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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Dennis Edwards Jr. nació en Fairfield, Alabama, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1943, y murió en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 1 de febrero de 2018. Cantante y pianista.
Dennis Edwards, quien lideró The Temptations en 1968 cuando el grupo abrazó el funk psicodélico y ganó premios Grammy por las canciones "Papa Was a Rollin' Stone" y "Cloud Nine", murió. Tenía 74 años. Edwards formó parte de la banda hasta 1977 y luego se reincorporó para varias reuniones en los años 80. Su voz también estuvo presente en otros éxitos como "I Can't Get Next to You" y "Ball of Confusion". Su familia ha confirmado su muerte a "CBS News", hoy "Koha Ditore" difunde la redacción de medios extranjeros.
La esposa de Edwards, Brenda, dijo que el cantante, que vivía en Missouri, murió en un hospital de Chicago por complicaciones de la meningitis. Fue diagnosticado con esta enfermedad en mayo de 2017.
"Realmente me entristece que otro soldado de Motown se haya ido. Descansa en paz hermano. Fuiste un gran talento", dijo Smokey Robinson para "Rolling Stone".
Edwards nació el 3 de febrero de 1943 en Fairfield, Alabama y se crio en Detroit. Cantó en grupos de música gospel cuando era adolescente y estudió en el Conservatorio de Música de Detroit antes de ingresar profesionalmente a las aguas de la música. Formó parte de los artistas de "Motown Contours" en la primera parte de los años 60. El grupo fue mejor conocido por su sencillo de 1962 "Do You Love Me", que lanzaron antes de que él fuera miembro.
Se unió a Temptations en 1968, cuando el grupo despidió a David Ruffin, y aportó una nueva vitalidad a su voz; su voz era un poco áspera para reemplazar el suave falsete de Ruffin. El quinteto se adaptó más a los ritmos de música blues, soul-rock y sus integrantes empezaron a escribir letras que trataban más temas sociales de la época, dando así cuenta del éxito "Cloud Nine". La formación de Temptation con Edwards disfrutó de una presencia dominante en las listas de pop y R&B durante varios años, logrando grandes éxitos en todos los ámbitos con los éxitos "Run Away Child, Running Wild", "Don't Let the Joneses Get You Down"., "Chabola psicodélica" y "Bola de confusión (así es el mundo de hoy)".
El grupo se separó en 1976 del sello discográfico Motown para lanzar el álbum The Temptations Do the Temptations, tiempo durante el cual Edwards dejó el quinteto. Regresó por unos años durante los años ochenta cuando la banda volvió con "Motown", y nuevamente crearon un hit para esos tiempos, "Power".
Edwards dejó la banda en 1983, pero regresó en 1986 por un año, tiempo suficiente para grabar "To Be Continued". Se reincorporaría para el concierto final en 1987 y se quedó hasta 1989.
Fuera de Temptations, Edwards lanzó varios álbumes en solitario y obtuvo un éxito con "Don't Look Any Further", un dueto con Siedah Garrett, que alcanzó el puesto 72 en las listas de éxitos pop y el 2 en las listas de R&B. La canción luego se convirtió en material para la nueva escuela de hip-hop, ejemplificada por "Paid in Full" de Eric B. Dhe Rakim y luego "Em UP" de 2Pac y "Get Money" de Junior MAFIA Su último álbum "Talk to Me", lanzado en 1993, fue seguido por "Temptations Greatest Hits Live" en 1995.
A finales de los 80, Edwards se asoció con Ruffin y Eddie Kendricks de Temptations para una gira dedicada a su banda. Edwards en 1989 recibió una estrella en el "Salón de la Fama del Rock and Roll". En 2013, también recibió el premio Lifetime Achievement Award en los "Grammy", que fue otorgado a "Temptations".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Aphrodisiac.
En sus comienzos, hablamos de la segunda mitad del siglo XIX, el tango era cosa de hombres. Y no solo eran ellos, exclusivamente, los que lo bailaban, sino también los que lo cantaban. Después, con la llegada del siglo XX, la situación cambió. Y las mujeres comenzaron a tener cada vez más protagonismo. Sin embargo, cuando Julio Sosa se hizo presente en la escena musical, todos se remitieron a aquellos tiempos en los que este género destilaba virilidad.
Fue el periodista Ricardo Gaspari quien, al escucharlo, le puso el apodo de “El varón del tango”, con el que se lo sigue reconociendo hasta el día de hoy. El motivo era simple: el timbre de voz y la manera de cantar de este artista remitían al viejo estilo al que los fanáticos de la música ciudadana se habían acostumbrado a referentes como Carlos Gardel. Desde la década del 50, esto cambió y estos artistas fueron reemplazadospor intérpretes menos estructurados. Es por eso que Sosa se distinguía de sus contemporáneos.
