Beverley Craven

Beverley Craven nació en Colombo, Sri Lanka, el 28 de julio de 1963. Cantante, compositora y pianista. 

El sitio www.beverleycraven.com publicó su biografía. 

La cantante y compositora Beverley Craven, ganadora de un premio BRIT, se hizo famosa a principios de los 90 con el lanzamiento de su álbum debut homónimo, que se convirtió en un éxito mundial, vendiendo más de dos millones de copias. Su sencillo de 1991, "Promise Me", se convirtió en un gran éxito en toda Europa, seguido de una serie de éxitos en las listas de popularidad, incluyendo "Memories", "Holding On", "Woman To Woman" y "Love Scenes". 

Beverley nació en Sri Lanka el 28 de julio de 1963. Su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una consumada violinista clásica, Beverley comenzó a tomar clases de piano a la temprana edad de siete años. También demostró ser una nadadora talentosa, llegando a representar a la División 10 en el Campeonato Escolar Inglés de Natación y compitiendo en el Campeonato Nacional. 

Beverley dejó su hogar a los 18 años y se mudó a Londres, decidida a labrarse una carrera en la industria musical. A finales de los 80, se unió al legendario cantante de soul Bobby Womack como corista en su gira europea. Su gran oportunidad llegó cuando una de sus maquetas llegó a manos de Epic Records, quienes inmediatamente le ofrecieron un contrato discográfico. El álbum debut de Beverley cosechó un éxito sin precedentes: en un año, obtuvo doble disco de platino con más de un millón de copias vendidas y permaneció 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido. 

Su sencillo debut, «Promise Me», alcanzó el número 3 en la lista de éxitos del Reino Unido y cosechó un éxito arrollador en toda Europa. Le siguieron otros éxitos como «Holding On», «Woman To Woman» y «Memories», mientras Beverley ofrecía conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido, Europa continental y Estados Unidos. En 1992, ganó el premio Brit a la Mejor Artista Revelación Británica y también fue nominada a Mejor Sencillo y Álbum Británico del Año. Durante la ceremonia de entrega de premios, Beverley estaba embarazada de ocho meses y dio a luz a su primera hija, Mollie, en marzo de ese mismo año. 

El segundo álbum de Beverley, «Love Scenes», se publicó en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de éxitos del Reino Unido y generando los sencillos de éxito «Love Scenes» y «Mollie's Song». Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segunda hija, Brenna, nació en 1995, seguida de su tercera hija, Connie, en 1996. 

Con la maternidad llegaron pasiones divididas, y siguieron 13 años de debatir entre la familia y el estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, 'Mixed Emotions', que había grabado en su estudio casero en Londres. Una vez más, esta ganadora del premio Brit recibió grandes elogios de la crítica, pero debido a la escasa promoción por parte de la discográfica y a su creciente desilusión con la industria musical, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. En 2004, Beverley regresó con fuerza a la escena musical mundial con algunas presentaciones en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el diagnóstico de cáncer de mama, muy publicitado, acaparó inesperadamente toda la atención. Tras un tratamiento exitoso, Beverley recibió el alta médica en 2008. 

Al recordar su enfermedad, Beverley comenta: "En muchos sentidos ha sido algo positivo, me ha dado una nueva oportunidad en la vida. Me ha hecho darme cuenta de que solo necesito seguir adelante y hacer cosas que disfruto. Durante mucho tiempo no tenía ningún interés en sentarme al piano. Perdí por completo esa pasión, pero ahora la he recuperado y estoy saliendo a dar lo mejor de mí". 

Los fans habían esperado lo suficiente y en 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal que Beverley consideró "un renacimiento en muchos sentidos". Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven hacía las cosas a su manera y disfrutaba plenamente. Tras su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, esta joya musical británica cautivó a sus fans con otro álbum de estudio, 'Change of Heart', en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño. 

En febrero de 2018, un elenco estelar de estrellas musicales coincidió de forma espectacular con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley salió de gira con sus compatriotas británicas (y grandes amigas), Judie Tzuke y Julia Fordham, agotando las entradas en todos los recintos y cosechando un éxito arrollador de la crítica británica. En marzo se lanzó el sencillo conjunto de las tres artistas, «Safe», y a finales de octubre de 2018 se publicó el álbum de estudio, Woman To Woman. En 2022, mientras el mundo se recuperaba del impacto de la pandemia, el trío Woman To Woman volvió a la carretera con otra gira por el Reino Unido con todas las entradas agotadas, esta vez con Rumer como invitada especial. 

Con una última ambición largamente acariciada por cumplir antes de anunciar su retiro de las giras, Beverley ofreció una serie de conciertos en 2023, los shows Strings Attached, junto a la también cantante Judie Tzuke. Fue un regreso a sus raíces clásicas y, según confiesa, "como ponerse unas viejas zapatillas de estar por casa". 

Desde sus humildes comienzos como teclista y corista en grupos de los pubs del sur de Londres hasta sus conciertos en solitario por todo el mundo, Beverley lleva unos 40 años actuando en directo. Continúa componiendo y grabando en su estudio casero, cultivando su pasión por los arreglos para cuarteto de cuerda y aprendiendo a tocar la viola.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Promise Me.  

Hal Lindes

Harold Andrew Lindes, más conocido como Hal Lindes, nació en Monterey, California, Estados Unidos, el 30 de junio de 1953. Cantante, compositor y guitarrista. 

El sitio www.headlinerhub.com publicó esta entrevista. 

Hal Lindes sobre Dire Straits: "Me conquistaron con Sultans Of Swing". 

Hal Lindes es probablemente más conocido por su trabajo como miembro de Dire Straits, banda a la que perteneció desde 1980 hasta 1985. Sin embargo, tras dejar el grupo, forjó una exitosa carrera como compositor de bandas sonoras para cine y televisión. En esta entrevista, reflexiona sobre sus primeras impresiones de Dire Straits, explica cómo Tina Turner terminó grabando «Private Dancer» y nos habla de su colección de guitarras y amplificadores. 

Fuiste miembro de tiempo completo de Dire Straits durante cinco años en los años 80; ¿cómo llegaste a unirte a la banda? 

Cuando David [Knopfler] dejó la banda, me llamaron para preguntarme si me interesaba ir a tocar con ellos. Dije: "¡Claro que sí!", porque Mark [Knopfler] estaba en su mejor momento. Como guitarrista, quería verlos y comprobar de primera mano por qué eran tan populares. Me alegró mucho que me invitaran, aunque no sabía muy bien qué esperar.  

El ambiente era súper relajado y no había nadie más que la banda; no estaban haciendo audiciones a mucha gente. Creo que solo vieron a una persona antes que a mí. Era un lugar antiguo y con mucho encanto, con una ventana enorme con vistas al Támesis; había una atmósfera genial.  

Uno a uno, cada uno de los miembros se acercó y se presentó, y charlamos un rato, así que fue más bien un encuentro social que un simple "coge tu guitarra y toca". Enseguida me di cuenta de lo bien que me caían. Todos son muy interesantes y nos llevamos de maravilla. En un momento dado, Mark dijo: "¿Te apetece tocar un rato?". 

¿Qué sucedió después? 

Me dio un Walkman, que era algo muy importante en aquel entonces. Nunca había visto uno. Había leído sobre él, así que que me dieran un Walkman fue todo un acontecimiento. Me dijo: «Escucha esto, y no te preocupes por los cambios, simplemente capta la esencia». Por supuesto, la canción era «Tunnel Of Love», ¡y esos cambios no son para los débiles de corazón! Así que estaba escuchando aquello y pensé: «¡Madre mía!». Y esa fue la primera canción que tocamos, «Tunnel Of Love». Fue simplemente increíble; fue explosivo.  

