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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Charles Theodore Pachelbel, nació en Stuttgart, Alemania, y fue bautizado como Carl Theodorus Pachelbel, el 24 de noviembre de 1690. Murió en Charleston, Carolina del Sur, Estados Unidos, y recibió sepultura el 15 de septiembre de 1750. Compositor, organista y clavecinista.
Pachelbel, Charles Theodore (en realidad, Carl Theodor), organista, clavecinista, profesor y compositor germano-estadounidense, hijo de Johann Pachelbel y hermano de Wilhelm Hieronymus Pachelbel; n. Stuttgart (bautizado), 24 de noviembre de 1690; f. Charleston, SC (enterrado), 15 de septiembre de 1750. Emigró a Boston c. 1732; sirvió como organista en Trinity Church en Newport, Rhode Island. Luego fue a Nueva York y apareció en conciertos como clavecinista (21 de enero y 8 de marzo de 1736), y luego fue organista en St. Philip's Church en Charleston (1737-1750). Dio su primer concierto público en su casa allí (22 de noviembre de 1737). En 1749 fundó su propia escuela de canto. Su única obra existente, un Magnificat para 8 voces (edición moderna, NY, 1937), fue escrita antes de su emigración a los EE. UU.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Magnificat en Do Mayor, en la versión del Conjunto Johann Sebastian Bach, dirigido por Matthias Böhringer.
Élisabeth Jacquet de La Guerre, también conocida como o
Élisabeth-Claude Jacquet de La Guerre, nació en París, Francia, el 17 de marzo
de 1665, y murió en su ciudad, el 27 de junio de 1729. Clavecinista y
compositora.
Élisabeth Jacquet de la Guerre, “la petite merveille” del
rey Sol
La historia de la clásica escrita por mujeres XI
19-11-2020
Superada la decena de artículos en este ciclo de La historia
de la clásica escrita por mujeres, hoy retrocedemos en el tiempo para recuperar
la figura de la compositora y clavecinista francesa Élisabeth Jacquet de la
Guerre.
Hace 355 años, el 17 de marzo de 1655, nació en la ciudad de
París Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre (née Jacquet) en una familia de
larga tradición musical: hija de una talentosa clavecinista y un reconocido
organista de la iglesia Ile-Saint Louis de la capital francesa, su abuelo era
un famoso constructor de órganos y sus hermanos también se convirtieron en
reputados músicos. Desde antes de su nacimiento, era evidente, pues, que la
música iba a jugar un importante papel en la vida de Élisabeth. Y así fue.
Habiendo recibido previamente formación en esta disciplina por parte de su
padre, la niña prodigio, con tan sólo cinco años, fue presentada en la corte
francesa de Luis XIV, donde impresionó al rey Sol con sus improvisaciones al
clave.
Si bien no podemos asegurar que la acción fuera más el
resultado de un deseo ingenuo de Luis XIV de querer promocionar el talento
artístico que de satisfacer uno de los posibles caprichos de su amante, Madame
de Montespan, el caso es que el monarca francés inmediatamente ofreció a la
familia Jacquet una importante propuesta de patrocinio de cara al talento de su
hija que de ninguna manera hubieran podido rechazar. Cuando Élisabeth Jacquet
de la Guerre entró en la etapa de la adolescencia, fue aceptada en la Corte
Real francesa de la mano de Françoise-Athenas —Madame de Montespan—, que le
supervisaría una educación exquisita, la craría como si se tratara de una hija
más y constituiría una puerta directa para Élisabeth Jacquet a la sociedad
francesa más cultivada de la época.
Élisabeth, que fue conocida como “La petite Merveille” del
monarca, comenzó a componer obras dramáticas que se representaban en la corte
y, ocasionalmente, ante el rey, como pequeñas óperas. Estas le supusieron el
reconocimiento de todos los maestros de su tiempo, y su fama trascendió la
capital francesa, con un éxito que se extendió por todo el país e incluso en el
extranjero.
