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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Frederick William Schneider III, más conocido como Fred Schneider, nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 1 de julio de 1951. Cantante, guitarrista y tecladista.
Frederick William Schneider III (nacido el 1 de julio de 1951) es un cantautor estadounidense y líder de la banda de rock The B-52s, de la cual es miembro fundador. Schneider es conocido por su sprechgesang, que desarrolló recitando poesía acompañado de guitarras.
Primeros años de vida
Frederick William Schneider III nació el 1 de julio de 1951 en Newark, Nueva Jersey, y vivió en Long Branch, Nueva Jersey, después de mudarse allí desde Belleville, Nueva Jersey. Ha dicho que sus influencias musicales incluían "canciones de Halloween y canciones navideñas extravagantes", junto con Motown. Después de graduarse de Shore Regional High School, asistió a la Universidad de Georgia, donde escribió un libro de poesía para un proyecto de clase. Después de la universidad, fue conserje y conductor de Meals on Wheels. Cuando se formaron los B-52s, tenía muy poca experiencia musical.
A principios de la década de 1970, Schneider trabajó en Ort's Oldies, una tienda de discos en Athens, Georgia, dirigida por William "Ort" Carlton.
Los B-52
Schneider con los B-52
Los B-52s comenzaron su andadura en 1976 cuando sus fundadores, Cindy Wilson, Ricky Wilson, Kate Pierson, Keith Strickland y Schneider, improvisaron una canción tras beber en un restaurante chino en Athens, Georgia. La banda dio su primer concierto oficial en 1977 en una fiesta de San Valentín para sus amigos.
El primer sencillo de la banda fue "Rock Lobster", grabado por DB Records en 1978. Fue un éxito underground, y vendió más de 20.000 copias en total. En 1979, los B-52 firmaron un contrato discográfico con Warner Bros. Records para Sudamérica, Norteamérica, Australia y Nueva Zelanda. También firmaron con Island Records para Europa y Asia. Tras la muerte de Ricky Wilson en 1985, la banda se tomó un descanso. Se reunieron en 1989 y alcanzaron el éxito comercial.
Otros proyectos musicales
Schneider ha publicado dos álbumes en solitario: Fred Schneider and the Shake Society (1984, reeditado en 1991 como Fred Schneider) y Just Fred (1996), del primero de los cuales surgió el sencillo y el vídeo "Monster", en el que participó Pierson en los coros. También trabajó en un proyecto paralelo llamado The Superions , que publicó un EP homónimo y el álbum Destination... Christmas! en 2010. En febrero de 2011, la banda anunció que estaba trabajando en un álbum de larga duración, que finalmente se publicó en 2017 con el título The Vertical Mind.
Radio
Hasta finales de 2008, Schneider presentó un programa llamado Party Out of Bounds que se emitía los viernes por la noche, de 9 p. m. a 12 a. m. (ET), en Sirius 33 First Wave. En el programa, Schneider ponía una mezcla de música dance de la era new wave, remezclas y rarezas, intercaladas con anécdotas y humor.
Vida personal
En julio de 2012, Schneider vivía en Long Island, Nueva York.
En la emisión del 22 de febrero de 2010 de The Howard Stern Show, Schneider habló sobre su experiencia al confesarle a su madre que era gay. Schneider contó que su madre siempre supo más de él que él mismo, y que salió del armario mientras ella aspiraba. Su madre respondió: "Ah, ya lo sé, Freddie", y continuó aspirando. La reacción de Schneider fue: "Bueno, está bien. Supongo que volveré afuera a fumar un poco de marihuana".
Schneider es vegetariana de toda la vida y en 2014 apareció en una campaña publicitaria de PETA que desaconsejaba el consumo de langosta.
En mayo de 2023, Schneider recibió un doctorado honoris causa del Five Towns College en Dix Hills, Nueva York, por sus contribuciones a la industria musical.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Who Threw That Ham At Me. Fred Schneider & the Superions.
Harold Andrew Lindes, más conocido como Hal Lindes, nació en Monterey, California, Estados Unidos, el 30 de junio de 1953. Cantante, compositor y guitarrista.
Hal Lindes sobre Dire Straits: "Me conquistaron con Sultans Of Swing".
Hal Lindes es probablemente más conocido por su trabajo como miembro de Dire Straits, banda a la que perteneció desde 1980 hasta 1985. Sin embargo, tras dejar el grupo, forjó una exitosa carrera como compositor de bandas sonoras para cine y televisión. En esta entrevista, reflexiona sobre sus primeras impresiones de Dire Straits, explica cómo Tina Turner terminó grabando «Private Dancer» y nos habla de su colección de guitarras y amplificadores.
Fuiste miembro de tiempo completo de Dire Straits durante cinco años en los años 80; ¿cómo llegaste a unirte a la banda?
Cuando David [Knopfler] dejó la banda, me llamaron para preguntarme si me interesaba ir a tocar con ellos. Dije: "¡Claro que sí!", porque Mark [Knopfler] estaba en su mejor momento. Como guitarrista, quería verlos y comprobar de primera mano por qué eran tan populares. Me alegró mucho que me invitaran, aunque no sabía muy bien qué esperar.
El ambiente era súper relajado y no había nadie más que la banda; no estaban haciendo audiciones a mucha gente. Creo que solo vieron a una persona antes que a mí. Era un lugar antiguo y con mucho encanto, con una ventana enorme con vistas al Támesis; había una atmósfera genial.
Uno a uno, cada uno de los miembros se acercó y se presentó, y charlamos un rato, así que fue más bien un encuentro social que un simple "coge tu guitarra y toca". Enseguida me di cuenta de lo bien que me caían. Todos son muy interesantes y nos llevamos de maravilla. En un momento dado, Mark dijo: "¿Te apetece tocar un rato?".
¿Qué sucedió después?
Me dio un Walkman, que era algo muy importante en aquel entonces. Nunca había visto uno. Había leído sobre él, así que que me dieran un Walkman fue todo un acontecimiento. Me dijo: «Escucha esto, y no te preocupes por los cambios, simplemente capta la esencia». Por supuesto, la canción era «Tunnel Of Love», ¡y esos cambios no son para los débiles de corazón! Así que estaba escuchando aquello y pensé: «¡Madre mía!». Y esa fue la primera canción que tocamos, «Tunnel Of Love». Fue simplemente increíble; fue explosivo.
Había química y nos compenetramos a la perfección. Creo que todos sabíamos que esto era lo nuestro. Luego tocamos un par de canciones más. Era verano, alrededor de agosto, así que todavía había noches muy largas y se podía ver la puesta de sol sobre el Támesis a través de esa gran ventana. El sol empezaba a ponerse, era una gran bola roja de fuego y tocamos Sultans Of Swing.
Ese fue probablemente uno de los momentos más mágicos que viví con la banda. Me conquistaron con "Sultans". Después, Mark me preguntó: "¿Quieres tomar una copa de vino?". Así que fuimos a un bar de vinos y estuvimos charlando, y al final me dijo: "¿Quieres volver mañana?". Y yo le dije: "Vale".
Al mismo tiempo que yo hacía la audición, un teclista llamado Alan Clark también estaba audicionando. Empezamos la gira en Canadá y luego fuimos a Estados Unidos. En un momento dado, mientras desayunábamos con Alan, le dije: «Nunca me pidieron oficialmente que me uniera a la banda», y él me respondió: «Sí, es curioso que digas eso, porque a mí tampoco». Lo único que Alan y yo recibimos fue: «¿Quieren volver mañana?».
Así que fuimos a ver a Ed Bicknell y le preguntamos: "¿Conseguimos el trabajo o qué?". Él se rió y dijo: "¡Por supuesto que están en la banda!". Pero eso demuestra lo informal que fue todo.
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Ese fue probablemente uno de los momentos más mágicos que viví con la banda; me conquistaron desde el primer momento con "Sultans Of Swing".
