Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa Gornicza son tres ciudades vecinas situadas en el distrito de Zaglebie, en el suroeste de Polonia. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Bedzin y Sosnowiec albergaban comunidades judías de aproximadamente 28.000 personas cada una, mientras que Dabrowa contaba con 5.000. Los alemanes ocuparon las ciudades el 4 de septiembre de 1939. Cinco días después, incendiaron la Gran Sinagoga de Bedzin. Las llamas se propagaron rápidamente y arrasaron cincuenta casas contiguas. Los ataques físicos fueron acompañados de una legislación económica represiva que obligó a la población judía a renunciar a sus negocios y propiedades. En los primeros días de la ocupación, se nombraron consejos judíos independientes en Bedzin y Sosnowiec, pero a principios de 1940 el consejo de Bedzin quedó subordinado a la Zentrale der Juedischen Aeltestenraete (Oficina Central de los Consejos de Ancianos Judíos de la Alta Silesia), establecida en Sosnowiec y dirigida por el cada vez más autocrático Moshe Merin, este consejo representaba a unas cuarenta y cinco comunidades de la zona y contaba con su propia fuerza policial judía.
Durante 1940-1941, la situación en Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa se consideraba algo mejor que en el resto de la Polonia ocupada. Allí, los judíos residían en guetos abiertos y sus vidas conservaban una apariencia de normalidad. Como resultado, miles de judíos del centro de Polonia buscaron refugio en la zona. Además de esta afluencia, varios miles de judíos del distrito fueron reasentados a la fuerza en Bedzin y Sosnowiec en ese momento, entre ellos los judíos de Oswiecim, que llegaron en la primavera de 1941 antes de la apertura de Auschwitz-Birkenau. El Consejo Judío de Sosnowiec era responsable de elaborar listas de judíos locales que serían enviados a campos de trabajos forzados en Alemania y la Alta Silesia oriental, establecidos bajo el programa de la Organización Schmelt. Los judíos seleccionados para trabajos forzados debían presentarse en el campo de tránsito local, conocido como "Dulag". El incumplimiento conllevaba su arresto y la retirada de las cartillas de racionamiento de sus familias. Los traslados a campos de trabajo comenzaron en 1940, pero se intensificaron enormemente en la primavera de 1941, después de que Himmler decidiera utilizar mano de obra de los campos de la Organización Schmelt para la construcción de grandes fábricas que apoyaran la producción bélica alemana. El Consejo Judío también participó en la creación de talleres de propiedad alemana que empleaban a judíos. El mayor de ellos fue la Rosner Fabrik, una red de talleres que producían uniformes militares y otros bienes y servicios para el ejército alemán. De un taller con unas pocas docenas de empleados, se convirtió en un complejo fabril con tres mil trabajadores. Quienes tuvieron la suerte de conseguir puestos en estas empresas quedaron exentos (por el momento) de la deportación a campos de trabajo. A diferencia del típico capataz alemán, Rosner trataba a sus empleados con respeto y luchaba por protegerlos. Incluso les advertía de las acciones inminentes. La Rosner Fabrik permaneció en funcionamiento hasta el arresto y la ejecución de Rosner en enero de 1944. Cuando se cerraron las escuelas, las organizaciones juveniles sionistas locales se hicieron cargo de la enseñanza de los niños. También impartieron formación agrícola en pequeñas parcelas en las afueras de la ciudad. En Bedzin, a la juventud sionista local se le asignó una parcela de cien acres conocida como la "Farma", que se convirtió en un centro de actividad juvenil. La primera oleada de deportaciones a campos de exterminio tuvo lugar en mayo de 1942, cuando 1500 judíos fueron enviados a Auschwitz. Al mes siguiente, otros 2000 fueron deportados. El 12 de agosto, se ordenó a todos los judíos que quedaban en las tres localidades que se presentaran en el campo de fútbol de Sosnowiec, supuestamente para que se les revalidara su documentación. En cambio, se llevó a cabo una selección masiva que resultó en la deportación de 8000 personas a Auschwitz. Los movimientos juveniles, liderados por el activista de Hashomer Hatzair, Zvi Dunski, llevaron a cabo una campaña instando a sus compatriotas judíos a no presentarse a las deportaciones. También comenzaron a organizar unidades de resistencia clandestinas. La "Farma" se convirtió en el cuartel general de la resistencia judía clandestina y fue el lugar de reuniones secretas con Mordechai Anielewicz, Arie Wilner y otros líderes de la Organización Judía de Combate en el gueto de Varsovia. La resistencia concentró sus esfuerzos en adquirir armas y construir búnkeres en preparación para una revuelta. Sin embargo, las opiniones estaban divididas entre quienes favorecían la resistencia dentro del gueto y quienes enfatizaban la búsqueda de rutas de escape. En la primavera de 1943, los judíos que quedaban en Bedzin fueron confinados a un gueto establecido en Kamionka, mientras que los que permanecían en Dabrowa y Sosnowiec fueron concentrados en Srodula. Ambos sitios colindaban y funcionaban como un solo gueto. El 1 de agosto de 1943 comenzó la liquidación final del gueto. Jóvenes sionistas ofrecieron resistencia armada en varios búnkeres, lo que obstaculizó a los alemanes y los obligó a emplear casi dos semanas en el desalojo. Unos mil judíos permanecieron en el gueto tras la liquidación. La mayoría fueron instalados en el campo de trabajo de Sosnowiec, establecido en el emplazamiento del gueto de Srodula. Estos judíos trabajaban en talleres como sastres, zapateros y carpinteros. El campo fue finalmente liquidado el 13 de enero de 1944 y sus prisioneros enviados a Auschwitz.
Anthony Lawrence Carey, más conocido como Tony Carey, nació en Watsonville, California, Estados Unidos, el 16 de octubre de 1953. Cantante, compositor, productor discográfico y de cine. Toca piano, teclados, guitarra y bajo.
Tony Carey apareció por primera vez en la escena internacional en 1975, tocando los teclados para la banda Rainbow, de Ritchie Blackmore.
Carey participó en los álbumes clásicos «Rising» y «On Stage», formando parte de una alineación de Rainbow que incluía a Ronnie James Dio, Cozy Powell, Jimmy Bain y Ritchie Blackmore, con la cual realizó una gira mundial durante dos años.
Originario de California, Carey se trasladó a Alemania en 1978 para desarrollar su carrera en solitario. Aprendiendo sobre la marcha, grabó varios álbumes instrumentales en los que él mismo interpretó la mayor parte de los instrumentos: teclados, bajo, guitarras y batería.
En 1980, incursionó en el canto con su primer álbum vocal, «In the Absence of the Cat», al que siguió «I Won’t Be Home Tonight», publicado por el sello discográfico —entonces incipiente y envuelto en escándalos— Rocshire Records, con sede en Anaheim, California.
«I Won’t Be Home Tonight» se convirtió en un éxito radiofónico en Estados Unidos en 1982; el sencillo alcanzó el puesto número 8 en la lista «Rock Radio» de Billboard.
Entre 1978 y 1983, este prolífico compositor pasó sus días en el estudio, explorando diversos estilos musicales. Su proyecto de temática de ciencia ficción, «Planet P Project», llamó la atención del sello Geffen Records. El álbum homónimo, que incluía el sencillo «Why Me», fue un gran éxito en MTV, al que siguió el disco «Some Tough City», del cual se extrajeron dos sencillos que alcanzaron el «Top 40» en 1984: «A Fine, Fine Day» y «The First Day of Summer».
Posteriormente, Planet P Project lanzó «Pink World», un álbum doble editado en vinilo de color rosa que hoy es considerado un clásico.
Tras superar una grave enfermedad en 2009, Carey logró recuperarse por completo y ha dedicado los últimos años a grabar y realizar giras por Europa y Escandinavia. Carey ha grabado y publicado más de 40 discos, y ha producido álbumes para artistas como John Mayall, Chris Norman, David Knopfler, Joe Cocker y Peter Maffay (el artista de rock con mayores ventas en Alemania). Asimismo, ha compuesto bandas sonoras para varias películas y ha publicado más de 1.000 canciones.
El álbum Steeltown (de Planet P Project), lanzado en 2013, refleja su amor y aprecio por Noruega, explorando temáticamente la historia y las luchas de este fascinante país.
En 2014 llegó The G.O.D.B.O.X., una colección de 4 CD de Planet P Project que incluye grabaciones realizadas entre 1991 y 2013. The G.O.D.B.O.X. constituye toda una lección de historia, que abarca desde la brutalidad de la Segunda Guerra Mundial hasta la búsqueda del esquivo «sueño americano».
