John Zorn

John Zorn nació en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1953. Compositor, director, arreglador y productor. Toca saxo, piano, clarinete y theremín. 

El sitio www.milkenarchive.org publicó este artículo firmado por Neil W. Levin. 

Desde mediados de la década de 1970, el compositor, intérprete y productor de discos y conciertos John Zorn ha sido una de las figuras más ilustres y carismáticas asociadas con el mundo vanguardista de la expresión alternativa, experimental, basada en la fusión y la improvisación libre, conocida como la escena musical del "centro" de Nueva York. 

Nacido en la ciudad de Nueva York, Zorn asistió a la Escuela Internacional de las Naciones Unidas y posteriormente al Webster College en San Luis. Allí, entró en contacto con el Black Artists Group (BAG) y la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), que ejercieron una profunda influencia en su trayectoria posterior; y se dedicó al saxofón como su instrumento principal, convirtiéndose en un virtuoso consumado y un innovador destacado en cuanto a sus posibilidades ampliadas. Tras una breve estancia en la Costa Oeste, regresó a Nueva York y comenzó a labrarse un nombre en el estimulante ambiente del centro de la ciudad, un entorno en el que prosperó con naturalidad y cuya dedicación a la participación espontánea y comunitaria y a la improvisación colectiva fomentó y nutrió sus propias inclinaciones. 

Zorn causó revuelo rápidamente con su serie de experimentos sonoros poco convencionales, que en aquella etapa inicial incluían imitar el canto de un pato soplando en cuencos de agua y crear extraños aullidos con una boquilla de saxofón desmontada. Empezó a apropiarse libremente de los sonidos de lo que él denomina el «bombardeo mediático» de nuestra época. Si bien los músicos más convencionales podrían lamentar la avalancha de ruidos industriales, cacofonías comerciales y sonidos electrónicos que impregnan nuestro entorno, Zorn los acoge como influencias inspiradoras y parámetros extra musicales en sus composiciones. Prácticamente todos los sonidos, cualquiera que sea su origen, se han convertido, en principio, en presa fácil para su manipulación e incorporación musical. 

El trabajo experimental de Zorn con el rock y el jazz, especialmente en fusiones con otros géneros y estilos, ha atraído a un grupo de seguidores fieles que se ha caracterizado como un culto. Pero en conjunto, su obra se nutre de una variedad mucho más amplia de su experiencia, que incluye formas clásicas, hardcore y punk rock, música de bandas judías de Europa del Este, tradiciones étnicas no occidentales y música de cine, dibujos animados, popular e improvisada, además del jazz tradicional. Él reconoce que una selección de fuentes artísticas impulsó su desarrollo inicial: innovadores estadounidenses dentro del molde de la música culta, como los compositores Charles Ives, Elliott Carter, John Cage y Harry Partch; la etapa del siglo XX de la tradición europea manifestada en la Segunda Escuela de Viena (Schoenberg, Berg y Webern), así como la obra de Stravinsky, Boulez y Kagel; jazz y rock experimental; y teatro, cine, artes visuales y literatura de vanguardia. Como los compositores del centro de la ciudad en general, su música desafía las categorías convencionales o académicas. Pero quizás incluso más que sus contemporáneos de ese mundo, Zorn ha cultivado una expresión irreverente e intensamente idiosincrásica que a menudo disuelve las fronteras entre los estilos previamente establecidos, difuminando la distinción entre la composición tradicionalmente entendida en el sentido occidental (es decir, el desarrollo musical organizado y luego anotado) y la improvisación. Y con frecuencia ha erosionado la distinción entre grabación e interpretación en vivo. De hecho, algunas de sus piezas se adaptan mejor al estudio de grabación como medio, donde pueden ensamblarse poco a poco, momento a momento, evento a evento y gesto a gesto. 

Resulta particularmente curioso que Zorn reconozca con orgullo su deuda con las bandas sonoras de dibujos animados y sus compositores, cuyo universo sonoro, según afirma, es similar al suyo: «Eso proviene de todas las películas y series de televisión que vi de niño». La revista Keyboard llegó a decir que su música se parecía a «bandas sonoras de películas que nunca se hicieron». 

Un salto significativo hacia el éxito comercial llegó con el lanzamiento en 1986 del álbum de Zorn, The Big Gundown, que incluía arreglos de música del compositor de cine italiano Ennio Morricone. Como en varias piezas posteriores, empleó bloques de sonido autónomos que alternaban abruptamente entre estilos, timbres y fuentes sonoras contrastantes. Anotaba estos parámetros en fichas para introducir estructura en la improvisación colectiva, que de otro modo sería libre. De ahí el nombre de "piezas de fichas", por las fichas que contienen sus ideas musicales anotadas (a las que llama "momentos musicales"), las cuales luego se clasifican y ordenan como instrucciones sugeridas para los demás intérpretes. Esto se convirtió en una de sus primeras señas de identidad. En sus "piezas de juego" improvisadas, esa estructura, por ejemplo, se proporciona utilizando las fichas para guiar la interacción de los intérpretes, sin especificar el material musical preciso de cada parte. 

Entre las grabaciones más destacadas de Zorn de la década de 1980 se encuentran Archery, una serie de improvisaciones con toques electrónicos; Ganryu Islands, duetos entre Zorn con instrumentos de viento y el intérprete japonés de shamisen Michihiro Sato; y Spillane, cuyo tema principal está inspirado en la música de las películas de serie B de las populares películas de detectives de Mickey Spillane de la década de 1950. Durante la década de 1980, el crítico John Rockwell, de The New York Times, citó a Zorn como el compositor más interesante, importante e influyente surgido de la vanguardia del centro de Manhattan desde Steve Reich y Philip Glass. «Lo que ellos [Reich y Glass] fueron para la década de 1970», escribió Rockwell, «él [Zorn] lo es para la década de 1980». Zorn siguió componiendo y grabando prolíficamente, y para celebrar su cuadragésimo cumpleaños, en 1993, ofreció una serie de conciertos durante un mes, cada uno con música distinta, en el Knitting Factory, que para entonces se había convertido en el punto neurálgico de la música del centro de la ciudad. 

Aunque judío de nacimiento, Zorn no había estado involucrado previamente con la cultura judía, ni religiosa ni secular, pero a principios de la década de 1990 comenzó a explorar sus raíces judías en su música, en el contexto de su propia estética en constante evolución. Su primera composición que abordaba temas judíos fue Kristallnacht (1992), una obra relacionada con el Holocausto inspirada en el recuerdo del pogromo orquestado en todo el Tercer Reich los días 9 y 10 de noviembre de 1938, que, tras cinco años de creciente persecución, se convirtió en el preludio del eventual intento de Alemania de aniquilar por completo a los judíos europeos. Una mezcla de canciones y elementos sonoros dispares que ha sido calificada como un "brutal retrato sonoro del Holocausto" —que abarca desde referencias a melodías folclóricas judías tradicionales hasta ruidos caóticos, discordantes, violentos, estridentes e incluso ensordecedores—, la grabación contenía una advertencia provocativa en su carátula sobre sus extremos de alta frecuencia en los límites de la audición humana y más allá: "No se recomienda la escucha prolongada o repetida, ya que puede provocar daños auditivos temporales o permanentes". 

También en la década de 1990, Zorn, junto con Marc Ribot, formuló una nueva iniciativa llamada Cultura Judía Radical, cuyo propósito declarado es extraer, exponer e iluminar elementos que él percibe como componentes judíos de la cultura estadounidense. Sin embargo, no todas esas percepciones subjetivas sobre lo que puede constituir componentes judíos son necesariamente compartidas ni por los críticos culturales o sociales judíos convencionales (incluidos los razonablemente liberales) ni por los artistas con formación judaica. 

Sin embargo, temas judíos reales han inspirado algunas de las obras más admirables de Zorn, algunas de las cuales integran aspectos de melodías judías auténticas de diversas fuentes. Piezas de cámara improvisadas, como Bar Kokhba e Issachar, contienen ecos de la vida judía de Europa del Este de antes de la guerra y exploran comparaciones entre el jazz y la música folclórica judía instrumental. Su célebre conjunto, Masada (una de sus varias bandas), toma su nombre de la fortaleza en la meseta sobre el Mar Muerto en Israel, donde un grupo fanático de zelotes protagonizó una última resistencia contra Roma y, según una leyenda que ha sido objeto de una reevaluación histórica en los últimos años, cometió suicidio colectivo (que, al menos en el caso de los niños, debe considerarse homicidio) en lugar de rendirse. Ha compuesto más de 100 «melodías de Masada» para el grupo. Otro conjunto, Bar Kokhba —un sexteto que lleva el nombre del líder rebelde judío que organizó una revuelta fallida contra la autoridad romana en el año 132 d. C.— se formó en 1996 y continúa prosperando. 