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Mark Knopfler compuso «Private Dancer», que fue grabada por Tina Turner. ¿Cómo surgió tu participación en esta canción y cómo se convirtió en una canción de Tina Turner?
Ensayábamos en el mismo sitio junto al río y Mark tenía unas veinte canciones, todas geniales. La idea original era que Love Over Gold fuera un álbum doble, y Private Dancer era una de ellas. Era muy diferente a Dire Straits, pero me encantó la letra sobre ser bailarina privada y contarla desde la perspectiva femenina.
En muchas de sus canciones, Mark adopta un personaje y lo hace bien, pero creo que fue un poco excesivo intentar imitar el personaje de una bailarina. Hice mucha campaña con Mark; no paraba de decirle: "¡Vamos, tenemos que hacerlo!". Pero, por desgracia, no se concretó. Se grabó, pero quedó archivada. Luego, el mánager de Tina estaba buscando compositores para el álbum de Tina y se reunió con Ed y le preguntó si Mark tenía algo.
Él me dijo: "En realidad, Mark tiene una canción que sería perfecta para ella", y así fue como terminé participando en la versión de Tina. A ella le encantó nuestra versión, pero no pudieron usarla porque se grabó bajo nuestro contrato con la discográfica, así que la discográfica era la propietaria.
Ella quería que lo recreáramos exactamente como lo habíamos grabado, pero el problema era que Mark no estaba disponible, así que al final tuvimos que usar al resto de la banda sin Mark.
Como eran estadounidenses, querían un guitarrista estrella, así que contrataron a Jeff Beck para el solo. Yo le di un toque más bailable; es como si estuviera haciendo mi propia versión de un ritmo de Nile Rodgers. La versión de Mark era increíble. Nunca la publicaría, pero ojalá lo hiciera. Creo que incluso hoy en día, se saldría con la suya sin problemas.
Parece probable que tengas una envidiable colección de guitarras…
¡Tengo un problema! Necesito terapia [ríe]. Intento esconderlas como un alcohólico que esconde sus botellas de alcohol. Mi esposa no tiene ni idea, pero de vez en cuando me dice: "¿Sabías que hay tres estuches de guitarra debajo de la cama?". Y yo le digo: "¿Ah, sí? ¡Guau! ¿Cómo es posible?".
Creo que la broma es algo así como: "Solo me falta una guitarra". Pienso que va más allá de una simple guitarra; te transporta a tu juventud. Tengo una Gretsch Duo Jet roja que conseguí cuando estaba en Dire Straits y que solía usar en el escenario.
Esa guitarra, hasta el día de hoy, es mi favorita. Es fenomenal. No suena exactamente como una Gretsch, ni como ninguna otra. Tiene un tono único y muy musical. De hecho, Mark la tocó en la grabación de Two Young Lovers y Twisting By The Pool. También soy un gran fan de la Telecaster; no sé qué tiene, es tan sencilla. Solo tiene un par de perillas y un par de pastillas; si no puedes hacerlo con una Telecaster, probablemente no podrás hacerlo con ninguna otra.
Me encantan las cosas raras, como las guitarras barítono y las guitarras de cuerdas agudas, que básicamente son las seis cuerdas superiores de una guitarra de 12 cuerdas sin las seis inferiores; así que tocas una octava más arriba de lo normal. También me encantan los ukeleles y la mandolina.
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Solo quiero escuchar el sonido que tengo en la cabeza, y por alguna razón, los altavoces Celestion lo consiguen.
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¿Cuál es el primer momento de tu carrera en el que recuerdas haber tocado con un altavoz Celestion?
En mi adolescencia tocaba en una banda de club y actuábamos seis noches a la semana. Me compré un amplificador Marshall, y ni me imagino cómo lo usaba en una discoteca. ¡Debía de ser altísimo! ¡Me sorprende poder oírte! Pero me encantaban los altavoces. Recuerdo que había cuatro, y en aquella época, con pantalones acampanados, intentábamos que vibraran con la presión del viento que salía de los altavoces.
Sonaban fenomenal al subir el volumen al máximo, pero también, al bajarlo, se obtenía un sonido nítido, musical y cálido. Quité la tapa trasera y vi unas cosas verdes que no tenía ni idea de qué eran. Eran altavoces Celestion [G12H] verdes.
Más tarde conseguí un Vox AC-30, que, cuando dejé de usar el Marshall, se convirtió en mi amplificador favorito. Usaba altavoces Vox Bulldog azules, y no tenía ni idea de que eran Celestion, pero años después descubrí que, efectivamente, también lo eran.
Esos eran mis dos altavoces favoritos, los Greenbacks y los Bulldogs, y descubrí que, si los ponías en un amplificador Fender, el resultado era espectacular. Uno de mis amplificadores favoritos es un Fender Super Champ, que salió en los años 80.
Tengo un Celestion G10 Greenback instalado y es fenomenal. Es uno de los mejores amplificadores que he escuchado, y lo uso casi siempre. Tengo un armario lleno de amplificadores, pero ese es el que más utilizo. También tengo un Fender Deluxe Reverb con un Greenback, que suena de maravilla.
¿Qué es lo que te atrae del sonido de Celestion ?
No quiero oírlo; no quiero oír ningún matiz. Solo quiero oír el sonido que tengo en la cabeza, y por alguna razón, los Celestion lo consiguen. No es como si dijeran: «Sí, tiene unos medios atenuados y unos graves potentes». Simplemente conecto la guitarra y digo: «Sí, suena genial», y ya está. No lo analizo.
Si pones otros altavoces, piensas: "Sí, está bien, no hay problema". Pero hay algo en los Celestion que simplemente me funciona. No lo cuestiono. Mucha gente suele pensar que los Celestion son para tocar a todo volumen, porque buscan ese sonido crudo y distorsionado, pero yo toco con un sonido bastante limpio.
Toco mucho con los dedos y el sonido es excelente y nítido. Los tonos nítidos pueden ser complicados porque no quieres que suenen delgados ni estridentes. Buscas un sonido con cuerpo, rico, con mucha personalidad y calidez. Y eso es Celestion: no hay nada que se le acerque.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Sultans Of Swing.
Shalom – Los ayunos en el judaísmo, El 17 de Tamuz
Hoy en Shalom exploramos el significado de los ayunos en el judaísmo, su origen bíblico y talmúdico, quién los practica y cómo se viven hoy. De la mano del rabino Abraham Medina nos centramos en el ayuno del 17 de Tamuz, inicio de un periodo de reflexión.
Elmer Figueroa Arce, más conocido como Chayanne, nació en Río Piedras, Puerto Rico, el 28 de junio de 1968. Cantante, compositor, guitarrista, bailarín y actor.
El sitio www.prpop.org publicó su biografía firmada por Javier Santiago.
Con más de 25 Discos de Oro, 30 de Platino, premios MTV Latino, Cemí, Paoli, Bravo, Antorcha de Plata; dos nominaciones al Grammy; actuaciones en tres largometrajes y en cinco telenovelas; más de 500 semanas en las listas de Billboard; y más de cinco millones de discos vendidos en el mundo; Chayanne es una de las figuras de mayor impacto en el pop contemporáneo.
Sus comienzos en el arte se remontan a la década del 70. Al son de la poesía "Danza negra" del inmortal Luis Palés Matos, el entonces niño de nombre Elmer Figueroa Arce dio sus primeros pasos tras su futura vocación en la Escuela Manuel Cruz del Barrio Espino de San Lorenzo.
Corría el año 1975, el grupo infantil español La Pandilla estaba en pleno apogeo y Elmer apenas cumplía siete años de edad. Pero lo que nadie sospechó fue que aquel inquieto niño, a quien su progenitora apodó Chayanne por la serie televisiva del mismo nombre, iba a estar destinado a convertirse en una de las grandes figuras del mundo artístico puertorriqueño.
