Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Johann Sebastian Bach nació en Eisenach, Alemania, el 31 de
marzo de 1685 y murió en Leipzig, Alemania, el 28 de julio de 1750. Compositor,
organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y kantor.
A continuación, recordamos a Johann Sebastian Bach con una
selección de Preludios y Fugas para Clave, en la interpretación de Jean Rondeau.
Preludio para Clave en Si Menor BWV 923 / Fuga para Clave en
Si Menor BWV 951 / Fuga para Clave en La Mayor BWV 949 / Fuga para Clave en La
Menor BWV 947 / Fuga para Clave en Re Menor BWV 948 / Preludio y Fuga para
Clave en La Menor BWV 895 / Fuga para Clave en Do Mayor BWV 952 / Fuga para
Clave en La Menor BWV 958 / Fuga para Clave en Mi Menor BWV 956 / Preludio y
Fuga en La Mayor BWV 896 / Fuga para Clave en La Menor BWV 959 / Fuga para
Clave en Do Mayor BWV 953 / Fuga para Clave en Do Menor BWV 961, Preludio y
Fuga para Clave en La Menor BWV 894 y Sarabanda de la Suite para Laúd en Do Menor
BWV 997.
Maurice Jarre nació en Lyon, Francia, el 13 de septiembre de
1924 y murió en Los Ángeles, Estados Unidos, el 29 de marzo de 2009. Compositor.
Maurice Jarre se interesó tarde por la música, en 1946
debutó en la compañía Renaud-Barralt, formando un dúo con Pierre Boulez en piano
y ondas Martenot.
En 1948 inició su carrera como compositor con la música para
el espectáculo Le Gardien du Tombe, de Franz Kafka, entre 1951 y 1963 tuvo a su
cargo la dirección musical del Théâtre National Populaire de París, y a partir
de 1952 se convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en
Francia y el continente europeo gracias a su primera banda sonora para película
Hôtel des Invalides.
En 1962 fue contratado para componer la banda sonora de la
épica Lawrence de Arabia, de David Lean, con la que ganó un Óscar a la mejor
banda sonora original y que se convirtió en uno de los temas de cine más
reconocidos de todos los tiempos, y le dio reconocimiento mundial.
De su
colaboración con Lean surgieron obras como las bandas sonoras de Doctor Zhivago
en 1965 y Pasaje a la India de 1984, que le reportaron 2 Premios Óscar más en
la misma categoría, así como La hija de Ryan en 1970.
Entre sus bandas sonoras para otros filmes destacan El día
más largo de 1962, Los profesionales y Grand Prix de 1966, Topaz de 1969, El
juez de la horca de 1972, El hombre que pudo reinar de 1975, El Mensaje de 1976,
Jesús de Nazareth de 1977, Witness de 1985, La costa mosquito de 1986,
Atracción fatal de 1987, Gorilas en la niebla de 1988, La sociedad de los
poetas muertos de 1989, Ghost de 1990 y Un paseo por las nubes de 1995.
Jarre escribía principalmente para orquestas, pero durante
la década de 1980 empezó a probar la música sintetizada. Las bandas sonoras
electrónicas de Jarre incluyen filmes como Atracción fatal, El año que vivimos
peligrosamente, No hay salida, Gorilas en la niebla, La sociedad de los poetas
muertos y Jacob's Ladder. En varios de estos trabajos recibió asesoramiento de
su hijo Jean Michel.
A lo largo de su carrera compuso música para más de 60
películas. En 2003 anunció su retiro definitivo de la composición
musical para el cine, en 2009, en el Festival de Cine de Berlín, recibió un Oso
de oro por toda su carrera, la que fue su última aparición en público.
A continuación, recordamos a Maurice Jarre, con una
selección de algunas de sus obras.
El Royal Albert Hall fue construido para cumplir la visión
del príncipe Alberto, consorte de la reina Victoria, de un "Salón
Central" que fuera utilizado para promover las artes y las ciencias rodeado
de museos y centros de aprendizaje. Fue inaugurado el 29 de marzo de 1871, y el
discurso de bienvenida estuvo a cargo de Eduardo, Príncipe de Gales.
