El Mirador Nocturno – Radio / Giovanni Battista Pergolesi -
Stabat Mater.
Hoy les presento el 5º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, con el Stabat Mater para Soprano, Contralto y Orquesta de Cuerdas, de
Giovanni Battista Pergolesi.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
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No se conocen muchos datos biográficos. Se cree que estudió
en la Universidad de París, ya que a menudo aparece mencionado como magister. Más
tarde se desempeñó como secretario y consejero en las cortes de Carlos IV,
Felipe VI y Juan II. Gracias a esas conexiones, obtuvo cargos como canónigo incluyendo
las de Clermont, Beauvais y París. También sirvió durante un tiempo en el
séquito del antipapa en Aviñón. Fue diplomático y soldado y participó en el
sitio de Aiguillon. En 1351 accedió al cargo de obispo de Meaux, en París.
Fue muy apreciado por sus contemporáneos como gran erudito e
intelectual, hombre de letras y músico de renombre. Participó en los círculos
políticos y artísticos más importantes, y tomó contacto con los grandes
intelectuales de su época. Muchos de ellos lo mencionan en sus correspondencias
destacando sus conocimientos.
En la historia de la música se lo conoce por su tratado
musical titulado Ars nova musicæ, que fue publicado en 1320, y que le dio
nombre al periodo de la música medieval homónimo, en contraposición al ars
antiqua. Fomentó el uso de nuevas reglas de composición, en particular de
arreglos rítmicos innovadores, que permitieron la aparición de un estilo
polifónico menos dependiente de las limitaciones del Ars antiqua. Lamentablemente
no se conservan muchas obras de su producción, se conservan varios motetes
Philippe de Vitry
está considerado como uno de los principales teóricos musicales del ars nova,
así como un compositor de gran talento, innovador e influyente.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Vos qui admiramini, en la versión del Ensamble Vocal Lumina, dirigido por Anna
Pope.
El sitio www.cancioneros.com
publicó este recordatorio.
Raúl Carnota (Buenos Aires, 30 de octubre de 1947 - ibídem,
27 de septiembre de 2014) fue un cantautor argentino de amplia trayectoria en
el folclore argentino.
Biografía
Nació en el barrio de Almagro de la ciudad de Buenos Aires,
pero su infancia transcurrió en Mar del Plata.
En 1968 tuvo un breve paso por el grupo Los Huanca Hua. Su
debut profesional fue en 1972 integrando el grupo de Adolfo Ábalos. Durante esa
etapa participó del espectáculo El piano en sus tres dimensiones, que
encabezaron Ábalos, Horacio Salgán y el Mono Villegas. En esa época también
acompañó a otras figuras de la música como Susana Rinaldi, Hamlet Lima Quintana
y Armando Tejada Gómez.
A fines de los años setenta formó un trío con el
percusionista Rodolfo Sánchez y el pianista Eduardo Spinassi, con el que logró
trascender ya que Mercedes Sosa incluyó dos de sus canciones ―«Grito
santiagueño» y «Salamanqueando pa’ mí»― en su disco Como un pájaro libre (de
1983).
Falleció como consecuencia de una EPOC (enfermedad pulmonar
obstructiva crónica), mal que padecía hacía varios años.
Su muerte fue opacada en los medios por la muerte de El
Negro García López que ocurrió el mismo día.
En 2015 recibió el Premio Konex postmortem como uno de los
mejores 5 cantantes de folklore de la década en la Argentina.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Gatito e´las penas.
Editorial Arzalia nos presenta el descubrimiento de los
manuscritos del Mar Muerto en 1947, considerado el acontecimiento arqueológico
más importante del siglo XX. El libro "Yo, comandante de Auschwitz"
presenta el testimonio de un asesino, Rudolph Hoss, en su etapa al frente del
campo Auschwitz-Birkenau.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/manuscritos-del-mar-muerto/6999980/
El sitio www.repository.eafit.edu.co
publicó este recordatorio.
Luis Macía González. Cantante. Nació en Medellín el 29 de
octubre de 1906, murió en Bogotá el 20 de mayo de 2000. Comenzó sus estudios
elementales en Manizales e inició el aprendizaje del canto en el Conservatorio
de Música de Bogotá, permaneciendo por espacio de cinco años en dicho
instituto. Durante este lapso obtuvo logros importantes, como haber sido
escogido para interpretar los dos Nocturnos de Uribe Holguín, en ese entonces Director
del Conservatorio. Más tarde fue a Europa, en donde perfeccionó sus estudios
como alumno del Conservatorio Real de Bruselas, obtuvo un Primer Premio de
Canto en el año de 1933. Desde su regreso a Colombia actuó como solista de la
Orquesta Sinfónica Nacional y de diversos recitales y conciertos; regentó con
gran éxito la cátedra de canto en el Conservatorio Nacional de Música durante
el año de 1935, la cual se vio obligado a renunciar para atender un contrato
que le ofrecía la estación de radio La Voz de Antioquia, de Medellín. En 1940
complemento sus estudios en Nueva York. En 1956 se vinculó al Conservatorio de
la Universidad Nacional hasta 1983.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Romance de la Niña Negra.
El sitio www.todotango.com
publicó este recordatorio firmado por Ricardo García Blaya.
En la historia artística del maestro Miguel Caló
distinguimos dos etapas bien diferenciadas que revelan su evolución musical y
sus dotes de gran director de orquesta.
Si bien su éxito más trascendente se relaciona con el tango
de la década del cuarenta, su trabajo se inicia a fines del veinte y se
consolida durante los años treinta.
La primera etapa se inicia con la orquesta de 1934, en la
cual podemos verificar un estilo familiarizado con el de Fresedo y un sonido
que nos recuerda a Carlos Di Sarli. Si bien antes había formado otros
conjuntos, estos fueron más bien casuales y de poca trascendencia.
La orquesta de 1934 contaba en el piano con Miguel
Nijensohn, quien va a dejar una impronta que marcará para siempre el estilo de
la misma, aún después del cuarenta. Este instrumento será el encargado de
encadenar las frases musicales, con una cadencia y un ritmo ideal para los
bailarines.
Durante este tiempo podemos destacar la participación vocal
de Carlos Dante, con quien graba 18 temas de una relevante belleza.
Alberto Morel y su hermano Roberto Caló fueron también
cantantes de esta primera parte de su historia que duró hasta el año 1939.
El cuarenta nos revela la madurez de este gran director,
capaz de convocar a un conjunto de músicos jóvenes de extraordinaria capacidad
y solvencia, que con el tiempo pasaron a formar, todos ellos, sus propias
agrupaciones.
En esta segunda etapa Caló desarrolla y profundiza todo un
estilo que une el tango tradicional con la renovación de su época, sin
estridencias, con una destacada presencia de los violines, una línea de
bandoneones rítmica y un piano, espectacular, ejecutado el primer año por Osmar
Maderna, quien fuera reemplazado después por Miguel Nijensohn, en su regreso a
la orquesta.
