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Shalom – Libertad y liderazgo en la tradición judía
Shalom aborda Pesaj con el rabino Pinhas Punturello. Un diálogo sobre el Éxodo, la libertad y el liderazgo de Moisés, la responsabilidad y el valor educativo del Seder. Una reflexión sobre memoria y transmisión que conecta la tradición judía con los debates actuales sobre opresión y convivencia.
Michael Brecker nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 29 de marzo de 1949, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 13 de enero de 2007. Compositor y multi instrumentista. Tocaba principalmente saxo tenor, ocasionalmente saxo soprano, flauta, piano y batería.
Michael Brecker fue, sin duda, el saxofonista tenor más influyente de la era posterior a Coltrane . Al integrar elementos funk y pop en la herencia coltraniana, allanó el camino para una nueva generación de saxofonistas.
"Su forma de tocar el saxofón estableció un nuevo estándar para el jazz, el R&B y el pop." Bob Mintzer
Nacido en 1949 en Filadelfia (Pensilvania), Michael Brecker se sumergió en el mundo del jazz desde temprana edad gracias a su padre, un pianista aficionado. Aprendió a tocar el clarinete y el saxofón alto, antes de decantarse por el tenor bajo la influencia de la música de John Coltrane.
En 1969, se mudó a Nueva York. Primero formó parte de la banda de jazz-rock Dreams junto a su hermano Randy, trompetista, y luego colaboró con Horace Silver y Billy Cobham. En 1974, los Hermanos Brecker dieron la sorpresa al formar el grupo que se convertiría en el referente del jazz-funk fusión en la década de 1970: los Hermanos Brecker. Su música, llena de energía, se caracteriza por arreglos impactantes y un virtuosismo asombroso. Un cóctel explosivo que se convertiría en el sello distintivo de los Hermanos Brecker, pero que, sin embargo, evitarían encasillarse volviendo a fórmulas más acústicas unos años después.
En los años 70 y 80, la etiqueta de fusión tenía muchas ventajas, ya que les permitía usar multitud de vestuarios, lo que le daba a Michael la oportunidad de tocar, en estudio o en directo, con un número increíble de estrellas: Chick Corea, George Benson, Joni Mitchell, Paul Simon, Franck Sinatra, Herbie Hancock, Bruce Springsteen, Steely Dan, Dire Straits…
Al mismo tiempo, los dos hermanos lideran una jam session en el famoso club de Manhattan del que también son dueños, Seventh Avenue South. Es en esta ocasión que, improvisando con Mike Mainieri (vibráfono), Eddie Gomez (bajo) y Steve Gadd (batería), Michael decide formar una de las bandas más populares de la década de 1980: Steps Ahead (en la que el baterista Steve Gadd cedería su lugar poco después a Peter Erskine).
A pesar de estos éxitos innegables, no fue hasta 1987 que se publicó la primera obra en solitario del saxofonista. Titulado sobriamente Michael Brecker, este disco fue elegido mejor álbum del año por la revista Downbeat.
La década de 1990 fue fructífera con la reunión de los Brecker Brothers en 1992, materializada en dos álbumes (Return of the Brecker Brothers y Out of the Loop). Pero Michael trabajó principalmente en un plano más personal, colaborando con destacados músicos de jazz como los pianistas Herbie Hancock y McCoy Tyner, o grabando sus propios álbumes. En 2002, rindió homenaje a la obra de Miles Davis y John Coltrane, dos de sus mayores influencias, grabando un álbum en directo en Toronto con Herbie Hancock y Roy Hargrove. Uno de sus últimos proyectos fue particularmente ambicioso, ya que reunió a un conjunto de 15 músicos cuya composición era bastante original (cuerdas, oboe, clarinete…). Fue con este quinteto que grabó el álbum Wide Angles en 2003, poco antes de que los primeros síntomas de leucemia lo obligaran a interrumpir su carrera. Un paréntesis que se cerraría trágicamente con su muerte en 2007.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Softly as in a morning sunrise. Michael Brecker, saxo tenor; Ulf Wakenius, guitarra; Christian McBride, contrabajo; Benny Green, piano; y Alvin Queen, batería.
Milan B. Williams nació en Okolona, Misisipi, Estados Unidos, el 28 de marzo de 1948, y murió en Houston Texas, Estados Unidos, el 9 de julio de 2006. Tecladista y compositor.
Milan B. Williams (28 de marzo de 1948 – 9 de julio de 2006) fue un tecladista estadounidense y miembro fundador de The Commodores .
Williams nació en Okolona, Mississippi, y comenzó a tocar el piano inspirado por su hermano mayor, Earl, quien era multiinstrumentista. Su primera banda se llamaba The Jays; tras su disolución, conoció a los demás miembros fundadores de los Commodores en 1967. Eran estudiantes de primer año en el Instituto Tuskegee de Alabama, y Williams fue reclutado para la banda recién formada. En 1969 viajó con la banda a Nueva York, donde grabaron un sencillo titulado "Keep on Dancing" con Atlantic Records.
