Mike Bruce

Michael Owen Bruce, más conocido como Mike Bruce, nació en Phoenix, Arizona, Estados Unidos, el 16 de marzo de 1948. Guitarrista, pianista, tecladista, compositor y cantante. 

El sitio www.michaelbruce.com publicó su biografía. 

Primeros años 

Michael Owen Bruce nació de Alvin y Ruth (Owen) Bruce. Las familias Bruce y Owen se habían mudado a Arizona desde Kansas. La ascendencia familiar incluye cherokee, escocesa, irlandesa, inglesa y normanda francesa. El padre de Ruth, Clarence Glenn Owen, fue veterano de la Primera Guerra Mundial y también jugador profesional de béisbol: "Blacky" Owen. "Al" estuvo en el ejército durante la década de 1940 y Ruth tocaba el piano en la radio y actuaba en muchos eventos de la USO. Después del servicio militar, "Al" trabajó para The Coca-Cola Company. Michael y sus hermanos, David y Paul, asistieron a North High School en Phoenix, Arizona 

Michael Bruce comenzó su carrera musical profesional a mediados de la década de 1960. Como tantos jóvenes de la época, encontró una gran inspiración en The Beatles y The Rolling Stones. Tras tocar con The Trolls, Michael se unió a The Wildflowers, la banda de Mick Mashbir (quien más tarde participó en Billion Dollar Babies y Muscle of Love, y también asistió a Camelback High, la misma escuela secundaria que Neal Smith), y comenzó a tomar clases. Este grupo grabó cuatro canciones ("A Man Like Myself", "On A Day Like Today", "More Than Me" y "Moving Along with the Sun"). Mick tenía una casa en el desierto donde ensayaban, pero también era un lugar de fiesta donde solían reunirse los amigos de Alice Cooper. Según Bruce, Bear Family Records (un sello discográfico independiente alemán especializado en reediciones) compró las grabaciones originales a un hombre en Phoenix. Michael formó parte de otro grupo efímero llamado Our Gang (en Our Gang también estaba Bill Spooner, amigo de North High School y miembro de The Tubes). No se conocen grabaciones de este grupo. 

En 1966, Michael reemplazó a John Tatum en una banda de Phoenix llamada The Spiders, integrada por Glen Buxton, Dennis Dunaway, John Speer (sustituido por Neal Smith) y Vince Furnier, todos provenientes de institutos de la zona. Uno de sus locales más populares era el VIP Club de Phoenix. En 1967 cambiaron el nombre de la banda a The Nazz, pero tuvieron que volver a cambiarlo en 1968 tras un problema legal con la banda de Todd Rungren, también llamada Nazz. El nuevo nombre del grupo fue Alice Cooper. Presentaron el nuevo nombre en un concierto en Santa Bárbara, California, el 16 de marzo de 1968, día del vigésimo cumpleaños de Michael. 

Alice Cooper 

Michael Bruce fue miembro fundador, guitarrista rítmico, pianista y tecladista, y cantante principal y corista en el grupo original de Alice Cooper [1] (Michael Bruce/Glen Buxton/Dennis Dunaway/Vince Furnier alias Alice Cooper/Neal Smith). Coescribió muchas de las canciones de éxito del grupo, con algunos o todos los demás miembros. Michael solía componer la música y la letra de las canciones; Furnier podía luego reelaborar la letra. Dos ejemplos de este proceso son "Halo of Flies" y "No More Mr. Nice Guy". Hay varias canciones acreditadas únicamente a Bruce, incluyendo "Caught In A Dream" y "Long Way To Go" de Love It To Death, y "Be My Lover" de Killer. Bruce también cantó la voz principal en la mayor parte de "Sing Low, Sweet Cheerio" del primer álbum del grupo, Pretties For You, y en la totalidad de "Below Your Means" y "Beautiful Flyaway" de su segundo álbum, Easy Action, antes del álbum que catapultó a la banda a la fama, Love It to Death, lanzado en 1971 por el sello Warner Bros. Love It to Death fue el primer álbum de Alice Cooper producido por Bob Ezrin. Su álbum debut, Pretties For You, lanzado en 1969, fue producido por Frank Zappa e Ian Underwood; su segundo álbum, Easy Action, lanzado en 1970, fue producido por David Briggs, quien había trabajado frecuentemente con Neil Young. Resultó que Briggs no era fanático de la música del grupo Alice Cooper, y Warner Brothers decidió que el álbum lanzado fueran en realidad las cintas de ensayo del grupo, preparándose para la grabación en estudio con Briggs. [2] El grupo de Alice Cooper lanzó cinco álbumes más después de Love It to Death, entre 1971 y 1974 (cuatro álbumes nuevos con material original: Killer, School's Out, Billion Dollar Babies, Muscle of Love; y el álbum recopilatorio Alice Cooper's Greatest Hits que contenía canciones previamente lanzadas, sin grabaciones nuevas), antes de tomarse un año sabático para que el grupo descansara y se relajara tras años de giras, composición y grabaciones ininterrumpidas. Tres de los miembros del grupo —Michael, Neal y Vince/Alice— querían grabar sus propios álbumes en solitario, reflejando sus gustos musicales individuales. Welcome to My Nightmare de Alice fue el más exitoso de estos tres proyectos en solitario. 

En 1974, se estrenó en los cines estadounidenses la película del grupo original titulada Good to See You Again, Alice Cooper. Las imágenes del concierto se filmaron durante la gira Billion Dollar Babies en 1973 e incluían una historia ficticia sobre un director furioso que buscaba venganza contra la banda, filmada en los estudios Universal de Los Ángeles (una escena de la película del concierto "Welcome to My Nightmare", donde Alice destroza la lápida de neón con una pala, también se filmó durante este tiempo). La parte del concierto en vivo se filmó principalmente en Texas (una buena parte se filmó en el Sam Houston Coliseum de Houston), entre el área de Dallas-Fort Worth y Houston. También aparecieron en Good to See You Again, Alice Cooper Bob Dolin, Mick Mashbir y el mago The Amazing Randi. Dolin tocaba los teclados, Mashbir la guitarra y Randi interpretaba al dentista y verdugo de Alice. 

A mi manera 

Entre 1973 y 1974, Michael comenzó a trabajar en sus propias grabaciones con un grupo de músicos que incluía a Mick Mashbir (guitarras y voz), Bob Dolin (teclados y voz), Frank Crandall (bajo y voz) y Don Lindley (percusión y voz). Mashbir y Dolin habían formado parte de la banda de gira de Alice Cooper en su tour "Billion Dollar Babies". Esta formación grabó y produjo cuatro canciones ("King of America", "As Rock Rolls On", "Oh, My Love" y "Nothing on Earth") que fueron mezcladas por el productor Jack Douglas. 

Cuando Michael decidió dejar Connecticut en 1974 y mudarse a Lake Tahoe, Crandall y Lindley no lo siguieron. Bruce, Dolin y Mashbir se enfrentaron entonces al reto de encontrar una nueva sección rítmica. Bateristas como William "Curly" Smith (de Jo Jo Gunne) y John Barbata (de The Turtles y Crosby, Stills, Nash & Young) vinieron a tocar y grabar a la casa de Bruce en Nevada. Sin embargo, nunca lograron encontrar un bajista fijo. 

El álbum de Michael Bruce, In My Own Way, se grabó a lo largo de tres meses en 1975 con los productores Gene Cornish y Dino Danelli de The Rascals. Muchos músicos diferentes pasaron por Record Plant y participaron en las sesiones del álbum: Gerry Beckley (America), Jackie Lomax (The Undertakers, The Lomax Alliance y Badger), Ricky Fataar (The Flames, The Beach Boys y The Rutles), Keith Moon (The Who), Brian Garofalo (bajista de sesión), David Foster (Skylark y Airplay), Hunt Sales (Todd Rundgren, Paris, Iggy Pop, Tender Fury y Tin Machine), Tony Sales (Todd Rundgren, Iggy Pop y Tin Machine), Mylon LeFevre, Lynn Carey y muchos más. El fotógrafo de moda estadounidense Francesco Scavullo realizó una sesión de fotos para Michael que dio como resultado la portada de In My Own Way. 

