Les Paul

 

Foto: Al Pereira/Michael Ochs Archives/Getty Images 

Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul, nació en Waukesha, Wisconsin, Estados Unidos, el 9 de junio de 1915, y murió en Nueva York, White Plains, Estados Unidos, el 13 de agosto de 2009. Guitarrista.  

El sitio www.biography.com publicó este recordatorio.  

Les Paul 

Les Paul fue músico y uno de los pioneros de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido. 

Actualizado: 30 de noviembre de 2021, 14:27 EST 

(1915-2009) 

¿Quién fue Les Paul? 

Les Paul diseñó una guitarra eléctrica de cuerpo sólido en 1941, pero para cuando Gibson la tuvo lista para su producción en 1952, Leo Fender ya había fabricado en masa la Fender Broadcaster cuatro años antes, adelantándose así a Paul en el reconocimiento popular por la invención. No obstante, la Les Paul se ganó una legión de seguidores, y su versatilidad y equilibrio la convirtieron en la guitarra favorita de muchos guitarristas de rock. 

Primeros años 

Les Paul nació como Lester William Polsfuss el 9 de junio de 1915 en Waukesha, Wisconsin. Según al menos un testimonio, la habilidad musical de Paul en sus inicios no era excepcional. "Tu hijo, Lester, nunca aprenderá música", escribió un profesor a su madre. Pero nadie pudo disuadirlo de intentarlo, y de niño aprendió a tocar la armónica, la guitarra y el banjo por su cuenta. 

En su adolescencia, Paul tocaba en grupos de música country por todo el Medio Oeste. También actuaba en directo en emisoras de radio de San Luis, donde se hacía llamar Rhubarb Red. 

Además del interés de Paul por tocar instrumentos, le apasionaba modificarlos. A los nueve años construyó su primera radio de cristal. A los diez, fabricó un soporte para armónica con una percha, y más tarde construyó su propia guitarra amplificada. 

No conforme con ser solo un músico de country, Paul desarrolló un interés por el jazz y, a mediados de la década de 1930, se mudó a Chicago y formó el Trío Les Paul. Formó su primer trío y aprendió jazz en el South Side de Chicago mientras tocaba música country durante el día en las emisoras de radio de la ciudad. Para la década de 1940, Paul se había consolidado en el mundo del jazz, grabando con estrellas como Nat King Cole, Rudy Vallee y Kate Smith. 

La nueva guitarra eléctrica 

En 1941, el perfeccionista Paul creía que podía mejorar la guitarra amplificada común. Para ello, le añadió cuerdas y dos pastillas a lo que era esencialmente una tabla de madera con un mástil de guitarra. Paul la llamó "el tronco" y, aunque recibió algunas críticas iniciales, principalmente por su aspecto, producía justo el tipo de sonido que su creador buscaba. 

"Podías salir a comer, volver y la nota seguiría sonando", describió más tarde. 

Fue la primera guitarra de cuerpo sólido y revolucionó la música de maneras increíbles. En la década de 1960, el mundo del rock la acogió con entusiasmo y la adoró. Para entonces, Paul se había asociado con el fabricante de guitarras Gibson, que lo contrató para diseñar una Les Paul. Paul se había acercado a Gibson en 1941, pero pasaron 10 años, y la presentación de la guitarra de cuerpo sólido de Leo Fender para Gibson, para que la compañía desarrollara lo que hoy se conoce como la Gibson Les Paul. 

Músicos como Keith Richards, Eric Clapton y Paul McCartney usaron esta guitarra. Desde su debut en 1952, la Gibson Les Paul ha sido una de las guitarras más populares y vendidas. 

La dedicación de Paul a la música era tal que en 1948 un accidente automovilístico le provocó una fractura en el codo derecho. Ante la perspectiva de que los médicos le colocaran el brazo en una posición que le impediría volver a moverlo, Paul, siempre pendiente de su carrera, pidió que se lo colocaran en un ligero ángulo para poder seguir tocando la guitarra. 

Artista discográfico revolucionario 

La influencia de Paul en el mundo de la música se extendió mucho más allá de la guitarra. Animado por Bing Crosby, con quien había actuado y grabado, Paul construyó un estudio de grabación en el garaje de su casa en Los Ángeles en 1945. 

Allí, Paul experimentó con diversas técnicas de grabación. Su gran éxito llegó en 1948 con la grabación de la canción "Lover", que utilizó varias pistas y le permitió introducir sus nuevas técnicas de grabación. Poco después, Paul ya creaba grabaciones de 24 pistas y producía éxitos como "How High the Moon" y "The World Is Waiting for Sunrise". 

Estatus de estrella 

Tras divorciarse de su primera esposa, Virginia Webb, Paul conoció a Colleen Summers, una cantante que había tocado con la banda de Gene Autry. Paul le cambió el nombre a Mary Ford y comenzó a grabar con ella. Se casaron en 1949 y, durante gran parte de la década de 1950, ambos tuvieron su propio programa de televisión, Les Paul and Mary Ford at Home. 

Además, la pareja cosechó más de tres docenas de éxitos juntos, todos ellos utilizando las técnicas de grabación que Paul había creado en su estudio. 

En sus últimos años, la reputación y la leyenda de Paul en la industria musical no hicieron más que crecer. Su último álbum grabado, American Made, World Played, se lanzó en 2005 y contó con la participación de artistas como Keith Richards, Jeff Beck, Sting y Eric Clapton. Paul ganó dos premios Grammy por este álbum. 

Entre sus numerosos galardones, Les Paul es la única persona que ha sido incluida tanto en el Salón de la Fama del Rock and Roll como en el Salón de la Fama de los Inventores Nacionales. 

Muerte 

Según la revista Rolling Stone, Paul falleció el 12 de agosto de 2009 a causa de complicaciones derivadas de una neumonía. Otras fuentes indican el 13 de agosto como la fecha de su muerte, pero su monumento conmemorativo en Waukesha, Wisconsin, señala el 12 de agosto como la fecha oficial. Paul fue sepultado en el cementerio Prairie Home junto a su madre. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con How High The Moon cantada por Mary Ford.  

Alida Bosshardt. Oficial del Ejército de Salvación. Justa entre las Naciones.

Alida Margaretha Bosshardt nació en Utrecht, Países Bajos, el 8 de junio de 1913, y murió en Ámsterdam, Países Bajos, el 25 de junio de 2007. Oficial del Ejército de Salvación. Justa entre las Naciones. 

El sitio de Facebook La Fraternidad Internacional de Cristianos y Judíos publicó este recordatorio. 

Héroes del Holocausto | Alida Bosshardt 

Alida Bosshardt, cristiana neerlandesa y miembro del Ejército de Salvación, dio refugio y cuidó a muchos niños judíos durante el Holocausto. 

Nacida en una familia cristiana en Utrecht, Países Bajos, Alida Bosshardt demostró ser independiente y de carácter fuerte desde muy joven. Siendo aún adolescente, se unió al Ejército de Salvación. 

Alida comenzó a cuidar a niños de familias desestructuradas en el barrio judío de Ámsterdam. Para 1941, cuatro de los niños a los que cuidaba eran las hermanas judías Terhorst: Hendrina, Helena, Dimphina y Roosje. Casi al mismo tiempo, los nazis comenzaron a perseguir a los judíos neerlandeses, ilegalizando al Ejército de Salvación y confiscando sus propiedades y fondos. Sin embargo, la casa que Alida dirigía continuó acogiendo niños, aunque como residencia privada. 

Muchas familias judías comenzaron a llevar a sus bebés con Alida, confiando en que ella encontraría lugares donde esconderlos. Alida lo hizo, incluso paseando a los pequeños por Ámsterdam en bicicleta. 

Sin embargo, poco después, los nazis clausuraron la casa de Alida. Llevándose consigo a tantos niños como pudo, Alida encontró un nuevo apartamento y continuó cuidando de sus amados hijos judíos. Durante la mudanza, les quitó las estrellas de David amarillas, obligatorias por los nazis, de la ropa de los niños, explicando: «Nosotros no hacemos este tipo de cosas». 

Después de que su nuevo hogar quedara casi destruido por una bomba perdida, Alida y los niños se mudaron. Cuando estas mudanzas se hicieron más frecuentes, ella buscaba escondites para los niños. 

Como tantos otros durante este oscuro capítulo de la historia, Alida fue traicionada y arrestada por los alemanes. Pero mientras estaba detenida en la sede de la Gestapo, escapó. Conscientes del peligro que corría, sus superiores le ordenaron que se escondiera. Ella obedeció, pero tan pronto como pasó la amenaza inmediata, esta heroína del Holocausto volvió a rescatar y cuidar de niños judíos. Lo hizo hasta el final de la guerra y mantuvo el contacto con los niños que había salvado durante décadas, incluso ya nonagenaria. En 2004, Yad Vashem reconoció a Alida Bosshardt como Justa entre las Naciones. 

