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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Mortimer Shuman, más conocido como Mort Shuman, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 12 de noviembre de 1936, y murió en Londres, Reino Unido, el 2 de noviembre de 1991. Cantante, pianista, compositor y actor.
Mort Shuman (12 de noviembre de 1936 - 2 de noviembre de 1991) fue un cantante, pianista y compositor norteamericano, autor de numerosos éxitos musicales de los años 1960 como «Viva Las Vegas» o Sweets for My Sweet. También escribió muchas canciones en francés, como «Le Lac Majeur», «Allo Papa Tango Charlie», «Sha Mi Sha», «Un Eté de Porcelaine» y «Brooklyn by the Sea» que fueron un éxito en Francia.
Biografía
Shuman nació en Brooklyn, Nueva York. Descendiente de inmigrantes judíos polacos, asistió al Abraham Lincoln High School, y posteriormente estudió música en el conservatorio de Nueva York. Aficionado al R&B, tras conocer a Doc Pomus formó junto a él un tandem compositivo al servicio de la compañía Aldon Music, cuyas oficinas se encontraban en el mítico edificio Brill de Manhattan. La colaboración entre ambos compositores consistió en Pomus ejerciendo de letrista y Shuman escribiendo las melodías, aunque ocasionalmente cada uno se ocupó de ambas cosas. Sus composiciones fueron grabadas por artistas como Dion, The Flamingos, Andy Williams, Bobby Darin, Fabian, Ajda Pekkan The Drifters y Elvis Presley, entre otros. Sus canciones más famosas fueron «A Teenager in Love», «Turn Me Loose», «This Magic Moment», «Save The Last Dance For Me», «Little Sister», «Can't Get Used to Losing You», «(Marie's the Name) His Latest Flame», «Viva Las Vegas» and «Sweets for My Sweet».
Con la llegada de la British invasion se trasladaron a Londres, donde continuaron escribiendo canciones para un buen número de artistas británicos. Tras la ruptura de la relación profesional con Doc Pomus en 1965, Shuman se mudó a París, donde escribió canciones para Johnny Hallyday y se embarcó en su propia carrera discográfica. Uno de sus principales éxitos a comienzos de los 1970 fue (Il Neige Sur) Le Lac Majeur. También escribió un par de éxitos en el Reino Unido, como el «Sha-La-La-La-Lee» de The Small Faces, escrito junto a Kenny Lynch, así como el musical, Budgie (con letras de Don Black). Con el compositor galés Clive Westlake, escribió «Here I Go Again», grabado por The Hollies. Billy J. Kramer también alcanzó el éxito con un tema escrito por Shuman, «Little Children».
En 1968, Shuman colaboró con Eric Blau adaptando las letras en francés del compositor belga Jacques Brel usadas en la exitosa producción off-Broadway, Jacques Brel is Alive and Well and Living in Paris. Muchas de las canciones del espectáculo fueron posteriormente grabadas por Scott Walker. El año siguiente colaboró en la banda sonora de la película Sex O'Clock U.S.A., que fue notable al presentar una de las primeras canciones de temática abiertamente gay, «You're My Man»[2] Otra de las canciones de la banda sonora, «Baby Come On» se convirtió en un modesto éxito en las listas Hot Dance Club Songs, alcanzando el puesto 37 en julio de 1977.
También trabajó ocasionalmente como actor, apareciendo junto a Jodie Foster en The Little Girl Who Lives Down the Lane.
Murió de cáncer el 2 de noviembre de 1991, diez días antes de cumplir 55 años, dejando esposa, Maria-Pia y cuatro hijas, Maria-Cella, Barbara, Maria-Pia y Eva-Maria.[3] Su compañero Doc Pomus había fallecido en marzo de ese mismo año.
Premios y reconocimientos
Shuman fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1992. En 2010 recibió, junto a otros compositores, el premio Ahmet Ertegun, concedido por el Salón de la Fama del Rock and Roll.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Save The Last Dance For Me, cantado por Michael Bublé.
Delores LaVern Baker nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 11 de noviembre de 1929, y murió en Queens, Nueva York, Estados unidos, el 10 de marzo de 1997. Cantante.
El mundo de la música ha sido testigo de grandes artistas, algunos de los cuales han logrado perdurar en el tiempo por su talento y su legado. Uno de ellos es Lavern Baker, una cantante estadounidense que destacó en la década de 1950 y 1960. Lavern fue una de las primeras mujeres afroamericanas en moverse en el mundo de la música, y su voz y estilo muy particular la hicieron famosa en todo el mundo. En este artículo musical hablaremos sobre su historia y biografía, así como su género musical, las mejores canciones y un análisis crítico de su carrera.
Lavern Baker nació en Chicago en 1929, pero su familia se mudó a Detroit cuando tenía solo dos meses de edad. A los 17 años, comenzó su carrera musical en un club local, donde fue descubierta por la discográfica Atlantic Records. Fue uno de los primeros artistas en ser contratado por Atlantic, que buscaba ampliar su catálogo con artistas de R&B y soul en respuesta a la creciente demanda en las comunidades afroamericanas en Estados Unidos.
Lavern Baker se especializó en el soul, gospel, rock and roll y blues. Sus primeros éxitos llegaron en 1955 y 1956, con su versión de Tweedle Dee y Jim Dandy, con las que alcanzó la cima de las listas estadounidenses. A partir de ese momento, la cantante se convirtió en una de las favoritas del público y su carrera continuó hasta principios de los años 60.
Entre las mejores canciones de Lavern Baker está Saved, que fue un gran éxito en 1961. Esta canción la hizo famosa fuera de Estados Unidos y la llevó a Europa y otros países. I Cried a Tear, See See Rider y Voodoo Voodoo son otras de sus canciones más populares. Baker dejó una marca importante en el mundo de la música, y su estilo vocal ha sido una influencia en muchas personas, incluyendo a artistas como Little Richard y Tina Turner.
Si hay algo que se podría cuestionar en la carrera de Lavern Baker, es la forma en que su compañía discográfica manejó su carrera. Es posible que la hayan explotado demasiado y que no le hayan dado la libertad creativa que ella necesitaba. Algunas de las canciones que se le ofrecieron no estaban a la altura de su talento, y tal vez si hubiera tenido más control creativo, habría producido aún más éxitos como los que ya había logrado.
Lavern Baker, es una leyenda de la música que merece ser recordada por su legado en el mundo de la música. Fue una de las primeras mujeres afroamericanas en triunfar en el mundo de la música, y ha sido una gran influencia para muchos artistas. Sus canciones han sido un punto de partida para la música soul, R&B y rock and roll, y su estilo vocal ha sido imitado por muchos. Si no la conoces, te recomendamos escuchar su música y descubrir su talento único y extraordinario.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Saved.