El año 2019 marcó el 50.º aniversario de Carey como «poeta beat», «hippie» (que aún conserva su espíritu) y alguien que, afortunadamente, «todavía no ha muerto». Este hito se conmemoró con el lanzamiento de Lucky Us —su primer disco fuera de Planet P Project en muchísimo tiempo— y la reedición de 12 álbumes de su catálogo. Entre ellos se incluyen cinco discos de Planet P Project, dos álbumes de versiones (Stanislaus County Kid I y II), un disco navideño (¡sí, navideño!), una banda sonora para una película inexistente y tres álbumes en solitario.
Citando su sencillo de 1983 «Why Me»:
«Del último hombre que estuvo aquí no se supo nada más;
no volverá por estos lares hasta el año dos mil diez».
Ante esto, Carey comenta: «Bueno, llego un poco tarde, pero ya estoy de vuelta».
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Why Me y Room With A View.
Carlos Núñez Cortés nació en Buenos Aires, Argentina, el 15 de octubre de 1942. Humorista, actor, cantante, compositor, escritor y químico. Multi instrumentista, toca piano, quena, flautas, acordeón, melódica, bongó, teclado electrónico, pinquillo, mirlitón, e instruentos de percusión.
A los 83 años, Carlos Núñez Cortés publica Es que me pasaron muchas cosas en la vida.Se trata de un libro de memorias atravesado por anécdotas personales y artísticas. El histórico integrante de Les Luthiers repasa más de cinco décadas de humor y música.
“A mí me obligaban un poco a rizar el rizo y adornar la anécdota, amplificarla, hacerla casi inverosímil”. Quien habla es Carlos Núñez Cortes, que a sus 83 años sostiene en actos aquel lugar común que afirma que la juventud es un estado de la mente. En su caso esto es un hecho. Con la misma calidez, toca el piano ubicado en el living de su casa y le muestra al fotógrafo de Clarín parte de su colección de más de cuatro mil caracoles, otra de sus grandes pasiones. Su casa está rodeada de piezas de memorabilia Luthier. De hecho, él es el principal archivista del grupo, siempre dispuesto a colaborar con quien esté interesado en indagar en su historia.
Mientras toma un café y come un budín casero delicioso que preparó su esposa, repasa anécdotas de más de 50 años como integrante de Les Luthiers, el mítico grupo artístico-musical que forjó un estilo único del cual decidió alejarse en 2017 al cumplir aquella contundente cifra. Muchas de ellas se incluyen en su libro de reciente aparición Es que me pasaron muchas cosas en la vida (Libros del Kultrum). Desde la famosa “La percha”, que puede verse en YouTube, hasta el fanatismo de su padre por River Plate o su pasión por los caracoles.
–¿Cómo fue trasladar estas anécdotas al papel?
–Te confieso algo: nunca estudié escritura ni fui a un taller literario ni nada. En ese sentido, soy medio caradura porque me largué a escribir algo sin haber estudiado antes. Sé lo que es hacer una cosa bien, como por ejemplo tocar el piano. Me pasé toda mi vida estudiando el piano un par de horas por día, siempre. Entonces es obvio que ahora me animo a cualquier cosa. Me ponen una partitura y… ahora estoy estudiando la “Fantasía-Impromptu” de Chopin que es dificilísimo. Tenés que volar por el teclado. Y me da tanto placer. Con la escritura no me pasó eso. Me entrené con mis libros anteriores: Los juegos de Mastropiero, donde hago una investigación filológica donde trato de explicar los juegos de palabras que usábamos. Después me quedó como el gustito. Qué lindo es esto de escribir, dije. Y pensé: ¿Ahora qué voy a hacer? Pensé que la gente siempre nos preguntaba cómo se nos ocurrían las cosas que hacíamos y así decidí narrar nuestra mecánica de la creación. Así nació Memorias de un Luthier. Me llevó mucho tiempo porque como cumplíamos 50 años decidí narrar el nacimiento de 50 obras. Después, como siempre fui un culo inquieto, hice muchas cosas. Cada vez que me bajaba del escenario me iba a todos lados: tuve contacto con las civilizaciones más extrañas. Me gustaba subir montañas, andar a caballo, meterme en la selva a buscar mariposas, bucear, buscar caracoles marinos. Me subía a los árboles a grabar el canto de los pájaros. Entonces dije: ahí está el tercer libro, con el que me despido. Ya tengo 83 pirulos.
–Al comienzo contás una historia con tu sobrina que dijo la frase que da título al libro. ¿Qué te ocurre con la infancia?
–Es la formación del individuo. Si a un pibe no le haces escuchar una nota a lo largo de toda su infancia es imposible pedirle que alguna vez sea músico o intente sacarle notas a algún instrumento. Es como una alcancía que uno va llenando.
–Otra historia interesante es la del Mundial 78, que contás que los habían contratado para los festejos de Argentina campeón
–Nunca fui muy futbolero. En el libro cuento la historia con mi padre, fanático de River. Mis compañeros estaban que se morían, se derretían. Para mí era algo medio lejano. Igual me emocioné con el partido. Después salí corriendo a ensayar el repertorio de la noche que iba a ser en el Alvear Palace. Era una mesa larga donde estaban los once jugadores argentinos de un lado y los once holandeses del otro. ¡No sé qué hablaron, qué entendieron! El asunto fue que el programa lo amenizó Les Luthiers. Cuando terminó el concierto pensé: si mi viejo estuviera acá se desmaya. Entonces agarré un plato de la mesa y fui hasta donde estaban los argentinos y les pedí si me lo podrían firmar con un marcador. Me firmaron los once. Me acuerdo especialmente de la firma de Kempes. Le pedí si se lo podía dedicar a mi viejo. Puso: para Anselmo, con mucho cariño. A la madrugada se lo llevé. Lo quise mucho a mi viejo. No tuvo la posibilidad de ilustrarse. Era relojero. Laburó toda su vida y fue el principal sostén.
–Trazando un paralelismo con el fútbol. ¿Cuándo dejaste los escenarios te pasó como los futbolistas que se retiran, de sentir un vacío?
–Cuando cumplimos cincuenta años y decidí bajarme del escenario sentí que corría peligro. Era como una persona que la acostumbrás a comer milanesas todos los días y, de pronto, se las sacás. Pensaba que podría tener problemas serios si no tenía que ir al teatro todas las noches. Lo único que no tengo, lo que más extraño, es tocar el piano arriba del escenario. Después mi vida actual sigue rodeada, aunque no tanto, de Les Luthiers. Colaboro con los chicos del podcast La hora de la nostalgia, que repasan nuestra historia. Sigo tocando el piano. Eso no me lo quita nadie. Y trabajo en el archivo de Les Luthiers que llevo desde 1965. ¡Tengo todo! Libretos, fotografías, todas las grabaciones. Las atesoro, las escucho, las sigo limpiando, clasificando. Siempre tuve esa cosa de archivista.
–Ustedes hicieron durante un tiempo terapia grupal.
–Sí, con el doctor Fernando Ulloa. Un profesional maravilloso. Estuvimos 17 años con él. Dentro de todo tuvimos la enorme suerte de que no había ningún loco de mierda en el grupo sino todo lo contrario. Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor. Nos estábamos cagando siempre de risa todos. Son elementos que unen más que la poxilina. Nos gustaba estar juntos. Nadie se quería cortar solo. No primaba el ego. Éramos exégetas de Mastropiero.
–Pensaba el paralelismo con una banda de rock. El trabajo de la creación colectiva muchas veces se agota.
–Claro. ¿Qué banda de rock duró 55 años? Y fijate que fuimos contemporáneos de los Beatles. Me acuerdo que moríamos. Temblábamos cuando nos poníamos a escuchar un nuevo disco. Cuando se separaron empezábamos a pensar: qué no nos pase esto a nosotros.
-Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor.
–En un podcast con Adrián Lakerman hablabas del tema del prestigio, algo que en el humor no se suele dar pero sí ocurrió en el caso de Les Luthiers. ¿Tal vez haya tenido que ver con lo innovador de la propuesta? ¿Encontraron referencias similares en otros países?
