Hoy les presento el 5º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Hendrik Andriessen, con la Sonata para Viola y Piano,
Miroir de Peine, o Espejo de Dolor, para Soprano e Instrumentos de Cuerda, las Variaciones
y Fuga sobre un tema de Johann Kuhnau para Orquesta de Cuerdas, y la Sinfonía
Nº 1.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
El sitio www.bach-cantatas.com
publicó este recordatorio.
Alfred Deller (Contratenor)
Nació: 31 de mayo de 1912 - Margate, Inglaterra
Murió: 16 de julio de 1979 - Bolonia, Italia
El contratenor inglés Alfred Deller fue el hombre más
responsable del renacimiento de la música para contratenor en el siglo XX. Fue
pionero en la popularización de la práctica actual de la auténtica interpretación
de música antigua, y revivió la voz de contratenor como vehículo para
interpretaciones precisas de música medieval, renacentista y barroca.
Alfred Deller fue prácticamente completamente autodidacta.
Su padre era profesor de educación física para el ejército y no musical. Alfred
comenzó a cantar cuando era un niño soprano, y luego desarrolló el rango de
alto (contratenor). Cantó en los coros de la Catedral de Canterbury de 1940 a
1947 y en St. Paul en Londres. Michael Tippett lo escuchó con el coro de la
Catedral de Canterbury y lo invitó a Londres para hacer su debut.
Alfred Deller llamó la atención del público inglés después
de una transmisión de radio de 1946 de Come, ye Sons of Art , de Purcell.
Durante los primeros años de su carrera, se concentró en la interpretación de
compositores barrocos y prebarrocos ingleses como Purcell y Dowland. Su
erudición y maestría musical le trajeron admiración internacional.
En 1950, Alfred Deller formó su propio conjunto vocal e
instrumental, Deller Consort, actuando como director y solista en un repertorio
de música inglesa antigua. El grupo que se dedicó a interpretar música antigua
usando la práctica de interpretación auténtica. Esta empresa única de
distinguidos cantantes condujo a un modesto renacimiento de los madrigales
ingleses del Renacimiento. Desde 1955 hasta 1979, realizaron giras
internacionales, acercando la música de este período a un nuevo público.
Establecieron un alto estándar para las prácticas de interpretación auténticas
de la música barroca, desde JS Bach y George Frideric Handel hasta John Blow,
Henry Purcell y John Dowland. En 1964, el hijo de Deller, Mark, se unió a
Deller Consort, también como contratenor.
Alfred Deller fundó el Stour Music Festival en 1963 con el
fin de tener otro lugar para su Consort y formar equipo con otros especialistas
en música antigua como Frans Brüggen y Gustav Leonhardt. En 1960, interpretó el
papel de Oberon en el estreno de Sueño de una noche de verano de Benjamin
Britten en el Festival de Aldbourough. Este fue el primer papel importante de
contratenor en la ópera del siglo XX (lamentablemente, fue reemplazado para la
representación en el Garden Opera House de Londres al año siguiente). Otros
compositores que escribieron obras específicamente para Deller incluyen
Fricker, Mellers, Ridout y Rubbra.
Alfred Deller estableció el estándar para los contratenores
durante muchos años. Su voz era muy ligera con una maravillosa calidad lírica.
Su voz en su mejor momento era de un timbre singular, claro y penetrante, aliado
a una maestría musical exquisita. Una cualidad en el canto de Deller que a
menudo se comentaba era la plenitud de su tono, a diferencia del sonido
aflautado de niño soprano que se escucha a menudo. Era más efectivo en las
piezas más contemplativas, pero cuando era necesario, podía cantar piezas muy
floridas extremadamente bien. Aunque podía cantar las arias dramáticas de GF
Handel, nunca permitió que su voz fuera más allá de su sonido básicamente
ligero. Aunque el GF Handel las óperas no estaban de moda durante el apogeo de
su carrera, cantó contratenor en muchos de los oratorios de ese compositor. Su
expresiva voz fue literalmente la causa del descubrimiento de un repertorio
completamente nuevo para los asistentes a los conciertos británicos, y sus cientos
de grabaciones aún son apreciadas por los coleccionistas. Sin él, el
reconocimiento internacional de la voz de contratenor podría no haber llegado
tan rápido como lo hizo. No es exagerado decir que las carreras de cantantes
tan populares como Brian Asawa y David Daniels habrían sido imposibles de
realizar sin el trabajo pionero de Alfred Deller, al educar al público sobre el
papel de la voz de contratenor en la historia de la música, y también
desenterrando muchos de los vehículos musicales que están realizando
actualmente.
En 1970, Alfred Deller fue nombrado Comandante de la Orden
del Imperio Británico. Murió mientras estaba de vacaciones en Italia.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con What then is love but mourning, de Philip Rosseter, acompañado por Desmond
Dupre en laúd.
Armando Peraza nació en La Habana, Cuba, el 30 de mayo de
1924, y murió en South San Francisco, California, Estados Unidos, el 14 de
abril de 2014. Percusionista.
El sitio www.ecured.cu
publicó este recordatorio.
Armando Peraza
Armando Peraza. Es una de las figuras más importantes y
respetadas del mundo de la percusión. Es un legendario maestro tanto en las
congas como en los bongoes, cuyo estilo no-ortodoxo y su historia son
inspiración para incontables músicos jóvenes.
