Shalom – Sin tolerancia no hay libertad
Movimiento contra la Intolerancia es un movimiento plural,
autónomo y participativo que trabaja contra la intolerancia, el racismo y la
violencia. Su presidente, Esteban Ybarra, nos cuenta en el programa de hoy,
cómo luchan por construir una cultura de solidaridad y tolerancia,
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/sin-tolerancia-no-hay-libertad/6023961/
El sitio www.wiki3.es-es.nina.az
publicó este recordatorio.
Ovidio Hernández
Ovidio Hernández Gómez (n. 31 de diciembre de 1933 - 27 de
septiembre de 1976) nació en la ciudad de Poza Rica de Hidalgo (Veracruz),
México. Fue un destacado músico y cantante del popular trío mexicano Los
Panchos, donde se desempeñó como primera voz de 1971 a 1976.
Biografía
Aparece Registrada su biografía en Varios Libros y uno de
ellos del reconocido cronista de Poza Rica Leonardo Zaleta fue quien develó el
misterio al afirmar que contrariamente a lo que se cree, Ovidio Hernández si
nació en Poza Rica y no en Potrero del Llano en la antigua hacienda El Alazán,
Municipio de Álamo Temapache, Veracruz. Ahora se sabe que Ovidio Hernández si
Nació en Poza Rica, Veracruz, como se sostuvo por largo tiempo, en realidad el
cantante que triunfó cuando fue integrante del célebre trío de Los Panchos,
nació en Poza Rica el 31 de diciembre del año de 1934 y falleció en México D.F.
el 27 de septiembre de 1976.
De padre con ascendencia francesa y madre mexicana, fue el
más pequeño de cinco hermanos. A los 18 años decidió vivir solo y se mudó a una
cuartería en la calle Niños Héroes de la Col. Manuel Ávila Camacho, de la
ciudad de Poza Rica donde empezó a rodearse de músicos de la época y a destacar
por su peculiar voz. No fue sino hasta que el grupo Los Astros lo invita a ser
su primera voz, cuando se introduce de lleno en ese oficio recorriendo muchas
ciudades de la república. Más tarde se integra al grupo Trío_Los_Galantes y,
dada su calidad interpretativa, en 1971 se suma al reconocido trío Los Panchos.
A partir de este hecho se da a conocer internacionalmente, abarrotando centros
nocturnos, teatros, estadios, palenques y aceptando tocar en estaciones de
radio y estudios de televisión de la época, ocupando los primeros lugares de
popularidad. Recorrió Europa, Asia, Estados Unidos, Centro y Sudamérica.
Interpretó canciones que aún permanecen en el gusto popular.
Recientemente una tarde el 21 de diciembre en 2008. En Poza
Rica de Hidalgo, Ver. Se cambió el nombre de la "Plaza Garibaldi" a
"Plaza Trio los Panchos" en Memoria del Trío y de su Integrante
Ovidio Hernández.
Deceso
A su regreso de una gira por Colombia enfermó de
encefalitis, de la cual falleció en la Ciudad de México el 27 de septiembre de
1976, mientras sus compañeros estaban de gira con Rafael Basurto Lara, a quien
se le había dado una suerte de entrenamiento en el repertorio de la agrupación.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con El Vagabundo.
El sitio www.bach-cantatas.com
publicó este recordatorio.
Gösta Winbergh (tenor)
Nacido: 30 de diciembre de 1943 - Estocolmo, Suecia
Fallecido: 18 de marzo de 2002 - Viena, Austria
El tenor sueco Gösta Winbergh estudió ingeniería estructural
y tocó en una banda de rock en la década de 1960, antes de continuar sus
estudios vocales a los 24 años en su ciudad natal, Estocolmo, con Erik Saedén
en el Musikhögskolan (Royal University College of Music), y cursó su formación
musical en el Conservatorio de Ópera de Estocolmo.
Después de su debut en 1973 como Rodolfo en La Bohème en
Gotemburgo, Gösta Winbergh se convirtió en miembro de la Ópera Real de
Estocolmo, donde sus papeles incluyeron a Don Ottavio en Don Giovanni, el Conde
Almaviva en Il Barbiere di Siviglia, Tamino en Die Zauberflöte, Nemorino en
L'Elisir. d'Amore y Rodolfo. Desde 1981 ha sido un invitado habitual en la
Ópera de Zúrich, cantando muchos de los papeles más importantes de Mozart,
especialmente en producciones puestas en escena por Jean-Pierre Ponnelle y
dirigidas por Nikolaus Harnoncourt. Winbergh ahora es considerado uno de los
principales tenores de la época y ha actuado con frecuencia en las principales
casas y festivales del mundo. Ha aparecido en la Ópera de San Francisco (debut
en Estados Unidos en 1974 como Don Ottavio, una repetición del papel en 1981,
Ferrando en Così fan tutte en 1983, Erik en Der Fliegende Holländer en 1997),
la Ópera Metropolitana (debut en 1983 como Ottavio), La Scala de Milán, las
casas de Munich, Berlín, Amsterdam, Viena, París, Madrid, Barcelona, Chicago y Houston, así como en los festivales de
Salzburgo, Aix-en-Provence, Glyndebourne, Munich y Tanglewood.
