Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
El 05 de mayo de 1948, nació en Birmingham, Inglaterra, John Michael “Bill” Ward, conocido mundialmente como el legendario baterista de la banda de heavy metal Black Sabbath. Desde sus inicios, Ward demostró un talento excepcional para la percusión, convirtiéndose en una pieza fundamental en el sonido característico de una de las bandas más influyentes en la historia del rock.
Bill Ward co-fundó Black Sabbath en 1968 junto a Ozzy Osbourne, Tony Iommi y Geezer Butler. La banda rápidamente alcanzó la fama mundial con su álbum debut homónimo lanzado en 1970, el cual sentó las bases del género heavy metal. Ward se destacó por su estilo único y potente, combinando ritmos pesados con una precisión técnica impresionante.
A lo largo de su carrera con Black Sabbath, Ward contribuyó en la creación de álbumes icónicos como “Paranoid” (1970), “Master of Reality” (1971) y “Sabbath Bloody Sabbath” (1973), entre otros. Su habilidad para crear ritmos complejos y su energía en el escenario le valieron el reconocimiento de críticos y fans por igual.
Sin embargo, la relación de Ward con la banda no estuvo exenta de altibajos. Tuvo periodos de ausencia debido a conflictos internos y problemas de salud, lo que llevó a su salida y reincorporación en varias ocasiones. A pesar de esto, su contribución a la identidad de Black Sabbath sigue siendo inigualable.
Fuera de Black Sabbath, Bill Ward ha participado en varios proyectos musicales y lanzado álbumes como solista, explorando diferentes géneros musicales. Además, es conocido por su trabajo como pintor y escritor, expresando su creatividad en diversas formas artísticas.
A lo largo de su carrera, Ward ha sido reconocido con numerosos premios y nominaciones, incluidos los premios Grammy y múltiples inducciones al Salón de la Fama del Rock and Roll. Su legado como uno de los mejores bateristas de la historia del rock perdura hasta el día de hoy.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Tomorrow's Dream.
Derviš Korkut nació en Travnik, entonces Bosnia y Herzegovina, parte del Imperio austrohúngaro, el 5 de mayo de 1888, y murió en Sarajevo, República Socialista de Bosnia y Herzegovina, República Federativa Socialista de Yugoslavia. Erudito y humanista. Justo entre las Naciones.
Sarajevo, Yugoslavia… Marzo de 1942 – Dervis y Servet Korkut eran musulmanes de etnia albanesa que vivían en Sarajevo, ciudad que formaba parte del Estado Independiente de Croacia (actual Bosnia). Servet se dedicaba al cuidado de su hijo pequeño, y Dervis era el bibliotecario jefe del Museo Nacional de Bosnia. Tenía un interés especial en las contribuciones judías a la cultura del país.
Una muestra de esta cultura judía fue la Hagadá de Sarajevo del siglo XIV, el tipo de artefacto que Hitler esperaba conservar en un «museo de una raza extinta» tras haber exterminado a todos los judíos de Europa. Dervis reconoció su importancia y tomó medidas para salvarla durante la ocupación alemana. Cuando el comandante nazi Johann Fortner llegó al museo para reclamar la Hagadá, Dervis la escondió bajo su abrigo para que Fortner no la encontrara durante el registro. Posteriormente, Dervis salió discretamente del museo y confió el preciado símbolo de la vida judía a un imán musulmán que vivía en el país. Este lo ocultó en la biblioteca de su mezquita, donde la Hagadá de Sarajevo, uno de los manuscritos hebreos iluminados más conocidos, permaneció a salvo hasta después de la guerra.
El compromiso de los Korkut con la ayuda a los judíos perduró. Mira Papos se crio en la comunidad judía sefardí de Sarajevo. Tras el asesinato de sus padres a finales de 1941, Mira huyó a los bosques, donde se unió a los partisanos. En marzo de 1942, los partisanos se vieron obligados a reorganizarse tras sufrir duras derrotas. Ordenaron a Mira y a los demás jóvenes que regresaran a Sarajevo. Mira comprendió que aquello equivalía a una sentencia de muerte, pero también lo era permanecer sola en el bosque. Al llegar a la ciudad, se encontró con el conserje de la antigua oficina de su padre y le rogó que la ayudara. Él la condujo al Museo Nacional de Bosnia y le presentó a Dervis Korkut.
Dervis la llevó a su casa, donde conoció a Servet. Dervis y Servet tenían un plan: vestirían a Mira con ropa tradicional musulmana, le darían el nombre musulmán de Amira y dirían a cualquiera que preguntara que la habían contratado para cuidar al bebé. No debía hablar con nadie fuera de la familia, ya que en la zona donde vivían residían otros hablantes de albanés. Durante los siguientes cinco meses, Mira permaneció en la casa de Servet. Un oficial alemán vivía en el segundo piso, pero no tenía motivos para cuestionar a la joven sirvienta musulmana. Mira se separó de Dervis y Servet en agosto de 1942, cuando su tía logró pasarle de contrabando documentos falsificados y un billete de tren. Con los documentos falsos, Mira se mudó a la costa dálmata y se hizo pasar por no judía durante el resto de la guerra. Todos sobrevivieron a la guerra.
Dervis Korkut murió en 1969. Servet Korkut murió el 9 de septiembre de 2013, a los 88 años.
Un epílogo a la historia del rescate de Korkut. En la primavera de 1999, cuando Kosovo comenzó a sumirse en la guerra y los musulmanes albaneses fueron expulsados de Kosovo, la mayoría huyó con poco más que la ropa que llevaban puesta. Lamija Jahas había llevado consigo una copia de un documento muy preciado: un certificado que Yad Vashem había entregado a sus padres. Tras llegar a un campo de refugiados en Macedonia, Lamija mostró este certificado a miembros de la comunidad judía local. El gobierno israelí trasladó a Lamija, a su esposo y a sus dos hijos a Israel, donde fueron recibidos en el aeropuerto por Davor Bakovic, hijo de Mira Papos Bakovic, quien había fallecido el año anterior. El hijo de Justos entre las Naciones fue recibido por el hijo del superviviente judío… y Lamija y su familia de Kosovo comenzaron una nueva vida en Israel.
Sigmund Esco Jackson, más conocido como Jackie Jackson, nació en Gary, Indiana, Estados Unidos, el 4 de mayo de 1951. Cantante, compositor, actor, productor y bailarín.
Sigmund Esco "Jackie" Jackson es miembro de The Jackson 5. Es el segundo hijo y el mayor de los hermanos Jackson. Aspiraba a ser jugador profesional de béisbol, pero esos planes cambiaron cuando su padre, Joseph, formó una banda con Jackie y sus hermanos.
Jackson se ha casado tres veces y tiene cuatro hijos.
Primeros años de vida
Jackie nació el día del 21 cumpleaños de su madre, Katherine, en 1951. Su abuelo le puso el apodo de Jackie, derivado de Jackson Boy. Provenía de una familia negra de clase trabajadora. Él y sus hermanos crecieron en una casa de dos habitaciones en Gary, Indiana, una ciudad industrial a las afueras de Chicago. En 1964, el padre de Jackie, Joseph, formó el grupo musical The Jackson Brothers, integrado por Jackie y sus hermanos Tito y Jermaine. Posteriormente, se unieron al grupo sus hermanos menores, Marlon y Michael, quienes tocaban diversos instrumentos de percusión. En 1966, Joseph convirtió a Michael en el vocalista principal y, en dos años, se dieron a conocer profesionalmente bajo el nombre de The Jackson Five, que luego se modificó al número 5 tras firmar con Motown en 1969. Antes de firmar con Motown, Jackson deseaba dedicarse al béisbol profesional.