Por el escenario del Royal Albert Hall han pasado artistas
reconocidos a nivel internacional de música clásica hasta bandas de rock. También
se realizan galas benéficas, entregas de premios, banquetes, conferencias,
eventos públicos y torneos de tenis. Se llevaron a cabo las graduaciones del
Imperial College, acogió el Festival de Eurovisión 1968, el primero transmitido
en color.
El Royal Albert Hall es la sede de The BBC Proms, el mayor
festival mundial de música clásica que se realiza anualmente durante el verano,
con una duración de ocho semanas y con un maratón de solistas, coros y
orquestas, transmitido a todo el mundo por la BBC.
Por los Proms han pasado
importantes figuras de la música clásica como Adrian Boult, Malcom Sargent,
Colin Davis, Georg Solti, Evgeny Kissin, Joshua Bell, John Williams, Luciano Pavarotti, Jessye Norman, Plácido Domingo, Sarah
Brightman, Renée Fleming, Bryn Terfel y Simon Rattle, entre otros.
Osvaldo Nicolás
Ferraro, más conocido como Waldo de los Ríos, nació en Buenos Aires, Argentina,
el 7 de septiembre de 1934 y murió enMadrid, España, el 28 de marzo de 1977. Pianista,
compositor, arreglador y director de orquesta.
Nació en el seno
de una familia musical, su padre fue músico, y su madre, Martha de los Ríos,
era cantante de folclóre. Estudió composición y arreglos en el Conservatorio
Nacional de la Música con Alberto Ginastera y Teodoro Fuchs. Posteriormente formó
un grupo musical llamado Los Waldos, que unió la música folclórica con sonidos
electrónicos, y grabaron varios discos.
Realizó numerosas
grabaciones de folclore, muchas de ellas con su madre, las cuales fueron
editadas por el sello Columbia en México y en Estados Unidos. En 1961 bajo el
seudónimo de Frank Ferrar o Frankie y su conjunto acompañó al cantante Tony
Vilar. Luego de llegar a España sus discos fueron registrados bajo el sello
Hispavox, del que fue su Director Artístico.
A finales de la
década de 1960 y mediados de la década de 1970 realizó arreglos para artistas
famosos como Raphael, entre muchos otros. Realizó orquestaciones bajo el
seudónimo de Frank Ferrar, para Jeanette, Karina, Tony Landa, María Ostiz, Los
Payos, Los Pekenikes, Miguel Ríos, Jaime Morey, Paloma San Basilio, Mari Trini,
así como también para sus compatriotas argentinos Tony Vilar, Facundo
Cabral, Alberto Cortez y Atahualpa Yupanqui. Además Waldo de los Ríos compuso
para Bebu Silvetti el tema El Tiempo Pasa, que fue usado en su LongPlay
"Lluvia de Primavera" de 1977.
Waldo de los Ríos
es recordado por su recurso de transformar obras muy conocidas de música
clásica en música pop. En 1970 ya había llegado a lo más alto en las listas de
éxitos de Europa y América con la “Oda a la alegría” de la Novena sinfonía de
Ludwig van Beethoven, que arregló y dirigió para Miguel Ríos.
En 1971 realizó
el arreglo de la Sinfonía Nº 40 de Wolfgang Amadeus Mozart, grabado con la
orquesta Manuel de Falla, alcanzando el número 1 en la lista de éxitos de Holanda
y entrando entre los 10 primeros en otros países europeos. En su disco Mozart, arregló varias obras famosas del compositor austriaco a un estilo
contemporáneo, con un gran peso de la batería. Varias de ellas fueron
usadas como melodías de los programas de la BBC.
En 1971, realizó
los arreglos y dirigió la orquesta en la canción española para el Festival de
la Canción de Eurovisión, En un mundo nuevo cantada por Karina. La canción
consiguió una segunda posición y entró en las listas de éxitos en varios países
europeos. En 1974 su grabación de Nabucco llegó a ser número 1 en las listas
francesas y alcanzó a entrar en varias listas de Europa.
