Gene Simmons

Chaim Witz, más conocido como Gene Simmons, nació en Haifa, Israel, el 25 de agosto de 1949. Cantante, compositor, productor, empresario, actor y escritor. Toca bajo y guitarra. 

El sitio www.biography.com publicó su biografía. 

Gene Simmons 

Gene Simmons es más conocido por ser el bajista de KISS, la banda de rock que cofundó a principios de la década de 1970. 

Actualizado: 29 de junio de 2021, 9:37 a. m. EDT 

¿Quién es Gene Simmons? 

El músico Gene Simmons decidió por primera vez que quería formar parte de una banda durante la secundaria, después de ver a unas chicas gritar de emoción por los Beatles en la televisión. Formó parte de varias bandas antes de cofundar KISS con Paul Stanley en la década de 1970. Posteriormente, Simmons se dedicó a la moda, la edición y la actuación, y protagonizó el programa de telerrealidad de A&E, Gene Simmons Family Jewels. 

Primeros años de vida 

Simmons nació como Chaim Witz el 25 de agosto de 1949 en Haifa, Israel. Su madre, Flora, era una superviviente húngara del Holocausto que presenció la muerte de su familia en los campos de concentración cuando solo tenía 14 años. Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Flora se dirigió a Israel. Allí conoció al carpintero Yeichel Witz, quien con el tiempo se convertiría en el padre de Simmons. 

El matrimonio de Yeichel y Flora comenzó a desmoronarse poco después del nacimiento de Simmons, principalmente por discusiones sobre dinero. Finalmente, los padres de Simmons acordaron separarse, y Yeichel se marchó a Tel Aviv en busca de trabajo. La familia nunca se reunió, y Simmons no volvió a ver a su padre. 

La madre de Simmons comenzó a criarlo sola, y la familia siguió viviendo en la pobreza. Flora encontró trabajo en una cafetería y a menudo dejaba a Simmons al cuidado de niñeras. Como resultado, rápidamente aprendió a hablar con fluidez turco, húngaro, hebreo y español para poder comunicarse con quienes lo cuidaban. 

En 1958, cuando Simmons tenía ocho años, él y su madre emigraron a Nueva York para vivir con unos parientes en Flushing, Queens. Tras llegar al país, Simmons cambió su nombre a Gene, por ser más fácil de pronunciar, y adoptó el apellido de su madre, Klein. Aprendió inglés rápidamente gracias a los cómics y la televisión, e ingresó en el seminario teológico jasídico, llamado yeshivá, a los nueve años. Estudió con ahínco mientras su madre trabajaba en una fábrica de botones en Williamsburg, Brooklyn. 

Interés en la música 

Tras un año en el yeshivá, se trasladó a una escuela pública en Jackson Heights. Fue durante este tiempo cuando empezó a interesarse por la música. En su autobiografía, Kiss and Make-up, Simmons confiesa que su interés por la música surgió una noche viendo a los Beatles en la televisión. Pensó: «Si formo una banda, tal vez las chicas se fijen en mí». Así que, mientras asistía a la escuela secundaria Joseph Pulitzer, Simmons y un par de amigos crearon una banda llamada The Missing Links para llamar la atención de sus compañeras. El grupo, liderado por Simmons, ganó un concurso de talentos escolar y le dio a Simmons cierta fama. 

Esto llevó a Simmons a formar parte de varias bandas, entre ellas Long Island Sounds y Bullfrong Bheer. Simmons soñaba con el estrellato, pero tampoco quería decepcionar a su madre, quien lo animaba a obtener un título universitario. Así que, tras terminar el instituto, Simmons se matriculó en el Sullivan County Community College para obtener su título de técnico superior en educación. Después de dos años allí, regresó a Nueva York para asistir al Richmond College y completar su licenciatura. 

Poco después de graduarse en 1970, Steve Coronel, compañero de banda y amigo de la infancia de Simmons, le presentó al guitarrista Stanley Eisen (más tarde conocido como Paul Stanley). Stanley decidió unirse a la banda de Simmons y Coronel, Wicked Lester, y el grupo comenzó a tener cierto éxito en el circuito de clubes nocturnos. Pero la banda no generaba suficientes ingresos y, para financiar sus aspiraciones musicales, Simmons trabajó brevemente como maestro de sexto grado en Spanish Harlem, seguido de un trabajo como asistente en el Consejo Interinstitucional Puertorriqueño. Otros trabajos ocasionales incluyeron un tiempo en la Agencia Kelly como empleado temporal, trabajo como cajero en una charcutería, un puesto como asistente en Glamour y un trabajo en Vogue como asistente de la editora Kate Lloyd. 

Gran ruptura 

Wicked Lester tuvo un golpe de suerte cuando Stanley consiguió el número de un ingeniero de sonido del estudio de Jimi Hendrix, Electric Lady Studios. Sin embargo, en lugar de llamar al ingeniero, Simmons llamó al director del estudio, Ron Johnsen. Stanley logró convencer a Johnson para que viera a la banda tocar y, tras reconocer el potencial del grupo, Johnson accedió a grabar y presentar la maqueta de Wicked Lester. Mientras tanto, Simmons y Stanley trabajaban como músicos de sesión, haciendo coros para artistas como Lynn Christopher, y aprendían a usar el equipo de grabación. 

Con la ayuda de Johnson, el grupo fue fichado por Epic Records, que accedió a financiar la grabación de un álbum completo. Sin embargo, una de las condiciones era sustituir a Stephen Coronel por el músico de sesión Ron Leejack. Simmons y Stanley aceptaron el acuerdo y dedicaron casi un año a completar el nuevo álbum. Una vez terminado, el director de A&R de Epic declaró que odiaba el disco y se negó a publicarlo. Al día siguiente, Epic rescindió el contrato con el grupo. 

Formando KISS 

Decididos a no dejarse afectar por el fracaso, Simmons y Stanley reestructuraron el grupo. El primer nuevo integrante fue el baterista Peter Criss, quien había publicado un anuncio en Rolling Stone. Su segundo nuevo miembro, el guitarrista Paul "Ace" Frehley, fue elegido tras responder a un anuncio en The Village Voice. Para diciembre de 1972, el grupo había instaurado un riguroso régimen de ensayos y se rebautizó como KISS. 

Inspirado por su obsesión infantil con los cómics y las películas de terror, Simmons sugirió que el grupo también se sometiera a una transformación física, luciendo un maquillaje extravagante y ropa completamente negra. Más tarde, Simmons reveló que el personaje de Marvel Black Bolt inspiró su maquillaje facial con forma de alas de murciélago, un look al que apodó "El Demonio". 

Con la ayuda de un entrenador, Simmons también aprendió a escupir fuego para sus actuaciones. El nuevo grupo dio su primer concierto el 30 de enero de 1973 en el Popcorn Club de Queens, Nueva York. Solo había tres miembros entre el público. 

En octubre de 1973, el productor de televisión Bill Aucoin, que había visto actuar al grupo, se ofreció a ser su representante. Simmons y sus compañeros aceptaron, con la condición de que Aucoin les consiguiera un contrato discográfico en dos semanas. Armado con una maqueta producida por el legendario ingeniero Eddie Kramer, que había trabajado con Simmons y Stanley durante su etapa en Electric Lady Land, Aucoin logró que KISS firmara un contrato con Casablanca Records. 

Éxito comercial 

Durante la década de 1970, la banda realizó giras prácticamente sin parar y se hizo enormemente popular por sus extravagantes actuaciones en el escenario. KISS desarrolló un gran número de seguidores de culto durante este tiempo, con fans —conocidos como el "Ejército KISS"— que a menudo imitaban la vestimenta y el maquillaje del grupo. Pero aunque KISS estuvo de gira constantemente, no alcanzaron la popularidad hasta que su álbum en vivo, Alive! (1975), llegó a las tiendas. El álbum generó el primer sencillo exitoso del grupo, "Rock and Roll All Nite", que entró en la lista Billboard Top 40. 