Carrera
Los Jackson 5
Jackson cantaba con una voz de tenor agudo. Añadió breves partes en algunos de los sencillos de éxito de The Jackson 5, incluyendo "I Want You Back" y "ABC". En 1973, lanzó un álbum en solitario que, desafortunadamente, no entró en las listas. Después de que The Jackson 5 se convirtiera simplemente en "The Jacksons" tras su salida de Motown para unirse a CBS Records en 1976, el papel de Jackson como vocalista y compositor aumentó. Añadió una voz principal junto a Michael en su sencillo de Epic que alcanzó el Top 10, "Enjoy Yourself", y también añadió composición en seis de los álbumes del grupo con Epic. La voz de Jackson cambió a un estilo vocal de tenor más grave durante los años de Epic. Una de las composiciones más exitosas de Jackson fue coescrita con Michael, "Can You Feel It", que se convirtió en un éxito internacional en 1981. Jackson comenzó a interpretar más voces principales mientras Michael seguía una exitosa carrera en solitario. En su álbum de 1984, Victory, Jackie interpretó la voz principal en la canción "Wait", mientras escribía el sencillo "Torture". Cabe destacar que, antes del inicio de la gira Victory Tour en 1984, sufrió lo que oficialmente se describió como una lesión de rodilla sufrida durante los ensayos. Sin embargo, Margaret Maldonado, antigua compañera de Jermaine, escribió en su libro de 1995, Jackson Family Values, que Jackson resultó herido en un accidente automovilístico, provocado por su entonces esposa, Enid Jackson, quien lo atropelló con su coche tras sorprenderlo con la coreógrafa y entonces Laker Girl, Paula Abdul. Jackson se recuperó lo suficiente como para actuar en la última parte de la gira en diciembre de 1984 en Los Ángeles, donde Michael anunció su salida del grupo. A principios de 1985, Marlon se unió a su hermano menor y abandonó el grupo.
Jackie, Tito y Randy se convirtieron en músicos de sesión, vocalistas y productores durante este tiempo. En 1987, la banda se reformó como The Jacksons y grabó "Time Out for the Burglar", el tema principal de la película Burglar. El sencillo fue un éxito menor de R&B en los EE. UU., pero tuvo más éxito en Bélgica, donde alcanzó el puesto número 17 en el Top 40 durante dos semanas consecutivas. Los Jacksons también contribuyeron con coros a la canción principal del álbum Freedom de Tramaine Hawkins de 1987, producida por Tito. A finales de 1988, los Jacksons se dispusieron a grabar su último álbum con Epic, 2300 Jackson Street, en el que Jackie y Jermaine se repartieron las voces principales en la mayoría de las canciones. Sin embargo, 2300 Jackson Street no entró en las listas, a pesar de "Nothin' (That Compares 2 U)", con Randy y Jermaine como vocalistas principales. Randy no participó mucho en la promoción del álbum, ya que estaba trabajando en su proyecto en solitario, dejando a Jackie, Tito y Jermaine promocionarlo principalmente en el extranjero. Después, el grupo fue despedido del sello discográfico y cada hermano se dedicó a proyectos en solitario. Jackson firmó con Polydor y lanzó su primer álbum en solitario en 16 años, Be the One, a finales de 1989. El álbum fue un éxito menor, alcanzando el puesto número 89 en las listas de R&B. El primer sencillo, "Stay", fue un éxito en el Top 40 de R&B, mientras que el segundo sencillo, "Cruzin'", tuvo un éxito moderado. En 2001, después de años alejado de los focos, Jackie, junto con sus otros hermanos, regresó al panorama musical en una actuación de reunión con Michael durante su especial del 35 aniversario en el Madison Square Garden.
Últimos años
Jackson, que actualmente reside en Las Vegas, dirigió en su momento dos compañías discográficas: Jesco Records y Futurist Entertainment. Su hijo, Sigmund Jr., conocido como DEALZ, lanzó un mixtape con Jesco en 2007. En 2009, él, Tito, Jermaine y Marlon protagonizaron su breve reality show, The Jacksons: A Family Dynasty. En 2012, el cuarteto inició su primera gira desde el final del Victory Tour en 1984. Los cuatro hermanos continúan de gira y actualmente planean ofrecer una serie de conciertos en los casinos de Las Vegas.
Vida personal
Jackson se casó tres veces y tuvo cuatro hijos. Contrajo matrimonio con su primera esposa, Enid Adren Spann (27 de junio de 1954 - 20 de diciembre de 1997), en noviembre de 1974, tras cinco años de noviazgo. Fue un matrimonio turbulento debido a la infidelidad y el comportamiento volátil de Jackson. Se separaron en 1984 y Enid solicitó el divorcio, pero se reconciliaron en 1985. En enero de 1986, Enid solicitó el divorcio definitivamente. Obtuvo una orden de alejamiento contra Jackson tras acusarlo de maltrato físico. Enid falleció a causa de un aneurisma cerebral en 1997.
En la década de 1980, Jackson fue noticia por su romance con la estrella del pop Paula Abdul. Desde 1989 hasta 1991, Jackson mantuvo una relación sentimental con la actriz Lela Rochon.
En 2001, Jackson se casó con su segunda esposa, Victoria Triggs. Posteriormente se divorciaron. En 2012, Jackson se casó con su tercera esposa, Emily Besselink.
Niños
Sigmund Esco "Siggy" Jackson Jr. (nacido el 29 de junio de 1977) - con Enid Spann
Brandi Jackson (nacida el 6 de febrero de 1982) - con Enid Spann
Jaylen Milan Jackson (nacido el 31 de diciembre de 2013) - con Emily Basselink
River T Jackson (nacido el 31 de diciembre de 2013) - con Emily Basselink
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Stay.
Hace más de 20 años, la Biblioteca Castro publicó la Biblia de Ferrara, editada por Moshe Lazar, una obra clave de la tradición sefardí. Recientemente, la colección recuperó este texto fundamental en una nueva edición con prólogo de Paloma Díaz-Mas, incorporándolo al canon de los clásicos españoles.
Konrad Plank más conocido como Conny Plank, nació en Hütschenhausen, Alemania, el 3 de mayo de 1940, y murió en Colonia, Alemania, el 18 de diciembre de 1987. Productor y músico. Tocaba sintetizador y guitarra.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Andy Kellman.
Konrad Plank es al Krautrock lo que Phil Spector es a la música pop: un productor y colaborador ingenioso con una trayectoria que abarca desde los influyentes discos de rock alemanes de los 70 hasta los más conocidos y menos conocidos discos de post-punk/new wave de finales de los 70 y principios de los 80. Tras iniciarse trabajando para Marlene Dietrich, no fue hasta su producción de los primeros discos de Kraftwerk que su prestigio creció significativamente. Al producir, grabar y gestionar la grabación de los tres legendarios LP de Neu en los 70 (era, en esencia, el tercer miembro no oficial), Plank se consolidó como uno de los ingenieros de estudio más importantes del rock experimental. Dirigió su propio estudio en Colonia y grabó a bandas alemanas como Grobschnitt, Guru Guru, Kraan y Scorpions, además de otros artistas internacionales como Ultravox, Devo, Killing Joke y Eurythmics. Plank, quien también trabajó con Dieter Moebius en un par de grabaciones de principios de los 80 bajo el nombre de Moebius & Plank, falleció a finales de los 80.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Autobahn, interpretado por Kraftwerk, en vivo en el programa The Midnight Special, el 25 de julio de 1975.
Louis Andrew Grammatico, más conocido como Lou Gramm, nació en Rochester, Nueva York, Estados Unidos, el 2 de mayo de 1950. Cantante y compositor.
La página de Facebook Behind the Songs publicó su biografía.
Lou Gramm: 75 años de lucha, legado y rock eterno
El 2 de mayo de 2025, Lou Gramm —el legendario vocalista original de Foreigner— cumple 75 años. Su historia no solo está escrita con éxitos como “I Want to Know What Love Is”, “Cold as Ice” o “Juke Box Hero”, sino también con resiliencia, fe y una lucha constante contra los estragos de la salud que lo han acompañado en las últimas décadas.
