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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, el 6 de marzo de 1946. Cantante, compositor, multiinstrumentista, toca guitarra, bajo, teclados, saxo, batería, armónica, kazoo, ukelele, banjo, steel guitar, pedal steel guitar y mandolina. También es productor discográfico, productor ejecutivo y piloto.
David Gilmour es guitarrista, vocalista y compositor de Pink Floyd, pero también es reconocido por su trabajo en solitario. David Gilmour y Roger "Syd" Barrett se conocieron de niños en Cambridge, Reino Unido, y más tarde comenzaron a tocar la guitarra juntos. En 1965, Syd cofundó Pink Floyd, mientras que David continuó tocando con sus propias bandas. En 1968, David fue invitado a aumentar la formación de Pink Floyd como cantante y guitarrista, pero Syd abandonó el grupo cinco conciertos después. La forma de tocar la guitarra, cantar y componer de David se convirtieron en factores clave del éxito mundial de Pink Floyd, incluyendo su distintiva voz y guitarra en The Dark Side Of The Moon, el tercer álbum más exitoso de todos los tiempos.
En 1978, David lanzó su primer álbum en solitario, David Gilmour, que apareció en las listas del Reino Unido y los Estados Unidos. Su segundo álbum en solitario, About Face, fue lanzado en 1984, llegando nuevamente al Top 20 en el Reino Unido.
David asumió el control de Pink Floyd en 1985, creando el nuevo álbum de Floyd, A Momentary Lapse Of Reason, junto a Richard Wright y Nick Mason. En 1994, le siguió The Division Bell, que incluía la pieza instrumental «Marooned», compuesta por Richard Wright y David, ganadora de un premio Grammy. Ambos álbumes alcanzaron el número 1 en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y fueron respaldados por giras mundiales con entradas agotadas.
En 1996, Pink Floyd fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll de Estados Unidos, seguido por el mismo honor en el Reino Unido en noviembre de 2005.
David es uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, con un sonido instintivo y distintivo. Fue elegido "Mejor Guitarrista Fender de la Historia" en una encuesta de la revista Guitarist, superando a figuras como Jimi Hendrix y Eric Clapton. En 2005, David fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE) por sus servicios a la música.
El 6 de marzo de 2006, David lanzó su tercer álbum en solitario, On An Island, que entró en las listas británicas en el número 1, alcanzando posteriormente la primera posición en las listas paneuropeas y obteniendo múltiples discos de platino en todo el mundo. La gira del álbum incluyó una actuación única en los históricos astilleros de Gdansk, Polonia, con una orquesta de 40 músicos dirigida por Zbigniew Preisner y un espectáculo en el Royal Albert Hall de Londres, filmado por el director David Mallet y estrenado en 2007 como Remember That Night – Live At The Royal Albert Hall, que encabezó las listas tras su lanzamiento.
En mayo de 2008, David recibió el Premio Ivor Novello a la Trayectoria de la Asociación Británica de Compositores y Autores de Canciones. En septiembre de 2008, Fender Guitars lanzó su modelo David Gilmour Signature Black Strat, en versiones «Relic» y «New Old Stock».
En 2009, David recibió un Doctorado Honoris Causa en Artes de la Universidad Ruskin de Cambridge en East Anglia por su destacada contribución a la música como escritor, intérprete e innovador.
En septiembre de 2014, Pink Floyd lanzó The Endless River y David confirmó que sería el último álbum de la banda y encabezó las listas en más de 20 países.
El siguiente álbum de David, Rattle That Lock, se lanzó en 2015 y alcanzó el número 1 en 13 listas de éxitos mundiales y el número 2 en otras ocho, llegando al Top 5 en un total de 25 listados. La gira mundial que lo acompañó vio a David ofrecer dos espectaculares conciertos en el legendario Anfiteatro de Pompeya, a la sombra del Vesubio, 45 años después de su primera actuación allí para la película clásica de Adrian Maben, Pink Floyd Live At Pompeii.
Los conciertos fueron las primeras presentaciones de rock con público en el antiguo anfiteatro romano, construido en el año 90 a. C. y sepultado bajo cenizas tras la erupción del Vesubio en el año 79 d. C. La película de estos espectáculos, dirigida por Gavin Elder, lideró la taquilla en Italia, Alemania y Francia, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido. David Gilmour Live At Pompeii se lanzó en Blu-ray, vinilo, CD y DVD en septiembre de 2017 y alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido y el primer puesto en Italia.
En junio de 2019, David recaudó 21,5 millones de dólares en la venta de más de 120 de sus instrumentos y artefactos en Christie's. Donó lo recaudado a Client Earth, una organización benéfica que utiliza el poder de la ley para proteger el planeta y a sus habitantes.
David Gilmour y Nick Mason reactivaron Pink Floyd para grabar "Hey Hey Rise Up" el 30 de marzo de 2022 con Andriy Khlyvnyuk, de la banda ucraniana Boombox. Todas las ganancias netas se destinaron a organizaciones benéficas para ayudar a aliviar el sufrimiento del pueblo ucraniano.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Shine On You Crazy Diamond Brilla, diamante loco, en vivo en Pompeya.
GARCÍA — 3.8 Millones Con Este Apellido Son Judíos Sin Saberlo | Inquisición Reveló 75%
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta: GARCÍA — 3.8 Millones Con Este Apellido Son Judíos Sin Saberlo | Inquisición Reveló 75% APELLIDO GARCÍA = JUDÍO OCULTO (75% estadísticamente) 3.8 millones de personas llevan apellido García en España. 75% descienden de judíos conversos según documentos históricos. Test de ADN lo confirma: García promedio = 65% judío sefardí.
TRES CASOS REALES:
María García (Salamanca) - ADN: 67% judía
Pedro García García (Sevilla) - ADN: 72% judío (endogamia conversa)
Antonio García (Toledo, profesor) - ADN: 58% judío
POR QUÉ GARCÍA: Estrategia conversa 1492: elegir apellido cristiano obvio para camuflaje. García explotó 3,400% post-expulsión (censo 1480: 830 familias → 1495: 28,400 familias). Inquisición lo documentó como "apellido sospechoso por abundancia súbita".
Universidad Salamanca - Estudio apellidos conversos (2022) Prof. Ana Díaz Medina.
Archivo General Simancas - Censos 1480-1500.
Archivo Histórico Nacional - Sección Inquisición.
MyHeritage/23andMe - Datos genéticos agregados.
DISCLAIMER: Es un contenido educativo basado en la investigación histórica y datos genéticos. La información se presenta en formato storytelling para una mejor percepción.
Los porcentajes de ADN, las fechas y los hechos provienen de Fuentes disponibles, pero pueden tener errores. Recomendamos verificar la información usted mismo.
La galardonada Elaine Paige, actriz, cantante, productora y presentadora de radio, ha hecho una contribución única e importante al musical teatral. Ha protagonizado más musicales de gran éxito del West End y Broadway que nadie más de su generación: Hair, Jesucristo Superstar, Billy, Anything Goes, Piaf, Sunset Boulevard, El rey y yo, Sweeney Todd, The Drowsy Chaperone, Follies, originando el galardonado papel de Eva Peron en Evita, seguido de Grizabella en Cats y Florence en Chess. Elaine ha definido los musicales, establecido estándares y en 1995 Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó un OBE por sus servicios al Teatro Musical. En junio de 2025, Su Majestad el Rey Carlos III nombró a Elaine Dama por sus servicios a la Música y la Caridad.
Una emocionante artista en vivo, con presentaciones en conciertos por todo el mundo, desde la Casa Blanca, el Gran Salón del Pueblo en Pekín y la Ópera de Sídney hasta el Bolshoi, el Lincoln Center de Nueva York y el Royal Albert Hall de Londres. Elaine ha grabado 22 álbumes en solitario, trabajando con productores como Tony Visconti, Dennis Lambert, Peter Matz y Phil Ramone, y artistas como Freddie Mercury, Queen y Abba. Elaine ha participado en 7 álbumes de reparto, ha obtenido ocho discos de oro consecutivos y cuatro multiplatino, logrando éxitos que encabezaron las listas, incluyendo Memory, Don't Cry For Me Argentina y I Know Him So Well, que se han convertido en sus sellos distintivos.