En las últimas temporadas, Gösta Winbergh ha aparecido con
gran éxito en papeles de tenor más importantes: los papeles principales de
Lohengrin (Berlín, París, Rávena) y Parsifal (Zúrich, Berlín, Estocolmo);
Walther en Die Meistersinger (Berlín, Viena, Chicago, Covent Garden); Baco en
Ariadna auf Naxos (Zúrich); Florestan en Fidelio (Niza, Zurich, Viena); y, más
recientemente, un muy elogiado Tristán en Tristán und Isolda (Zúrich). En el
futuro, el tenor cantará los papeles de Siegmund/ Die Walküre , Siegfried/
Siegfried y Tristan para la Ópera Estatal de Viena, la Ópera de Zúrich y la
Ópera Real de Estocolmo.
Artista con numerosas grabaciones en su haber, Gösta
Winbergh también fue un concertista solista y recitalista de gran prestigio.
Gösta Winbergh se menciona a menudo como uno de los mejores
tenores de Suecia y del mundo, junto con Jussi Björling y Nicolai Gedda. Era
conocido por su lirismo, tono dorado y buena apariencia escandinava. Murió a
una edad lamentablemente joven, en su apartamento de Viena, Austria, donde
actuaba en ese momento. La causa de la muerte fue insuficiencia cardíaca. Para
honrar su memoria y su trabajo en la ópera, el Premio Gösta Winbergh (GWA) se
instituyó en Suecia después de su muerte: el premio se entrega cada año a
jóvenes aspirantes a tenores a través de un concurso de canto organizado que
tiene lugar en el escenario de la ópera Confidencen, en Ulriksdal. Royal Estate
(a unos pocos kilómetros de Estocolmo).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el aria Dalla sua pace, de la ópera Don Giovanni, K. 527, de Wolfgang
Amadeus Mozart, junto a la Orquesta Sinfónica de Estocolmo, dirigida por Mats
Liljefors.
El sitio www.alohacriticon.com
publicó esta biografía.
Marianne Faithfull
Conocida principalmente por sus affaires amorosos, en
especial su romance con Mick Jagger, Marianne Faithfull es una de las beldades
femeninas más reconocibles de la Gran Bretaña de los años 60 que, al margen de
sus variadas relaciones sentimentales, mantuvo desde mediados de década una
volátil carrera como actriz y cantante impulsada por el productor de los Rolling
Stones, Andrew L. Oldham.
Marianne nació el 29 de diciembre de 1946 en Hampstead,
Londres (Inglaterra), en el seno de una familia acomodada, siendo hija del
mayor del profesor universitario de filología Gynn Faithfull y de la austríaca
Eva, la baronesa Edisso, descendiente de Leopold von Sacher-Masoch, el autor
del libro “La Venus De Las Pieles”, de quien deriva la palabra masoquista.
La rubia joven pasó por un convento antes de convertirse en
los años 60 en una de las musas más conocidas del Swinging London después de
ser descubierta en una fiesta por Oldham.
El 13 de agosto de 1964 apareció en el mercado su primer
single “As Tears Go By”, canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards que
posteriormente grabaron los propios Stones.
El tema de Marianne fue producido y arreglado por Oldham,
convirtiéndose en un éxito inmediato en Inglaterra al llegar al puesto número 9
en ventas.
Posteriormente, en el mes de noviembre, publicó una versión
del conocido tema de Bob Dylan “Blowin’ In The Wind”, y en febrero del año 1965
grabó “Come And Stay With Me”, canción que llegó al puesto número 4 en el Reino
Unido, puesto que repitió con “This Little Bird”.
En 1965 aparecieron tres LPs, uno de sonidos folk, “Come My
Way” (1965), otro con sus éxitos pop, “Marianne Faithfull” (1965), y otro una
mezcla de ambos, “Go Away From My World” (1965) álbum que contiene los singles
“Summer Nights” y “Yesterday”, versión de los Beatles.
Por esa época llegó a girar por los Estados Unidos con Roy
Orbison y Gene Pitney, con quien mantuvo un breve romance.
En 1965 contrajo matrimonio con John Dunbar, de quien se
divorció al año siguiente tras haber dado inicio a su conocida relación amorosa
con Mick Jagger.
Durante este período, Marianne consumió abundantes drogas y
estuvo involucrada junto a los Stones en varios escándalos derivados de tal
consumo y posesión, que llevaron a Jagger, Keith Richards y Brian Jones a los
tribunales.