Hilario Camacho

Hilario Camacho Velilla nació en Madrid, España, el 8 de junio de 1948, y murió en su ciudad, el 16 de agosto de 2006. Cantautor, guitarrista, arreglador y actor. 

El sitio www.lafonoteca.net publicó este recordatorio firmado por Rafa García-Purriños. 

Un señor bajito que cuando canta mide más de mil metros 

«Nací el 8 de junio de 1948 en el barrio madrileño de Chamberí. A los trece años tuve mis primeras gafas, a los catorce conseguí mi primera guitarra y a eso de los quince compuse mi primera canción, se llamaba ‘Pilar’ como una chica que me gustaba«. Así comienza el autorretrato escrito por Hilario Camacho para su página web. 

Hilario Camacho es uno de los personajes esenciales en la historia de la música española, particularmente en los años 70 y 80, un cantautor que se distingue de sus compañeros de generación, ya que, además del mensaje, del fondo, daba una gran importancia a la forma, a la música. Dotado de una magnifica voz, que cuidaba y educaba con mimo, era, además, un guitarrista notable y un músico inquieto, capaz de asimilar cualquier tipo de música que le llamase la atención, incorporándola en sus composiciones y arreglos y dotándola de una personalidad propia. Así, entre sus influencias podemos encontrar a cantautores americanos, desde Bob Dylan a James Taylor, junto a otros británicos, como Cat Stevens, pero también músicos como Carlos Santana. De esta forma, junto a las canciones acústicas y desnudas propias de los cantautores de su generación, podemos encontrar en sus composiciones ecos de música pop, rumba y flamenco, blues, funk, música latina, desde la salsa y el bolero a la samba o el jazz y, en sus letras, lo mismo poemas que elegía por su musicalidad y adaptaba libremente según las necesidades de la canción, que letras introspectivas, sobre el amor y el compromiso personal, y hasta canciones en las que la voz se limita a un “tarareo”, en las que no era sino un instrumento más. 

Sus comienzos en la música tienen lugar de una forma amateur, en sus años de universidad, donde comenzó sus estudios el año 1965. Allí comienza a poner música a poemas de Machado, Miguel Hernández, García Lorca o Nicolás Guillén, entre otros. 

Su primera aparición en un disco se produciría con “Ensayo Nº 2” (Edumsa, 1968), un recopilatorio editado por el pequeño sello universitario Edumsa, donde incluía dos versiones de poemas de Nicolás Guillén. Las dos canciones fueron, además, editadas como single por el mismo sello: “El Son del Desahucio / El Fusilamiento” (Edumsa, 1968). 

Por esa época, Hilario Camacho forma parte de una asociación musical denominada Canción del Pueblo, con Elisa Serna y Cachas, entre otros, una agrupación políticamente comprometida y decidida a dar un nuevo sentido a la canción de autor, que se estrena con un concierto celebrado el 22 de Noviembre de 1967 en el Instituto Ramiro de Maeztu. Este colectivo de cantautores, muy diferentes entre sí y con visiones muy distintas de la música, se iría disgregando poco a poco hasta que, sin un motivo aparente, se disuelve en el verano de 1968, momento en el que, los pocos músicos que iban quedando, entre los que se encuentra el propio Hilario Camacho, forman una nueva asociación: La Trágala, que viene a hacer lo mismo que venía haciendo Canción del Pueblo, ofrecer recitales, normalmente sin previo aviso, para que no pudieran ser prohibidos, en centros obreros, colegios mayores, facultades, o parroquias de barrio, de forma clandestina. 

Con una inequívoca postura de lucha contra la dictadura, y una ideología política que nunca ocultó, y que era más bien anárquica, partiendo de una idea del compromiso como algo personal, y enemigo de las etiquetas, le gustaba desligar lo artístico de lo político, como el mismo expresó en una entrevista, años después: «Siempre me rebelé contra esto del compromiso, contra lo de ir a algún sitio anticipado por el carné de no sé qué. Una opción que entraña riesgos: ahí están los momentos de soledad que he vivido«. 

Así, Hilario Camacho no se encuentra del todo cómodo en esa forma de entender la música y el compromiso, y comienza a componer otro tipo de canciones, menos políticas, aunque no por ello menos comprometidas: se ocupa de temas más cotidianos, del agobio del día a día, del compromiso personal y la mirada interior, aunque nunca dejará de lado su faceta de poner música a poemas. En un principio, además, Hilario no compone las letras de sus canciones, trabajando con distintos letristas, amigos como Francisco Escalada, Moncho Alpuente o Antonio Gómez. 

En 1971 entra a grabar el que sería su primer disco grande, titulado “A Pesar de Todo” (Compañía Fonográfica Española, 1972), y producido por el afamado Alain Milhaud, productor de éxito en los 70 con grupos como Los Bravos y los Canarios, entre otros. En él se encuentran canciones como “Ven aquí” o “Los cuatro luceros”, que, sobre todo esta última, le dieron una cierta repercusión. 

Al entrar a grabar el disco, Hilario Camacho se plantea entonces la música como profesión, buscando su propia manera de entender la canción de autor, cuidando el sonido y los arreglos de una forma especial, que le lleva a electrificar su música, y trabajar con distintos músicos, más allá del típico cantautor de voz y guitarra española o acústica, abriendo multitud de caminos y convirtiéndose en una gran influencia para cantautores y grupos, no sólo de su generación, sino también de los que vendrían detrás. 

Tras editar este disco, pasarían tres años hasta la publicación del siguiente, tiempo que Hilario Camacho aprovecha para dedicarse a escuchar y estudiar música, a componer canciones (empezará entonces ya a componer también algunas de las letras), así como a otras actividades, realizando sus primeras colaboraciones en el cine, componiendo parte de la música y apareciendo como actor en «Autopsia» (1973), de Juan Logar, y colaborando asimismo en “Manuela” (1975), de Gonzalo García Pelayo. 

Por fin, en 1975 se edita su segundo disco, “De Paso” (Movieplay, 1975), un gran disco en el que Hilario Camacho pone en práctica todos esos sonidos que había estado escuchando y aprendiendo, experimentando con la psicodelia, el pop, el folk anglosajón y hasta el rock progresivo, y en el que destaca, por su repercusión, una canción: “Volar es para los pájaros”, una de esas canciones que no faltan en cualquier recopilatorio de cantautores españoles o de las canciones que se escuchaban en la transición a la democracia. 

Su obra en los años 70 se completaría con otro gran trabajo, “La Estrella del Alba” (Movieplay, 1977), un disco en el que se abre a otros sonidos, más jazz y más latinos, como la salsa o la samba, y en el que es patente la influencia de músicos como Carlos Santana, y que alcanzó también cierta repercusión. 

Hilario Camacho, una persona tímida, nunca fue muy amigo de los focos y de la fama, por lo que, en las épocas de mayor éxito, éste nunca se llegaba a consolidar ya que se las arreglaba para desaparecer, y esta sería una de esas ocasiones. El resto de los años 70, pues, lo pasaría, de nuevo, aprendiendo y experimentando nuevos sonidos, viajando, creando canciones y participando en actividades diversas, como la composición para otros autores, como Pablo Guerrero o María del Mar Bonet, o la producción del disco de Joaquín Sabina, “Malas Compañías”, (CBS, 1980) en el que, además, compondría los arreglos y participaría tocando y cantando en muchas de las canciones. 

Hasta que, ya en 1981, publicaría uno de sus discos más famosos y celebrados, “La Mirada del Espejo” (Movieplay, 1981), en el que incide en las mismas influencias (jazz, salsa, blues), aunque con un mayor acercamiento a sonidos pop, y en el que se encuentran varias de sus canciones más conocidas, como “Final de viaje” o “Madrid amanece”. 

A este disco le seguiría otro de sus prolongados silencios, desapareciendo de la primera línea y aprovechando el tiempo, de nuevo, para trabajar con otros autores, componiendo para su amigo Moncho Alpuente, para Joaquín Sabina, y participando en un disco de José Antonio Labordeta, “Aguantando el Temporal” (Movieplay,1985), y apareciendo en la película “Lola” (1985), de Bigas Luna. 

En esta época continúa su colaboración con Joaquín Sabina, componiendo canciones como “Whisky sin soda”, “Negra noche” o “Taxi”, estas dos últimas incluidas en su siguiente disco, “Subir, Subir” (Movieplay, 1986), que da un paso más en una línea más popera, y en una temática más urbana. 

Este mismo año alcanzaría su mayor momento de popularidad, de la mano del tema ‘Tristeza de amor’, compuesto para la serie de televisión española del mismo título, que protagonizaban Alfredo Landa y Concha Cuetos. Dicha canción se incluye en el disco “Gran Ciudad” (Twins, 1998) junto con otras como “Un extraño en Madrid”. 