Había química y nos compenetramos a la perfección. Creo que todos sabíamos que esto era lo nuestro. Luego tocamos un par de canciones más. Era verano, alrededor de agosto, así que todavía había noches muy largas y se podía ver la puesta de sol sobre el Támesis a través de esa gran ventana. El sol empezaba a ponerse, era una gran bola roja de fuego y tocamos Sultans Of Swing.  

Ese fue probablemente uno de los momentos más mágicos que viví con la banda. Me conquistaron con "Sultans". Después, Mark me preguntó: "¿Quieres tomar una copa de vino?". Así que fuimos a un bar de vinos y estuvimos charlando, y al final me dijo: "¿Quieres volver mañana?". Y yo le dije: "Vale".  

Al mismo tiempo que yo hacía la audición, un teclista llamado Alan Clark también estaba audicionando. Empezamos la gira en Canadá y luego fuimos a Estados Unidos. En un momento dado, mientras desayunábamos con Alan, le dije: «Nunca me pidieron oficialmente que me uniera a la banda», y él me respondió: «Sí, es curioso que digas eso, porque a mí tampoco». Lo único que Alan y yo recibimos fue: «¿Quieren volver mañana?». 

Así que fuimos a ver a Ed Bicknell y le preguntamos: "¿Conseguimos el trabajo o qué?". Él se rió y dijo: "¡Por supuesto que están en la banda!". Pero eso demuestra lo informal que fue todo. 

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Ese fue probablemente uno de los momentos más mágicos que viví con la banda; me conquistaron desde el primer momento con "Sultans Of Swing". 

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Mark Knopfler compuso «Private Dancer», que fue grabada por Tina Turner. ¿Cómo surgió tu participación en esta canción y cómo se convirtió en una canción de Tina Turner? 

Ensayábamos en el mismo sitio junto al río y Mark tenía unas veinte canciones, todas geniales. La idea original era que Love Over Gold fuera un álbum doble, y Private Dancer era una de ellas. Era muy diferente a Dire Straits, pero me encantó la letra sobre ser bailarina privada y contarla desde la perspectiva femenina.  

En muchas de sus canciones, Mark adopta un personaje y lo hace bien, pero creo que fue un poco excesivo intentar imitar el personaje de una bailarina. Hice mucha campaña con Mark; no paraba de decirle: "¡Vamos, tenemos que hacerlo!". Pero, por desgracia, no se concretó. Se grabó, pero quedó archivada. Luego, el mánager de Tina estaba buscando compositores para el álbum de Tina y se reunió con Ed y le preguntó si Mark tenía algo.  

Él me dijo: "En realidad, Mark tiene una canción que sería perfecta para ella", y así fue como terminé participando en la versión de Tina. A ella le encantó nuestra versión, pero no pudieron usarla porque se grabó bajo nuestro contrato con la discográfica, así que la discográfica era la propietaria.  

Ella quería que lo recreáramos exactamente como lo habíamos grabado, pero el problema era que Mark no estaba disponible, así que al final tuvimos que usar al resto de la banda sin Mark.  

Como eran estadounidenses, querían un guitarrista estrella, así que contrataron a Jeff Beck para el solo. Yo le di un toque más bailable; es como si estuviera haciendo mi propia versión de un ritmo de Nile Rodgers. La versión de Mark era increíble. Nunca la publicaría, pero ojalá lo hiciera. Creo que incluso hoy en día, se saldría con la suya sin problemas. 

Parece probable que tengas una envidiable colección de guitarras… 

¡Tengo un problema! Necesito terapia [ríe]. Intento esconderlas como un alcohólico que esconde sus botellas de alcohol. Mi esposa no tiene ni idea, pero de vez en cuando me dice: "¿Sabías que hay tres estuches de guitarra debajo de la cama?". Y yo le digo: "¿Ah, sí? ¡Guau! ¿Cómo es posible?". 

Creo que la broma es algo así como: "Solo me falta una guitarra". Pienso que va más allá de una simple guitarra; te transporta a tu juventud. Tengo una Gretsch Duo Jet roja que conseguí cuando estaba en Dire Straits y que solía usar en el escenario.  

Esa guitarra, hasta el día de hoy, es mi favorita. Es fenomenal. No suena exactamente como una Gretsch, ni como ninguna otra. Tiene un tono único y muy musical. De hecho, Mark la tocó en la grabación de Two Young Lovers y Twisting By The Pool. También soy un gran fan de la Telecaster; no sé qué tiene, es tan sencilla. Solo tiene un par de perillas y un par de pastillas; si no puedes hacerlo con una Telecaster, probablemente no podrás hacerlo con ninguna otra.  

Me encantan las cosas raras, como las guitarras barítono y las guitarras de cuerdas agudas, que básicamente son las seis cuerdas superiores de una guitarra de 12 cuerdas sin las seis inferiores; así que tocas una octava más arriba de lo normal. También me encantan los ukeleles y la mandolina. 

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Solo quiero escuchar el sonido que tengo en la cabeza, y por alguna razón, los altavoces Celestion lo consiguen. 

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¿Cuál es el primer momento de tu carrera en el que recuerdas haber tocado con un altavoz Celestion? 

En mi adolescencia tocaba en una banda de club y actuábamos seis noches a la semana. Me compré un amplificador Marshall, y ni me imagino cómo lo usaba en una discoteca. ¡Debía de ser altísimo! ¡Me sorprende poder oírte! Pero me encantaban los altavoces. Recuerdo que había cuatro, y en aquella época, con pantalones acampanados, intentábamos que vibraran con la presión del viento que salía de los altavoces.  

Sonaban fenomenal al subir el volumen al máximo, pero también, al bajarlo, se obtenía un sonido nítido, musical y cálido. Quité la tapa trasera y vi unas cosas verdes que no tenía ni idea de qué eran. Eran altavoces Celestion [G12H] verdes. 

Más tarde conseguí un Vox AC-30, que, cuando dejé de usar el Marshall, se convirtió en mi amplificador favorito. Usaba altavoces Vox Bulldog azules, y no tenía ni idea de que eran Celestion, pero años después descubrí que, efectivamente, también lo eran.  

Esos eran mis dos altavoces favoritos, los Greenbacks y los Bulldogs, y descubrí que, si los ponías en un amplificador Fender, el resultado era espectacular. Uno de mis amplificadores favoritos es un Fender Super Champ, que salió en los años 80.  

Tengo un Celestion G10 Greenback instalado y es fenomenal. Es uno de los mejores amplificadores que he escuchado, y lo uso casi siempre. Tengo un armario lleno de amplificadores, pero ese es el que más utilizo. También tengo un Fender Deluxe Reverb con un Greenback, que suena de maravilla. 

¿Qué es lo que te atrae del sonido de Celestion ? 

No quiero oírlo; no quiero oír ningún matiz. Solo quiero oír el sonido que tengo en la cabeza, y por alguna razón, los Celestion lo consiguen. No es como si dijeran: «Sí, tiene unos medios atenuados y unos graves potentes». Simplemente conecto la guitarra y digo: «Sí, suena genial», y ya está. No lo analizo.  

Si pones otros altavoces, piensas: "Sí, está bien, no hay problema". Pero hay algo en los Celestion que simplemente me funciona. No lo cuestiono. Mucha gente suele pensar que los Celestion son para tocar a todo volumen, porque buscan ese sonido crudo y distorsionado, pero yo toco con un sonido bastante limpio.  

Toco mucho con los dedos y el sonido es excelente y nítido. Los tonos nítidos pueden ser complicados porque no quieres que suenen delgados ni estridentes. Buscas un sonido con cuerpo, rico, con mucha personalidad y calidez. Y eso es Celestion: no hay nada que se le acerque. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Sultans Of Swing.  