Nacido como Louis Andrew Grammatico en Rochester, Nueva York, en 1950, Lou creció en un ambiente musical: su madre era cantante y su padre dirigía una banda. En los años 70, tras liderar la banda Black Sheep, fue reclutado por Mick Jones para formar parte de un nuevo proyecto: Foreigner. La voz poderosa, rasposa y melódica de Gramm se volvió marca registrada del sonido del grupo, convirtiéndose en una de las voces más reconocibles del rock arena de los años 70 y 80.
Pero el trayecto no fue fácil. En los años 90, mientras desarrollaba su carrera como solista y se mantenía con apariciones intermitentes en Foreigner, su vida dio un giro dramático. En 1997, fue diagnosticado con un craneofaringioma, un tumor cerebral raro y benigno, aunque de crecimiento lento. La cirugía fue riesgosa. El tumor afectó su glándula pituitaria, lo que alteró su metabolismo y le hizo ganar peso rápidamente. Los efectos secundarios incluyeron fatiga crónica, dificultades para recordar letras, lentitud al moverse, y un deterioro vocal notable.
A pesar de los retos, Gramm regresó a los escenarios. En 2003 volvió brevemente a Foreigner, pero su salud le impedía mantener el ritmo de las giras. Finalmente, se retiró oficialmente de la banda en 2005, siendo reemplazado por Kelly Hansen. Lou continuó presentándose en solitario, con su banda The Lou Gramm Band, enfocándose también en música cristiana y compartiendo su testimonio de vida, fe y superación.
En entrevistas recientes, ha hablado abiertamente sobre su estado de salud. Aunque el tumor fue extirpado, las secuelas endocrinas siguen presentes. En 2019, durante una gira, sufrió una recaída de salud que lo obligó a cancelar fechas. En declaraciones a medios como Billboard y Ultimate Classic Rock, explicó: “Tengo problemas respiratorios, fatiga y deshidratación crónica. No quiero subir al escenario sabiendo que no puedo dar lo mejor de mí”.
Sin embargo, Lou nunca se ha rendido. En 2022, participó en la ceremonia del Salón de la Fama de los Compositores, donde fue reconocido junto a Mick Jones por su trabajo en Foreigner. El grupo ha sido inducido al Rock & Roll Hall of Fame y el legado de Gramm sigue creciendo. Sus canciones siguen sonando en radios, películas, estadios y karaokes de todo el mundo. Lou ahora es parte de la gira latinoamericana de Foreigner.
Hoy, a los 75 años, Lou Gramm es un sobreviviente. No solo del negocio musical, sino de las batallas internas que ha librado por más de dos décadas. Vive en Nueva York, mantiene contacto con sus fans y, aunque ya no canta como en los días de gloria, su voz sigue resonando en millones de corazones.
“Dios me ha dado otra oportunidad, y eso no lo tomo a la ligera”, dijo alguna vez. Y así, sin buscar los reflectores, pero con el respeto inquebrantable de la comunidad del rock, Lou Gramm sigue siendo un verdadero Juke Box Hero.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con I Want To Know What Love Is.
Elena de Schleswig-Holstein-Sonderburg-Glücksburg, nació en Atenas, Grecia, el 2 de mayo de 1896, y murió en Lausana, 28 de noviembre de 1982. Justa entre las Naciones.
Elena de Grecia (Atenas, 2 de mayo de 1896 - Lausana, 28 de noviembre de 1982) fue princesa de Grecia y Dinamarca, y princesa heredera de Rumanía por matrimonio. Recibió el título de reina madre durante el mandato de su hijo Mihai.
Biografía
Familia
Elena nació en Atenas en 1896, siendo sus padres el duque de Esparta y su esposa, la princesa Sofía de Prusia. En el momento de su nacimiento reinaba en Grecia su abuelo, Jorge I de Grecia. Tuvo tres hermanos llamados Jorge (1890-1947), Alejandro (1893-1920) y Pablo (1901-1964), todos reyes de Grecia, y dos hermanas llamadas Irene (1904-1974), luego duquesa de Aosta y reina de Croacia, y Catalina (1913-2007), luego Lady Brandram.
Elena era pues la nieta de Jorge I de Grecia y su esposa, la gran duquesa Olga de Rusia por parte paterna, y por vía materna lo era del káiser Federico III de Alemania y Victoria, princesa Real del Reino Unido. Estaba pues emparentada con la mayor parte de las familias reales de Europa.
Vida en el exilio
En 1910 salió de Grecia exiliada junto con sus padres y hermanos como resultado de un complot militar para poner en el trono de Grecia a su padre y quitar a su abuelo el rey Jorge I de Grecia. La familia pasó el verano en el castillo de Friedrichshof, propiedad de su tía materna Margarita, landgravina de Hesse. El invierno lo pasaron en un hotel en Fráncfort del Meno hasta que regresaron a Atenas. Su abuelo el rey fue asesinado por un demente en Tesalónica en 1913.
En 1917 Elena y su familia de nuevo partieron hacia el exilio por negarse su padre a apoyar a los Aliados en la Primera Guerra Mundial. Tras permanecer una temporada en Sankt Moritz se trasladó a Zúrich, donde la familia real griega era observada de cerca por las autoridades; se vieron obligados a permanecer en la zona germanófona de Suiza, donde sus sirvientes británicos y franceses fueron despedidos.
Matrimonio
En 1919, todavía en el exilio, Elena conoció en la ciudad cantonal de Lucerna al que había de convertirse en su marido, el príncipe heredero Carlos de Rumanía, primo segundo suyo. Carlos acababa de divorciarse de su primera esposa, Zizi Lambrino, por no contar esta unión con la autorización del rey de Rumanía. Elena acompañó a Carlos a Rumanía por celebrarse en aquellos tiempos la boda entre la hermana de él, Isabel, con el hermano de ella, el futuro Jorge II de Grecia. En 1920 Carlos y Elena se prometieron. Ese mismo año el padre de Elena pudo regresar al trono griego y Elena pudo volver a Atenas.
En 1921 Elena y Carlos contrajeron matrimonio en la Catedral Metropolitana de Atenas (la primera boda de una princesa de Grecia que tuvo lugar en Atenas). La pareja pasó la luna de miel en Tatoi y más tarde partieron en barco hacia Bucarest. Se instalaron en el Palacio de Cotroceni, aunque pasaron la mayor parte de su tiempo en el Castillo de Peleş, en Sinaia.
Vida conyugal y divorcio
El matrimonio, que inicialmente fue feliz, pronto empezó a hacer aguas. Fruto de esta unión nació el futuro Miguel I de Rumania, único hijo de la pareja, nacido en 1921 y depuesto en 1947.
En 1925 Carlos empezó un romance con Magda Lupescu, y ese mismo año renunció a sus derechos al trono rumano, quedando así su hijo Miguel como heredero. Elena permaneció en Rumanía al cuidado de su hijo, y se divorció de su esposo en 1928; tras ser regente en nombre de su hijo entre 1927 y 1930, tuvo que soportar el gobierno despótico de su exmarido, [cita requerida] que en 1930 había regresado a Rumanía y reclamado el trono. Carlos fue rey hasta 1940, año en el que volvió a abdicar. En 1947, al ser derrocado su hijo, Elena huyó al exilio.
Previamente, en la década de 1930 propulsó la creación del primer Hospital de Emergencias en Rumania.
Elena estuvo siempre muy unida a su hermano el rey Pablo I de Grecia, siendo, por tanto, tía carnal de la reina Sofía de España. Mujer culta y con inquietudes artísticas, Elena de Grecia hablaba seis idiomas y era una interesante pintora.
Permaneció en Bucarest durante la Segunda Guerra Mundial, auxiliando a los refugiados judíos, por lo cual fue reconocida como «Justa entre las Naciones» en 1993.
Falleció en la ciudad suiza de Lausana a la edad de 86 años.