Chayanne nació en Río Piedras un 28 de junio de 1968. Hijo de la maestra escolar doña Irma Luz Arce y don Quintino Figueroa, gerente de ventas, su infancia transcurrió sanamente en el pueblo de San Lorenzo rodeado de sus hermanos Kenny, Clarita, Elliot y Noel.
Fue junto a ellos que Chayanne entró en contacto directo con la música. Mientras su hermana tocaba la guitarra y otro de sus hermanos tocaba el acordeón en el coro de la iglesia, el niño tomó la pandereta y comenzó a acompañarlos en distintas actividades de la iglesia.
Mas un día Chayanne acompañó a su hermana Clara a una audición profesional. Y cuál sería su sorpresa cuando fue él el escogido a formar parte de un proyecto musical llamado Los Chicos.
En plena era dorada del reinado de Menudo, Los Chicos le brindaron a Chayanne el taller que necesitaba para descubrir su verdadera vocación por el arte. La experiencia le dio al artista exposición nacional e internacional. Con Los Chicos viajó a Centro y Suramérica. Y de igual forma grabó cinco producciones discográficas y participó en el largometraje "Conexión Caribe".
Su experiencia con Los Chicos concluyó a finales de 1983. En ese periodo, Chayanne, que ya había conocido la fama en diversos países, comenzó a caminar nuevos rumbos como solista. De la mano de Gustavo Sánchez Mas, el carismático joven firmó contrato de exclusividad con el sello RCA/Ariola y comenzó a abrirse paso por méritos propios.
Con el lanzamiento de su primer álbum como solista, el joven boricua comenzó su plan de conquista vía Centroamérica. Bajo el título de "Chayanne es mi nombre", su producción para Ariola irrumpió en las ondas en 1985 con el tema "Y qué culpa tengo yo". Con vídeos filmados en Costa Rica y México, su relación con la multinacional produjo dos años más tarde el álbum "Sangre latina". Pero, aunque Chayanne había trascendido en las ondas centroamericanas, su difusión en Puerto Rico aún no se había dado con fuerza.
En 1987 Chayanne firmó contrato con la división de Nueva York de la multinacional Sony Discos (entonces CBS Internacional). Al son del tema "Fiesta en América", que eventualmente fue editado en una versión bailable del programador de música ("disc jockey") Pablo Flores, Chayanne comenzó a aumentar su popularidad. Canciones como "Para tenerte otra vez", "Violeta" y la balada "Peligro de amor", fueron éxitos de peso en el pentagrama internacional. De la misma manera, éste se convirtió en su primer álbum editado en portugués, mientras en el Festival de Viña del Mar ganó la Antorcha de Oro, otorgada por el público asistente.
Un año más tarde, Chayanne se consolidó con su segunda producción para Sony, que incluía éxitos como "Fuiste un trozo de hielo en la escarcha", "Este ritmo se baila así", "Fantasías" y "Tu pirata soy yo". Este último sirvió de tema para la telenovela "Sombras del pasado", en la cual el propio artista compartió estelares con el primer actor puertorriqueño Daniel Lugo y con Alba Nydia Díaz.
Chayanne, quien llamó la atención de los medios con su actuación en la telenovela, ya había probado suerte con anterioridad en el mundo del drama y la comedia. En México había actuado en el melodrama "Pobre juventud", mientras en Puerto Rico, en otras etapas, había laborado en la telenovela "Tormento", la comedia "Los nietos y los suegros" de Wapa Televisión y la aclamada miniserie "Las divorciadas".
Fue durante 1988 que Chayanne se convirtió en figura exclusiva de la compañía Pepsi. De esta forma, la firma gaseosa estrenó su campaña publicitaria la noche de entrega de los Grammy, transmitiendo así el comercial de costa a costa en los Estados Unidos en versiones en español e inglés.
Ese mismo año, Chayanne ganó el primer premio que la compañía MTV dedicó a un artista latino, por su vídeo "Este ritmo se baila así". Igualmente, esta producción, que se mantuvo durante 65 semanas en las listas de la popularidad, le ganó su primera nominación al Grammy en la categoría pop balada latina en 1989.
Al asomarse el año 1990, Chayanne abrió la década con un clásico en su repertorio: "Tiempo de vals". Presentando un excelente vídeo del tema compuesto por Nacho Cano, la producción discográfica logró sobresalir con canciones como "Completamente enamorados", "Daría cualquier cosa", "Simon Sez", "Soleil, soleil" y "No pensar en ti".
Un Chayanne más maduro y sensual apareció en 1991 con el álbum "Provócame". La producción se destacó en las ondas con los temas "El centro de mi corazón", "Todo el mundo necesita un beso", "Extasis" y la canción que dio título a la producción. Al margen de esta grabación, y de su repercusión en el pentagrama internacional, el cantante fue nombrado Embajador Especial de la Fundación Internacional de Inmigrantes ante las Naciones Unidas, en 1992.
En Puerto Rico, "Provócame" dio paso a una exitosa presentación en el estadio municipal de San Juan, Hiram Bithorn, llenando a capacidad la función. El espectáculo, que cumplió una cargada agenda de 84 presentaciones a través de 17 países, contó con la coreografía de Jerry Evans. Previo a su actuación, en las calles del área metropolitana el pueblo le brindó un recibimiento por su destacada participación en el pentagrama internacional.
Precisamente uno de los momentos más emocionantes de su carrera, lo vivió en noviembre de 1993 cuando, con su espectáculo musical, Chayanne clausuró los Juegos Centroamericanos que se celebraban en la ciudad de Ponce, al sur de Puerto Rico.
Su empuje musical tuvo un alto en 1994 cuando grabó "Influencias"; producción que Chayanne quiso dedicar a todos aquellos cantantes que, de una forma u otra, habían marcado musicalmente su vida. Canciones como "La vida sigue igual" de Julio Iglesias, "Amada amante" de Roberto Carlos, "Querida" de Juan Gabriel, "Una muchacha y una guitarra" de Sandro y "Pedro Navaja" de Rubén Blades, formaron parte de un escogido musical que tuvo una tibia recepción en los medios. A este revés se sumó entonces su rompimiento con su hasta entonces manejador, Gustavo Sánchez Más. Y ante el proceso, la carrera de Chayanne tuvo un lapso de silencio en lo que el joven artista estructuraba toda su base de operaciones.
En medio del proceso, Chayanne se convirtió en el primer cantante de su generación en aparecer en las páginas de la revista dedicada a la belleza masculina "Playgirl". Sin "destaparse" Chayanne ocupó la portada de la publicación mientras revistas como "People" reconocieron el talento del boricua en sus páginas.
Sin embargo, el momento de mayor gloria en este periodo para el joven artista fue su aparición en el largometraje "Linda Sara". Compartiendo estelares con Dayanara Torres, Miss Universo 1993, Chayanne coronó su sueño de protagonizar un largometraje en su País. En la producción, el joven sanlorenceño fue dirigido por Jacobo Morales, cineasta puertorriqueño cuya película "Lo que le pasó a Santiago" fue nominada en 1990 al Oscar como Mejor Película Extranjera.
"Linda Sara" tuvo una exitosa temporada en las carteleras de cine nacional. De la misma manera mereció el Premio a la Mejor Contribución Artística del Festival de Cine Latinoamericano de Trieste, Italia y el Premio del Público en el Festival de Cine de Mar del Plata en Argentina. Igualmente, la banda sonora de la producción incluyó su interpretación de la danza puertorriqueña "Linda Sara".
En 1996 una nueva producción, "Volver a nacer", reubicó a Chayanne en primeros planos de la popularidad musical. Temas como "Sólo traigo mi ritmo", "Tal vez es amor", "Baila, baila", "Solamente tu amor" y el propio tema central de la grabación, fueron difundidos ampliamente en los medios.
"Volver a nacer" dio paso a la contratación de Chayanne por parte de Televisa en México. Como artista exclusivo de la empresa televisiva, el ídolo boricua protagonizó la telenovela, de corte autobiográfico, que llevó el título de su producción musical.