Después de su 19º aniversario, Élisabeth Jacquet de la
Guerre abandonó la corte de Versalles y la compañía de Madame de Montespan para
casarse con el organista Marin de la Guerre, hijo del difunto organista de la
Sainte-Chapelle, Michel de la Guerre , y posición que él mismo acabaría
ocupando. La unión con un músico permitió a Élisabeth Jacquet continuar con su
carrera profesional: se estableció con su marido en París, donde, además de
ofrecer clases particulares de clave, organizó conciertos como compositora e
intérprete que disfrutaron de un gran éxito. Grandes músicos y eruditos venían
de todo el mundo para escuchar esta prodigio del clave, que a los 26 años fue
incluida por Titon du Tillet en su Parnaso, al lado Lalande y Marais y justo
debajo de Lully.
Jacquet de la Guerre, que fue de las pocas mujeres que
tuvieron acceso a estudios de composición, también formó parte del minoritario
conjunto de compositores contemporáneos que vio sus obras publicadas
En 1687 Élisabeth Jacquet de la Guerre publicó sus obras por
primera vez: Premier livre de pièces de clavessin, que se rescató en 1970 del
olvido, contenía cuatro suites dedicadas a Luis XIV y constituyó una de las
pocas colecciones de obras para clavecín impresas en Francia en el siglo XVII.
Jacquet de la Guerre, que fue de las pocas mujeres que tuvieron acceso a
estudios de composición, también formó parte del minoritario conjunto de
compositores contemporáneos que vio sus obras publicadas. Cuatro años más
tarde, compuso el ballet Les Jeux à la honneur de la victoire, partitura que a
día de hoy está perdida y la que, junto con su ópera Céphale et Procris —la
primera compuesta por una mujer en Francia—, representa un periodo de esplendorosa
y ambiciosa producción para Jacquet de la Guerre. Gracias a su testamento del
año 1726, sabemos también de la existencia de dos óperas más compuestas durante
esta etapa creativa. A lo largo de su vida, la compositora francesa se atrevió
a experimentar con diversos géneros musicales, también italianos: en la década
de los noventa, compuso cantatas y sonatas en trío, de las cuales las últimas
forman parte de los primeros ejemplos de sonata francesa junto con las de
Couperin y Charpentier, entre otros.
Me he esforzado,
Majestad, para merecer su aprobación, que siempre ha supuesto todo para mí …
Sin duda, la carrera de Madame de la Guerre, descrita en la
edición de diciembre de 1690 del Mercure Galant como el «sombra de Lully […] la
compositora y músico más prominente», iba in crescendo a velocidad exponencial.
La muerte de sus padres, de su marido, de uno de sus hermanos y, incluso, de su
hijo de 10 años en los años siguiente, provocó un pequeño parón compositivo, si
bien continuó ofreciendo conciertos como intérprete más recluida en la
intimidad. Finalmente, en 1707 volvió a la composición con la publicación de
una colección de obras para clavecín —Pièces de Clavecin qui peuvent se jouer
sur le Violon— y seis Sonatas pour le violon et pour le clavecin, una nueva
muestra de composiciones con acompañamiento de clave, en el rol de obbligato
respecto al violín. La dedicatoria al rey Sol que acompañaba las dos
colecciones es una de las numerosas muestras de agradecimiento que Élisabeth
Jacquet de la Guerre mostró al monarca por su admiración y su mecenazgo
continuado mientras vivió: «Te complació ver el nacimiento del talento que te
he dedicado; e incluso me has honrado con tus elogios, cuyo valor yo no
entendía en aquella época. Desde ese momento, mi modesto talento ha crecido. Y
me he esforzado, Majestad, para merecer su aprobación, que siempre ha supuesto
todo para mí…»
Al monarca francés también le fueron dedicados los dos
libros de Cantates françoises sur des sujets tirez de l’Ecriture en los años
1708 y 1711, las primeras cantatas sacras compuestas en Francia. Élisabeth
Jacquet de la Guerre publicó por última vez su obra en 1715: se trataba de una
colección de Cantatas francesas profanas dedicadas al príncipe elector de
Baviera, Maximiliano II Manuel, e incluía tres cantatas y un dúo para soprano y
bajo continuo. Con la muerte de Luis XIV el 1 de septiembre de ese mismo año,
la voz creativa de la compositora francesa se sumió en un silencio que nunca
más se rompió.