–Marcos Mundstock una vez dijo que Les Luthiers no podría haber nacido en otro lugar que no fuera un coro universitario. Los primeros chistes empezaron en el medio del coro. La mujer de Gerardo Mazana, Malena, imprimía un diario, se llamaba L’aphonique, el afónico. Ahí se contaban nuestras novedades: que fulanito miraba a menganita, la contralto del coro. Que sultanito había desafinado. Y un día llegó Gerardo con una propuesta de armar algo. Éramos todos universitarios. Nos gustaba a todos la música. Todos teníamos sentido del humor. Y éramos jóvenes. ¡Teníamos un cohete en el culo! ¿Cómo no le voy a dar la razón a Marcos de que sólo ahí pudo haber nacido Les Luthiers?
–¿Cómo ves el humor hoy en día?
–Sobre la cancelación nos tocó a nosotros. Especialmente a mí me tocó dos o tres veces hacer algunas obras donde nos reíamos mucho de la mujer. Nos parecía un lugar inagotable del cual sacar chistes. Hacía, por ejemplo, la serenata tímida. Era un pusilánime que se moría de miedo de cantarle a una mujer. Después la intimidatoria, la astrológica y la última es una serenata donde he perdido todas las esperanzas y entonces hago lo que hace cualquier loco de mierda: transformo todo el amor en odio y me lanzo contra ella con una virulencia exagerada y la quiero matar. Una obra que hacíamos con muy buen éxito y todo el mundo se reía a carcajadas, sabía que estábamos jugando y que ninguna de esas cosas que estaba intentando hacer las haría. Ni en pedo. Lo que estaba haciendo era amplificar la realidad, amplificar el absurdo y elevar mis intenciones hasta un nivel que ya era enfermizo. Ahora están los fenómenos de cancelación en los cuales cada persona tiene todo el derecho de hacer de su vida lo que se le cante el culo. Todo eso es respetable. Hemos entendido finalmente y gracias a Dios que la gente puede elegir cómo vivir, cómo vestir, cómo caminar por la calle. Hay que respetar eso. No te podés reír ahora de un tipo que resbala en la calle y se pega un porrazo. Ese humor se ha terminado.
–Nombramos a Gerardo Masana, Marcos Mundstock, también le ha tocado partir a Daniel Rabinovich. ¿Qué te viene a la mente de los Les Luthiers que ya no están?
–Todos tuvieron su aporte. Yo aporté mucho al grupo en cuanto pianista. Era el mejor pianista. Ernesto Acher tocaba bastante bien el piano y nadie más. Los demás champurreaban un poquitito. Gerardo tocaba un poquito y ellos me tomaron a mí fundamentalmente porque yo era muy buen pianista. No tenía ni idea ni de mi sentido de humor, tenía una voz de tenor medio agudita no demasiado potente, ni siquiera era educada, como la voz de Marcos, que estudió canto y demás. El recuerdo que tengo es el que me hayan cobijado bajo su ala dos tipos como Marcos y Gerardo Masana que fueron los que empezaron toda esta movida. Gerardo con la música y Marcos con los textos. Enseguida me llamaron porque decían que era un elemento valioso que puede ayudarnos. Entonces yo les debo fundamentalmente a ellos dos, en especial el hecho de que me arreglaron la vida. En el momento en que uno está pensando que es casi un adolescente, como era yo, que voy a hacer, yo tenía ya un título universitario, ya era químico, trabajaba de químico, no me gustaba demasiado lo que hacía. De pronto encontrar esa vertiente, este espacio donde más que trabajar íbamos a jugar, me llenó de satisfacción, esperanza. Estoy en el lugar correcto. Un día tuve que renunciar a mi trabajo de químico para siempre y dedicarme a esto de hacer humor con la música y tocar el piano lo mejor posible. Agradezco al cielo haberme cruzado con Marcos y Gerardo y que nos hayamos hecho amigos. Porque en primer lugar fuimos amigos. Amigos y coreutas del coro de Ingeniería. Después, despacito, empezó toda esta aventura que nadie, absolutamente nadie, en esos momentos podría haber aventurado ni una milésima parte de lo que pasaría después. Estar en el Palacio Oviedo recibiendo el Premio Príncipe de Asturias de manos del Rey de España como contribución a la lengua española. ¿Qué más pretendo? ¿El Nobel? Me queda el Nobel, puede ser.
Carlos Núñez Cortés básico
Nació en Buenos Aires, en 1942. Es concertista de piano, compositor y arreglador de música.
Licenciado en Química Biológica y estudioso de la fauna marina ha recorrido los mares del mundo investigando y coleccionando caracoles.
Es inventor de entretenimientos matemáticos y programador de juegos para ordenadores.
Pertenece al grupo Les Luthiers desde sus comienzos, donde, además de la actuación en el escenario, se ocupa de la composición musical y de la creación y construcción de instrumentos informales.
Es que me pasaron muchas cosas en la vida, de Carlos Núñez Cortes (Libros del Kultrum).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con El Explicado.
José María de León y Ramos Jr., más conocido como Joey de León, nació en Manila, Filipinas, el 14 de octubre de 1946. Actor, cantante, compositor, comediante, escritor y presentador de televisión.
José María Ramos de León Jr. (nacido el 14 de octubre de 1946), conocido profesionalmente como Joey de León, es un presentador de televisión, músico, comediante, actor, columnista, escritor y locutor de radio filipino. Joey es uno de los tres presentadores pioneros de Eat Bulaga! que aún forman parte del programa hasta el día de hoy junto con Tito Sotto y Vic Sotto. Juntos, Tito Sotto, Vic Sotto y Joey de León conforman el icónico trío cómico conocido como TVJ.
Entre los presentadores de televisión, Joey es conocido por su ingenio, chistes subidos de tono, sarcasmo e imitaciones. También es uno de los escritores más prolíficos de la industria multimedia, autor de varias canciones exitosas que muchos consideran clásicos de la música filipina, como "Ang Boyfriend Kong Baduy" de Cenicienta y "Ipagpatawad Mo" y "Awitin Mo at Isasayaw Ko" de VST & Company. Además, escribe columnas para The Philippine Star y anteriormente para Manila Bulletin. Su mente creativa es capaz de inventar palabras que provocan pensamientos graciosos, creando los títulos de varios segmentos, así como el título del programa de mediodía, lo que le ha valido el apodo de "Henyo Master" de la industria del entretenimiento filipino.
Contenido
Primeros años de vida
José María Ramos de León, Jr. nació el 14 de octubre de 1946 en Manila, Filipinas. Joey es el segundo de los cuatro hijos de José Esteban Seoane de León y Emma Manahan Ramos. Su padre sirvió en las Fuerzas del Ejército de los Estados Unidos en el Lejano Oriente (USAFFE), una formación militar creada después de que las fuerzas del Ejército filipino fueran absorbidas por las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.
Sus padres se separaron cuando él era pequeño. A los tres años, su padre se mudó definitivamente a Madrid, España, y decidió formar una nueva familia. Con su segunda esposa tuvo ocho hijos: siete niñas y un niño. Mientras tanto, Joey creció con su madre en el bullicioso barrio de la calle G. Tuazon en Sampaloc, Manila.
Su abuelo paterno fue el primer alcalde de Malolos, Bulacán.
Como le gustaba dibujar, estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Manila. Después de dos años, abandonó la universidad porque no le gustaban las matemáticas.
Una broma que lo inició todo
Tras abandonar la universidad y desempeñar varios trabajos, se adentró en el mundo del espectáculo local en 1968 con la ayuda de su mejor amigo, Freddie Villareal, cuya madre era la modista de la cantante y actriz Carina Afable. Un día, Joey tuvo la oportunidad de ir al recién inaugurado centro de transmisión de ABS-CBN. La madre de Freddie le había pedido a su hijo que le entregara un vestido a la cantante y actriz. Joey la acompañó.
Al llegar, no consiguieron una audiencia inmediata con Carina Afable. Para matar el tiempo, visitaron otros estudios y se toparon con una audición para locutores de radio. Sin que él lo supiera, su amigo bromista Freddie le dio su nombre al guardia de turno para que se lo entregara al encargado de la audición. Como no buscaba el trabajo, se mostró tranquilo y relajado cuando los responsables de la audición le entregaron un guion para leer. Además, sabía modular la voz gracias a su formación en oratoria en la universidad. Su audición fue un éxito, lo que impulsó su carrera en la radiodifusión.
De la radio a la televisión
En ABS-CBN, sus primeras tareas como locutor de radio solo consistían en poner discos y controlar la hora.
Cuando ABS-CBN lanzó la emisora de radio DWOW, figuras como Ike Lozada, Tessie Lagman y Roger Nite fueron designados para presentar la programación exclusivamente local. El recién llegado Joey logró obtener su espacio solo porque nadie quería encargarse del turno nocturno (de 10 p. m. a medianoche). Finalmente, también le asignaron un espacio de 5 a. m. a 7 a. m.
