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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Jan Zwartendijk nació en Róterdam, Países Bajos, el 29 de julio de 1896, y murió en Eindhoven, Países Bajos, el 14 de septiembre de 1976. Empresario, diplomático y Justo entre las Naciones.
Pessla Lewin, nacida en Ámsterdam, se naturalizó ciudadana polaca al casarse con Issac Levin en 1940 y quedó varada en Kaunas, Lituania, cuando los soviéticos anexionaron el país en julio de ese año. Parecía que no había escapatoria de la persecución, pero Pessla decidió solicitar la residencia en la Embajada de los Países Bajos en los Estados Bálticos, cuya sede estaba en Riga, Letonia. En julio de 1940, el embajador, el Sr. LPJ de Decker, escribió en su pasaporte, en francés: «El Consulado de los Países Bajos en Riga declara que para la admisión en Surinam, Curazao y otras posesiones de los Países Bajos en América, no se requiere visa de entrada». Después de que su esposa obtuviera con éxito esta anotación de cuasi visa en su pasaporte, el esposo de Pessla, el Dr. Isaac Lewin, se dirigió al cónsul neerlandés, Jan Zwartendijk, en Kaunas, Lituania, y le pidió que escribiera lo mismo en su Leidimas. Documentos de salvoconducto que servían como su documento de identidad. Recibió esta anotación el 22 de julio de 1940, y la suya fue la primera "visa" de este tipo emitida en Kaunas. Con esta "visa" de Curazao, el cónsul japonés, Chiune Sugihara, estaba preparado para sellar los pasaportes con la anotación "VISA DE TRÁNSITO". En julio de 1940, se le pidió a Jan Zwartendijk que reemplazara al cónsul holandés en Kaunas. En realidad, Zwartendijk no era diplomático profesional. Era simplemente el representante de Philips en Lituania, pero era holandés y no simpatizaba con los nazis. Tras aceptar el cargo de cónsul holandés interino, Zwartendijk difícilmente podría haber imaginado lo que le depararía su breve carrera diplomática. Tras conceder a Isaac Lewin el «visado» de Curazao, que servía como llave para el visado de tránsito japonés y el visado de salida soviético, dos estudiantes holandeses de academias talmúdicas en Polonia, Nathan Gutwirth y Chaim Nussbaum, que también se habían convertido en fugitivos en Lituania, obtuvieron el mismo «visado» de Zwartendijk y difundieron la noticia. En cuestión de horas, cientos de judíos aterrorizados hicieron cola en el consulado holandés para obtener el mismo sello de Curazao de Zwartendijk. Desde el 23 de julio de 1940 hasta el 3 de agosto, cuando los soviéticos cerraron las embajadas y consulados en Kaunas, Zwartendijk logró expedir posiblemente hasta 2345 «visados» para Curazao. El consulado japonés expidió cerca de 2000 visados de tránsito, algunos de los cuales se reutilizaron al enviarlos de vuelta a familiares desde Japón. En total, entre 2100 y 2200 refugiados judíos llegaron a Japón con estos visados, donde permanecieron entre tres y ocho meses. Ninguno llegó a Curazao, pero más de la mitad se dirigió a países libres, mientras que unos 1000 fueron transportados por los japoneses a Shanghái, en China, donde sobrevivieron a la guerra. Zwartendijk se vio obligado a cerrar el consulado en Kaunas el 3 de agosto de 1940. Pasó el resto del mes intentando regresar a los Países Bajos, pero antes quemó todos los documentos oficiales, borrando así cualquier rastro de las transacciones ilegales que había iniciado en nombre de los judíos. Pasó el resto de la guerra en los Países Bajos, trabajando para Philips. Nunca reveló a nadie sus actividades durante la guerra. El gobierno neerlandés tuvo conocimiento de ellas por primera vez en 1963.
El 6 de octubre de 1997, Yad Vashem reconoció a Jan Zwartendijk como Justo entre las Naciones.
Sigmund Romberg nació en Gross-Kanizsa, entonces Imperio Austrohúngaro, el 29 de julio de 1887, y murió en Nueva York, Estados Unidos, 9 de noviembre de 1951. Compositor, director de orquesta y pianista.
Romberg, Sigmund, versátil compositor de opereta, director de orquesta y pianista estadounidense de origen húngaro; n. Nagykanizsa, Hungría, 29 de julio de 1887; f. Nueva York, 9 de noviembre de 1951. Quizás el compositor de Broadway más prolífico de la década de 1910 y uno de los más exitosos de la década de 1920, Romberg resucitó el estilo de la opereta vienesa del teatro musical, pionero de Victor Herbert, en los espectáculos de larga duración (y frecuentemente reestrenados) The Student Prince, The Desert Song y The New Moon, que incluían estándares como "Softly, as in a Morning Sunrise", "Lover, Come Back to Me" y "Stouthearted Men". Pero también supo adaptarse a las diferentes exigencias de Hollywood y las listas de éxitos en una serie de bandas sonoras para películas y en éxitos pop como "When I Grow Too Old to Dream" y "Close as Pages in a Book".
Romberg era hijo de Adam y Clara Romberg. Su madre era novelista y escribía bajo el seudónimo de Clara Berg. Su padre, que trabajaba en una fábrica de productos químicos, era pianista aficionado y le dio sus primeras lecciones de piano; también recibió clases de violín desde los siete años. Se graduó en la Universidad de Bucarest y estudió ingeniería civil en la Escuela Politécnica de Viena entre 1904 y 1907. Al mismo tiempo, fue subdirector del principal teatro de ópera de la ciudad, el Theater-an-der-Wien, y estudió música con Richard Heuberger durante tres años. Dejó los estudios en 1907 para unirse al ejército, donde sirvió en el 19.º Regimiento de Infantería Húngaro durante 18 meses.