“North Country Maid” (1966), con una versión de Donovan,
“Sunny Goodge Street”, acercaba más a la cantante a sonidos folk, una música
por la que sentía gran afinidad.
En 1967, año en el que apareció su último disco de la
década, “Love In a Mist” (1967), Marianne Faithfull debutó como actriz
cinematográfica al intervenir en la película “Georgina” (1967), un título que
dirigió Michael Winner.
Con posterioridad apareció en títulos como “La Chica De La
Motocicleta” (1968) o “Hamlet” (1969).
Al margen de la pantalla también hizo sus pinitos en el
teatro.
En el año 1967 los Hollies le dedicaron su tema
“Carrie-Anne”, ya que no sólo Jagger fue merecedora de sus favores sexuales,
sino una buena pléyade de conocidas figuras de la historia del rock, entre
ellos…
Allan Clarke (miembro de los Hollies)
Brian Jones
Keith
Richards
David Bowie
Jimi Hendrix
Jeremy Clyde (del dúo Chad & Jeremy)…
También se le rumorearon presuntos encuentros amorosos con
mujeres (Anita Pallenberg, Sadia o Angie Bowie).
En la época de la película “Ned Kelly” (1970), protagonizada
por Mick Jagger, Marianne, que iba a ser la co-protagonista, sufrió una
sobredosis que le tuvo al borde de la muerte.
Parece que la sobredosis había sido premeditada, aunque su
intento de suicidio no obtuvo el objetivo que ella buscaba.
“Sister Morphine”, tema escrito entre Mick, Keith y la
propia Marianne en el año 1969, apareció en el LP de los Rolling Stones “Sticky
Fingers” (1971).
Tras romper con Jagger a comienzos de los años 70, Marianne
pasó un decenio poco fructífero a nivel profesional y problemático a nivel
personal, ya que continuó enganchada a la heroína.
A mediados de los años 70 hizo una versión de Waylong
Jennigs, “Dreaming My Dreams”, que no obtuvo repercusión popular, al igual que
el LP homónimo “Dreaming My Dreams” (1977), y su continuación, “Faithless”
(1978).
En el año 1979 se casó con Ben Brierley, año en el que
publicó “Broken English” (1979), disco en el que exhibía una voz rota y desgarrada
y que le sirvió para retornar con meritoria resonancia al seno de la industria
musical.
Entre las versiones destaca la adaptación del “Working Class
Hero” de John Lennon.
Cada vez con mayor confianza compositiva, Marianne publicó
posteriormente discos como “Dangerous Acquaintances” (1981), “A Child’s
Adventure” (1983), “Strange Weather” (1987) o “Rich Kid Blues” (1981), disco
con grabaciones sin editar de comienzos de los años 70.
En la década de los 90 y siguientes años se publicaron…
El directo “Blazing Away” (1990) y los discos en estudio:
“A Secret Life” (1995), en colaboración con Angelo
Badalamenti
“20Th
Century Blues” (1997) y “The Seven Deadly Sins” (1998), discos en los que
adaptó a Kurt Weill y Bertolt Brecht
“Vagabond
Ways” (1999), con colaboraciones de Roger Waters o Emmylou Harris
“Kissin’
Time” (2002), con el acompañamiento en la escritura de Beck, Jarvis Cocker,
Dave Stewart, Blur y Billy Corgan
“Before The Poison” (2004), un estupendo trabajo en el que
contaba con el apoyo de P. J. Harvey, Nick Cave o Damon Albarn.
Al margen de sus discos, la ya legendaria Marianne
Faithfull, que contrajo matrimonio por tercera vez con Giorgio Dellaterza, fue
requerida por bandas y solistas de distinta índole para colaborar en
grabaciones, entre ellos Ryan Adams o Metallica, para quienes puso voces en el
tema “The Memory Remains”.
Sus últimos trabajos discográficos en estudio son “Easy
Come, Easy Go” (2008), álbum doble de versiones que cuenta con la colaboración
de Keith Richards, Nick Cave o Jarvis Cocker, “Horses And High Heels” (2010) y
“Give My Love To London” (2014).
En el año 2016 publicó su disco en directo “No Exit” (2016),
con actuaciones europeas en el año 2014.
En el 2017
se incluyó su canción “Something Better” en “Milk Of The Tree: An Anthology Of
Female Vocal Folk & Singer Songwriters 1966-1973”, triple CD editado por
Grapefruit Records. El mismo año sonó “Sha La La Song” en “Am I
Dreaming? 80 Brit Girl Sounds
Of The 60s” (2017), triple CD editado por RPM Records. También, en el 2017, su
versión de “Blowin’ In The Wind” de Bob Dylan, formó parte de “Take What You
Need: UK Covers Of Bob Dylan Songs 1964-69” (2017).
