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Armenter Chatmon, más conocido como Bo Carter, nació en
Bolton, Misisipi, Estados Unidos, el 30 de junio de 1893, y murió en Memphis,
Tennessee, Estados Unidos, el 21 de septiembre de 1964. Compositor, cantante y
guitarrista.
Carter y sus hermanos aprendieron música inicialmente de su
padre violinista. Su madre también cantaba y tocaba la guitarra. En 1928 Bo
Carter realizó su primera grabación acompañando al cantante Alec Johnson. Ese
mismo año grabó la versión original del tema Corrine Corrina, que se convirtió
posteriormente en un éxito de Big Joe Turner. Poco tiempo después inició su
carrera como solista, convirtiéndose en una de las mayores referencias en
grabaciones de blues de la década de 1930. También actuó y dirigió el grupo familiar,
Mississippi Sheiks, encargándose de la administración del grupo. Solían tocar
para blancos, interpretando los éxitos pop del momento, y blues para su público.
A mediados de la década de 1930 padeció problemas de visión, pero continuó
tocando. En la década de 1940 se trasladó a Memphis, donde realizó trabajos que
no estaban relacionados con la música. Durante los años de 1950 seguía
intentando tocar música. Realizó audiciones para el sello Trumpet Records, pero
la empresa se negó a distribuir sus discos. En la década de 1960 estaba
instalado en Memphis, cuando el investigador de blues británico Paul Oliver lo
entrevistó. Las fotos y algunas de las transcripciones pueden encontrarse en su
libro "Conversation With the Blues".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Corrine, Corrina, con Papa Charlie McCoy.
Curt Sachs nació en Berlín, Alemania, el 29 de junio de 1881,
y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 5 de febrero de 1959. Musicólogo,
profesor universitario, y especialista en Historia del Arte.
(Berlín, 1881 - Nueva York, 1959) Musicólogo alemán. Destacó
especialmente por sus estudios sobre los instrumentos musicales, de los que
elaboró un catálogo principal utilizado internacionalmente. Además, aportó al
mundo de la música importantes estudios antropológicos sobre la historia de la
danza y la teoría de los ciclos culturales, realizó estudios sobre la música no
occidental, fue pionero en la etnomusicología y escribió ampliamente sobre la
música del mundo antiguo. Asimismo, desarrolló numerosos estudios sobre el
ritmo, el tempo y la relación de la música con otras artes. Se le considera uno
de los más eminentes musicólogos, no sólo por su maestría en una gran variedad
de temas, sino también por presentar un punto de vista integrador dentro de ese
amplio panorama.
Sachs demostró interés por la música desde muy temprana
edad; de ahí que sus padres tomaran la decisión de que recibiera clases de
piano, teoría y composición siendo todavía muy niño. Sin embargo, llegado el
momento de decidir hacia dónde debía orientar su carrera profesional, escogió
estudiar historia del arte. Esta postura fue sorprendente, puesto que dicha
especialidad apenas tenía relación con la música (tan sólo una de las
asignaturas versaba sobre la misma). Sachs se licenció en historia del arte en
la Universidad de Berlín, donde también fue aprobada su tesis doctoral.
Al abandonar la universidad, sus primeros pasos
profesionales lo encaminaron al mundo del periodismo, campo en el que realizó
numerosas colaboraciones como crítico de arte. Su aportación más importante en
esos años fue para la Monatshefte für kunstwissenschaftliche Literatur
('Mensual para la ciencia y arte de la Literatura'). Mientras desarrollaba su
labor de crítico consiguió un puesto en el Museo de Artes y Oficios de Berlín,
donde ejerció como historiador. A pesar del éxito profesional obtenido, en 1909
decidió dedicar el resto de su existencia a la música.
El estallido de la Primera Guerra Mundial supuso un duro
golpe para sus aspiraciones, pero no logró apagar su deseo de convertirse en
musicólogo. Finalizado el conflicto, regresó a su ciudad natal, donde enseguida
se le otorgó el cargo de director de la Staatliche Instrumentensammlung
('Colección Estatal de Instrumentos Musicales'). Este momento fue clave en su vida
ya que, a partir de la entrada en dicho departamento, creció en él un mayor
interés por la naturaleza e historia de los instrumentos musicales.
Desde su nuevo cargo reorganizó la extensísima colección, al
tiempo que desarrollaba una ingente labor de restauración de los instrumentos
que se encontraban en peor estado, a fin de que pudiesen volver a ser
utilizados. La eficacia de su trabajo al frente de la colección hizo que
diferentes instituciones berlinesas se fijasen en él para incorporarlo a su
plantilla docente. Así fue como en el año 1928 le ofrecieron impartir clases en
la Academia Nacional de Música y en la Universidad de Berlín, ofertas que Sachs
no pudo rechazar.
Sin embargo, esta época de felicidad se acabó para Sachs con
la llegada al poder del Partido Nacionalsocialista de Hitler. El hecho de que
tuviese orígenes judíos hizo que fuera incluido en las listas de profesores e
intelectuales que debían ser perseguidos. Las autoridades nazis le desposeyeron
de todos sus cargos académicos. El peso de los acontecimientos hizo que Sachs
tomara conciencia de que el único camino que le quedaba era el de abandonar el
país, puesto que de quedarse en Alemania su vida corría serio peligro.
Abandonó Berlín para trasladarse en primera instancia a
París, donde comenzó un largo periodo de exilio. En la capital francesa no tuvo
problemas para encontrar trabajo, ya que su labor en Alemania era reconocida en
los ámbitos académicos europeos. Enseguida comenzó a trabajar en un museo
etnológico, junto a André Schaeffner. También la prestigiosa Universidad de la
Sorbona le ofreció un puesto de profesor invitado. En París empezó a
desarrollar diferentes investigaciones sobre etnomusicología, las cuales dieron
como resultado la serie de grabaciones titulada Anthologie Sonore. Para
interpretar los temas musicales de estas grabaciones, Sachs utilizó
instrumentos originales de la edad antigua y medieval.
El impulso definitivo a su carrera se produjo en 1937,
cuando la Universidad de Nueva York le ofreció impartir clases en sus aulas.
Sachs no dudó en trasladarse a Estados Unidos ante la imposibilidad de regresar
a su país. En el país norteamericano logró hacerse con una importante
reputación internacional. Se mantuvo al frente de la cátedra de la Universidad
de Nueva York hasta 1953, año en que se le ofreció un puesto en la Universidad
de Columbia. En la ciudad neoyorquina también trabajó como consultor en una
Biblioteca Pública. En esta época de exilio estadounidense, Sachs se convirtió
en uno de los padres fundadores de la organología moderna (estudio de la
naturaleza e historia de los instrumentos musicales) y colaboró con Erich von
Hornbostel para llevar a la práctica un método de clasificación de los
instrumentos musicales que sirviera de guía para todos los intérpretes.