El enfoque compositivo de Zorn ha sido descrito como «caleidoscópico» debido a la forma en que muchas de sus piezas presentan destellos fugaces y sin relación entre sí, de elementos sonoros inconexos, gestos y series de momentos musicales, todo ello en un flujo vertiginoso de información sonora. Su música, que puede parecer saltar de una idea a otra y de un estilo a otro en abstracciones destiladas, sin apenas desarrollo, puede tener un aire hipercinético. Al comienzo del nuevo milenio, cuando su reputación como el «chico malo» de la vanguardia ya estaba firmemente establecida, sus obras ya habían aparecido en más de sesenta grabaciones. 

No todas las obras de Zorn son completamente improvisadas. Sus composiciones escritas han sido encargadas e interpretadas por conjuntos y artistas de renombre como la Filarmónica de Nueva York, el Cuarteto Kronos, la Orquesta de Vientos de los Países Bajos, la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia y la Ópera Estatal de Baviera. Su propio sello discográfico, Tzadik (palabra hebrea que significa líder espiritual justo, generalmente en contextos jasídicos), en el que aparece su música, también ha incluido obras de autores con una sólida formación académica, ajenos a la estética del centro de la ciudad, como Charles Wuorinen. 

No siempre resulta evidente hasta qué punto la retórica de Zorn debe tomarse en serio, hasta qué punto debe interpretarse con escepticismo o hasta qué punto su propósito radica en su capacidad de generar impacto. Sin embargo, a pesar de todos los cuestionamientos a sus teorías sobre la música o la identidad judías, su talento musical es innegable. «Con toda justicia se le puede considerar un músico "serio"», escribió Rockwell, «tan serio e importante como cualquiera de su generación». 

Por: Neil W. Levin 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Karaim. John Zorn, composición, saxofón, dirección; Marc Ribot, en guitarra; Kenny Wollesen, en vibráfono; Jamie Saft, en teclados; Trevor Dunn, en bajo; Cyro Baptista, en percusión; y Joey Baron, en batería.  

Garth Hudson

Eric Garth Hudson, más conocido como Garth Hudson, nació en Windsor, Ontario, Canadá, el 2 de agosto de 1937, y murió en Woodstock, Nueva York, Estados Unidos, el 21 de enero de 2025. Multi instrumentista. Tocaba Órgano, piano, teclados, sintetizador, acordeón, saxo y melódica. 

El sitio www.magicpopblog.wordpress.com publicó este recordatorio. 

Garth Hudson, el último componente original de The Band 

Eric «Garth» Hudson nació el 2 de agosto de 1937 en Windsor, Ontario, Canadá y falleció el 21 de enero de 2025 en Woodstock, Nueva York. Multi instrumentista canadiense, fue el teclista y saxofonista ocasional de The Band, con el que fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1994. Era el último miembro original que quedaba. Maestro del órgano Lowrey, tocaba el piano, el acordeón, los teclados electrónicos y los saxos. Tocó con muchos en el estudio o en vivo, formó Burrito Deluxe y tuvo un proyecto a su nombre. 

Hijo de músicos, su familia se mudó a London, Ontario, alrededor de 1940. Comenzó a tomar lecciones de piano mientras tocaba el órgano en su iglesia y en la funeraria de su tío, e interpretaba canciones country al acordeón. Con formación clásica, escribió su primera canción a la edad de once años y tocó por primera vez profesionalmente con bandas en 1949, a la edad de doce años. Asistió a la escuela pública Broughdale y a la escuela secundaria Medway antes de estudiar música en la Universidad de Western Ontario. Durante este período, se sintió cada vez más frustrado por la rigidez del repertorio clásico, lo que lo llevó a abandonarlo tras un año. 

En 1956 se unió a la banda londinense Silhouettes. El grupo se mudó a la zona de Windsor/Detroit donde en 1958 se unieron a su compatriota londinense Paul «London» Hutchins y se convirtieron en Paul London and the Capers. Hudson tocaba principalmente el saxofón y algo de piano. Vio un órgano Lowrey en un concierto en Detroit y decidió que tendría uno. El grupo tuvo un éxito moderado y mucho trabajo, grabando algunas canciones en Toronto en 1960. Cambiaron su nombre a Kapers con K, grabando algunas canciones más en los Chess Studios en Chicago. 

Ronnie Hawkins y Levon Helm se acercaron a Hudson en el verano de 1961, después de un concierto de Kapers en Londres, y le pidieron que se uniera a los Hawks, una oferta que él rechazó. Los Hawks insistieron y en diciembre de 1961, Hudson aceptó unirse a la banda con dos condiciones: que Hawkins le comprara un órgano Lowrey y que cada uno de los otros miembros de la banda le pagara 10 dólares extra por semana a cambio de darles lecciones de música. De este modo convenció a sus padres quienes temían que estuviera perdiendo el tiempo tocando en una banda de rock and roll. Cuando Hudson, de 24 años, se unió a los Hawks, la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkins, estaba formada por Levon Helm, de 21 años (batería n. 1940 – d. 2012), y Robbie Robertson, de 18 años (guitarra n. 1943 – d. 2023), Rick Danko (bajo n. 1943 – d. 1999) y Richard Manuel (piano n. 1943 – d. 1986). La formación que se convertiría en The Band estaba completa. 

Hudson fue uno de los pocos organistas del rock and roll y el rhythm and blues que evitó un órgano Hammond. Al unirse a los Hawks, Hudson aprovechó la oportunidad para negociar la compra de un órgano Lowrey como parte de su compensación. Bajo la estricta supervisión de Hawkins, los Hawks se convirtieron en una banda compenetrada. Se separaron de Hawkins en 1963, grabaron dos sencillos y realizaron giras casi continuamente, tocando en bares y clubes, generalmente anunciados como Levon and the Hawks. Hudson comenzó a trabajar como músico de sesión en 1965, tocando en “So Many Roads” de John Hammond, Jr. junto con Robertson (guitarra) y Helm (batería). 

En agosto de 1965, la asistente del mánager Albert Grossman, Mary Martin, les presentó a Bob Dylan. En octubre, Dylan y The Hawks grabaron el sencillo «Can You Please Crawl Out Your Window?»  y en enero de 1966 grabaron material con Dylan para lo que se convertiría en el álbum “Blonde on Blonde”. Dylan reclutó a la banda para que lo acompañara en su controvertida gira «eléctrica» de 1966 por los Estados Unidos, Australia y Europa. Tras el accidente de moto de Bob Dylan en julio de 1966, el grupo se instaló en West Saugerties, Nueva York, cerca de Woodstock. Allí grabaron con Dylan “The Basement Tapes”. 

En 1968, The Band grabó su álbum debut, “Music from Big Pink” en Los Ángeles (en Capitol) y Nueva York (en A&R Studio). Capitol anunció originalmente que el grupo se llamaría Crackers, pero cuando se lanzó “Music From Big Pink” se les llamó oficialmente Band, l banda que es como les llamaban en el pueblo donde se habían instalado. El álbum incluye la presentación del órgano de Hudson, «Chest Fever», una canción que en los directos se ampliaría enormemente con una introducción de órgano solista, titulada «The Genetic Method», una obra improvisada que se tocaría de manera diferente en cada actuación. Hudson también era experto en acordeón y lo tocó en algunas de las grabaciones del grupo, como «Rockin Chair» de The Band, el tradicional «Ain’t No More Cane», de The Basement Tapes; «When I Paint My Masterpiece» de Dylan; y «Down South in New Orleans» de Bobby Charles durante el concierto de “The Last Waltz”. Su trabajo solista al saxofón se puede escuchar en canciones como «Tears of Rage» (de Big Pink) y «Unfaithful Servant» (de The Band). Se le atribuye el haber tocado todos los instrumentos de viento y metal en la versión de estudio de «Ophelia» del álbum de 1975 “Northern Lights – Southern Cross”. En ese álbum, el primero que se grabó en el estudio de grabación Shangri-La de la banda en Malibú, California, Hudson también añadió sintetizadores a su arsenal de instrumentos. 