En algún momento, mientras trabajaba como DJ, conoció a Tito Sotto, que por aquel entonces estaba de gira promocional por la radio con su grupo Tilt Down Men.
En la década de 1960, Joey trabajó como locutor de radio en 12 emisoras durante cinco años, incluyendo todas las de ABS-CBN, así como otras como Kanlaon Broadcasting System (KBS), Mareco Broadcasting Network y DZSA (1230 kHz). Su experiencia como locutor le permitió comprender a la perfección los gustos del público, su programación y su aversión. Todo ello resultó invaluable en sus siguientes carreras como guionista, compositor, presentador de televisión y comediante.
En 1972, ABS-CBN fue clausurada por la ley marcial y Joey perdió su trabajo. Afortunadamente, Joey tuvo su primera oportunidad en televisión al año siguiente cuando fue incluido en el elenco de Okay Lang de IBC-13, un programa semanal de comedia con los hermanos Sotto, Ricky Manalo y la APO Hiking Society. Si bien Tito y Joey ya eran buenos amigos, esta fue la primera vez que Vic y Joey se conocieron.
Formación de TVJ
A mediados de la década de 1970, Joey se convirtió en copresentador del programa de variedades de los sábados de la cadena GMA, Discorama. En aquel entonces, el programa tenía bajos índices de audiencia. Mientras el presentador principal, Bobby Ledesma, estaba de vacaciones, le pidió a Joey de Leon que se hiciera cargo del programa. Luego invitó a sus antiguos compañeros de reparto de Okay Lang, Tito, Val y Vic, a unirse a él en Discorama. Solo Tito y Vic aceptaron la invitación de Joey.
Combinando su ingenio, el trío ganó aún más popularidad en el segmento "Tough Hits", donde comenzaron a presentar noticieros cómicos intercalados con parodias de los éxitos del Top 40. Joey componía la mayoría de las letras. Esta nueva comedia salvó al programa de la cancelación por parte de los ejecutivos de la cadena. Así nació el trío conocido como TVJ.
Los primeros años de TVJ
Gracias a su reciente éxito, el trío también fue invitado a participar como bateadores suplentes en el programa Student Canteen a partir de 1976.
Aunque TVJ comenzó en Discorama y Student Canteen, fue el programa de comedia Iskul Bukol de IBC-13 el que les dio fama nacional como comediantes. Emitido por primera vez en 1978, Iskul Bukol atrajo a numerosos productores de televisión y cine, incluyendo una oferta de Tony Tuviera para presentar un nuevo programa de mediodía en RPN. Tras algunas negociaciones, el trío aceptó.
Pioneros del espectáculo
¡Come Bulaga! se estrenó el 30 de julio de 1979. Junto con Chiqui Hollman y Ritchie D'Horsie, TVJ se convirtió en uno de los presentadores pioneros del programa. Joey tenía 32 años en el momento del estreno.
Joey ideó el título del programa. Irónicamente, la idea surgió en la cocina de Tito Sotto en White Plains, Ciudad Quezón. Joey admitió haberse inspirado en el programa rival Student Canteen al crear el título. En su columna de The Philippine Star, reveló:
"Me inspiré en Student Canteen cuando pensaba en un título para nuestro nuevo programa de mediodía... Obviamente, no seguí la palabra "Student" (estudiante) —baka sabihin gaya-gaya...— Me concentré en su segunda palabra: "Canteen" (comedor). ¿Y qué se hace en un comedor? ¡Pues comer! Y eso se convirtió en mi aperitivo para ayudarme hasta que di con un título delicioso: ¡Eat Bulaga!"
Desde entonces, ¡Joey se ha mantenido fiel a Eat Bulaga!, a pesar de no tener contratos que lo aten al programa de mediodía ni a su productora. Durante más de tres décadas, Joey de León ha dedicado su vida a Eat Bulaga! junto a Tito y Vic. Juntos, siguen siendo los tres pilares del programa de mediodía de mayor duración en Filipinas.
El Maestro Henyo
La creatividad no se limitó al título del programa. ¡A lo largo de las tres décadas de Eat Bulaga!, Joey ha acuñado los títulos de algunos de sus segmentos, en particular el segmento Kalyeserye, que alcanzó un éxito fenomenal sin precedentes en la televisión y las redes sociales.
Joey también ideó uno de los eslóganes más llamativos de Eat Bulaga! durante la celebración de su primer aniversario en 1980: ¡Eat Bulaga! cumple un año. ¡Faltan 99 años!, que incluso se imprimió en camisetas. Este eslogan seguía al original: ¡Hasta que haya un niño, habrá Eat Bulaga!, en cuya creación también participó Joey.
También es conocido por usar camisetas con frases ingeniosas y diseños originales en el programa, que pueden conmemorar eventos importantes, hacer referencia a la actualidad mundial, criticar temas de actualidad e incluso incluir sutiles insinuaciones sexuales. Dado que Joey también es un orgulloso fan de Dabarkads, muchas de sus camisetas celebran Eat Bulaga! y su larga trayectoria.
Su estilo de comedia y humor ha generado controversia en repetidas ocasiones, provocando la ira de los internautas por sus comentarios insensibles e improvisados en el programa. A principios de la década de 2000, Joey fue suspendido varias veces por la Junta de Clasificación y Revisión de Películas y Televisión (MTRCB) por usar lenguaje soez o con doble sentido. Desde entonces, Joey ha moderado su comportamiento, aunque aún conserva su sarcasmo al intentar hacer reír con sus chistes.
El rey de todos los medios
Fuera de Eat Bulaga!, Joey de León también se ha convertido en una figura valiosa en la industria del entretenimiento filipino en general por sus contribuciones en la televisión, el cine, la radio, la música y la prensa escrita. Desde sus primeras incursiones en la industria radiofónica, Joey dominó el cine y la televisión. Entre sus personajes más notables se encuentran Starzan de la trilogía cinematográfica Starzan, Joey Escalera de la franquicia Iskul Bukol y Pando/She-Man de She-Man: Mistress of the Universe (1988). Protagonizó Joey and Son en 1982, una comedia de situación en RPN donde interpretó al padre de un niño pequeño interpretado en ese entonces por Ian Veneracion. También fue uno de los comediantes de TODAS, donde sus coprotagonistas incluían a Jimmy Santos, Val Sotto y Ritchie d'Horsie.
En la década de 2000, ¡Joey se centró en presentar programas de televisión además de Eat Bulaga!, como Mel & Joey, Startalk , Wow Mali y Nuts Entertainment . También fue juez residente de los programas insignia de competencia de talentos de telerrealidad de GMA Network, StarStruck y Protégé.
proyectos musicales
Durante su adolescencia, a mediados de la década de 1960, formó parte de una banda llamada Koolkats.
Tras el éxito del segmento «Tough Hits» de TVJ en Discorama, Vicor Music Corporation lanzó posteriormente el mismo título como álbum. Debido a la enorme cantidad de material recopilado del segmento, la colección se publicó en 12 volúmenes, que aún se venden. Sin embargo, el trío nunca recibió ninguna compensación económica por las ventas de la colección. Joey escribió la mayoría de las letras de las canciones paródicas.
Aunque no figura oficialmente como miembro, Joey de León fue una parte integral del proceso creativo de VST & Company. Joey fue autor de "Ipagpatawad Mo" y "Awitin Mo at Isasayaw Ko", dos de las canciones más memorables de VST & Company.
Posteriormente, escribió canciones para cantantes de renombre como Nora Aunor, Sharon Cuneta, Fred Panopio y D'Big 3 Sullivans.
En la década de 2000, colaboró con las SexBomb Girls para interpretar las canciones "Spaghetti Song" (2003) y "Halukay Ube" (2004), que se convirtieron en éxitos de baile que marcaron el apogeo de la popularidad del grupo. Joey lanzó dos álbumes de novedad, Joey to the World (Tough Hits) (2004) y Joey to the World 2 (2007), con el exitoso sencillo "Itaktak Mo", que se convirtió en el tema principal del segmento Taktak Mo o Tatakbo, así como en una de las canciones de baile más solicitadas de 2007. Luego, Joey continuó su éxito con el álbum Kagat Labi (2008), que incluía el exitoso sencillo "Kagat Labi". Ambos sencillos se convirtieron en éxitos de baile en el momento de su lanzamiento.