Jacquet de la Guerre fue la única música en el círculo
intelectual femenino real durante los 72 años de reinado del rey Sol
El 27 de junio de 1729, la luz de Élisabeth Jacquet de la
Guerre se apagó para siempre. En el conjunto de sus posesiones encontradas
después de su muerte, había tres clavecines y un clavicémbalo manual doble de
los Países Bajos. La compositora, que fue la única música en el círculo
intelectual femenino real durante los 72 años de reinado del rey Sol, legó a la
historia de la clásica numerosas obras, de las que a día de hoy hemos
recuperado los manuscritos de sus sonatas en trío y sonatas para violín o viola
da gamba más tempranas, entre otros. Aunque cayó en el olvido entrado el siglo
XIX, a finales del siglo XX se renovó el interés en sus composiciones, algunas
de las cuales han sido grabadas.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sonata para Violín Nº 1 en Re Menor, en la versión de Rebecca Nelson, en
violín barroco; Sydney ZumMallen, en viola da gamba; Joshua Stauffer, en tiorba;
y David Belkovksi, en clave.
Johan Agrell nació en Linköping, Suecia, el 1 de febrero de
1701, y murió en Nurémberg, Alemania, el 19 de enero de 1765. Maestro de
capilla y compositor.
Nació en la parroquia de Löth, provincia de Östergötland,
Suecia. Su padre era ministro y probablemente le proporcionó una buena
educación desde una edad muy temprana. Asistió a la escuela en Linköping, donde
recibió educación musical. Probablemente participó en el coro de la catedral de
Linköping. También recibió instrucción en violín, teclado y teoría musical por
parte de los maestros Andreas Phallenius, Andreas Duraeus y, lo más importante,
Thomas Ihre, deán de la catedral, buen violinista aunque aficionado. En 1719 se
matriculó en jurisprudencia en la Universidad de Uppsala. Aquí, probablemente
actuó con la Kungliga Akademiska kapellet (la Orquesta Real) bajo la dirección
del músico Eric Burman (1692-1729), quien también fue profesor de astronomía.
Burman había organizado sesiones académicas quincenales para que los
estudiantes practicaran música, y es probable que Agrell participara en estos
conciertos. Durante este tiempo, también fue instruido en teoría musical,
particularmente con la importante obra de Johann Mattheson, Grundlage einer
Ehren-Pforte'.
En los tres o cuatro años que pasó en Uppsala, también pudo
haberse hecho amigo del nuevo vicemaestro de capilla (segundo director
principal de la Orquesta real), Johan Helmich Roman, quien había regresado a
Suecia en 1721. Según varios estudiosos, recibió influencias de la música
religiosa protestante recopilada por Olof Rudbeck, Anders Düben y otros, así
como de la música popular sueca, cuyos ecos aparecieron más tarde en las
propias obras de Agrell.
En 1723, Agrell llamó la atención del margrave de
Hessen-Kassel, Maximiliano, quien le escuchó tocar el violín en un concierto en
Uppsala. Como hermano del rey sueco Federico, el Margrave estaba contratando
músicos para su corte y aparentemente buscó comprometer a Agrell de inmediato.
El único testimonio que hay coloca a Agrell como miembro residente de la
prestigiosa capilla ducal en 1734. Maximiliano estaba muy endeudado, por lo que
probablemente Agrell tocara también para otros familiares, entre ellos el hermano
de Maximilano, y a las órdenes del también maestro de capilla y compositor,
Fortunato Chelleri.
No obstante, Maximiliano reunió a músicos notables durante
el período 1726-1734, incluidas las visitas por invitación de Johann Sebastian
Bach, Jean-Marie Leclair y Pietro Locatelli. Agrell también pudo haber
completado su educación musical con Chelleri, ya que en 1736 se hizo cargo de
bastantes de las tareas de enseñanza de este compositor. El historiador del
teatro Wilhelm Lynker anotó en 1863 que Agrell estaba tan bien considerado en
Kassel en ese momento que se le otorgó el puesto de músico de cámara (o
Kammermusikus), además de asignarle la instrucción de compositores como
Bernhard Hupfeld. Sin embargo, no hay pruebas documentales de eso, aunque a lo largo
de su período en Kassel, Agrell fue un alabado violinista y compositor como se
puede deducir por su participación en el concierto centenario de 1738 del
teatro Schouwburg y por sus giras regulares fuera de Hessen-Kassel.
