Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Ismael Miranda, nació en Aguada, Puerto Rico. Mostrando desde pequeño interés por la música, a los 11 años formó parte de grupos de vocalización llamados "The 4 J's" y "Little Jr. and the Class Mates". Participó con ellos en varias actividades, incluyendo una de las primeras ediciones del espectáculo que celebraba Jerry Lewis para la Distrofia Muscular en Palm Gardens.
En su continuo interés por la música, sobre todo el género afroantillano, formó parte del Sexteto Pipo y su Combo y del grupo Andy Harlow y su Sexteto. En el mismo cantó y tocó conga. En 1967 hizo su primera grabación discográfica con Joey Pastrana titulada "Let's Ball". En ésta el entonces adolescente Ismael se anotó su primer éxito radial con "Rumbón melón".
Con la buena impresión que causó sus actuaciones con Andy Harlow, el hermano de éste, Larry, decidió reclutarlo para su orquesta. Ismael Miranda inició su ciclo de grabaciones con el llamado "Judío Maravilloso" en el álbum "El exigente".
Convencido del potencial del joven cantante, en 1968 Larry lanzó una nueva producción titulada "Orquesta Harlow presenta a Ismael Miranda". Y a renglón seguido, los aciertos se repitieron disco tras disco con las grabaciones "Electric", "Tribute to Arsenio Rodríguez", "Harlow's Harem", "Abran paso" y "Oportunidad".
Con Larry Harlow Ismael incursionó también en el campo de la composición, compartiendo créditos con éste en los temas "La revolución", "Guasasa", "Arsenio", "El malecón" y "Lamento cubano", entre otros.
A la edad de 19 años se integra a las Estrellas de Fania convirtiéndose en el cantante más joven que compone este grupo, ganándose el mote de "El Niño Bonito de la Salsa".
En pleno auge de la salsa, Ismael irrumpió con fuerza espectacular en las ondas en 1973 al lanzar al mercado la producción "Así se compone un son". Este disco, editado por el sello Fania, marcó el inicio del cantante con su propia agrupación, la Orquesta Revelación. Con ellos tomó por asalto la cuenca del Caribe, los mercados latinos de los Estados Unidos y Europa.
Posteriormente su carrera le dio innumerables aciertos en la música. Temas como "La cama vacía", "La copa rota", "Borinquen tiene montuno", "Como mi pueblo" y "Las cuarentas" le ganaron amplia difusión radial.
En la composición también se anotó éxitos como "Señor sereno", "Abren paso", "Así se compone un son", "Lupe, Lupe" y "Pa' bravo yo", esta última popularizada por el sonero cubano Justo Betancourt.
En la década del 80 grabó varias producciones con su sello discográfico independiente. En 1986 su grabación "Versos de nuestra cultura" junto al cantautor José Nogueras fue uno de los grandes aciertos de la temporada navideña de ese año.
En 1988 anunció su intención de retirarse de los medios artísticos. Pero esa idea nunca llegó a cristalizarse.
Entrados los años 90, Ismael ha grabado con su propio sello discográfico, IM Records, y con la compañía RMM. Y en las postrimerías de la década su unión a Andy Montañez en tres proyectos discográficos de boleros del ayer, le han ganado el apoyo popular.
En 2002 la grabación de uno de sus conciertos fue distinguida por la Fundación Nacional para la Cultura Popular como una de las producciones más sobresalientes del año. Posteriormente, Ismael cosechó nuevos aplausos con el lanzamiento de un compacto donde interpretaba clásicos del compositor mexicano José Alfredo Jiménez en versiones de salsa.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Abran Paso.
Si Tu Abuela Hace Estas 7 Cosas, Eres Judío Sin Saberlo | Conversos 1492
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta: Si Tu Abuela Hace Estas 7 Cosas, Eres Judío Sin Saberlo | Conversos 1492. ¿Tu abuela enciende 2 velas cada viernes? ¿Pone sal en esquinas de casa? ¿Cubre espejos 7 días tras muerte? Son rituales judíos de 3,000 años que millones de familias españolas practican sin saber su origen. 7 COSTUMBRES CONVERSAS: 1. Encender velas viernes noche 2. Sal en esquinas o umbrales 3. Espejos cubiertos 7 días 4. No mezclar leche con carne 5. Nombres bíblicos en ciclo 6. Bendecir pan con manos 7. Limpiar casa viernes antes de oscurecer.
El crecimiento de la ideología salafista en Europa pone en jaque la convivencia y la igualdad. EFE/Blanca Millez
Antes de empezar este artículo he buscado en mi hemeroteca cuántos y desde hace cuántos años escribo sobre la materia, y el resultado es desolador: mi primer artículo sobre la necesidad de prohibir el velo integral islámico en el espacio público es de 2012, más o menos al tiempo que publiqué un libro titulado “La República Islámica de España”, donde alertaba del reto que la ideología salafista estaba planteando a las democracias liberales. Francia, bajo mandato de Nicolás Sarkozy, lo había prohibido y después vendrían otros países: Bélgica en 2011, Bulgaria en 2016, Austria en 2017, Dinamarca y Países Bajos en 2018 y Suiza en 2021. Portugal e Italia tienen planteadas iniciativas en la misma dirección, y en España acaba de rechazarse la primera de las propuestas (de Vox) para prohibir el velo integral, pero Junts ya ha presentado otra iniciativa que puede conseguir la mayoría parlamentaria.
Así pues, con más o menos retraso, Europa va consiguiendo restringir el uso del burka y el niqab en el ámbito público y algunos de ellos también han prohibido el hiyab en las escuelas. ¿Significa que el espeso, incómodo y eternamente aplazado debate sobre el choque entre la ideología islamista y la democracia liberal empieza a abrirse paso?
Debería, porque desde los tiempos en que Oriana Fallaci avisaba de los riesgos que implicaba el fenómeno ideológico del salafismo y su confrontación con la sociedad de las libertades, poco o nada se ha hecho para frenarlo. Durante décadas las democracias liberales han confundido lo ideológico con lo religioso y han relativizado el proyecto de dominio que latía por debajo. El buenismo de las derechas y la complicidad de las izquierdas han minimizado la presión que el fenómeno islamista generaría en las estructuras democráticas, y no han entendido que se enfrentaban a una ideología de conquista. Y así, considerado el fenómeno como una simple cuestión de fe, el problema social ha crecido hasta convertirse en una bomba de tiempo, especialmente en Europa, donde el reto islamista se ha disparado.