Shalom – Los ayunos en el judaísmo, El 17 de Tamuz

Shalom – Los ayunos en el judaísmo, El 17 de Tamuz  

Hoy en Shalom exploramos el significado de los ayunos en el judaísmo, su origen bíblico y talmúdico, quién los practica y cómo se viven hoy. De la mano del rabino Abraham Medina nos centramos en el ayuno del 17 de Tamuz, inicio de un periodo de reflexión. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/ayunos-judaismo-17-tamuz/17134714/

John Illsley

John Edward Illsley nació en Leicester, Reino Unido, el 24 de junio de 1949. Cantante, compositor, guitarrista, bajista, productor y artista plástico. 

El sitio www.johnillsleymusic.com publicó esta información. 

John Ilsley es un músico inglés que alcanzó la fama como bajista de la aclamada banda Dire Straits. Con Dire Straits, John ha recibido múltiples premios BRIT y Grammy, además de un premio Heritage. 

Como uno de los miembros fundadores (junto con Mark Knopfler, su hermano David y el baterista Pick Withers), John desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del sonido de Dire Straits. 

A lo largo de todo este tiempo, John y Mark fueron los únicos miembros fundadores que permanecieron en la formación de Dire Straits desde 1977 hasta que decidieron poner fin a la banda en 1995. Siguen siendo amigos íntimos y recientemente produjeron un programa, "Guitar Stories", para Sky Arts. Durante su tiempo juntos como Dire Straits vendieron más de 120 millones de álbumes y realizaron extensas giras por todo el mundo. Cuando Dire Straits se tomó un par de merecidos descansos, John lanzó dos álbumes: Never Told a Soul (1984) y Glass (1988). En ambos, Mark Knopfler participó como músico invitado. 

Cuando Dire Straits terminó su gira en 1993, John se involucró en el mundo del arte. Tras haberse labrado una reputación como pintor, John realizó exposiciones individuales en Londres, Nueva York, Sídney y en toda Europa. 

John descubrió por casualidad al grupo irlandés Cunla en un pub de Leicestershire en marzo de 2005. Actuó con ellos en varias ocasiones, la más destacada el 23 de septiembre de 2006 en la Catedral de la Imagen en Les Baux-de-Provence, Francia. La actuación fue grabada y posteriormente publicada como álbum, Live in Les Baux, en 2007. 

En octubre de 2008, John lanzó Beautiful You, un álbum con Greg Pearle de Cunla, seguido de una breve gira por Irlanda. En mayo de 2010 se publicó Streets of Heaven, con la participación de Mark Knopfler y otros músicos. El álbum fue grabado en los estudios British Grove y producido por John y Guy Fletcher. 

John fichó a Native Roses para su sello discográfico, Creek Publishing, en febrero de 2011. Produjo su álbum debut junto con Guy Fletcher entre diciembre de 2011 y julio de 2012. 

Fue cofundador de la organización benéfica infantil Life Education 1987, que recientemente se integró en Coram, una de las organizaciones benéficas más antiguas del Reino Unido. 

John también es propietario de The East End Arms, en New Forest. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Lay Me Down.  

Garry Gary Beers

Garry William Beers, más conocido como Garry Gary Beers, nació en Sídney, Australia, el 22 de junio de 1957. Bajista. 

El sitio www.ggbbasses.com publicó este artículo. 

SOBRE GARRY GARY BEERS 

Cuando muchos toman un instrumento musical por primera vez, sueñan con convertirse en estrellas de rock internacionales, pero solo unos pocos lo logran. Garry Gary Beers sí lo consiguió.  

Garry toca el bajo desde 1974. Estudió carpintería en el instituto y electrónica en la escuela técnica antes de dedicarse por completo a la música, viajando sin rumbo fijo. En 1977, formó un dúo musical con sus compañeros de clase de las playas del norte de Sídney. Este grupo de amigos se rebautizaría más tarde como INXS. Tocaban por las playas del norte de Sídney, en fiestas de clubes de surf, y de vez en cuando en algún pub australiano. «Tocábamos donde nos quisieran porque nos encantaba tocar y esa era la vida que queríamos». Para entonces, la banda ya componía canciones y tenía un repertorio completo de temas propios de calidad.  

Pronto estuvieron listos para el ambiente competitivo de los pubs de Sídney, donde tocaron antes que bandas de rock consagradas como Rose Tattoo, Cold Chisel, The Angels y Midnight Oil. 

Durante los años siguientes siguieron giras y grabaciones sin descanso. 

“Tocábamos prácticamente todas las noches; éramos jóvenes, arrogantes y ambiciosos. Era una época dorada para la música australiana y estábamos justo en el centro de todo.” 

Para cuando INXS estaba componiendo para su tercer álbum, buscaban nuevas oportunidades en el extranjero. La mayoría de las bandas australianas se dirigían al Reino Unido para probar suerte, pero INXS tenía la vista puesta en Estados Unidos. «Entendíamos la conexión entre Inglaterra y Australia, tanto cultural como musicalmente, pero éramos más bien una banda de funk rock y la mayoría de nuestras influencias venían de Estados Unidos, así que hacia allí nos dirigimos». 

El arduo trabajo finalmente dio sus frutos con su quinto álbum, Listen Like Thieves, que alcanzó el top 5 en Estados Unidos con What You Need y obtuvo doble platino. El sexto álbum, Kick, fue un éxito mundial masivo, con 5 sencillos que llegaron al top 5: Need You Tonight, New Sensation, Never Tear Us Apart, Devil Inside y Mystify, y obtuvo 6 discos de platino en Estados Unidos, ¡con 20 millones de álbumes vendidos en todo el mundo! 

El resto, como bien dices, es historia: la banda de compañeros de colegio que se convirtió en una de las bandas más grandes del mundo. 

Ahora la historia de Garry continúa. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Don't Change. 

Lazy Lester

Leslie Jonhson, más conocido como Lazy Lester, nació en Torras, Luisiana, Estados Unidos, el 20 de junio de 1933, y murió en Paradise, California, el 22 de agosto de 2018. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba percusión, guitarra, bajo y armónica. 

El sitio www.larutadelblues.wordpress.com publicó este recordatorio. 

El blues de los pantanos llora por Lazy Lester 

Leslie Jonhson, más conocido como Lazy Lester, vino a parar a este mundo el 20 de junio de 1933 en Torras, Louisiana. De orígenes humildes, tuvo que trabajar desde muy temprana edad mientras se convertía en músico de blues acompañando a viejos maestros del género como Slim Harpo, Lightnin ‘Hopkins y Katie Webster. Su suerte comenzó a cambiar el día que se sentó en un autobús junto al bluesman Lightnin’ Slim, que se dirigía a realizar una sesión de grabación de Excello. Por fortuna para Lester el músico que debía tocar la armónica no se presentó y éste le sustituyó con tanta eficacia que el productor de la discográfica al productor, Jay Miller, decidió grabar a Lester como solista y además aprovecha su talento a grabar a Lester como solista y también a usar su talento como multi instrumentista en la percusión, la guitarra, el bajo y la armónica en sesiones de grabación de numerosos bluesmen, especialmente de Slim Harpo. 

Fue Miller quién le apodó Lazy (perezoso), según parece a causa del estilo lacónico y relajado de Lester, que se convirtió en un consumado cantante y armonicista de swamp blues, además de escribir magníficos temas como «I’m a Lover Not a Fighter», «I Hear You». Knockin‘ o «Sugar Coated Love», que acabaron haciéndose famosas en la voz de diversas estrellas del blues, el rock o el country, como Dave Edmunds, The Kinks, The Fabulous Thunderbirds, Raful Neal o Freddy Fender. Lo malo fue que casi todo el dinero que generaron los derechos de esos temas fue a parar al bolsillo del Jay Miller, lo que llevó a Lester a abandonar el negocio musical, cabreado, engañado y decepcionado. 

