Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Ha ganado tres Emmy y ha compuesto las bandas sonoras de películas tan diversas como Obsesión, La mansión encantada, Hermano oso, Training Day/Día de entrenamiento, Speed/Máxima potencia, Dos policías rebeldes, Moll Flanders, Con Air/Convictos en el aire y Twister. También produjo la canción "Rocking the Suburbs", para la película de animación Vecinos invasores.
Realizó los arreglos y produjo tres temas de Elton John para El rey león, por lo que ganó el Grammy al Mejor Álbum Infantil y dos Premios American Music al Mejor Álbum Pop. Como productor fue galardonado con dos Grammy por "The Lion King Cast Album" y con el Grammy al Mejor Álbum de una Banda Sonora por la película de animación Tarzán.
Para Broadway, compuso, produjo y se ocupó de los arreglos de la música adicional del musical El rey león, premiado por los Tony, y por el que compartió una nominación a un Tony a la Mejor Música Original.
Para televisión ha compuesto la música de "Mentes criminales", "De la tierra a la luna", "Believe", "Soldier of Fortune", "Poltergeist: el legado", "Millenium" y "Space Rangers".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con el Prólogo de la película Moana.
Israel es un libro abierto de historia bajo tierra. Cada excavación nos permite tocar el mundo bíblico con las manos. En el programa de hoy, Cayetana Johnson, arqueóloga y profesora, nos contará acerca de los hallazgos arqueológicos en Jerusalén, en la Ciudad de David.
Hugo Avendaño Espinoza nació en Tuxpan, Veracruz, México, el 8 de marzo de 1927, y murió en la Ciudad de México, México, el 5 de enero de 1998. Barítono y actor.
Con una carrera artística de más de 48 años que inició en 1950 en Bellas Artes y que se apagó con su muerte el 5 de enero de 1998, es considerado el más grande barítono de México y gracias a su extensa carrera como interprete se ganó la simpatía del público no solo de nuestro México, el canto de este ejemplar artista oriundo de la ciudad de Tuxpan, traspaso nuestras fronteras.
Nació el 8 de marzo de 1927 en la ciudad de Tuxpan, Veracruz. Vivió en una época en que los grandes tenores como Jorge Negrete o Pedro Vargas acaparaban la atención del público en nuestro país, no obstante, la figura de esa voz inconfundible se abrió paso y llegó a ser una de las figuras de la música popular, hay quienes recuerdan melodías como Adiós Mariquita linda que fue muy conocida a mediados de los años sesenta.
Como muchos otros artistas estudió la carrera de Medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México la que dejó por seguir lo que le dictaba el su corazón ingresando a la Academia de canto del maestro José Eduardo Pierson un reconocido cantante y declamador de origen francés, que también fue el maestro de los más destacados cantantes del momento, posteriormente continuó sus estudios con afamados tutores en los Estados Unidos principalmente.
Su debut lo hizo en el Palacio de Bellas Artes en la ópera Aida de Guiseppe Verdi, viajó por varios estados del territorio nacional interpretando ópera, cinco años después se inclina por la interpretación de la música popular iniciando con ello sus actuaciones en radio, fue figura indiscutible en el programa La hora azul de la XEW y posteriormente en la televisión.
Fue su madre de origen chiapaneco hija de un capitán revolucionario quien le dio el impulso alentándolo siempre a seguir con su carrera artística acompañándolo en sus actuaciones cada vez que le era posible. Su voz ha sido reconocida como una de las auténticas joyas a las bellas interpretaciones de este gran barítono posiblemente el más grande de habla hispana; siendo reconocido con más de noventa premios y condecoraciones a lo largo de su carrera en Latinoamérica, El Caribe, Europa y los Estados Unidos lugares en los que se presentó de forma exitosa.
Participó en los programas de Televisión De visita a las siete, El estudio de Pedro Vargas, Variedades de medianoche, Noches Tapatías y presentaciones en diversos programas. También hizo varias películas entre ellas se encuentran El gallo colorado, Melodías inolvidables y La Valentina con María Félix.
Dentro del terreno musical destaca como uno de los mejores intérpretes de importantes veracruzanos como Agustín Lara, María Grever, Francisco Gabilondo Soler, y Lorenzo Barcelata, entre muchos otros.
Se caso con la soprano Graziella Garza con la que compartió el escenario en muchas ocasiones. Hugo grabó más de 50 discos, como no recordar melodías como Un viejo amor o Júrame. Interpretaba una canción escrita por Daniel Pérez Arcaraz quien fue un legendario conductor de un programa de anuncios que pasaban en un rotafolio con Madaleno llamado El club del hogar, la melodía se llama Mientes y era de las favoritas de su círculo de amistades.
Muchos de los grandes autores de las canciones románticas de aquel entonces fueron grabados por Hugo Avendaño, poseedor de una técnica y un estilo propio, en 1993 se le diagnostico cáncer de páncreas que lo llevaría a un fatal desenlace cinco años después el 5 de enero de 1998.
Christopher Taylor White, más conocido como Chris White, nació en Barnet, Hertfordshire, Reino Unido, el 7 de marzo de 1943. Cantante, bajista, compositor y productor discográfico.
El sitio de Facebook: Efemérides Políticas, Históricas, Sociales y Culturales, de Enrique Hopman, publicó esta biografía.
Cumple 82 años Chris White, de The Zombies.
Christopher Taylor White nace el 7 de marzo de 1943 y es un cantante, compositor, músico y productor discográfico británico.
