El privilegio de dar.

No se pierdan la oportunidad de apreciar este video.

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János Rolla

János Rolla nació en Kőtelek, Hungría, el 30 de septiembre de 1944. Violinista y director de orquesta.

Estudió en la Academia de Música Ferenc Liszt de Budapest, donde fue alumno del violinista Dénes Kovács. Desde la creación de la Orquesta de Cámara Ferenc Liszt, Rolla ha sido su concertino y, a partir de 1979, su director musical.

Con esta orquesta realizó numerosas grabaciones en las que participaron solistas como Maurice André, Jean-Pierre Rampal, Alexander Schneider, Henryk Szeryng o Tamás Vásáry, y casi todas editadas por el sello Hungaroton.

Entre los premios que recibió János Rolla, se destacan en 1985, el Premio Kossuth, la más alta distinción que concede el gobierno de Hungría a una personalidad relacionada con la cultura, y en 1994, la Cruz de Comandante de la Orden del Mérito de la República Húngara.

A continuación, celebramos el cumpleaños de János Rolla, en su doble condición de concertino y director de la Franz Liszt Chamber Orchestra, y su interpretación del Concierto para Clarinete en La Mayor K. 622, de Wolfgang Amadeus Mozart. Solista en clarinete Michael Collins.

Aniversario de estreno de la ópera Porgy and Bess de George Gershwin

Porgy and Bess es una ópera en tres actos con música de George Gershwin y libreto en inglés de Ira Gershwin y DuBose Heyward, y está basada en la novela Porgy de Heyward y en la pieza de teatro del mismo nombre coescrita con su esposa Dorothy.

Originalmente fue concebida como una “ópera folclórica” de los Estados Unidos, la primera versión, fue interpretada en una versión de concierto en el Carnegie Hall, y el estreno mundial tuvo lugar en el Colonial Theatre de Boston, el 30 de septiembre de 1935.

George Gershwin la consideraba su mejor obra, pero fue aceptada en los Estados Unidos como una "verdadera ópera" en 1976, cuando la Houston Grand Opera produjo la partitura completa siendo seguida por su estreno en el Metropolitan Opera House de New York en 1985, con Grace Bumbry y Simon Estes, convirtiéndose en un triunfo artístico.

A continuación, Porgy and Bess, con música de George Gershwin, y letra de Ira Gershwin y DuBose Heyward, en versión la cinematográfica y en los roles protagónicos, Willard White, como Porgy, y Cynthia Haymon, como Bess. Director musical: Sir Simon Rattle.

Porgy and Bess narra la historia de Porgy, un inválido afroamericano que habita los suburbios de Charleston, Carolina de Sur, y sus intentos por rescatar a Bess de las garras de Crown, su proxeneta y de Sportin' Life, un vendedor de drogas.

La obra transcurre en Catfish Row, un miserable suburbio aledaño al puerto de Charleston, Carolina del Sur, Estados Unidos.

Acto I

Escena primera

Ha anochecido y algunos vecinos del suburbio están bebiendo, cantando y jugando a los dados. Una de las concurrentes, Clara, mientras acuna a su niñito, entona la famosísima canción Summertime. Aparece Porgy, un pobre minusválido que llega feliz después de haber hecho una buena caja pidiendo limosna. A mitad de la partida, algunos jugadores comienzan a burlarse de Porgy a causa de la aparente atracción que éste siente hacia una linda muchacha llamada Bess. El amante de ésta, Crown, completamente borracho se enfrenta a otro parroquiano, Robbins, y tras enzarzarse en una pelea, Crown mata a Robbins. Antes de huir de la justicia, Crown le dice a su novia Bess que lo espere, pues piensa regresar en unas semanas. Bess está deprimida y sin hombre que la proteja. Aparece un narcotraficante de cocaína, Sportin Life, y tras regalarle a Bess unas dosis de droga, le propone a la muchacha que se marche con él a Nueva York, a lo que ésta se niega. Bess, sin techo donde cobijarse, busca acomodo entre sus vecinos, pero todas las puertas se le cierran menos la del lisiado Porgy, que finalmente la acoge.

Escena segunda

La comunidad se reúne para velar el cadáver de Robbins. Aparece la policía que acusa al viejo Peter del homicidio, éste delata a Crown pero, a pesar de esto, la policía lo detiene como testigo ocular. Todos depositan su donativo para que Robbins sea enterrado decentemente. El encargado de la funeraria, al comprobar que no se ha reunido suficiente dinero, se niega a efectuar el entierro. Serena, la esposa de Robbins, promete pagar el entierro lo antes posible, a lo que el encargado de la funeraria finalmente accede. El acto acaba con un espiritual en memoria de Robbins.

Acto II

Escena primera

La vida transcurre monótonamente en Catfish Row. Los pescadores están reparando sus redes. Las mujeres, entre las que se encuentran María y Bess, están haciendo los preparativos para ir de excursión al día siguiente. Porgy, en la puerta de su casa, canta la felicidad que siente al vivir junto a Bess. Sportin Life va de acá para allá, intentando colocar su droga. Aparece Frazier, un abogado deshonesto, que saca dinero a Porgy por el divorcio de Crown y Bess, aunque nunca estuvieron casados. Cuando Sportin vuelve a insinuarse a Bess, Porgy lo echa. La escena termina con el lamento de Bess por tener que dejar sólo a Porgy para irse de excursión a la isla de Kittiwah con los demás.

