Hoy, en la víspera del comienzo de Shabat, a las 18:30 hs de
Israel, necesitamos que todos prendamos velas de esperanza, de unidad y para el
retorno de nuestros seres queridos.
Te lo piden los familiares directos de los secuestrados,
secuestrados liberados y seguro te lo piden los propios secuestrados donde
quiera que estén BH.
El sitio www.duranduran.fandom.com
publicó esta biofrafía.
Mark Volman
Músico
Mark Volman (nacido el 19 de abril de 1947) es un cantante
de rock and roll estadounidense, mejor conocido como miembro fundador de la
banda de los años 60 The Turtles y actuó en el álbum Thank You de Duran Duran.
En ocasiones durante su carrera ha utilizado el seudónimo de "The
Phlorescent Leech" ("Flo" para abreviar).
Biografía
Volman nació en Los Ángeles, California y creció en
Westchester, un suburbio de Los Ángeles, donde se graduó de Westchester High
School en 1965. Más de 25 años después, en 1992, a los 45 años, comenzó su
licenciatura en la Universidad Loyola Marymount. Volman se graduó con una licenciatura
Magna cum Laude en 1997 y fue el orador con las mejores calificaciones de su
clase. Durante el discurso dirigió a los graduados en un coro de Happy
Together. CBS Evening News cubrió la graduación de Volman e incluso entrevistó
a sus padres que estaban perplejos por los logros académicos de su hijo. Volman
obtuvo una maestría en Bellas Artes con énfasis en Escritura de Guiones en 1999
también en Loyola. Volman ha impartido cursos de Industria y Negocios Musicales
en el departamento de Comunicaciones y Bellas Artes de Loyola. También ha
impartido cursos en Los Angeles Valley College en el Programa de Música
Comercial. Actualmente es profesor asociado y coordinador del Programa de
Estudios de la Industria del Entretenimiento en la Universidad de Belmont en el
Mike Curb College of Entertainment and Music Business y dirige seminarios sobre
la industria de la música para varias instituciones académicas desde la escuela
secundaria hasta el nivel universitario. Además, ofrece consultoría sobre
negocios musicales y entretenimiento a través del sitio web Ask Professor Flo.
Volman y Howard Kaylan fundaron The Turtles, una banda
popular de finales de los años 1960. Después de que esa banda se disolvió,
descubrieron que los términos de su contrato les prohibían usar no sólo el
nombre 'The Turtles', sino también sus propios nombres. Fueron reclutados por
Frank Zappa; y también trabajaron juntos como Flo & Eddie, en música, en
cine (proporcionaron música y voces para películas animadas como Down y Dirty
Duck) y en transmisiones de radio. En 2005, todavía realizan giras con más de
60 conciertos al año como "The Turtles... With Flo & Eddie".
Volman dirige sus negocios con su esposa, Emily Volman. Eran
novios en la universidad. También son miembros activos de la Iglesia
Presbiteriana Harpeth en Brentwood, donde son Asesores Juveniles.
Conexiones de Durán Durán
Howard contribuyó al álbum Thank You de Duran Duran lanzado
en 1995 y también actuó en el primer álbum solista de Andy Taylor, Thunder.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Happy Together
junto a The Turtles.
El sitio www.elperiodic.com
publicó este recordatorio.
Joan Garcés es el director más longevo del mundo con cuatro
récords Guinness
ELPERIODIC.COM - 10/12/2014
Joan Garcés Queralt (18 de abril de 1914, Benifairó de les
Valls) falleció ayer en Faura (Valencia) a los 100 años de edad tras dedicar
una larga e intensa vida a la música en la que consiguió cuatro “asombrosos”
Guinness World Record por ser el director más longevo del mundo en activo.
La Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad
Valenciana (FSMCV), expresa sus condolencias a la familia Garcés por un músico
irrepetible donde se concitaban la pasión, energía, dedicación y trayectoria
musical. Una muestra de ello, es que Garcés seguía vinculado a varias
sociedades musicales de las que era director honorario e invitado tras dirigir
a destacadas formaciones como la Unió Musical de Llíria, las Bandas Municipales
de Castellón y Valencia, Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceo de
Barcelona, Lira Saguntina y las sociedades musicales de Faura, Quartell y
Benaguasil (Valencia) con las que estrenó un total de 122 obras.
El director valenciano rememoraba hace unas semanas con
lucidez y emoción su tercer récord con la Joven Banda Sinfónica de la FSMCV en
2012 en el Palau de la Música de Valencia y el cuarto con la Banda Municipal de
Castellón, el pasado mes de febrero. En esos meses, participó en numerosos
actos y homenajes de la Lira Saguntina y de los ayuntamientos y las sociedades
musicales de Benifairó de les Valls y Faura, pueblos de nacimiento y adopción
del músico que mantenía intacta su ilusión por poder volver a dirigir a la
formación de la FSMCV integrada por jóvenes de todas las comarcas de la
Comunidad Valenciana a los que reconocía su alto nivel y excelencia.
Músico del siglo XX y XXI
La FSMCV presentó junto con Sergi Arrando la biografia Joan
Garcés Queralt: una vida dedicada a la música unos días antes de que cumpliera
100 años, en abril. El investigador y músico, que compartió muchos momentos con
Garcés desde los 13 años en que coincidieron en la Societat Joventut Musical de
Faura, hizo una “aproximación a la trayectoria vital de este personaje” donde
se reflejan las circunstancias del siglo XX y XXI y que ayudan “a comprender
mejor la evolución de las sociedades musicales en estos años”.
En el prólogo, Josep Pasqual Hernández i Farinós, profesor
de Historia de la Música en el Conservatorio de Valencia y Doctor en Música,
exponía que Garcés pertenece a una “dinastía de músicos valencianos de gran
riqueza artística” que persiguió “convertirse en concertista de piano” pero
cuando se preparaba para estudiar con José Iturbi “la guerra civil truncó esta
carrera” aunque su “carácter luchador” evitó que esta tragedia acabara con su
actividad musical “iniciada dirigiendo bandas en campos de concentración en los
duros años de la posguerra” y apoyada por su maestro “Manuel Palau y el gran
director de orquesta Bartolomé Pérez Casas”.
Al acabar la guerra, dirigió las bandas de música de Faura y
Quartell, iniciando así una carrera profesional con gran reconocimiento de la
crítica. Pasqual destaca el “desarrollo de un repertorio eminentemente
sinfónico” que “mediante transcripciones y adaptaciones” llevó a las bandas de
música, “con una dignidad que no tiene nada que envidiar al original
orquestal”, obras maestras universales en un tiempo en el que “la existencia de
orquestas sinfónicas era escasísima en España”.
El maestro, hijo de músicos de la Societat Joventut Musical
de Faura, hermano del compositor Vicent Garcés (1906-1984) y primo del director
Enric Garcés (1909-1981), aportó material de su archivo a la obra: críticas de
prensa (Levante, Las Provincias, Mediterráneo, La Plana, Jornada, El Noticiero
Universal…), fotos y programas con obras de Beethoven, Wagner, Bach,
Tchaikovsky, Haydn, Verdi, Rossini, Liszt, Stravinsky, Borodin, Rimsky
Korsakov, Schumann, Prokofiev, Brahms, Dvorak, Haendel, Ravel, Rachmaninov,
Strauss, Mussorgski, Rodrigo, Falla, Palau, Sarasate… que dirigió en numerosos
conciertos.
Garcés recibió multitud de premios entre los que cabe
destacar el Premio Euterpe de la FSMCV (2005); el Premio Lluís Guarner en
reconocimiento a su dedicación a la música de banda (2008); la distinción de
Insigne de la Música Valenciana, por la Academia de la Música Valenciana
(2010), la Medalla de Oro al Mérito del Trabajo por el Consejo de Ministros
(2010) y el Diploma y la Medalla de oro del Consell Valencià de Cultura (2013).
Fundación Joan Garcés Queralt
La Fundación Joan Garcés Queralt persigue, según publicó el
Diario Oficial de la Comunidad Valenciana (DOCV) publicado el 25 de septiembre
de 2013, “desarrollar las artes musicales, fundamentalmente en la escuela de
música ‘Joan Garcés Queralt’ de Faura y Benifairó de les Valls y también, en la
Societat Joventut Musical de Faura”. Garcés, como fundador, expresó su deseo de
que se concurra anualmente al Certamen Internacional de Bandas de Música Ciudad
de Valencia y que se mantenga y preserve el “entorno musical constituido y
contenido” en su casa de Faura y se apoye y fomente “la continuidad en la labor
ejercida por la Asociación Cultural ‘Escola de Musica Joan Garcés Queralt’, de
Faura y Benifairó de les Valls”.