Williams también escribió el primer éxito de los Commodores, el tema instrumental "Machine Gun". Otras canciones de los Commodores escritas por él son: "The Bump", "Rapid Fire", "I'm Ready", "Better Never Than Forever", "Mary Mary", "Quick Draw", "Patch It Up", "X-Rated Movie", "Wonderland", "Old-Fashion Love", "Only You" (un tema que Williams también produjo, tomado del primer LP de los Commodores sin Lionel Richie, Commodores 13), "You Don't Know That I Know", "Let's Get Started" y "Brick House".
Abandonó los Commodores en 1989, supuestamente tras negarse a actuar con ellos en Sudáfrica.
Milan Williams falleció de cáncer en un hospital de Houston el 9 de julio de 2006, a los cincuenta y ocho años. Fue sepultado en el cementerio Zion Spring, en su ciudad natal de Okolona, Mississippi.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Brick House.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Alexandra Dovgan, Orquesta Sinfónica de Galicia, dirigida por Dima Slobodeniouk. Fuera de programa, el Preludio Nº 12 en Sol Sostenido Menor Op. 32, de Serguéi Rachmáninov.
Anthony George Banks, más conocido como Tony Banks, nació en East Heathly, Sussex, Reino Unido, el 27 de marzo de 1950. Tecladista, pianista, cantante y compositor.
Biografía de Tony Banks, cofundador y tecladista de Genesis.
Sería interesante calcular en una encuesta cuántas personas responderían "Tony Banks" si se les preguntara "¿A qué músico asocias espontáneamente con Genesis?". Los resultados probablemente estarían en el rango bajo de un dígito. Es una verdadera lástima que el papel de Tony en Genesis solo sea apreciado por los fans y algún que otro crítico, cuando en realidad fue él quien ejerció la influencia dominante en la música de Genesis a lo largo de la historia de la banda y no se inmutó ante ningún cambio de formación. Sin embargo, su discreción lo mantuvo a la sombra de sus compañeros, sobre todo porque Genesis siempre tuvo un líder carismático para el público, ya fuera Peter Gabriel, Phil Collins o Ray Wilson. Por eso Tony Banks tuvo tanto éxito como parte de Genesis, pero nunca llegó a alcanzar el éxito en solitario.
Anthony George Banks nació el 27 de marzo de 1950 a las 7:30 de la mañana en East Hoathly, un pequeño pueblo del sur de Inglaterra. Es el menor de los hijos de Nora y John Banks, y tiene tres hermanos mayores: Mary, Margaret, Pauline y John. Cuando Tony empezó el colegio, también se suponía que iba a aprender a tocar el violín. Sin embargo, pronto se descubrió que su talento residía en el piano, por lo que su formación musical se centró en este instrumento. Su madre fue su primera influencia musical, y como la familia Banks tenía un piano, tuvo muchas oportunidades para practicar. En septiembre de 1963, Tony dejó la escuela primaria preparatoria Boarzell en Hurst Green para ir al internado Charterhouse en Godalming, el lugar donde se fundaría Genesis y donde se forjaría el futuro de Tony. Como muchos de sus compañeros, Tony no estaba muy contento con la supuesta educación privilegiada y la vida en el internado. A los dieciséis años, centró sus estudios en matemáticas, física y química. También empezó a aprender piano clásico. Sus principales intereses musicales se centraban en la música clásica, como Sergey Rachmaninov, y en grupos de pop contemporáneo como The Beatles. Encontró un amigo con quien compartía afinidad en Peter Gabriel, quien había llegado a Charterhouse al mismo tiempo. Pasaban mucho tiempo juntos y, para 1966, se habían convertido en una cooperativa de compositores que, al unirse su compañero Chris Stewart, pasó a llamarse The Garden Wall. Los fans recordarán la legendaria actuación conjunta de The Garden Wall y Anon (con los músicos Anthony Phillips y Mike Rutherford) en el festival escolar de fin de curso en el verano de 1966. Poco después, ambas bandas unieron fuerzas y se convirtieron en Genesis. A finales de 1967, Tony dejó Charterhouse para comenzar sus estudios en la Universidad de Sussex. Sin embargo, antes de empezar, quería "simplemente vivir" durante un año. Así que Peter Gabriel, otro amigo llamado David Thomas y Tony se mudaron a un pequeño piso en Londres. Nunca llegó a retomar sus estudios, ya que Tony y sus compañeros de banda decidieron dedicarse a la industria musical y continuar con Genesis.