Publicó numerosísimos de estudios, tanto en alemán como en
inglés, y fue el primero en llegar a conclusiones fiables sobre el desarrollo
de los instrumentos musicales desde la prehistoria a nuestros días. Para sus
estudios utilizó información antropológica, histórica y lingüística. Los
expertos en musicología consideran su libro Real-Lexikon der Musikinstrumente,
aparecido en 1913, como el texto más importante escrito sobre la historia de
los instrumentos musicales.
Su importancia creció conforme pasaron los años, puesto que
ninguno de los estudios realizados en este campo ha logrado la eminencia de los
suyos. Algunas de sus publicaciones, además de la ya citada, fueron: Historia
Mundial de la Danza (1937), El nacimiento de la música en el mundo antiguo (1943)
y La República del Arte: el estilo en las bellas artes, la música y la danza
(1946).
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Gabriel Fauré, con la Sonata para Violín y Piano en La
Mayor Op. 13, la Suite para Orquesta en Fa Mayor Op. 20, el ciclo de Melodías Mirages, o Espejismo Op. 113, la Balada para
Piano y Orquesta en Fa Sostenido Mayor Op. 19, y la Fantasía para Flauta y
Piano Op. 79.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Nicolas Bernier (Mantes-la-Jolie, 28 de junio de 1664 —
París, 5 de septiembre de 1734), fue un músico y compositor francés.
Comenzó su carrera musical como niño cantor en la colegiata
de su pueblo donde manifestó sus disposiciones musicales. Pronto viajó a Roma
donde se perfeccionó con Antonio Caldara. De regreso a Francia en 1692, se
instaló en París donde ejerció como profesor de clavecín; de 1694 a 1698, fue
maestro de capilla en la Catedral de Chartres, pero abandonó el puesto para
dirigir en París, el grupo musical de Saint-Germain-l’Auxerrois. En 1703
publicó su 1º Livre de motets à une, deux et troix voix y, al año siguiente,
sucedió a M.A. Charpentier en la Santa Capilla, puesto que ocupó hasta 1726. A
los 48 años, en 1712, se casó con una de las hijas del célebre intérprete de
viola Marin Marais. En 1723 sucedió a Delalande como vicemaestro de la Capilla
de Versalles. Todo esto no le impidió publicar al lado de sus obras religiosas
8 libros de Cantatas. Gozaba de una gran popularidad como profesor, teniendo
entre sus alumnos a Felipe de Orleans, el futuro regente.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Miserere Mei Deus, en la versión del Conjunto Les Agremens, dirigidos por
Guy Van Waas.
Antonio Brosa (La Canonja, Tarragona, 27 de junio de 1894 -
Barcelona, 23 de marzo de
1979) fue un violinista español.
Hijo de un director de banda, comenzó
sus estudios musicales en Barcelona y los continuó en Bruselas. Se instaló
en Inglaterra en 1914. En 1936, durante el Festival de la Sociedad
Internacional de Música Contemporánea, estrenó en Barcelona la Suite, op. 6 de
Benjamin Britten, con el propio compositor acompañándole al piano. Mantuvo una profunda amistad
con Britten, quien apreciaba mucho las cualidades musicales de Brosa y alabó su
técnica y su musicalidad.
Britten le consultó a Brosa
las dificultades que le iban surgiendo mientras componía su concierto para violín. El propio Brosa fue el encargado de estrenarlo el 28 de
marzo de 1940 en el Carnegie Hall de Nueva York, junto a la Orquesta
Filarmónica de Nueva York y John Barbirolli. Esta interpretación lanzó la
carrera de Brosa como solista internacional. Posteriormente, en los años
cincuenta, Brosa grabó este concierto de Britten. Interpretó a menudo obras de
autores contemporáneos, como del citado Britten, de Robin Milford, de Edmund
Rubbra y de Michael Tippett. Fundó el Brosa String Quartet en Londres y
posteriormente formó parte del Pro Arte String Quartet en Estados Unidos.
Tocaba un violín Stradivarius llamado «Vesuvio», que en 1968 pasó a propiedad
del violinista británico Remo Lauricella. Residió durante muchos años en Gran
Bretaña, donde fue profesor del Royal College of Music y formó numerosos
violinistas. Brosa habló con fluidez cinco idiomas. Actualmente, una calle de
La Canonja está dedicada a Antonio Brosa.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación del Concierto para Violín y Orquesta Op. 15, de Benjamin
Britten, junto a la Orquesta Escocesa de la BBC bajo la dirección de Ian Whyte.
Líder religioso internacional, filósofo, autor galardonado y
una respetada voz moral, el Rabino Lord Jonathan Sacks recibió el premio
«Templeton Prize» en 2016 en reconocimiento a «sus contribuciones excepcionales
en afirmar la dimensión espiritual de la vida.
Estrella Castro Navarrete, más conocida como Estrellita
Castro, nació en Sevilla, España, el 26 de junio de 1906, y murió en Madrid, España, el 10 de julio
de 1983. Cantante y actriz.
El sitio www.dbe.rah.es
publicó este recordatorio firmado por Manuel Román Fernández.
Estrella Castro Navarrete
Biografía
Castro Navarrete, Estrella. Estrellita Castro. Sevilla,
26.VI.1908 – Madrid, 10.VII.1983. Cantante y actriz.
Hija de padre gallego y madre malagueña, matrimonio de
humilde condición que tuvo doce hijos.
Desde muy niña se sintió atraída por el cante
popularandaluz. Se aprendía coplillas, teniendo seis años de edad, que
interpretaba por las calles o en bodas, bautizos y fiestas de su barrio
sevillano. En la academia de un reconocido maestro de baile, Realito, aprendió
a bailar. Como no podía pagar las clases llegó a un acuerdo con dicho maestro:
a cambio de sus lecciones ella realizaría faenas de limpieza en aquella casa de
la Alameda de Hércules.
Breve de estatura física era conocida como La Comino en sus
inicios artísticos a comienzo de los años veinte. La condesa de Bermejillo, que
la conocía de sus andanzas callejeras, le proporcionó una inesperada actuación
en los Reales Alcázares sevillanos que fue presidida por los Reyes de España.