Su siguiente álbum, una ambiciosa grabación llamada Destroyer (1976), se convirtió en el segundo álbum en alcanzar el disco de oro. Con el lanzamiento del sencillo "Beth", que llegó al número 7 en las listas, el álbum obtuvo el disco de platino. Más tarde ese año, el grupo lanzó otro exitoso álbum, Rock and Roll Over, seguido de Love Gun y Alive II en 1977. Los tres álbumes alcanzaron el disco de platino, y para finales de ese año, KISS había sido nombrado la banda más popular de Estados Unidos. KISS también estaba causando sensación internacionalmente. Encabezaron las listas de Japón, Canadá, Suecia y Alemania, y realizaron cinco conciertos con entradas agotadas en el Budokan Hall de Japón, rompiendo el récord anterior de cuatro que ostentaban The Beatles. 

Pero a medida que la banda avanzaba con éxito hacia la década de 1980, las tensiones comenzaron a aumentar entre sus miembros. Criss se había vuelto cada vez más obstinado, negándose a ensayar e incluso interrumpiendo las canciones durante los conciertos. En diciembre de 1979, Criss abandonó oficialmente el grupo. Tras numerosas audiciones, fue reemplazado por el músico Paul Caravello, más tarde conocido por su nombre artístico, Eric Carr. En 1982, Frehley, frustrado con la nueva dirección musical del grupo, también dejó KISS. Su reemplazo, el guitarrista Vinne Vincent, no se integró bien al grupo y pasó por una serie de despidos y recontrataciones antes de irse definitivamente en 1984. Fue sucedido por los guitarristas Mark St. John y, finalmente, Bruce Kulick. 

KISS sigue rockeando 

Stanley, Simmons, Carr y Kulick demostraron ser una buena combinación creativa, y el grupo comenzó a lanzar álbumes de platino como Asylum de 1985, Crazy Nights de 1987 y el recopilatorio de grandes éxitos Smashes, Thrashes & Hits de 1988. El grupo también había comenzado a presentarse sin maquillaje en 1983, basándose menos en el espectáculo llamativo y más en la sustancia. 

Simmons tuvo dificultades para mantener el entusiasmo por la nueva formación de su banda, en lugar de centrarse en su carrera cinematográfica. Sin embargo, sus películas, incluyendo producciones de serie B como Runaway (1984) y Trick or Treat (1986), nunca llegaron a tener éxito en taquilla. Simmons y sus compañeros sufrieron otro revés cuando Carr descubrió que padecía cáncer. Tras luchar contra la enfermedad durante varios años, Carr falleció finalmente a causa de una hemorragia cerebral en 1991. 

En medio de su duelo, KISS se recuperó, incorporando al baterista Eric Singer, y lanzó el álbum Revenge en 1992. El álbum alcanzó el disco de oro y se posicionó en el Top 10 de Billboard. Mientras la formación más reciente de KISS continuaba grabando y de gira, Simmons y Stanley también organizaron una gira de reunión con los miembros originales en 1996. Las presentaciones con el grupo original, con maquillaje y vestuario completos, recaudaron más de 43,6 millones de dólares, convirtiendo a KISS en el grupo de conciertos más exitoso de 1996. 

Proyectos posteriores 

Para entonces, sin embargo, Simmons estaba ocupado con otros intereses, como la edición, la moda y la actuación. El grupo original lanzó el álbum Psycho Circus en 1998, el primero en casi 20 años del cuarteto original. Sin embargo, el grupo original se disolvió nuevamente, con Tommy Thayer reemplazando a Frehley en la guitarra principal y Eric Singer reemplazando a Peter Criss en la batería. El grupo reformado continuó de gira durante la última década. Luego, en 2009, Stanley y Simmons anunciaron que el KISS original volvería a salir de gira y lanzaría otro álbum. Sonic Boom llegó a las tiendas en octubre de 2009. El grupo se encuentra actualmente en su gira de despedida. 

Vida personal 

Simmons ha sido vinculado sentimentalmente con Liza Minnelli, Cher y Diana Ross, pero vive con la actriz y ex conejita de Playboy Shannon Tweed desde mediados de la década de 1980. La pareja tiene dos hijos, Nick y Sophie. La familia dio el salto a la telerrealidad en 2006 en el canal A&E con el programa Gene Simmons Family Jewels. Cada episodio presentaba una aventura familiar diferente, desde cirugías estéticas a las que se sometieron Tweed y Simmons hasta Simmons como mánager de la banda de Nick. El programa se emitió durante seis temporadas, y la sexta temporada presentó la boda de Simmons y Tweed, que tuvo lugar el 1 de octubre de 2011 en Beverly Hills, California. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Detroit Rock City.  

Eberhard Helmrich. Oficial de la Wehrmacht y Justo entre las Naciones.

Eberhard Helmrich nació en Hamburgo, Alemania, el 24 de agosto de 1899, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 5 de mayo de 1969. Oficial de la Wehrmacht y Justo entre las Naciones.   

El sitio www.collections.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Helmrich, Eberhard El mayor de la Wehrmacht Eberhard Helmrich nació en Hamburgo en 1899. Durante la guerra, sirvió en Drohobycz, en Galitzia, en la Polonia oriental ocupada. Primero fue jefe del departamento de alimentación y agricultura; y más tarde se convirtió en Kreislandwirt, o jefe de economía, del distrito ocupado. Alto y rubio, Helmrich parecía el prototipo de ario. Sin embargo, este experto agrícola alemán no sentía más que desprecio por las doctrinas raciales nazis y se distinguió por su trato decente y humano hacia la población judía local. Como funcionario alemán a cargo, Helmrich abastecía regularmente el hospital judío con alimentos en un momento de grave escasez, salvando así a muchos pacientes de morir de desnutrición. Estableció un campo de trabajo agrícola cerrado, con una plantilla de unos 130 jóvenes judíos. Logró obtener el consentimiento de las SS alegando que "Hyrawka", como se llamaba el campo agrícola, garantizaría el suministro de verduras frescas al personal alemán en las cercanías. De esta forma, los jóvenes reclusos judíos estuvieron protegidos durante un tiempo de las Aktionen, en las que miles de judíos indefensos fueron brutalmente detenidos por las SS alemanas y sus secuaces ucranianos y enviados a los campos de exterminio. Sus subordinados recibieron instrucciones de tratar a los trabajadores judíos con humanidad. Cuando se prohibió el empleo de judíos en la agricultura y el campo agrícola de Hyrawka tuvo que ser disuelto, Helmrich se aseguró de que los reclusos judíos fueran admitidos en otros campos de trabajo cercanos, protegiéndolos así de la deportación y dándoles otra oportunidad de escapar. En algunos casos, Helmrich ordenaba a su chófer polaco, Janek, que condujera a judíos en su coche oficial sorteando los bloqueos y guardias de las SS. A menudo alojaba a estos fugitivos judíos en su villa durante varios días hasta que fuera seguro para ellos salir de la ciudad. Entre quienes recibieron su ayuda de esta manera se encontraban el médico judío Leon Miszel y su hija Irene Feit, a quienes empleó durante varias semanas en su villa desafiando las estrictas normas raciales. Helmrich se arriesgó aún más al proporcionar documentos falsificados a varias jóvenes judías y enviarlas a trabajar a Alemania, supuestamente como empleadas domésticas ucranianas. Entre los casos documentados se encuentran los de Anita Birnbach, Melania Reifler, Susi Bezalel y su hermana, y dos hermanas de la familia Werner. Incluso durante los momentos más oscuros de las victorias nazis y las atrocidades más crueles contra los judíos, Helmrich trataba a todos los judíos con los que se cruzaba con consideración y amabilidad, y les brindaba palabras de aliento constante. Después de la guerra, Helmrich, que se había divorciado de su esposa alemana, Donata*, se casó con una de las jóvenes judías a las que había salvado y se estableció con ella en Estados Unidos. El 14 de diciembre de 1965, Yad Vashem reconoció a Eberhard Helmrich como Justo entre las Naciones.