Sumido en una
profunda depresión, se suicidó en Madrid el 28 de marzo de 1977, antes de
cumplir 43 años.
A continuación,
recordamos a Waldo de los Ríos, con un fragmento de su Suite Sudamericana,
titulado Argentina, al frente de la Orquesta Sinfónica Columbia de Buenos
Aires.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Ludwig van Beethoven nació en Bonn, Alemania, el 16 de
diciembre de 1770 y murió en Viena, Austria, el 26 de marzo de 1827. Compositor,
director de orquesta y pianista.
Para recordar su fallecimiento, seguidamente la Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125.
En 1817 la Sociedad Filarmónica de Londres le encargó a
Beethoven la composición de la sinfonía, comenzó a trabajar en 1818 y finalizó la
obra a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de
la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la
carrera de Beethoven. El poema de Friedrich Schiller An die Freude, escrito en noviembre
de 1785, fue publicado al año siguiente y en 1808 la versión definitiva, provocó
en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años. Beethoven encarna el tránsito del estilo clásico al estilo
romántico, rompiendo el esquema cerrado de las formas musicales para adaptarlas
a esta incipiente libertad individual.
El estreno se produjo el 7 de mayo de 1824 en el
Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y
las tres primeras partes de la Missa Solemnis. Esta fue la primera aparición en
escena de Beethoven después de doce años y la sala estuvo llena. La interpretación fue oficialmente dirigida por el maestro
de capilla, Michael Umlauf, ambos compartieron el escenario. Beethoven, ya completamente sordo, siguió la interpretación con
una copia de la partitura. Al final de la ejecución, él todavía estaba
enfrascado en su partitura, por lo que uno de los solistas le tocó el brazo y lo
hizo girar para que pudiera ver al público que lo ovacionaba. Entonces el compositor se inclinó y saludó a
la audiencia. La obra está dedicada al rey Federico Guillermo III de
Prusia, y fue publicada en agosto de 1826 por B. Schott's Söhne.
A continuación, recordamos a Ludwig van Beethoven, con la
Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125, en la versión de Anna Samuil, soprano; Waltraud
Meier, mezzo-soprano; Michael König, tenor; René Pape, bajo; junto al Coro
Nacional de Jovenes de Gran Bretaña y la West-Eastern Divan Orchestra,
dirigidos por Daniel Barenboim.
En Dios Me Liberman, por Nacional Rock 93,7 conversamos con Oscar
Laiguera, sobre el Ciclo Arte en Parte, y Rock Argento en Notorius.
Conducción: Leonardo Liberman / Coordinación: Guillermo
Cabezudo / Puesta en el aire: Ulises Mendoza
Oscar Laiguera es músico, compositor, arreglador, director, docente y realizador audiovisual.
ROCK ARGENTO: Está formado por miembros que integraron algunos grupos icónicos de la historia del rock nacional como Celeste Carballo, OM, Pappo’s Blues o Los Gatos. Presentan un recorrido por la historia del rock argentino: Los Gatos, Manal, Spinetta, Charly García, Pappo’s Blues, Soda Stereo, Fito Páez, entre otros artistas que han acompañado a las audiencias latinoamericanas por más de cinco décadas. Los integrantes de Rock Argento son: Oscar Kreimer, saxofonista; Oscar Laiguera, tecladista y cantante; Oscar Mangione, guitarrista y cantante; Claudio “Catiti” Cabral, baterista; Mauricio Martín, bajista; Soledad Cabrera y Lu Ramos, cantantes.
El Ciclo de Música “Arte en Parte”, presentará, el martes 28 de marzo a las 21:00, a Enrique LLopis y Fulanas Trío en NOTORIUS Club de jazz & Restaurant, Av. Callao 966, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor
Auferstehung, Resurrección, en la versión de Ricarda Merbeth soprano, Bernarda
Fink mezzo soprano, el Coro de la Radio de Nederland, y la Orquesta del Concertgebouw
de Amsterdam, dirigidos por Mariss Jansons.
