jueves, 29 de febrero de 2024

Jimmy Dorsey


Jimmy Dorsey nació en Shenandoah, Pensilvania, Estados Unidos, el 29 de febrero de 1904, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 12 de junio de 1957. Compositor, clarinetista, saxofonista, trompetista, y director de orquesta.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Jimmy Dorsey.

Jimmy Dorsey (Shenandoah, Pensilvania, 29 de febrero de 1904 – Nueva York, 12 de junio de 1957). fue un destacado líder de big band, compositor, clarinetista, saxofonista y trompetista de nacionalidad estadounidense.

Su nombre completo era James Francis Dorsey, siendo también conocido como «JD», y era hijo de un profesor de música y hermano mayor de Tommy Dorsey, que también fue un destacado músico. De joven tocaba la trompeta y ya actuaba en el vodevil en 1913. En 1915 pasó a tocar saxofón alto, aprendiendo posteriormente el clarinete. Jimmy Dorsey tocaba un clarinete dotado de un sistema de llaves Albert, en contra del habitual sistema Boehm utilizado por la mayoría de sus contemporáneos, entre ellos Benny Goodman y Artie Shaw.

Con su hermano Tommy al trombón, formó los «Dorsey’s Novelty Six», una de las primeras bandas de jazz que tocaron para la radio. En 1924 entró a formar parte de los «California Ramblers», un grupo de Nueva York con el que empezó a tener notoriedad. En la década de 1920 trabajó para la radio y para los estudios de grabación como artista independiente. Los hermanos actuaron también como músicos de sesión en muchas grabaciones de jazz, y en 1930 Dorsey entró en la banda de Ted Lewis haciendo una gira con la formación por Europa. En los últimos años de la década de 1920, trabajo y grabó varios discos con el trompetista, Bix Beiderbecke.

Tras volver a los Estados Unidos trabajó brevemente con Rudy Vallee y otros líderes de banda, además de con la Orquesta Dorsey Brothers, junto a Tommy. En sus primeros años como músico, Jimmy Dorsey actuó con variados grupos y artistas, entre ellos los Scranton Sirens, The California Ramblers, Red Nichols, Jean Goldkette, Ben Pollack, Fred Rich y Paul Whiteman.

El primer gran éxito de Jimmy Dorsey fue la canción «You Let Me Down», de 1935, y desde el principio, su formación estaba más orientada al jazz que la de su hermano, —hubo serias desavenencias entre ambos a cuenta de eso—y en aquellos años grabó algunos clásicos instrumentales del swing como: Dorsey Stomp, Tap Dancer’s Nightmare, Parade of the Milk Bottle Caps, John Silver, y Dusk in Upper Sandusky. La formación actuó en el show radiofónico de Bing Crosby Kraft Music Hall. La definitiva ruptura musical con su hermano Tommy en 1935, provocó que los «Dorsey Brothers» se disolvieran, y la formación pasó a llamarse «Jimmy Dorsey Orchestra, en la que permanecieron, Bobby Byrne, Ray McKinley, Skeets Herfurt, Bob Eberly y Kay Weber y en 1939, incorporó a la cantante Helen O’Connell. En aquél periodo, Jimmy Dorsey había firmado un contrato con la casa discográfica «Decca Records». Grabó esporádicamente, entre 1943 y 1946, algunos discos con Red Norvo.

Jimmy Dorsey continuó liderando su propia banda hasta los primeros años cincuenta, hasta que en 1953 los hermanos Dorsey volvieron a trabajar juntos, formando la banda llamada «Tommy Dorsey and his Orch. featuring Jimmy Dorsey». El 26 de diciembre de 1953 los hermanos actuaron con su orquesta reunificada en el programa televisivo de Jackie Gleason para la CBS. El éxito de aquella actuación determinó que Gleason produjera un programa semanal de variedades titulado: «Stage Show», presentado por los hermanos Dorsey y que estuvo en antena entre 1954 y 1956. Tras fallecer Tommy, Jimmy dirigió en solitario la orquesta, aunque sobrevivió a su hermano poco tiempo, ya que falleció a causa de un cáncer en 1957, en la ciudad de Nueva York. Tenía 53 años de edad. Fue enterrado en el Cementerio Annunciation Blessed Virgin Mary Church de Shenandoah.

Poco antes de su muerte fue recompensado con un disco de oro por su tema «So Rare», grabado el 11 de noviembre de 1956. Esa canción tuvo también la distinción de alcanzar el número 2 de las listas de popularidad de Billboard, siendo la que llegó a un mejor puesto de las interpretadas por una big band en la primera década de la era del rock and roll. Jimmy Dorsey es considerado uno de los más influyentes saxofonistas de la era del Swing y de las Big Band, siendo mencionado por Charlie Parker como su artista favorito.

La popularidad de Jimmy Dorsey hizo que actuara en varias películas de Hollywood, entre las cuales destaca el biopic «The Fabulous Dorseys» (1947), con su hermano Tommy Dorsey.

Jimmy Dorsey tuvo once números 1 con su orquesta en las décadas de 1930 y 1940, destacando, sobre todo el clásico: «Pennies from Heaven», grabado con su orquesta el 17 de agosto de 1936. Esa canción fue número uno en las listas de éxito durante diez semanas y batió récords de ventas aquel año. ​

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento con dos de sus grandes éxitos: Pennies From Heaven en la voz de Bob Eberly, y Tangerine, cantado por Bob Eberly y Helen O'Connell.


miércoles, 28 de febrero de 2024

Svend Asmussen


Svend Asmussen nació en Copenhague, Dinamarca, el 28 de febrero de 1916, y murió en Dronningmølle, Dinamarca, el 7 de febrero de 2017. Violinista, compositor, y director de orquesta.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Svend Asmussen.

Svend Asmussen (28 de febrero de 1916 – 7 de febrero de 2017), fue un violinista de jazz danés, conocido como «El vikingo».  Un virtuoso del estilo swing, y que tuvo la fortuna y la calidad suficiente para grabar con muchos otros músicos de jazz notables, incluidos Duke Ellington, Benny Goodman o Stephane Grappelli.

Asmussen nació en Copenhague, y se crió en una familia de músicos donde comenzó a tomar lecciones de violín a la edad de siete años. A los 16 años, escuchó por primera vez las grabaciones del violinista de jazz, Joe Venuti y comenzó a emular su estilo. Comenzó a trabajar profesionalmente como violinista, vibrafonista y cantante a los 17 años, dejando atrás definitivamente su formación académica. Al principio de su carrera profesional, trabajó en Dinamarca con artistas como Josephine Baker y Fats Waller. En un crucero, donde tocaba en la orquesta del barco, conoció a Stuff Smith, su segunda gran influencia al violín.

A fines de la década de 1950, Asmussen formó el trío «Swe-Danes», junto con la cantante Alice Babs y el guitarrista Ulrik Neumann. El grupo tuvo bastante éxito en Escandinavia por su entretenimiento, estilo «music hall», y con esa formación, tuvo la oportunidad de realizar una gira por los Estados Unidos. Allí pudo conocer y tocar con algunos de los músicos de jazz más famosos del momento, como Benny Goodman, Lionel Hampton, o Duke Ellington. Este último, le invitó a formar parte de su grupo en la grabación «Violin Session» que en 1963, reunió a los también violinistas, Stéphane Grappelli y Ray Nance.