Doña Victoria Eugenia, complacida con la gracia demostrada por la joven
cantaora, tras felicitarla, le urgió a que le pidiera cualquier regalo. Demanda
a la que Estrellita respondió sin vacilar: le hacía ilusión poseer un mantón de
Manila y una pulsera de brillantes. La Soberana no pudo evitar una simpática
carcajada y, a los pocos días remitió una joya a la neófita artista. Del mantón
se encargó la anfitriona de aquella fiesta. Con el paso de los años, un día se
vio obligada a empeñar el regio obsequio a cambio de quinientas pesetas.
Tenía sólo doce años cuando participó en un concurso de
saetas en el Salón Imperial de la sevillana calle de las Sierpes. Espectador de
excepción aquel día fue el torero Ignacio Sánchez Mejías, quien entusiasmado
con el arte de la chiquilla le arrojó una moneda de oro al escenario. A partir
de entonces, Estrellita Castro se convirtió tempranamente en artista
profesional, burlando la reglamentación laboral vigente. El gobernador de
Sevilla, marqués del Valle de la Reina, accedió a que la jovencita continuara
sus actuaciones, connmovido por las argumentaciones de ésta, que invocaba la
pobreza de su casa, a cuyo sostenimiento económico contribuía decisivamente.
Durante esta década, Estrellita Castro fue ya popularizando
su nombre en el mundillo de las variedades musicales. Con quince años hizo su
presentación en una sala barcelonesa del Paralelo, Edén Concert, cobrando cien
pesetas al día, cifra muy considerable entonces. Cantaba cuplés andaluces, que
así se denominaban las coplas populares, en un tiempo en el que brillaban las
legendarias Pastora Imperio, Amalia Molina y Dora la Cordobesita. Pero
Estrellita Castro dotó a ese género de canción popular andaluza de una voz
aguda, muy personal, de inequívoco acento sevillano, expresada con singular
gracia, que acentuaba en el escenario con giros y ademanes llenos de contagiosa
alegría, y, además, comenzó a peinarse con un caracolillo de sus cabellos sobre
la frente, signo estético que mantuvo hasta sus últimos días.
En Madrid, hacia 1925, brilló en sus actuaciones en el
teatro Romea, uno de los lugares más concurridos en ese género de las
variedades. También actuó en otros salones en boga: Ideal, Pavón, Eslava,
Coliseum y el célebre circo Price.
A comienzos de 1930 grabó su primer disco con dos canciones:
“Graná” y “Candelita”. Un año después, dio a conocer a ritmo de pasodoble, una
de las canciones que marcaría el resto de su carrera: “Mi jaca”, escrita por
Ramón Perelló y música de Juan Mostazo, que nunca dejó de incluirla en su
repertorio.
Otras coplas que en esta época gozaron del favor popular,
por su continuada difusión a través de las ondas radiofónicas, fueron, entre
otras, “María de la O”, de Valverde, León y Quiroga, autores también de “María
Magdalena” y “¡Ay, Maricruz!”. El celebrado maestro Manuel López Quiroga,
considerado el más prestigioso en su género, denominó a esas canciones “mis
tres Marías”. Con ellas, Estrellita Castro se consagró plenamente.
En 1933 comenzó a actuar en el cine, protagonizando diversos
cortometrajes, cuyos argumentos servían para popularizar aún más sus canciones,
destacando, Rocío, Ojos verdes o La morena de mi copla, y, en 1935, rodó su
primer largometraje, Rosario la cortijera.
Dos años antes había hecho una gira por Hispanoamérica, y,
en Argentina, tras conocer a Carlos Gardel, hizo una versión de “Milonga
sentimental”.
Durante la guerra civil actuó por toda España, tanto en la
zona nacional como en la republicana. A finales de la contienda fue requerida
por los directivos de los estudios alemanes Ufa, para rodar tres películas: El
barbero de Sevilla, Suspiros de España, que popularizaría el pasodoble de igual
título, y Mariquilla Terremoto, basada en la obra de los hermanos Álvarez
Quintero. Durante su estancia en Berlín fue recibida en audiencia especial por
Adolfo Hitler, quien la colmó de piropos, uno de ellos, el conocido “Es usted
una de las mujeres más bellas que han visto mis ojos”.
Viajó después a Roma, en 1939, para protagonizar Los hijos
de la noche. Terminada la guerra en España, volvió para ser la primera estrella
de la productora Cifesa. Rodó entonces, La gitanilla, basada en la novela de
Cervantes, que es considerada su mejor interpretación en la pantalla. Después
vinieron Torbellino (1941), Los misterios de Tánger (1942), La patria chica y
La maja del capote, ambas de 1943. Alternaba el cine con sus actuaciones ante
el público, donde seguía conquistando a sus seguidores con las mejores coplas
de Quintero, León y Quiroga, el trío compositor más fecundo en el género, como
“La Lirio”, “A la lima y al limón”, “Tientos del reloj”, “La niña de la
ventera” o “Lola la de los brillantes”. Asimismo con títulos como “Los
piconeros”, de Perelló y Mostazo, “Antonio Vargas Heredia” y “Carceleras del
puerto”, de Oliva y Mostazo, que también figuran en el repertorio de otras
grandes de la copla, como Imperio Argentina y Conchita Piquer, pero para los
que Estrellita Castro siempre dejó en sus interpretaciones una impronta muy
personal y jamás imitó a nadie.
Antes, al contrario, sería espejo en el que se mirarían no
pocas intérpretes en decenios sucesivos, pues fue llamada “La reina de los
pasodobles”, por haber cultivado con éxito, entre otros, un ritmo tan español,
enraizado con la copla tradicional.
A partir de 1950, ante el empuje de nuevas artistas y el
comprensible deterioro de su voz, el nombre de Estrellita Castro fue
paulatinamente perdiendo vigencia.
No obstante, ella siguió actuando allí donde fuera
reclamada, siempre con gran entusiasmo y brío en los escenarios. En 1959 se le
ofreció un homenaje. Coincidía con una progresiva pérdida de su visión y que
ella procuraba ocultar con fingidos ademanes, aunque estuviera ante las cámaras
de televisión. Ya era una leyenda viva de la copla y a pesar de los centenares
de discos que grabó, continuaban reeditándose sus antiguas grabaciones y hasta
realizaba otras por esa época. En 1965 reapareció en el teatro Price con el
espectáculo “De América a España”, y en 1967, en el Teatro Calderón con
“Operación simpatía”. En 1970 hizo una colaboración en la película La casa de
los Martínez, y en 1972 apareció por última vez en el cine en Casa Flora.
