Henri Cliquet-Pleyel

Henri Cliquet-Pleyel nació en París, Francia, el 12 de marzo de 1894, y murió en su ciudad, el 9 de mayo de 1963. Compositor. 

El sitio www.tobias-broeker.de publicó este recordatorio.  

Henri Cliquet-Pleyel 

Henri Cliquet-Pleyel nació el 12 de marzo de 1894 en París (Francia). Era sobrino bisnieto del compositor Ignace Pleyel. Henri Cliquet-Pleyel fue un prodigio musical e ingresó en el conservatorio de París a los 12 años. Allí estudió con Charles Koechlin (composición), André Gedalge y Eugène Cools (contrapunto y fuga) y fue compañero de estudios y amigo de Darius Milhaud. 

Después de sus estudios, trabajó primero como profesor de canto en Cannes, Deauville y Aix-les-bains y esta ausencia en París podría ser la razón por la que Henri Cliquet-Pleyel no se convirtió en miembro del famoso grupo "Les Six" (Milhaud, Honegger, Poulenc, Tailleferre, Auric y Durey) en 1918. Que hubiera una oportunidad de ser parte de este grupo lo demuestra el hecho de que Albert Roussel una vez describió a Henri Cliquet-Pleyel como el "séptimo miembro de 'Les Six'". 

En 1923, Henri Cliquet-Pleyel aprovechó la oportunidad para fundar su propio grupo de compositores, que, al igual que "Les Six", tuvo como mentor musical a Erik Satie. El grupo se autodenominó "École d'Arcueil" en referencia a la ciudad natal de Satie y estaba formado por cuatro miembros: Henri Sauguet, Roger Desormière, Maxime Jacob y Henri Cliquet-Pleyel. Desafortunadamente, para la carrera y el prestigio histórico de Henri Cliquet-Pleyel, la "École d'Arcueil" tuvo mucho menos éxito que "Les Six" y, además, solo existió dos años, hasta la muerte de Erik Satie en 1925. 

La École d'Arcueil se dedicó a los objetivos musicales de claridad, simplicidad y humor, que consideraba representativos de la música de Satie. Y Henri Cliquet-Pleyel fue el máximo exponente de esta actitud, que mantuvo sin restricciones tras la disolución de la École d'Arcueil. La siguiente reseña de un concierto en la revista francesa «La Comoedie» de 1926 ilustra este punto: 

El mismo concierto incluyó obras del Sr. Cliquet-Pleyel. Inauguró la tónica con una "Suite para piano" que comienza resueltamente con dos tonos diferentes y remotos, para pesar del público. Es su verdadera parcialidad, y estas constantes disonancias parecen no tener causa. Del mismo compositor, la Sra. Asso cantó con una devoción verdaderamente notable una obra inédita que consiste en una serie de menús exóticos y extraños (y me refiero a menús culinarios). ¡Qué idea tan curiosa ponerle música! 

Con esta actitud, Henri Cliquet-Pleyel también se interesó por el dadaísmo, el surrealismo, la música popular o influencias como el jazz. Por ejemplo, compuso la música y acompañó al piano en una de las famosas representaciones de flamenco vanguardista de Vicente Escudero en el Théâtre Courbe en 1924. Además, Henri Cliquet-Pleyel compuso la música para la película "Panurge" de Michel Bernheim en 1932. Fue un compositor tan destacado que Virgil Thomson escribió sobre él en 1933: 

Cliquet-Pleyel tiene un talento inimaginable. Fue un niño prodigio en el Conservatorio, un Mozart infantil. Hoy es un músico de prodigiosas facultades. Es el mejor transpositor y lector de partituras de París, probablemente de Europa. Puede escribir una sinfonía o una comedia musical casi cualquier fin de semana, copiar las partes, ensayarlas, dirigir el espectáculo, interpretar un concierto para piano de Mozart entre los actos, todo ello sin mover casi nada, y mientras tanto dedica de diez a catorce horas diarias a la producción de películas sonoras. Su habilidad es tan colosal que puede realizar el trabajo rutinario que parece ser el destino habitual de hombres de su talento, y aun así componer buena música libre como si no tuviera nada más en mente. 

Es más fácil situar a Sauguet en la tradición francesa que a Cliquet-Pleyel. Su talento [de Sauguet] se asemeja más a un tipo francés histórico. Es compacto y unipersonal. Cliquet posee la soltura y la naturalidad de Delacroix, además de un desinterés ingenuo y absolutamente único. 

Henri Cliquet-Pleyel también fue miembro de la Federación Musical Popular, como muchos de sus contemporáneos. En el congreso de la asociación en 1937, Henri Cliquet-Pleyel pronunció un interesante discurso que demuestra una vez más su radical opinión sobre la música moderna. El académico Christopher Lee Moore resumió acertadamente el discurso en su libro «La música en Francia y el Frente Popular (1934-1938)», explicando por qué se repite aquí: 

Para Cliquet-Pleyel, la época en que escuchábamos música con la cabeza entre las manos ha pasado. Afirma provocativamente que la música "aburrida" de la gran tradición sinfónica es la peor música de todas. También critica a quienes se han "alimentado" tanto con la música de los maestros del siglo XIX que "desprecian obras más sencillas, más directas, de estilo popular, y que por ello se consideran de mal gusto". [...] Cliquet-Pleyel desaprueba ciertas "sinfonías, en las que la escasez de ideas se agrava por la vulgaridad y la falsa grandeza del estilo", y pretende recordar que estas obras no deben considerarse "buena música" simplemente porque se interpreten en salas de conciertos. 

Después de la Segunda Guerra Mundial, las composiciones de Henri Cliquet-Pleyel se moderaron un poco y continuó componiendo hasta su muerte el 9 de mayo de 1963 en París (Francia). 

Aunque considerado uno de los compositores franceses más talentosos de la primera mitad del siglo XX, a la altura de Darius Milhaud, las circunstancias históricas y su énfasis personal en la música popular hicieron que Henri Cliquet-Pleyel cayera en el olvido con el paso de las décadas. Hoy en día, está prácticamente olvidado, y su nombre solo se menciona en relación con la "École d'Arcueil" como una copia pobre de "Les Six". Esto no le hace justicia a Henri Cliquet-Pleyel, a su reputación entre sus colegas compositores ni a su papel provocador en la escena musical parisina durante décadas. 