Despedida del Maestro
La ceremonia de despedida de Joan Garcés se realizará, el
sábado 13 a las 16 h, desde la plaza del Ayuntamiento de Faura y contará, en
principio, con la participación de la Unió Musical de Llíria y de la Societat
Joventut Musical de Faura. Hasta ese momento, el maestro estará en el tanatorio
de este municipio en el polígono industrial Rubau.
Al acto asistirá Pedro Rodríguez, presidente de la FSMCV, y
miembros de su junta directiva, así como numerosas personalidades de la música,
de la cultura y de la política.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de Coplas de mi tierra, de Manuel Palau, al frente de la Banda
Municipal de València.
Enzo Haim Sereni nació en Roma, Italia, el 17 de abril de
1905, y murió en el Campo de Concentración de Dachau, Alemania, el 18 de
noviembre de 1944. Erudito, escritor y partisano.
El sitio www.historiahoy.com.ar
publicó este recordatorio.
El pacifista guerrero
Enzo Haim Sereni (Roma, 17 de abril de 1905 - campo de
concentración de Dachau, 18 de noviembre de 1944) fue un erudito, escritor y
partisano italiano sionista, cofundador del kibutz Givat Brenner.
Por Admin-Historia
17 Abril, 2021
Sereni nació en Roma. Su padre era médico del rey de Italia.
Se crio en una familia «asimilada», pero en su adolescencia se convirtió en
sionista. Fue uno de los primeros sionistas italianos. Después de obtener su
doctorado en la Universidad La Sapienza de Roma, en 1927 hizo aliyá (‘ascenso’
a Israel) al entonces «Mandato de Palestina».1 Trabajó en las plantaciones de
naranjos en Rehovot, y ayudó a fundar el kibutz Givat Brenner. Como entusiasta
socialista, Sereni también participó activamente en la organización sindical
Histadrut. Era un pacifista que abogó por la convivencia entre judíos y árabes
y la integración de ambas sociedades.
Entre 1931 y 1934 Sereni vivió en Europa para ayudar a muchos judíos a viajar a Palestina a través de la Aliyá Juvenil. Fue detenido brevemente por la Gestapo. Ayudó a organizar el movimiento Hechalutz en la Alemania nazi. Se involucró en el contrabando de dinero y personas fuera de Alemania. Sereni también fue enviado a Estados Unidos para ayudar a organizar el movimiento sionista estadounidense. Durante la Segunda Guerra Mundial se unió al ejército británico, y estuvo involucrado en la difusión de propaganda antifascista en Egipto. Los británicos lo enviaron también a Irak, y Sereni pasó parte de su tiempo en organizar una aliá (inmigración) clandestina. Sereni se metió en problemas con sus superiores británicos por sus puntos de vista sionistas y fue encarcelado brevemente por falsificar pasaportes.
Sereni, a continuación, ayudó a organizar la Unidad de paracaidistas de la SOE (Special Operations Executive: dirección de operaciones especiales) británica, que envió agentes a la Europa ocupada. Entre unos 250 alumnos voluntarios, fueron seleccionados unos 110 para la capacitación, y 33 fueron lanzados en paracaídas en Europa, incluyendo Sereni, a pesar de su edad relativamente avanzada (39 años). Otros mártires famosos que lanzó en paracaídas en Europa con esta unidad incluyen Hannah Szenes y Reik Haviva, que también fueron ejecutados y son considerados mártires.2 El 15 de mayo de 1944 fue lanzado en paracaídas en el norte de Italia, pero inmediatamente fue capturado. Según los registros, fue fusilado en el campo de concentración de Dachau el 18 de noviembre de 1944.
Obra
Enzo Sereni fue traductor, autor de numerosos artículos, ensayos y volúmenes de historia del pensamiento religioso y de historia contemporánea. Antes de su aliyá (‘ascenso’, migración) a Palestina publicó muchos artículos en el semanario italiano Israel.
Bernfeld, S. Storia della letteratura ebraica antica, traducción autorizada de Enzo Sereni. Turín: Bocca, 1926.
Sereni,
Enzo. «Toward e new orientation of zionist policity», en E. Ashery
(recopilador): Jews and arabs in Palestine. Studies in a national and colonial
problem. Nueva York: Hechalutz Press, 1936.
Romano I., y Enzo Sereni. La questione ebraica. Tel Aviv
(Israel): Cooperative Printing Hapoel-Hazair, 1939.
Grupo Sionista Milanés. Enzo Sereni. Vita e brani scelti.
Milán, Gruppo Sionistico Milanese: Hechaluz Keren Kajemeth le-Israel, 1947.
Sereni, Enzo. Le origini del fascismo. Y. Viterbo (editor),
introducción de M. G. Meriggi, posfacio de D. Bidussa. Scandicci (FI): La Nuova
Italia, 1998.
Sereni, Enzo. Politica e utopia. Lettere 1926-1943, a cura
di D. Bidussa e M.G. Meriggi. Milano, La Nuova italia, 2000.
Sereni, Enzo. «A Roma dopo le leggi razziali», en A.
Cavaglion, y G. P. Romagnani: Le interdizioni del Duce. Le leggi razziali in
Italia. Turín: Claudiana, 2002.
El sitio www.gameshows.fandom.com
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Edie Adams
Edie Adams (nacida Edith Elizabeth Enke; 16 de abril de 1927
- 15 de octubre de 2008) fue una comediante, actriz, cantante y empresaria
estadounidense. Obtuvo el premio Tony y fue nominada a un premio Emmy.
Adams era bien conocida por sus personificaciones de
estrellas sexys en el escenario y la televisión, especialmente Marilyn Monroe.
Era la compañera frecuente de televisión de Ernie Kovacs, su marido. Adams
fundó dos empresas de belleza: Edie Adams Cosmetics y Edie Adams Cut 'n' Curl.
Primeros años de vida
Adams nació en Kingston, Pensilvania, la única hija de
Sheldon Alonzo Enke y su esposa, Ada Dorothy (de soltera Adams). Tenía un
hermano mayor, Sheldon Adams Enke. La familia se mudó a áreas cercanas como
Shavertown, Grove City y Trucksville y pasó un año en la ciudad de Nueva York
antes de establecerse en Tenafly, Nueva Jersey, donde asistió a Tenafly High
School. Ada Enke le enseñó a su hija canto y piano; madre e hija eran miembros
del coro de la iglesia presbiteriana de Grove City. La abuela de Adams,
costurera, le enseñó a coser. Ella hizo su propia ropa desde el sexto grado y
Adams más tarde tendría su propia línea de ropa de diseñador, llamada Bonham,
Inc.
Obtuvo un título vocal en Juilliard y luego se graduó en la
Escuela de Drama de Columbia. Estudió en el Actors Studio de Nueva York y en la
Traphagen School of Fashion. Inicialmente, Adams no podía decidir si seguir una
carrera en diseño de moda o música, por lo que lanzó una moneda y la música
ganó. Kovacs como "Leena, reina de la jungla" con Adams en 1956. En
1949-1950, apareció en el primer programa de televisión en vivo Bonnie Maid's
Versatile Varieties como una de las "Bonnie Maids" originales
haciendo comerciales en vivo para el patrocinador.
En 1950, ganó el concurso de belleza "Miss US
Television", lo que la llevó a aparecer con Milton Berle en su programa de
televisión. Su primer trabajo televisivo la presentó como Edith Adams. Una de
sus primeras apariciones fue en Talent Scouts de Arthur Godfrey. Fue vista por
el productor del programa Three to Get Ready (en Filadelfia) de Ernie Kovacs,
quien la invitó a una audición. Adams tenía muy poca experiencia con la música
popular y sólo podía interpretar tres canciones. Más tarde afirmó: "Los
canté todos durante la audición, y si me hubieran pedido escuchar otro, nunca
lo habría logrado". Se convirtió en parte del programa en julio de 1951.
Adams nunca había visto el programa para el que fue contratada. Cuando vio a su
hija en el programa, el padre de Adams se molestó al descubrir que su papel
implicaba tratar de evitar pasteles en la cara. En una de sus últimas entrevistas,
Kovacs recordó los primeros días y dijo: "Me gustaría poder decir que fui
el pez gordo que la contrató, pero era mi programa sólo de nombre; el productor
tenía toda la voz. Más adelante Tenía algo que decir y lo dije:
'Casémonos'".