Marilyn Keith, más conocida como Marilyn Bergman, nació en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, el 10 de noviembre de 1928, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 8 de enero de 2022. Letrista.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Marilyn Bergman
Letrista ganadora del Oscar que, junto a su esposo Alan Bergman, escribió los temas musicales de varios éxitos de Hollywood.
por Jason Ankeny
Marilyn Bergman y su esposo Alan formaron uno de los dúos más importantes de letristas en la música de cine contemporánea, creando una serie de temas musicales de gran éxito para películas como *En el calor de la noche*, *El caso Thomas Crown* y *Tal como éramos*. Nacida como Marilyn Keith en la ciudad de Nueva York el 10 de noviembre de 1929, asistió a la Escuela Superior de Música y Arte antes de estudiar inglés y psicología en la Universidad de Nueva York (NYU). Se casó con Alan en 1958 y tres años después, la pareja obtuvo su primer crédito en la gran pantalla por su trabajo en *El enfoque correcto*. *En el calor de la noche* (1967) supuso el gran salto a la fama de los Bergman; el conocido tema principal de la película, compuesto junto a Quincy Jones, fue interpretado por el inigualable Ray Charles. Al año siguiente, la pareja colaboró con el compositor Michel Legrand en *El caso Thomas Crown*, logrando un éxito internacional con la interpretación de Noel Harrison del tema principal de la película, "The Windmills of Your Mind". Posteriormente, los Bergman disfrutaron de una larga colaboración con Legrand que también dio como resultado éxitos tan conocidos como "¿Qué harás el resto de tu vida?" y "¿Cómo mantienes la música sonando?". Podría decirse que su obra más conocida es el tema principal del melodrama de 1973, Tal como éramos, compuesto junto a Marvin Hamlisch; un éxito número uno en las listas de popularidad para la protagonista de la película, Barbra Streisand, que también ganó un premio Óscar. Tras obtener premios Emmy por su trabajo en los proyectos televisivos Queen of the Stardust Ballroom y Sybil, los Bergman volvieron a colaborar con Hamlisch en "The Last Time I Felt Like This" (1978), nominada al Óscar por la película Same Time, Next Year; junto a Dave Grusin , también compusieron el tema de Tootsie, "It Might Be You", un éxito que alcanzó el Top Ten para Stephen Bishop en 1982. Un año después, ganaron el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original por su trabajo en Yentl, protagonizada por Streisand. Los Bergman también recibieron nominaciones al Premio Óscar por sus contribuciones a Shirley Valentine (1989) y Sabrina (1995). Marilyn Bergman falleció el 8 de enero de 2022 tras sufrir una insuficiencia respiratoria en su casa de Los Ángeles; tenía 93 años.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Windmills of Your Mind, en la voz de Noel Harrison, de la Banda de Sonido de la película El caso Thomas Crown.
Yábor es una figura emblemática de la música rioplatense y un puente entre el candombe afrouruguayo y la fusión con géneros contemporáneos.
Como uno de los pioneros del pop‑rock rioplatense, su música es un mosaico donde convergen candombe, milonga, murga, milongón, reggae y flamenco, creando un sonido propio y Auténtico.
Su obra se desarrolla en ambas márgenes del Plata, proyectándose a Sudamérica, Estados Unidos y Europa, Medio Oriente, Filipinas y Africa.
Más allá de su faceta musical, Yábor es poeta, escritor y formador: ha publicado libros, partituras y ha dado seminarios sobre candombe y folklore uruguayo, convirtiéndose en un referente cultural que ha llevado la tradición africana del Río de la Plata más allá de sus fronteras.
En 2025 lanza su nuevo álbum “50 años con la Música”, repasando varias melodías de toda su carrera y nuevas composiciones. Ya está disponible en todas las plataformas.
Yábor es un músico sincero y profundo: su voz cálida, su propuesta musical de fusión y su respeto por las raíces, hacen de su obra una joya del canto popular rioplatense.
Audaz y reflexivo, su recorrido artístico es también un homenaje a la memoria de su tierra.
Yábor se presenta el jueves 20 de noviembre, en la Sede Central de SADAIC, en Buenos Aires.
Hacé click en el enlace para escuchar No dejes de cantar.
En Shalom, hoy nos enfrentamos al reto de descubrir cuáles son los fundamentos de la felicidad según el judaísmo. Para guiarnos en esta reflexión, contamos con la valiosa participación del rabino Pinhas Punturello, profundo conocedor de la cultura y los valores judíos.
Tom Richard Fogerty nació en Berkeley, California, Estados Unidos, el 9 de noviembre de 1941, y murió en Scottsdale, Arizona, Estados Unidos, el 6 de septiembre de 1990. Cantante y guitarrista.
El sitio www.futuro.cl publicó este artículo firmado por Héctor Muñoz Tapia.
La vida y la muerte de Tom Fogerty de Creedence Clearwater Revival
Recordamos al guitarrista rítmico de Creedence Clearwater Revival, fallecido el 06 de septiembre de 1990.
Por Héctor Muñoz Tapia 06 Sep, 2021. 10:31 hrs
Ha sido eclipsado por su hermano menor, pero Tom Fogerty todavía ocupa un lugar importante en la historia del rock. Como guitarrista rítmico de Creedence Clearwater Revival, Tom tocó muchos clásicos del rock y tuvo una carrera en solitario antes de su muerte el 6 de septiembre de 1990, a la edad de 48 años.
Nacido el 9 de noviembre de 1941 en Berkeley, California, Tom fue mordido por el bicho del rock n ‘roll cuando era adolescente; como tantos otros a finales de los 50. Formó una banda, Spider Webb and the Insects, que firmó en 1959 con Del-Fi Records, el sello que convirtió a Richie Valens en una estrella. Solo grabaron una canción para el sello, «Lyda Jane», pero nunca se lanzó y el grupo se separó poco después.
Mientras tanto, su hermano John Fogerty, que era tres años y medio más joven, tenía un trío instrumental propio llamado Blue Velvets con una sección rítmica de dos de sus compañeros de escuela, Doug Clifford (batería) y Stu Cook (piano). Buscando nuevos músicos para grabar algunos demos, Tom encontró la respuesta en su propio ADN y se unió a los Blue Velvet. Como el miembro más viejo y experimentado del grupo, así como el único que sabía cantar, Tom se convirtió en el líder y líder.
La prehistoria de CCR
Los Blue Velvet se hicieron un nombre en el Área de la Bahía trabajando en el circuito habitual que se ofrece a las bandas de adolescentes (ferias del condado, saltos de calcetines, etc.) mientras continúan grabando demos de las canciones que los hermanos escribían juntos. Atrajeron la atención de un pequeño sello local, Orchestra Records, pero los tres sencillos que sacaron entre octubre de 1961 y junio de 1962 no pudieron ganar terreno fuera de la radio local.
Pero siguieron así, pagando sus deudas, hasta que terminaron viendo un programa de televisión sobre un sello de jazz local llamado Fantasy que tuvo un éxito nacional con «Cast Your Fate to the Wind» de Vince Guaraldi. Dejaron su demo y el sello, que vio la oportunidad de incursionar en el rock, los firmó, con Max Weiss, quien fundó el sello con su hermano, sugiriendo que obtuvieran un nombre más moderno.