De cualquier forma, el final de los años 80 no es buen momento para cantautores, que han sido sustituidos en las listas por los grupos de pop. Es la llamada Edad de Oro del Pop Español, en la que Hilario Camacho continúa componiendo para artistas como Martirio, Luz Casal o Cómplices, y realizando encargos para televisión, como la recordada “Soy un gnomo”, sintonía de la serie de dibujos animados David el Gnomo. 

Los años 90 comenzaron con la publicación de un disco, “El Mercader del Tiempo” (Pasión, 1990), donde recogía el trabajo de los cuatro años que había pasado sin publicar, y desaparece una larga temporada del mercado discográfico, salvo recopilatorios como “Lo Esencial” (Movieplay, 1991) o reediciones como “Tristeza de Amor” (Movieplay, 1994), que recogía en compacto su disco “Gran Ciudad”, con algún tema nuevo y una nueva portada, además del cambio de título. También seguiría dando conciertos con regularidad, y componiendo para otros artistas, hasta que, a finales de esta década, al calor de la resurrección del interés por los cantautores que se produjo en España, firma un contrato con Warner y edita un sensacional recopilatorio en directo acústico, en el que ofrecía nuevas versiones de sus temas clásicos, y un par de canciones nuevas, con el título de “En Concierto” (Warner, 1997). 

A este disco le sigue “Lunático Veneno” (Warner, 1998), que marca el fin de su etapa con Warner, y que tuvo una repercusión mucho menor, a pesar ser un buen disco y de la colaboración de músicos como Los Secretos. 

A partir de entonces, Hilario Camacho pasa una época dando conciertos y componiendo para bandas sonoras de obras de teatro, entre otras cosas, y hasta el año 2003 no entra de nuevo a grabar un nuevo disco, “No Cambies por Nada” (Kainos, 2003), en el que colabora Kiko Veneno y que, por desgracia, contó con una distribución escasa y una repercusión casi nula. 

El 16 de agosto de 2006, cuando tenía 58 años y estaba a punto de salir a la calle su disco, “Una Mirada Diferente” (Factoría Autor, 2006), Hilario Camacho fue hallado muerto en su casa. Dejó, decían las noticias, una carta en la que denunciaba que el mundo de la música está lleno de estafadores. Sus compañeros y amigos le despidieron, poco después, con un homenaje que, con el título de “¡Va por ti, Hilario!”, se celebró en el teatro Lope de Vega de Madrid el 23 de octubre de 2006, que era la fecha prevista para la presentación del citado disco. 

Nos dejaba uno de los músicos y cantautores con mayor talento e influencia de todos cuantos han publicado discos en España, una persona y un músico dotado de una sensibilidad especial, que era, como él mismo dijo «un señor bajito que cuando canta mide más de mil metros«. Y así será siempre. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Tristeza de amor.  

Shalom – Raíces judías en Valencia ayer y hoy

Shalom – Raíces judías en Valencia ayer y hoy  

La comunidad judía de Valencia dejó una profunda huella desde la Edad Media, marcada por persecuciones y expulsión. Hoy, su legado sefardí sigue vivo en la memoria histórica, la cultura y la actual vida comunitaria valenciana. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/raices-judias-valencia-ayer-hoy/17104355/

Juan Luis Guerra

Juan Luis Guerra Seijas nació en Santo Domingo, República Dominicana, el 7 de junio de 1957. Cantautor, guitarrista, arreglador, productor musical y empresario. 

El sitio www.juanluisguerra.com publicó su biografía. 

Juan Luis Guerra 

Juan Luis Guerra, músico, cantautor, productor y uno de los artistas dominicanos más reconocidos y premiados alrededor del mundo. 

Desde temprana edad mostró un especial interés por la música y por la guitarra. Reafirmada su vocación decide estudiar en el Conservatorio Nacional de Música de Santo Domingo y luego irse a Berklee College of Music en Boston, universidad que le otorgó un Doctorado Honoris Causa años más tarde. También realizó estudios de filosofía y letras en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. 

Finalizados sus estudios, regresa a la República Dominicana, en donde graba su primer álbum, “Soplando” (1984) con un grupo de músicos y vocalistas locales que más tarde se conocería como Juan Luis Guerra y 440. Juan Luis describe su primera producción como “una fusión de merengue tradicional con jazz unido a una vocalización al estilo del grupo vocal estadounidense Manhattan Transfer.” Los cantantes de aquel grupo naciente fueron Maridalia Hernández, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazán, quien se mantiene actualmente como parte de la agrupación musical. 

En 1989 produce su álbum “Ojalá que Llueva Café”, una creación de contenido social y romántico que representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, al obtener ventas de relevancia y colocarse en el primer puesto de muchos países de América Latina, siendo los temas más promocionados el que da título al disco, además de “Visa para un Sueño” y la canción folklórica venezolana “Woman del Callao.” 

El 11 de diciembre de 1990 presentó su siguiente álbum, “Bachata Rosa,” su primero editado en CD, reconocido como el más exitoso de su carrera desde el punto de vista comercial, vendiendo hasta ese entonces más de nueve millones de copias, lo que le mereció a Juan Luis su primer GRAMMY. En este álbum encumbrado en la historia de la canción y ritmo populares, Guerra dio a conocer al resto del mundo el ritmo de la bachata, cuya difusión hasta entonces estaba limitada a ciertos espacios del territorio dominicano. 

Areíto (1992) su siguiente producción, contiene temas que como “El Costo de la Vida” manifiesta las pobres condiciones de vida de muchos dominicanos y latinoamericanos tocando su sensibilidad y generando una creciente identificación con sus canciones. En dicho álbum, Guerra, además de temas contestatarios - como “Si de Aquí Saliera Petróleo” (con la participación del panameño Rubén Blades)- experimenta con músicos de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para producir el sentimental tema “Cuando Te Beso” en dos versiones. 

Su siguiente álbum, “Fogaraté” (1994), tuvo como punta de lanza el tema “La Cosquillita”, rescatando el merengue rápido folklórico conocido en República Dominicana como “perico ripiao”. Además, fusionó el merengue con el soukous de Sudáfrica en temas como “Fogaraté” y “El beso de la ciguatera”, compartiendo en el álbum con el guitarrista del Congo, Diblo Dibalá. 

En 1995 sale a la venta la compilación “Grandes Éxitos”, generando más de siete millones de ventas alrededor del mundo. 

Después de cuatro años de silencio discográfico, Guerra presenta el disco “Ni Es Lo Mismo Ni Es Igual” (1998) con el cual obtuvo en el año 2000 tres premios en la primera emisión del Latin GRAMMY. Con este álbum Juan Luis colocó consecutivamente los temas “Mi PC” y “Palomita Blanca” en el lugar #1 de la lista Hot Latin Tracks de Billboard. No obstante, fue “El Niágara en Bicicleta” el tema más popular del mismo. 

El 31 de agosto de 2004, Guerra lanzó su primer álbum en seis años bajo el título “Para ti”, único álbum de corte totalmente cristiano. Con este, el artista ganó dos Premios Billboard 2005, en las categorías de Gospel- Pop y Merengue Tropical, por el éxito “Las Avispas”, logrando por primera vez que una canción gane estas dos categorías. 

En enero de 2006, Juan Luis Guerra se presentó en el 60 aniversario de Berklee, junto con otros artistas como Paul Simon, Herbie Hancock, Michel Camilo y Chiara Civello. 

Este mismo año fue invitado por Sting a cantar con él en su concierto de Altos de Chavón, La Romana en la República Dominicana. 

2007 fue un año de gran relevancia para la trayectoria de su carrera. Edita el álbum “La Llave De Mi Corazón”, posiblemente el más reconocido luego de “Bachata Rosa” el cual lleva a Guerra a ganar más de 20 premios, incluyendo un GRAMMY, cinco Latin GRAMMY, seis premios Casandra, cuatro premios Billboard y dos Premio Lo Nuestro que le otorgó el premio a la Trayectoria Artística, entre otros. 

Un punto relevante en este momento fue el reconocimiento de La Academia Latina de La Grabación nombrándolo Persona del Año, por su valuable contribución a la música Latina y su excelente trayectoria musical. 

El 16 de marzo de 2008, participa en el concierto “Paz Sin Fronteras” organizado por Juanes en la frontera colombiana de la mano de artistas como Alejandro Sanz, Ricardo Montaner, Carlos Vives, Miguel Bosé, entre otros. 

El 11 de abril de 2008, Juan Luis Guerra fue el gran ganador de los Premios Billboard con siete nominaciones y tres premios. El 15 de septiembre 2008 Guerra fue nombrado “Artista de la UNESCO para la Paz”. 