¿Cuál es el problema de fondo? Sin duda, no lo es el Islam como creencia religiosa, porque justamente la democracia se basa en el respeto a los dioses de cada cual. El problema no es, ni ha sido nunca la fe. El problema se crea cuando la fe se convierte en la coartada de una ideología de conquista que intenta imponer leyes medievales arremetiendo contra los derechos conquistados. Eso es el salafismo: una ideología reaccionaria, abiertamente contraria a los avances de la civilización moderna y que basa el conjunto de leyes civiles y penales en una lectura radical de los textos sagrados. El concepto básico es el retorno a los salaf, es decir a los primeros seguidores de Mahoma, ergo el retorno al siglo VIII, pero con la tecnología y los medios del siglo XXI. Ha sido este fenómeno el que ha crecido en las comunidades musulmanas que viven en Occidente hasta convertirse en una ideología de masas que controla las mezquitas y los lugares de culto y acaba dominando barrios enteros.
Es el fenómeno de los banlieus de París o del Molenbeek de Bruselas, o cualquier zona del Londostan donde, lejos de ser territorio francés o belga o británico, se convierten en islas de la Umma dentro del país. Y a partir de aquí, empiezan las presiones a las leyes democráticas que se confrontan con la sharia.
Europa va consiguiendo restringir el uso del burka y el niqab en el ámbito público (Europa Press)
De ahí que la cuestión de la mujer sea un tema central porque la lucha por la igualdad rompe los esquemas del integrismo islámico, inequívocamente misógino. Si consiguen imponer el velo a las niñas -que nunca fue un signo religioso, sino de dominio sexista-, o consiguen la naturalización del velo integral, sea el niqab o el burka, quiebran esa igualdad y restringen los límites de la libertad. No hay nada más perverso para la mujer que esa cárcel textil que las invisibiliza, las aparta, las estigmatiza, las convierte en espectros andantes, totalmente controladas por sus propietarios masculinos.
Todo esto del burka y el niqab e incluso el hijab no tiene nada que ver con la fe religiosa. De hecho, el Corán solo exige que se escondan “sus partes sexuales”, y durante décadas la imposición del velo se consideraba arcaica y regresiva en muchos países musulmanes. Es famosa una intervención del presidente Nasser de Egipto, en 1958, que se ríe a carcajadas ante la petición del líder de los Musulmanes para que las mujeres lleven el hijab por la calle. Y, qué decir de las espléndidas iraníes de los tiempos del sha, que ahora mueren en las calles de Irán por intentar sacarse el velo impuesto. El velo integral es una aberración criminal que aniquila a la mujer hasta borrarla del paisaje. Prohibirlo es una exigencia democrática. No es libertad de culto. Es apología de la esclavitud.
Y de las leyes sobre la mujer, a la formulación de leyes islámicas que, a través de los congresos salafistas, impregnan y radicalizan a las comunidades musulmanas. Centenares de imanes radicales propagando ideas antidemocráticas, aprovechándose de los beneficios y la tolerancia que les otorgan las democracias. El reto es considerable porque, mientras el integrismo islámico sea predominante en los barrios con mayorías musulmanas, las democracias sufrirán tensiones muy severas. Especialmente si se tienen en cuenta los datos demográficos que auguran que para 2050, la población musulmana superará el 15 % de la población de Europa. De momento, solo en la Unión Europea viven 25 millones de musulmanes. ¿Cuántos de ellos abrazan el integrismo? Esa es la pregunta incómoda que no formulamos, o por miedo a la incorrección política, o por estupidez progresista. ¿Hay nada más patético que el paternalismo de determinada izquierda con el Islam? Y así, con la permisividad de las democracias, la incomodidad de los políticos y la complicidad de las izquierdas, el fenómeno radical va devorando espacios. Debatir sobre el problema es un acto de responsabilidad. Actuar sobre el tema empieza a ser un acto de supervivencia.
Anthony Frank Iommi Jr., más conocido como Tony Iommi, nació en Aston, Birmingham, Reino Unido, el 19 de febrero de 1948. Compositor, guitarrista y productor.
Frank Anthony Iommi, mejor conocido como Tony Iommi, guitarrista y compositor, fundador y líder del grupo Black Sabbath es ampliamente reconocido como uno de los guitarristas más importantes e influyentes, e inventor de la música heavy metal.
PERÍODO ANTES DEL SÁBADO
Frank Anthony Iommi nació el 19 de febrero de 1948 en Birmingham, Inglaterra, hijo único de Anthony Frank y Sylvie Maria Iommi. Su padre influyó decisivamente en sus gustos musicales, ya que, al igual que todos los tíos de Tony, tocaba el acordeón y le enseñó a tocarlo.
Pero las aspiraciones musicales de Tony estaban en otra parte: quería aprender a tocar la batería, ser baterista. Afortunadamente para el heavy metal, Tony optó por la guitarra eléctrica.
Años después, en una entrevista, admitió que se había dedicado seriamente a las artes marciales y estaba convencido de que allí estaba su futuro. Hoy en día, la única conexión que Tony Iommi tiene con las artes marciales es que, sin duda, es cinturón negro en heavy metal.
Su primera guitarra fue una Watkins Rapier para zurdos. La inspiración de Tony provino de The Shadows, el grupo de acompañamiento de Cliff Richard, pero que también publicó temas instrumentales bajo su propio nombre, entre ellos los éxitos "Apache", "Frightened City", "Many of Mystery" y muchos más. El guitarrista principal de The Shadows fue Hank Marvin, quien impresionó especialmente a Tony y cuyo estilo copió y practicó constantemente. Pronto aprendió prácticamente toda la música de The Shadows.
Pero no solo Hank Marvin era un ídolo de Iommi; también lo eran Eric Clapton, Jimmy Hendrix, Wes Montgomery, Joe Pass y otros músicos de jazz. Como la mayoría de los músicos que se inician en el mundo del jazz, Tony empezó escuchando discos y copiando su estilo mientras continuaba sus estudios de guitarra. De esta manera, fundó un rico bagaje de jazz y blues, característico de principios de los sesenta.
Tony se había unido a su primera banda y, como muchos de sus amigos, había aceptado un trabajo en una fábrica después de dejar la escuela, pero estaba decidido a que algún día podría convertirse en un profesional con su propia banda.