Escena segunda

Isla de Kittiwah. La excursión está terminando. Cuando Sportin Life está dando una perorata contra la religión, lo interrumpe Serena diciendo que el barco los está esperando para regresar a Catfish Row. Todos recogen sus cosas y se alejan hacia el embarcadero. Cuando Bess está a punto de marcharse, aparece Crown que ha estado escondido todas esas semanas en la isla. Crown le propone a Bess que vuelva con él, pero Bess intenta explicarle que ella ha cambiado de vida y que es feliz junto a Porgy. Crown insiste, Bess titubea y finalmente los antiguos amantes caen uno en brazos del otro mientras el barco zarpa sin Bess.

Escena tercera

Habitación de Porgy unos días más tarde. Bess, que ha regresado fingiendo haberse perdido en la isla, habla con Porgy, y éste le da a entender que no la cree y que sabe que ella estuvo con Crown. Bess le contesta que quiere quedarse a vivir con él y que la ayude a rechazar a Crown si éste aparece de nuevo, pues confiesa que le es difícil resistirse a la atracción de su antiguo amante. El viento comienza a soplar con fuerza y el cielo se oscurece anunciando tormenta. Clara, la mujer del pescador Jake, expresa su preocupación por el esposo en alta mar.

Escena cuarta

Unas horas más tarde. La tormenta está en pleno apogeo. Las mujeres, reunidas en un cobertizo, están preocupadas por los marineros, sobre todo Clara. Aparece Crown que viene a llevarse con él a Bess, pero ella se niega a seguirle. Porgy intenta defenderla, pero Crown lo tira al suelo. Clara, que ha tenido una premonición de cómo la barca de su marido zozobraba, sale precipitadamente al exterior. Ante las súplicas de Bess, Crown va en busca de Clara pero no sin antes jurar que volverá a por ella.

Acto III

Escena primera

Noche del día siguiente. Todos lloran la desaparición de Jake, Clara y Crown a los que dan por desaparecidos. Bess, que lleva en sus brazos al bebé de Clara, le canta Summertime para dormirlo. Sportin Life, cínicamente, habla de los “dos” hombres de Bess. Crown aparece furtivamente y entra en la habitación de Porgy en busca de Bess; pero el lisiado, que lo está aguardando, lo sorprende y lo mata. Porgy, triunfante, le grita a Bess: “¡Ahora sí que tienes un verdadero hombre, y es Porgy!”.

Escena segunda

La policía llega para investigar la muerte de Crown. Primero interrogan a Serena, de quien sospechan pues su marido, Robbins, fue víctima de Crown. Luego, se llevan a Porgy para que identifique el cadáver. Aparece Sportin Life y convence a Bess de que Porgy será condenado a cadena perpetua, le ofrece droga y le vuelve a proponer irse con él a Nueva York, a lo que Bess accede.

Escena tercera

Una semana más tarde regresa Porgy que ha sido puesto en libertad por la policía. Busca por todas partes a Bess, todos sus compañeros lo evitan, hasta que Serena y María se atreven a decirle que Bess se ha marchado con el traficante de cocaína. Porgy, lejos de amilanarse, pregunta en qué dirección queda Nueva York y, lleno de esperanza, emprende el camino en busca de su Bess.

  

Arte con mosaicos

Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio, más conocido como Caravaggio, nació en Milán, Italia, el 29 de septiembre de 1571 y murió en Porto Ércole, Italia, el 18 de julio de 1610. Pintor.

A continuación, recordamos a Caravaggio, con un documental sobre su vida.

Jean-Luc Ponty

Jean-Luc Ponty nació en Avranches, Francia, el 29 de septiembre de 1942. Violinista.

Su padre lo inició en el estudio del violín antes de ingresar en el Conservatorio de París. En 1967 visitó el Festival de Jazz de Montreal, y después trabajó con Stéphane Grappelli, la Mahavishnu Orchestra y Frank Zappa.

A fines de la década de 1960 comenzó a utilizar el Violectra, un violín eléctrico modificado de cuatro cuerdas con una octava más baja, posteriormente una versión de seis cuerdas, y fue pionero en la combinación del violín con MIDI, cajas de distorsión, pedales de efectos, lo que le permitió obtener un sonido parecido a un sintetizador.

Entre mediados y fines del 2004 se reunió con la formación de The Rite of Strings, con los que realizó una gira por Estados Unidos y Canadá. En 2005, formó el grupo de jazz fusión con Stanley Clarke y Béla Fleck.

Entre sus discos más destacados están Imaginary Voyage y Aurora de 1976, Cosmic Messenger de 1978, Mystical Adventures de 1982, Individual Choice de 1983, Open Mind de 1984, Fables de 1985, The Gift of Time de 1987 y Storytelling de 1989, entre otros. En la actualidad realiza presentaciones y recitales en distintas partes del mundo.

A continuación, celebramos el cumpleaños de Jean-Luc Ponty, con el tema Mirage, en el Montreal Jazz Festival de 1982.

Sergio Dalma

Josep Sergi Capdevila Querol, más conocido como Sergio Dalma, nació en Sabadell, Barcelona, España, el 28 de septiembre de 1964. Cantante.

Inició su carrera cantando en bandas y coros, hasta que ganó el programa TV Gent d'aquí, de la Televisión Española en Cataluña, que le valió un contrato para cantar en un prestigioso club nocturno de Barcelona. 