Bebés de mil millones de dólares 

Billion Dollar Babies era el nombre de la banda fundada en 1976 por Michael Bruce, Mike Marconi, Dennis Dunaway, Bob Dolin y Neal Smith tras su separación de Alice Cooper en 1974. El álbum en solitario de Bruce, In My Own Way, se había vendido a Polydor en Alemania. Polydor realizó una tirada de prueba muy limitada y decidió archivarlo sin publicarlo. Originalmente, Billion Dollar Babies surgió con la esperanza de que Alice regresara y que Battle Axe fuera el nuevo disco del grupo de Alice Cooper. Ese no fue el resultado, y todos decidieron seguir adelante sin Alice. La revista Time publicó un breve pero esperanzador artículo sobre el grupo en 1977. Se había planeado un espectáculo fantástico y muy teatral en el que Bruce y Marconi se enfrentarían como gladiadores. A pesar del comienzo prometedor, la banda se vio envuelta en una demanda por el uso del nombre. El espectáculo resultó demasiado costoso y la gira fue bastante breve. Su único lanzamiento fue Battle Axe en 1977. Desafortunadamente, el disco perdió impulso al ser retirado del mercado por problemas de masterización que provocaban que la aguja del tocadiscos saltara. Bruce, Dunaway y Smith también habían invertido una gran suma de su propio dinero en el proyecto. Jack Douglas, quien había trabajado en Muscle of Love con Jack Richardson, fue contratado para solucionar el problema de masterización. Con tantos problemas a su alrededor, el grupo se disolvió. 

La banda Josiah-Bruce 

En enero de 1990, Michael conoció a un hombre llamado Josiah que trabajaba con jóvenes con problemas. Compartían un interés común por la música y se hicieron amigos. Josiah y Bruce pronto decidieron formar una banda y llamarla The Josiah Bruce Band. La banda también incluía a Ronnie Bolsega (de Hammond, Indiana) en la batería, Joel DuBois (de JFA) en el bajo y Mike Carpenter (también conocido como Psych) (de Down Boy y RAFR) en la guitarra. Tocaron en vivo y grabaron material suficiente para un álbum, pero nunca se publicó nada 

El Grupo Michael Bruce 

No More Mr Nice Guy: The Inside Story of the "Alice Cooper" Group de Michael Bruce y Billy James se publicó el 1 de octubre de 1996 (y se actualizó y reeditó en 2000). Un libro relativamente corto (159 páginas), con algunas fotos raras de la colección personal de Bruce, fue publicado por SAF Publishing (una empresa del Reino Unido). En 1996, Bruce se había mudado a Texas y vio su álbum, In My Own Way, lanzado por primera vez en CD por One Way Records. En 1998, mientras residía en Houston, Michael formó una banda que tocaba localmente y giraba como The Michael Bruce Group. Los miembros de la banda eran Michael Bruce (guitarras, voz y teclados), David "Vito" Mastrovito (guitarra y voz), John Glenn (teclados y voz), Wilton Hudgens (bajo y voz) y Troy Powell (batería y voz); Tom Turner (mánager de gira y asistente). Tras la primera etapa de la gira de 1998, Mastrovito abandonó la banda; Glenn había optado por no salir de gira desde el principio. El trío Michael Bruce Group (Bruce, Hudgens y Powell) actuó en Clarion, Iowa, en el primer Memorial de Glen Buxton (durante su gira por el medio oeste de 1998); Clarion es donde falleció y fue enterrado el antiguo compañero de banda de Michael. 

La banda se mudó brevemente a los suburbios de Chicago, Illinois, a finales del verano de 1998. Bruce y Hudgens actuaron con Neal Smith (baterista original del grupo de Alice Cooper) en la primera Convención de Chiller Theatre en Washington, D.C., antes de regresar a Texas a finales de año. Reformaron la banda con Joe Garbo (batería y percusión) y Jeff Harris (saxofón, piano y voz) en el año 2000. Esta formación actuó en el Anne Rice's Coven Ball en el State Palace Theatre (Nueva Orleans), Luisiana, y en el 3er Memorial de Glen Buxton en el Whisky a Go Go de Los Ángeles. Ingo Geirdal también participó como guitarrista invitado con el grupo en el 3er Memorial de Glen Buxton. 

Después de 2003, 

Michael regresó a su estado natal de Arizona y formó una nueva banda. Su reformada Michael Bruce Group incluía a Bruce (guitarras y voz), Bob Russell (guitarras y voz), Thomas Dominick (bajo y teclados) y Bob Allen (batería). 

El 1 de mayo de 2004 debutó en Tucson, Arizona, un nuevo grupo de Michael Bruce. La formación estaba compuesta por Bob Russell (guitarra), Jeff Harris (saxofón, piano y voz), Thomas Dominick (órgano y teclados), Mondo Thomas (bajo), Robin Horn (hijo del icono del jazz Paul Horn) (batería) y Bruce (guitarras, teclados y voz). 

El 16 de septiembre de 2005 se lanzó un nuevo álbum de Michael Bruce autorizado para Islandia en una edición limitada de 200 copias en un digipak de lujo. The Second Coming of Michael Bruce – Alive & Re-Cooperated fue el primer lanzamiento oficial de Bruce en muchos años (aunque exclusivo para Islandia en ese momento) e incluyó 17 canciones grabadas en Islandia entre 2002 y 2003. El CD, de 74 minutos de duración, incluía nuevas grabaciones de estudio, así como actuaciones en directo inéditas de Michael Bruce y su banda islandesa interpretando canciones de toda su carrera. Todas las grabaciones se realizaron profesionalmente en 24 pistas y fueron mezcladas por Ingo y Silli Geirdal. El digipak de lujo incluía ilustraciones de Michael Bruce realizadas por Ingo, fotos de la banda y notas exclusivas de Dennis Dunaway. 

Durante 2010, Michael fue invitado a participar en un nuevo disco de Alice Cooper, Welcome 2 My Nightmare (la secuela del original Welcome to My Nightmare). Bruce coescribió la canción "When Hell Comes Home" del álbum. Welcome 2 My Nightmare también contó con actuaciones de Neal Smith, Dennis Dunaway, Dick Wagner y Steve Hunter. Alice también invitó a Bruce, Hunter, Dunaway y Smith a actuar con él ese diciembre en su evento anual de recaudación de fondos Christmas Pudding en el Dodge Theatre de Phoenix, Arizona 

En la primavera de 2011, Bruce (como miembro del grupo original de Alice Cooper) fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en la categoría de "Intérprete". 

En la primavera de 2016, la nueva banda de Michael, Michael Bruce Force, ofreció un concierto en Asylum Records para celebrar el Record Store Day el 6 de abril de 2016 en Mesa, Arizona. La última formación de The Michael Bruce Group está grabando y organizando conciertos con Michael Bruce (guitarra y voz), Lynette Bruce (bajo), Jimmy Waldo (teclados), Steve Potts (guitarra) y Matt Indes (batería). 

Michael participó en tres canciones del siguiente lanzamiento de Alice Cooper, el álbum Paranormal de 2017: la canción "Rats", así como dos temas extra con miembros originales de la banda de Alice Cooper: "Genuine American Girl" y "You and All of Your Friends". 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con As Rock Rolls On. 

Shalom – Identidad y pertenencia

Shalom – Identidad y pertenencia  

Shalom conversa con Verónica Nehama sobre identidad y pertenencia. Un testimonio marcado por el exilio, el silencio y el reencuentro con sus raíces judías. Memoria, escritura y transmisión como respuesta al desarraigo y al resurgir del antisemitismo. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/identidad-pertenencia/16981148/ 

Phil Lesh

Philip Chapman Lesh, más conocido como Phil Lesh, nació en Berkeley, San Francisco, California, Estados Unidos, el 15 de marzo de 1940, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 25 de octubre de 2024. Bajista, guitarrista, cantautor y letrista. 

El sitio www.plasticosydecibelios.com publicó este recordatorio firmado por Julián Ruiz. 