Carrera
Adams comenzó a trabajar regularmente en televisión con
Kovacs y el pionero de los programas de entrevistas Jack Paar. Después de un
noviazgo que incluyó bandas de mariachi y un inesperado anillo de compromiso de
diamantes, Adams y Kovacs se fugaron; se casaron el 12 de septiembre de 1954 en
la Ciudad de México. Inicialmente, Adams no estaba seguro de casarse con
Kovacs. Realizó un crucero de seis semanas por Europa con la esperanza de tomar
una decisión. Después de tres días de ausencia y de muchas llamadas telefónicas
de larga distancia, Adams regresó a casa con una respuesta: sí. Fue el segundo
matrimonio de Kovacs y duró hasta su muerte en un accidente automovilístico el
13 de enero de 1962.
Adams y Kovacs recibieron nominaciones al Emmy a las mejores
actuaciones en una serie de comedia en 1957. En 1960, ella y Kovacs se
interpretaron a sí mismos en el especial de televisión final The Lucy-Desi
Comedy Hour de CBS, durante el cual interpretó la canción de despedida
"That's All". Adams hizo cuatro apariciones en What's My Line? (una
vez como "Edith Adams (Sra. Ernie Kovacs)" mientras su esposo estaba
en el panel; una vez junto con Kovacs; dos veces sola como Edie Adams).
Adams protagonizó Broadway en Wonderful Town (1953) junto a
Rosalind Russell (ganando el Theatre World Award) y como Daisy Mae en Li'l
Abner (1956), ganando el premio Tony a la mejor actriz destacada en un musical.
Interpretó al Hada Madrina en la transmisión original de Cenicienta de Rodgers
y Hammerstein en 1957. Adams iba a interpretar a Daisy Mae en la versión
cinematográfica de Li'l Abner, pero no pudo debido a la llegada tardía de su
hija, Mia Susan Kovacs.
Después de la muerte de Kovacs, su cadena, ABC, le dio a
Adams una oportunidad con su propio programa, Here's Edie, que recibió cinco
nominaciones al Emmy pero duró una temporada, en 1963. Kovacs era un destacado
fumador de puros y Adams hizo una serie de larga duración de Anuncios de
televisión de Muriel Cigars. Siguió siendo la presentadora de Muriel mucho
después de la muerte de Kovacs, entonando con un estilo de Mae West y un
atuendo sexy: "¿Por qué no tomas uno y te lo fumas alguna vez?" Otro
comercial de Muriel Cigars, que costó 10 centavos, mostraba a Adams cantando:
"Oye, gran gastador, gasta un centavo conmigo" (basado en la canción
"Big Spender" del musical Sweet Charity). Los comerciales de cigarros
de Adams la convirtieron en una de las tres celebridades televisivas más
reconocidas. En los años siguientes, Adams hizo apariciones esporádicas en
televisión, incluidas Fantasy Island, The Love Boat, McMillan & Wife,
Murder, She Wrote y Designing Women.
Adams interpretó papeles secundarios en varias películas de
la década de 1960, incluido el de la amargada secretaria del doble Fred
MacMurray en la película ganadora del Oscar The Apartment (1960). Era la esposa
de un candidato presidencial (interpretado por Cliff Robertson) en The Best Man
(1964) y se reunió con Robertson para la comedia The Honey Pot (1967). En 2003,
como una de las estrellas supervivientes de la comedia de estrellas It's a Mad,
Mad, Mad, Mad World (1963), se unió a los actores Marvin Kaplan y Sid Caesar en
la celebración del 40 aniversario de la película. También fue cabeza de cartel
de éxito en un club nocturno.
Poco después de la muerte de su marido, Adams ganó una
"desagradable batalla por la custodia" con la ex esposa de Kovacs por
las hijastras de Edie. Su ex esposa había secuestrado previamente a las niñas
durante una visita años antes; Como Kovacs era su tutor legal, él y Edie habían
trabajado incansablemente para localizar a sus hijas y traerlas a casa.
Ese mismo año comenzó otra batalla judicial para Adams, esta
vez con su suegra, quien se negó a creer que había más deudas que activos en el
patrimonio de su hijo. Mary Kovacs acusó a su nuera de administrar mal el
patrimonio y solicitó la custodia de sus nietas. La disputa duró años, y Adams
siguió siendo la administradora del patrimonio de su marido y tutora de las
tres niñas. Trabajó durante años para pagar la deuda tributaria de su difunto esposo
al IRS. Los amigos famosos de la pareja planearon un beneficio especial
televisivo para Edie y su familia, pero ella se negó y dijo: "Puedo cuidar
de mis propios hijos". Pasó el año siguiente trabajando prácticamente sin
parar.
Adams inició sus propios negocios, Edie Adams Cosmetics, que
vendía puerta a puerta, y los salones de belleza Edie Adams Cut 'n' Curl, que
comenzó en 1967. Una vez fue propietaria de una granja de almendras de 160
acres (65 ha) en California y Fue la portavoz de Sun Giant Nuts. Debido a sus
20 años de comerciales para Muriel Cigars (que se jubiló en 1976) y sus
exitosos negocios, Adams pasó de estar endeudada después del fatal accidente de
Kovacs en 1962 a ser millonaria en 1989.
Vida personal
Después de la muerte de Kovacs, Adams se casó dos veces más.
En 1964 se casó con el fotógrafo Martin Mills. En 1972, se casó con el
trompetista Pete Candoli, con quien apareció en una producción itinerante del
musical de Cole Porter Anything Goes. Además de criar a sus hijastras Bette y
Kippie de su matrimonio con Kovacs, Adams dio a luz a su hija Mia Susan Kovacs
(muerta en un accidente automovilístico en 1982) y a su hijo Joshua Mills.
Adams era republicano e hizo campaña para la reelección de
Dwight Eisenhower durante las elecciones presidenciales de 1956.
Adams fue una de las primeras defensoras de los derechos
civiles y con frecuencia brindó su apoyo al movimiento en eventos de
celebridades y en su propio programa de televisión a principios de los años
sesenta. Insistió en que su dúo con Sammy Davis Jr. en su programa de
variedades Here's Edie se organizara de
modo que estuvieran sentados uno al lado del otro, como iguales. Hasta
entonces, los artistas de diferentes razas y sexos no podían actuar uno al lado
del otro, por lo que uno tenía que estar delante o detrás del otro. Sin
embargo, el Ballet de la Ciudad de Nueva York tuvo presentaciones televisadas
del ballet "Agon" (un ballet vestido con leotardos y mallas,
coreografiado en 1957) con Arthur Mitchell (elenco original y primer bailarín
principal negro del Ballet de la Ciudad de Nueva York) como bailarina asociada.
Diana Adams (elenco original) que data de 1960.
Muerte
Tumba de Edie Adams, en Forest Lawn Hollywood Hills Adams
murió en Los Ángeles, California, el 15 de octubre de 2008, a los 81 años, a
causa de cáncer y neumonía. Fue enterrada en Forest Lawn Memorial Park,
Hollywood Hills, junto a su primer marido Ernie, entre su hija Mia y su
hijastra Kippie. Después de su muerte, un artículo en The New York Times decía
que su trabajo "encarnaba y hacía un guiño a los estereotipos de cantante
atractiva y rubia sexpot".
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con dos canciones, That's All y I Stayed Too Long At The Fair.
Jerjes, o Serse en el texto original en italiano HWV 40, es
una ópera seria en tres actos de Georg Friedrich Händel.
Como antecedente del libreto de esta ópera, el original fue
escrito por Nicolò Minato, en 1654, con música de Francesco Cavalli,
posteriormente Silvio Stampiglia revisó el texto para ópera del mismo nombre de
Giovanni Bononcini en 1694. Para la producción de Georg Friedrich Händel, fue
adaptado por un autor desconocido.
El estreno se realizó el 15 de abril de 1738, en el King's
Theatre de Londres. A pesar de la belleza de la música, Serse no fue exitosa, fue
retirada después de cinco funciones, y olvidaba durante casi doscientos
cincuenta años. Fue repuesta en la década de 1980 y poco a poco se ha
convertido en parte del repertorio tradicional. El aria que da inicio a la
obra, Ombra mai fù, es quizás la más conocida de Handel.
La ópera se ambienta en Persia en el año 480 a. C. y se
fundamenta, muy vagamente, en Jerjes I de Persia.
