Hola, soy Leonardo Liberman.
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Nacido en Rosario en 1941, Aldo Antognazzi se formó en
Buenos Aires bajo la dirección del Mtro. Tino Rossetti, siendo guiado en su
formación teórica por el Mtro. Guillermo Scarabino. En 1961 recibió una beca
para realizar en Italia un curso de perfeccionamiento bajo la dirección de los
pianistas Arturo Benedetti Michelangeli y Carlo Vidusso, en Arezzo y Milano
respectivamente. Desde entonces ha realizado frecuentes giras por diversos
países de América y Europa.
Considerado uno de los más destacados pianistas y pedagogos
argentinos, es frecuentemente invitado para integrar jurados de concursos nacionales
e internacionales de piano, como así también para dictar clases magistrales,
seminarios y cursos en ciudades de Argentina y de diversos países de América.
Recibió entre otros el “Premio Konex de Platino 1999”
(Pedagogía musical); “Premio Trayectoria 1999” (Asociación de Críticos
Musicales Argentinos; “Premio Gardel” (CAPIF 2005) (Mejor álbum de música
clásica editado en Argentina durante el año 2004); “Artista Distinguido de la
ciudad de Rosario 2007” (Concejo Municipal de Rosario).
Su CD "Música de dos Mundos", resultó nominado
para el Premio Grammy Latino / 2000 en la categoría Música clásica.
Además de su actividad como solista desarrolló una intensa
actividad como músico de cámara junto a instrumentistas de la talla de Szymsia
Bajour, Paquito D’Rivera (el legendario clarinetista y saxofonista cubano),
Aurora Nátola Ginastera, Claudio Baraviera, Jorge Risi, Rafael Gíntoli, y como
integrante del ‘Siegener Trio’, agrupación que lideró durante su radicación en
Alemania durante los años 1977 -1981.
En nuestro país se presentó en repetidas oportunidades como
solista de la Filarmónica de Buenos Aires (Teatro Colón), Sinfónica Nacional,
más todas las orquestas provinciales. También actuó junto a organismos
sinfónicos de Uruguay, Brasil y Alemania, actuando bajo la dirección de los
maestros Gabriel Schmura, Jean Fournet, Victor Tevah, Pedro I. Calderón, Simón
Blech, Gilbert Amy, Guillermo Scarabino, Erol Erdinç, Jorge Rotter, Hans Graff,
Julio Malaval, Valentin Kozhin, Juan C. Zorzi, Carmen Moral, Ricardo del
Carmen, Ljerko Spiller, Gudmundur Emilsson, Washington Castro, Paul Bonneau,
Vincenzo Fittipaldi, Reynaldo Zemba, Jorge Fontenla, Guillermo Becerra, Bruno
D’Astoli, Eduardo Alonso Crespo, Roberto Ruiz, Luis Gorelick, Dante Anzolini y
Gustavo Plis Steremberg entre otros.
Aldo Antognazzi comenzó a investigar sobre la obra
pianística de Muzio Clementi en el año 1962, siendo en la actualidad uno de los
pocos especialistas del estilo tan personal de dicho músico.
En el año 1990, el sello discográfico alemán Aurophon
(posteriormente Cascade), comenzó a editar la serie “Muzio Clementi, Complete
Piano Works”. Ya han sido editados los primeros once volúmenes de la extensa
serie, con la participación de algunos de sus discípulos más destacados. A
partir del año 1974 grabó para los sellos nacionales Qualiton, IRCO Cosentino y
Acqua Records, más de 20 volúmenes (incluyendo CDs, LPs y Cassettes).
Antognazzi se desempeñó durante un prolongado período como
Profesor de Piano en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de
Rosario, como así también en el Instituto Superior de Música de la Universidad
Nacional de Santa Fe y en la Musikschule de la ciudad de Siegen (Alemania).
Enseñó Música de Cámara en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires (hoy
IUNA), institución en la que actualmente continúa dictando una cátedra de
piano.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con su
interpretación del Concierto para Piano y Orquestra Nº 1 en Do Mayor Op. 15, de
Ludwig, van Beethoven, junto a la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires,
dirigida por Jean Fournet.
El pasado mes de mayo, en la sede de la Comisión Europea de
Madrid, se celebró un acto de reconocimiento a la labor de Simone Veil. En el
acto se destacaron las principales vías de trabajo en pro de la diversidad y la
integración de las diferentes culturas del entorno europeo.
Juan Francisco Verdaguer Queirolo nació en Montevideo,
Uruguay, el 30 de julio de 1915, y murió en Buenos Aires, Argentina, el 14 de
mayo de 2001. Humorista y actor.
¿Recuerdan al inigualable humorista uruguayo Juan Verdaguer?
Nunca necesitó decir una grosería o mala palabra para hacer
reír. Un verdadero señor del humor.