En 1966, Asmussen apareció junto a Grappelli, Stuff Smith y Jean-Luc Ponty en una cumbre de violín de jazz en Suiza que se emitió como una grabación en vivo. Hizo una breve aparición en el Festival de Jazz de Monterey de 1967, que incluyó una célebre reunión con otros grandes del filón, como Ray Nance y Jean-Luc Ponty. En 1969, participó como invitado en «Snakes in a Hole», un álbum de la banda de jazz-rock: «Made in Sweden». Todavía estaba activo tocando el violín a la edad de 94 años. Asmussen falleció el 7 de febrero de 2017, solo 3 semanas antes de cumplir 101 años.

La colección de música de jazz, fotografías, carteles y otros materiales de Asmussen, se encuentra custodiado en las colecciones de jazz de la Biblioteca de la Universidad del Sur de Dinamarca.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con It Don't Mean a Thing If It Ain't Got That Swing.

martes, 27 de febrero de 2024

Marin Constantin


Marin Constantin nació en Bănești, Rumanía, el 27 de febrero de 1925, y murió en Bucarest, Rumanía, el 1 de enero de 2011. Compositor y director de coro.

El sitio es.wikipedia.org publicó este recordatorio.

Marin Constantin (Urleta, condado de Prahova, Rumanía, 27 de febrero de 1925 - 1 de enero de 2011)​ fue un galardonado músico, director y compositor rumano.​

Biografía

En 1963 fue fundador del Madrigal Chamber Choir siendo su director desde entonces y hasta su muerte. Consiguió relevancia mundial gracias a su conocimiento de la música del Renacimiento, canciones barrocas, gregorianas, así como música tradicional rumana. Fue nombrado embajador de buena voluntad de la UNESCO en 1992.​

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de Matona Mia Cara, de Orlando di Lasso, al frente del Coro de Cámara Madrigal.

lunes, 26 de febrero de 2024

Claire Bauroff

Klara Amanda Anna Baur, más conocida como Claire Bauroff​, nació en Weißenhorn, Baviera, Alemania, el 26 de febrero de 1895, y murió en Gräfelfing, cerca de Múnich, Alemania, el 7 de febrero de 1984. Bailarina, coreógrafa,​ profesora de ballet, actriz, modelo y escritora.

El sitio www.geschichtewiki.wien.gv.at publicó este recordatorio.

Claire Bauroff

Claire Bauroff (en realidad Klara Amanda Anna Baur), nacida el 26 de febrero de 1895 en Weißenhorn, † el 7 de febrero de 1984 Gräfelfing, bailarina, poeta.

Biografía

Claire Bauroff nació con el nombre de Klara Amanda Anna Baur como la cuarta de seis hijos del notario Arthur Baur y su esposa Amélie en Weißenhorn, en el distrito suabo de Nuevo Ulm. En contra de los deseos de sus padres, tomó lecciones de actuación en Munich y entre 1913 y 1915 lecciones de baile con Rudolf Bode.

En la década de 1920, Bauroff se hizo conocida por su danza artística y expresiva, que la convirtió en parte del movimiento de danza progresiva de su época. Pero se hizo famosa principalmente por sus apariciones como bailarina desnuda frente al público y las fotografías de desnudos tomadas por Trude Fleischmann.

En 1922, Claire Bauroff conoció en Karlsbad al escritor Hermann Broch, quien le abrió el camino hasta Viena. Aquí presentó sus programas de danza en el Konzerthaus, el Secession y el Ronacher. En 1924 ofreció una velada en solitario en el Teatro de Josefstadt con su drama de danza autocoreografiado “Das Licht”.

Con el ascenso de los nacionalsocialistas y su lucha contra la vanguardia artística, la situación se volvió cada vez más difícil para Claire Bauroff. En 1927 se casó con uno de los amigos más cercanos de Broch, el historiador filosófico judío Paul Schrecker. Mientras él se exiliaba en Francia y posteriormente en Estados Unidos en 1933, Claire Bauroff permaneció en Alemania y trabajó como profesora de danza.

Claire Bauroff murió el 7 de febrero de 1984 en una residencia de ancianos en Gräfelfing, cerca de Munich.

Literatura

Ralf Georg Czapla: “hecho a medida” - poemas de Hermann Broch para la bailarina Claire Bauroff. Con una edición de la correspondencia entre Bauroff y Broch y extractos de la correspondencia entre Bauroff y Burgmüller. En: Anuario de cultura y literatura de la República de Weimar (Vol. 12, 2008). Múnich: texto de edición+kritik 2008

Oliver Bentz: Coreografía de desnudos. En: Wiener Zeitung (sábado 27 de octubre de 2012)

 

domingo, 25 de febrero de 2024

Shalom – El Senado conmemora el Holocausto


Shalom – El Senado conmemora el Holocausto

EL 26 de enero, el Senado conmemoró el Día Oficial de la Memoria del Holocausto, el Acto de Estado en memoria de las víctimas del Holocausto y la prevención de los crímenes contra la Humanidad. La Jornada fue organizada por la Federación de Comunidades Judías de España y CSI.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

sábado, 24 de febrero de 2024

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Genya Resnick.


El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Genya Resnick.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Genya Resnick: latidos compartidos

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Genya Reznick nació en Varsovia, Polonia, en 1934. Después del establecimiento del gueto de la ciudad, Genya y su familia fueron encarcelados en él. Cuando comenzó la «gran deportación», Genya empezó a acompañar a sus padres a su lugar de trabajo en una fábrica del gueto, para evitar las deportaciones. En febrero de 1942 Genya, sus padres y su hermano lograron escapar del gueto y se escondieron en un taller. Después de ser delatados, la familia se vio obligada a esconderse en un cementerio. Tras el levantamiento polaco de Varsovia, Genya y sus padres fueron enviados a una aldea, donde vivieron bajo identidades falsas hasta el final de la guerra. Genya emigró a Israel en abril de 1946 y se estableció en el kibutz Yagur. En 1954 se alistó en las Fuerzas de Defensa de Israel. Se casó con Yossi en 1963, y tienen hijos, nietos y bisnietos.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

La Jana


Henriette Margarethe Hiebel Niederauer, más conocida como La Jana, nació en ​ Viena, entonces Imperio Austro Húngaro, el 24 de febrero de 1905, y murió en Berlín, Alemania, el 13 de marzo de 1940. Actriz y bailarina.

El sitio www.es.wikipedia.org publicó este recordatorio.