Había nacido hace exactamente 100 años, el 2 de febrero de 1926, en el seno de una familia de bajos recursos de Las Piedras, Canelones, Uruguay. Su padre, Luciano Sosa, era un peón de campo y su madre, Ana María Venturini, trabajaba como lavandera. Así que, siendo un niño, el cantor conoció el rigor de la pobreza. Y, cuando llegó a la adolescencia, no tuvo más remedio que empezar a hacer changas para tratar de llevar algún dinero a su hogar.
Fue vendedor ambulante de bizcochos, podador municipal de árboles, ayudante de mercachifle, repartidor de farmacia y lavador de vagones, entre otros oficios ocasionales. Sin embargo, siempre tuvo clara su vocación. Y, por ese motivo, se anotaba en cada concurso de canto que tuviera lugar en su zona de residencia. Hasta que, finalmente, se le dio. Su debut como vocalista profesional fue en la orquesta de Carlos Giardini, en la Ciudad de La Paz. Y, en 1948, en tanto, grabó junto a la orquesta de Luis Caruso en Montevideo.
El cantor fue apodado El Varón del Tango por su estilo y su timbre de voz
Sin embargo, Sosa sabía que su gran posibilidad de triunfar estaba en la Argentina. Y, un año más tarde, desembarcó en Buenos Aires, donde empezó su carrera cantando en el café Los Andes para luego sumarse a la orquesta típica formada por Enrique Mario Francini y Armando Pontier, donde compartió escenario con Alberto Podestá. Para entonces, Julio ya había terminado su primer matrimonio con Aída Acosta, con quien se había casado cuando tenía apenas 16 años. Así que decidió abocarse de lleno al trabajo.
En 1953 se sumó a la orquesta de Francisco Rotundo. Allí, triunfó con temas como Cambalache, Al mundo le falta un tornillo, Padrino pelao y Tengo miedo. En cuanto a su vida personal, en 1958 se casó con Nora Edith Ulfeldt, con quien trajo al mundo a su única hija, Ana María. Pero al poco tiempo se divorció.
En 1960, finalmente, decidió comenzar su carrera como solista. Entonces se unió al bandoneón de Leopoldo Federico y su orquesta, con la que logró llegar a la cúspide de su popularidad. Y de aquella época datan los registros de temas como Nada, Qué falta que me hacés, En esta tarde gris y La cumparsita, que terminaron consagrándolo como uno de los mayores representantes del tango. Para entonces, había vuelto a formar pareja con Susana “Beba” Merighi. Y todo parecía marchar sobre rieles en su vida, al menos, frente a los ojos de los demás.
Sin embargo, cuando nadie se lo podía imaginar, ocurrió la tragedia. Era el 25 de noviembre de 1964. Sosa había participado de un programa radial en el que, como si se tratara de una broma del destino, había cantado varios temas del repertorio de Gardel. Luego salió de la emisora y se subió a su auto. Dicen que le gustaba la velocidad y que no era muy ducho al volante. Dicen también, aunque muchos testigos del momento lo negaron, que había bebido más de la cuenta.
Julio Sosa junto a Violeta Rivas y Beba Bidart en Buenas noches, Buenos Aires
Lo cierto es que, en horas de la madrugada, Sosa chocó contra un semáforo ubicado en Avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla. Su mujer había dicho que alguien lo había embestido primero a él, cosa que no se pudo comprobar, y algún que otro transeúnte señaló que en realidad había intentado esquivar a un camión. Lo cierto es que el impacto fue tal, que el vehículo atravesó la estructura de cemento y se detuvo a 50 metros del lugar de la colisión, con el conductor en grave estado.
Después de un paso por el Hospital Fernández, adonde había sido llevado de urgencia, el cantor fue derivado al Sanatorio Anchorena donde lo intervinieron quirúrgicamente. Tenía cuatro costillas fracturadas, lo que le había producido serias lesiones en el pulmón, además de una conmoción cerebral. Y los médicos hicieron todo lo que estuvo a su alcance, pero no pudieron salvarle la vida.
Al día siguiente, cuando el reloj marcaba las 9:30 horas, “El varón del tango” murió. Tenía apenas 38 años y mucho por hacer todavía. Pero el destino detuvo su reloj. Sus restos fueron velados en el Luna Park por un pedido expreso de Hugo del Carril, después de que el Salón La Argentina se viera desbordado. Y luego, una multitud acompañó bajo la lluvia al cortejo fúnebre que lo trasladó hasta el Cementerio de la Chacarita, donde fue sepultado.
No obstante, como suele suceder con cada muerte joven e inesperada, tras la partida física de Sosa su obra comenzó a revalorizarse. Vendió más de 150 mil discos. También escribió un libro llamado Dos horas antes del alba, que dejó como legado. Compuso la letra del tango Seis años. Y, hasta la fecha, se lo sigue recordando como uno de los mejores cantores de tango de la historia. El de la voz más varonil.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cambalache y Sus ojos se cerraron.