Pedro Pubill Calaf, más conocido como Peret, nació en Mataró,
Barcelona, España, el 24 de marzo de 1935 y murió en Barcelona, España, el 27
de agosto de 2014. Cantante, guitarrista y compositor.
Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los
12 años formó un dúo con una prima, adoptaron el nombre de Los Hermanos
Montenegro, y debutaron en el Teatro Tívoli de Barcelona, en un festival
infantil.
En 1947 grabó un disco que pasó desapercibido, y sobrevivió
como vendedor ambulante. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana,
poco a poco, se hizo conocido en Barcelona, y grabó un par de discos que
sonaron bastante en las emisoras de la zona.
A mediados de la década de 1960 pasó a Madrid, donde actuó
en el tablao flamenco El Duende, perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de
Triana. Algunas de sus interpretaciones, como El muerto vivo, empezaron a tener
mucho éxito, y pasada la medianoche en las discotecas se escuchaban sus
canciones.
En 1967 grabó Una lágrima, versión rumbera de un vals, que
tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de
1968. En esa época la música de Peret se escuchaba constantemente en emisoras
de radio, rockolas, tabernas, casinos, y discotecas.
Posteriormente las orquestas incorporaron a su repertorio
temas como El gitano Antón, Don Toribio Carambola, Saboreando, ¡Lo mato!, Si
fulano fuese mengano, Chaví, Canta y sé feliz, con la que participó en el
Festival de la Canción de Eurovisión 1974, entre muchas otras.
Muchos de sus grandes éxitos son derivados de un estilo del
son cubano denominado guaracha, que influyó en gran medida en la rumba
catalana. En 1971 logró un éxito enorme con Borriquito, que coincidió con el
boom del turismo en España, y la canción se popularizo en el mundo.
Posteriormente realizó giras y presentaciones en diversos países, lo que
consolidó su éxito.
A partir de 1982 abandonó su actividad artística para
dedicarse a servir en la Iglesia Evangélica. Durante 9 años se consagró a las labores
religiosas. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, montó una
productora discográfica y reapareció en los escenarios de forma esporádica.
En 1991, compuso la canción Bésame, que representó a España
en el Festival OTI de la Canción, celebrado en Acapulco, México, y pasó a la
final del certamen. En 1992, participó en la ceremonia de clausura de los
Juegos Olímpicos de Barcelona, junto a otros exponentes de la rumba catalana. En
1998, fue galardonado con la Cruz de Sant Jordi. En 2000, grabó un nuevo disco
Peret: Rey de la rumba, junto a solistas y grupos de pop como Jarabedepalo, El
Gran Silencio, Carlos Jean, Fermín Muguruza y David Byrne.
En 2006 participó en el disco homenaje a Joan Manuel Serrat,
en el que interpretó Me'n vaig a peu, en ritmo de rumba. En 2007 presentó un disco
con canciones inéditas, y preparó el libro La Biblia de la Rumba. También en ese
año Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina lo homenajearon incorporando al
repertorio de su gira conjunta Dos pájaros de un tiro el tema El muerto vivo, y
compartieron el escenario en el Palau Sant Jordi, de Barcelona.
El 3 de mayo de 2011, la ciudad de Mataró le otorgó el
título de hijo predilecto de la ciudad en reconocimiento de su trayectoria
profesional y como creador de la rumba catalana. En 2013 participó en el
Concierto por la Libertad con L'emigrant y Catalunya té molt poder. En paralelo a sus presentaciones, a partir de 1963 actuó en
varias películas, para promocionar sus canciones.
El 30 de julio de 2014, Peret anunció su retiro debido a lo
avanzado de su enfermedad, para realizar su tratamiento y volver lo antes
posible a los escenarios.
A continuación, recordamos a Peret, con dos grandes éxitos:
Es Preferible Reír que Llorar y El Muerto Vivo, con Marina de Ojos de Brujo.
Michael Laurence Nyman, también conocido como John Savill, nació
en Stratford, Londres, Reino Unido, el 23 de marzo de 1944. Pianista,
musicólogo, crítico musical y compositor.