Que Tony Iommi se convirtiera en una leyenda del heavy metal se debe a su incapacidad para rendirse. Una cualidad que tuvo la fortuna de poseer, ya que antes de convertirse en profesional, Tony había trabajado como operador de prensa en una fábrica de chapa metálica. Tras conseguir un contrato para una gira por Alemania con su grupo, estaba trabajando el último viernes antes de salir de gira cuando sufrió un accidente que le cortó las puntas de los dedos corazón y anular de la mano izquierda. ¿Un descuido momentáneo, un momento de descuido, o fue el destino? De no haber ocurrido el accidente, un género nuevo y emocionante que arrasó en el mundo e influyó en miles de músicos se habría perdido para la música.
El consenso entre los médicos era que Tony Iommi no volvería a tocar la guitarra a menos que pudiera hacerlo con la mano derecha. Tony incluso visitó la famosa Harley Street de Londres para consultar con uno de los mejores cirujanos del país, pero volvió a recibir la misma opinión pesimista. Hablaremos más sobre este cirujano más adelante.
Durante un tiempo, y como es comprensible, Tony atravesó una etapa de depresión, pero las cosas empezaron a mejorar cuando un buen amigo le trajo una grabación del guitarrista de jazz Django Reinhardt, quien, tras un incendio, se había quedado solo con dos dedos de la mano izquierda. Al principio, protestó diciendo que escuchar música de guitarra era lo último que necesitaba hacer en ese momento, pero su amigo perseveró y finalmente lo convenció. Mientras Tony escuchaba la brillantez de Reinhardt, empezó a creer que quizás no todo estaba perdido y poco después volvió a tocar la guitarra. Para proteger las dolorosas yemas de sus dedos, intentó todo tipo de cosas, pero nada tuvo éxito. Al principio intentó cambiar de mano y deslizar el mástil de la guitarra con la izquierda, tocando como diestro, pero se volvió difícil. Un día, durante una visita al banco, vio a una cajera contando dinero con lo que parecían ser dedales en el dedo. Le preguntó si podía verlos y ella le preguntó si quería un par. Tras darle las gracias, Tony regresó a casa e inmediatamente colocó los dedales sobre las yemas de los dedos heridos e intentó tocar. Por desgracia, eran demasiado blandos, pero se le había ocurrido una idea que resultaría bastante exitosa. Finalmente, Tony encontró una salida a su aparente situación desesperada: hizo dos dedales con tapas de botellas de Fairy Liquid y los cubrió con cuero.
Más tarde, contactó con un técnico en silicona médica y le preguntó si podía fabricarle dedales de silicona "a medida" que se colocaran sobre las puntas de los dedos. Las puntas debían ser lo suficientemente duras como para proteger los dedos de Tony y permitirle presionar las cuerdas. Tras un par de intentos, los dedales de silicona estaban hechos. Funcionaron bastante bien, pero finalmente Tony tuvo que usar cuerdas delgadas extra ligeras, colocándolas en una posición baja en el diapasón para minimizar la presión. Incluso entonces, tuvo que afinar su guitarra de Mi a Re# y luego a Do# para aliviar la tensión en las puntas de los dedos. Dado que los dedos perdieron sensibilidad, Tony tuvo que volver a entrenar varias técnicas como el bend y el vibrato. Fue cuestión de mucha práctica y perseverancia, cualidades típicas de Tony Iommi, y volvió a dominar el instrumento, usando el oído en lugar del tacto perdido.
Y aquí es donde empezó el heavy metal, porque el cambio provocó un sonido único, particularmente grave y sombrío. Al darse cuenta de que había encontrado algo muy diferente en la música, Tony empezó a usar un volumen muy alto e ideas innovadoras como la alta ganancia, un tono muy distorsionado y, finalmente, conectar su guitarra a la entrada de bajos del amplificador. El sonido resultante formaría el sello distintivo del futuro grupo, Black Sabbath, que los identificaría dondequiera que fueran.
Algunas de las primeras bandas en las que Tony Iommi tocó fueron The Rockin' Chevrolets y The Birds and The Bees, entre 1965 y 1966. A finales de 1965, se unió a The Rest, fundada por otro brummie, Bill Ward. Esta fue la primera vez que Tony tocó con el futuro baterista de Sabbath. The Rest era simplemente otra típica banda de los 60, sin nada especial y sin ninguna señal del tremendo futuro que les aguardaba a dos de sus integrantes.
Dejando atrás a The Rest, en enero de 1968 Tony se unió al grupo Mythology como guitarrista y un mes después Bill Ward se unió a la batería. Sin embargo, la relación fue efímera, ya que Mythology se disolvió tras un concierto en Silloth en julio de 1968. En agosto, coincidiendo con la disolución de Mythology, también se disolvió Rare Breed. Su vocalista, John "Ozzy" Osbourne, con quien Tony había estudiado y con quien, por cierto, nunca se había llevado bien, también se unió. También se unió el guitarrista rítmico Terry "Geezer" Butler. Otros dos que se unieron fueron el guitarrista slide Jimmy Phillips y el saxofonista Alan "Aker" Clarke.
La banda de seis integrantes se llamó The Polka Tulk Blues Company, que poco después abrevió su nombre, algo engorroso, a Polka Tulk. La banda tocaba blues de ritmo rápido y medio, así como un blues de 12 compases. Poco después, el guitarrista slide Phillips y el saxofonista Clarke fueron despedidos de la banda, y los cuatro restantes la bautizaron Earth.
A finales de 1968, Tony fue invitado a unirse a Jethro Tull de Ian Anderson, tras la marcha de Mick Abrahams, quien había formado su propia banda, Blodwin Pig. Tony interpretó «Song For Jeffrey» en la única actuación de «The Rolling Stones Rock and Roll Circus» en diciembre de 1968. Aunque solo estuvo con Jethro Tull dos semanas, tuvo tiempo de escribir una parte de guitarra para la canción «Nothing Is Easy», que posteriormente grabaría Martin Barre para el álbum «Stand Up». Afirma que durante este breve periodo su comprensión de la música cambió enormemente y comenzó a escribir sus propias composiciones. Fue durante esta etapa de su carrera que apareció la Fender Stratocaster, que Tony y su padre habían pintado de blanco. El malestar con la dirección de Jethro Tull es el motivo de su marcha.