Eva Marie Cassidy nació en Oxon Hill, Washington D. C., Estados Unidos, el 2 de febrero de 1963, y murió en Bowie, Maryland, Estados Unidos, el 2 de noviembre de 1996. Cantante, multi instrumentista, tocaba guitarra, piano y violonchelo, y artista plástica.
Eva Marie Cassidy (2 de febrero de 1963, Washington, D. C. - 2 de noviembre de 1996, Bowie, Maryland) fue una vocalista estadounidense, descrita por el periódico británico The Guardian como «una de las voces más destacadas de su generación». Contaba con un repertorio diverso de jazz, blues, folk, gospel y pop. Cassidy permaneció prácticamente desconocida fuera de su natal Washington, D. C., cuando falleció de melanoma (que se extendió a sus huesos) en 1996. Sus grabaciones, publicadas póstumamente, han vendido desde entonces más de 12 millones de copias, y a principios de 2001, el álbum recopilatorio Songbird alcanzó el número 1 en las listas de éxitos del Reino Unido.
Eva Cassidy fue la tercera de cuatro hijos de Hugh y Barbara Cassidy. Desde pequeña, demostró talento artístico y musical. A los nueve años, su padre le enseñó a tocar la guitarra y comenzó a tocar y cantar en las reuniones familiares.
Mientras era estudiante en Bowie High School, cantó con una banda local, llamada Stonehenge, y recibió considerables elogios.
A los dieciocho años, Cassidy comenzó su carrera profesional cantando y tocando la guitarra en una banda del área de Washington, D.C., llamada Easy Street. Esta banda tocaba diversos estilos en bodas, fiestas corporativas y pubs.
Durante el verano de 1983, Cassidy cantaba y tocaba la guitarra seis días a la semana en Wild World, Maryland. Su hermano Dan también formaba parte de esta banda.
A lo largo de la década de 1980, Cassidy trabajó con varias otras bandas, incluida la banda de soul y Motown The Honeybees, y la banda de techno-pop Characters Without Names, más tarde llamada Method Actor.
Durante este período, Cassidy también trabajó como propagadora en un vivero y como pintora de muebles en Annapolis, Maryland. En 1986, conoció a Chris Biondo (bajista e ingeniero de grabación), quien la animó y la ayudó a encontrar trabajo como corista en varios grupos. En 1990, Biondo y Cassidy contrataron a la llamada "Eva Cassidy Band", compuesta por Chris Biondo, Lenny Williams, Keith Grimes y Raice McLeod, y Cassidy comenzó a actuar con frecuencia en el área de Washington.
En 1992, Biondo le puso una cinta con la voz de Cassidy a Chuck Brown. Conocido como el "Padrino del Go-go", Brown también es vocalista de jazz y blues. Esto dio lugar a la primera grabación comercial de Cassidy, el álbum a dúo con Chuck Brown, The Other Side, que incluía interpretaciones de clásicos como "Fever", "God Bless the Child" de Billie Holiday y el tema insignia de Cassidy, "Over the Rainbow". El álbum fue publicado y distribuido por Liaison Records, el sello que también publicó los álbumes de Go-go de Brown. El CD a dúo atrajo la atención de varias discográficas, pero todas las ofertas exigían que Cassidy se encasillara en un solo estilo (por ejemplo, pop o jazz), algo a lo que se negó rotundamente.
En 1993, Eva Cassidy recibió su primer reconocimiento de la comunidad musical del área de Washington al recibir dos premios Wammie por "Vocalista Femenina de Raíces/R&B Tradicional" y "Vocalista de Jazz/Tradicional". Al año siguiente, fue elegida para actuar en la ceremonia de premios.
En enero de 1996, Cassidy grabó el álbum Live at Blues Alley, sobre el cual The Washington Post comentó posteriormente que «podía cantar cualquier cosa y hacer que sonara como la única música que importaba». Cassidy no estaba contenta con su interpretación en el álbum, ya que había tenido un fuerte resfriado la noche de la grabación; comenzó a grabar un álbum de estudio que finalmente se publicó póstumamente como Eva by Heart en 1997.
Durante un evento promocional del CD Live at Blues Alley en julio de 1996, Cassidy notó un dolor en las caderas, que atribuyó a la rigidez que sentía al pintar murales. El dolor persistió y, unas semanas después, le diagnosticaron melanoma. Para cuando le diagnosticaron, el cáncer se había extendido por todo el cuerpo. La salud de Cassidy se deterioró rápidamente y su última actuación fue en septiembre de 1996. En la actuación, usó un andador para llegar al escenario, cantó "What a Wonderful World" frente a un grupo de amigos y posteriormente ingresó en el Hospital Johns Hopkins.