Estudió con el académico Thurston Dart, experto en música
barroca en el King's College de Londres. Compuso recordadas bandas de sonido de
películas de Peter Greenaway como El contrato del dibujante, El cocinero, el
ladrón, su mujer y su amante, Zoo, Conspiración de mujeres y Prospero's Books
entre muchas otras.
Su popularidad se disparó gracias la música para la película
El Piano, de Jane Campion. También escribió obras para muchos otros filmes, la
gran mayoría de ellos de autores independientes europeos, y compuso para
Hollywood la banda de sonido de Gattaca, Ravenous, y The End of the Affair.
Dentro de su producción escribió varias óperas: The man who
mistook his wife for a hat, Letters, Riddles and Writs, Noises, Sounds &
Sweet Airs, Facing Goya, Man and Boy: Dada, Love Counts y Sparkie: Cage and
Beyond, además de 6 conciertos, 4 cuartetos de cuerda, y música de cámara
creada para su banda.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Michael Nyman,
con una selección de sus obras.
Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro, más conocido como Bebo
Valdés, nació en Quivicán, Cuba, el 9 de octubre de 1918 y murió en Estocolmo,
Suecia, el 22 de marzo de 2013. Pianista, compositor y arreglador.
Nació el 9 de octubre de 1918 en Quivicán, Cuba. Se formó como pianista en la orquesta de Julio Cueva.
Una de las figuras destacadas de la época de oro de la
música cubana, fue director musical del cabaret Tropicana, de La Habana, y uno
de los responsables, por los años cincuenta, de las famosas
"descargas": sesiones improvisadas de jazz cubano.
En su orquesta cantó el gran Benny Moré y creó el ritmo
"batanga", nacido en los años dorados del mambo. Pionero de la fusión del jazz con los ritmos afrocubanos,
graba en 1952 el primer álbum de descarga.
En 1960 abandona la isla, se instala en Suecia y deja de grabar
discos. Durante 15 años trabajó como pianista en una cadena de hoteles hasta
que en 1994, y después de 34 años sin grabar, Paquito D'Rivera le propuso un
nuevo disco. Bebo Rides Again fue su reaparición.
En este álbum, y con 76 años,
tocó el piano, compuso ocho canciones y arregló 11 temas en 36 horas. En 2001
participó en el filme Calle 54, de Fernando Trueba, que le filma en una de las
secuencias más emotivas, junto a su hijo Chucho, a dos pianos, y en otra
interpretación magistral con el contrabajista Cachao. También tenía un
"cameo" en "El embrujo de Shangai", y un papel destacado en
"El milagro de Candeal".
El álbum Lágrimas negras recuperó a un artista en uno de sus
mejores momentos creativos. Lágrimas negras es el título de una canción
compuesta en los años 30 por Miguel Matamoros y también del disco del
legendario pianista y el cantaor Diego el Cigala.
Bebo Valdés falleció el 22 de marzo de 2013 en su casa de
Estocolmo (Suecia), donde se trasladó tras experimentar un agravamiento de su
estado de salud después de un periodo de tiempo ingresado en un hospital de la
capital sueca debido a una neumonía.
A continuación, recordamos a Bebo Valdés, con su interpretación de Lagrimas Negras, junto a Javier Colina en contrabajo.
Clarence Leonidas Fender nació en Anaheim, Estados Unidos, el 10
de agosto de 1909 y murió en Fullerton, Estados Unidos, el 21 de marzo de 1991. Inventor y
luthier.