“Come And
Stay With Me” se incluyó en el doble CD “Jon Savage’s 1965 The Year The Sixties
Ignited” (2018).
El mismo tema fue elegido por Grapefruit Records para formar
parte de “Gathered From Coincidence: The British Folk-Pop Sound Of 1965-66”
(2018), triple CD con sonidos de folk pop británico de mediados de los años 60.
En el año 2018 Marianne publicó el álbum “Negative
Capability” (2018), un disco producido por Rob Ellis y Warren Ellis en el que
colaboraron Nick Cave y Mark Lanegan.
En el 2020 fue diagnosticada con coronavirus.
Un año después colaboró de nuevo con Warren Ellis para
grabar “She Walks In Beauty” (2021), un álbum con poemas musicados de Lord
Byron, Percy Shelley o John Keats.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con It's All over
Now Baby Blue.
El sitio www.wikiwand.com
publicó este recordatorio.
Johnny Otis
Johnny Otis (nacido como Ioannis Alexander Veliotes) (28 de
diciembre de 1921, Vallejo, California-17 de enero de 2012, Los Ángeles,
California) fue un pianista, vibrafonista, percusionista, cantante, director y
empresario estadounidense de blues y rhythm and blues.
Hijo de Alex J. Veliotes, dueño de una tienda de comestibles
y su esposa, Irene Kiskakes, hija de inmigrantes griegos. Era asimismo, hermano
mayor de Nicolás Veliotes, exembajador de EE.UU. en Jordania (1978-1981) y
Egipto (1984-1986).
Carrera musical
Después de tocar en una variedad de orquestas swing,
incluyendo Lloyd Hunter's Serenaders, fundó su propia banda en 1945, obteniendo
uno de los éxitos más sonados de la época de las grandes bandas, "Harlem
Nocturne". Su banda incluía a Wynonie Harris y Charles Brown. En 1947, con
Ali Bardu abrió el Club Barrelhouse en el distrito de Watts, en Los Ángeles,
reduciendo el tamaño de su banda y contratando a los cantantes Mel Walker,
Little Esther Phillips y Phillips and the Robins. Descubrió a Phillips cuando
ganó uno de los concursos de Barrelhouse Club's. Con esta banda, en gira por
los Estados Unidos, tuvo una larga cadena de éxitos hasta 1950.
A fines de 1940, descubrió a Big Jay McNeely, quien
interpretaba su "Barrelhouse Stomp". En la década de 1950 descubrió a
Etta James, para quien produjo su primer éxito, "Roll With Me,
Henry". Produjo la grabación original de "Hound Dog", escrita
por Jerry Leiber y Mike Stoller, en la voz de Big Mama Thornton, apareciendo en
los créditos de las seis versiones de la canción.
Continuó actuando, y en abril de 1958, grabó su grabación
más popular "Willie and the Hand Jive", que pasó a ser un gran éxito
en el verano de 1958, alcanzando el puesto # 9 en las listas Pop EE.UU. Su
composición más famosa es "Every Beat of My Heart", grabada por The
Royals en 1952, que acabó convirtiéndose en un gran éxito de Gladys Knight. En
1969 grabó un álbum con material sexualmente explícito bajo el nombre de Snatch
and the Poontangs. En 1970 actuó en el legendario Monterey Jazz Festival con
Little Esther Phillips y Eddie Vinson. Durante de la década de los noventa, aunque
el número de actuaciones descendió notablemente, estuvo en el San Francisco
Blues Festival entre 1990 y 2000.
En 1994 entra en el Rock and Roll Hall of Fame como
intérprete, y no por su trabajo como compositor o productor.
Muerte
Otis murió por causas naturales el 17 de enero de 2012 en el
área de Altadena de Los Ángeles, California. Murió tres días antes que Etta
James, a quien había descubierto a principios de la década de 1950. Está
enterrado con su esposa en el cementerio de Mountain View en Altadena,
California, Estados Unidos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus programa de Televisión en 1959.
El diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opinión firmado por Federico Gaon.
El BDS y el islam radical
Ambos grupos piden por la liberación de Palestina “desde el río hasta el mar”, lo que necesariamente
implica el desmantelamiento forzado de
Israel
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El islam radical tiene algo en común con el movimiento propalestino Boicot, Desinversiones y Sanciones, mejor conocido por su acrónimo BDS. Comparten el odio hacia Israel y transmiten una marcada judeofobia. Muchos activistas del BDS encubren su antisemitismo como antisionismo, en tanto se presentan como anti-Israel, mas no como antijudíos. Sin embargo, ambas corrientes abogan de un modo u otro por la destrucción de Israel. Su desaparición haría igualmente felices a santurrones universitarios y yihadistas islámicos. Ambos grupos piden por la liberación de Palestina “desde el río hasta el mar”, lo que necesariamente implica el desmantelamiento forzado de la estatidad judía.