La carrera musical de White abarca más de 50 años. Saltó a la fama a mediados de la década de 1960 como bajista y vocalista ocasional del grupo de rock británico The Zombies. White es uno de los principales compositores de la música de The Zombies, y realizó importantes contribuciones líricas a las canciones de la banda. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2019 como miembro de The Zombies. White sustituyó al bajista inicial de The Zombies, Paul Arnold, y se convirtió en uno de los dos principales compositores de la banda, junto a Rod Argent. Escribió dos temas en su álbum de debut en Estados Unidos, The Zombies, publicado en enero de 1965. En el álbum de debut en el Reino Unido, Begin Here, compuso tres temas. Para las actuaciones de The, Zombies en la película de 1965 Bunny Lake Is Missing, White escribió "Nothing's Changed" y "Remember You". También escribió siete de las doce canciones del segundo y último álbum de la banda y obra maestra generalmente reconocida, Odessey and Oracle. White también contribuyó con la voz principal en "Butcher's Tale (Western Front 1914)" y un verso de "Brief Candles". Algunas ediciones de She's Not There atribuyen a Chris la autoría en lugar de a Rod Argent.
Su canción "I Love You", grabada originalmente por The Zombies en 1965, fue un éxito para el grupo People! en 1968.
Aunque White no es miembro de la formación actual de The Zombies, se ha vuelto a unir al grupo en varias giras con la formación original superviviente entre 2008 y 2019 para tocar Odessey and Oracle en su totalidad. Tras la desaparición de The Zombies, White contribuyó a la composición y producción de canciones en la carrera en solitario de Colin Blunstone y en la nueva banda de Rod Argent, Argent. Con Argent coescribió su éxito de 1972 "Hold Your Head Up". En 2007, como parte de la banda White Circle, coescribió, coprodujo y actuó en el álbum The Key con su hijo Matthew White y su esposa Vivienne Boucherat.
También en 2007/2008, White coprodujo y tocó en el álbum Featherhead para su hijo menor, el cantautor londinense JJ White.7 En marzo de 2008, White inició una serie de actuaciones en directo con los otros tres miembros supervivientes de The Zombies, incluyendo las primeras actuaciones completas del álbum Odessey and Oracle, para celebrar el 40º aniversario de su publicación.
Desde 2019, Chris ha estado publicando material inédito bajo el nombre de serie The Chris White Experience con actuaciones de un gran número de artistas conocidos. Hasta julio de 2021, ha publicado cinco volúmenes de canciones y un álbum inédito del grupo Sparrow.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Time of the Season, durante la presentación en el Salón de la Fama del Rock & Roll, en 2019.
El presidente del Gobierno de España, Pedro Sánchez (Eduardo Parra - Europa Press)
El peor daño que puede hacerse al noble concepto del pacifismo es usarlo de manera falaz, oportunista y vacua. Lógicamente, cualquier persona de bien rechaza la guerra, tanto como ama la paz, pero proclamar el amor por la paz no implica, automáticamente, garantizarla.
Al contrario, cuando se trata de la paz de los cementerios, la guerra puede ser el único camino para conseguir frenar la agresión y garantizar la paz.
Es el eterno dilema Chamberlain-Churchill, cuando el primero quería evitar la guerra con Hitler con su apaciguamiento, y solo obtuvo lo que Churchill convertiría en una frase para la posteridad: “Os dieron a elegir entre el deshonor o la guerra. Elegisteis el deshonor y ahora tendréis la guerra”.
Desgraciadamente, la historia está llena de ejemplos en este mismo sentido. La guerra de Estados Unidos e Israel contra el régimen iraní plantea esa misma tesitura, al tiempo que deja en evidencia a los Chamberlain de nuestro tiempo, tanto aquellos que viven en el Nirvana feliz, como quienes son plenamente conscientes de usar el “no a la guerra” como un señuelo para cubrir sus miserias internas.
Y, de entre todos, Pedro Sánchez es un ejemplo de manual. Enfrentarse a Trump, enfundarse en un pacifismo impostado y azuzar el “no a la guerra” (cacofonía del lema que llevó a Zapatero al poder en 2004), no es el resultado de su amor por Gandhi, sino una estrategia perfectamente definida para mantenerse en el poder.
La confrontación con Trump alimenta el patriotismo antiamericano de la izquierda española -aumentado por su odio acerbo a Israel-, distrae a la ciudadanía de sus miserias políticas y da munición para el miedo. En la diana, el objetivo de mantenerse en el poder y ganar las próximas elecciones que, si lo del choque con Trump va bien en términos de popularidad, podrían avanzarse muy pronto.
Es así como un presidente que no tiene mayoría parlamentaria, ni consigue aprobar ninguna ley importante porque carece de consenso, ni tiene presupuestos, ni puede conseguirlos, y que tiene a parte de su cúpula bajo togas judiciales por corrupción, se pone la capa anti Trump y se convierte en un héroe.
Ya no importan ni los amigos en la cárcel, ni los líos de corrupción, ni la falta de presupuestos, ni nada, porque don Pedro ha encontrado otro divertimento con el que saciar el hambre ciudadano.
Lo más increíble es que además todo es pura impostura, porque en realidad los aviones americanos están saliendo de Morón y Rota y España participará en la guerra, eso sí, medio embarazada: que no, pero que sí.
El eterno estilo de Sánchez de engañar a todo el mundo al mismo tiempo. Más allá del oportunismo de algunos, lo cierto es que la cuestión del derecho internacional y la defensa de la paz permite un debate de calado que tiene muchas aristas.
Es evidente que el derecho internacional, tal como se concibió después de la segunda guerra mundial, estalló por los aires hace mucho tiempo, convertido en una cáscara vacía que solo sirve para que regímenes terribles perpetren todo tipo de barbaridades y alimenten todo tipo de monstruos, asentados en su legalidad.
Y ello es tan evidente, que no se puede considerar que una acción militar como la que, por ejemplo se produjo en Venezuela para capturar a Maduro, o la guerra contra Irán, sea un quiebre de dicho derecho internacional, si no se ponen todas las variables en juego.
¿Qué derecho internacional practicaba el régimen chavista que robaba los recursos, encarcela a los opositores y reprimía brutalmente a su pueblo, mientras desestabilizaba toda la región? ¿En nombre del derecho internacional se le podía permitir con sus atropellos? Y más cuando sus acciones políticas y sus alianzas geopolíticas representaban un serio problema para la seguridad y la estabilidad de toda la región.