A continuación, la ópera Jerjes, de Georg Friedrich Händel,
con el siguiente reparto: Paula Rasmussen es Jerjes; el rol de Arsamene,
cantado por Ann Hallenberg; el personaje de Amastre, interpretado por Patricia Bardón; Isabel Bayrakdarian es Romilda;
el papel de Atalanta, en la voz de Sandrine Piau; Marcello Lippi, es Ariodato;
y Elviro, cantado por Matteo Peirone, junto al Coro del Teatro de
Ludwigshafener, y el Ensamble Les Talens Lyriques, todos dirigidos por
Christophe Rousset.
Argumento
Acto I
El joven rey Serse persigue a Romilda, resuelto a que ella
le ame. Pero Romilda rechaza al rey porque ama al hermano de éste, Arsamene, y
él le corresponde. Xerxes le prohíbe a Arsamene ser su rival y lo envía al
exilio. Mientras, la hermana de Romilda, Atalanta, ha puesto sus ojos sobre
Arsamene y quiere hacerlo suyo.
Amastre, la novia que Serse había abandonado por Romilda,
aparece disfrazada de hombre en busca del rey. Ariodate, general de las tropas
de Serse y padre de Romilda y Atlanta, regresa triunfal de la última campaña y
es recibido por Serse quien le anuncia que pronto su hija se casará con alguien
de la familia de Serse, un igual a él. Arsamene le envía una carta a Romilda, a
través de su sirviente Elviro, pidiendo un último encuentro antes de partir.
Amastre, se siente traicionada y decide luchar por el amor de Serse.
Atalanta intenta engañar a Romilda para que acepte la
propuesta de Serse, diciéndole que Arsamene ama a otra, pero no tiene éxito.
Sola, declara que continuará con sus intenciones hacia Arsamene.
Acto II
Elviro, disfrazado de vendedor de flores, lleva la carta
para Romilda. Atalanta la intercepta y miente a Elviro diciéndole que su
hermana ama a Serse. La furia de Elviro es interrumpida por la llegada del rey.
Atlanta a solas con él le comenta que ha recibido una carta de su hermano,
donde le declara su amor, que oculta con un falso amor por Romilda. Serses,
asombrado, promete ayudarle a casarse con Arsamene, y Atalanta le recuerda que
él ocultará su amor por ella insistentemente.
Serse muestra la carta a Romilda y le pregunta si seguirá
amando a Arsamene. Ella contesta que sí y el rey le dice que aunque debería
aborrecerla, no puede. Sola, Romilda enfurece por la traición que siente ha
hecho su amante. Amastre intenta suicidarse pero Elviro lo impide. Ella
reafirma su amor por Serse. Elviro intenta convencer a su amo que Romilda
quiere a Serse. Éste finalmente lo acepta y declara su decepción.
En público, Serse encarga a Ariodate una nueva campaña que
ampliará su imperio. Luego, a solas con su hermano, le comenta que está
dispuesto a entregarle a su amada como esposa, Atlanta. Arsamene se sorprende
ante lo que siente es un gesto cínico por parte del rey, y expresa en tono
desafiante que luchará hasta conseguir lo que quiere, el amor de Romilda.
Atalanta se encuentra con Serse y éste le advierte que debe
olvidar a Arsamene, que aún ama a Romilda. Atalanta le pide al rey que le
explique cómo puede hacerlo, si aún lo ama intensamente. Serse, a solas,
expresa sus esperanzas y temores ante el amor.
Elviro anuncia la llegada de una tormenta, la cual se desata
y destruye el recién construido puente que representa el poder el imperio de
Serse. Luego, decide que es mejor beber para olvidar.
Serse y Amastre se encuentran. El rey aún desconoce la
identidad del guerrero y ambos cantan su desamor. Romilda entra y Serse le pide
que decida si se casará con él. Amastre interviene, advirtiéndole que el rey
pretende engañarla. Serse ordena que el guerrero sea ejecutado y sale
enfurecido. Romilda finalmente evita la ejecución y, ya sola, expresa la
constancia de su amor.
Acto III
Romilda y Arsamene, reunidos con Elviro, se reprochan
mutuamente su infidelidad. A la llegada de Atalanta, el sirviente le pide que
explique a la pareja lo ocurrido y ella revela la verdad. Antes de marchar
declara que seguirá esperando la llegada de una pareja que la ame. Se anuncia
la llegada del rey, Elviro marcha para no sentir su furia y Arsamene se
esconde. El rey presiona a Romilda para que le explique por qué ha protegido al
desconocido soldado y para que decida si se casará con él o no. Ella desespera
y dice que solo aceptará casarse con la persona que decida su padre. Serse
marcha convencido de que convencerá a Ariodate. Arsamene sale de su escondite y
le reprocha a Romilda su poca constancia. A solas, Arsamene lamenta la crueldad
del amor.
Serse encuentra a Ariodate y manteniendo el misterio, le
pide que acepte como esposo de Romilda a alguien de sangre real y semejante al
mismo rey. Ariodate emocionado, acepta, y luego a solas, declara su placer ante
la gloria que le otorgará este matrimonio.
Serse se encuentra con Romilda y le dice que su padre ha
aceptado su proposición. Ella le confiesa al rey que ama a Arsamene y que él ha
besado ya sus labios. Serse, furioso, la acusa de mentir y ordena antes de
marchar que Arsamene sea asesinado. Romilda se encuentra con Amastre, a quien
desesperada pide ayuda. Amastre promete ayudarla pero antes le entrega una
carta a Romilda para que la haga llegar al rey. A solas, Amastre expresa
tristemente su desesperanza.
Arsamene y Romilda se encuentran y, en una fuerte discusión,
se recriminan de nuevo su mutua infidelidad.
Ante una asamblea que se prepara para la inminente boda,
Ariodate recibe a Arsamene y Romilda, y creyendo que esa es la voluntad de
Serse, entrega a su hija como esposa a Arsamene. Los novios, felices, marchan
para casarse inmediatamente.
Serse finalmente decide descubrir a Ariodate quién será el
esposo de Romilda. Ariodate se adelanta y explica que ya ha ejecutado sus
órdenes y que la pareja ya se ha casado. Ante la sorpresa del rey, Ariodate le
revela quién se ha casado con su hija. Serse enfurece, y en ese momento llega
un criado con la carta de Amastre. Creyendo que ha sido escrita por Romilda, le
pide a Ariodate que la lea. La carta reprocha la infidelidad del rey, y cuando
finalmente saben quién la ha escrito, Serse despide al soldado y descarga su
furia.
Finalmente, todos reunidos son presa del odio del rey. Serse
ordena cruelmente a Arsamene matar a Romilda que ha jugado con el amor del rey.
Aparece el misterioso soldado, Amastre, y se ofrece para ejecutar sus órdenes.
Amastre esgrime la espada contra el rey y descubriendo su identidad le reprocha
su traición. Serse, apenado, pide disculpas a todos.
Recogemos el acto de los Amigos de la Universidad de Tel
Aviv en España, que tuvo lugar en la Universidad San Pablo CEU. En esta ocasión
el acto versa sobre la necesidad de comunicaciones objetivas y éticas que
contribuyan a mejorar relaciones.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/comunicacion-para-convivencia/16059449/
Loretta Webb, más conocida como Loretta Lynn, nació en Butcher
Hollow, Kentucky, Estados unidos, el 14 de abril de 1932, y murió en Hurricane
Mills, Tennessee, Estados Unidos, el 4 de octubre de 2022. Cantante,
guitarrista y compositora.
El sitio www.lorettalynn.com
publicó su biografía.
Biografía
"Para triunfar en este negocio, tienes que ser el
primero, genial o diferente, y yo fui la primera en ir a Nashville, cantándolo
como lo vivieron las mujeres".
Loretta Lynn se ha establecido desde hace mucho tiempo como la reina indiscutible de la música country, con más de 60 años de grabaciones y giras a su nombre. Lynn, guitarrista y compositor autodidacta, fue uno de los intérpretes más distintivos de Nashville en las décadas de 1960 y 1970. Ella revolucionó Nashville al escribir sus propias canciones, muchas de las cuales abordaban temas trascendentales extraídos de sus propias experiencias de vida como esposa y madre. “Coal Miner's Daughter”, “Fist City” y “Don't Come Home A' Drinkin' (With Lovin' on Your Mind)” son sólo tres de los 16 sencillos número uno del país.