MUERE PHIL LESH, EL BAJO Y EL CORAZÓN DE GRATEFUL DEAD 

Por Julian Ruiz 

Actualizado el 26/10/2024 

Phil Lesh miembro fundador de Grateful Dead, murió ayer viernes. Tenía 84 años. Fue uno de los mejores bajistas en una banda de rock, en desempeñar un papel principal en lugar de secundario. 

Su muerte fue anunciada en su cuenta de Instagram. No se brindó más información. 

Lesh cantó armonías agudas para la banda y, ocasionalmente, prestó su voz principal. También coescribió algunas de las canciones más notables de la banda, incluidas algunas que inspiraron improvisaciones aventureras, como «St. Stephen» y «Dark Star», así como piezas más convencionales, como «Cumberland Blues», «Truckin'» y «Box of Rain». 

La clave de la dinámica de The Dead fue la forma en que Lesh utilizó el bajo para proporcionar contrapuntos siempre cambiantes a las líneas danzantes del guitarrista principal Jerry García, los riffs cortantes del guitarrista rítmico Bob Weir, los ritmos audaces de los bateristas Mickey Hart y Bill Kreutzmann y, en los primeros ocho años de la banda, el cálido trabajo de órgano de Ron McKernan, conocido como Pigpen. 

En los álbumes de estudio de Grateful Dead, sus líneas tenían tanta melodía que uno podía escuchar una canción solo por su interpretación. Al mismo tiempo, compartía el amor de sus compañeros de banda por las estructuras de acordes inusuales y los compases poco comunes. Al construir sus partes de bajo, se inspiró en muchas fuentes, incluido el free jazz, la música clásica y la vanguardia. 

Pihl Lesh tocó con los Dead durante los 30 años de historia de la banda, que terminaron formalmente en 1995 tras la muerte de Jerry García. Lesh tocó en las bandas derivadas de la banda, The Other Ones, The Dead y Furthur, así como con su propio grupo, Phil Lesh and Friends. Se retiró del trabajo habitual en las giras en 2014. 

Phillip Chapman Lesh nació el 15 de marzo de 1940 en Berkeley, en San Francisco, hijo único de Frank y Barbra (Chapman) Lesh. Su padre era un pianista aficionado que lo animó a aprender a tocar un instrumento cuando tenía 8 años; su primer instrumento fue el violín. 

Phil Lesh le mencionó casualmente a Jerry García que estaba interesado en tocar el bajo. Le sorprendió cuando el Sr. García lo invitó a aprender a tocar el instrumento para poder tocarlo en la banda que estaba formando en 1964, entonces llamada The Warlocks. 

El Sr. Lesh aceptó, según le dijo a la revista Soundwaves en 2005, porque «en realidad nunca me importó mucho qué instrumento estaba tocando, siempre y cuando pudiera hacer algo de música». 

El sonido de Grateful Dead se hizo evidente por primera vez en el segundo álbum de la banda, “Anthem of the Sun”, publicado en 1968, por el que Lesh recibió créditos de coautor en casi todas las pistas. Cuando la banda simplificó su sonido extenso para orientarse más a las canciones en álbumes de principios de los años 70 como “Workingman’s Dead” y “American Beauty”, Lesh encontró un nuevo melodismo en su forma de tocar. 

Para el disco “American Beauty”, compuso la exquisita melodía de “Box of Rain”, con letra, proporcionada por Robert Hunter, que expresaba los sentimientos de Lesh sobre la muerte inminente de su padre por cáncer de próstata. Ahora le ha tocado a él. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Broken Arrow y Fire on The Mountain, con Carlos Santana y Warren Haynes.  

Manuel Muñoz

Manuel Muñoz Velasco nació en La Barca, Jalisco, México, el 14 de marzo de 1941, y murió en la Ciudad de México, México, el 29 de octubre de 2000. Cantante y actor. 

El sitio www.oem.com.mx publicó este recordatorio.  

MANOLO MUÑOZ “MR. LLAMARADA” 

EN CLAVE DE SOL 

Nació en la Barca, Jalisco., el 14 de marzo de 1941, su nombre Manuel Muñoz Velasco, nombre artístico Manolo Muñoz, su familia era de escasos recursos económicos, por lo que tuvo que trabajar realizando mandados y después en una barbería como ayudante. Desde los 13 años descubrió las cualidades que tenía por el canto y la música, presentándose su primera oportunidad en los principios de los años 60, al ingresar al grupo Los Gibson Boys, donde grabó las canciones “El Acapulco Rock” y “La Plaga”, pero después de ello, decidió separarse del grupo para tomar su camino como solista. De inmediato fue invitado a grabar un disco que contenía temas que lo lanzaron a la fama como: “La Pera Madura”, “Ay Preciosa”, “Dale, Dale” y “Juanita Banana”. Participó en películas, realizando la primera a mediados de los 60, titulada “Mi Alma por un Amor” con Enrique Guzmán y Angélica María, siguiéndole la exitosa película “La Juventud se Impone” con César Costa y Enrique Guzmán, también filmó con Eulalio González “Piporro” la película “El Bracero del Año”, una más fue “Vivir de Sueños” al lado de Angélica María, Enrique Guzmán y el gran actor David Reynoso. Manolo Muñoz, fue un cantante muy exitoso y con un carácter muy alegre y una sonrisa carismática, grabó 75 discos, participó en 15 películas y escribió aproximadamente 100 canciones. Con Javier Solís cantó el tema “Ay Preciosa” que tuvo bastante aceptación. Siempre se caracterizó por cantar en vivo en los programas de televisión, ya que estaba en contra del play back. Llegó la década de los 70 y con ello el mayor éxito de Manolo, el tema “Llamarada”, logrando un tremendo hit que sonó en todas las estaciones de radio del país, de Centro y Sur América, así como en Estados Unidos, para de ahí en adelante ser identificado con el título de “Mr. Llamarada”. Vinieron otros temas enigmáticos como “En un Rincón del Alma”, “Pesares” y la gran canción y éxito “Noche no te Vayas”, convirtiéndose en un verdadero reconocido en todo México y Estados Unidos. Estuvo casado con Angelina Ayuso con quien procreó 3 hijos, Maximiliano, Cynthia y Martín. En su carrera cantó Rock and Roll, baladas y también realizó 3 producciones con banda y mariachi. Entrañable amigo de Chabelo, Enrique Guzmán y Héctor Lechuga. Los programas de televisión “Hoy” con Guillermo Ochoa y “Al Fin de Semana” con Coque Muñiz fueron de sus últimas presentaciones donde estrenó su último disco titulado “En busca del Amor” en octubre del año 2000, donde incluía el tema “Compréndela” del maestro Martín Urieta, mismo mes en que falleciera a causa de un derrame cerebral, siendo esto el 29 de octubre. Querido lector; No se olvide de vivir feliz, acompañado de Dios y la música de su gusto. ¡¡¡Le deseo Gran y muy Feliz Año 2022…!!! 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Llamarada.  

Felix Mendelssohn. Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25. Yuja Wang.

Felix Mendelssohn compuso el Concierto para Piano Nº 1 en Sol Menor Op. 25 entre 1830-31, al mismo tiempo que su cuarta sinfonía. El estreno se produjo en Múnich en octubre de 1831.  

El concierto consta de tres movimientos conectados, y es novedoso en el uso de nuevas técnicas formales, por ejemplo, el piano entra muy pronto tras el inicio del primer movimiento, con apenas tutti orquestal para servir de contraste. El concierto ganó fama con rapidez y contiene varias secciones de improvisación, una de las especialidades de Mendelssohn.   

Hugh Macdonald, editor general de The New Berlioz Edition y profesor de música en la Universidad de Washington en St. Louis, escribió este comentario.   

Mendelssohn fue un brillante pianista que aprovechó inmediatamente los avances técnicos que se habían aplicado al llegar al piano la mayoría de edad. Ahora era un instrumento más grande, más pesado y más ruidoso, capaz de llenar una sala de conciertos con sonido y capaz de enfrentarse a la orquesta moderna en igualdad de condiciones. Sobre todo, tenía una nueva y brillante octava superior que invitaba a la mano derecha del intérprete a disfrutar de esas deslumbrantes carreras y arpegios que llenan todos los conciertos de la época romántica. Mendelssohn se sentía muy a gusto con este estilo y tenía unos dedos magníficamente fluidos. 