Si ello era claro en Venezuela, en Irán es translúcido. Se trata de un régimen atroz que ha perpetrado una destrucción sistemática del derecho internacional desde su llegada en 1979. ¿Dónde estaba el derecho internacional, cuando Irán financia a grupos terroristas en todo Oriente Medio, responsables de centenares de atentados? ¿Dónde, cuándo utilizaba a sus ‘proxys’ para desestabilizar a todo Oriente Medio?
¿Dónde estaba, cuando las milicias de Hezbollah, armadas y entrenadas por la guardia revolucionaria, destruían literalmente el Líbano? ¿Dónde estaba el derecho internacional, cuando Irán perpetraba atentados en tierra argentina?
¿Dónde estaba este precioso e inviolable derecho internacional, cuando Irán ponía en marcha su carrera nuclear, y desde la ONU amenazaba con destruir a Israel? Es decir, amenazaba con asesinar a 9 millones de personas, y la ONU escuchándolo beatíficamente, porque el derecho internacional parece que se lo permitía.
Y puestos a preguntar, ¿dónde estaba el derecho internacional, cuando el régimen disparaba con munición real contra los manifestantes y mataba a miles de ellos?
Lo cierto es que el régimen no tenía, ni tiene ninguna intención de negociar una alternativa pacífica, ni convivir pacíficamente en la región. Al contrario, convirtió todo su potencial político y militar en un arma para colonizar el Líbano, destruir a Israel, dominar todo Oriente Medio y expandir sus tentáculos en otras zonas, como es el caso del hemisferio occidental latinoamericano.
Es un régimen innegociable, de manera que solo había dos salidas: o permitir que continuara creciendo su poderío, o pararlo en seco. Dicho de una manera abrupta, para conseguir la paz en Oriente Medio, había que hacer la guerra.
Ello lo saben bien los israelíes, que directamente se juegan su existencia. Pero no solo, y ahí está el silencio del resto de países de la región, sin que ninguno apoye a su violento vecino. Ni tan solo Rusia y China, que han hecho un ruidoso mutis. La soledad de Irán es la soledad del monstruo. Su caída, la única garantía de paz creíble y duradera.
David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, el 6 de marzo de 1946. Cantante, compositor, multiinstrumentista, toca guitarra, bajo, teclados, saxo, batería, armónica, kazoo, ukelele, banjo, steel guitar, pedal steel guitar y mandolina. También es productor discográfico, productor ejecutivo y piloto.
David Gilmour es guitarrista, vocalista y compositor de Pink Floyd, pero también es reconocido por su trabajo en solitario. David Gilmour y Roger "Syd" Barrett se conocieron de niños en Cambridge, Reino Unido, y más tarde comenzaron a tocar la guitarra juntos. En 1965, Syd cofundó Pink Floyd, mientras que David continuó tocando con sus propias bandas. En 1968, David fue invitado a aumentar la formación de Pink Floyd como cantante y guitarrista, pero Syd abandonó el grupo cinco conciertos después. La forma de tocar la guitarra, cantar y componer de David se convirtieron en factores clave del éxito mundial de Pink Floyd, incluyendo su distintiva voz y guitarra en The Dark Side Of The Moon, el tercer álbum más exitoso de todos los tiempos.
En 1978, David lanzó su primer álbum en solitario, David Gilmour, que apareció en las listas del Reino Unido y los Estados Unidos. Su segundo álbum en solitario, About Face, fue lanzado en 1984, llegando nuevamente al Top 20 en el Reino Unido.
David asumió el control de Pink Floyd en 1985, creando el nuevo álbum de Floyd, A Momentary Lapse Of Reason, junto a Richard Wright y Nick Mason. En 1994, le siguió The Division Bell, que incluía la pieza instrumental «Marooned», compuesta por Richard Wright y David, ganadora de un premio Grammy. Ambos álbumes alcanzaron el número 1 en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y fueron respaldados por giras mundiales con entradas agotadas.
En 1996, Pink Floyd fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll de Estados Unidos, seguido por el mismo honor en el Reino Unido en noviembre de 2005.
David es uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, con un sonido instintivo y distintivo. Fue elegido "Mejor Guitarrista Fender de la Historia" en una encuesta de la revista Guitarist, superando a figuras como Jimi Hendrix y Eric Clapton. En 2005, David fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE) por sus servicios a la música.
El 6 de marzo de 2006, David lanzó su tercer álbum en solitario, On An Island, que entró en las listas británicas en el número 1, alcanzando posteriormente la primera posición en las listas paneuropeas y obteniendo múltiples discos de platino en todo el mundo. La gira del álbum incluyó una actuación única en los históricos astilleros de Gdansk, Polonia, con una orquesta de 40 músicos dirigida por Zbigniew Preisner y un espectáculo en el Royal Albert Hall de Londres, filmado por el director David Mallet y estrenado en 2007 como Remember That Night – Live At The Royal Albert Hall, que encabezó las listas tras su lanzamiento.
En mayo de 2008, David recibió el Premio Ivor Novello a la Trayectoria de la Asociación Británica de Compositores y Autores de Canciones. En septiembre de 2008, Fender Guitars lanzó su modelo David Gilmour Signature Black Strat, en versiones «Relic» y «New Old Stock».
En 2009, David recibió un Doctorado Honoris Causa en Artes de la Universidad Ruskin de Cambridge en East Anglia por su destacada contribución a la música como escritor, intérprete e innovador.
En septiembre de 2014, Pink Floyd lanzó The Endless River y David confirmó que sería el último álbum de la banda y encabezó las listas en más de 20 países.
El siguiente álbum de David, Rattle That Lock, se lanzó en 2015 y alcanzó el número 1 en 13 listas de éxitos mundiales y el número 2 en otras ocho, llegando al Top 5 en un total de 25 listados. La gira mundial que lo acompañó vio a David ofrecer dos espectaculares conciertos en el legendario Anfiteatro de Pompeya, a la sombra del Vesubio, 45 años después de su primera actuación allí para la película clásica de Adrian Maben, Pink Floyd Live At Pompeii.