Las referencias biográficas señalan que durante el período
1734-1746 Agrell realizó varias giras, como virtuoso del teclado y del violín,
a Italia, Francia e Inglaterra. Entre 1737 y 1742 estuvo activo al servicio de
Margrave Guillermo VIII, aunque durante tres años, entre 1743 y 1746, se le
pagó ocasionalmente dadas las dificultades financieras de la corte. Aunque
comprometido con la corte ducal probablemente también actuó con frecuencia como
invitado en las cortes cercanas de Berleburg y Eisenach.
El estado precario de las finanzas ducales motivo que Agrell
buscara empleo en otros lugares. La muerte del compositor Maximilian Zeidler
(1680-1745) en Nuremberg le dio a Agrell la oportunidad de ocupar el
prestigioso puesto de aquel en una de las ciudades libres más prósperas de
Alemania. En 1746 fue nombrado Maestro de Capilla de la ciudad de Nuremberg,
puesto que incluía otras tareas como las de director musical, jefe del gremio
musical local o director-organista musical en la Frauenkirche. Además era el
jefe coordinador de bodas y funerales, compositor oficial de la música
municipal, y de vez en cuando tocaba en otras iglesias de la ciudad. También
comenzó a publicar su música junto a Johann Ulrich Haffner, con sus primeras
seis sinfonías que aparecen en 1746 como su op. 1. Tanta actividad, abrumó a
Agrell hasta el punto de delegar parte de los trabajos de su cargo en Johann
Schwindl.
Poco se sabe de su vida durante las últimas dos décadas. El
3 de septiembre de 1749 se casó con la cantante Margaretha Förtsch. En 1749 se
le otorgó la ciudadanía plena de Nuremberg. En 1753 su esposa muere en el
parto, y Agrell cae en desgracia con el ayuntamiento. Su muerte se registra el
19 de enero de 1765, aunque datos apócrifos afirman que fue en 1767 o 1769.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sonata I para Clave, en la versión de Eva Nordenfelt.
El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Franceses –
Jacques-Martin Hotteterre y André Grétry
Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, con la Cuarta Sonata del ciclo de Sonatas en Trío, la Suite para
Flauta, la Suite para Flauta y Bajo Continuo en Do Menor Nº 2 Op. 5, de Jacques-Martin
Hotteterre, y la Sonata para Dos Claves, las Oberturas de las óperas Zemira y
Azor, y Ricardo Corazón de León, la Suite de Danzas, y el Concierto para Flauta
y Orquesta en Do Mayor, de André Grétry.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Rosalyn Tureck nació en Chicago, Estados Unidos, el 14 de
diciembre de 1914, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 17 de julio de
2003. Pianista y clavecinista.
Rosalyn Tureck (n. Chicago, 14 de diciembre de 1913, m.
Nueva York, 17 de julio de 2003) fue una de las más grandes personalidades
musicales del siglo XX.
Sus brillantes y dedicadas interpretaciones de la música de
Johann Sebastian Bach se basaron en la profundidad de su conocimiento. Aunque
interpretó Bach en una amplia variedad de instrumentos de teclado (clavicordio,
clavecín, órgano e incluso el sintetizador Moog), sus pioneras interpretaciones
de Bach en piano fueron una influencia inspiradora para las generaciones de
pianistas siguientes, como el joven Glenn Gould, quien contó que asistió a un
recital de Tureck en Toronto y luego dijo que ella era la única pianista a la
que admiraba.