También es una de las músicos más premiadas de todos los tiempos. Loretta ha sido incluida en más Salones de la Fama de la música que cualquier artista femenina, incluido el Salón de la Fama de la Música Country y el Salón de la Fama de los Compositores, y fue la primera mujer en ser nombrada Artista del Año por la Asociación de Música Country en 1972. Lynn recibió los Honores del Centro Kennedy en 2003 y la Medalla Presidencial de la Libertad en 2013. En 2015, recibió el premio inaugural "Leyenda" de Mujeres en la Música de Billboard. Con 18 nominaciones repartidas en cada década durante las últimas seis décadas, Lynn ha ganado cuatro premios Grammy, incluido un premio Grammy Lifetime Achievement Award en 2010, y el más reciente en 2019. Ha vendido más de 45 millones de discos en todo el mundo.
En enero de 2021, Still Woman Enough , el álbum de estudio número 50 del ícono de la música estadounidense (excluyendo sus 10 colaboraciones a dúo de estudio con Conway Twitty) se convirtió en el último. En él celebra a las mujeres en la música country. Desde su homenaje a los creadores, la Madre Maybelle Carter y la Familia Carter (a través de su versión de "Keep On The Sunny Side"), hasta una nueva interpretación de su primer sencillo, "I'm A Honky Tonk Girl
¡El álbum alcanzó el puesto número 1 en Country, el puesto 5 en los mejores álbumes de Billboard, el 3 en las listas americanas, el 1 en Apple Music y el 1 en Amazon Music cuando se lanzó! Su poderosa voz, seis décadas después de su carrera, aún los dejará asombrados y encantados.
Loretta Lynn firmó su primer contrato de grabación el 1 de febrero de 1960 y, en cuestión de semanas, estaba en su primera sesión de grabación. Los fanáticos se enamoraron de la interpretación instantáneamente reconocible de Loretta como una de las mejores voces de música country de la historia. Ningún compositor tiene una obra más distintiva. En letras como "Don't Come Home A-Drinkin'" y "Your Squaw Is on the Warpath", se negó a ser el felpudo de ningún hombre. Ella desafió a rivales femeninas en “You Ain't Woman Enough” y “Fist City”. Mostró un tremendo orgullo obrero en “Coal Miner's Daughter” y “You're Lookin' at Country”. No le teme a la controversia, ya sea que el tema sea sexo (“Wings Upon Your Horns”), divorcio (“Rated X”), alcohol (“Would’t It Be Great”) o guerra (“Dear Uncle Sam”). “La píldora”, su celebración de la liberación sexual, fue prohibida en muchas estaciones de radio. Al igual que la propia dama, las canciones de Loretta Lynn surgen de la cadera.
Como saben millones de personas que leyeron su autobiografía de 1976 o vieron su tratamiento cinematográfico ganador del Oscar de 1980, Loretta es la hija de un minero de carbón que creció en extrema pobreza en una remota aldea de los Apalaches de Kentucky. Vivía en una cabaña de montaña con siete hermanos y hermanas y cuando era niña estuvo rodeada de música.
“Pensé que todos cantaban, porque todos en Butcher Holler lo hacían”, recuerda. “Todos en mi familia cantaban. Así que realmente no entendí hasta que dejé Butcher Holler que había algunas personas que no podían. Y fue una especie de shock”.
Se casó con Oliver "Doolittle" Lynn a los 15 años. "Doo" era un veterano de guerra de 21 años con reputación de provocar el infierno. Cuando tenía siete meses de embarazo de su primer hijo, se mudaron lejos de los Apalaches a Custer, Washington. A los 20 años, tenía cuatro hijos (dos más, gemelos, nacieron en 1964). Aislada de su cultura nativa y agobiada por el trabajo doméstico, recurrió a la música en busca de consuelo.
“Antes de cantar, limpiaba la casa; Tomé ropa para lavar; Recogí bayas. Trabajé los siete días de la semana. Fui ama de casa y madre durante 15 años antes de convertirme en artista. Y hoy no era como ser ama de casa. Estaba lavando la ropa a mano sobre una tabla y cocinando en una vieja estufa de carbón. Cultivé un jardín y enlaté lo que cultivé. Eso es lo que es real. Sé cómo sobrevivir”.
Doo la escuchó cantar en sus tareas y declaró que sonaba tan bien como cualquiera que escuchara en la radio. Le compró una guitarra y le dijo que aprendiera a tocarla y a escribir canciones con ella. Loretta dice que sus canciones eran tan directas porque no conocía nada mejor.
“Después de que me consiguió la guitarra, salí y compré un resumen de canciones country . Miré las canciones que había allí y pensé: 'Bueno, esto no es nada'. Cualquiera puede hacer esto.' Solo escribí sobre cosas que sucedieron. Estaba escribiendo sobre cosas de las que nadie hablaba en público y no me di cuenta de que no era así. Estaba teniendo bebés y me quedaba en casa. Estaba escribiendo sobre la vida. Por eso me prohibieron las canciones”.
Doo comenzó a presionarla para que actuara en clubes nocturnos de la zona. Los ejecutivos de Zero Records la escucharon en un local nocturno al otro lado de la frontera en Vancouver, Canadá. Pronto grabó su sencillo debut, "I'm a Honky Tonk Girl", para el pequeño sello. Loretta se hizo un traje de vaquera con flecos y ella y Doo recorrieron el país en su viejo sedán Mercury promocionando el sencillo estación tras estación.
Sorprendentemente, funcionó. El disco llegó a las listas de popularidad en el verano de 1960 y llevó a la pareja a Music City. Comenzó a cantar regularmente en el Grand Ole Opry después de su debut el 15 de octubre de 1960. Los Wilburn Brothers del programa la tomaron bajo sus alas. Teddy Wilburn ayudó a pulir el estilo de composición sorprendentemente original de Loretta. El hermano Doyle Wilburn llevó una cinta de ella cantando “Fool #1” al productor Owen Bradley de Decca Records. A Owen le gustó la canción, pero ya estaba trabajando con Kitty Wells, Goldie Hill, Brenda Lee y Patsy Cline y dijo que no necesitaba otra cantante. Teddy le dijo que no podría tener la canción si no contrataba a su cantante. Como resultado, Brenda tuvo un gran éxito pop con “Fool #1” y Loretta consiguió un contrato con Decca Records.
Como todos los que la encontraron, Owen Bradley quedó prendado de la inocencia, el individualismo, el ingenio contagioso, el espíritu independiente, la franqueza humorística, la franqueza refrescante y el inmenso talento de Loretta. De hecho, llegó a considerarla como "la mujer Hank Williams".
El debut de Loretta en las listas de Decca se produjo con "Success" de 1962. Se convirtió en el primero de más de 50 éxitos entre los 10 primeros y generó una invitación para unirse al elenco de Grand Ole Opry ese mismo año. Su compañera de reparto de Opry, Patsy Cline, le enseñó a vestirse, peinarse y maquillarse. Los Wilburn comenzaron a presentarla en su serie de televisión distribuida a nivel nacional. Cantó una serie de atrevidas canciones domésticas con su héroe de la infancia, Ernest Tubb. Como solista, aceleró con “Wine, Women and Song” (1964) y “Happy Birthday” (1965), ambos temas luchadores y que no me pisen.
“La mayoría de mis canciones eran desde el punto de vista de las mujeres”, escribió Loretta en su autobiografía más vendida. “Es sobre quién canto y sobre quién canto durante mis shows. Y las chicas lo saben... La mayoría de mi club de fans son mujeres, que es como lo quiero”.
Entre los mejores momentos de Loretta en el disco se encuentran declaraciones femeninas empoderadoras como "You Wanna Give Me Lift" (1970), "I Wanna Be Free" (1971), "We've Come a Long Way Baby" (1978), "Hey Loretta (1973), “El amor es la base” (1973) y la divertidísima “Uno está en camino” (1972). Ella tuvo un romance memorable y se burló de Conway Twitty en una serie de actuaciones a dúo muy populares entre 1970 y 1982.
En 1967, comenzó a recoger varios trofeos de Vocalista Femenina del Año. Ella y Conway también ganaron una larga serie de premios al Dúo del Año a partir de 1971. La industria la colmó de honores como compositora de BMI, placas de Disco de Oro, un premio Grammy y otros reconocimientos. En 1972, se convirtió en la primera mujer en la historia en ganar el trofeo de Artista del Año de la Asociación de Música Country.
A mediados de la década de 1970, Loretta Lynn era una superestrella innegable. Apareció en las portadas de Newsweek (1973), Redbook (1974) y muchas otras publicaciones nacionales importantes. Con su humor sencillo y sus modales sin pretensiones, se convirtió en una de las favoritas de los programas de entrevistas de televisión.