Juan Francisco Verdaguer conocido simplemente como Juan
Verdaguer (Montevideo, 30 de julio de 1915– Buenos Aires, 14 de mayo de2001)
fue un humorista uruguayo residente en Argentina que tuvo una destacada
actuación en los escenarios de Latinoamérica, en especial de Argentina.
Nació en Montevideo en el seno de una familia circense. Su
padre, Lindolfo Verdaguer, era equilibrista y Aída, su madre, acróbata. Llegó a
Buenos Aires con su familia cuando tenía 6 meses de edad. Realizó sus estudios
primarios en el colegio Juan Enrique Pestalozzi. Había estudiado violín, y
también trabajó con su padre en el circo.
Juan Francisco debutó en 1932 en Cruz del Eje, Córdoba, en
la pista del circo Continental, propiedad de la familia. A los 20 años viajó a
Brasil donde trabajó con el circo de los hermanos de su madre realizando
equilibrismo. A partir de la década del 40” participó en el casino Da Urca, en
el varieté, y en Brasil, luego viajó a Chile, y tras una larga gira recaló en
Estados Unidos realizando el mismo trabajo. En 1950 se radicó en México y en el
famoso local “El patio” realizó el mismo número, después regresó a Buenos Aires
y se dedicó al teatro de revistas, especialmente en el teatro Maipo.
Su número consistía en permanecer en el último travesaño de
una escalera de hoja única de cinco metros de largo: "Para hacer esta
prueba no debo comer. Y para poder comer debo hacer esta prueba".
Completaba el acto tocando Czardas, de Vittorio Monti o La Cumparsita en su
violín: "El violín me salvó de muchísimas situaciones porque al principio
tenía que empeñarlo seguido. Tantas veces que el hijo del prestamista tocaba
mejor que yo".
Pasó algún tiempo en Río de Janeiro, Brasil, donde adaptó su
número a la elegancia propia de los lujosos casinos en los que actuaba.
Trabajó en Nueva Orleans, Estados Unidos en espectáculos de
varieté. Fue allí cuando una noche, mientras tocaba Me vuelves loco en su
violín, se le rompieron dos cuerdas, y tuvo que improvisar. Allí se hizo
evidente su original veta humorística, caracterizada por la sutileza cerebral,
el absurdo inesperado y el impecable manejo de palabras, tiempos y silencios:
"De mis padres, a través de incontables itinerarios trashumantes, aprendí
que lo que llega al íntimo espíritu del público tiene un eco más perdurable y efectivo
que lo epidérmicamente festivo". Realizó exitosas presentaciones en
Estados Unidos, México, Perú, Panamá, Chile, Uruguay, Brasil y Australia, Fue
en el México de los años 50 donde tuvo su primera gran experiencia teatral como
protagonista de Blum, que en Buenos Aires había hecho Enrique Santos Discépolo.
"No quise copiar las indicaciones que sobre él quisieron darme.
Lo hice como lo sentía y afortunadamente resultó un
éxito". Fue la obra de mayor duración en un escenario azteca; una placa de
bronce en el hall del teatro rememora el notable éxito. En 1951 fue contratado
por Carlos A. Petit para participar en un espectáculo revisteril del teatro
Comedia. Actuó en los teatros El Nacional, Tabarís, Sans Souci y de la Comedia,
entre otros.
Seguidamente recibió una invitación del director
cinematográfico Mario Soffici para ser el protagonista masculino de la película
dramática Rosaura a las diez, que tuvo excelente repercusión económica y
artística.
Poco después conoció a Goar Mestre quien lo contrató para
trabajar en la televisión argentina, en donde debutó en 1961 con su espectáculo
Este loco, loco hotel, en el entonces nuevo Canal 13 de Buenos Aires. Comenzaba
su programa con un "señor, señora, no tiene que sintonizar su
televisor.... mi cara es así"... Durante más de dos décadas actuó en
televisión en programas como “Risas y sonrisas”, junto a Nelly Beltrán, o
"Sábados Circulares". Allí, Nicolás Mancera solía presentarlo como
"El señor del humorismo". En los 80, en los primeros años de la TV
color argentina, reflotó su loco Hotel en ATC.
En 1981 recibió un diploma al mérito de la Fundación Kónex.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un fragmento de una presentación en la Televisión de Chile.