Los conciertos fueron las primeras presentaciones de rock con público en el antiguo anfiteatro romano, construido en el año 90 a. C. y sepultado bajo cenizas tras la erupción del Vesubio en el año 79 d. C. La película de estos espectáculos, dirigida por Gavin Elder, lideró la taquilla en Italia, Alemania y Francia, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido. David Gilmour Live At Pompeii se lanzó en Blu-ray, vinilo, CD y DVD en septiembre de 2017 y alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido y el primer puesto en Italia.
En junio de 2019, David recaudó 21,5 millones de dólares en la venta de más de 120 de sus instrumentos y artefactos en Christie's. Donó lo recaudado a Client Earth, una organización benéfica que utiliza el poder de la ley para proteger el planeta y a sus habitantes.
David Gilmour y Nick Mason reactivaron Pink Floyd para grabar "Hey Hey Rise Up" el 30 de marzo de 2022 con Andriy Khlyvnyuk, de la banda ucraniana Boombox. Todas las ganancias netas se destinaron a organizaciones benéficas para ayudar a aliviar el sufrimiento del pueblo ucraniano.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Shine On You Crazy Diamond Brilla, diamante loco, en vivo en Pompeya.
GARCÍA — 3.8 Millones Con Este Apellido Son Judíos Sin Saberlo | Inquisición Reveló 75%
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta: GARCÍA — 3.8 Millones Con Este Apellido Son Judíos Sin Saberlo | Inquisición Reveló 75% APELLIDO GARCÍA = JUDÍO OCULTO (75% estadísticamente) 3.8 millones de personas llevan apellido García en España. 75% descienden de judíos conversos según documentos históricos. Test de ADN lo confirma: García promedio = 65% judío sefardí.
TRES CASOS REALES:
María García (Salamanca) - ADN: 67% judía
Pedro García García (Sevilla) - ADN: 72% judío (endogamia conversa)
Antonio García (Toledo, profesor) - ADN: 58% judío
POR QUÉ GARCÍA: Estrategia conversa 1492: elegir apellido cristiano obvio para camuflaje. García explotó 3,400% post-expulsión (censo 1480: 830 familias → 1495: 28,400 familias). Inquisición lo documentó como "apellido sospechoso por abundancia súbita".
Universidad Salamanca - Estudio apellidos conversos (2022) Prof. Ana Díaz Medina.
Archivo General Simancas - Censos 1480-1500.
Archivo Histórico Nacional - Sección Inquisición.
MyHeritage/23andMe - Datos genéticos agregados.
DISCLAIMER: Es un contenido educativo basado en la investigación histórica y datos genéticos. La información se presenta en formato storytelling para una mejor percepción.
Los porcentajes de ADN, las fechas y los hechos provienen de Fuentes disponibles, pero pueden tener errores. Recomendamos verificar la información usted mismo.
La galardonada Elaine Paige, actriz, cantante, productora y presentadora de radio, ha hecho una contribución única e importante al musical teatral. Ha protagonizado más musicales de gran éxito del West End y Broadway que nadie más de su generación: Hair, Jesucristo Superstar, Billy, Anything Goes, Piaf, Sunset Boulevard, El rey y yo, Sweeney Todd, The Drowsy Chaperone, Follies, originando el galardonado papel de Eva Peron en Evita, seguido de Grizabella en Cats y Florence en Chess. Elaine ha definido los musicales, establecido estándares y en 1995 Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó un OBE por sus servicios al Teatro Musical. En junio de 2025, Su Majestad el Rey Carlos III nombró a Elaine Dama por sus servicios a la Música y la Caridad.
Una emocionante artista en vivo, con presentaciones en conciertos por todo el mundo, desde la Casa Blanca, el Gran Salón del Pueblo en Pekín y la Ópera de Sídney hasta el Bolshoi, el Lincoln Center de Nueva York y el Royal Albert Hall de Londres. Elaine ha grabado 22 álbumes en solitario, trabajando con productores como Tony Visconti, Dennis Lambert, Peter Matz y Phil Ramone, y artistas como Freddie Mercury, Queen y Abba. Elaine ha participado en 7 álbumes de reparto, ha obtenido ocho discos de oro consecutivos y cuatro multiplatino, logrando éxitos que encabezaron las listas, incluyendo Memory, Don't Cry For Me Argentina y I Know Him So Well, que se han convertido en sus sellos distintivos.
Otros trabajos escénicos incluyen The Misanthrope (Piccadilly Theatre) con Sir Peter Hall y Where There's A Will (Yvonne Arnold Theatre) de Feydeau. En 2014, Elaine celebró sus 50 años en el escenario con un concierto en el Royal Albert Hall, I'm Still Here, que se filmó y proyectó en cines de todo el mundo. En Navidad de 2017, Elaine interpretó a la malvada Reina Rata en el espectáculo de pantomima Dick Whittington del London Palladium, que ganó un premio Olivier al mejor entretenimiento y familia, y Elaine ganó el premio a la mejor villana en los Great British Panto Awards.
El trabajo televisivo de Elaine incluye Beautiful People (BBC), A Murder is Announced (Granada/WGBH), Where The Heart Is (Granada Television), su propia serie de televisión The Elaine Paige Show (Sky Arts), Midsummer Night's Dream (BBC), Home From Home (BBC), Midsomer Murders (ITV), All Star Musicals (ITV); Musicales: The Greatest Show (BBC), Life (BBC) y Father Brown (BBC).
Elaine continúa siendo una de las presentadoras estrella de BBC Radio 2 con su propio programa de mediodía, Elaine Paige On Sunday, que ya está en su año número 21 y atrae regularmente a más de 2,5 millones de oyentes cada semana.