Eligieron Visions, pero cuando Fantasy lanzó el primer sencillo, «Don’t Tell Me No Lies» b / w «Little Girl (Does Your Momma Know)» a mediados de 1964, Weiss había cambiado su nombre nuevamente. “The Golliwogs” sonaba más británico y para reforzar la naturaleza caprichosa que acompañaba a su nombre, llevaban camisetas y chalecos de cachemira a juego, con pelucas blancas difusas.
El éxito de Creedence Clearwater Revival
Durante los siguientes tres años, lanzaron siete sencillos para Fantasy y su subsidiaria, Scorpio, con poco éxito. Este período vio a John y Clifford pasar tiempo en las reservas militares, incluso cuando se produjeron algunos cambios importantes: Cook cambió del piano al bajo y John descubrió su voz como cantante, reemplazando a su hermano como líder. Además, los hermanos Weiss decidieron salirse del negocio de la música y vendieron el sello a su director de ventas y marketing, Saul Zaentz.
A finales de 1967, San Francisco había suplantado a Inglaterra como el hogar del rock, y Zaentz quería que cambiaran su nombre por algo que reflejara más la floreciente contracultura. Finalmente, se decidieron por Creedence Clearwater Revival.
Los próximos años se han escrito en los anales de la historia del rock. Entre julio de 1968 y diciembre de 1970, Creedence se abrió camino a través de seis álbumes y una gran cantidad de sencillos Top 10 de extraordinaria calidad, incluidos tres, «Bayou Country», «Green River» y «Willy and the Poor Boys», solo en 1969.
Fricción entre los Fogerty
Además de cantar solista, John escribió todas las canciones y fue aclamado como uno de los letristas más importantes de su generación. El único crédito de Tom, una coescritura con su hermano, fue en realidad un Golliwogs de dos años llamado «Walk on the Water» que volvieron a grabar para su debut. Esto provocó una gran fricción entre los hermanos, que llegó a un punto crítico cuando Tom renunció en enero de 1971, un mes después del lanzamiento de «Pendulum».
«Tom había soportado un montón de mierda de John», dijo Clifford a Uncut. “Creo que Tom esperaba que John dijera: ‘Está bien, ahora que hemos logrado nuestros objetivos, ¿por qué no empiezas a cantar algunas de las canciones?’ Tom tenía una gran voz, algo así como Ritchie Valens. Tom habría hecho un muy buen trabajo en «La Bamba». Pero John no quería que él la cantara, en caso de que tuviéramos un éxito con ella. No quería que Tom tuviera éxito «.
John Fogerty lo vio de otra manera. Como le dijo sin rodeos a The Guardian en 2000, “Lo mejor que puedo decir en el caso de Tom es que él era el hermano mayor y el hermano menor tenía mucho más talento, por lo tanto, estaba celoso incluso en mayor grado que los otros dos en Creedence. Clearwater Revival».
El síndrome de Fredo Corleone
Como Fredo Corleone en «El Padrino II», el hermano mayor se sintió superado y quería respeto, y decidió hacerse un nombre. Afortunadamente, no terminó cuando le dispararon en un bote de remos por orden de su hermano. Creedence duró un álbum más, grabando el decepcionante Mardi Gras como un trío, antes de separarse en octubre de 1972.
Tom Fogerty firmó un contrato en solitario con Fantasy y, para un par de álbumes en 1972, encontró algunos socios musicales comprensivos con miembros de un proyecto paralelo de Jerry García: Merl Saunders, Bill Vitt y John Kahn. El primer récord homónimo alcanzó su punto máximo en un respetable número 78, pero el segundo, Excalibur, no se ubicó en la lista. Clifford y Cook proporcionaron la columna vertebral musical para Zephyr National de 1974, y John Fogerty ayudó tocando la guitarra en la pista de CCR, «Joyful Resurrection», que está incrustada en la parte superior. Pero ni siquiera una reunión de Creedence Clearwater Revival en toda regla, la última pista con los cuatro miembros podría tentar al público. Después de «Myopia», otro esfuerzo de 1974 se unió a una banda del Área de la Bahía llamada Ruby para tres álbumes entre 1976 y 1984. Otro álbum en solitario, «Deal It Out», siguió en 1981.
Los problemas de salud y el decilve
La falta de éxito comercial se convirtió en el menor de sus problemas. En algún momento de los años 80, después de mudarse a Scottsdale, Arizona, Tom se sometió a una cirugía en la espalda. Pero una transfusión de sangre no examinada provocó que se infectara con el virus del sida. Lo llevó a su muerte en 1990, oficialmente de tuberculosis.
Desafortunadamente, las heridas causadas por la división entre los hermanos nunca sanaron. En una entrevista de 1986, Tom Fogerty admitió que no había escuchado el álbum de regreso de John, Centerfield, más allá del primer sencillo, «The Old Man Down the Road». Incluso parecía disfrutar de la famosa disputa de John con Zaentz por el control de los derechos de publicación de sus canciones durante décadas.
«Tom terminó a lo largo de los años evolucionando mentalmente hacia una especie de síndrome extraño de Patti Hearst», dijo John Fogerty más tarde. «Así es como lo llamo cuando te secuestran y terminas poniéndote del lado de tus captores, y eso es lo que hizo Tom. En algún truco de agilidad mental, terminó haciéndose amigo de Saul Zaentz contra mí. Al final de su vida, Tom estaba diciendo ‘Saul es mi mejor amigo’. Incluso me escribió cartas desagradables diciendo cosas como ‘Saúl y yo ganaremos’. Estaba muy sin resolver y muy triste «.
Cuando Creedence Clearwater Revival fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993, la viuda de Tom Fogerty trajo sus cenizas en una urna. John, sin embargo, se negó a compartir el escenario con sus antiguos compañeros de banda.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Goodbye Media Man.
Roy Adrian Wood nació en Birmingham, Reino Unido, el 8 de noviembre de 1946. Multiinstrumentista, compositor y cantante.
El sitio www.roywood.co.uk publicó su biografía.
Nació en Birmingham, Inglaterra. Asistió a la Escuela de Arte Moseley a principios de los años 60. Su primer instrumento fue la batería, el único en el que recibió clases. A los seis años, tocó con una orquesta en la boda de su hermana. Roy fue a ver a The Shadows a los doce años en el Ayuntamiento de Birmingham. Influenciado por el sonido de Hank Marvin, empezó a tocar la guitarra y formó un grupo llamado The Falcons a los catorce años. Posteriormente, se hizo profesional con la banda de Birmingham Gerry Levene and the Avengers. Después, tocó un tiempo con Mike Sheridan and the Nightriders, que más tarde se convertirían en The Idle Race.
Durante este periodo, Roy se dedicó a componer canciones y, a los diecisiete años, fundó The Move, que cosechó numerosos éxitos con canciones escritas por el propio Roy, incluyendo «Flowers In The Rain», que alcanzó el número 2 en las listas y fue el primer disco que se emitió en BBC Radio One. Además, «Night Of Fear», «Fire Brigade» e «I Can Hear The Grass Grow» fueron sencillos que se colocaron entre los cinco primeros, y «Blackberry Way» también alcanzó el número uno en las listas de sencillos británicas.