Otros trabajos escénicos incluyen The Misanthrope (Piccadilly Theatre) con Sir Peter Hall y Where There's A Will (Yvonne Arnold Theatre) de Feydeau. En 2014, Elaine celebró sus 50 años en el escenario con un concierto en el Royal Albert Hall, I'm Still Here, que se filmó y proyectó en cines de todo el mundo. En Navidad de 2017, Elaine interpretó a la malvada Reina Rata en el espectáculo de pantomima Dick Whittington del London Palladium, que ganó un premio Olivier al mejor entretenimiento y familia, y Elaine ganó el premio a la mejor villana en los Great British Panto Awards.
El trabajo televisivo de Elaine incluye Beautiful People (BBC), A Murder is Announced (Granada/WGBH), Where The Heart Is (Granada Television), su propia serie de televisión The Elaine Paige Show (Sky Arts), Midsummer Night's Dream (BBC), Home From Home (BBC), Midsomer Murders (ITV), All Star Musicals (ITV); Musicales: The Greatest Show (BBC), Life (BBC) y Father Brown (BBC).
Elaine continúa siendo una de las presentadoras estrella de BBC Radio 2 con su propio programa de mediodía, Elaine Paige On Sunday, que ya está en su año número 21 y atrae regularmente a más de 2,5 millones de oyentes cada semana.
Ha sido galardonada con numerosos premios: Premio Olivier a la mejor actriz en un musical y premio Variety Club a la personalidad del mundo del espectáculo del año (1978); Premio Variety Club al artista musical (1986); Insignia de oro al mérito de la Academia Británica de Autores, Compositores y Cantautores (1994); Orden del Imperio Británico por sus servicios al teatro musical (1995); Premio Variety Club a la mejor actriz (1995); Premio HMV a la trayectoria (1996); Premio a la trayectoria de la Asociación Nacional de Ópera y Drama (1999); Presentación especial del Variety Club por 40 años en el escenario (2009); Título honorario de Doctor en Letras por la Universidad de East Anglia y la Academia Mountview de Artes Teatrales (2012); Premio Variety a la trayectoria (2016), Doctor honorario en Artes de la Universidad de Hertfordshire (2017) y Premio Lady Ratings Carmen Silver al logro destacado (2023). Fuera de su horario de trabajo, Elaine apoya a varias organizaciones benéficas cercanas a su corazón, entre ellas The Dan Maskell Tennis Trust, The Children's Trust Tadworth, EveryChild, The Royal Voluntary Service, Breast Cancer Campaign, Noah's Ark Hospice, The Lady Taverners, Support Dogs, West End Woofs y St Thomas' Lupus Trust, entre otros.
Jean Bernard Wilen, más conocido como Barney Wilen, nació en Niza, Francia el 4 de marzo de 1937, y murió en París, Francia, el 25 de mayo de 1996. Saxofonista y compositor.
De padres y tíos americanos, uno de ellos le regaló un saxo contralto empezando así su afición por la música, Barney Wilen (4 de marzo de 1937, Niza, Francia – 25 de mayo de 1996, París), vivió con sus padres en América entre 1940 y 1946 y allí empezó a escuchar discos de jazz y a las orquestas que actuaban en la radio. En 1946 decide conocer su país de origen y cruza el charco en dirección a Francia donde no tardó en conocer a los músicos americanos instalados en la capital francesa; así conoció a Sidney Bechet, Ben Webster, Dexter Gordon o Don Byas. Su aparición en el Festival de jazz de Niza, su ciudad natal, fue para él un verdadero éxito y alternó el tocar en los clubes parisinos con la intervención como acompañante de algún músico americano.
Tras una breve estancia en Niza, donde abrió junto con Sacha Distel, Pierre Franzino y Paul Rovere, un club de jazz que tardó poco en cerrar dada la escasa audiencia que tenía, se marchó nuevamente a Paris donde encontró trabajo en las funciones matinales del Club St Germain en compañía de René Urtreger y Sacha Distel. Por aquella época, en 1957, estaba en Paris, Miles Davis grabando por encargo de Louis Malle la banda sonora de la película «Ascenseur pour lÉchafaud». Necesitaban un saxofonista tenor y echaron mano de Barney, quien consiguió ajustarse perfectamente al guión de la grabación. Con posterioridad a la grabación, la compañía realizo una gira por toda Europa que duro hasta 1958.
Para conocer de cerca la música de Coltrane y Sonny Rollins, Barney Wilen marchó a los Estados Unidos donde en compañía del grupo liderado por Art Blakey, «The Jazz Messengers» grabó la banda sonora del film de Roger Vadim: «Les Liaison Dangereuses» en 1959. También intervino en unas grabaciones jamás publicadas de Thelonious Monk para la Blue Note. Los siguientes cinco años, Barney Wilen alternó sus trabajos en Paris y New York. En 1969 viajó a África para rodar una película permaneciendo seis años apartado de los estudios de grabación y dedicó los últimos años de su carrera artística a difundir el jazz en todas sus formas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la presentación realizada durante el Festival de Jazz de Antibes, en julio de 1961. En esa oportunidad se presentó al frente de su cuarteto interpretando: En privado, Movimiento, Componentes de Winnie, Serenata para Patrick y Una noche en Túnez. Barney Wilen, en saxo; George Gruntz, en piano; George Joyner, en contrabajo; y Earl Buster Smith, batería.
Marco Antonio Muñiz apodado "El embajador del romanticismo" y "El lujo de México" es cantante, principalmente de baladas románticas.
Su voz es de una tesitura de barítono la cual llega a unas notas graves poderosas. El registro de barítono va desde un sol2 (siendo un do4 el do central del piano) a un mi4 (el mi de la primera línea del pentagrama en clave de sol).
Tabla de contenidos
* 1 Origen
* 2 Inicios
* 3 Carrera propia
* 4 Personajes relacionados
Origen
Muñiz nació en Guadalajara, Jalisco el 3 de marzo de 1933. Desde su infancia, mostró tener talento musical. Luego de formar parte del coro en una iglesia de Guadalajara y de varias agrupaciones musicales (principalmente de carácter improvisado) se traslada a Ciudad Juárez en 1946, lugar en donde no tuvo mucha suerte y decide regresar a su natal Guadalajara.
Como cantante no lograba reunir suficiente dinero para subsistir, por lo que durante sus años iniciales tuvo que mezclar su carrera artística con otros oficios tales como panadero y joyero (como recuerdo del oficio aún conserva un diamante en la muñeca izquierda). Su inquietud por la farándula lo traslada a la Ciudad de México y acepta trabajar como portero en la XEW y posteriormente como asistente parcial de cantantes como Libertad Lamarque y Benny Moré.
Inicios
Forma su primer trío llamado Los Diamantes y se presentan en uno de los cabarets más conocidos de la capital mexicana conocido como La Bandida. Es ahí donde conoce a Juan Neri y Héctor González quienes tocaban en el Trío Culiacán. Un día el tercer integrante del trío no llegó por lo que Muñiz se ofreció a suplirlo por ese día alegando saber tocar guitarra, lo cual era falso. Al llegar a la serenata, Muñiz confiesa y sus compañeros lo reprenden pero ya no había nada que hacer y no quedaba otra alternativa que darle un par de maracas para que acompañara mientras hacía la tercera voz. El atrevimiento valió la pena pues Neri y González quedaron sorprendidos con el estilo, originalidad y dulzura en la voz de Muñiz.
Eventualmente Juan Neri, primera voz, requinto y director del trío, le pidió quedarse a tiempo completo, en el cual tomó el papel de tercera voz en conjunto y las partes de solista. Luego de varias vicisitudes -principalmente rechazos-, fueron descubiertos por el empresario de una casa disquera quien los firma inmediatamente. Comenzaba a surgir uno de los tríos de mayor fama en la historia musical de Latinoamérica: Los Tres Ases, nombre que adoptaron por sugerencia de su nuevo manejador y escogido al azar entre varias opciones. Junto con Los Tres Ases consiguió grabar ocho discos de larga duración, de entre los cuales destacan grandes éxitos como: Contigo en la distancia, La enramada y Regálame esta noche, por mencionar algunas.