The Band hizo su última presentación como banda mediante un concierto final el Día de Acción de Gracias de 1976 en el Winterland Ballroom de San Francisco, un concierto tributo repleto de estrellas documentado en “The Last Waltz”. Lanzaron un álbum más después de “The Last Waltz”, Islands, y luego se disolvieron. Hudson se había casado con su esposa cantante y actriz, Maud. Tenía su propia propiedad, Big Oak Basin Dude Ranch, en Malibú, que fue destruida por los incendios forestales en 1978. 

Continuó como músico de sesión actuando en bandas sonoras de películas y álbumes de muchos otros artistas como Emmylou Harris, Van Morrison (Wavelength) y Leonard Cohen (Recent Songs). Compuso música para Our Lady Queen of the Angels, un espectáculo multimedia creado para el bicentenario de Los Ángeles en 1980. A principios de los años ochenta acompañó a The Call en uno de sus álbumes y apareció con ellos en un video musical que se emitió en MTV. 

The Band se reformó en 1983, con todos los miembros originales excepto Robbie Robertson. Richard Manuel, que había vivido en el rancho de Hudson en 1978, se suicidó en 1986. Con una lista rotativa de músicos, la banda siguió de gira, lanzando tres álbumes en la década de los noventa. 

En 1988, Hudson grabó «Feed the Birds» para “Stay Awake: Various Interpretations of Music from Vintage Disney Films”, producido por Hal Willner. En 1990, tocando el acordeón y el saxofón soprano, junto con sus compañeros de banda Levon Helm y Rick Danko, que armonizaban con los vocalistas, participaron en la interpretación de “The Wall” de Roger Waters en el Muro de Berlín. Como miembro de The Band, Hudson fue incluido en el Salón de la Fama de Juno en 1989 y en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1994. 

También tocaría en varios trabajos en solitario de sus compañeros de banda Rick Danko, Levon Helm y Robbie Robertson. 

Lanzó su primer álbum en solitario, “The Sea to the North”, el 11 de septiembre de 2001. En 2002 tuvo problemas financieros, pero continuó grabando y actuando. El 13 de julio de 2002, fue honrado con el premio a la trayectoria de la Sociedad de Blues del Sur de Canadá. En 2002 se unió al músico de pedal steel de Flying Burrito Brothers, Sneaky Pete Kleinow, para formar Burrito Deluxe, con Carlton Moody de los Moody Brothers como voz principal y guitarras, el bajista Jeff «Stick» Davis de Amazing Rhythm Aces y el baterista Rick Lonow. El grupo grabó dos álbumes, “Georgia Peach” y “The Whole Enchilada”, antes de que Kleinow se marchara en 2004 debido a problemas de salud. 

¡En 2005 Hudson formó su propia banda The Best!, con su esposa, Maud (que murió el 28 de febrero de 2022), como vocalista. Ese mismo año, Garth y Maud Hudson lanzaron “Live at the Wolf”, un álbum de piano y voz grabado en vivo en el Wolf Performance Hall en London, Ontario. El 20 de noviembre de 2005, Hudson recibió el premio Hamilton Music Award al mejor instrumentista. Como músico de sesión, colaboraría con Neko Case, Chris Castle, Teddy Thompson, The Secret Machines, The Sadies, The Lemonheads, Jonah Smith, Yesterday’s News, Billy the Kid y otros. En 2010, Hudson lanzó “Garth Hudson Presents: A Canadian Celebration of the Band” con versiones de canciones grabadas por The Band. En 2023 actuó en Kingston, Nueva York, en el Flower Hill House Concert No. 6, donde tocó «Sophisticated Lady» de Duke Ellington. Murió el 21 de enero de 2025 en una residencia de personas de edad avanzada en Woodstock, Nueva York. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Up On Cripple Creek. 

Daniel Ash

Daniel Gaston Ash nació en Northampton, Northamptonshire, Reino Unido, el 31 de julio de 1957. Compositor y cantante. Toca guitarra, teclados y saxo. 

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía. 

Miembro fundador de las innovadoras bandas Bauhaus, Tones on Tail y Love and Rockets, el guitarrista, cantante y compositor Daniel Ash se distinguió en el mundo del rock alternativo durante las décadas de 1970, 1980 y 1990. Ash nació en Northampton, Inglaterra, el 31 de julio de 1957. De niño, escuchó "Bits and Pieces" de Dave Clark Five y quedó impresionado por el potente eco de la canción, pero no fue el primer sencillo que compró: "El primer disco que compré fue 'Double Barrel' de Dave & Ansel Collins ", recuerda. Impulsado por su amor al rock & roll, Ash comenzó a tocar en bandas de versiones: "Mi primer concierto fue en el Glasgow Rangers Workman's Club". Aquel concierto terminó en una trifulca. Ash se hizo amigo de Peter Murphy en su adolescencia: "Éramos dos bichos raros en la clase que no encajábamos". Ash fue a la escuela de arte y Murphy empezó a trabajar en una imprenta. Se reencontraron cinco años después y Ash sugirió formar una banda. 

Improvisando un espacio de ensayo, Ash tocó un blues de 12 compases con eco, mientras Murphy cantaba una serie de artículos periodísticos. "Después de 15 segundos", dice Ash, "supe que tendríamos algún tipo de éxito. Cuatro semanas después, formamos Bauhaus y grabamos 'Bela Lugosi's Dead'". Esa canción, publicada en 1979, se convirtió en la piedra angular del movimiento del rock gótico. Después de casi cinco años de grabaciones y actuaciones pioneras, Bauhaus se separó y Ash formó Tones on Tail con el baterista de Bauhaus, Kevin Haskins. Después de varios EP, el álbum completo Pop y un éxito en clubes con "Go!", el grupo se transformó en la influyente banda Love and Rockets en 1985, cuando el bajista de Bauhaus, David J, se unió a ellos. La banda se convirtió en una de las bandas alternativas más importantes de los años 80, publicando álbumes aclamados como Express de 1986 y Earth, Sun, Moon de 1987, y finalmente disfrutando de un éxito mundial que alcanzó el Top Ten con "So Alive" en 1989. 

Mientras que el primer álbum en solitario de Daniel Ash, Coming Down, fue una reflexión melancólica y nocturna escrita tras un divorcio, Foolish Thing Desire, su segundo álbum, fue una celebración de los peligros y placeres de la vida, grabado en Woodbine Street Studios con su colaborador de 오랜 años, John A. Rivers. Es esencialmente positivo, presentando una avalancha de riffs de rock apasionados y potentes. En 2002, Ash lanzó un álbum homónimo que coqueteaba con la música electrónica de baile, al que siguió tres años después un álbum en directo, Come Alive. En 2008, Ash vería las reuniones de sus dos bandas principales: Bauhaus lanzó Go Away White, su primer álbum de estudio en 25 años, y Love & Rockets se reunió para tocar en el famoso Festival de Música y Artes de Coachella. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con This Love.  

Hank Mobley

Henry Mobley, más conocido como Hank Mobley, nació en Eastman, Georgia, Estados Unidos, el 7 de julio de 1930, y murió en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 30 de mayo de 1986. Saxofonista y compositor. 

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio. 

El saxofonista Hank Mobley (Eastman, Georgia, 7 de julio de 1930 – Filadelfia, 30 de mayo de 1986), no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores más sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y más tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. 

Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: «Horace Silver and the Jazz Messengers»; Mobley entró en los «Jazz Messengers» del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ese quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach). 

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles. 

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: «The Hank Mobley Quartet», hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: «Soul Station» con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: «Dippin'» grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el último disco importante del músico. En «Dippin» tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venía pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos más importantes en la batería del jazz contemporáneo. 

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Soft Impression.  

Joey Dee

Joseph Di Nicola, más conocido como Joey Dee, nació en Passaic, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de junio de 1940. Cantante, compositor, saxofonista y actor.   

El sitio www.en.wikipedia.org publicó este artículo. 

Joey Dee and the Starliters (también conocidos como Joey Dee and the Starlighters ) es un grupo de música popular estadounidense. El grupo es más conocido por su grabación millonaria "Peppermint Twist" (1961). La formación más destacada del grupo es considerada Joey Dee, David Brigati, Larry Vernieri (voz), Carlton Lattimore (órgano), Sam Taylor (guitarra) y Willie Davis (batería). Jimi Hendrix y Joe Pesci tocaron la guitarra con el grupo en diferentes momentos en la década de 1960. 