Murió en Madrid en el verano de 1983. Había dejado dispuesto
que, al morir, fuera peinada con un caracolillo sobre su frente.
Obras de ~: Discografía: Homenaje a Estrellita Castro,
Madrid, Columbia, 1983; Antología de la Canción Española (5), Madrid,
Emi-Odeón, 1986: La Copla. Estrellita Castro. Mi jaca, Barcelona, Divusca,
1992; Raíces de la canción española (vol. 5), Sevilla, Fonotrón, 1993; Coplas
de oro, Madrid, Ventura Music, 2001.
Filmografía: Actriz en: J. Zeisler y H. Loesser (dirs.),
Patio andaluz, 1933; L. Artola (dir.), Rosario la cortijera, 1935; B. Perojo
(dir.), El barbero de Sevilla, 1938; B. Perojo (dir.), Suspiros de España,
1938; B. Perojo (dir.), Mariquilla Terremoto, 1939; B. Perojo (dir.), Los hijos
de la noche/I figli della notte, 1939; F. Delgado (dir.), La gitanilla, 1940;
L. Marquina (dir.), Torbellino, 1941; C. Fernández Cuenca (dir.), Los misterios
de Tánger, 1942; F. Delgado (dir.), La patria chica, 1943; F. Delgado (dir.),
La maja del capote, 1943; R. Baledón (dir.), Gitana tenías que ser, 1953; A. de
Ossorio (dir.), La niña del patio, 1967; A. Navarro (dir.), La casa de los
Martínez, 1970; R. Fernández (dir.), Casa Flora, 1972.
Escritos: Mi vida, Madrid, Astros, 1943.
Bibl.: Á. Retana, Estrella del cuplé: su vida y sus
canciones, Madrid, Tesoro, 1963; Historia del arte frívolo, Madrid, Tesoro,
1964; Historia de la canción española, Madrid, Tesoro, 1967; D. Pineda Novo,
Las folklóricas y el cine, Huelva, Festival de Cine Iberoamericano, 1991, págs.
60-73; M. Román, Memoria de la copla, Madrid, Alianza Editorial, 1993, págs.
37-53; T. Moix, Suspiros de España: la copla y el cine de nuestro recuerdo,
Barcelona, Plaza y Janés, 1993; R. Utrera, “Castro, Estrellita (Estrella Castro
Navarrete)”, en J. L. Borau (dir.), Diccionario del cine español, Madrid,
Alianza Editorial- Academia de las Artes y de las Ciencias Cinematográficas de
España, 1998, págs. 199-200; M. L. González Peña, “Castro, Estrellita (Estrella
Castro Navarrete)”, en E. Casares Rodicio (dir. y coord.), Diccionario de la
música española e hispanoamericana, vol. III, Madrid, Sociedad General de
Autores y Editores, 1999, págs. 402-403.
Manuel Román Fernández
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Suspiros de España.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Yona Amit Glandauer: Shemá Israel
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Yona Amit nació en 1938 en Fioma, en el norte de Italia (ahora
Croacia), como Antonia-Tauba Glandauer, hija de Giacomo y Helena Glandauer. Fue
educada en una familia judía ortodoxa religiosa moderna. En 1938 se
introdujeron en Italia leyes raciales fascistas y el 13 de septiembre de 1943
los alemanes ocuparon el norte de Italia. La familia de Yona abandonó Fioma y
llegó a Trieste. Allí se ocultó con los Tambini, una familia católica devota y
antifascista. Con la ayuda de la resistencia italiana y la iglesia cristiana la
familia logra cruzar los Alpes para llegar a Suiza. En 1950 se establecen en el
Estado de Israel. Yona tiene cuatro hijos y 12 nietos. Yona ha brindado su
testimonio en Israel y en el mundo.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Mary Beth Peil nació en el año 1940 en Davenport, Iowa.
Se entrenó como cantante de ópera en la Universidad de
Northwestern, donde fue miembro de la fraternidad Gamma Phi Beta.
En 1964
ganó el Young Concert Artists International Auditions.
Durante los 60´s, Peil cantó junto a la compañía de ópera de
Boris Goldovsky, la del Metropolitan Opera y la de New York City Opera.
En 1971, creó el papel de Alma en la ópera “Summer and
Smoke”, basada en la obra de Tennessee Williams.
Tiempo después la convencieron de participar en el musical
“Kiss Me, Kate”, y repentinamente comenzó a trabajar en Broadway.
En 1983 participó en el revival de “The King and I”. La
producción estuvo de gira por todo Estados Unidos, y gracias a su participación
en esta obra, fue nominada a un premio Tony.
Debutó en la pantalla grande en el año 1992 con una
participación en la película “Jersey Girl”, y desde entonces sus créditos
incluyen las películas “Comfortably Numb”, “La extraña pareja, otra vez”,
protagonizada por Jack Lemmon y Walter Matthau, “Advice from a Caterpillar”,
“Las mujeres perfectas”, con Nicole Kidman y Matthew Broderick, “Banderas de
nuestros padres”, y “Reflejos”, entre otras.
En televisión, se la pudo ver como invitada en series como
“Ley y orden”, “Ley y orden: Unidad de víctimas especiales”, “The Job”,
“Fringe”, tuvo un papel regular como Evelyn 'Grams' Ryan en “Dawson's Creek”
entre 1998 y 2003, y desde 2009 se la puede ver interpretando a Jackie
FlorrickThe Good Wife en “”.
Siguiendo con su trabajo en teatro, en 1995, Peil ganó un
Obie Award por su trabajo en las obras “The Naked Truth”, “Missing Persons”, y
“A Cheever Evening”.
Entre 1996 y 1997, se la pudo ver en el tour de la obra de
A. R. Gurney, “Sylvia”, en la que
trabajó junto a Charles Kimbrough y Stephanie Zimbalist.
Interpretó también a la evangelista Aimee Semple McPherson
en un revival de 1998 de “As Thousands
Cheer”, y otros de sus créditos entre las tablas incluyen las producciones “Hay
Fever”, “Sweeney Todd”, “Nine”, “Frame 312” y “Sunday in the Park with George”,
entre otras.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Almost Like
Being In Love y With a Song In My Heart, con el barítono Robert Goodloe.
A continuación, de Max Bruch, el Concierto para Violín y
Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 26, en la versión de Fritz Kreisler, junto a la
Orquesta Filarmónica de Londres, dirigida por Eugène Goossens. Grabación
histórica realizada en 1924.