Eva Cassidy murió el 2 de noviembre de 1996, a la edad de 33 años. Fue incluida póstumamente en el Salón de la Fama de la Asociación de Música del Área de Washington.
Una nueva edición de la biografía Behind the Rainbow, la historia de Eva Cassidy, fue publicada por Omnibus Press London en 2023.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Time After Time.
Gustave García (1837-1925) fue nieto del tenor romántico Manuel García (1775-1831) e hijo del padre de la ciencia de la voz, Manuel García (1905-1906). Gustave García enseñó canto en la Real Academia de Música (1880-1890), la Guildhall School of Music (1883-1910) y el Royal College of Music (1884-1925). Gustave García falleció en Londres el 12 de junio a la edad de ochenta y nueve años. Provenía de una familia de músicos destacados. Su padre, Manuel García, fallecido en 1906 a los 102 años, fue un célebre profesor de canto, inventor del laringoscopio y autor del «Traité Complet de l’Art du Chant». Su abuelo, Manuel Vicente García, nació en 1776, hace más de 150 años. Esta notable sucesión de músicos profesionales unió las tradiciones de los siglos XVIII y XIX. Madame Maria Malibran, la cantante más destacada de su tiempo, y Madame Pauline Viardot García pertenecían a esta extraordinaria familia. Gustave, hijo de Manuel el Joven, nació en Milán el 1 de febrero de 1837. Cuando tenía unos seis meses, sus padres regresaron a su hogar en París, y Gustavo permaneció allí hasta los diecisiete años, recibiendo su educación.
En el Colegio de Santa Bárbara. En 1850, viajó a Inglaterra y fue enviado a una escuela privada, dirigida por un clérigo, para aprender inglés, permaneciendo allí seis meses. Su padre había decidido que se convirtiera en ingeniero, pero no mostró mayor aptitud para ello que para el negocio naviero, del que, tras un trimestre en una escuela de ingeniería, tuvo una breve experiencia en Manchester. Fue por esa época que su tía, Pauline Viardot, viajó a Manchester para dar conciertos. El joven Gustavo la contactó, le contó su incapacidad y su aversión por los negocios, y le rogó que le pidiera a su padre que le permitiera dedicarse al canto. Ella lo hizo, su padre consintió, y él fue enviado a París para estudiar, primero con Busine, barítono, y luego con Bataille, bajo, ambos reconocidos artistas de la Ópera Cómica. Permaneció en París un año, regresó a Londres para estudiar con su padre durante tres años y debutó en el papel principal de "Don Giovani" en el Teatro de Su Majestad a los veintitrés años. Tras una corta temporada en dicho teatro, viajó a Italia y cantó en varias óperas en La Scala de Milán. En el Teatro Carcano representó "Don Giovanni", que no se había representado en Milán durante treinta y dos años. Durante cinco años realizó una gira por ese país, cantando en los principales teatros, con un intervalo de cinco meses en la Ópera de Atenas. A los veintinueve años regresó a Londres, donde ofreció varios conciertos en París durante su viaje, y poco después se casó con la señorita Linas Martorelli, una soprano consumada, con quien ofreció numerosos conciertos en Londres y provincias. En 1830 fue nombrado profesor de la Real Academia de Música, donde permaneció diez años. Enseñó en la Guildhall School of Music de 1883 a 1910, y en 1884 se incorporó al profesorado del Royal College of Music, donde impartió clases hasta su breve y última enfermedad. —MUERTE DE GUSTAVE GARCIA. Evening Star, Número 19062, 3 de octubre de 1925, página 19.
Gustave García también escribió El arte del actor: un tratado práctico sobre la declamación escénica, la oratoria y el comportamiento. Londres: T. Pettitt & Co., 1882, y Una guía para el canto solista. Contiene instrucciones completas para cantar, con un análisis detallado de algunas obras y canciones conocidas. Londres: Stainer, Novello, Ewer & Co., 1914.
Alan Lomax nació en Austin, Texas, Estados Unidos, el 31 de enero de 1915, y murió en Safety Harbor, Pinellas, Florida, Estados Unidos, el 19 de julio de 2002. Antropólogo, músico, musicólogo, historiador, etnomusicólogo, fotógrafo, crítico musical, periodista y director de cine.