Loretta continuó dominando las listas a medida que los años 70 llegaban a su fin, logrando grandes éxitos con "Somebody Somewhere" de 1976, "Out of My Head and Back in My Bed" de 1977 y "I've Got a Picture of Us on My" de 1979. Mente." Sus grandes éxitos de 1982 "I Lie" y "Making Love From Memory" la llevaron a la nueva década.
Una de las cosas más destacables de Loretta Lynn es cómo renueva su creatividad una y otra vez. Dos años después de ser incluida en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville en 1983, regresó a las listas con el éxito "Heart Don't Do This to Me". En 1988, año en que ingresó al Salón de la Fama de la Música Country, Loretta grabó con kd lang. Obtuvo un Disco de Oro en 1994 con Honky Tonk Angels , un CD en trío con Dolly Parton y Tammy Wynette.
Doo, el amor de su vida, murió en 1996. Entumecida por el dolor, Loretta admite que estuvo perdida en la niebla durante más de un año. Pero regresó con un CD de 2000 titulado Still Country . También volvió a la pista de conciertos.
Loretta publicó una segunda memoria, Still Woman Enough , en 2002. Fue honrada en el Kennedy Center en 2003, pero volvió a avanzar al año siguiente al ganar dos premios Grammy por Van Lear Rose , una colaboración con el rockero Jack White. El álbum es un testimonio de su talento y creatividad. También en 2004 publicó un libro de recetas y anécdotas titulado You're Cookin' It Country .
En marzo de 2016, PBS transmitió el estreno nacional de American Masters: Loretta Lynn: Still a Mountain Girl, un documental que narra la vida y la carrera de Loretta y explora su reñido camino hacia el estrellato. Desde sus raíces en los Apalaches hasta la película biográfica ganadora del Oscar, “Coal Miner's Daughter”, Lynn sigue fuerte más de 60 años después.
En 2016 también se lanzó Full Circle , el primer nuevo álbum de estudio de Loretta en más de una década. Producido por Patsy Lynn Russell y John Carter Cash, y grabado en Cash Cabin Studio en Hendersonville, Tennessee, el álbum llevó a los oyentes en un viaje a través de la vida y la música de Loretta, desde las canciones populares de los Apalaches y el gospel que aprendió cuando era niña hasta nuevas interpretaciones. desde sus éxitos clásicos y estándares country hasta canciones recién escritas para el proyecto.
Full Circle, un poderoso regreso a la forma, aclamado tanto por los fanáticos como por los críticos, debutó en el puesto número 4 en las listas de países de Billboard (el álbum número 40 de Loretta entre los 10 mejores y su álbum con las listas más altas en el Billboard 200) y fue nominado a Mejor Álbum country en la 59ª edición de los premios Grammy. Loretta siguió a Full Circle ese mismo año con White Christmas Blue, un álbum que envió a los oyentes a un viaje de temporada a la ciudad natal de Lynn, Butcher Hollow, Kentucky, para pasar las fiestas navideñas.
El 28 de septiembre de 2018, Legacy Recordings lanzó ¿No sería genial? Uno de los álbumes más profundamente personales de su carrera, Wouldn't It Be Great, está compuesto en su totalidad por canciones escritas (o coescritas) por Loretta. La canción principal, "¿No sería genial?" es un rompecorazones que hace que los oyentes recorran toda una gama de emociones, mientras simpatizan, esperan con fe y se relacionan con el dolor que uno siente al buscar lo mejor para sus seres queridos. La última canción que Loretta escribió para su esposo durante 48 años, Doolittle, aborda de frente cómo su matrimonio y su historia de amor se vieron afectados por el alcoholismo. La autenticidad y la emoción en la voz de Loretta son escalofriantes cuando llega al coro con la pregunta implorante: "¿No sería genial?". Esta canción es poderosa y captura los aspectos más vulnerables y sinceros de la vida de Loretta Lynn.
El 19 de octubre de 2019, Lifetime emitió la muy esperada película Patsy & Loretta, que destacó su amistad de toda la vida con Patsy Cline. Al lanzamiento de la película le siguieron en 2020 el sencillo "I Fall to Pieces" y las memorias de Loretta Me & Patsy Kickin' Up Dust, una celebración de su música y su relación hasta la trágica y prematura muerte de Patsy.
En octubre de 2020, Loretta cumplió 60 años de su primera aparición en el Grand Ole Opry, que se conmemoró con la inauguración de su estatua, solo la tercera estatua en el Icon Walk del lugar histórico.
Enero de 2021 nos trajo su último álbum Still Woman Enough , que se convirtió en un éxito instantáneo. Para la canción principal, Lynn se asoció con Reba McEntire, Tanya Tucker y Carrie Underwood. El nuevo álbum nos muestra que todos estos años después, Loretta todavía tiene lo necesario para sorprender a sus fans... todavía es lo suficientemente mujer.
Loretta Lynn, una cantante, compositora e intérprete innovadora, es un arquetipo de la música estadounidense, una artista singular cuya música definió un género y cuyas canciones continúan informando a las nuevas generaciones de músicos.
Loretta sufrió un derrame cerebral en 2017 y una caída que le provocó una fractura de cadera. Sin embargo, estos desafíos no pudieron detener a Loretta. Ella luchó duro, decidida a disfrutar la vida con su familia y seguir lanzando música para sus fans. Con el covid inmediatamente después de sus problemas de salud, Loretta no ha estado de gira en los últimos años. Sin embargo, le encanta mantenerse al día con sus fans y la música country a través de las redes sociales y sigue trabajando para escribir y lanzar más buena música.
Loretta pasa la mayor parte de su tiempo en su querido rancho en Hurricane Mills, Tennessee. Rodeada de mascotas, te dirá que lo que ama más que nada es pasar tiempo con sus cuatro hijos supervivientes, Ernie, Cissie, Peggy y Patsy, a quienes describe como sus mejores amigos. Atesora los recuerdos de sus hijos mayores, Betty Sue y Jack, a quienes perdió.
¡Larga vida a la reina!
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Coal Miner's Daughter, y Lay Me Down, con Willie Nelson.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Rabino Naftalí Packter: corazón y coraza
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Rab Naftalí Packter nació en abril de 1938 en Ámsterdam. Su
padre, Abraham, era dueño de una librería y su madre ama de casa. En mayo de
1940 la Alemania nazi invadió los Países Bajos y los padres de Naftali
intentaron escapar junto a sus tres hijos. Los padres fueron atrapados en la
frontera con Bélgica y enviados a prisión. Los tres niños fueron enviados a
casa de sus tíos y más tarde fueron escondidos en diferentes sitios para poder
sobrevivir. La resistencia holandesa jugó un papel muy importante en el rescate
de niños judíos de los Países Bajos. El rab Naftalí vive en Israel y ha
conseguido crear una hermosa familia.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
El sitio www.cebusal.es
publicó este recordatorio firmado por Esther Gambi.
O SAMBA DA MINHA TERRA: DONA IVONE LARA
Brasil es mucho más que Samba
Dona Ivone Lara, la primera mujer que formó parte del ala de
compositores de una escuela de samba en Brasil.
12/04/2021
Esther Gambi
Esta entrega de la columna “O samba da minha terra” está
dedicada a Dona Ivone Lara, la gran dama de la samba brasileña.
Yvonne da Silva Lara nació el 13 de abril de 1921 en el
barrio de Botafogo (Río de Janeiro, Brasil) y falleció el 16 de abril de 2018,
a causa de una insuficiencia cardiorrespiratoria.
Dona Ivone Lara fue una gran compositora de samba, de samba
enredo, de melodía… la primera mujer que integró el ala de los compositores de
una escuela de samba y en componer un samba enredo, “Os cinco bailes da
História”, tema del desfile de la escuela de samba Império Serrano de 1965,
firmado por ella junto a Silas de Oliveira y Bacalhau, alcanzando así el
reconocimiento como compositora de samba en un espacio cultural bastante
masculino. Más tarde se convertiría en “Dona Ivone Lara”, bautizada por el
productor musical Oswaldo Sargentelli. Los estudios sobre la vida y de la obra
de Dona Ivone Lara son numerosos, aunque una de las referencias más importantes
es el trabajo fin de máster de Mila Burns, Nasci para sonhar e cantar. Género,
projeto e mediação na trajetória de Dona Ivone Lara, defendido en el programa
de postgrado en Antropología de la Universidade Federal do Rio de Janeiro. En
el texto, la autora va construyendo la biografía y la trayectoria de Dona Ivone
Lara a partir de sus relaciones sociales (la familia y los amigos), y de las
decisiones y elecciones que la protagonista hizo a lo largo de su vida, además
de tener en cuenta el contexto histórico, en el que la samba se afirmaba como
la expresión cultural brasileña por excelencia.