Los avances de Genesis también influyeron, naturalmente, en la vida de Tony. El joven pianista de Charterhouse se convirtió en un fantástico teclista en los años 70. Su sonido se convirtió en el sello distintivo de la banda durante esa época. Mientras tanto, también aprendió a tocar la guitarra. Esto se volvió muy importante durante un breve período después de que Anthony Phillips dejara la banda, pero también para las versiones en vivo de varias canciones. La única vez que cantó como vocalista principal fue en dos versos de la canción Shepherd, que no se incluyó en ningún álbum; por lo demás, se limitó a hacer coros. Como compositor y letrista, dejó su huella en toda la historia de la banda. Aparentemente indiferente a la moda y al espíritu de la época, Tony apenas cambió, mientras que Peter Gabriel se vestía con trajes extravagantes y la cabeza parcialmente rapada, Phil Collins experimentaba con barbas y peinados (o no) y Steve Hackett tuvo el valor de usar una chaqueta estampada con fresas. Tony vivió los ruidosos años 70 casi sin cambios. En los conciertos, siempre fue un intérprete poco espectacular. Su lugar, desde tiempos inmemoriales, era el lado derecho del escenario (desde la perspectiva del público). Allí se sentaba, totalmente concentrado en la música. Cada vez que un miembro de Genesis abandonaba la banda, Tony se colocaba un poco más en el centro de atención. También se hizo evidente la gran importancia de su papel en la música.
Cuando Peter Gabriel dejó Genesis en 1975, Tony barajó la idea de grabar un álbum en solitario. Dado que las dudas sobre el futuro de Genesis pronto se disiparon, las ideas terminaron plasmándose en el primer álbum de la banda tras la marcha de Gabriel, A Trick Of The Tail.
En 1979, Tony lanzó su primer disco en solitario, A Curious Feeling. El álbum alcanzó un respetable puesto número 21 en las listas británicas. Recordaba al estilo de Genesis de finales de los 70. Tony grabó todas las partes del álbum él mismo, a excepción de la batería, la percusión (ambas a cargo de Chester Thompson) y la voz (Kim Beacon). La letra se basaba en el relato de ciencia ficción Flowers For Algernon. Sin embargo, Tony modificó algunas partes, ya que existía un musical en Londres basado en la misma historia, por lo que la conexión se rompió. Justo un año antes, había compuesto la banda sonora de la película The Shout junto a Mike Rutherford. Aunque nunca se publicó como álbum, Tony utilizó el tema central de la composición para From The Undertow en A Curious Feeling. Tony se sintió bastante decepcionado con el éxito del álbum, pues consideraba que A Curious Feeling era, «en lo que a composición se refiere, superior a los tres discos anteriores de Genesis».
En los años 80, el éxito comercial de Genesis alcanzó su punto álgido. Los intervalos entre los lanzamientos de álbumes se alargaron y hubo tiempo para proyectos en solitario. Mike Rutherford y, sobre todo, Phil Collins, emprendieron exitosas carreras paralelas, y Tony dio nuevos pasos como solista.
Para su segundo álbum en solitario, The Fugitive (1983), se aventuró a cantar. Esto se debió a dos razones. Por un lado, no quería que Kim Beacon volviera a cantar, ya que A Curious Feeling no había tenido mucho éxito comercial. Por otro lado, quería experimentar lo que se sentía al ser el cantante. Si bien había mantenido las melodías y las letras intencionadamente sencillas para poder interpretarlas, aun así, le resultó difícil. El resultado, por lo tanto, merece, como mínimo, respeto.
En 1983 se publicó otro álbum de Banks, la banda sonora de The Wicked Lady. Tony grabó la primera mitad completamente solo. Consiste en variaciones sobre el tema y fue arreglada de forma muy similar a The Fugitive. La cara B del disco contenía arreglos orquestales de la banda sonora y fue grabada por la Orquesta Filarmónica Nacional de Londres. The Wicked Lady permaneció inédita en CD hasta 2013 (véase más abajo).
En la primavera de 1984, Tony recibió su primer encargo de componer la banda sonora de una película en Hollywood. Debía escribir la música para 2010: El año en que nos conocimos, la secuela de 2001: Una odisea del espacio. Cuando la euforia inicial se desvaneció, el proyecto resultó ser un fracaso. Tony trabajó en la banda sonora durante casi seis meses, componiendo dos horas de música, pero todo lo que envió a Hollywood fue rechazado y, finalmente, su música no se utilizó en la película. Esto supuso un duro golpe para su autoestima, sobre todo porque había rechazado otras ofertas para componer bandas sonoras con tal de poder trabajar en 2010.
Al menos pudo reutilizar algunas de sus grabaciones de "2010" para la banda sonora de Lorca y los Forajidos. Esa película tenía un presupuesto tan bajo que Tony aceptó trabajar gratis. Dos de estas canciones tienen voz: Tony le pidió a Jim Diamond que cantara en "You Call This Victory", mientras que Toyah Wilcox fue la vocalista principal en "Lion of Symmetry". Nunca se publicó un álbum de banda sonora dedicado a esta película porque no tuvo mucho éxito en taquilla.