Primeros sencillos 

Con el vocalista principal Rogers Freeman, el primer sencillo de Joey Dee and the Starliters fue "Lorraine", con "The Girl I Walk To School" en la cara B, en 1958, distribuido por la compañía Little. Ese mismo año, Joey Dee reclutó a David Brigati para el grupo tras conocerlo durante un concierto en la escuela secundaria Garfield en Nueva Jersey. David y Joey compartirían posteriormente las voces principales de los Starliters, y Joey se convertiría finalmente en el vocalista principal. Otro de los primeros sencillos del grupo fue "Face of an Angel", con David como vocalista principal, lanzado por Scepter Records; la cara B era "Shimmy Baby". Posteriormente, la compañía Scepter también lanzó un álbum titulado The Peppermint Twisters, acreditado a "Joey Dee and the Starlighters". 

Los años sesenta 

En 1960, el agente Don Davis descubrió a los Starliters mientras actuaban en el club nocturno Oliveri's de Lodi, Nueva Jersey. El grupo fue contratado para tocar en el Peppermint Lounge, un local íntimo en la calle 45 de Nueva York, en lo que se suponía que sería una actuación única de fin de semana. Durante su primera presentación en el club, la actriz Merle Oberon y el príncipe Serge Oblinski bailaron allí gran parte de la noche, según informaron a la mañana siguiente los columnistas Earl Wilson y Cholly Knickerbocker. La noche siguiente, se necesitaron barricadas y policía montada para contener a la multitud, que llegaba hasta Broadway, y durante varios meses, la locura continuó en el Lounge. Celebridades como Judy Garland, John Wayne, Jackie Kennedy, Nat "King" Cole, Shirley MacLaine, Tennessee Williams, Truman Capote y Liberace siguieron apareciendo por el local. Dee y compañía fueron tal sensación que se convirtieron en la banda residente del Peppermint Lounge durante más de un año. Dee escribió "Peppermint Twist", junto con el productor Henry Glover, como un homenaje al salón y la canción alcanzó el número uno en las listas de éxitos de EE. UU. a principios de 1962. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. Para entonces, el equipo había firmado un contrato con Roulette Records. 

Dee en 1962 

En 1961, Joey Dee y los Starliters filmaron la película Hey, Let's Twist, protagonizada por Jo Ann Campbell y Teddy Randazzo, para Paramount Pictures. Hey, Let's Twist era una historia ficticia de Joey Dee (Randazzo y Dino DiLuca interpretaron los papeles del hermano y el padre de Joey, respectivamente) y el Peppermint Lounge; su lanzamiento capitalizó la moda del twist del momento y convirtió al Lounge, antes desconocido, en famoso. La película y el álbum de la banda sonora contribuyeron a que el Peppermint Lounge se convirtiera en un local de fama mundial. Los sencillos exitosos que surgieron de Hey, Let's Twist fueron la canción que da título al álbum y "Shout, Part I", que se convirtió en el segundo disco más vendido del grupo, alcanzando el número seis en la lista de éxitos de Estados Unidos. También vendió un millón de copias, lo que le dio al grupo su segundo disco de oro. Otros álbumes publicados durante este tiempo fueron Doin' The Twist at the Peppermint Lounge, que fue grabado en vivo en el local, y All The World's Twistin' With Joey Dee & the Starliters (1961).  

En 1962, Joey Dee y los Starliters protagonizaron su segunda película, Two Tickets to Paris, junto con Gary Crosby, Jeri Lynne Fraser y Kay Medford. Una de las canciones de esta película, "What Kind Of Love Is This", escrita por Johnny Nash, fue lanzada en septiembre de ese año y alcanzó el Top Twenty. En diciembre de 1962, los Starliters originales hicieron su última sesión de grabación como grupo, produciendo "Help Me Pick Up the Pieces", también compuesta por Nash, y "Baby, You're Driving Me Crazy", escrita por Joey Dee y Henry Glover. En 1963, Joey Dee grabó un álbum titulado Dance, Dance, Dance, con las Ronettes como su grupo de acompañamiento. Durante la primavera de ese año, Roulette lanzó la canción "Hot Pastrami with Mashed Potatoes", del álbum en vivo previamente publicado, como un sencillo de dos partes; el disco llegó al Top Forty de EE. UU. Roulette lanzó más tarde "Ya Ya" y "Fannie Mae" del mismo álbum. También en 1963, el exeditor de Mersey Beat, Bill Harry, cita en las notas de la carátula del CD de 2004, The Early Tapes Of The Beatles, que el grupo fue la banda de acompañamiento en la canción Ruby Baby de Tony Sheridan, aunque esto no ha sido verificado por ningún miembro. La canción ha sido ampliamente reeditada en varias versiones de las grabaciones de los Beatles en Hamburgo. Durante octubre y noviembre de 1963, los Starliters giraron por Europa, ofreciendo una noche extraordinaria en Estocolmo con los Beatles (que ya eran la banda más grande del norte de Europa) como teloneros. En 1964, Joey Dee salió de gira con varios Starliters, incluidos los futuros Young Rascals Gene Cornish, Felix Cavaliere y el hermano de David, Eddie Brigati.  

Jimi Hendrix y Joe Pesci tocaron la guitarra con el grupo en diferentes momentos en la década de 1960.  

Historia posterior 

Dee continuó grabando y publicando grabaciones en solitario desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 1970, incluyendo una canción que escribió con los miembros originales de Starliters, David Brigati y Larry Vernieri, titulada "How Can I Forget", que fue lanzada bajo el nombre de Joey Dee and the New Starliters.  

En 2001, el grupo apareció en un programa especial de PBS, Rock, Rhythm and Doo-Wop, y en 2005 participaron en el teletón de Jerry Lewis para la distrofia muscular. 

En 2009, Joey Dee and the Starliters estaba formado por Dee, quien a veces actuaba con Bobby Valli (hermano de Frankie Valli) y el miembro original de Starliters, David Brigati, y otras veces con los miembros originales de Soul Survivors, Charlie y Richie Ingui. Los tres cantantes lideraban el grupo interpretando sus propios éxitos, así como versiones de otros artistas. El hijo de Joey, Ronnie DiNicola, solía tocar el saxofón y hacer los coros para su padre. 

Dee ha residido durante mucho tiempo en el condado de Pinellas, en Florida. 

El 19 de septiembre de 2010, se dedicó una esquina de una calle en honor a la banda en su ciudad natal de Passaic, Nueva Jersey. La firma de la calle tuvo lugar en la esquina de Washington Place y Columbia Ave. 

En 2021, Joey Dee publicó su autobiografía, titulada Peppermint Twist Chronicles: My True Story of Sex, Rock n' Roll, Jimi Hendrix, Fighting Racism, and the Mob (Crónicas de Peppermint Twist: Mi verdadera historia de sexo, rock n' roll, Jimi Hendrix, la lucha contra el racismo y la mafia). Las memorias de Dee fueron coescritas por J. Kevin Morris. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Peppermint Twist.   

Kenny G

Kenneth Bruce Gorelick, más conocido como Kenny G, nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 5 de junio de 1956. Saxofonista, compositor y productor. 

El sitio www.kennyg.com publicó este recordatorio. 

Kenny G 

Kenny G es el músico instrumental con mayores ventas de la era moderna y uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos. Con ventas globales que superan los 75 millones de discos y 1.500 millones de reproducciones, este ícono del saxofón ha acumulado la asombrosa cifra de 24 nominaciones a premios a lo largo de sus 50 años de carrera y ha ganado un premio Grammy, un American Music Award, dos premios NAACP, múltiples premios Billboard y dos premios Soul Train Music Awards. Con álbumes de estudio clásicos y superventas, incluyendo el disco instrumental más vendido de todos los tiempos con Breathless (12 veces platino) de 1992, Duotones, Silhouette, Miracles: The Holiday Album, Heart and Soul y Brazilian Nights, Kenny ha mantenido un nivel destacado de excelencia creativa a través de décadas de éxito comercial mundial sin precedentes. La música de Kenny G se ha convertido en parte del tejido cultural global. Su canción “Going Home” se reproduce tradicionalmente al final de cada día para indicar la hora de cierre en toda Asia, especialmente en China, y goza de una enorme popularidad en Vietnam. La clave de estos logros reside en la capacidad de Kenny para transmitir una profunda resonancia emocional con su saxofón, una habilidad que se hace más evidente que nunca en Innocence, su vigésimo álbum de estudio, un homenaje a las sentidas canciones de cuna que incluye siete temas originales. Sin dar señales de detenerse, Kenny G continúa expandiendo los límites de lo que la música instrumental y los músicos pueden lograr. 