El 14 de febrero de 2009, llega por nueva vez al Estadio Olímpico “Félix Sánchez” de Santo Domingo, el estadio más grande del país donde realizó un concierto completamente agotado para más de 60.000 personas. 

El 9 de mayo de 2009 recibe un doctorado honorífico de Berklee College of Music por sus logros, influencias en la música y sus contribuciones a la cultura dominicana. Fue agasajado junto a Smokey Robinson, Linda Rondstandt y George Massenberg. 

El 18 de abril del 2010, Juan Luis Guerra organizó el concierto benéfico “Un Canto de Esperanza por Haití” con motivo del terremoto que devastó dicho país, logrando reunir en un mismo escenario a Alejandro Sanz, Juanes, Enrique Iglesias, Luis Fonsi, Jhonny Ventura, Milly Quezada y Maridalia Hernández. El propósito de este evento fue la construcción de un hospital infantil, el cual será entregado a principios de 2015. Dicho concierto fue coordinado por la Fundación Sur Futuro entidad encargada de manejar los fondos y la supervisión de la construcción de la obra. 

El 8 de junio de 2010, lanza al mercado el álbum “A son de Guerra”. El disco contiene éxitos como “La Guagua,” “La Calle” junto a Juanes, y “Bachata en Fukuoka,” primer sencillo de esta nueva producción, el cual se colocó en la posición #1 en las listas Hot Latin Tracks, Tropical Songs y Latin Pop Airplay Songs de Billboard. 

Esta producción lo lleva a una exitosa gira por el mundo, la cual incluyó su paso por Australia, África y gran parte de Europa, destacándose por su presentación “sold out” en el legendario Royal Albert Hall en Londres, Inglaterra, considerado uno de los teatros más emblemáticos del mundo. 

En enero de 2012, se estrena en YouTube el video de su nuevo sencillo “En El Cielo No Hay Hospital”, de contenido cristiano. Dicha canción pertenecía a la nueva producción musical del dominicano “Colección Cristiana.” 

Este mismo año produce para Juanes el disco “Juanes MTV Unplugged” obteniendo un GRAMMY como productor de dicho álbum. 

Para el 16 de abril del 2013 lanza su primer disco doble en vivo “A Son de Guerra Tour” DVD y CD, extraído del concierto del mismo nombre realizado en Santo Domingo, República Dominicana, ante más de 50,000 personas, debutando en la primera posición de ventas digitales en más de 16 países de manera simultánea. 

Su primer sencillo extraído, “Frío Frío”, cuenta con la participación de Romeo Santos, convirtiéndose automáticamente en un éxito radial en los principales mercados latinos. El éxito de este DVD regresa a Juan Luis Guerra 4.40 a los escenarios del mundo, entre ellos nuevamente por República Dominicana en Punta Cana, con un exitoso concierto a casa llena, compartiendo escenario con Alejandro Sanz. 

A través de su exitosa carrera ha colaborado con artistas como Tony Bennet, Alejandro Sanz, Luis Fonsi, Milly Quezada, Enrique Iglesias, Emmanuel, Juanes, Miguel Bosé, Maná, Diego Torres, Ricardo Montaner, Nelly Furtado, entre otros. 

En el 2014, precedido por el lanzamiento de su primer sencillo “Tus Besos,” lanza su más reciente producción musical: Todo Tiene Su Hora, recibiendo una acogida excepcional tanto por sus fanáticos en todo el mundo, como por la prensa especializada. De esta producción ya se han escuchado con insistencia los temas “Tus Besos,” “Todo Tiene Su Hora” y “Muchachita Linda.” 

Resaltan en este disco, temas como “Cookies & Cream” de contenido social a ritmo de merengue, “Para Que Sepas” un hermoso y novedoso son y “De Moca a París” tema que cuenta con la leyenda del merengue Johnny Ventura. 

Con el éxito del primer sencillo “Tus Besos” inicia la gira “Todo Tiene Su Hora Tour” con una extraordinaria recepción en su primera parte europea, dejando el letrero Sold Out en ciudades como París, Madrid, Barcelona, Las Canarias y otras localidades, presentándose ante más de 60 mil personas en las principales ciudades europeas. Lo mismo se repite en Miami, Puerto Rico y New York, con localidades vendidas a toda capacidad, repitiendo la hazaña en Panamá, Costa Rica y El Salvador. El 5 de noviembre del 2017, cierra oficialmente la gira “Todo Tiene Su Hora Tour”, con un monumental recibimiento del público dominicano en el Festival Presidente, ante más de 50,000 personas. 

Todo Tiene Su Hora, recibió otros reconocimientos, como lo son Disco de Oro, Platino y Diamante en Colombia, Costa Rica, Perú, luego de ventas superiores a las 400 mil copias. 

En el mes de noviembre “Todo Tiene Su Hora” vuelve a ser noticia, recibiendo 4 nominaciones al Latin GRAMMY, de las cuales se alza con 3 de ellas: Mejor Canción Tropical por “Tus Besos”, Mejor álbum Tropical por “Todo Tiene Su Hora” y el máximo galardón “Mejor Álbum del Año,” por “Todo Tiene Su Hora.” 

En Tenerife, España, el sábado 9 de marzo, Juan Luis Guerra es recibido con rebosante alegría y cariño, logrando romper todos los récords de asistencia en el Festival de Tenerife, convocando a más de 400,000 personas en el cierre del legendario festival. 

Para el año 2019 edita su novedosa producción “Literal”, trayendo nuevos sonidos a la bachata con su contagioso éxito “Kitipun”. Del mismo se desprenden hermosas canciones como “Corazón Enamorado” y “Me Preguntas” seguidas de las contagiosas y rítmicas “Lámpara Pa’ Mis Pies” y “I Love You More”. 

En diciembre del 2020, en medio de una pandemia mundial sale a la luz su producción “Privé”. Un trabajo íntimo donde repasa algunos de sus éxitos en tiempos de jazz y formato reducido. De aquí se desprenden dos hermosas nuevas canciones: “Donde Nacen Tus Besos” y “Pambiche de Novia”. 

En el 2021 llega su más reciente trabajo “Entre Mar y Palmeras” un exquisito documento audiovisual filmado completamente en vivo, en la maravillosa playa de Miches, en la zona del este profundo de República Dominicana, dirigido por su hijo Jean Guerra para la cadena HBO Max. “Entre Mar y Palmeras” es un repaso de sus mayores éxitos, con el poderoso sonido de su banda 4.40, teniendo como escenario la orilla del mar. De este se desprende el disco homónimo, el cual ha generado un gran revuelo en las plataformas digitales. 

La creatividad y variedad musical del trabajo de Juan Luis Guerra lo ha colocado como el artista dominicano más universal. Ha llevado con su palabra, su música y su vida la promoción de los más altos valores de la dominicanidad. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Todo Tiene Su Hora.  

NAGRELA editores presenta: Juicio a Israel / Roy Altman

 

Jane Haining. Misionera y Justa entre las Naciones.

Jane Mathison Haining nació en Dunscore, Escocia, Reino Unido, el 6 de junio de 1897, y murió en el Campo de Concentración de Auschwitz II-Birkenau, Polonia, el 17 de julio de 1944. Misionera y Justa entre las Naciones. 

El sitio www.undiscoveredscotland.co.uk publicó este recordatorio. 

Jane Haining 

Dumfries 

Jane Haining vivió del 6 de junio de 1897 al 17 de julio de 1944. Fue misionera de la Iglesia de Escocia en Budapest y falleció en Auschwitz. El contexto general de Escocia en aquella época se detalla en nuestra Cronología Histórica. 

Jane Haining nació en la granja Lochenhead, en Dunscore, a ocho millas al noroeste de Dumfries. Fue la quinta hija de un agricultor y se crio en un hogar profundamente religioso, como miembro de la iglesia evangélica Craig en Dunscore. En 1909 obtuvo una beca para la Academia de Dumfries y posteriormente asistió a la escuela de comercio Athenaeum de Glasgow, antes de trabajar durante diez años como secretaria en J & P Coates, fabricantes de algodón, en Paisley. Fuera del trabajo, dedicó su vida a su iglesia local, la Iglesia Libre Unida Queen's Park West en Pollokshields. 

Una charla impartida en su iglesia de Pollokshields sobre la labor misionera entre las comunidades judías de Europa del Este impulsó a Jane a ofrecerse como voluntaria. En 1932, se convirtió en directora del hogar de niñas de la Escuela Misionera Judía de Budapest, Hungría, cuyas alumnas eran principalmente judías. Jane estaba de vacaciones en Cornualles cuando estalló la Segunda Guerra Mundial e inmediatamente regresó a Budapest para estar con las niñas a su cargo. En 1940, se le ordenó regresar a Escocia, pero se negó y continuó su labor en Budapest. Tras la invasión alemana de Hungría en marzo de 1944, volvió a negarse a abandonar el país. 