Mila Burns destaca que Dona Ivone Lara
Forma parte de un universo casi sagrado en Brasil: el del
carnaval, de la samba, del ritmo, del swing. Pero no encaja exactamente en
ninguno de los ‘tipos’ más conocidos de ese universo. No es ‘tía’, no es
passista, tampoco musa inspiradora. Ella simplemente, compone y canta, como
hacen tantos hombres.
Burns, 2006, p. 20
Dona Ivone Lara era la mayor de una familia de cuatro
hermanos. Ella y su hermana Elza, eran el fruto del primer matrimonio de su
madre (que quedó viuda siendo aún muy joven), y después, de su segundo matrimonio,
llegarían sus otros dos hermanos. La madre de Dona Ivone Lara falleció muy
pronto, dejando a su tía al cuidado de los hijos. En esa época, Dona Ivone Lara
ya vivía en el internado Orsina da Fonseca (Río de Janeiro), donde recibió una
excelente formación, incluso musical. Allí impartían clases de música la
profesora Zaíra de Oliveira, esposa del sambista, músico y compositor Donga y,
Lucília Villa-Lobos, esposa del gran maestro Heitor Villa-Lobos.
A lo largo de esos primeros años de formación, Dona Ivone
Lara compaginó, se movió con mucha tranquilidad, entre dos mundos con registros
culturales muy distintos: por un lado, la samba y el choro de la periferia de
Río, primero por influencia de sus padres, que participaban en el cordón Ameno
Rosendá, y después en la casa de sus tíos; y por otro, la música erudita de los
años de internado.
Cuando terminó el internado tenía 17 años y se trasladó a
casa de sus tíos. La familia tenía pocos recursos y ella necesitaba ayudar con
los gastos de la casa y alcanzar la tan ansiada independencia económica. Por
esa razón se matriculó en el curso de enfermería, licenciándose en 1943, y
empezó a trabajar en las urgencias del Colônia Juliano Moreira. Contando ya con
alguna experiencia profesional, en 1945 empezó un curso de asistente social.
El año 1947 fue decisivo en la vida de Dona Ivone Lara. Tras
formarse como asistente social, empezó a trabajar en el Instituto de
Psiquiatría do Engenho de Dentro, donde tuvo como supervisora a la Dra. Nísia
da Silveira, la médico que revolucionó la psiquiatría en Brasil. También en
1947, con solo 25 años, se casó con Oscar, hijo del presidente de Prazeres da
Serrinha, escuela de samba que desaparecería al año siguiente. De hecho, el 23
de marzo de 1947 miembros disidentes de Prazeres da Serrinha fundarían la
Império Serrano, escuela a la pertenecería toda su vida. Finalmente, se
considera que este año marca el inicio de su carrera como compositora, aunque
su consagración solo se produciría, como dijimos, con la samba enredo “Os cinco
bailes da História”, en 1965.
El principio de su carrera como compositora de samba no fue
nada fácil: además de pasar por situaciones complejas por ser mujer y negra,
durante bastante tiempo tuvo que ocultar la autoría de sus composiciones. Era
su primo, el maestro o mestre Fuleiro el que las hacía pasar como propias,
hasta que un día reveló que la verdadera autora era su prima. En cualquier
caso, según la investigación realizada por Mila Burns, Dona Ivone Lara no entró
en el ala de los compositores hasta 1970:
El ingreso en la agrupación se produjo gracias a la
divulgación de “Pingo de felicidade”, samba grabada por Christiane – cantante
relativamente conocida en ese momento. Con el éxito de la canción, los
directores de la escuela de samba intentaron averiguar quién era su joven
compositor.
Burns, 2006, p. 77.
En este caso, compositora.
Yvone Lara pasó a ser Dona Ivone Lara en 1970 con el
lanzamiento del disco Sambão 70, un trabajo colectivo producido por
Sargentelli. La década de 1970 inauguró su entrada profesional en el mundo de
la música, pero también el inicio de un periodo conturbado: en 1972 fallecía
Silas de Oliveira, coautor de muchas de sus composiciones; tres años después,
en 1975, moría su marido a causa de un infarto, muy probablemente relacionado
con el accidente de coche que el hijo de la pareja sufrió en la Perimetral, en
el centro de Río de Janeiro. Entre el trabajo como asistente social, la
atención que debía prestar a su hijo aún hospitalizado y la pérdida de su
esposo, Dona Ivone Lara encontró consuelo y refugio en la música y en la
compañía de quien la acompañaría durante mucho tiempo, Délcio Carvalho.
Dona Ivone Lara se jubiló en 1977 y a partir de ese momento
empezó a dedicarse exclusivamente a la composición, además de ocuparse de su
familia, obligación que nunca dejó de lado. En 1978 grabó el disco Samba, minha
verdade, minha raiz. Fue en esa época cuando Maria Bethânia y Gal Costa
grabaron para el disco Álibi la canción “Sonho meu” compuesta por Dona Ivone
Lara y Délcio Carvalho, versión que fue un éxito rotundo.
De ahí en adelante, nuestra protagonista fue encadenado una
media de un disco cada dos años. La década de 1990 estuvo marcada por el
reconocimiento internacional, con la concesión de diversos premios, y ya en los
años 2000, Dona Ivone Lara asumió una apretada agenda de festivales
internacionales y espectáculos en diversas capitales europeas. Su último disco,
SambaBook – Dona Ivone Lara, grabado en CD y en DVD en 2015, congregó a nuevos
y antiguos colaboradores, nuevos nombres de la escena de la samba carioca.
A pesar de las durezas de la vida, Dona Ivone Lara fue una
mujer que vivió bajo sus propios criterios, incluso habiendo relegado a la
música a los momentos de placer, de descanso del trabajo, dejó una marca
profunda en la historia de la samba brasileña, con composiciones únicas e
inolvidables.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Tendência en la versión de Fundo de Quintal con Dona Yvonne Lara, y uno de
sus más grandes éxitos, Sonho Meu, con la participación de grandes artistas
como Caetano Veloso, María Bethania, Adriana Cacanhotto, Martinho da Vila, Luiza Dionizio, Zélia
Duncan, Elba Ramalho, Vanesa Da Mata, Teresa Cristina, y Lu Carvalho, entre
muchos otros.
A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Trío para Piano en Re Mayor Op. 70 Nº 1, denominado Fantasma, en la versión del Trío Beaux Arts. Menahem Pressler en piano, Isidore Cohen en violin, y Bernard Greenhouse en violonchelo.
El sitio www.biografias.netsaber.com
publicó este recordatorio.
París, 1880-1943
Actor francés. Tras realizar estudios de arte dramático, sus
cualidades para la interpretación le valieron el primer premio de drama y
tragedia en el Conservatorio de Marsella, lo que le confirmó como uno de los
actores más versátiles y capaces de la escena francesa. Volcado en el teatro,
llegó a cine de manera casual y sin mostrar ningún interés en 1910. Participó
en diversas producciones mudas como Stass et compagnie (1916), de Abel Gance
Irrumpió con fuerza con la implantación del cine sonoro,
especialmente de la mano de Julien Duvivier, quien le dirigió en películas como
David Golder (1930), Los cinco caballeros malditos (1931) o Gólgota (1935),
entre otras. Intervino en algunas de las versiones que se realizaron en
estudios parisinos por la Paramount como con Le cap perdu (1931), de Ewald
André Dupont
Aunque los espectadores franceses descubrieron fácilmente su
estilo interpretativo, en muchas ocasiones reiterativo, no por eso dejaron de
admirarle en su trabajo, de manera especial en la versión de Los miserables
(1934), dirigida por Raymond Bernard. A lo largo de estos años fue protagonista
de Trágica atracción (1935), de Anatole Litvak, y en varias películas de
Maurice Tourneur como Samson (1936), El zar loco (1938) y Volpone (1940), entre
otras. El final de su vida se vio marcado por el ambiente bélico que vivía
Europa; fue torturado por la Gestapo hasta causarle la muerte.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento lo
recordamos, con un fragmento de la película Los miserables.
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El sitio www.wikiwand.com
publicó este recordatorio.
Héctor Ayala
Héctor Ayala (Concordia, 11 de abril de 1914 - Buenos Aires,
12 de marzo de 1990) fue un compositor, folclorista y guitarrista argentino.
Fue padre del guitarrista y cantautor de folk-rock Héctor
Ayala (1943-2016), del dúo Vivencia.