En plena reconquista del favor popular en el mundo hispano, Chayanne inició una nueva gira que lo cubrió de éxitos en toda Latinoamérica. De la misma manera, en su natal Puerto Rico regresó al estadio municipal Hiram Bithorn para arrancar aplausos de su fanaticada con su espectáculo.
En medio del renacer de su carrera musical, Chayanne irrumpió con fuerza en el cine estadounidense en la producción "Dance with Me". Contando con Vanessa Williams como coestrella, el versátil artista cautivó a la crítica con su actuación y sus bailes. Y también formó parte de la banda sonora de la producción cantando con Williams el tema "You're My Home" ("Refugio de amor"), en versiones en inglés y español.
Al acercarse a las postrimerías de la década, Chayanne reforzó su presencia en el pentagrama mundial con el lanzamiento de su séptima producción como solista, "Atado a tu amor". Con un despliegue de fuerza respetable, el pentagrama hispano recibió con beneplácito sus interpretaciones como "Dejaría todo", "Atado a tu amor", "Nadie como tú" y "Refugio de amor". Pero entre todas ellas ha sido "Salomé" el tema que le ha despuntado hacia los primeros lugares, llevándolo a conquistar, finalmente, el mercado español.
En pleno plan de reconquista, "Atado a tu amor" le valió de una segunda nominación al Grammy en la categoría balada pop latina, en 1999. En dicho renglón compitió con figuras como José Feliciano y el ídolo boricua mundial, Ricky Martín, siendo este último acreedor de la presea por su producción "Vuelve".
En el año 2000, su gira internacional le cosechó laureles en España, donde llenó numerosas plazas de toros con sus conciertos. Al cruce de los Pirineos, el cantante boricua debutó en suelo francés, marcando así su primera incursión en este país. Mientras en América, Chile le volvió a abrir las puertas consagrándolo una vez más en la cuna de su carrera internacional: el festival de Viña del Mar.
Autor Javier Santiago
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Salomé.
Asier Etxeandia, un gran nombre de la televisión y el cine español del siglo XXI
Asier Gómez Etxeandia (Bilbao, 1975) aunque inicialmente su sueño era ser cantante, se convirtió en un actor habitual de la pequeña pantalla que ha ido ganándose un nombre y un hueco en la gran pantalla.
Realizó sus estudios de interpretación en Vizcaya y con 20 años se mudó a Madrid. Mientras seguía con sus estudios en la ciudad madrileña, trabajó como encargado en un sex shop hasta que en 1995 fue como concursante al programa presentado por Goyo González, Uno para todos.
Debutaría en la primera temporada de Un paso Adelante dando vida a Beni, un joven homosexual que quiere convertirse en actor. Aunque solo estuvo una temporada, dejó la serie por temor a encasillarse, creo una gran amistad con Natalia Millán, quien llegado el momento, pensó en él para participar en el musical de Cabaret como Maestro de Ceremonias.
Ha participado en diversas series de televisión como Cuéntame cómo pasó, Motivos personales, Herederos o Los hombres de Paco. Quizás el papel más recordado sea el de Raul de la Riva, un modisto snob que llega a las galerías Velvet para diseñar una colección de moda. Seguiría también en la continuación Velvet Colección.
Cuenta en su filmografía papeles en películas como El Próximo Oriente (Fernando Colomo), Las 13 rosas (Emilio Martínez Lázaro), Musarañas (Juanfer Andrés), Ma Ma (Medem) o Sordo (Alfonso Cortés-Cavanillas).
Pero sería con el segundo largometraje de Paula Ortiz, La Novia, donde llegaría su primera nominación al premio Goya por mejor actor principal por la adaptación de la obra de teatro de Federico Garcia Lorca, Bodas de Sangre.
Su segunda nominación a un Goya ha sido de la mano de Pedro Almodóvar, por Dolor y Gloria. Aunque ya trabajó con el director manchego en Los abrazos roto, la escena donde aparecía fue finalmente eliminada del montaje final.
En el plano musical, ha creado su grupo Mastodonte, junto con Enrico Barbaro y lanzó su disco homónimo con producción propia. Un disco de música conceptual, muy barroco, que no deja indiferente a nadie y con el que están cosechando bastante éxito, recibiendo una nominación a los Grammy latino por mejor video musical versión larga.
En su vida personal, Asier es un hombre muy comprometido con causas sociales. Ha hecho pública su experiencia personal contando el bullying que sufrió en su infancia, tanto por parte de sus compañeros como de sus profesores, y su rechazo al mismo.
Está casado con José Luis Huertas, su pareja desde su juventud. Juntos han fundado la productora Factoría Madre Constriktor, para desarrollar sus proyectos más personales o ayudar a otros artistas.
Su revancha, en propias palabras del actor, ha sido “… que los niños que me pegaban acabaran bailando lo que yo cantara…”
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Blue Velvet y Tú te me dejas querer.
Christopher Joseph Isaak, más conocido como Chris Isaak, nació en Stockton, California, Estados Unidos, el 26 de junio de 1956. Cantautor, guitarrista y actor.
A lo largo de su carrera, Chris Isaak ha publicado nueve álbumes extraordinarios, doce sencillos, ha sido nominado a dos premios Grammy, ha actuado en varias películas y ha protagonizado su propia serie de televisión, muy aclamada por la crítica. Sus legendarios espectáculos con su legendaria banda Silvertone han entretenido a decenas de miles de personas durante más de dos décadas. Incluso su pelo tiene su propio club de fans. Y, aun así, este muy elogiado artista de ventas de platino del Herald nunca ha lanzado un álbum de grandes éxitos.
Es difícil de creer, ¿no? Bueno, a diferencia de algunos artistas que lanzan un paquete de grandes éxitos después de, digamos, su segundo álbum, Isaak esperó hasta que tuvo suficientes éxitos para describir legítimamente la colección como tal.
"¿No debería una colección de grandes éxitos después de dos discos llamarse 'Greatest Hit'?" Isaak pregunta. "Supongo que siempre he estado muy ocupado haciendo discos. Además, toma un tiempo antes de que realmente quieras compilar todo. Pero después de repasar todas las canciones para hacer lo mejor, siento que tenemos buen material."
Buen material. Es el típico autodesprecio de Isaak, es mucho más que cosas buenas. Best Of Chris Isaak -el CD y el DVD que lo acompaña, que contiene 18 video clips de directores tan estimados como Gus Van Sant, Bruce Weber, Herb Ritts, Mary Lambert y Jean-Baptiste Mondino- lleva a los oyentes a un gratificante viaje musical a través de las dos décadas de carrera del nativo de Stockton, California, mostrando sus estelares composiciones; su suave y oscuro barítono (y su tierno falsete que alertará a su perro); y su estilo retro-cool sin esfuerzo.
El álbum muestra los diferentes personajes musicales de Isaak: el rebelde rockabilly ("Dancin'", "Baby Did A Bad, Bad Thing", "Speak Of The Devil"), el cantante con el corazón roto ("Wicked Game", "Somebody's Crying"), y el alegre narrador acústico ("San Francisco Days", "Two Hearts"). Incluye dos nuevas canciones, la elegante "King Without A Castle" y la exhortación de ruptura "Let's Have A Party", así como dos covers: El himno power-pop de Cheap Trick "I Want You To Want Me", un favorito en vivo que no estaba disponible en ninguno de sus CDs ("Es divertido hacer algo un poco diferente para mí", dice Isaak), una versión inspirada de la balada clásica de su héroe Roy Orbison "Only The Lonely", y una conmovedora versión acústica nunca antes escuchada de "Forever Blue".
"Qué tipo tan dulce era Roy", dice Isaak. "Abrimos para él una vez y después del show le dije: 'No sé si escribo éxitos o no', y me dijo: 'Escribes éxitos, pero no lo sabes'". Era exactamente lo que necesitaba oír en ese momento para seguir adelante durante otro año".