En 1970, Roy se unió al también compositor de Birmingham, Jeff Lynne, quien se incorporó a The Move para sus dos últimos álbumes. El último sencillo grabado por The Move durante este período fue «California Man», que alcanzó el puesto número 10 en las listas de éxitos.
Durante años, Roy tuvo la ambición de formar una banda de base clásica con cuerdas en vivo en lugar de la formación de guitarras convencional. Junto con Jeff, formaron The Electric Light Orchestra.
10538 fue el primer tema que grabaron. Originalmente, fue una idea de Jeff para incluirlo en un álbum de Move. Estaban experimentando en el estudio, y después de grabar la pista de acompañamiento, Roy estaba improvisando con un violonchelo chino barato. Terminó grabando muchas partes de cuerda en el tema, lo que finalmente creó el sonido de ELO... ¡Obertura 10538!
Lograron convencer a EMI de que era hora de comenzar este nuevo proyecto, y así nació el primer álbum de Electric Light Orchestra. Este disco contó principalmente con Jeff y Roy, quienes lo compusieron y produjeron conjuntamente. Tras varios meses de audiciones y ensayos con músicos de cuerda, finalmente se embarcaron en algunas giras. Desafortunadamente, Roy tuvo desacuerdos políticos, principalmente con la gerencia, y con gran pesar decidió abandonar la banda.
Dedicó algún tiempo a escribir y añadir nuevo material a la colección de canciones que había reunido para su álbum en solitario "Boulders", grabado en los estudios Abbey Road.
Alguien llamó a Roy por casualidad para preguntarle si le interesaría participar en un espectáculo de rock and roll en el estadio de Wembley ese mismo año. Compartiría escenario con estrellas estadounidenses del rock and roll como Little Richard, Jerry Lee Lewis, Bill Haley, Chuck Berry y Bo Diddley.
Por supuesto, aceptó, sin tener en cuenta que ahora necesitaría una banda. Rápidamente formó un grupo de pop con estilo rock and roll al que llamó "Wizzard", junto con su amigo de toda la vida Rick Price, bajista de The Move, y un grupo de amigos de Birmingham.
Comenzaron a grabar en los estudios Abbey Road; el primero de lo que se convertiría en una serie de sencillos de éxito fue "Ball Park Incident", que finalmente alcanzó el número 4 en las listas de éxitos.
La formación de la banda era bastante peculiar: dos baterías, dos saxofonistas y dos violonchelistas que habían decidido unirse procedentes de ELO. Era un grupo numeroso que necesitaba un sonido contundente. Tras mucha reflexión, y teniendo en cuenta que ya había compuesto algunos temas de rock and roll, Roy pensó: "Vale, Phil Spector...". ¡El "Muro de Sonido" británico estaba en marcha!
La extravagante imagen visual de Roy como Wizzard era una versión multicolor de una imagen que ya había inventado unos años antes para promocionar un disco de The Move en televisión, llamado "Brontosaurus". Dijo: "Hubiera sido una pena desperdiciar eso, simplemente lo hice un poco más extravagante para que encajara con el nombre del grupo".
Teniendo en cuenta que el concierto de Wembley fue la primera actuación en directo de Wizzard, tuvo una gran acogida. El representante de Bo Diddley contactó entonces con Roy para formar una banda y grabar el álbum «Bo Diddley London Sessions», en el que Roy tocó el bajo.
Wizzard logró siete grandes éxitos, incluyendo dos sencillos número uno.
"See My Baby Jive" y "Angel Fingers". A esto le siguió uno de los himnos navideños más importantes de todos los tiempos, "I Wish It Could Be Christmas Every Day".
Además de grabar y actuar con Wizzard, Roy también tuvo sencillos de éxito en solitario, dos de los cuales entraron en el top ten de la lista del Reino Unido: "Dear Elaine" y "Forever" en el número 8.
El diario Los Angeles Times publicó una excelente reseña de Forever, escrita nada menos que por Brian Wilson. Gracias a esta colaboración, Roy fue invitado a Brother Studios para la grabación del álbum "15 Big Ones" de The Beach Boys. Cantó junto a Brian y Carl Wilson, a quienes siempre había admirado, y también tocó el saxofón en el tema "It's OK".
No tenemos espacio suficiente aquí para abarcar todos los logros de Roy.
Baste decir que ha ganado numerosos premios, entre ellos el Premio Ivor Novello a la Mejor Colección de Canciones. Más recientemente, ha recibido el Premio Kerrang al Mejor Compositor, el Premio al Mejor Compositor Clásico de Rock Radio y el Premio al Mejor Compositor Clásico de la Lista de Honor de Mojo.
En enero de 2008, la Universidad de Derby le otorgó a Roy el título de Doctor Honoris Causa en Música, y en 2010 recibió su propia estrella en el Paseo de la Fama de Birmingham.
Hasta la fecha, ha escrito más de treinta sencillos que han alcanzado el Top 30 en el Reino Unido, y es una de las pocas personas que ha compuesto e interpretado éxitos número uno con tres artistas diferentes: The Move, Wizzard y Jive Bunny.
Actualmente de gira con la Roy Wood Rock & Roll Band. Manténganse al tanto para más detalles.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: See My Baby Jive.
Thomas Cunningham Thayer, más conocido como Tommy Thayer, nació en Portland, Oregón, Estados Unidos, el 7 de noviembre de 1960. Guitarrista y cantante.
Tommy Thayer (nacido el 7 de noviembre de 1960 en Portland, Oregón) es un músico estadounidense y el actual guitarrista principal del grupo de rock Kiss.
Thayer era fan de bandas como Alice Cooper, Kiss, Rory Gallagher y Deep Purple, lo que lo inspiró a tocar la guitarra a principios de los 70. En la preparatoria, conoció al baterista Jaime St. James. Tras tocar la guitarra en varios grupos de rock, Thayer y St. James formaron la banda Movie Star, que se transformó en Black N' Blue a finales de 1981. Para entonces, St. James había cambiado las baquetas por el micrófono y se convirtió en el vocalista de Black N' Blue. "Woop" Warner en la guitarra, Patrick Young en el bajo, Pete Holmes en la batería y Thayer en la guitarra principal completaban la formación de Black N' Blue.
Después de que Geffen abandonara la banda, Thayer dejó Black N' Blue.
Thayer y St. James se reunieron más tarde en una banda tributo a Kiss llamada Cold Gin, donde Thayer interpretaba a Ace Frehley y St. James a Peter Criss. La banda no pasó desapercibida para Kiss, quienes los invitaron a tocar en la fiesta de cumpleaños del guitarrista rítmico Paul Stanley. Posteriormente, Gene Simmons, cofundador y bajista de KISS, le ofreció a Thayer un trabajo como su asistente, oportunidad que Thayer aceptó de inmediato. Thayer era un chico para todo de Simmons: a veces preparaba café, otras, viajaba por el país reservando hoteles para las giras de KISS CONVENTION, e incluso pintó la casa de Paul Stanley y limpió los canalones de Gene Simmons.