Hugo Distler nació en Núremberg, Alemania, el 24 de junio de
1908, y murió en Berlín, Alemania, el 1 de noviembre de 1942. Compositor.
Estudió dirección de orquesta y piano en el Conservatorio de
Leipzig. Posteriormente, aconsejado por sus profesores Hermann Grabner de armonía,
y Günther Ramin de órgano, se dedicó al estudio de la composición y al órgano. En
1931 accedió al puesto de organista en la iglesia de St. Jacobi en Lübeck. Más
adelante Posteriormente dio clases en la escuela de Música Religiosa de
Spandau, y en Stuttgart. En 1940 es nombrado profesor de composición y órgano
en la Escuela Superior de Música de Berlín, donde dirige allí el coro de la
escuela. Por sus obligaciones tiene poco tiempo para la composición. Hugo Distler
fue el representante más importante del espíritu renovador de la música
evangélica luterana posterior a 1920. Los nazis definieron sus obras como Entartete
Kunst, o Arte Degenerado. Frente al horror de la guerra y ante la persecución y
desaparición de muchos de sus compañeros y amigos, las presiones en su trabajo
y la obligación de enrolarse en las filas del Ejército, terminó con su vida.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Nun komm der Heiden Heiland, en la versión de Matthias Havinga.
Milton John Hinton, más conocido como Milt Hinton, nació en Vicksburg,
Misisipi, Estados Unidos, el 23 de junio de 1910, y murió en Nueva York, Estados
Unidos, el 19 de diciembre del 2000. Contrabajista.
Milton John Hinton (1910-2000) fue un bajista extraordinario
de la época del swing que tuvo la habilidad y la capacidad para llegar en
activo hasta los albores del siglo XXI. Sus comienzos fueron en la banda del
legendario cornetista, Freddie Keppard, con quien debutó discográficamente en
1930. Entre 1936 y 1951, permaneció en la orquesta del extravagante pero genial
músico, Cab Calloway y su estilo siempre se le consideró muy próximo al bajista
de la orquesta de Duke Ellington, Jimmy Blanton. Hilton era en la orquesta de
Calloway, lo que Blanton en la de Ellington. A renglón seguido, estuvo durante
algún tiempo con la orquesta de Dizzy Gillespie.
Tras la II Guerra Mundial, se enroló en los “All Stars” de
Luis Armstrong, consolidándose como un gran músico de sonido y ritmo brillante.
Participó en numerosas “jam sessions” y en ellas siempre terminaba entre los
mejores bajistas. Los años sesenta pasaron por encima de él como a la mayoría
de los músicos de jazz, sepultados por el olvido popular y arrinconados tras el
empuje del rock y el pop. Tras varios años de ostracismo, es recuperado para el
jazz en los años setenta donde participa en numerosas giras, festivales y
actuaciones en clubes y locales de jazz.
En 1995, casi al final de su carrera, fue contratado por el
grupo, “The Statesmen of Jazz” una formación organizada y subvencionada por la
“American Federation of Jazz Societies” para fomentar el jazz para que
realizara una gira por todo el país. Fue su último gran trabajo, ya que
fallecería cinco años más tarde.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Three Little Words.
Theodor Hermann Leschetizki nació en Łańcut, Polonia, en
aquel momento parte del Imperio austrohúngaro, el 22 de junio de 1830, y murió
en Viena, Austria, el 4 de noviembre de 1915. Pianista, maestro y compositor.
Fue un niño prodigio, a los 10 años estudió en Viena con
Karl Czerny y Simon Sechter, y a los 14 años obtuvo el título de profesor.
Entre 1852 y 1878 dio clases de piano en el conservatorio de San Petersburgo, y
posteriormente en Viena. Fue el profesor de piano más célebre de su tiempo. Entre
sus discípulos estuvieron varios de los pianistas más renombrados de su época,
como Ignacy Jan Paderewski, Artur Schnabel, Michael Zadora, Anna Yésipova, Mieczysław
Horszowski, Vasili Safónov, Benno Moiseiwitsch y Elly Ney. La mayor parte de su
producción la dedicó al piano como Las dos alondras Op. 2, Nº 1; el Concierto
para piano en Do Menor Op. 9; Seis meditaciones Op. 19; Dos Mazurkas para piano
Op. 24; Recuerdos de Italia: suite de piezas para piano Op. 39, entre muchas
otras.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Nocturne Op. 27 Nº 2, de Frèdèric Chopin, registrado en un Rollo Welte
Mignon.
Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Gabriel Fauré, con el Quinteto Nº 1 para Piano, 2 Violines,
Viola y Violonchelo en Re Menor Op. 89, la Fantasía en Sol Mayor para Piano y
Orquesta Op. 111, la Suite Dolly Op. 56 para Piano a 4 manos, y la Elegía Op.
24a para Violonchelo y Orquesta.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Antônio Gonçalves Sobral, más conocido como Nelson Gonçalves,
nació en Santana do Livramento, Río Grande del Sur, Brasil, el 21 de junio de
1919, y murió en Río de Janeiro, Brasil, el 18 de abril de 1998. Cantante y
compositor.
Nacido en Rio Grande do Sul, se trasladó con sus padres
portugueses a São Paulo, en el barrio de Brás. De niño, su padre lo llevaba a
plazas y ferias, quien tocaba el violín mientras él cantaba.
Fue jornalero, mecánico, limpiabotas, pulidor y fabricante
de zuecos. También fue boxeador en la categoría de peso medio, recibiendo el
título de campeón de São Paulo a los dieciséis años.
Incluso con el apodo de "Metralha", debido a su
tartamudeo, decidió ser cantante. En una de sus primeras bandas, tuvo como
baterista a Joaquim Silva Torres. Fracasó dos veces en el programa de primer
año de Aurélio Campos. Finalmente fue ingresado en la estación de radio PRA-5,
pero liberado poco después.
En esta época se casó con Elvira Molla y con ella tuvo dos
hijos. Sin trabajo, trabajaba como mesero en el bar de su hermano, en la
Avenida São João.
Se fue a Río de Janeiro en 1939, donde nuevamente recorrió
el camino de los programas de primer año. Volvió a fallar en la mayoría de
ellos, incluido Ary Barroso, que le aconsejó que se rindiera. Finalmente, en
1941, logró grabar un disco de 78 rpm, que fue bien recibido por el público. Se
convirtió en crooner en el Casino Copacabana (del Hotel Copacabana Palace) y
firmó contrato con Rádio Mayrink Veiga, iniciando una carrera como ídolo de la
radio en los años 40 y 50, en la escuela de los grandes, discípulo de Orlando
Silva y Francisco Alves.