Henriette Margarethe Hiebel Niederauer (más tarde, Henny Hiebel), conocida artísticamente como La Jana​ (Viena, 24 de febrero de 1905-Berlín, 13 de marzo de 1940), fue una actriz y bailarina austroalemana, cuya actividad se encuadra dentro del denominado «periodo de entreguerras». En todo caso, poco se sabe de la vida de una artista fallecida prematuramente a los 35 años de edad (lo que dispararía las más variopintas especulaciones), perdiéndose entre un cúmulo de anotaciones de contenido seudoerótico y rumores sobre oscuras relaciones amorosas​ los escasos datos biográficos de que se dispone hasta el momento.​

Biografía

Henriette Margarethe Hiebel Niederauer (conocida más tarde como Henny Hiebel) nace en Viena (Imperio austrohúngaro) el 24 de febrero de 1905, hija natural del maestro dorador Heinrich Hiebel y su ama de llaves Anna Niederauer, quienes posteriormente contraen matrimonio en Fráncfort del Meno, ya en 1909.

Con 8 años, debuta como componente del ballet de la Ópera de Frankfurt, lo que la lleva en periodos sucesivos a actuar en distintas revistas de la época, incluso por algunos países del entorno.​ En su libro de memorias, el cineasta austrohúngaro Géza von Cziffra (1900-1989) dice al respecto que, hacia 1922, la descubrió en el cabaré Chat Noir de París, lo que relata en los siguientes términos:

Allí la vi bailar por primera vez. Poseía el cuerpo más hermoso que había visto en mi aún no demasiada larga vida. […] Tenía un aspecto juvenil: caderas delgadas, pechos apenas incipientes… Era una chica sencilla, simpática y accesible, pero por el sexo tenía tanto interés como Immanuel Kant, es decir, ninguno.​

No obstante, se conocen por lo menos otras dos versiones del evento: según la primera, este se produjo mientras actuaba en la sala Weinklause de Frankfurt; una segunda historia lo sitúa en Dresde, donde, al parecer, sustituiría a una bailarina que acababa de caer enferma.​ Sea como fuese, comienza aquí una multitudinaria gira de actuaciones por Europa, entre las que cabe resaltar las realizadas en Estocolmo (1933), Inglaterra o Escocia (1934-1935), lo que unido a su particular desenvoltura a la hora de exhibir su cuerpo (en Casanova (Berlín, 1928), se presenta «medio desnuda», tendida sobre una bandeja de plata colocada en el escenario)7​ la convierte en una de las mujeres más celebradas y mejor pagadas de la época:

En tu baile, parece que expresas una soledad exótica [conforme] a una extraña belleza.

Charles Chaplin. Reproducida en Lynn, Kenneth Schuyler (1997). Charlie Chaplin and His Times. Simon and Schuster. p. 348. ISBN 978-0684808512.

Falleció de manera inesperada el 13 de marzo de 1940 en Berlín, a los 35 años de edad, siendo sepultada en el Waldfriedhof Dahlem (Cementerio Forestal de Dahlem) de la capital alemana. Según alguna de las numerosas teorías, a menudo fantasiosas, que circularon tras su muerte, la artista ayudaba a escapar de la Alemania nazi a no pocos colegas judíos que, por entonces, actuaban por todo el país, por lo que habría sido asesinada por miembros de las SS.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de la película Truxa, de 1937. 

Piotr Ilich Tchaikovski. Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74. Lionel Bringuier.

Hadi Karimi

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, la Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74, en la versión de la de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, dirigida por Lionel Bringuier.

viernes, 23 de febrero de 2024

Alla Tarán


Alla Tarán nació en Ucrania, Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, el 23 de febrero de 1941, y murió en La Habana, Cuba, el 12 de septiembre de 2017. Violinista y pedagoga.

El sitio www.ecured.cu publicó este recordatorio.

Alla Tarán (Ucrania, 23 de febrero de 1941 - La Habana, 12 de septiembre de 2017). Violinista y pedagoga ucraniana residente en Cuba.

Síntesis biográfica

Una de las más prestigiosas profesoras de violín que ha contribuido a la formación de varias generaciones de músicos cubanos, muchos de los cuales son destacados instrumentistas como Ilmar López- Gavilán Junco. Residió en Cuba desde 1969 pero antes, en su país, se había desempeñado como profesora de Práctica de conjunto.

Labor profesional en Cuba

En Cuba trabajó como ayudante de concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional y como profesora de la Escuela de Música de las provincias de Santa Clara y Cienfuegos, respectivamente. Desde 1978 reside en La Habana donde desarrollo una relevante labor como profesora de violín en la Escuela Nacional de Arte, la Escuela de Música "Manuel Saumell", el Conservatorio "Amadeo Roldán" y el Instituto Superior de Arte. Fue miembro del I Concurso de Violín "José White" celebrado en Ciudad de La Habana en 1997, y de otros concursos nacionales en los que varios de sus alumnos de nivel elemental y nivel medio han obtenido premios. Integró la Comisión Técnica Nacional de este instrumento.

Trascendencia

A ella se debió la creación en el país de la Primera Orquesta Sinfónica de Niños y del Conjunto de Violines. Poseía la Medalla al Mérito Pedagógico, entre otros importantes reconocimientos.

jueves, 22 de febrero de 2024

Gigliola Frazzoni


Gigliola Frazzoni nació en Bolonia, Italia, el 22 de febrero de 1923, y murió en su ciudad, el 3 de diciembre de 2016. Soprano.

El sitio www.greatsingersofthepast.wordpress.com publicó este recordatorio.

GIGLIOLA FRAZZONI, Soprano * 22 de febrero de 1923, Bolonia, Italia + 03 de diciembre de 2016.

¡Recordando a GIGLIOLA FRAZZONI (1923 – 2016) en su cumpleaños!

Gigliola Frazzoni (1923 – 2016). Estudió con Marchesi y Secchiaroli en Bolonia. Hizo su debut cantando Samaritana en “Francesca da Rimini” en Pesaro en 1947 antes de interpretar Mimi en el Teatro Comunale al año siguiente en su Bolonia natal. Cantó en los escenarios de ópera de Roma, Turín, Venecia, Palermo y Parma. Su debut en La Scala fue como Maddalena en 1955. En 1957 fue la primera Madre María en los “Diálogos de las Carmelitas” de Poulenc. Eso y su actuación grabada en vivo como Minnie en “La Fanciulla del West” aseguraron que fuera recordada. Su repertorio incluyó a Aida, Butterfly, Tosca, Nedda y Carmen. Cerró su carrera en 1979 en la Arena di Verona como Santuzza.

Breve biografía de Charles Rhodes.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Voi lo sapete o Mamma, de la ópera Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni, junto a la orquesta Orquesta Sinfónica de la RAI de Turín, dirigida por Arturo Basile.

miércoles, 21 de febrero de 2024

Karl August Varnhagen von Ense


Karl August Varnhagen von Ense nació en Düsseldorf, Alemania, el 21 de febrero de 1785, y murió en Berlín, Alemania, el 10 de octubre de 1858. Cronista del romanticismo, escritor de cuentos, poemas, biografías y diarios.

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Karl August Varnhagen von Ense (Düsseldorf, 21 de febrero de 1785 - Berlín, 10 de octubre de 1858) fue un biógrafo, diplomático y soldado alemán.