Entre los músicos que formaron en su orquesta se destacan:
Domingo Federico, Armando Pontier, Carlos Lazzari, Eduardo Rovira, Julián
Plaza, José Cambareri (bandoneones), Enrique Francini, Antonio Rodio, Nito
Farace (violines), Ariel Pedernera y Juan Fassio (contrabajo).
Miguel Caló no sólo promocionó grandes músicos, sino también
grandes cantantes que debutaron profesionalmente en su orquesta, sirvan de
ejemplo los casos de Raúl Berón, Alberto Podestá y Raúl Iriarte.
Con respecto a Berón podemos destacar que fue descubierto
por Armando Pontier, quien lo presentó al director, y sobre esto hay una
interesante anécdota.
Este cantor junto con su hermano José se dedicaban
esencialmente al folclore, es más Raúl Berón sólo sabía alguna estrofa de algún
tango. Por ese motivo, el maestro Caló lo lleva a su cabaret Shangai para que
se familiarizara con la música de su orquesta.
Después de armar un repertorio, el cantor acompañó al
maestro en las actuaciones radiales. Pero ocurrió que a los directivos de la
emisora no les gustó el cantor, y le sugirieron a Caló que se desvinculara de
él. Con gran pesar, este le comunica que a fin de mes terminarían la relación.
En el ínterin sale a la venta el primer disco de Raúl Berón
grabado con la orquesta, el tango “Al compás del corazón” de Domingo Federico y
Homero Expósito, el que tiene un éxito de venta increíble.
Los mismos directivos que habían criticado negativamente al
vocalista, felicitaron al maestro Caló por su elección y reconocieron su
equivocación. Esto posibilitó que no se malograra una de las más importantes
voces de nuestro tango y sin duda la mejor que tuvo la orquesta.
Miguel Caló fue un músico de formación teórica, que estudió
violín y bandoneón.
A partir del año 1926 peregrina por diversas orquestas de
gran importancia, entrando en la fila de bandoneones de la orquesta de Osvaldo
Fresedo. En 1927 ingresa en la del pianista y director Francisco Pracánico.
En 1929 forma su primera orquesta, la que disuelve para
unirse a la orquesta del poeta y pianista Cátulo Castillo en una gira por
España. En esa gira también participaron los hermanos Malerba y el cantor
Roberto Maida.
Regresa a Buenos Aires y reconstruye su orquesta con Domingo
Cuestas (bandoneón), Domingo Varela Conte, Hugo Gutiérrez y Enrique Valtri en
violines, Enzo Ricci en el contrabajo y el pianista Luis Brighenti.
Nuevamente es requerido para viajar al exterior y en 1931
viaja a los Estados Unidos con la orquesta de Osvaldo Fresedo.
Ya en 1932, nuevamente como director de su orquesta, graba
por primera vez, para el desaparecido sello Splendid los temas: “Milonga
porteña” (tango del propio Caló, Luis Brighenti y letra de Mario César Gomila)
y “Amarguras” (vals de Miguel Nijensohn y Jaime de los Hoyos). El cantor era
Román Prince.
Miguel Caló no fue un compositor destacado, pero algunas de
sus obras, en colaboración con Osmar Maderna (también autores de la letra), son
increíblemente bellas tal los casos “Jamás retornarás” y “Qué te importa que te
llore”, ambos llevados al disco con la voz de Raúl Berón. El tango “Dos
fracasos”, con letra de Homero Expósito y la milonga “Cobrate y dame el
vuelto”, letra de Enrique Dizeo, también fueron muy populares.
En 1961, junto a los bandoneonistas Armando Pontier y
Domingo Federico, los violinistas Enrique Francini y Hugo Baralis, el piano
Orlando Trípodi, y los cantores Raúl Berón, Alberto Podestá, Caló reconstituyó
parte de la formación del cuarenta, denominándose Miguel Caló y su Orquesta de
las Estrellas. Actuaron en Radio El Mundo con tanto éxito que grabaron en el
sello Odeón 12 nuevos temas (entre el 16/4/1963 y 7/6/1963).
La orquesta de Miguel Caló será recordada por la ejecución
del mejor tango, el que trasciende su tiempo y que hoy es valorada por sus
grandes condiciones artísticas y por una pléyade danzante que la evoca
permanentemente con las notas de “Sans Souci”, quizás su interpretación
emblemática.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Tango Fruta Amarga, en la voz del cantor Raúl Iriarte.
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| Hadi Karimi |
El sitio www.ciweb.com.ar
publicó este recordatorio.
Pompeyo Camps Compositor
Nacido en Paraná, Entre Ríos, en 1924, donde realizó sus
primeros estudios musicales de bandoneón y piano. En 1947 se radicó en Buenos
Aires y continuó su formación con el compositor catalán Jaime Pahissa con quien
se interna en el estudio del sistema intertonal. Fue de los primeros
compositores en utilizar esta técnica surgida como reacción al dodecafonismo, a
la vez que la amplió y flexibilizó.
En 1959 estrenó el drama musical de cámara en un acto
"La pendiente", en el teatro De los Independientes, considerada la
primera pieza lírica de ambiente de Buenos Aires, temática que se manifestó en
otras composiciones tales como "Homenaje a Roberto Arlt",
"Viñetas porteñas" y "Fantasía para cuerdas", entre otras.
En 1962, la Municipalidad de Buenos Aires premió su
"Romance de la ciudad de San Juan de la Frontera" y en 1967 obtuvo el
primer premio por su "Sinfonía para un poeta". También su
"Plataforma de fanfarria" mereció una distinción de la Secretaría de
Cultura de la Nación. Y en 1980, al cumplirse los 400 años de la fundación de
Buenos Aires, por encargo de la Municipalidad, compuso el poema sinfónico
"Greenwich 58 Oeste".
Pompeyo Camps, del mismo modo que Héctor Panizza, con sus
cuatro óperas estrenadas, "La pendiente", "La hacienda", de
1987, "Maratón", de 1990 y "La oscuridad de la razón", de
1996, se ubica entre los compositores argentinos más prolíficos en la materia,
después de Arturo Berutti, Felipe Boero, Constantino Gaito y Alfredo Schiuma.
Es justamente en el terreno de la ópera donde la postura ideológica
del compositor se descubre nítidamente con un mensaje de ríspido tema social,
muy marcado en "La hacienda", una farsa trágica que el mismo autor
explicó con motivo de su estreno en el Teatro Colón: "Lo imaginé como una
parábola sobre el feudalismo en nuestra América y su componente, el filicidio.
A su vez, feudalismo y filicidio representan las típicas y paternalistas
dictaduras de América Latina".