El catálogo de obras de Henri Cliquet-Pleyel es extenso, pero la mayoría de las enciclopedias ni siquiera mencionan su nombre hoy en día, por lo que se conoce poco sobre su obra. Investigué numerosos libros y periódicos antiguos y compilé un catálogo. A título informativo, presento este catálogo detallado al final de este sitio web. 

De este gran número de composiciones tengo en mi poder el manuscrito autógrafo de un "Concierto para piano y orquesta": 

Concierto para piano y orquesta 

El manuscrito que poseo es la partitura completa de una obra para piano y orquesta. Henri Cliquet-Pleyel escribió tres composiciones para esta instrumentación: «Transbaikal, para piano y orquesta» (1938), un Concierto para piano mano derecha y orquesta (1939) y un Concierto para piano y orquesta (1940). 

Lamentablemente, mi manuscrito no está fechado, pero la página del título lleva la palabra "Concierto" y la escritura para piano es para ambas manos, por lo que supongo que este es el autógrafo del concierto para piano de 1940. 

No pude encontrar la publicación de esta partitura ni detalles sobre su estreno. Con el fin de preservar un importante concierto para piano francés de la primera mitad del siglo XX, presento aquí la partitura completa: 

CliquetPleyel_PC.pdf  

Catálogo de Henri Cliquet-Pleyel 

Música de piano: 

Toccata et fantaisie, para piano (1915) 

L'Enfant prodigue, para piano (1920) 

Sonatina, para piano (antes de 1921) 

Siete acrósticos para piano (1921) 

Trois piezas a la maniere d'Erik Satie, para piano (1921) 

Suite n.° 1 para piano (1922) 

Dos blues, para piano (1922) 

Cinco tangos, para piano (1922) 

Sept estudios para piano (1924) 

Tres tumbas, para piano (1924) 

Suite n.° 2 para piano (1925) 

La lengua de las flores, para piano (1925) 

Poemes quotidiens, para piano (1925) 

Minueto, para piano (1926) 

Le Tombeau de Satie, para piano (1926) 

Menueto - La valse de la bikette, para piano (1928) 

Linterna mágica, para piano (1936) 

Veladas enfantines, para piano a cuatro manos (1937) 

Sonata para piano (1940) 

Cliquettes, para piano (1947) 

Les Plaintes Inutiles, para piano (1950) 

La malagueña, para piano (1950) 

Zapateado, para piano (1950) 

Recuerdos, para piano (1950) 

La noche española, para piano (1955) 

Seis mazurcas para piano (1958) 

Homenaje a Debussy, para piano (1962) 

música de cámara: 

Cuarteto de cuerdas n.º 1 (1912) 

Cuarteto para piano en cuatro movimientos (1914) 

Cuarteto de cuerdas n.º 2 (1923) 

Sonata para viola y piano (1923) 

Swing low, sweet chariot, para piano, saxofón, violín solo y cuarteto de cuerdas (antes de 1933) 

Chant d'esperance, para clarinete, fagot y piano (1936) 

Sonata n.º 1 para violín y piano (1943) 

Sonata n.º 2 para violín y piano (1947) 

Trío para piano, violín y violonchelo (1954) 

Trío para piano, clarinete y arpa (1962) 

Sonata n.º 3 para violín y piano mano derecha (1963) 

música orquestal: 

Paráfrasis de un Negro Espiritual, para violín y orquesta (antes de 1937) 

Transbaikal, para piano y orquesta (1938) 

Sardane, para orquesta (1938) 

Concierto para piano mano derecha y orquesta (1939) 

Concierto para piano y orquesta (1940) 

Escenas de ballet para orquesta (1962) 

ópera: 

Florette y Sylvie, ópera cómica (1926) 

La Belle Enchanteresse, radio opereta (1938) 

Les Impots, opereta 

Música coral y vocal: 

Trois epigrammes grecques, para voz y 10 instrumentos (1927) 

Cómoda, para soprano y orquesta (1928) 

España, para coro y orquesta (1938) 

Phedre, para coro y orquesta (1940) 

Le Cantique des Colonnes, para coro y orquesta de mujeres (1945) 

La chanson du petit hypertrophique, para coro de hombres (1949) 

Coleopteres, para voz y pequeña orquesta (1962) 

canciones: 

Tres quejas de Jules Laforgue, para voz y piano (1913) 

Le mirliton d'Irene, para voz y piano (1923) 

Les fleurs, para voz y piano (1933) 

La Fille à vendre, para voz y piano (1933)N 

Sur un bateau, para voz y piano (1934) 

L'oeillet rouge, para voz y piano (1936) 

Un coup d'oeil, para voz y piano (1936) 

Le chant de l'Auberge, para voz y piano (1936) 

Comptine, para voz y piano (1937) 

Louange de l'olivier, para voz y piano (1954) 

La lune est de toutes les saisons, para voz y piano (1954) 

Demande en mariage, para voz y piano 

La cigale et la fourmi, para voz y piano 

La poule aux oeufs durs, para voz y piano 

La chanson du bon sommeil, para voz y piano 

Música de cine/teatro: 

Música para una actuación flamenca de Vicente Escudero en 1924 titulada "Les Spectacles Espagnols" 

Música cinematográfica para «Panurge» de Michel Bernheim (1932) 

Música de cine para "La Corsade" de André Vigneau (1935) 

Música para la obra "Le vent dans les voiles" de André Frere (1936) 

música para la revista "Les Noctambules" de Jean Maugier (1936) 

Música para la obra radiofónica «Byron ou l'épopée de la poesie» con texto de J. Audiberti (1939) 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Retrato para violín solo: No. 5 en Fa Mayor, en la versión de Charles Dimmick.  

Henry Cowell

Henry Dixon Cowell nació en Menlo Park, Caliornia, Estados Unidos, el 11 de marzo de 1897, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 10 de diciembre de 1965. Compositor, pianista, teórico musical, musicólogo, profesor y empresario. 

El sitio www.es.laphil.com publicó este recordatorio firmado por Sarah Cahill.  

Tragedia y trascendencia de Henry Cowell 

¿Cómo sonaría California sin Henry Cowell? Sonaría muy sosa. 