Vida y carrera

Nació en Düsseldorf, hermano menor de Rosa Maria Varnhagen, una destacada poeta, escritora y educadora. Estudió medicina en Berlín, pero la mayor parte de su tiempo lo dedicó a estudiar filosofía y literatura, que luego estudió más a fondo en Halle y Tübingen. Comenzó su carrera literaria en 1804 trabajando junto con Adelbert von Chamisso en su Berliner Musenalmanach.

En 1809, se unió al ejército austríaco principal bajo el mando del archiduque Carlos, sirviendo en el IR47 Vogelsang en la batalla de Wagram, donde resultó herido el primer día, el 5 de julio. Luego fue nombrado ayudante del príncipe Bentheim, a quien acompañó a París, donde continuó sus estudios. En 1812, ingresó al servicio civil prusiano en Berlín, pero pronto lo dejó para ingresar al servicio ruso como capitán. Sirvió en el cuerpo de Tettenborn como ayudante de Tettenborn en viajes a Hamburgo y París. Sus experiencias las registró en Geschichte der Hamburger Ereignisse (Historia de los acontecimientos de Hamburgo; Londres, 1813) y Geschichte der Kriegszüge Tettenborns (Historia de las campañas de Tettenborn, 1814). Trabajó como tutor y mayordomo en los hogares de varias familias de la rica burguesía judía. Esto le permitió conocer desde muy joven a personajes jóvenes de su época, algunos ya célebres, como: Adelbert von Chamisso, Justinus Kerner, Friedrich de la Motte Fouqué, Ludwig Uhland y muchos otros poetas del romanticismo.

Acompañó al príncipe Hardenberg al Congreso de Viena en 1814, y entre 1815 y 1819 se desempeñó como ministro residente de Prusia en Carlsruhe. Después de 1819, residió principalmente en Berlín, con el título de "Geheimer Legationsrat". No tenía un nombramiento oficial fijo, pero a menudo se le empleaba en asuntos políticos importantes.

Mantuvo una extensa correspondencia con Alexander von Humboldt, y se han publicado dos volúmenes de las cartas de Humboldt. El 10 de octubre de 1858, mientras jugaba al ajedrez con su sobrina, Karl August Varnhagen von Ense murió por causas desconocidas. Sus últimas palabras, poco antes de su muerte, fueron: "Perdí".

Escritos

Aunque desarrolló una reputación como escritor imaginativo y crítico, es más famoso como biógrafo. Poseía una notable habilidad para agrupar hechos y resaltar su significado esencial. Su estilo se distingue por su fuerza, gracia y pureza. Entre sus principales obras se encuentran:

Goethe in den Zeugnissen der Mitlebenden (1824)

Biographische Denkmäler (5 vols., 1824–30; 3a edición, 1872)

Biographies of General von Seydlitz (1834), Field-Marshal Gebhard Leberecht von Blücher, vencedor sobre Napoleón en Waterloo, Sophia Charlotte, Queen of Prussia (1837), Field-Marshal Schwerin (1841), Field-Marshal Keith (1844), y General Bülow von Dennewitz (1853)

Su Denkwürdigkeiten und vermischte Schriften apareció en nueve volúmenes entre 1843 y 1859; los dos últimos volúmenes aparecieron después de su muerte. Su sobrina, Ludmilla Assing, entre 1860 y 1867, editó varios volúmenes de su correspondencia con hombres eminentes y su Tagebücher (14 vols., 1861–70). Blätter aus der preussischen Geschichte apareció en cinco volúmenes (1868-1869); su correspondencia con su esposa, Rahel, apareció en seis volúmenes en 1874-1875; y eso con Carlyle en 1892.

Sus escritos seleccionados aparecieron en 19 volúmenes entre 1871 y 1876.

Familia

En 1814, se casó con la salonista Rahel Levin después de que ella se convirtiera del judaísmo al cristianismo. Varnhagen estaba devotamente apegado a ella y encontró en su simpatía y aliento. Ella fue una de las principales fuentes de su inspiración como escritor. Nunca se recuperó por completo del impacto de su muerte en 1833, pero publicó volúmenes conmemorativos que contenían selecciones de sus artículos: Rahel, ein Buch des Andenkens für ihre Freunde (Rahel, un libro conmemorativo para sus amigos, 3 vols., 1834) y Galerie von Bildnissen aus Rahels Umgang (Una galería de retratos del círculo de Rahel, 2 vols., 1836).

A continuación, lo recordamos con el lied Der Hirt auf dem Felsen, o El pastor sobre la roca para voz, clarinete y piano D 965, de Franz Schubert, sobre sus textos, y los de Johann Ludwig Wilhelm Müller, en la versión de Anna Lucia Richter, soprano; Blaž Šparovec, en clarinete; y Nicolás Rimmer, en piano.

martes, 20 de febrero de 2024

Aniversario del estreno de la ópera Julio César en Egipto, de Georg Friedrich Händel.


Julio César en Egipto, título original en italiano, Giulio Cesare in Egitto, HWV 17, es una ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Händel y libreto en italiano de Nicola Francesco Haym que utilizó un libreto anterior de Giacomo Francesco Bussani, con música de Antonio Sartorio. Fue compuesta para la Real Academia de Música.

El estreno se realizó el 20 de febrero de 1724 en Londres, y fue un éxito. Posteriormente fue representada en París, Hamburgo y Brunswick

Luego de permanecer en el olvido durante mucho tiempo, en el siglo XX fue recuperada, re orquestada y con los papeles de castrado traspuestos para barítono, tenor o bajo.

Pierre-Jean Rémy, en el Diccionario del amante de la ópera, sostiene que: Es una obra prácticamente perfecta que ve el triunfo de los amores de Cesar y Cleopatra en una atmósfera de intrigas exóticas y políticas de un realismo perfectamente trasladable a todas las épocas de la historia.

A continuación, la ópera Julio César en Egipto, HWV 17, de Georg Friedrich Händel, en la versión de Yuriy Mynenko, contratenor, como Julio César; Sophie Junker, soprano, es Cleopatra; Nicolás Tamagna, contratenor, interpreta a Tolomeo; Francesca Ascioti, mezzosoprano, canta el papel de Cornelia; Katie Coventry, mezzosoprano, en los roles de Sesto, y Pompeo; el bajo Ricardo Novaro, en el personaje de Achilla; Artur Janda, bajo-barítono, como Curio; y Rafał Tomkiewicz, y Nickolas Tamagna, contratenores, en el rol de Nireno, junto a la Orquesta del Festival de Gotinga, dirigidos por George Petrou.


Síntesis argumental.

La acción se desarrolla en Egipto, 48 años antes de Cristo.

Acto I

Julio César y sus victoriosas tropas llegan a las orillas del río Nilo tras derrotar a las fuerzas de Pompeyo. La segunda esposa de Pompeyo, Cornelia, ruega piedad por la vida de su marido. César acepta, pero con la condición de que Pompeyo debe verlo en persona. Achille, líder del ejército egipcio, presenta a Cesár una cesta conteniendo la cabeza de Pompeyo como señal de amistad de Ptolomeo, quien dirige Egipto de manera conjunta con su hermana Cleopatra. Cornelia se desmaya. El asistente de César, Curio, se ofrece para vengar a Cornelia, esperando que de esa manera ella se enamore y se case con él. Cornelia rechaza la oferta con dolor, diciendo que otra muerte no disminuiría su sufrimiento. Sesto, hijo de Cornelia y Pompeyo jura que vengará la muerte de su padre "Svegliatevi nel core". Achille le cuenta a Ptolio para encontrarse con Ptolomeo. Ptolomeo se siente fascinado por la belleza de Cornelia, pero ha prometido a Achille que él la poseería. Sesto intenta retar a Ptolomeo pero no tiene éxito. Cuando Cornelia rechaza a Achille, este ordena a sus soldados arrestar a Sesto.