En "Maratón", sobre libreto de Ricardo Monti,
acción que gira en torno de una maratón de baile, Camps buscó crear una
metáfora sobre la condición humana y en "La oscuridad de la razón",
con un texto también de Monti, cargado de discutibles simbolismos, se inclinó
por una postura erudita y discursiva, con una música fiel a su estilo y
tendencia
Extracto de un artículo aparecido en el diario La Nación el
4 de Noviembre de 1997 "Murió el Compositor Pompeyo Camps" escrito
por Juan Carlos Montero
Biografía aparecida en la Guía de la Música Argentina 1983
Pompeyo Camps
Compositor y crítico musical nacido el 27 de octubre de
1924 en Paraná (Argentina), donde realizó sus primeros estudios musicales
(bandoneón y piano). Desde 1938 hasta 1946 actuó en conjuntos de música
popular. En los primeros años de ese período compuso sus primeras obras en
forma autodidáctica, trabajos que merecieron elogios de Athos Palma, Jaime
Pahissa y Kurt Pahlen.
Al establecerse en 1947 en Buenos Aires confió su formación
al compositor y musicólogo catalán Jaime Pahissa. Discípulo dilecto de este
maestro, permaneció junto a él hasta 1951, estudiando todas las disciplinas
de la composición y el "sistema intertonal" o "de la disonancia
pura" (contrapunto libre, de permanentes modulaciones superpuestas) que
Jaime Pahissa inventó antes de 1926 en Barcelona. Pompeyo Camps ha sido el
primer compositor, luego de Pahissa, que utilizó dicha técnica surgida como
reacción al dodecafonismo, a la vez que la amplió y flexibilizó. En esta etapa,
Pompeyo Camps realizó, por encargo, infinidad de instrumentaciones y
transcripciones de diversos géneros musicales, lo que fortaleció su
experiencia.
En 1959 dirigió el estreno y sucesivas representaciones de
La Pendiente, drama musical basado en un libreto del propio compositor. Con la
régie de Adolfo Vispo y la participación de los cantantes Ana Di Muccio, Nina
Carini, Mary de Camps, Federico Redondo, Eduardo Citanti, y Víctor De Narqué
(con Oscar Aráis entre los bailarines), fue presentado en el Teatro de los
Independientes, suscitando vivo interés en la crítica, que lo consideró la
primera pieza lírica de ambiente de Buenos Aires, temática que se manifiesta en
composiciones de Pompeyo Camps, como Homenaje a Roberto Arlt, Viñetas porteños,
Fantasía para cuerda v Cuarteto N° 2, entre otras.
Desde 1953 y durante algunos años, colaboró con el
compositor popular Enrique Delfino en la revisión de toda su obra.
En 1962 la Municipalidad de Buenos Aires premió su Romance
de la Ciudad de San Juan de la Frontera (contralto solista, coro y gran
orquesta); en 1965 la Caja Nacional de Ahorro Postal eligió una de sus
canciones para fines de publicación; en 1967 el Municipio le otorgó el Primer
Premio de la Categoría A (con carácter excluyente) por su sinfonía para un
poeta (gran orquesta con solo de barítono); y en 1978 recibió el Primer Premio
Regional de la Secretaría de Estado de Cultura (el Premio Nacional fue
declarado desierto) por su obra Plataformas de Fanfarria (13 metales solistas
y orquesta). En 1980, con motivo de cumplirse 400 años de la fundación de
Buenos Aires, el Municipio le encargó un poema sinfónico que él tituló Greewich
58 Oeste y que fue estrenado en el Teatro Colón.
En 1964 su drama coreográfico Balada de la Cárcel de Reading
(gran orquesta y coro masculino recitante) marcó la cumbre de su experiencia
"intertonal". Consideró alcanzadas las metas que se propusiera
durante años de labor, y viró hacia el serialismo. Su primera obra "serial"
es La Saca (canto y piano, poemas de Luis Alberto Quesada, premiada por el
Fondo Nacional de las Artes con su edición). En diversas composiciones ensayó
nuevas grafías, nuevas valoraciones del material sonoro, además de personales
sistemas combinatorios y de transposición y expansión interválica y rítmica.
Esposo y maestro de
la Cantante Mary de Camps, actúa como su pianista acompañante y eventual
director de pequeños conjuntos de música contemporánea.
Sus obras sinfónicas han sido dirigidas en la Argentina,
países latinoamericanos y Armenia (URSS), por directores como Bruno Bandini,
Juan Carlos Zorzi, Osear Giudice, Teodoro Fuchs, Enrique Mariani, Ernest Bour,
Olgert Bistevins, Simón Blech, Andreas Paridis, Jorge Rotter, Carlos Sampedro,
Jorge Fontenla, Gerard Dev™, Jaime Braude, Ljerko y Andrés Spilier, Mario
Benzecry, Pedro Ignacio Calderón y Odón Alonso.
Pompeyo Camps, invitado por el Departamento de Estado de los
Estados Unidos realizó en 1973 una gira periodística de 30 días por ese país,
que tradujo en unos 15 artículos para el diario La Opinión y en nueve
audiciones para LRA Radio Nacional de la Argentina.
Ha sido jurado en concursos de composición e interpretación
organizados por entes privados, municipales y nacionales. En 1978 permaneció 30
días en la Unión Soviética como jurado de canto del VI Concurso Internacional
P. I. Chai-kovsky, siendo elegido Primer Vicepresidente del Jurado del Concurso
de Canto por voto abierto y unánime. Pompeyo Camps, hasta ese momento, había
sido el único argentino que participó como jurado en ese concurso, en cuya VII
edición (1982) ha vuelto a ser invitado. En 1978 la Unión de Compositores de
Leningrado lo invitó a visitar esa ciudad, donde tuvo un encuentro con
representantes de la institución.
La labor periodística de Pompeyo Camps se inició en 1943 y
ha aparecido en la Argentina, Uruguay, Portugal y en la Unión Soviética.
Colaboró con el poeta Mario Jorge De Lellis en la publicación de la revista
Ventana de Buenos Aires, y ha escrito para Euterpe, Atlántida (donde fue
crítico musical), Histonium (también como crítico), Microcntica, ARS, Lira,
diario Clarín de Buenos Aires, diversas publicaciones culturales, fue crítico
musical del vespertino Noticias Gráficas entre 1957 y 1962, y desde 1971 hasta
1981 (fecha de su clausura) cumplió idénticas funciones en el matutino La
Opinión.
Colabora en forma permanente con LRA Radio Nacional, y
durante algunos años lo hizo con LSI Radio Municipal (Buenos Aires) y
esporádicamente con Radio Splendid y los canales de televisión 7 y 11, además
del 9, para el cual compuso música de teleteatro.
Lleva publicados dos libros: Comprensión y goce de la música
(Timerman Editores, 1976) y Reportaje a la guitarra, con Irma Costanzo (El
Ateneo, 1978).