Síntesis biográfica
Nació en Marianao La Habana, Cuba el 30 de mayo de
1918.Inició su carrera artística a principios de la década del 40, tocó con el
conjunto Kuvabana del cantante Alberto Ruiz donde ejecutaba el bongó y fue a
residir a San Francisco en 1949.
En la Feria Mundial de New York tocó las congas en un
pabellón africano junto a un nigeriano. Este africano llega y me dice: “Hombre,
¿de qué parte de África eres? Le dije, soy de Cuba. Expresó: “No me digas”
Posteriormente trabaja con las orquestas de Paulina Álvarez y la de Dámaso
Pérez Prado, y el conjunto Bolero.
En 1947 se traslada a México, donde se une con Mongo
Santamaría al conjunto Clave de Oro, y en 1948 ambos viajan a Nueva York como
percusionistas acompañantes de la pareja de bailes Pablito y Lilón.
A fines de ese año, Peraza se une al combo de jazz de Slim
Gaillard con el que viaja por todos los Estados Unidos. Tras arribar a Nueva
York en 1949, Armando se convirtió en un cotizado músico, especialmente en la
escena del bebop y jazz latino contemporáneos.
Armando construyó una reputación de tener una
impresionantemente rápida y compleja técnica de manos, técnicas experimentales
y gran talento para el entretenimiento. Floreció en atmósferas progresivas que
combinaban el jazz con estilos afro-cubanos y estaba al centro de una nueva
expresión llamada "cubop".
Colaboraciones
Ha tocado en más de 100 discos y es el compositor de más de
40 canciones. Algunas de estas obras incluyen colaboraciones con Mongo
Santamaria, George Shearing, Cal Tjader y Carlos Santana.
Instalado en San Francisco, California, a principios de la
década del 50, Peraza comienza a trabajar con el quinteto del pianista George
Shearing, donde demuestra su maestría como ejecutante de la tumbadora y el
bongó; también en este período graba con Mongo Santamaría varios discos de
música folklórica cubana.
En los años 60 integra el quinteto del vibrafonista Cal
Tjader, con el que permanece varios años y con el que populariza Guachi guaro,
de Chano Pozo. En los 70, se une a la orquesta de Mongo Santamaría, con la que
participa en el Festival de Jazz de Montreaux, Suiza. Más tarde trabaja con la
banda de rock de Carlos Santana, en la que permanece durante 17 años, hasta su
retiro de la vida artística, en la década del 90.
Poseyó una gran capacidad para obtener los más inusitados
sonidos del bongó y la tumbadora, y se distinguió por sus extraordinarios solos
en ambos instrumentos
Muerte
Falleció el 14 de abril de 2014 en California, Estados
Unidos, a consecuencia de una neumonía.
A continuación, lo recordamos con Spiritual. Carlos Santana
en guitarra; Wayne Shorter en saxo; Patrice Rushen y Chester Thompson en teclados;
Alphonso Johnson en bajo; Armando Peraza en congas; José Chepito Areas en timbales,
Leon "Ndugu" Chancler en batería.
A la ciudad de Jerusalén se la conoce como "la ciudad
tres veces santa". Hoy las historiadoras Laura y María Lara nos acercan
algunos capítulos de la historia de esta magnífica ciudad y algunos de los
secretos de su identidad intransferible.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/jerusalem-ciudad-sagrada/6547486/
El sitio www.buenamusica.com
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Biografía de La Toya Jackson
La historia, vida y legado musical de La Toya Jackson
La Toya Jackson
¿Quién es La Toya Jackson?
La Toya Yvonne Jackson, mejor conocida como La Toya Jackson,
es una cantante, compositora, actriz, modelo, escritora y rostro de TV. Nació
el 29 de mayo de 1956 en Gary, Indiana, Estados Unidos. Es reconocida también
por ser la quinta hija de la familia Jackson. A diferencia de sus hermanos
Michael Jackson y Janet Jackson, no tuvo el mismo éxito, sin embargo se destacó
en su carrera como solista.
Inicios de La Toya Jackson en la Música
Sus comienzos se dieron en 1980, en donde su padre Joseph
Walter "Joe" Jackson, fue una pieza fundamental tomando el cargo de
primer mánager. En este mismo año estrenaría su primer disco homónimo "La
Toya Jackson" bajo el sello discográfico de Polydor. Su primer sencillo de
este trabajo sería "If You Feel The Funk", el cual logró llegar al
Top 40 del género R&B.
En esta producción colabora su hermano Michael Jackson en el
tema "Night Time Lover", quien para ese entonces ya acumulaba tres
Premios American Music como Álbum Soul/R&B Favorito, Mejor Artista
Masculino Soul/R&B y Sencillo Soul/R&B Favorito con "Don't Stop
'Til You Get Enough".
Trayectoria y Legado de La Toya Jackson
Su segunda producción discográfica llevó por nombre "My
Special Love", la cual estuvo conformada por un total de ocho temas, entre
ellos: "Stay The Night", "Love Song", "Special
Love" y "Camp Kuchi Kaiai". A pesar del esfuerzo que hizo para
este disco no consiguió los resultados que esperaba.