Leipzig es una de las ciudades con mayor tradición musical
de Alemania desde que Felix Mendelssohn fue nombrado Kapellmeister de la
Orquesta del Gewandhaus en 1835. Sin embargo, esta misma formación, una de las
más antiguas de toda Europa, inició su andadura mucho antes, concretamente a
partir de 1743. Pero Leipzig también contó con otras dos formaciones sinfónicas
de altísimo nivel, la Winderstein Orchester y la Willy-Wolf Orchester, que no
llegaron a cubrir las necesidades culturales de la ciudad. Por esta razón, en
1923 se creó la Leipziger Orchester Gesellschaft que tan sólo un año después
adquirió la actual denominación de Mitteldeutschen Rundfunks Symphonieorchester
Leipzig (MDR) u Orquesta Sinfónica de la Radio de Leipzig en su traducción
española. Desde entonces, aunque de una manera especial tras la Segunda Guerra
Mundial, esta formación de radio se especializó en el repertorio moderno y
contemporáneo, complementando de alguna forma el más clásico y tradicional
ofrecido por la Orquesta del Gewandhaus. Si bien la formación radiofónica
estuvo dirigida en distintos períodos por maestros de la talla de Carl
Schuricht y Hermann Abendroth, no fue hasta la llegada de Herbert Kegel en 1953
cuando la orquesta adquirió sus actuales señas de identidad. Kegel se mantuvo
como director titular de dicha formación nada menos que 24 años, de 1953 a
1977.
¿CUÁNDO NACIÓ HERBERT KEGEL?
Herbert Kegel nació el 29 de julio de 1920 en Dresde,
Alemania, y a los quince años de edad ingresó en el Conservatorio de su ciudad
natal para estudiar composición y dirección coral y de orquesta con Boris
Blacher, Karl Böhm, Ernst Hintze y Alfredo Toro. En 1940, Herbert Kegel fue
reclutado forzosamente por el Ejército Alemán y allí sirvió durante los años de
guerra hasta que, finalizada la misma, fue designado Kapellmeister de Pirna y
del Teatro de Rostock hasta 1949. Ese mismo año, Herbert Kegel comenzó una
cooperación con el Coro y la Orquesta de la Radio de Leipzig que duraría hasta
1978 y que pasaría por sucesivas fases: Director del Coro (1949-1978);
principal director invitado de la Orquesta (1949-1953); director principal
(1953-1960); y director titular a todos los efectos (1960-1978). A partir de
ese año, Kegel se convirtió además en director honorario de dicha formación y
durante esta extensa etapa impartió clases de dirección orquestal en la Hochschule
fur Müsik und Theater de Leipzig. Ya en 1977, Kegel sucedió a Günther Herbig al
frente de la Orquesta Filarmónica de Dresde y permaneció en el cargo hasta
1985. Con esta formación, Kegel realizó numerosas giras internacionales por
Europa, América y Japón, país este último en donde gozó de una extraordinaria
popularidad.
DIRECTORES DE OPERA
Alternando el cargo con sus clases magistrales en la
Hochschule fur Müsik de Dresde, Kegel fue un director habitual en la Ópera de
Dresde, en la Ópera Unter der Linden de Berlín y en la Ópera de Leipzig,
instituciones en las que colaboró estrechamente con su mujer, la soprano
italiana Celestina Casapietra. Durante esos años, Kegel realizó además un buen
puñado de excelentes grabaciones discográficas que sirvieron para dar a conocer
el magnífico nivel que había atesorado la Orquesta Filarmónica de Dresde bajo
su mandato. A partir de 1985, y una vez que fue relevado de su cargo en Dresde
por Jörg-Peter Weigle, Kegel pasó a dirigir como invitado a numerosas formaciones
alemanas y europeas, manteniendo además un estrecho vínculo con la Orquesta
Sinfónica de la NHK de Tokio. Director mucho más reconocido en el extranjero
que en su propio país, los sucesos acaecidos en Alemania durante 1989 y 1990 le
produjeron una fuerte depresión personal que culminó en un suicidio ocurrido en
Dresde el 20 de noviembre de 1990 y del que, en ocasiones, había incluso hecho
referencia con anterioridad. Al parecer, Kegel no soportó que las nuevas
autoridades germanas surgidas tras la reunificación le apartaran sin
contemplaciones de su muy antigua colaboración con el Coro de la Radio de
Leipzig. Su cuerpo descansa en la actualidad en el camposanto de San Esteban de
Dresde.
Director muy comprometido con la música de su tiempo,
Herbert Kegel fue un intérprete cuyo impacto mediático nunca alcanzó las justas
cotas que sus interpretaciones, tanto en concierto como en disco, hubieron de
merecer. De hecho, su integral sinfónica de Beethoven al frente de la
Filarmónica de Dresde editada por el sello CAPRICCIO es una de las mejores y
más económicas series que pueden encontrarse en el mercado. En absoluto
afectado o grandioso en sus modos de dirección, Kegel se distinguió por el
extraordinario sentido rítmico de sus lecturas y por el magistral trabajo desarrollado
en el Coro de Leipzig, haciendo del mismo una de las mejores y más solicitadas
agrupaciones de toda Europa. Aún más mérito tuvo su compromiso con la música de
su tiempo en un entorno difícil para esa clase de menesteres como lo era la
antigua República Democrática Alemana. Tal vez un punto por debajo de los
entonces directores más emblemáticos de la RDA (Masur y Sanderling), Kegel se
presentó como un director robusto y sobrio que extrajo un gran potencial sonoro
en todas las orquestas a las que hubo de dirigir, como así comprobó quien esto
escribe en septiembre de 1986 al asistir en el Teatro Real de Madrid a una
correctísima versión del Réquiem de Brahms interpretada por el maestro Kegel al
frente de la Orquesta y Coro de la Radio de Berlín Este.