A finales de 1959 y principios de 1960 dos motivos provocan la salida de Muñiz del trío: las diferencias cada vez más frecuentes con Neri cuyo alcoholismo comenzaba a afectar al trío por su informalismo e inconstancia, y porque ya desde una gira que hicieron a Puerto Rico y otros países, varias personas allegadas a Muñiz le habían sembrado la inquietud de algún día probar como solista.
Carrera propia
Muñiz comienza en 1960 su carrera como solista con el tema Luz y Sombra.
En 1965, ya como solista reconocido y consolidado, comienza una gira tras otra que lo llevarían a los escenarios más importantes de Latinoamérica, Estados Unidos y España; cosechando éxitos como: Escándalo, delante, Compréndeme, Capullito de Alhelí, y Por Amor, entre muchísimos otros.
Por lo general las presentaciones de Muñiz han sido en una atmósfera privada tipo salones de hotel y ante públicos particulares, aunque no han hecho falta los conciertos en grandes recintos y estadios a lo largo de su carrera.
De sus álbumes, los de mayor éxito son:
* "Marco Antonio Muñiz con Los Trovadores Caribe"
* "Corazón Maldito"
* "Mi Novia es Guadalajara"
* "Interpreta A Gonzálo Curiel y Gabriel Ruiz
* "Salsa, la Manera de Marco Antonio" con el cual incursionò en la música tropical.
* "Mi Borinquen Querido", un homenaje a la música autóctona portorriqueña.
* "Homenaje a Pedro Infante"
* "Homenaje a José Alfredo Jiménez"
Aparte de sus múltiples álbumes y conciertos, Muñiz ha aparecido constantemente en programas televisivos a lo largo de Latinoamérica, principalmente en México y su amado Puerto Rico.
Marco Antonio Muñiz se ha retirado de los escenarios formalmente y limita sus apariciones a actividades especiales y muy ocasionales. Vive actualmente en su natal Guadalajara.
Personajes relacionados
Su hijo Jorge "Coque" Muñiz es también una personalidad de la industria del entretenimiento en México como conductor y comediante para la televisión.
Fue tal su fama en Puerto Rico que el nombre Marco Antonio se convirtió en algún momento en uno de los preferidos para bautismos. Marc Anthony, quien fue bautizado por su padre como Marco Antonio Muñiz en homenaje al cantante mexicano, cambió su nombre al que actualmente conocemos para evitar confusiones.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con una selección de sus grandes éxitos: Por Volverte a Ver, De qué Callada Manera, El Jibarito y Compréndela.
William Rory Gallagher, más conocido como Rory Gallagher, nació en Ballyshannon, Condado de Donegal, Irlanda, el 2 de marzo de 1948, y murió en Londres, Reino Unido, el 14 de junio de 1995. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba guitarra, armónica, mandolina y saxo.
Desde la muerte de Rory Gallagher, a los 47 años, el 14 de junio de 1995, su verdadera estatura se ha vuelto cada vez más evidente. Este irlandés de voz suave, caracterizado por su melena ondulada y su característico atuendo de obrero, era un artista excepcional. Gallagher fue un virtuoso autodidacta que forjó una revolución musical en su tierra natal, rehuyó las trampas de la fama y el estrellato, pero se convirtió en un héroe folclórico internacional aclamado universalmente.
La férrea devoción de Rory a su vocación nunca flaqueó y el respeto de sus colegas músicos era universal. Eric Clapton atribuyó a Gallagher el mérito de haberme "devuelto al blues"; los Rolling Stones intentaron que sustituyera a Mick Taylor. La influencia de Rory se extendió a lo largo de generaciones, desde Slash hasta Johnny Marr, desde The Edge de U2 hasta Brian May de Queen; cualquier aspirante a músico que lo conociera sin duda se revitalizaría o transformaría.
De todos los grandes guitarristas que surgieron tras la Segunda Guerra Mundial, Rory Gallagher estaba predestinado a convertirse en un Rey Guerrero Celta. Compartía su nombre con el último monarca nativo de Irlanda y nació (para el rock) en el Hospital Rock de Ballyshannon, Donegal, el 2 de marzo de 1948, mientras su padre trabajaba en la construcción de una central hidroeléctrica en el cercano río Erne.
Con el tiempo, ya fuera con potencia eléctrica o con maestría acústica, el modesto Gallagher se transformaría en un gigante musical, pero siempre conservó su esencia más humana, evitando efectos y artilugios superfluos en favor de su propio genio crudo, primitivo y experto en cuerdas. Reconocido como "el guitarrista del pueblo", Rory acumularía más de 30 millones de ventas, pero la conexión emotiva que creó con el público mundial fue mayor de lo que las estadísticas jamás podrían mostrar. La pasión de Gallagher residía en sus dedos; su sensibilidad, en el emocionante resultado de su trabajo duro y destreza, su energía incansable y su dinamismo.
Además de su destreza con la guitarra, la mandolina y, ocasionalmente, el saxofón, el talento de Rory para componer canciones le dio la plataforma perfecta para su talento vocal y instrumental. Ya fuera exuberantemente desbordante ('Walk On Hot Coals') o reflexivamente sutil (la cautivadoramente consciente 'A Million Miles Away'), sus composiciones estaban guiadas por un instinto instintivo y natural para el blues que residía en lo más profundo de su corazón y alma.
Siendo un preadolescente criado en Cork en la década de 1950, en un hogar sin tocadiscos, la férrea determinación que marcaría la carrera de Rory se hizo evidente rápidamente. El descubrimiento de Elvis y de los primeros rockeros lo llevó a buscar a maestros del blues en la radio de American Forces, como su posterior colaborador Muddy Waters. "¡Cuanto más escuchaba, más me enganchaba!", recordaría más tarde. Rory ya era una estrella local, ganadora de concursos de talentos, cuando recibió el primer pago inicial para la célebre Fender Stratocaster Sunburst de 1961 que, con la pintura desprendida por su propio sudor altamente alcalino, se convertiría en una herramienta emblemática de su oficio para toda la vida.
A principios de los 60 en Irlanda, las oportunidades para un guitarrista que aspiraba a brillar se veían limitadas por la única salida disponible: bandas de conciertos con trajes idénticos. Rory se salió de control al salir de gira con la banda de conciertos Fontana y, posteriormente, con The Impact, desafiando las rutinas establecidas de la época.
Sus sensacionales exhibiciones de magia desenfrenada en el diapasón pudieron haber sido criticadas por promotores locales y dueños de salones de baile, entusiastas de la disciplina, pero Rory sin duda se ganó fans de toda la vida entre un público ávido de una nueva libertad. Tocar en bandas de conciertos fue un paso importante y Rory se dio cuenta de que "solo estaba de paso". Pero, al igual que Jimi Hendrix cuando escapó del circuito de chitlin, sus habilidades como acompañante restringido explotarían en los años siguientes, cuando Rory se convirtió en la atracción principal. Tras disfrutar de la liberación de tocar en clubes de Hamburgo, Rory aprovechó la oportunidad para liberarse de las bandas de conciertos en casa, colocándose en el centro del escenario del poderoso trío Taste.
Tras establecerse en Belfast, donde se había desarrollado una próspera escena de blues en torno a Them de Van Morrison en el Maritime de la ciudad, Taste se convirtió en una sensación instantánea. En 1968, les siguió una residencia en el club Marquee de Londres, donde John Lennon se unió a una creciente y ferviente base de fans, lo que los llevó a ser teloneros de Cream y Blind Faith. La formidable presencia de Taste quedó plasmada en dos grandes álbumes de estudio y dos excepcionales álbumes en directo, incluyendo el álbum Live at the Isle of Wight, grabado en el festival de 1970. Luego, con el mundo aparentemente a sus pies, Taste, destrozado por disputas con la dirección, implosionó, ofreciendo su concierto de despedida en Belfast la Nochevieja de 1970.