Todo esto es evidente en su Concierto para Sol menor, compuesto en Múnich en 1831 cuando Mendelssohn tenía 21 años. Acababa de regresar de una larga estancia en Italia, donde había completado su obertura Las Hébridas y comenzado la Sinfonía "Italiana". En Múnich, en su viaje hacia el sur, una joven pianista llamada Delphine von Schauroth le había llamado la atención, por lo que su razón para volver allí podría haber sido renovar este prometedor conocimiento, y compuso el Concierto pensando en ella. Su familia parece haber tenido alguna expectativa de matrimonio, pero Mendelssohn, por razones que sólo podemos adivinar, decidió que no iba a ser así, y se fue de Munich lleno de sentimientos de culpa. 

Él mismo dio la primera interpretación del Concierto en Múnich, con una segunda interpretación poco después en Londres, donde la partitura fue publicada. Lo tocó muchas veces en el curso de su corta carrera, y siempre fue bien recibido por el público y la prensa. Además de estar lleno de agradables melodías y brillantes pasajes, el Concierto muestra la casi obsesión de Mendelssohn con el problema de hacer que los movimientos separados de las sinfonías y los conciertos se unan en un todo sin fisuras. En el caso de este Concierto (y su conocido Concierto para violín, que le siguió hacia el final de su vida) los movimientos corren continuamente, de modo que el vigoroso Allegro de apertura concluye con las trompetas y los cuernos martillando un ritmo que impulsa piano a la improvisación en el nuevo tempo y la nueva tonalidad (Mi). La misma llamada a los metales lleva el sereno movimiento medio a las cascadas de notas que introducen el final, en la tonalidad mayor. Para que el punto llegue a casa, antes de que el final termine, Mendelssohn reduce el tempo para recordar el segundo tema del primer movimiento. Entonces el Concierto puede terminar en un florecimiento de virtuosismo. 

A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Yuja Wang, y la Orquesta del Festival de Verbier, dirigida por Kurt Masur. 

Erma Franklin

Erma Vernice Franklin, más conocida como Erma Franklin nació en Shelby, Misisipi, Estados Unidos, el 13 de marzo de 1938, y murió en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 7 de septiembre de 2002. Cantante. 

El sitio www.last.fm publicó este recordatorio. 

Erma Franklin, cantante de soul nacida en Shelby en 1938, y también conocida por ser hermana de Aretha Franklin. Su mayor reconocimiento le llegó en los '60, en especial con la versión original de "Piece of my heart" tema que después Janis Joplin convertiría en uno de sus mayores éxitos. 

Nació el 13 de marzo de 1938 en Shelby (Misisipi, pero pronto junto a su familia se trasladó hasta Buffalo (Memphis), donde en la iglesia de su padre hizo su debut en el gospel a la edad de cinco años. Muy poco después se mudaron a Detroit. Cantaba con sus hermanas Aretha Franklin y Carolyn Franklin en la iglesia de su padre, y durante el instituto formaba parte del grupo The Cleo-Patrettes, quienes ganaron un concurso de nuevos talentos y lograron grabar para la discográfica JVB. Al acabar los estudios The Cleo-Patrettes se disolvió y Erma hizo una gira de dos años junto al conjunto gospel que acompañaba a su padre. Poco después tuvo oportunidad de grabar en Chess y en Motown, pero su padre decidió que era mejor anteponer sus estudios a una carrera musical. 

Más tarde, con éxito, hizo una audición para Epic en 1961, y se transladó hasta Nueva York para grabar. A su vez Aretha estaba en la compañía de la que dependía Epic, es decir, Columbia. A Erma le ocurió lo mismo que a su hermana, la compañía no era experta en los terrenos del R&B y el soul y nunca supieron cómo manejar su carrera dentro de este estilo. Su primer álbum "Her name is Erma" apareció en 1962, en el que incluía jazz y pop con algunos singles R&B como "Abracadabra", escrito por Van McCoy. Erma no estaba contenta con la gestión de la compañía por lo que decidió que pasaría lo que la restaba de contrato en una gira junto al cantante de R&B Lloyd Price, hasta el año 1966. 

Cuando Aretha se fue a la discográfica Atlantic, Erma firmó en 1967 un contrato con Shout Records y el productor Bert Berns. Ese mismo año lanzó el single "Piece of my heart" convirtiéndose en el mayor éxito que había tenido hasta el momento, pero desafortunadamente Bert Berns, a finales de 1967, falleció de un ataque al corazón dejando a la compañía en el caos. En un tiempo en adelante Erma acompañó a Aretha Franklin en los coros, y poco después paseó su "Piece of my heart" por Europa y Estados Unidos. En 1969 fue contratada por Brunswick, donde consiguió un nuevo hit, pero este ya de menor magnitud, "Gotta Find Me a Lover (24 Hours a Day)". Ese mismo año también editó su segundo álbum "Soul sister". Pero de nuevo en esta discográfica no se encontraba a gusto, por lo que cuando acabó su contrato en 1972, se retiró a Detroit a trabajar en una empresa de relaciones públicas. Esporádicamente actuó con Aretha durante los '80 y '90 y era reconocida por su ayuda a organizaciones caritativas para niños en Boysville. A principios de los '90 "Piece of my heart" volvió a las listas europeas gracias a ser la sintonía de un anuncio de pantalones vaqueros. Murió en Detroit el 7 de septiembre de 2002 tras una larga lucha contra el cáncer. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con I Get The Sweetest Feeling.  

Henri Cliquet-Pleyel

Henri Cliquet-Pleyel nació en París, Francia, el 12 de marzo de 1894, y murió en su ciudad, el 9 de mayo de 1963. Compositor. 

El sitio www.tobias-broeker.de publicó este recordatorio.  

Henri Cliquet-Pleyel 

Henri Cliquet-Pleyel nació el 12 de marzo de 1894 en París (Francia). Era sobrino bisnieto del compositor Ignace Pleyel. Henri Cliquet-Pleyel fue un prodigio musical e ingresó en el conservatorio de París a los 12 años. Allí estudió con Charles Koechlin (composición), André Gedalge y Eugène Cools (contrapunto y fuga) y fue compañero de estudios y amigo de Darius Milhaud. 

Después de sus estudios, trabajó primero como profesor de canto en Cannes, Deauville y Aix-les-bains y esta ausencia en París podría ser la razón por la que Henri Cliquet-Pleyel no se convirtió en miembro del famoso grupo "Les Six" (Milhaud, Honegger, Poulenc, Tailleferre, Auric y Durey) en 1918. Que hubiera una oportunidad de ser parte de este grupo lo demuestra el hecho de que Albert Roussel una vez describió a Henri Cliquet-Pleyel como el "séptimo miembro de 'Les Six'". 

En 1923, Henri Cliquet-Pleyel aprovechó la oportunidad para fundar su propio grupo de compositores, que, al igual que "Les Six", tuvo como mentor musical a Erik Satie. El grupo se autodenominó "École d'Arcueil" en referencia a la ciudad natal de Satie y estaba formado por cuatro miembros: Henri Sauguet, Roger Desormière, Maxime Jacob y Henri Cliquet-Pleyel. Desafortunadamente, para la carrera y el prestigio histórico de Henri Cliquet-Pleyel, la "École d'Arcueil" tuvo mucho menos éxito que "Les Six" y, además, solo existió dos años, hasta la muerte de Erik Satie en 1925. 

La École d'Arcueil se dedicó a los objetivos musicales de claridad, simplicidad y humor, que consideraba representativos de la música de Satie. Y Henri Cliquet-Pleyel fue el máximo exponente de esta actitud, que mantuvo sin restricciones tras la disolución de la École d'Arcueil. La siguiente reseña de un concierto en la revista francesa «La Comoedie» de 1926 ilustra este punto: 

El mismo concierto incluyó obras del Sr. Cliquet-Pleyel. Inauguró la tónica con una "Suite para piano" que comienza resueltamente con dos tonos diferentes y remotos, para pesar del público. Es su verdadera parcialidad, y estas constantes disonancias parecen no tener causa. Del mismo compositor, la Sra. Asso cantó con una devoción verdaderamente notable una obra inédita que consiste en una serie de menús exóticos y extraños (y me refiero a menús culinarios). ¡Qué idea tan curiosa ponerle música! 