Acto II

En el palacio de Cleopatra, la reina usa sus encantos para seducir a César. Canta alabanzas sobre los dardos de Cupido y César queda deleitado. En el palacio de Ptolomeo, Achille insiste a Cornelia que lo acepte, pero ella lo vuelve a rechazar. Cuando él se va, Ptolomeo también intenta seducirla, pero es rechazado como el anterior. Sesto entra en el jardín del palacio, deseando luchar con Ptolomeo por haber matado a su padre. En el palacio de Cleopatra, César oye el sonido de enemigos aproximándose. Cleopatra revela su identidad y pide a César que huya, pero él decide pelear. En el palacio de Ptolomeo, la lucha entre Ptolomeo y Sesto es interrumpida por el anuncio de Achille de que César, intentando huir de sus soldados ha muerto al saltar por una ventana. Achille pide de nuevo la mano de Cornelia en matrimonio, pero es dejado fuera de combate por Ptolomeo quien también insiste a Cornelia en su amor. Sesto se siente devastado e intenta suicidarse pero su madre lo evita. Entonces Sesto repite su promesa de matar a Ptolomeo.

Acto III

Se escuchan sonidos de batalla entre las fuerzas de Ptolomeo y Cleopatra. Ptolomeo celebra su victoria sobre Cleopatra. César ha sobrevivido a su caída desde la ventana y reza por la seguridad de Cleopatra. Mientras busca a Ptolomeo, Sesto encuentra al herido Achille. Éste le da a Sesto un sello de autoridad que le permitirá comandar sus ejércitos tras su muerte. César aparece y le pide el sello al joven Sesto, y le promete que salvará tanto a Cornelia como a Cleopatra o que morirá en el intento. Cleopatra encuentra a César vivo y se emociona. Sesto encuentra a Ptolomeo en su palacio cortejando a su madre y lo mata. Los victoriosos César y Cleopatra entran en la ciudad de Alejandría y César proclama a Cleopatra como reina de Egipto y promete ayudar a su reino. Se declaran su amor y la gente aclama su felicidad y la llegada de la paz a Egipto.

lunes, 19 de febrero de 2024

Smokey Robinson


William Robinson Jr., más conocido como Smokey Robinson, nació en Detroit, Míchigan, Estados unidos, el 19 de febrero de 1940. Cantante, compositor y productor discográfico.

El sitio www.mcnbiografias.com publicó esta biografía firmada por Vicente Estévez Torrego.

Robinson, Smokey (1940-VVVV).

Cantante y productor estadounidense nacido en Detroit el 19 de febrero de 1940. Bautizado con el sobrenombre de Smokey por un tío suyo, a los seis años compuso su primera canción para un espectáculo escolar. Formó su primer grupo, The Matadors, cuando estudiaba en la universidad, y con él actuaba en fiestas escolares, en las casas y en inauguraciones de las tiendas. En 1957 se diplomó y pensó en licenciarse en ingeniería, pero cuando se enteró de que el manager de Jackie Wilson había organizado una audición en busca de nuevos talentos, el grupo comenzó a ensayar frenéticamente. La audición no salió como se esperaba y el manager ni siquiera reparó en ellos, pero también estaba allí el compositor Berry Gordy, que desde hacía tiempo buscaba nuevos músicos para confiarles sus canciones, y el encuentro entre ambos músicos fue el comienzo de una larga colaboración. En febrero de 1958 publicaron el tema "Get a job" en el pequeño sello End Records, y pocos meses después vio la luz "(I need) some money", pero los dos pasaron inadvertidos. En 1959 compusieron la balada "Bad girl", y la enviaron al sello Chess Records para su distribución. El tema funcionó bien y estuvo dos semanas en el top 100. En esa época hicieron su debut en el Apollo Theatre de Harlem, templo de la música negra, en una noche en la que la estrella era Ray Charles y los nervios, que les jugaron una mala pasada, les hicieron cantar fatal. El organizador del evento prometió a B. Gordy que no les pagaría la bochornosa actuación, y ellos tuvieron que rogarle para conseguir por lo menos el dinero para pagar el hotel y un billete de tren a Detroit.

Entonces dieron un giro profesional y cambiaron su nombre por el de The Miracles. Animado por S. Robinson, B. Gordy fundó la compañía Motown, con la cual el grupo grabó y editó "Way over there", primera canción Motown que se distribuyó en Estados Unidos. En 1961, S. Robinson compuso "Shop around", cuya primera versión pasó sin pena ni gloria; pero la segunda, bajo la producción de B. Gordy, llegó al top 2 de las listas de música pop. A partir de ahí llegó la cadena de éxitos que tuvo al grupo siempre en el top 20 de las listas. Temas como "Ain´t it baby", "Everybody´s gotta pay some dues", "What´s so good about goodbye" o "I´ll try something new" se convirtieron en clásicos y The Miracles se hicieron populares hasta entre el público blanco, gracias sobre todo a "Mickey´s monkey" y "You´ve really got a hold on me", esta última grabada por The Beatles en su primer álbum.

Debido al espectáculo itinerante que contaba con muchos de los artistas del sello Motown llamado “Motortown Revue”, The Miracles se dieron a conocer por toda Norteamérica. Entre 1964 y 1965, el grupo se encontraba en la cima de su fama, con un buen repertorio de temas rhythm & blues y otras tantas dulces baladas. En su etapa hasta 1967 grabaron temas como "The tracks of my tears", "My girl has gone", "Choosey begar" o "Going to a go go".

Como productor, Smokey Robinson fue fundamental en el éxito de Mary Wells, de Diana Ross & The Supremes y de The Tempations. Este último grupo llegó al top 20 en 1964 gracias a "The way you do the things you do", compuesta por S. Robinson. También intervino en producciones de trabajos de Marvin Gaye, The Marvelettes y Jimmi Ruffin, con muy buenos resultados. Esta enorme actividad produjo un distanciamiento de S. Robinson con respecto a The Miracles, distanciamiento que se vio agravado por el nacimiento de sus hijos Berry y Tamla; pero ese proceso se produjo lentamente y Smokey Robinson & The Miracles siguieron cosechando éxitos durante aquellos años, como "Yester love", "Special ocassion", "Point it out" y, como no, "Tears of a clown", su canción más famosa y que obligó a retardar la separación de S. Robinson para aprovechar la oleada de popularidad.