La pérdida de una banda en su apogeo afectó profundamente a Rory, pero no hubo tiempo para lamentarse. Gallagher, un líder nato, se reorganizó y emprendió la década más productiva de su carrera en solitario con su debut homónimo en 1971. «Deuce», «Blueprint», «Tattoo», «Against The Grain», «Calling Card», «Photo Finish» y «Top Priority»: los álbumes se sucedieron rápidamente, cada uno con composiciones originales que llegaban directamente a su público, alcanzando el estatus de clásico al instante. Estas canciones y muchas más cobrarían aún más vida en directo. Los álbumes «Live In Europe», «Stagestruck» e «Irish Tour '74» demuestran cómo.
Como se aprecia en el documental de Tony Palmer que acompañó el lanzamiento de la gira irlandesa de 1974 durante la época de los disturbios, los conciertos de Rory en Belfast impulsaron una alegre respuesta comunitaria a la tensión, el miedo y las divisiones que desgarraban la ciudad. Donde otros rechazaban la capital norirlandesa, Gallagher se esforzaba por regresar siempre, infundiendo esperanza e inspiración a quienes seguirían su ejemplo. Más tarde, Rory colaboraría como invitado en álbumes de bandas de Belfast a las que inspiró directamente, como Energy Orchard y Stiff Little Fingers.
Al otro lado de la frontera, encabezó el cartel y organizó el primer festival de rock al aire libre de Irlanda en Macroom, condado de Cork, junto con su hermano menor y mánager Donal (el único hermano de Rory), un evento que allanaría el camino para que otros lo intentaran. La creencia casi evangélica de Rory en el poder unificador y sanador de la música se vio atenuada por la desconfianza hacia la fama. «Me parece un desperdicio trabajar y trabajar durante años, realmente consolidando tu música; luego triunfar, como hacen algunos, y simplemente convertirte en una especie de personalidad. Tocas menos, actúas menos, circulas menos. Se convierte en algo completamente diferente», declaró a la revista Rolling Stone en 1972.
Esta cautela lo llevó a evitar por completo el mercado de sencillos, incluso cuando el jefe de su sello insistió en que el magnífico y anhelante Edged In Blue (de «Calling Card» de 1976) era un candidato al número uno en Estados Unidos. El conjunto de su obra es notable por su consistencia, honestidad y naturalidad. Las grabaciones de Rory son, sin duda, un ejemplo de su a menudo citada afirmación de que «lo que toco está en mí todo el tiempo, no solo algo que enciendo».
Su determinación por crear música original, fiel a los sonidos fundamentales que lo inspiraron, perseveró hasta el final. Sin la mancha de los estridentes trucos de estudio ni de las técnicas momentáneamente de moda, los cavernosos sonidos de batería ni las pistas de clic, dejó un legado grabado definido por una pureza agreste de forma y sentimiento. Su enfoque natural resaltó los múltiples sabores —country potente, sofisticación jazzística, folk con un toque de aserrín, rock que hacía temblar el suelo— que alimentaron el blues de Rory, cultivado con cariño. Su dedicación a mantener lo que él llamaba un buen sonido vintage y étnico, privilegiando los equipos de grabación predigitales sobre los modernos, sin duda fue uno de los atributos que hicieron que Rory se ganara el cariño de Bob Dylan, quien visitó el backstage de un concierto en Los Ángeles en 1978 tras ser rechazado sin ser reconocido.
La cuota anual de conciertos de Gallagher solía superar las 300 noches de sudor en las que nunca daba menos del 100 por ciento. Y siempre estaba dispuesto a dar un poco más.
En Navidad, Rory solía embarcarse en giras improvisadas por la Irlanda rural, que naturalmente alcanzaron estatus de leyenda. Un héroe musical transtribal que atraía a rockeros tradicionales, punks y hordas de heavy metal, Rory era un auténtico músico viajero que iba adonde la música lo llevara. Participó en álbumes de muchos, incluyendo influencias clave como Jerry Lee Lewis, Albert King, Albert Collins y el ya mencionado Muddy Waters, una experiencia que disfrutaba especialmente.
Para 1990, Rory ya había realizado 25 giras por Estados Unidos y había aparecido en el festival de Reading del Reino Unido y en el legendario festival de jazz de Montreux más veces que cualquier otro artista en su época. Lamentablemente, se hinchó a medida que el alcohol y los diversos medicamentos recetados para lidiar con los rigores de la vida en la carretera lo habían envejecido prematura y notablemente. "El blues es malo para la salud", se encogió de hombros, "así de simple, es parte de la vida".
Tras separarse de las grandes discográficas y establecerse de forma independiente, la producción de Rory en los años 80 y 90 se había vuelto menos prolífica a medida que su trabajo discográfico se volvía cada vez más angustioso. Aun así, álbumes posteriores como "Jinx", "Defender" y "Fresh Evidence", el último lanzamiento antes de su muerte, lo mostraron aún en movimiento, explorando nuevos territorios. El emocionante "Loan Shark Blues" es una potente denuncia de problemas financieros, mientras que "Heaven's Gate" y "Ghost Blues", el título del excelente documental sobre Gallagher de 2010 de Ian Thuiller, con el mismo estilo revelador que "A Million Miles Away", contemplaban la fragilidad de la vida.
La dedicación de Rory a la musa era absoluta, quizás a costa de su vida personal: no se casó, no tuvo una relación estable ni hijos. El hombre capaz de unir a miles de personas en sus interpretaciones vivió una vida solitaria y sin indulgencias lejos del escenario, identificándose aparentemente con los actores solitarios que poblaban la novela negra policiaca de autores como Dashiell Hammett, de quienes a menudo se inspiraba para sus letras. Estaba tan apegado a la vida en la carretera que pasó sus últimos años viviendo en un hotel con vistas al puerto de Chelsea en Londres.
Rory tocó hasta desplomarse. Tras desplomarse en el escenario en Róterdam en enero de 1995, fue hospitalizado en Londres por insuficiencia hepática. Tras un trasplante exitoso, parecía estar recuperándose, pero contrajo una infección por SARM y falleció en junio de 1995.
El conmocionado mundo de la música envió sus condolencias mientras miles de personas se alineaban en las calles de Cork mientras era enterrado en su ciudad natal.
Desde su muerte, la reputación de Rory ha crecido. Quizás solo con el paso del tiempo se pueda apreciar la magnitud de sus logros. Un auténtico original, su imagen de trabajador decididamente común, la consistencia pura de su arte (¡y su Strat desprovista de pintura!) resulta aún más extraordinaria en la era de la saturación mediática.
El recuerdo de Rory perdura en todo el mundo, en la memoria de quienes lo conocieron y disfrutaron de sus conciertos. Fans como el joven aspirante a guitarrista de Manchester, Johnny Marr, disfrutaron mucho conociendo a Rory y se marcharon encantados. Más de una vez, en el calor de un concierto, donde las invasiones del escenario eran habituales, la Strat le fue entregada a un miembro del público para un toque rápido. La sensación que podía crear en una sala de Belfast o Montreux, en Londres o Los Ángeles, era inimaginable en un concierto.
Gallagher es conmemorado en toda Irlanda con una estatua de bronce en Ballyshannon, Donegal, su lugar de nacimiento. Esta estatua se inauguró en 2010, donde se celebra anualmente el Festival Internacional de Homenaje a Rory Gallagher. En Belfast, una placa y, más recientemente, una estatua se instaló en enero de 2025 frente al Ulster Hall para honrar sus contribuciones unificadoras a una comunidad dividida durante los peores momentos de la década de 1970.
En Cork, una escultura única creada por Geraldine Creedon se inauguró en 1997 en la renombrada Rory Gallagher Place, junto a Paul Street. El teatro de la Universidad Técnica de Munster recibió su nombre y, apropiadamente, fue el escenario del último concierto de Rory en Irlanda.
En Dublín, una reproducción montada de la famosa y maltratada Stratocaster de Rory fue instalada y presentada por Edge of U2 en el Rory Gallagher Corner en 2006. La Sunburst Stratocaster de Rory, despintada, también ha sido reproducida por Fender, con un modelo tributo personalizado que se vende por miles para quienes buscan emular a su héroe y su sonido. Hay una Rue Rory Gallagher en París, y parece que nunca pasa un mes sin un concierto tributo en algún lugar del mundo, desde Japón hasta los Países Bajos o Noruega. La historia de Rory, al parecer, no tendrá fin.