Con esta actitud, Henri Cliquet-Pleyel también se interesó por el dadaísmo, el surrealismo, la música popular o influencias como el jazz. Por ejemplo, compuso la música y acompañó al piano en una de las famosas representaciones de flamenco vanguardista de Vicente Escudero en el Théâtre Courbe en 1924. Además, Henri Cliquet-Pleyel compuso la música para la película "Panurge" de Michel Bernheim en 1932. Fue un compositor tan destacado que Virgil Thomson escribió sobre él en 1933: 

Cliquet-Pleyel tiene un talento inimaginable. Fue un niño prodigio en el Conservatorio, un Mozart infantil. Hoy es un músico de prodigiosas facultades. Es el mejor transpositor y lector de partituras de París, probablemente de Europa. Puede escribir una sinfonía o una comedia musical casi cualquier fin de semana, copiar las partes, ensayarlas, dirigir el espectáculo, interpretar un concierto para piano de Mozart entre los actos, todo ello sin mover casi nada, y mientras tanto dedica de diez a catorce horas diarias a la producción de películas sonoras. Su habilidad es tan colosal que puede realizar el trabajo rutinario que parece ser el destino habitual de hombres de su talento, y aun así componer buena música libre como si no tuviera nada más en mente. 

Es más fácil situar a Sauguet en la tradición francesa que a Cliquet-Pleyel. Su talento [de Sauguet] se asemeja más a un tipo francés histórico. Es compacto y unipersonal. Cliquet posee la soltura y la naturalidad de Delacroix, además de un desinterés ingenuo y absolutamente único. 

Henri Cliquet-Pleyel también fue miembro de la Federación Musical Popular, como muchos de sus contemporáneos. En el congreso de la asociación en 1937, Henri Cliquet-Pleyel pronunció un interesante discurso que demuestra una vez más su radical opinión sobre la música moderna. El académico Christopher Lee Moore resumió acertadamente el discurso en su libro «La música en Francia y el Frente Popular (1934-1938)», explicando por qué se repite aquí: 

Para Cliquet-Pleyel, la época en que escuchábamos música con la cabeza entre las manos ha pasado. Afirma provocativamente que la música "aburrida" de la gran tradición sinfónica es la peor música de todas. También critica a quienes se han "alimentado" tanto con la música de los maestros del siglo XIX que "desprecian obras más sencillas, más directas, de estilo popular, y que por ello se consideran de mal gusto". [...] Cliquet-Pleyel desaprueba ciertas "sinfonías, en las que la escasez de ideas se agrava por la vulgaridad y la falsa grandeza del estilo", y pretende recordar que estas obras no deben considerarse "buena música" simplemente porque se interpreten en salas de conciertos. 

Después de la Segunda Guerra Mundial, las composiciones de Henri Cliquet-Pleyel se moderaron un poco y continuó componiendo hasta su muerte el 9 de mayo de 1963 en París (Francia). 

Aunque considerado uno de los compositores franceses más talentosos de la primera mitad del siglo XX, a la altura de Darius Milhaud, las circunstancias históricas y su énfasis personal en la música popular hicieron que Henri Cliquet-Pleyel cayera en el olvido con el paso de las décadas. Hoy en día, está prácticamente olvidado, y su nombre solo se menciona en relación con la "École d'Arcueil" como una copia pobre de "Les Six". Esto no le hace justicia a Henri Cliquet-Pleyel, a su reputación entre sus colegas compositores ni a su papel provocador en la escena musical parisina durante décadas. 

El catálogo de obras de Henri Cliquet-Pleyel es extenso, pero la mayoría de las enciclopedias ni siquiera mencionan su nombre hoy en día, por lo que se conoce poco sobre su obra. Investigué numerosos libros y periódicos antiguos y compilé un catálogo. A título informativo, presento este catálogo detallado al final de este sitio web. 

De este gran número de composiciones tengo en mi poder el manuscrito autógrafo de un "Concierto para piano y orquesta": 

Concierto para piano y orquesta 

El manuscrito que poseo es la partitura completa de una obra para piano y orquesta. Henri Cliquet-Pleyel escribió tres composiciones para esta instrumentación: «Transbaikal, para piano y orquesta» (1938), un Concierto para piano mano derecha y orquesta (1939) y un Concierto para piano y orquesta (1940). 

Lamentablemente, mi manuscrito no está fechado, pero la página del título lleva la palabra "Concierto" y la escritura para piano es para ambas manos, por lo que supongo que este es el autógrafo del concierto para piano de 1940. 

No pude encontrar la publicación de esta partitura ni detalles sobre su estreno. Con el fin de preservar un importante concierto para piano francés de la primera mitad del siglo XX, presento aquí la partitura completa: 

CliquetPleyel_PC.pdf  

Catálogo de Henri Cliquet-Pleyel 

Música de piano: 

Toccata et fantaisie, para piano (1915) 

L'Enfant prodigue, para piano (1920) 

Sonatina, para piano (antes de 1921) 

Siete acrósticos para piano (1921) 

Trois piezas a la maniere d'Erik Satie, para piano (1921) 

Suite n.° 1 para piano (1922) 

Dos blues, para piano (1922) 

Cinco tangos, para piano (1922) 

Sept estudios para piano (1924) 

Tres tumbas, para piano (1924) 

Suite n.° 2 para piano (1925) 

La lengua de las flores, para piano (1925) 

Poemes quotidiens, para piano (1925) 

Minueto, para piano (1926) 

Le Tombeau de Satie, para piano (1926) 

Menueto - La valse de la bikette, para piano (1928) 

Linterna mágica, para piano (1936) 

Veladas enfantines, para piano a cuatro manos (1937) 

Sonata para piano (1940) 

Cliquettes, para piano (1947) 

Les Plaintes Inutiles, para piano (1950) 

La malagueña, para piano (1950) 

Zapateado, para piano (1950) 

Recuerdos, para piano (1950) 

La noche española, para piano (1955) 

Seis mazurcas para piano (1958) 

Homenaje a Debussy, para piano (1962) 

música de cámara: 

Cuarteto de cuerdas n.º 1 (1912) 

Cuarteto para piano en cuatro movimientos (1914) 

Cuarteto de cuerdas n.º 2 (1923) 

Sonata para viola y piano (1923) 

Swing low, sweet chariot, para piano, saxofón, violín solo y cuarteto de cuerdas (antes de 1933) 

Chant d'esperance, para clarinete, fagot y piano (1936) 

Sonata n.º 1 para violín y piano (1943) 

Sonata n.º 2 para violín y piano (1947) 

Trío para piano, violín y violonchelo (1954) 

Trío para piano, clarinete y arpa (1962) 

Sonata n.º 3 para violín y piano mano derecha (1963) 

música orquestal: 

Paráfrasis de un Negro Espiritual, para violín y orquesta (antes de 1937) 

Transbaikal, para piano y orquesta (1938) 

Sardane, para orquesta (1938) 

Concierto para piano mano derecha y orquesta (1939) 

Concierto para piano y orquesta (1940) 

Escenas de ballet para orquesta (1962) 

ópera: 

Florette y Sylvie, ópera cómica (1926) 

La Belle Enchanteresse, radio opereta (1938) 

Les Impots, opereta 

Música coral y vocal: 

Trois epigrammes grecques, para voz y 10 instrumentos (1927) 

Cómoda, para soprano y orquesta (1928) 

España, para coro y orquesta (1938) 

Phedre, para coro y orquesta (1940) 

Le Cantique des Colonnes, para coro y orquesta de mujeres (1945) 

La chanson du petit hypertrophique, para coro de hombres (1949) 

Coleopteres, para voz y pequeña orquesta (1962) 

canciones: 

Tres quejas de Jules Laforgue, para voz y piano (1913) 

Le mirliton d'Irene, para voz y piano (1923) 

Les fleurs, para voz y piano (1933) 

La Fille à vendre, para voz y piano (1933)N 

Sur un bateau, para voz y piano (1934) 

L'oeillet rouge, para voz y piano (1936) 

Un coup d'oeil, para voz y piano (1936) 

Le chant de l'Auberge, para voz y piano (1936) 

Comptine, para voz y piano (1937) 

Louange de l'olivier, para voz y piano (1954) 

La lune est de toutes les saisons, para voz y piano (1954) 

Demande en mariage, para voz y piano 

La cigale et la fourmi, para voz y piano 

La poule aux oeufs durs, para voz y piano 

La chanson du bon sommeil, para voz y piano 

Música de cine/teatro: 

Música para una actuación flamenca de Vicente Escudero en 1924 titulada "Les Spectacles Espagnols" 

Música cinematográfica para «Panurge» de Michel Bernheim (1932) 

Música de cine para "La Corsade" de André Vigneau (1935) 

Música para la obra "Le vent dans les voiles" de André Frere (1936) 

música para la revista "Les Noctambules" de Jean Maugier (1936) 

Música para la obra radiofónica «Byron ou l'épopée de la poesie» con texto de J. Audiberti (1939) 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Retrato para violín solo: No. 5 en Fa Mayor, en la versión de Charles Dimmick.  