LEGADO DISCOGRÁFICO DE HERBERT KEGEL
De entre el legado podemos seleccionar las siguientes
grabaciones (advertimos que los distintos enlaces que vienen a continuación no
tienen porque corresponderse necesariamente con la versión citada pero sí con
la obra mencionada): Concierto para violín nº2 de Bartok, junto a György Garay
y dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la Radio de Lepizig (BERLIN CLASSICS
2332); la integral sinfónica de Beethoven dirigiendo la Filarmónica de Dresde
(CAPRICCIO 50000 — integral sinfónica en 5 CD´s); tres piezas de Wozzeck de
Berg, junto a Hannelore Kuhse y dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la Radio de
Leipzig (BERLIN CLASSICS 275); Suite de Lulu de Berg, junto a Hannelore Kuhse y
dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la Radio de Leipzig (BERLIN CLASSICS 275);
Requiem Alemán de Brahms, junto a Häggander y Lorenz, y dirigiendo la Orquesta
Sinfónica de la Radio de Leipzig (CAPRICCIO referencia desconocida); Danza de
los espíritus bienaventurados del Orfeo de Gluck dirigiendo la Filarmónica de
Dresde (LASERLIGHT 24469); Sinfonía nº1 de Goldmann dirigiendo la Orquesta
Sinfónica de la Radio de Leipzig (BERLIN CLASSICS 1302); Melodías elegíacas
para cuerda de Grieg dirigiendo la Filarmónica de Dresde (LASERLIGHT 24469);
Como una ola de fuerza y luz de Nono dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la
Radio de Leipzig (BERLIN CLASSICS 2141); Parsifal de Wagner, junto a Kollo,
Schröter, Adam y Polster, y dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la Radio de
Leipzig (BERLIN CLASSICS 1348); y, finalmente, selección de obras orquestales
de Webern dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la Radio de Leipzig (BERLIN
CLASSICS 275). Nuestro humilde homenaje a este gran director de orquesta.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de la Sinfonía Nº 2 en Do Menor, Resurrección, de Gustav
Mahler, con Elisabeth Breul, soprano, Annelies Burmeister, contralto, y el Coro
y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Leipzig.
A continuación, de Antonín Dvořák, el Trío para Piano Nº 4
en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky, en la interpretación del Trio Atos, integrado
por Thomas Hoppe en piano, Annette von Hehn en violín, y Stefan Heinemeyer en violonchelo.
Alberto Gambino nació en Buenos Aires Argentina, el 28 de
julio de 1899, y murió en su ciudad, el 8 de junio de 1987. Bandoneonista,
violinista, compositor y director de orquesta.
El sitio www.todotango.com
publicó este recordatorio firmado por Oscar Zucchi.
Alberto Gambino
Nació en la ciudad de Buenos Aires. Su primera infancia
transcurrió compartida con la de los hermanos De Caro, las dos familias vivían
en casas linderas. Su padre fue maestro de música y quien le inculcó las
primeras nociones de teoría musical y la técnica de ejecución del violín,
instrumento con el que comenzó su carrera profesional.
Al mismo tiempo cursaba el colegio secundario que pronto
abandonó. Fue en el año 1911, cuando llegó a sus manos por primera vez un
bandoneón. El padre había inaugurado una confitería con orquesta típica e
incorporó un fueye pues el músico contratado no poseía uno. Al poco tiempo,
desertó y el instrumento ocupó un rincón de la casa. Cuando Alberto lo
descubrió, imitando lo que había visto, fue sacando algunas notas. El
entusiasmo lo llevó a practicar con ahínco.
Mientras tanto era violinista en el conjunto de El Rusito
Antonio Gutman en un café de San Juan, entre Maza y Boedo, fue entonces que le
solicitó a su director que le enseñara a tocar el bandoneón. Gutman no era un
dechado de técnica ni un paciente maestro y sólo le indicó los tonos que ya
conocía y había sacado de oído.
La primera pieza que aprendió fue “La payanca”. El destino
quiso que en ese local conociera al autor, Augusto Berto, que al escucharlo le
propuso integrar su orquesta, siempre como violinista. Actuó en los carnavales
de 1914 y también en el L'Hipodrome. En 1915, se presentó en el Teatro Coliseo,
donde quedó hasta 1921, formando parte de orquestas típicas y también, de las
de repertorio clásico.