Romberg se mudó a Londres y luego emigró a Estados Unidos en 1909, donde más tarde obtuvo la ciudadanía estadounidense. Inicialmente trabajó en la Eagle Pencil Co. en Nueva York y después tocó música ambiental en restaurantes húngaros. En 1912 formó una orquesta para tocar en el restaurante Bustanoby's, que se convirtió en un popular local nocturno. Comenzó a publicar canciones en 1913 y su primera canción fue incluida en un musical con el montaje del espectáculo alemán Die Mitternachtsmadel, posteriormente presentado en inglés como The Midnight Girl (Nueva York, 23 de febrero de 1914). Esto lo llevó a un trabajo como compositor de planta para la Shubert Organization y a su primer espectáculo en Broadway, la revista The Whirl of the World.
Durante los siguientes seis años, Romberg escribió o coescribió 25 espectáculos de Broadway para los Shubert (y realizó interpolaciones en varios más), incluyendo las ediciones de 1914, 1916, 1917, 1918 y 1919 de la revista The Passing Show y los espectáculos de Al Jolson Dancing Around, Robinson Crusoe Jr. y Sinbad. Sus mayores éxitos de este período fueron dos adaptaciones de operetas vienesas: The Blue Paradise, basada en Ein Tag im Paradies, que incluía "Auf Wiedersehen" (letra de Herbert Reynolds), un éxito récord para Harry Macdonough y Alice Green (Olive Kline) en noviembre de 1915, con más de 350 representaciones; y Maytime, basada en Wie Einst im Mai, que incluía "Will You Remember?". (también conocida como “Sweetheart”; letra de Rida Johnson Young), un éxito discográfico de Alice Green y Raymond Dixon (Kline y Lambert Murphy) en enero de 1918, se representó durante casi 500 funciones. Maytime se convirtió en película en 1937, lo que llevó a una exitosa reposición de “Will You Remember?” por Victor Young y su Orch.
Después de servir en el ejército estadounidense durante la Primera Guerra Mundial, Romberg dejó a los Shubert para formar su propia compañía de producción con Max Wilner. Sus producciones incluyeron los dos siguientes musicales de Romberg, The Magic Melody y Love Birds , pero estos y los demás esfuerzos del equipo tuvieron un éxito moderado, y Romberg regresó a su trabajo con los Shubert, escribiendo otros 21 espectáculos para ellos durante los siguientes siete años. (En 1924 comenzó a trabajar con otros productores además de los Shubert). Como antes, estos incluyeron ediciones anuales de The Passing Show en 1923 y 1924, así como Bombo de Al Jolson. Pero el primer encargo de Romberg fue Blossom Time, basado en la opereta vienesa Das Drei Mädelhaus, una biografía escénica de Franz Schubert. Romberg adaptó la música de Schubert para Broadway, dando como resultado el musical de mayor duración de la temporada 1921-22 y el éxito "Song of Love" (letra de Dorothy Donnelly; basada en un tema del primer movimiento de la Sinfonía Inacabada), grabada con gran éxito por Lucy Isabelle Marsh y Royal Dadmun, aunque también hubo grabaciones populares de Edwin Dale y la Orquesta de Prince. (Blossom Time, un éxito de gira constante, regresó a Broadway en 1931, 1938 y 1943).
Además de los tres espectáculos que escribió para los Shubert en 1922, Romberg encontró tiempo para componer la banda sonora de su primera película, Foolish Wives, y para aportar canciones intercaladas a otra producción de los Shubert, The Lady in Ermine (Nueva York, 2 de octubre de 1922), incluyendo "When Hearts Are Young" (letra de Cyrus Wood, música también de Alfred Goodman), que generó discos de éxito para las orquestas de Paul Specht y Paul Whiteman en marzo de 1923.
El siguiente gran éxito de Romberg, su espectáculo de mayor duración y frecuentemente citado como su obra cumbre, fue El príncipe estudiante, basado en la obra de teatro El viejo Heidelberg. El tema principal del espectáculo fue "Deep in My Heart, Dear" (letra de Donnelly), que se convirtió en un popular tema instrumental para Benny Krueger y su Orquesta en julio de 1924 y en un éxito vocal para Franklyn Baur en noviembre, ambas grabaciones previas al estreno del espectáculo en Nueva York. Además de sus dos años en cartelera en Nueva York, El príncipe estudiante se convirtió en un éxito continuo de giras y regresó a Broadway en 1931 y 1943, para finalmente ser incorporado al repertorio de la Ópera de Nueva York en 1980. También hubo una versión cinematográfica que utilizó la música de Romberg en 1954, lo que llevó a una grabación que alcanzó el Top 40 con "Drink, Drink, Drink" (letra de Donnelly) para Mario Lanza, quien dobló la canción en pantalla.
Romberg se casó con Lillian Harris en marzo de 1925. Ese mismo año compuso dos obras de éxito moderado y luego produjo The Desert Song, con libreto de Oscar Hammerstein II, Otto Harbach y Frank Mandel, y letra de Hammerstein y Harbach. La obra, que se mantuvo en cartelera durante mucho tiempo, produjo los éxitos "One Alone", "The Riff Song" y la canción que da título al musical (también conocida como "Blue Heaven"), todas grabadas por Nat Shilkret. Otro clásico de gira, The Student Prince, regresó a Broadway en 1946 y 1973 y fue filmado tres veces, en 1929, 1943 y 1953.