Henry Cowell

Henry Dixon Cowell nació en Menlo Park, Caliornia, Estados Unidos, el 11 de marzo de 1897, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 10 de diciembre de 1965. Compositor, pianista, teórico musical, musicólogo, profesor y empresario. 

El sitio www.es.laphil.com publicó este recordatorio firmado por Sarah Cahill.  

Tragedia y trascendencia de Henry Cowell 

¿Cómo sonaría California sin Henry Cowell? Sonaría muy sosa. 

Publicado el 01 de octubre de 2025 

Por Sarah Cahill 

Henry Cowell nos dio grupos de acordes alegremente estridentes y suaves de las uñas en las cuerdas piano; defendió a los compositores con su New Music Society y New Music Quarterly. Quarterly. 

Nos introdujo en "todo un mundo de música" más allá de las fronteras; nos dio a John Cage (que llamó a Cowell "el ábrete sésamo de la nueva música en América") y a Lou Harrison; escribió un libro visionario, Nuevos recursos musicales, que inspiró a generaciones de compositores experimentales; fundó la Asociación Panamericana de Compositores para representar la música de América, no sólo de Estados Unidos; integró instrumentos de Irán, Corea, África e Indonesia en las salas de conciertos; nos dio polímetros complejos, construcciones aleatorias, notación gráfica, indeterminación y forma elástica. Nos dio el primer instrumento electrónico, en colaboración con Leon Theremin. En otras palabras, nos dio todo el siglo XX. 

Por todo ello, Henry Cowell nunca ha recibido el crédito que merece. Oímos su influencia en todas partes, pero rara vez reconocemos su origen. Y un trágico suceso ensombrece su reputación. Cowell pasó cuatro años encarcelado en San Quintín por una falsa "acusación moral" derivada de un momento íntimo con un joven que probablemente intentaba chantajearle. Condenado a quince años, fue puesto en libertad condicional después de cuatro al cuidado del también compositor Percy Grainger. Abandonó California y nunca más volvió a vivir en el estado donde había florecido como profeta radical antes de su encarcelamiento. 

Es imposible imaginar a Cowell alcanzando la mayoría de edad en otro lugar que no fuera California. Nacido en la zona rural de Menlo Park, creció en la pobreza con su madre soltera, una ardiente feminista y anarquista bohemia, y el joven Cowell vagó por el campo como una especie de niño salvaje genial. 

Es imposible imaginar a Cowell alcanzando la mayoría de edad en otro lugar que no sea California". 

Absorbía la música dondequiera que la encontrara: el canto de los pájaros, el ruido de las máquinas y las canciones populares irlandesas mezcladas con los clásicos. Cuando visitaba Chinatown, en San Francisco, sáb. sentaba al aire libre en un bordillo y escuchaba la música que tocaba un grupo de ancianos chinos refugiados que salían de un club. Aprendió canciones de sus amigos japoneses, chinos, tahitianos y filipinos. Ni él ni su madre podían permitirse un pianotenía que trabajar para mantenerlos a los dos piano-pero se dio cuenta de que "todos los niños con los que jugaba entraban de cuatro a cinco de la tarde, exactamente, para practicar con el piano y, por supuesto, todos volvían a salir a las cinco y un minuto para tocar. Yo no quería quedarme al margen de tal actividad, así que durante una hora cada día practicaba mentalmente. Me sáb. al escritorio y practicaba escuchando sonidos en mi mente. Lo hacía muy metódicamente... para cultivar mi mente para oír sonidos que se iban complicando a medida que pasaba el tiempo". A los 13 años ya había ganado lo suficiente trabajando de conserje, desbrozando el césped de los vecinos, pastoreando vacas y vendiendo flores silvestres para comprarse "un viejo piano decrépito", como él mismo decía, pero no podía permitirse clases, así que inventó sus propias técnicas con el instrumento, creando grupos de tonos con los puños y los antebrazos, rasgueando por dentro de las cuerdas, silenciando las cuerdas con las yemas de los dedos y las palmas de las manos y anotando sus partituras con las dos manos tocando en distintas tonalidades y compases. También tuvo que inventar una nueva notación porque, como escribió en su momento, "habrá que inventar un montón de nuevos tipos de notas para escribir esto, ya que es imposible, con nuestra limitada oferta actual". Muchas de sus piezas juveniles evocan leyendas y canciones populares irlandesas, con nombres como, La trompeta de Angus Ogy La voz de Lir. Una de las principales influencias de estas composiciones es el poeta místico irlandés John Varian, a quien Cowell visitaba con frecuencia en Halcyon, la colonia teósofa cercana a Pismo Beach. 

 

Pronto empezó a hacer giras y a asombrar a multitudes con sus grupos de antebrazos y sus técnicas de " pianocuerda". En 1919, empezó a escribir su libro Nuevos recursos musicales sus revolucionarias teorías sobre armonía y ritmo resonaron en la música del siglo XX lo copió a mano). En 1925, frustrado por la falta de conciertos vanguardistas en California, fundó la New Music Society, y unos años más tarde empezó a publicar la New Music Quarterly, con primeras ediciones de obras revolucionarias de Ruth Crawford, Dane Rudhyar, Carlos Chávez, Charles Ives, Johanna Beyer, William Grant Still, Alejandro García Caturla y cientos de otros. Decía: "Si se vende, no lo quiero". Nadie estuvo tan cerca de apoyar y defender la nueva comunidad musical como Cowell. 

"Nadie estuvo tan cerca de apoyar y defender a la nueva comunidad musical como Cowell. 

Debido a su educación poco ortodoxa y a su confiado idealismo, a menudo se describe a Cowell con términos como "inocente", "ingenuo" e "infantil". Por eso no sorprende que a otros les resultara fácil aprovecharse de él. Cowell permitía a menudo a un grupo de adolescentes del barrio bañarse en su piscina, pero en mayo de 1936, uno de esos jóvenes contó a la policía que Cowell había practicado sexo oral con él, lo que en aquella época infringía el artículo 288a del Código Penal de California. El joven esperaba asustar a Cowell para que le regalara su automóvil Stutz rojo y no fue acusado de ningún delito. Cowell fue detenido y, mal aconsejado, se declaró culpable y redactó una detallada confesión. Creyó que saldría en libertad condicional. Declararse culpable también significaba que protegería a los jóvenes que nadaban en su piscina (escribió a su amigo Nicolas Slonimsky que "no habrá juicio; un juicio sería muy perjudicial para una serie de personas perfectamente inocentes"). Pero había sellado su propio destino. Los engranajes se pusieron en marcha. Los periódicos de Hearst publicitaron la detención con titulares escabrosos, inventando la noticia de que Cowell había confesado haber abusado de 24 chicos de entre 10 y 17 años. Se le interrogó sobre sus hábitos sexuales, fue examinado por psiquiatras y se le preguntó directamente si era un pederasta y un desviado impenitente. Presionado por la prensa sensacionalista para dar un escarmiento a este compositor de izquierdas con reputación internacional, y presionado también por la rabiosa homofobia de la época, el juez calificó a Cowell de "delincuente sexual" y le impuso la pena máxima, quince años en San Quintín. Su madrastra Olive Cowell dijo: "Le trataron como a un degenerado que seduce a los jóvenes con violencia". Incluso el fiscal del distrito dijo más tarde que si Cowell no se hubiera declarado culpable, se habrían retirado los cargos.  