Publicado el 01 de octubre de 2025 

Por Sarah Cahill 

Henry Cowell nos dio grupos de acordes alegremente estridentes y suaves de las uñas en las cuerdas piano; defendió a los compositores con su New Music Society y New Music Quarterly. Quarterly. 

Nos introdujo en "todo un mundo de música" más allá de las fronteras; nos dio a John Cage (que llamó a Cowell "el ábrete sésamo de la nueva música en América") y a Lou Harrison; escribió un libro visionario, Nuevos recursos musicales, que inspiró a generaciones de compositores experimentales; fundó la Asociación Panamericana de Compositores para representar la música de América, no sólo de Estados Unidos; integró instrumentos de Irán, Corea, África e Indonesia en las salas de conciertos; nos dio polímetros complejos, construcciones aleatorias, notación gráfica, indeterminación y forma elástica. Nos dio el primer instrumento electrónico, en colaboración con Leon Theremin. En otras palabras, nos dio todo el siglo XX. 

Por todo ello, Henry Cowell nunca ha recibido el crédito que merece. Oímos su influencia en todas partes, pero rara vez reconocemos su origen. Y un trágico suceso ensombrece su reputación. Cowell pasó cuatro años encarcelado en San Quintín por una falsa "acusación moral" derivada de un momento íntimo con un joven que probablemente intentaba chantajearle. Condenado a quince años, fue puesto en libertad condicional después de cuatro al cuidado del también compositor Percy Grainger. Abandonó California y nunca más volvió a vivir en el estado donde había florecido como profeta radical antes de su encarcelamiento. 

Es imposible imaginar a Cowell alcanzando la mayoría de edad en otro lugar que no fuera California. Nacido en la zona rural de Menlo Park, creció en la pobreza con su madre soltera, una ardiente feminista y anarquista bohemia, y el joven Cowell vagó por el campo como una especie de niño salvaje genial. 

Es imposible imaginar a Cowell alcanzando la mayoría de edad en otro lugar que no sea California". 

Absorbía la música dondequiera que la encontrara: el canto de los pájaros, el ruido de las máquinas y las canciones populares irlandesas mezcladas con los clásicos. Cuando visitaba Chinatown, en San Francisco, sáb. sentaba al aire libre en un bordillo y escuchaba la música que tocaba un grupo de ancianos chinos refugiados que salían de un club. Aprendió canciones de sus amigos japoneses, chinos, tahitianos y filipinos. Ni él ni su madre podían permitirse un pianotenía que trabajar para mantenerlos a los dos piano-pero se dio cuenta de que "todos los niños con los que jugaba entraban de cuatro a cinco de la tarde, exactamente, para practicar con el piano y, por supuesto, todos volvían a salir a las cinco y un minuto para tocar. Yo no quería quedarme al margen de tal actividad, así que durante una hora cada día practicaba mentalmente. Me sáb. al escritorio y practicaba escuchando sonidos en mi mente. Lo hacía muy metódicamente... para cultivar mi mente para oír sonidos que se iban complicando a medida que pasaba el tiempo". A los 13 años ya había ganado lo suficiente trabajando de conserje, desbrozando el césped de los vecinos, pastoreando vacas y vendiendo flores silvestres para comprarse "un viejo piano decrépito", como él mismo decía, pero no podía permitirse clases, así que inventó sus propias técnicas con el instrumento, creando grupos de tonos con los puños y los antebrazos, rasgueando por dentro de las cuerdas, silenciando las cuerdas con las yemas de los dedos y las palmas de las manos y anotando sus partituras con las dos manos tocando en distintas tonalidades y compases. También tuvo que inventar una nueva notación porque, como escribió en su momento, "habrá que inventar un montón de nuevos tipos de notas para escribir esto, ya que es imposible, con nuestra limitada oferta actual". Muchas de sus piezas juveniles evocan leyendas y canciones populares irlandesas, con nombres como, La trompeta de Angus Ogy La voz de Lir. Una de las principales influencias de estas composiciones es el poeta místico irlandés John Varian, a quien Cowell visitaba con frecuencia en Halcyon, la colonia teósofa cercana a Pismo Beach. 

 

Pronto empezó a hacer giras y a asombrar a multitudes con sus grupos de antebrazos y sus técnicas de " pianocuerda". En 1919, empezó a escribir su libro Nuevos recursos musicales sus revolucionarias teorías sobre armonía y ritmo resonaron en la música del siglo XX lo copió a mano). En 1925, frustrado por la falta de conciertos vanguardistas en California, fundó la New Music Society, y unos años más tarde empezó a publicar la New Music Quarterly, con primeras ediciones de obras revolucionarias de Ruth Crawford, Dane Rudhyar, Carlos Chávez, Charles Ives, Johanna Beyer, William Grant Still, Alejandro García Caturla y cientos de otros. Decía: "Si se vende, no lo quiero". Nadie estuvo tan cerca de apoyar y defender la nueva comunidad musical como Cowell. 

"Nadie estuvo tan cerca de apoyar y defender a la nueva comunidad musical como Cowell. 

Debido a su educación poco ortodoxa y a su confiado idealismo, a menudo se describe a Cowell con términos como "inocente", "ingenuo" e "infantil". Por eso no sorprende que a otros les resultara fácil aprovecharse de él. Cowell permitía a menudo a un grupo de adolescentes del barrio bañarse en su piscina, pero en mayo de 1936, uno de esos jóvenes contó a la policía que Cowell había practicado sexo oral con él, lo que en aquella época infringía el artículo 288a del Código Penal de California. El joven esperaba asustar a Cowell para que le regalara su automóvil Stutz rojo y no fue acusado de ningún delito. Cowell fue detenido y, mal aconsejado, se declaró culpable y redactó una detallada confesión. Creyó que saldría en libertad condicional. Declararse culpable también significaba que protegería a los jóvenes que nadaban en su piscina (escribió a su amigo Nicolas Slonimsky que "no habrá juicio; un juicio sería muy perjudicial para una serie de personas perfectamente inocentes"). Pero había sellado su propio destino. Los engranajes se pusieron en marcha. Los periódicos de Hearst publicitaron la detención con titulares escabrosos, inventando la noticia de que Cowell había confesado haber abusado de 24 chicos de entre 10 y 17 años. Se le interrogó sobre sus hábitos sexuales, fue examinado por psiquiatras y se le preguntó directamente si era un pederasta y un desviado impenitente. Presionado por la prensa sensacionalista para dar un escarmiento a este compositor de izquierdas con reputación internacional, y presionado también por la rabiosa homofobia de la época, el juez calificó a Cowell de "delincuente sexual" y le impuso la pena máxima, quince años en San Quintín. Su madrastra Olive Cowell dijo: "Le trataron como a un degenerado que seduce a los jóvenes con violencia". Incluso el fiscal del distrito dijo más tarde que si Cowell no se hubiera declarado culpable, se habrían retirado los cargos.  