Eso fue antes de que el famoso director David Lynch usara "Wicked Game", una balada de repuesto y malhumorada del tercer álbum de Isaak, "Heart-Shaped World", en la película "Wild At Heart". La canción llegó al Top Ten en 1991, y el videoclip dirigido por Herb Ritts, que presentaba al cantante rodando por la playa con una Helena Christensen en topless, convirtió a Isaak en una estrella. "'Wicked Game' realmente nos puso ahí fuera", dice. "Estábamos en la carretera en ese momento, y tuvimos que deshacernos de nuestra camioneta y subirnos a un autobús. Por primera vez en años, ¡dormimos un poco!"
Otro éxito significativo incluido en Best Of es la balada con sabor a sur de la frontera "Somebody's Crying" de Forever Blue de 1995 (tanto el single como el álbum fueron nominados a los premios Grammy en 1996). "Escribí esa canción en un armario", dice Isaak. "Acababa de romper con alguien y no había salido mucho de casa. Un amigo mío estaba haciendo una fiesta y en cuanto llegué me di cuenta de que no quería estar allí. La casa tenía un gran vestidor en el pasillo, así que entré, cerré la puerta y sáb. me metí debajo de los abrigos. Había una guitarra apoyada en la pared de atrás. Empecé a afinarla y escribí 'Somebody's Crying'".
Luego está el rockero fanfarrón y azulado "Baby Did A Bad, Bad Thing" (también de Forever Blue), que se puede escuchar en la película de Stanley Kubrick de 1999 Eyes Wide Shut, protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman. El director le preguntó a Kidman qué música quería para ensayar la escena de striptease. "Nicole había estado escuchando el tema y lo trajo para ensayar", recuerda Isaak. "Stanley dijo: 'Me encanta' y la puso en la película. Le debo a Nicole Kidman un masaje de cuerpo entero".
Entonces, ¿cuáles fueron los criterios de Isaak para la inclusión de una canción en el álbum? "Quería que fuera un disco que la gente quisiera escuchar una y otra vez", dice Isaak. "Intenté elegir las canciones que la gente más pide cuando tocamos en vivo, y luego me aseguré de que estuviera equilibrada entre las melodías lentas y las rápidas".
Mientras revisa los temas, algunos de ellos de mediados de los años 80, Isaak dice que lo que más le impresionó fue la suerte que ha tenido de tener a su alrededor a la gente con la que trabaja, como el productor Erik Jacobsen ("que me enseñó todo lo que sé sobre hacer discos, pero no todo lo que él sabe"), el ingeniero Mark Needham, y sus compañeros de banda de Silvertone, el baterista Kenney Dale Johnson, el bajista Rowland Salley, y el guitarrista Hershel Yatovitz, que han estado con Isaak durante años. "La gente ve mi foto en las portadas de los discos y piensa: 'Chris entra en una habitación y hace un disco'. Pero entro en una habitación y lo hago con estos tipos, que me han apoyado, y tienen buenas ideas y buena energía".
¿Y a qué atribuye la longevidad de su carrera? "Sabes, nunca he intentado saltar a una tendencia, y nunca he tenido que saltar de una", dice. "Trato de hacer lo que se siente bien para cada canción. Así que nunca tengo que decir, 'Bueno, no más disco para mí'".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Wicked Game.
Harold James Melvin nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de junio de 1939, y murió en su ciudad, el 24 de marzo de 1997. Cantante, compositor, arreglador, coreógrafo y pianista.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Steve Huey.
Harold Melvin fue una de las figuras clave del soul de Filadelfia, llevando a su grupo, los Blue Notes, a la cima de las listas durante su etapa en el sello Philadelphia International de Kenny Gamble y Leon Huff. A pesar de que Melvin figuraba como líder, el eje central de los Blue Notes era el vocalista y exbaterista Teddy Pendergrass, cuyo potente barítono adornó las grabaciones del grupo durante sus años de gloria (1972-1975) y les otorgó un sonido verdaderamente distintivo. Su producción abarcaba desde extensas y envolventes pistas de baile proto-disco hasta baladas suaves y conmovedoras, todo ello envuelto en la exuberante producción orquestal de Gamble y Huff. Cuando Pendergrass se marchó para iniciar su carrera en solitario, la suerte comercial de Melvin & the Blue Notes volvió en gran medida a los tiempos anteriores a Pendergrass (de los cuales hubo bastantes), aunque continuaron grabando durante un tiempo. Nunca se disolvieron del todo, y cuando Melvin falleció en 1997, llevaba más de cuatro décadas liderando los Blue Notes.
Melvin nació el 25 de junio de 1939 en Filadelfia. Pianista autodidacta, comenzó a cantar doo wop en su adolescencia con un grupo llamado Charlemagnes, y formó la primera edición de los Blue Notes en 1954. La formación original era un quinteto con Melvin como vocalista principal (durante un tiempo), compositor, arreglista y coreógrafo; irónicamente, abandonaría la mayoría de estas funciones cuando el grupo alcanzó su mayor éxito. Los otros miembros eran el colíder Bernard Williams, Roosevelt Brodie, Jesse Gillis, Jr. y Franklin Peaker. Los Blue Notes grabaron su primer sencillo, "If You Love Me", para Josie en 1956, y lo convirtieron en un éxito regional. Grabaron para varios sellos discográficos durante los años siguientes, principalmente Dot, antes de lograr su primer éxito en las listas de R&B en 1960 con "My Hero" (lanzado por Val-Ue). Numerosos cambios de personal mantuvieron al grupo en constante inestabilidad a pesar de su continua actividad discográfica, y Bernard Williams se separó para liderar lo que él denominó los Original Blue Notes a mediados de los 60. Melvin formó una nueva versión de los Blue Notes centrada en el vocalista John Atkins, quien devolvió al grupo a las listas de R&B en 1965 con el sencillo de Landa "Get Out (And Let Me Cry)". Le siguieron otros lanzamientos en Arctic, Checker y Uni durante el resto de los 60, así como más cambios de personal. A finales de los 60, el grupo salió de gira frecuentemente con los Cadillacs, cuyo joven baterista Teddy Pendergrass se convertiría en el mayor descubrimiento de Melvin.
Pendergrass se unió inicialmente a la banda de acompañamiento de los Blue Notes, pero demostró tal talento vocal que, tras la marcha de John Atkins en 1970, Melvin lo ascendió rápidamente al puesto de vocalista principal. Este cambio les ayudó a conseguir un contrato con el sello Philadelphia International de Gamble y Huff en 1972, justo cuando la compañía se estaba consolidando como el nuevo epicentro de la música soul; la voz de Pendergrass era similar a la del cantante de Dells, Marvin Junior, a quien Gamble y Huff habían intentado fichar con insistencia. Para entonces, los Blue Notes estaban formados por Melvin, Pendergrass, el bajista Lawrence Brown, el barítono Bernard Wilson y el tenor Lloyd Parks. Con Gamble y Huff proporcionando ahora material y producción de primera calidad, Harold Melvin & the Blue Notes se convertirían en uno de los grupos más populares del R&B en los años siguientes. Su álbum debut homónimo incluía principalmente canciones escritas con la esperanza de fichar a Marvin Junior. El primer sencillo, "I Miss You", fue un éxito en las listas de R&B, pero el segundo fue un éxito rotundo: la clásica balada "If You Don't Know Me by Now", que contó con una interpretación vocal conmovedora y que catapultó a la fama a Pendergrass. "If You Don't Know Me by Now" llegó al número uno en las listas de R&B y también se convirtió en su único éxito en el Top 5 de las listas pop; posteriormente, en 1989, Simply Red hizo una versión que se convirtió en un éxito número uno.