Los instrumentos musicales diseñados y fabricados por Leo Fender
han revolucionado la historia de la música del siglo XX. Hoy en día
la marca Fender es una de la más gloriosas y difundidas entre los
amantes de las guitarras eléctricas. Clarence Leonidas Fender nació 10 de agosto 1909 cerca de
Anaheim, en California (EE.UU.), de padres campesinos. De joven tomó
algunas lecciones de piano y saxofón pero, desde 1922, fue la
electrónica, que aprendió como un autodidacta, su mayor pasión. Leo Fender se graduó en 1928; en el momento que ya había
construido una pequeña radio con algunos sistemas de amplificación
de sonido, que alquilaba para ganar unos pocos dólares a
radioaficionados. No emergió como un músico, no fue ni siquiera un
luthier ni un ingeniero. Su pasión fue la de un autodidacta, un
experimentador incansable, curioso y decidido a alcanzar los máximos
objetivos de la más alta calidad. Ecléctico y brillante, Fender era
un hombre con muchas habilidades que supo rodearse de las personas
adecuadas. En un breve análisis de su obra, desde el punto de vista
económico, se puede decir que Leo Fender se dio cuenta antes que
otros de la importancia de los instrumentos musicales de producción
para un mercado masivo.
En los años '50 y '60 fue para los
instrumentos musicales lo que Henry Ford fue para la industria del
automóvil en los años '20 y '30. Después de su graduación Fender comenzó a trabajar como
contable para el departamento de carreteras del estado de California.
En 1934 se casó con Esther Klosky. Debido a la "Gran Depresión" en los EE.UU., perdió su
trabajo. Pero su pasión por la electrónica nunca se extinguió;
persona creativa e ingeniosa, en 1938, no había cumplido todavía
los treinta años de edad, cuando decidió abrir en Fullertonel
"Servicio de Radio de Fender", un laboratorio y
tienda-electrónica. Allí vendía y hacía reparaciones de radios y
varios otros dispositivos electrónicos. Todo esto ocurría en un
momento en la historia en que Estados Unidos se lanzaba en una
carrera imparable hacia la innovación tecnológica. Con el paso del tiempo un creciente número de músicos recurrían
a Fender para reparar sus amplificadores electrónicos. Entre ellos
se encontraba Doc Kauffman, que había trabajado para Rickenbacker,
un fabricante de guitarras. Juntos y realizaron diversos
experimentos. En 1944 fundaron el "K & F Company" para
producir guitarras hawaianas y amplificadores. Dos años más tarde,
en 1946, la compañía se disolvió. Leo fundó entonces la "Fender Electric Instrument Company",
y decidió dejar la radio y la pequeña electrónica para centrarse
en los instrumentos musicales. En 1950, puso en el mercado una
guitarra eléctrica de cuerpo completo (el llamado "cuerpo
sólido"): el modelo Broadcaster coincide con esa guitarra que
hoy se conoce universalmente como "Telecaster". En 1951 inventó el bajo eléctrico "Precision". En
1954, con la compañía en pleno proceso de expansión, creó lo que
puede considerarse su guitarra más emblemática: la "Stratocaster".
En la década siguiente la Fender siguió creciendo: el éxito fue
el resultado de la coyuntura económica de momento, pero también del
trabajo y la creatividad de su incansable fundador, que seguía
mejorando los viejos modelos en vez de producir otros nuevos. La
gestión era cada vez más compleja y las inversiones siempre más
altas llevaron a Fender a madurar la idea de vender la empresa y su
marca a la CBS (Columbia Broadcasting System), una multinacional
interesada en expandirse en el campo de los instrumentos musicales.
El personal original, quedó confirmado: Leo Fender con algunos de
sus empleados leales (incluyendo George Randall, Don Fullerton y
Forrest White) firmaron un contrato de cinco años para garantizar la
continuidad de la producción. Entre 1965 y 1971, Leo Fender trabajó como consultor en el área
de "Investigación y Desarrollo" de la nueva Fender. Su
nombre siguió siendo protagonista de otros proyectos importantes,
como el del piano eléctrico Rodas. Mientras tanto, los viejos camaradas uno por uno fueron dejando su
lugar en la cadena CBS. En 1972, cuando Forrest White dejó CBS para
fundar "Music Man" y producir amplificadores, Fender lo
siguió. Su contribución inició la producción de guitarras y
bajos. En los años 70 la marca Fender y su fama estaban sólidas y
consolidadas, pero pocos eran los que conocían la historia de
Leo y su papel clave en la construcción de la marca. En 1978 su esposa Esther murió de cáncer. Al año siguiente, Leo
abandonó Music Man para fundar una nueva compañía, esta vez con
George Fullerton. La marca fue "G & L", o las iniciales
de George y Leo. Fender volvió a casarse y siguió trabajando incansablemente por
la "G & L" hasta su muerte. Afectado por la enfermedad
de Parkinson, Leo Fender murió el 21 de marzo 1991. De Jimi Hendrix a Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Mark Knopfler,
Frank Zappa y George Harrison, son muchos los artistas
internacionales que han vinculado su imagen a una guitarra Fender.