John Bush

John Bush nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 24 de agosto de 1963. Cantante. 

La página de Facebook Un Dia Como Hoy En La Música Cine TV publicó este recordatorio. 

UN DIA COMO HOY 24 DE AGOSTO DE 1963  

NACE JOHN BUSH (Anthrax) 

Hoy cumpleaños el cantante estadounidense John Bush, nacido en Los Ángeles, voz solista de la banda de thrash metal Anthrax entre 1992 y 2005 y de nuevo entre 2009 y 2010. Ha grabado con ellos cinco álbumes y por otro lado ha trabajado desde 1984 cantando en la banda angelina de heavy metal Armored Saint, con la que grabó hasta la fecha ocho álbumes. El más reciente fue ‘Win Hands Down’ en junio de 2015, al que siguió en 2016 el directo ‘Carpe Noctum’ 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Random Acts of Senseless Violence. 

Shalom – Educar para recordar, enseñar para convivir

Shalom – Educar para recordar, enseñar para convivir  

Programa semanal en el que la Comunidad Judía española muestra su identidad, sus costumbres, tradiciones y valores, contribuyendo a recuperar y divulgar parte de su legado histórico sefardí y colaborando activamente en el desarrollo de la España actual. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/educar-para-recordar-ensenar-para-convivir/17197736/ 

 

Vicky Leandros

Vasilikí Papathanasíou, más conocida como Vicky Leandros, nació en Corfú, Grecia, el 23 de agosto de 1952. Cantante. 

El sitio www.eurovision-spain publicó su biografía firmada por Rubén Fabelo. 

Vassiliki Papathanasiou (Βασιλική Παπαθανασίου) nació el 23 de agosto de 1952 (algunas fuentes afirman que pudo nacer en 1949) en Palaiokastritsa, en la isla griega de Corfú. Es hija del músico, compositor y productor Leo Leandros que la acompañará a lo largo de toda su carrera, y de Boubou Papathanassiou. Pasó gran parte de su infancia en Alemania debido a la carrera de su padre; allí mostró sus dotes artísticas y recibió clases de ballet, canto y piano. En 1965 publica su primer single Messer, Gabel, Schere, Licht que la catapultó a la fama. A este le siguen Songs und Folklore (1966) y A taste of…Vicky (1967) que será publicado al año siguiente en Estados Unidos. 

En 1967, Vicky recibió una oferta de la RTL para representar a Luxemburgo en XII edición del Festival de Eurovisión celebrado en Viena. Con L’amour est blue alcanzó la cuarta plaza con 17 puntos. A pesar de no ganar, su canción se convertirá en todo un éxito de ventas a nivel mundial grabándose en diferentes idiomas y siendo versionada por multitud de artistas. 

En 1970 presenta su propio programa de televisión Ich Bin que será retransmitido por diferentes países europeos y por el que recibió numerosos premios como el prestigioso Rose D’or. Aun así, no dejó apartada su carrera musical y pública, ya con el nombre de Vicky Leandros, diferentes álbumes como Vicky (Je suis), Ich Bin (cuya versión inglesa será su primer disco en la industria anglosajona) o Vicky (Pes mou por boreis). También presentó el programa de la BBC Music my way. 

En 1972 vuelve a recibir una oferta de la RTL y representa al Gran Ducado en la XVII edición del Festival de Eurovisión con Après Toi. En Edimburgo supera su anterior clasificación pues se alza con la tercera victoria de Luxemburgo en el festival con 128 puntos. Après Toi fue grabada en varios idiomas, versionada por diversos artistas, vendió alrededor de seis millones de copias y supuso la consolidación de la carrera de Vicky. 

Tras el Festival continuaron los éxitos con The Love in your eyes (1972) que era una versión de O kaymos de Mikis Theodorakis, When Bouzoukis played (1973) y Theo, wir fahr’n nach Lodz (1974). En 1975 publica Across the water donde mezclaba el country, el rock y el soul. Fue todo un éxito en Estados Unidos lo que le valió que en 1976 firmase un contrato con la CBS Records para la distribución de nuevos materiales en EE.UU. Sin embargo, pronto dejaría de lado este proyecto y se centraría en su público europeo. En Europa siguió publicando discos de diferentes estilos que van desde el folk hasta canciones navideñas. A finales de los setenta parecía que su carrera empezaba a flaquear y en 1978 publicó un disco en español cuyo segundo single, Tú me has hecho sentir, se convirtió en todo un éxito en América Latina. 

Tras un parón debido a su embarazo, en 1981 Vicky publicó Love is alive que incluía duetos con artistas como Demis Roussos, Johnny Hallyday y David Soul; y Gehe Neue Wege. Al año siguiente publicó Verlorenes Paradies que supuso su vuelta al éxito. Así, durante los ochenta siguió publicando diferentes discos que fueron todo un éxito en Europa. Sin embargo, a finales de la década, Vicky decide relajar un poco su carrera musical y centrarse en su familia. Los noventa supusieron su vuelta a las listas musicales griegas con discos como Prósexe! (1991), Andres (1993) y Du bist mein Schönster Gedanke (1994). Además, se volvieron a reeditar sus antiguos discos. Entre 1995 y 1998, gracias a la colaboración del productor Jack White, publicó Lieben un Leben (1995), Gefuehle (1997) y Weil mein Herz dich nie mehr Vergisst (1998) que fueron todo un éxito en Alemania. Además, versiona al alemán la canción de la película Titanic My Heart will go on. 

A principios del siglo XXI, Vicky comenzó a producir sus propias creaciones como Jetzt I now (2000). En 2003 publicó un nuevo álbum en griego Tragoudi Alliotiko cuyas canciones fueron escritas por Mikis Theodorakis y la música era de la Kamerata Orchestra, el disco fue muy bien acogido tanto por la crítica como por el público. Además, apareció en diferentes programas de televisión alemanes y griegos. En 2004 cantó en la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos celebrados en Atenas. En 2005 publica Ich bin wie ich bin. En 2006 realiza una multitudinaria gira de aniversario y participa, sin mucho éxito, en la preselección alemana para Eurovisión con Don’t Break my Heart que, a pesar de todo, será todo un éxito. En 2009 publica Möge der Himmel que mezcla ritmos de soul con R&B y rap. En 2010 publica Zeitlos que es una colección tanto de clásicos en francés como éxitos mundiales en alemán. En 2011 reedita su éxito L’amour est bleu y publica C’est bleu junto a la banda de techno Scooter. 

En conclusión, Vicky Leandros ha publicado alrededor de treinta discos y vendido cerca de 55 millones de copias por todo el mundo. Su último trabajo discográfico es Ich weiß, dass ich nichts weiß (2015). Ha grabado en diferentes idiomas como el alemán, el español, el francés, el griego, el inglés o el japonés. Ha recibido infinidad de premios como el Bronze Rose de Montreux, Goldene Europa (varias veces), Record Award of USA, Song Statue of Japan, Mujer del año en Grecia (2005), así como multitud de discos de oro y de platino por todo el mundo. En 2003 recibió un premio de manos del gobierno griego por su promoción de la cultura y la música helena, y recibió la Medalla de San Marcos de la Iglesia Ortodoxa griega por su labor humanitaria en África siendo la única mujer en recibir este honor. Recibió la Orden al Mérito del Gran Ducado de Luxemburgo en 2011. Por su trabajo humanitario y social recibió la Saumagen Orden (2008) y la Goldene Erbse (2012), también es embajadora de la Fundación Josep Carreras contra la leucemia y apoya numerosas organizaciones benéficas. Desde 2006 su nombre se encuentra en el paseo de la fama de Rotterdam. En 2015 recibió la Cruz Federal del Mérito por parte del Ministro-Presidente de Schleswig-Holstein Torsten Albig. 