Los Blue Notes volvieron a triunfar en 1973 con el tema bailable con arreglos de cuerda "The Love I Lost", considerado por muchos como uno de los primeros discos de música disco; fue su segundo número uno en las listas de R&B y un sencillo pop que alcanzó el Top Ten. El álbum que lo acompañaba, Black & Blue, produjo otro Top Ten de R&B con el siguiente sencillo "Satisfaction Guaranteed (Or Take Your Love Back)". En 1974, Lloyd Parks fue reemplazado por Jerry Cummings, quien debutó en el LP To Be True, que alcanzó el número uno en las listas de R&B. "Where Are All My Friends" y "Bad Luck" continuaron su racha de éxitos en el Top Ten de R&B, y una nueva incorporación al grupo, la vocalista Sharon Paige, los ayudó a regresar a la cima de las listas de R&B en 1975 con el dúo "Hope That We Can Be Together Soon". Otro excelente álbum le siguió más tarde ese año en Wake Up Everybody, cuyo tema principal fue otro número uno de R&B; "Tell the World How I Feel About 'Cha Baby" también alcanzó el Top Ten de R&B, y la canción del álbum "Don't Leave Me This Way" fue versionada posteriormente para un gran éxito disco por Thelma Houston.
Sin embargo, la tensión aumentaba dentro del grupo. Pendergrass, que acaparaba toda la atención, ansiaba figurar por separado en los créditos, pero Melvin, aún la principal fuerza organizadora del grupo se negó. En 1976, Pendergrass dejó los Blue Notes para emprender una carrera en solitario que rápidamente lo convirtió en uno de los mayores sex symbols del R&B. Sharon Paige lo reemplazó como vocalista principal, al igual que el nuevo vocalista masculino David Ebo, cuyo sonido era bastante similar al de Pendergrass. Sin embargo, la partida de Pendergrass también marcó el final de la relación de los Blue Notes con Philadelphia International; sus siguientes grabaciones fueron para ABC, con quienes alcanzaron el Top Ten de R&B en 1977 con el tema principal de Reaching for the World. Sin embargo, este sería su último gran éxito; después de un álbum más con ABC, se unieron a Source, subsidiaria de MCA, en 1979 para grabar dos LP que no lograron reactivar su éxito comercial. Cummings y Wilson se marcharon en 1977, siendo reemplazados por Dwight Johnson y William Spratelly, y Paige y Ebo se fueron en 1980. Aun así, Melvin siguió adelante, grabando un último álbum con material nuevo para Philly World en 1984, titulado con optimismo Talk It Up (Tell Everybody). Tuvo una popularidad moderada en el Reino Unido, pero no la suficiente como para relanzar la banda. Melvin continuó de gira con diferentes formaciones de los Blue Notes durante la década de los 90, y Paige finalmente también regresó al grupo. Lamentablemente, Melvin sufrió un derrame cerebral y nunca se recuperó por completo; falleció el 24 de marzo de 1997 en su querida ciudad natal de Filadelfia.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con If You Don't Know Me By Now.
Adolf Althoff nació en Sonsbeck, Renania, Alemania, el 25 de junio de 1913 y murió en Stolberg, Renania, Alemania, el 14 de octubre de 1998. Maria von der Gathen de Althoff nació en 1908 y murió en 1999 en Alemania. Titulares del Circo Althoff. Justos entre las Naciones.
La familia de Adolf Althoff era propietaria del famoso circo Althoff desde el siglo XVII. Adolf nació en 1913 en el vagón del circo familiar, durante una función. Cuando sus hermanos mayores se hicieron cargo del negocio familiar en 1939, Adolf fundó su propio circo. Poco después se casó con María, quien también provenía de una familia circense. El circo Adolf Althoff, compuesto por aproximadamente 90 artistas y sus familias, realizó giras por toda Europa y mantuvo su actividad regular durante los años de la guerra, viajando de un lugar a otro.
En el verano de 1941, el circo hizo una larga parada para ofrecer una serie de funciones cerca de Darmstadt, en Hesse. Una de las visitantes era una joven llamada Irene Danner. Descendía, por parte materna, de la familia Lorch, una célebre dinastía circense judeoalemana que se había establecido en el pequeño pueblo de Eschollbrücken, cerca de Darmstadt, en el siglo XIX. Su padre no era judío y se había alistado en el ejército alemán. Aunque Irene era medio judía, ella y su hermana fueron consideradas judías según las leyes raciales de la Alemania nazi. Sufrieron una grave discriminación: fueron marginadas por sus compañeros de clase y, tras la Noche de los Cristales Rotos en 1938, fueron expulsadas definitivamente del colegio. Irene tuvo que abandonar sus clases de violín y se le impidió cumplir su sueño de asistir a una escuela de ballet.
A Irene Danner se le cerraban todas las puertas. Por eso, acudió a Adolf Althoff con la esperanza de poder unirse al circo. Aunque Althoff conocía bien su ascendencia judía y a pesar del estricto control del Ministerio de Cultura alemán, accedió a contratarla con un nombre falso. Pronto se enamoró de otro artista circense, un payaso belga llamado Peter Storm-Bento. No podían casarse por las leyes raciales, pero pronto tuvieron un hijo y luego otro.
En 1942, la persecución de los judíos de Darmstadt entró en una nueva y letal fase. El 20 de marzo de 1942 tuvo lugar la primera deportación a Lublin, Polonia, seguida de otras dos en septiembre de 1942 y febrero de 1943. La abuela judía de Irene fue deportada en la última deportación desde Darmstadt y la casa familiar fue confiscada. La madre de Irene, Alice, y su hermana Gerda lograron escapar al circo. Peter Storm-Bento acudió a Althoff y le pidió ayuda para la familia de su compañero. «No teníamos ninguna duda de que les permitiríamos quedarse…», explicó Althoff después de la guerra, «No podía simplemente permitir que cayeran en manos de los asesinos. Eso me habría convertido en un asesino». Les dio cobijo a las tres mujeres en su circo hasta el final de la guerra. Finalmente, se les unió el padre de Irene, Hans Danner, quien, al igual que otros cónyuges en matrimonios mixtos, había sido enviado de regreso a casa desde el frente y obligado a divorciarse de su esposa judía. Danner decidió desafiar a sus superiores y unirse a la vida clandestina de su familia.
Dar refugio a cuatro inmigrantes ilegales durante los años de la guerra era una empresa de alto riesgo. Si bien el relativo aislamiento del circo ofrecía cierta protección contra miradas indiscretas, la Gestapo lo inspeccionaba regularmente al llegar a un nuevo lugar. Los Danner se escondían entonces en las instalaciones hasta que pasaba el peligro. Todo el circo guardaba el secreto. Nadie denunció a la familia, pero los Althoff debían lidiar con la posibilidad constante de una denuncia por parte de algún trabajador descontento. La amenaza se materializó una vez, pero el astuto director del circo supo cómo distraer la atención de los oficiales de la Gestapo con un par de copas, dando a los inmigrantes ilegales tiempo extra para desaparecer.
El 2 de enero de 1995, Yad Vashem reconoció a Adolfo y María Althoff como Justos entre las Naciones.
“Nosotros, la gente del circo, no vemos diferencias entre razas o religiones”, dijo Adolf Althoff al recibir el galardón.
John Ilsley es un músico inglés que alcanzó la fama como bajista de la aclamada banda Dire Straits. Con Dire Straits, John ha recibido múltiples premios BRIT y Grammy, además de un premio Heritage.
Como uno de los miembros fundadores (junto con Mark Knopfler, su hermano David y el baterista Pick Withers), John desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del sonido de Dire Straits.
A lo largo de todo este tiempo, John y Mark fueron los únicos miembros fundadores que permanecieron en la formación de Dire Straits desde 1977 hasta que decidieron poner fin a la banda en 1995. Siguen siendo amigos íntimos y recientemente produjeron un programa, "Guitar Stories", para Sky Arts. Durante su tiempo juntos como Dire Straits vendieron más de 120 millones de álbumes y realizaron extensas giras por todo el mundo. Cuando Dire Straits se tomó un par de merecidos descansos, John lanzó dos álbumes: Never Told a Soul (1984) y Glass (1988). En ambos, Mark Knopfler participó como músico invitado.