San Quintín, fundada en 1852 en el idílico condado de Marin, es la prisión en activo más antigua de California, y hasta hace poco ostentaba el mayor corredor de la muerte del país. Vista desde lejos, sobresaliendo hacia la bahía de San Francisco bajo el majestuoso pico del monte Tamalpais, parece un monasterio tibetano, pero durante el encarcelamiento de Cowell, las ejecuciones eran habituales. Llegó allí el 8 de jul de 1936 y entró en la celda 1841. Tenía 39 años. 

Es difícil imaginar la desmoralización, la decepción y la conmoción que debió de sentir Cowell al entrar en aquellos muros de la prisión. En su primer año, fue asignado a trabajos agotadores en la fábrica de yute, pero incluso en este entorno lúgubre, estaba haciendo música en su mente. Según Henry Cowell: A Man Made of Music de Joel Sachs: 

"Tras pasar años entrenándose para tocar difíciles ritmos simultáneos, practicando incluso en el metro, Henry adaptó los movimientos físicos que exigía la máquina de yute como ejercicios de ritmos irregulares. Sus espasmódicos gestos no tardaron en llamar la atención, que es lo último que desea un preso. Los compañeros de trabajo empezaron a cuestionar su cordura; los supervisores podían denunciarle por comportamiento inexplicable. Al final dejó de hacerlo". 

Pero el espíritu optimista de Cowell era indomable. Empezó a enseñar historia de la música, teoría, apreciación y composición a miles de presos, y pronto dirigió una banda y una orquesta, a las que los reclusos clamaban por unirse. Escribió un provocador tratado de teoría musical titulado La naturaleza de la melodía y varios ensayos. Formó un grupo de música de cámara con su compañero Raoul Pereira, que había estudiado con Joseph Joachim, amigo íntimo de Brahms. Aprendió japonés y español, y estudió shakuhachi y saxofón. Dio clases de composición a Harrison, que le visitó en San Quintín, al igual que Martha Graham, Carlos Chávez y Leopold Stokowski. Creó una biblioteca para prestar música, libros e instrumentos a los reclusos. Lo mejor de todo es que consiguió escribir más de sesenta composiciones innovadoras durante esos cuatro años. Incluso cuando estaba en la cárcel del condado de San Mateo, a la espera de sentencia, había compuesto su Cuarteto "United", que abarcaba diversos estilos y perspectivas. En San Quintín escribió una obra radical para piano en tres movimientos que anticipa las complejas invenciones polirrítmicas de finales del siglo XX, yuxtaponiendo compases como 13 contra 7 y 11 contra 9 (años antes, Cowell había inventado, con Leon Theremin, el Rhythmicon, que reproducía los ritmos de relaciones complejas según las relaciones de tono entre las series de sobretonos). También escribió dos inquietantes partituras con voz sin palabras, y Toccanta, e inventó la forma elástica, en la que varios módulos de la pieza pueden reordenarse, repetirse u omitirse. Esto le permitió trabajar con coreógrafos "externos" cuyas danzas necesitaban música de duración flexible, que pudiera adaptarse a distintas ocasiones. Cowell utilizó la forma elástica para una representación de Las bodas de la Torre Eiffel, de Jean Cocteau, para la que Cage le había invitado a contribuir con una partitura, y también en su Suite Amerind, que ofrece al pianista cinco posibles versiones enlazadas diferentes.  para piano combina un rollo irlandés, virtuosismo lisztiano y enérgicas cascadas de grupos de acordes. Otra fascinante composición de los años de San Quintín es para el sexteto de percusión de Cage, escrita en compás de 7/8 para bloques de madera y bocas de dragón, tambores chinos, cuencos de arroz y gongs, platillos, tubos y tambores de freno (fue Cowell quien llevó a Cage y Harrison a los desguaces en busca de instrumentos de percusión). De las docenas de composiciones que escribió en San Quintín, muchas se encuentran entre sus mejores obras, tanto más sorprendentes teniendo en cuenta las duras circunstancias.  

Los proyectos musicales de Cowell y su experiencia carcelaria se cruzaron de forma interesante. Su concertino en la orquesta era W.E.J. Hendricks, que había robado y estrangulado a un hombre y arrojado su cadáver a un barranco. Hendricks se convirtió en el protector de Cowell, dejando claro a los internos más agresivos que no se le podía tocar. Cowell escribió a Slonimsky: "No puedo transmitirle lo extraordinaria que es la experiencia de ser arrojado a un grupo tan variopinto... todo el asunto es realmente una experiencia que, si no se prolonga demasiado, uno no desearía haberse perdido". 

Cowell podría haber permanecido entre rejas durante toda su condena de quince años si no hubiera sido por incansables defensores como su madrastra Olive, la estudiosa de la música folk Sidney Robertson (su futura esposa) y compañeros compositores como Percy Grainger, que consiguió la libertad condicional de Cowell en 1940 ofreciéndole un trabajo de secretaría en su casa de White Plains, Nueva York. Otro factor decisivo fue el recién elegido gobernador de California, Culbert Olson, que quería reformar las prisiones del estado: su primer acto fue indultar a un activista sindical que había cumplido veinte años por un delito que no había cometido. Uno de sus colaboradores señaló que Cowell "se había declarado tontamente culpable de un cargo moral que nunca debería haberse presentado". Cuando Cowell fue finalmente puesto en libertad, el jefe del Departamento de Educación de San Quintín le escribió: "El Departamento de Música de San Quintín no es un Departamento de Música sin Henry Cowell. Era suyo y sin él ya no lo es. Nunca habrá otro que pueda ocupar su lugar". En 1942, Cowell recibió el indulto total. 