Sus expectativas iban más allá de lo que había logrado hasta
ese momento, es por ello que decide lanzar "Heart Don't Lie", un
disco que hasta la actualidad es el más destacado, colocando al tema principal
que tenía el mismo nombre del álbum al puesto 56 dentro del top 100 Billboard
Hot.
En el año 1986 lanza "Imagination" bajo el sello
de Private-I Records, un álbum que la dejó decepcionada pues no logró
suficientes ventas. Al año siguiente, su padre dejaría de ser su mánager para
que Jack Jordon tomara las riendas del puesto y con quien se casaría en el año
1989 pero tras problemas personales entre la pareja, se deciden divorciar en el
año 1996.
Luego de haber estrenado el sencillo "You're Gonna Get
Rocked" en 1988, estrenaría el disco "La Toya" de dónde se
desprende el tema "Just Say No", el cual se destacó por formar parte
de una campaña antidrogas.
Este trabajo estuvo a cargo del trío británico Stock, Aitken
& Waterman, famosos productores del género pop y dance entre los 80's y
90's, quienes habían trabajado con artistas de la época como Kylie Minogue,
Rick Astley, Samantha Fox, entre otros.
Sus próximos álbumes como "Bad Girl" (1989),
"No Relations" (1991), "From Nashville To You" (1993) y
"Stop In The Name Of Love" (1994 no tuvieron ningún alcance, ni
siquiera el último antes mencionado que fue re-editado.
Posterior a los ataques de las Torres Gemelas del 11 de
septiembre de 2001, Jackson se inspiraría escribiendo el tema "Free The
World". Gracias al eco que causó, comenzaría las grabaciones de su próximo
álbum "Starting Over", el cual tuvo como significado un especie de
renacimiento tras haberse mantenido tan alejada del mundo de la música debido a
la ruptura que tuvo con su mánager y esposo Jack Gordon.
Para finales del 2002 ya estaría completamente grabado y
listo para publicarlo pero por fallas de distribución fue postergado hasta
2005. Al año siguiente el disco se filtraría en Internet, confesando finalmente
que tenía varios temas inspirados de manera autobiográfica en la relación que
mantuvo con Gordon, quien se reunía constantemente con mafiosos.
Entre los temas más destacados de su última producción
llegaron a ser "Just Wanna Dance" y "Free The World",
alcanzando importantes puestos para la carrera de La Toya.
Trayectoria artística de La Toya Jackson
Paralelo al mundo de la música, en donde no se desempeñó
como una gran artista a diferencia de sus otros hermanos, se le presentó la
oportunidad en varias ocasiones de ser figura en grandes proyectos como Playboy
en el año 1989, revista para la que fue portada y modelara completamente
desnuda en años distintos.
En el año 1991 lanzó su libro autobiográfico "La Toya:
Growing up in the Jackson Family", en el que describe su vida personal y
acusa a su padre, quien abusó de ella y su hermana Rebbie Jackson. Al tiempo La
Toya confesó que todo se debió a un plan de su ex esposo Jack, quien la obligó
a escribir gran parte para generar polémica y ganar millones de dólares.
Para el año 2007 participa en el reallity show Armed &
Famous de la CBS, el cual trataba de entrenar a famosos para ser policías
tácticos. Durante uno de los casos que le tocó cubrir había un gato en una
casa, lo que hizo que la artista saliera corriendo por el patio principal del
lugar devuelta al carro, confesando que le tenía fobia a los felinos. Al poco
tiempo estrenó el tema "I Don't Play That", que en un principio iba
llevar el mismo nombre del programa pero decidió cambiar por la poca audiencia
que estaba teniendo.
Posterior a esta experiencia, también participó en el
programa de televisión Gran Hermano en el año 2009, el cual trata que durante
unos tres meses un grupo de personas viven en una misma casa, aisladas y con
cámaras que vigilan el sitio las 24 horas.
El 28 de julio de 2009, luego de la muerte de su hermano
Michael Jackson, estrenaría el tema "Home", el cual incluyó un
videoclip estrenado el 31 de agosto. El dinero percibido por este single fue
donado a una organización que busca la cura del VIH en honor a su fallecido
hermano.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Home.
El Diario La Nación, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Mauro Apicella.
En el mundo de la música se suele llamar “maestro” a muchos artistas; generalmente a los directores de orquesta. El título suele ser atribuido aunque no se dediquen formalmente a la docencia. Mas bien, se trata de un mote cariñoso por su labor artística. Ayer partió un verdadero maestro del tango y del bandoneón, en más de un sentido. Fue uno que llevó ese mote porque enseño música de manera formal a varias generaciones y porque también dio clase con su manera de tocar. Ayer, en Francia, murió un gran maestro del tango, Juan José Mosalini. Tenía 78 años.
“Con mucha tristeza recibimos la noticia del fallecimiento de nuestro Académico de Honor Maestro Juan José Mosalini, ocurrida en Francia en horas de la tarde del viernes 27 de mayo de 2022″. Con esas escuetas líneas la Academia Nacional del Tango comunicó en la mañana de hoy la triste noticia.
Juan José fue uno de esos eslabones de generación intermedia que en su juventud llegaron a tocar con grandes directores de orquestas típicas, que abrazaron la innovación y terminaron siendo referentes para esa inquieta camada de jóvenes músicos que en la década del noventa quiso hacer tango cuando para otros era una lengua muerta. Pero no lo estaba en el sentido de que Juan José, que ya llevaba un par de décadas instalado en París, daba cátedra para todos aquellos europeos que querían aprender la música del Rio de La Plata. En 1999 fundó una cátedra tanguera en el suburbio parisino de Gennevilliers.