Fue reenterrada en la Nueva Episcopal y Real Catedral de Curtea de Arges el 19 de octubre de 2019, donde descansan su hijo y su nuera.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Won Kim, y la Orquesta Sinfónica de Corea, dirigida por Hun-Joung Lim.
D'arcy Elizabeth Wretzky-Brown, más conocida como D'arcy Wretzky, nació en South Haven, Míchigan, Estados Unidos, el 1 de mayo de 1968. Bajista y cantante.
D'arcy Elizabeth Wretzky-Brown, también conocida simplemente como D'arcy Wretzky (South Haven, Míchigan; 1 de mayo de 1968), es una bajista y cantante estadounidense conocida por su trabajo como la miembro original de The Smashing Pumpkins. Además de tocar el bajo ha tocado violín clásico y oboe. También interpretó la canción "Daydream" del álbum debut de la banda Gish que fue lanzado en 1991. Vive en una granja de caballos en Watervliet (Míchigan)
Entre sus influencias musicales se encuentran The Beatles, Stooges, Nirvana, Queen, Rolling Stones, Guns N' Roses, Depeche Mode y Duran Duran.
Biografía
La banda se formó en 1988 por Billy Corgan y James Iha. Estos conocieron a Wretzky en un concierto de una banda local cuando Corgan escuchó los comentarios que hacía Wretzky sobre la banda en el escenario. Siguió una discusión, y al enterarse de que ésta tocaba el bajo, Corgan la invitó a unirse a la banda. Wretzky mantuvo una breve relación amorosa con su compañero James Iha mientras estaban en la banda, pero se separaron al poco tiempo sin muchas consecuencias.
Después de casi doce años en la banda, en septiembre de 1999, después de finalizar la grabación de MACHINA/The Machines of God y antes de iniciar la gira de despedida, Wretzky decidió separarse para seguir su carrera de actuación. Fue reemplazada por Melissa Auf der Maur, antigua bajista de Hole. Años más tarde, Corgan se referiría a ella en su blog como una "drogadicta de mal espíritu".
Wretzy participó en los discos Gish, Siamese Dream, Mellon Collie and the Infinite Sadness y Adore. Antes de su alejamiento grabó el bajo en todas las canciones menos una (Age of Innocence) de MACHINA/The Machines of God.
El 25 de enero de 2000 fue arrestada en el oeste de Chicago después de admitir que compró tres bolsas de cocaína. La corte le ordenó que asistiera a un programa de rehabilitación y los cargos fueron sobreseídos.
Después de la declaración oficial de Billy Corgan y Chamberlin, el 20 de abril de 2006 de haber firmado un contrato discográfico bajo el nombre de "Smashing Pumpkins", no hubo respuesta alguna por parte de Wretzky para unirse al proyecto. De hecho, la bajista sustituta, Melissa Auf Der Maur, dijo estar encantada de ser la segunda opción en caso de que Wretzky no estuviera disponible. Finalmente, la bajista elegida para la gira fue Ginger Reyes.
En 2009 fue arrestada en Watervliet (Míchigan). El motivo fue que varios caballos de su granja se escaparon y galoparon sueltos por el pueblo, lo que causó gran alboroto y serio peligro para sus vecinos. Posteriormente, la exbajista no se presentó a cuatro audiencias y tampoco pagó la multa a la que se hizo acreedora, por lo que dos años después, el 8 de febrero de 2011, fue arrestada, y finalmente puesta en libertad el 14 del mismo mes.
En febrero de 2016, y tras conocer que Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin habían actuado juntos como The Smashing Pumpkins por primera vez en dieciséis años, D'arcy declaró en una entrevista que estaría dispuesta a formar parte de nuevo de la banda si se dieran las condiciones adecuadas para volver.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Ava Adore.
Luis Livingstone, músico, compositor, actor y reservista del Ejército de Tierra
May 12, 2021
Siempre elegante, con ese bombín típico de Madrid y ese chaleco tan castizo, Luis Livingstone sigue subiéndose a un escenario a darlo todo para su público. Compagina su vida artística con el servicio a su país. Un país que adora y al que le dedicó una canción que emociona cada vez que la escuchas. Después de un año de sequía de conciertos, comienza una gira con otros grandes artistas con El Último Aplauso que arranca en Madrid pero que visitará Marbella, Valencia, Oviedo, Pamplona y Córdoba entre otras ciudades españolas.
“Soy un tío con suerte, con muchísima suerte en la vida”
Pregunta. - De Luis Livingstone conocemos más tu faceta de artista, pero cuéntanos ¿cómo ingresas en el Ejército?
R.- La historia es que estaba estudiando en EEUU cuando me pilló fuera de plazo la prórroga por estudios a los 17 años y, al volver de Ucla, tuve que ir directamente a la mili. Por mi quinta me tocó en Tenerife y antes, en la mili, llegaban a los cuarteles para hacer captación el tercio de la Legión, la Brigada Paracaidista y el GOES.
Los del tercio y el GOES no me convencieron, pero cuando llegaron los paracaidistas, llenos de medallas, me gustaron, además volvía a Madrid, mi ciudad, pero tenía que hacer 18 meses en vez de 12. Esa noche estábamos en formación de retreta, que es cuando pasan lista. Como era en los primeros días, todos teníamos un número asignado en lugar de pasar la lista con los nombres y yo estaba pensando si me iba a Madrid con los paracaidistas, o me quedaba en Tenerife. Gritaron mi número unas tres veces, cuando me di cuenta, el sargento estaba pidiendo la lista al cabo que no sabía dónde la había puesto y, como soy un tío con suerte, con muchísima suerte en la vida, dijo “mi sargento el 125 se ha ido voluntario a la Brigada Paracaidista”. Esa misma noche me fui al barracón de la Bripac y al día siguiente embarcamos hacia Cádiz, de ahí a Alcantarilla y finalmente a Alcalá de Henares.
Hice los 18 meses y aprendí muchas cosas por lo que me reenganché otras dos veces más. Después de llevar casi cinco años mi padre me dijo que me fuese, bien a la academia militar o a la universidad, pero en ese momento yo ya estaba empezando a tocar, había conocido por medio de uno que trabajaba en el cuartel a Javi, hermano de Ana Torroja, hicimos un grupo y ensayábamos por las tardes. En el 2005 salió la figura de reservista voluntario, que era como una oposición para estar en el ejército hasta cinco meses al año, me apunté y los meses que no tengo giras sigo ligado al Ejército de Tierra.
P.- ¿Cómo empieza tu relación con la música?
R.- En Cercedilla, donde iba a veranear con mis padres, resulta que un año mis vecinos se compraron una guitarra, solían tocar Clavelitos y yo decía “es la leche”. Mis padres me compraron una guitarra, pero en vez de ir a clases de guitarra porque no me apetecía, empecé con un libro a aprender yo solo, me hacía mis propias canciones. Y así fue como empecé. Cuando salí del ejército ya había formado con amigos, un grupo de música y tuve la suerte, porque soy un tío con suerte como te he dicho, que nos fichó Dró que era la compañía que tenía todos los grupos españoles de la época: Gabinete Galigari, Nacha Pop, Los Hombres G, Dunca Dhu… y desde entonces hasta ahora.
P.- ¿Recuerdas cómo fue la grabación del primer disco?
R.- Sí, terrorífica porque éramos unos niños y daba miedo porque los estudios eran muy espectaculares. La diferencia de antes a ahora es que antes era muy complicado grabar un disco. En Dró había como dos divisiones. La segunda división, según entrabas, tenías que hacer un disco de seis canciones en siete días. Yo siempre he compuesto todo. Si ese disco vendía más de diez mil, que era una venta razonable, pasabas a primera división y ahí ya no había límite, podías hacer los discos que quisieras, tenías promoción…. Nosotros tuvimos mucha suerte porque en una semana habíamos vendido todo, fuimos número 1 en 40 principales con ‘Una Chica Formal’ que fue el primer single que sacamos.
P.- ¿Cómo recuerdas esa época dorada del pop de los 80/90?