Durante 1968, 1981 y 1982 se desempeñó como Secretario
Técnico de la Orquesta Sinfónica Nacional, dependiente de la Secretaría de
Cultura de la Presidencia de la Nación, Argentina. En 1982, y por el período de
cuatro años ha sido elegido miembro del Directorio de la Sociedad Argentina de
Autores y Compositores (SADAIC), siendo Secretario de Actas de la Comisión de
Música de la entidad.
Su nombre figura en La música argentina contemporánea de
Mario García Acevedo (Ed. Culturales Argentinas), Hitoria de la Música de
Manuel Valls Gorina (Taber, Barcelona, 1969) y Diccionario de la música del
mismo autor (Alizanza Editorial), en la Enciclopedia de la música argentina de
Rodolfo Arizaga (Fondo Nac. de las Artes) además de numerosos artículos,
ensayos y reportajes.
En 1982 obtuvo el premio único en el concurso de composición
organizado por la Municipalidad de La Plata para la celebración del 100°
aniversario de la fundación de esa ciudad, con su cantata Homenaje a la ciudad
de La Plata Op. 84, sobre seis sonetos de Gustavo García Saraví.
También en 1982 ingresó al diario Convicción en calidad de
jefe de la Sección Música.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con
Viñetas Porteñas, obra compuesta en 1960, en la versión de
la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, dirigida por Carlos Vieu. Presentación
realizada en el Teatro Colón de Buenos Aires, en 2017.
El sitio www.krakencolombia.net
publicó esta biografía.
ELKIN RAMIREZ
“Tu espíritu libre permanecerá en cada uno de nosotros, en
nuestros días, en nuestros proyectos y hasta en cada respiración”.
VOZ – FUNDADOR DE KRAKEN
Nació en Medellín el 26 de octubre de 1962, donde cursó sus
estudios de primaria y secundaria al tiempo que exploró las artes plásticas y
la música, vinculado a diferentes talleres particulares especializados en
dichos temas. Posteriormente renunció a todo tipo de vinculación con
instituciones académicas de tipo convencional y desde entonces se dedicó a ser
un autodidacta.
Perteneció en sus comienzos agrupaciones como Kripzy
(1981-1982) y Ferrotrack (1983-1984). En 1985 se une a la agrupación que un año
después se llamaría Kraken, de la cual fue fundador y siempre el líder, siendo
el autor y compositor de todas las canciones de la banda en su letra, concepto
y lírica.
Entre los reconocimientos más importantes que recibió se
encuentran: La orden al mérito Don Juan del Corral grado plata, otorgada por el
Concejo de Medellín y La orden al mérito Mariscal Jorge Robledo grado plata,
otorgada por la asamblea departamental de Antioquia en reconocimiento a “Su
gran capacidad artística y consagración a la música, con las cuales contribuyó
al fortalecimiento y proyección de la industria musical colombiana. Además,
gracias a sus producciones en la banda de rock más importante del país, Kraken,
goza de amplio reconocimiento en los contextos nacional e internacional”.
Después de la partida del maestro y por disposición suya, la
Organización Kraken ha quedado bajo la dirección de su hijo Andrés Ramirez,
quien a partir de entonces determina las actividades, el manejo de la Banda y
la administración de su marca registrada KRAKEN.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: Vestido de Cristal.
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El sitio www.guitarrista.com
publicó este recordatorio.
Guitarristas: Eddie Lang
Enviado por David Cascant el Jue, 25/10/2018 - 13:27.
Eddie Lang fue una de las primeras figuras guitarrísticas
del jazz, junto al violinista, y amigo de la infancia, Joe Venuti, creó un
estilo que influenció de una manera notoria a Django Reinhardt y Stephane
Grappelli.
Dejó un importante legado musical y abrió nuevos caminos
para generaciones posteriores de guitarristas, muchos hicieron uso de su
publicación “Eddie Lang's Modern Advanced Guitar Method” para tener una nueva
visión de un instrumento que, en su época, solía estar relegado a un papel
secundario y rítmico, por no decir percusivo.
Nacido en Philadelphia el 25 de octubre de 1902 e hijo de
inmigrantes italianos, su nombre real era Salvatore Massaro y era el menor de 8
hermanos. Conoció a Joe Venuti desde la infancia, incluso estudió violín
durante 11 años; La guitarra, al igual que el banjo, los aprendió a tocar por
su cuenta.
A los 21 años, en 1923, realiza su primera grabación con la
orquesta de Charlie Kerr, luego va ganando popularidad con los Mound City Blue
Blowers, una de las grabaciones que hace con ellos, en 1924, “Deep Second
Street Blues” es, para algunos historiadores, considerada como la canción que
contiene el primer solo de guitarra de jazz grabado; también gira con ellos por
Inglaterra.
En 1926 se casa y cambia su domicilio habitual a New York,
empieza a usar una Gibson L4, aunque su sonido característico lo consigue con
una L5, a partir de 1929.
Durante esta época se convierte en uno de los músicos de
sesión mas solicitados, grabando junto a orquestas, solistas y pequeños combos
en diferentes sellos, mientras toca en clubs de Broadway, participa en
programas de radio, bandas sonoras para cine y ocupa un puesto fijo en la
orquesta de Roger Wolfe Kahn.
La segregación racial estaba lejos de ser erradicada, en
aquellos años la sociedad americana no veía tolerable mezclar músicos negros y
blancos, cada comunidad tenía sus propias características y su propias listas
de éxitos, en el caso de la población negra se denominaba “Race music” a todo
lo que fuese destinado a ese público, como siguió sucediendo hasta años después
de la explosión del Rock and Roll.
Lonnie Johnson era otro de los pioneros de la guitarra como
instrumento solista, una de las grandes figuras de aquella “Race music”, por
eso, no parecía tan descabellado que participase en alguna grabación con su
compañero de sello (Okeh) Eddie Lang. Así fue, hicieron alguna sesión juntos,
para la ocasión Lang fue rebautizado como Blind Willie Dunn.
Durante 11 meses hicieron una decena de duetos, también
acompañaron al bluesmen tejano Alexander, y junto a Hoagy Carmichael y King
Oliver, realizaron dos sesiones como Blind Willie Dunn´s Gin Bottle Four.
Johnson solía realizar el trabajo solista mientras que Lang
realizaba complejos acompañamientos con líneas de bajo, esa era la tónica
predominante, aunque también hacia solos en algunas de estas grabaciones.
Aparte de estas colaboraciones ocasionales, cada uno seguía con su propia
carrera, Lonnie en el blues y Eddie en el jazz.
En 1929, junto a su amigo Joe Venuti, pasa a formar parte de
la orquesta del llamado, en aquella época, “Rey del jazz” Paul Whiteman, una
formación muy popular, y demandada en las fiestas y bailes de todo el país.