My Maryland, basado en la obra de teatro de la Guerra Civil Barbara Fritchie, fue uno de los éxitos teatrales de la temporada 1927-28, y le dio a Whiteman un éxito discográfico de dos caras con las canciones “Your Land and My Land” y “Silver Moon” (ambas letras de Donnelly). Durante la misma temporada, The New Moon (letra de Hammerstein) comenzó una temporada de prueba extendida en Filadelfia, lo que llevó a un estreno en Nueva York al año siguiente, cuando se convirtió en el mayor éxito musical de la temporada 1928-29. También fue la partitura más exitosa de Romberg en cuanto a versiones de discos se refería a: cinco canciones se convirtieron en éxitos. “Softly, as in a Morning Sunrise” y “One Kiss” conformaron las dos caras de un disco de Shilkret que se vendió bien en enero de 1929; “Marianne” fue un éxito para la Arden-Ohman Orch.; “Stout-Hearted Men” fue un éxito para Perry Askam; El mayor éxito del espectáculo, "Lover, Come Back to Me", cuya melodía se inspira parcialmente en la Barcarola de junio para piano de Chaikovski, fue grabado con gran éxito por Whiteman, aunque la Orquesta Arden-Ohman, Rudy Vallée and His Connecticut Yankees y Askam también tuvieron éxito con esta canción. El espectáculo regresó a Broadway en 1942 y 1944, y la Ópera Estatal de Nueva York lo estrenó en 1986. Se realizaron versiones cinematográficas en 1930 y 1940, y Nat King Cole revivió "Lover, Come Back to Me" en 1953, convirtiéndola en un éxito que alcanzó el Top 40.
Romberg se mudó a Hollywood en 1930 y, a partir de entonces, dividió su tiempo entre escribir para el teatro y el cine. Tras el éxito moderado de la obra Nina Rosa, escribió las películas Viennese Nights y Children of Dreams, para luego regresar a Broadway con East Wind y Melody, obras menos exitosas. En 1933 viajó a París para el musical Rose de France, encargado especialmente para la ocasión y producido por la Société Anonyme Française Chappell. En 1934 comenzó a presentar programas de radio para Swift and Co.
La obra The Night Is Young, en la que Romberg colaboró con Hammerstein, fue un fracaso de taquilla, pero sus canciones tuvieron éxito en las tiendas de discos. El tema principal fue un éxito para Glen Gray y la Casa Loma Orch. y para Smith Ballew y su Orch.; "When I Grow Too Old to Dream" estuvo en las listas de éxitos en abril y mayo de 1935 para Gray y también fue un éxito para Nelson Eddy. Más tarde ese año, May Wine se convirtió en el mayor éxito de Romberg en Broadway desde The New Moon, siendo su canción más destacada "I Built a Dream One Day" (letra de Hammerstein), que se convirtió en un éxito para Ray Noble y su Orch. en enero de 1936.
Romberg siguió compaginando proyectos de Broadway y Hollywood, presentando después otro espectáculo, Forbidden Melody, luego las películas They Gave Him a Gun y The Girl of the Golden West, y finalmente el musical Sunny River. El fracaso de sus dos últimos espectáculos pudo haberle convencido de que su estilo de opereta había perdido popularidad en Nueva York, ya que en 1942 inició una nueva carrera como director de orquesta, llevando a una agrupación de 50 músicos de gira con hasta 100 conciertos al año durante el resto de su vida y grabando sus propias obras y las de otros compositores para RCA Victor. Los discos se vendieron bien y los conciertos congregaron a decenas de miles de personas.
En 1945, llevó a la radio su programa "An Evening with Romberg". También demostró su capacidad para competir con la nueva generación de Broadway al escribir "Up in Central Park", que tuvo la segunda temporada más larga en Nueva York de todas sus obras, generando el éxito "Close as Pages in a Book" (con letra de Dorothy Fields), que entró en las listas de éxitos para Benny Goodman and His Orch. en mayo de 1945.
El programa se reestrenó en 1947 y se adaptó al cine al año siguiente.
Romberg compuso “Zing Zing-Zoom Zoom” (letra de Charles Tobias) para su tarjeta navideña de 1950, lo que dio lugar a una grabación en la que su orquesta acompañó a Perry Corno. Cuando la canción se lanzó en la cara B del sencillo número uno de Como, “If”, también se convirtió en un éxito en las listas, el último de Romberg en vida. The Girl in Pink Tights, estrenada más de dos años después de su muerte, tuvo un éxito moderado en el escenario, pero produjo “Lost in Loveliness” (letra de Leo Robin), que generó récords en las listas para Billy Eckstine y Dolores Gray. Deep in My Heart fue una biografía cinematográfica.
ROMBERG, SIGMUND
ROMBERG, SIGMUND (1887–1951), compositor. Nacido en Nagykanizsa, Hungría, Romberg comenzó su carrera musical como niño prodigio. Fue nombrado teniente en el ejército austríaco y posteriormente estudió música en Viena con Victor Heuberger. En 1909 se trasladó a Estados Unidos, donde trabajó en diversas orquestas de restaurantes y teatros. En 1911 compuso su primera canción de éxito, «Memories», y a partir de entonces comenzó a componer musicales y operetas. Romberg compuso más de 70 operetas, con un estilo melódico que bebía tanto de la tradición vienesa como de Victor Herbert, fundador del género en Estados Unidos. Entre sus obras más conocidas se encuentran El príncipe estudiante (1924), La canción del desierto (1926), Luna nueva (1928) y Up in Central Park (1945). Muchas de sus operetas fueron llevadas al cine, y el propio Romberg también adaptó operetas e incluso óperas de otros compositores para la gran pantalla. Fue presidente de la Asociación Protectora de Compositores de Canciones. E. Arnold escribió una biografía novelada de Romberg, titulada Deep in My Heart (1949).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Song of Love en la versión de Royal Dadmun, barítono y la soprano Lucy Isabelle Marsh, Softly, as in a Morning Sunrise, fragmento de la película Deep in My Heart, de 1954, por Helen Traubel, Lover Come Back to Me, en la voz de Billie Holiday, Deep in My Heart, Dear, tema de la película El Principe Estudiante, en la interpretación de Mario Lanza y Ann Blyth.
La cantante y compositora Beverley Craven, ganadora de un premio BRIT, se hizo famosa a principios de los 90 con el lanzamiento de su álbum debut homónimo, que se convirtió en un éxito mundial, vendiendo más de dos millones de copias. Su sencillo de 1991, "Promise Me", se convirtió en un gran éxito en toda Europa, seguido de una serie de éxitos en las listas de popularidad, incluyendo "Memories", "Holding On", "Woman To Woman" y "Love Scenes".