Escritor, ante todo
Joey de León se destacó como columnista habitual en varios periódicos, entre ellos el Philippine Daily Inquirer, el Manila Bulletin, el Philippine Star y el desaparecido Philippines Daily Express. También escribió para innumerables tabloides. En algún momento, Joey incluso ilustró caricaturas para el tabloide Bandera.
Joey de León escribía para la columna de entretenimiento del periódico Manila Bulletin, titulada "De Leon's Den", hasta su renuncia el 31 de julio de 2008. Decidió dejar su labor como columnista tras leer un artículo de Dindo Balares en Balita, publicación hermana de Manila Bulletin. ¡El artículo afirmaba que el programa internacional de Eat Bulaga! en Los Ángeles había sido un fracaso. Joey de León se sintió ofendido y renunció definitivamente. Regresó el 17 de agosto de 2008 como columnista de entretenimiento para el periódico The Philippine Star. Su columna semanal de entretenimiento se titula "Me, Starzan".
"En realidad, me encanta ko talaga ang magsulat, e... el escritor ako talaga antes que nada".
Joey practica constantemente sus habilidades de escritura y, además, escribe poemas, guiones y canciones en su tiempo libre.
Vida personal
Joey de León contrajo matrimonio con su pareja de toda la vida, Eileen Macapagal, en una ceremonia religiosa en Macao el 1 de marzo de 2018, fecha que coincidió con el día exacto en que decidieron fugarse para casarse hace 35 años, en 1983. La ceremonia civil tuvo lugar en el Tribunal Supremo de Filipinas el 19 de marzo de 2018. La pareja tiene tres hijos: su hija Jocas y sus hijos Jako y Jio.
Joey estuvo casado anteriormente con la actriz Daria Ramirez, con quien tiene dos hijos: su hija Cheenee y su hijo Keempee.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Itaktak Mo.
Antes de la guerra vivían en Munkács 13.500 judíos, representando más del 40% de la población. Además de las comunidades jasídica y ortodoxa, funcionaba un colegio secundario (Gymnasium) hebreo. El ingeniero Elyahu Rubin enseñó en el colegio y luego se convirtió en su director. Cierto día József Strausz, un funcionario municipal católico de origen alemán le solicitó que permitiera a su hijo, también llamado József, estudiar hebreo en el colegio – como preparación para su futura incorporación al clero católico. El muchacho fue aceptado en el liceo y las dos familias se volvieron amigas. Después de la invasión alemana a Hungría Rubin se dirigió a sus amigos de la familia Strausz y les solicitó esconder en su casa a su hijo Amós. Strausz y su esposa accedieron de inmediato al pedido y ofrecieron esconder a toda la familia Rubin. Sin embargo, Elyahu Rubin se negó al ofrecimiento, temiendo que ello pondría en un peligro mayor a ellos y a su hijo. El 11 de abril Amós Rubin llegó a la casa de los Strausz trayendo consigo un pequeño paquete con sus posesiones. Sus padres fueron trasladados al gueto y en mayo deportados a Auschwitz. Antes de abandonar consiguieron entregar a la familia Strausz un atado de cartas personales con fechas posteriores, para que sean entregadas a su hijo de cuando en cuando. De ese modo, y sin tener en cuenta su suerte verdadera, el muchacho podría recibir aliento de la creencia que sus padres estaban vivos y gozaban de buena salud. Strausz, su esposa Margit y su hijo Jószef de 18 años, hicieron todo lo posible para aliviar el sufrimiento del chico durante los seis meses en que estuvo escondido. Le proveyeron de comida y ropa y se hicieron cargo de todas sus necesidades. También le llevaban libros y le iban entregando las cartas que “recibían” de sus padres. El muchacho permaneció siempre en la casa y nunca se aventuró fuera de ella hasta que la zona fue liberada por el Ejército Rojo en octubre de 1944. Recién al fin de la guerra se enteró Amós de la suerte que corrieron sus padres. Milagrosamente, ambos estaban entre los pocos judíos de Munkács que regresaron de los campos. En el verano de 1946 la familia Rubin emigró a la tierra de Israel. Las dos familias siguieron estando en contacto a lo largo de los años.
El 13 de octubre de 1964 Yad Vashem reconoció a Jószef y Margit Strausz como Justos de las Naciones.
Neil Stanley Aspinall nació en Prestatyn, Gales, Reino Unido, el 13 de octubre de 1941, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 24 de marzo de 2008. Manager y asistente personal de los Beatles, productor y ejecutivo de Apple Corporation.
Nacido el 13 de octubre de 1941, Neil Aspinall fue amigo de la infancia de Paul McCartney y George Harrison, y se convirtió en el mánager de giras de The Beatles, asistente personal y gerente de Apple Corps.
A los 12 años, Aspinall ingresó en el Instituto de Liverpool, donde estudió inglés y arte junto a Paul McCartney. Tras dejar la escuela en 1959, estudió contabilidad y trabajó como contable en prácticas durante dos años.
Los Beatles tocaron por primera vez en el Casbah Club de Liverpool en agosto de 1959. El local estaba en el sótano de Mona Best, madre del baterista de la banda, Pete Best. Aspinall se hizo muy amigo de Pete y alquiló una habitación en casa de Mona. Aspinall inició una relación con Mona y tuvieron un hijo, Vincent 'Roag' Best, nacido en julio de 1962. Su relación terminó cuando Pete Best fue despedido de los Beatles, un incidente que indignó profundamente al leal Aspinall.
En la carretera
Cuando la carrera de The Beatles despegó a principios de la década de 1960, necesitaron un conductor. Pete Best le pidió a Aspinall que fuera su mánager de gira a tiempo parcial, y este compró una furgoneta Commer gris por 80 libras. Cobraba a cada miembro de la banda cinco chelines por concierto.
Cuando los Beatles regresaron de su segundo viaje a Hamburgo en julio de 1961, Aspinall dejó su trabajo de contable para convertirse en su mánager de gira a tiempo completo.
En 1963 se le unió el técnico de sonido y guardaespaldas Mal Evans, y Aspinall se convirtió más bien en asistente personal de la banda. Trabajó estrechamente con Brian Epstein e incluso sustituyó a un enfermo George Harrison durante los ensayos para el programa de Ed Sullivan en el primer viaje de los Beatles a Estados Unidos. También se sabe que firmó autógrafos de los Beatles para miles de fans desprevenidos.
Después de que la banda dejara de hacer giras en 1966, Aspinall se involucró más activamente en las decisiones creativas. Se le encargó buscar fotografías de todas las personas que aparecen en la portada de Sgt Pepper, y tocó la tambura en 'Within You Without You' y la armónica en 'Being For The Benefit Of Mr Kite!'.
Tras la muerte de Brian Epstein en agosto de 1967, The Beatles le pidieron a Aspinall que dirigiera Apple Corps, fundada en abril de 1968. Al parecer, George Martin se opuso a la idea, alegando que no estaba capacitado para negociar con los altos ejecutivos de EMI.
Corporación Apple
Aspinall estuvo muy ocupado en Apple, que originalmente tenía cinco divisiones: música, electrónica, cine, edición y venta minorista. Más tarde dijo sobre las prácticas comerciales de la compañía:
No teníamos ni un solo documento. Ningún contrato. El abogado, los contables y Brian, o quien fuera, se encargaban de eso. A los Beatles les habían dado copias de varios contratos, tal vez… no lo sé. Yo no sabía cuál era el contrato con EMI, ni con la productora de cine, ni con los editores, ni con nadie. Así que se trataba de ir creando un sistema de archivo, de averiguar qué estaba pasando mientras intentábamos seguir adelante.
Según se cuenta, Aspinall estaba descontento por tener que permanecer en las oficinas de Apple en el número 3 de Savile Row mientras la banda grababa el Álbum Blanco y Let It Be . Fue despedido brevemente por el nuevo mánager de los Beatles, Allen Klein, aunque posteriormente fue readmitido.
Tras la separación de The Beatles, Aspinall se mantuvo ocupado lidiando con demandas, licencias y problemas de marcas registradas, además de continuar dirigiendo Apple Corps.
Antología
A principios de la década de 1990, fue nombrado productor ejecutivo del proyecto Anthology, que tenía sus orígenes en la década de 1970 con una película titulada The Long And Winding Road. Sin embargo, problemas legales y cambios de prioridades impidieron que la película se terminara.
Para la década de 1990, Apple había resuelto muchos de sus problemas legales con EMI. Se reanudó el trabajo en el proyecto y se amplió su alcance. Como dijo Aspinall: «Si se necesitan 10 horas para contar la historia de los Beatles, entonces que sean 10 horas». Se creó una nueva filial, Apple Productions, para supervisar el proyecto.