Con una ecucha atenta de su trabajo, de sus grabaciones y conciertos, se puede descubrir en Mosalini una línea de tiempo referida al pasado, al presente y al futuro del tango. La tradición, la necesidad o el deseo de innovar y el aporte que ha hecho al futuro, es decir, a las nuevas generaciones que lejos de tomarlo como una figura rutilante del firmamento tanguero, vieron en él a un discreto pero a la vez profundo y sincero maestro.
Mosalini fue un bonaerense nacido en José C .Paz, en 1943. Como si tocar el fueye fuera un bien cultural que se hereda, fue hijo y nieto de bandoneonista. El “oficio” familiar no quedó en sus manos. Con el tiempo, también se lo pasó a su hijo Juanjo.
A los 8 Juan José ya dominaba el instrumento y a los 17 se había convertido en un músico profesional. Hasta pasada la mitad de la década del setenta había creado un nutrido currículum por su trabajo con figuras como José Basso, Leopoldo Federico, Astor Piazzolla, Osvaldo Pugliese, Susana Rinaldi, Edmundo Rivero y Horacio Salgán.
También tuvo su cuarto de hora en la liga rockera de primera división. Fueron dos intensos instantes. Uno cuando grabó para un disco de Invisible, la banda que Spinetta lideraba en esos años, y el siguiente cuando el grupo tocó en el Luna Park y llevó a Juan José como invitado. Hasta se ligó un monedazo en la cabeza.
Ya instalado en Europa integró los grupos Tiempo Argentino y el proyecto Canyengues que compartió con Gustavo Beytelmann y Patrice Caratini), con el que publicó varios LP. Mas tarde, el Quinteto Agri-Mosalini y ya en este siglo registró trabajos con el guitarrista Leonardo Sánchez.
“Pasé [por Francia] en el 76 acompañando a Susana Rinaldi en su primera gira europea, aproveché esta posibilidad y tomé contacto en París con otros músicos: Gustavo Beytelmann, Enzo Gieco, Tomás Gubitsch y otros con los que habíamos soñado hacer una experiencia en un marco menos hostil desde el punto de vista cultural de lo que se vivía en aquella época en la Argentina -contaba a LA NACION, en 1997, cuando habían pasado veinte años de su partida-. Yo trabajaba con Osvaldo Pugliese, no había una contradicción de trabajo regular, ni económica, pero sí de realizar algunos sueños que eran difíciles de llevar a cabo. Impulsado también por Astor, con el que tuve una relación de padre a hijo, que me decía: ‘Tenés que hacer una experiencia afuera, ¡tenés que irte!’. Así fue como en plena dictadura militar no había otra que intentar algo aquí, en Francia”.
Mosalini fue de los que cuando retornó la democracia a la Argentina decidió quedarse en el país donde había comenzado a echar raíces y, sobre todo, reconocimiento. Creó un método para bandoneón encomendado por el Ministerio de Cultura francés. Y se lo tomó en serio. Fue un verdadero embajador argentino del tango. El mismo explicaba esa expansión en Europa: “En 1981, con la llegada de Mitterrand, se crea en Francia una apertura cultural muy importante. Me proponen crear el certificado de aptitud para la enseñanza de bandoneón y el método para que futuros profesores pudieran enseñarlo. Luego, la creación del curso de bandoneón en la Escuela Nacional de Música de Gennevilliers. Yo ya tenía varios alumnos privados que se integraron al curso, a los que se sumaron de Finlandia, Noruega, Holanda. Todo eso creó un movimiento europeo, un paisaje tanguero permanente”. Para finales de la década del noventa dos músicos holandeses daban cursos de tango con su método, en Rotterdam.
Además, buena parte de sus grabaciones las realizó para Label Bleu. Este sello independiente tiene un catálogo llamado Indigo Tango. Mosalini asesoró a la empresa en la búsqueda de nuevos valores tangueros para editar.
Recién en la segunda década de este siglo comenzó a venir con cierta frecuencia a la Argentina. Según sus propios recuerdos, en 1986 había sido la última visita profesional. Fue para un concierto con el trío que compartía con Gustavo Baytelmann y Patrice Caratini. Debieron pasar veintidós años para un regreso con gloria. Fue en 2008 cuando dio un concierto al frente de su quinteto, mientras en la platea lo escuchaban atentos algunas glorias del tango y esos músicos de las más jóvenes generaciones que encontraban en él a un referente. Ese día también le entregaron un diploma de la Legislatura porteña.
Un año después, los lazos con sus país estaban otra vez unidos. Y “su” docencia, que tenía a Europa como terreno exclusivo, se mudaba a estas pampas. “Todos los miércoles nos encontramos con los jóvenes músicos que van a la Escuela Goñi y hacemos unas clases colectivas de bandoneón -contaba en 2009-. Con un enorme esfuerzo, los chicos llevan adelante esta escuela cooperativa para gente que no se puede pagar habitualmente las clases de fueye . Tienen muchas ganas, inquietudes y es un ambiente donde se está armando la movida joven. Es sabido que estos chicos no tuvieron nuestra suerte de tener al lado a un Pugliese o tocar con un Federico. Pero uno puede ver que están enfocando actividades múltiples. Escriben, tienen grupos y hay un potencial enorme. El futuro está garantizado.”