Ha sido galardonada con numerosos premios: Premio Olivier a la mejor actriz en un musical y premio Variety Club a la personalidad del mundo del espectáculo del año (1978); Premio Variety Club al artista musical (1986); Insignia de oro al mérito de la Academia Británica de Autores, Compositores y Cantautores (1994); Orden del Imperio Británico por sus servicios al teatro musical (1995); Premio Variety Club a la mejor actriz (1995); Premio HMV a la trayectoria (1996); Premio a la trayectoria de la Asociación Nacional de Ópera y Drama (1999); Presentación especial del Variety Club por 40 años en el escenario (2009); Título honorario de Doctor en Letras por la Universidad de East Anglia y la Academia Mountview de Artes Teatrales (2012); Premio Variety a la trayectoria (2016), Doctor honorario en Artes de la Universidad de Hertfordshire (2017) y Premio Lady Ratings Carmen Silver al logro destacado (2023). Fuera de su horario de trabajo, Elaine apoya a varias organizaciones benéficas cercanas a su corazón, entre ellas The Dan Maskell Tennis Trust, The Children's Trust Tadworth, EveryChild, The Royal Voluntary Service, Breast Cancer Campaign, Noah's Ark Hospice, The Lady Taverners, Support Dogs, West End Woofs y St Thomas' Lupus Trust, entre otros.
Jean Bernard Wilen, más conocido como Barney Wilen, nació en Niza, Francia el 4 de marzo de 1937, y murió en París, Francia, el 25 de mayo de 1996. Saxofonista y compositor.
De padres y tíos americanos, uno de ellos le regaló un saxo contralto empezando así su afición por la música, Barney Wilen (4 de marzo de 1937, Niza, Francia – 25 de mayo de 1996, París), vivió con sus padres en América entre 1940 y 1946 y allí empezó a escuchar discos de jazz y a las orquestas que actuaban en la radio. En 1946 decide conocer su país de origen y cruza el charco en dirección a Francia donde no tardó en conocer a los músicos americanos instalados en la capital francesa; así conoció a Sidney Bechet, Ben Webster, Dexter Gordon o Don Byas. Su aparición en el Festival de jazz de Niza, su ciudad natal, fue para él un verdadero éxito y alternó el tocar en los clubes parisinos con la intervención como acompañante de algún músico americano.
Tras una breve estancia en Niza, donde abrió junto con Sacha Distel, Pierre Franzino y Paul Rovere, un club de jazz que tardó poco en cerrar dada la escasa audiencia que tenía, se marchó nuevamente a Paris donde encontró trabajo en las funciones matinales del Club St Germain en compañía de René Urtreger y Sacha Distel. Por aquella época, en 1957, estaba en Paris, Miles Davis grabando por encargo de Louis Malle la banda sonora de la película «Ascenseur pour lÉchafaud». Necesitaban un saxofonista tenor y echaron mano de Barney, quien consiguió ajustarse perfectamente al guión de la grabación. Con posterioridad a la grabación, la compañía realizo una gira por toda Europa que duro hasta 1958.
Para conocer de cerca la música de Coltrane y Sonny Rollins, Barney Wilen marchó a los Estados Unidos donde en compañía del grupo liderado por Art Blakey, «The Jazz Messengers» grabó la banda sonora del film de Roger Vadim: «Les Liaison Dangereuses» en 1959. También intervino en unas grabaciones jamás publicadas de Thelonious Monk para la Blue Note. Los siguientes cinco años, Barney Wilen alternó sus trabajos en Paris y New York. En 1969 viajó a África para rodar una película permaneciendo seis años apartado de los estudios de grabación y dedicó los últimos años de su carrera artística a difundir el jazz en todas sus formas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la presentación realizada durante el Festival de Jazz de Antibes, en julio de 1961. En esa oportunidad se presentó al frente de su cuarteto interpretando: En privado, Movimiento, Componentes de Winnie, Serenata para Patrick y Una noche en Túnez. Barney Wilen, en saxo; George Gruntz, en piano; George Joyner, en contrabajo; y Earl Buster Smith, batería.
Marco Antonio Muñiz apodado "El embajador del romanticismo" y "El lujo de México" es cantante, principalmente de baladas románticas.
Su voz es de una tesitura de barítono la cual llega a unas notas graves poderosas. El registro de barítono va desde un sol2 (siendo un do4 el do central del piano) a un mi4 (el mi de la primera línea del pentagrama en clave de sol).
Tabla de contenidos
* 1 Origen
* 2 Inicios
* 3 Carrera propia
* 4 Personajes relacionados
Origen
Muñiz nació en Guadalajara, Jalisco el 3 de marzo de 1933. Desde su infancia, mostró tener talento musical. Luego de formar parte del coro en una iglesia de Guadalajara y de varias agrupaciones musicales (principalmente de carácter improvisado) se traslada a Ciudad Juárez en 1946, lugar en donde no tuvo mucha suerte y decide regresar a su natal Guadalajara.
Como cantante no lograba reunir suficiente dinero para subsistir, por lo que durante sus años iniciales tuvo que mezclar su carrera artística con otros oficios tales como panadero y joyero (como recuerdo del oficio aún conserva un diamante en la muñeca izquierda). Su inquietud por la farándula lo traslada a la Ciudad de México y acepta trabajar como portero en la XEW y posteriormente como asistente parcial de cantantes como Libertad Lamarque y Benny Moré.
Inicios
Forma su primer trío llamado Los Diamantes y se presentan en uno de los cabarets más conocidos de la capital mexicana conocido como La Bandida. Es ahí donde conoce a Juan Neri y Héctor González quienes tocaban en el Trío Culiacán. Un día el tercer integrante del trío no llegó por lo que Muñiz se ofreció a suplirlo por ese día alegando saber tocar guitarra, lo cual era falso. Al llegar a la serenata, Muñiz confiesa y sus compañeros lo reprenden pero ya no había nada que hacer y no quedaba otra alternativa que darle un par de maracas para que acompañara mientras hacía la tercera voz. El atrevimiento valió la pena pues Neri y González quedaron sorprendidos con el estilo, originalidad y dulzura en la voz de Muñiz.