Jane Haining fue arrestada por la Gestapo en abril de 1944 y acusada de trabajar entre judíos y escuchar la BBC, cargos que admitió libremente. Al mes siguiente llegó al campo de concentración de Auschwitz, donde la tatuaron con el número de prisionera 79467. Murió el 17 de julio de 1944, posiblemente en una cámara de gas, convirtiéndose en una de las aproximadamente diez personas escocesas asesinadas en los campos de exterminio. 

Jane Haining es recordada por dos vidrieras en la iglesia de Queen's Park, Glasgow; por placas en la iglesia de Dunscore y en la misión escocesa de Budapest; y como la única escocesa honrada en Yad Vashem, en Jerusalén (la Autoridad para el Recuerdo de los Mártires y Héroes del Holocausto), como "Justa entre las Naciones". 

Esta biografía se basa en una investigación publicada originalmente en "El diccionario biográfico de mujeres escocesas". 

Tony Levin

Anthony Frederick Levin, más conocido como Tony Levin, nació en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 6 de junio de 1946. Cantante, compositor y productor. Es multi instrumentista, toca bajo, Chapman Stick, contabajo, violonchelo, tuba y sintetizador.  

El sitio www.tonylevin.com publicó su biografía. 

El bajista Tony Levin mantiene este sitio web desde 1996, ofreciendo una visión entre bastidores de la vida en la carretera y mostrando sus fotografías del escenario y de las giras. 

Sus álbumes y giras más destacados como bajista han sido con: Peter Gabriel, King Crimson, John Lennon, Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper, Buddy Rich, Peter Frampton, Gotye, Carly Simon, Judy Collins, Paula Cole, Chuck Mangione, Steven Wilson, James Taylor, Anderson Bruford Wakeman Howe. 

Álbumes en solitario: World Diary, Waters of Eden, Resonator, Pieces of the Sun, Stick Man. 

Grupos de colaboración: Bruford Levin Extremidades Superiores, Bozzio Levin Stevens, Experimento de Tensión Líquida, Levin Torn White, Levin Minneman Rudess, Hermanos Levin. 

Levin es actualmente miembro de las bandas King Crimson, Peter Gabriel Band, Stick Men y Levin Brothers. 

Libros publicados: Beyond the Bass Clef, Road Photos, Crimson Chronicles vol. 1 y (próximamente) Fragile as a Song. 

Nacido en Boston el 6 de junio de 1946, Levin creció en el suburbio de Brookline y comenzó a tocar el contrabajo a los 10 años. En la escuela secundaria aprendió a tocar la tuba, actuando como solista con la banda de conciertos, y formó un cuarteto de barbería. Sin embargo, se dedicó principalmente a la música clásica, asistiendo a la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde tuvo la oportunidad de tocar con Igor Stravinsky y en la Orquesta Filarmónica de Rochester. En la misma escuela también se encontraba el baterista Steve Gadd, quien le presentó a Tony el jazz y el rock, lo que lo llevó a cambiar su contrabajo por un bajo Fender, mudarse más tarde a Nueva York, unirse a la efímera banda Aha, the Attack of the Green Slime Beast, y convertirse en músico de estudio. 

Tras haber participado en numerosos álbumes en los años 70, Levin aprovechó la oportunidad de salir de gira con Peter Gabriel en 1977, cambiando a bajos Music Man, que aún prefiere, y aprendiendo a tocar el Chapman Stick, instrumento que utilizó extensamente en King Crimson a partir de 1981, lo que le llevó a formar la banda Stick Men. 

En 1984, Tony publicó Road Photos, una colección de fotografías en blanco y negro tomadas durante sus giras con King Crimson, Gabriel y otros músicos. Poco después, publicó el libro Beyond the Bass Clef, con historias y ensayos sobre el bajo. Otro libro de fotografías, Crimson Chronicles, volumen 1, de los años 80, contiene una extensa colección de sus fotos en blanco y negro sobre la vida en la carretera con la banda. 

2016 es otro año repleto de producción creativa y conciertos para Levin. Stick Men ha estado de gira por Estados Unidos y tocará en Europa en otoño. La gira de Peter Gabriel y Sting en verano será memorable. Junto a Adrian Belew y Pat Mastelotto, Tony organizará el campamento musical anual Three of a Perfect Trio en las montañas Catskill del estado de Nueva York. King Crimson estará de gira por Europa a partir de septiembre. Se lanzará un nuevo álbum de Levin, Minneminn Rudess, así como el álbum "Prog Noir" de Stick Men. Y en junio, se publicará un libro con las letras y la poesía de Levin, titulado Fragile as a Song. 

2021. Tras los drásticos cambios del año pasado, hubo menos giras, pero en verano Liquid Tension Experiment compuso y grabó un nuevo álbum, que se lanzará en la primavera de 2021. Tony también completó un extenso libro con sus fotografías de giras a lo largo de los años, titulado «Imágenes de una vida en la carretera». Las giras de este año están programadas, pero aún se consideran provisionales. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Elephant Talk.  

Luba Tryszynska-Frederick. El Ángel de Belsen.

 

Luba Tryszynska-Frederick nació en Zastawie, cerca de Brest-Litovsk, Bielorrusia, el 5 de junio de 1918, y murió en Estados Unidos, en 2009. El Ángel de Belsen. 

El sitio www.jewishdispatch.com publicó este artículo firmado por Rami ben Ze'ev. 

Luba Tryszynska-Frederick: La madre que abrió la puerta en Bergen-Belsen 

Por Rami ben Ze'ev 

Luba Tryszynska-Frederick fue una de esas figuras cuya grandeza no surgió del poder, la posición o el reconocimiento, sino de una decisión tomada en medio de una oscuridad inimaginable. Su historia es extraordinaria precisamente porque no era soldado, política ni comandante. Era una madre judía cuyo propio hijo había sido asesinado, y aun así eligió proteger a los hijos de los demás. 

Nació en Polonia en 1918 en el seno de una familia judía, en una época en que la vida judía en Europa del Este era vibrante, pero se veía cada vez más amenazada por el creciente antisemitismo. Para cuando Alemania invadió Polonia en 1939, el sistema nazi de guetos, deportaciones, trabajos forzados y exterminio ya comenzaba a aniquilar comunidades enteras. 

Luba llegó finalmente a Auschwitz con su esposo Hersch y su pequeño hijo Isaac. La separación de madres e hijos en Auschwitz fue inmediata y brutal. Los niños pequeños solían ser asesinados poco después de su llegada porque los nazis los consideraban "no aptos para el trabajo". Cuando le arrebataron a Isaac, Luba casi con toda seguridad comprendió, aunque no de inmediato, lo que eso significaba. 

Muchos supervivientes describieron posteriormente aquel momento —la pérdida de un niño en la rampa— como el instante en que su vida anterior terminó por completo. 

Lo que hace que la historia de Luba sea extraordinaria es lo que sucedió después. 

En Bergen-Belsen, las condiciones eran catastróficas. A diferencia de Auschwitz, Bergen-Belsen no fue diseñado originalmente como un campo de exterminio con cámaras de gas, pero para 1944-1945 se había convertido en un lugar de muerte masiva por inanición, tifus, hacinamiento, exposición a la intemperie y abandono. Los cadáveres a menudo permanecían sin sepultura. La comida era prácticamente inexistente. Las enfermedades se propagaban constantemente. 

En tales condiciones, cuidar incluso de uno mismo era difícil. Cuidar de decenas de niños era casi imposible. 

Sin embargo, Luba hizo exactamente eso. 

Los niños holandeses a los que protegió formaban parte de un grupo singular. Muchos provenían de familias judías vinculadas a la industria diamantífera holandesa. Algunos de estos judíos habían recibido inicialmente un trato ligeramente diferente, ya que Alemania valoraba económicamente a los trabajadores del diamante. Pero hacia el final de la guerra, incluso esas distinciones se desvanecieron, y los niños quedaron vulnerables y abandonados a merced de la maquinaria de la deportación y la muerte. 

Lo extraordinario de las acciones de Luba no es simplemente que les diera de comer. 

Ella creó orden, seguridad emocional y presencia maternal en medio del caos. 

Los niños en los campos de concentración a menudo morían no solo de hambre, sino también de terror, exposición a la intemperie, confusión y desesperación. Una voz adulta tranquila, instrucciones, higiene personal, comida compartida, silencio forzado y cercanía física podían significar, literalmente, la supervivencia. 

Cuando les pidió a los niños que guardaran silencio, no lo hizo con dureza. Comprendía la psicología de la supervivencia dentro de los campos. El ruido podía atraer a los guardias. El pánico podía propagarse al instante. El miedo podía ser mortal. 