Al regresar a la Tierra, eufórico por el entusiasmo de su breve experiencia con Jethro Tull, Tony Iommi se dedicó a organizar la Tierra, insistiendo en ensayos regulares, madrugando, terminando tarde y exigiendo mucho trabajo. Incluso los recogía por la mañana para llevarlos al trabajo. Esto dio sus frutos y la capacidad técnica y la habilidad de la banda aumentaron enormemente. Tanto es así que en 1970 compusieron su primera canción, «Black Sabbath». A esta le siguió «Wicked World».
Una anécdota cómica, aunque no tanto, sobre Earth trata sobre su contratación para tocar en uno de los mejores clubes de Birmingham. Mientras el grupo se preparaba, se quedaron un poco confundidos al enterarse de que el público esperaba con ansias su último sencillo. Como nunca habían grabado un disco, simplemente no supieron qué pensar, pero pronto se dieron cuenta de que la dirección del club los había confundido con otra banda con el mismo nombre, ¡que actualmente estaba en las listas de éxitos! La actuación de Earth en el club esa noche no tuvo buena acogida y la dirección les prohibió volver a actuar allí.
Al reconocer el problema muy real que planteaban dos bandas con el mismo nombre, la banda decidió que era necesario cambiar su nombre, y finalmente se decidió por el nombre de la traducción al inglés de la película de terror italiana “I Tre Volti Della Paura”: ¡Black Sabbath!
DENTRO DE BLACK SABBATH
En 1970, Vertigo Records lanzó el primer álbum homónimo de la banda, "Black Sabbath". La grabación se realizó en un estudio durante doce horas con dos grabadoras de cuatro pistas. La música era hard rock con influencias del blues, pero estas primeras grabaciones mostraban un estilo particular y reconocible.
El trabajo de Iommi con la guitarra consistía en solos de estilo blues, construidos sobre escalas pentatónicas menores y de blues, riffs en tonalidad menor y vibrato en cuerdas al aire, creando un sonido sólido, oscuro y doom. Ya desde el primer álbum de Black Sabbath, el talento único de Iommi se hizo evidente, así como su inagotable imaginación al componer riffs de guitarra. La personificación de las ideas musicales de Tony en el álbum debut fue la canción principal para la que escribió el inusual y siniestro riff, utilizando un intervalo poco común llamado «El Diablo en la Música» en la Edad Media, considerado disonante.
Cuatro meses después, el álbum se lanzó en Estados Unidos bajo el sello Warner Bros. Records y desde entonces ha vendido millones de copias. Resulta especialmente interesante que fue con esta primera grabación que Iommi empezó a usar una guitarra Gibson SG cuando la pastilla de su Stratocaster blanca falló, obligándolo a usar una Gibson SG de repuesto, una guitarra a la que sería fiel durante muchos años.
Anteriormente, en esta historia de Tony Iommi, mencionamos su visita a un cirujano de Harley Street, quien le dijo que era improbable que volviera a tocar. Sea cierto o quizás solo una leyenda urbana, la historia cuenta que cada vez que salía un nuevo disco, Tony le enviaba una copia a su médico, quien estaba encantado de recibirla y saber que se encontraba bien.
El segundo lanzamiento del grupo se iba a llamar "War Pigs", pero posteriormente se cambió el nombre a "Paranoid". Paranoid ascendió al primer puesto de las listas de éxitos del Reino Unido. La grabación del álbum duró cuatro días. "Paranoid" tiene una matriz jazzística en la estructura de la composición y el solo de guitarra, que demuestra la maestría de Iommi y sus raíces jazzísticas. Lenta pero seguramente, el sonido de la banda continuó evolucionando hacia un estilo revolucionario, que poco a poco se conocería como "heavy metal".
En febrero de 1971, Black Sabbath regresó al estudio para comenzar a trabajar en su tercer álbum "Master of Reality", que subió al quinto lugar en las listas de éxitos del Reino Unido. Una vez más, el sonido único y notable de la guitarra desafinada de Gibson y más de los riffs innovadores y poderosos de Iommi aseguraron que las ventas llegaran a millones como había sido el caso de los dos primeros álbumes.
Tony fue uno de los primeros guitarristas en usar acordes de potencia de tres cuerdas en su música. En este álbum también tocó la flauta, el piano y los teclados. Master of Reality se grabó en los Island Studios de Londres entre febrero y abril de 1971. El álbum fue producido por Rodger Bain, quien también había producido sus dos álbumes anteriores.
Si el heavy metal empezó en algún momento, fue en septiembre de 1972, cuando Black Sabbath lanzó "Vol. 4", su cuarto álbum. Sin embargo, este álbum tuvo algunos problemas. Tony comentó que, en ese momento, el grupo comenzó a experimentar con el sonido. Dos temas, "Wheels Of Confusion" y "Under The Sun", pueden considerarse con razón el prototipo del género metal. Si bien Vol. 4 no tuvo el mismo éxito que los tres anteriores, ascendió al octavo puesto en las listas de éxitos del Reino Unido.
En cuanto al quinto álbum, hubo problemas. Tony dijo: «Las ideas no surgían como en el Volumen 4 y nos descontentamos muchísimo. Todos estaban esperando a que se me ocurriera algo. Simplemente no se me ocurría nada. Y si no se me ocurría nada, nadie haría nada». La respuesta de Tony fue llevar a la banda a un castillo de Gloucester del siglo XVIII y empezar a ensayar en las mazmorras, donde recuperó la inspiración y creó el riff principal de la canción principal.
Rick Wakeman de Yes se unió a Sabbath para la canción "Sabbath Bloody Sabbath" tocando el teclado, e Iommi tocó la guitarra eléctrica y acústica, además del piano sintetizador, el clavicordio, el órgano y la flauta. Con este álbum, la banda amplió su estilo musical lento y rítmico añadiendo cuerdas, teclados y arreglos orquestales más complejos. Lanzado en noviembre de 1973, el álbum alcanzó el cuarto puesto en las listas de éxitos del Reino Unido y vendió más de un millón de copias.
El sexto álbum, "Sabotage", fue el primer álbum de Black Sabbath que no recibió un disco de platino. Se lanzó en septiembre de 1975. Tony, quien también lo produjo, dijo: "Podríamos haber seguido y seguido, volviéndonos más técnicos, usando orquestas y todo lo demás, algo que no queríamos. Nos reflexionamos y queríamos hacer un álbum de rock", lo cual hicieron y ascendió al séptimo puesto en las listas británicas. Ese mismo año, Tony Iommi fue nombrado el mejor guitarrista de hard rock del mundo.