Algunos de sus grandes éxitos de los años 40 fueron Maria
Bethânia (Capiba), Normalista (Benedito Lacerda / Davi Nasser), Caminhemos
(Herivelto Martins), Renuncia (Roberto Martins / Mário Rossi) y muchos otros.
Mayores fueron los éxitos de la década de 1950, que incluyen Última Seresta
(Adelino Moreira / Sebastião Santana), Meu Vício É Você y la emblemática A
Volta do Boêmio (ambas de Adelino Moreira).
En los años 50, además de conciertos por todo Brasil, actuó
en países como Uruguay, Argentina y Estados Unidos, en el Radio City Music
Hall.
En 1952 se casa con Lourdinha Bittencourt, suplente de Dalva
de Oliveira en el Trío de Ouro. El matrimonio duró hasta 1959.
En 1965 se volvió a casar con Maria Luiza da Silva Ramos,
con quien tuvo dos hijos, Ricardo da Silva Ramos Gonçalves y Maria das Graças
da Silva Ramos Gonçalves. La menor tiene su apodo en el estribillo de la
canción Hasta el 2001. (Está en gogo gugu).
Sin embargo, su vinculación con la cocaína, en 1958,
habiendo incluso sido detenido en el acto en 1965 y pasado un mes en la Casa de
Detenção, lo que le trajo problemas personales y profesionales. Superando la
crisis, lanzó el álbum A Volta do Boêmio nº1, un gran éxito.
Después de dejar la adicción con el apoyo de su esposa,
retomó una exitosa carrera.
Continuó grabando con regularidad en las décadas de los 70,
80 y 90, reafirmando su posición entre los plusmarquistas nacionales de ventas
de discos. Además de los eternos viejos éxitos, Nelson Gonçalves siempre estuvo
atento a nuevos compositores, e incluso grabó canciones de Ângela Rô Rô
(Simples Carinho), Kid Abelha (Nada por Mim), Legião Urbana (Ainda É Cedo) y
Lulu Santos (Como una ola).
Ganador de un premio RCA Nipper, otorgado a aquellos que
permanecen en el sello durante mucho tiempo, siendo solo Elvis Presley otro
ganador. Durante su carrera grabó más de dos mil canciones, 183 discos a 78
rpm, 128 discos, vendió unos 78 millones de discos, ganó 38 discos de oro y 20
de platino.
Murió a consecuencia de un infarto agudo de miocardio en el
apartamento de su hija Margareth, en Río de Janeiro.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus éxitos: Naquela mesa.
(Oviedo, 1883 - 1957) Barítono español. Fue un intérprete de
ópera de notable prestigio en Italia, donde actuó en las décadas de 1910 y 1920
junto a las principales figuras líricas del momento: Enrico Caruso, María
Barrientos, Gabriella Besanzoni, José Palet o Tito Schipa. Poseedor de una
magnífica técnica de barítono, su voz iba del "Do" grave al
"La" sobreagudo en una línea de canto muy pura, propia de la escuela
clásica italiana.
Tras haber estudiado en la Escuela de Bellas Artes de
Oviedo, comenzó su carrera musical como intérprete de violín, pero poco después
ingresó en el Orfeón Ovetense llevado de su afición al canto. Sus profesores le
aconsejaron que se desplazara a Madrid y, ya en la capital, recibió clases de
canto del maestro Alvira. Éste propició que fuera contratado por los
empresarios del Teatro Real para cantar pequeñas partes de comprimario, entre
ellas Lohengrin y Sansón y Dalila.
En 1912 marchó a Italia con la ayuda de una beca concedida
por la Diputación asturiana; allí perfeccionó su voz de barítono y formó
repertorio. En agosto de ese año debutó en un teatro de Mantua, cantando La
bohème y el prólogo de Los Payasos, obras que le dieron a conocer y facilitaron
el salto a escenarios de mayor envergadura.
En el Teatro Real de Malta representó durante seis meses La
Traviata, Tosca, La africana, Rigoletto o El barbero de Sevilla, entre otras.
El estallido de la guerra mundial motivó su regreso a España, con diversas
actuaciones en Asturias, Madrid y Barcelona; en esta época actuó junto al veterano
Servando Bango, el bajo Augusto Caro-Romero y las hermanas Nieto.
Desde 1918 volvió a emprender las actuaciones en Italia,
además de presentarse triunfalmente en tierras americanas, donde sobresalió el
Sansón y Dalila representado en el Teatro Esperanza Iris de México, con Caruso
y Gabriella Besanzoni en los papeles protagonistas y Ordóñez en el de Gran
Sacerdote. Con la propia cantante italiana interpretó Un ballo in maschera -en
el papel de Renato- y Carmen -en el de Escamillo-.
A principios de la década de 1930 dio por finalizada su
carrera operística internacional, fijó su residencia en España e intervino en
alguna ópera, zarzuelas grandes como Los gavilanes, La del Soto del parral y
Luisa Fernanda, y otras del género chico como La verbena de la Paloma. Tras el
abandono definitivo de los escenarios, se dedicó a la enseñanza musical en
Asturias.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Curva de mujer, romanza de la opereta El collar de Afrodita.
La FCJE es la institución encargada de velar por las
comunidades judías dentro de la geografía española. En el programa de hoy, el
Secretario General de la FCJE, Maxo Benalal, nos comenta cuáles son los
principales desafíos que, a día de hoy, enfrentan las comunidades judías en la
sociedad española.
Walter Bache nació en Birmingham, Reino Unido, el 19 de
junio de 1842, y murió en Londres, Reino Unido, el 26 de marzo de 1888. Pianista
y director de orquesta.