Vicky también ha tenido una intensa carrera política ya que tras las elecciones del 2000 fue senadora de cultura para el estado de Hamburgo; en octubre de 2006 es nombrada concejal de cultura y teniente de alcalde de la ciudad griega de El Pireo, no obstante, en junio de 2008 renuncia a su cargo porque su trabajo político se había hecho incompatible con su carrera musical. 

Vicky Leandros estuvo casada con Ivan Zissiadis entre 1982 y 1986, de este matrimonio salió Leandros Zissiadis. En 1986 se volvió a casar con el barón Enno von Ruffin hasta su separación en 2005, con él tuvo dos hijos Maximiliane y Sandra. Actualmente Vicky vive en Hamburgo. 

Texto: Rubén Fabelo, "International93". Enero de 2015 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con L'amour est bleu, y una selección de sus éxitos: Die Bouzouki klang durch die Sommernacht, Apres Toi, Theo, wir fahr'n nach Lodz, e Ich liebe das Leben.  

NAGRELA editores presenta: Artistas en los Campos Nazis / Javier Molins - Ana Cortils

 

Ron Dante

Carmine John Granito, más conocido como Ron Dante, nació en Staten Island, Nueva York, Estados Unidos, el 22 de agosto de 1945. Cantante, compositor, guitarrista y productor.   

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Tim Sendra. 

Puede que Ron Dante no sea un nombre muy conocido, pero su voz apareció en un par de los mayores éxitos pop de finales de los 60 ("Sugar, Sugar" de The Archies y "Tracy" de The Cuff Links), trabajó como director musical para Barry Manilow en los 70 y cantó en algunos de los anuncios más omnipresentes de la época, incluido el icónico "Me gustaría enseñar al mundo a cantar" para Coca-Cola. 

Todo comenzó en Staten Island cuando el joven Carmine Granito se rompió el brazo y el médico le dio a elegir entre practicar un deporte o tocar un instrumento para ayudar en su recuperación. El preadolescente, fan de Elvis, eligió la guitarra y pronto estaba tocando y cantando en una banda de doo wop del barrio llamada The Persuaders. A los 15 años, el joven, ahora conocido profesionalmente como Ron Dante, se dirigió a Manhattan para abrirse camino en la industria musical. Tras algunos intentos fallidos, terminó trabajando como cantante de maquetas para Aldon Music, de Don Kirshner. En 1964 lanzó "Little Lollipop", su primer sencillo bajo el nombre de Ronnie Dante, con el sello Almot, pero no tuvo éxito. Tampoco lo tuvo su siguiente canción, la canción cómica "Don't Stand Up in a Canoe". En un giro inesperado que presagiaba su futura trayectoria profesional, Dante sí tuvo un éxito en 1964 como cantante anónimo de la parodia de "Leader of the Pack", titulada "Leader of the Laundromat", interpretada por el grupo ficticio The Detergents. Pasó los siguientes años componiendo canciones para la compañía de Bobby Darin y lanzando sencillos que no tuvieron mucho éxito en las listas. 

En 1968, su vida cambió cuando audicionó para un nuevo proyecto en el que trabajaban Don Kirshner y el productor Jeff Barry y consiguió el puesto de vocalista principal. La banda era The Archies y el primer disco que salió fue "Bang-Shang-A-Lang". Fue un éxito, pero la siguiente canción que lanzaron definió una era. "Sugar, Sugar" lanzó el sonido bubblegum y alcanzó el número uno en la lista de sencillos. El proyecto de The Archies continuó durante algunos años más, con los éxitos disminuyendo y Dante aprendiendo los entresijos de la producción discográfica, llegando a dirigir su último álbum, This Is Love de 1971. Durante ese tiempo, tuvo la libertad de trabajar con otros productores y se asoció con Paul Vance y Lee Pockriss en la exitosa canción de 1969 "Tracy", acreditada a The Cuff Links. 

Dante lanzó su primer álbum en solitario, Ron Dante Brings You Up, en 1970, con Jeff Barry como productor y Dante como coautor de la mayoría de las canciones. No tuvo el éxito esperado y Dante volvió a lanzar sencillos sueltos bajo su propio nombre y otros, además de prestar su voz a otra banda de dibujos animados, Amazing Chan and the Chan Clan. También trabajó mucho cantando jingles publicitarios, prestando su voz para campañas de Pepsi, McDonald's y muchas otras, incluyendo el famoso anuncio de Coca-Cola "Me gustaría enseñar al mundo a cantar". En una de estas sesiones conoció a Barry Manilow, quien trabajaba como pianista de Bette Midler y como compositor de jingles. Los dos congeniaron y comenzaron a grabar demos de las canciones de Manilow. Su arduo trabajo dio sus frutos en 1974 cuando "Mandy" se convirtió en un gran éxito y lanzó la carrera del cantante. Dante se convirtió en el director musical y productor de Manilow durante la década de 1970. Al mismo tiempo, Dante lanzó sencillos bajo su propio nombre y bajo seudónimos (Bo Cooper, Ronnie & the Dirt Riders), e incluso grabó una versión disco de "Sugar, Sugar" en 1975. También se subió a la ola de la música disco con Dante's Inferno, un grupo de finales de los 70 que contaba con Dante, Toni Lund y Monica Burruss como vocalistas. 

Por esta época, Dante comenzó a diversificar su actividad más allá de la música, convirtiéndose en productor de Broadway y ganando premios Tony por Ain't Misbehavin' (1978) y Children of a Lesser God (1980). También fue editor de The Paris Review durante seis años a partir de 1978, gracias a su parentesco con el fundador de la revista, George Plimpton. Grabó otro álbum en solitario, Street Angel (1981), y produjo discos para Irene Cara y Barry Manilow después, pero luego se tomó un largo descanso sin lanzar nada. No fue hasta finales de los 90 que Dante volvió a grabar álbumes, con una serie de grabaciones de sus canciones favoritas y algunas originales. Primero llegó California Nights (1997), luego Favorites (1999) y, por último, Saturday Night Blast (2004). Poco después, revivió el nombre de The Archies, incorporó a dos vocalistas para interpretar a Betty y Veronica (Danielle van Zyl y Kelly-Lynn) y lanzó el álbum The Archies Christmas Party en 2008 con el sello Fuel 2000. Para entonces, ya poseía los derechos de las grabaciones de The Archies y supervisó la reedición en CD de todos los álbumes originales de la banda. Dante continuó ofreciendo conciertos y, en 2016, lanzó un par de proyectos de reedición: una caja recopilatoria en CD de todos los álbumes de The Archies con la portada original y Anthology, una colección de dos discos con canciones de toda su siempre interesante trayectoria. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Sugar, Sugar.   

Jean Sibelius. Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47. Joshua Bell.

A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Joshua Bell, y la Orquesta Filarmónica de Oslo, dirigida por Vasily Petrenko.   

Kenny Rogers

Kenneth Donald Rogers, más conocido como Kenny Rogers, nació en Houston, Texas, Estados Unidos, el 21 de agosto de 1938, y murió en Sandy Springs, Georgia, Estados Unidos, el 20 de marzo de 2020. Cantautor, productor, empresario y actor. 

El sitio www.kennyrogers.com publicó su biografía. 

La superestrella ganadora del premio GRAMMY®, Kenny Rogers, reconocido vocalista, músico, compositor, productor, intérprete, actor, fotógrafo y empresario, disfrutó de un éxito excepcional durante su ilustre carrera de más de seis décadas. 

Con su gran resistencia y atractivo universal en plena demostración, Rogers se ganó el cariño de los amantes de la música de todo el mundo con sus increíbles canciones, sus sentidas interpretaciones, su voz inconfundible, su don para contar historias, su capacidad de conectar con el público, su carisma en el escenario, su amabilidad, su filantropía y su humildad, convirtiéndose en uno de los artistas discográficos más vendidos de todos los tiempos. 