R.- Pues dorada, fue una buena época. Hemos vivido lo que se llama la generación de oro del pop español, el sueño de todo adolescente: ligabas, todo el día de fiesta, no tenías que madrugar, tenías dinero…. Los managers sabían muy bien como tenerte contento para que no dieras ningún problema, pero claro no pensabas en el futuro. Profesionalmente es mucho mejor esta época, ganamos más dinero.
P.- ¿Qué fue para ti hacer ‘Yo soy de aquí’?
R.- La canción de mi vida. Nace del concierto de Bruce Springsteen que fui a ver al Calderón. Cuando cantó ‘Born in the USA’ y dos tíos desplegaron una bandera de Estado Unidos, todos los que fuimos nos pusimos como locos, como si fuésemos del mismísimo Wisconsin y me dije, “yo quiero hacer eso”. Hablando con mi amigo el teniente coronel Pita me animó a hacerlo y dando un paseo por Fuencarral me vino la canción. Fue como un bofetón, hasta tal punto que volví al bar donde estábamos y les pedí un papel para escribir la canción.
El primer día que la estrenamos que fue en el teatro Capital en Madrid, no había visto el audiovisual que habían preparado y cuando miré hacia atrás y vi una bandera de España, casi no pude acabar de cantar la canción de la emoción. La canté hace dos años el 12 de octubre en la Plaza de Cataluña y eso fue bestial.
P.- ¿Cómo acabaste haciendo parte de la banda sonora de “Sexo en Nueva York”?
R.- Porque soy un tío con suerte (risas). Estaba en mi casa y me llaman al teléfono un tío cubano: “le llamo desde Miami, soy de la discográfica Lideres que hemos sacado un disco recopilatorio con una canción suya de Dr. Lisvingstone y teníamos aquí la duda de si poníamos Luis Núñez Olalla que es como hemos visto que se llama usted o su pseudónimo” “No, ponerme Luis Livingstone”. “Mire es que yo aquí muevo canciones si me envía música aquí, se la podría mover. Apunte usted mi dirección”. Dio la casualidad, porque soy un tío con suerte, que tenía delante de mí un papel y un boli, lo apunté y tenía encima de la mesa un Cd con una demo de música nueva, un sobre y sellos. Lo metí y enfrente de mi casa tenía un buzón. Lo envié y me olvidé. Pasa el tiempo y me llaman de la Sociedad de Autores y me dicen que les ha llegado un pastón a mi nombre por unas canciones de Sexo en Nueva York. Yo ni me acordaba del cd, ni del señor. Así que tengo 14 canciones en 20 episodios de las seis temporadas y en las dos películas. Le llamé para darle las gracias, de hecho hace poco le he enviado canciones para la serie Hawai 5.0.
P.- ¿Cómo está ahora Dr. Livingstone, supongo?
R.- Mejor que nunca, mejor que en el año 89 y ahora con mis chicas. Como soy un tío con suerte, cambié de manager y ahora estoy con César Zappa que lleva la única gira de este año. Encajé perfectamente con el promotor Ramón Viyella y estamos preparando El Último Aplauso, un concierto solidario que comienza en Madrid el 28 y 29 de mayo en el WiZink Center. Estoy preparando un concierto que va a ser la leche con los audiovisuales.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Una chica formal.
Graciana Nélida Federico nació en Buenos Aires, Argentina, el 29 de abril de 1920, y murió en su ciudad, el 24 de mayo de 2007. Cantante, bandoneonista y artista plástica.
Nélida Federico (Buenos Aires, Argentina, 29 de abril de 1920) fue una bandoneonista y pintora argentina, nacida en Buenos Aires, Argentina, el 29 de abril de 1920. Desde pequeña recibió las influencias del arte en el seno familiar. Primero, de su padre, Francisco, violinista y músico de profesión; luego, de Domingo Federico, su hermano mayor, bandoneonista, y quien la iniciaría en la práctica del instrumento.
Con él Nélida formó el Dúo Federico, en el que Domingo ejecutaba el bandoneón y Nélida cantaba. Así, surgieron primero las giras y actuaciones en teatros, cines y confiterías, tanto de Buenos Aires como del interior del país. Con el correr de los años, Domingo creó una orquesta de señoritas -algo poco usual en la época-, en la que Nélida tocaba el bandoneón. Al poco tiempo, Nélida quedó a cargo de la pequeña orquesta; su hermano continuó su carrera por separado, convirtiéndose en un reconocido compositor de tangos en los años 40 y 50.
Paralelamente, Nélida estudió dibujo y pintura con el Profesor Galante, despertando en ella otro de sus talentos. A la música se le sumó la pintura, la que desarrolló profusamente entre los años 1936 y 1940. No obstante, muy pocas obras suyas de aquella época se han conservado.
En la década de 1950 Graciana Nélida Federico contrajo matrimonio con Adelmo Panini, abandonando momentáneamente la música, y dedicándose a la pintura, destacándose especialmente por sus retratos al óleo. Realizó numerosas exposiciones y participó en concursos y salones provinciales y municipales, obteniendo premios y menciones especiales.
Ya en su madurez, su pasión por la música volvió a seducirla. Retomó su carrera musical actuando en teatros, y en programas de tango de radio y televisión. A los 80 años de edad grabó su primer y único registro discográfico, y continuó tocando hasta los 86, cuando ofreció su último recital en la Academia Porteña del Lunfardo. Falleció el 24 de mayo de 2007, a la edad de 87 años.
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Lamentablemente no encontré ningún registro de sus grabaciones.
Jeffrey Tate nació en Salisbury, Wiltshire, Reino Unido, el 28 de abril de 1943, y murió en Bérgamo, Italia, el 2 de junio de 2017. Director de orquesta.
El sitio www.bach-cantatas.com publicó este recordatorio.
Jeffrey Tate (Director de orquesta)
Nacido: 28 de abril de 1943 - Salisbury, Wiltshire, Inglaterra
Fallecido: 2 de junio de 2017 - Bérgamo, Lombardía, Italia
El director de orquesta inglés Jeffrey Philip Tate nació en Salisbury, Inglaterra, con espina bífida, una malformación congénita grave, y también presentaba una curvatura espinal asociada, la cifosis. Su familia se mudó a Farnham, Surrey, cuando era niño y asistió a la Farnham Grammar School entre 1954 y 1961, obteniendo una beca estatal para la Universidad de Cambridge, donde dirigió producciones teatrales. Tate inicialmente estudió medicina en el Christ's College de Cambridge (1961-1964), especializándose en cirugía ocular. Posteriormente trabajó en el Hospital St Thomas de Londres, antes de abandonar su carrera clínica para estudiar música en el London Opera Centre. Se convirtió en repetidor y profesor en la Royal Opera House de Covent Garden, bajo la tutela de Sir Georg Solti.
El debut internacional de Jeffrey Tate como director de orquesta tuvo lugar en la Metropolitan Opera de Nueva York en 1979. En 1985, fue nombrado primer director titular de la English Chamber Orchestra (ECO), cargo que ocupó hasta el año 2000. Entre sus grabaciones con la English Chamber Orchestra se incluyen ediciones para EMI de sinfonías de Haydn. En septiembre de 1986, se convirtió en director titular de la Royal Opera House, Covent Garden, siendo la primera persona en la historia de la compañía en ostentar dicho título. Ocupó este puesto en Covent Garden hasta 1991, y posteriormente fue director invitado principal en Covent Garden de 1991 a 1994. Fue director titular de la Orquesta Filarmónica de Rotterdam de 1991 a 1995. En 2005, fue nombrado director musical del Teatro San Carlo de Nápoles, cargo que desempeñó hasta 2010.