Beverley nació en Sri Lanka el 28 de julio de 1963. Su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una consumada violinista clásica, Beverley comenzó a tomar clases de piano a la temprana edad de siete años. También demostró ser una nadadora talentosa, llegando a representar a la División 10 en el Campeonato Escolar Inglés de Natación y compitiendo en el Campeonato Nacional.
Beverley dejó su hogar a los 18 años y se mudó a Londres, decidida a labrarse una carrera en la industria musical. A finales de los 80, se unió al legendario cantante de soul Bobby Womack como corista en su gira europea. Su gran oportunidad llegó cuando una de sus maquetas llegó a manos de Epic Records, quienes inmediatamente le ofrecieron un contrato discográfico. El álbum debut de Beverley cosechó un éxito sin precedentes: en un año, obtuvo doble disco de platino con más de un millón de copias vendidas y permaneció 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido.
Su sencillo debut, «Promise Me», alcanzó el número 3 en la lista de éxitos del Reino Unido y cosechó un éxito arrollador en toda Europa. Le siguieron otros éxitos como «Holding On», «Woman To Woman» y «Memories», mientras Beverley ofrecía conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido, Europa continental y Estados Unidos. En 1992, ganó el premio Brit a la Mejor Artista Revelación Británica y también fue nominada a Mejor Sencillo y Álbum Británico del Año. Durante la ceremonia de entrega de premios, Beverley estaba embarazada de ocho meses y dio a luz a su primera hija, Mollie, en marzo de ese mismo año.
El segundo álbum de Beverley, «Love Scenes», se publicó en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de éxitos del Reino Unido y generando los sencillos de éxito «Love Scenes» y «Mollie's Song». Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segunda hija, Brenna, nació en 1995, seguida de su tercera hija, Connie, en 1996.
Con la maternidad llegaron pasiones divididas, y siguieron 13 años de debatir entre la familia y el estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, 'Mixed Emotions', que había grabado en su estudio casero en Londres. Una vez más, esta ganadora del premio Brit recibió grandes elogios de la crítica, pero debido a la escasa promoción por parte de la discográfica y a su creciente desilusión con la industria musical, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. En 2004, Beverley regresó con fuerza a la escena musical mundial con algunas presentaciones en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el diagnóstico de cáncer de mama, muy publicitado, acaparó inesperadamente toda la atención. Tras un tratamiento exitoso, Beverley recibió el alta médica en 2008.
Al recordar su enfermedad, Beverley comenta: "En muchos sentidos ha sido algo positivo, me ha dado una nueva oportunidad en la vida. Me ha hecho darme cuenta de que solo necesito seguir adelante y hacer cosas que disfruto. Durante mucho tiempo no tenía ningún interés en sentarme al piano. Perdí por completo esa pasión, pero ahora la he recuperado y estoy saliendo a dar lo mejor de mí".
Los fans habían esperado lo suficiente y en 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal que Beverley consideró "un renacimiento en muchos sentidos". Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven hacía las cosas a su manera y disfrutaba plenamente. Tras su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, esta joya musical británica cautivó a sus fans con otro álbum de estudio, 'Change of Heart', en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño.
En febrero de 2018, un elenco estelar de estrellas musicales coincidió de forma espectacular con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley salió de gira con sus compatriotas británicas (y grandes amigas), Judie Tzuke y Julia Fordham, agotando las entradas en todos los recintos y cosechando un éxito arrollador de la crítica británica. En marzo se lanzó el sencillo conjunto de las tres artistas, «Safe», y a finales de octubre de 2018 se publicó el álbum de estudio, Woman To Woman. En 2022, mientras el mundo se recuperaba del impacto de la pandemia, el trío Woman To Woman volvió a la carretera con otra gira por el Reino Unido con todas las entradas agotadas, esta vez con Rumer como invitada especial.
Con una última ambición largamente acariciada por cumplir antes de anunciar su retiro de las giras, Beverley ofreció una serie de conciertos en 2023, los shows Strings Attached, junto a la también cantante Judie Tzuke. Fue un regreso a sus raíces clásicas y, según confiesa, "como ponerse unas viejas zapatillas de estar por casa".
Desde sus humildes comienzos como teclista y corista en grupos de los pubs del sur de Londres hasta sus conciertos en solitario por todo el mundo, Beverley lleva unos 40 años actuando en directo. Continúa componiendo y grabando en su estudio casero, cultivando su pasión por los arreglos para cuarteto de cuerda y aprendiendo a tocar la viola.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Promise Me.
Karl Mueller nació en Mineápolis, Minnesota, Estados Unidos, el 27 de julio de 1963, y murió en su ciudad, el 17 de junio de 2005. Bajista.
El sitio www.radioacktiva.com publicó este recordatorio firmado por Laura Moreno.
Muere Karl Mueller, bajista de Soul Asylum
El músico falleció el viernes en Minneapolis (EE UU) a causa de un cáncer de garganta. Tenía 41 años. Junto a sus compañeros de Soul Asylum, Mueller logró un gran éxito con su canción de 1992 Runaway train.
Laura Moreno
21/06/2005
El músico falleció el viernes en Minneapolis (EE UU) a causa de un cáncer de garganta. Tenía 41 años. Junto a sus compañeros de Soul Asylum, Mueller logró un gran éxito con su canción de 1992 Runaway train.
A Karl Mueller le habían diagnosticado un cáncer de garganta en mayo de 2004. Su enfermedad causó un gran impacto en la escena rock de Minneapolis, ciudad en la que se formó a comienzos de los 80 Soul Asylum. De hecho, en octubre pasado, se llegó incluso a organizar un concierto para ayudar a Mueller a sufragar sus gastos médicos en el que participaron importantes músicos de la ciudad como Paul Westerberg (The Replacements) o Bob Mould (Hüsker Dü, Sugar).