La voluntad por ver a los judíos desaparecer es patente entre los extremistas islámicos y la militancia propalestina. Por esta razón, pese a las muchas diferencias entre doctrinas, existe una misma disonancia cognitiva. Los enemigos de Israel predican por el boicot o su destrucción, y con todo emplean tecnología israelí. Aunque la comparación entre yihadistas y agitadores progresistas podría sonar desmesurada, ambos grupos comparten ejercicios mentales parecidos para justificar algunas contradicciones éticas ineludibles.
Comencemos por el BDS, pues está cosechando importantes éxitos a razón de la guerra en Gaza iniciada por Hamas. El movimiento llamó a sus seguidores a intensificar la campaña de boicot contra Israel y enumera con este fin las multinacionales que supuestamente se benefician con el derramamiento de sangre. Por ejemplo, a más de dos meses del comienzo de hostilidades, algunas cadenas de ropa y comida rápida tienen dificultades para atraer consumidores en países mayoritariamente musulmanes.
Tal es la indignación que franquiciados en países como Egipto, Turquía y Malasia han tenido que desmentir cualquier afiliación con capítulos de las mismas marcas en Israel. No por poco, el conflicto israelí-palestino arroja importantes riesgos reputacionales sobre grandes empresas con operaciones en todo el globo. El BDS ofrece a sus seguidores gratificación moral inmediata bajo la premisa de que boicotear a Israel lo convierte a uno en mejor persona. Para lograr este efecto, el BDS brinda un listado con empresas y productos prescindibles o fácilmente reemplazables. A saber, si no le compro un café a Starbucks se lo puedo comprar a la cafetería del barrio. En lugar de comprar zapatillas en Puma, quizás puedo buscar en Adidas o en Nike.
Eso sí, el consumidor moralmente-consciente que asiente con el boicot es selectivo e inequitativo. Algunas cosas son más fáciles de reemplazar y hay otras virtualmente irremplazables. Siendo este el caso, Intel y Microsoft defendieron públicamente a Israel tras los ataques del 7 de octubre y salieron indemnes del embate boicoteador. Facebook y Google también: se apartaron de una conferencia de tecnología luego de que su organizador criticara a Israel. Pero los partidarios del BDS no llaman a boicotear semejantes gigantes. ¿Por qué?
La respuesta se hace evidente. Un boicot sincero haría menester evitar el uso de computadoras o dispositivos inteligentes. Los PC funcionan con Windows y software desarrollado en Israel, y la gran mayoría de ellos utilizan procesadores Intel diseñados allí también. De hecho, la última generación de los core se fabrica en Kiryat Gan, a casi sesenta kilómetros de Tel Aviv. Nadie está dispuesto a tirar su portátil por la ventana y ningún activista –por más moralista que se crea– está preparado para dejar Instagram o Google.
Enfrentados a esta contradicción, los partidarios del BDS sostienen que la necesidad justifica su acción. Reconocen la imposibilidad de desprenderse de la tecnología israelí porque es inseparable de los quehaceres modernos. Pero antes que conciliarse con su hipocresía, los activistas militantes se complacen en tomar las innovaciones del enemigo y volverlas en su contra. Presumen que Israel es una entidad colonial, de modo que su tecnología civil es el devenir de una ocupación militar. Como Israel es ilegítimo, sus logros son a costa de la injusticia contra el pueblo palestino. Por eso, siguiendo este planteo, la reapropiación de la tecnología israelí para fines propalestinos es un acto de desagravio, quizás incluso de reparación.
Salvando las distancias, la misma dinámica es propia del integrismo islámico y los grupos terroristas. Los creyentes que suscriben con alguna corriente extremista, sobre todo dentro del espectro religioso sunita, asumen que nunca hubo mejor época en la Tierra que durante los tiempos del Profeta Mahoma (y sus sucesores inmediatos). Esta creencia arroja una aversión hacia la introspección y cualquier tipo de innovación intelectual, sea política, religiosa o filosófica. El islam radical de hoy es indescifrable sin revisar el desarrollo histórico del mundo musulmán, pero basta decir que la acogida de la tecnología moderna –seguramente desarrollada y fabricada por infieles– contradice el supremacismo islámico de los yihadistas.
El yihadismo contemporáneo se arraiga en la prominencia histórica que ha tenido la jurisprudencia islámica ortodoxa sobre otras perspectivas más reflexivas o progresistas. Durante los inicios del colonialismo europeo, los creyentes necesitaban explicar la brecha entre la presumida supremacía moral del islam y la tangible superioridad tecnológica y militar de las potencias de Occidente. Precisaban una excusa suficientemente convincente para permitirles probar y adoptar las formas de Europa. Querían imitar a los infieles, pero hacerlo con la conciencia tranquila.