A los curiosos de la música les quedan los discos que publicó, o tantas grabaciones que hoy se pueden encontrar en redes. De sus últimas actuaciones en Buenos Aires son recordadas la que dio en 2019, en la Usina del Arte, con su trío, durante el Festival Tango Buenos Aires de aquel año, o en 2021, en el Teatro Colón, con el guitarrista César Angeleri y la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por Luis Gorelik, en el marco de los festejos del centenario del nacimiento de Astor Piazzolla.
Por Mauro Apicella
Eprahim Mol: una tarta de manzana
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Ephraim Mol nació en Oakle, un suburbio de Bruselas, Bélgica,
el 9 de marzo de 1938, hijo único de sus padres Reuben y Bella. En septiembre
de 1942, los padres de Ephraim intentaron escapar de la Bélgica ocupada por los
nazis a través de Basenson, Francia. Planeaban llegar a Suiza para recibir
asilo allí, pero la Gestapo los detuvo en el camino. Los padres de Ephraim fueron
enviados al campo de tránsito de Drancy y desde allí fueron deportados a
Auschwitz-Birkenau, mientras que Ephraim fue trasladado a un monasterio en
Bezenson, donde él y otros niños judíos fueron tratados por monjas. Fue
adoptado por una familia judía que cuidó de él y lo protegió a lo largo de toda
la guerra. En 1960 emigró a Israel y se instaló en el kibutz Sde Eliyahu. Más
tarde se casó con Rachel y tienen hijos, nietos y bisnietos. Actualmente vive
en Jerusalén. Ephraim es un testigo que da testimonio en Yad Vashem frente a
varias y diversas audiencias.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
El sitio www.historiasderock.com public
este recordatorio.
T-BONE
WALKER (Aaron Thibeaux Walker)
Nacido el 28 de Mayo de 1910 en Linden, Texas, USA
Fallecido el 16 de Marzo de 1975 en Los Angeles, California,
USA
ESTILOS: Electric
Texas Blues, Regional Blues, Texas Blues, Early R&B
BIOGRAFIA
Si se debiera reconocer a alguien el mérito de haber dado un
nuevo rostro al blues de la segunda mitad del siglo veinte, habría que
referirse a T-Bone Walker. Nacido en 1910 en Linden, Texas, T-Bone Walker pasó
su adolescencia en Dallas, donde tenía parientes músicos que tocaban
country-blues en pequeñas "string-band" locales y que le enseñaron
las nociones elementales de la guitarra. A los catorce años era lo
suficientemente decidido como para ir de gira con los espectáculos itinerantes
llamados "medicine show". A los diecinueve grabó su primer disco,
maduro pero, evidentemente, aún poco personal. Durante los años treinta,
perfeccionó su estilo adquiriendo experiencia con diferentes grupos, y después,
a mediados de aquella década, decidió, como muchos otros músicos de Texas,
partir hacia la Costa Oeste. En ese punto de su vida Walker, con una buena
experiencia country-blues como raíz musical, empezó a tocar en orquestas de
jazz y a experimentar aquel nuevo sonido amplificado que otros guitarristas del
sur, como Eddie Durham y Charlie Christian, prácticamente habían inventado. Un
día de julio de 1942, Walker entró en un estudio de Hollywood y grabó, para Capitol,
'I got a break baby/Mean old world', acompañado por un piano, un bajo y una
batería.
Las primeras canciones de Walker eran blues canónicos de 12
compases, pero su guitarra constituía un elemento nuevo: ya no estaban el ritmo
y los acordes regulares del country-blues, y las líneas solistas tocadas en una
sola cuerda fueron sustituidas por acordes derivados del repertorio jazz, era
un sonido sinuoso, flexible, a veces relajado, excitante y sorprendente que
expresaba un nuevo modo de tocar la guitarra blues. Entre 1946 y 1947, Walker
grabó para la compañía Black and White de Los Angeles unas cuatro docenas de
temas, que en lo sucesivo fueron comprados por Capitol y mejor distribuidos.
Entre esos temas, encontramos uno que se convertiría en imperecedero, 'Stormy
monday'. Como diría más tarde B B. King: "Cuando escuché por primera vez
el solo de T-Bone Walker en 'Stormy monday', creí enloquecer. No creía que se
pudiera sacar de un solo instrumento un sonido tan bello". Y de todas
maneras no fue sólo B B. King quien quedó tan impresionado. Todos los jóvenes
guitarristas de blues americanos, tras haber escuchado a T-Bone, empezaron a
repasar sus ideas. También el estilo vocal de Walker era revolucionario, tanto
como sus textos, en los que cantaba sobre borracheras nocturnas, familias que
luchaban por sobrevivir y la vida errante en las grandes metrópolis.