La relevancia de Kenny en la cultura pop ha trascendido el género del jazz. Recientemente, hizo un cameo en la película de Disney+ de 2025, A Very Jonas Christmas Movie, apareciendo como él mismo, interpretando un solo de saxofón durante "Coming Home This Christmas". En los últimos años, Kenny se ha volcado en internet con entusiasmo, ya que nuevas generaciones de oyentes han descubierto su música y artistas contemporáneos de casi todos los géneros, desde The Weeknd hasta Jon Batiste, lo han incluido en sus canciones, en videos musicales e incluso hizo una aparición sorpresa en los últimos MTV Video Music Awards, abriendo el espectáculo con una actuación en vivo con Doja Cat en su sencillo "Jealous Type". Otras campañas mundiales destacadas incluyen comerciales para Invesco, Google Pixel, Snickers, Audi y un anuncio del Super Bowl para "Voice of the Mountains" de Busch Light, enfatizando el sabor "suave" de la marca con Kenny tocando solo en la cima de una montaña.  

“Sé cómo componer una melodía y puedo ponerme en el estado mental adecuado para crear lo que quiero crear.” 

— Kenny G 

Kenny publicó sus esperadas memorias, Life in the Key of G, y se convirtió en el protagonista del documental de HBO de Penny Lane, Listening To Kenny G. El libro es conmovedor, divertido y fascinante, y narra cómo el delgado Kenneth Gorelick, el chico al que le pedían dinero para el almuerzo en una escuela secundaria de Seattle, se convirtió en uno de los virtuosos más célebres y venerados de la industria musical. Revela cómo ha logrado superar las dificultades, ignorar a los críticos y vivir una vida llena de felicidad y humor.  

El saxo soprano de Kenny G, ícono cultural con múltiples discos de platino, eleva, relaja y evoca una nostalgia auditiva de primer orden. Sus publicaciones en redes sociales, sus apariciones sorpresa en la cultura pop y su exitoso canal de Cameo lo han mantenido a él y a su contenido virales. Con humor y alegría genuina, Kenny G sigue disfrutando de su estatus icónico, divirtiéndose con quien es y con lo que hace, y haciéndolo con maestría. 

Kenny G continúa de gira por todo el mundo y actualmente se encuentra de gira por Estados Unidos.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Silhouette.  

John Fogerty

John Cameron Fogerty nació en Berkeley, California, Estados Unidos, el 28 de mayo de 1945. Cantante, compositor, productor y multi instrumentista. Toca guitarra, batería, piano, armónica y saxo.   

El sitio www.johnfogerty.com publicó su biografía. 

John Fogerty es un verdadero tesoro estadounidense. Como líder de Creedence Clearwater Revival (CCR), Fogerty forjó un sonido distintivo e innovador, una mezcla de blues, country, pop, rockabilly, R&B, swamp boogie y rock 'n' roll sureño, todo ello unido por su singular y evocadora perspectiva lírica. Fogerty es ganador de un premio Grammy y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y en el Salón de la Fama de los Compositores. Es el único músico en ser incluido en el Salón de la Fama del Béisbol por su canción "Centerfield", un himno en los estadios de béisbol de todo el país. Entre los muchos éxitos de Fogerty, que han vendido más de 100 millones de discos, tanto como solista como líder de CCR, destacan "Proud Mary", "Susie Q", "Fortunate Son", "Born on the Bayou", "Bad Moon Rising" y "Have You Ever Seen the Rain", entre muchos otros. 

En 2019, Fogerty celebró sus 50 años en la música con una gira mundial con su espectáculo "My 50 Year Trip". El 8 de noviembre de 2019 se lanzó el álbum "50 Year Trip: Live at Red Rocks", que incluye una colección de éxitos de Creedence Clearwater Revival, entre ellos canciones del repertorio de su actuación en el legendario festival de música de Woodstock en 1969, entre otros temas favoritos de los fans. 

En abril de 2020, mientras se encontraban en cuarentena juntos, la familia Fogerty —compuesta por John, sus hijos Shane y Tyler, y su hija Kelsy— se reunió en su estudio casero para tocar música. Comenzó una serie de videos semanales que se hizo tan popular que se lanzó un EP digital, Fogerty's Factory, a través de BMG el día del cumpleaños de Fogerty, el 28 de mayo de 2020. El álbum completo Fogerty's Factory, con una versión extendida, se lanzó el 20 de noviembre de 2020. En diciembre de ese mismo año, Chronicle Vol. 1 de Creedence Clearwater Revival alcanzó el hito de permanecer más de 500 semanas en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el octavo álbum en lograrlo. A principios de enero de 2021, Fogerty lanzó su primera canción original en solitario en ocho años, "Weeping in The Promised Land". La canción es la retrospectiva definitiva de Fogerty sobre el año 2020, sirviendo en última instancia como un emotivo homenaje a quienes se vieron afectados por la pandemia, así como a quienes sufrieron prejuicios e injusticias, con la mirada puesta en días mejores por venir. 

Fogerty se asoció recientemente con Concord para el lanzamiento oficial de Creedence Clearwater Revival At The Royal Albert Hall a través del sello Craft Recordings. Más de 50 años después del legendario concierto de 1970, las cintas multipista originales fueron meticulosamente restauradas y mezcladas por el productor ganador del premio GRAMMY®, Giles Martin, y el ingeniero Sam Okell. El documental que lo acompaña lleva a los espectadores desde los primeros años de CCR juntos en El Cerrito, California, hasta su meteórico ascenso a la fama, y es la única grabación de un concierto de la formación original de CCR que se ha lanzado en su totalidad. 

En 2023, Fogerty, compositor de canciones icónicas que han inspirado a generaciones —como «Proud Mary», «Down on the Corner», «Fortunate Son», «Bad Moon Rising» y «Have You Ever Seen the Rain», entre muchas otras— adquirió la mayoría de los derechos de publicación mundiales de su histórico catálogo musical de Concord. Para John, estas composiciones han sido un sueño de décadas y una misión personal. Durante años, los derechos de autor de las canciones clásicas de Fogerty pertenecieron a Saul Zaentz, propietario de Fantasy Records, quien vendió el sello y su cartera editorial al antiguo Concord Music Group en 1995. Fogerty, que se desvinculó de Fantasy en 1974, volvió a firmar con el sello tras su compra por Concord. Aun así, no había podido obtener la propiedad de sus canciones, hasta ahora. 

“Desde enero, vuelvo a ser dueño de mis canciones. Creí que esto nunca sería posible. Después de 50 años, por fin me reencuentro con ellas. Además, tengo voz y voto sobre dónde y cómo se utilizan. Hasta este año, nunca había podido hacerlo. ¡Tengo muchas ganas de salir de gira y celebrar este año! Quiero agradecer a Concord por haber hecho posible todo esto. Y estoy entusiasmado con las nuevas ideas y el renovado interés por mi música… como un renacimiento”, dijo John Fogerty. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Centerfield.  

Michael Brecker

Crédito: Jos L. Knaepen 

Michael Brecker nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 29 de marzo de 1949, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 13 de enero de 2007. Compositor y multi instrumentista. Tocaba principalmente saxo tenor, ocasionalmente saxo soprano, flauta, piano y batería. 

El sitio www.selmer.fr publicó este recordatorio.   

Michael Brecker 

Michael Brecker fue, sin duda, el saxofonista tenor más influyente de la era posterior a Coltrane . Al integrar elementos funk y pop en la herencia coltraniana, allanó el camino para una nueva generación de saxofonistas. 

"Su forma de tocar el saxofón estableció un nuevo estándar para el jazz, el R&B y el pop." Bob Mintzer  

Nacido en 1949 en Filadelfia (Pensilvania), Michael Brecker se sumergió en el mundo del jazz desde temprana edad gracias a su padre, un pianista aficionado. Aprendió a tocar el clarinete y el saxofón alto, antes de decantarse por el tenor bajo la influencia de la música de John Coltrane. 

En 1969, se mudó a Nueva York. Primero formó parte de la banda de jazz-rock Dreams junto a su hermano Randy, trompetista, y luego colaboró con Horace Silver y Billy Cobham. En 1974, los Hermanos Brecker dieron la sorpresa al formar el grupo que se convertiría en el referente del jazz-funk fusión en la década de 1970: los Hermanos Brecker. Su música, llena de energía, se caracteriza por arreglos impactantes y un virtuosismo asombroso. Un cóctel explosivo que se convertiría en el sello distintivo de los Hermanos Brecker, pero que, sin embargo, evitarían encasillarse volviendo a fórmulas más acústicas unos años después. 