Cuando Dire Straits terminó su gira en 1993, John se involucró en el mundo del arte. Tras haberse labrado una reputación como pintor, John realizó exposiciones individuales en Londres, Nueva York, Sídney y en toda Europa.
John descubrió por casualidad al grupo irlandés Cunla en un pub de Leicestershire en marzo de 2005. Actuó con ellos en varias ocasiones, la más destacada el 23 de septiembre de 2006 en la Catedral de la Imagen en Les Baux-de-Provence, Francia. La actuación fue grabada y posteriormente publicada como álbum, Live in Les Baux, en 2007.
En octubre de 2008, John lanzó Beautiful You, un álbum con Greg Pearle de Cunla, seguido de una breve gira por Irlanda. En mayo de 2010 se publicó Streets of Heaven, con la participación de Mark Knopfler y otros músicos. El álbum fue grabado en los estudios British Grove y producido por John y Guy Fletcher.
John fichó a Native Roses para su sello discográfico, Creek Publishing, en febrero de 2011. Produjo su álbum debut junto con Guy Fletcher entre diciembre de 2011 y julio de 2012.
Fue cofundador de la organización benéfica infantil Life Education 1987, que recientemente se integró en Coram, una de las organizaciones benéficas más antiguas del Reino Unido.
John también es propietario de The East End Arms, en New Forest.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Lay Me Down.
La mañana del domingo 16 de agosto de 1942, alguien llamó a la puerta del convento de las Hermanas de la Resurrección en la ciudad de Mir (condado de Stołpe, distrito de Nowogródek, actualmente Bielorrusia). Al abrir la puerta, una de las monjas que residía en el convento se quedó atónita al ver a un hombre entrar sin que ella se diera cuenta. Oswald Rufajzen (Rufeisen), más tarde conocido como Hermano Daniel, había escapado de la comisaría contigua al convento. Oswald había llegado a Mir desde Vilna haciéndose pasar por polaco. Su fluidez en alemán llamó la atención del jefe de policía alemán local, quien lo nombró intérprete y le tomó aprecio. Oswald aprovechó esta situación para informar a los judíos de Mir que se acercaba la fecha de su exterminio y ayudó a muchos de ellos a escapar al bosque, proporcionándoles armas. Tras ser denunciado y arrestado, Oswald le dijo al atónito jefe de policía durante el interrogatorio que era judío y que había actuado para salvar a sus hermanos. Tras superar la sorpresa inicial, la monja que había abierto la puerta reconoció al hombre y supo que era un fugitivo. Llevó a Oswald ante la Madre Superiora, Euzebia Bartkowiak, quien decidió esconderlo en el desván del granero del convento. Después de la misa, reunió a las cuatro hermanas del convento para decidir qué hacer con el huésped inesperado. Dos de las hermanas se opusieron a que se quedara, pero la Madre Superiora rechazó con vehemencia su oposición y, guiada por su conciencia, le permitió quedarse. Euzebia, originaria de Poznan, había fundado el convento de las Hermanas de la Resurrección en 1936 y era una persona singular. Poseía una rara combinación de fortaleza, calidez, tolerancia y curiosidad por los demás. Ella y Oswald entablaron una relación extraordinariamente afectuosa, gracias a la cual él permaneció acogido en el convento hasta finales de 1943. Cuando las búsquedas en la zona se intensificaron y aumentó el riesgo de que los alemanes lo descubrieran, decidió marcharse para no poner en peligro a las monjas. Partió hacia el bosque el 2 de diciembre de 1943, acompañado por Euzebia. Ella se despidió de él entre lágrimas, diciéndole: «Vuelve con nosotras si tienes dificultades. No dudes en regresar». Oswald se convirtió al cristianismo durante su estancia en el convento y posteriormente se hizo monje carmelita en Haifa, conocido como Hermano Daniel.
El 24 de junio de 2002, Yad Vashem reconoció a Euzebia Bartkowiak como Justa entre las Naciones.
A continuación, el texto del artículo de opinión publicado en el sitio www.elnacional.cat/es firmado por Pilar Rahola.
Yo acuso
BARCELONA. Domingo, 21 de junio de 2026. 05:30
Tiempos oscuros, espesos, yermos para cultivar el pensamiento. Tiempos de ideas licuadas, que se escurren entre los dedos, sin dejar huella. Tiempos de consignas pétreas, que se imponen como dogmas religiosos, con una ingente corte de acólitos que señalan, persiguen y estigmatizan a los herejes. Tiempos de dictar sentencias, sin haber devorado bibliotecas. Tiempos de acumular respuestas, sin haber hecho ninguna pregunta. Es el reino de los impostores, los mesías, los adoctrinadores, los propagandistas, toda aquella gentuza que odia el pensamiento libre, feliz entre el rebaño, pero alérgica al individuo.
Y justamente de eso se trata: de hacer una defensa radical del individuo, en un tiempo en el que el ciudadano se desdibuja en un magma compacto, amorfo y sin otra personalidad que el pensamiento colmena. Es la tiranía del pensamiento único convertido en un martillo que destruye ideas, señala personas, impide debates, acomodado con la vieja concepción estalinista de dirigir el cerebro del pueblo. Lo más surrealista es que este dominio del dogma y el estigma lo protagonizan hordas de personajes que aseguran defender la libertad e ir contra el fascismo, pero no hacen otra cosa que practicar el método fascista de la intimidación, la censura y la cultura de la cancelación. Si bien no es sorprendente, son los mismos que defienden a los Maduro, añoran el estalinismo, ignoran el sufrimiento de los iraníes y atizan el odio antisemita. Para ellos, hay temas que se convierten en anatemas y, por lo tanto, no pueden ser tratados ni debatidos, condenados a ser sometidos al único tratamiento impuesto; y quien osa romper este mandamiento sagrado merece la muerte social.
La cuestión de Israel es la estrella de los anatemas, tan ferozmente apropiada por estos gurús del pensamiento progre que no puede ser debatida en ninguna circunstancia, a pesar de ser el conflicto más vitriólico y difícil del mundo. A pesar de la enorme complejidad del tema, las múltiples aristas que tiene y los intereses internacionales que interactúan, el pensamiento único no ha permitido discutir las informaciones, ha destruido todos los grises y ha impuesto un maniqueísmo cainita de buenos y malos que acaba convirtiéndose en una solapada defensa del peor terrorismo. En este conflicto, el periodismo ha fracasado tanto como lo ha hecho el análisis público. No ha habido información, sino propaganda. No ha habido reflexión, sino dogma de fe. Y aquellos que hemos cuestionado datos, fuentes, conclusiones y nos hemos confrontado a los maximalismos impostados, hemos recibido la ira de unos dioses menores que imponen la ideología, dominando el relato público. Una ira por tierra, mar y aire, con ataques personalizados, difamaciones, calumnias, señalamientos y, en mi caso (y de otros), incluso amenazas y agresiones.
Acuso a aquellos que quieren convertir a los ciudadanos en rebaño, y transformar las ideas en consignas; los acuso de matar la inteligencia. No defienden la libertad. La quieren controlar porque no creen en ella
Y ahora también el ataque por vía penal. O dicho de otro modo, el intento de usar la justicia para tapar las bocas críticas, impedir las ideas contracorriente y matar socialmente a los disidentes. Y así, una querella (mía) contra aquellos que me agredieron tirándome pintura en un acto se contraprograma con una querella contra mi persona por "delito de odio" y otras barbaridades. No hace falta decir que me enteré gracias a la filtración a la prensa (¡qué cosa extraña, en la Fiscalía!), y a partir de la filtración, la demonización pública pertinente. Habrá que preguntarse si el espíritu de las modificaciones de Marlaska en la persecución de delitos de odio incluye restringir severamente la libertad de expresión.