Rogers vendió más de 120 millones de álbumes en todo el mundo, según la RIAA, incluyendo un álbum de diamante, 20 de platino y 11 de oro. Grabó 24 éxitos número 1 (incluyendo clásicos atemporales como "The Gambler", "Lady" "Islands In The Stream" [con Dolly Parton], "Lucille", "She Believes In Me", "Through The Years" y "You Decorated My Life"), 12 álbumes número 1 y 25 álbumes country en el Top 10. Sorprendentemente, Rogers ha tenido una canción en las listas de éxitos en cada una de las últimas ocho décadas. Su música siempre ha trascendido fronteras, con sencillos y álbumes que han tenido un éxito frecuente en las listas de Country, Top 40 y Adult Contemporary, y en algunos casos, en las listas de R&B y música cristiana. El primer artista country en llenar estadios de forma constante, Rogers también alcanzó el estrellato pop y llegó a la cima de la popularidad y la fama mundial que pocos artistas han logrado, actuando en vivo para millones de fans. Los 28 éxitos de Rogers en el Top 10 de Billboard Adult Contemporary lo ubican en el quinto lugar de todos los tiempos, y fue quien más veces llevó números 1 de música country al primer puesto en AC (cinco de sus ocho números 1 de AC también fueron números 1 de música country). Además de sus éxitos en solitario, Rogers fue conocido por sus numerosas colaboraciones, cada una de las cuales fue un verdadero acontecimiento que dio como resultado duetos dorados y exitosos con artistas como Dolly Parton, Dottie West, Kim Carnes, Ronnie Milsap y Sheena Easton. 

Rogers ha ganado premios de todas las organizaciones imaginables. En el otoño de 2013, Rogers recibió el honor más importante de su carrera al ser incluido en el Salón de la Fama y Museo de la Música Country en Nashville. Entre sus numerosos galardones se incluyen 21 American Music Awards, 11 People's Choice Awards, 10 Academy of Country Music Awards (incluidos el Premio a la Trayectoria, Artista del Año, varios Premios al Vocalista Masculino del Año y el Premio Pionero Cliffie Stone), seis Country Music Association Awards (incluidos el Premio a la Trayectoria Willie Nelson y el de Vocalista Masculino del Año), tres Premios GRAMMY®, dos Premios CMT Music Awards y el Premio CMT al Artista de por Vida en 2015. 

Recibió el Premio a la Trayectoria Profesional en los Premios de Música TNN, el Premio a la Trayectoria de la IEBA (Asociación Internacional de Compradores de Entretenimiento), una inducción al Salón de la Fama de la IEBA y el Premio Legado SESAC, entre muchos otros. Rogers fue incorporado póstumamente al Salón de la Fama de la Música Country de Texas en 2017. En 2026, se anunció que Rogers sería homenajeado en los Premios Western Heritage (que reconocen a los mejores creadores en literatura, música, televisión y cine que comparten su visión del Oeste) al ser incorporado al Salón de los Grandes Intérpretes del Oeste. Rogers también recibió el Premio Horatio Alger, otorgado a aquellos que se han distinguido a pesar de sus orígenes humildes, un honor que fue muy especial para él como alguien que creció en proyectos. Rogers fue votado como el "Cantante Favorito de Todos los Tiempos "en una encuesta conjunta de 1986 por lectores de USA Today y People. 

Nacido en Houston, Texas, Rogers formó su primera banda en 1956, durante su época de estudiante de secundaria, un grupo de doo-wop llamado The Scholars, y nunca dejó de hacer música. A finales de la década de 1950, alcanzó las listas de éxitos de Cash Box como solista con la canción " That Crazy Feeling "bajo el nombre de Kenneth Rogers, lo que le valió una actuación en el programa American Bandstand de Dick Clark. Tras tocar el contrabajo y cantar durante muchos años con el grupo de jazz The Bobby Doyle Three (con el que lanzó un álbum en Columbia Records), Rogers se unió al popular grupo folk The New Christy Minstrels. En 1967, Rogers formó First Edition , una banda que logró 11 sencillos y ocho álbumes de éxito en las listas de Billboard. Como vocalista principal del grupo, Rogers cantó en los mayores éxitos de la banda, incluyendo "Just Dropped In (To See What Condition My Condition Was In)", "Something's Burning", "Ruby, Don't Take Your Love To Town" y "Tell It All Brother". El grupo, que presentó su propio programa de televisión musical de variedades, Rollin' On The River (más tarde abreviado a Rollin'), emitido entre 1971 y 1973, se mantuvo unido hasta 1975. 

Tras la disolución de First Edition, Rogers se trasladó a Nashville y, en 1976, firmó un contrato discográfico con United Artists en la capital de la música country, con la ayuda del productor Larry Butler. Rogers lanzó su primer álbum en solitario, Love Lifted Me, en 1976, pero fue su segundo álbum homónimo, publicado en 1977, el que lo catapultó al estrellato una vez que su segundo sencillo, "Lucille", comenzó a sonar en la radio a principios de ese año; esta pegadiza canción se convertiría en el primer éxito número uno de Rogers. El cantante cosechó muchos éxitos clásicos a lo largo de la década, incluyendo “Daytime Friends”, “Sweet Music Man”, “Every Time Two Fools Collide” (con Dottie West), “Anyone Who Isn't Me Tonight” (con Dottie West), “ All I Ever Need Is You” (con Dottie West), “Love Or Something Like It”, y el monumental número 1 “The Gambler”, “She Believes In Me”, “You Decorated My Life” y “Coward Of The County”. Rogers fue nombrado Vocalista Masculino del Año tanto por la CMA como por la ACM, y también fue reconocido como Artista del Año por la ACM en 1979. 

Rogers comenzó la década de 1980 con dos grandes éxitos: "Don't Fall In Love With A Dreamer " (con Kim Carnes) y "Love The World Away" (de la banda sonora original de la película Urban Cowboy). Luego hizo historia musical con el éxito crossover de "Lady", una canción escrita y producida por Lionel Richie, que alcanzó el número 1 en cuatro listas de éxitos diferentes: Country, Pop, AC y R&B, una hazaña excepcional. El álbum del que se extrajo la canción, Kenny Rogers' Greatest Hits, fue certificado Diamante por ventas superiores a los 10 millones de unidades. En la década de 1980, Rogers se mantuvo en la cima o cerca de ella con grandes éxitos como "I Don't Need You", "Share Your Love With Me", "Through The Years", "Love Will Turn You Around", "A Love Song", "We've Got Tonight" (con Sheena Easton), " Islands In The Stream " (con Dolly Parton), "This Woman", "Buried Treasure", "Crazy", "Morning Desire", "Tomb Of The Unknown Love", "Twenty Years Ago" y el dúo número 1 ganador del premio GRAMMY® "Make No Mistake, She's Mine" (con Ronnie Milsap). 

En 1985, Rogers cantó en el sencillo benéfico USA For Africa, ganador del premio GRAMMY®, «We Are The World», acompañada por un número sin precedentes de leyendas de la música, incluidos los coautores de la canción, Michael Jackson y Lionel Richie. La pista musical de «We Are The World» se grabó en los estudios Lion Share de Rogers en Los Ángeles, donde también Jackson y Richie grabaron las pistas vocales guía que se usarían unos días después durante la grabación del coro estelar. Se vendieron más de 20 millones de copias de la canción, recaudando más de 80 millones de dólares (equivalentes a 200 millones de dólares actuales) para el alivio de la hambruna en Etiopía y otras naciones africanas, así como para programas nacionales contra el hambre. 