En los años 70 y 80, la etiqueta de fusión tenía muchas ventajas, ya que les permitía usar multitud de vestuarios, lo que le daba a Michael la oportunidad de tocar, en estudio o en directo, con un número increíble de estrellas: Chick Corea, George Benson, Joni Mitchell, Paul Simon, Franck Sinatra, Herbie Hancock, Bruce Springsteen, Steely Dan, Dire Straits… 

Al mismo tiempo, los dos hermanos lideran una jam session en el famoso club de Manhattan del que también son dueños, Seventh Avenue South. Es en esta ocasión que, improvisando con Mike Mainieri (vibráfono), Eddie Gomez (bajo) y Steve Gadd (batería), Michael decide formar una de las bandas más populares de la década de 1980: Steps Ahead (en la que el baterista Steve Gadd cedería su lugar poco después a Peter Erskine). 

A pesar de estos éxitos innegables, no fue hasta 1987 que se publicó la primera obra en solitario del saxofonista. Titulado sobriamente Michael Brecker, este disco fue elegido mejor álbum del año por la revista Downbeat. 

La década de 1990 fue fructífera con la reunión de los Brecker Brothers en 1992, materializada en dos álbumes (Return of the Brecker Brothers y Out of the Loop). Pero Michael trabajó principalmente en un plano más personal, colaborando con destacados músicos de jazz como los pianistas Herbie Hancock y McCoy Tyner, o grabando sus propios álbumes. En 2002, rindió homenaje a la obra de Miles Davis y John Coltrane, dos de sus mayores influencias, grabando un álbum en directo en Toronto con Herbie Hancock y Roy Hargrove. Uno de sus últimos proyectos fue particularmente ambicioso, ya que reunió a un conjunto de 15 músicos cuya composición era bastante original (cuerdas, oboe, clarinete…). Fue con este quinteto que grabó el álbum Wide Angles en 2003, poco antes de que los primeros síntomas de leucemia lo obligaran a interrumpir su carrera. Un paréntesis que se cerraría trágicamente con su muerte en 2007. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Softly as in a morning sunrise. Michael Brecker, saxo tenor; Ulf Wakenius, guitarra; Christian McBride, contrabajo; Benny Green, piano; y Alvin Queen, batería.  

David Gilmour

David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, el 6 de marzo de 1946. Cantante, compositor, multiinstrumentista, toca guitarra, bajo, teclados, saxo, batería, armónica, kazoo, ukelele, banjo, steel guitar, pedal steel guitar y mandolina. También es productor discográfico, productor ejecutivo y piloto. 

El sitio www.davidgilmour.com publicó su biografía. 

David Gilmour es guitarrista, vocalista y compositor de Pink Floyd, pero también es reconocido por su trabajo en solitario. David Gilmour y Roger "Syd" Barrett se conocieron de niños en Cambridge, Reino Unido, y más tarde comenzaron a tocar la guitarra juntos. En 1965, Syd cofundó Pink Floyd, mientras que David continuó tocando con sus propias bandas. En 1968, David fue invitado a aumentar la formación de Pink Floyd como cantante y guitarrista, pero Syd abandonó el grupo cinco conciertos después. La forma de tocar la guitarra, cantar y componer de David se convirtieron en factores clave del éxito mundial de Pink Floyd, incluyendo su distintiva voz y guitarra en The Dark Side Of The Moon, el tercer álbum más exitoso de todos los tiempos. 

En 1978, David lanzó su primer álbum en solitario, David Gilmour, que apareció en las listas del Reino Unido y los Estados Unidos. Su segundo álbum en solitario, About Face, fue lanzado en 1984, llegando nuevamente al Top 20 en el Reino Unido. 

David asumió el control de Pink Floyd en 1985, creando el nuevo álbum de Floyd, A Momentary Lapse Of Reason, junto a Richard Wright y Nick Mason. En 1994, le siguió The Division Bell, que incluía la pieza instrumental «Marooned», compuesta por Richard Wright y David, ganadora de un premio Grammy. Ambos álbumes alcanzaron el número 1 en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y fueron respaldados por giras mundiales con entradas agotadas. 

En 1996, Pink Floyd fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll de Estados Unidos, seguido por el mismo honor en el Reino Unido en noviembre de 2005. 

David es uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, con un sonido instintivo y distintivo. Fue elegido "Mejor Guitarrista Fender de la Historia" en una encuesta de la revista Guitarist, superando a figuras como Jimi Hendrix y Eric Clapton. En 2005, David fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE) por sus servicios a la música. 

El 6 de marzo de 2006, David lanzó su tercer álbum en solitario, On An Island, que entró en las listas británicas en el número 1, alcanzando posteriormente la primera posición en las listas paneuropeas y obteniendo múltiples discos de platino en todo el mundo. La gira del álbum incluyó una actuación única en los históricos astilleros de Gdansk, Polonia, con una orquesta de 40 músicos dirigida por Zbigniew Preisner y un espectáculo en el Royal Albert Hall de Londres, filmado por el director David Mallet y estrenado en 2007 como Remember That Night – Live At The Royal Albert Hall, que encabezó las listas tras su lanzamiento. 

En mayo de 2008, David recibió el Premio Ivor Novello a la Trayectoria de la Asociación Británica de Compositores y Autores de Canciones. En septiembre de 2008, Fender Guitars lanzó su modelo David Gilmour Signature Black Strat, en versiones «Relic» y «New Old Stock». 

En 2009, David recibió un Doctorado Honoris Causa en Artes de la Universidad Ruskin de Cambridge en East Anglia por su destacada contribución a la música como escritor, intérprete e innovador. 

En septiembre de 2014, Pink Floyd lanzó The Endless River y David confirmó que sería el último álbum de la banda y encabezó las listas en más de 20 países. 

El siguiente álbum de David, Rattle That Lock, se lanzó en 2015 y alcanzó el número 1 en 13 listas de éxitos mundiales y el número 2 en otras ocho, llegando al Top 5 en un total de 25 listados. La gira mundial que lo acompañó vio a David ofrecer dos espectaculares conciertos en el legendario Anfiteatro de Pompeya, a la sombra del Vesubio, 45 años después de su primera actuación allí para la película clásica de Adrian Maben, Pink Floyd Live At Pompeii. 

Los conciertos fueron las primeras presentaciones de rock con público en el antiguo anfiteatro romano, construido en el año 90 a. C. y sepultado bajo cenizas tras la erupción del Vesubio en el año 79 d. C. La película de estos espectáculos, dirigida por Gavin Elder, lideró la taquilla en Italia, Alemania y Francia, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido. David Gilmour Live At Pompeii se lanzó en Blu-ray, vinilo, CD y DVD en septiembre de 2017 y alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido y el primer puesto en Italia. 

En junio de 2019, David recaudó 21,5 millones de dólares en la venta de más de 120 de sus instrumentos y artefactos en Christie's. Donó lo recaudado a Client Earth, una organización benéfica que utiliza el poder de la ley para proteger el planeta y a sus habitantes. 

David Gilmour y Nick Mason reactivaron Pink Floyd para grabar "Hey Hey Rise Up" el 30 de marzo de 2022 con Andriy Khlyvnyuk, de la banda ucraniana Boombox. Todas las ganancias netas se destinaron a organizaciones benéficas para ayudar a aliviar el sufrimiento del pueblo ucraniano. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Shine On You Crazy Diamond Brilla, diamante loco, en vivo en Pompeya. 

Barney Wilen

Jean Bernard Wilen, más conocido como Barney Wilen, nació en Niza, Francia el 4 de marzo de 1937, y murió en París, Francia, el 25 de mayo de 1996. Saxofonista y compositor. 

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio. 

Barney Wilen. 

De padres y tíos americanos, uno de ellos le regaló un saxo contralto empezando así su afición por la música, Barney Wilen (4 de marzo de 1937, Niza, Francia – 25 de mayo de 1996, París), vivió con sus padres en América entre 1940 y 1946 y allí empezó a escuchar discos de jazz y a las orquestas que actuaban en la radio. En 1946 decide conocer su país de origen y cruza el charco en dirección a Francia donde no tardó en conocer a los músicos americanos instalados en la capital francesa; así conoció a Sidney Bechet, Ben Webster, Dexter Gordon o Don Byas. Su aparición en el Festival de jazz de Niza, su ciudad natal, fue para él un verdadero éxito y alternó el tocar en los clubes parisinos con la intervención como acompañante de algún músico americano. 