Lang sólo permanece un año, en el cual hace una gira por toda America con
conciertos a diario, apariciones semanales en radio y una revista
cinematográfica llamada “King of jazz", una especie de película musical.
En 1930 participa en la grabación original de un tema que se
convertirá en un standard, “Georgia on my mind”, de Hoagy Carmichael y Stuart
Gorrell.
El punto álgido de su popularidad comienza en 1931, cuando
trabaja junto a Bing Crosby, quien también había cantado en la orquesta de
Whiteman e iba a convertirse en uno de los cantantes más emblemáticos de la
nación. Lang le acompaña en grabaciones y actuaciones, además le asesora
musicalmente.
Eddie aparece junto a Crosby en su debut en un largometraje,
la película “The Big Broadcast”, del recién nacido estudio Decca, lo que supone
un gran escaparate para su talento. Interviene en nuevas proyecciones junto a
artistas como Ruth Etting, y participa en la banda sonora de algunos episodios
de la popular Betty Boop.
A los 30 años, a punto de ir a California para trabajar en
el film “College Humor” junto a Bing Crosby, fallece a causa de complicaciones
tras una operación de amígdalas el 26 de marzo de 1933.
Además de las ya mencionadas, como legado nos quedan sus
grabaciones con figuras como Louis Armstrong o Bessie Smith, junto a las
realizadas como solista. Hay que decir también que fue el primer guitarrista
dentro del jazz, en realizar grabaciones sólo con la guitarra, sin
acompañamiento alguno, con un tema que maravilló a otros guitarristas en 1927,
“A little love a little kiss”.
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, con el Stabat Mater para Solistas, Coro y Orquesta, de Franz Joseph
Haydn.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
El sitio www.biografiasyvidas.com
publicó este recordatorio.
Luciano Berio
(Oneglia, 1925 - Roma, 2003) Compositor italiano, uno de los
más notables exponentes de la vanguardia musical internacional. Realizó sus
estudios con G.F. Ghedini y con Luigi Dallapicolla. En 1955 fundó, con Bruno
Maderna, el Estudio de Fonología de la RAI en Milán. Sus obras, marcadas por
una constante preocupación por la materia sonora, se caracterizan por su
adhesión al serialismo y a los procedimientos experimentales de los años
cincuenta. Algunas composiciones a destacar son Variaciones (1954), Homenaje a
Joyce (1958), Visage (1961), Concierto para dos pianos (1973) y La verdadera
historia (1982). En los años noventa alternó su labor creativa con la
dirección, visitando España con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt.
En 1998 apareció la recopilación de su obra Sequenze.
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| Luciano Berio |
Nacido en el seno de una familia de compositores, recibió de su padre las primeras nociones musicales, que completó en el Conservatorio de Milán. Después del Magnificat para dos sopranos, coro y conjunto instrumental (1949), obra cercana al neoclasicismo de Stravinsky, compuso música ligera de vanguardia en la que aplicó los métodos seriales de Luigi Dallapiccola, y cuyo humorismo estaría presente en la mayoría de sus obras posteriores.
En 1954 fundó, junto con Bruno Maderna, el Estudio de
Fonología de la RAI de Milán, fruto de sus investigaciones en el campo de la
música electrónica, que se convirtió en uno de los centros más importantes de
la música de vanguardia. Marcó un hito importante en su producción
electroacústica la obra Homenaje a Joyce (1958). Las piezas que compuso durante
esta década se caracterizan por basarse en una escritura simple y espontánea
que otorga un papel preponderante a los aspectos lingüísticos. Tras un período
de residencia en Estados Unidos (1965-1972), dirigió el departamento de
electroacústica del IRCAM de París (1973-1980), y a su regreso a Italia se
encargó de la delegación milanesa de dicho organismo. Estuvo casado con la
cantante Cathy Berberian, su colaboradora en obras como Folk Songs.
Inscrito en las corrientes vanguardistas más avanzadas de la
posguerra, la obra de Luciano Berio sorprende por su absoluta novedad.
Interesado por las posibilidades de los medios electroacústicos, durante su
etapa en el Estudio de Fonología Musical de la RAI llevó a cabo una interesante
labor experimental, aplicada posteriormente en algunas de sus composiciones. En
su producción música y voz juegan un papel de reciprocidad cuidadosamente
estudiado, en el que el significado lingüístico y el musical alcanzan un perfecto
equilibrio.
Algunas de sus obras de mayor interés son Variaciones para
orquesta de cámara (1953), Nones (1954), Allelujah per orchestra (1956),
Circles (1960) y Laborintus II para voz, instrumentos y banda magnética (1965).
Uno de los rasgos más llamativos de su estilo es su hábil y original uso del
collage, evidente en partituras como Sinfonía para ocho voces y orquesta
(1968), en la que se dan cita los más diversos elementos literarios y
musicales. De su composición para la escena cabe destacar la ópera La verdadera
historia (1982). En su producción posterior, Luciano Berio demostró cierta
tendencia a dar un mayor protagonismo a la orquesta sinfónica tradicional.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Folk Songs..
Se trata de una serie de canciones rescatadas
del folclore popular de varios países de Europa. La obra, que fue estrenada en 1964, trae al presente
motivos medievales y renacentistas, atravesados por arreglos contemporáneos. En
el transcurso de las piezas, la misión de la soprano consiste en desplazarse
por diferentes estados de ánimo que afectan no sólo la emotividad sino también
el uso mismo de la voz.
Las dos primeras piezas de esta lúdica serie (Black Is the Colour (Of My True Love’s Hair) y I Wonder as I Wander), sin embargo, fueron escritas por el compositor y músico estadounidense John Jacob Niles. A estas las siguen Loosin yelav (Armenia), Rossignolet du bois (Francia), A la femminisca (Italia), La Donna Ideale y Ballo (compuestas por Berio, inspiradas en poemas italianos del mismo nombre), Motettu de tristura (Canción cerdeña), Malurous qu’o un fenno y Lo Fïolairé (Canciones occitanas) y Qalalıyam (canción de Azerbaiyán). Con información del sitio www.ficciondelarazon.org
La interpretación a cargo de Sarah Maria Sun, soprano, y el Ensemble
KNM, de Berlín.
El sitio www.apoloybaco.com
publicó este recordatorio.
Sonny Criss.
William «Sonny» Criss (23 de octubre de 1927, Memphis,
Tennessee, Estados Unidos – 19 de noviembre de 1977, Los Ángeles, California,
Estados Unidos), estuvo dotado de un excelente sonido y un peculiar estilo,
aunque tuvo que soportar una voraz crítica de quienes le consideraban un vulgar
imitador de Charlie Parker, algo que le ocurrió también a otros saxos altos de
la época.