También realizó jingles para televisión y se relacionó con el sello Horus donde editó su primer disco en 1989 y por el que ganó el Disco de Platino en España y un alto reconocimiento en toda Latinoamérica.

En 1991 representó a España en el Festival de la Canción de Eurovisión en Roma, con la canción Bailar pegados, y en los años siguientes editó varios discos con éxito en España y toda Latinoamérica.

En 2010 salió a la venta Via Dalma, un disco con 11 clásicos de la música italiana cantados en castellano y uno cantado en italiano, por el que tuvo mucho éxito y al año siguiente publicó Via Dalma II, en el que hizo un repaso por los clásicos italianos con temas como La cosa más bella, popularizada por Eros Ramazzoti, o Senza una donna, de Zucchero. 

Sergio Dalma participa regularmente en programas de TV y en su carrera recibió numerosos premios.

A continuación, celebramos el cumpleaños de Sergio Dalma, con uno de sus más grandes éxitos: El mundo.

Gerald Finzi

Gerald Raphael Finzi nació en Londres, Reino Unido, el 14 de julio de 1901 y murió en Oxford, Reino Unido, el 27 de septiembre de 1956. Compositor.

Su imagen popular es la de un pastoralista lírico, lo que hizo que su música pareciese pasada de moda incluso en el transcurso de su vida. 

En su caso no se puede hablar de experimentación y aún menos de modernidad, pero tenía una voz propia, personal, reconocible en sus ciclos de canciones y obras corales, en la que demuestra una perfecta comunión entre palabra y música, resultado de su gran conocimiento de la literatura inglesa. 

Obras como el Concierto de violoncello y las Intimations of Immortality lo muestran como algo más que un miniaturista. Su popularidad ha ido en aumento desde su muerte.

Gerald Finzi fue continuador de la gran tradición inglesa que encarnaron Elgar, Parry, Stanford y Vaughan Williams.

A continuación, recordamos a Gerald Finzi, con Romance en Mi Bemol Mayor Op. 11, en la versión de la Orquesta Philharmonia, dirigida por Christopher Warren-Green.

Bessie Smith

Bessie Smith nació en Chattanooga, Tennessee, Estados Unidos, el 15 de abril de 1894 y murió en Clarksdale, Misisipi, Estados Unidos, el 26 de septiembre de 1937. Cantante.

Su primer empleo fue como bailarina en la compañía de Moses Stokes, en un espectáculo en el que también trabajaba Ma Rainey, y en 1912, su hermano Clarence le consiguió su primer contrato como profesional.

En 1913 comenzó a desarrollar su propio espectáculo en el Teatro "81" de Atlanta, y en 1920 había conseguido ganar una reputación en el sur y a lo largo de todo el litoral este de Estados Unidos.

Frank Walker del sello Columbia la descubrió en un club y en 1923, grabó DownHearted Blues, y también Jailhouse Blues, disco que, señaló la aparición del blues clásico.

Durante los meses de invierno trabajaba en los teatros y el resto del año, realizando giras, viajando en su propio vagón de ferrocarril. Bessie Smith llegó a ser la actriz negra mejor pagada de su tiempo.

Realizó grabaciones junto a los artistas más importantes del momento, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith, o Fletcher Henderson. Con Louis Armstrong grabó el tema St. Louis Blues, que marcó un hito en el blues clásico.

En 1929 protagonizó el cortometraje St. Louis Blues donde la cantó junto a los miembros de la orquesta de Fletcher Henderson, con el coro de Hall Johnson, y participó en el musical Pansy en Broadway, que resultó un fracaso, pero toda la crítica coincidió en que ella era la única actriz que sobresalía.

En 1933 volvió a grabar, esta vez para el sello Okeh, con una banda que incluía músicos de la Era del Swing como Frankie Newton, Chu Berry, y Benny Goodman. Take Me For A Buggy Ride y Gimme a Pigfoot están entre sus grabaciones más populares.

Luego de superar muchas dificultades como el alcoholismo, la Gran Depresión de 1930, que paralizó toda la industria discográfica, y el nacimiento del vodevil, ella continuó viajando y de vez en cuando presentándose en clubes, agregando temas del Swing a su repertorio, y logrando cierto éxito. En uno de esos viajes, el 26 de septiembre de 1937 sufrió un grave accidente automovilístico, y falleció horas después.

Bessie Smith, también conocida como la "Emperatriz del Blues", fue la cantante de blues más popular de los años 1920 y 1930, e influyó en intérpretes como Billie Holiday, Mahalia Jackson o Janis Joplin. Este año el Canal HBO realizó una película en su homenaje, y fue protagonizada por Queen Latifah.

A continuación, recordamos a Bessie Smith con un fragmento del film St. Louis Blues, de 1929.

Robert Schumann. Arabeske en Do Mayor Op. 18 y Blumenstück en Re Bemol, Op. 19.

Robert Schumann compuso Arabeske en Do Mayor Op. 18 y Blumenstück en Re Bemol, Op. 19, en 1839, cuando tenía 29 años y le dedicó las obras a Frau Majorin Friederike Serre auf Maxen.

En ese tiempo, Robert Schumann atravesaba un período de angustia y desasosiego, por la negativa de Friedrich Wieck, el padre de Clara, a cualquier cosa que pudiera interferir con la carrera de su hija como pianista, y desaprobó fuertemente a Schumann como un posible yerno.