Teclista, profesora, directora de orquesta, académica, autora
y conferencista, la Dra. Tureck fundó la Sociedad Internacional Bach en la
ciudad de Nueva York en 1966 y el Instituto Tureck Bach en 1981 para promover
la investigación y la interpretación de la música de Bach. En Oxford,
Inglaterra, en 1993, fundó la Fundación de Investigación Tureck Bach, de la que
renunció en 2000. A su regreso a Nueva York en 2001, reconstituyó el Instituto
Tureck Bach como Instituto de Investigación Tureck Bach. Sus propósitos
incluyen otorgar subvenciones y premios para la investigación e interpretación
de la música de JS Bach y promover la publicación de los escritos académicos de
la Dra. Tureck. También apoyó el establecimiento del Concurso Internacional de
Bach para Jóvenes Pianistas de Tureck, bienal, dirigido por su ex alumna de
piano, Golda Vainberg Tatz. Entre los estudiantes notables de la Dra. Tureck se
encontraban muchos que no eran teclistas, incluida la guitarrista
estadounidense Sharon Isbin y la
violinista y directora de orquesta rusa Rimma Sushanskaya, quien dirige un
festival de música anual que ella estableció en su ciudad natal de
Stratford-upon-Avon, Reino Unido.
La Dra. Tureck enseñó en la Escuela de Música Juilliard, la
Escuela de Música Mannes, la Universidad de Columbia y la Universidad de
Maryland. En 1970 fue nombrada miembro vitalicio del St. Hilda's College,
Oxford, y en 1973 se convirtió en miembro visitante del Wolfson College,
Oxford. Dio recitales, clases magistrales y conferencias en todo el mundo.
Aunque más conocida por sus interpretaciones de Bach,
Rosalyn Tureck interpretó un amplio espectro de música de su época, incluidas
obras de Aaron Copland, Luigi Dallapiccola, David Diamond, Arnold Schoenberg y
William Schuman, muchas de las cuales fueron escritas para ella. Alumna de Jan
Chiapusso y Sophia Brilliant-Liven en Chicago y de Olga Samaroff en la
Juilliard School, hizo su debut en orquesta profesional tocando el Segundo
Concierto para piano de Brahms con la Orquesta de Filadelfia bajo la dirección
de Eugene Ormandy y realizó una gira con la Orquesta Sinfónica de Minneapolis
dirigida por Dimitri Mitropoulos en interpretaciones del Segundo Concierto para
piano de Rachmaninoff. Fue la primera mujer en dirigir un concierto por
suscripción de la Filarmónica de Nueva York y también fundó The Tureck Bach
Players en Londres (1957) y produjo una serie de seis conciertos del
Tricentenario de Bach en el Carnegie Hall en 1985.
Los honores incluyeron Mus Honorario. D. de la Universidad
de Oxford (1977) y la Cruz de Comendador de la República Federal de Alemania
(2002). Además de los Institutos Bach mencionados anteriormente, fundó
Composers of Today en la ciudad de Nueva York entre 1949 y 1953, y el Instituto
de Estudios Bach en Nueva York.
Rosalyn Tureck actuó, enseñó y escribió activamente hasta
poco antes de su muerte. En sus últimos meses completó ensayos y análisis de
libros sobre Las variaciones Goldberg y La interpretación de Bach, siendo este
último una versión revisada y ampliada de su ensayo de tres volúmenes
Introducción a la interpretación de Bach (Oxford 1960). También escribió una
autobiografía que detalla su extraordinaria carrera, Rosalyn Tureck: A Life
with Bach, que se publicó póstumamente (Pendragon Press 2019).
El arte de Rosalyn Tureck vive a través de sus numerosas
grabaciones publicadas por VAI, DGG, EMI, BBC y Sony; y vídeos de conciertos en
vivo, publicados por VAI, así como por su Instituto y sitio web.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con la Partita Nº 2 en Do Menor BWV 826, de Johann Sebastian Bach.
Mario Videla
nació en Salta, Argentina, el 17 de marzo de 1939, y murió en Buenos Aires,
Argentina, el 16 de julio de 2023. Organista, clavecinista, flautista y docente.