Sus comienzos en los escenarios, fue a edad muy temprana y
con sólo 15 años, se trasladó a Los Ángeles donde formó parte de alguna de las formaciones
más importantes de la Costa Oeste de los EE.UU, entre ellas la del afamado Stan
Kenton. En 1947 le surgió la oportunidad de enrolarse en los famosos «All
Stars» del productor y empresario Norman Granz y de ahí saltó a formar parte de
la orquesta del baterista Buddy Rich.
Hasta 1956 no grabó sus primeros discos a su nombre. En
aquél año firmó un importante contrato con un sello menor «Imperial Records»,
que aunque desconocido, tenía la gran ventaja de tener ubicados los estudios en
New york, lo que le valió codearse con los mejores músicos de jazz de la gran
manzana.
Pero su gran oportunidad le llegó en 1956 cuando firmó un
nuevo contrato con el sello «Prestige», uno de los grandes iconos del jazz.
Para ese fantástico sello, grabó los mejores registros de su carrera que fueron
muy bien aceptados por la crítica y aficionados. Enfermó de cáncer a finales de
los años 70 y ya no volvió a tocar. Su depresivo estado de ánimo le llevó a
quitarse la vida en Noviembre de 1977.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Out Of Nowhere.
La comunidad judía de Madrid nos abrió sus puertas para
adentrarnos en La Jornada Europea de la Cultura Judía para conocer su historia.
¿Cuándo llegan los primeros judíos a Madrid? ¿De dónde proceden? ¿Cómo ha ido
evolucionando esta comunidad con los años? Nos lo cuentan Jacobo Israel y Uriel
Macías.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/jornada-europea-cultura-judia-cjm/6989274/
El sitio www.en-academic.com
publicó esta biografía.
Sir Donald McIntyre, CBE (nacido en Auckland el 22 de
octubre de 1934) es un célebre bajo - barítono de ópera. Hizo su debut formal
como Zaccaria en Nabucco, en la Ópera Nacional de Gales, en 1959. En 1964 creó
el papel del Extraño en el estreno mundial de Martin 's Lie de Gian Carlo
Menotti en el Festival Internacional de Música de Bath. Ha actuado en Covent
Garden (desde 1967, debutando como Pizarro en Fidelio), el Festival de Bayreuth
(desde 1967), el Teatro alla Scala, etc. Cantó por primera vez en el
Metropolitan Opera en 1975, como Wotan en Das Rheingold, y fue visto en ese
teatro hasta 1996.
Su discografía incluye Pelléas et Mélisande (como Golaud,
con George Shirley y Elisabeth Söderström, dirigida por Pierre Boulez, 1969),
Parsifal (como Klingsor, junto a Dame Gwyneth Jones, 1970), Lohengrin como
Friedrich von Telramund (dirigida por Rudolf Kempe), Œdipus rex (dirigida por
Sir Georg Solti, con Sir Peter Pears, 1976), Parsifal (como Gurnemanz, dirigida
por Sir Reginald Goodall, 1984), así como los oratorios de Handel, El Mesías e
Israel en Egipto.
Un logro importante fue su Wotan en Bayreuth, grabado y
filmado, dirigido por Boulez y dirigido por Patrice Chéreau (1979-80). También
en DVD están las interpretaciones de Sir Donald de Der Fliegende Holländer (dirigida
por Wolfgang Sawallisch, 1974), Elektra (como Orest, con Birgit Nilsson
dirigida por James Levine, en la producción de Herbert Graf, 1980), Die
Meistersinger (dirigida por Sir Charles Mackerras, 1990), Arabella (con Dame
Kiri Te Kanawa, 1994), así como otra Elektra (dirigida por Levine, 1994).
Sir Donald tiene una calle que lleva su nombre en Newtown,
Wellington.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con el aria de
Wotan, Leb' wohl, du kühnes, herrliches Kind, de la ópera La Valquiria, de
Richard Wagner, junto a la Orquesta del Festival de Bayreuth, dirigida por Pierre
Boulez.
El sitio www.cooperativa.cl
publicó este recordatorio firmado por O. Lizama.
La incomparable: La vida de luces y sombras de Cecilia
Pantoja
Publicado: Martes, 25 de Julio de 2023 a las 08:33hrs. | Periodista Digital: O. Lizama
La cantante Cecilia falleció a los 79 años.
La incomparable: La vida de luces y sombras de Cecilia Pantoja
La cantante Cecilia Pantoja falleció a los 79 años producto
de diversas complicaciones de salud que la mantuvieron los últimos días
hospitalizada.
Pese a su partida su legado seguirá imborrable en la memoria
colectiva chilena no sólo por canciones como "Dilo calladito",
"Puré de papas" o "Un compromiso", también por su
incomparable voz, sus rupturistas shows sobre el escenario y su compleja vida
fuera de él.
Cecilia, la incomparable
Nació como Mireya Cecilia Ramona Pantoja Levi el 21 de
octubre de 1943 en la ciudad de Tomé y desde temprana edad comenzó a mostrar
interés en la música. A fines de la década de los 50 participó de sus primeros
conjuntos musicales, con quienes alcanzó a grabar un puñado de canciones.
En 1962, y bajo el alero del sello Odeón, Cecilia debutó
como cantante solista con su disco sencillo "Uno de tantos", un tango
italiano reversionado al español que incluía el rock and roll "I wanna
live".
En los años siguientes editó varios de sus más grandes
éxitos como "Aleluya" y "Baño de mar a medianoche", temas que le permitieron convertirse en la
artista juvenil más relevante de principios de los 60.
Además de su inconfundible interpretación y la altísima
popularidad de sus canciones en las radios, Cecilia logró llamar la atención
del público con una rupturista performance sobre el escenario que incluía
bailes, histriónicos movimientos, llamativas ropas y un look atípico para las
voces femeninas de la época.
En 1965 ganó el Festival de Viña del Mar con la canción
"Como una ola". Su presentación es recordada por haber desafiado a
las autoridades de Viña del Mar, quienes le exigieron no realizar su clásico
"beso de taquito", un paso inspirado en el fútbol que era considerado
inapropiado para las mujeres. Pese a ello Cecilia lo hizo, se llevó el premio y
se inmortalizó en la escena musical chilena.
Cecilia durante la dictadura militar
Cinco años después la cantante estrenó su último disco
"Gracias a la vida", fundó su propio sello e intentó iniciar una
carrera internacional con poco éxito. Con la llegada de la dictadura Cecilia se
vio relegada al circuito musical bohemio y alternativo, siendo desplazada por
la cultura oficial de esa época.
Incluso recientemente reveló que pasó un duro periodo
encarcelada durante el régimen de Augusto Pinochet por unas supuestas facturas
impagas, aunque diversas fuentes aseguran que fue por razones políticas.
"Una experiencia que marcó mi vida para siempre fue
estar presa", relató la cantante sobre su paso por la prisión.