En 1972, Smokey Robinson tomó una decisión definitiva y, tras una gira de despedida en la que se grabó el álbum 1957-1972, se separó del grupo. Le sustituyó Bill Griffin, pero la nueva formación no alcanzó el éxito de antaño y, después de cambiar de compañía discográfica, se disolvieron. Sin embargo S. Robinson siguió grabando muy buenos trabajos en solitario; así, por ejemplo, Smokey (en 1973), Pure Smokey (en 1974), A quiet storm (en 1975) o Where there´s smoke (en 1979). En 1977 produjo su primera banda sonora para la película Big time, que recibió buenas críticas. En 1981 obtuvo su primer número uno en el Reino Unido con "Being with you", una canción de amor que también arrasó en las listas de Estados Unidos. Un año después llegaron más éxitos con Tell me tomorrow. Después se tomó un tiempo de relax que abandonó a finales de los ochenta con una serie de éxitos y buenos álbumes como Essar de 1984 o Smoke signals un año después. A pesar de que su matrimonio no funcionó, volvió a la actividad y, en 1987, obtuvo dos grandes éxitos con "Just to see her" y "One heartbeat". En 1988 le incluyeron dentro del Rock And Roll Hall Of Fame, gracias a su trabajo como compositor y productor, que ha hecho de la legalidad su manera de vivir. Su rastro puede seguirse en el estuche de cuatro discos 35th Anniversary.

Autor: Vicente Estévez Torrego

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Just To See Her.

domingo, 18 de febrero de 2024

Shalom – La Vicealcaldesa de Jerusalén visita España

Shalom – La Vicealcaldesa de Jerusalén visita España

Fleur Hassan-Nahoum visita España. La vicealcaldesa de Jerusalén habla un perfecto español ya que se crio en Gibraltar. Esta ha sido la razón principal de que se haya convertido en la portavoz oficial de Israel ante la comunidad internacional de habla hispana.

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/shalom-vicealcaldesa-jerusalen-visita-espana/15975195/


Marcel Landowski


Marcel Landowski nació en Pont-L'Abbé, Francia, el 18 de febrero de 1915, y murió en París, Francia, el 23 de diciembre de 1999. Compositor y director de orquesta.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Marcel Landowski

Marcel Landowski (Pont-L'Abbé, Finisterre, Bretaña, 18 de febrero de 1915 - París, 23 de diciembre de 1999) fue un compositor y director de orquesta francés.

Estudió armonía, fuga y dirección de orquesta en el Conservatorio de París y amplió estudios con Pierre Monteux y Arthur Honegger.

Fue director de la música del ministerio de Cultura francés y de la Orquesta de la Radiodifusión Francesa.

En su faceta de compositor, es autor de una amplia producción muy orientada hacia la experimentación y la música concreta.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sinfonía Nº 5, denominada Las luces de la noche, en la versión de la Orquesta de París, dirigida por John Nelson.

sábado, 17 de febrero de 2024

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Regine Canetti.


El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Regine Canetti.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Regine Canetti: como si fuera hoy

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Regine Canetti nació en Sofía, Bulgaria en 1923, hija de Rachel y Albert Canettim una familia judía sefardi que se establece en Bulgaria. Su padre es un comerciante que trabaja para una empresa francesa y viaja a lo largo de Bulgaria y Yugoslavia. Regine junto a sus dos hermanos, Denise y Maurice estudió en un internado francés a lo largo de 12 años, llamado Notre Dame de Sión, un colegio católico de élite. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, vivían en Bulgaria 48.000 judíos. Bulgaria es un aliado de la Alemania nazi y, para complacer a sus aliados, el Parlamento Búlgaro decreta leyes antisemitas e invita a los judíos que no tienen ciudadanía búlgara a abandonar el país. La familia, de manera ilegal coge un barco, junto a otros judíos para trasladarse a Palestina. El barco es embestido por una tormenta en la que mueren Rachel, su madre y su hermano pequeño. El padre y Regine llegarán a Palestina bajo el Mandato Británico y allí pasarán los primeros años en un kibutz. Las dificultades y el desasosiego son muy grandes y Regine decide vivir con las monjas en el Convento de las Hermanas de Sión, una congregación católica que daba estudios y hogar a niños huérfanos. Regine decidirá su camino en este convento y tomará los hábitos y dedicará su vida al cristianismo. Sor Regine tiene 103 años y vive en Jerusalén.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Marjorie Lawrence

Marjorie Lawrence nació en Melbourne, Australia, el 17 de febrero de 1907, y murió en Little Rock, Estados Unidos, el 13 de enero de 1979. Soprano.

El sitio www.mujeresenlahistoria.com publicó este recordatorio.

LA VOZ DE WAGNER, MARJORIE LAWRENCE (1909-1979)


www.cantabile-subito.de/Sopranos/Lawrence__Marjorie/hauptteil_lawrence__marjorie.html

Marjorie Lawrence fue la Elisabeth del Tannhäuser, la Ortrud de Lohengrin o la Brunilda de La Valquiria, convirtiéndose en una de las sopranos que mejor supo encarnar los grandes personajes femeninos del autor germano Richard Wagner, recreando sus óperas siguiendo las indicaciones que el compositor había dejado sobre ellas. Recreó con gran fuerza y pasión a aquellas guerreras y reinas de la mitología europea con la misma veracidad con la que interpretó a la archiconocida Carmen de Bizet o la Salomé de Strauss. Su carrera se vio truncada cuando la polio la inmovilizó y la dejó en una silla de ruedas. La gran soprano que paseó su talento por los principales templos de la ópera del mundo tuvo que resignarse a dejar la interpretación y dedicarse a transmitir sus conocimientos como maestra.

Marjorie Florence Lawrence nació en Deans Marsh, a unos ciento treinta kilómetros de Melbourne, en Australia, el 17 de febrero de 1909. Era la quinta de los seis hijos de William Lawrence y Elizabeth Smith. Su padre, además de ser carnicero, tocaba el violín, y su madre era organista en la iglesia local. Marjorie quedó huérfana de madre cuando tenía solamente dos años y fue criada por su abuela paterna. Desde bien pequeña mostró interés por la música que escuchaba en un gramófono en casa donde sonaban las voces de Nellie Melba y Clara Butt, ambas cantantes de ópera. Con tan sólo diez años ya empezaba a destacar como solista.

Tenía dieciocho años cuando ella y uno de sus hermanos, Cyril, se marcharon a trabajar a Melbourne a pesar de la oposición de su padre. Marjorie recibió clases de canto de un prestigioso profesor llamado Ivor Boustead. Problemas económicos la obligaron a volver de nuevo a Deans Marsh aunque con ella se llevaría todo lo que aprendió de Ivor y que le sería muy valioso en el futuro.


Wikimedia Commons

Poco después ganaba un premio como cantante y el barítono John Brownlee se fijó en su talento. Fue quien la animó a dejar Australia y embarcarse rumbo a Francia donde fue acogida por unos amigos y recibió clases de Madame Cécile Gilly.