 

Tras un año bajo la tutela de Percy Grainger, se casó con Sidney Robertson y vivieron felices juntos hasta su muerte en 1965. Viajaron a Irán, India y Japón, y él incorporó lo que oía a sus composiciones. Se mantuvo ocupado, enseñando "Música de los pueblos del mundo" en la New School for Social Research (había impartido la misma clase en la década de 1930 en San Francisco), componiendo y trabajando para la Oficina de Información de Guerra en emisiones de radio. Escribió cientos de artículos sobre otros compositores y sobre música no occidental. Pero a pesar de algunas composiciones aventureras como Ongaku y la mayor parte de la música que escribió durante esta época fue mucho más moderada y conservadora, y nunca expresó la alegría desbordante de su obra anterior. También moderó sus ideas políticas radicales. Conlon Nancarrow recuerda que conoció a Cowell en 1947: "La impresión que me dio es que era una persona aterrorizada, con la sensación de que 'van a por él'". En 1963, grabó 20 de sus piezas juveniles piano, con comentarios hablados sobre sus orígenes. Había dedicado gran parte de su vida a apoyar y defender a sus compañeros compositores, pero vivió para ver cómo compositores más "serios", como Stockhausen, Boulez y Crumb, capitalizaban sus propias innovaciones musicales sin darle crédito. 

En general, las cosas han cambiado a mejor en el último medio siglo. Apenas una generación después del encarcelamiento de Cowell, sus dos alumnos más cercanos, Harrison y Cage, pudieron vivir orgullosamente como homosexuales, con sus parejas de por vida a su lado. El matrimonio entre personas del mismo sexo es ahora un derecho garantizado en Estados Unidos. En 2003, el Tribunal Supremo dictaminó que el sexo oral consentido entre adultos es legal en todos los estados. En marzo de 2023, el gobernador Newsom anunció una importante reforma de San Quintín para convertirlo en "el centro de justicia reparadora más importante del mundo", centrado en la rehabilitación y la educación. Hay que reconocer el progreso y, con ejemplos tan positivos, es tentador encontrar consuelo en la idea de que la detención y el encarcelamiento de Cowell pertenecen a un pasado lejano. 

Sin embargo, historias trágicas como la de Cowell no han desaparecido. No le iría bien en Florida, con su proyecto de ley "No digas gay" aprobado en 2022, ni en Alabama, donde la protección de las comunidades LGBTQ es casi inexistente. Y a pesar de la reforma, las siniestras maquinaciones del complejo industrial penitenciario siguen castigando infracciones tan leves como la de Cowell. En última instancia, la historia de Cowell no trata de su tragedia, sino de su valentía y persistencia en las circunstancias más adversas, de su determinación para crear y de la extraordinaria música que legó a las generaciones futuras. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de The Trumpet of Angus Og y la Sinfonietta para Orquesta de Cámara, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken, dirigida por Michael Stern.  

NAGRELA editores presenta: BIBI. Mi historia / Benjamín Netanyahu

 

Pappo

 

Norberto Aníbal Napolitano, más conocido como Pappo, nació en Buenos Aires, Argentina, el 10 de marzo de 1950, y murió en Luján, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 24 de febrero de 2005. Músico, tocaba guitarra, bajo, piano y armónica, cantante, compositor y actor. 

El sitio www.fundacionkonex.org publicó este recordatorio. 

Norberto "Pappo" Napolitano 

2005, Música Popular, Diploma al Mérito 

1995, Música Popular, Diploma al Mérito 

1985, Música Popular, Diploma al Mérito 

Pappo Napolitano 

Premio Konex 2005: Solista Masculino de Rock / Post Mortem 

Premio Konex 1995: Instrumentista / Conjunto de Rock 

Premio Konex 1985: Instrumentista / Conjunto de Rock 

Nació el 10/03/1950. Premio Konex 2005. 1995 y 1985. Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada (PK), en Los Gatos, Manal (PK) y La Pesada del Rock and Roll. En 1970 formó Pappo’s Blues, con David Lebón y Black Amaya, con quienes tocó hasta 1980 y grabó 7 discos. En 1981 formó Riff, con quienes grabó 7 álbumes de estudio, como Ruedas de Metal y Macadam… 3, 2, 1, 0 (1981), Contenidos (1982), VII (1985), Zona de Nadie (1992), Que sea rock (1997) y otros tantos en vivo. Con ambas bandas tocaría en forma simultánea. También actuó como solista grabando 6 álbumes y con Aeroblus, con quienes editó 3 discos. Tocó con grandes del blues y del rock internacional como John Bonham, de Led Zeppelin; Lemmy, de Mötorhead y B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994. Falleció el 25/02/2005. 

Biografía ampliada 

Norberto "Pappo" Napolitano (10/03/1950 - 25/02/2005) fue el guitarrista de blues más importante del rock argentino. Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada y también en Los Gatos (con quienes grabó dos discos). Participó en Conexión Nº5, en La Pesada del Rock and Roll y fugazmente en Manal. En 1970 formó su primera banda, Pappo´s Blues, con David Lebón y Black Amaya. Esta agrupación perduraría hasta 1980 y registraría 7 discos en total, aunque la alineación cambiaría en varias oportunidades. 

Con Alejandro Medina y Junior Castello armó Aeroblus, una efímera experiencia grupal tras la disolución de Pappo´s Blues, que no prosperaría justamente, por los reencuentros de este grupo. 

Pappo viajó constantemente por Europa y Estados Unidos, para mantenerse en contacto directo con las bandas del género y para conocer de cerca las nuevas tendencias. Una de sus giras más importantes fue tras la disolución de Aeroblus, en 1978, acompañando durante seis meses a Peter Green. También tocó con el bajista Lemmy Kilmister, en la banda que luego se conocería como Motörhead. De regreso en Buenos Aires formaría Riff, su siguiente agrupación. Acompañado por Michel Peyronel, Héctor "Boff" Serafine y Juan García Haymmes, este grupo grabaría cinco LPs y es considerado como el principal responsable del auge del rock and roll en la Argentina en la década de los ´80. 

En 1984 decidió comenzar su carrera solista. Para ello se presentó en Obras junto al grupo Boxer, donde se grabó un álbum doble bautizado "En Concierto". Inesperadamente, no recibió el mismo apoyo del público que con su banda, por lo cual se unió nuevamente a Vitico para la continuación de Riff. 