El renacimiento y los últimos años
En la década de los 90 y con el regreso de la democracia,
Cecilia la incomparable vivió un verdadero renacer en su carrera, el cual se
vio fuertemente impulsado por la edición de su tema "Un compromiso"
por parte de Javier y Los Imposibles.
De ahí en adelante el público redescubrió su obra, la que se
hizo parte de diversas teleseries, programas de televisión y otras expresiones
culturales. En 2016 fue reconocida con el Premio a la Música Nacional
Presidente de la República.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: Baño de mar a medianoche.
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| Hadi Karimi |
El sitio www.scherzo.es publicó
este recordatorio
Sony Classical celebra el primer centenario de Robert Craft
24/05/2023
/ Paco Yáñez
Entre los centenarios que en 2023 estamos conmemorando, dos
tienen una muy directa relación con la música denominada «de creación» o
«contemporánea» escrita a lo largo del siglo XX: por un lado, en el terreno de
la composición, el del húngaro György Ligeti; por otro, en el de la
interpretación, el del estadounidense Robert Craft, director nacido en Kingston
(Nueva York), el 20 de octubre de 1923, y fallecido hace casi ocho años, el 10
de noviembre de 2015, en Gulf Stream (Florida).
Graduado en la Juilliard School en 1947, Robert Craft fue
uno de los directores norteamericanos que mejor supo aprovechar la histórica
oportunidad que el exilio de tantos músicos y compositores europeos a los
Estados Unidos supuso para incorporar a la creación de dicho país las dos
corrientes principales que, de primera mano, llevaron a América tanto Arnold
Schoenberg como Igor Stravinsky: binomio del cual en los Estados Unidos se
alcanzó una de sus más aquilatadas síntesis, en la obra de Elliott Carter.
Los intereses de Robert Craft, en todo caso, lejos
estuvieron de limitarse a la que fue música de su tiempo: la de los Anton
Webern, Paul Hindemith, Edgard Varèse, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen y
un largo etcétera, y se extienden hasta un Renacimiento del cual nos ofreció registros
pioneros en Norteamérica, llevando a los estudios de grabación partituras de
compositores por Craft tan queridos y estudiados como Carlo Gesualdo, Claudio
Monteverdi o Heinrich Schütz, en una progresión histórica que incorporará a su
catálogo fonográfico en el sello Columbia partituras de Johann Sebastian Bach,
Wolfgang Amadeus Mozart o Johannes Brahms, entre muchos otros.
Ese diálogo histórico con las músicas del Barroco y el
Renacimiento fue compartido por Robert Craft, como director, con Arnold
Schoenberg e Igor Stravinsky, los dos compositores que con mayor frecuencia
Craft grabó en estudio, aunque no sólo por ambos genios su labor ha de ser
calificada de histórica en lo que a este repertorio se refiere, pues de Edgard
Varèse contamos con grabaciones del director neoyorquino cuya vigencia y
enfoques interpretativos lejos están, décadas después de su publicación, de
agotarse.
Es por ello que el cofre que acaba de lanzar al mercado Sony
Classical, bajo la denominación Robert Craft. The Complete Columbia Album
Collection, se convierte, desde ya, en una referencia insoslayable para
comprender la interpretación de estos clásicos del siglo XX en versiones que,
en muchos casos, hemos de calificar de precursoras y que respiran el espíritu
del tiempo en que estas partituras fueron creadas; especialmente, las dedicadas
a un Igor Stravinsky del cual, tras su primer encuentro en 1948 y hasta el
fallecimiento del compositor ruso, en 1971, Robert Craft se convirtió en
secretario, mano derecha y albacea, habiendo trabajado mano a mano con
Stravinsky las enigmáticas y sorprendentes partituras de su último periodo
compositivo, así como los libretos de algunas de sus obras postreras
(querencia, la de Robert Craft por la escritura —con la que testimonió dicha
colaboración con Stravinsky—, de la cual el lector en lengua castellana tiene
dos buenos ejemplos en los volúmenes del director norteamericano publicados por
Alianza Música, en 1991, y Acantilado, en 2013).
Sin apartarnos del formato libro, un repaso a la mejor guía
discográfica que a Igor Stravinsky se haya dedicado en castellano: la firmada
por nuestro compañero Santiago Martín Bermúdez (Ediciones Península, 2001), nos
sirve para comprobar la importancia de las interpretaciones de Robert Craft,
pues buena parte de las mismas merecieron una calificación entre el notable y
el sobresaliente por parte de Martín Bermúdez cuando en su guía se refirió a la
magna Igor Stravinsky 1882-1971. The Edition publicada por Sony Classical en el
año 1991; edición que la propia Sony recuperó y amplió en 2015 con Igor
Stravinsky. The Complete Columbia Album Collection, incluyendo un reprocesado
que mejoró sustancialmente la de por sí muy buena calidad de los registros
originales efectuados por los ingenieros de Columbia, así como confirió un
importante realce a las tomas monoaurales no incluidas en su día en la primera
Stravinsky Edition de Sony.
Precisamente, la remasterización de las cintas originales es
uno de los puntos fuertes de esta nueva Robert Craft. The Complete Columbia Album
Collection, que en 44 compactos no sólo nos ofrece los grandes hitos
fonográficos de Robert Craft dedicados al Renacimiento, a la Segunda Escuela de
Viena, a Edgard Varèse o a Igor Stravinsky, sino hasta 68 grabaciones que
aparecen por primera vez en CD o el rescate de ediciones que tan merecidamente
hemos de calificar de históricas como el que fue primer registro mundial de las
obras completas de Anton Webern, llevado a cabo entre los años 1954 y 1956, al
cumplirse entonces la primera década de la muerte del compositor austriaco.
Un completísimo libreto, que desgrana los detalles de cada
grabación, redondea una edición lujosamente presentada, con la reproducción en
color de las carátulas originales en las fundas de cada sobre, en los cuales
estos 44 compactos remedan, asimismo, la estética de los viejos vinilos.
En las próximas semanas esperamos darles detalles más
pormenorizados de esta Robert Craft. The Complete Columbia Album Collection con
la que Sony Classical festeja el centenario de uno de los directores que
cambiaron nuestra forma de comprender la música del siglo XX.
Paco Yáñez
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación, al frente de la Orquesta Philharmonia, del Concierto
para Violín y Orquesta de Igor Stravinsky. Solista en vioín, Krzysztof Smietana.
El sitio www.memoriachilena.gob.cl
publicó este recordatorio.
Patricio Bunster Briceño (1924-2006)
Figura clave en la conformación de un movimiento de danza en
Chile durante la segunda mitad del siglo XX, Patricio Bunster Briceño formó
parte de la primera generación de coreógrafos que emergieron al alero del
Ballet Nacional Chileno...