En 1986, Tony compuso la música para la película Quicksilver. Entre otras canciones, se incluía "Shortcut To Nowhere". Tony coescribió este tema con Fish, vocalista de Marillion, quien también cantó en él.
Ese mismo año se publicaron las piezas instrumentales y las canciones de Tony de Lorca And The Outlaws y Quicksilver en el álbum Soundtracks.
El título del siguiente álbum de Tony era un juego de palabras. Bankstatement se lanzó en 1989 como un intento de Tony por imitar lo que Mike Rutherford había hecho con Mike + The Mechanics. Aunque adoptó un enfoque similar, es decir, tener dos cantantes diferentes y canciones pegadizas, el proyecto fracasó estrepitosamente. Los cantantes habían sido Alistair Gordon, Janey Klimek y, por primera vez desde 1983, el propio Tony.
Por estas razones, el siguiente álbum en solitario, Still (1991), se publicó nuevamente como un álbum de Tony Banks. Cinco cantantes diferentes y una mezcla de pop, soft rock y el estilo propio de Tony hicieron que este disco no encajara ni como un trabajo de banda ni como un proyecto en solitario. No se ajustaba a ninguna categoría de descripción comercial y, por lo tanto, cayó en el olvido. Los cantantes que participaron en este álbum fueron Andy Taylor y Nik Kershaw, además de Jayney Klimek, Fish y (en una canción) el propio Tony.
En 1995, Tony Banks intentó por segunda vez comercializar su música en solitario bajo el nombre de una banda. El CD que grabó con Jack Hues, vocalista de Wang Chung, se titulaba Strictly Inc. La música combinaba sonidos modernos, melodías pegadizas y elementos tradicionales de su estilo. El álbum también incluía uno de los mejores temas en solitario de Banks, una obra de 17 minutos titulada An Island In The Darkness. Strictly Inc. fue un fracaso comercial.
Varios nombres conocidos del círculo de Genesis también colaboraron en los álbumes. Daryl Stuermer, por ejemplo, es el guitarrista en la mayoría de los discos de Banks, y Nick Davis, al igual que David Hentschel, coprodujo con Tony.
Sin embargo, resulta curioso que un artista con una influencia tan tremenda en la música de Genesis, que logró numerosos éxitos en el top 10 con la banda, apenas haya alcanzado el éxito comercial. Una posible razón es que a Tony no le gusta ser el centro de atención. Sin duda, sería más conocido si hubiera realizado giras en solitario para promocionar sus álbumes. Lamentablemente, hasta la fecha no ha ofrecido ni un solo concierto en solitario.
Tony no era ni es un artista que se exponga para complacer a la prensa sensacionalista. No es una estrella, sea lo que sea que eso signifique. Su vida privada parece de lo más común. Está casado con su esposa Margaret desde 1972, tiene dos hijos, Ben y Emily, y vive en una zona rural cerca de Guildford, al sur de Londres. Eso es prácticamente todo lo que se puede decir de Tony Banks en su vida privada. Aparentemente, no tiene ningún deseo de gastar su considerable fortuna en coches de lujo o ropa de diseñador. Más bien parece estar contento con su vida. Al fin y al cabo, ha disfrutado de una magnífica carrera como músico de rock en Genesis, lo que le ha proporcionado una buena posición económica, y aún puede componer, grabar y publicar toda la música que no pudo o no quiso hacer con Genesis.
El final de los 90 debió ser algo desalentador, trayendo consigo el desastre total de Strictly Inc., el fin de la era Genesis de Banks/Collins/Rutherford (/Thompson/Stuermer) y el nuevo comienzo con Ray Wilson y compañía, que recibió críticas mixtas por parte de la prensa y los fans. Al final de la breve etapa de Ray con Genesis, las cosas se calmaron alrededor de Tony. En 2004, cumplió uno de sus sueños: lanzó una obra orquestal llamada Seven en la que había trabajado durante varios años. En las entrevistas que concedió en ese momento, no descartó ni una reunión de Genesis ni la posibilidad de volver a hacer algo en el mundo del rock/pop. También afirmó que no había planes. Genesis, el gigante del rock, estaba descansando cuando, en 2006, la noticia de que este gigante del rock volvería a salir de gira y de repente estaba de moda de nuevo, cayó como una bomba. Tony Smith, mánager de Genesis, describió a la banda como "el proyecto en solitario de Tony", y Genesis cosechó un éxito arrollador en 2007, con Tony Banks como figura clave. De hecho, sin él, este gigante no habría perdurado 40 años. Aún no está claro si Genesis continuará ni cómo lo hará, pero la gira "Turn It On Again" debió de ser un incentivo para Tony Banks.
Tras la gira, Tony comenzó a trabajar en su siguiente álbum clásico, que finalmente se convertiría en SIX. Como era de esperar, el título indica el número de piezas clásicas que contiene. SIX se publicó en 2012 y Tony expresó cierto interés en reeditar su catálogo anterior en una entrevista ese mismo año. En 2013, The Wicked Lady se publicó por primera vez en CD bajo su propio sello, "Fugitive Inc", que más tarde describió como un experimento.