San Quintín, fundada en 1852 en el idílico condado de Marin, es la prisión en activo más antigua de California, y hasta hace poco ostentaba el mayor corredor de la muerte del país. Vista desde lejos, sobresaliendo hacia la bahía de San Francisco bajo el majestuoso pico del monte Tamalpais, parece un monasterio tibetano, pero durante el encarcelamiento de Cowell, las ejecuciones eran habituales. Llegó allí el 8 de jul de 1936 y entró en la celda 1841. Tenía 39 años. 

Es difícil imaginar la desmoralización, la decepción y la conmoción que debió de sentir Cowell al entrar en aquellos muros de la prisión. En su primer año, fue asignado a trabajos agotadores en la fábrica de yute, pero incluso en este entorno lúgubre, estaba haciendo música en su mente. Según Henry Cowell: A Man Made of Music de Joel Sachs: 

"Tras pasar años entrenándose para tocar difíciles ritmos simultáneos, practicando incluso en el metro, Henry adaptó los movimientos físicos que exigía la máquina de yute como ejercicios de ritmos irregulares. Sus espasmódicos gestos no tardaron en llamar la atención, que es lo último que desea un preso. Los compañeros de trabajo empezaron a cuestionar su cordura; los supervisores podían denunciarle por comportamiento inexplicable. Al final dejó de hacerlo". 

Pero el espíritu optimista de Cowell era indomable. Empezó a enseñar historia de la música, teoría, apreciación y composición a miles de presos, y pronto dirigió una banda y una orquesta, a las que los reclusos clamaban por unirse. Escribió un provocador tratado de teoría musical titulado La naturaleza de la melodía y varios ensayos. Formó un grupo de música de cámara con su compañero Raoul Pereira, que había estudiado con Joseph Joachim, amigo íntimo de Brahms. Aprendió japonés y español, y estudió shakuhachi y saxofón. Dio clases de composición a Harrison, que le visitó en San Quintín, al igual que Martha Graham, Carlos Chávez y Leopold Stokowski. Creó una biblioteca para prestar música, libros e instrumentos a los reclusos. Lo mejor de todo es que consiguió escribir más de sesenta composiciones innovadoras durante esos cuatro años. Incluso cuando estaba en la cárcel del condado de San Mateo, a la espera de sentencia, había compuesto su Cuarteto "United", que abarcaba diversos estilos y perspectivas. En San Quintín escribió una obra radical para piano en tres movimientos que anticipa las complejas invenciones polirrítmicas de finales del siglo XX, yuxtaponiendo compases como 13 contra 7 y 11 contra 9 (años antes, Cowell había inventado, con Leon Theremin, el Rhythmicon, que reproducía los ritmos de relaciones complejas según las relaciones de tono entre las series de sobretonos). También escribió dos inquietantes partituras con voz sin palabras, y Toccanta, e inventó la forma elástica, en la que varios módulos de la pieza pueden reordenarse, repetirse u omitirse. Esto le permitió trabajar con coreógrafos "externos" cuyas danzas necesitaban música de duración flexible, que pudiera adaptarse a distintas ocasiones. Cowell utilizó la forma elástica para una representación de Las bodas de la Torre Eiffel, de Jean Cocteau, para la que Cage le había invitado a contribuir con una partitura, y también en su Suite Amerind, que ofrece al pianista cinco posibles versiones enlazadas diferentes.  para piano combina un rollo irlandés, virtuosismo lisztiano y enérgicas cascadas de grupos de acordes. Otra fascinante composición de los años de San Quintín es para el sexteto de percusión de Cage, escrita en compás de 7/8 para bloques de madera y bocas de dragón, tambores chinos, cuencos de arroz y gongs, platillos, tubos y tambores de freno (fue Cowell quien llevó a Cage y Harrison a los desguaces en busca de instrumentos de percusión). De las docenas de composiciones que escribió en San Quintín, muchas se encuentran entre sus mejores obras, tanto más sorprendentes teniendo en cuenta las duras circunstancias.  

Los proyectos musicales de Cowell y su experiencia carcelaria se cruzaron de forma interesante. Su concertino en la orquesta era W.E.J. Hendricks, que había robado y estrangulado a un hombre y arrojado su cadáver a un barranco. Hendricks se convirtió en el protector de Cowell, dejando claro a los internos más agresivos que no se le podía tocar. Cowell escribió a Slonimsky: "No puedo transmitirle lo extraordinaria que es la experiencia de ser arrojado a un grupo tan variopinto... todo el asunto es realmente una experiencia que, si no se prolonga demasiado, uno no desearía haberse perdido". 

Cowell podría haber permanecido entre rejas durante toda su condena de quince años si no hubiera sido por incansables defensores como su madrastra Olive, la estudiosa de la música folk Sidney Robertson (su futura esposa) y compañeros compositores como Percy Grainger, que consiguió la libertad condicional de Cowell en 1940 ofreciéndole un trabajo de secretaría en su casa de White Plains, Nueva York. Otro factor decisivo fue el recién elegido gobernador de California, Culbert Olson, que quería reformar las prisiones del estado: su primer acto fue indultar a un activista sindical que había cumplido veinte años por un delito que no había cometido. Uno de sus colaboradores señaló que Cowell "se había declarado tontamente culpable de un cargo moral que nunca debería haberse presentado". Cuando Cowell fue finalmente puesto en libertad, el jefe del Departamento de Educación de San Quintín le escribió: "El Departamento de Música de San Quintín no es un Departamento de Música sin Henry Cowell. Era suyo y sin él ya no lo es. Nunca habrá otro que pueda ocupar su lugar". En 1942, Cowell recibió el indulto total. 

 

Tras un año bajo la tutela de Percy Grainger, se casó con Sidney Robertson y vivieron felices juntos hasta su muerte en 1965. Viajaron a Irán, India y Japón, y él incorporó lo que oía a sus composiciones. Se mantuvo ocupado, enseñando "Música de los pueblos del mundo" en la New School for Social Research (había impartido la misma clase en la década de 1930 en San Francisco), componiendo y trabajando para la Oficina de Información de Guerra en emisiones de radio. Escribió cientos de artículos sobre otros compositores y sobre música no occidental. Pero a pesar de algunas composiciones aventureras como Ongaku y la mayor parte de la música que escribió durante esta época fue mucho más moderada y conservadora, y nunca expresó la alegría desbordante de su obra anterior. También moderó sus ideas políticas radicales. Conlon Nancarrow recuerda que conoció a Cowell en 1947: "La impresión que me dio es que era una persona aterrorizada, con la sensación de que 'van a por él'". En 1963, grabó 20 de sus piezas juveniles piano, con comentarios hablados sobre sus orígenes. Había dedicado gran parte de su vida a apoyar y defender a sus compañeros compositores, pero vivió para ver cómo compositores más "serios", como Stockhausen, Boulez y Crumb, capitalizaban sus propias innovaciones musicales sin darle crédito. 

En general, las cosas han cambiado a mejor en el último medio siglo. Apenas una generación después del encarcelamiento de Cowell, sus dos alumnos más cercanos, Harrison y Cage, pudieron vivir orgullosamente como homosexuales, con sus parejas de por vida a su lado. El matrimonio entre personas del mismo sexo es ahora un derecho garantizado en Estados Unidos. En 2003, el Tribunal Supremo dictaminó que el sexo oral consentido entre adultos es legal en todos los estados. En marzo de 2023, el gobernador Newsom anunció una importante reforma de San Quintín para convertirlo en "el centro de justicia reparadora más importante del mundo", centrado en la rehabilitación y la educación. Hay que reconocer el progreso y, con ejemplos tan positivos, es tentador encontrar consuelo en la idea de que la detención y el encarcelamiento de Cowell pertenecen a un pasado lejano. 