En octubre de 2007, la Hamburger Symphoniker anunció el nombramiento de Jeffrey Tate como su próximo director titular. Asumió formalmente el cargo en 2009. En febrero de 2014, la orquesta anunció la extensión de su contrato como director titular hasta 2019. Ocupó el puesto en Hamburgo hasta su fallecimiento el 2 de junio de 2017. Tate fue director invitado principal y asesor artístico de la Orquesta Sinfónica de Adelaida, en parte como resultado de su vinculación con la orquesta desde una producción de El anillo del nibelungo de Wagner en 1998, desde 2016 hasta su muerte.
Las grabaciones de Jeffrey Tate incluyen una serie de conciertos para piano de WA Mozart con Dame Mitsuko Uchida. Fue presidente de la organización benéfica británica para la espina bífida ASBAH (ahora SHINE [Espina bífida, hidrocefalia, información, redes, igualdad]) desde 1989. Un retrato de Jeffrey Tate aparece en el libro de David Blum, Quintet, Five Journeys toward Musical Fulfillment (Cornell University Press, 1999). Originalmente apareció como artículo en la edición del 30 de abril de 1990 de The New Yorker. Fue nombrado Caballero en la lista de honores de Año Nuevo de 2017 por sus servicios a la música británica en el extranjero. También fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE) en la lista de honores del cumpleaños de la Reina de 1990.
En su vida privada, Jeffrey Tate fue pareja de Klaus Kuhlemann, un geomorfólogo alemán, a quien conoció cuando dirigía en Colonia desde 1977. Tate y Kuhlemann finalmente se casaron. Ofreció sus últimos conciertos los días 30 y 31 de mayo de 2017 en Bolzano y Trento, con la Orquesta Haydn. Falleció de un ataque al corazón en Bérgamo, Lombardía, Italia, el 2 de junio de 2017 a la edad de 74 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de la Sinfonía Nº 40 en Sol Menor, K. 550, de Wolfgang Amadeus Mozart, al frente la Orquesta de Cámara Inglesa, y un fragmento del ensayo con público de Nimbrod, de las Variaciones Enigma, de Edward Elgar.
Krzysztof Trzcinski, más conocido como Krzysztof Komeda, nació en Poznań, Polonia, el 27 de abril de 1931, y murió en Varsovia, Polonia, el 23 de abril de 1969. Compositor, arreglador y pianista.
El sitio www.komeda.pl publicó su biografía firmada por Jerzy Radlinski.
Krzysztof Komeda (1931-1969)
El gran momento de Krzysztof Komeda comenzó en el Festival de Jazz de I Sopot en agosto de 1956, pero su vínculo con la música era mucho más antiguo. Nacido en Poznan en 1931, tomó clases de piano desde niño y su primer sueño fue convertirse en un virtuoso famoso. No eran meras fantasías, pues a los ocho años ingresó en el conservatorio de Poznan. Pero la guerra truncó sus planes. Durante la guerra y posteriormente, hasta 1950, continuó estudiando piano y teoría musical, pero era consciente de que esos seis años se habían perdido. Tras graduarse de la escuela secundaria, tuvo que decidir qué hacer con sus estudios. Quería un trabajo estimulante, así que se hizo médico. Antes de comenzar sus estudios, se interesó por la música de baile y el entretenimiento. Asistió a la escuela secundaria en Ostrow Wielkopolski, donde conoció a Witold Kujawski, graduado de la misma escuela y ya un reconocido bajista de swing. Fue Kujawski quien introdujo a Komeda-Trzcinski en el jazz. Lo llevó a Cracovia. Era la época romántica del jazz polaco, conocida como la «época de las catacumbas». Por aquel entonces no existía el público habitual de los conciertos de jazz. En la legendaria habitación de Witold en Cracovia, se celebraban jam sessions con la participación de músicos tan renombrados como Matuszkiewicz, Borowiec, Walasek y el propio anfitrión.
Un par de años después, quedó claro por qué Komeda quedó tan impresionado por la interpretación de bebop del jovencísimo Andrzej Trzaskowski. Su fascinación por el jazz y la amistad con músicos destacados fortalecieron la conexión de Krzysztof Komeda con la música, a pesar de su trabajo como médico. Durante un tiempo colaboró con el grupo pionero del jazz polaco de posguerra, el «Melomani» de Cracovia-Lodz, cuyos pilares eran Matuszkiewicz, Trzaskowski y Kujawski. Más tarde tocó con varias bandas de entretenimiento de Poznań. Uno de ellos fue el grupo de Jerzy Grzewinski, que pronto se transformó en una banda de dixieland. Komeda actuó junto a Grzewinski en el Festival I Sopot. Pero su gran éxito en el festival no fue con él, sino con 'Ptaszyn' Wroblewski y Milian. La razón era sencilla: el dixieland ya no le bastaba. La música moderna lo fascinaba por encima de todo. Y de esta pasión nació el 'Komeda Sextet'. Empezó a usar el seudónimo 'Komeda' cuando trabajaba en una clínica de otorrinolaringología, para ocultar su pasión por la música a sus compañeros. El jazz apenas comenzaba a luchar por sus derechos en Polonia. Todavía se le consideraba música barata, sospechosa y propia de clubes nocturnos. El 'Komeda Sextet' se convirtió en el primer grupo de jazz polaco que tocaba exclusivamente música moderna, y su espectacular actuación en el festival allanó el camino triunfal para el jazz en Polonia. Junto al saxofonista barítono Jan 'Ptaszyn' Wroblewski y Jerzy Milian al vibráfono, el sexteto interpretaba cool jazz, un género que se inspiraba en las tradiciones del jazz europeo y que era una síntesis de los dos combos más populares de la época: el Modern Jazz Quartet y el Gerry Mulligan Quartet.
Durante los trece años transcurridos desde el I Festival, las formas que dominaban la expresión de Komeda cambiaron, pero la esencia de su personalidad permaneció inalterada. Simplemente maduró, creció y se cristalizó. Se transformó en poesía. Porque en todo lo que hacía, Krzysztof Komeda era ante todo un poeta inquieto y siempre en busca de inspiración. Encontró la expresión individual del jazz en sí mismo, en el lirismo eslavo y en las tradiciones de la música polaca. Dominaba la creación de atmósferas poéticas y sabía cómo cautivar al público mejor que la mayoría de los músicos de jazz. Es imposible no reconocer su música: tiene un sonido único. Creó un nuevo ambiente. El proceso de cristalización, enriquecimiento y refinamiento de su obra no duró uno o dos años, sino años. De 1956 a 1962, Komeda perfeccionó su técnica al piano y participó en festivales nacionales consecutivos con su propia banda, siempre con un programa ambicioso. Fueron también los años de sus éxitos en Moscú, Grenoble y París, sus primeros en el extranjero. Fue además autor del interesante espectáculo «Jazz y Poesía», presentado en el Jazz Jamboree '60 y posteriormente en la Filarmónica de Varsovia, y comenzó a componer bandas sonoras para películas: «El cuchillo en el agua» de Polanski, «Los hechiceros inocentes» de Wajda, «Mi padre» de Nasfeter y «Hasta mañana» de Morgenstern.
El periodo que en la biografía artística de Komeda podría considerarse su etapa de maduración y construcción de un lenguaje musical propio culminó con los «Estudios de ballet», interpretados en el Jazz Jamboree '62. La respuesta interna a 'Études' no fue muy entusiasta, pero le abrió las puertas de Europa a Christopher Komeda. En la primavera de 1960 llegó a Escandinavia y luego regresó cada año. Todas sus actuaciones en los clubes 'Gyllene Cirkeln' de Estocolmo y 'Jazzhus Montmartre' de Copenhague, que habían acogido a las estrellas de jazz más destacadas de Estados Unidos, fueron un auténtico éxito. La compañía discográfica 'Metronome' publicó un LP con sus composiciones interpretadas por un quinteto internacional: Allan Botschinsky - trompeta, Jan 'Ptaszyn' Wroblewski - saxo tenor, Krzysztof Komeda (piano), Roman 'Gucio' Dylag (bajo) y Rune Carlsson (batería). El renombrado director de cine danés Hennig Carlsen le encargó componer y grabar la música para tres de sus películas: «Hvad med os», «Kattorna» y «Sult» (basada en la novela de Knut Hamsun). Tras el éxito en Escandinavia, cosechó otros triunfos: en festivales de jazz en Praga, Bled y Königsberg, y durante una gira por Bulgaria y las dos repúblicas alemanas. En mayo de 1967, el Cuarteto Komeda (Tomasz Stanko - trompeta, Roman Dylag - bajo, Rune Carlsson - batería, y Zbigniew Namyslowski - saxofón) grabó «Lirik und Jazz» para la discográfica alemana occidental Electrola.