Rogers también forjó una exitosa carrera como actor a principios de los 80, interpretando el papel principal de Brady Hawkes en la exitosa serie de televisión de cinco películas The Gambler, que se emitió entre 1980 y 1994; protagonizando la película para televisión Coward Of The County (1981), la película Six Pack (1982) y las películas para televisión Wild Horses (1985), Rio Diablo (1993), MacShayne: Winner Takes All (1994) y MacShayne: The Final Roll Of The Dice (1994). Rogers también interpretó a Daniel Watkins en un episodio de la popular serie de televisión Dr. Quinn, Medicine Woman (1994), y a Denny Blye en Touched By An Angel (2000), película que también incluyó su gran éxito de regreso, "Buy Me A Rose". Rogers presentó y narró el documental para televisión The Real West en 1992 y también apareció en Reno 911! y Cómo conocí a vuestra madre.  

A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, Rogers también fue presentador invitado en lugar de Johnny Carson en The Tonight Show Starring Johnny Carson y Kenny presentó varios especiales de televisión de Kenny Rogers Classic Weekend en la televisión abierta a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 que incluían competiciones deportivas con músicos y algunos de los mejores atletas profesionales del país en varios deportes. Muchos especiales musicales con Rogers también se emitieron en la televisión abierta y por cable, incluidos A Special Kenny Rogers (1979), Kenny Rogers Live In Concert (1983), Kenny & Dolly: A Christmas To Remember (1984), Kenny, Dolly and Willie: Something Inside So Strong (1989), Kenny Rogers Keep Christmas With You (1992) y Kenny Rogers: All In For The Gambler (2021). 

En la década de 1990, Rogers continuó actuando en los rincones más remotos del mundo e impactó las listas de éxitos con temas como "Maybe" (con Holly Dunn), "Love Is Strange" (con Dolly Parton), "If You Want To Find Love" y "The Greatest" (que contó con un videoclip que alcanzó el número 1). En el año 2000, Rogers regresó al número 1 de la lista Billboard Country por primera vez desde 1987 con la balada romántica "Buy Me A Rose" (con Alison Krauss y Billy Dean). Este logro fue aún más destacable por haber sido lanzado bajo el sello independiente de Rogers, Dreamcatcher Records. En ese momento, Rogers tenía 61 años y se convirtió en el artista de mayor edad en la historia de las listas de éxitos en tener una canción solista número 1. En los años siguientes, Rogers consiguió otro éxito en el Top 20 con "I Can't Unlove You", el primer sencillo del aclamado álbum Water & Bridges, que también generó una nominación al GRAMMY® por "Calling Me", la colaboración de Rogers con su compatriota tejano Don Henley. 

En 2011, Rogers lanzó su único disco de gospel, The Love Of God, bajo su propio sello. Este fue un logro que Rogers anhelaba y del que estaba muy orgulloso (aprendió a cantar armonías en la iglesia cuando era niño). Inicialmente, el disco estuvo disponible exclusivamente en Cracker Barrel, antes de ser lanzado por Gaither como Amazing Grace con una secuencia diferente y posteriormente como The Love Of God (Edición Deluxe) con una canción inédita, "The Gospel Truth" (con la participación de The Oak Ridge Boys). Rogers publicó sus memorias, Luck or Something Like It, en 2012, que se convirtieron en un éxito de ventas del New York Times. En otoño de 2013, Rogers fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Country y, en 2014 y 2015, el Salón de la Fama presentó la exposición "Kenny Rogers: Through The Years". Continuó ganándose el cariño del público con su música atemporal, lanzando nuevos álbumes aclamados por la crítica con Warner Bros. Records: You Can't Make Old Friends (2013) y Once Again It's Christmas (2015), y obteniendo una nominación al GRAMMY® (Mejor interpretación de dúo/grupo country) en 2014 por su último dueto con Dolly Parton, la conmovedora "You Can't Make Old Friends". Realizó giras por todo el mundo con actuaciones en festivales tan prestigiosos como el Festival de Glastonbury y Bonnaroo, y apareció en televisión, incluyendo un anuncio de GEICO muy bien recibido, en 2015. 

Por su aclamada trayectoria fotográfica, Rogers recibió el título honorífico de Maestro de Fotografía de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de América en 2014 y, en 2017, fue galardonado con el primer Premio a la Trayectoria Profesional del Salón de la Fama y Museo Internacional de la Fotografía en San Luis, Misuri. Rogers es autor de varios libros de fotografía, entre ellos Kenny Rogers' America, This Is My Country y Your Friends and Mine. 

En otoño de 2015, tras una de las carreras más exitosas e icónicas en la historia del espectáculo, Kenny Rogers acaparó titulares al anunciar que pronto emprendería una gira de despedida. En la primavera de 2016, el legendario cantante inició ese proceso con su gira mundial " The Gambler's Last Deal Final World Tour", despidiéndose de su fiel legión de fans ciudad por ciudad y noche por noche, en lo que fue una noche de música y recuerdos aclamada por la crítica. 

Lamentablemente, el 20 de marzo de 2020, el mundo se despidió del ícono de la música estadounidense cuando Rogers falleció por causas naturales en su casa en Sandy Springs, Georgia. El 27 de marzo de 2020, Capitol Nashville envió "Goodbye", una grabación poco conocida de Rogers escrita por Lionel Richie, a las radios de música country con la nota: "Los más cercanos a Kenny querían que esta canción estuviera disponible para todos sus fans". Rogers ofrece una interpretación conmovedora de la emotiva canción: "Hay paz donde estás / Puede que sea todo lo que necesito saber / Y si escucho a mi corazón / Oiré tu risa una vez más / Así que tengo que decir / Me alegro de que hayas venido a mi vida / No es fácil decir adiós". 

Rogers regresó póstumamente al puesto número 1 en la lista Top Country Albums de Billboard por primera vez desde los años 80 con el álbum recopilatorio de 2018, The Best of Kenny Rogers. Through The Years. Fue la duodécima vez que Rogers alcanzó el número 1 en la lista Top Country Albums de Billboard. "Goodbye" se convirtió en la piedra angular de Life Is Like A Song, un álbum muy especial de Kenny Rogers lanzado póstumamente en 2023. El impresionante y emotivo ciclo de canciones, que presenta joyas inéditas de The Kenny Rogers Vault y codiciadas rarezas, interpretadas por el legendario Kenny Rogers, curado y coproducido por la viuda de Rogers, Wanda Rogers, con Ken Levitan y Jason Henke, recibió críticas entusiastas generalizadas tanto de la crítica como de la leal legión de fans de Kenny. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con tres canciones: Coward of The County, Buy Me A Rose y Goodbye.  

Ralf Hütter

Ralf Hütter nació en Krefeld, Düsseldorf, Alemania, el 20 de agosto de 1946. Cantante, compositor, productor, arreglador y multi instrumentista. Toca sintetizador, teclado, guitarra, bajo, batería, y percusión.  

El sitio www.www.progjazz.org publicó esta entrevista. 

Ralf Hütter y la razón para seguir con Kraftwerk: «La música nunca está terminada» 

By ProgJazz 24 de febrero de 2026 

El 20 de febrero de 2026, el diario alemán Die Zeit publicó una de esas entrevistas que no suelen ocurrir con mucha frecuencia. De hecho es una de las escasas conversaciones extensas con Ralf Hütter, cofundador y cerebro conceptual de Kraftwerk, una de las bandas más herméticas e influyentes de la música de vanguardia de Europa. 

En la entrevista, Hütter recorre casi seis décadas de historia, desde los primeros experimentos en el local Creamcheese de Düsseldorf, la cancelación de la primera gira alemana tras «Autobahn» (1974), el impacto inesperado de «Trans Europa Express» (1977) en el Bronx de Estados Unidos, hasta la visión temprana de la era digital en «Computerwelt» (1981). 

También aborda temas más íntimos, como la abrupta y silenciosa salida de Florian Schneider en 2007, la reconciliación antes de su muerte en 2020 y la convicción que lo mantiene aún en gira. 

Todos los créditos son para Die Zeit, y la curación para el mundo hispanohablante es de ProgJazz. 

La entrevista con Ralf Hütter 

Z: Señor Hütter, usted nació el 20 de agosto de 1946. ¿Cuál es su primer recuerdo consciente? 