A pesar de alguna actuación esporádica en los años 70, como un concierto con Lightnin’ Slim en la Universidad de Chicago. Lester permaneció durante un par de décadas en Louisiana, alejada profesionalmente de la música, hasta que el historiador musical, Fred Reif logró convencerlo para regresar a los escenarios a finales de los años 80, cuando comenzó además a grabar de nuevo con músicos Gene Taylor, Kenny Neal, Lucky Peterson, Sue Foley o Jimmie Vaughan. También fue el inicio de sus giras por Europa, que se han mantenido hasta los últimos días de su vida, en los que uno de los países que más visitó fue España, gracias en gran medida a los buenos oficios de Emilio y Carlos Arsuaga, que con Álvaro Bouso, César Crespo e Ignacio Mendivil, se convirtieron en los Lazy Boots, su banda de acompañamiento y organizadores de sus giras por el país. 

En el año Lazy Lester 2003 participó junto a BB King, Solomon Burke, Clarence «Gatemouth» Brown, Buddy Guy, Levon Helm, Chuck D, los hermanos Neville, Dr. John, John Fogerty y Aerosmith en el concierto de homenaje que organizó Martin Scorsese y que acabó convertido en un documental y un disco titulado Lightning in a Bottle, que es, junto a sus otros 15 discos, la mejor herencia que nos deja tras su muerte en su casa de California. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con I´m a Lover Not a Fighter y They Call Me Lazy.  

Gregg Rolie

Gregg Alan Rolie nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 17 de junio de 1947. Tecladista, cantante y compositor. 

El sitio www.greggrolie.com publicó su biografía. 

Gregg es miembro fundador de las bandas Santana, The Storm, Abraxas Pool y Journey, de la cual fue el vocalista principal original. Actualmente se presenta con su banda, Gregg Rolie Band. Rolie ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto con Santana y Journey. 

Trayectoria 

Antes de Santana, Rolie tocó con un grupo llamado William Penn and his Pals mientras asistía a la preparatoria Cubberley en Palo Alto, California, alrededor de 1965. Un año después de graduarse de la preparatoria en 1965, Rolie se unió a Carlos Santana y otros para formar la Santana Blues Band, que más tarde se abrevió simplemente a Santana. Como miembro fundador de Santana, Rolie formó parte de la primera ola de éxito de la banda, incluyendo una presentación en el Festival de Música y Arte de Woodstock en 1969 y papeles centrales en varios álbumes exitosos. Es quizás más conocido por ser su vocalista principal original, con su voz impulsando éxitos clásicos de Santana como Black Magic Woman (n.° 4 en EE. UU.), Oye Como Va, No One To Depend On y Evil Ways. También se hizo famoso por su sonido único y su trabajo innovador con el órgano Hammond B3, con solos clásicos en muchos de los éxitos mencionados. Sin embargo, las persistentes diferencias con Carlos Santana respecto a la dirección musical de la banda llevaron a Rolie a abandonar el grupo a finales de 1971. 

En 1973, Rolie se unió a una nueva banda con el ex guitarrista de Santana, Neal Schon; esta se convertiría en Journey. Como parte de una formación que incluía a Schon, Aynsley Dunbar, George Tickner y Ross Valory, fue el tecladista en los primeros seis álbumes de la banda. En Journey y Look into the Future, fue el vocalista principal, y en Next compartió esa función con el guitarrista Neal Schon. Después de que Steve Perry se uniera a la banda en 1977, Rolie cantó como vocalista principal en varias canciones de los álbumes Infinity, Evolution y Departure. 

Tras dejar Journey en 1980, Gregg publicó varios álbumes en solitario, entre ellos el homónimo Gregg Rolie en 1985. Este álbum incluía la canción «I Wanna Go Back», que más tarde se convirtió en un éxito para Eddie Money, y contó con la colaboración de Carlos Santana, Peter Wolf, Neal Schon y Craig Chaquico. Su segundo trabajo en solitario, Gringo, se publicó en 1987. 

Rolie formó The Storm en 1991 con Steve Smith (reemplazado por Ron Wikso después de la grabación del primer álbum) y Ross Valory de Journey. La banda también incluía a Josh Ramos (cuyo estilo de guitarra se asemeja al de Neal Schon) y Kevin Chalfant (cuya voz se asemeja a la de Steve Perry). Al igual que en su trabajo con Journey y Steve Perry, Rolie tocaba los teclados y era uno de los vocalistas principales en varias canciones del primer álbum homónimo de la banda, que alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes de Billboard y generó el sencillo "I've Got A Lot To Learn About Love", que llegó al Top Ten. A pesar de este éxito, su segundo álbum, grabado en 1993, fue archivado debido al cambio de enfoque de la industria hacia el rap y la música alternativa. Finalmente, tuvo un lanzamiento limitado en 1996, y en 1998, Rolie y otros exmiembros de Santana, incluido Neal Schon, se reunieron brevemente como Abraxas Pool, lanzando un álbum homónimo. 

Cuando Schon se marchó para liderar una reformada formación de Journey ese mismo año, Rolie y Ron Wikso comenzaron a trabajar en 1999 en un CD en solitario de Gregg Rolie titulado "Roots", que finalmente dio lugar a la formación de la Gregg Rolie Band. Además de Rolie y Wikso, en "Roots" participaron Neal Schon, Alphonso Johnson, Dave Amato, Adrian Areas y Michael Carabello. En la Gregg Rolie Band, Kurt Griffey se hizo cargo de la guitarra y se incorporó Wally Minko como segundo teclista. Grabaron un CD en directo en Sturgis llamado "Rain Dance", que se publicó en 2009. 

En 2010, Rolie lanzó "Five Days" y posteriormente formó un dúo con Alan Haynes, lo que finalmente llevó a la formación del Gregg Rolie Quartet, con la incorporación del colaborador de larga data y baterista, Ron Wikso, y el bajista Evan "Sticky" Lopez. 

Entre 2012 y 2014, realizó una gira como miembro de Ringo Starr y su All Starr Band, interpretando éxitos de Santana como Black Magic Woman, Evil Ways y Everybody's Everything. La banda también incluía al guitarrista de Toto, Steve Lukather, Todd Rundgren, Richard Page, Mark Rivera y Gregg Bissonette. El 2 de febrero de 2013, Carlos Santana confirmó que reuniría a su formación clásica, la mayoría de cuyos miembros tocaron con él en Woodstock en 1969. Santana dijo sobre Rolie: "Estoy bastante seguro de que Gregg lo hará". En 2012, hablando sobre dicha reunión, Rolie declaró a Radio.com: "Es solo cuestión de organizarlo y llevarlo a cabo. Yo lo haría. Creo que es una gran idea. A la gente le encantaría. ¡Podría ser genial!". 

Filantropía: 

Gregg es un defensor de la educación musical para niños. En 2005, se convirtió en colaborador oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que proporciona instrumentos musicales e instrucción gratuitos a niños de escuelas públicas desfavorecidas en todo Estados Unidos. Forma parte de la Junta Directiva Honoraria de la organización. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con dos momentos deferentes de su carrera: Just the Same Way y Goin' Home.  

Otto Luening

Otto Clarence Luening nació en Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, el 15 de junio de 1900, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1996. Compositor, profesor de composición, director de orquesta y flautista.   

El sitio www.britannica.com publicó este recordatorio. 

Otto Luening (nacido el 15 de junio de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, EE. UU. y fallecido el 2 de septiembre de 1996 en Nueva York, NY) fue un compositor, director de orquesta, profesor de composición y flautista estadounidense conocido por sus innovadores experimentos de composición utilizando la grabadora de cinta. 