El 14 de junio de 2025, 30.º aniversario del fallecimiento de Rory, el Ayuntamiento de Cork, encabezado por el alcalde Dan Breen, quien describe a Rory Gallagher como «la mejor exportación cultural de Cork», organizó, en colaboración con el patrimonio de Rory Gallagher, exposiciones simultáneas en el Ayuntamiento, la Biblioteca Central y el Museo Público de Cork, incluyendo un legado permanente: un sendero peatonal dedicado a Rory Gallagher que recorre los lugares donde vivió, aprendió y actuó. El Aeropuerto de Cork, desde donde Rory volaba frecuentemente para recorrer el mundo, también conmemoró este momento conmemorativo renombrando la calle del aeropuerto a Avenida Rory Gallagher.
Rory Gallagher murió demasiado joven y aún tenía mucho por lograr y ofrecer, pero la riqueza y calidad del material que produjo durante su vida garantizan que su espíritu siempre inquisitivo y hambriento siga vivo para inspirar a nuevas generaciones de talentos y amantes de la música.
Rory Gallagher 1947-1995
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Tattoo'd Lady.
Shalom dedica este programa a la fiesta de Purim junto al rabino Moisés Chicurel. Conversación divulgativa sobre el libro de Ester, el silencio de D-s, la valentía de la reina Ester y la alegría como resistencia. Memoria, identidad y esperanza en una celebración que sigue hablando al mundo actual.
Joseph Gaétan Robert Gérald Boulet, más conocido como Gerry Boulet, nació en Saint-Jean-sur-Richelieu, Canadá, el 1 de marzo de 1946, y murió en Longueuil, Canadá, el 18 de julio de 1990. Autor, cantante, tecladista y compositor.
«La voz de Gerry Boulet es como una chaqueta de cuero desgastada por el asfalto durante 500 kilómetros», describió acertadamente Bruno Dostie. Esta voz, al margen de todos los movimientos de la canción, dio forma al rock and roll quebequense, inventando su dialecto y provocándole sus retortijones.
La voz de Gerry Boulet, con música de Offenbach, conectó profundamente con todos aquellos que ansiaban autenticidad. Durante más de veinticinco años, fue el alma del grupo. A pesar de los cambios, las tendencias y las crisis, proclamó sus verdades con calidez y una generosidad intensa.
Sigue siendo el último de la raza de los forzudos, el primero de los "machos" sin haber conocido jamás sus reglas. Con su armadura y sus cuerdas vocales musculosas, hizo temblar de placer a miles de tipos duros. Simplemente, sin decir una palabra de más, provocaba escalofríos.
A lo largo de toda la historia de Offenbach, fue el pilar, el denominador común de una música "hecha en Quebec". Es al rock lo que René Lévesque a la política.
Gerry siempre se comparará con Gerry. Y esa voz penetrante y profundamente cautivadora seguirá rompiendo la barrera del sonido... No todos los días los jóvenes acuden al Forum para escuchar música que no provenga de Estados Unidos o Inglaterra. Esa noche, se respiraba un aire solemne. Quizás era el orgullo de ser quebequenses. Y para todos los artistas presentes, este ejemplo es una lección.
1946. Joseph Gaétan Robert Gérald Boulet nació el 1 de marzo de 1946 en el hospital de Saint-Jean-sur-Richelieu. Pasó su infancia en el número 230 de la calle Cousin, una pequeña calle del barrio obrero de Saint-Jean-sur-Richelieu, al sureste de Montreal. Gerry fue el segundo de tres hijos. Su hermano Denis nació el 22 de julio de 1944 y su hermana Diane el 13 de abril de 1949. Su padre, Georges, era camionero, y su madre, Charlotte, quien aún vive, acogía huéspedes en su casa para subsistir.
En 1956, alrededor de los diez años, Gerry sintió pasión por la música cuando su madre lo matriculó en clases. El hermano de su madre, entonces director de la banda de música de Saint-Jean-sur-Richelieu, se encargó de los detalles. En aquel entonces, Gerry no había podido elegir el instrumento que más le gustaba, así que la decisión se tomó por él: sería la trompeta. De los diez a los dieciséis años, aprendió a tocar la trompeta.
El 6 de marzo de 1962, Gerry fue expulsado de la escuela. El pretexto fue su insubordinación en la clase de música. Constantemente comparaba sus conocimientos con los del profesor. Gerry tenía talento. Esto no pareció complacer la naturaleza envidiosa y didáctica del profesor. Cuatro días después, el 10 de marzo de 1962, se unió a la banda de su hermano Denis, "Les Doubletones". El grupo fue contratado para tocar en despedidas de soltera y banquetes de boda. Con la llegada de Fernand Hébert (Ti-Nègre) al saxofón, la banda pasó a llamarse "Twistin' Vampires".
1963. Con la llegada de Fernand (Ti-Nègre) Hébert al saxofón, el grupo pasó a llamarse "Twistin Vampires". Consiguieron su primer concierto en Cowansville.
1964. Con la marcha de algunos de ellos que quieren una base más sólida para su futuro, cambian nuevamente su nombre y transforman "los Twistin' Vampires" en "Fabulous Kernels".
En 1965, todos los grupos quebequenses versionaban los éxitos del "Top 40", con distintos grados de éxito. Los Kernels conocieron a Jean-Paul Brodeur, uno de los pioneros de la industria musical. Viendo una buena oportunidad, Brodeur llegó incluso a abandonar todos sus otros grupos (12) para centrarse en el éxito de la orquesta. Pero sentía que el nombre "Fabulous Kernels" no los llevaría muy lejos. Los Kernels se dieron cuenta de la necesidad de un representante y querían ampliar sus horizontes. La respuesta llegó rápidamente, y los Kernels cambiaron su nombre a "Les Gants Blancs" (Los Guantes Blancos).
En 1966, Bruce dejó a los Sultanes, y "Les Gants Blancs" luchaba por retener a sus músicos. Un productor, que empezaba a hacerse un nombre en la escena, le ofreció a Gerry la oportunidad de grabar "Ne mentons pas" en solitario y presentarlo en "Jeunesse d'aujourd'hui". Sin embargo, nunca se había planteado que Gerry actuara sin su banda. Cautelosamente, el productor no le había dicho ni una palabra al respecto. ¡Ya saben cómo se sentía Tony Roman! Gerry, cuyo nombre de pila se había cambiado a Geraldo tras una repentina inspiración de Tony Roman, fue tomado por sorpresa y se presentó como estaba previsto a la grabación en directo de "Jeunesse".
Ese cabrón me amenazó. Si no vienes, te bloquearé por todas partes.
Gerry, quien anhelaba tocar en Montreal algún día, hizo esta concesión. Pero, huelga decirlo, la colaboración entre Gérald Boulet y Tony Roman terminó en cuanto el programa se transmitió a todos los hogares de Quebec.
1967. Y continúa. Los White Gloves se consideran lo suficientemente maduros como para componer. Añaden algunas piezas en inglés a su repertorio. Tienen en mente la idea de un álbum conceptual, como Led Zeppelin.
El 24 de junio de 1968, Gerry se casó con Denise Croteau en la iglesia de los Santos Mártires Canadienses de Victoriaville. Denise estaba embarazada de Justin, a quien dio a luz el 12 de noviembre.
1969. Mescalina, metadona, ácido, hachís, marihuana... lo saben todo. Están completamente drogados. Lo de los "Guantes Blancos" empieza a cansarse... La psicodelia está de moda. ¡Denis, Gerald, Willie y Johnny ya no son blancos!
Decidimos cambiar el nombre del grupo a Offenbach SOAP OPERA. Jacques Offenbach había hecho bailar a las mujeres durante la época de las "gaietés parisiennes" (salas de baile parisinas). El grupo llevaba varios años haciéndolas bailar. "A mi padre le encantaba Bach y a mi madre le gustaba Offenbach", repetía Gerry a cualquiera que le preguntara: ¿Por qué el nombre Offenbach? Este nombre también tenía la ventaja de cumplir con todos los requisitos del bilingüismo.