Cuando Ace Frehley dejó Kiss en 2002, Thayer fue el elegido para reemplazarlo. Había ayudado a Ace a reaprender algunos solos de guitarra de Kiss para la gira Alive/Worldwide. Kiss, que quería mantener la imagen clásica de la formación original, eligió a Thayer para que luciera el maquillaje y el traje de Spaceman de Frehley. En marzo de 2002, Tommy tocó en su primer concierto con Kiss, en un evento privado en Jamaica. Al mes siguiente, apareció en el programa aniversario de American Bandstand de Dick Clark, interpretando a Spaceman. Desde entonces, Thayer ha tocado con Kiss en el concierto Kiss Symphony: Alive IV en Melbourne, Australia, una minigira por Japón, una gira con Aerosmith, la gira mundial Rock The Nation y varios conciertos individuales.
Tommy también ha participado en la producción de varios productos de vídeo y CD relacionados con Kiss, incluyendo el DVD "Kiss Symphony: Alive IV", el DVD "Second Coming" y la secuencia de títulos principal de la película "Detroit Rock City (Movie)".
Black 'n Blue ofreció un concierto de reunión el 8 de diciembre de 2007. El concierto fue a beneficio de Kenny Nordone, miembro del equipo de la banda, para ayudarle a pagar sus facturas médicas relacionadas con el cáncer.
El 16 de marzo de 2008, Tommy cantó por primera vez el clásico de Ace Frehley "Shock Me" en la noche inaugural de la gira mundial Kiss Alive/35 en Melbourne.
Hughes & Kettner ha lanzado un amplificador exclusivo de la marca, basado en su clásico DuoTone Head. Hughes & Kettner se enorgullece en anunciar el lanzamiento del DuoTone Head 'Tommy Thayer Signature Edition' en marzo de 2008.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Shock Me.
Peter Matz nació en Pittsburgh, Pensilvania, Estados unidos, el 6 de noviembre de 1928, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 9 de agosto de 2002. Pianista, compositor, arreglador y director de orquesta.
Lugar de nacimiento: Pittsburgh, Pensilvania, EE. UU.
Nacionalidad: estadounidense.
Categoría: Personajes famosos.
Última modificación: 13 de diciembre de 2011.
Reconocido como: músico, compositor, director de orquesta.
Peter Matz fue un galardonado músico, compositor, arreglista y director de orquesta estadounidense. Su carrera musical en cine, teatro, televisión y estudios de grabación abarcó cincuenta años, y trabajó con numerosos artistas destacados, como Marlene Dietrich, Noël Coward y Barbra Streisand. Matz ganó tres premios Emmy y un premio Grammy, y es especialmente conocido por su trabajo en los primeros álbumes de Streisand.
En una trayectoria que se extendió por cinco décadas, el arreglista, director y compositor Peter Matz colaboró con algunas de las figuras más importantes de la música contemporánea, como Peggy Lee, Tony Bennett, Lena Horne y Barbra Streisand, con quien mantuvo una larga colaboración. Su obra se pudo apreciar en teatro, cine, televisión e incluso en anuncios publicitarios, pero Matz siempre encontró tiempo para dedicarse a causas benéficas como la investigación del SIDA. Originario de Pittsburgh, Matz se costeó sus estudios en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA) tocando instrumentos de viento en orquestas de baile. Aunque se graduó en ingeniería química (culminando lo que el músico una vez describió con ironía en el London Independent como una "juventud terrible y descarriada"), Matz optó por una trayectoria profesional diferente tras su graduación, comenzando con un intenso aprendizaje musical de dos años en París. En 1954 se trasladó a Nueva York, donde estudió piano y teoría musical, y comenzó a trabajar como pianista de ensayo para la nueva producción de Harold Arlen, House of Flowers, protagonizada por Diahann Carroll, con quien volvería a colaborar en No Strings. Poco después, Matz consiguió un trabajo con Horne en su espectáculo, Jamaica. El crítico del Independent, Dick Vosburgh, recordó el gran éxito de House of Flowers, "Two Ladies inda Shade of de Banana Tree", que Vosburgh describió como un "ritmo calipso que... se convirtió en un impresionante arreglo de baile, dirigido por el brillante joven músico". A medida que crecía su reputación, Matz trabajó con artistas de la talla de Marlene Dietrich en su espectáculo unipersonal. Tras un breve paréntesis en Broadway, trabajó como arreglista y director de orquesta para el espectáculo de cabaret de Noel Coward. Matz y Coward volvieron a colaborar en Nueva York en la obra "Sail Away". El incipiente medio televisivo lo atrajo, y Matz compuso y arregló música para producciones pioneras como "The Jimmy Dean Show", "The Kraft Music Hall" y, más tarde, "Hullaballoo". Posteriormente, fue director musical de cientos de pilotos, especiales y series, desde "Mama's Family" hasta los Premios Kennedy Center. Sin embargo, su etapa televisiva se caracterizó principalmente por su larga trayectoria como compositor, arreglista y director de orquesta del "Carol Burnett Show", que se emitió durante ocho años. Sus animadas y humorísticas interpretaciones musicales para este clásico programa de sketches cómicos le valieron un premio Emmy y tres nominaciones más. Durante varios años, también realizó las orquestaciones que acompañaron las transmisiones de los Premios Óscar.
Matz compuso la música para numerosas películas y telefilmes, comenzando con Bye-Bye Braverman en 1968 y continuando hasta This Can't Be Love a mediados de la década de 1990. En 1975, fue nominado al Óscar por la banda sonora de Funny Lady, secuela de Funny Girl. La película fue protagonizada por Streisand, quien había colaborado con Matz en algunos de sus álbumes más vendidos, como People, My Name Is Barbra y The Broadway Album. Este último, un éxito multiplatino, le valió a Matz y Streisand una nominación al Grammy al Álbum del Año. El músico también participó en los álbumes de Streisand The Way We Were, What about Today?, Live Concert at the Forum y The Second Barbra Streisand Album.
Si bien dirigió a estrellas emergentes como Sarah Brightman y Sam Harris, Matz se desenvolvía con igual soltura con artistas consagrados. En 1996, la cantante Rosemary Clooney, cuyo último éxito había sido "White Christmas" 42 años antes, regresó al estudio con Matz para regrabar su clásico himno navideño y varias otras canciones pop. El álbum resultante, Rosemary Clooney: White Christmas, recibió una calificación de "A+" por parte de un crítico del Cincinnati Post. "Imagínese acurrucado junto a la chimenea con algunos amigos, entre ellos Rosemary y [su hermano, el presentador de televisión] Nick Clooney", escribió Carole Phillips en ese periódico. "Imagínese a la Orquesta de Peter Matz y a los Earl Brown Singers en su propia sala de estar".