El padre de Luening trasladó a su familia de Milwaukee a Múnich en 1912 y a Zúrich en 1917. Luening estudió en conservatorios de Múnich y Zúrich y con el compositor Ferruccio Busoni. Regresó a Estados Unidos en 1920 y ocupó puestos docentes en la Eastman School of Music, la Universidad de Arizona y el Bennington College. De 1944 a 1970, Luening enseñó en la Universidad de Columbia, donde dirigió un innovador grupo de producción de ópera que presentó un total de aproximadamente 40 óperas nuevas. En 1952 comenzó a experimentar con las posibilidades de las grabaciones en cinta magnética, y ese mismo año colaboró con el compositor Vladimir Ussachevsky presentando el primer concierto de música para grabadora en los Estados Unidos (en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York). En las décadas de 1950 y 1960, Luening, ya sea solo o en colaboración con Ussachevsky, compuso una variedad de obras en las que Los sonidos electrónicos se integran con la orquesta tradicional. Entre sus obras se encuentra Variaciones rapsódicas para grabadora y orquesta (1953), en la que la grabadora tiene un papel solista. En 1959, ambos fundaron lo que se convertiría en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York, que Luening codirigió hasta 1980. 

Aunque fue un incansable defensor de la música contemporánea, Luening también compuso una considerable cantidad de música elegante y conservadora para instrumentos tradicionales. Entre estas obras se encuentran la Fantasía Sinfónica n.° 1 (1922-1924) y el Concierto de Louisville (1951). La autobiografía de Luening, La odisea de un compositor estadounidense, se publicó en 1980. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Fantasía Sinfónica Nº 1, en la versión de la Orquesta de Viena, dirigida por Frederick Charles Adler. 

Karl Bartos

Karlheinz Bartos, más conocido como Karl Bartos, nació en Berchtesgaden, Baviera, Alemania, el 31 de mayo de 1952. Cantante, compositor y productor. Toca percusión y sintetizadores.  

El sitio www.eleconomista.com.mx publicó esta biografía firmada por Antonio Becerril Romo. 

La biografía sonora de Karl Bartos y el ritmo detrás de Kraftwerk 

Karl Bartos relata en su biografía sonora The Sound of the Machine: my life in Kraftwerk and beyond su paso por la banda Kraftwerk.  

Por: Antonio Becerril Romo Publicado: 29.09.2022 - 18:19 

Fue el primer acorde de “A Hard Day’s Night” de The Beatles sobre una guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas el que revolucionó la mente de un adolescente alemán nacido en Düsseldorf llamado Karlheinz Bartos. En sus propias palabras “Fue el momento en el que el sonido cobró un nuevo significado y supe que quería convertirme en un músico”. Al igual que miles de adolescentes en todo el mundo, el joven Karlheinz quedó maravillado por la música de The Beatles, Elvis Presley y The Rolling Stones, y aunque no entendía muy bien lo que estaban cantando, la música le generaba una conexión. Su obsesión por la música lo llevó unos años después al conservatorio Robert Schumann en Düsseldorf para estudiar percusión y a mediados de los años setenta a un grupo de música electrónica llamado Kraftwerk. 

En The Sound of the Machine: my life in Kraftwerk and beyond (Omnibus Press, 2022), su libro de memorias que el autor describe como su biografía sonora, Bartos hace una reflexión sobre su relación con el sonido y la música. El texto fue publicado originalmente en 2018 en alemán y finalmente ha sido traducido al inglés, actualizado para cubrir hasta la muerte de Florian Schneider en 2020. A través de sus diarios, Bartos recorre su vida, trayectoria musical, sus incursiones en la academia y hasta sus hobbies como el ciclismo y el atletismo. Además, reconstruye su paso por una de las bandas más influyentes del siglo XX. 

Junto con Florian Schneider, Ralf Hütter y Wolfgang Flür, Karl Bartos perteneció a la alineación más conocida de Kraftwerk y entre 1975 y 1991 produjo los álbumes: Radioactivity, Trans Europe Express, The Model, Computer World, Electric Café y The Mix. 

Bartos y sus compañeros de grupo fueron parte de la primera generación de músicos alemanes nacidos después de la Segunda Guerra Mundial que impulsaron una vanguardia musical que se le denomina krautrock, una etiqueta con la cual se amontonaba toda la música que se producía en Alemania, pero que de alguna forma se alejaba de las formas clásicas de la música popular estadounidense y británica. 

Al igual que algunos de sus contemporáneos como Can, Neu!, Amon Düül, Kraftwerk tampoco se apoyaba en la música tradicional alemana (schlager), sino en los experimentos de la música electrónica y la música concreta de Karlheinz Stockhausen, John Cage o Pierre Schaffer. 

La música de Kraftwerk siempre ha sido ligada con la etiqueta de futurista. El cuarteto siempre buscó trascender a la estética convencional de una banda de rock. En sus canciones la banda reflexionaba sobre el estado del mundo y la forma en que la radioactividad, las comunicaciones y la tecnología comenzaban a cambiar al humano. Los Kraftwerk fueron pioneros en el uso de sintetizadores, samplers, cajas de ritmos e instrumentos electrónicos y de los primeros en llevar una propuesta audiovisual única a sus presentaciones en vivo. Ahora la música de Kraftwerk se presenta en museos, festivales masivos o como el grupo abridor de alguno de sus fanáticos, aunque desde hace muchos años sólo es una reproducción. 

Bartos nos transporta a los míticos estudios Kling Klang donde Kraftwerk construía sus experimentos sonoros con una visión casi industrialista y se concibió el concepto del hombre-máquina que se intercambiaba entre el estudio y el escenario como una, pero siempre con un elemento humano detrás de toda la maquinaria. 

The Sound of the Machine es una lectura imprescindible para cualquier fanático de Kraftwerk y para cualquiera que esté interesado en conocer cómo se crearon algunas de las canciones más emblemáticas de la banda. Es una historia sobre cómo los jóvenes alemanes después de la Segunda Guerra Mundial crearon una nueva identidad, que veía hacia el futuro y nos alertaba de los peligros de la tecnología, que nunca tuvo miedo de experimentar con la tecnología y construir nuevos universos sonoros. 

Kraftwerk fue el grupo más influyente del último cuarto del siglo pasado y hasta apenas hoy estamos empezando a comprender a los magos detrás de las máquinas. 

antonio.becerril@eleconomista.mx 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Reality, de 2003.  

Zdravko Čolić

Zdravko Čolić nació en Sarajevo, entonces República Federativa Socialista de Yugoslavia, el 30 de mayo de 1951. Cantante. 

El sitio www.eurovision-spain.com publicó esta biografía irmada por Javier Velasco. 

Zdravko Čolić (Sarajevo, 30 de mayo de 1951) es un serbobosnio hijo de un policía administrativo y un ama de casa. Aunque en un principio se interesó más por la carrera deportiva, llegando a registrar muy buenas marcas en 100 metros lisos, pronto empezó a decantarse por la música, estudiando guitarra y participando en algunos montajes teatrales locales (Decaci Pavlove ulice o Kekec i Mojca) y formando el dúo Cola i Isa con su amigo Braco Isović. También estudió económicas en la universidad. 