En 1970, a través de su nuevo representante, Lucien Ménard, los músicos de Offenbach conocieron a Pierre Harel, un intelectual, con algo de cineasta, algo de poeta, algo de músico. «Es un poco gracioso», comentó Gerry, «un auténtico emprendedor». Ambos trabajaban en la película «Bulldozer». Lucien Ménard era el director de producción, Pierre Harel el director. Denis, Gerry, Willy y Johnny aceptaron acoger a Pierre Harel en sus filas. «Los chicos malos» eran ahora un quinteto. Cuantos más, mejor.
Por eso, por eso… Gerry's se convierte en la otra noche, la otra noche.
En junio de 1971 se publicó el álbum OFFENBACH SOAP OPÉRA que contenía los éxitos Câline de blues y Faut que j'me pousse .
El 30 de noviembre de 1972, un mar de jóvenes subió las escaleras del Oratorio para asistir a la Misa de Réquiem, con Offenbach, por supuesto. Todos estaban allí: papá, mamá, mi tía, mi tío, mi hijo, los aficionados al rock y todos aquellos que esperaban presenciar el lapsus que les permitiría gritar sacrilegio.
Incluso hay quienes, según los recuerdos de Gerry, tienen botellas de cerveza vacías en sus manos.
En el otoño de 1973, todos cruzaron el Atlántico. Quebec, hasta entonces, había apreciado a Offenbach de forma intermitente, lo había evitado y lo había ignorado. La aventura, en cualquier caso, solo podía ser enriquecedora.
Offenbach trabajaba en la música de la película Bulldozer, de Pierre Harel. El cineasta francés Claude Faraldo les ofreció una gira europea, que se convertiría en el tema de una película. El grupo se instaló en las afueras de París en el otoño de 1973 y, durante seis meses, fueron filmados en su vida cotidiana por un equipo que los seguía a todas partes. Las 48 horas de filmación costaron ochocientos mil dólares (800.000 dólares). El largometraje, proyectado en el Ciné Ma Hautefeuille, se proyectó en sonido cuadrafónico. Era la primera vez en el mundo que un cine utilizaba esta revolucionaria tecnología de sonido.
1974. La noche del 30 de enero, Gerry, Willie, Wéso y Johnny llegaron al estreno con los mismos vaqueros y chaquetas que habían llevado esa mañana. La película no se estrenó en Quebec hasta 1994 por falta de financiación.
1975. Cuando Offenbach regresó a Quebec en la primavera de 1975, realizó una gira con Aut'chose y tocó ante un teatro lleno en la Place des Arts de Montreal.
1976. Lanzamiento del álbum Never Too Tender, un primer álbum en inglés que sería un fracaso pero que les permitiría girar por los clubes de Ontario.
En 1977, el público recibió con entusiasmo un nuevo álbum homónimo que contenía las canciones "La voix que j'ai", "Chu un rocker" y "Le blues me guette". Luego vino la disolución del grupo: Michel Lamothe y Roger Berval se unieron a Pierre Harel, quien estaba formando Corbeau. El baterista Pierre Lavoie, el bajista Norman Kerr y el guitarrista Jean Miller se unieron a Offenbach, pero Miller decidió posteriormente unirse a Corbeau, mientras que Kerr no quería salir de gira. Breen LeBoeuf y Doug McCaskill tomaron el relevo, este último pronto reemplazado por John McGale. Offenbach regresó de gira por Quebec y Ontario.
1978. El grupo graba el álbum Traversion, que incluye los éxitos: Deux autres bières, Mes blues passent pus dans porte, Ayoye, Je l'sais ben, por nombrar sólo algunos, y realiza una gira por Quebec y Europa.
1979. Grabación en el teatro Saint-Denis del espectáculo En Fusion con Vic Vogel.
El álbum Traversion gana el Premio Félix al Álbum de Rock en la Gala ADISQ
El 3 de abril de 1980, Offenbach atrajo a 10.000 personas a la esquina de las calles Sainte-Catherine y Atwater. Irónicamente, esa misma noche, en el Théâtre Saint-Denis, Bob Dylan, el maestro, comenzó una serie de tres espectáculos. Offenbach se convirtió en el primer grupo quebequense en actuar en el Foro de Montreal.
Gala ADISQ, Premio Félix al Grupo del Año, Álbum del Año – Rock para Offenbach en fusión, Premio Félix al Espectáculo del Año para Offenbach en el Forum.
Un segundo álbum en inglés, "Rock Bottom", presenta a los cinco miembros de Offenbach reunidos en un sótano lúgubre. Este álbum se lanza simultáneamente en Francia y Canadá. Tras una temporada muy ajetreada, la banda regresa a Francia para promocionarlo.
1981. Nacimiento del segundo hijo con Denise, Marianne nació el 19 de junio.
Unos meses después, fiel a su estilo, Offenbach lanzó un álbum en francés, "Coup de Foudre", que fue aclamado por la crítica. El lanzamiento del álbum fue rápidamente seguido por el anuncio de una gran gira provincial, que culminó una vez más en el Forum. Joe Cocker, como recordarán algunos fans veteranos, también estuvo allí. Pero esta gira sigue siendo una de las experiencias más memorables de principios de los 80.
La gira Québec-Rock lleva a Garolou, Zachary Richard y Offenbach en su caravana. Recorren 700 km, con el apoyo de una máquina impecable que transporta 200.000 vatios de luz y sonido de ciudad en ciudad. Esta alegre caravana se detiene en 23 ciudades.
El 4 de junio de 1981, una multitud de hippies, pijos y punks conformó el peculiar público que Offenbach llevaba más de diez años atrayendo. Más de 10.000 de ellos se sabían de memoria las piezas de "Coup de Foudre".
1982. Nacimiento del primer hijo con Françoise Faraldo, Julie nació el 28 de febrero.
Offenbach, una vez más, cambia de gerente. Tras el triunfo definitivo en el Forum, Gerry tiene otra idea brillante: una gira por clubes nocturnos que no ha visitado en años. Llama personalmente a los dueños, quienes invariablemente piensan que es una broma de mal gusto. A todos les cuesta imaginar a estos ídolos del rock and roll tocando en sus pequeños locales.
1983. Desde "Coup de Foudre", ha vuelto sobre sus pasos con ferocidad y pasión. Pat Martel asume plenamente el papel de Big Bob en la batería. Su contribución transforma aún más la identidad de Offenbach. El álbum se lanza unos meses antes del inicio de la gira "A fond d'train". Gerry viajará con Plume. ¡Cómo no se le pudo ocurrir antes! Gerry y Plume son como huevos con tocino, perritos calientes con salsa y mostaza, escribe Jean Beaunoyer de La Presse. El encuentro era inevitable. Visitan 27 ciudades y atraen a 75.000 personas. Llegan al Forum. Plume y Offenbach, los abuelos del rock and roll quebequense, hacen vibrar las paredes del Forum. Durante su gira por la provincia, nadie se atrevió a seguir roncando ...
1984. El primer álbum en solitario de Gerry: Almost 40 Years of Blues. Offenbach aún no se había separado, pero Gerry se distanciaba poco a poco del grupo. También fue una época difícil para sus músicos, quienes también desarrollaban sus propias carreras en solitario.
1985. El 1 de noviembre, el grupo OFFENBACH dio su espectáculo de despedida ante una multitud delirante en el Forum de Montreal.
En 1986, Gerry inició una gira por los bares de la provincia en un cuarteto con su buen amigo Johnny Gravel en la guitarra, Michel Gélinas en el saxofón y el armonicista Carl Tremblay vino a tocar varias canciones en el espectáculo.
En 1987, Gerry se enteró de que tenía cáncer. Comenzaron largas sesiones de tratamiento. Gerry empezó a componer las piezas para Rendez-vous doux.
1988. Lanzamiento del álbum Rendez-vous doux. Gerry ofrece una serie de conciertos y apariciones en televisión, además de una gira que sería su última. Gerry tuvo que cancelar conciertos por enfermedad.