El musicólogo, escritor y productor Alan Lomax (nacido en Austin, Texas, 1915) dedicó más de seis décadas a promover el conocimiento y la apreciación de la música folclórica mundial. Comenzó su carrera en 1933 junto a su padre, el folclorista pionero John Avery Lomax, autor del exitoso Cowboy Songs and Other Frontier Ballads (1910). En 1934, ambos emprendieron una iniciativa para ampliar el acervo de música folclórica grabada del Archive of American Folk Song de la Biblioteca del Congreso (fundado en 1928), reuniendo miles de grabaciones de campo de músicos folclóricos de todo el sur, suroeste, medio oeste y noreste de Estados Unidos, así como de Haití y las Bahamas. Su colección dio lugar a varias antologías populares e influyentes de canciones folclóricas estadounidenses, entre ellas American Ballads and Folk Songs (Nueva York: Macmillan, 1934); Negro Folk Songs as Sung by Lead Belly (Nueva York: Macmillan, 1936), el primer estudio biográfico exhaustivo de un músico folclórico estadounidense; Our Singing Country (con Ruth Crawford Seeger) (Nueva York: Macmillian, 1941); y Folk Song USA (Nueva York: Duell, Sloan y Pierce 1947).
Después de completar una licenciatura en filosofía en la Universidad de Texas en 1936, Lomax realizó una investigación de campo en Haití con su esposa, Elizabeth Lyttleton Harold. Al año siguiente, Lomax fue nombrado Asistente a Cargo del Archivo de Canciones Folclóricas Estadounidenses. En 1939, mientras realizaba un trabajo de posgrado en antropología en la Universidad de Columbia, produjo la primera de varias series de radio para CBS. American Folk Songs, Wellsprings of Music y la serie de horario estelar, Back Where I Come From, expusieron al público nacional a la música regional estadounidense y a talentos locales como Woody Guthrie, Lead Belly, Aunt Molly Jackson, Josh White, el Golden Gate Quartet, Burl Ives y Pete Seeger. Lomax también se basó en el interés creado por sus libros, discos y transmisiones con series de conciertos como The Midnight Special en Town Hall, que trajo a los neoyorquinos de la década de 1940 el blues, el flamenco, el calipso y las baladas sureñas, todos géneros todavía relativamente desconocidos. “El objetivo principal de mi actividad”, comentó una vez Lomax, “era… poner la tecnología del sonido a disposición de The Folk, para brindar canales de comunicación a todo tipo de artistas y áreas”.[1]
Su experiencia entrevistando a Lead Belly animó a Lomax a explorar más a fondo el género de la biografía oral. Sus conversaciones con Jelly Roll Morton, grabadas en 1938 en el Auditorio Coolidge de la Biblioteca del Congreso, formaron la base de Mister Jelly Roll: The Fortunes of Jelly Roll Morton, New Orleans Creole and “Inventor of Jazz” (Nueva York: Duell, Sloan y Pearce, 1949), un relato notable que sigue de cerca la narrativa de Morton y que es esencial para cualquiera que desee comprender la historia del jazz (y que ha inspirado dos musicales de Broadway). El retrato histórico oral que Lomax hizo de “Nora” en The Rainbow Sign (Nueva York: Duell, Sloan y Pearce, 1959) se basó en las extensas entrevistas y grabaciones que realizó a la cantante folk de Alabama Vera Hall a finales de los años cuarenta. Blues in the Mississippi Night (1947), un álbum de música y debates sinceros de Memphis Slim, Big Bill Broonzy y Sonny Boy Williamson, sigue siendo un documento clásico de la historia social y musical afroamericana (fue reeditado por Rounder Records en 2002). «Cada vez que sacaba uno de esos grandes platos negros de cristal de su caja», escribió Lomax sobre el proceso de grabación, «sentía que se abría un momento mágico en el tiempo... Para mí, los discos negros girando en la noche de Mississippi, escupiendo la ficha centrípetamente hacia el centro de la mesa... anunciaron una nueva era en la escritura de la historia de la humanidad».[2]
Un viaje de campo conjunto realizado por la Biblioteca del Congreso y la Universidad Fisk en 1941 y 1942, y descrito en las memorias de Lomax de 1993, The Land Where the Blues Began, lo llevaron aún más profundamente al mundo musical y cultural del sur afroamericano. En la región montañosa de Mississippi, documentó estilos de música de pífano y tambor y de plumas (zampoñas), danzas que abrazan el suelo y canciones de hocketing que se habían mantenido notablemente cerca de sus raíces africanas. En el Delta entrevistó y realizó las primeras grabaciones del cantante y guitarrista de 29 años McKinley Morganfield, más tarde conocido como Muddy Waters. En 1947, por quinta vez, Lomax regresó a Mississippi con la primera grabadora portátil para hacer grabaciones de alta fidelidad de los servicios religiosos del Delta y de las canciones de trabajo de los prisioneros en Parchman Farm (la notoria penitenciaría estatal), que clasificó entre la gran música del mundo.