Aunque Soul Asylum lleva siete años sin publicar discos, al parecer, la enfermedad de Karl Mueller fue el detonante de que la banda se reuniera a comienzos de este año para grabar nuevo material, cuya edición estaría ahora en proceso de negociación con diversos sellos, según información del diario de Minneapolis Star Tribune.
Kart Mueller formó en 1980 la banda de rock Loud Fast Rules junto al batería Dan Murphy y el cantante y guitarrista David Pirner. Tres años después el grupo se rebautizó como Soul Asylum y debutó en 1984 con el álbum Say what you will, Clarence. Tras una carrera mantenida en los estrictos márgenes del underground, en 1992 la banda editó el disco Grave dancer’s union que contenía el tema Runaway train. Esta canción, considerada un clásico del rock alternativo de los 90, alcanzó el número 5 en la lista de singles estadounidense y convirtió a Soul Asylum en un grupo de éxito masivo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Runaway Train.
En Shalom hoy descubrimos de la mano de Antonio Merino, coordinador de la institución, el legado de la Fundación Yehudi Menuhin, institución que utiliza arte y educación para fomentar la inclusión, el diálogo intercultural y la convivencia. Conocemos sus proyectos y su impacto en miles de jóvenes
Alfred Jesse Smith, más conocido como Brenton Wood, nació en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, el 26 de julio de 1941, y murió en Moreno Valley, California, Estados Unidos, el 3 de enero de 2025. Cantante, compositor y tecladista.
Alfred Jesse Smith nació el 26 de julio de 1941 en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, y falleció el 3 de enero de 2025 en California. Conocido profesionalmente como Brenton Wood, fue un cantante y compositor de R&B con tres sencillos de éxito en 1967, «The Oogum Boogum Song», «Gimme Little Sign» y «Baby You Got It». Continuó grabando y actuando hasta el año pasado 2024.
Su familia se mudó a San Pedro en Los Ángeles, California, cuando Wood era un niño. Asistió a la escuela secundaria de San Pedro antes de mudarse a Compton, donde Brenton se convirtió en miembro del equipo de atletismo de la escuela secundaria de Compton y recibió varios premios por sus logros deportivos. Tras graduarse en la escuela secundaria, se inscribió en el East Los Angeles College. Poco después, adoptó el nombre artístico de Brenton Wood, probablemente inspirado por el barrio de Brentwood en Los Ángeles. Motivado por Jesse Belvin y Sam Cooke, comenzó a componer canciones convirtiéndose también en un pianista competente.
Los primeros sencillos con Brent Records y Wand Records no llegaron a las listas. Wood firmó con Double Shot Records, y su canción «The Oogum Boogum Song» alcanzó el puesto número 19 en la lista Billboard R&B de EE. UU. y el número 34 en el Billboard Hot 100 en la primavera de 1967. En el sur de California, «The Oogum Boogum Song» llegó al top 10 en la KGB-FM y al número 1 en la KHJ. Su mayor éxito llegó unos meses después cuando «Gimme Little Sign» alcanzó el número 9 en la lista de pop, el número 19 en las listas de R&B, el número 2 en KHJ y el número 8 en la lista de singles del Reino Unido. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. El título en realidad no se canta en la canción. El estribillo repite «Give Me Some Kind of Sign». Con «Baby You Got It» (1967) Wood alcanzó el puesto número 34 en el Hot 100 durante la última semana de 1967 y el número 3 en KHJ el 31 de enero de 1968. Le acompañaban la banda de Kent and The Candidates, con sede en Los Ángeles, que estaba liderada por el baterista Kent Sprague. También grabaron varios sencillos para el sello Double Shot.
En 1972, Wood formó su propio sello discográfico y publicó, coprodujo y coescribió el clásico del funk soul «Sticky Boom Boom [Too Cold] Part I and II» con George Semper (coproductor, arreglista) y Al McKay (coautor, intérprete) de Earth, Wind & Fire. Wood grabó un dueto con Shirley Goodman. Además, grabó el sencillo «Rainin’ Love (You Gotta Feel It)», que se publicó en Midget M-101 en 1975. Su siguiente canción en solitario en llegar a las listas fue «Come Softly to Me» en 1977.
Wood regresó en 1986 con el álbum “Out of the Woodwork” que incluía regrabaciones de sus primeros éxitos, junto con varias pistas nuevas, incluido el sencillo «Soothe Me». En 2001 sacó el disco “This Love Is for Real”. En 2014 colaboró con William Pilgrim & The All Grows Up para sacar una nueva versión de la canción «Gimme Little Sign» en su álbum, “Epic Endings”. Ya en 2024, Brenton anunció su gira de despedida “Catch You On The Rebound: The Last Tour” que tuvo que detenerse cuando fue hospitalizado en mayo del año pasado. Rodeado de familiares y amigos, murió en su casa de Moreno Valley, California, el 3 de enero de 2025, a la edad de 83 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Baby You Got It y I'm The One Who Knows.
Maureen Kathleen Stewart Forrester, más conocida como Maureen Forrester, nació en Montreal, Quebec, Canadá, el 25 de julio de 1930, y murió en Toronto, Ontario, Canadá, el 16 de junio de 2010. Contralto.
Antes de Celine Dion o Shania Twain, Canadá tuvo su propia diva en la figura de la estrella de la ópera Maureen Forrester.
Nacida en 1930 en un barrio obrero francófono de Montreal, de ascendencia escocesa e irlandesa, Forrester cantó en coros durante su infancia y estudió piano. Abandonó la escuela a los 13 años para costearse las clases de canto trabajando como secretaria en Bell Canada. (Recibió ayuda económica adicional del Club Social de Montreal). Entre sus profesores se encontraba el tenor neerlandés Bernard Diamant, profesor de la École Vincent d'Indy de Montreal y de la Universidad McGill.