En 2014, Genesis se reunió de nuevo para promocionar su documental de la BBC Together And Apart (posteriormente lanzado como Sum Of The Parts ) y el recopilatorio R-Kive , que abarcaba toda su carrera e incluía también material en solitario. Y aunque las conversaciones sobre una posible reunión de Genesis nunca cesaron, Tony siempre mantuvo una visión realista al respecto.
Finalmente, decidió lanzar en 2015 una caja recopilatoria que abarcaba toda su carrera, titulada A Chord Too Far, con Esoteric Records. También tenían previsto reeditar otros álbumes, incluyendo una mezcla 5.1 para cada uno. Ese mismo año, Tony Banks fue nombrado "Dios del Progreso" en la ceremonia de los Premios de Música Progresiva. El discurso de elogio corrió a cargo de Peter Gabriel, quien había recibido el galardón el año anterior. Un vídeo de la ceremonia está disponible en YouTube.
Las versiones ampliadas de A Curious Feeling y The Fugitive se publicaron a principios de 2016, pero los fans siguen esperando los demás álbumes, ya que el proyecto se detuvo indefinidamente.
En 2017, Tony se unió a Nick Ingman para su tercer álbum de música clásica, titulado FIVE, que salió en 2018. Sigue negándose a grabar otro álbum de rock o pop y no quiere formar parte de ningún supergrupo (ver nuestra entrevista aquí). Tampoco está a favor de reeditar y reempaquetar constantemente el material de Genesis. Así que, en muchos sentidos, sigue siendo el mismo Toyn Banks de hace muchos años.
Esperemos que Tony encuentre la fuerza para ignorar a los críticos y las cifras de ventas para que podamos seguir disfrutando de nuevas propuestas artísticas en forma de discos y/o conciertos.
Autor: Helmut Janisch (2000).
Actualizado por Christian Gerhardts (marzo de 2019).
Traducido por Martin Klinkhardt.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con The Lamb Lies Down On Broadway, Hold On My Heart y Prelude to a Million Years, en la interpretación de Tony Banks, y la Orquesta Sinfónica Nacional de Chequia, dirigida por Nick Ingman.
26 Mar, 2026 03:38 a.m.Actualizado: 26 Mar, 2026 07:26 a.m. AR
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ARCHIVO - Una persona lleva en una marcha un cuadro con una imagen compuesta de Fidel Castro, Raúl Castro y del presidente de Cuba, Miguel Díaz-Canel, en la plaza de la Revolución en La Habana, el 1 de mayo de 2025 (AP Foto/Ramon Espinosa, Archivo)
Este artículo podría empezar con los datos, y ellos solos ya son la crónica de lo que Alejo Schapire llama una siniestra obscenidad. Datos fríos, secos como la mentira, precisos como la verdad: el hotel es el Gran Bristol en La Habana vieja; cinco estrellas, planta eléctrica propia, agua constante, servicios de lujo; las habitaciones superan los 500 euros la noche; el hotel es propiedad de Gaviota, el holding empresarial de las fuerzas armadas cubanas; el régimen ha pagado los costes; Pablo Iglesias, Jeremy Corbyn y otros VIPS, han viajado en business hasta La Habana... Y, con su viaje con copita de champagne, su ducha de precisión, la panza rellena, la electricidad para los móviles y sus selfies, y el paseo en autobús alternativo, los salvadores de Cuba han perpetrado su canallada.
Cuba convertida en un parque temático ideológico, manoseada por una izquierda caviar que la quiere mantener, humillada y oprimida. Nuevamente se repite el esquema: de viaje a Gaza, para que los palestinos se mantengan bajo la brutalidad de los terroristas de Hamas y no salgan nunca del círculo de la violencia; y de viaje a Cuba, para que los cubanos se mantengan bajo la bota del castrismo que hace 67 años que saquea sus recursos, oprime a su pueblo y destruye sus esperanzas. ¡Qué importa la dura realidad que sufren los cubanos, si prevalece el mito ideológico! La vieja causa por encima del hambre, el dolor, la represión y la completa destrucción de la esperanza. Y es así como se perpetra un viaje simbólico que no intenta liberar al pueblo, sino consolidar su cárcel. En nombre de la revolución, por supuesto, que acostumbra a derivar en la más brutal de las involuciones.