A continuación, recordamos a Leo Fender, con Layla, en la interpretación de Eric Clapton, en una presentación realizada en el Madison Square Garden, en 1999.
Johann Christian Friedrich Hölderlin nació en Lauffen am
Neckar, Wurtemberg, Alemania, el 20 de marzo de 1770 y murió en Tubinga,
Alemania, el 7 de junio de 1843. Poeta.
Friedrich Hölderlin (Lauffen am Neckar, Alemania, 1770 -
Tubinga, id., 1843) Poeta alemán. Al morir su padre, administrador del
seminario protestante de Lauffen, cuando él tenía dos años, su madre casó en
segundas nupcias con Johann Christoph Gock, consejero municipal de Nürtingen,
donde Hölderlin se crió junto con su hermana y su hermanastro. En 1784 ingresó
en un colegio preparatorio para el seminario, en Denkendorf, y en 1788 entró
como becario en el seminario de Tubinga, donde trabó amistad con Hegel y
Schelling, a partir de 1791.
Muy influido por Platón y por la mitología y cultura
helénicas, se apartó sensiblemente de la fe protestante. En 1793 salió del
seminario provisto de la licencia que le permitía ejercer el ministerio
evangélico, pero decidió no dedicarse a su carrera, sino emplearse como
preceptor. Schiller le proporcionó una plaza para ocuparse del hijo de
Charlotte von Kalb, en Waltershausen, aunque pronto abandonó su puesto, dada la
limitada influencia que ejercía sobre su alumno, y se instaló en Jena, uno de
los principales centros intelectuales del país. Asistió a clases impartidas por
Fichte, y Schiller le publicó un fragmento del Hiperión en su revista Thalia.
Falto de recursos, volvió a Nürtingen en 1795, antes de ser
introducido en casa del banquero Gontard, en Frankfurt, siempre como preceptor.
Susette, la esposa de Gontard, mujer al parecer de gran belleza y sensibilidad,
habría de convertirse en su gran amor; tanto en sus poemas como en el Hiperión
se referiría a ella con el nombre de «Diotima». Su amor fue correspondido, y el
poeta describió su relación en una carta como «una eterna, feliz y sagrada
amistad».
A pesar de su trabajo y de los viajes que debió efectuar con
la familia Gontard a causa de la guerra, fue una época de intensa actividad
literaria, y en 1799 finalizó su novela epistolar Hiperión. En septiembre de
1798 tuvo que abandonar la casa de los Gontard, después de vivir una penosa
escena con el marido de Susette. Se entrevistó varias veces en secreto con
ella, hasta que se trasladó a Homburg, por consejo de su amigo, Isaak von
Sinclair.
Emprendió entonces su tragedia La muerte de Empédocles e
intentó lanzar una revista intelectual y literaria, que fracasó. En 1800 fue
invitado a Stuttgart, donde tuvo tiempo para dedicarse a la poesía y traducir a
Píndaro, que ejercería una gran influencia sobre sus himnos. A finales del año
aceptó otro puesto como preceptor en Hauptwil, Suiza; se ignora por qué razones
abandonó su trabajo, en abril de 1801, y volvió con su madre, a Nütingen. Hasta
enero de 1802, cuando obtuvo un cargo en casa del cónsul de Hamburgo en
Burdeos, trabajó ininterrumpidamente en su obra poética.