Walter Bache (Birmingham, Reino Unido, 19 de junio de 1842 –
Londres, ibídem, 26 de marzo de 1888) fue un pianista y director de orquesta
británico, destacado por su defensa de la música de Franz Liszt y de otros
miembros de la Nueva Escuela Alemana en Inglaterra. Estudió de forma privada
con Liszt en Italia entre 1863 y 1865, siendo uno de los pocos alumnos a los
que se lo logró, y continuó asistiendo periódicamente a clases magistrales con
él en Weimar (Alemania) hasta 1885, incluso después de iniciar su carrera en
solitario. Este periodo de estudio no fue igualado por ningún otro alumno de
Liszt y dio lugar a un vínculo particularmente estrecho entre ambos. Tras las
dudas iniciales por parte de los críticos ingleses debido a que era alumno de
Liszt, Bache fue aclamado públicamente por su destreza al teclado, cuando incluso partes de su
repertorio habían sido
cuestionadas. Su principal
logro fue el establecimiento de la música
de Liszt en Inglaterra, a lo que se dedicó desinteresadamente entre 1865 y su muerte, en 1888. Esto sucedió cuando la Guerra de los
románticos estaba en su apogeo, cuando las facciones musicales conservadoras y
liberales discutían abiertamente sobre el futuro de la música clásica y los
méritos de las composiciones escritas en sus respectivas escuelas. Bache
programó varias de las obras orquestales y corales a través de una serie anual
de conciertos, que financió, organizó y promovió en solitario. Asimismo, dio
una serie anual de recitales que incorporó música para piano de Liszt. La estrategia de Bache para la
presentación de estas obras
fue la de familiarizar al público con ellas.
Interpretó los arreglos para
piano de dos de las obras orquestales de Liszt antes del estreno de la versión original y programó algunos de los Poemas sinfónicos del compositor húngaro poco después de que estrenos en The Crystal
Palace. También se proporcionaron notas de programas informativos y expertos,
escritos por los principales analistas musicales y amigos íntimos en el círculo
de Liszt. La prensa musical inglesa, aunque era en general hostil a la música
que presentó, señaló y agradeció los esfuerzos de Bache. Liszt se mostró
agradecido, ya que sin Bache, según reconoció, su música no podría haber
alcanzado el punto de apoyo que resolvió. También se proporcionaron notas de
programas informativos y expertos, escritos por los principales analistas
musicales y amigos íntimos en el círculo de Liszt. La prensa musical inglesa,
aunque era en general hostil a la música que presentó, señaló y agradeció los
esfuerzos de Bache. Liszt se mostró agradecido, ya que sin Bache, según
reconoció, su música no podría haber alcanzado el punto de apoyo que resolvió.
También se proporcionaron notas de programas informativos y expertos, escritos
por los principales analistas musicales y amigos íntimos en el círculo de
Liszt. La prensa musical inglesa, aunque era en general hostil a la música que
presentó, señaló y agradeció los esfuerzos de Bache. Liszt se mostró
agradecido, ya que sin Bache, según reconoció, su música no podría haber
alcanzado el punto de apoyo que resolvió.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite
por Radio Sefarad.
Aviva Blum Wax: el derecho de vivir
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Aviva Blum Wax nació en Varsovia en 1932, hija de Avraham y
Luba Blum. Abrasha era uno de los líderes del Bund y Luba era enfermera de
profesión y subdirectora de una escuela de enfermeras. Durante la invasión
alemana en septiembre de 1939, la casa de la familia fue alcanzada por bombas
y, bajo fuego, Aviva, su madre y su hermano huyeron del edificio en llamas. Con
el establecimiento del gueto de Varsovia en octubre de 1940, Luba obtuvo un
edificio allí para la escuela de enfermeras. En 1943 con la liquidación del
Gueto de Varsovia, Luba, Aviva y su hermano Olek logran salir del mismo y
refugiarse en casas de familias cristianas con documentación falsa. Su padre
Abrasha muere en la rebelión del gueto de Varsovia. En 1950 Aviva abandona
Varsovia y llega al Estado de Israel. Allí formará una familia y dedicará toda
su vida al arte, al color, a la imagen, que la ayudaron a olvidar el trauma de la guerra y la pérdida
de sus seres queridos.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Jeanette Anna MacDonald nació en Filadelfia, Pensilvania,
Estados Unidos, el 18 de junio de 1903, y murió en Houston, Texas, Estados
Unidos, el 14 de enero de 1965. Actriz y cantante
(Filadelfia, 1907 - Houston, 1965) Cantante y actriz de cine
estadounidense. Trabajó como corista en diversos espectáculos de Broadway, pero
su voz de soprano, melodiosa y dúctil, pronto reclamó la atención de diversos
empresarios que decidieron proporcionarle nuevas oportunidades. Fue Richard Dix
quien propició su lanzamiento en Hollywood, logrando para ella una audición en
los estudios de la Paramount. El resultado inmediato fue su primera película,
El desfile del amor (1929), una opereta en la cual compartió reparto con
Maurice Chevalier.
Su director en aquella ocasión, Ernst Lubitsch, volvió a
dirigir a MacDonald en La viuda alegre (1934), uno de los musicales más
exitosos del periodo de entreguerras. Fueron años en los que su trabajo estuvo
muy respaldado por los Estudios, consolidando una estructura narrativa en torno
a lo momentos de mayor brillo de la actriz, la más representativa intérprete de
opereta durante los años treinta.
La Metro Goldwyn Mayer (MGM) impulsó su pareja artística con
el tenor Nelson Eddy. El dúo obtuvo tal popularidad que llegaron a ser
conocidos como los American Sweethearts, lo que daba a entender su
prototipificación del enamoramiento inocente, candoroso y casi afectado. Entre
sus éxitos figura La ciudad del oro (1938), de Robert Z. Leonard, y Rose Marie
(1936), de W. S. Van Dyke, director que también dirigió a MacDonald en San
Francisco (1936). Pero la Segunda Guerra Mundial trajo un cambio en el estilo
de los musicales: MacDonald pasó rápidamente de moda y en 1942 la MGM consideró
finalizado su contrato con la actriz. Jeanette MacDonald estuvo casada desde
1937 con el actor Gene Raymond, con quien trabajó en la película de Frank
Borzage Smiling'Through (1941).
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Beyond The Blue Horizon.
A continuación, de Max Bruch, el Concierto para Violín y
Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 26, en la versión de Jascha Heifetz, junto a la
Nueva Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Malcolm Sargent.
Martin Krause nació en Lobstädt, Sajonia, Alemania, 17 de
junio de 1853, y murió en Plattling, Baviera, Alemanis, el 2 de agosto de 1918.
Concertista de piano, compositor y docente.
Su padre fue organista y concertino. En 1875 ingresó en el
Conservatorio Real de Música de Leipzig. Allí estudió con Carl Reinecke. Entre 1883 y 1886 completó sus estudios con Franz Liszt. Posteriormente
se estableció en Leipzig como profesor y compositor de piano, y fundó la
Asociación Franz Liszt. También dio clases en el conservatorio de Dresde, y a
partir de 1901, fue profesor en la Real Academia de la Música de Múnich. En
1904 pasó a Berlín como profesor del Conservatorio Stern. Entre sus alumnos se
destacan el pianista suizo Edwin Fischer, los pianistas chilenos Rosita Renard
y Claudio Arrau, y el compositor mexicano Manuel M. Ponce.