Aspinall desempeñó un papel fundamental en la realización de Anthology y continuó protegiendo el legado de The Beatles. Sin embargo, el 10 de abril de 2007 se anunció que había decidido marcharse. Al parecer, no estaba contento con que el legado de la banda se explotara con fines lucrativos, aunque se dice que una de sus últimas tareas en Apple fue supervisar la remasterización del catálogo anterior para su reedición.
Neil Aspinall falleció en la ciudad de Nueva York el 24 de marzo de 2008 mientras recibía tratamiento para el cáncer de pulmón.
Publicado: 22 de marzo de 2008|Última actualización: 25 de mayo de 2017
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Don't Let Me Down.
David Lett, más conocido como Dave Vanian, nació en Kent, Hemel Hempstead, Reino unido, el 12 de octubre de 1956. Cantante, compositor y productor. Toca teclados.
El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Greg Prato.
Antes de que se popularizara, el punk rock se trataba de ir a tu propio ritmo, y el cantante de The Damned, Dave Vanian, era un claro ejemplo. En lugar de usar el uniforme punk que pronto sería universalmente aceptado (pelo de punta, vaqueros rotos, chaqueta de cuero, etc.), Vanian adoptó una apariencia vampírica: maquillaje pálido, cabello negro azabache peinado hacia atrás y siempre vestido de negro de pies a cabeza. Unos años después, la elección de moda de Vanian se convirtió en el look aceptado para los rockeros góticos de todo el mundo. Nacido como David Letts el 12 de octubre de 1956 en Hemel Hempstead, Inglaterra, cambió su apellido a Vanian durante los años 70, época en la que supuestamente se ganaba la vida como sepulturero. Dave Vanian and the Phantom Chords formó The Damned junto con Captain Sensible, Brian James y Rat Scabies en 1976 (a pesar del rumor popular de que Vanian nunca había cantado con una banda antes). El grupo pronto se convirtió en una de las bandas de punk británicas de la primera ola más importantes, junto con los Sex Pistols y The Clash, gracias a su clásico álbum debut de 1977, Damned Damned Damned. Vanian permaneció con el grupo a lo largo de los años y, en 1995, lanzó su primer álbum en solitario, un lanzamiento homónimo acreditado a Dave Vanian and the Phantom Chords. Además, Vanian presenta su propio programa de televisión, Dave Vanian's Dark Screen, que muestra películas de terror caseras enviadas por los espectadores, en el Reino Unido, y en 2004 el cantante apareció en un DVD en vivo de la reformada MC5, Sonic Revolution: A Celebration of the MC5.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Looking At You.
SHALOM asistió a la celebración de Rosh Hashaná 5787 en el Centro Sefarad-Israel de Madrid, donde se entregó el XV Premio Corona de Esther a los programas: Medina en TV, Buenas Noticias TV y SHALOM. Una jornada de encuentro que unió tradición, cultura, diversidad, diálogo en la televisión pública.
El rabino Nathan Cassuto posa con sus dos hijos mayores, Susanna y David, junto a una bicicleta en una calle de Milán.
Nathan Cassuto nació en Florencia, Italia, el 11 de octubre de 1909, y murió en el Campo de Concentración de Gross-Rosen, Alemania, en febrero de 1945. Oftalmólogo y Rabino.
Hijo de Umberto, primero oftalmólogo y luego rabino principal de Florencia durante la ocupación alemana. Organizó refugio para los judíos perseguidos, pero fue arrestado por las SS y pereció en los campos de exterminio. Su esposa sobrevivió, pero murió en una emboscada en un autobús lleno de enfermeras que se dirigía al Hospital del Monte Scopus en Jerusalén en 1948.
Fragmentos del testimonio de Hulda sobre su hermano en una transcripción literal del juicio de Eichmann:
A. (=Hulda): Y mi hermano, que era oftalmólogo y también asistente en la Universidad de Florencia, retomó los estudios judíos, que también eran muy importantes para él, y esta se convirtió en su ocupación hasta sus últimos años; volvió a ello, fue ordenado rabino y posteriormente sirvió como rabino asistente en Milán, y más tarde como rabino principal en Florencia.
P. ¿Su hermano también vivió en Florencia?
R. Vivía en Florencia y era rabino de la comunidad.
P. ¿Intentaron los judíos escapar en aquellos días?
R. En aquellos días reinaba el pánico entre los judíos de Florencia, pero no comprendían bien el peligro. Mi hermano, el Dr. Nathan Cassuto, actuó con determinación e intentó concienciar a los judíos del grave peligro que amenazaba a todos los judíos de Italia.
P. ¿Cómo lo hizo?
R. Lo intentó; de hecho, iba de casa en casa, advirtiendo a los judíos que se refugiaran en monasterios, que huyeran a pueblos donde no se les conociera como judíos, que se escondieran con nombres falsos. Además, intentó conseguir ayuda económica para quienes la necesitaban. En aquel entonces, organizó una especie de comité de ayuda a los judíos necesitados, formado por un pequeño grupo de judíos locales, y un sacerdote de Florencia también colaboró con ellos, pero no recuerdo su nombre. Ayudaron no solo a los judíos de Florencia, sino también a decenas y cientos de judíos que venían del norte de Italia a cruzar a la zona donde ya estaban apostados los Aliados.
…………………
R. ….. El 27 de noviembre de ese año, después de que ya se hubieran llevado a cabo varias operaciones contra judíos, quienes simplemente fueron sacados de sus casas, ese día, que era sábado, mi esposo vino al monasterio, algo muy raro, ya que nos habíamos encontrado con él y mi hermano antes, pero fuera del lugar. Ese día vino a buscarme y me dijo que el día anterior, viernes por la tarde, mi hermano había sido arrestado, junto con los miembros de su comité, mientras se reunían en algún lugar para organizar su labor de ayuda a los judíos.
P. ¿Quién lo arrestó?
R. Fue arrestado por las SS.
………………..
R. Sobre el destino de mi hermano solo sé que fue trasladado de un campo a otro. Después de haber estado encarcelado en Florencia durante tres meses, tanto mi cuñada como mi hermano fueron trasladados a campos. Ambos estuvieron, durante un tiempo, en Auschwitz, e incluso lograron intercambiar algunas palabras por escrito; Él le enviaba una nota, y una vez ella le envió una a él. Después se separaron. La enviaron a Bergen-Belsen y finalmente a Theresienstadt, donde fue liberada. Llegó a este país en 1945. Fue de ella de quien supe muchos de los detalles que les acabo de contar. Más tarde, ella misma fue asesinada por árabes en el convoy que subió al Monte Scopus en 1948.
Del destino de mi hermano solo sabemos que fue trasladado de un campo a otro y que, al final, estuvo en un campo cuya parte, al parecer, estaba en manos rusas y la otra en manos estadounidenses. Personas que salieron de allí y fueron liberadas por los estadounidenses nos dieron información sobre él, sobre sus últimos días, pero desde entonces no hemos vuelto a saber nada de él.
Al parecer, se ha publicado un libro sobre Nathan Cassuto:
Título: Scritti Memoria Di Nathan Cassuto (en italiano y hebreo). Autor: Cassuto, Nathan.
Descripción: Jerusalén: Yad Ben Zvi, 1986. 100 páginas en italiano y 100 en hebreo. En Florencia, el rabino Nathan Cassuto, médico e hijo de un renombrado erudito bíblico, fue de casa en casa instando a los judíos a esconderse durante el Holocausto. Como resultado, solo 400 judíos fueron deportados de Florencia. Este libro recuerda al rabino en su propio idioma. S. Good.
(Véase: http://www.judaicabooks.net/)
Encontré una reseña del libro en internet, una copia de una página de Jewish Quarterly:
Del sitio web de Beth ha-Tefutsoth: Recuerdos de la sinagoga de Florencia.
Dr. Enzo Nitzani:
La Gran Sinagoga de Florencia, Italia.
Maqueta en la Exposición Permanente de Beth Hatefutsoth
Centro de Documentación Visual Beth Hatefutsoth
El 9 de Av de 1938, me senté con mi padre y mi hermano en bancos bajos en una sala contigua a la sinagoga. Ya habíamos oído hablar de los inminentes decretos raciales. En la oscuridad, cantamos Al Heykhali Chevli Kenachash Noshekh («Por mi Templo sufro como si me hubiera mordido una serpiente»). Era demasiado joven para comprender la angustia en la conversación entre mi padre y el profesor David Cassuto —él también planeaba emigrar a Eretz Israel—, pero recuerdo la tristeza de aquel encuentro hasta el día de hoy.