El debut profesional de Forrester tuvo lugar en diciembre de 1951 en la Ciudadela del Ejército de Salvación, donde actuó con el Coro Elgar de Montreal. A los 23 años, inició una larga colaboración con John Newmark, pianista, acompañante y profesor de Montreal, con quien realizó giras por todo el mundo. Ese mismo año, en 1953, ofreció su primer recital en una sede local de la YWCA junto a Newmark.
El reconocimiento internacional no tardó en llegar cuando Forrester realizó una gira por Europa en representación de las Jeunesses Musicales de Francia en 1955. (La oficina de JM en Montreal, para la cual Forrester realizó una gira por Ontario y Quebec en la temporada '53/'54, inauguró el Premio Maureen Forrester en 2012, cuyo ganador realiza dos temporadas por todo Canadá con la compañía). La gira, junto a John Newmark, fue tan exitosa que se extendió hasta 1956.
A los 28 años, fue elegida por el director de orquesta de origen alemán Bruno Walter, conocido principalmente por ser discípulo, alumno y amigo de Gustav Mahler, para grabar la "Sinfonía de la Resurrección" de Mahler y la propia "Canción de la Tierra" de Walter con la Filarmónica de Nueva York.
Tras haberse consolidado como solista y cantante de conciertos, Forrester incursionó tardíamente en el mundo de la ópera. El director Mario Bernardi la contrató en 1970 para interpretar el papel de la Bruja en una producción de CBC-TV de Hansel y Gretel de Engelbert Humperdinck. Otros papeles destacados fueron Marcellina en Las bodas de Fígaro de Mozart, la Madrastra en Cenicienta de Massenet y la Condesa en La dama de picas de Chaikovski.
Forrester siempre fue una firme defensora de la cultura canadiense y del talento emergente. Presidió el Consejo de las Artes de Canadá de 1983 a 1988 y estrenó varias obras vocales importantes de diversos compositores canadienses.
También fue profesora, impartiendo clases magistrales en 1965-66 en el Real Conservatorio de Música y en la Universidad de Alberta en 1985. Además, enseñó a tiempo parcial en la Universidad de Toronto en 1971-72.
La brillante trayectoria de Forrester como una de las contraltos más destacadas del mundo fue reconocida por numerosas instituciones. Recibió la Orden de Canadá en 1967 y fue incluida en el Salón de la Fama de la Música Canadiense en 1990. En el año 2000, el Paseo de la Fama de Canadá le otorgó una estrella, y en 2003 fue nombrada Oficial de la Orden Nacional de Quebec. Además, recibió unos 30 doctorados honoris causa de universidades canadienses, entre ellas McGill, Toronto y Dalhousie.
Sus memorias, Out of Character, escritas en colaboración con la periodista Marci McDonald, fueron publicadas en 1986 por McClelland & Stewart.
Forrester falleció en Toronto el 10 de junio de 2010 a los 79 años. Le sobreviven sus cinco hijos (fruto de su matrimonio con el violinista de Toronto Eugene Kash) y los hijos de estos.
A continuación, recordamos a Maureen Forrester en el día de su nacimiento, con obras de Gustav Mahler. En primer término, el ciclo de Rückert-Lieder, junto a la Orquesta Sinfónica RIAS, dirigida por Ferenc Fricsay, y a continuación, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor, Auferstehung, con Emilia Cundari, soprano, el Coro Westminster, y la Orquesta Filarmónica de Nueva York, todos dirigidos por Bruno Walter.
Isabel Gabriela de Baviera, nació en el Palacio de Possenhofen, Baviera, Alemania, el 25 de julio de 1876, y murió en Laeken, Bruselas, Bélgica, el 23 de noviembre de 1965. Reina consorte de los belgas. Justa entre las Naciones.
El sitio www.es.aleteia.org publicó este recordatorio firmado por Sandra Ferrer.
Isabel Gabriela de Baviera: La reina enfermera
Sandra Ferrer - publicado el 03/04/20
Bondadosa y entregada a los demás, la reina de Bélgica, Isabel Gabriela de Baviera, vivió una de las épocas más convulsas de la historia. Se enfrentó a dos guerras mundiales y demostró al mundo que la realeza no estaba reñida con la solidaridad.
Pertenecía a una rama menor de la familia imperial austriaca; era sobrina de la archiconocida emperatriz Isabel de Baviera, de hecho, recibió su nombre en honor a ella; nació y creció entre algodones. Pero el lujo y la vida regalada no la alejaron de la cruda realidad a la que se enfrentaría su pueblo en la primera mitad del siglo XX.
Isabel Gabriela de Baviera había nacido el 25 de julio de 1876 en Posenhofen. Era hija del duque Carlos Teodoro, uno de los hermanos pequeños de Sissí, y de la infanta María José de Portugal. Isabel tuvo en su padre un gran ejemplo a seguir. Lejos de vivir una existencia centrada en fiestas y entretenimientos, el duque se desmarcó de la tradición cuando decidió estudiar medicina. Con el título bajo el brazo, especializado en oftalmología, abrió varios hospitales y atendió personalmente a personas necesitadas ayudado por su propia esposa. Isabel estuvo muy cerca de su padre observando su comportamiento tan diferente al del resto de la aristocracia.
Isabel pronto se convirtió en una joven culta y refinada. Estudió medicina en la Universidad de Leipzig, pero también aprendió a tocar el violín y a interesarse por la ciencia, la arqueología y el arte. Era una joven preparada a la que el destino pondría a prueba unas décadas después. En 1900, se casaba con el príncipe Alberto de Bélgica, al que había conocido en tristes circunstancias, durante el funeral de una duquesa en París tres años antes. Casarse con Alberto suponía dejar atrás Baviera y su familia y enfrentarse a una nueva vida.
En los primeros años de su vida como casados, además de dedicarse a sus tres hijos, Leopoldo, Carlos y María José, nacidos entre 1901 y 1906, Isabel compartió con su marido su vocación de servicio a los demás. Ambos trabajaron en obras sociales y filantrópicas, ganándose el cariño del pueblo belga. En 1909, Albert asumía la corona de Bélgica y Isabel Gabriela se convertía a su vez en reina consorte.