En 1999, Matz compuso la música para J. Edgar!, una comedia musical que explora la vida de J. Edgar Hoover, legendario líder del Buró Federal de Investigación (FBI). La producción se presentó como una obra de radioteatro de LA Theater Works, protagonizada por Kelsey Grammer en el papel principal. Un crítico del St. Louis Post-Dispatch, Dick Richmond, comparó J. Edgar! a «una especie de La Cage aux Folles para el mundo de las fuerzas del orden». Un año después, Matz compuso la música para una nueva producción teatral, The Gorey Details, que se estrenó en el Century Center de Nueva York. Basado en las imaginaciones humorísticamente macabras de Edward Gorey, el musical exhibía el «enfoque caprichoso del autor hacia el asesinato, el suicidio, las enfermedades mortales y los funerales fastuosos», escribió Robert Hofler en Variety, añadiendo que la música de Matz «ni estorba ni excita los sentidos».
Matz es quizás más recordado en sus últimos años como la fuerza impulsora detrás de la serie de conciertos Reprise!, que se ha presentado en Nueva York y Los Ángeles desde su fundación en 1995. La serie se centra en musicales respetados, aunque menos conocidos, que reciben nuevas puestas en escena y arreglos, y son interpretados por actores y cantantes de primer nivel. En un artículo del Los Angeles Times, Myrna Oliver citó a Matz cuando explicó su visión del teatro musical como "una forma de arte verdaderamente autóctona. Debería preservarse por la misma razón que es importante preservar un edificio de Frank Lloyd Wright o no dejar que las películas antiguas se deterioren en el olvido".
Algunas producciones de Reprise! incluyeron Two by Two, Plain and Fancy, The Robber Bridegroom y la adaptación musical de A Tree Grows in Brooklyn. Sobre otra producción, la puesta en escena de The Boys from Syracuse en 1999, un colaborador del Los Angeles Daily News comentó que el espectáculo "mantiene un hábil equilibrio entre humor slapstick y sinceridad", con la partitura de Richard Rodgers "interpretada por Peter Matz y su orquesta con su habitual garbo".
Matz y su esposa, la cantante Marilynn Lovell, actuaron juntos en cabarets. Pero la música de Matz se apagó cuando falleció de cáncer de pulmón el 9 de agosto de 2002. La prensa lo recordó como un innovador y un músico incondicional, un "maestro muy querido con una cálida sonrisa", como señaló Rebecca Cohen en un artículo del Daily Variety. "Podría decir, de forma un tanto rebuscada, que la música es la vida", declaró Matz en un obituario del Miami Herald. «La música es respirar. La música trata sobre la evolución. La música trata sobre el amor. La música trata sobre la tristeza. La música son todas las emociones, en un mismo espacio, a veces al mismo tiempo». El 25 de noviembre de 2002 se celebró un concierto homenaje en su alma mater, la Universidad de California, Los Ángeles. El evento contó con la participación de artistas de la talla de Joel Gray, Elaine Stritch, Burt Bacharach y Carol Burnett.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Sail Away, en la voz de Noel Coward y Happy Days Are Here Again, cantado por Barbra Streisand.
Ingram Cecil Connor III, más conocido como Gram Parsons, nació en Winter Haven, lorida, Estados Unidos, el 5 de noviembre de 1946, y murió en Joshua Tree, San Bernardino, California, Estados Unidos, el 19 de septiembre de 1973. Cantautor, compositor, guitarrista y pianista.
Gram Parsons es ampliamente reconocido como uno de los pioneros más importantes del género country-rock. Aunque solo vivió veintiséis años, Parsons creó una obra influyente que incluye, sobre todo, los álbumes grabados con The Byrds y The Flying Burrito Brothers, y sus dos discos en solitario. La reputación crítica de Parsons ha crecido constantemente desde su muerte en 1973, y su música ha influido en una generación más joven de músicos del llamado country alternativo o «alt-country», en particular Son Volt, Wilco y Ryan Adams.
La “Huérfana de Waycross” Parsons nació como Ingram Cecil Connor III en Winter Haven, Florida, el 5 de noviembre de 1946. Su padre, Cecil, era mayor de la Fuerza Aérea. Su madre, Avis, era hija de la prominente familia Snively, que había amasado una gran fortuna en el negocio de las naranjas en Florida. Tras retirarse de la Fuerza Aérea, Cecil se mudó a Georgia y dirigió la planta de producción de cajas de los Snively en Waycross (Condado de Ware), donde Parsons y su hermana menor, Avis, crecieron. Parsons solía referirse a su infancia como los años más felices de su vida, aunque los problemas con la bebida de sus padres ensombrecieron a la familia. Escuchaba la radio de música country que dominaba Georgia y cantaba himnos en la iglesia. También estuvo expuesto a la música soul y rhythm and blues gracias a la empleada doméstica afroamericana de la familia, y su padre, músico aficionado, lo animó a aprender a tocar el piano. En 1956, Parsons, de diez años, vio a Elvis Presley tocar en el Auditorio Municipal de Waycross, una experiencia que cambió su perspectiva musical.
Cuando Parsons tenía trece años, su padre, quien probablemente sufría de trastorno de estrés postraumático tras su servicio en la Segunda Guerra Mundial (1941-1945), se suicidó. Su madre se casó entonces con Bob Parsons (apellido que Parsons adoptaría a pesar de su difícil relación), y continuó con su problema con el alcohol, que finalmente le provocó cirrosis hepática. Falleció el día de la graduación de Parsons del instituto.
Música cósmica americana La primera incursión importante de Parsons en la música fue con la International Submarine Band, que se formó durante su primer año en la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts. Abandonó la universidad tras solo un semestre. La banda se trasladó a Los Ángeles, California, donde Parsons conectó rápidamente con la escena de la Costa Oeste. Grabaron un álbum, Safe at Home (1968), una mezcla de versiones de clásicos de la música country y composiciones originales de Parsons. Incluso en esta etapa temprana, los elementos de su sonido —country, rhythm and blues, soul, gospel y rock— ya estaban definidos.
En 1968, Parsons se unió a la banda de rock The Byrds como pianista. Su arrolladora personalidad y visión musical transformaron inmediatamente al grupo. El resultado fue Sweetheart of the Rodeo (1968), un disco de música country grabado en Nashville, Tennessee. Parsons compuso gran parte del material del disco, y muchos críticos lo consideraron uno de los mejores discos del año y uno de los mejores trabajos de The Byrds hasta la fecha. The Byrds fueron invitados a actuar en el Grand Ole Opry —siendo el primer grupo de rock and roll en presentarse en ese escenario— donde molestaron a la gerencia al interpretar la canción de Parsons «Hickory Wind» en lugar del tema de Merle Haggard que les habían pedido tocar. Sin embargo, a pesar del éxito de la banda, la ética laboral de Parsons no estaba a la altura de las expectativas de The Byrds. Cuando prefirió quedarse en Londres, Inglaterra, y pasar tiempo con amigos en lugar de tocar con el grupo en la Sudáfrica del apartheid, fue despedido.