Black Sabbath comenzó a trabajar en su siguiente álbum en Criteria Studios en Miami, Florida, en junio de 1976. Para ampliar su sonido, la banda incorporó al tecladista Gerry Woodruffe, quien también había participado en menor medida en Sabotage. «Technical Ecstasy» alcanzó el duodécimo puesto en las listas de éxitos del Reino Unido. Con este álbum, Iommi quería diversificar los arreglos utilizando instrumentos adicionales, lo que algunos atribuyen al título del álbum, pero el resto del grupo se mostró reticente, pues deseaba mantener el estilo al que estaban acostumbrados y que había tenido tanto éxito.
Sin embargo, Tony triunfó y el estilo que siguió la banda durante los primeros cinco álbumes cambió. Durante este período, Tony Iommi siempre estuvo buscando nuevas ideas, evolucionando constantemente como músico y explorando el mundo musical que lo rodeaba. Algo que ha permanecido con él hasta el día de hoy.
En octubre de 1978 se lanzó "Never Say Die". Ese mismo año, el vocalista John "Ozzy" Osbourne permaneció en la banda. El abuso de drogas de Ozzy provocó que Tony le pidiera que se marchara. Al igual que el álbum anterior, "Never Say Die" era diferente. La experimentación de Iommi había dado como resultado un sonido de guitarra progresivo y definido, obtenido principalmente mediante guitarras personalizadas y diferentes técnicas de amplificación. En este álbum, la apreciación y comprensión de Tony por el jazz se perciben con fuerza, con teclados y saxofones que aportan un toque jazzístico.
Se acepta generalmente que los álbumes grabados hasta ese momento por la banda de Iommi tuvieron una tremenda influencia en la música contemporánea, conduciendo al surgimiento de un género independiente de heavy metal e inspirando a generaciones de jóvenes músicos.
En 1979, Osbourne dejó Black Sabbath para ser reemplazado por Ronnie James Dio, exvocalista de Rainbow. Dio trajo consigo un nuevo sonido para Sabbath, cuyos dos siguientes álbumes, "Heaven and Hell" (abril de 1980, noveno puesto en las listas de éxitos del Reino Unido) y "Mob Rules" (noviembre de 1981), vendieron millones de copias. Dio ayudó a la banda a captar una nueva generación de jóvenes fans, y su potente y extensa voz le permitió a Tony expandir aún más sus horizontes musicales, continuar su carrera creativa en una nueva dirección y perfeccionar sus riffs rítmicos y sus rápidas técnicas de solo.
Los años 80 y 90 vieron a Tony reconstruir la banda con muchos cambios de formación con vocalistas que incluían a Ian Gillan (anteriormente de Deep Purple), Glenn Hughes (anteriormente de Trapeze y Deep Purple), Ray Gillen y Tony Martin (Alliance). También colaboró con Cozy Powell, Bobby Rondinelli, Vinny Appice (batería), Neil Murray, Bob Daisley (bajo) y otros. Con estas diferentes formaciones se lanzaron los álbumes ''Born Again'' (1983), ''Eternal Idol'' (1987), ''Headless Cross'' (1989), ''TYR'' (1990), ''Dehumanizer'' (1992), ''Cross Purposes'' (1994), ''Forbidden'' (1995). Muchos afirman que Headless Cross es uno de los mejores álbumes grabados por Black Sabbath, clasificándose como uno de los mejores álbumes que la banda haya lanzado.
En 1985, la formación original de Black Sabbath volvió a reunirse para una aparición en Live Aid.
TONY IOMMI EN SOLITARIO
Tony Iommi grabó su primer álbum en solitario en 1986. Se tituló "Seventh Star" y contó con la participación de Glenn Hughes (voz), Geoff Nicholls (teclados), Dave Spitz (bajo) y Eric Singer (batería). Aunque el álbum fue exclusivamente obra de Tony en solitario, dado que él era el autor de toda la música y la mayoría de las letras, la discográfica exigió que se publicara bajo el sello Sabbath. El álbum se describió incorrectamente como "Black Sabbath con Tony Iommi", pero Sabbath no participó y, como se mencionó, fue el primer proyecto en solitario de Tony. La potente voz de Glenn Hughes combinaba a la perfección con los rápidos solos de blues de Tony.
En 1992, Iommi apareció en el concierto tributo a Freddy Mercury, tocando cuatro canciones con su amigo cercano Bryan May y miembros de Queen y otros artistas.
En 1996, comenzaron los rumores sobre una reunión original de los Sabbath, y en 1997 la formación original de Black Sabbath se reunió, realizó una gira y lanzó el álbum en vivo "Reunion". Tras la reunión, Black Sabbath recibió un premio Grammy a la Mejor Interpretación de Metal por la canción "Iron Man". Black Sabbath ganó su segundo Grammy en 2014 por la canción "God Is Dead".
En 2007, Tony Iommi reunió otra formación histórica con Ronnie James Dio, Geezer Butler y Vinnie Appice bajo el nombre de Heaven And Hell, realizando también una gira y lanzando el nuevo álbum de estudio "The Devil You Know".
El primer álbum oficial en solitario de Tony Iommi (en realidad, su primer álbum en solitario salió en 1986, pero la discográfica insistió en que se lanzara bajo el nombre de Sabbath), "Iommi", se lanzó en diciembre de 2000. Un número considerable de músicos de rock reconocidos fueron invitados a grabar. Según Tony, había participado durante mucho tiempo en la grabación de cada álbum de Black Sabbath con un cantante, un bajista y un baterista, y simplemente quería probar algo diferente. El tema "Who's Fooling Who" fue grabado con Ozzy Osbourne y Bill Ward. Otros músicos involucrados fueron: Henry Rollins (Rollins Band), Phil Anselmo (Pantera, Down), Billy Corgan (The Smashing Pumpkins), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana), Billy Idol (Generation X, carrera en solitario), Ian Astbury (The Cult), Skin (Skunk Anansie), Peter Steele (Type O Negative), Serj Tankian (System Of A Down). Toda la música fue escrita por Tony Iommi en colaboración con el productor Bob Marlette. El amigo cercano de Tony, Brian May de Queen, también participó.