Durante los años cincuenta, Walker grabó otros muchos
discos: tras Capítol, estuvo con Imperial y más tarde con Atlantic, y se
convirtió en un mago de los conciertos en directo. Mucho antes que Jimi
Hendrix, inventó aquel característico modo de tocar la guitarra sujetándola en
la espalda por encima de la cabeza. Llegó por primera vez a Europa en 1962,
para la primera gira del American Folk Blues Festival; y, en lo sucesivo,
volvió varias veces más, actuando en festivales blues y jazz. Los
"revivalistas" británicos del blues, como Stan Webb, de Chicken
Shack, John Moorshed, de Aynsley Dunbar Retaliaron y Alvin Lee, de Ten Years
After, han citado más de una vez a T-Bone Walker como modelo crucial para su
carrera. Entre los años sesenta y setenta, Walker conquistó el título de Gran
Maestro del blues. En 1973 llegó el tributo definitivo, el más prestigioso: con
la producción de Jerry Leiber y Mike Stoller, T-Bone grabó el doble álbum 'Very
rare', junto a luminarias del jazz como Dizzy Gillespie, Gerry Mulligan y
Herbie Mann. Fue uno de los últimos proyectos en los que Walker pudo
participar: en 1974 se vio obligado a retirarse y en la primavera de 1975 murió
en un hospital de Los Ángeles. Siete años después, su aportación esencial al
blues eléctrico moderno fue testimoniada por dos álbumes de la compañía inglesa
Charly. B.B. King declaró, a propósito de T-Bone Walker: 'Tiene un toque que
ningún otro ha conseguido reproducir... yo me he acercado pero no he llegado
hasta el fondo... Él ha sido el primer guitarrista eléctrico que he escuchado
en disco en toda mi vida: él me hizo comprender que debía comprarme una
guitarra eléctrica.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus grandes éxitos: Stormy Monday.
El sitio www.es.aleteia.org
publicó este recordatorio firmado por Sandra Ferrer.
Dolores Hope: Una vida de entrega a los demás
Sandra Ferrer - publicado el 07/01/20
Esta ferviente católica y filántropa vivió más de cien años
en los que trabajó duro para ayudar a los más necesitados volcándose en
multitud de obras de caridad.
Para muchos es simplemente la esposa del actor de Hollywood
Bob Hope, con el que vivió un largo matrimonio de casi siete décadas. Pero la
historia de esta longeva mujer es la de una persona solidaria, caritativa y
entregada a ayudar a los más necesitados y a colaborar en todas las causas
sociales en las que se pudo implicar.
Hija de padre italiano y madre irlandesa, Dolores DeFina
nació el 27 de mayo de 1909 en Nueva York. Dolores cumplió su sueño de ser
artista y, tras trabajar un tiempo como modelo, empezó a cantar con el nombre
artístico de Dolores Reade.
Tenía veinticuatro años cuando conoció a un joven y
prometedor actor llamado Bob Hope en una de sus actuaciones en un club de
Manhattan. Aquel debió de ser amor a primera vista porque pocos meses después,
el 19 de febrero de 1934, se casaban, iniciando un matrimonio que duraría
sesenta y nueve años, convirtiéndose en uno de los más longevos de la historia
de Hollywood. En 1938, se instalaron en la meca del cine donde Bob continuó con
su imparable carrera cinematográfica.
Los primeros años, Dolores dejó su trabajo como cantante en
solitario para participar en el vodevil de Bob hasta que ambos decidieron
adoptar cuatro niños de un orfanato y Dolores se centró en cuidar de sus hijos.
Aunque dejó oficialmente su carrera como actriz, durante
toda su vida estuvo vinculada al mundo del espectáculo haciendo varias
apariciones en el show de Bob de la NBC y cantando para el ejército de los
Estados Unidos.
A finales de la década de 1940, Dolores volvió a cantar por
una buena causa, de nuevo acompañando a Bob en una gira por todo el mundo con
un espectáculo para entretener a las tropas estadounidenses. Dolores y Bob
repitieron tour en 1966 para animar al ejército en Vietnam donde Dolores
conmovió a los soldados con su emotiva interpretación de “Noche de Paz”.
De nuevo en 1990, a sus ochenta y un años, fue la única
mujer que cantó ante las tropas norteamericanas que participaron en la
Operación Tormenta del Desierto en Arabia Saudí. Tres años después, gravó
varios discos.
A lo largo de toda su vida, Dolores colaboró con distintas
organizaciones católicas no solo haciendo importantes donaciones, sino
volcándose en cualquier labor social que pudiera ayudar a los más necesitados.
A través de su propia parroquia de la archidiócesis de Los Ángeles y otras
instituciones de todo el país, Dolores ayudó a mitigar las condiciones de
pobres y desamparados. También participó en actividades caritativas fuera de
los Estados Unidos, destacando su papel como benefactora de la Capilla de Nuestra
Señora de la Esperanza de Pontmain, en Francia.
Dolores hizo de su hogar un refugio espiritual para todo
aquel que quisiera acudir. Los Hope construyeron una pequeña capilla en su casa
y acumularon una extensa biblioteca de libros religiosos.
Dolores y Bob siempre estuvieron en contacto con la
comunidad católica de Los Ángeles, desde religiosas de pequeñas congregaciones
hasta obispos y arzobispos de la archidiócesis, para ayudar en todo lo que
pudieran. El propio arzobispo ensalzó siempre “su profunda fe y su espíritu
incansable” como valores indiscutibles de la personalidad de una mujer
entregada en cuerpo y alma a los demás. Tras la muerte de Bob en 2003, Dolores,
a pesar de su edad, había superado los noventa años, continuó volcada en
labores filantrópicas.