De 1925 a 1928, se transformó en músico itinerante por la región
patagónica y tocando uno u otro instrumento. Al mismo tiempo, estudiaba para
perfeccionarse con el bandoneón, que iba desplazando al violín, su último
trabajo con éste, fue a su regreso, un reemplazo a Alejandro Scarpino.
Como fueyero se incorpora al elenco de LOY Radio Nacional
(luego llamada Belgrano). Tocó con la Típica Muraro en el restaurante El
Tráfico, de Avenida Alvear. Luego, estuvo en la orquesta del violinista César
Petrone, con actuaciones en LS9 La voz del aire. En 1930, fue director de la
orquesta de Radio Nacional, en el popular radioteatro Chispazos de Tradición.
Ya establecido con orquesta propia supo tener en sus filas a
Héctor Varela, a Alberto Marino en sus inicios y, en 1938, como primer
bandoneón a Ismael Spitalnik y como arreglador a Argentino Galván. También,
pasó por su conjunto Ernesto Famá que dejó dos temas grabados.
Como compositor no fue muy prolífica su producción, algo más
de 20 títulos. De ellos se destacan: “Acacias”, letra propia, grabado por
Francisco Lomuto con Fernando Díaz y también por Mercedes Simone, “A que mentir
ni jurar”, letra de Ivo Pelay, registrado por Gambino con Famá, “Callecita de
ensueño”, letra de J. L. Menache, grabado por Roberto Firpo con Príncipe Azul,
“Melenudo”, letra de Pablo Rodríguez, registrado por Mercedes Simone, con
guitarras, “Mi carnaval”, letra de Francisco Laino, grabado por la Típica
Ciriaquito, dirigida por Ciriaco Ortiz con Carlos Lafuente, “Mosterio”,
registrado por Lomuto con Fernando Díaz, “La porfiada” (ranchera) grabado por
Firpo con Príncipe Azul, “Pedile permiso”, letra de Jesús Fernández Blanco
(polca humorística), registrado por Francisco Canaro con Roberto Maida, “Fuegos
de artificio” (marcha), letra de Pelay, grabado por Gambino con Famá.
Extraído del libro: El Tango, el bandoneón y sus
intérpretes, Volume II, Editorial Corregidor.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de A Que Mentir Ni Jurar, en la voz de Ernesto Famá.
Ernő Dohnányi, más conocido como Ernst von Dohnányi, nació
en Pozsony, entonces Imperio Austro Húngaro, el 27 de julio de 1877, y murió en
Nueva York, Estados Unidos, el 9 de febrero de 1960. Director de orquesta,
compositor y pianista.
(Erno Dohnányi; Pressburgo, 1877 - Nueva York, 1960)
Pianista, director de orquesta y compositor húngaro, considerado después de
Franz Liszt el más versátil de los músicos de su país y uno de los pianistas
húngaros más importantes. Se inició en la música con su padre y en 1894 ingresó
en la Academia de Música Franz Liszt de Budapest. Dos años después obtuvo el
Premio del Rey de Hungría. En 1897 dio clases de perfeccionamiento con Eugen
d'Albert, a quien dedicó su Concerto en mi min para piano y orquesta.
Ernst Von Dohnányi
En 1899 inició su carrera de solista en Berlín, realizando
numerosas giras por Europa y América. En 1905 se estableció en Berlín como
profesor de piano en la Musikhochsule y en 1916 regresó a Budapest, donde fue
profesor y director de la Academia de Música.
Posteriormente fue nombrado presidente-director de la
Sociedad Filarmónica de Budapest y, tras nueve años dedicados a las giras
internacionales, se hizo cargo de las clases de perfeccionamiento de
composición y piano en la Academia de Música de la capital húngara, centro en
el que llegó a ser director general en 1934. Durante varios años (1932-1944)
también asumió la dirección musical de la radio húngara. Al finalizar la
Segunda Guerra Mundial abandonó su país y se estableció en Estados Unidos de
América, donde fue profesor en la Universidad de Florida.
Como compositor se encuadra en el movimiento post-romántico,
siendo perceptible en su música una gran influencia de Johannes Brahms. De
hecho, Brahms participó en la publicación de su opus I, un Quinteto para piano.
Gran parte de la música de Dohnányi refleja sus raíces húngaras, como por
ejemplo la serie de piezas para piano, violín y violoncelo que llamó Ruralia
hungarica.
Sin embargo, no es un músico en el que se destaquen sus
rasgos nacionalistas, ya que en sus obras predominan las formas clásicas,
imbuidas de un romanticismo lírico y expresivo y evidenciando frecuentemente un
particular sentido del humor, como sucede en Variaciones sobre una canción de
cuna para piano y orquesta y en su ópera cómica Der Tenor. En su dilatada
carrera de director de orquesta dirigió en muchas ocasiones obras de la joven
escuela húngara, de la que siempre estuvo bastante alejado.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Ruralia Hungarica, en la versión de la Sociedad Filarmónica de Budapest,
dirigida por János Kovács.