Hemanta Kumar Mukhopadhyay, también conocido como Hemanta
Mukherjee, nació en Benarés, India, el 16 de junio de 1920, y murió en Calcuta,
India, el 26 de septiembre de 1989. Cantante, compositor y productor.
Mukhopadhyay, cantante y compositor de Hemanta Kumar
(1922-1989), nació el 16 de junio de 1922 en Varanasi y se crió en Kolkata.
Dejó de estudiar ingeniería para seguir una carrera como cantante.
Tuvo su formación formal en música clásica del maestro Fiaz
Khan, y en música ligera de Shailesh Dasgupta. Su primer disco salió a los
diecisiete años y el último a los sesenta y cuatro; así tuvo una carrera
musical de casi medio siglo. Habiendo grabado su primera canción hindi en 1940,
más tarde se convirtió en uno de los cantantes y directores musicales hindi más
populares; eventualmente produciendo también algunas películas en hindi. Sin
embargo, en Bengala se ganó la fama interpretando canciones de películas y no
películas bengalíes, así como canciones de Tagore. Junto con Pankaj Mallik y
Devabrata Biswas, por un lado, liberó las canciones de Tagore de las salas de
estar de las clases medias educadas urbanas y las difundió entre los oyentes
comunes y, por el otro, popularizó la voz de bajo para cantar. Su primer disco
de canciones de Tagore (prabgane mor shirish shakhay and he nirupama,
Como miembro de la Asociación de Teatro del Pueblo Indio
(IPTA), se inclinó hacia la izquierda en la década de 1940 y, persuadido por
otro miembro, Salil Chowdhury, renombrado compositor y letrista, interpretó
muchas de sus canciones pertenecientes a un género, conocido como ganosangeet.
, o canciones de la gente; lo que haría a las masas conscientes de la libertad
política y económica, y de una sociedad equitativa. La secuencia comenzaba con
gaonyer badhu o una novia del pueblo y resultó ser extremadamente popular.
Las contribuciones de Hemanta Kumar a la Guerra de
Independencia (1971) en Bangladesh fueron significativas. Participó
generosamente en conciertos para recaudar dinero para ayudar a millones de
refugiados. Murió el 26 de septiembre de 1989.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Na Tum Humein Jano.
Tini Rössler, más conocida como Ernestine Schumann-Heink,
nació en Libeň, entonces Imperio Austrohúngaro, el 15 de junio de 1861, y murió
en Hollywood, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 17 de noviembre de
1936. Contralto.
(Ernestine Rössler; Lieben, 1861 - Hollywood, 1936)
Contralto y mezzosoprano austriaca nacionalizada estadounidense. A la edad de
trece años, su profunda voz de contralto impresionó a la cantante retirada
Marietta von LeClair, quien le dio lecciones gratuitas durante cuatro años.
Entre sus profesores estuvo también G. B. Lamperti. A los quince años debutó
cantando la parte de contralto de la Novena Sinfonía de Beethoven en la ciudad
austriaca de Graz. Su debut operístico se produjo en la localidad alemana de
Dresde, donde interpretó el rol de Azucena en Il Trovatore verdiano el 15 de
octubre de 1878, y fue tan exitoso que se mantuvo en cartel durante cuatro
semanas.
En 1882, y tras casarse con Ernst Heink, secretario de la
Ópera de Dresde, obtuvo un contrato para cantar en Hamburgo bajo la dirección
de Bernard Pollini. Allí permaneció hasta 1897, y allí también dio a luz a sus
hijos August (1883), Charlotte (1884) y Henry (1886). En estos primeros años
obtuvo un gran éxito cantando la parte de contralto en la Rapsodia Op. 53 de
Brahms con Hans von Bülow como director y el propio Brahms entre el público.
Von Bülow quiso que Ernestine cantara en un ciclo mozartiano que estaba
programando, pero ella, ante la llegada de su cuarto hijo Hans, decidió no
aceptar.
Sus papeles más destacados en esa etapa fueron los de Orsini
en Lucrezia Borgia de Donizetti, el papel estelar en Carmen de Bizet o el de
Adriano en Rienzi de Wagner. Asimismo viajó a Londres integrada en una gira que
realizó la compañía en 1892 bajo la dirección de Gustav Mahler. En esa ocasión
fueron muy aplaudidos sus roles wagnerianos de Erda (El oro del Rin), Fricka y
Waltraute (La Valquiria), y Brangäne (Tristán e Isolda). En 1893, una vez
divorciada de su primer marido, se casó con el actor Paul Schumann, y asumió
los apellidos de ambos cónyuges. Con él tuvo otros tres hijos, Ferdinand
(1893), Marie (1896) y George (1898).
Acudió al festival wagneriano de Bayreuth entre 1896 y 1914,
donde destacaron sus interpretaciones de Erda, Waltraute y Mary (El holandés
errante). Durante ese periodo tomó parte en cuatro temporadas consecutivas del
Covent Garden londinense (1897-1901) y llegó a cantar con regularidad en la
compañía del Metropolitan de Nueva York durante el periodo comprendido entre
1898 y 1903. En febrero de 1905, Ernestine consiguió la nacionalidad
norteamericana y ese mismo año contrajo su tercer matrimonio, esta vez con
William Rapp Jr., abogado y manager de la cantante.
En 1909 volvió a Dresde para cantar el papel de Clytemnestra
en el estreno de Elektra de Richard Strauss. En esa misma época comenzó una
serie de giras por Norteamérica que la convirtieron en una gran leyenda en
Estados Unidos, no sólo de la ópera sino también de la comedia musical, radio y
cine. Schumann-Heink poseía una tesitura vocal muy amplia, de casi tres
octavas, y un dominio técnico importante para la ejecución de adornos y
coloratura.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con O pretre de Baal, aria de 5º acto de la ópera Le prophete, de Giacomo
Meyerbeer.
En el programa de hoy nos visita el cocinero y autor Javier Zafra que, junto con la Red de Juderías de España, ha editado el libro «SABORES DE SEFARAD» donde pone en valor el patrimonio gastronómico sefardí.
Hoy les presento el 2º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Gabriel Fauré, con la Suite para la música incidental de
Shylock Op. 57, Réquiem en Re Menor Op. 48, el Trío con Piano en Re Menor Op.
120, y la Elegía para Violonchelo y Piano Op. 24.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
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