Parsons formó inmediatamente los Flying Burrito Brothers y grabó Gilded Palace of Sin (1969). El álbum incluye material original de Parsons y versiones de éxitos del rhythm and blues como «Dark End of the Street» y «Do Right Woman». A Parsons nunca le gustó el término country-rock; prefería llamar a su sonido «música americana cósmica». Su sonido está firmemente arraigado en el honky-tonk y el country, pero impregnado de un espíritu rockero y contracultural. Los Flying Burrito Brothers consiguieron un pequeño pero fiel grupo de seguidores, pero no lograron sonar en la radio y las ventas de discos no fueron buenas. Se consideraba que la banda era demasiado country para la radio rock, pero tampoco encajaba en el rígido molde del country de Nashville.
Durante esta época, Parsons encargó a Nudie Cohn, el famoso diseñador, la confección de trajes que permitieran a los miembros de la banda lucir (literalmente) su estilo country-rock a flor de piel. El traje Nudie era entonces un estilo country muy conocido, popularizado por artistas como Hank Williams y Gene Autry. El traje blanco Nudie de Parsons estaba adornado con lentejuelas que mostraban imágenes de mujeres desnudas, hojas de marihuana, pastillas y una enorme cruz radiante en la espalda, en lugar de los habituales cactus, sombreros de vaquero y lazos.
Parsons solo grabó un disco más con los Flying Burrito Brothers, Burrito Deluxe (1970), que incluye la primera grabación de «Wild Horses», la famosa canción de los Rolling Stones. (Los Stones le permitieron a Parsons grabar la canción antes de tiempo como agradecimiento por su ayuda en la composición). Pero el creciente consumo de drogas y el estilo de vida errático de Parsons volvieron a causar problemas con la banda que lideraba, y terminó por abandonarla.
Carrera en solitario y legado
Tras dos años alejado del estudio, Parsons reclutó a la entonces desconocida cantante folk Emmylou Harris para que lo acompañara en las voces de su álbum de regreso en solitario, GP (1973). Los duetos que interpretaron tuvieron tanto éxito que la invitó a volver al estudio para su segundo álbum en solitario, Grievous Angel (1974). La crítica suele comparar a Parsons y Harris con grandes dúos como Tammy Wynette y George Jones. La composición de Parsons alcanzó nuevas cotas en estos discos; su sonido es más sencillo y maduro, pero conserva los elementos característicos de soul y rock de sus primeros trabajos. Según todos los testimonios, Parsons quedó satisfecho con estas grabaciones. Además, estaba intentando superar su adicción a las drogas.
El 19 de septiembre de 1973, pocos meses después de terminar la grabación de Grievous Angel, Parsons falleció por una sobredosis de morfina y tequila durante unas vacaciones en Joshua Tree, California. En un extraño incidente que contribuyó a acrecentar su estatus de culto, su representante y amigo Philip Kaufman —siguiendo una petición de Parsons para que sus cenizas fueran esparcidas en el Parque Nacional Joshua Tree— robó el cadáver y el ataúd del aeropuerto, donde esperaban ser trasladados a su país. Kaufman y otro hombre llevaron el ataúd a Cap Rock, en el parque, lo rociaron con gasolina y le prendieron fuego. Según Kaufman, el ataúd y el cuerpo quedaron completamente calcinados. Dado que en California no existía ninguna ley que penalizara el robo de cadáveres, Kaufman solo fue acusado de robar un ataúd.
La música de Parsons continúa ganando admiradores y reconocimiento de la crítica. Sacred Hearts & Fallen Angels: The Gram Parsons Anthology (2001) ofrece una buena introducción a su obra. La colección Another Side of This Life: The Lost Recordings of Gram Parsons, 1965-1966 (2000) muestra sus inicios musicales, y una grabación de una actuación en Nueva York con su banda de acompañamiento, The Fallen Angels, titulada Gram Parsons and the Fallen Angels, Live, 1973, se publicó en 1982 y se reeditó en 1997. Un notable álbum tributo, Return of the Grievous Angel, se publicó en 1999 y cuenta con la participación de artistas como Beck, Elvis Costello, Sheryl Crow y Steve Earle interpretando canciones de Parsons.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con We'll Sweep Out The Ashes In The Morning, a dúo con Emmylou Harris.
Elgar Howarth nació en Cannock, Staffordshire, Reino Unido, el 4 de noviembre de 1935, y murió en su ciudad, el 13 de enero de 2025. Trompetista, compositor y director de orquesta.
Muere a los 89 años el director y compositor británico Elgar Howarth
15/01/2025 / Redacción
Su inquebrantable dedicación a la creación contemporánea le llevó a dirigir estrenos tan destacados como los de King Priam de Tippett (Londres, 1962), Le Grand macabre de Ligeti (Estocolmo, 1978) o The Mask of Orpheus de Birtwistle (Londres, 1986). El director británico Elgar Howarth falleció el pasado 13 de enero a la edad de 89 años.
Nacido en Cannock, Staffordshire, en 1935, se formó en la Universidad de Manchester y en el Royal Manchester College of Music, donde tuvo como compañeros a los compositores Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Peter Maxwell Davies y al pianista John Ogdon. Este círculo de amistades orientó sus futuros intereses hacia las músicas del siglo XX.
Dirigió las principales orquestas británicas y fue principal director invitado de Opera North de 1985 a 1988 (y luego Asesor Musical de la misma de 2002 a 2004). Mantuvo asimismo una estrecha vinculación con conjuntos de metales, como el Philip Jones Brass Ensemble, para los que realizó numerosos arreglos y escribió piezas, pues al margen de su actividad como director Howarth fue también compositor y trompetista. En su discografía figuran obras de Schoenberg, Stravinsky, Hindemith, Copland, Ligeti, Birtwistle, Xenakis y Ferneyhough, entre otros.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con In Memoriam R.K., en la versión de la Orquesta Eikanger-Bjørsvik, dirigida por Howard Snell.
María Amapola Cabase, más conocida como Amapola Cabase, nació en Cebú, Filipinas, el 3 de noviembre de 1948. Cantante, multi instrumentista, compositora y actriz.
María Amapola Cabase Actualizado el 25 de septiembre de 2024
María Amapola Cabase, más conocida por su nombre artístico Amapola, es una cantante, actriz, música y presentadora de televisión y radio filipina. Es ampliamente conocida en Filipinas como la intérprete original de la canción "Kapantay Ay Langit", que posteriormente popularizó la cantante Pilita Corrales. La Primera Dama de Filipinas, Imelda Marcos, la nombró "Embajadora de la Música" del país en 1973, con motivo de su primer concierto en Nueva York, el 3 de noviembre de 1973, en el Town Hall de Nueva York. En 1984, lanzó su álbum debut internacional, producido en colaboración con el pianista de jazz Bobby Enríquez, quien dirigió el Cal Tjader Trio para el álbum debut de jazz de Amapola, "Sophisticated Lady".