En diciembre de 1967 viajó a Estados Unidos, donde trabajó en la banda sonora de «El bebé de Rosemary» de Polanski y «The Riot» de Kulik. En diciembre de 1968, sufrió un trágico accidente en Los Ángeles. Su esposa lo llevó a Polonia, donde falleció el 23 de abril de 1969 y fue enterrado en el cementerio de Powazki, en Varsovia.
Basado en Jerzy Radlinski
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Kattorna. Krzysztof Komeda en piano, Rune Carlsson en batería, Günter Lenz en contrabajo, Zbigniew Namysłowski en saxo alto, y Tomasz Stańko en trompeta.
Programa semanal en el que la Comunidad Judía española muestra su identidad, sus costumbres, tradiciones y valores, contribuyendo a recuperar y divulgar parte de su legado histórico sefardí y colaborando activamente en el desarrollo de la España actual.
Leonardo Antonio Ramírez Rodríguez, más conocido como Leonardo Dantés, o Leonardo A, nació en San Vicente de Alcántara, Badajoz, España, el 26 de abril de 1953. Cantante, compositor, showman, actor, productor y director de cine.
Leonardo Antonio Ramírez Rodríguez (nombre verdadero de LEONARDO DANTES, ahora LEONARDO A.) nació un 26 de abril en San Vicente de Alcántara (Badajoz). Desde pequeño se sintió atraído por el Arte en todas sus facetas, ganando en su niñez diversos premios, como el primero de dibujo de su provincia y el primero de colaboraciones de los socios de una revista juvenil de ámbito nacional, con un cuento titulado «La creación de Marisol».
También siendo un niño, cantó por primera vez en un escenario, en un concurso que organizó en su pueblo un teatro portátil. Interpretó «Dame felicidad», quedando entre los primeros. A los 17 años se trasladó a Madrid dispuesto a conseguir el éxito en el mundo del espectáculo. En noviembre de 1973 salió al mercado su primer disco, con dos canciones propias: “No vale la pena” y “La vieja”. Con “No vale la pena”, en la primera semana de 1974 consiguió el puesto nº 1 en Madrid en “Los 40 principales”.
A mediados de ese año apareció su segundo disco, también con dos temas propios: “En el viejo bar” y “Adiós”. El primero se hizo muy popular en su provincia, y con el segundo demostró que recitando tenía algo especial. En los años siguientes, además de seguir cantando, compuso muchos temas para otros intérpretes, sobre todo rumbas. En 1978 Los Marismeños le grabaron “Quiéreme, María”, que se hizo popular.En 1980 musicó, junto a Juan Bautista, una letra de Lola Flores, “Fragua y martillo”. El tema apareció en el disco “Diferente Lola”.
El éxito definitivo como compositor lo logró en 1983, con los temas “Por la calle abajo”, “Yo no te puedo dar riqueza” y “Como un loco” (por Los Chunguitos), “Como un volcán” (por María Jiménez) y “Tu amor es mi locura”, “Toma tus cosas y vete” y “Pregúntame” (por Rumba Tres). Los Chunguitos han grabado en total 78 temas de Leonardo Dantes como autor o co-autor, entre ellos grandes éxitos como “Vagando por ahí” o “Carmen”. Este último fue versionado en 2004 por El Arrebato. Manolo Escobar, Ana Reverte, Sara Montiel, Marujita Díaz y Raffaella Carrá son otras de las figuras que han grabado canciones de Leonardo Dantes.
En 1997, en el disco “Duetos latinos” (en el que iban grandes voces de Hispanoamérica) fue incluido el tema “Como una roca”, interpretado por Leonardo Dantes junto a la ganadora del Festival de la OTI 1993, Ana Reverte. En 1999 comenzó la popularidad de Leonardo en televisión, en el programa de Canal+ “El día después”, donde interpretó muchas canciones dedicadas a futbolistas famosos. Y en 2000 se convirtió en uno de los personajes más populares de la pequeña pantalla, con dos canciones compuestas e interpretadas por él: “No cambié” (que cantó a dúo con Tamara/Ámbar/Yurena) y “El baile del pañuelo”. La original forma de bailar de Leonardo Dantes fue imitada (y continúa siéndolo) por multitud de humoristas y gran parte del público amante de los temas con ritmo y alegría.
En 2003 grabó otro de sus grandes éxitos: “Tiene nombres mil”. En 2006 se fue a vivir de nuevo a su pueblo natal, sin dejar por ello de componer y cantar. En 2007 estuvo contratado las dos temporadas que duró el programa de Santiago Segura “Sabías a lo que venías”.
En 2008 y 2010 quedó número 1 en el programa “La canción del verano” de Radio Comarca de Alburquerque, con sus temas “El acordeón” y “La canción del año” respectivamente. En 2012 es elegido, junto a King África y Fernando Esteso, para interpretar la canción “Pa los guiris” en el programa de Antena 3 “El hormiguero”, presentando Pablo Motos a estos artistas como “3 cracks de La canción del verano”. Además de sus múltiples apariciones en televisión como compositor, cantante y showman, Leonardo Dantes también ha trabajado en distintas ocasiones en la pequeña pantalla como actor.
En cine ha intervenido en las películas “Deadhunter: sevillian zombies”, “Plauto, recuerdo distorsionado de un tonto eventual” e “Isi Disi (Alto voltaje)”. Como compositor, más de 500 canciones suyas han sido editadas en disco hasta hoy, muchas de ellas interpretadas por él mismo.El acento en la E que llevaba su apellido artístico, decidió quitárselo en julio de 2011.
En 2014 se estrenó la película “Torrente 5”, en la que interviene. Ese mismo año apareció el disco más logrado de LEONARDO DANTES, A JOSÉ ALFREDO JIMÉNEZ, con el que consiguió que le llamaran “El Rey Español de las Rancheras”.
En 2015 apareció SIEMPRE JOVEN, que incluía los 10 temas de A JOSÉ ALFREDO JIMÉNEZ y 16 canciones más: Rancheras, Baladas, Tangos, Boleros y Coplas, los estilos musicales que más le gusta interpretar a LEONARDO DANTES. Con uno de estos temas, LAS FLORES Y TÚ, quedó de nuevo nº 1 en “La Canción del Verano” de Radio Comarca de Alburquerque.
El 3 de marzo de 2017 presentó en el Museo del Corcho de San Vicente de Alcántara su libro POEMAS Y CANCIONES, selección de 26 poemas y 26 letras de canciones compuestas por él.
El 27 de abril del mismo año presentó en Badajoz, en RUCAB (Residencia Universitaria de Caja Badajoz) su disco POETAS DE BADAJOZ, que se componía de 10 poemas de autores pacenses musicados por él.
El 19 de mayo de 2017 recibió de la Asociación Cultural “Badajoz Contigo” el RECONOCIMIENTO como MEJOR COMPOSITOR PACENSE, en un gran homenaje en el que participaron más de 20 artistas de la provincia interpretando canciones emblemáticas de Leonardo.
En 2018 apareció su disco BÉCQUER Y YO, con 20 RIMAS de su poeta preferido, 10 recitadas y 10 cantadas con música propia, sorprendiendo a quienes no conocían su faceta de rapsoda.
En 2019 aparece su disco ERRANTE, compuesto por una selección de sus mejores Poemas y Canciones.