Su maternidad se convirtió en algo comunitario más que biológico. 

Este es uno de los aspectos más profundos de su historia. 

Tras el Holocausto, muchos supervivientes hablaron de la destrucción no solo de los cuerpos, sino también de la estructura familiar misma. Los padres perdieron a sus hijos. Los hijos perdieron a sus padres. Linajes enteros desaparecieron. En el caso de Luba, el instinto maternal sobrevivió incluso después del asesinato de su propio hijo. 

“Les di mi amor porque había perdido a mi propio hijo” es una de las declaraciones más desgarradoras y profundas que han surgido del testimonio de los supervivientes del Holocausto. 

Ella no renunció a su identidad ante el dolor. 

Ella lo reorientó hacia la vida. 

Por eso, los niños supervivientes la llamaron más tarde el "Ángel de Belsen". No porque fuera irreal o santa en un sentido mitológico, sino porque en un lugar diseñado deliberadamente para erradicar la compasión humana, se comportó como un ser humano. 

El reencuentro en Ámsterdam en 1995 fue especialmente emotivo porque muchos supervivientes del Holocausto pasaron décadas creyendo que estaban solos. Muchos no hablaron públicamente de sus experiencias hasta muy avanzada edad. El trauma silenció a un gran número de supervivientes. 

Para aquellos niños —que ya eran ancianos—, volver para agradecerle a Luba no era simplemente un acto de gratitud. Era una declaración de que sus acciones habían tenido repercusión a través de las generaciones. 

Cada niño que salvó se convirtió potencialmente en un linaje familiar restaurado. 

Niños. 

Nietos. 

Bisnietos. 

Futuros enteros que los nazis pretendían borrar. 

En el pensamiento judío, esto tiene una enorme importancia. La enseñanza de la Mishná en el Sanedrín que dice que «quien salva una vida, es como si salvara al mundo entero» se cita a menudo, pero historias como la de Luba revelan su verdadero significado. Ella no solo preservó la supervivencia biológica, sino también la continuidad. 

Su historia también nos recuerda que el heroísmo durante el Holocausto fue a menudo silencioso, oculto y maternal, más que militar. Algunos lucharon con armas. Otros lucharon compartiendo trozos de pan, escondiendo a los niños, curando heridas, consolando a los aterrorizados o abriendo la puerta de un barracón cuando habría sido más seguro cerrarla. 

Luba falleció en Estados Unidos en 2009 a la edad de 91 años. Los nazis asesinaron a su hijo e intentaron borrar del mapa a innumerables niños judíos, pero gracias a que ella eligió la compasión en lugar de la desesperación, decenas sobrevivieron y generaciones enteras siguieron su ejemplo. 

Luba Tryszynska-Frederick pertenece al grupo de personas cuya resistencia consistió en negarse a permitir que la humanidad misma desapareciera. 

Kenny G

Kenneth Bruce Gorelick, más conocido como Kenny G, nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 5 de junio de 1956. Saxofonista, compositor y productor. 

El sitio www.kennyg.com publicó este recordatorio. 

Kenny G 

Kenny G es el músico instrumental con mayores ventas de la era moderna y uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos. Con ventas globales que superan los 75 millones de discos y 1.500 millones de reproducciones, este ícono del saxofón ha acumulado la asombrosa cifra de 24 nominaciones a premios a lo largo de sus 50 años de carrera y ha ganado un premio Grammy, un American Music Award, dos premios NAACP, múltiples premios Billboard y dos premios Soul Train Music Awards. Con álbumes de estudio clásicos y superventas, incluyendo el disco instrumental más vendido de todos los tiempos con Breathless (12 veces platino) de 1992, Duotones, Silhouette, Miracles: The Holiday Album, Heart and Soul y Brazilian Nights, Kenny ha mantenido un nivel destacado de excelencia creativa a través de décadas de éxito comercial mundial sin precedentes. La música de Kenny G se ha convertido en parte del tejido cultural global. Su canción “Going Home” se reproduce tradicionalmente al final de cada día para indicar la hora de cierre en toda Asia, especialmente en China, y goza de una enorme popularidad en Vietnam. La clave de estos logros reside en la capacidad de Kenny para transmitir una profunda resonancia emocional con su saxofón, una habilidad que se hace más evidente que nunca en Innocence, su vigésimo álbum de estudio, un homenaje a las sentidas canciones de cuna que incluye siete temas originales. Sin dar señales de detenerse, Kenny G continúa expandiendo los límites de lo que la música instrumental y los músicos pueden lograr. 

La relevancia de Kenny en la cultura pop ha trascendido el género del jazz. Recientemente, hizo un cameo en la película de Disney+ de 2025, A Very Jonas Christmas Movie, apareciendo como él mismo, interpretando un solo de saxofón durante "Coming Home This Christmas". En los últimos años, Kenny se ha volcado en internet con entusiasmo, ya que nuevas generaciones de oyentes han descubierto su música y artistas contemporáneos de casi todos los géneros, desde The Weeknd hasta Jon Batiste, lo han incluido en sus canciones, en videos musicales e incluso hizo una aparición sorpresa en los últimos MTV Video Music Awards, abriendo el espectáculo con una actuación en vivo con Doja Cat en su sencillo "Jealous Type". Otras campañas mundiales destacadas incluyen comerciales para Invesco, Google Pixel, Snickers, Audi y un anuncio del Super Bowl para "Voice of the Mountains" de Busch Light, enfatizando el sabor "suave" de la marca con Kenny tocando solo en la cima de una montaña.  

“Sé cómo componer una melodía y puedo ponerme en el estado mental adecuado para crear lo que quiero crear.” 

— Kenny G 

Kenny publicó sus esperadas memorias, Life in the Key of G, y se convirtió en el protagonista del documental de HBO de Penny Lane, Listening To Kenny G. El libro es conmovedor, divertido y fascinante, y narra cómo el delgado Kenneth Gorelick, el chico al que le pedían dinero para el almuerzo en una escuela secundaria de Seattle, se convirtió en uno de los virtuosos más célebres y venerados de la industria musical. Revela cómo ha logrado superar las dificultades, ignorar a los críticos y vivir una vida llena de felicidad y humor.  

El saxo soprano de Kenny G, ícono cultural con múltiples discos de platino, eleva, relaja y evoca una nostalgia auditiva de primer orden. Sus publicaciones en redes sociales, sus apariciones sorpresa en la cultura pop y su exitoso canal de Cameo lo han mantenido a él y a su contenido virales. Con humor y alegría genuina, Kenny G sigue disfrutando de su estatus icónico, divirtiéndose con quien es y con lo que hace, y haciéndolo con maestría. 

Kenny G continúa de gira por todo el mundo y actualmente se encuentra de gira por Estados Unidos.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Silhouette.  

Paul Samson

Paul Sanson, más conocido como Paul Samson, nació en Londres, Reino Unido, el 4 de junio de 1953, y murió en Norfolk, Reino Unido, el 9 de agosto de 2002. Guitarrista. 

El sitio www.loudersound.com publicó este recordatorio firmado por Dave Ling 

Paul Samson: recordando a la estrella perdida de la NWOBHM 

Por Dave Ling (Rock Clásico) publicado 9 de agosto de 2022 

Samson tenía álbumes aclamados por la crítica en su haber y una futura superestrella de Iron Maiden al frente, pero el destino conspiró contra ellos. 

Para quienes tuvimos el privilegio de conocerlo, todavía nos cuesta creer que Paul Samson falleciera el 9 de agosto de 2002. Aún extraño sus llamadas. Paul nunca revelaba formalmente quién estaba al otro lado de la línea, prefiriendo presentarse con voz cómica: "¡Holaa 

Samson fue el fundador, guitarrista y figura clave de la banda de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico que llevaba su nombre. Nacido como Paul Sanson el 4 de junio de 1953, fue la voz principal en el álbum debut de Samson de 1979, Survivors, producido por John McCoy de Gillan (a pesar de que Bruce Bruce, más tarde Bruce Dickinson, aparecía en la portada). Bruce debutó con la banda en el álbum Head On del año siguiente, cuya portada estaba protagonizada por el notorio y misterioso baterista enmascarado de la banda, Thunderstick. 

Head On fue un álbum extraordinario y potente, repleto de ritmos inusuales y estructuras de canciones poco convencionales, pero, aunque Geoff Barton le otorgó cinco estrellas en Sounds, el destino de la banda ya estaba sellado debido a la firma de un contrato de representación restrictivo. Una disputa legal con dicha compañía impidió que la banda ganara dinero durante un año y retrasó su siguiente disco, Shock Tactics, hasta la primavera de 1981, una eternidad en un momento tan crucial de la carrera de Samson. 