A continuación, dos obras de Robert Schumann: Arabesque en Do Mayor Op. 18, en la interpretación de Yefim Bronfman y Blumenstück en Re Bemol Op. 19, en la versión de Johannes Freiburg.

Alicia de Larrocha

Alicia de Larrocha de la Calle nació en Barcelona, España, el 23 de mayo de 1923 y murió en su ciudad, el 25 de septiembre de 2009. Pianista.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio

Alicia de Larrocha (Barcelona, 1923) Pianista española. Realizó estudios de piano con Frank Marshall, y de armonía con Ricardo Lamote de Grignon y Joaquín Zamacois. Ofreció su primer concierto a los cinco años, en la Exposición Universal de Barcelona, y a los doce debutó en Madrid con la Orquesta Sinfónica, dirigida por Arbós.

A partir de 1947 inició su carrera internacional con giras por Europa y Estados Unidos; en 1953 hace su presentación londinense y en 1955 su primera aparición norteamericana en Los Ángeles. En 1956 formó dúo con el cellista Gaspar Cassadó y en 1959 asumió la dirección de la Academia Marshall de Barcelona. En 1968 estuvo a punto de ver truncada su ya brillante carrera al lesionarse un dedo pulgar con la puerta de un taxi.

Considerada una de las primeras pianistas del mundo, especialmente en Estados Unidos, su colorido, elegancia y expresividad en la interpretación han sido reconocidos universalmente, lo que se ve reflejado en el hecho de que ofrezca más de un centenar de conciertos por año. Desde 1959 dirigió en Barcelona la Academia Marshall, creada por Enrique Granados.

Cuenta en su haber con numerosas distinciones españolas e internacionales, entre las que se encuentran el título de "Mejor artista del mundo" (1977), la medalla de Oro del Spanish Institute de Nueva York, el premio internacional de la Fundación Harriet Cohen (1960), la medalla de oro al Mérito de las Bellas Artes (1985) y el premio Nacional de Música, la Medalla de Oro al Mérito Artístico, que le otorgó el Ayuntamiento de Barcelona en 1980.

Su extensa discografía incluye, entre otras, las obras de Enrique Granados y el padre Soler, la integral de Iberia, de Isaac Albéniz -que le valió el premio Grammy de 1989 a la mejor solista instrumental de música clásica-, y las Noches en los jardines de España, de Falla, aunque no son menos importantes sus grabaciones del repertorio clásico, romántico e impresionista de la música europea.

Su intensa dedicación al legado de Granados culminó con una monumental edición de toda su producción pianística en una nueva edición revisada y dirigida por De Larrocha, con motivo del centenario de la fundación en 1901 de la Academia Granados, rebautizada como Academia Marshall por su continuador en 1920. Además de piezas inéditas, la integral del compositor leridano incluyó la primera catalogación sistemática de sus composiciones para piano. 

El 26 de enero de 2003 y en el Auditorio de Barcelona, la pianista catalana despidió su larga carrera profesional interpretando a Mozart (Concierto en la mayor K.488).

A continuación, recordamos a Alicia de Larrocha, con una presentación en la TV española en 1970, en la que interpretó obras de Frederic Chopin: Barcarola en Fa Sostenido Mayor Op. 60, Balada Nº 3 en La Bemol Mayor Op. 47, y Andante spianato y Gran polonesa Op. 22.

Johann Strauss I

Johann Baptist Strauss I nació en Viena, Austria, el 14 de marzo de 1804 y murió en su ciudad, el 25 de septiembre de 1849. Compositor y director de orquesta.

El sitio www.buscabiografias.com publicó este recordatorio

Johann Strauss (padre) 1804/03/14 – 1849/09/25) Músico austriaco.

Nació el 14 de marzo de 1804 en Viena. Hijo de Franz Borgias Strauss. Su madre murió cuando él tenía 7 años. Cuando cuenta 12 años, su padre se ahogó en el río Danubio.

Se inicia tocando en pequeñas orquestas a los quince años. En el año 1824 fue segundo director de la orquesta que dirigía el compositor austriaco Joseph Lanner. En 1825 funda su propia orquesta con la que realiza giras por distintos países europeos divulgando la nueva forma del vals.

Autor de 152 valses y numerosas polcas, galops, cuadrillas y marchas. Uno de sus más populares valses es "Lorelei-Voces del Rin". Admirado por Berlioz y Paganini, pasó a la historia como el padre del vals, del que fue un gran maestro.

Contrajo matrimonio con Ana Maria Streim en Viena. Strauss convirtió en 1834, a Emilie Trampusch en su amante, con la que tuvo seis hijos. Fundador de una dinastía musical que dio músicos como Johann Strauss (hijo), Josef Strauss y Eduard Strauss.

Johann Strauss falleció en Viena el 25 de septiembre de 1849. 

A continuación, recordamos a Johann Strauss I, con dos obras: el Vals Loreley-Rhein-Klänge, y la Marcha Radetzky Op. 228, ambas versiones por la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida en primer término por Zubin Mehta, y la segunda por Carlos Kleiber.

El cumpleaños de Arvo Pärt en París

A modo de colaboración espontanea, un amigo el Dr. Francisco Torija Zane, nos envía desde París, Francia, sus impresiones de dos conciertos en homenaje al compositor Arvo Pärt, y que reproducimos con mucho gusto.