Eventualmente Juan Neri, primera voz, requinto y director del trío, le pidió quedarse a tiempo completo, en el cual tomó el papel de tercera voz en conjunto y las partes de solista. Luego de varias vicisitudes -principalmente rechazos-, fueron descubiertos por el empresario de una casa disquera quien los firma inmediatamente. Comenzaba a surgir uno de los tríos de mayor fama en la historia musical de Latinoamérica: Los Tres Ases, nombre que adoptaron por sugerencia de su nuevo manejador y escogido al azar entre varias opciones. Junto con Los Tres Ases consiguió grabar ocho discos de larga duración, de entre los cuales destacan grandes éxitos como: Contigo en la distancia, La enramada y Regálame esta noche, por mencionar algunas.
A finales de 1959 y principios de 1960 dos motivos provocan la salida de Muñiz del trío: las diferencias cada vez más frecuentes con Neri cuyo alcoholismo comenzaba a afectar al trío por su informalismo e inconstancia, y porque ya desde una gira que hicieron a Puerto Rico y otros países, varias personas allegadas a Muñiz le habían sembrado la inquietud de algún día probar como solista.
Carrera propia
Muñiz comienza en 1960 su carrera como solista con el tema Luz y Sombra.
En 1965, ya como solista reconocido y consolidado, comienza una gira tras otra que lo llevarían a los escenarios más importantes de Latinoamérica, Estados Unidos y España; cosechando éxitos como: Escándalo, delante, Compréndeme, Capullito de Alhelí, y Por Amor, entre muchísimos otros.
Por lo general las presentaciones de Muñiz han sido en una atmósfera privada tipo salones de hotel y ante públicos particulares, aunque no han hecho falta los conciertos en grandes recintos y estadios a lo largo de su carrera.
De sus álbumes, los de mayor éxito son:
* "Marco Antonio Muñiz con Los Trovadores Caribe"
* "Corazón Maldito"
* "Mi Novia es Guadalajara"
* "Interpreta A Gonzálo Curiel y Gabriel Ruiz
* "Salsa, la Manera de Marco Antonio" con el cual incursionò en la música tropical.
* "Mi Borinquen Querido", un homenaje a la música autóctona portorriqueña.
* "Homenaje a Pedro Infante"
* "Homenaje a José Alfredo Jiménez"
Aparte de sus múltiples álbumes y conciertos, Muñiz ha aparecido constantemente en programas televisivos a lo largo de Latinoamérica, principalmente en México y su amado Puerto Rico.
Marco Antonio Muñiz se ha retirado de los escenarios formalmente y limita sus apariciones a actividades especiales y muy ocasionales. Vive actualmente en su natal Guadalajara.
Personajes relacionados
Su hijo Jorge "Coque" Muñiz es también una personalidad de la industria del entretenimiento en México como conductor y comediante para la televisión.
Fue tal su fama en Puerto Rico que el nombre Marco Antonio se convirtió en algún momento en uno de los preferidos para bautismos. Marc Anthony, quien fue bautizado por su padre como Marco Antonio Muñiz en homenaje al cantante mexicano, cambió su nombre al que actualmente conocemos para evitar confusiones.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con una selección de sus grandes éxitos: Por Volverte a Ver, De qué Callada Manera, El Jibarito y Compréndela.
William Rory Gallagher, más conocido como Rory Gallagher, nació en Ballyshannon, Condado de Donegal, Irlanda, el 2 de marzo de 1948, y murió en Londres, Reino Unido, el 14 de junio de 1995. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba guitarra, armónica, mandolina y saxo.
Desde la muerte de Rory Gallagher, a los 47 años, el 14 de junio de 1995, su verdadera estatura se ha vuelto cada vez más evidente. Este irlandés de voz suave, caracterizado por su melena ondulada y su característico atuendo de obrero, era un artista excepcional. Gallagher fue un virtuoso autodidacta que forjó una revolución musical en su tierra natal, rehuyó las trampas de la fama y el estrellato, pero se convirtió en un héroe folclórico internacional aclamado universalmente.
La férrea devoción de Rory a su vocación nunca flaqueó y el respeto de sus colegas músicos era universal. Eric Clapton atribuyó a Gallagher el mérito de haberme "devuelto al blues"; los Rolling Stones intentaron que sustituyera a Mick Taylor. La influencia de Rory se extendió a lo largo de generaciones, desde Slash hasta Johnny Marr, desde The Edge de U2 hasta Brian May de Queen; cualquier aspirante a músico que lo conociera sin duda se revitalizaría o transformaría.
De todos los grandes guitarristas que surgieron tras la Segunda Guerra Mundial, Rory Gallagher estaba predestinado a convertirse en un Rey Guerrero Celta. Compartía su nombre con el último monarca nativo de Irlanda y nació (para el rock) en el Hospital Rock de Ballyshannon, Donegal, el 2 de marzo de 1948, mientras su padre trabajaba en la construcción de una central hidroeléctrica en el cercano río Erne.
Con el tiempo, ya fuera con potencia eléctrica o con maestría acústica, el modesto Gallagher se transformaría en un gigante musical, pero siempre conservó su esencia más humana, evitando efectos y artilugios superfluos en favor de su propio genio crudo, primitivo y experto en cuerdas. Reconocido como "el guitarrista del pueblo", Rory acumularía más de 30 millones de ventas, pero la conexión emotiva que creó con el público mundial fue mayor de lo que las estadísticas jamás podrían mostrar. La pasión de Gallagher residía en sus dedos; su sensibilidad, en el emocionante resultado de su trabajo duro y destreza, su energía incansable y su dinamismo.
Además de su destreza con la guitarra, la mandolina y, ocasionalmente, el saxofón, el talento de Rory para componer canciones le dio la plataforma perfecta para su talento vocal y instrumental. Ya fuera exuberantemente desbordante ('Walk On Hot Coals') o reflexivamente sutil (la cautivadoramente consciente 'A Million Miles Away'), sus composiciones estaban guiadas por un instinto instintivo y natural para el blues que residía en lo más profundo de su corazón y alma.