RH: De niños recogíamos colillas en la cuneta para las pipas blancas de San Martín que venían con los “Weckmänner”, esos panes que se repartían a los niños. Cuando reuníamos suficiente tabaco, lo fumábamos con esas pipas hasta que nos sentíamos mal. (ríe) 

Z: Creció en Krefeld y asistió a una escuela Waldorf, algo inusual en los años cincuenta. 

RH: Fue casualidad. Niños y niñas en la misma clase; en esa época normalmente estaban estrictamente separados. Había asignaturas abiertas como pintura, dibujo, manualidades, costura y tejido, euritmia, juegos, representaciones, expresión oral y música. 

Z: ¿También hizo música desde pequeño? 

RH: Tomé clases de piano, pero la música que realmente me interesaba no podía aprenderla allí. Solo estaba en la radio o en discos, el pop, rock ‘n’ roll, jazz, rhythm and blues. Vivíamos en el sector británico y por eso podíamos escuchar BFBS, la emisora de radio. Como estudiante de intercambio sabía inglés y, en la medida de lo posible, anotaba las letras de las canciones que escuchaba en la radio. Así entré en ese mundo. 

Z: ¿Cuál era su música favorita? 

RH: Sobre todo rhythm and blues, por ejemplo, John Lee Hooker. Más tarde lo vi en vivo. La agencia Lippmann y Rau organizó a comienzos de los sesenta el American Folk Blues Festival y trajo a Europa a los músicos estadounidenses que sonaban en la radio. 

Z: ¿Quiso ser músico profesional desde adolescente? 

RH: No lo pensé. Durante mucho tiempo no tuve ninguna idea de profesión. Luego estudié arquitectura, incluso completé el pre diploma, pero mientras la música se volvía más importante, los estudios fueron quedando de lado. 

Z: Su primera actuación fue en el Creamcheese, un club de Düsseldorf. 

RH: El Creamcheese abrió en 1967 y para el aniversario de 1968 tocamos allí por primera vez. Florian Schneider y yo nos habíamos conocido antes en la academia de Remscheid; conectamos de inmediato e improvisábamos mucho juntos, eso siempre fue nuestra fortaleza. 

Z: ¿Recuerda aquella actuación? 

RH: Apenas. Había un estroboscopio encendido durante horas, como cada noche. La actuación fue bien recibida y desde entonces se empezó a hablar de nuestra música. Incluso ganamos algunos marcos alemanes esa noche, estuvo bien. 

Z: El Creamcheese estaba muy ligado a la escena artística… 

RH: Sí, al frente había una escultura de clavos de Günther Uecker, un mural de Gerhard Richter y una instalación con monitores de televisión en blanco y negro de Nam June Paik. A Joseph Beuys se lo veía por la noche en el casco antiguo jugando al futbolito (fútbol de mesa). Nosotros estábamos en la máquina de pinball. Sigmar Polke estaba allí, era amigo mío. Tenía ese humor trascendental, no evidente, más bien sutil. Eso me gustaba. 

Z: Ese humor sutil también se percibe en Kraftwerk, cuando más tarde se reemplazaron en el escenario por robots. 

RH: Para Florian y para mí era importante que el arte tuviera varios niveles. Nam June Paik hizo años después en Nueva York una enorme pared de video con nuestras figuras robóticas, con el video por computadora de nuestra canción Musique Nonstop. 

Z: En 1981, la revista Elaste publicó una entrevista en la que el entrevistador se sorprendía, escribó algo asi: “En Tokio, Londres o América los conciertos de Kraftwerk se agotan con meses de anticipación. Aquí en Hannover hoy estaba medio vacío”. Usted respondió: “Tampoco lo entendemos del todo”. ¿Al principio no los entendieron en Alemania? 

RH: Sí, pero el círculo era más pequeño; eso cambió después. Nuestra primera gira alemana en 1975, tras la gira estadounidense y después de que apareciera «Autobahn«… 

Z: … su primer gran éxito… 

RH: … la planificamos junto con Fritz Rau, el promotor de conciertos. Elegimos las ciudades y mandamos a imprimir los carteles. Luego la gira tuvo que cancelarse por falta de interés del público. Todavía conservo esos carteles. 

Z: Muchas radios alemanas no ponían a Kraftwerk, aparentemente también por el nombre de la banda. 

RH: El único que nos pasaba era Winfrid Trenkler, de la WDR, una leyenda de la música electrónica en Colonia. Apoyó a Kraftwerk y a la música electrónica desde el principio. También emitía nuestros temas más experimentales, mucho antes de «Autobahn». 

Z: En los primeros años tocaban sobre todo en clubes y galerías. 

RH: En sótanos de jazz, clubes juveniles y centros culturales en todo el Ruhr y en el casco antiguo de Düsseldorf. Fue importante Burkhard Hennen, de Moers, que nos invitaba a menudo a su “Röhre”. Más tarde fundó el Festival de Jazz de Moers. 

También nos contrataban galerías y museos como la Kunsthalle de Düsseldorf y la Galería Hans Mayer en Krefeld. Hoy nos representa la galerista Monika Sprüth y la galería Sprüth Magers, que impulsó nuestros conciertos en el MoMA de Nueva York en 2012. 

Z: En los primeros años incluso se dice que durante los conciertos ustedes mismos iban a la pista de baile. 

RH: Fue en una performance en el Museo Abteiberg de Mönchengladbach, con el director Johannes Cladders. En 1970 tenía una drum machine conectada a mi órgano eléctrico, que podía tocar en vivo con pequeñas teclas o dejar correr con ritmos programados. La escena artística apoyó nuestros experimentos desde el principio; había un enorme espíritu de apertura entre 1968 y comienzos de los setenta. 

Z: De pronto dejaron de dar conciertos en vivo. 

RH: Desde comienzos de 1977, después de «Trans Europa Express«, no actuamos en vivo durante cuatro años. En 1978 salió «Die Mensch-Maschine«; esa música no podíamos tocarla en vivo. La tecnología solo funcionaba en el estudio. Desarrollamos entonces performances para televisión, como en Musikladen. Era playback, y nuestros robots eran maniquíes que colocábamos en la primera fila del público. 

Z: Eso era arte performático. 

RH Para Die Roboter escribí en 1978: “Cargamos nuestra batería / Ahora estamos llenos de energía / Estamos programados para todo / Y lo que tú quieras será ejecutado / Funcionamos automático / Ahora queremos bailar mecánico”. Y también lo hice en inglés. 

Z: Mezclaron idiomas muy temprano, algo inusual en el pop. 

RH: Lo aprendimos en la gira americana de mediados de los setenta. Hablo francés e inglés; en la escuela también estudié ruso: “Ja tvoi sluga / Ja tvoi rabotnik”. 

Z: «Autobahn» fue un gran éxito en radios universitarias estadounidenses. ¿Es verdad que muchos creían que cantaban “Fun, fun, fun on the Autobahn”? 

RH: Es posible. (sonríe) Nuestra línea no es una cita directa de los Beach Boys; es más bien poesía fonética. Pero para oídos estadounidenses suena parecido:“La calzada es una cinta gris / Líneas blancas, borde verde / Encendemos la radio / Del altavoz suena entonces / Conducir, conducir, conducir por la autopista”. 

La grabación tenía que detenerse a los 20 minutos porque el vinilo se nos acababa. En vivo podía durar 40 minutos. «Autobahn» es música infinita. 

Z: Su infancia y juventud tuvieron lugar en los primeros años de la joven República Federal. Se hablaba de la llamada “hora cero”, un término históricamente controvertido (nota de ProgJazz: Alemania partia de cero desde la derrota de la Segunda Guerra Mundial y el fin del régimen n). Pero para su música esa perspectiva fue decisiva, ya que se trataba de mirar hacia adelante, hacia el futuro. 