Tras una breve estancia en Niza, donde abrió junto con Sacha Distel, Pierre Franzino y Paul Rovere, un club de jazz que tardó poco en cerrar dada la escasa audiencia que tenía, se marchó nuevamente a Paris donde encontró trabajo en las funciones matinales del Club St Germain en compañía de René Urtreger y Sacha Distel. Por aquella época, en 1957, estaba en Paris, Miles Davis grabando por encargo de Louis Malle la banda sonora de la película «Ascenseur pour lÉchafaud». Necesitaban un saxofonista tenor y echaron mano de Barney, quien consiguió ajustarse perfectamente al guión de la grabación. Con posterioridad a la grabación, la compañía realizo una gira por toda Europa que duro hasta 1958. 

Para conocer de cerca la música de Coltrane y Sonny Rollins, Barney Wilen marchó a los Estados Unidos donde en compañía del grupo liderado por Art Blakey, «The Jazz Messengers» grabó la banda sonora del film de Roger Vadim: «Les Liaison Dangereuses» en 1959. También intervino en unas grabaciones jamás publicadas de Thelonious Monk para la Blue Note. Los siguientes cinco años, Barney Wilen alternó sus trabajos en Paris y New York. En 1969 viajó a África para rodar una película permaneciendo seis años apartado de los estudios de grabación y dedicó los últimos años de su carrera artística a difundir el jazz en todas sus formas. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la presentación realizada durante el Festival de Jazz de Antibes, en julio de 1961. En esa oportunidad se presentó al frente de su cuarteto interpretando: En privado, Movimiento, Componentes de Winnie, Serenata para Patrick y Una noche en Túnez. Barney Wilen, en saxo; George Gruntz, en piano; George Joyner, en contrabajo; y Earl Buster Smith, batería. 

Rory Gallagher

William Rory Gallagher, más conocido como Rory Gallagher, nació en Ballyshannon, Condado de Donegal, Irlanda, el 2 de marzo de 1948, y murió en Londres, Reino Unido, el 14 de junio de 1995. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba guitarra, armónica, mandolina y saxo. 

El sitio www.rorygallagher.com publicó este recordatorio. 

Desde la muerte de Rory Gallagher, a los 47 años, el 14 de junio de 1995, su verdadera estatura se ha vuelto cada vez más evidente. Este irlandés de voz suave, caracterizado por su melena ondulada y su característico atuendo de obrero, era un artista excepcional. Gallagher fue un virtuoso autodidacta que forjó una revolución musical en su tierra natal, rehuyó las trampas de la fama y el estrellato, pero se convirtió en un héroe folclórico internacional aclamado universalmente. 

La férrea devoción de Rory a su vocación nunca flaqueó y el respeto de sus colegas músicos era universal. Eric Clapton atribuyó a Gallagher el mérito de haberme "devuelto al blues"; los Rolling Stones intentaron que sustituyera a Mick Taylor. La influencia de Rory se extendió a lo largo de generaciones, desde Slash hasta Johnny Marr, desde The Edge de U2 hasta Brian May de Queen; cualquier aspirante a músico que lo conociera sin duda se revitalizaría o transformaría. 

De todos los grandes guitarristas que surgieron tras la Segunda Guerra Mundial, Rory Gallagher estaba predestinado a convertirse en un Rey Guerrero Celta. Compartía su nombre con el último monarca nativo de Irlanda y nació (para el rock) en el Hospital Rock de Ballyshannon, Donegal, el 2 de marzo de 1948, mientras su padre trabajaba en la construcción de una central hidroeléctrica en el cercano río Erne. 

Con el tiempo, ya fuera con potencia eléctrica o con maestría acústica, el modesto Gallagher se transformaría en un gigante musical, pero siempre conservó su esencia más humana, evitando efectos y artilugios superfluos en favor de su propio genio crudo, primitivo y experto en cuerdas. Reconocido como "el guitarrista del pueblo", Rory acumularía más de 30 millones de ventas, pero la conexión emotiva que creó con el público mundial fue mayor de lo que las estadísticas jamás podrían mostrar. La pasión de Gallagher residía en sus dedos; su sensibilidad, en el emocionante resultado de su trabajo duro y destreza, su energía incansable y su dinamismo. 

Además de su destreza con la guitarra, la mandolina y, ocasionalmente, el saxofón, el talento de Rory para componer canciones le dio la plataforma perfecta para su talento vocal y instrumental. Ya fuera exuberantemente desbordante ('Walk On Hot Coals') o reflexivamente sutil (la cautivadoramente consciente 'A Million Miles Away'), sus composiciones estaban guiadas por un instinto instintivo y natural para el blues que residía en lo más profundo de su corazón y alma. 

Siendo un preadolescente criado en Cork en la década de 1950, en un hogar sin tocadiscos, la férrea determinación que marcaría la carrera de Rory se hizo evidente rápidamente. El descubrimiento de Elvis y de los primeros rockeros lo llevó a buscar a maestros del blues en la radio de American Forces, como su posterior colaborador Muddy Waters. "¡Cuanto más escuchaba, más me enganchaba!", recordaría más tarde. Rory ya era una estrella local, ganadora de concursos de talentos, cuando recibió el primer pago inicial para la célebre Fender Stratocaster Sunburst de 1961 que, con la pintura desprendida por su propio sudor altamente alcalino, se convertiría en una herramienta emblemática de su oficio para toda la vida. 

A principios de los 60 en Irlanda, las oportunidades para un guitarrista que aspiraba a brillar se veían limitadas por la única salida disponible: bandas de conciertos con trajes idénticos. Rory se salió de control al salir de gira con la banda de conciertos Fontana y, posteriormente, con The Impact, desafiando las rutinas establecidas de la época. 

Sus sensacionales exhibiciones de magia desenfrenada en el diapasón pudieron haber sido criticadas por promotores locales y dueños de salones de baile, entusiastas de la disciplina, pero Rory sin duda se ganó fans de toda la vida entre un público ávido de una nueva libertad. Tocar en bandas de conciertos fue un paso importante y Rory se dio cuenta de que "solo estaba de paso". Pero, al igual que Jimi Hendrix cuando escapó del circuito de chitlin, sus habilidades como acompañante restringido explotarían en los años siguientes, cuando Rory se convirtió en la atracción principal. Tras disfrutar de la liberación de tocar en clubes de Hamburgo, Rory aprovechó la oportunidad para liberarse de las bandas de conciertos en casa, colocándose en el centro del escenario del poderoso trío Taste. 

Tras establecerse en Belfast, donde se había desarrollado una próspera escena de blues en torno a Them de Van Morrison en el Maritime de la ciudad, Taste se convirtió en una sensación instantánea. En 1968, les siguió una residencia en el club Marquee de Londres, donde John Lennon se unió a una creciente y ferviente base de fans, lo que los llevó a ser teloneros de Cream y Blind Faith. La formidable presencia de Taste quedó plasmada en dos grandes álbumes de estudio y dos excepcionales álbumes en directo, incluyendo el álbum Live at the Isle of Wight, grabado en el festival de 1970. Luego, con el mundo aparentemente a sus pies, Taste, destrozado por disputas con la dirección, implosionó, ofreciendo su concierto de despedida en Belfast la Nochevieja de 1970. 

La pérdida de una banda en su apogeo afectó profundamente a Rory, pero no hubo tiempo para lamentarse. Gallagher, un líder nato, se reorganizó y emprendió la década más productiva de su carrera en solitario con su debut homónimo en 1971. «Deuce», «Blueprint», «Tattoo», «Against The Grain», «Calling Card», «Photo Finish» y «Top Priority»: los álbumes se sucedieron rápidamente, cada uno con composiciones originales que llegaban directamente a su público, alcanzando el estatus de clásico al instante. Estas canciones y muchas más cobrarían aún más vida en directo. Los álbumes «Live In Europe», «Stagestruck» e «Irish Tour '74» demuestran cómo. 

Como se aprecia en el documental de Tony Palmer que acompañó el lanzamiento de la gira irlandesa de 1974 durante la época de los disturbios, los conciertos de Rory en Belfast impulsaron una alegre respuesta comunitaria a la tensión, el miedo y las divisiones que desgarraban la ciudad. Donde otros rechazaban la capital norirlandesa, Gallagher se esforzaba por regresar siempre, infundiendo esperanza e inspiración a quienes seguirían su ejemplo. Más tarde, Rory colaboraría como invitado en álbumes de bandas de Belfast a las que inspiró directamente, como Energy Orchard y Stiff Little Fingers. 