En la década de 1950, Lomax compiló y editó una serie de LP de 18 volúmenes para Columbia Records, que antologizaba la música folclórica mundial (un proyecto que anticipó varios años una serie similar de músicas del mundo de la UNESCO). Su colección y sus colaboraciones para este proyecto —con Diego Carpitella en Italia, Seamus Ennis en Irlanda, Peter Kennedy en Inglaterra y Hamish Henderson en Escocia— sentaron las bases para el resurgimiento de la canción folclórica en esos países. Lomax, Kennedy y sus colegas dieron a conocer la música folclórica británica y mundial a un gran número de oyentes a través de la radio y la televisión de la BBC.
Al regresar a Estados Unidos en 1958, Lomax emprendió dos largos viajes de campo más por el sur del país. Sus grabaciones estéreo de Southern Journey dieron lugar a diecinueve álbumes publicados por los sellos Atlantic y Prestige International a principios de la década de 1960. En 1962, realizó un extenso estudio de la música tradicional del Caribe Oriental, también en estéreo, bajo los auspicios de la Universidad de las Indias Occidentales. Junto con sus grabaciones haitianas y bahameñas de la década de 1930, y las grabaciones realizadas en Santo Domingo en 1967, el corpus caribeño de Lomax asciende a unas 150 horas de música, entrevistas y konts (canciones narrativas).
Durante este período, también publicó la innovadora antología Folk Songs of North America (Nueva York: Doubleday, 1960), que señaló su creciente interés en la relación entre el estilo y la cultura de las canciones folclóricas. Esta preocupación cada vez más profunda se convirtió en un programa masivo de investigación sobre el comportamiento expresivo que funcionó de 1961 a 1995, primero en la Universidad de Columbia y luego en el Hunter College. Lomax y sus colegas, incluidos el musicólogo Victor Grauer, el antropólogo Conrad Arensberg de la Universidad de Columbia, Irmgard Bartenieff y Forrestine Paulay del Laban Dance Notation Bureau, desarrollaron cantometría, coreometría y parlametría, metodologías para el análisis comparativo de la canción, la danza y el habla. Los resultados iniciales se publicaron en Folk Song Style and Culture (Washington, DC: American Association for the Advancement of Science, publicación n.º 88, 1968; reimpreso por Transaction Books, New Brunswick, NJ).
Durante las décadas de 1970 y 1980, Lomax publicó artículos en revistas, materiales didácticos y películas basados en su trabajo sobre el estilo expresivo. Cantometrics: An Approach to the Anthropology of Music, publicado por primera vez en 1976, representó un enfoque nuevo y democrático para el estudio de las músicas del mundo. Tres películas didácticas, Dance and Human History, Step Style y Palm Play, producidas en la década de 1970, introdujeron a los estudiantes en la coreometría. The Longest Trail (1986) combinó datos históricos y análisis del movimiento coreométrico para señalar las continuidades culturales entre los pueblos siberianos y los nativos norteamericanos y sudamericanos.
Como consultor de Carl Sagan para la colección de audio que acompañó a la sonda espacial Voyager en 1977, Lomax se aseguró de que la música del mundo llegara a las estrellas con el blues y el jazz de Blind Willie Johnson y Louis Armstrong; las flautas de pan andinas y los cantos navajos; el lamento de un minero de azufre siciliano; música vocal polifónica de los Mbuti de Zaire y los georgianos del Cáucaso, además de Bach, Mozart y Beethoven, y más.
A sus sesenta años, Lomax se embarcó en una última serie de viajes de campo al sur y suroeste de Estados Unidos, esta vez con un equipo de filmación e ideas de guiones para explorar varias culturas musicales regionales y étnicas estadounidenses fértiles. Esto dio como resultado American Patchwork, una premiada serie de televisión de cinco horas, que se emitió en PBS en 1990. También en 1990, Blues in the Mississippi Night se reeditó en Rykodisc, y Sounds of the South, un conjunto de cuatro CD de las grabaciones sureñas de Lomax de 1959, fue reeditado por Atlantic Records en 1993. La Colección Alan Lomax (1997-2007), una serie de CD que antologiza la carrera discográfica de seis décadas de Lomax, cuenta con más de cien volúmenes.
En 1989, en desarrollo de sus investigaciones previas sobre la conducta expresiva, Lomax y un equipo de desarrolladores comenzaron a compilar su proyecto más ambicioso, Global Jukebox, una base de datos multimedia interactiva que analiza las relaciones entre la danza, la canción y la organización social. Se inspiró en Urban Strain, un estudio de la década de 1980 sobre la música popular del siglo XX realizado con el músico de jazz Roswell Rudd y la etnóloga de la danza Forrestine Paulay. Lomax pretendía que Jukebox sirviera tanto como medio para la investigación científica sobre la conducta expresiva humana como herramienta para la educación en ciencias sociales, artes y humanidades. Con él, Lomax esperaba promover el concepto de equidad cultural, que Lomax entendía como la importancia de brindar a todas las culturas un foro válido en los medios de comunicación y en los programas educativos para la exhibición significativa de sus artes y valores.