Sus largas sesiones de práctica y estudio dieron su fruto a principios de 1932 cuando debutó como cantante de ópera en Monte Carlo haciendo su primer personaje wagneriano. Marjorie se puso en la piel de la Elizabeth del Tannhauser de Richard Wagner con tal éxito que su carrera sería imparable. Al año siguiente, la Ópera Garnier de París se rendía ante una Marjorie convertida en Ortrud del Lohengrin, también de Wagner. En 1935 cruzaba el Atlántico para convertirse en Brunilda, personaje principal de La Valquiria del compositor alemán. Un año después, interpretaba la famosa escena de la inmolación de El ocaso de los dioses tal y como la había imaginado Wagner. Subida a un caballo, atravesó las llamas convirtiéndose en la primera soprano en interpretar la escena de manera tan fiel al original.

Además de interpretar con gran maestría a las principales mujeres de las obras de Wagner, Marjorie Lawrence fue también una hermosa Salomé bailando la danza de los siete velos de Strauss o una fantástica Carmen de Bizet.

Marjorie Lawrence se encontraba en la cima de su éxito cuando su cuerpo la traicionó. Fue en 1941, en una representación en México cuando de repente fue incapaz de mantenerse en pie. Fueron los primeros síntomas de una poliomielitis que la relegaría a una silla de ruedas para el resto de sus días. Su marido, el doctor Thomas King, con el que se había casado hacía poco, intentó por todos los medios curar a su esposa consultando a los principales especialistas en la materia pero todo fue inútil.

Sin embargo, Marjorie, animada por sus fans y por su esposo, no se rindió. Durante un tiempo actuó sentada o subida a una plataforma y participó en muchos programas radiofónicos dedicados a la ópera. En aquellos años, cuando la Segunda Guerra Mundial asolaba medio mundo, Marjorie viajó a distintos puntos del planeta para cantar con fines benéficos y animar a las tropas. Actos solidarios que le valieron la cruz de la Legión de Honor francesa y ser nombrada miembro de la Orden del Imperio Británico.

Pero su invalidez hacía estragos en su cuerpo. Al final, Marjorie decidió retirarse a su rancho de Harmony Hills, en Arkansas, donde se volcó de lleno en la enseñanza y en escribir su autobiografía. Esta, que se publicó bajo el nombre de Melodía interrumpida, fue llevaba al cine donde Eleanor Parker interpretó su papel mientras la soprano Eleen Farrell le puso la voz.

Marjorie Lawrence fallecía el 13 de enero de 1979 de un ataque al corazón.


A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Il va venir, de la ópera La Juive, de Fromental Halévy, en una emisión de la Bell Telephone Hour, del 12 de marzo de 1945, con orquesta dirigida por Donald Voorhees.

Piotr Ilich Tchaikovski. Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74. John Axelrod.

Hadi Karimi

A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, la Sinfonía Nº 6 en Si Menor Op. 74, en la versión de la Orquesta del Teatro La Fenice, dirigida por John Axelrod.

viernes, 16 de febrero de 2024

Geraint Evans


Sir Geraint Llewellyn Evans, más conocido como Geraint Evans, nació en Cilfynydd, Reino Unido, el 16 de febrero de 1922, y murió en Aberystwyth, Reino Unido, el 19 de septiembre de 1992. Bajo-barítono.

El sitio www.mcnbiografias.com publicó este recordatorio.

Evans, Sir Geraint (1922-1992).

Cantante barítono británico, nacido en Pontypridd (Gales) el 16 de febrero de 1922 y fallecido en 1992. Intérprete lírico especializado en Mozart y en el repertorio contemporáneo, inició su carrera artística en la época de postguerra.

Comenzó sus primeros estudios de canto en Cardiff y actuó en la radio de las fuerzas británicas durante su servicio militar en Hamburgo, ciudad donde también recibió clases de Theo Hermann. Después se formó con Fernando Carpi en Ginebra y, ya en Londres, con Walter Hyde. Debutó en el Covent Garden en 1948, con el papel de guarda nocturno de Los maestros cantores de Wagner. Al año siguiente cantó Las bodas de Fígaro en el personaje protagonista, y obtuvo el reconocimiento del público como uno de los mejores "Fígaros" de la época.

Participó en varios estrenos en el Covent Garden: Billy Budd, como Mister Flint (1951), y Gloriana, como Montjoy (1953), ambas obras de Benjamin Britten, y Troilo y Criseida, de William Walton (1954), al mismo tiempo que se consagraba como barítono mozartiano -destacó como Papageno en La flauta mágica y como Guglielmo en Cosi fan tutte- con frecuentes apariciones durante los años cincuenta en el Festival de Glyndebourne, que culminaron con su presentación en la prestigiosa Scala de Milán en 1960. En la década de 1960 cantó, entre otros importantes escenarios, en la Staatsoper de Viena, el Festival de Salzburgo, el Teatro Colón de Buenos Aires, la Ópera de Chicago y el Metropolitan Opera de Nueva York, donde debutó en 1964 con el Falstaff de Verdi, considerada una de sus mejores interpretaciones. En 1973 cantó Don Pasquale, de Donizetti, en Londres, y dos años más tarde fue Leoporello en la Gran Ópera de París. Ha sido director de las Óperas de Gales, Chicago y San Francisco, miembro de honor de la Royal Academy of Music, y en 1971 le fue concedido el título nobiliario de "Sir".

Autor: Anabel

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Barcarola, de la ópera El Elixir de Amor, de Gaetano Donizetti, junto a Sona Ghazarian, en una producción de la Ópera Covent Garden de Londres.

jueves, 15 de febrero de 2024

Shalom – El Rabino Karpuj Lidera Bet-El de Madrid


Shalom – El Rabino Karpuj Lidera Bet-El de Madrid

En el programa de hoy conoceremos al rabino Mario Karpuj, rabino de la comunidad masortí Bet-El de Madrid. Nacido en Argentina, recibió su ordenación en el Seminario Rabínico Latinoamericano "Marshall T. Meyer'" en 1994 y cuenta con más de 30 años de experiencia.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/rabino-karpuj-lidera-bet-madrid/15955231/

Hina Spani


Higinia Tuñón, más conocida como Hina Spani, nació en Puán, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 15 de febrero 1896, y falleció en Buenos Aires, Argentina, el 11 de julio de 1969. Soprano.

El sitio www.avantialui.com.ar publicó este recordatorio firmado por Víctor Fernández.

Avanti a Lui

Notas

Una soprano argentina que hizo historia en el mundo

Hace 121 años, el 15 de febrero de 1896 venia al mundo en la localidad de Puán, provincia de Buenos Aires Higinia Tuñón, quien con el correr del tiempo alcanzaría fama mundial son el nombre Hina Spani.

Realizó sus primeros estudios en Buenos Aires con Amanda Campodonico, y luego en Milán con Vittorio Mortatti, ante quien evidenció sus grandes dotes de soprano lirico spinto, cualidades que la ubicarían como una de las relevantes voces de su registro, con una notable carrera, luego de la Primera guerra.

Realizó su debut en La Scala en 1915 como Anna en Lorelay de Alfredo Catalani; a su vuela a Buenos Aires, debutó en el Teatro Colón el 18 de mayo de 1915, interpretando a Samaritana, junto a Rosa Raisa en Francesca da Rimini de Ricardo Zandonai, bajo la dirección de Gino Marinuzzi.