Al otro lado de la frontera, encabezó el cartel y organizó el primer festival de rock al aire libre de Irlanda en Macroom, condado de Cork, junto con su hermano menor y mánager Donal (el único hermano de Rory), un evento que allanaría el camino para que otros lo intentaran. La creencia casi evangélica de Rory en el poder unificador y sanador de la música se vio atenuada por la desconfianza hacia la fama. «Me parece un desperdicio trabajar y trabajar durante años, realmente consolidando tu música; luego triunfar, como hacen algunos, y simplemente convertirte en una especie de personalidad. Tocas menos, actúas menos, circulas menos. Se convierte en algo completamente diferente», declaró a la revista Rolling Stone en 1972. 

Esta cautela lo llevó a evitar por completo el mercado de sencillos, incluso cuando el jefe de su sello insistió en que el magnífico y anhelante Edged In Blue (de «Calling Card» de 1976) era un candidato al número uno en Estados Unidos. El conjunto de su obra es notable por su consistencia, honestidad y naturalidad. Las grabaciones de Rory son, sin duda, un ejemplo de su a menudo citada afirmación de que «lo que toco está en mí todo el tiempo, no solo algo que enciendo». 

Su determinación por crear música original, fiel a los sonidos fundamentales que lo inspiraron, perseveró hasta el final. Sin la mancha de los estridentes trucos de estudio ni de las técnicas momentáneamente de moda, los cavernosos sonidos de batería ni las pistas de clic, dejó un legado grabado definido por una pureza agreste de forma y sentimiento. Su enfoque natural resaltó los múltiples sabores —country potente, sofisticación jazzística, folk con un toque de aserrín, rock que hacía temblar el suelo— que alimentaron el blues de Rory, cultivado con cariño. Su dedicación a mantener lo que él llamaba un buen sonido vintage y étnico, privilegiando los equipos de grabación predigitales sobre los modernos, sin duda fue uno de los atributos que hicieron que Rory se ganara el cariño de Bob Dylan, quien visitó el backstage de un concierto en Los Ángeles en 1978 tras ser rechazado sin ser reconocido.  

La cuota anual de conciertos de Gallagher solía superar las 300 noches de sudor en las que nunca daba menos del 100 por ciento. Y siempre estaba dispuesto a dar un poco más.  

En Navidad, Rory solía embarcarse en giras improvisadas por la Irlanda rural, que naturalmente alcanzaron estatus de leyenda. Un héroe musical transtribal que atraía a rockeros tradicionales, punks y hordas de heavy metal, Rory era un auténtico músico viajero que iba adonde la música lo llevara. Participó en álbumes de muchos, incluyendo influencias clave como Jerry Lee Lewis, Albert King, Albert Collins y el ya mencionado Muddy Waters, una experiencia que disfrutaba especialmente. 

Para 1990, Rory ya había realizado 25 giras por Estados Unidos y había aparecido en el festival de Reading del Reino Unido y en el legendario festival de jazz de Montreux más veces que cualquier otro artista en su época. Lamentablemente, se hinchó a medida que el alcohol y los diversos medicamentos recetados para lidiar con los rigores de la vida en la carretera lo habían envejecido prematura y notablemente. "El blues es malo para la salud", se encogió de hombros, "así de simple, es parte de la vida". 

Tras separarse de las grandes discográficas y establecerse de forma independiente, la producción de Rory en los años 80 y 90 se había vuelto menos prolífica a medida que su trabajo discográfico se volvía cada vez más angustioso. Aun así, álbumes posteriores como "Jinx", "Defender" y "Fresh Evidence", el último lanzamiento antes de su muerte, lo mostraron aún en movimiento, explorando nuevos territorios. El emocionante "Loan Shark Blues" es una potente denuncia de problemas financieros, mientras que "Heaven's Gate" y "Ghost Blues", el título del excelente documental sobre Gallagher de 2010 de Ian Thuiller, con el mismo estilo revelador que "A Million Miles Away", contemplaban la fragilidad de la vida.  

La dedicación de Rory a la musa era absoluta, quizás a costa de su vida personal: no se casó, no tuvo una relación estable ni hijos. El hombre capaz de unir a miles de personas en sus interpretaciones vivió una vida solitaria y sin indulgencias lejos del escenario, identificándose aparentemente con los actores solitarios que poblaban la novela negra policiaca de autores como Dashiell Hammett, de quienes a menudo se inspiraba para sus letras. Estaba tan apegado a la vida en la carretera que pasó sus últimos años viviendo en un hotel con vistas al puerto de Chelsea en Londres.  

Rory tocó hasta desplomarse. Tras desplomarse en el escenario en Róterdam en enero de 1995, fue hospitalizado en Londres por insuficiencia hepática. Tras un trasplante exitoso, parecía estar recuperándose, pero contrajo una infección por SARM y falleció en junio de 1995. 

El conmocionado mundo de la música envió sus condolencias mientras miles de personas se alineaban en las calles de Cork mientras era enterrado en su ciudad natal. 

Desde su muerte, la reputación de Rory ha crecido. Quizás solo con el paso del tiempo se pueda apreciar la magnitud de sus logros. Un auténtico original, su imagen de trabajador decididamente común, la consistencia pura de su arte (¡y su Strat desprovista de pintura!) resulta aún más extraordinaria en la era de la saturación mediática. 

El recuerdo de Rory perdura en todo el mundo, en la memoria de quienes lo conocieron y disfrutaron de sus conciertos. Fans como el joven aspirante a guitarrista de Manchester, Johnny Marr, disfrutaron mucho conociendo a Rory y se marcharon encantados. Más de una vez, en el calor de un concierto, donde las invasiones del escenario eran habituales, la Strat le fue entregada a un miembro del público para un toque rápido. La sensación que podía crear en una sala de Belfast o Montreux, en Londres o Los Ángeles, era inimaginable en un concierto. 

Gallagher es conmemorado en toda Irlanda con una estatua de bronce en Ballyshannon, Donegal, su lugar de nacimiento. Esta estatua se inauguró en 2010, donde se celebra anualmente el Festival Internacional de Homenaje a Rory Gallagher. En Belfast, una placa y, más recientemente, una estatua se instaló en enero de 2025 frente al Ulster Hall para honrar sus contribuciones unificadoras a una comunidad dividida durante los peores momentos de la década de 1970.  

En Cork, una escultura única creada por Geraldine Creedon se inauguró en 1997 en la renombrada Rory Gallagher Place, junto a Paul Street. El teatro de la Universidad Técnica de Munster recibió su nombre y, apropiadamente, fue el escenario del último concierto de Rory en Irlanda.  

En Dublín, una reproducción montada de la famosa y maltratada Stratocaster de Rory fue instalada y presentada por Edge of U2 en el Rory Gallagher Corner en 2006. La Sunburst Stratocaster de Rory, despintada, también ha sido reproducida por Fender, con un modelo tributo personalizado que se vende por miles para quienes buscan emular a su héroe y su sonido. Hay una Rue Rory Gallagher en París, y parece que nunca pasa un mes sin un concierto tributo en algún lugar del mundo, desde Japón hasta los Países Bajos o Noruega. La historia de Rory, al parecer, no tendrá fin.  

El 14 de junio de 2025, 30.º aniversario del fallecimiento de Rory, el Ayuntamiento de Cork, encabezado por el alcalde Dan Breen, quien describe a Rory Gallagher como «la mejor exportación cultural de Cork», organizó, en colaboración con el patrimonio de Rory Gallagher, exposiciones simultáneas en el Ayuntamiento, la Biblioteca Central y el Museo Público de Cork, incluyendo un legado permanente: un sendero peatonal dedicado a Rory Gallagher que recorre los lugares donde vivió, aprendió y actuó. El Aeropuerto de Cork, desde donde Rory volaba frecuentemente para recorrer el mundo, también conmemoró este momento conmemorativo renombrando la calle del aeropuerto a Avenida Rory Gallagher. 

Rory Gallagher murió demasiado joven y aún tenía mucho por lograr y ofrecer, pero la riqueza y calidad del material que produjo durante su vida garantizan que su espíritu siempre inquisitivo y hambriento siga vivo para inspirar a nuevas generaciones de talentos y amantes de la música. 

Rory Gallagher 1947-1995 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Tattoo'd Lady.