Tras quedar segundo en 1968 en una competición veraniega en Baošići, Montenegro, se unió al grupo Mladi i lijepi en Sarajevo y, ya en 1969, al más famoso Ambasadori (Eurovisión 1976) en el que estaría los siguientes dos años y medio. No obstante, al estar el grupo formado mayoritariamente por reclutas del ejército, tenían que rechazar muchas de las ofertas de trabajo que recibían al no poder estos acudir a realizarlas, por lo que los dos miembros no militares, Zdravko y Slobodan Vujović fundaron Novi ambasadori en 1970 incorporando nuevos miembros. Pudiendo ahora realizar más actuaciones y giras, se presentan en 1971 al Festival Vaš šlager sezone (El éxito de la temporada) en Sarajevo donde quedan séptimos con Plačem za tvojim usnama (Un penique por tus labios), que es editada en single. Su aparición por televisión impresiona al productor Kornelije Kovač que le ofrece ser suplente del cantante Davorin Popović en el grupo Indexi y formar parte del grupo Korni (Eurovisión 1974), mejor establecido que Ambasadori y que, además, a diferencia de éste, que sólo interpretaba versiones cover de éxitos internacionales, tiene material musical propio. Zdravko acepta la propuesta y se traslada a Belgrado en 1971. No obstante, no se integra bien en el estilo del grupo y tras grabar tres temas lo abandona para iniciar su carrera en solitario. 

En 1972 toma parte de nuevo en el Vaš šlager sezone y queda tercero con Sinoć nisi bila tu (Anoche no estabas). En mayo aparece en el programa de televisión Obraz uz obraz y en el mismo año participa en los festivales de Split, Pristina y Skopje y hace una gira por la Unión soviética. El camino está preparado para vencer en el Festival Opattija que determina su participación en Eurovisión 1973 con Gori vatra (El fuego arde), que, aunque quedó en el puesto 15, fue un enorme éxito en Yugoslavia. 

Se sigue presentando a más y más festivales: gana el Hit parade en Belgrado en 1974 con Ona spava (Ella duerme), el Beogradsko proleće con April u Beogradu (Abril en Belgrado) y el Vaš šlager sezone con Zvao sam je Emili (Llamé a Emily). Consigue un contrato con la WEA germana que desecha tras dos singles por no querer trasladarse a Alemania y edita su primer álbum Ti i ja (Tú y yo) en 1975 con la discográfica oficial yugoslava Jugoton. El gran éxito que obtiene, especialmente entre las adolescentes, le permite sacar un recopilatorio de sus singles anteriores y pronto se convierte en un ídolo de masas que recorre toda Yugoslavia -en solitario y con Indexi- dando conciertos multitudinarios y participando en más festivales con buenos resultados. 

En 1977 interpreta en un festival de canciones patrióticas en Zagreb el tema Druže Tito mi ti se kunemo (Camarada Tito, te juramos), que grabado en single vende 300.000 copias. Poco después saca a la venta su segundo álbum, Ako priđeš bliže (Si te acercas), que termina de consagrarle como ídolo de jovencitas, las cuales protagonizan auténticas escenas de paroxismo en sus actuaciones, como era muy típico en la época. El disco venderá más de un millón de copias a lo largo de sus sucesivas reediciones. En toda esta etapa, su primer mentor, Kornelije Kovač, va a ser fundamental como manager. 

Tras realizar el servicio militar durante 10 meses en 1978 y 1979, lo que le obliga a cancelar un nuevo contrato con la WEA alemana, edita su tercer álbum Zbog tebe (Por tu culpa) en 1980, que continua su éxito, y el cuarto Malo pojačaj radio (Sube la radio un poco) al año siguiente. Tras tres discos más en los años 80, todos muy bien acogidos, se embarca en Zagreb con el prestigioso músico Goran Bregović en la creación de su discográfica personal, Kamarad. Su trabajo como productor y la guerra de Yugoslavia suponen un gran parón en su carrera, aunque colabora con Goran en la composición de música para películas. Regresa en 1997 con su noveno álbum Kad bi moja bila (Si por mi fuera). La asistencia masiva a su concierto en Budva en 1998 deja patente que el público no le ha olvidado. En 2000 vende medio millón de discos de Okano, que es declarado album del año y Zdravko hombre del año. Siguen Čarolija (Encantamiento, 2003),  Zavičaj (Patria, 2006) y Kad pogledaš me preko ramena (Cuando me miras por encima del hombro, 2010), que es hasta ahora su último disco. Durante la última década sigue dando conciertos multitudinarios, como la gira mundial que incluyó Canadá y Estados Unidos en 2004/05, el realizado en el Belgrado Arena en 2006 ante 50.000 espectadores o en el estadio Marakaná de Río de Janeiro ante 80.000. También ha actuado en el Olympia de París en 2009 y en 2010 ha celebrado su 40 aniversario como cantante actuando ante 100.000 personas en Belgrado, demostrando una popularidad que permanece intacta a lo largo de los años. 

Se casó en mayo de 2001 con Alexandra, y tiene dos hijas: Una-Zvezdana (2001) y Lara (2006). 

Texto: Javier Velasco, “Javiquico”. Septiembre de 2013 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Južnjaci, o Sureños, acompañado por la Royal Philharmonic Orchestra.  

Melissa Etheridge

Melissa Lou Etheridge nació en Leavenworth, Kansas, Estados Unidos, el 29 de mayo de 1961. Cantante, compositora y guitarrista.   

El sitio www.melissaetheridge.com publicó esta biografía. 

Melissa Etheridge irrumpió en la escena del rock estadounidense en 1988 con el lanzamiento de su aclamado álbum debut homónimo, que la llevó a presentarse en la ceremonia de los Premios Grammy de 1989. Durante varios años, su popularidad creció gracias a temas originales memorables como "Bring Me Some Water", "No Souvenirs" y "Ain't It Heavy", por el que ganó un Grammy® en 1992. Etheridge alcanzó su máximo esplendor comercial y artístico con su cuarto álbum, Yes I Am (1993). Esta colección incluía los grandes éxitos "I'm the Only One" y "Come to My Window", una conmovedora canción de anhelo que le valió a Etheridge su segundo Premio Grammy® a la Mejor Interpretación Femenina de Rock. En 1995, Etheridge lanzó su álbum más exitoso en las listas, Your Little Secret, que se distinguió por el sencillo "I Want to Come Over". Su asombroso éxito ese año la llevó a recibir el premio a Compositora del Año en los Premios ASCAP Pop en 1996. 

Conocida por sus letras confesionales y su voz ronca y sensual, Etheridge se ha mantenido como una de las cantantes favoritas de Estados Unidos durante más de dos décadas. En febrero de 2007, Melissa Etheridge celebró un hito en su carrera con la victoria en la categoría de "Mejor Canción" en los Premios de la Academia® por "I Need to Wake Up", escrita para el documental de Al Gore sobre el calentamiento global, Una verdad incómoda. Como intérprete y compositora, Etheridge ha demostrado ser una artista que nunca ha permitido que las "verdades incómodas" la desanimen. Al principio de su carrera discográfica, Etheridge reconoció su orientación sexual cuando se consideraba imprudente hacerlo. En octubre de 2004, a Etheridge le diagnosticaron cáncer de mama, una batalla contra la enfermedad que, con su tenacidad característica, ganó. A pesar de perder el cabello por la quimioterapia, Etheridge apareció en la transmisión de los Premios Grammy® de 2005 para cantar "Piece of My Heart" en homenaje a Janis Joplin. De este modo, dio esperanza a muchas mujeres que padecían la enfermedad. 

El 7 de octubre de 2016, Melissa Etheridge lanzó Memphis Rock & Soul, su primer álbum desde This Is ME, aclamado por la crítica en 2014. Grabado en los Royal Studios de Memphis, el álbum recibió excelentes críticas de publicaciones como Entertainment Weekly, Parade, Rolling Stone, American Songwriter y otras. Posteriormente, en abril de 2019, lanzó The Medicine Show. Para este álbum, Melissa volvió a colaborar con el reconocido productor John Shanks, logrando un sonido tan vibrante como siempre y aportando un nuevo nivel artístico a su decimoquinto disco de estudio. 