El destino fue particularmente cruel con la familia Cassuto. Tras emigrar a Israel e incorporarse a la Universidad Hebrea, su hijo Nathan —médico y rabino de Florencia— fue asesinado en Auschwitz. Su nuera Hannah, que se salvó de los hornos de Auschwitz, murió a manos de un francotirador cuando un convoy que se dirigía al campus de la Universidad Hebrea en el Monte Scopus fue atacado por los árabes en 1948.
Jean-Jacques Goldman es un autor-compositor-interprete francés.
Su madre, Ruth Ambrunn, nacida en Munich, Alemania y su padre, Alter Mojze Goldman en Lublin, Polonia fueron héroes de la resistencia. Tenían ya dos niños antes del nacimiento de Jean-Jacques y tuvieron un cuarto a continuación. Uno de sus hermanos es el militante de extrema izquierda asesinado Pierre Goldman.
Jean-Jacques cantó por primera vez en el grupo Red Mountain Gospellers en coral, luego con The Phalanster y finalmente con Taï Phong antes de comenzar su carrera en solitario. Esta carrera la puso entre paréntesis algunos años para fundar un trío con el galés Michael Jones y la americana Carole Fredericks. Su carrera en solitario culmina en septiembre de 1985 con la aparición de su cuarto album en solitario, después de "Démodé" (1981), "Minoritaire" (1982), y de "Positif" (1983), llamado "non homologué". Dicho album habla de familia "tu es de ma famille", de "Délires schizo-maniaco-psychotiques", en esta perspectiva individual plantea un nuevo concepto: "La vie par procuration" que permanecerá en los primeros puestos de ventas a partir de 1987, pero sobre todo saca a la luz uno de sus duos más relevantes, símbolo de su posterior carrera de cantante acompañado: En "Je te donne" canta junto con "Michael Jones" con característicos guitarreos rockeros, y da al oyente "[...}todas mis diferencias, todos esos defectos que a la vez son afortunados, ... te doy todo lo que soy y todo lo que valgo ..." y lo hacen (el dúo) en inglés y en francés (que son por aquel entonces las dos lenguas occidentales por autonomasia). Otro Album "Entre gris clair et gris foncé" (1987) está considerado por sus seguidores como la mejor obra de este virtuoso guitarrista y músico "cantautor", en un cuidado francés, fresco, pero poco argótico, habla de la madre soltera "elle a fait un bébé toute seule", del emigrante "Là-bas", del buen profesional "il changeait la vie", de lo que es el amor "En tout cas c'est pas de l'amour", y como buen rockero de su guitarra "peur de rien blues"... Ya consolidado como una de las leyendas de la música francesa pasa a formar parte de la historia de la música francófona. Se le llama para elaborar el himno (oficial hasta hoy), de Les Restaurants du Cœur(*), (restaurantes de corazón), organización humanitaria fundada por Coluche. Compone bajo seudónimos y consigue que sus canciones den la vuelta al mundo sin ser un nombre propio conocido fuera del mundo francófono. Es el autor de "Aïcha" cantado por Cheb Khaled y Outlandish, el impulsor de la carrera artística de la francófona más internacional Céline Dion, escribe uno de los discos de Hohnny Hallyday... En el año 2001 sale su disco "Chansons pour les pieds" en el que predominan los ritmos celtas y sus orígenes de violinista. Al final de dicho álbum una canción oculta entre "tarareos" que despierta la curiosidad de la prensa francesa, pues tan sólo dice "La vie c'est mieux quand on est amoureux".
Jean-Jacques Goldman también escribió y compuso canciones para otros intérpretes, como Joe Cocker, Ray Charles, Yannick Noah, Céline Dion, Patricia Kaas, Johnny Hallyday, Garou, Patrick Fiori, Cheb Khaled, Lorie, Marc Lavoine, Florent Pagny, etc...
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Envole-moi.
Nacido el 10 de octubre de 1948 · Músico estadounidense
Ed Volker es un cantautor y músico estadounidense, conocido principalmente por su trabajo en los géneros de rock, blues y folk. Nacido el 21 de marzo de 1952 en Nueva Orleans, Luisiana, alcanzó la fama como miembro de la icónica banda The Radiators, formada en 1978. The Radiators son reconocidos por su singular fusión de rock, funk e influencias cajún, y desempeñaron un papel fundamental en la escena musical de Nueva Orleans, especialmente por sus actuaciones en directo y su estilo de improvisación.
Entre los trabajos más destacados de Volker con The Radiators se encuentran álbumes como "Ghosts Along the Mississippi" (1989) y "Law of the Fish" (1991), que muestran su sonido característico. Además de su trabajo con la banda, Volker ha publicado álbumes en solitario como "The Last of the Great Mississippi Flood" (1998), donde pone de manifiesto su talento narrativo y su destreza lírica.
La influencia de Ed Volker en la música trasciende sus grabaciones; ha contribuido a la preservación y evolución de las tradiciones musicales de Nueva Orleans. Su obra ha influido en toda una generación de músicos y sigue resonando en el vibrante panorama cultural de la región. Volker continúa siendo una figura clave en la continuidad de la música de raíces estadounidenses.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Take Me to the River.
Hinde Rosenblatt Bergner nació en Radymno, Galitzia, entonces parte del Impero Austro Húngaro, el 10 de octubre de 1870, y murió en el Campo de exterminio de Belzec, Polonia, en 1942. Escritora.
El sitio www.jwa.org publicó este recordatorio firmado por Justin D. Cammy.
Hinde Bergner 10 de octubre de 1870–1942
Por Justin D. Cammy
En resumen
Hinde Bergner, nacida en 1870 en el seno de una familia jasídica, fue la matriarca de una de las familias artísticas más destacadas de la cultura judía secular, además de autora de sus propias memorias, un documento invaluable sobre la vida judía contada desde la perspectiva femenina. En ellas describe su vida en una familia judía tradicional al borde de la modernidad. Reflexiona sobre aspectos importantes de su comunidad, como las costumbres matrimoniales, la educación de las niñas, la vida espiritual de las mujeres judías, las tensiones generacionales y otros temas. Su perspectiva madura muestra una respetuosa apreciación por una forma de vida al borde de la desaparición.
Aunque no fue una escritora publicada en su época, Hinde Bergner ocupa un lugar especial en la literatura yiddish gracias a sus memorias sobre la vida familiar en una Galicia de finales del siglo XIX. Es una de las pocas memorias en yiddish que se conservan y que describen la familia judía tradicional en los albores de la modernidad, narrada desde la perspectiva de una mujer. Su retrato íntimo de las costumbres matrimoniales y de búsqueda de pareja, la educación de las niñas, las ocupaciones judías, la información sobre la vestimenta y la decoración del hogar de la época, la vida espiritual de las mujeres judías, las tensiones generacionales y los contactos interculturales dan como resultado un valioso documento de la historia social, familiar y femenina judía.
Primeros años de vida
Hinde (Rosenblatt) Bergner nació el 10 de octubre de 1870 en Redim (Radymno), Galicia, una ciudad comercial a orillas del río San, que entonces formaba parte del Imperio austrohúngaro. Fue una de los seis hijos de Joseph y Bluma (Frayfeld) Rosenblatt. El padre de Hinde era propietario de un granero local. Ella describe cómo se sentía dividida entre las expectativas familiares de que ayudara a su padre a llevar el control de la producción y los envíos de grano, y más tarde de las cuentas de la empresa, y su propio deseo de recibir una educación europea. Aunque Hinde se crio en un hogar jasídico, reconoce que su padre fue más abierto a las innovaciones modernas y a las influencias seculares que su madre. Si bien su madre consideraba herética la literatura no judía, fue su padre quien, a petición de Hinde, contrató a varios profesores para que le enseñaran alemán, polaco y otras materias seculares. Hinde describe a su madre con reverencia como un modelo de estricta piedad judía femenina, que cuidaba de los pobres del pueblo sin importar su afiliación religiosa y que, en la víspera de su muerte, insistió en levantarse de la cama para encender y bendecir las velas del Shabat. Este modelo parental, que equilibraba la voluntad de satisfacer las ambiciones intelectuales de una hija con una estricta adhesión a la tradición, era representativo de las tensiones sociales más amplias que afectaban a toda una generación de jóvenes judíos de Europa del Este.