Serguéi Kusevitski nació en Vyshni Volochok, Rusia, el 26 de
julio de 1874, y murió en Boston, Estados Unidos, el 4 de junio de 1951. Contrabajista,
compositor y director de orquesta.
(Sergei, Serguéi o Serge Alexándrovich Kusevitski,
Kussevitzki o Koussevitzky; Vyshnii Volochek, 1874 - Boston, 1951) Director de
orquesta ruso. Estudió en la Escuela Filarmónica de Moscú, institución en la
que ingresó a los 14 años gracias a una beca para estudiar contrabajo. Ya desde
muy joven se dio a conocer como un excelente concertista de contrabajo,
instrumento del que fue profesor en su antigua escuela. Este trabajo lo
simultaneó con el de solista de la Orquesta del Teatro Imperial desde 1894
hasta 1897.
Más tarde fundó, junto con su esposa, una editorial
destinada principalmente a la publicación de las últimas obras de los músicos
rusos. Para facilitar el acceso a la música a todos los estamentos de la sociedad
rusa, todos los años organizaba unos conciertos a través del río Volga, a bordo
de un barco donde la orquesta interpretaba las partituras de nuevos
compositores; de este modo podía llegarse a lugares donde nunca se había
disfrutado de un concierto.
Tras su sólida preparación, en 1907 se presentó como
director al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Tres años después
decidió fundar la Orquesta Filarmónica Koussevitzky, que dirigió hasta 1918,
año en que se trasladó a París. En la ciudad del Sena creó los "Conciertos
Koussevitzky". Recibió varias ofertas de orquestas estadounidenses, pero
su sueño era llevar la batuta de la Orquesta Filarmónica de Boston, motivo por
el que las rechazó.
En 1924 se trasladó definitivamente a Boston y estuvo al frente
de la mencionada orquesta hasta su jubilación, en 1949. Allí, también dirigió
el Festival Musical de Berksire, fundó el Centro Musical y, en 1942, en memoria
de su esposa, instituyó la fundación musical Koussevitzky para ayudar a los
compositores que carecían de medios y para otros fines culturales.
A lo largo de su carrera profesional fue galardonado con más
de cien premios, entre ellos se encuentran la condecoración concedida en 1903
por del Zar de Rusia, el Comendador de la Legión de Honor, la Cruz de
Comendador de la Orden de la Rosa Blanca de Finlandia; además, fue miembro de
honor de la Academia Americana de Artes y Ciencias. Entre sus publicaciones
destacan Poesía y Música, Notas acerca de las orquestas americanas y Ensayos
sobre Brahms y Debussy.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Contrabajo en Fa Sostenido Menor Op. 3, en la versión de Marc-André,
junto a la Junge Philharmonie Zentralschweiz, dirigida por Jeisson Germán
Segura Herrera.
El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Austríacos – Josef
Lanner - Johann Strauss.
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los Tiempos,
dedicado a Compositores Austríacos, de Josef Lanner, el Vals de Medianoche Op.
8, el Vals de la Separación Op. 19, el Vals de la Coronación Op. 133, el
Ländler Dornbacher Op. 9, las Danzas de Estiria Op. 165, el Vals Schönbrunn,
Op. 200, y de Johann Strauss, el Galop de Viaje Op. 85, la Cuadrilla Recuerdo
de Carnaval Op. 200, el Vals Viaje de Placer en Tren Op. 89, el Galop Fuego
Juvenil Op. 90, la Polca de Ana, el Vals La Vida es una Danza Op. 49, el Vals
de Paganini Op. 11, el Vals de los Mil Adornos Op. 61, el Vals Saludos Alegres
Op. 105, el Vals Sonidos del Rin desde el Lorelei Op. 154, y la Marcha Radetzky
Op. 228.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Walter Andrew Brennan nació en Lynn, Massachusetts, Estados
unidos, el 25 de julio de 1894, y murió en Oxnard, California, Estados Unidos,
el 21 de septiembre de 1974. Actor y cantante.
Uno de los grandes nombres secundarios (y en ocasiones
principal) del cine de Hollywood, Walter Andrew Brennan nació el 25 de julio
del año 1894 en la localidad de Swampscott, Massachusetts (Estados Unidos).
Cuando estaba estudiando Ingeniería, Brennan quedó prendado
del teatro.
Tras actuar en diversas producciones universitarias, giró
con varias compañías de vodevil al mismo tiempo que trabajaba en múltiples
ocupaciones (entre ellas leñador o empleado bancario) para suplementar los
pocos ingresos que le ofrecía su pasión por la interpretación.