Quizás se trata de hablar claro: hay una izquierda que siempre fue reaccionaria en el sentido más desgarrador y abrupto del término. Una izquierda, heredera del totalitarismo comunista, que mutó a posiciones más modernas, pero mantiene intactos los tics autoritarios. Es esa izquierda que levanta banderas de justicia social, pero se amiga con las peores dictaduras del mundo, de Irán a China, del chavismo al castrismo. Esa izquierda que defiende la libertad en abstracto, como una quimera o un poema nostálgico, pero cercena insistentemente la libertad de expresión, la libertad de mercado, la libertad de opción, todas las libertades que concretan la libertad. Esa izquierda que gusta de listas negras y practica la cultura de la cancelación, cuando las ideas desmienten a sus dogmas. En definitiva una izquierda que adora el pueblo, pero desprecia al ciudadano, quizás porque la masa siempre es más moldeable que el individuo. No es cierto que defienda las ideas de progreso, al contrario: allí donde sus ideas triunfan, el progreso se detiene. Amante del estado como tutelador y controlador, pero enemigo de la iniciativa privada, la sana competencia, el libre albedrío ciudadano.
Por eso odia a las democracias liberales, porque no cree en el ciudadano libre, sino en el pueblo tutelado. Por eso odia a Estados Unidos, que representa la culminación del individuo ante sus capacidades y sus oportunidades. Y por eso su odio más puro se dirige Israel, porque Israel es una historia de éxito, de plantar naranjas a convertirse en una start up nation, a pesar de luchar por su existencia contra todo tipo de violencias.
No es ninguna casualidad que toda esta izquierda caviar que levanta el puño en la ceremonia de los Oscar, y monta excursiones con flotillas anhelando sus quince minutos de fama revolucionaria, toda esa izquierda odie las democracias más sólidas del planeta. No son defensores de la libertad, la libertad en mayúsculas, la que defendía Camus frente a Sartre, no son defensores de la libertad, son sus enemigos más vitriólicos y sutiles.
Por eso callan, callan como ratas ante los crímenes de los ayatollahs, ante las cárceles del castrismo, ante las redes criminales del chavismo, ante la matanza de cristianos en Nigeria, ante la brutal represión de China contra los uigures o contra los tibetanos, o es igual, porque callan, callan como ratas siempre que las víctimas no corresponden a sus cánones y a sus dogmas.
Ahora quieren salvar a los cubanos de sí mismos, no fuera caso que se convirtieran en ciudadanos libres y el parque temático de la izquierda caviar se les fuera al carajo. ¿A dónde irán los Iglesias y los Corbyn, cuando Cuba sea finalmente libre? Siempre les quedará Corea del Norte. Es ideal para el turismo ideológico.
Kenneth Arnold Chesney, más conocido como Kenny Chesney, nació en Knoxville, Tennessee, Estados Unidos, el 26 de marzo de 1968. Cantante, guitarrista y compositor.
Nacido el 26 de marzo de 1968 en Knoxville, Tennessee, el cantante y compositor de música country Kenny Chesney disfrutó de su primer éxito con su segundo álbum, All I Need to Know , en 1996. Álbumes posteriores como Everywhere We Go, No Shoes, No Shirt, No Problems y When the Sun Goes Down consolidaron su posición como uno de los artistas más vendidos, y tanto la Academia de Música Country como la Asociación de Música Country lo honraron como Artista del Año en múltiples ocasiones.
Primeros años de vida y carrera profesional
El cantante de música country Kenny Chesney nació el 26 de marzo de 1968 en Knoxville, Tennessee. Mientras estudiaba en la Universidad Estatal del Este de Tennessee, Chesney se unió a una banda universitaria y comenzó a componer sus propias canciones y a tocar en bares locales. Este músico trabajador finalmente grabó un álbum para venderlo en sus conciertos. Tras graduarse en marketing en 1991, se mudó a Nashville para dedicarse a la música.
Álbumes y canciones de éxito
Todo lo que necesito saber, Tú y yo, Me mantendré firme y A dondequiera que vayamos
Tras unas ventas modestas de sus grabaciones con Opryland Music Group y Capricorn Records, Chesney llamó la atención de BNA Records, filial de RCA. Fue durante su etapa con BNA que el cantante consiguió el disco de oro con " All I Need to Know" en 1995, el de platino con "Me and You" en 1996 y " I Will Stand" en 1997, y el doble platino con "Everywhere We Go" en 1999. Para el año 2000, Chesney era una auténtica estrella, adorada por legiones de fans de la música country.
Sin zapatos, sin camisa, sin problemas y cuando se pone el sol
En 2001, Chesney lanzó su primer álbum de grandes éxitos, seguido en 2002 por No Shoes, No Shirt, No Problems , con influencias del rock. Impulsado por los exitosos sencillos "Young" y "The Good Stuff", se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de su carrera. Su siguiente trabajo, When the Sun Goes Down (2004), también alcanzó el número 1 en la lista Billboard 200 y produjo tres sencillos que encabezaron las listas, incluyendo "There Goes My Life".
Sé como eres y El camino y la radio
En 2005, Chesney fue galardonado por primera vez como Artista del Año por la Academia de Música Country. Ese mismo año lanzó dos nuevos álbumes: Be As You Are (Songs From an Old Blue Chair) y The Road and The Radio. Ambos discos fueron grandes éxitos, alcanzando la cima de las listas de música country con sencillos como "Who You'd Be Today" y "Guitars and Tiki Bars". Al año siguiente, lanzó un álbum en directo, Live: Live Those Songs Again , que encabezó las listas de música country y también tuvo una destacada presencia en las listas de música pop.