EL CUMPLEAÑOS DE ARVO PÄRT EN PARIS

Pocos días después de cumplidos los ochenta años del nacimiento de Arvo Pärt, la Orquesta de París festejó el acontecimiento los días 19 y 20 de septiembre con dos conciertos ofrecidos en la controvertida Gran Sala de Philharmonie de París ubicada en Parc de la Villete, ambos dirigidos por Paavo Järvi y principalmente dedicados al compositor. 

No es fácil para una orquesta afrontar esta propuesta ya que un mínimo desajuste puede apagar el universo sonoro plasmado por el autor en una partitura privando a sus destinatarios de compartir la búsqueda de ese acorde que resolverá la salida de un laberinto del que no siempre se quiere escapar. En el atardecer del primer día abrieron el concierto las cuerdas de orquesta interpretando Summa (1977/1991). 

Cada sonido pudo apreciarse en su individualidad anunciando que las expectativas del público que colmó la sala habrían de ser satisfechas. Con Passacaglia (2003/2007) se agregó el violín de Viktoria Mullova y el vibráfono incluido entre el amplio despliegue de percusión requerido por el programa. La expectativa general quedó consolidada como efectiva realización en curso. 

Completada la orquesta y con el coro regido por Lionel Sow pudo verse renovado el misterio del arte sublimando la tragedia en el ruego de que no se repita: De Pacem Domine (2004) fue comenzada a componer pocos días después del atentado ocurrido en la terminal ferroviaria de Atocha. Cinco minutos bastaron para que Arvo Pärt compartiera su música como oración. 

La orquesta continuó el rito con el estreno parisino de La Sindone (2015), obra que rememora la pasión de Cristo recurriendo a las disonancias sobre una nota predominante pareciendo buscar otra nota -tranquilizadora- que no podía llegar. 

El coro se puso nuevamente de pie para unirse a la orquesta y el piano de Romain Descharmes que introdujo el Credo (1968) con la melodía de El clave bien temperado de J.S.Bach, recurso de apariencia inofensiva al que recurrió el compositor para desarrollar una idea de resistencia a la opresión. 

Frente a su estreno en Tallin, las autoridades hicieron saber su disgusto, contrariamente al público de entonces y también el de ahora que ovacionó largamente la obra y su interpretación. 

Así terminó la primera parte del primer concierto y con ella la actuación del Coro de la Orquesta de París, actuación que permitió apreciar sus virtudes pero dejo la impresión de haber sido casi efímera frente a la magnitud de la obra del compositor en este rubro y la amplitud de recursos de la entidad convocante. 

Silohuette (2009), es una obra que Arvo Pärt dedicó al director Paavo Järvi y a la Orquesta de París y fue estrenada en la Sala Pleyel, anterior residencia de esa orquesta. Se trató de un homenaje a Gustave Eiffel. Es una de las más elegantes del compositor, guiada por un encantador aire de vals; sin ser ligera puede ser considerada de tono vivaz. Sin embargo, quizás debido a la densidad de las obras anteriores, la interpretación, con ser distendida, no llegó a comunicar ese clima. 

En la Sinfonía (1971), estrenada en 1972 por Neeme Järvi, amigo de Arvo Pärt y padre del actual director, el compositor recurre a estructura antiguas del canto gregoriano, de la polifonía renacentista, de formas barrocas y hasta de la percusión ceremonial con los timbales. Se consolida el estilo "tintinabuli" en alusión a las formas y sonoridades de las campanas. 

Con esta obra la Orquesta de París mostró acabadamente la brillantez y precisión que la hizo merecedora del prestigio que comenzó a forjar desde sus inicios y también el del Maestro Paavo Järvi que obtuvo desde mucho antes de ser su actual director. 

Las cuerdas y campanas de la orquesta cerraron la primera jornada de conciertos con Cantus in Memory of Benjamin Britten (1977), en otra muestra del estilo "tintinabuli" esta vez desarrollado en un canon sobre una melodía simple.

El domingo, a media tarde, con público ubicado en el lugar dejado por el coro, el concierto comenzó con Fratres (1977/1992), para violín, orquesta de cuerdas y percusión, destacándose nuevamente la violinista Viktoria Mullova  poniendo en el tiempo la idea del compositor. 

Con un particular sentido de la oportunidad, siguió una obra de gran porte -en cuanto a extensión y uso de recursos instrumentales- del compositor estoniano Erkki-Sven Tüür. Sow the Wind... permitió el lucimiento del conjunto orquestal en base a un eclecticismo que cabe esperar esté en tránsito hacia el hallazgo de un albergue decisivo.

Luego del intermedio volvió la música de Arvo Pärt. Primero Swangsong, obra orquestal definida en 2013 sobre una anterior versión para coro y órgano. Cerró la celebración una de las obras que aseguró a Arvo Pärt la continua presencia en los repertorios de grandes orquestas y en el mercado de las grabaciones de música, raro fenómeno si se tiene en cuenta el clima de serena atención y entrega a los sonidos que a los oyentes exige su obra. 

Se trató del doble concierto para dos violines, orquesta de cuerdas y "piano preparado" que Pärt llamó Tabula rasa (1977) aludiendo a la disposición necesaria para escuchar las consonancias y disonancias, apreciar el sentido de los timbres, la profundidad de acordes a veces repetidos y a veces solitarios y sonidos apenas perceptibles y originados en instrumentos de disímil conformación, como el caso del "piano preparado" con sistemas de sordinas sobre las cuerdas o distintos tipos de martillos para lograr sonidos afines a las campanas. 