Cuando los Estados Unidos entraron en la Primera Guerra
Mundial, Walter acudió al frente, permaneciendo alejado del mundo de las
bambalinas durante varios años.
En su retorno se consumó su sueño de aparecer alguna vez en
la gran pantalla, hecho que logró en el año 1923 al intervenir en algunas
películas como especialista y extra.
Sus interpretaciones en la década de los 30 confirmaron a
Walter Brennan como uno de los inmortales del séptimo arte gracias a su
participación en:
“Ley y Orden” (1932) de Edward L. Cahn
“Noche Nupcial” (1935) de King Vidor
“Furia” (1936) de Fritz Lang
“Rivales”
(1936) de Howard Hawks y William Wyler
“Las Aventuras De Tom Sawyer” (1938) de Norman Taurog
“Corsarios De Florida” (1938) de Cecil B. De Mille
“Kentucky” (1938) de David Butler
“El Explorador Perdido” (1939) de Henry King
“La Historia De Irene Castle” (1939), musical con Fred
Astaire y Ginger Rogers dirigidos por H. C. Potter
Brennan fue galardonado con dos Premios Oscar por sus
actuaciones en “Rivales” y “Kentucky”.
Este estupendo actor, imprescindible en los años 30 y 40
para el cine estadounidense (especialmente en westerns), se casó en 1920 con
Ruth Wells (nacida en 1897).
La feliz pareja mantuvo una estable unión matrimonial hasta
el fallecimiento de Walter en el año 1974.
Tuvieron tres hijos: Arthur, Ruth y Andy.
En la década de los 40 consiguió un tercer Premio Oscar por
su interactuación como el juez Roy Bean con Gary Cooper (uno de sus compañeros
de reparto más habituales) en el destacado western de Willliam Wyler “El
Forastero” (1940).
Además de “El Forastero”, sus mejores peliculas de esta
etapa son:
“Juan Nadie” (1941) de Frank Capra
“El Sargento York” (1941) de Howard Hawks
“El Orgullo De Los Yanquis” (1942) de Sam Wood
“Tener y No Tener” (1944) de Hawks
“Pasión De Los Fuertes” (1946) de John Ford
“Río Rojo” (1948), de nuevo dirigido por Howard Hawks e
interpretando el personaje de Nadine Groot
Sus compañeros de reparto en este último film fueron John
Wayne y Montgomery Clift.
Por “El Sargento York” fue nominado por cuarta ocasión al
Oscar, aunque esta vez no alcanzó su cuarta estatuilla, ya que el ganador fue
Donald Crisp por “Qué Verde Era Mi Valle”.
En este período protagonizó para Jean Renoir, “Aguas
Pantanosas” (1941), película basada en una novela de Vereen Bell.
Durante los años 50 la carrera interpretativa de Brennan se
amplió con sus trabajos en televisión, interviniendo en exitosas series como
“The Real McCoys” o “The Tycoon”.
En el cine destacó en:
“Camino De La Horca” (1951), western de Raoul Walsh con el
protagonismo de Kirk Douglas
“Un Grito En El Pantano” (1952), película, remake en
Technicolor de “Aguas Pantanosas”, en donde se escondía en el pantano acusado
injustamente de un crimen junto a su “hija” Jean Peters
“Conspiración De Silencio” (1954), película de John Sturges
con Spencer Tracy encabezando el reparto
“Tierras Lejanas” (1955), film del Oeste de Anthony Mann con
James Stewart
“Tammy, La Muchacha Salvaje” (1957) de Joseph Pevney
“Río Bravo” (1959), western de Howard Hawks en el que
interpretó el personaje de Stumpy junto a John Wayne y Dean Martin
En la década de los 60 Walter se volcó más en la pequeña
pantalla y fue alejándose progresivamente del cine.
Sus películas más importantes en este período fueron:
La superproducción “La Conquista Del Oeste” (1962)
“El Oscar” (1966) de Russel Rouse
“Rififí a La Americana” (1967), comedia de Howard Morris
El 23 de septiembre de 1974 Walter Brennan falleció a causa
de un enfisema.
Tenía 80 años de edad.
Está enterrado en el cementerio de la Misión de San
Fernando, en Mission Hills, California.
Filmografía criticada en AlohaCriticón
El Forastero (1940)
Pasión De Los Fuertes (1946)
Río Rojo (1948)
Camino De La Horca (1951)
Un Grito En El Pantano (1952)
Conspiración De Silencio (1955)
Tierras Lejanas (1955)
Rio Bravo (1959)
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Old Rivers.
Gabriel Julio Fernández Capello, conocido artísticamente
como Vicentico, es un cantante y compositor de rock argentino. Fue el vocalista
de la banda Los Fabulosos Cadillacs. Nació en Buenos Aires, Argentina, en el
año 1964, en el seno de una familia formada por músicos, de quienes heredó el
talento, por lo que a sus quince años de edad ya componía canciones.