Alan Lomax recibió la Medalla Nacional de las Artes del presidente Reagan en 1984; el Premio del Círculo Nacional de Críticos del Libro de No Ficción por "La Tierra Donde Comenzó el Blues" (1993); el Premio a la Trayectoria de la Folk Alliance (1995); un Doctorado Honoris Causa en Filosofía de la Universidad de Tulane (2001); y un Premio Grammy póstumo del Consejo Directivo en 2003. En 2000, fue declarado Leyenda Viva de la Biblioteca del Congreso. Se jubiló en 1996 para residir en Florida con su hija y su nieto, donde falleció el 19 de julio de 2002.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con You Got to Take Sick and Die, en la versión de Boyd Rivers, voz y guitarra, en su casa de Canton, Misisipi. Filmación realizada por Alan Lomax, John Bishop y Worth Long, como parte de la Serie American Patchwork, el 30 de agosto de 1978.
La Página de Facebook State of Israel Home of the Jewish People publicó este aporte firmado por Marta Glizer.
*El secreto real revelado: ¿Por qué el rey de Marruecos renueva sinagogas con su propio dinero?*
Por: El equipo editorial del Morocco Travel Center | Investigación especial
En un mundo donde los símbolos judíos a veces se eliminan de las fachadas de las ciudades occidentales, un proceso casi inimaginable está en marcha en Marruecos. No fue resultado de acuerdos de normalización ni tiene la intención de atraer turistas. Todo comenzó con una decisión personal, excepcional y sin precedentes de un hombre: el rey Mohammed VI.
Mientras muchos países intentan borrar su pasado, Marruecos ha optado por lo contrario: ha hecho de la memoria judía una parte integral de su orgullo nacional. Nos propusimos examinar las figuras, los lugares y las decisiones reales que han cambiado la historia.
1. La orden directa: "Renovarlo todo"
En 2010, una década antes del restablecimiento de las relaciones oficiales, el rey Mohammed VI tomó una decisión estratégica: el patrimonio judío de Marruecos no es solo "patrimonio de los judíos"; es patrimonio de Marruecos, y está en peligro de desaparecer. No creó una comisión burocrática. Emitió una orden ejecutiva para una restauración integral. Los resultados sobre el terreno hablan por sí solos (muchos de ellos financiados directamente por el palacio y el Ministerio de Asuntos Religiosos):
167 cementerios judíos restaurados y cercados en todo el reino.
Decenas de sinagogas antiguas restauradas a su esplendor original, incluso en pueblos donde no había judíos durante 60 años.
13.000 tumbas restauradas y mapeadas digitalmente para que las familias puedan encontrar a sus seres queridos.
2. El momento histórico en Esauira
Uno de los momentos decisivos tuvo lugar en enero de 2020 en la ciudad de Esauira (Mogador). El Rey inauguró personalmente la "Casa de la Memoria" (Bayt Dakira). Este complejo único incluye la antigua sinagoga "Slat Attia", un centro de investigación y un museo. La imagen del Rey de Marruecos sentado en primera fila frente al Arca Sagrada, rodeado de rabinos, transmitió un poderoso mensaje a todo el pueblo marroquí: el judaísmo es una raíz profunda de nuestra identidad y estamos orgullosos de ello.
3. Una Constitución única en el mundo
Este compromiso está incluso consagrado en la ley. En la nueva Constitución marroquí (2011), el primer párrafo que define la identidad del Estado establece explícitamente que la identidad marroquí se nutre y enriquece del componente hebreo. Ningún otro país del mundo árabe define el judaísmo en su Constitución como parte integral de su identidad nacional.
4. Restauración de los nombres originales
La última y más conmovedora directiva llegó cuando el rey ordenó la restauración de los nombres judíos originales en las calles y plazas de los barrios judíos (las mellahs). En lugar de borrar el pasado y dar nuevos nombres, los carteles azules de la mellah de Marrakech ahora muestran con orgullo los nombres de rabinos y comunidades del pasado.
En conclusión
Cuando camines por Marrakech y te sientas seguro al entrar en la sinagoga Slat Al Azama, o cuando veas a un conserje marroquí vigilando un cementerio judío con profundo respeto, recuerda: nada de esto es un hecho. Es el resultado de un liderazgo que decidió que no se puede contar la historia de Marruecos sin contar la historia del pueblo judío. ¿Conocías el alcance de estas renovaciones? Comparte este mensaje para que todos sepan que existe un lugar donde se respeta nuestra historia.
Ruth Alston Weston, más conocida como Ruth Brown, nació en Portsmouth, Virginia, Estados Unidos, el 30 de enero de 1928, y murió en Henderson, Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 17 de noviembre de 2006. Cantante, compositora y actriz.