Carrera Musical
La carrera musical de Amapola comenzó cuando cantó el tema de amor "Guihigugma Ko Ikaw" para la película Utlanan de Azucena Pictures. La canción "Kapantay Ay Langit" en YouTube cantada por Amapola y compuesta por George Canseco, ganó el premio a la canción del año del Festival de Cine de Manila "Gabi Ng Parangal" (Premio de la Academia Filipina de Artes y Ciencias Cinematográficas). Más tarde fue popularizada por la cantante Pilita Corrales y eventualmente se convirtió en su canción insignia. Amapola recibió la llave de la ciudad de Cebú del entonces gobernador Manuel Cuenco para celebrar su trabajo como directora de Toy Orchestra, convirtiéndola en la persona más joven en recibir el honor. El evento se llevó a cabo en la DYRC -Radio de la ciudad de Cebú, al que asistieron la Orquesta Militar de Juguetes de la Escuela Normal de Cebú (ahora Universidad Normal de Cebú), la directora Amapola y la directora Coronada Pingol, creadora de la Orquesta de Juguetes CNS.
Desde la década de 1970, Amapola ha interpretado jazz y música popular. Ha sido la artista principal en recintos como el Hotel Sahara y el Hotel Union Plaza en Las Vegas, el Stern Grove en San Francisco, el Town Hall en Nueva York, el Grand Hotel en Washington D.C. y el Shrine Auditorium en Los Ángeles. En 1979, la banda de Amapola, Amy and the Sounds, con su padre, Mahnee Cabase, en los teclados, fue contratada como la banda residente del Hotel Fairmont en San Francisco.
En la década de 1980, Amapola ganó varios premios por su música, como el Premio Awit a la Mejor Cantante Femenina y a la Mejor Interpretación Vocal. En 1984, fue incluida en el Salón de la Fama de los Premios Tinig por sus contribuciones a la industria del entretenimiento filipina en Filipinas y en el extranjero, participando en numerosas presentaciones locales en California para la comunidad filipina.
Discografía
El 13 de noviembre de 1971, Billboard anunció que Amapola había firmado un contrato discográfico con Vicor Music Corporation. Tras su paso por D'Swan Records y haber ganado su primer premio Awit como Mejor Cantante Femenina en Lengua Vernácula, Amapola firmó con Vicor para grabar sus dos primeros sencillos de éxito: «Secret Love» y «Never». Estos sencillos consolidaron el álbum «Songs and Amapola», que alcanzó el estatus de Disco de Oro bajo el sello Pioneer. Amapola ostentó el título de Reina de las Jukeboxes Filipinas a principios de los años 70.
Sencillos de éxito
1970: "Kapantay Ay Langit" en YouTube
1971: "Amor secreto"
1971: "Nunca" en YouTube
1971: "¿Pecador o santo?"
1971: "Las pequeñas cosas significan mucho"
1971: "Caminaré solo"
1971: "Un solo amor"
1971: "Escondite"
1971: "Pérdida de amor" en YouTube
1971: "Canciones" (de George Canseco)
1971: "Cara a cara"
1972: "Historia de una noche estrellada"
1972: "Ah-Choo"
1972: "Juegos prohibidos" en YouTube
1973: "Habla suavemente, amor"
Álbumes y recopilaciones
1972: Canciones y Amapola
1982: En vivo, en el Hotel Manila
1984: Composiciones de Mahnee Cabase
1988: Dama sofisticada
2004: Broadway, a mi manera
2005: Regreso a casa (solos de piano)
2008: Por elección
2008: No me conoces
2010: Feliz Navidad, cariño
Canciones y Amapola
El primer álbum recopilatorio de Amapola, Songs and Amapola, fue lanzado bajo el sello Pioneer de Vicor Music Corporation e incluyó todos los sencillos de éxito de Amapola de 1971-72. Todos los temas fueron compuestos e interpretados por D'Amarillo y su orquesta. Profesor de canto: Phillip Maninang. La contraportada del álbum incluía el poema de George Canseco: «Oda a Amapola».
Televisión y Escritura
Amapola presentó "Amapola Presents Show", un programa semanal de variedades de televisión en KEMO-TV (ahora KOFY) en San Francisco, que condujo desde 1978 hasta 1981. Actuó regularmente en programas de televisión de Manila como Stop, Look, Listen (como una de las presentadoras semanales), Eat Bulaga!, Superstar, Seeing Stars, Etchos Lang y Live with Pops and Martin durante la década de 1980.
Amapola fue descubierta por Espiridion Laxa, quien la contrató para Tagalog Ilang-Ilang Productions para tres películas. Coprotagonizó con Victor Wood "Mr. Lonely" en 1972 y "You Are My Destiny" en 1973. Ambas películas fueron dirigidas por Leonardo L. Garcia y escritas por Rico Bello Omagap. El reparto de la tercera película, "I Went To Your Wedding", cambió cuando Amapola comenzó su gira por Estados Unidos en Honolulu, Hawái.
En 2003, Amapola publicó *Coming Home*, su primera novela. *Coming Home* ganó el premio literario Royal Palm de la Asociación de Escritores de Florida en la categoría de ficción romántica y fue finalista al premio a la mejor novela de 2004 de la revista *Foreword*. En 2005, publicó *Promising Skies*, que recibió elogios de la crítica, incluyendo a Ellen Tanner Marsh, autora de bestsellers del *New York Times*.
Crucero Principal
De 1986 a 1990, Amapola fue la artista principal a bordo de todos los barcos de Royal Viking Line: Royal Viking Sky, Royal Viking Star, Royal Viking Sea y Royal Viking Sun, y cantó con la Orquesta de Glenn Miller, la Orquesta de Nelson Riddle, Bob Crosby and the Bobcats y la Orquesta de Mitch Kerper. En 1990, interpretó el papel de Bloody Mary en la producción teatral de South Pacific (musical) del Royal Viking Sun. De 1990 a 1994, cantó a bordo del Song of the Flower de Seven Seas Cruises y del Hanseatic de Hapag-Lloyd, un barco explorador que recorría Sudamérica alternando con el Ártico y la Antártida. A bordo del Hanseatic, le ofrecieron cantar en el MS Gripsholm. En 2006, fue invitada a ser la artista principal del Voyager World Cruise de Regent Seven Seas Cruises.
Vida personal
Amapola tuvo dos hijos con su segundo esposo, Nicolas T. Aiello. Actualmente está casada con Stephen Woodward, a quien le diagnosticaron la enfermedad de Parkinson en 1989. Desde entonces, ambos han participado activamente en la búsqueda de una cura para la enfermedad de Parkinson. Stephen Charles Woodward falleció el 17 de mayo de 2016 en un accidente automovilístico en Florida. Tenía 65 años.
Honores y legado
Premios Awit, Mejor cantante femenina de Filipinas (en lengua vernácula) (ganó)
Premios Awit, Mejor Cantante Femenina en Filipinas (ganado)
Premio a la trayectoria profesional del NPC, Club Nacional de Prensa, Filipinas (mérito)
Sociedad Cultural de San Francisco, Premio Cultural de San Francisco (ganado)
Premios "Eye" del Área de la Bahía, Artista del Año (ganador)
Amapola ha sido incluido en el Salón de la Fama de los Premios Awit y en el Salón de la Fama de los Premios Tinig.
Canciones
Unya Nahanaw KaManny Cabase Composiciones · 2001
Guihigugma Ko IkawManny Cabase Composiciones · 2001
Patayng' BuhiManny Cabase Composiciones · 2001
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Secret Love.
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