Cinco años después, la Primera Guerra Mundial pondría a prueba a los jóvenes reyes de una Bélgica invadida por Alemania. Prácticamente sin pensarlo, la reina Isabel se puso manos a la obra para ayudar en todo lo posible a los enfermos y heridos convirtiendo uno de sus palacios de Bruselas en un hospital de la Cruz Roja. Durante todo el conflicto, los reyes permanecieron junto a su pueblo. Isabel acompañó a sus hijos a Inglaterra, pero pronto regresó para estar al lado de su marido. Isabel convenció a Bélgica que nada tenía que ver con un enemigo que era a su vez su patria de nacimiento. Ahora era la reina de los belgas y debía estar a su lado.
Isabel y Alberto se instalaron en una modesta casa en el frente de La Panne desde donde la reina se trasladó diariamente a visitar a los heridos en el hospital militar instalado en la localidad. Todos la conocían como la “reina enfermera” que trabajó de manera incansable para cuidar a los soldados y darles consuelo. Además de velar por su salud, la reina organizó una orquesta sinfónica para animar a las tropas.
Isabel se preocupó también de los niños, víctimas inocentes de la guerra ayudando a crear varios centros para ellos. Cuando terminó la guerra, los reyes regresaron a Bruselas y se volcaron en la reconstrucción de la dura posguerra ayudando con infinidad de obras filantrópicas a los damnificados por el conflicto. En aquellos años de paz, Isabel tuvo tiempo de recuperar algunas de sus aficiones culturales y volvió a tocar el violar o a practicar con la escultura.
Los años de entreguerras fueron también años de duras pruebas vitales. En 1934 fallecía su esposo sumiéndola en una terrible depresión. Un año después, Astrid, la nueva reina de los belgas, esposa de su hijo y nuevo rey, Leopoldo III, fallecía en un trágico accidente. Isabel permaneció al lado de su hijo asumiendo de nuevo un papel activo en la monarquía.
Poco tiempo después, Bélgica se enfrentaba a una nueva invasión alemana. En 1940, los nazis entraban en territorio belga y de nuevo la reina viuda se quedó junto a su pueblo. En esta ocasión, se centró en ayudar a huir a muchos judíos que se vieron amenazados por el nazismo. Una labor que le valió ser reconocida años después como “Justa entre las Naciones”.
Durante el resto de su vida, la reina Isabel Gabriela de Bélgica continuó trabajando por los más desfavorecidos impulsando proyectos solidarios y llegó a ser considerada como una de las reinas más queridas de la historia del siglo XX. Falleció en Bruselas el 23 de noviembre de 1965. El cardenal Leo Jozef Suenens, que ofició su funeral, la recordó como la reina de los desventurados y afirmó que fue una reina “de gran corazón”.
A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Augustin Hadelich, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, dirigida por Andrés Orozco-Estrada.
Andonis Michaelides, más conocido como Mick Karn, nació en Nicosia, Chipre, el 24 de julio de 1958, y murió en Chelsea, Londres, Reino Unido, el 4 de enero de 2011. Bajista y compositor.
La página de Facebook de Marco V. Céspedes, publicó este recordatorio.
Hoy se cumplen 15 años del fallecimiento del recordado bajista de Japan (Mick Karn).
Mick Karn (24 de julio de 1958 en Nicosia, Chipre - 04 de enero de 2011 en Chelsea, Londres, Reino Unido).
Seudónimo artístico de Andonis Michaelides, fue un músico de la banda británica Japan. Cuando tenía 3 años, sus padres se mudaron a Londres, Inglaterra.
Su padre trabajó como carnicero.
En el colegio conoció a David Sylvian y a Richard Barbieri, quienes compartían sus gustos por la música.
Junto al primero y el hermano menor de este, Steve Jansen, formaron en 1974 una banda que empezó a tocar por diferentes lugares de la ciudad.
Se dice que Karn iba a ser el cantante, pero su timidez le impidió hacerlo.
Sylvian tomaría su lugar frente al micrófono. Con Barbieri y Rob Dean en la banda, Japan comenzó a grabar demos, hasta que a finales de 1977 grabarían su primer álbum "Adolescent Sex", el cual saldría al año siguiente.
Durante la disolución de Japan, debido a sus diferencias con Sylvian, Karn lanzó su primer LP, llamado "Titles", en 1982.
Ese año colaboraría con Midge Ure en un sencillo llamado "After A Fashion", y lo volvería a hacer en una serie de conciertos en 1988 al lado de Brian May, Howard Jones, Phil Collins y de Steve Jansen.
En 1984 formó un proyecto con Peter Murphy, cantante de Bauhaus, llamado Dali's Car, el cual solo sacó un solo álbum.
Pete Townshend de The Who lo llamó "el mejor bajista de Gran Bretaña". Desde sus inicios en Japan, Karn siempre ha sido reconocido por su manera de tocar el bajo.
Mantuvo su relación amistosa con Steve Jansen y Richard Barbieri, con quienes grabó diferentes proyectos experimentales.
En 1991 los cuatro de Japan se reúnen bajo el nombre de Rain Tree Crow un proyecto editado por Virgin que aportó 13 temas vanguardistas que marcarían el rumbo que todos seguirían en solitario.
En junio de 2010 le fue diagnosticado cáncer terminal.
No tenía medios para paliar la enfermedad, pero fue ayudado por artistas como Midge Ure, Steve Jansen, Richard Barbieri (junto con su banda actual Porcupine Tree) y David Sylvian.
Estos artistas dieron un concierto benéfico y recursos para su tratamiento y para el bienestar de su esposa e hijo.
Falleció el 04 de enero de 2011.
www.sonidogenx.com
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Methods of Dance.