En 1989, Gerry ganó tres Premios Félix en la Gala ADISQ por Programa de Televisión del Año, Disco del Año y Programa de Rock del Año. Gerry solicitó el divorcio de Denise.
1990. Gerry y Françoise se casan. Gerry fallece el 18 de julio de 1990. Gala ADISQ – Homenaje a Félix.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cette voix.
Joseph Alfred Souter, más conocido como Joe South, nació en Atlanta, Georgia, Estados Unidos, el 28 de febrero de 1940, y murió en Buford, Georgia, Estados Unidos, el 5 de septiembre de 2012. Cantautor y guitarrista.
El intérprete y compositor Joe South prácticamente creó el género country soul con su singular combinación de sonidos e influencias. Ya sea escribiendo éxitos para bandas de country y rock and roll o cantando sus propias canciones, South participó en algunas de las canciones más populares de los años 60 y 70.
Joseph Alfred Souter nació en una familia de clase trabajadora en Atlanta el 28 de febrero de 1940 y creció en Adamsville, al suroeste de la ciudad. Desarrolló su amor por la música country desde muy joven mientras escuchaba la emisora de radio WSM de Nashville, Tennessee. Los sábados por la mañana los pasaba escuchando a Uncle Eb Brown, la figura radial del disc jockey Bill Lowery. A los doce años, Souter conoció a Lowery en una emisora de radio de Atlanta, WGST, y poco después, inspirado por Lowery y siguiendo el consejo de un amigo, acortó su apellido a South.
South creció en una familia creativa. Su padre tocaba la guitarra y la mandolina en casa, mientras que su madre compuso una extensa colección de poemas románticos. Una de sus primeras incursiones en la composición de canciones fue una colaboración con su madre, que interpretaron en el programa de radio del tío Eb Brown. Lowery se convirtió en el mentor de South, y a medida que Lowery desarrollaba la National Recording Corporation, South, junto con otros músicos locales como Little Jimmy Dempsey, Paul Peek, Jerry Reed y Ray Stevens, puso a Atlanta en el mapa discográfico. Se convirtieron en la banda de Lowery, aprendiendo técnicas de estudio y habilidades musicales mientras actuaban. South adquirió experiencia en giras tocando en la banda del guitarrista country de acero Pete Drake.
Después de la secundaria, South asistió al Southern Technical Institute (más tarde Southern Polytechnic State University y luego Kennesaw State University) por un tiempo, pero abandonó para convertirse en músico a tiempo completo.
Con el apoyo de Lowery, South alcanzó su primer éxito en 1958 con el sencillo "Purple People Eater Meets the Witch Doctor", que alcanzó el puesto número cuarenta y siete en la lista Billboard. South trabajó como músico de estudio en Nashville y en Muscle Shoals, Alabama, a principios y mediados de la década de 1960, participando en grabaciones de músicos legendarios como Eddy Arnold, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Marty Robbins y Simon & Garfunkel.
Al regresar a Atlanta para trabajar en el nuevo estudio de Lowery, South produjo y compuso canciones para los Tams y Billy Joe Royal. Su primer número uno llegó en 1962 con una canción que escribió para los Tams, "Untie Me". También escribió el éxito de Royal de 1965, "Down in the Boondocks". A finales de la década, las canciones de South se encontraban entre las más grabadas de la industria. Simultáneamente, experiencias como tocar en el álbum Blonde on Blonde de Bob Dylan de 1966 tuvieron un profundo impacto en South y le ayudaron a encontrar la confianza y la originalidad para lanzar su primer álbum en solitario, Introspect, en 1968.
Aunque el álbum en su conjunto no alcanzó el éxito comercial, Introspect contenía la canción más exitosa de South, "Games People Play". La canción alcanzó el puesto número doce en Estados Unidos, pero el amplio atractivo de South se reflejó en su clasificación entre los diez primeros en el Reino Unido. En los Premios Grammy de 1969, "Games People Play" ganó los premios a la Canción del Año y a la Mejor Canción Contemporánea.
South continuó componiendo éxitos, tanto para él como para otros músicos. Johnny Rivers triunfó con "These Are Not My People", al igual que Deep Purple con "Hush". La versión de Lynn Anderson de "(I Never Promised You a) Rose Garden" se mantuvo en el número uno en Estados Unidos durante cinco semanas en 1970. South apareció en programas de televisión, actuó en Europa y produjo numerosos álbumes en 1970 y 1971. Sencillos como la nostálgica advertencia ambiental "Don't It Make You Want to Go Home" y la atemporal súplica por la igualdad racial, "Walk a Mile in My Shoes", mantuvieron una presencia en las listas internacionales. Nunca cómodo como artista en vivo, South pasaba cada vez más tiempo en el estudio.
En 1971, el hermano y baterista de South, Tommy, se suicidó tras luchar contra la drogadicción. Mientras South se retiraba a Hawái para el duelo, Capitol Records lanzó su último álbum para la compañía en 1972, el oscuro e introspectivo "A Look Inside". South reapareció brevemente en 1975 para lanzar su último álbum, " Midnight Rainbows", y luchó contra su propia adicción. Grabó esporádicamente durante las décadas de 1980 y 1990, pero permaneció aislado en gran medida.
Los músicos y la industria musical han rendido homenaje a la obra de South en numerosas ocasiones. Fue incluido en el Salón de la Fama de la Fundación de Compositores de Nashville en 1979 y en el Salón de la Fama de la Música de Georgia en 1981. En el álbum de 1990 Highwaymen 2, Johnny Cash hace referencia a South en "Songs That Make a Difference". En la compilación de 1993 Good Vibrations, los Beach Boys cantan "It was out of sight/Joe South was singing/'Games People Play'" en la canción "Games Two Can Play".
South falleció el 5 de septiembre de 2012 por insuficiencia cardíaca en su casa de Flowery Branch. Tenía setenta y dos años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Don't It Make You Want To Go Home, con Crook & Chase.
Carlton Earl Anderson, más conocido como Carl Anderson, nació en Lynchburg, Virginia, Estados Unidos, el 27 de febrero de 1945, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 23 de febrero de 2004. Cantante y actor.
Carlton Earl Anderson, conocido como Carl por sus amigos y familiares, se hizo famoso por su interpretación de Judas Iscariote en la producción teatral y cinematográfica de la ópera rock de los años 70, Jesucristo Superstar, de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Dotado de una gran energía y una actitud optimista, Anderson también fue un vocalista de jazz muy respetado, que publicó nueve álbumes en solitario y participó en innumerables otros. Falleció en 2004 a los 58 años a causa de leucemia.
Comenzó a cantar con una familia numerosa
Anderson nació el 27 de febrero de 1945 en Lynchburg, Virginia, junto con su hermano gemelo, Charles Edward, quien falleció de bronquitis a los 11 meses. Creció en un hogar modesto en la avenida Boston junto con sus diez hermanos sobrevivientes. Su padre, James, era obrero siderúrgico, y su madre, Alberta, trabajaba como costurera. Anderson comenzó a cantar y actuar de niño con su familia en la Iglesia Bautista Rivermont.
A mediados de la década de 1960, Anderson asistió a la escuela secundaria Dunbar, un lugar segregado racialmente, donde cantó en el coro escolar. En 1962, siendo estudiante de penúltimo año, fue director estudiantil del coro. Tras su penúltimo año, Anderson abandonó la escuela y se alistó en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, donde sirvió como técnico de comunicaciones. Su experiencia cantando en el Concurso Mundial de Talentos de la Fuerza Aérea lo impulsó a considerar una carrera musical. Tras dos años en el ejército, Anderson regresó a Lynchburg y terminó la secundaria, graduándose en 1965.
En 1969, Anderson se mudó a Washington, D. C. Simultáneamente, se matriculó en la Universidad Howard, consiguió un trabajo como subdirector del Club de Niños de Columbia Heights y cantó en clubes de la ciudad. Durante esta época, Anderson se unió a unos amigos para formar una banda, a la que llamaron The Second Eagle, porque su primera actuación fue la noche en que el Eagle One llegó a la luna. Con Anderson como vocalista principal, el grupo interpretó canciones en los clubes de jazz de la calle M de Georgetown, recibiendo críticas mixtas.