En junio de 2020, Etheridge lanzó la Fundación Etheridge para apoyar la investigación científica pionera en nuevos tratamientos eficaces para el trastorno por consumo de opioides. La Fundación trabaja para impulsar enfoques terapéuticos que aborden las causas profundas del abuso de opioides y ofrezcan soluciones mejores y más eficaces para que las personas puedan superar verdaderamente su trastorno por consumo de opioides. 

En 2021, Melissa regresó con el álbum One Way Out. Este álbum de nueve canciones es una recopilación de temas que Etheridge escribió a finales de los 80 y principios de los 90 y que nunca llegaron a publicarse… ¡hasta ahora! Por fin había llegado el momento, y los fans pudieron conocer mejor a la Melissa de entonces. 

En octubre de 2022, Melissa regresó al teatro con su espectáculo unipersonal, My Window – A Journey Through Life. La aclamada obra, cuyas funciones agotaron las entradas, se estrenó en New World Stages el 13 de octubre y llegó al Circle In the Square Theatre de Broadway en septiembre de 2023. 

En 2024, Melissa lanzó Melissa Etheridge: I'm Not Broken, una miniserie documental de dos partes (Paramount+) y un álbum en vivo que la acompaña. Grabado en vivo dentro de las instalaciones del centro penitenciario de Topeka, el álbum y la miniserie documentan su proceso de composición e interpretación de una canción original inspirada en su correspondencia con los residentes del centro, e incluyen versiones crudas y conmovedoras de canciones favoritas de los fans y temas originales especialmente seleccionados. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con I'm The Only One.  

John Fogerty

John Cameron Fogerty nació en Berkeley, California, Estados Unidos, el 28 de mayo de 1945. Cantante, compositor, productor y multi instrumentista. Toca guitarra, batería, piano, armónica y saxo.   

El sitio www.johnfogerty.com publicó su biografía. 

John Fogerty es un verdadero tesoro estadounidense. Como líder de Creedence Clearwater Revival (CCR), Fogerty forjó un sonido distintivo e innovador, una mezcla de blues, country, pop, rockabilly, R&B, swamp boogie y rock 'n' roll sureño, todo ello unido por su singular y evocadora perspectiva lírica. Fogerty es ganador de un premio Grammy y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y en el Salón de la Fama de los Compositores. Es el único músico en ser incluido en el Salón de la Fama del Béisbol por su canción "Centerfield", un himno en los estadios de béisbol de todo el país. Entre los muchos éxitos de Fogerty, que han vendido más de 100 millones de discos, tanto como solista como líder de CCR, destacan "Proud Mary", "Susie Q", "Fortunate Son", "Born on the Bayou", "Bad Moon Rising" y "Have You Ever Seen the Rain", entre muchos otros. 

En 2019, Fogerty celebró sus 50 años en la música con una gira mundial con su espectáculo "My 50 Year Trip". El 8 de noviembre de 2019 se lanzó el álbum "50 Year Trip: Live at Red Rocks", que incluye una colección de éxitos de Creedence Clearwater Revival, entre ellos canciones del repertorio de su actuación en el legendario festival de música de Woodstock en 1969, entre otros temas favoritos de los fans. 

En abril de 2020, mientras se encontraban en cuarentena juntos, la familia Fogerty —compuesta por John, sus hijos Shane y Tyler, y su hija Kelsy— se reunió en su estudio casero para tocar música. Comenzó una serie de videos semanales que se hizo tan popular que se lanzó un EP digital, Fogerty's Factory, a través de BMG el día del cumpleaños de Fogerty, el 28 de mayo de 2020. El álbum completo Fogerty's Factory, con una versión extendida, se lanzó el 20 de noviembre de 2020. En diciembre de ese mismo año, Chronicle Vol. 1 de Creedence Clearwater Revival alcanzó el hito de permanecer más de 500 semanas en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el octavo álbum en lograrlo. A principios de enero de 2021, Fogerty lanzó su primera canción original en solitario en ocho años, "Weeping in The Promised Land". La canción es la retrospectiva definitiva de Fogerty sobre el año 2020, sirviendo en última instancia como un emotivo homenaje a quienes se vieron afectados por la pandemia, así como a quienes sufrieron prejuicios e injusticias, con la mirada puesta en días mejores por venir. 

Fogerty se asoció recientemente con Concord para el lanzamiento oficial de Creedence Clearwater Revival At The Royal Albert Hall a través del sello Craft Recordings. Más de 50 años después del legendario concierto de 1970, las cintas multipista originales fueron meticulosamente restauradas y mezcladas por el productor ganador del premio GRAMMY®, Giles Martin, y el ingeniero Sam Okell. El documental que lo acompaña lleva a los espectadores desde los primeros años de CCR juntos en El Cerrito, California, hasta su meteórico ascenso a la fama, y es la única grabación de un concierto de la formación original de CCR que se ha lanzado en su totalidad. 

En 2023, Fogerty, compositor de canciones icónicas que han inspirado a generaciones —como «Proud Mary», «Down on the Corner», «Fortunate Son», «Bad Moon Rising» y «Have You Ever Seen the Rain», entre muchas otras— adquirió la mayoría de los derechos de publicación mundiales de su histórico catálogo musical de Concord. Para John, estas composiciones han sido un sueño de décadas y una misión personal. Durante años, los derechos de autor de las canciones clásicas de Fogerty pertenecieron a Saul Zaentz, propietario de Fantasy Records, quien vendió el sello y su cartera editorial al antiguo Concord Music Group en 1995. Fogerty, que se desvinculó de Fantasy en 1974, volvió a firmar con el sello tras su compra por Concord. Aun así, no había podido obtener la propiedad de sus canciones, hasta ahora. 

“Desde enero, vuelvo a ser dueño de mis canciones. Creí que esto nunca sería posible. Después de 50 años, por fin me reencuentro con ellas. Además, tengo voz y voto sobre dónde y cómo se utilizan. Hasta este año, nunca había podido hacerlo. ¡Tengo muchas ganas de salir de gira y celebrar este año! Quiero agradecer a Concord por haber hecho posible todo esto. Y estoy entusiasmado con las nuevas ideas y el renovado interés por mi música… como un renacimiento”, dijo John Fogerty. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Centerfield.  

Shalom – Conceptos clave del judaísmo

Shalom – Conceptos clave del judaísmo  

Coordinado desde una pluralidad de voces y con la participación de la FCJE, hoy les presentamos el libro Conceptos clave del judaísmo, una obra colectiva coordinada por Alfredo Hidalgo Lavié, que propone una aproximación rigurosa y divulgativa a los fundamentos del pensamiento y la tradición. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/conceptos-clave-del-judaismo/17083361/

Louis Smith

Louis Smith nació en Memphis, Tennessee, Estados Unidos, el 20 de mayo de 1931, y murió el 20 de agosto de 2016. Trompetista y profesor universitario.  

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio. 

Louis Smith. 

Louis Smith (Memphis, 20 de mayo de 1931 – 20 de agosto de 2016), fue un talentoso trompetista que abandonó muy pronto la carrera musical para dedicarse a la docencia en la Universidad de Michigan. Tras una breve vuelta a la música en los años setenta, no fue hasta mediados de la década de 1990 cuando reanudó una carrera discográfica en serio, produciendo una serie de álbumes para el sello Steeplechase. 

Smith comenzó a tocar la trompeta cuando era adolescente. Se graduó de la escuela secundaria con una beca para la “Tennessee State University”, donde estudió música y se convirtió en miembro de la banda del colegio hasta el final de sus estudios. Ingresó en la Universidad de Michigan, donde estudió música con el profesor Clifford Lillya. En Michigan, tuvo la oportunidad de tocar con músicos que llegaban a la ciudad, incluidos Miles Davis y Dizzy Gillespie. Tras licenciarse del ejército en 1955, comenzó a enseñar en la escuela secundaria “Booker T. Washington” en Atlanta, Georgia. Mientras enseñaba música, Smith continuó tocando bop y hard bop en clubes locales, donde llegó a coincidir con algunos de los mejores jazzman americanos como: Cannonball Adderley, Kenny Dorham, Donald Byrd, Lou Donaldson, Zoot Sims y Philly Joe Jones, entre muchos otros. 