Ese mismo verano, tras su triunfo en el Festival de Reading, Bruce fue invitado por Iron Maiden para sustituir a Paul Di'Anno.  

“Aún creíamos que un sencillo exitoso sería suficiente para alcanzar a Maiden y Def Leppard”, me contó Paul más tarde. La noticia de la salida de Dickinson fue un golpe durísimo. “Ellos [Maiden] tenían sus próximos dos años planeados, mientras que nosotros a veces no sabíamos qué haríamos la semana siguiente”, suspiró. 

El exmiembro de Tiger Woods, Nicky Moore, se unió a Samson para los álbumes Before The Storm y Don't Get Mad, Get Even. Posteriormente, Paul grabó discos en solitario y formó la banda Paul Samson's Empire. Sin embargo, cada vez más, su corazón se inclinaba hacia el blues, aunque hubo reuniones ocasionales de Samson, una de las cuales Dickinson amenazó con unirse, pero finalmente cambió de opinión en el último momento. Un video de YouTube del último concierto de Samson en el Festival de Wacken en el año 2000 incluye la canción Test Of Time y resume la dinámica interna y divertida del grupo. 

Samson y Nicky Moore grabaron un nuevo álbum de Samson, titulado provisionalmente Brand New Day pero póstumamente llamado PS…, y publicado bajo su propio nombre. Me invitó a su casa en Norfolk para escucharlo. Para entonces, Paul ya sabía que tenía cáncer, pero lo afrontaba con valentía y su habitual sentido del humor. Al regresar a Londres, supe que no volvería a verlo jamás. 

Su funeral, al que asistieron el exbaterista de Samson/Maiden, Clive Burr, Thunderstick, el bajista de Samson, Chris Aylmer (fallecido en 2007), John McCoy, Bernie Tormé y miembros de Saxon, Angel Witch, Praying Mantis y Fastway, fue emotivo. Paul había pedido que se tocara «The Laughing Policeman» mientras los asistentes salían de la iglesia. 

La suerte nunca le sonrió a Paul Samson, eso es seguro, pero dejó un excelente legado artístico. Su autobiografía permanece inédita. 

“Creo en lo que hago”, me dijo una vez, “independientemente de esas tendencias que siempre parecen ir y venir”. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Turn Out The Lights.  

Joséphine Baker

Carl Van Vechten, fotógrafo. Retrato de Josephine Baker, París. 1949.
 División de Grabados y Fotografías de la Biblioteca del Congreso.

Freda Josephine McDonald, más conocida como Joséphine Baker, nació en Saint Louis, Missouri, Estados Unidos, el 3 de junio de 1906, y murió en París, Francia, el 12 de abril de 1975. Cantante, bailarina, actriz, modelo, vedette, activista e integrante de la Resistencia. 

El sitio www.guides.loc.gov publicó este recordatorio. 

Joséphine Baker 

Nacida en Saint Louis, Missouri, Josephine Baker (1906-1975) se convertiría en una de las primeras celebridades afroamericanas en Francia y en Europa en general durante la década de 1920, ganando notoriedad por su belleza y su innovador estilo interpretativo, pero también por sus contribuciones al movimiento de la Resistencia francesa. 

Tras una infancia turbulenta, Josephine comenzó a actuar con una compañía de teatro itinerante afroamericana a los 15 años. Se casó en esa época y continuó actuando en espectáculos de vodevil, consiguiendo finalmente un puesto en el coro de un espectáculo off-Broadway en Nueva York. Utilizaba el humor en sus rutinas para llamar la atención sobre su actuación y se convirtió en una artista reconocida en la escena artística afroamericana de Nueva York, ahora conocida como el Renacimiento de Harlem. Tras divorciarse en 1925, Baker viajó a París, donde su éxito se disparó gracias a su singular estilo de actuación y vestuario, especialmente su vestido de plátanos en Danse Sauvage. Baker era polifacética y supo capitalizar el sensacionalismo de las culturas africanas y no occidentales, que ganaba popularidad en Francia en la década de 1920. Tras entablar amistad con artistas afincados en París, promocionar productos franceses entre sus fieles seguidores y aparecer en películas europeas populares, Baker se convirtió en una celebridad singularmente francesa, ya que su éxito fue reconocido casi exclusivamente en Francia y Europa y nunca alcanzó un nivel equivalente en Estados Unidos. 

Al estallar la Segunda Guerra Mundial y con la ocupación nazi de Francia, Baker se unió a la Resistencia francesa. Actuando para miembros del ejército alemán y relacionándose con ellos, Baker aprovechó su fama para obtener información confidencial sobre la estrategia nazi y la transmitió al Deuxième Bureau, la unidad de contrainteligencia francesa. Además, su condición de artista itinerante le sirvió de tapadera para viajar al Reino Unido, donde entregó a las autoridades británicas notas sobre operaciones militares alemanas escritas con tinta invisible en sus partituras. Tras la guerra, regresó a los escenarios internacionales con un éxito renovado. Aunque permaneció en Francia, Baker fue una activista comprometida con el Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos, negándose a menudo a actuar en lugares segregados y participando en manifestaciones en Washington, especialmente junto a Martin Luther King Jr. en la Marcha sobre Washington de 1963. Aunque algunos activistas estadounidenses criticaron su participación en el movimiento, argumentando que su vida en Francia la había alejado de los problemas políticos contemporáneos en Estados Unidos, Baker sostenía que su posición social en Francia y su experiencia de relativa igualdad racial en Europa la habían vuelto aún más consciente y comprometida con la lucha por la igualdad de derechos. Josephine Baker continuó siendo una firme defensora de los derechos civiles, participando en eventos por todo el mundo hasta su fallecimiento en 1975. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Dance Josie, Dance.  

Tony Hadley

Anthony Patrick Hadley, más conocido como Tony Hadley, nació en Londres, Reino Unido, el 2 de junio de 1960. Cantante y actor. 

El sitio www.newtonabbotracing.com publicó su biografía oficial. 

Tony Hadley, el hijo mayor de Josephine y Patrick, nació en el Royal Free Hospital de Islington, Londres, el 2 de junio de 1960. Asistió a la escuela secundaria Dame Alice Owen's Grammar School y creía que su futuro estaba en la medicina, pero, tras ganar un concurso de canto durante las vacaciones, decidió que su vocación era la de cantante... el resto, como se suele decir, es historia... 

SPANDAU BALLET: EL FENÓMENO DE LOS 80 

Pioneros del movimiento New Romantic de los 80, Spandau Ballet se formó en 1978 y cosechó numerosos éxitos, con sencillos y álbumes que alcanzaron los primeros puestos de las listas de éxitos en todo el mundo. Algunos de los más memorables son los sencillos "Gold", "Only When You Leave", "Lifeline", el épico "Through the Barricades" y, por supuesto, el número uno internacional, "True"; Esta última fue sampleada por PM Dawn en 1991 y apareció en el álbum Rock Swings de Paul Anka en 2005. 

Como vocalista principal de Spandau Ballet, Tony Hadley se ha ganado, a lo largo de los años, el reconocimiento de ser uno de los mejores vocalistas de la música pop. 

Además de todas las canciones de la banda, muchos recordarán su destacada contribución vocal al sencillo benéfico Band Aid UK "Do They Know It's Christmas" y su posterior actuación en el Live Aid de Londres en 1985. 

También actuó en solitario en el Concierto de Nelson Mandela en Wembley en junio de 1988. 

Spandau Ballet se reformó en abril de 2009, y su gira "Reformation Tour", con todas las entradas agotadas, comenzó en octubre de 2009 con 13 conciertos en estadios del Reino Unido, incluyendo tres noches en el O2 de Londres, seguidos de Croacia, Serbia, Italia, Alemania, Holanda, Bélgica, España, y posteriormente Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica y los Emiratos Árabes Unidos. La gira finalizó en junio de 2010 con la banda ofreciendo su primer concierto en el Festival de la Isla de Wight. 

UNA VIDA EN LA MÚSICA 

Tras dejar Spandau Ballet (después de su disolución en 1990), Tony se ha mantenido fiel a la misma esencia que le brindó el éxito inicial. Tony es ahora un artista solista que ha dedicado los últimos veinte años a entretener al público de todo el mundo con su impresionante y potente voz. 

Ha seguido componiendo y grabando, y hasta la fecha ha publicado cuatro álbumes de estudio en solitario: 'State of Play' con EMI Records, dos álbumes con Universal Records, un álbum homónimo en 1998 y 'True Ballads' en 2003. 

En 2006, con su propio sello, Slipstream Records, lanzó su esperado álbum de swing 'Passing Strangers'. Heh también ha publicado tres álbumes en directo, dos DVD en directo y ha cosechado éxitos en Europa con varias colaboraciones de música dance. 