Se graduó en la
Facultad de Artes de la Universidad de La Plata en órgano y dirección coral y
completó estudios de perfeccionamiento en Alemania y Holanda. Ha ofrecido
numerosos recitales como organista, clavecinista y director. Además de su labor
como intérprete, ha realizado diversos estudios en pedagogía musical y
musicología, publicando numerosos libros didácticos de música antigua. A
comienzos de los setenta fue invitado a participar en los Festivales Bach
conducidos en Buenos Aires por Kart Richter. En 1982 y 1985 actuó con el Bach
Collegium de Stuttgart dirigido por Helmuth Rilling realizando una importante
gira por ciudades de Alemania Federal, Praga, Varsovia, Cracovia, Leipzig y
Moscú. En Europa se presentó en recitales en el Festival de Lucerna, Roma,
Madrid, Londres y Colonia. En Latinoamérica ofreció conciertos en Caracas,
México, Lima, Quito, Sao Paulo, Montevideo y Santiago de Chile, realizando
diversas grabaciones. Profesor
emérito, tuvo a su cargo la cátedra de Órgano, Canto Gregoriano, Clave y
Metodología en los Conservatorios Municipal “Manuel de Falla” y Nacional
“Carlos López Buchardo”.
Entre 1976 y 2014
se desempeñó como director artístico de la Asociación Festivales Musicales de
Buenos Aires. En 1983 funda la «Academia Bach de Buenos Aires», de la que es
director, con la que ha obtenido un sólido reconocimiento en Latinoamérica a
través de numerosos conciertos comentados. En las últimas temporadas ha
dirigido en el Teatro Colón, la Misa en Si menor, las Pasiones y Oratorios de Bach
además de oratorios de Händel y Vivaldi. En varias oportunidades ha dirigido la
Orquesta de Cámara de Chile y también la Orquesta Sinfónica Nacional.
Mario Videla
recibió varias distinciones, entre ellas el Premio Konex de Platino 1989 en
Música Clásica, en 2003 la Cruz al Mérito de la República Federal de Alemania y
en 2010 el Premio Gratia Artis otorgado por la Academia Nacional de Bellas
Artes. Desde 1997, desarrolla un programa dominical dedicado a Bach titulado
“La Cantata del Domingo” por diversas radios de Argentina, Brasil, Venezuela y
Chile.
En 1999 y 2009
formó parte del jurado de los Premios Konex. En 2006, 2008 y 2014 integró el
jurado de clave y órgano en el Concurso Internacional Johann Sebastian Bach de
Leipzig.
A continuación,
lo recordamos en el día de su fallecimiento, con su interpretación de las Invenciones
a dos voces BWV 772 781, de Johann Sebastian Bach.
La mayor parte de
las Invenciones y Sinfonías de J. S. Bach aparecen por primera vez en el
Clavier-Büchlein. (Pequeño Libro de Teclado) dedicado por el compositor en 1720
a su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, que por entonces contaba nueve años de
edad. Estas pequeñas piezas a dos y tres voces, fueron denominadas
originalmente Preambulum y Fantasia, respectivamente.
En un segundo
manuscrito, no de la mano de Bach, cada pieza a dos voces es seguida por la
correspondiente a tres voces en la misma tonalidad, con algunos cambios y
correcciones.
En 1723, el
compositor reúne las 15 piezas a dos voces y las 15 a tres voces cambiando la
denominación Preambulum por Inventio y Fantasía por Sinfonia, siguiendo un
único orden ascendente de tonalidades desde Do mayor hasta Si menor,y agrega la siguiente introducción:
"Guía Sincera, en la que se muestra a los aficionados al teclado, y en
particular a los deseosos de aprender una manera clara, no sólo 1) de tocar
correctamente a dos voces, sino también 2) a medida que progresen, manejar bien
y con soltura, tres voces obligadas, y obtener al mismo tiempo no sólo buenas
invenciones sino también elaborarlas bien por sí mismos pero sobre todo, lograr
una manera cantable de tocar y a la vez adquirir un fuerte gusto por la
composición. Realizado por Joh.Seb.Bach, Maestro de Capilla de su Alteza
Serenísima el Príncipe de Anhalt-Cdthen, Anno Christi 1723."
La palabra
Inventio designaba, en la retórica latina de Cicerón o de Quintiliano, la
búsqueda de un tema como punto de partida de una elaboración artística, la
Elaboratio.
Es indudable el
propósito pedagógico de esta obra. Las 30 piezas (BWV 772-801) están concebidas
como estudios para el ejecutante y para el compositor en ciernes, dos
actividades que Bach consideraba inseparables.