Simplemente quién soy: Poetas y piratas
Para su siguiente lanzamiento, Chesney ayudó a producir Just Who I Am: Poets & Pirates (2007), que incluyó una serie de éxitos. La introspectiva "Don't Blink" encabezó las listas de música country, al igual que "Never Wanted Nothing More" y "Better As a Memory". La grabación también incluyó dos duetos populares: "Every Other Weekend" con Reba McEntire y "Shiftwork" con George Strait . Ese mismo año, ganó un premio CMA al Evento Musical del Año por su trabajo en "Find Out Who Your Friends Are" de Tracy Lawrence con Tim McGraw.
Chesney salió de gira durante el verano de 2008 para promocionar Just Who I Am: Poets & Pirates, que fue todo un éxito. En septiembre de ese año, Chesney fue nominado a siete premios CMA, incluyendo Artista del Año y Vocalista Masculino del Año. También recibió nominaciones en la categoría de Evento Musical del Año por "Every Other Weekend" y "Shiftwork".
El Sol del Viejo Suerte y el Whisky de Hemingway
Chesney lanzó Lucky Old Sun en 2008. Uno de los sencillos del álbum, "Everybody Wants to Go to Heaven", se convirtió instantáneamente en un éxito número uno en la música country. En noviembre de ese mismo año, la Asociación de Música Country le otorgó a Chesney su cuarto premio al Artista del Año, igualando a Garth Brooks con la mayor cantidad de galardones en esa categoría. Posteriormente, alcanzó la cima de las listas de música country con el álbum Hemingway's Whiskey (2010), que incluía los exitosos sencillos "The Boys of Fall", "Somewhere with You", "Live a Little" y "Reality".
Bienvenidos a la Nación del Pecera y Sin Zapatos
Tras Welcome to the Fishbowl (2012), que incluyó el exitoso tema "Come Over", Chesney mantuvo su ritmo de lanzar un nuevo álbum casi anualmente, publicando Life on a Rock (2013), The Big Revival (2014), Cosmic Hallelujah (2016) y No Shoes Nation (2017). Su siguiente álbum, Live in No Shoes Nation , debutó en el número 1 de la lista Billboard 200 ese mismo año.
Canciones para los santos y aquí y ahora
Chesney lanzó Songs for the Saints bajo un nuevo sello discográfico, Warner Music Nashville, en julio de 2018, y se unió a Ed Sheeran para componer "Tip of My Tongue" al año siguiente. Aunque sus ambiciosos planes para la gira Chillaxification Tour de 2020 se vieron interrumpidos por la pandemia del coronavirus, el artista complació a sus fans con el lanzamiento de un nuevo álbum, Here and Now, el 1 de mayo.
Personal
Chesney se casó con la actriz Renée Zellweger en mayo de 2005, pero ella solicitó la anulación del matrimonio tan solo cuatro meses después, lo que desató rumores sobre la sexualidad del cantante de música country. Ambas partes negaron que esto fuera un problema, y Chesney explicó posteriormente que entró en pánico al darse cuenta de que no estaba preparado para el matrimonio. Desde entonces, ha mantenido relaciones sentimentales con la ex Miss Tennessee Amy Colley y con su novia de muchos años, Mary Nolan.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con American Kids.
Paul Stephen Motian nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de marzo de 1931, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 2011. Baterista y compositor.
El maestro de la batería, Paul Motian, (Providence, 25 de marzo de 1931 – Nueva York, 22 de noviembre de 2011), debutó en 1949 en su localidad natal, Providence, como guitarrista y más tarde estudió la batería. Después de licenciarse en el ejército americano, en 1954, se trasladó a New York donde estudio en la «Manhattan School of Music». En 1956 obtuvo su primer contrato importante con el pianista, George Wallington y ese mismo año colaboró con Jerry Wald y Russell Jacquet.
En 1957 trabajó durante un año con el clarinetista, Tony Scott y al año siguiente, en 1958, colaboró con dos importantes músicos adscritos al movimiento jazzístico de la Costa Oeste: Lenny Tristano y Zoot Sims. A finales de 1959 conoció al pianista, Bill Evans, un hecho histórico en la historia del jazz y que supondría un giro espectacular en la carrera profesional de Motian. Bill Evans, tras escucharlo, lo invitó a formar parte de su histórico trío, junto al contrabajista, Scott LaFaro.