En 2002, Tony Iommi participó en la celebración del Jubileo de Oro de Queens, junto a Ozzy Osbourne, interpretando la canción «Paranoid». Tony también recibió una nominación al premio Ivor Novello por la canción «Changes» de Black Sabbath en 2003.
En 2004, Tony lanzó su segundo álbum oficial en solitario, "The 1996 Dep Sessions", con Glenn Hughes (voz y bajo), Jimmy Copley (batería), Don Airey, Geoff Nicholls y Mike Exeter (teclados). Aunque se lanzó en 2004, las grabaciones se realizaron en 1996 y la mayoría de los fans de Tony las conocieron a través de un bootleg llamado "Eighth Star". La mayoría de los temas del álbum son baladas bien estructuradas de estilo hard rock con el impecable trabajo de Iommi en las guitarras eléctrica y acústica.
Tony y Glenn Hughes acordaron seguir trabajando juntos durante las grabaciones de "The 1996 Dep Sessions", y el resultado fue el álbum "Fused", lanzado en julio de 2005 con Kenny Aronoff a la batería. El álbum presenta un sonido moderno. Tuvo una excelente acogida por parte de la crítica y se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en el Reino Unido. El propio Tony Iommi lo calificó modestamente de "fuerte".
Black Sabbath ingresó al Salón de la Fama de la Música del Reino Unido en 2005 y, un año después, al Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos. En 2008, Tony Iommi recibió una estrella en el Paseo de las Estrellas de Birmingham.
En octubre de 2009, el gobierno armenio le otorgó a Tony la Orden de Honor por su trabajo en la organización benéfica Rock Aid Armenia para las víctimas del terremoto.
En 2011, Tony Iommi e Ian Gillan organizaron un supergrupo llamado WhoCares, que también incluye a Nicko McBrain (Iron Maiden, batería), Jason Newsted (ex-Metallica, bajo), Jon Lord (Deep Purple, teclados) y Linde Lindstrom (HIM, guitarra). El proyecto lanzó un sencillo benéfico, "Out Of My Mind / Holy Water", para recaudar fondos para construir una escuela de música para niños en Gumri, Armenia. Posteriormente, el proyecto lanzó un álbum completo titulado "WhoCares", con grabaciones raras para promover la causa. Tony también participó en otros proyectos benéficos. Participó en la subasta benéfica de guitarras de Bryan Adams para recaudar fondos para las víctimas del tsunami y en la subasta Rock The Cure de la compañía Gibson para la investigación del cáncer de mama.
En 2009, Tony experimentaba un dolor considerable en las articulaciones de los dedos de la mano derecha. Los médicos reiniciaron un tratamiento con células madre, que consiste en extraer células inmaduras capaces de transformarse en otros tipos de tejido, incluso hueso. Tony comentó que había sentido dolor tras experimentar problemas en la mano derecha causados por el contacto entre huesos debido al desgaste del cartílago. Tras el tratamiento, comentó que solo era cuestión de esperar, pero que incluso después de seis semanas la mejoría había sido considerable. Añadió que se alegraba de haber optado por esa vía en lugar de optar por la cirugía. Tony tuvo la mano vendada con una especie de brazalete anatómico durante un tiempo. En sus propias palabras, no lo usaba porque no podía tocar la guitarra, sino para poder responder a los apretones de manos de sus fans.
Tony Iommi escribió su autobiografía "Iron Man: Mi viaje por el cielo y el infierno con Black Sabbath", publicada en 2011, y se hizo muy popular entre sus fans y todos los aficionados a la música de guitarra. También presentó su propio programa musical, "Black Sunday", en la emisora de radio Planet Rock.
En noviembre de 2011 (11/11/11) en el legendario club Whisky A Go Go, Iommi, Osbourne, Butler y Ward se reunieron para anunciar una reunión y gira de Black Sabbath. Al mismo tiempo, se prometió la composición de un nuevo álbum. Dos meses después, a Tony le diagnosticaron las primeras etapas de linfoma. El linfoma es un cáncer de los linfocitos, un tipo de célula que forma parte del sistema inmunitario. Tras el tratamiento, que consistió en quimioterapia y radioterapia, se afirma que su pronóstico es bueno. A pesar de someterse a un tratamiento desagradable, Tony continuó trabajando en un nuevo álbum. Sin embargo, la gira que se había organizado dos o tres meses antes se llevó a cabo, pero no con Tony.
En mayo de 2012, ofreció un concierto benéfico con Black Sabbath en la O2 Academy de su Birmingham natal, recaudando fondos para la organización benéfica Help For Heroes. Su siguiente actuación fue en el Download Fest del Reino Unido, seguido de un concierto en el Lollapaloosa Fest de Chicago, EE. UU., en agosto.
Podemos llamar a Tony Profesor desde ahora, ya que recibió un Doctorado Honoris Causa en Artes (Hon Darts) de la Universidad de Coventry el 19 de noviembre de 2013. El título le fue otorgado "en reconocimiento a su contribución al mundo de la música popular; en particular, siendo reconocido como uno de los fundadores del heavy metal y uno de los músicos más grandes e influyentes de todos los tiempos".
El exitoso álbum de estudio "13" se publicó en junio de 2013 y alcanzó el número 1 en las listas británicas tras su primera semana de ventas, así como el número 1 en las listas Billboard de Estados Unidos. Tony y sus compañeros de Sabbath recibieron el Doble Disco de Oro en Canadá en 2013 por las ventas de "13", y un año después, el Disco de Platino por "13" y el DVD "Live...Gathered In Their Masses". Aún bajo intensa quimioterapia y radioterapia, Tony realizó otra gira mundial, desde Australia hasta Estados Unidos, Latinoamérica y posteriormente Europa, reuniendo a millones de fans bajo la bandera de Sabbath e iniciando un verdadero resurgimiento de Sabbath.
En 2014, Tony y Sabbath recibieron su segundo Grammy en la categoría de "Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal" en la 56.ª edición de los Premios Grammy por el tema "God Is Dead?", y posteriormente recibieron otro premio Ivor Novello. Actualmente, Tony está ocupado con Black Sabbath en su gira final "The End" (2016-2017) y participando en numerosos proyectos musicales y benéficos.