Sea como sea, si la voluntad de esta persecución es anular mi espíritu crítico, aviso que no se saldrán con la suya. Si querían asustarme, no me asustan. Si creían que así me autocensuraría, no lo haré. Si piensan que me harán callar, no se saldrán con la suya. Tampoco impedirán que piense por mí misma. Y si creían que acabaría siguiendo al rebaño, lo llevan claro. Mi libertad de pensamiento es innegociable. Define mi condición humana. Nunca rehuiré un debate, pero exijo que exista. No sé si tengo razón, pero tengo derecho a defender mi razón. Y lo hago con información, con años de conocimiento, con criterios democráticos y con razonamiento. Los que piensan diferente, en lugar de querer hacerme callar, que me rebatan con argumentos. Pensar no es difícil. Debatir tampoco lo es.
Finalmente, yo acuso. Acuso a aquellos que quieren convertir a los ciudadanos en rebaño y transformar las ideas en consignas; los acuso de matar la inteligencia. No defienden la libertad. La quieren controlar porque no creen en ella.
Terence Nelhams Wright, más conocido como Adam Faith, nació en Acton, Londres, Reino Unido, el 23 de junio de 1940, y murió en Stoke-on-Trent, Reino Unido, el 8 de marzo de 2003. Cantante, actor, mánager y periodista.
Adam Faith (1940-2003). Ídolo del pop británico de los años 60 que conquistó la música y el cine
Adam Faith, nacido como Terence Nelhams en Acton (West London) el 23 de junio de 1940, fue una de las figuras más carismáticas y versátiles del panorama artístico británico de la segunda mitad del siglo XX. Su ascenso meteórico en el mundo de la música pop, seguido por una consolidada carrera en el cine y la televisión, lo convirtió en un ícono cultural del Reino Unido. Falleció el 8 de marzo de 2003 en Stoke-on-Trent (Staffordshire), dejando un legado que aún hoy resuena entre los amantes del pop clásico.
Orígenes y contexto histórico
El joven Terence Nelhams creció en un entorno obrero en el oeste de Londres, una zona que, durante el periodo de posguerra, experimentó un florecimiento cultural significativo. En 1955, con apenas quince años, abandonó la escuela y comenzó a trabajar como chico de los recados en la prestigiosa compañía cinematográfica Rank. Este primer contacto con la industria del entretenimiento fue decisivo, ya que le permitió no solo acercarse al mundo del cine, sino también desarrollar una visión más amplia del espectáculo.
En 1956, en plena efervescencia del género skiffle, formó con amigos un grupo musical llamado The Worried Men. El skiffle, una mezcla popular de jazz, blues y folk, arrasaba entre los jóvenes británicos, y el grupo ganó popularidad rápidamente, llegando a convertirse en residentes del famoso club 21 en el Soho londinense. Allí fueron descubiertos por un productor del programa televisivo 6.5 Special, quien le aconsejó a Terence transformarse en solista. Así nació Adam Faith.
Logros y contribuciones
A finales de la década de los cincuenta, Faith firmó con HMV Records, una subsidiaria de EMI, y debutó en 1958 con el sencillo «(Got a) Heartsick Feeling», aunque sin éxito. Su siguiente intento, «Music Holiday», tampoco logró impacto, lo que llevó a su salida del sello. Sin embargo, su perseverancia dio frutos en 1959 al incorporarse al programa televisivo Drumbeat, que relanzó su imagen pública.
Ese mismo año, firmó con Parlophone Records y lanzó el sencillo «What Do You Want», que se convirtió en un fenómeno de masas. El tema no solo alcanzó el número uno en las listas británicas, sino que también representó el primer éxito rotundo del sello Parlophone, que más tarde se haría legendario gracias a artistas como The Beatles.
Entre sus mayores éxitos musicales destacan:
«What Do You Want» (1959) – Nº1 en Reino Unido
«Poor Me» (1960) – Nº1 en Reino Unido
«Someone Else’s Baby» (1960) – Nº2 en Reino Unido
«Made You» (1960) – Top 5
«How About That» (1960) – Top 5
«Who Am I» (1961) – Top 5
«The First Time» (1963)
«We Are in Love» (1963)
Durante estos años, Adam Faith fue considerado el segundo ídolo juvenil del Reino Unido, justo detrás de Cliff Richard, con quien compartía el favor del público adolescente. Su estilo vocal suave y sus baladas pop lo consolidaron como una figura romántica y accesible.
Momentos clave en su carrera
La vida artística de Adam Faith estuvo llena de giros y evoluciones, tanto en la música como en el cine y la televisión. Estos fueron algunos de los hitos más destacados:
1959-1960: El estrellato musical
La publicación de «What Do You Want» en 1959 marcó un punto de inflexión. En 1960, con «Poor Me» repitió la hazaña al alcanzar nuevamente el número uno. Ese mismo año, debutó en el cine con la película Beat Girl, un retrato juvenil ambientado en el Londres rebelde de la época. También participó en Never Let Go, junto a Peter Sellers, consolidando su perfil como actor emergente.
1961-1963: Diversificación artística
En 1961 protagonizó su primera película como cabeza de cartel, What a Whopper!, una comedia de bajo presupuesto. A pesar de que su popularidad musical comenzaba a estabilizarse, Faith seguía siendo una figura presente en las listas de éxitos y en la televisión británica.
1963: Nueva etapa musical con The Roulettes
En un intento por modernizar su sonido, Adam Faith incorporó a The Roulettes, una banda compuesta por Russ Ballard, Pete Salt, John Rodgers y Bob Henrit. Esta nueva formación le permitió explorar un estilo más enérgico, alejado de sus baladas iniciales. Con temas como «The First Time» y «We Are in Love», trató de renovar su imagen, aunque el interés del público por su música comenzó a menguar.
1966: Fin de su carrera discográfica
El sencillo «Cheryl’s Goin’ Home» fue su último ingreso en las listas británicas, alcanzando el puesto 46. Con ello, Faith cerró una etapa dorada como cantante.
1972-1974: Manager y productor
Una de sus contribuciones más significativas fuera del escenario fue el descubrimiento del cantautor Leo Sayer en 1972, a quien apoyó como mánager. También produjo un álbum para Roger Daltrey, vocalista de The Who. Sin embargo, en 1973 sufrió un grave accidente de tráfico que puso en riesgo su vida.
1974: Regreso y retiro musical
Después de recuperarse, lanzó «I Survive», un álbum que, pese a recibir buenas críticas, no tuvo el éxito comercial esperado. Tras esto, Adam Faith abandonó definitivamente su carrera discográfica.
Relevancia actual
Aunque su impacto como cantante pop fue relativamente breve, Adam Faith sigue siendo una figura clave en la historia de la música británica. Fue pionero en lograr éxitos con un estilo vocal suave, en una era dominada por sonidos más agresivos. Su éxito con Parlophone ayudó a cimentar las bases de lo que sería una revolución musical con artistas como The Beatles.
Además, su versatilidad como actor y su capacidad de reinventarse como productor y mánager lo convierten en un ejemplo de resiliencia artística. Faith continuó activo en el teatro y en la televisión hasta su fallecimiento, mostrando una capacidad inusual para adaptarse a los cambios del espectáculo británico durante cinco décadas.
Legado en números
Más de 650,000 copias vendidas solo con «What Do You Want».
13 entradas consecutivas en el Top 20 del Reino Unido entre 1959 y 1962.
Participación en más de una docena de películas y producciones televisivas.
Producción y descubrimiento de talentos musicales como Leo Sayer.
Su figura no solo representa el surgimiento de los ídolos adolescentes en la música británica, sino también la capacidad de trascender modas y mantenerse vigente en distintos formatos del entretenimiento. Su historia es la de un artista integral, que brilló intensamente en los escenarios musicales y supo dejar su huella en múltiples ámbitos de la cultura británica.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con What Do You Want.
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