Siendo un preadolescente criado en Cork en la década de 1950, en un hogar sin tocadiscos, la férrea determinación que marcaría la carrera de Rory se hizo evidente rápidamente. El descubrimiento de Elvis y de los primeros rockeros lo llevó a buscar a maestros del blues en la radio de American Forces, como su posterior colaborador Muddy Waters. "¡Cuanto más escuchaba, más me enganchaba!", recordaría más tarde. Rory ya era una estrella local, ganadora de concursos de talentos, cuando recibió el primer pago inicial para la célebre Fender Stratocaster Sunburst de 1961 que, con la pintura desprendida por su propio sudor altamente alcalino, se convertiría en una herramienta emblemática de su oficio para toda la vida.
A principios de los 60 en Irlanda, las oportunidades para un guitarrista que aspiraba a brillar se veían limitadas por la única salida disponible: bandas de conciertos con trajes idénticos. Rory se salió de control al salir de gira con la banda de conciertos Fontana y, posteriormente, con The Impact, desafiando las rutinas establecidas de la época.
Sus sensacionales exhibiciones de magia desenfrenada en el diapasón pudieron haber sido criticadas por promotores locales y dueños de salones de baile, entusiastas de la disciplina, pero Rory sin duda se ganó fans de toda la vida entre un público ávido de una nueva libertad. Tocar en bandas de conciertos fue un paso importante y Rory se dio cuenta de que "solo estaba de paso". Pero, al igual que Jimi Hendrix cuando escapó del circuito de chitlin, sus habilidades como acompañante restringido explotarían en los años siguientes, cuando Rory se convirtió en la atracción principal. Tras disfrutar de la liberación de tocar en clubes de Hamburgo, Rory aprovechó la oportunidad para liberarse de las bandas de conciertos en casa, colocándose en el centro del escenario del poderoso trío Taste.
Tras establecerse en Belfast, donde se había desarrollado una próspera escena de blues en torno a Them de Van Morrison en el Maritime de la ciudad, Taste se convirtió en una sensación instantánea. En 1968, les siguió una residencia en el club Marquee de Londres, donde John Lennon se unió a una creciente y ferviente base de fans, lo que los llevó a ser teloneros de Cream y Blind Faith. La formidable presencia de Taste quedó plasmada en dos grandes álbumes de estudio y dos excepcionales álbumes en directo, incluyendo el álbum Live at the Isle of Wight, grabado en el festival de 1970. Luego, con el mundo aparentemente a sus pies, Taste, destrozado por disputas con la dirección, implosionó, ofreciendo su concierto de despedida en Belfast la Nochevieja de 1970.
La pérdida de una banda en su apogeo afectó profundamente a Rory, pero no hubo tiempo para lamentarse. Gallagher, un líder nato, se reorganizó y emprendió la década más productiva de su carrera en solitario con su debut homónimo en 1971. «Deuce», «Blueprint», «Tattoo», «Against The Grain», «Calling Card», «Photo Finish» y «Top Priority»: los álbumes se sucedieron rápidamente, cada uno con composiciones originales que llegaban directamente a su público, alcanzando el estatus de clásico al instante. Estas canciones y muchas más cobrarían aún más vida en directo. Los álbumes «Live In Europe», «Stagestruck» e «Irish Tour '74» demuestran cómo.
Como se aprecia en el documental de Tony Palmer que acompañó el lanzamiento de la gira irlandesa de 1974 durante la época de los disturbios, los conciertos de Rory en Belfast impulsaron una alegre respuesta comunitaria a la tensión, el miedo y las divisiones que desgarraban la ciudad. Donde otros rechazaban la capital norirlandesa, Gallagher se esforzaba por regresar siempre, infundiendo esperanza e inspiración a quienes seguirían su ejemplo. Más tarde, Rory colaboraría como invitado en álbumes de bandas de Belfast a las que inspiró directamente, como Energy Orchard y Stiff Little Fingers.
Al otro lado de la frontera, encabezó el cartel y organizó el primer festival de rock al aire libre de Irlanda en Macroom, condado de Cork, junto con su hermano menor y mánager Donal (el único hermano de Rory), un evento que allanaría el camino para que otros lo intentaran. La creencia casi evangélica de Rory en el poder unificador y sanador de la música se vio atenuada por la desconfianza hacia la fama. «Me parece un desperdicio trabajar y trabajar durante años, realmente consolidando tu música; luego triunfar, como hacen algunos, y simplemente convertirte en una especie de personalidad. Tocas menos, actúas menos, circulas menos. Se convierte en algo completamente diferente», declaró a la revista Rolling Stone en 1972.
Esta cautela lo llevó a evitar por completo el mercado de sencillos, incluso cuando el jefe de su sello insistió en que el magnífico y anhelante Edged In Blue (de «Calling Card» de 1976) era un candidato al número uno en Estados Unidos. El conjunto de su obra es notable por su consistencia, honestidad y naturalidad. Las grabaciones de Rory son, sin duda, un ejemplo de su a menudo citada afirmación de que «lo que toco está en mí todo el tiempo, no solo algo que enciendo».
Su determinación por crear música original, fiel a los sonidos fundamentales que lo inspiraron, perseveró hasta el final. Sin la mancha de los estridentes trucos de estudio ni de las técnicas momentáneamente de moda, los cavernosos sonidos de batería ni las pistas de clic, dejó un legado grabado definido por una pureza agreste de forma y sentimiento. Su enfoque natural resaltó los múltiples sabores —country potente, sofisticación jazzística, folk con un toque de aserrín, rock que hacía temblar el suelo— que alimentaron el blues de Rory, cultivado con cariño. Su dedicación a mantener lo que él llamaba un buen sonido vintage y étnico, privilegiando los equipos de grabación predigitales sobre los modernos, sin duda fue uno de los atributos que hicieron que Rory se ganara el cariño de Bob Dylan, quien visitó el backstage de un concierto en Los Ángeles en 1978 tras ser rechazado sin ser reconocido.
La cuota anual de conciertos de Gallagher solía superar las 300 noches de sudor en las que nunca daba menos del 100 por ciento. Y siempre estaba dispuesto a dar un poco más.