RH: Sin duda. Naturalmente sabíamos de los emocionantes años veinte, y también sabíamos todo lo que había sido destruido en los doce años posteriores. Florian y yo crecimos ya como europeos; en los años cincuenta, durante las vacaciones de verano, participábamos constantemente en intercambios escolares con familias anfitrionas en Francia e Inglaterra. 

Cuando tenía doce años, al principio solo podía hablar francés; aprendí a escribirlo recién después. También he escrito poesía en francés, Les Mannequins y todos los textos del álbum «Tour de France» (2003). Taschenrechner (Pocket Calculator) también la he cantado en inglés, francés, italiano, polaco, ruso y japonés. Para los conciertos aprendí los textos fonéticamente de memoria. Cuando éramos jóvenes, Florian y yo aprendimos a dar señales en favor del entendimiento entre los pueblos. Eso parece olvidarse a veces hoy en día. 

Z: También su canción Trans Europa Express de 1977 habla de ello; es un homenaje a Europa. 

RH: ¡Y realmente viajamos en ese tren! Nuestra discográfica francesa alquiló un vagón TEE para la presentación del álbum; con él viajamos de París a Reims, en la Champaña, a las bodegas de vino espumoso de allí. El viaje de regreso fue acorde a eso; hoy en día ya ni se puede imaginar. Aunque yo no bebo champán, probablemente tomé jugo de manzana. 

Z: En 1977, con motivo del lanzamiento de Trans Europa Express, también estuvieron en Nueva York y fueron a los clubes… 

RH: Una noche, Florian y yo estábamos en el famoso local Studio 54. Después, un empleado de nuestra discográfica nos llevó a un club after hour en el Bronx. Florian y yo estábamos en la pista de baile y, de repente, escuchamos cómo el DJ ponía Trans Europa Express y Metall auf Metall; eso sonó durante 15 a 20 minutos, mucho más tiempo que en nuestro disco. Mezclaba y hacía scratch con dos discos en dos tocadiscos. El DJ era Afrika Bambaataa. 

Z: La hora cero del hip-hop. 

RH: Luego todavía pasaron otros cinco años hasta que salió «Planet Rock» (1982). 

Z: … que, como es sabido, se basa en Trans Europa Express y Numbers. Cinco años… que pasara tanto tiempo, hoy en dia es inimaginable. 

RH: Hoy todo ocurre de inmediato. En esa época las cosas podían desarrollarse. Ahora hay tantas imágenes digitales que también las experiencias pasan a toda prisa. 

Z: «Computerwelt» de 1981 predijo el mundo digital actual. 

RH: Para nosotros eso ya era el presente. 

Z: ¿Aunque aún no tenían computadora? 

RH: Para la gira de 1981 tuvimos nuestro primer Atari. Pero antes ya veíamos los inicios. En esa época la policía trabajaba con búsquedas computarizadas. 

Z: El BKA (Oficina Federal de Investigación Criminal de Alemania) trabajaba con ‘búsqueda por patrones’ (Rasterfahndung), que también se le llamaba ‘Comisario Computadora’. Eran los años de la RAF (Fracción del Ejército Rojo), el grupo terrorista de izquierda radical. 

RH: Por las noches, cuando íbamos en nuestro automovil, a menudo la policía nos controlaba en Düsseldorf. “Buenas noches”, decía yo entonces, “soy músico, vengo del trabajo”. Entonces nos dejaban seguir. 

Una vez también fueron al estudio Kling-Klang porque un vecino los había llamado, aunque lo teníamos todo bien aislado. En el departamento de Florian, fuerzas armadas llegaron incluso a trepar por la fachada a través del balcón. Primero hubo que calmar la situación: “Estamos haciendo música, componemos, dibujamos y escribimos textos”. 

Z: ¿Cuándo comenzaron a usar computadoras para hacer música? 

RH: En 1976 tenía un secuenciador analógico para controlar mi Minimoog, construido por amigos en Bonn. Siempre me interesó la música automatizada, la música que se toca sola. A veces dejábamos los loops sonando mientras íbamos por pizza. Al volver, el sonido había cambiado. Era muy creativo. 

Muchas composiciones solo pudieron tocarse en vivo décadas después, cuando la tecnología alcanzó a la música. 

Z: Usted alguna vez dijo el por qué Kraftwerk sigue todavía de gira: “Pero es que esa es mi vida”. ¿Es así aun? 

Hütter: Así es. La música es un arte que se desarrolla con el tiempo. No se la puede colgar en la pared. Un canción no es una obra terminada como una escultura. La música nunca está terminada. 

Z: En 1997 los vi en Tribal Gathering en Inglaterra. 

RH: Hacía mucho frío, había escarcha. Toqué con guantes en la prueba de sonido. 

Z: DJs como Juan Atkins y Jeff Mills querían verlos. 

RH: Fue un honor. 

Z: Esos dos músicos de Detroit son considerados cofundadores del techno y han contado muchas veces que Kraftwerk fue una influencia importante para ellos. Pero volvamos a hablar de Florian Schneider. Señor Kling y Señor Klang, así se llamaban ustedes durante mucho tiempo. A comienzos de 2007 él dejó Kraftwerk. 

RH: Sí, a finales de 2006 Florian tocó por última vez con nosotros, en Zaragoza, en España. Y un día de 2007 sus instrumentos habían desaparecido de nuestro estudio. Los había recogido en secreto. 

Z: ¿Sin explicación? 

RH: Sin comentarios, sí. Se retiró de manera espontánea. Desde hacía un tiempo no se sentía bien de salud, y yo lo acepté. 

Z: ¿Pero después de haber trabajado juntos durante 39 años, se fue sin decir una palabra? 

RH: Naturalmente, en ese momento me habría gustado escuchar algunas palabras. Uno hace las cosas de una manera, otro de otra. 

Z: Antes de su muerte en 2020 se reconciliaron. 

RH: Sí. Eso fue importante. Me escribió y fui a verlo. Nos reconciliamos. 

Z: ¿Qué se dice en un momento así? 

RH: No mucho. Creamos Kraftwerk desde la nada. No hacen falta muchas palabras. 

Z: Se dice que él deseaba que la noticia de su muerte fuera publicada por Kraftwerk, es decir, por usted. 

RH: Si 

Z: ¿Estuvieron cerca de terminar después de su salida? 

RH: No. Ya estábamos construyendo el nuevo estudio Kling-Klang y contratados para Coachella 2008. Decidimos seguir. 

Z: Que hasta hoy sigan de gira por todo el mundo, el año pasado también nuevamente por Alemania, ¿cree que eso contribuye a que Kraftwerk sigan presentes hoy? 

RH: En cualquier caso, es algo poco común. 

Z: ¿Y cuál es la razón? 

RH: No hay buenas frases para eso. ¿Debería decir que no aprendí otra cosa? (ríe) Se ha dicho mucho absurdo sobre nosotros, por ejemplo que nuestros padres ricos nos regalaban sintetizadores. 

Cuando en 1970 dejamos la universidad para fundar el estudio Kling-Klang, nuestros padres nos quitaron la mesada, que debe haber sido unos 200, 300 marcos alemanes. Nos financiamos con shows en pequeños clubes. Ahorré para comprar sintetizadores. Mi primer Minimoog me costó tanto como mi Volkswagen. 

Z: ¿Cuándo entendieron sus padres lo que hacían? 

RH: En 1981. Hubo un concierto en la Philipshalle de Düsseldorf, y pudieron llevar también a sus conocidos. Entonces estaban felices: “¡Miren, nuestro hijo!”. Lo mismo ocurrió con Florian, él debía convertirse en arquitecto y asumir el estudio de su padre. Pero nosotros vivíamos en un mundo completamente distinto. En los clubes y en la escena artística no nos encontramos con nadie que conociéramos del mundo burgués. 

Z: Lleva casi sesenta años haciendo música. En 2014 recibió un Grammy por su trayectoria. ¿Cómo habría sido su vida sin Kraftwerk? 

RH: ¡Aburrida! 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Wir Sind die Roboter.