Tony Iommi no solo es respetado y admirado por sus fans, sino aún más entre sus colegas, muchos de los cuales reconocen su enorme contribución a la música. Tony ocupa un lugar fijo en las listas de los Mejores Guitarristas de Todos los Tiempos. Ocupó el primer lugar en la lista de los Mejores Guitarristas de Heavy Metal de la revista Guitar World. También fue el primero en la lista del fabricante de guitarras Gibson. Recientemente, Tony fue galardonado por las revistas Classic Rock (varios premios entre 2010 y 2013), Metal Hammer (Premio Golden Gods entre 2010 y 2013), Revolver (2013-2014) y Kerrang (2012).
La mayoría de los guitarristas del rock moderno como James Hetfield, Kirk Hammett, Cliff Burton (Metallica), Max Cavalera (Sepultura), Zakk Wylde (Black Label Society), Phil Anselmo, Dimebag Darrell (Pantera), Pepper Keenan (Corrosion Of Conformity), Jerry Kantrell (Alice In Chains), Mike McCready, Stone Gossard (Pearl Jam), Marty Friedman (Megadeth), Rob Cannavino, Bobby Gustafson (Overkill), Kerry King (Slayer), Mark Arm (Mudhoney), Rocky George (Suicidal Tendencies), Uffe Cederlund (Entombed), Rick Hunolt, Gary Holt (Exodus), Bruce Kulick (Kiss), Paul Gilbert (Mr.Big), Adam Siegel (Infectious Grooves), Marco Hietala (Nightwish), Ross the Boss (Manowar), Scott Ian (Anthrax), James Murphy (Testament), Gus G. (Firewind), Dino Cazares (Fear Factory), Garry Jennings (Cathedral), Phil Cope (Witchfinder General), Joe Satriani, Slash y muchos otros reconocieron al Sr. Iommi como su principal influencia e inspiración.
A diferencia de muchos otros artistas británicos que han buscado residencia en el extranjero por motivos fiscales, Tony siempre ha dicho que su hogar es Birmingham y que nunca lo abandonará. Salvo sus visitas a Estados Unidos para grabar álbumes, ha cumplido su palabra por completo.
En cuanto a Tony Iommi, el escritor lo conoce muy bien. Con un maravilloso sentido del humor y un bromista que mantiene a todos alerta, no hay nada de pretencioso en él y, a diferencia de algunos de sus colegas, no se esconde, sino que se dedica abiertamente a sus asuntos, lo que provoca que lo detengan constantemente para pedirle un autógrafo.
Bebedor social, una de sus comidas favoritas es el curry. De gira, como muchos de sus fans saben, es bastante habitual que la tarde antes de un concierto se escabulla hasta donde está aparcado el transporte de la banda, donde suelen reunirse varios cientos de fans, para pasar una o dos horas charlando con ellos y firmando autógrafos. Tony es una persona realmente agradable que se merece todo el éxito que su esfuerzo y genio le han traído.
Según el guitarrista Brian May CBE, ''Tony Iommi es el verdadero padre del heavy metal, un genio en constante evolución, un maestro de los riffs y una de las mejores personas del mundo''.
¿Y ahora quién podría seguir eso?
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Paranoid, en vivo en Birmingham 2012.
Gary Charles Samuelson, más conocido como Gar Samuelson, nació en Dunkirk, Nueva York, Estados Unidos, el 18 de febrero de 1958, y murió en Deland, Florida, Estados Unidos, el 14 de julio de 1999. Baterista.
El sitio www.rockumweb.com publicó este recordatorio firmado por Gino Alache.
GAR SAMUELSON 18 febrero 1958 - 14 julio 1999 MEGADETH
Gino Alache Music Journalist & Editor of Rockum
(Rockum) - Gary Charles, más conocido como simplemente "Gar" Samuelson fue un músico nacido en los Estados Unidos, mejor recordado por ser el baterista de la banda de thrash metal Megadeth desde 1984-1987, contribuyendo a sus dos primeros álbumes Killing Is My Business ... Killing Is My Business... and Business Is Good! and Peace Sells... but Who's Buying?.
Para muchos es considerado como uno de los bateristas más influyentes del thrash metal, siendo pionero en la incorporación de la fusión de jazz al subgénero.
Samuelson murió a la edad de 41 años en Orange City, Florida, el 14 de julio (Día de la Bastilla) de 1999; la causa de la muerte fue, según los informes, insuficiencia hepática. Su cuerpo fue cremado y sus cenizas fueron esparcidas en el Océano Atlántico; también, un servicio conmemorativo se llevó a cabo en Lankford Chapel. Ni Mustaine ni ningún otro miembro de Megadeth asistieron a estas ceremonias.
El 25 de julio de 1999, Mustaine dedicó una actuación de la canción "Peace Sells" en la memoria de Samuelson, en el Festival de Woodstock.
El viejo amigo y compañero de banda Chris Poland dijo sobre Samuelson: "Era un verdadero amigo. Todo lo que sé sobre el tiempo, el ritmo y la sensación lo aprendí de Gar, así que siempre escucharé su voz en mi música".
La versión 2002 remezclada y remasterizada de Killing Is My Business ... está "dedicada a la memoria de Gar Samuelson".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Wake Up Dead.
José Rómulo Sosa Ortiz, más conocido como José José, nació en Clavería, Ciudad de México, México, el 17 de febrero de 1948, y murió en Homestead, Florida, Estados Unidos, el 28 de septiembre de 2019. Cantante y actor.
El sitio www.caras.com.mx publicó este recordatorio firmado por Gabriela Velasco.
José José: biografía completa del Príncipe de la Canción (vida, canciones y muerte)
Septiembre 01, 2020 • Gabriela Velasco
Todo sobre la carrera artística, adicciones, enfermedades, éxitos y fallecimiento del cantautor mexicano: José José
¿Quién es José José, el Príncipe de la Canción?
José Rómulo Sosa Ortiz, mejor conocido por su nombre artístico, José José, nació el 17 de febrero de 1948 en Azcapotzalco, Ciudad de México. Sus padres fueron Margarita Ortíz y José Sosa Esquivel, quienes también estuvieron involucrados en la industria musical; ella era concertista de piano, y él tenor de Ópera Nacional de México. José José destacó por ser un reconocido cantante, autor, actor y productor musical de renombre internacional.
¿Cómo y cuándo comenzó su carrera artística?