En Navidad, Rory solía embarcarse en giras improvisadas por la Irlanda rural, que naturalmente alcanzaron estatus de leyenda. Un héroe musical transtribal que atraía a rockeros tradicionales, punks y hordas de heavy metal, Rory era un auténtico músico viajero que iba adonde la música lo llevara. Participó en álbumes de muchos, incluyendo influencias clave como Jerry Lee Lewis, Albert King, Albert Collins y el ya mencionado Muddy Waters, una experiencia que disfrutaba especialmente.
Para 1990, Rory ya había realizado 25 giras por Estados Unidos y había aparecido en el festival de Reading del Reino Unido y en el legendario festival de jazz de Montreux más veces que cualquier otro artista en su época. Lamentablemente, se hinchó a medida que el alcohol y los diversos medicamentos recetados para lidiar con los rigores de la vida en la carretera lo habían envejecido prematura y notablemente. "El blues es malo para la salud", se encogió de hombros, "así de simple, es parte de la vida".
Tras separarse de las grandes discográficas y establecerse de forma independiente, la producción de Rory en los años 80 y 90 se había vuelto menos prolífica a medida que su trabajo discográfico se volvía cada vez más angustioso. Aun así, álbumes posteriores como "Jinx", "Defender" y "Fresh Evidence", el último lanzamiento antes de su muerte, lo mostraron aún en movimiento, explorando nuevos territorios. El emocionante "Loan Shark Blues" es una potente denuncia de problemas financieros, mientras que "Heaven's Gate" y "Ghost Blues", el título del excelente documental sobre Gallagher de 2010 de Ian Thuiller, con el mismo estilo revelador que "A Million Miles Away", contemplaban la fragilidad de la vida.
La dedicación de Rory a la musa era absoluta, quizás a costa de su vida personal: no se casó, no tuvo una relación estable ni hijos. El hombre capaz de unir a miles de personas en sus interpretaciones vivió una vida solitaria y sin indulgencias lejos del escenario, identificándose aparentemente con los actores solitarios que poblaban la novela negra policiaca de autores como Dashiell Hammett, de quienes a menudo se inspiraba para sus letras. Estaba tan apegado a la vida en la carretera que pasó sus últimos años viviendo en un hotel con vistas al puerto de Chelsea en Londres.
Rory tocó hasta desplomarse. Tras desplomarse en el escenario en Róterdam en enero de 1995, fue hospitalizado en Londres por insuficiencia hepática. Tras un trasplante exitoso, parecía estar recuperándose, pero contrajo una infección por SARM y falleció en junio de 1995.
El conmocionado mundo de la música envió sus condolencias mientras miles de personas se alineaban en las calles de Cork mientras era enterrado en su ciudad natal.
Desde su muerte, la reputación de Rory ha crecido. Quizás solo con el paso del tiempo se pueda apreciar la magnitud de sus logros. Un auténtico original, su imagen de trabajador decididamente común, la consistencia pura de su arte (¡y su Strat desprovista de pintura!) resulta aún más extraordinaria en la era de la saturación mediática.
El recuerdo de Rory perdura en todo el mundo, en la memoria de quienes lo conocieron y disfrutaron de sus conciertos. Fans como el joven aspirante a guitarrista de Manchester, Johnny Marr, disfrutaron mucho conociendo a Rory y se marcharon encantados. Más de una vez, en el calor de un concierto, donde las invasiones del escenario eran habituales, la Strat le fue entregada a un miembro del público para un toque rápido. La sensación que podía crear en una sala de Belfast o Montreux, en Londres o Los Ángeles, era inimaginable en un concierto.
Gallagher es conmemorado en toda Irlanda con una estatua de bronce en Ballyshannon, Donegal, su lugar de nacimiento. Esta estatua se inauguró en 2010, donde se celebra anualmente el Festival Internacional de Homenaje a Rory Gallagher. En Belfast, una placa y, más recientemente, una estatua se instaló en enero de 2025 frente al Ulster Hall para honrar sus contribuciones unificadoras a una comunidad dividida durante los peores momentos de la década de 1970.
En Cork, una escultura única creada por Geraldine Creedon se inauguró en 1997 en la renombrada Rory Gallagher Place, junto a Paul Street. El teatro de la Universidad Técnica de Munster recibió su nombre y, apropiadamente, fue el escenario del último concierto de Rory en Irlanda.
En Dublín, una reproducción montada de la famosa y maltratada Stratocaster de Rory fue instalada y presentada por Edge of U2 en el Rory Gallagher Corner en 2006. La Sunburst Stratocaster de Rory, despintada, también ha sido reproducida por Fender, con un modelo tributo personalizado que se vende por miles para quienes buscan emular a su héroe y su sonido. Hay una Rue Rory Gallagher en París, y parece que nunca pasa un mes sin un concierto tributo en algún lugar del mundo, desde Japón hasta los Países Bajos o Noruega. La historia de Rory, al parecer, no tendrá fin.
El 14 de junio de 2025, 30.º aniversario del fallecimiento de Rory, el Ayuntamiento de Cork, encabezado por el alcalde Dan Breen, quien describe a Rory Gallagher como «la mejor exportación cultural de Cork», organizó, en colaboración con el patrimonio de Rory Gallagher, exposiciones simultáneas en el Ayuntamiento, la Biblioteca Central y el Museo Público de Cork, incluyendo un legado permanente: un sendero peatonal dedicado a Rory Gallagher que recorre los lugares donde vivió, aprendió y actuó. El Aeropuerto de Cork, desde donde Rory volaba frecuentemente para recorrer el mundo, también conmemoró este momento conmemorativo renombrando la calle del aeropuerto a Avenida Rory Gallagher.
Rory Gallagher murió demasiado joven y aún tenía mucho por lograr y ofrecer, pero la riqueza y calidad del material que produjo durante su vida garantizan que su espíritu siempre inquisitivo y hambriento siga vivo para inspirar a nuevas generaciones de talentos y amantes de la música.
Rory Gallagher 1947-1995
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Tattoo'd Lady.
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