Algunos pensadores llegaron a la conclusión de que las innovaciones europeas acaecieron gracias al islam, restándole así agencia o mérito propio a los europeos y sus ideas. Se sugirió que los logros científicos del mundo árabe sentaron la base para el avance occidental. También se postuló que el medido enajenamiento de los europeos con la Iglesia y sus jerarquías eclesiásticas probaba su afiliación con el islam, una comunidad religiosa descentralizada. Aunque los europeos no lo supieran, sus inventos arrastraban una deuda con el islam. Por otra parte, hay quienes acusaron a Occidente (y luego a los judíos) de conspirar contra los musulmanes para explotarlos económicamente y dividirlos por medio de ideologías seculares.
Este trasfondo resume la disposición que tienen los apologistas del islam radical para sacar provecho de la tecnología de sus enemigos, cosa que han sabido hacer muy bien. Avalan el uso de herramientas confeccionadas por no musulmanes siempre y cuando sean útiles para defender al islam. Las armas estadounidenses o israelíes sirven en la guerra, y las redes sociales de judíos y compañía sirven para hacer proselitismo y reclutamiento. En este sentido, dañar al enemigo con sus propias tecnologías casi que se convierte en un acto de consagración divino. Aquí aparece una dimensión religiosa para legitimar el uso de tecnología moderna que de otro modo sería problemática para los fieles más intransigentes.
Esto no ha pasado desapercibido entre los juristas islámicos. De hecho, los doctos de religión aún se enfrentan a desafíos intelectuales a efectos de conciliar aspectos de la vida moderna con la interpretación de la ley islámica. Paradójicamente, dado que en el islam no existe una autoridad central que monopolice doctrinas y diga que está bien y qué está mal, quienes justifican la apropiación de tecnología no islámica para expandir el islam son a menudo llamados moderados.
Estos “moderados”, en verdad radicales desfachatados, llaman a boicotear todo lo que corrompa o contradiga la virtud moral del islam, como la Navidad, la cultura y las artes. Y si bien los juristas prohíben a los musulmanes comerciar con Israel o trabajar para empresas que lo apoyen, no tienen mayor problema en utilizar tecnología o dinero israelí ellos mismos. Yusuf al-Qaradawi, quien fuera hasta su muerte en 2022 el predicador sunita más popular del mundo, prohibía a los fieles visitar Jerusalén, pero celebraba cuando estos cometían ataques suicidas contra civiles en la ciudad santa.
El boicot hacia Israel es inconsistente y rebuscado. Sean de izquierdas o de movimientos islámicos, los militantes propalestinos exceptúan del boicot todo aquello que les conviene y no pueden reemplazar. Su propósito no es presionar a Israel para crear un Estado palestino, sino más bien socavarlo económicamente para ulteriormente contribuir a su desintegración. Aunque lo refuten o ignoren, los partidarios del BDS tienen algo grande en común con la yihad islámica.
Vicente March y Marco nació en Valencia, España, el 27 de
diciembre de 1859, y murió en Benigànim, España, el 31 de marzo de 1927. Pintor.
El sitio www.wikiwand.com
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Vicente March
Vicente March y Marco (Valencia, 27 de diciembre de
1859-Benigànim, 31 de marzo de 1927) fue un pintor español.
Biografía
Se formó artísticamente en la Escuela de Bellas Artes de San
Carlos de esta capital, teniendo como profesores a Gonzalo Salvá y a Francisco
Domingo Marqués.
En 1876 opositó a una plaza de pensionado en Roma con el
lienzo Desembarco en Valencia de Francisco I tras la derrota de Pavía, quedando
en segundo lugar, por lo que, alentado por su profesor Francisco Domingo, en
1887 se traslada a Roma por sus propios medios, teniendo como compañero de
viaje a Constantino Gómez.
Una vez en Roma se instala en los talleres del Palazzo
Patrizi, situados en el 53-B de la vía Margutta, compartiendo estudio con un
numeroso grupo de artistas españoles, casi todos ellos valencianos, entre los
que destacan Poveda, Peyró, Puig Roda, Pedro Serrano, Sánchez Barbudo, Manuel
Muñoz Casas, y los hermanos Benlliure con quienes le unirá una gran amistad de
por vida, completando su formación artística en la academia Chigi.
En Italia, durante el verano, pasa largas temporadas en
Venecia, en Nápoles, en Asís con los Benlliure, y, sobre todo, en Subiaco,
población de aspecto medieval cercana a Anticoli Corrado, residencia permanente
esta última de su buen amigo y compañero Mariano Barbasán.
Influido por el ambiente de los círculos artísticos
españoles en Roma, cultivó principalmente los temas costumbristas italianos de
los siglos xvii y xviii. Posteriormente y a raíz de un viaje realizado por
Marruecos y Egipto desarrolla una etapa con escenas marroquíes y orientalistas.