La referencia a
una manera "cantable" de tocar, sugiere que cada voz sea capaz de
cantar su línea dentro de la polifonía. Indudablemente, el compositor requiere
del ejecutante de teclado la búsqueda de un toque que, como en un instrumento
melódico, lo acerque a la ductilidad del canto. Es probable también que muchas
de estas' pequeñas composiciones hayan sido pensadas para el clavicordio,
instrumento por el cual Bach.tenía especial predilección. Nicolaus Forkel en su
biografía de 1802, tomando como referencia los datos aportados por los hijos
mayores del compositor, escribe: "Tenía al clavicordio como el mejor
instrumento para el estudio y, en general, para el entretenimiento musical
privado. Era, según él, el más cómodo para la exposición de sus ideas más sutiles
y no creía que en ningún clave o pianoforte se pudieran producir tal variedad
de matices sonoros como en este instrumento, que si bien tenía escasa
sonoridad, era extraordinariamente dúctil en lo pequeño."
El Mirador Nocturno – Radio / Barroco Francés – Jean
Philippe Rameau.
Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado al Barroco Francés, con la Suite en La Menor para Clave, la
Tercera serie de Piezas para Clavecín en Concierto, la Suite de la ópera Los
Boréadas, el Gran Motete Quam dilecta, para Solistas, Coro, 2 Flautas, 2
Violines, Viola y Bajo Continuo, y una Selección de danzas de la ópera-ballet
Las Indias Galantes.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Johann Ernst Bach nació en Eisenach, Alemania, el 28 de
enero de 1722, y murió en su ciudad, el 1 de septiembre de 1777. Compositor, organista
y director de orquesta.
Su padre fue Johann Bernhard Bach, y fue alumno de su primo
Johann Sebastian Bach, en la Thomasschule de Leipzig. Como parte de sus
actividades copió 12 conciertos de Antonio Vivaldi, que luego Johann Sebastian
transcribió para teclado. Por un tiempo dejó la música, y se dedicó a las
leyes. En 1742 aceptó el puesto de organista en Eisenach, primero como suplente
su padre y luego como titular. Posteriormente prestó servicio en la corte de
Sajonia-Weimar, donde colaboró con Jiří Antonín Benda. En 1756 fue nombrado
director de orquesta. En 1758 retornó a Eisenach, y a partir de 1765 desempeño también
cargos administrativos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sonata para Teclado y Violín, en Sol Menor, publicada en Eisenach en
1772, en la versión de Camille Ravot en clavecín, y Simone Pirri en violín
barroco.
Rafael Antonio Lázaro Puyana Michelsen, más conocido como Rafael
Puyana, nació en Bogotá, Colombia, el 14 de octubre de 1931, y murió en París,
Francia, el 1 de marzo de 2013.
Clavecinista.
(Bogotá, 1931 - París, 2013) Clavecinista colombiano. Desde
su tierna infancia mostró un extraordinario talento musical. A los trece años
ofreció su primer concierto en el Teatro Colón de Bogotá, con la interpretación
de una sonata de Joseph Haydn. Amplió su formación en Estados Unidos, primero
en el Conservatorio de Boston y luego, durante ocho años, en Connecticut, como
discípulo de la profesora Wanda Landowska.
Rafael Puyana
Pronto se distinguió como virtuoso del clavecín y se
trasladó a París para participar en el taller de composición de Nadia
Boulanger. A partir de 1955 su fama empezó a extenderse por Europa y Estados
Unidos, hasta acabar por atraer la atención de los especialistas. Compositores
como Frederic Mompou y Xavier Montsalvatge escribieron conciertos para él, y
también grabó con grandes intérpretes como Andrés Segovia, Yehudi Menuhin y
David Oistrakh.
En el año 1985 grabó para la BBC de Londres las treinta y
tres sonatas de Domenico Scarlatti, uno de los compositores preferidos de
Puyana. Considerado uno de los mejores intérpretes de este instrumento, su
repertorio no se limitó a los grandes maestros del Renacimiento y del Barroco,
en los que fue consumado especialista y máxima autoridad, sino que se extendió
a las composiciones para piano del siglo XVIII y a las piezas para clave de
autores contemporáneos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de la Sonata K 175, de Domenico Scarlatti, en el Clave Hieronymus
Albrecht Hass, de 1740.
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