Figura clave en la conformación de un movimiento de danza en
Chile durante la segunda mitad del siglo XX, Patricio Bunster Briceño formó
parte de la primera generación de coreógrafos que emergieron al alero del
Ballet Nacional Chileno. Junto con consagrarse como un eximio intérprete en
momentos en que se sistematizaba la instrucción de bailarines, recogió de sus
maestros Kurt Jooss, Ernst Uthoff y Sigurd Leeder las herramientas para acrisolar
un lenguaje propio que diera cuenta de la memoria social y las disyuntivas de
Sudamérica durante los álgidos años sesenta y setenta. El contacto con el surco
renovador que en Europa abriera la danza expresionista significó para Bunster
dar un salto en la escenificación de su ideario político y convertirse en un
precursor de la llamada danza social.
Fruto de esa amalgama de influencias, nacieron las
producciones que le reportaron temprana celebridad y reconocimiento: Calaucán
(1959) y La silla vacía (1968), llevadas a escena junto al Ballet Nacional. En
ellas, Bunster moldeó los elementos que conformaron el sello que distinguió a
la veintena de piezas que dirigió antes de partir al exilio en 1973: la
exploración de las posibilidades dramáticas de los cuerpos en escena; el
énfasis en el histrionismo; la utilización de una narrativa kinética de fácil
lectura; la reflexión en torno a distintos capítulos de la memoria local a
través de las coreografías; y el uso de composiciones pertenecientes a la llamada
Nueva Canción Chilena, a raíz de su estrecha colaboración con el actor y
cantautor Víctor Jara.
Las ideas americanistas le otorgaron un sustento
significativo a su propuesta y sus trabajos fueron vistos como exponentes de
una danza inspirada en fuentes originarias, en contraste con el influjo de la
academia, los rígidos códigos del ballet y las corrientes europeas
predominantes. Esta valoración de lo autóctono convirtió a Bunster en un
referente a nivel iberoamericano, no obstante ser considerado también como el
principal maestro del llamado método Leeder en el continente.
A su regreso a Chile, la carrera de Bunster se coronó con La
vindicación de la primavera, una versión de la célebre pieza de Igor Stravinsky
que invitaba a una lectura política en momentos en que crecía la tensión
interna en el país.
A lo largo de sus seis décadas de trabajo, sin descuidar su
activismo artístico, Bunster privilegió la labor formativa de bailarines y
coreógrafos. Si en los años sesenta abrazó esa tarea desde la Escuela de Danza
de la Universidad de Chile, a partir de los ochenta lo hizo desde el Centro de
Danza Espiral, siempre con el afán de transmitir su convencimiento de que
"la danza puede ser una forma de optimismo que lleva a ver, aún en las
cosas más desastrosas, un atisbo de que todo puede mirarse de otro modo",
como afirmó un año antes de morir.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Poema 15, en la versión de Isidora Guzmán y David Correa, y la voz de
Víctor Jara.
El Mirador Nocturno – Radio / Gioacchino Rossini - Stabat
Mater.
Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, con el Stabat Mater para Solistas, Coro y Orquesta, de Gioacchino
Rossini.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Anita Belle
Colton, más conocida como Anita O'Day, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos,
el 18 de octubre de 1919, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos,
el 23 de noviembre de 2006. Cantante.
El sitio www.apoloybaco.com publicó este
recordatorio.
Anita O’Day.
Muchos consideran
que Anita Belle Colton -verdadero nombre de Anita O’Day – es la cantante blanca
de jazz con mayor personalidad. De timbre y orientación cool, lo cierto es que
Anita O’Day (Chicago, 18 de octubre de 1919-Los Ángeles, California, 23 de noviembre
de 2006), fue una cantante excelente tanto en trío o pequeña formación que como
vocalista de bigband. De origen humilde, su afición a la música vino de
escuchar los discos de Mildred Bailey y Billie Holiday. En sus comienzos fue
rechazada por el clarinetista, Benny Goodman, para formar parte de su orquesta,
prefiriendo para la misma a Peggy Lee.
Su oportunidad le
llegó cuando fue contratada por el batería, Gene Krupa, como vocalista de su
orquesta en 1941 y ya en ese mismo año, el tema: «Let Me Off Uptown» fue un
éxito tremendo. Su estancia con Gene Krupa, al margen de darle celebridad y
fama sirvió para coger experiencia en el canto y en el dominio del scat, un
arte que practicaba con elegancia, sencillez y muchas dosis de swing. En 1943,
Krupa disolvió la orquesta cuando fue detenido por posesión de marihuana.
La cantante
recaló en la orquesta de Stan Kenton donde esperó que su antiguo jefe
abandonara la cárcel. Con Krupa en libertad, Anita O’Day volvió con él en 1945.
Estuvo dos años, y al cabo de los mismos se lanzó a cantar en solitario
consiguiendo grabar algunos temas para pequeñas casas discográficas. Tras una
fase crítica, en la que también consumió drogas, Norman Granz la contrato en
1952 para sus sellos, «Clef», «Norgran» y luego «Verve». Con Norman Granz, pasó
la etapa más fructífera de su carrera y fue el periodo de sus grandes discos.
Empieza a sacar
al mercado un par de discos todos los años desde 1952, pero su gran éxito no
llega hasta 1957 cuando graba junto al trío del pianista, Oscar Peterson, el
álbum «Anita Sing the Most» un disco donde muestra su admirable espontaneidad y
su capacidad de improvisación. En 1958 graba otro extraordinario álbum: «Sings
the Winners» alternando el canto con la orquesta de Russ García y con la de
Marty Patch.
Su contrato con
Verve termina en 1962, diez años después y el resultado es una serie
extraordinaria de discos excelentes que alcanza el cenit con el álbum grabado
bajo el liderazgo de su anterior jefe de filas, el baterista, Gene Krupa, que
veinte años después de terminada la era del swing, graba un disco atemporal
«Drummer Man» que queda para siempre como uno de los grandes logros de la
carrera de ambos. Una vez cancelada su relación con Verve, la cantante pasó un
periodo de continuas actuaciones y giras por todo el mundo y por infinidad de
festivales liderando su trío. Posteriormente estuvo ocho años sin grabar y su
vuelta en 1970 produjo un magnifico disco en directo en el Festival de jazz
Berlín de aquel año.
El éxito de aquel
concierto en directo, le animó para grabar otros tantos en Tokyo, San Francisco
o en Londres, llegando a la década de los noventa con el que ha sido hasta
ahora su último disco titulado: «Rules of the Road» grabado para el sello
«Pablo» en 1993. Ya allí su voz no era más que un deprimente susurro y no
quedaba nada de su grandeza anterior. Una grandeza que la situó muy cerca de
las tres grandes cantantes de jazz de la historia: Ella Fitzgerald, Sarah
Vaughan y Billie Holiday.
A continuación,
la recordamos en el día de su nacimiento, con Tea For Two, y That Old Feeling.