El papel de las violinistas -Viktoria Mullova y Mari Poll- fue impecable en un trabajo que a las dotes musicales agregó un notable esfuerzo físico. En este caso y en la mayoría de los anteriores, el desempeño de la Orquesta de París puede calificarse de magnífico, superior en intensidad emocional y solvencia técnica a muchas de las versiones grabadas disponibles.

No faltó en esta celebración la presencia física de Arvo Pärt. Al finalizar los dos conciertos subió al escenario para saludar al público, su público. No fue la presencia generalmente atribuible a «un triunfador ». Vestido con sencillez ajena a las candilejas, brindó su cálida sonrisa con los reparos de una timidez evidente. Sin miramientos rechazó subir al podio, así como volver tantas veces como se lo requiriera. 

Apagadas las luces de la sala recibió en el hall de entrada a quienes quisieron saludarlo, con la misma disposición con la que se presentó en el escenario. 

Careció de ese recato un cartel que anunciaba que el maestro firmaría los discos en el stand de la grabadora, contiguo a un mostrador donde se vendían. Pero Arvo Pärt  firmó también programas, libros y hasta un autito de juguete que una entusiasta admiradora le acercó. La expresión de sus ojos era la de un hombre bueno.

Francisco Torija Zane

Paris, septiembre 2015

Peter Carl Fabergé

Peter Carl Fabergé, conocido también como Karl Gustavovich Fabergé, nació en San Petersburgo, Rusia, el 30 de mayo de 1846 y murió en Lausana, Suiza, el 24 de septiembre de 1920. Joyero y orfebre.

En 1870 pasó a ser el responsable de la empresa familiar de joyería en San Petersburgo. Con una excelente reputación como diseñador, trabajó con piedras preciosas y metales, y realizó diseños de diferentes estilos como ruso antiguo, griego, renacentista, barroco, Art Nouveau, naturalista y caricaturesco.

Sus obras fueron expuestas en la Exposición Panrusa de Moscú de 1882 y recibieron la medalla de oro. Recibió el nombramiento de orfebre y joyero de la Corte Imperial Rusa y de otras muchas monarquías europeas. Fabricó joyas con forma de huevos de Pascua de oro y esmalte, animales en miniatura, cálices, bomboneras y otros objetos.

Para la Pascua de 1883, el zar Alejandro III le encargó la construcción de un huevo para regalarle a su mujer, la zarina María. El presente consistió en un huevo con cáscara de platino que contenía dentro uno más pequeño de oro. Al abrirse este último, se encontraba una gallina de oro en miniatura que tenía sobre su cabeza una réplica de la corona imperial rusa.

Este particular Huevo de Pascua le gustó tanto a la emperatriz que el zar le ordenó a Fabergé que realizara uno nuevo para cada Pascua.

El zar Alejandro III le regaló 11 a su mujer. Luego, su hijo Nicolás II continuó con esta tradición y mandó realizar otros para obsequiarles a su mujer y a su madre. Los 57 huevos que confeccionó la casa Fabergé tenían en su interior obsequios, réplicas en miniatura de alguna de las pertenencias de los zares.

Peter Carl Fabergé está considerado como uno de los orfebres más destacados del mundo.

Astor Piazzolla - Libertango - Francesco Buzzurro

John Coltrane

John William Coltrane nació en Hamlet, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 23 de septiembre de 1926 y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 17 de julio de 1967. Saxofonista.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio

John Coltrane (Hamlet, EE UU, 1927-Nueva York, 1967) Saxofonista estadounidense de jazz.

Fue una de las grandes figuras del be-bop, junto al pianista Thelonious Monk y al trompetista Dizzy Gillespie, en cuya banda tocó en 1949. Además de Gillespie, Coltrane tocó con figuras de la talla de Charlie Parker, Miles Davis y el citado Monk. 

Entre una banda de jazz y otra, Coltrane pasó por ciertos períodos de inactividad derivados de sus problemas de adicción a las drogas, que finalmente superó. 

En 1957 inició su carrera en solitario y empezó a grabar discos con antiguos compañeros, si bien ya tenía un nombre consolidado en el mundo del jazz. 

Hacia la década de 1960, con la aparición del free-jazz, representado en la figura de Ornette Coleman, Coltrane dio un giro a su música, atraído por el nuevo estilo. 

Como discos más reseñables cabe mencionar The Champ (1951), Soultrane (1958), Milestones (1960) o Expression (1967), el último que publicó antes de fallecer de cáncer y en el que sólo participaron el saxofonista, su mujer, Alice, al piano y el percusionista Rushied Ali.

A continuación, recordamos a John Coltrane, con un fragmento del programa Jazz Casual, y el tema Alabama.

Pablo Neruda

Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto, más conocido como Pablo Neruda, nació en Parral, Región del Maule, Chile, el 12 de julio de 1904 y murió en Santiago, Región Metropolitana de Santiago, Chile, el 23 de septiembre de 1973. Poeta y diplomático.

A continuación, recordamos a Pablo Neruda, con un documental producido por la TVN, Televisión Nacional de Chile.  