En 1881 obtuvo la medalla de plata de la Exposición Regional
valenciana con el lienzo Una visita al estudio. A partir de 1888 expuso
regularmente en Berlín y Múnich, obteniendo diversos premios. En 1893 su
acuarela La Hilandera obtiene la medalla de plata en la Exposición
Internacional de Roma. En 1894 trabaja para los álbumes dedicados a la reina
María Cristina y al emperador alemán.
En 1903, a los pocos años de haber contraído matrimonio, dejó Roma y fijó su residencia en Benigánim, población cercana a Játiva donde residía su hermano Rafael, farmacéutico de profesión, y la familia de su esposa. Allí continúa su obra pictórica hasta su fallecimiento, el 31 de marzo de 1927. Con anterioridad el Gobierno español le honra nombrándolo caballero de la Orden de Carlos III.
Charles Pathé nació en Chevry-Cossigny, Sena y Marne, Francia, el 26 de diciembre de 1863, y murió en Montecarlo, Mónaco, el 25 de diciembre de 1957. Productor cinematográfico.
El sitio www.nochedecine.com
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Shalom – El valor central de la educación en el judaísmo
'Nadie es pobre excepto aquél que carece de conocimientos';
esta es una de las máximas del Talmud donde se declara la importancia que la
educación representa en la vida judía.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/valor-central-educacion-judaismo/6009418/
Rodman Edward Serling, más conocido como Rod Serling, nació
en Siracusa, Estados Unidos, el 25 de diciembre de 1924, y murió en Rochester,
Estados Unidos, el 28 de junio de 1975. Guionista y productor de televisión.
El sitio www.medium.com
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El legado de Rod Serling
Detrás del creador de “Twilight Zone”
Con un producto tan icónico como la Dimensión Desconocida (The
Twilight Zone), donde generaciones de cineastas, realizadores y escritores han
encontrado consuelo e inspiración en sus historias, cualquier oportunidad es
apropiada para homenajear al hombre detrás del proyecto.
 |
| Rod Serling escribiendo en su hogar en 1965. |
Pero primero, ¿qué sabemos tanto de Rod Serling? ¿Cuál es la importancia de su legado en la ciencia ficción e incluso la historia de la televisión?
Un hombre producto de su tiempo.
Rodman Edward Serling nació en Nueva York en 1924 y fue el
segundo hijo de una familia judía, su padre se convirtió en carnicero después
de la Gran Depresión y su madre una ama de casa. En su juventud mostró interés
por la escritura, al estar involucrado en el periódico escolar, también
practicaba deportes regularmente como boxeo y se involucraba en importantes
causas sociales del momento gracias al equipo de debate.
Producción del episodio “The Purple Testament” de The Twilight Zone — CBS.
Al terminar la preparatoria, lo primero que hizo fue alistarse en el ejército en vez de ir a la universidad en 1943. El sobrevivir la Segunda Guerra Mundial no solo fue una experiencia que le daría una perspectiva muy personal sobre los conflictos bélicos o la muerte. También ganó cicatrices y una herida en la rodilla que lo acompañaría el resto de su vida.
Rod Serling en The Twilight Zone, CBS en 1963.
El nacimiento de un escritor para televisión.
Después de la guerra, Serling fue condecorado con honores,
logró matricularse y obtener un título universitario en mención Literatura. Al
poco tiempo supo hacerse de una carrera escribiendo para la radio, aunque
rápidamente hizo la transición a la televisión. Nunca paró de escribir
independientemente de sus responsabilidades, incluso durante su servicio en el
ejército.
Ganando un Emmy por un episodio de la serie dramática Patterns , llegó a formarse una reputación y junto con ella también una fama por su mal carácter, debido a discusiones que constantemente tenía con ejecutivos o patrocinadores. Al principio su frustración venia de pequeños cambios de palabras e interrupciones para mencionar algún producto, pero luego se convirtió en una guerra personal contra la censura.
Desde la perspectiva de Serling, cada vez que intentaba hablar de un conflicto social y político trascendental (como retratar el problema del racismo en el sur de Estados Unidos) esto terminaba siendo desechado por considerarse escandaloso e incendiario. La forma que encontró para tener más libertad creativa fue adquiriendo completo control creativo en su propio programa.
Fotograma del episodio de Twilight Zone: “Eye of the Beholder'” escrito por Rod Serling. Actores (Izquierda a derecha): Donna Douglas, Janet Tyler y William D. Gordon. - CBS.
El nacimiento de “La dimensión desconocida”
Mucho se ha debatido si Serling pretendió ser un escritor de
ciencia ficción, debido a que todo su trabajo previo estaba enfocado a escribir
dramas desde una perspectiva realista. Sin embargo, el género de lo fantástico
y lo posible al final terminó siendo una excusa conveniente que le permitió
hablar de los temas de relevancia política que siempre quiso tratar, solo que
de una manera “sutil”.