Su labor caritativa le valió recibir un sinfín de
reconocimientos, tanto del mundo del espectáculo, tiene una estrella en el
Paseo de la Fama de Hollywood, como de la sociedad en general, varias
universidades norteamericanas la galardonaron, o el honor de tener una calle
con su nombre en el Bronx, el barrio neoyorquino que la vio crecer. La
comunidad religiosa también se acordó de ella y su gran labor.
Muchas universidades e instituciones católicas, como la
Universidad Católica de América o el Santuario Nacional de la Inmaculada
Concepción, la honraron con multitud de premios. Pero quizás el mayor
reconocimiento fue recibir del papa Juan Pablo II la Medalla de la Orden de San
Gregorio el Grande.
Dolores Hope falleció el 19 de septiembre de 2011 en su casa
de Los Ángeles. Había cumplido los 102 años de edad.
La labor de los Hope sigue viva a través de la fundación que
lleva su nombre, la Bob and Dolores Hope Foundation.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Easter Parade.
El sitio www.es.hollywoodbowl.com
publicó este recordatorio.
Peggy Lee
"La música es el aliento de mi vida", proclama el
epitafio de Norma Deloris Egstrom, más conocida en el mundo del espectáculo por
su nombre profesional de Peggy Lee. El año 2020 marca el centenario de esta
extraordinaria artista y sus considerables contribuciones al mundo del jazz y
la música popular.
A lo largo de sus siete décadas de carrera, Peggy Lee ayudó
a redefinir lo que significaba ser una cantante femenina, y su voz
silenciosamente cautivadora sigue resonando en públicos de todas las edades.
Nacida en una época en la que las mujeres luchaban por la igualdad -una
conversación que continúa hoy en día- y llevando la carga de años de una
infancia traumática, fue una verdadera pionera y sobreviviente hasta la médula.
Lo que logró como mujer, y como artista, es nada menos que extraordinario.
Fue acuñada "la hembra Frank Sinatra" por Tony
Bennett, y lo consideró uno de los mayores elogios. Pero Lee hizo algo que
pocos de sus colegas masculinos intentaron: escribió canciones. Sus
composiciones y grabaciones - incluyendo "It's A Good Day", "I
Don't Know Enough About You" y "I Love Being Here With You" - se
pueden escuchar hoy en día en innumerables programas de televisión y películas,
incluyendo The Marvelous Mrs. Maisel, The Good Place, The Beach Bum, Fear the
Walking Dead, Feud: Bette y Joan, y en los anuncios de Samsung, Applebee's y
Tropicana.
Al igual que su amigo Sinatra, hizo las cosas "a su
manera". No sólo escribió muchas de sus propias canciones, sino que estuvo
involucrada en todos los aspectos de sus actuaciones, desde la producción hasta
el diseño de vestuario e iluminación. Era una potencia creativa, dirigiendo su
vida y su carrera en sus propios términos. A menudo se la cita como inspiración
de fuertes cantantes contemporáneas como Adele, Madonna, Billie Eilish, Diana
Krall ("Me encanta todo de ella: su elegancia, su ingenio") y K.D.
lang ("La considero mi mejor profesora de canto").
La realeza del jazz y la música pop la llamaba una de las
suyas. "Si yo soy el duque, hombre, Peggy Lee es la reina", decretó
el duque Ellington, añadiendo, "La considero tan gran músico como Frank
Sinatra, que en ese mundo es el rey". Sinatra ofreció su opinión sobre el
asunto: "Peg es la mejor amiga que una canción ha tenido jamás". Otro
dictado real llegó por cortesía del Conde Basie ("...ella es
sólida").
Conocida por su sutileza, elegancia y tono seductor, Lee se
veía a sí misma, ante todo, como una comunicadora cuyo principal medio era la
música. Aunque tenía la habilidad de cantar una melodía, prefería entregar una
letra "suavemente, con sentimiento". Tenía una comprensión superior
del ritmo, un genio para la interpretación y una habilidad única para centrarse
en lo esencial de cualquier canción. "La eterna lucha del arte es dejar
fuera todo menos lo esencial" se convirtió en su lema profesional de
elección.
Norma Deloris Egstrom nació el 26 de mayo de 1920 en
Jamestown, Dakota del Norte, la sexta de siete hijos. Sobrevivió a una infancia
brutal. Su madre murió cuando tenía cuatro años y su padre se casó con una
mujer que abusó física y emocionalmente de Norma hasta que ésta se fue de su
casa a la edad de 17 años. La música era su escape de una realidad sombría.
Norma comenzó su carrera profesional como adolescente
viviendo en Wimbledon, ND, y viajando los fines de semana a la cercana Valley
City, donde hizo su debut en la radio. En 1937 fue invitada a hacer una
audición para WDAY en Fargo, la mayor estación de radio de Dakota del Norte en
ese momento. Fue contratada en el acto, pero justo antes de salir al aire, el
director de programación le dijo que 'Norma Egstrom' tenía que ir y la bautizó
con lo que se convertiría en su nuevo nombre profesional: Peggy Lee.