En 1956, hizo su debut discográfico como sideman en el álbum “Swingin’”, del guitarrista Kenny Burrell. Un año después, tuvo la oportunidad de dirigir su propia sesión de grabación para el efímero sello “Transition”, creado por Tom Wilson, con sede en Boston. Formó un quinteto con Cannonball Adderley (quien actuó bajo el seudónimo de Buckshot La Funke), el bajista Doug Watkins, el baterista Art Taylor y los pianistas Duke Jordan y Tommy Flanagan, quienes se alternaron en la fecha. La discográfica cerró antes de que la grabación viera la luz, pero por fortuna, el prestigioso sello “Blue Note”, adquirió los activos musicales del sello y decidieron ofrecerle un contrato de exclusividad a Louis Smith. El disco debut de Louis Smith con Blue Note, fue el excelente “Here Comes Louis Smith”. 

Durante 1958, el trompetista tocó en otras dos sesiones de estudio con Blue Note, de una de ellas salió el magnífico álbum “Blue Lights”, del guitarrista Kenny Burrell; la segunda sesión de grabación en la que participó Louis Smith, fue con el también trompetista Booker Little y su álbum de colaboración con Max Roach. Ahí se interrumpió la carrera discográfica de Louis Smith, que no volvió a pisar los estudios hasta veinte años después. 

Smith regresó a la Universidad de Michigan, y solo se dejó ver en dos grabaciones en 1978 y 1979 respectivamente antes de volver de nuevo a la enseñanza. Una década más tarde, Smith decidió seriamente volver a reanudar su carrera discográfica. Firmó en 1989 un contrato con el sello Steeplechase y grabó entre 1990 y 1997 seis discos antes de su retirada definitiva de los ambientes musicales. Ya jubilado de la enseñanza, un derrame cerebral en 2006, le condicionó lo que le quedaba de vida. Louis Smith falleció en agosto de 2016, y con él se fue un trompetista talentoso, desaprovechado por el jazz por sus continuos escarceos entre la docencia y la música. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con One for Nils, junto a su quinteto.  

Phil Rudd

Phillip Hugh Norman Witschke Rudzevecuis, más conocido como Phil Rudd, nació en Melbourne, Australia, el 19 de mayo de 1954. Baterista. 

El sitio www.acdc.fandom.com publicó su biografía.  

Phillip Hugh Norman Rudd (nacido como Phillip Hugh Norman Witschke Rudzevecuis; 19 de mayo de 1954) es un baterista australiano. Es conocido principalmente por ser miembro de la banda de rock AC/DC desde 1975 hasta 1983, y nuevamente desde 1994 hasta la actualidad. Tras la partida del bajista Mark Evans en 1977, se convirtió en el único miembro australiano de la banda. En 2003, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto con los demás miembros de AC/DC. Actualmente reside en Tauranga, Nueva Zelanda. 

Biografía 

Rudd tocó en varias bandas en Melbourne antes de unirse a Buster Brown con el futuro vocalista de Rose Tattoo, Angry Anderson. Lanzaron un álbum, Something To Say, en 1974, pero Rudd se fue por un breve período a Coloured Balls con Lobby Loyde. Durante 1974, su antiguo compañero de banda en Coloured Balls, Trevor Young, le habló de las audiciones de la sección rítmica de AC/DC. Le pidió al bajista de Buster Brown, Geordie Leach, que lo acompañara, pero Leach se negó. Rudd audicionó y fue contratado de inmediato. Se integró a la banda muy rápidamente y aportó su sólido estilo de batería con gran efecto en la serie de álbumes grabados de 1975 a 1983. La banda se mudó al Reino Unido en 1976 y siguió una intensa agenda de giras y grabaciones internacionales. 

Salida de CA/CC 

En 1980, el vocalista Bon Scott falleció. La banda se reagrupó con el vocalista Brian Johnson y grabó su álbum más exitoso, Back in Black. Rudd sufrió mucho la muerte de Scott, pero continuó con AC/DC hasta que dejó la banda durante la grabación del álbum Flick of the Switch en 1983. Había completado su contribución a este álbum, y aunque el baterista de sesión BJ Wilson fue contratado para ayudar a completar la grabación, sus partes de batería finalmente no se utilizaron. El futuro baterista de Dio, Simon Wright, reemplazó a Rudd y apareció en los videos que acompañaron a los sencillos lanzados del álbum. 

El despido de Rudd de la banda fue en parte resultado de sus propios problemas con las drogas y un conflicto con el guitarrista rítmico y fundador de la banda, Malcolm Young, que finalmente se tornó físico. Después de ser despedido de AC/DC, Rudd se retiró a Tauranga, Nueva Zelanda, donde compró una compañía de helicópteros. El público no se enteró de que Rudd había dejado la banda hasta la víspera de su gira norteamericana en 1983. En las últimas páginas de la edición de octubre de 1983 de la revista Circus se afirmaba: "Phil Rudd deja AC/DC... para pasar más tiempo con su familia y sus coches". ¿Hubo una pelea? Angus responde: "Somos un grupo ruidoso, pero no peleamos entre nosotros". Brian agregó: "No podrías encontrar una persona o un baterista más sólido que Phil Rudd". "Ninguno de nosotros tendría que trabajar si no quisiera... Phil eligió esa opción".  

Tras su mudanza, los fans de AC/DC comenzaron a recorrer en coche las calles donde Rudd había vivido anteriormente y a acercarse a la gente en un intento por localizarlo. 

Durante su tiempo alejado de AC/DC, Rudd comentó: «Corrí en coches, volé en helicóptero, me hice agricultor y cultivé algunos alimentos. Viví en Nueva Zelanda, lo cual fue genial; un lugar tranquilo y agradable donde nadie me molestaba». Rudd también siguió tocando la batería, «cuando quería, no cuando tenía que hacerlo», y construyó su propio estudio.  

Reconexión CA/CC 

Cuando AC/DC realizó una gira por Nueva Zelanda en 1991 durante el Razors Edge World Tour, la banda llamó a Rudd para ver si le gustaría " tocar " con ellos. Rudd decidió aceptar su oferta y finalmente fue recontratado. 

La banda le dio la bienvenida de nuevo tras la etapa de Chris Slade como baterista. No hubo resentimientos por la marcha de Slade. La banda elogió a Slade por su interpretación y habilidad técnica, pero sostuvo que un cierto sonido había faltado en la música de AC/DC desde el altercado de 1983. Desde entonces, ha participado en tres álbumes de estudio de AC/DC: Ballbreaker, Stiff Upper Lip y Black Ice, que fue el mayor éxito de la banda en las listas desde For Those About to Rock We Salute You en 1981. Phil y el resto de la banda iniciaron entonces su gira mundial Black Ice, que finalizó en junio de 2010 en Bilbao, España. 

Vida personal 

El 1 de diciembre de 2010, Rudd fue declarado culpable de posesión de 25 g de marihuana en su barco en Tauranga, Nueva Zelanda, pero posteriormente se anuló su condena por posesión de cannabis con el argumento de que le habría impedido continuar de gira con la banda de rock.  

El 30 de julio de 2011, se anunció que el baterista había comprado y abriría un restaurante en una marina de Tauranga, Nueva Zelanda, al que llamaría Phil's Place. Rudd planea vender mariscos y filetes de primera calidad.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Back In Black, y la Full Metal Orchestra, con Phil Rudd de AC/DC, en vivo en el Spark Arena 2025.