Volvío a La Scala en 1924 para interpretar la Margarita de Mefistofele, posteriormente cantó en Francia y España y realizó una extensa gira por Australia con la Compañía de Nellie Melba y J. C. Williamson.

Pero sin duda fue en el prestigiosísimo Teatro Colón de aquella época donde cosecho sus mayores satisfacciones, que trataremos de resumir a continuación:

Temporadas oficiales de ópera:

Nedda en I pagliacci con Enrico Caruso, Micaela en Carmen, e Inés en La Africana con Titta Ruffo en 1915; Micaela en Carmen con Gabriela Besanzoni, Nedda en I pagliacci, Mariana en Tucumán de Boero, y Donna Elvira en Don Giovanni con Ninon Vallin, en 1918; Marguerite en La damnation de Faust, Anna en Die Loreley con Claudia Muzio, Lauretta en Gianni Schicchi, y Margarita / Elena en Mefistofele con Beniamino Gigli en 1919; Matilde en Guillaume Tell, Jaele en Debora e Jaele de Pizzetti, Raquela de Boero, Ilse de Gilardi, y Salud en La vida breve en 1923; Santuzza en Cavalleria rusticana, Marina en Boris Godunov con Fedor Chaliapin, y Amaya de Jesús Guridi (cantada en vasco) en 1930; Mar-Amac en La leyenda del urutaú de Gilardi (Estreno) en 1934; María Boccanegra, Amelia en Un ballo in maschera con Beniamino Gigli, y Margarita en La sangre de las guitarras de Gaito en 1935; Porzia en Giulio Cesare de Francesco Malipiero con Isabel Marengo, Sombra Feliz en Castor et Polux de Rameau, y Fidalma en El matrimonio segreto de Cimarosa en 1936; Musa en La favola d’Orfeo de Monteverdi, y María en Maria Egiziaca de Respighi en 1937; Ottavia en L’incoronazione di Poppea en 1938; Macbeth en 1939

Temporadas de primavera:

Elena en Lázaro de Constantino Gaito, Turandot, y Aida en 1929; Margarita / Elena en Mefistofele, y Elsa de Brabante en Lohengrin con Georges Thill en 1930; Leonora en Oberto, Conte di San Bonifacio en 1939

Temporada de verano

Nedda en I pagliacci, Santuza en Cavalleria rusticana, y Margarita en La sangre de las guitarras de Gaito en 1937; Tosca en 1938; Madama Butterfly en 1939, Aida, y Leonora en Il trovatore en 1940

Tuvo además una exitosa carrera como concertista, con un amplio repertorio de obras.

Dueña de exquisitos pianísimos y una notable potencia dramática conjugados con un refinamiento excepcional, hicieron de ella una de las más estilísticas cantantes de su época.

Falleció en Buenos Aires el 11 de julio de 1969.

© Víctor Fernández www.avantialui.org

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Piangea cantando, de la ópera Otelo, de Giuseppe Verdi, con la Orquesta del Teatro Alla Scala de Milán, dirigida por Carlo Sabajno.

miércoles, 14 de febrero de 2024

Carlos Vieco Ortiz


Carlos Vieco Ortiz nació en ​ Medellín, Colombia, el 14 de marzo de 1900, y murió en su ciudad, el 13 de septiembre de 1979. Compositor.

El sitio www.fundacionbat.com.co publicó este recordatorio.

Carlos Vieco Ortíz

"Señor, mientras tus plantas nazarenas

suben hacia la cumbre del calvario..."

 

Extraordinario compositor y músico nacido en Medellín el 14 de febrero de 1900, hijo del también músico, compositor y pintor Camilo Vieco.

Alumno de los maestros Eusebio Ochoa, Jesús Arriola y Gonzalo Vidal, es probablemente el compositor colombiano de más extensa y reconocida producción musical.

"Echen pal morro" fue su primera composición, hecha en el año de 1924 como referencia al hábito de los medellinenses de esa época de subir a un cerro cercano, "El volador", para orar ante una imagen del cristo redentor colocada allí. Luego le pone música a uno de sus mayores éxitos, "Las Noches de Agua de Dios", sobre un texto del periodista León Roch quien los envió desde ese sanatorio a Medellín para que uno de los grandes compositores del momento los musicalizara, pues querían presentar el tema, ya en forma de canción, durante un homenaje que se le rendiría a Luis A. Calvo, interno en dicho reclusorio. La idea fue propuesta y los versos fueron presentados a los maestros Gonzalo Vidal y Nicolás Molina, pero ambos declinaron la responsabilidad no sin antes recomendar a Carlos Vieco, "ese muchacho tan entusiasta", para que lo hiciera. El éxito del tema fué sencillamente atronador cuando se estrenó la obra de Vieco con ritmo de danza.

Luego vienen otra interminable serie de títulos famosos como "Triste y Lejano", "Al calor de tu afecto", "Honda pena", "Siempre tienes fría el alma", "Invierno y Primavera", "Plegaria", "Sed", "Raza", "Es ya tarde", "Patasdilo", "Lluvia de plata", "Ruego", "Primavera en Medellín", "Hay que partir", "Raza", "Sin que tú me hicieras nada", "Plegaria al sol", "Estando tan ausente" y muchísimos otros más. Se dice que alcanzó a componer más de 2.000 obras, muchas de las cuales aún siguen inéditas pero afortunadamente conservadas en buena parte por sus herederos.

Era casi una obligación de escritores y poetas el buscar al maestro Vieco para que les musicalizara sus obras, y es así como a muchos, a muchísimos de ellos les musicalizó sus letras.

Deben destacarse sus composiciones sobre textos de los poetas Tartarín Moreira, Santiago "El Caratejo" Vélez, Roberto Muñoz Londoño, etc... Pero con quien hizo la "llave" de mayor resonancia fue con el poeta de Anorí, Antioquia, Pablo Restrepo López, conocido literariamente con el seudónimo de León Zafir. Sobre textos de éste compuso varias de sus más famosas canciones como "Hacia el calvario", "Tierra labrantía", "Cultivando rosas", y otras más.

Recibió múltiples distinciones como "La Cruz de Boyacá", "La Estrella de Antioquia", "La Medalla al Mérito del Instituto Colombiano de Cultura" y otras más. El teatro al aire libre del Cerro Nutibara en Medellín lleva su nombre, también como un homenaje más de la Alcaldía de Medellín a su ilustre hijo y compositor.

"Funmúsica", como homenaje a la memoria del maestro Carlos Vieco Ortiz, ha decidido que sea su nombre y su obra quienes reciban en el año 2000 el homenaje que cada año el "Festival Mono Nuñez" rinde a uno de los grandes de la música colombiana, homenaje que en 1997 se rindió a Benigno Núñez, en 1998 a José Alejandro Morales y en 1999 a Efraín Orozco.

La muerte del Maestro Vieco en Medellín el 13 de septiembre de 1979 produjo hondo duelo nacional.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con dos obras: La noche, en la versión del Coro de Cámara Universidad de Medellín, dirigido por Diana Cárdenas García, y Hacia el Calvario, en la versión de Jorge Marin Vieco, en piano.