Sin embargo, historias trágicas como la de Cowell no han desaparecido. No le iría bien en Florida, con su proyecto de ley "No digas gay" aprobado en 2022, ni en Alabama, donde la protección de las comunidades LGBTQ es casi inexistente. Y a pesar de la reforma, las siniestras maquinaciones del complejo industrial penitenciario siguen castigando infracciones tan leves como la de Cowell. En última instancia, la historia de Cowell no trata de su tragedia, sino de su valentía y persistencia en las circunstancias más adversas, de su determinación para crear y de la extraordinaria música que legó a las generaciones futuras. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de The Trumpet of Angus Og y la Sinfonietta para Orquesta de Cámara, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken, dirigida por Michael Stern.  

NAGRELA editores presenta: BIBI. Mi historia / Benjamín Netanyahu

 

Pappo

 

Norberto Aníbal Napolitano, más conocido como Pappo, nació en Buenos Aires, Argentina, el 10 de marzo de 1950, y murió en Luján, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 24 de febrero de 2005. Músico, tocaba guitarra, bajo, piano y armónica, cantante, compositor y actor. 

El sitio www.fundacionkonex.org publicó este recordatorio. 

Norberto "Pappo" Napolitano 

2005, Música Popular, Diploma al Mérito 

1995, Música Popular, Diploma al Mérito 

1985, Música Popular, Diploma al Mérito 

Pappo Napolitano 

Premio Konex 2005: Solista Masculino de Rock / Post Mortem 

Premio Konex 1995: Instrumentista / Conjunto de Rock 

Premio Konex 1985: Instrumentista / Conjunto de Rock 

Nació el 10/03/1950. Premio Konex 2005. 1995 y 1985. Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada (PK), en Los Gatos, Manal (PK) y La Pesada del Rock and Roll. En 1970 formó Pappo’s Blues, con David Lebón y Black Amaya, con quienes tocó hasta 1980 y grabó 7 discos. En 1981 formó Riff, con quienes grabó 7 álbumes de estudio, como Ruedas de Metal y Macadam… 3, 2, 1, 0 (1981), Contenidos (1982), VII (1985), Zona de Nadie (1992), Que sea rock (1997) y otros tantos en vivo. Con ambas bandas tocaría en forma simultánea. También actuó como solista grabando 6 álbumes y con Aeroblus, con quienes editó 3 discos. Tocó con grandes del blues y del rock internacional como John Bonham, de Led Zeppelin; Lemmy, de Mötorhead y B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994. Falleció el 25/02/2005. 

Biografía ampliada 

Norberto "Pappo" Napolitano (10/03/1950 - 25/02/2005) fue el guitarrista de blues más importante del rock argentino. Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada y también en Los Gatos (con quienes grabó dos discos). Participó en Conexión Nº5, en La Pesada del Rock and Roll y fugazmente en Manal. En 1970 formó su primera banda, Pappo´s Blues, con David Lebón y Black Amaya. Esta agrupación perduraría hasta 1980 y registraría 7 discos en total, aunque la alineación cambiaría en varias oportunidades. 

Con Alejandro Medina y Junior Castello armó Aeroblus, una efímera experiencia grupal tras la disolución de Pappo´s Blues, que no prosperaría justamente, por los reencuentros de este grupo. 

Pappo viajó constantemente por Europa y Estados Unidos, para mantenerse en contacto directo con las bandas del género y para conocer de cerca las nuevas tendencias. Una de sus giras más importantes fue tras la disolución de Aeroblus, en 1978, acompañando durante seis meses a Peter Green. También tocó con el bajista Lemmy Kilmister, en la banda que luego se conocería como Motörhead. De regreso en Buenos Aires formaría Riff, su siguiente agrupación. Acompañado por Michel Peyronel, Héctor "Boff" Serafine y Juan García Haymmes, este grupo grabaría cinco LPs y es considerado como el principal responsable del auge del rock and roll en la Argentina en la década de los ´80. 

En 1984 decidió comenzar su carrera solista. Para ello se presentó en Obras junto al grupo Boxer, donde se grabó un álbum doble bautizado "En Concierto". Inesperadamente, no recibió el mismo apoyo del público que con su banda, por lo cual se unió nuevamente a Vitico para la continuación de Riff. 

Tras grabar y presentar "Pacto diabólico" (1987), Pappo se instaló en Los Angeles y formó una nueva banda, bautizada The Widow Maker ("el hacedor de viudas"). Con ella realizó una mini gira por América del Sur y por 24 ciudades de Estados Unidos. 

Con la participación de Javier Martínez y Alejandro Medina (dos tercios de Manal) grabó "Blues Local" (1992), un celebradísimo LP que resucita el tema "Una casa con diez pinos". Su banda estaba integrada por Black Amaya (batería), Miguel Botafogo (guitarra), Luis Robinson (armónica) y Pato Frasca (teclados). La presentación del disco tuvo lugar en Racing. Para fines de año toca junto a B.B.King en Obras y luego telonea a los Guns N´Roses en River. A mediados de 1994, Pappo gira nuevamente por Estados Unidos y se presenta por segunda vez con B.B.King, en el Madison Square Garden de New York. Parte de esa gira es editada en "Pappo sigue vivo". En 1995 retornó con Pappo´s Blues, al presentar "Caso cerrado". Siguió tocando con la banda esporádicamente y grabó “El auto rojo” en 1999, su último disco oficial con dicha banda. 

Mientras tanto en los ’90 además de sus proyectos solistas y Pappo’s Blues, siguió tocando con Riff, con quien grabaron un disco en vivo “En La Plata” en 1996 y “Que sea Rock” en 1997, otra joya del rock nacional. En 2005 sacaron un DVD doble llamado “Riff, la Historia vol. 1 y 2”. Pappó obtuvo 3 veces el Premio Konex en 1985, 1995 Y 2005. 

Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad bonaerense de Luján como consecuencia de un accidente de tránsito. Sus restos fueron despedidos al día siguiente en el panteón de músicos de SADAIC en el cementerio de la Chacarita (Capital Federal, Argentina) por sus seres queridos y por una multitud de fanáticos que no cesó de corear sus canciones y su nombre. 

En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires se ha levantado un monumento a su memoria, situado en la plazoleta Roque Sáenz Peña (Juan B. Justo, Boyacá, Remedios de Escalada de San Martín y Andrés Lamas). La radio FM Rock & Pop inauguró un estudio que lleva su nombre. 

Discografía 

Con Los Abuelos De La Nada 

La Estación, 1968 

Con Los Gatos 

Beat Nº1, 1969 

Rock de la mujer perdida, 1970 

Solista 

Pappo en concierto, 1984 

Widow Maker, 1989 

Blues Local, 1992 

Pappo & Deacon Jones, 1993 

Pappo sigue vivo, 1994 

Pappo y amigos, 2000 

Buscando un amor, 2003 

Pappo's Blues 

Pappo's Blues Volumen 1, 1971 

Pappo's Blues Volumen 2, 1972 

Pappo's Blues Volumen 3, 1973 

Pappo's Blues Volumen 5, Triángulo, 1974 

Pappo's Blues Volumen 4, 1974 

Pappo's Blues Volumen 6, 1975 

Pappo's Blues Volumen 7, 1978 

Hombre suburbano, 1994 

Pappo's Blues Volumen 8, Caso cerrado, 1995 

El auto rojo, 1999 

Aeroblus 

Aeroblus, 1977 

Riff 

Ruedas de metal, 1981 

Macadam 3...2...1...0, 1981 

Contenidos, 1982 

En acción, 1983 (en vivo) 

Épico, 1984 (recopilación) 

VII, 1985 

En vivo en Obras, 1995 (en vivo) 

Riff'n Roll, 1986 (en vivo) 

Palladium 86, 1996 (en vivo) 

Zona de nadie, 1992 

En La Plata, 1996 (en vivo) 

Que sea rock, 1997 

La Historia vol. 1 y 2, 2005 (DVD) 

Hoy No Es Hoy 

Esto fue un proyecto iniciado por Pappo hacia mediados de la década de 1980, orientado hacia el Heavy Metal Tradicional. Plan Diabólico, 1987 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Rock And Roll Y Fiebre.