María Cangiano

En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con María Cangiano sobre su próxima presentación en Buenos Aires.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone 

María Cangiano celebra a Piazzolla, dentro del Ciclo Cantoras, con Miguel Pereiro en piano y con Eva Fiori como artista invitada, el viernes 2 de octubre a las 21:30 en Pista Urbana, Chacabuco 874, Ciudad de Buenos Aires.

La cantante celebrará en su show al gran Astor Piazzolla recorriendo su repertorio con el que actuó durante años en Nueva York. Primero con el talentoso pianista Octavio Brunetti (recientemente desaparecido) y culminando con el disco “Baladas para mi vida y muerte: Tributo a Piazzolla”, cuya presentación se realizó en los Blue Notes de New York y Milán.

En el espectáculo se recorrerán canciones  clásicas así como otras poco conocidas de Piazzolla, como No quiero otro y Vamos Nina entre otras.

Su  trayectoria musical es un espejo de su vida gitana: hija de inmigrantes italianos de raíces árabes creció en la Argentina escuchando desde niña música clásica y folklore, gracias a su padre y tango, gracias a su madre. En Estados Unidos realizo un doctorado en historia y descubrió el jazz, el blues y la música africana. 

Tras completar su doctorado, dejó el mundo académico para seguir su sueño, el de ser cantante. Inspirada por su abuelo napolitano que era cantante de ópera, se entrenó como cantante lírica e interpretó muchos roles de mezzosoprano en compañías reconocidas de Nueva York, tales como el Regina Opera, Dicapo Opera y Amato Opera. 

Hacia 2001 comenzó a cantar tango, transformándose en una de las más reconocidas cantantes de tango de la escena neoyorquina y la crítica le otorgó el sobrenombre de "la "Edith Piaf del Tango". 

Hacia 2004 editó su primer CD, llamado simplemente “Tango por el Cuarteto de Maria" en el que presentaba un repertorio tanguero clásico y nuevo.

Durante 2009 y 2010 presentó su segundo CD de tango: "Baladas para mi vida y muerte: Tributo a Piazzolla" en el Blue Note de New York y el Blue Note de Milán, siendo otra vez un rotundo éxito de público y críticas en ambas ciudades.

Más recientemente, inspirada por la poesía latinoamericana, Cangiano empezó a ponerle música a poesías de mujeres y de ahí nace su último trabajo discográfico y su primero como compositora, “Corazón de Mujer”.

En 2014 Maria Cangiano crea y dirige el programa pionero de postgrado en estudios vocales en la UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero).

El mismo se inaugura este año y tendrá como sede el Teatro Margarita Xirgú de San Telmo. Entre los miembros del comité académico del programa se encuentran Lidia Borda, Lila Downs, Teresa Parodi, Cristina Banegas, la renombrada experta de la voz en el teatro Kristin Linkater y el experto en técnica vocal Eugene Rabine.

Miguel Pereiro es un eximio pianista y compositor formoseño. Formado en el piano con Osvaldo Berlingieri y José Colángelo, posee además una formación en orquestación con Egberto Gismonti y producción musical con Pedro Aznar. Es reconocido por su rica trayectoria acompañando a cantantes de la excelencia de Guillermo Fernández, María Graña, Rubén Juarez y actualmente a María Jose Mentana, y Raúl Lavié. También se ha destacado como director musical en "Tango x 2" de Miguel Ángel Zotto.

“Baladas para mi vida y muerte: Tributo a Piazzolla” fue grabado y masterizado en Nueva York en 2008, con arreglos de Emilio Solla, Julio Santillán y Fernando Otero. Participaron el propio Emilio Solla y Abel Rogantini en piano, Raúl Jaurena y Horacio Romo en bandoneón, Quintino Cinalli y Mauro Satalino en percusión, Martin Balik y Lautaro Guida en contrabajo, Julio Santillán en guitarra, Mercedes Figueras en saxo, Beledo en guitarra eléctrica y Laura Arpieinen en violín.

Los temas de Piazzolla incluidos en este álbum son “El gordo triste”, “La primera palabra”, “Balada para mi muerte”, “Milonga en Ay”, “Vuelvo al Sur”, “Balada para un loco” y “Yo soy el negro”.

El arte de tapa fue realizado por el dibujante Hermenegildo Sabat.

Prensa: Medioshábiles medioshabilescom@gmail.com

Jaime Torres

Jaime Torres nació en San Miguel de Tucumán, Argentina, el 21 de septiembre de 1938. Charanguista.

El sitio www.mifolkloreargentino.com.ar publicó este recordatorio

Nacido en la ciudad de San Miguel de Tucumán, al norte de Argentina, recibió las primeras enseñanzas sobre el charango del eminente y ya desaparecido artista boliviano, Mauro Nuñez, quien le construyó sus primeros instrumentos, otros fueron hechos por su padre, don Eduardo Torres, un habilidoso ebanista chuquisaqueño. 

Con uno aprendió las esencias de la música aborigen, con el otro aprendió las cosas más sabias y elementales. Con ambos develó los primeros misterios e incorporó una acabada pasión por lo auténtico.

Torres ha tocado en toda clase de escenarios con idéntico fervor y dignidad, su extensa actuación abarca desde los modestos escenarios del Tantanakuy, (las calles de los pueblos, al pie de monumentos o bajo centenarios árboles), hasta el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, pasando por la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center.