Biografía
Ayala nació en Concordia, provincia de Entre Ríos. Comenzó
su carrera como guitarrista en Buenos Aires e hizo su debut en 1936 como
acompañante de cantantes de tango y folclorista. Más tarde, se unió a los
Escuadrones de Guitarra, ensamble de integrado por 12 a 15 guitarras dirigidas
por Abel Fleury. En los años cincuenta trabajó en radios de Buenos Aires y fue
miembro de un cuarteto de tango dirigido por Aníbal Troilo.
Héctor Ayala compuso un número importante de obras para
guitarra, incluyendo piezas inspiradas en la música argentina y de otros países
latinoamericanos. También escribió diferentes métodos didácticos para enseñar
guitarra. Su obra más reconocida es la Serie americana (Buenos Aires: Editorial
Aromo, 1962), que consta de siete movimientos.
Héctor Ayala murió en Buenos Aires, el 12 de marzo de 1990.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con
el Vals Cascabel en la versión de Jorge Biscardi, y la Suite Americana por Narciso
Yepes.
El sitio www.scherzo.es
publicó este recordatorio firmado por Justo Romero.
Luis Izquierdo, maestro incomparable
12/12/2022 / Justo Romero
Con el alma húmeda de dolor, el escribidor no sabe por dónde
ni cómo comenzar este herido obituario sobre Luis Izquierdo, el director de
orquesta, pianista, catedrático y dinamizador de la vida musical sevillana y
española durante décadas. Luis, el maestro Izquierdo, que llevaba años inmerso
en el alzhéimer, se ha ido plácidamente, rodeado del afecto de los suyos, que
fueron y son tantos: Ángeles Rentería, su esposa y compañera en la música y en
la vida, y sus hijos, entre ellos el violinista Wolfgang Izquierdo, y el
afinador y técnico de pianos David Izquierdo.
Nacido en La Coruña, en 1931, los espacios limitados,
primero del teclado y luego del podio, devinieron insuficientes para albergar
su inagotable imaginación musical. Con su muerte, el mundo musical español
pierde a uno de sus personajes más lúcidos, avanzados, dinámicos e incomparables
de la segunda mitad del siglo XX. Luis, amigo, maestro , guía y compañero de
mil iniciativas, fue un emprendedor nato, que inventó e imaginó incontables
aventuras musicales, desde los Mayos musicales hispalenses al Festival Ibérico
de Música de Badajoz, o ciclos específicos dedicados a los más diversos géneros
y estilos.
Había llegado a Sevilla en 1962, tras obtener una cátedra de
piano en el Conservatorio Superior, que dirigía entonces Norberto Almandoz, con
el compositor Manuel Castillo como subdirector. Luis Izquierdo, como Mariles
—Ángeles Rentería— llegaron a la ciudad de Turina tras obtener sendas cátedras
de piano. Ambos habían estudiado con José Cubiles, en el Conservatorio de
Madrid, y luego en Viena, Mariles con Hans Graf y Luis dirección de orquesta
con Hans Swarowski. Luego se marcharon a Salzburgo, donde completó sus estudios
de dirección con Gerhard Wimberger. Allí, en la ciudad de Mozart, nació su
primogénito, el hoy violinista Wolfgang
Izquierdo Rentería, bautizado, claro, con el nombre del más ilustre
salzburgués.
Pero antes que director de orquesta, Luis había sido un
sobresaliente pianista, alumno destacado de Cubiles, en cuya cátedra de
virtuosismo compartió aula con Joaquín Achúcarro, Cristina Bruno, Carlos
Calamita, Manuel Carra, Guillermo González, Félix Lavilla, Julián López Gimeno,
Jacinto Matute, Marisa Montiel, María Orán, el jovencísimo Rafael Orozco,
Rafael Quero, Luis Rego, Rogelio Rodríguez Gavilanes o Miguel Zanetti. Fue
allí, en la cátedra de Cubiles, donde también coincidió y conoció a la
sevillana Ángeles Rentería, con la que pronto se casarían y emprenderían una
apasionante vida, siempre juntos, con recaladas en Viena, Salzburgo, Sevilla y
Madrid.
Coruñés de pro, marchó muy joven a Madrid, donde obtuvo
pronto el Premio Extraordinario y el Primer Premio de Virtuosismo de Piano. Fue
un estupendo pianista. Recuerdo bien las palabras siempre elogiosas de Esteban
Sánchez, alumno de la ‘rival’ de Cubiles, la malagueña Julia Parody: “Ni te
imaginas lo talentoso y bien que tocaba Luis el piano”. Pero, igual que el
podio, el universo del teclado se antojaba limitado para sus plurales
ambiciones artísticas. Entre 1952 y 1959 fue profesor de acompañamiento en la
cátedra de su admirado maestro Gerardo Gombau. Estudió también con Francisco
Calés, Victorino Echevarría y Julio Gómez. Es la época en la que comenzó sus
pinitos profesionales como pianista y director de coro.
Cuando en 1962 desembarcó en Sevilla, la capital hispalense
era un páramo musical. Asumió la dirección de la Orquesta Filarmónica de
Sevilla y resucitó la legendaria Orquesta Bética de Cámara. En 1976 la
Filarmónica de Sevilla pasó, bajo su tutela, a ser la Orquesta Bética
Filarmónica. Con esta orquesta, y con el empuje de la Caja de Ahorros de San
Fernando —de cuya Obra Cultural era asesor musical en los tiempos gloriosos de
Manuel Rodríguez-Buzón— desarrolló una ingente labor. Promovió infinidad de
estrenos y encargos a los compositores españoles de la época; creó una base
sinfónica inédita hasta entonces —legendario fue su ciclo integral de las
sinfonías de Beethoven—, y llevó a Sevilla lo más granado y novedoso de la
música internacional. Los solistas y repertorios que desfilaron entonces por el
escenario del Teatro Lope de Vega podrían ser modelo para las muy conservadoras
programaciones sinfónicas actuales.
Sus ciclos de música contemporánea enmarcaron incontables
estrenos y primeras audiciones. Un ejemplo. Pero Sevilla, conservadora y
siempre ensimismada en sus tradiciones y encantos, nunca llegó a entender la
dimensión avanzada y vanguardista de Luis. Quizá tampoco las formas.
Finalmente, con su inseparable Mariles —en el conservatorio, casi todos
andábamos medio enamoradillos de ella, tan guapa, tan buena pianista y
profesora, tan sevillana y fascinante; Mariles era como una Clara Schumann de
carne y hueso— y sus seis hijos cogió los bártulos, cerró su inolvidable chalet
de la urbanización Colina Blanca y desanduvo el camino a Madrid para volver a
ejercer como catedrático de piano. El círculo casi se cerró.
Sevilla, sin enterarse, se quedó huérfana de su máximo
dinamizador musical. Luego, sí, se creó la Sinfónica de Sevilla, se inauguró el
Teatro Maestranza, llegó la Expo-92… Incluso siguió dirigiendo el Misere de
Eslava todos los años en la catedral hispalense con la nueva y plurinacional
Sinfónica de Sevilla… Pero eso fue otra historia. Harina de otro costal. Tiempo más espectacular y ostentoso. Menos
cutre y más de cartón piedra. Castillos de arena pese a los cimientos
construidos tan laboriosamente por Luis Izquierdo y pocos más. En aquella época
hoy remota, Luis se plantaba en cualquier sitio para llevar todo tipo de
músicas. En Almonte, la capital rociera por antonomasia, se presentó con un
programa con obras de sus amigos Carmelo Bernaola, Antón García Abril,
Cristóbal Halffter y Tomás Marco. ¡Así era Luis Izquierdo!
Hoy, tras una vida plena llena de acontecimientos y logros,
Luis Izquierdo González, baluarte de contemporaneidad, distinguido con la
Encomienda de Alfonso X el Sabio
y Académico de la Real de
Santa Isabel de Hungría de
Sevilla, nos ha dejado. Pero su recuerdo se mantiene bien vivo y latente en
todos los que le admiramos, quisimos y disfrutamos de sus saberes, alegrías,
inteligencia y buen hacer. Un beso enorme, Mariles, a ti y a todos los
Izquierdo Rentería, incluida, ¡cómo no!, nuestra eterna “Pincho”. Igual andan
por ahí tocando alguna nueva sonata para oboe.
Justo Romero
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de Quoniam, un fragmento del Miserere, de Hilarión Eslava,
al frente del Coro Matritum Cantat, y la Orquesta Sinfónica de Madrid.