Al aparecer los primeros síntomas de su enfermedad mental,
en abril abandonó una vez más su puesto. Sinclair le comunicó por carta la
muerte de Susette Gontard, el 22 de junio de 1803, en Frankfurt. Tras un
período de gran violencia, su trastorno mental pareció remitir. Sinclair lo
llevó de viaje a Ratisbona y Ulm y, a la vuelta, escribió El único y Patmos,
dos de sus obras maestras. Por influencia de su amigo obtuvo la plaza de
bibliotecario de la corte, en el palacio del landgrave de Homburg.
Como sus crisis mentales se hicieran cada vez más
frecuentes, en 1806 fue internado en una clínica de Tubinga, sin que se
produjera mejoría en su estado. Un ebanista de la misma ciudad, entusiasmado
por la lectura del Hiperión, lo acogió en su casa en 1807. Allí permaneció
hasta su muerte, en unas condiciones de locura pacífica que se prolongaron
durante treinta y seis años.
La obra de Hölderlin tiene en su eje central el intento de
hallar el sentido y esencia de la lírica en los momentos históricos convulsos
que le tocó vivir. Los juveniles Himnos (1793), en los que canta a la belleza,
la libertad y el genio de la adolescencia, sufren aún la influencia de Schiller
y ensalzan los "ideales de la humanidad". Las Elegías (1793), sobre
todo "Grecia" y El destino", son ya un lamento por lo
desaparecido e incluyen una propuesta fundamental en Hölderlin: el impulso
hacia un nuevo helenismo. Hiperión (1797-1799) es un texto a mitad de camino de
la novela epistolar y de la llamada "de iniciación", que comparte
también las características confesionales de un diario íntimo y anticipa
múltiples aspectos de la sensibilidad romántica.
A partir de 1797 el poeta escribió los fragmentos de
Empédocles, su única incursión en la dramaturgia, que debía ser una tragedia
clásica que trabajó en múltiples versiones. Su protagonista encarna para él al
poeta y visionario en quien se refleja la armonía inherente a la unicidad
total, y la serenidad que acompaña a la maduración para la muerte. Las Poesías
(1799) aparecieron mayoritariamente en el Musenalmanach de Schiller y en el
Taschenbuch für Frauenzimmer von Bildung, y son formalmente clásicas y hasta deliberadamente
arcaicas en ocasiones. Las colecciones conocidas como Lírica tardía contienen
los poemas escritos entre 1801 y 1808, y se publicaron en vida del autor.
Los poemarios editados por Uhland y Schwab en 1826, y
también, póstumamente, las Obras completas publicadas por Schwab en 1846,
incluyen algunos de los inquietantes textos escritos durante la apacible
demencia del autor, que él gustaba atribuir a un alter ego al que llamaba
Scardanelli. A finales del siglo XIX la obra del poeta alemán fue recuperada y
ensalzada por los simbolistas, a través de los cuales ha venido ejerciendo una
influencia creciente en las letras europeas.
A continuación, recordamos a Friedrich Hölderlin, con el
poema El Amor, en la interpretación de Christian Brückner.
EL AMOR
Olvidad a los amigos, insultad a vuestros allegados, injuriad a vuestros poetas —¡tal es vuestra gratitud!— y que Dios os lo perdone. Pero
respetad el alma de aquellos que se aman.
Decidme si aún es posible vivir humana vida, cuando toda frente se inclina bajo el yugo de una inquietud servil. Así, pues, desde hace mucho, el dios pasa indiferente sobre nuestras cabezas.
Mas por frío que sea el año y falto de cantos, en el tiempo señalado las briznas de hierba germinan en la tierra blanca todavía nevada, y a menudo se oye el canto de un ave solitaria.
Cuando poco a poco el bosque sale de su letargo, cuando el río se mece y la brisa ya
suave sopla del Sur, entonces a la hora elegida y en la que confiamos, mensajera de la estación más
hermosa, del suelo duro y bravo surge solitario y completo, más insigne y dulce que ninguno, el amor, hijo de Dios, solamente de Dios.
¡Bendita seas, celestial planta que hacen crecer mis cantos, tú, a la que nutre con su potente savia el néctar del Éter y madura la luz creadora!
¡Crece, sé bosque, mundo con más alma y desplegado en su plenitud! Lenguaje de los que