La mayoría de los ataques contra la selección de Lionel Messi son de tal desvergüenza que no aguantan ni un minuto de reflexión (Imagen Ilustrativa Infobae)
Cuando los primeros en felicitar al ganador de un mundial de fútbol son el Presidente de Irán Masoud Pezeshkian, el Presidente de Turquía Recep Tayyip Erdogan, los hutíes del Yemen y la organización terrorista Hamas, entonces esto no va de fútbol. Si además, las felicitaciones son especialmente eufóricas, no por quien ha ganado, sino por quien ha perdido, entonces esto no va de fútbol. Si, además, el jefe del parlamento iraní, Mohammad Bagher Ghalibaf, país que destruye todos los derechos fundamentales de su pueblo, tiene la desvergüenza de asegurar que el éxito de España “ha traído la felicidad a todas las naciones libres del mundo que se oponen a los Estados Unidos e Israel”, decididamente esto no va de fútbol. Y desde luego, no tiene nada que ver con el fútbol ni el odio desatado a la selección argentina, ni los bulos y maldades contra Messi, ni las aberrantes acusaciones de racismo, ni la argentinidad convertida en el saco de boxeo del wokismo más obtuso. Detrás de esta campaña nauseabunda e infecta contra Argentina el fútbol no existe, solo es la excusa para vehicular pensamientos muy oscuros. Lo cual no saca razón al éxito de la selección española, que ganó con méritos el título, pero como queda claro, esto no va de fútbol.
¿Una conjura? ¿Un complot? ¿O sencillamente la suma de prejuicios, dogmas ideológicos, fobias políticas y popurri geopolítico? O dicho de otra manera, lo que une a Zohran Mamdani con Irene Montero, Javier Bardem y Samuel L. Jackson, o directamente las autoridades de Hamas. No todos se mueven por las mismas obsesiones o los mismos intereses, pero todos convergen en el mismo objetivo: convertir Argentina en el villano perfecto, el chivo expiatorio de los males que quieren erradicar. No les une lo que defienden, sino lo que detestan, y todo lo que detestan lo representa la Argentina actual: desde el fortalecimiento de la democracia liberal, hasta la defensa de los valores judeocristianos. Es contra esos valores, contra los que se revuelve la izquierda woke internacional, que no perdona a la Argentina de Milei el liderar el proceso regenerador de América Latina, enfrentarse a la locura bolivariana, acercarse a Estados Unidos y tener excelentes relaciones con Israel. Esta Argentina desacomplejada y exitosa rompe los esquemas ideológicos del wokismo, una derivada del postcomunismo que, en su desprecio profundo por las democracias liberales, se encuentra con el orientalismo antioccidental: de Yanis Varoufakis a Mamdani, de Irán a Turquía, de Bardem a Jackson.
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En este sentido, es reveladora la frase de Varoufakis, fundador de la Internacional Progresista, que aseguró que el domingo había triunfado “el multiculturalismo saludable, que logró sobrevivir a la feroz comercialización y los trucos empresariales”. Difícil sostener mayor empanada ideológica, y más cuando lo pronuncia un señor que cuando fue ministro de finanzas de Grecia dejó el país en los huesos. Como si la sociedad argentina no fuera un extraordinario y saludable crisol de identidades, culturas y orígenes. De hecho, la mayoría de los ataques contra la selección son de tal desvergüenza que no aguantan ni un minuto de reflexión. La acusación de “racismo” del actor Samuel L. Jackson contra un país que abolió la esclavitud en 1853, él que vive en un país con una grave situación de racismo, es de traca. O los ataques de la prensa egipcia en la misma dirección, a pesar de que la minoría cristiana (un 15% de la población) sufre una discriminación secular. O la locura antiargentina en México, que prefería defender a España, el país que acusa de colonizador, que a Argentina, que se libró de los colonizadores. Si añadimos el ataque de histeria que una bandera de Israel en la grada argentina le produjo a Irene Montero, o la verborrea clásica de Bardem, tenemos el espectáculo completo. Un espectáculo que siempre funciona de igual manera: utilizar los peores estigmas, el racismo, el supremacismo, la discriminación, los privilegios como arma arrojadiza contra aquello que considera políticamente condenable. Y la selección argentina se ha convertido en el símbolo que concentra todas sus fobias: Milei, Israel, Estados Unidos, democracia liberal, sociedad judeo cristiana... Lo peor para el wokismo.
Y lo peor, también, para los países y grupos violentos que detestan la democracia y que trabajan coordinados con las izquierdas woke en sus ataques mediáticos a Israel. Y, por supuesto, una victoria de Argentina era, para todos estos, una victoria israelí. De ahí las campañas furibundamente antiargentinas en redes, los bulos sobre Messi, todo ello responde a ese fenómeno global que empieza en Teherán, pasa por Estambul y puede acabar en una pintada en el metro de Madrid con la frase “Messi sionista”. Por supuesto, en el caso de España ayuda, y mucho, la actitud anti israelí del propio Pedro Sánchez, convertido en un gran vivero de antisemitismo.
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Sea como sea, era fútbol, pero no ha sido fútbol, sino política e ideología. Sucia, deleznable, injusta, pero muy eficaz en los tiempos de la viralización. Lo peor es que han intentado convertir a la selección argentina, una selección que ama al fútbol como ninguna, nutrida de gentes de todos los barrios y condiciones, con un aporte extraordinario a la historia del fútbol mundial, la han intentado convertir en el símbolo de todo lo que odian. Es el wokismo, es la izquierda caviar, es la geopolítica que mueve sus tentáculos, es el poder viral de los enemigos de la democracia.
No puedo acabar este artículo sin hacer un sentido homenaje a Lionel Messi, cuya grandeza humana trasciende su grandeza deportiva. Diga lo que diga el ruido, éste ha sido su Mundial, grabado para siempre con esfuerzo, sudor y lágrimas en la historia del fútbol. Gracias Messi por todo. Gracias por tanto.
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