Su primera gira por Europa, es en 1967, toca en Stuttgart, (Liederhalle); Düsseldorf, (Rheinhalle); Braunschweig, (Beethovenhalle); Berlín, (Neue Philarmonie); Hamburg, (Musikhalle); Rotterdam, (Concertgebow) y Brussel, (Palais de Beaux Arts).

Viaja en 1970 a los EE. UU. actuando en Washington, invitado por la OEA. Al año siguiente regresa a ese país para presentarse nuevamente en Washington, New York y Los Angeles. De ahí prosigue su gira por Canadá, México. A su regreso ofrece recitales en Brasil, Perú, Bolivia, Chile, Paraguay y Uruguay.

En 1972 interviene con su conjunto, en las películas "Argentinísima I y II"; Se presenta en el teatro Colón de Buenos Aires; realiza una gira por España, Francia, Alemania, Suiza y España, países a los que frecuentemente vuelve.

Participa, en 1974, con su conjunto, en la ceremonia de apertura del Campeonato Mundial de Fútbol, disputado, ese año, en Alemania. También todos los años, desde 1975, organiza en Humahuaca, provincia de Jujuy, un encuentro de instrumentistas andinos no profesionales, reivindicando para sus protagonistas: labriegos, pastores, mineros, alfareros, la música del altiplano.

Al "Tantanakuy", ("encuentro" en quechua), también concurren artistas profesionales que participan gratuitamente de esta asamblea musical en la que tampoco se cobra entrada.

Desde 1980, por su iniciativa, se realiza, en el mes de octubre, el "Tantanakuy Infantil" en el que intervienen alrededor de quinientos niños en edad escolar.

Al comenzar 1987, Torres sufrió un grave accidente automovilístico en Humahuaca, cuando iba a dirigir los ensayos, para la presentación en Cosquín, del recital ofrecido en el Monte Sión, Israel. Luego de su recuperación, realizó, como en años anteriores, una nueva gira por Europa. Recibió el premio SADAIC a los Grandes Intérpretes de Música Popular.

Sobre el final de la temporada artística 1987 del teatro Colón de Buenos Aires, su obra Caminos en la Puna fue incluida en el "pas de deux" Fragmentos de una Biografía, de autores argentinos, con coreografía de Vladimir Vassiliev e interpretada por éste y Ekaterina Maximova.

Israel y Venezuela supieron, en 1988, de la presencia de Jaime Torres. En dicho año la película "La Deuda Interna", cuya música compuso y dirigió Torres, obtuvo el Oso de Plata en el XXXVIII Festival Internacional de Cine de Berlín y, además fue postulada para el "Oscar", representando a la Argentina. 

En ese mismo año, en Milagros, provincia de La Rioja, a la Escuela de Enseñanza Artística de esa localidad se le puso el nombre de Jaime Torres, que fue libremente elegido por los docentes, alumnos y habitantes del lugar, como un reconocimiento a las virtudes de este músico que es un ser excepcional y un verdadero artista y maestro.

Durante 1989 realiza una serie de actuaciones en España y Portugal, junto con Hernán Gamboa y Gerardo Núñez. Al año siguiente, 1990, se presentó, con el Tata Cedrón en París y el interior de Francia y con Eduardo Falú, en Londres. 

En el intermedio estrenó en el teatro Opera de Buenos Aires su ópera "Suite en Concierto", con arreglos de Gerardo Gandini, siendo intérprete solista junto con la Camerata Bariloche.

En el transcurso de 1991, se presenta nuevamente, en gira, por Japón, grabando para la cadena de TV NHK, un espectáculo de dos horas de duración. Y ya en el país, actuó en el teatro Colón, de Buenos Aires, con la Camerata Bariloche, interpretando, como solista, su obra "Suite en Concierto".

Al comenzar 1992 obtiene en Mar del Plata la Estrella de Mar, luego realiza una gira por distintas ciudades de Australia, culminando la misma con su presentación en el Melbourne International Festival of Arts. 

Encabezando su propia compañía, en 1993, hace una gira por el Sudeste Asiático, actuando, entre otros lugares, en Singapur e Indonesia y al finalizar ese año participa, como solista con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires en el concierto de cierre de temporada del teatro Colón. 

En 1994, con la Camerata Bariloche, actúa como solista en el Teatro Colón de Buenos Aires, y con su compañía vuelve al sudeste asiático, ofreciendo una serie de recitales en Singapur y Kuala Lumpur.

Por especial encargo, tiene bajo su responsabilidad el segmento artístico inicial de la Ceremonia de Apertura de los XII Juegos Deportivos Panamericanos, llevados a cabo en Mar del Plata en 1995.

Recibe, en 1995, el Premio Konex de Platino como mejor instrumentista de música popular Argentina, en dicho acto también le es entregado el Premio Konex a la Asociación Tantanakuy, de la que es creador y fundador.

En 1995 también celebra los cincuenta años de vida musical, aunque su relación con la música viene de mucho más allá, "desde el útero de su madre", donde fue concebido charanguero.

Al año siguiente, 1996, obtiene el Premio Lobo de Mar a la Cultura y en 1997, el Premio San Juan Bautista, a la trayectoria y además es nombrado, por el gobierno de la provincia de Jujuy, Ciudadano Ilustre de dicha provincia.

A continuación, celebramos el cumpleaños de Jaime Torres, con una presentación realizada en El Conventillo, en Madrid, España, el 15 de julio de 2012.