La popularidad nacional y el éxito en las listas de éxitos
le llegó por primera vez en 1941 después de ser contratada como cantante de la
Orquesta Benny Goodman. Mientras trabajaba con Goodman, conoció a Dave Barbour,
el guitarrista de la banda y el hombre que se convertiría en su primer marido y
padre de su hija, Nicki. Cuando Dave fue despedido de la banda por
"confraternizar con la niña cantante", Lee dio el aviso y, deseando
convertirse en una esposa y madre a tiempo completo, anunció que se retiraba.
Peggy y Dave se casaron en 1943, y aunque el matrimonio sólo duró ocho años,
ella lo consideró el amor de su vida y el mayor colaborador musical.
El "retiro" de Lee tampoco duró mucho, y se
encontró una vez más detrás del micrófono. Estableció su carrera en solitario
al unirse al entonces emergente Capitol Records y se clasificó como el acto
femenino con la estancia más larga en ese renombrado sello, su alma mater
musical: 24 años. También pasó cinco años muy productivos en Decca Records en
la década de 1950, y grabó discos con varios otros sellos importantes e
independientes a partir de mediados de la década de 1970. Durante todo este
tiempo, Lee continuó trabajando extensamente en la televisión, la radio y en
conciertos hasta mediados de la década de 1990.
Su vasto y variado catálogo de canciones floreció de tanta
longevidad en el negocio de la música: grabó más de 1.100 maestros y más de 50
álbumes originales. Su número total de actuaciones en la radio es de más de
800, y sus apariciones en la televisión superan los 200.
Más conocida por canciones como "Fever", "Why
Don't You Do Right", "I'm A Woman" y "Is That All There
Is?", acumuló más de 100 entradas en las listas de éxitos comenzando con
"I Got It Bad" (1941) y culminando, hasta la fecha, con el éxito
póstumo "Similau" (2017). Entre los innumerables honores musicales
concedidos a Lee se encuentran 13 nominaciones a los premios GRAMMY®, un GRAMMY
en 1969 y un Lifetime Achievement Award en 1995.
Una de las primeras madres de la escuela de cantautores, Lee
se encuentra entre las cantautoras más exitosas en los anales de la música
popular estadounidense. Escribió más de 200 canciones, la mayoría de las veces
con letra, pero a veces también con música, con una variedad de colaboradores,
incluyendo a Harold Arlen, Cy Coleman, Duke Ellington, Quincy Jones, Marian
McPartland y Victor Young. Algunos de los artistas que han cubierto las
composiciones de Peggy Lee son Tony Bennett, Nat King Cole, Natalie Cole, Bing
Crosby, Doris Day, Ella Fitzgerald, Judy Garland, Diana Krall, Queen Latifah,
Barry Manilow, Bette Midler, Janelle Monáe, Nina Simone, Regina Spektor y Sarah
Vaughan.
Walt Disney se dio cuenta de la capacidad de Peggy para
componer canciones, y en 1953 la contrató para escribir todas las letras
originales de su clásica película de animación, Lady and the Tramp. A Walt le
gustaban tanto las demostraciones de canciones de Lee, que le pidió que cantara
cuatro de los personajes, e incluso le puso su nombre a uno de ellos.
La dama y el vagabundo no fue su único trabajo en el cine.
Apareció en varias películas, sobre todo en Warner Bros. en The Jazz Singer
(1952), con Danny Thomas, y Pete Kelly's Blues (1955), lo que le valió una
nominación al Oscar como mejor actriz de reparto y el premio del público a la
personalidad femenina más prometedora de 1955.
Una defensora perenne de los derechos de los artistas, Peggy
Lee estaba silenciosamente de pie por esta causa ya en la década de 1940. En
solidaridad con la prohibición de grabar de la Federación Americana de Músicos
en 1948, fue una de las vocalistas contratadas que se negó a realizar cualquier
actividad de grabación durante todo el año.
Más que una defensora, Lee era una artista dispuesta a
defender su oficio. Frente a una industria regida por el pensamiento
corporativo convencional (y, con demasiada frecuencia, mayormente orientado al
hombre), Lee libró múltiples batallas en nombre no sólo de su visión artística
sino también de los derechos de sus compañeros artistas. El más famoso de los
casos legales de Lee fue una larga batalla judicial (1988-1992) en relación con
su trabajo en Lady and the Tramp. Este caso que sentó precedente en cuanto a
los video derechos de la vivienda redefinió la forma en que se redactan los
contratos de entretenimiento.
En 1986, Peggy Lee se convirtió en la primera mujer que
recibió los premios Aggie y President del Songwriters Guild of America, el
primero honrando a Lee por sus habilidades como compositora, el segundo por su
apoyo a los jóvenes compositores emergentes. El premio Pied Piper de la ASCAP
le siguió en 1990, y su incorporación al Salón de la Fama de los Compositores
llegó en 1999.
Lee permaneció activa como concertista hasta 1995, cuando
dio sus últimas actuaciones en el Carnegie Hall y el Hollywood Bowl. En 1998
sufrió un derrame cerebral, y el 21 de enero de 2002 falleció en su casa de Bel
Air, California. En uno de los muchos obituarios que celebraban su
extraordinaria musicalidad, el renombrado crítico de jazz Nat Hentoff escribió
un epitafio apropiado: "Su principal cualidad era un maravilloso sentido
de la sutileza. Nunca te dominó. Podías oír su voz cuando se
detenía".
Y 100 años después de que naciera, seguimos escuchándolo...
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con I Don't Know Enough About You.
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