Tras grabar y presentar "Pacto diabólico" (1987), Pappo se instaló en Los Angeles y formó una nueva banda, bautizada The Widow Maker ("el hacedor de viudas"). Con ella realizó una mini gira por América del Sur y por 24 ciudades de Estados Unidos. 

Con la participación de Javier Martínez y Alejandro Medina (dos tercios de Manal) grabó "Blues Local" (1992), un celebradísimo LP que resucita el tema "Una casa con diez pinos". Su banda estaba integrada por Black Amaya (batería), Miguel Botafogo (guitarra), Luis Robinson (armónica) y Pato Frasca (teclados). La presentación del disco tuvo lugar en Racing. Para fines de año toca junto a B.B.King en Obras y luego telonea a los Guns N´Roses en River. A mediados de 1994, Pappo gira nuevamente por Estados Unidos y se presenta por segunda vez con B.B.King, en el Madison Square Garden de New York. Parte de esa gira es editada en "Pappo sigue vivo". En 1995 retornó con Pappo´s Blues, al presentar "Caso cerrado". Siguió tocando con la banda esporádicamente y grabó “El auto rojo” en 1999, su último disco oficial con dicha banda. 

Mientras tanto en los ’90 además de sus proyectos solistas y Pappo’s Blues, siguió tocando con Riff, con quien grabaron un disco en vivo “En La Plata” en 1996 y “Que sea Rock” en 1997, otra joya del rock nacional. En 2005 sacaron un DVD doble llamado “Riff, la Historia vol. 1 y 2”. Pappó obtuvo 3 veces el Premio Konex en 1985, 1995 Y 2005. 

Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad bonaerense de Luján como consecuencia de un accidente de tránsito. Sus restos fueron despedidos al día siguiente en el panteón de músicos de SADAIC en el cementerio de la Chacarita (Capital Federal, Argentina) por sus seres queridos y por una multitud de fanáticos que no cesó de corear sus canciones y su nombre. 

En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires se ha levantado un monumento a su memoria, situado en la plazoleta Roque Sáenz Peña (Juan B. Justo, Boyacá, Remedios de Escalada de San Martín y Andrés Lamas). La radio FM Rock & Pop inauguró un estudio que lleva su nombre. 

Discografía 

Con Los Abuelos De La Nada 

La Estación, 1968 

Con Los Gatos 

Beat Nº1, 1969 

Rock de la mujer perdida, 1970 

Solista 

Pappo en concierto, 1984 

Widow Maker, 1989 

Blues Local, 1992 

Pappo & Deacon Jones, 1993 

Pappo sigue vivo, 1994 

Pappo y amigos, 2000 

Buscando un amor, 2003 

Pappo's Blues 

Pappo's Blues Volumen 1, 1971 

Pappo's Blues Volumen 2, 1972 

Pappo's Blues Volumen 3, 1973 

Pappo's Blues Volumen 5, Triángulo, 1974 

Pappo's Blues Volumen 4, 1974 

Pappo's Blues Volumen 6, 1975 

Pappo's Blues Volumen 7, 1978 

Hombre suburbano, 1994 

Pappo's Blues Volumen 8, Caso cerrado, 1995 

El auto rojo, 1999 

Aeroblus 

Aeroblus, 1977 

Riff 

Ruedas de metal, 1981 

Macadam 3...2...1...0, 1981 

Contenidos, 1982 

En acción, 1983 (en vivo) 

Épico, 1984 (recopilación) 

VII, 1985 

En vivo en Obras, 1995 (en vivo) 

Riff'n Roll, 1986 (en vivo) 

Palladium 86, 1996 (en vivo) 

Zona de nadie, 1992 

En La Plata, 1996 (en vivo) 

Que sea rock, 1997 

La Historia vol. 1 y 2, 2005 (DVD) 

Hoy No Es Hoy 

Esto fue un proyecto iniciado por Pappo hacia mediados de la década de 1980, orientado hacia el Heavy Metal Tradicional. Plan Diabólico, 1987 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Rock And Roll Y Fiebre.

Mark Mancina

Mark Alden Mancina nació en Santa Mónica, California, Estados Unidos, el 9 de marzo de 1957. Compositor, guitarrista y productor. 

El sitio www.sensacine.com publicó su biografía. 

Ha ganado tres Emmy y ha compuesto las bandas sonoras de películas tan diversas como Obsesión, La mansión encantada, Hermano oso, Training Day/Día de entrenamiento, Speed/Máxima potencia, Dos policías rebeldes, Moll Flanders, Con Air/Convictos en el aire y Twister. También produjo la canción "Rocking the Suburbs", para la película de animación Vecinos invasores. 

Realizó los arreglos y produjo tres temas de Elton John para El rey león, por lo que ganó el Grammy al Mejor Álbum Infantil y dos Premios American Music al Mejor Álbum Pop. Como productor fue galardonado con dos Grammy por "The Lion King Cast Album" y con el Grammy al Mejor Álbum de una Banda Sonora por la película de animación Tarzán. 

Para Broadway, compuso, produjo y se ocupó de los arreglos de la música adicional del musical El rey león, premiado por los Tony, y por el que compartió una nominación a un Tony a la Mejor Música Original. 

Para televisión ha compuesto la música de "Mentes criminales", "De la tierra a la luna", "Believe", "Soldier of Fortune", "Poltergeist: el legado", "Millenium" y "Space Rangers". 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con el Prólogo de la película Moana. 

Shalom – Caminar por la biblia

Shalom – Caminar por la biblia  

Israel es un libro abierto de historia bajo tierra. Cada excavación nos permite tocar el mundo bíblico con las manos. En el programa de hoy, Cayetana Johnson, arqueóloga y profesora, nos contará acerca de los hallazgos arqueológicos en Jerusalén, en la Ciudad de David. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/caminar-biblia/16970408/ 

Hugo Avendaño

Hugo Avendaño Espinoza nació en Tuxpan, Veracruz, México, el 8 de marzo de 1927, y murió en la Ciudad de México, México, el 5 de enero de 1998. Barítono y actor. 

El sitio www.cronicadelpoder.com publicó este recordatorio. 

Hugo Avendaño 

Dom, 10/01/2016 12:00 am 

Con una carrera artística de más de 48 años que inició en 1950 en Bellas Artes y que se apagó con su muerte el 5 de enero de 1998, es considerado el más grande barítono de México y gracias a su extensa carrera como interprete se ganó la simpatía del público no solo de nuestro México, el canto de este ejemplar artista oriundo de la ciudad de Tuxpan, traspaso nuestras fronteras. 