Matrimonio e hijos
Aunque sus padres comenzaron a buscarle pareja a Hinde cuando ella tenía solo once años, no se casó con Efrayim Bergner hasta el otoño de 1891. Hinde y Efrayim Bergner tuvieron tres hijos, quienes dejaron a sus padres en Redim para perseguir sus ambiciones artísticas. Moyshe, nacido en 1892, emigró a Palestina, donde cambió su apellido a Harari, asistió a la escuela de arte Bezalel y se suicidó a los veintiún años. Zecharie, nacido en 1893, se mudó a Varsovia, donde cambió su nombre a Melech Ravitch. Fue cofundador de la revista literaria en yiddish más prestigiosa de Polonia, Literarishe bleter, y se desempeñó como secretario de la Unión de Escritores en Yiddish. Ravitch desarrolló una exitosa carrera como uno de los poetas y ensayistas en yiddish más importantes del siglo XX. El hijo menor de Hinde, Herts, nació en 1907. También fue escritor de prosa en yiddish y emigró a Australia antes de la Segunda Guerra Mundial. El nieto de Hinde, Yosl Bergner (nacido en 1920), hijo de Melech Ravitch, se convirtió en uno de los pintores modernistas más importantes de Israel. En sus respectivas memorias, tanto Melech Ravitch (fallecido en 1976) como Yosl Bergner recuerdan a Hinde como una narradora excepcional y una dibujante aficionada. Como matriarca de una de las familias artísticas más destacadas de la cultura judía secular, le atribuyen una poderosa influencia creativa durante su juventud.
Aunque los hijos de Hinde Bergner se sentían atraídos por la metrópolis moderna, ella y Efrayim permanecieron en Redim la mayor parte de sus vidas. Vivían en una casa de piedra de dos pisos, una de las más grandes del pueblo. A pesar de su comodidad material, Efrayim se vio obligado a probar suerte en diversos negocios (destilación de licores, producción de cereales, composición tipográfica) para mantener su estabilidad económica. Durante la Primera Guerra Mundial, la familia pasó tres años en Viena como refugiados. Tras la muerte de su esposo en 1939, Hinde quedó sola para afrontar la amenaza alemana. Huyó a través de la frontera hacia la Unión Soviética a finales de 1939. Tras el ataque alemán a la Unión Soviética en 1941, su situación se tornó desesperada. En su última súplica de ayuda a sus hijos, transmitida a través de la Cruz Roja, escribió: «Estoy muy débil… pronto será demasiado tarde». Se cree que murió en el campo de exterminio alemán de Belzec en 1942.
La escritura de las memorias de Bergner
Hinde Bergner comenzó a escribir sus memorias familiares en 1937, animada por sus hijos, quienes creían que la ayudarían a aliviar su soledad. A menudo encontraban sus notas y poemas manuscritos escondidos entre libros, lo que les hizo pensar que su madre albergaba ambiciones literarias. Lo que no podían imaginar era la profunda implicación de Hinde con el proyecto. Durante el siguiente año y medio, les enviaba regularmente copias manuscritas de las últimas entregas de sus memorias. Sus cartas se volvían cada vez más alegres al contarles cómo su padre le cortaba largos trozos de papel «exactamente como los que se usan para los manuscritos literarios de verdad». Cerca del final de las memorias, descubrimos dos versiones diferentes de los mismos acontecimientos, lo que indica que Hinde comenzó a revisar su prosa para lograr la narración más pulida posible. Incluso en los sombríos días de 1941, Hinde escribió a sus hijos que ansiaba volver a escribir: «Siento que ahora podré escribir mucho más porque he llegado a comprender la humanidad». Lamentablemente, nunca logró retomar su labor donde la dejó en 1939, y las memorias terminan a mitad de una frase, lo que simboliza tanto su propio destino como el de los judíos de Europa del Este en su conjunto.
Hinde Bergner jamás habría imaginado que sus memorias se publicarían. Al igual que Glückl de Hameln —quizás la autora de memorias más importante de toda la literatura yiddish—, el documento es una obra íntima escrita por una madre judía para sus hijos, y también una forma de terapia personal: «En las largas noches de invierno, a menudo me siento sola junto al horno. Mis pensamientos se alejan, hacia mis hijos y nietos que están dispersos por este vasto mundo. Anhelo estar cerca de ellos, contarles sobre mi infancia, que permanece tan vívida ante mis ojos, como si volviera a ser una niña».
Temas en la escritura de Bergner
Al igual que las memorias de Glückl, el texto de Hinde describe una comunidad en rápida transición cultural y económica. La familia de Hinde pertenecía a una floreciente clase media judía que sufrió una serie de éxitos y reveses económicos. Describe con qué facilidad su hermano Neta abandonó su vestimenta jasídica cuando su nueva esposa lo animó a adoptar una apariencia más europea, y revela sus propias inquietudes sobre cómo un matrimonio precoz pondría fin a sus ambiciones de desarrollo personal e intelectual: «Me imaginaba a mi marido con barba y largos rizos laterales mientras yo llevaba una peluca en lugar de mis hermosas trenzas rubias. Con las manos entrelazadas, lamentaba la pérdida de mis sueños y mi ambición de obtener una mayor educación para superar a todas mis amigas». Las memorias están repletas de detalles humorísticos sobre posibles parejas, casamenteros y la celebración de su boda, además de reflexiones sensibles sobre las expectativas que la sociedad tradicional impone a las mujeres recién casadas. Por ejemplo, la noche de bodas de Hinde se describe como un momento embarazoso, ya que solo había conocido a Efrayim tres veces antes de su unión. Los detalles sobre el corte de su cabello y la ceremonia de ser llevada a la sinagoga como novia por las mujeres del shtetl contribuyen al tono ambivalente del texto. En otros pasajes, sin embargo, Hinde parece entristecida por el rápido abandono de la tradición. Por ejemplo, cuando ella y Efrayim visitan a un amigo de la familia en la región de Belz en un día de ayuno judío, le desconcierta su capacidad para llevar una vida aparentemente piadosa mientras transgrede la ley judía en la intimidad de su hogar: «Nos invitaron a su casa, cuyas ventanas daban a la calle. Era mediodía. Cerraron las cortinas, comenzaron a poner la mesa y nos invitaron a comer. Me quedé estupefacta de que en una ciudad donde los Rebes habían vivido durante generaciones pudiera suceder algo así».
Gran parte de sus memorias se centra en detalles sobre su sed de conocimiento. Siendo aún niña, Hinde se escapó a Yerslav (Jaroslaw) para quedarse con una tía, pues creía que sus padres le prohibirían continuar sus estudios. Sus descripciones de sus maestros y tutores privados varían desde la burla hasta la admiración, dependiendo del grado de sofisticación de cada uno. Como residente de una región multicultural, Hinde dominaba el yiddish, el polaco y el alemán (su nieto Yosl recuerda que hablaba un dialecto del yiddish muy germanizado). Su amor por la literatura profana, el teatro y el piano, su deseo de aprender francés y su insistencia en que la llamaran Henrietta durante un tiempo, evidencian el atractivo de la cultura europea moderna para la juventud de su generación. Sin embargo, a diferencia de muchas memorias maskílicas escritas por jóvenes sobre este período, que critican duramente la civilización religiosa judía, la perspectiva más madura de Hinde dota a las memorias de una apreciación tierna y respetuosa por una forma de vida al borde de la aniquilación.
Tras la guerra, los hijos de Hinde decidieron publicar de forma privada las memorias en una tirada limitada como homenaje a su madre. Melech Ravitch editó el texto, eliminando varios párrafos para proteger la reputación de los familiares supervivientes y la memoria de los asesinados; estas supresiones (restauradas en la próxima traducción al inglés) son lamentables, ya que muestran a Hinde como una aguda crítica de la naturaleza humana y una ávida cronista de las intrigas familiares. A pesar de la errónea opinión de sus hijos en la introducción a la obra, según la cual carece de «valor social o científico», las memorias de Hinde Bergner se sitúan a la altura de las de Glückl de Hameln, Pauline Wengeroff, Puah Rakowsky y otras mujeres judías que recurrieron a la escritura para dar sentido a sus propias vidas en una época de rápidos cambios culturales y de expectativas.
Obra de Hinde Bergner
In di lange vinternekht: mishpokhe zikhroynes (Yiddish). Montreal: 1946; traducción al hebreo, 1982; traducción al alemán, 1995; traducción al inglés: On Long Winter Nights: Memoirs of a Jewish Family in a Galician Township, 1870–1900. 2005.
.jfif)
.jfif)
.jfif)