Al verso negado a usar ciertos términos por culpa de la censura televisiva, el uso de la alegoría se hizo presente en muchos episodios de la Dimensión Desconocida. Claramente había parodias y representaciones de temas relevantes de aquella época; como la paranoia nuclear, el racismo y el macartismo. Serling dijo una vez; “un marciano puede decir cosas que un republicano o un demócrata simplemente no pueden decir”.
Fotograma del episodio de Twilight Zone: “Pesadilla a 20,000 pies” con William Shatner – CBS.
La serie original contó con cinco temporadas y un total de 156 episodios, todas historias auto concluyentes que podían variar entre los géneros de la fantasía, la ciencia ficción y en ocasiones, el terror. Muchos relatos se caracterizaban por esconder una moraleja o contar con algún giro sorpresivo y uno de los sellos distintivos era el que Serling apareciera al principio cumpliendo el rol de presentador frente a la cámara.
El propio Serling escribió 92 episodios, pero también se encargó de buscar escritores de la época tales como Richard Matheson, Charles Beaumont e incluso Ray Bradbury para que se unieran a la serie trabajando en calidad de guionistas.
Fotograma del episodio de Twilight Zone: “Caesar and Me” con el actor Jackie Cooper. - CBS.
El legado de la serie original.
Fue un proyecto con muchos problemas de producción durante
cada temporada y no siempre contó con el rating de audiencia que necesitaba;
pero por la relevancia de sus historias, su ingenio y la cantidad de
profesionales conocidos en la industria que estuvieron involucrados sirvieron
para ganarle un estatus histórico dentro de la televisión.
Rod Serling en 1960.
Después de su cancelación, Serling volvió a escribir para los géneros de ciencia ficción y terror con el guión original de “El Planeta de los simios” y otra serie antológica llamada “La Galería Nocturna” que no tuvo el mismo éxito o impacto anterior, pero con anécdotas interesantes, incluyendo uno de los primeros créditos de Steven Spielberg.
De hecho, generaciones de cineastas Spielberg y Coppola fueron inspiradas por episodios de la Dimensión Desconocida. La serie no solo ha llegado a tener una infinidad de homenajes sino también una película y varios relanzamientos, como la versión de 1985 que duró tres temporadas, otra en el 2002 con Forest Withaker y la más reciente con Jordan Peele en el 2019.
Es evidente que todo el legado de Serling sigue vivo en nuestro imaginario colectivo y quizás seguirá inspirando futuras creaciones.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el clip de apertura y el primer capítulo de la serie La Dimensión Desconocida.
Johann Evangelist Holzer nació en Burgeis, Tirol del Sur, Italia,
el 24 de diciembre de 1709, y murió en el Castillo de Clemenswerth, Alemania,
el 21 de julio de 1740. Pintor.
El sitio www.artvee.com
publicó este recordatorio
Johann Evangelist Holzer fue un pintor austríaco-alemán.
Holzer nació en Burgeis, Mals, en el valle de Vinschgau en
Tirol del Sur, como hijo de un molinero. Lo enviaron a realizar un curso de
estudios clásicos en la abadía de Marienberg, pero deseaba estudiar arte; un
retrato que pintó de Johann Baptist Murr, entonces abad de la abadía, convenció
a su padre de ceder a sus deseos. Estudió con Nikolaus Auer y progresó
rápidamente. A la edad de 18 años pintó el retablo de la iglesia de la Abadía
de Marienberg, representando a San José como patrón de los afligidos, los
enfermos y los moribundos. Luego fue a Straubing, donde aprendió con Joseph
Anton Merz a pintar frescos, lo que se convertiría en la principal fuente de su
fama posterior. Ayudó a Merz a pintar los frescos de la abadía de Oberalteich
y, mientras estuvo en Straubing, también pintó a San Antonio de Padua para la
iglesia franciscana de allí.
Después de este período se fue a Augsburgo, donde permaneció
durante seis años con Johann Georg Bergmüller y se hizo considerablemente más
conocido. Sus servicios fueron especialmente solicitados en Augsburgo para
pintar frescos para edificios públicos y exteriores de casas, aunque pocos de
ellos sobreviven actualmente. Entre sus obras en otros lugares se encuentran un
fresco en el salón del jardín del obispo de Eichstädt, un retablo de la
Jesuitenkirche en Eichstädt, un retablo que representa a San Miguel en la
iglesia abacial de Diessen y un fresco en la iglesia de San Antón en
Partenkirchen. Sus últimas y más importantes obras son los frescos de la abadía
de Münsterschwarzach. En el momento de su muerte, Clemens August de Baviera le
había encargado a Holzer pintar frescos en la Hofkirche de Clemenswerth, pero
murió en 1740 antes de su llegada allí.