Nació el 8 de marzo de 1927 en la ciudad de Tuxpan, Veracruz. Vivió en una época en que los grandes tenores como Jorge Negrete o Pedro Vargas acaparaban la atención del público en nuestro país, no obstante, la figura de esa voz inconfundible se abrió paso y llegó a ser una de las figuras de la música popular, hay quienes recuerdan melodías como Adiós Mariquita linda que fue muy conocida a mediados de los años sesenta. 

Como muchos otros artistas estudió la carrera de Medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México la que dejó por seguir lo que le dictaba el su corazón ingresando a la Academia de canto del maestro José Eduardo Pierson un reconocido cantante y declamador de origen francés, que también fue el maestro de los más destacados cantantes del momento, posteriormente continuó sus estudios con afamados tutores en los Estados Unidos principalmente. 

Su debut lo hizo en el Palacio de Bellas Artes en la ópera Aida de Guiseppe Verdi, viajó por varios estados del territorio nacional interpretando ópera, cinco años después se inclina por la interpretación de la música popular iniciando con ello sus actuaciones en radio, fue figura indiscutible en el programa La hora azul de la XEW y posteriormente en la televisión. 

Fue su madre de origen chiapaneco hija de un capitán revolucionario quien le dio el impulso alentándolo siempre a seguir con su carrera artística acompañándolo en sus actuaciones cada vez que le era posible. Su voz ha sido reconocida como una de las auténticas joyas a las bellas interpretaciones de este gran barítono posiblemente el más grande de habla hispana; siendo reconocido con más de noventa premios y condecoraciones a lo largo de su carrera en Latinoamérica, El Caribe, Europa y los Estados Unidos lugares en los que se presentó de forma exitosa. 

Participó en los programas de Televisión De visita a las siete, El estudio de Pedro Vargas, Variedades de medianoche, Noches Tapatías y presentaciones en diversos programas. También hizo varias películas entre ellas se encuentran El gallo colorado, Melodías inolvidables y La Valentina con María Félix. 

Dentro del terreno musical destaca como uno de los mejores intérpretes de importantes veracruzanos como Agustín Lara, María Grever, Francisco Gabilondo Soler, y Lorenzo Barcelata, entre muchos otros. 

Se caso con la soprano Graziella Garza con la que compartió el escenario en muchas ocasiones. Hugo grabó más de 50 discos, como no recordar melodías como Un viejo amor o Júrame. Interpretaba una canción escrita por Daniel Pérez Arcaraz quien fue un legendario conductor de un programa de anuncios que pasaban en un rotafolio con Madaleno llamado El club del hogar, la melodía se llama Mientes y era de las favoritas de su círculo de amistades. 

Muchos de los grandes autores de las canciones románticas de aquel entonces fueron grabados por Hugo Avendaño, poseedor de una técnica y un estilo propio, en 1993 se le diagnostico cáncer de páncreas que lo llevaría a un fatal desenlace cinco años después el 5 de enero de 1998. 

manantialdepalabras@hotmail.com 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Júrame.  

Chris White

Christopher Taylor White, más conocido como Chris White, nació en Barnet, Hertfordshire, Reino Unido, el 7 de marzo de 1943. Cantante, bajista, compositor y productor discográfico. 

El sitio de Facebook: Efemérides Políticas, Históricas, Sociales y Culturales, de Enrique Hopman, publicó esta biografía. 

Cumple 82 años Chris White, de The Zombies. 

Christopher Taylor White nace el 7 de marzo de 1943 y es un cantante, compositor, músico y productor discográfico británico. 

La carrera musical de White abarca más de 50 años. Saltó a la fama a mediados de la década de 1960 como bajista y vocalista ocasional del grupo de rock británico The Zombies. White es uno de los principales compositores de la música de The Zombies, y realizó importantes contribuciones líricas a las canciones de la banda. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2019 como miembro de The Zombies. White sustituyó al bajista inicial de The Zombies, Paul Arnold, y se convirtió en uno de los dos principales compositores de la banda, junto a Rod Argent. Escribió dos temas en su álbum de debut en Estados Unidos, The Zombies, publicado en enero de 1965. En el álbum de debut en el Reino Unido, Begin Here, compuso tres temas. Para las actuaciones de The, Zombies en la película de 1965 Bunny Lake Is Missing, White escribió "Nothing's Changed" y "Remember You". También escribió siete de las doce canciones del segundo y último álbum de la banda y obra maestra generalmente reconocida, Odessey and Oracle. White también contribuyó con la voz principal en "Butcher's Tale (Western Front 1914)" y un verso de "Brief Candles". Algunas ediciones de She's Not There atribuyen a Chris la autoría en lugar de a Rod Argent.  

Su canción "I Love You", grabada originalmente por The Zombies en 1965, fue un éxito para el grupo People! en 1968.  

Aunque White no es miembro de la formación actual de The Zombies, se ha vuelto a unir al grupo en varias giras con la formación original superviviente entre 2008 y 2019 para tocar Odessey and Oracle en su totalidad. Tras la desaparición de The Zombies, White contribuyó a la composición y producción de canciones en la carrera en solitario de Colin Blunstone y en la nueva banda de Rod Argent, Argent. Con Argent coescribió su éxito de 1972 "Hold Your Head Up". En 2007, como parte de la banda White Circle, coescribió, coprodujo y actuó en el álbum The Key con su hijo Matthew White y su esposa Vivienne Boucherat. 

También en 2007/2008, White coprodujo y tocó en el álbum Featherhead para su hijo menor, el cantautor londinense JJ White.7 En marzo de 2008, White inició una serie de actuaciones en directo con los otros tres miembros supervivientes de The Zombies, incluyendo las primeras actuaciones completas del álbum Odessey and Oracle, para celebrar el 40º aniversario de su publicación. 

Desde 2019, Chris ha estado publicando material inédito bajo el nombre de serie The Chris White Experience con actuaciones de un gran número de artistas conocidos. Hasta julio de 2021, ha publicado cinco volúmenes de canciones y un álbum inédito del grupo Sparrow. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Time of the Season, durante la presentación en el Salón de la Fama del Rock & Roll, en 2019.  

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opinión firmado por Pilar Rahola.