Interpretó a Judas Iscariote
El Domingo de Ramos de 1971, The Second Eagle ofrecía un concierto en la iglesia de San Esteban, y Anderson cantó varias versiones de Jesucristo Superstar, que se lanzó como álbum antes de estrenarse. Un cazatalentos de la Agencia William Morris se encontraba entre el público y reconoció el potencial de Anderson. Como resultado, el 27 de junio de 1971, Anderson audicionó en Nueva York para la producción teatral de Jesucristo Superstar. Consiguió el papel de Judas Iscariote y comenzó los ensayos dos días después.
Cinco meses después, Anderson debutó en Broadway, reemplazando a un Ben Vereen enfermo. Posteriormente, ambos compartirían el papel de Judas. Anderson pasó seis meses en Nueva York antes de mudarse a Los Ángeles para preparar la puesta en escena de la producción en la Costa Oeste. Sin embargo, mientras aún ensayaba, voló a Londres para audicionar para la versión cinematográfica de Jesucristo Superstar. Conseguido el papel de Judas, viajó a Israel para el rodaje de la película.
Ya un éxito popular en el escenario tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, la versión cinematográfica de Jesucristo Superstar llegó a los cines en 1973. Esta ópera rock (todo el diálogo es cantado y no hay palabras habladas) contó la historia de los últimos seis días de la vida de Jesucristo a través de los ojos de Judas, quien es retratado como más simpático que siniestro. Aunque la película, así como el álbum y la producción teatral, crearon controversia entre algunos grupos religiosos, se convirtió en un gran éxito. Anderson, quien primero recibió cobertura de prensa debido a la decisión de elegir a un afroamericano para interpretar a Judas, pronto dirigió la atención de los críticos a su destacada y vibrante actuación, que fue aplaudida rotundamente. Recibió el NAACP Image Award y dos nominaciones al Globo de Oro como mejor actor de película en un musical/comedia y actor revelación masculino más prometedor.
Comenzó su carrera discográfica
Ese mismo año se estrenó la banda sonora original de Jesucristo Superstar , con Anderson como Judas. La década de 1970 fue una época intensa y emocionante en la vida de Anderson. No solo pasó del anonimato a la fama como Judas Iscariote, sino que también firmó un contrato discográfico con Motown Records y colaboró con el popular músico Stevie Wonder en su influyente álbum Songs in the Key of Life, publicado en 1976. Durante esta época, Anderson se casó con Kathleen McGhee (posteriormente se divorciaron) y tuvo un hijo, Khalil McGhee-Anderson. Pasó gran parte de principios y mediados de la década de 1970 de gira y promocionando Jesucristo Superstar. En total, Anderson apareció en el escenario interpretando el papel de Judas más de 1200 veces.
Aunque Anderson apareció en una película española, La Perla Negra, en 1978 (que nunca se distribuyó en Estados Unidos) y en el thriller televisivo Mind Over Murder en 1979, a finales de los años setenta y principios de los ochenta, se centraba principalmente en su carrera musical. Obteniendo reconocimiento por sus actuaciones en clubes de Los Ángeles, logró un contrato discográfico con Columbia Records para lanzar cuatro álbumes con el sello Epic. Sus dos primeros álbumes, Absence without Love y On and On no atrajeron mucha atención de la crítica ni del público. Sin embargo, Anderson trabajó con Al McKay de Earth, Wind, and Fire para producir Protocol en 1985, que incluyó lo que se considera uno de sus mejores sencillos, "Can't Stop This Feeling". A pesar de las mejoras en la selección y producción de canciones, Protocol permaneció prácticamente intacto en las tiendas.
En 1985, Anderson lanzó el sencillo "Friends and Lovers", un dueto con la estrella de la telenovela Days of Our Lives, Gloria Loring. El dueto fue un éxito rotundo y alcanzó el segundo puesto en las listas de éxitos. Epic esperaba que el cuarto álbum de Anderson, Carl Anderson, se beneficiara de la popularidad del sencillo, pero finalmente encontró pocos compradores. Ante la pérdida de interés de Epic tras cerrar su contrato de cuatro discos, Anderson lanzó Act of Love en 1988 bajo el sello Polydor de RCA. A pesar de las críticas positivas por sus sonidos de jazz suave, el álbum volvió a fracasar en las tiendas, y Polydor se negó a extender el contrato de Anderson.
Continuó cantando y actuando
Finalmente, Anderson fue fichado por el sello GRP, conocido por su propuesta de jazz. Así, Anderson se alejó del sonido contemporáneo para adultos hacia el estilo más decididamente jazzístico que tanto amaba. En 1991 lanzó Pieces of a Heart, que se convirtió en uno de sus álbumes de mayor éxito de crítica y comercial. Anderson produjo dos álbumes más bajo el sello GRP a principios de la década de 1990, Fantasy Hotel y Heavy Weather/Sunlight Again, lanzados en 1992 y 1994, respectivamente. Su último álbum, Why We Are Here!, se lanzó en 1997 bajo el sello Abu Khalil, la productora de Anderson que lleva el nombre de su hijo. Aunque la carrera en solitario de Anderson nunca lo catapultó a la fama como cantante, a lo largo de los años trabajó de forma constante con otros artistas, como Kenny Loggins, Maynard Ferguson, los Rippingtons y Peabo Bryson. "Forbidden Lover", su dueto con la gran del jazz Nancy Wilson, recibió una nominación al Grammy.
De un vistazo …
Nació el 27 de febrero de 1945 en Lynchburg, Virginia; falleció el 23 de febrero de 2004 en Los Ángeles, California; hijo de James y Alberta Anderson; se casó con Kathleen McGhee (divorciada); se casó con Verónica Ali; hijos (de su primer matrimonio): Khalil McGhee-Anderson. Estudios: Asistió a la Universidad Howard. Servicio militar: Fuerza Aérea de los EE. UU., 1963-1964.
Carrera: Actor de teatro y cine, cantante.
Premios: Premio de Imagen NAACP.
Anderson nunca abandonó por completo la actuación en el escenario o la pantalla. A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, apareció como estrella invitada en varias series de televisión, entre ellas The Rockford Files, Magnum PI, The Incredible Hulk, Hotel y Starsky and Hutch. En 1985 interpretó el papel del reverendo Samuel en The Color Purple de Steven Spielberg, y en 1990 fue elegido para interpretar al juez Walter Flynn en la serie de corta duración de ABC, Cop Rocks. Aunque durante gran parte de la década de 1980 evitó interpretar, o incluso mencionar, su papel decisivo como Judas, Anderson repitió el papel en 1992 para la producción montada en celebración del vigésimo aniversario de la película. Programado para una gira de tres meses, el espectáculo recibió tanta atención que continuó durante veintiocho meses y recaudó más de 100 millones de dólares.
En 1997, Anderson apareció en Broadway como El Duque en el cortometraje Play On!, una adaptación de Noche de Reyes de Shakespeare. También apareció en la banda sonora pre-Broadway de The Civil War — An American Musical, y en 2002 interpretó el papel del Dr. Klip en el cortometraje Mello's Kaleidoscope. A principios de la década de 2000, Anderson continuó trabajando en producciones de Jesucristo Superstar. En el verano de 2003, mientras estaba de gira, a Anderson le diagnosticaron leucemia. Antes de enfermarse, estaba planeando una gira de reunión con el miembro del elenco original Ted Neeley como Jesús, que se había programado para presentarse en el Vaticano en el otoño de 2004.
Falleció en Los Ángeles el 23 de febrero de 2004. Le sobreviven su esposa, Verónica Porche Ali, exesposa del gran boxeador Muhammad Ali; su hijo, sus dos hijastras, Laila Ali y Hana Yasmeen Ali; así como sus tres hermanos y seis hermanas. El 15 de mayo de 2004, el Auditorio de la Escuela Secundaria Dunbar, en Lynchburg, Virginia, su ciudad natal, pasó a llamarse Auditorio de Artes Escénicas Carl Anderson.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Forbidden Love, con Nancy Wilson.
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