Antes de Etta James, Aretha Franklin, Tina Turner o Beyoncé, estuvo Ruth Brown, la legendaria cantante de rhythm and blues conocida como "Miss Rhythm". Fue un ícono del R&B de los años cincuenta y una célebre estrella del teatro, el cine, la televisión y la radio. Su intrépida defensa de los derechos de los músicos y la reforma de las regalías condujo a la formación de la Fundación Rhythm and Blues. Conocida por sus éxitos número uno "Mama He Treats Your Daughter Mean", "Teardrops From My Eyes" y "5-10-15 Hours", Ruth Brown fue fundamental para moldear el sonido de la música moderna y sentar las bases para las futuras generaciones de artistas femeninas. Su potente voz, su atrevido chillido y sus dinámicas interpretaciones le dieron a Atlantic Records un éxito mundial en la década de 1950, que el sello discográfico era conocido como "¡La casa que Ruth construyó!".
Nacida en Portsmouth, Virginia, en 1928, Brown comenzó a cantar en la iglesia, actuando en concursos de talentos locales y, finalmente, cantando en espectáculos de la USO y clubes nocturnos contra la voluntad de su padre. Tras ganar una noche amateur en el Teatro Apollo de Harlem en 1948, Brown fue contratada por el popular líder de big band Lucky Millender. Mientras estaba de gira con Millender, Brown fue despedida y se quedó varada en Washington, D.C., sin dinero. Para sobrevivir, Brown comenzó a cantar en un club local, donde la personalidad de la radio Willis Conover la escuchó tocar con la banda de Duke Ellington. Conover recomendó a Brown a Ahmet Ertegun y Herb Abramson, dueños del incipiente sello discográfico Atlantic Records, que necesitaban un nuevo talento. De camino a Nueva York para firmar su contrato con Atlantic, Brown sufrió lesiones graves en un accidente automovilístico que la hospitalizó durante un año. Ertegun y Abramson apoyaron a Brown, y ella pronto les devolvió la lealtad con su primer éxito, "So Long", en 1949, seguido de su éxito número uno en 1950, "Teardrops from My Eyes", que se mantuvo en el primer puesto durante 11 semanas en las listas Billboard de R&B. Entre 1949 y 1955, los discos de Brown se mantuvieron en las listas de R&B durante un total de 149 semanas; llegaría a alcanzar 21 éxitos en el Top 10, incluyendo cinco que alcanzaron el número uno.
Durante la década de 1960, Brown desapareció de la vista pública y vivió como ama de casa y madre.
Después de una considerable cantidad de lucha, Brown regresó a la música en 1975 a instancias del comediante Redd Foxx. Él ayudó a relanzar su carrera con una serie de apariciones en televisión en su exitoso programa de televisión Sanford and Son. La notable segunda fase de la carrera de Brown la vio brillar de nuevo en la televisión, el cine y el teatro. En 1987 protagonizó el musical de Allen Toussaint "Stagger Lee" y en 1989 ganó un Premio Tony a la Mejor Actriz en el musical "Black and Blue". Brown se ganó el cariño de toda una nueva generación de fanáticos por su interpretación de Motor Mouth Mabel Stubbs en la película clásica de culto de John Waters "Hairspray" y como presentadora del popular programa de radio de NPR "Blues Stage". La lucha de Brown por los derechos y regalías de los músicos condujo a la fundación de la Rhythm and Blues Foundation en 1988 y fue una de las primeras receptoras en 1989 del Premio Pionero de la Fundación. También en 1989, Brown ganó un Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz por su álbum "Blues and Broadway", fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993. Brown también recibió el Premio Grammy a la trayectoria en 2016 y fue incluida en el Salón de la Fama Nacional del Rhythm & Blues en 2017.
Ruth Brown falleció en Las Vegas, Nevada, el 17 de noviembre de 2006, a la edad de 78 años. El 22 de enero de 2007 se celebró un concierto en su memoria en la histórica Iglesia Bautista Abisinia de Harlem para celebrar su vida y su legado. Ruth Brown es la definición de una pionera musical con su sonido con un fuerte ritmo y un estilo vocal atrevido. La fabulosa Miss Rhythm abrió nuevos caminos y fue una artista revolucionaria. Su legado vivirá para siempre en su música, sus actuaciones y su defensa de artistas y músicos que no fueron justamente compensados por la industria musical. En 2023, la obra "Miss Rhythm, "La leyenda de Ruth Brown", se estrenó con gran éxito de crítica en Denver, Colorado. El patrimonio de Ruth Brown está trabajando en varios proyectos que continuarán amplificando su vida y su legado.
No sólo allanó el camino para futuras generaciones de artistas, sino que también luchó incansablemente por los derechos de los músicos y fundó la Rhythm and Blues Foundation para apoyar a sus pares.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Teardrops From My Eyes y Ain't Nobody's Business, con B.B.King.