Desde que era un adolescente, José José se involucró en el mundo musical; el cantautor comenzó tocando la guitarra y cantando serenatas, lo que le abrió las puertas para que más tarde se uniera a ‘Los Peg’, un trío mexicano de bossa nova y jazz que formó junto con Enrique Herrera y Gilberto Sánchez, en donde destacó por tocar el bajo y contrabajo. El talento de José José dio mucho de qué hablar cuando en los 60, “El Príncipe de la Canción” fue invitado a una fiesta privada, y la hermana de su amigo resultó ser la secretaria ejecutiva del director de Orfeón Records. El cantante logró firmar su primer contrato con RCA Víctor y grabó su primer álbum en esa casa discográfica bajo el nombre de José José, en honor a su padre. Los primeros sencillos que lanzó fueron ‘Solo una mujer’, ‘Pero te extraño’ y ‘Sin ella’, pero fue con ‘La nave del olvido’ cuando comenzó a ganar fanáticos y seguidores.
Posteriormente, su carrera como solista despegó cuando en el segundo Festival de la Canción Latina, hizo una excelente interpretación de una de sus más famosas canciones: El Triste. Su destacada habilidad vocal le abrió las puertas para que en 1976 firmara su primer contrato con Ariola Records, lo que convirtió su fama nacional en un renombre internacional. Fue en la década de los años 80 cuando “El Príncipe de la Canción” comenzó a ser considerado como uno de los artistas latinos más admirados y reconocidos a nivel mundial.
Trayectoria y carrera artística
Algunos de los éxitos que elevaron la popularidad y el éxito de José José son los siguientes:
1. “El Triste” (1970)
La balada fue escrita por el compositor mexicano Roberto Cantoral García e interpretada por primera vez el 15 de marzo de 1970 en el II Festival Mundial de la Canción Latina, por el cantante mexicano José José.
2. “La nave del olvido” (1970)
La letra fue escrita por el compositor argentino Dino Ramos. Además de ser el nombre de su segundo álbum, este sencillo se convirtió en un éxito internacional e incluso llegó al puesto número 1 de países como México, Colombia, Argentina y Chile. Además, se coló entre los 10 primeros lugares de las listas de Rusia, Japón, España e Israel.
3. “El Príncipe” (1976)
A mediados de los años 70, fue su sencillo el ‘El Príncipe’ el que le otorgó su apodo “El Príncipe de la Canción”, el cual es recordado a nivel mundial por todos sus seguidores. Además, también fue el nombre del décimo álbum del cantautor, José José.
4. “Gavilán o paloma” (1977)
Lanzado en 1985, el disco de José José, Gavilán o paloma fue el soundtrack de la película que llevó el mismo nombre, en donde el artista mexicano se interpretó a sí mismo para dar a conocer los detalles de su vida y su carrera como cantautor de música romántica.
5. “Amar y querer” (1977)
Escrito por el compositor español, Manuel Alejandro, este tema fue uno de los más grandes éxito de José José, pues incluso fue considerado como el más importante para el cantante.
“Hay parejas que se pelean por una tontería y terminan y dejan hijos ahí regados por no transigir, por no dialogar... ¿Cuántas parejas no terminan por el problema del alcoholismo, de la codependencia?”, reveló para Uno Tv en el año 2014.
José Jose: Sus parejas y vida amorosa
“Las parejas con las que me casé, nunca las escogí, más bien ellas fueron las que me escogieron”. En 1971, cuando José José tenía tan solo 23 años de edad, comenzó un romance con la nieta de Plutarco Elías Calles, Natalia Herrera Calles. El cantautor estuvo casado durante dos años con la actriz, quien era 20 años mayor que él y tenía tres hijos de un matrimonio previo. Finalmente, decidieron divorciarse en 1973. Cuando José José fue premiado con un Disco de Oro en Los Ángeles, conoció a la actriz mexicana y exmodelo, Ana Elena Noreña Grass, con quien tuvo a sus dos hijos: José Joel y Marysol Sosa. Sin embargo, después de 17 años de casados, su matrimonio terminó en 1991. Finalmente, José José se casó en 1994 con su tercera esposa, Sara Salazar, y tuvieron a su hija Sarita Sosa Salazar.
Enfermedades y adicciones
La fama internacional que José José consiguió a temprana edad tuvo graves consecuencias. Con apenas 24 años de edad, el cantante mexicano fue víctima de una neumonía grave que paralizó su diafragma torácico, por lo que uno de sus pulmones quedó dañado de forma permanente y su voz sufrió un deterioro que logró superar después de algunos meses de someterse a tratamiento. En la década de los 80, “El Príncipe de la Canción” se sumió en la depresión y recurrió al abuso del alcohol, además de que se inyectaba cortisol para disminuir los niveles de estrés generados por la carga de trabajo. Esto provocó que los vasos sanguíneos de su fémur se vieran afectados, por lo que los doctores se vieron obligados a ponerle una prótesis en la pierna. Además de ser alcohólico durante 30 años, José José también recurrió a drogas, como la cocaína, para mantenerse sobrio durante los conciertos. Por lo mismo, a finales de esa década fue sometido a varias cirugías en las cuerdas vocales al estar dañadas por el consumo de alcohol.
En los 90’s el alcohol ya era parte esencial de su vida, y al llegar a su propio límite, optó por internarse en el Centro de Rehabilitación de la Universidad Hazelden, en Minnesota, para tratar su adicción. En el año 2001 tuvo enfisema, derivado del abuso del alcohol y sustancias nocivas, lo cual afectó su capacidad pulmonar y posteriormente se le dificultó hablar y cantar. Para el 2009, el artista siguió batallando contra la enfermedad de Lyme, la cual inmovilizó su lado izquierdo del cuerpo. En ese tiempo también desarrolló retinopatía diabética y tuvieron que operar uno de sus ojos. Finalmente, en el 2012 fue operado de una hernia que también afectó sus cuerdas vocales.
José José muerte
Después de presentar algunas complicaciones derivadas del cáncer de páncreas, José José falleció el 28 de septiembre de 2019 en un centro médico de Homestead, Florida, en Estados Unidos. Dos años antes, el cantante fue detectado con esta enfermedad que lo mantuvo entrando y saliendo del hospital. Además, el cantante padecía diabetes, así como la enfermedad del Lyme.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con La Nave del Olvido, El Amar Y El Querer y Desesperado.
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