En el ámbito de la música en directo, Tony actúa con regularidad, deleitando al público tanto en su país como en el extranjero con eventos como la «Noche de los Proms» en Holanda y Bélgica, giras orquestales por Europa y Sudamérica, así como sus propias giras en solitario por el Reino Unido y Europa. En 2005, la contribución de Tony a la industria musical fue reconocida oficialmente con la Medalla de Oro de la Academia Británica de Compositores. 

Posteriormente, en 2007, conquistó a una nueva legión de fans tras su aclamada interpretación de Billy Flynn en el musical Chicago, en el West End londinense. Las apariciones de Tony en el espectáculo le dieron al musical una de sus temporadas más exitosas y le valieron una invitación para actuar en el espectáculo del décimo aniversario en 2008. En agosto de 2011, ofreció sus primeros conciertos en solitario en Estados Unidos, interpretando canciones de Spandau Ballet por primera vez desde 1986. En 2013, Tony ofreció una serie de conciertos con orquesta con entradas agotadas, culminando con una actuación en el Royal Albert Hall de Londres. 

¡Ha estado muy ocupado! 

GIRA DE CHICOS 

Además de los conciertos más convencionales, Tony ha tocado en lugares muy inusuales para tropas británicas, de la OTAN y de la ONU en servicio activo en Bosnia, Kosovo, Kuwait, Chipre, las Islas Malvinas e Irlanda del Norte. 

Desde hangares de aviones y talleres de tanques hasta teatros bombardeados y polideportivos abandonados, por nombrar solo algunos, Tony sintió que era un verdadero honor poder devolver algo y que le pidieran que entretuviera a nuestras tropas. 

PASIÓN POR EL SWING 

Además de su propia banda en directo, Tony también siente pasión por el swing; Sinatra, Tony Bennett y Jack Jones son solo algunos de sus favoritos, y ha actuado con algunas de las mejores orquestas de jazz de Europa, incluidas las de Londres, Holanda, Italia y España. 

En 2006, Tony lanzó su esperado álbum de swing «Passing Strangers». Fue un proyecto personal que llevaba meses planeándose y que refleja fielmente su pasión por el swing. El álbum incluye algunas de sus canciones favoritas y se lanzó coincidiendo con la primera gira de swing de Tony por el Reino Unido, acertadamente llamada 'Swinging True'. 

TV, RADIO Y PUBLICACIONES 

El talento de Tony como artista va más allá del escenario y en los últimos años su popularidad ha aumentado drásticamente en el Reino Unido. Su participación en el programa de telerrealidad británico 'Reborn in the USA', en el que viajó por Estados Unidos en un autobús de gira con otros ocho artistas británicos, le valió el voto del público y la "coronación" general. 

También se convirtió en un exitoso locutor de radio, primero en Virgin Radio y ahora en Absolute Radio. Cada sábado por la noche, lleva su particular estilo de conversación y música a las ondas nacionales. Actualmente, Tony está trabajando en su propio programa de radio que se emitirá a nivel mundial. 

En mayo de 2004, Macmillan Books publicó la autobiografía de Tony, 'To Cut A Long Story Short'. El libro narra la juventud de Tony, sus inicios en la banda escolar y el vertiginoso ascenso a la fama mundial como vocalista principal de Spandau Ballet. El libro fue un éxito de ventas y entró en la lista de los diez libros más vendidos del Sunday Times. 

LABORATIVA BENÉFICA 

A Tony le gusta dedicar su tiempo a apoyar causas benéficas. Como vicepresidente de Shooting Star CHASE, una organización de hospicios infantiles, ha colaborado y participado anualmente en sus eventos de recaudación de fondos durante los últimos 12 años. Tony también colabora activamente con Action Medical Research, participando en sus expediciones a Machu Picchu, El Mundo Perdido (Venezuela) y, en 2009, en la Eden Trek, una travesía desde la costa del Pacífico hasta la costa caribeña de Costa Rica, que recaudó una gran suma de dinero para la campaña "Touching Tiny Lives" de la organización, dedicada a la investigación y la ayuda para los bebés prematuros. Cada otoño, Tony también organiza un torneo de golf benéfico con celebridades para recaudar fondos para esta organización. En junio de 2010, Tony Hadley comenzó su año como presidente de TRIC, el Club de la Industria de la Televisión y la Radio. TRIC, fundado en 1931, es una organización que busca promover el entendimiento mutuo y la buena voluntad entre quienes trabajan en las industrias del audio, el video, las comunicaciones y sectores afines. Tony sucedió a la presentadora de televisión, Sian Williams. TRIC cuenta con una trayectoria inigualable en apoyo a causas benéficas, gracias a que sus miembros canalizan sus energías y utilizan sus contactos influyentes para beneficiar a buenas causas. Tony también es patrocinador de The Lowe Syndrome Trust y apoya a la Asociación de la Enfermedad de Huntington, la Fundación Willow y la NSPCC. 

VIDA FAMILIAR 

Como padre de cinco hijos, a Tony le gusta mantenerse en forma y seguir el ritmo de sus hijos. Corre y hace ejercicio con regularidad. 

Le encantan sus vacaciones anuales de esquí y disfruta del buceo y el esquí acuático en verano. Una de sus mayores pasiones es el fútbol: asiste regularmente a todos los partidos del Arsenal y juega en el equipo de exjugadores profesionales y celebridades del Arsenal siempre que puede. ¡Su especialidad son los autogoles! 

Más recientemente, dos de los momentos más destacados de Tony en 2012 fueron sus actuaciones en el Royal Albert Hall. Primero, ante los duques de Cambridge en el espectáculo «Our Greatest Team Rises», para promocionar y recaudar fondos para el equipo de Gran Bretaña, y luego, un par de semanas después, como invitado de Dionne Warwick para apoyar a The Hunger Project. Tony se sintió muy orgulloso de actuar en la Casa del Equipo de Gran Bretaña para nuestros atletas olímpicos y paralímpicos en las noches de la Ceremonia de Clausura, y "Gold" se convirtió en la canción no oficial de los atletas. 

Terminó 2012 con varios conciertos en solitario de gran éxito en Japón, los primeros desde su época con Spandau Ballet. 

El punto culminante de 2013 fue sin duda la serie de increíbles conciertos orquestales con entradas agotadas que Tony y su banda ofrecieron junto a la Southbank Sinfonia, de 40 músicos, dirigida por la legendaria Anne Dudley. Interpretando los éxitos de Spandau Ballet y algunas de las canciones favoritas de Tony, el público disfrutó de actuaciones mágicas. 

En 2014, la agenda de Tony lo llevó a viajar por todo el mundo para actuar. Realizó sus primeras presentaciones en Chile, regresó a Australia y Filipinas, además de recorrer gran parte de Europa. Tras el éxito de los conciertos orquestales en 2013, Tony volvió a la carretera con diez fechas, cautivando al público de todo el Reino Unido. Él y sus compañeros de Spandau Ballet también estuvieron muy ocupados en 2014, dedicando el final del año a promocionar su documental «Soul Boys of The Western World», que se estrenó en marzo de 2014 en el festival SXSW de Texas, donde la banda ofreció su primer concierto en Norteamérica desde 1985. Dirigido por George Hencken, productor habitual de Julien Temple, este documental, realizado exclusivamente con material de archivo, combina imágenes de noticiarios de la época con vídeos inéditos de las grabaciones caseras de la banda, junto con material perdido hace mucho tiempo y recientemente descubierto. La película nos transporta al corazón de la época y al contexto cultural, político y personal que sirvió de telón de fondo a la historia de la banda. El estreno en el Reino Unido, junto con un pequeño concierto en el Royal Albert Hall, agotó las entradas y fue una noche emocionante para todos. Anunciaron su gira Soul Boys of the Western World Tour 2015, que se extendió desde enero hasta finales de septiembre de 2015. 

Más recientemente, Tony tuvo el gran honor de ser invitado al Palacio de Buckingham para conocer a Su Majestad la Reina. Él comenta: «Fue un gran honor, en mi papel de vicepresidente de Shooting Star Chase, ser invitado al Palacio de Buckingham por Su Majestad la Reina. Fue un privilegio ser presentado a Su Majestad y reconocer y celebrar la maravillosa labor de nuestra Patrona Real, Su Alteza Real la Condesa de Wessex». El programa de cuidados paliativos infantiles Shooting Star Chase marca una diferencia real y significativa en la vida de las familias que cuidan a niños con enfermedades terminales o que limitan la vida, creando recuerdos maravillosos e imborrables para las familias que necesitan el apoyo vital de este servicio. 

Actualmente, Tony está ultimando los detalles de su esperado nuevo álbum en solitario, que se lanzará la próxima primavera con Universal Records. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con True y Love For Sale, con la Big Band de Paul Moran.