manchester, aunque sus únicas grabaciones durante la década de 1960 fueron un par de canciones folk para el sello Topic. Su sentido del humor se manifestaba en sus conciertos, y al principio solía contar chistes entre canciones, adoptando con el tiempo la narración de historias a medida que mejoraba su técnica. Si bien mantuvo sus vínculos con la música folk, se centró en el desarrollo de un personaje mancuniano directo y sin rodeos, que expresaba a través de una hábil mezcla de comedia desternillante, narración experta basada en su propia experiencia vital y canciones desternillantes. 

Lanzó su primer álbum, A Lancashire Lad, en 1972. Mrs 'Ardin's Kid le siguió en 1974. En 1975, el lanzamiento del sencillo "The Rochdale Cowboy" lo catapultó a una mayor atención pública y lo colocó en el mismo tipo de circuito de giras que artistas como Billy Connolly. El carácter franco y la apariencia afable de Harding tuvieron mucho éxito, al igual que su material, que proporcionó una especie de refugio seguro para los oyentes que sentían que los límites se extendían cada vez más: Harding podía ser atrevido a veces, pero siempre con un guiño y sin el menor atisbo de provocación. One Man Show llegó en 1976 para brindar a los fans un excelente documento de un típico concierto de Harding, notable en parte porque el humor a menudo hacía reír a Harding. 

Old Four-Eyes Is Back (un título que Elton John había pensado usar para un álbum, hasta que las amenazas de los abogados de Frank Sinatra acabaron con la idea; Harding, al parecer, no se dio cuenta) mantuvo el nivel en 1977, mientras que el lanzamiento en 1978 de Captain Paralytic and the Brown Ale Cowboys se considera generalmente el punto álgido de la carrera de Harding durante un tiempo, con Christmas 1914 (1977) y Bombers' Moon (1984) ofreciendo una visión de una faceta diferente y más seria. Otro álbum serio, Plutonium Alley, se publicó en 1986, pero Harding volvió entonces a la comedia, aunque con un toque satírico. Su producción discográfica original cesó en 1994, aunque se han producido algunas reediciones de material posterior. Harding también ha desarrollado una extensa carrera como dramaturgo y novelista, y es reconocido además por sus obras de no ficción sobre diversos temas, incluyendo las apariciones del Hombre Verde en la cantería medieval y otros lugares. Desde 2001, presenta un programa semanal de música folk en la radio BBC y continúa ofreciendo conciertos en vivo siempre que le es posible. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Me And Grandads Mates.  

Johan Hendrik Weidner. Justo entre las Naciones.

Johan Hendrik Weidner nació en Bruselas, Bélgica, el 22 de octubre de 1912, y murió en Monterey Park, California, Estados Unidos, el 21 de mayo de 1994. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.raoulwallenberg.net publicó este recordatorio. 

Johan Hendrik Weidner – Un rescatador holandés 

Un ángel holandés 

15 DE OCTUBRE DE 2020 

Esta es la historia de Johan Hendrik Weidner, quien nació hace 108 años, en octubre de 1912, en Bruselas, de padres holandeses. Era el mayor de cuatro hermanos. Su padre era pastor de la Iglesia Adventista del Séptimo Día. 

Cuando Johan era niño, su familia se mudó a Collonges, Francia, donde su padre ejercía como pastor. Johan creció allí y, tras asistir a escuelas públicas francesas, se graduó del seminario adventista del séptimo día en Collonges y cursó estudios universitarios de Derecho y Administración de Empresas en París y Ginebra. 

Tras obtener su título académico en 1935, fundó un negocio textil en París y abrió una tienda en Collonges. La ciudad estaba cerca de la frontera suiza y a tan solo 32 kilómetros de Ginebra, donde asistió a algunas sesiones de la Sociedad de Naciones, presenciando la incompetencia de este organismo para evitar el estallido de la guerra. 

Tras la invasión alemana de Francia en mayo de 1940, se trasladó a Lyon para colaborar con la red clandestina «Países Bajos-París» (también conocida como «la Ruta Suiza»), cuyo objetivo era ayudar a judíos neerlandeses, aviadores aliados y disidentes políticos a huir a Suiza y España. Ambas rutas también se utilizaban para el tráfico de documentos falsificados que podían salvar vidas. 

Su propia oficina en Lyon servía como cuartel general de la organización clandestina «Países Bajos-París», y en su apogeo, unas 300 personas, entre hombres y mujeres, participaron en ella. La mitad fueron arrestadas y 40 asesinadas, incluida la propia hermana de Johan, Gabrielle, quien operaba desde París y era buscada activamente por la Gestapo, que incluso ofreció una cuantiosa recompensa por su captura. Murió de desnutrición en el campo de concentración de Ravensbrück. 

En total, Weidner y el grupo "Dutch-Paris" salvaron la vida de 1.080 personas, entre ellas 800 judíos holandeses y 112 pilotos aliados cuyos aviones fueron derribados y se encontraban escondidos. 

Weidner protagonizó numerosas historias de rescate. Una de ellas fue la de la familia Rosenthal. El cabeza de familia fue detenido y trasladado al campo de Châteauneuf-les-Bains. Su esposa y su pequeño hijo se encontraban sin recursos y desprotegidos. Weidner consiguió una cita urgente con un dentista para Rosenthal en un pueblo cercano, donde el paciente fue secuestrado. Rosenthal fue trasladado en autobús a Lyon, donde se reunió con su esposa e hijo y, con documentos de identidad falsificados, huyeron a Suiza. 

El 4 de mayo de 1978, Weidner fue reconocido por Yad Vashem como Justo entre las Naciones y también recibió el reconocimiento de los gobiernos de Estados Unidos, Reino Unido, Bélgica, Países Bajos y Francia por su valentía. 

En 2014, la ADL honró a este héroe holandés con el “Premio Jan Karksi a la Valentía para Cuidar de la ADL”. Al entregar este premio póstumo, Abraham Foxman, entonces Director Nacional de la ADL, destacó: 

“John Weidner dedicó toda su vida a ayudar a los demás, en el espíritu de lo que llamamos  Tikkun Olam”, dijo Abraham H. Foxman, director nacional de la ADL y sobreviviente del Holocausto, al entregar el premio. “Hasta su muerte en 1994, vivió una vida de altruismo y servicio, trabajando incansablemente para hacer del mundo un lugar mejor”. 

En una conversación telefónica que tuve con el Dr. Weidner a principios de la década de 1990, le pregunté por qué hizo lo que hizo. Noté su incomodidad al responder: «No tuve otra opción». Ciertamente, la gran mayoría de los rescatadores que entrevisté o sobre los que leí dieron la misma respuesta a esta pregunta. Este sorprendente denominador común invita a la reflexión, ya que, por supuesto, cada uno de ellos sí tuvo una opción. 

En 2018, la Fundación Internacional Raoul Wallenberg decidió rendir homenaje a este héroe holandés y encargó un sello conmemorativo israelí con su imagen. 

Este sello forma parte de la serie “Salvadores del Holocausto”.