En 2020 cambia su apellido artístico por la inicial de su segundo nombre, y como LEONARDO A. saca el disco NEVÓ SOBRE EL FUEGO. También en 2020 reedita BÉCQUER Y YO, titulándolo ahora LEONARDO A. RECITA Y CANTA A BÉCQUER.
Igualmente en 2020 aparecen los cds HOMENAJE A LEONARDO A. COMO COMPOSITOR Y POETA, en el que 18 cantantes solistas, 2 grupos y 26 rapsodas de la Asociación Cultural Badajoz Contigo rinden tributo a LEONARDO A. interpretando obras suyas destacadas y el homenajeado recita MI NOMBRE ES LEONARDO y canta HIMNO BADAJOZ CONTIGO, y TRIBUTO A LEONARDO A. COMO CANTANTE Y RAPSODA, promovido por el MUSEO DE LA COPLA FRANCISCO JIMÉNEZ, en el que 28 personas del mundo de la Cultura de distintos puntos de España homenajean también al artista interpretando obras suyas y él canta MADRE y recita QUIERO PEDIRTE ALGO.
Para cerrar 2020 aparece un cd recopilatorio con las mejores interpretaciones de LEONARDO A. como COMPOSITOR, POETA, CANTANTE Y RAPSODA.
En 2021 aparecen los cds LEONARDO A. CANTA A FRANCISCO JIMÉNEZ (en el que una de las canciones la interpreta a dúo con María Jesús y su acordeón) y CAMINANTE, que incluye versiones de dos de sus grandes éxitos como compositor: LAMENTO, compuesto junto a Casto Darío y popularizado por Los Gritos en 1970, y CARMEN, que como va indicado anteriormente, compuso junto a Juan Salazar y se convirtió en uno de los mayores éxitos de Los Chunguitos. La versión que LEONARDO A. ha hecho de este tema es una mezcla de rumba y reguetón.
En 2022 saca cuatro nuevos cds: RANCHERO, EN ESTREMEÑU TE CANTU, ESA MORENA y TANGOS, BALADAS, COPLAS Y RANCHERAS.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con La Jota Extremeña.
Stuart Alden Cook, más conocido como Stu Cook, nació en Oakland, California, Estados Unidos, el 25 de abril de 1945. Cantante y músico. Toca bajo, guitarra, y piano.
El sitio www.latercera.com publicó este artículo, firmado por Andrés del Real.
Stu Cook, bajista de Creedence Clearwater Revisited: "Es hora de poner este proyecto a dormir y seguir con otras cosas"
El fundador de Creedence Clearwater Revival, impulsor de la segunda encarnación del grupo, explica los motivos tras el fin de su proyecto, que se despide en marzo con una gira por el país que sufrió cambios de fechas y lugares. Además, recuerda su paso por Woodstock y el Festival de Viña y descarta cualquier tipo de acercamiento con John Fogerty.
Por Andrés del Real 4 FEBRERO 2020
El sitio web oficial de Creedence Clearwater Revisited, como ya es habitual hace un cuarto de siglo, exhibe un generoso listado de fechas en vivo para el grupo, un proyecto que nació en 1995 precisamente para llevar el legado y los múltiples éxitos de la leyenda del rock sureño a los escenarios de todo el mundo.
Y en medio de la extensa lista de ciudades, arenas y teatros de los cinco continentes, Chile aparece como protagonista, con tres conciertos programados originalmente para octubre pasado en Santiago y Viña del Mar que sufrieron diversos cambios a causa de "una inesperada agitación social", según se lee en un mensaje aclaratorio de la banda. Finalmente la visita se postergó para marzo e incluirá shows en la capital (Movistar Arena), el Gran Arena Monticello y Temuco. Tres recitales para cerrar la lista, los últimos en la historia del conjunto antes de un retiro de los escenarios que sus integrantes, aseguran, es irrevocable.
"Es una sensación agridulce, porque es algo feliz y triste al mismo tiempo. Vamos a echar de menos tocar pero no vamos a echar de menos viajar", explica a Culto el bajista Stu Cook (al centro en la foto), parte del cuarteto original que dio forma a Creedence Clearwater Revival entre 1967 y 1972, e impulsor -junto al baterista Doug "Cosmo" Clifford- de este segundo capítulo del grupo con el apellido Revisited, que se despide el próximo mes frente a uno de sus públicos más fieles.
"El concierto que más recuerdo es el de Viña del Mar", dice el músico sobre su paso por el Festival en 1999. "Fue hace muchos años y recibimos la 'gaviota plata'. Recuerdo ese show muy bien y tengo el video, de hecho. Pero hemos tocado en muchos otros lugares, como este casino fuera de la ciudad, en 'San Francisco Moscatal (sic)'", agrega, con improvisado español y buena memoria.
¿Ha sido extraño salir a tocar sabiendo que es el último show en cada ciudad que visitan?
No, cada noche salimos a hacer nuestro trabajo lo mejor posible así que no hemos pensado en nuestro último concierto. Siempre tenemos que preocuparnos de la noche que sigue y cada día es un nuevo día.
¿Es definitivamente la última gira? ¿No se van a arrepentir?
Sí, lo es, totalmente, por eso le pusimos The Final Revival Tour. Es triste que tengamos que decir adiós, pero han sido unos 25 años increíbles así que cada show tiene que ser saboreado, disfrutado y un aprendizaje. Y ahora tenemos que aprender a retirarnos. Tocamos en enero en Nueva Zelanda, después viene México y listo, se acabó. Hasta donde sé ya no hay más giras para nosotros, más allá de alguna fecha que pueda aparecer por ahí algún día. Pero no hay planes de volver a las giras.
¿Cuándo tomaron la decisión?
En diciembre pasado (de 2018). Sabíamos en 2018 que 2019 sería nuestro último año, pero no hay una razón concreta. Hemos estado haciendo esto por 25 años y nunca esperamos que duraría tanto tiempo, no teníamos idea de cuán popular se volvería esto finalmente, así que nunca tuvimos un plan. Este ha sido un proyecto increíble y ahora es momento de ponerlo a dormir y seguir con otras cosas en la vida. Con Doug ambos tenemos 74 años y tenemos otras cosas que queremos hacer en nuestras vidas, además de estar constantemente de gira. Es hora de cerrar la puerta y abrir otras.
Doug Clifford, con quien en abril cumplirán 75 años con sólo un día de diferencia, ha sido el fiel aliado de Cook en la base rítmica de las dos encarnaciones de Creedence: la original, que en sólo cinco años (1967-1972) se volvió un clásico instantáneo, llegó a Woodstock y musicalizó la Guerra de Vietnam. Y también con Revisited, que crearon en 1995 sin la aprobación de John Fogerty, el líder y la inconfundible voz del cuarteto, que sigue tocando en vivo de forma esporádica.
Cuando la conversación se desvía hacia el pasado y se centra en Fogerty -su hermano, el guitarrista Tom Fogerty, murió en 1990-, el tono de voz de Cook se vuelve más serio y sus respuestas más breves.
El año pasado vio finalmente la luz el audio completo de su presentación con Creedence en Woodstock. ¿Por qué tuvieron que pasar 50 años para esto?
Hubo muchas conversaciones detrás de escena. Yo no tuve mucho que ver ahí, fue la compañía discográfica la que se encargó de que esto saliera. Salió 50 años tarde, pero salió.
Este lanzamiento se leyó como un acercamiento entre ustedes y John Fogerty. ¿Fue así?
No fue tan así. No estamos involucrados y John Fogerty no podía bloquearlo tampoco. Esto fue entre Warner y Fanstasy Records, ellos negociaron los derechos y John Fogerty no podía bloquearlo.
¿No han vuelto a hablar con él?
No. Sólo porque haya salido el disco de Woodstock y nosotros nos retiremos no significa que estemos acercándonos a John Fogerty.
A continuación, celebramos su cumpleaños con Suzie Q, en el Festival de Viña, 1999.
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