Tras de sí, Motian tenía ya en su haber grabaciones discográficas con George Russell; Eddie Costa; Don Elliot o Lee Konitz. Entre 1959, año en que se unió a Bill Evans, y 1963, año en que abandonó el trío tras la muerte del contrabajista, los tres dieron vida a una formación legendaria, única e irrepetible en la historia del jazz. En ese tiempo, Motian, LaFaro y Evans grabaron una serie de obras maestras del jazz imperecederas, destacando las grabaciones en el Village Vanguard de New York y el disco «Waltz for Debby» (Riverside 1961).Tras la disolución del trío, Motian colabora con el pianista, Paul Bley y su esposa Carla con quien fundó en 1968 la «Jazz Composer’s Orchestra Association» (JCOA), un organismo gestionado por los propios músicos y de donde salieron grandes proyectos musicales, entre otros el extraordinario disco «Escalator Over the Hill».
Entre 1969 y 1979, Paul Motian colaboró estrechamente con el pianista, Keith Jarrett, otro músico extraordinario del jazz moderno. En el trío de Jarrett, estaba otro magnifico contrabajista, Charlie Haden quien utilizo al baterista para otro extraordinario proyecto jazzístico liderado por Haden y al que denominó: «La Liberation Music Orchestra», uno de los más sólidos pilares de la improvisación jazzística de nuestros tiempos. Tras dejar a Jarrett y a Haden, Paul Motian inició su carrera profesional como solista, colaborando con infinidad de músicos, grabaciones y conciertos.
En su etapa contemporánea, y ya superados los setenta años, Paul Motian ha venido a España en varias ocasiones y al frente de distintas formaciones, como cuando se presentó al frente de su «Electric Be Bop Band» (E.B.B.B.) en Madrid en el 2001, o en San Sebastián, el 29 de mayo de 2002 con la International Sextet, formación conformada por dos saxofonistas, dos guitarristas eléctricos, un bajista y el propio Paul Motian a la batería. Motian, es, por tanto, uno de los grandes músicos de jazz de todos los tiempos. Nada acomodaticio, asumiendo riesgos, siempre a la vanguardia de la música de jazz y sabiendo estar, a sus setenta y cuatro años, en primera línea.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Brilliant Corners. Paul Motian & The Electric Bebop Band. Paul Motian en batería; Jakob Bro y Steve Cardenas, en guitarra; Chris Cheeck y Tony Malaby, en saxo; y Anders Christensen, en bajo.
Klaus Dinger nació en Warburg, Alemania, el 24 de marzo de 1946, y murió en Düsseldorf, Alemania, el 20 de marzo de 2008. Baterista, guitarrista y compositor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Como la mitad del legendario dúo de Krautrock Neu!, el baterista Klaus Dinger fue pionero del hipnótico patrón rítmico de movimiento perpetuo, más tarde denominado "motorik", creando ritmos mecánicos, pero profundamente humanos que inspirarían a sucesivas generaciones de artistas electrónicos y pop. Nacido en Alemania el 24 de marzo de 1946, Dinger se dedicó a la música tras abandonar la arquitectura. Se dio a conocer como miembro de otro grupo de gran influencia, Kraftwerk, reemplazando al baterista original Andreas Hohmann durante las sesiones de grabación de su álbum debut homónimo de 1970. El guitarrista Michael Rother se unió a Kraftwerk tras la finalización del álbum, pero en 1971 él y Dinger se separaron para formar Neu!, colaborando con el productor Conny Plank para comenzar a trabajar en su primer álbum, publicado por Brain Records al año siguiente. Mientras que la guitarra de Rother prescindía de los cambios de acordes convencionales en favor de evocadores drones armónicos, la batería de Dinger se redujo a un ritmo simple y repetitivo de 4/4 que él denominó "ritmo Apache", pero que los críticos musicales posteriores bautizaron como "motorik" en honor a la palabra alemana para "habilidad motora". Canciones como la épica de diez minutos "Tellogallo" ostentan ritmos pulsantes que parecen extenderse hasta el infinito, con toda la precisión e ingeniería de un BMW corriendo por la Autobahn.
Si bien los siguientes Neu! 2 y Neu! '75 anticiparon desde remezclas de clubes hasta punk, las ventas fueron limitadas; aun así, la influencia del dúo demostró ser enorme, y Brian Eno señaló más tarde: "Hubo tres grandes ritmos en los 70: el afrobeat de Fela Kuti, el funk de James Brown y el ritmo Neu! de Klaus Dinger". Después de que Neu! se separara en 1975, Dinger montó el proyecto electrónico La Düsseldorf con su hermano Thomas y Hans Lampe, grabando más tarde una serie de álbumes acreditados a La! Neu?. A finales de 1985, él y Rother también se reunieron para una sesión abortada que finalmente se lanzó una década después como Neu! 4. Para entonces, el dúo era citado entre las influencias más importantes de una generación de artistas de pop electrónico y rock de vanguardia, incluidos Stereolab, Sonic Youth y Radiohead. Dinger falleció de insuficiencia cardíaca el 20 de marzo de 2008, apenas cuatro días antes de cumplir 62 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cha Cha 2008.
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