Chamberlain o Churchill

El debate sobre la legitimidad de la guerra y la defensa de la paz pone en evidencia el uso

estratégico del discurso pacifista para encubrir intereses políticos y desviar la atención de

problemáticas internas 

PorPilar Rahola

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06 Mar, 2026 05:00 a.m. AR

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El presidente del Gobierno de España, Pedro Sánchez (Eduardo Parra - Europa Press)

El peor daño que puede hacerse al noble concepto del pacifismo es usarlo de manera falaz, oportunista y vacua. Lógicamente, cualquier persona de bien rechaza la guerra, tanto como ama la paz, pero proclamar el amor por la paz no implica, automáticamente, garantizarla.

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Al contrario, cuando se trata de la paz de los cementerios, la guerra puede ser el único camino para conseguir frenar la agresión y garantizar la paz.

Es el eterno dilema Chamberlain-Churchill, cuando el primero quería evitar la guerra con Hitler con su apaciguamiento, y solo obtuvo lo que Churchill convertiría en una frase para la posteridad: “Os dieron a elegir entre el deshonor o la guerra. Elegisteis el deshonor y ahora tendréis la guerra”.

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Desgraciadamente, la historia está llena de ejemplos en este mismo sentido. La guerra de Estados Unidos e Israel contra el régimen iraní plantea esa misma tesitura, al tiempo que deja en evidencia a los Chamberlain de nuestro tiempo, tanto aquellos que viven en el Nirvana feliz, como quienes son plenamente conscientes de usar el “no a la guerra” como un señuelo para cubrir sus miserias internas.

Y, de entre todos, Pedro Sánchez es un ejemplo de manual. Enfrentarse a Trump, enfundarse en un pacifismo impostado y azuzar el “no a la guerra” (cacofonía del lema que llevó a Zapatero al poder en 2004), no es el resultado de su amor por Gandhi, sino una estrategia perfectamente definida para mantenerse en el poder.

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La confrontación con Trump alimenta el patriotismo antiamericano de la izquierda española -aumentado por su odio acerbo a Israel-, distrae a la ciudadanía de sus miserias políticas y da munición para el miedo. En la diana, el objetivo de mantenerse en el poder y ganar las próximas elecciones que, si lo del choque con Trump va bien en términos de popularidad, podrían avanzarse muy pronto.

Es así como un presidente que no tiene mayoría parlamentaria, ni consigue aprobar ninguna ley importante porque carece de consenso, ni tiene presupuestos, ni puede conseguirlos, y que tiene a parte de su cúpula bajo togas judiciales por corrupción, se pone la capa anti Trump y se convierte en un héroe.

Ya no importan ni los amigos en la cárcel, ni los líos de corrupción, ni la falta de presupuestos, ni nada, porque don Pedro ha encontrado otro divertimento con el que saciar el hambre ciudadano.

Lo más increíble es que además todo es pura impostura, porque en realidad los aviones americanos están saliendo de Morón y Rota y España participará en la guerra, eso sí, medio embarazada: que no, pero que sí.

El eterno estilo de Sánchez de engañar a todo el mundo al mismo tiempo. Más allá del oportunismo de algunos, lo cierto es que la cuestión del derecho internacional y la defensa de la paz permite un debate de calado que tiene muchas aristas.

Es evidente que el derecho internacional, tal como se concibió después de la segunda guerra mundial, estalló por los aires hace mucho tiempo, convertido en una cáscara vacía que solo sirve para que regímenes terribles perpetren todo tipo de barbaridades y alimenten todo tipo de monstruos, asentados en su legalidad.

Y ello es tan evidente, que no se puede considerar que una acción militar como la que, por ejemplo se produjo en Venezuela para capturar a Maduro, o la guerra contra Irán, sea un quiebre de dicho derecho internacional, si no se ponen todas las variables en juego.

¿Qué derecho internacional practicaba el régimen chavista que robaba los recursos, encarcela a los opositores y reprimía brutalmente a su pueblo, mientras desestabilizaba toda la región? ¿En nombre del derecho internacional se le podía permitir con sus atropellos? Y más cuando sus acciones políticas y sus alianzas geopolíticas representaban un serio problema para la seguridad y la estabilidad de toda la región.

Si ello era claro en Venezuela, en Irán es translúcido. Se trata de un régimen atroz que ha perpetrado una destrucción sistemática del derecho internacional desde su llegada en 1979. ¿Dónde estaba el derecho internacional, cuando Irán financia a grupos terroristas en todo Oriente Medio, responsables de centenares de atentados? ¿Dónde, cuándo utilizaba a sus ‘proxys’ para desestabilizar a todo Oriente Medio?

¿Dónde estaba, cuando las milicias de Hezbollah, armadas y entrenadas por la guardia revolucionaria, destruían literalmente el Líbano? ¿Dónde estaba el derecho internacional, cuando Irán perpetraba atentados en tierra argentina?

¿Dónde estaba este precioso e inviolable derecho internacional, cuando Irán ponía en marcha su carrera nuclear, y desde la ONU amenazaba con destruir a Israel? Es decir, amenazaba con asesinar a 9 millones de personas, y la ONU escuchándolo beatíficamente, porque el derecho internacional parece que se lo permitía.

Y puestos a preguntar, ¿dónde estaba el derecho internacional, cuando el régimen disparaba con munición real contra los manifestantes y mataba a miles de ellos?

Lo cierto es que el régimen no tenía, ni tiene ninguna intención de negociar una alternativa pacífica, ni convivir pacíficamente en la región. Al contrario, convirtió todo su potencial político y militar en un arma para colonizar el Líbano, destruir a Israel, dominar todo Oriente Medio y expandir sus tentáculos en otras zonas, como es el caso del hemisferio occidental latinoamericano.

Es un régimen innegociable, de manera que solo había dos salidas: o permitir que continuara creciendo su poderío, o pararlo en seco. Dicho de una manera abrupta, para conseguir la paz en Oriente Medio, había que hacer la guerra.

Ello lo saben bien los israelíes, que directamente se juegan su existencia. Pero no solo, y ahí está el silencio del resto de países de la región, sin que ninguno apoye a su violento vecino. Ni tan solo Rusia y China, que han hecho un ruidoso mutis. La soledad de Irán es la soledad del monstruo. Su caída, la única garantía de paz creíble y duradera.

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