Antes de iniciar el camino que más tarde lo llevaría a
formar uno de los grupos más representativos de la música nacional, trabajó
durante dos meses en un juzgado correccional de Argentina. En ese entonces tuvo
la idea de querer ser maestro, pero su destino lo llevó por otros rumbos.
En el año 1985 armó junto a Flavio Cianciarullo el grupo
Cadillac. En sus comienzos Vicentico solamente tocaba la guitarra, y más tarde
comenzó a cantar. Después de un tiempo el nombre cambió a Los Fabulosos
Cadillacs. Entre los discos más exitosos que editó con Los Fabulosos Cadillacs
están: “La marcha del golazo solitario”, “Fabulosos Calavera”, “Rey Azúcar”,
“Vasos Vacíos” y “Sopa de Caracol”. El grupo estuvo unido durante 17 años.
En la última etapa, el tema "Vasos vacíos", que
interpretaba con la reina de la salsa Celia Cruz, se convirtió en todo un éxito
que fue versionado por bandas de distintos países. Si bien nunca se oficializó
una separación de Los Fabulosos Cadillacs, tanto Vicentico como los otros
integrantes encararon sus proyectos por separado.
Así, en el año 2002 inició su carrera como solista y grabó
los discos “Vicentino” (2002) que alcanzó el disco de Oro y Platino en la
Argentina;
Luego lanza, “Los Rayos” (2004), producido por el mismo
Vicentico junto a Afo Verde y que cuenta con invitados especiales como Julieta
Venegas, Flavio Cianciarullo y Lucho González, además de su propio hijo Florian
en los acordeones a piano en el tema “Los caminos de la vida”, primer corte de
difusión.
El tercer álbum solista de Vicentico se titula “Los Pájaros”
(2006) y contiene 10 canciones originales, todas compuestas por Gabriel
Fernández Capello (Vicentico), salvo “Ayer” de Daniel Melingo. Fue grabado
entre los meses de Agosto y Octubre de 2006 en Estudio Donado y El Santito con
la producción del propio Vicentico.
En mayo de 2008 lanza al mercado "Hits 2002-2008"
para marcar el cierre de su primera etapa solista. El disco incluye sus temas
más importantes junto a tres bonus track, entr elos que están los temas
inéditos "Navegando" (una versión en español del tema
"Sailing" de Rod Stewart) y "Combo imbécil" (compuesto y
grabado por Vicentico junto a Calle 13). Mientras tanto, ensaya con su ex
banda, Los Fabulosos Cadillacs, para comenzar una gira a fines de 2008 a nivel
mundial y acompañarla con la grabación de un disco.
En 2010 se edita "Sólo un momento", un exitoso
álbum que lo llevó en 2012 a editar la versión en vivo en Cd+Dvd, titulado
"Sólo un momento en vivo", el cual incluye "Basta de llamarme
así", de Los Fabulosos Cadillacs.
El 25 de septiembre de 2012, y luego de dos años sin
ingresar al estudio de grabación, llega "Vicentico 5", el quinto
álbum original de Vicentico. Producido por él mismo junto a Cachorro López, el
disco cuenta con la colaboración de la esposa del músico, Valeria Bertuccelli,
en las canciones "No te apartes de mí", versión de Roberto Carlos, y
"Esto de quererte". Además, Vicentico interpreta una versión de
"Sólo hay un ganador", de Abba.
En 2013 se estrenan los videos de "Creo que me
enamoré" y "No te apartes de mí", cortes del álbum
"Vicentico 5". El músico graba un nuevo sencillo, "Puro
teatro", cortina de la serie televisiva "Farsantes", emitida por
Canal 13 y protagonizada por Julio Chávez y Facundo Arana.
En septiembre de 2014 estrena el sencillo "Esclavo De
Tu Amor", que forma parte del nuevo álbum "Último Acto", a la
venta en noviembre, el cual cuenta con varias participaciones estelares: Willie
Nelson (en “Sólo Un Momento”), el dúo jamaiquino Sly & Robbie (“Las
Estrellas”), las bandas Intocable (“Viento” y “Cobarde”) y Our Latin Thing
(“Algo Contigo”, “Culpable” y “Los Caminos De La Vida”), y su mujer Valeria
Bertuccelli (“No Te Apartes De Mí”). De las 18 canciones que componen el álbum,
cuatro son inéditas: "Esclavo de tu Amor", "Las Estrellas",
"Último Acto" y "Solo Otra Vez". El DVD incluye el backstage
de las grabaciones de las canciones en las diferentes ciudades (Buenos Aires,
Nueva York, Los Ángeles, Nashville y Kingston).
En febrero de 2015 se estrena "Viento", video del
segundo corte. El día 25 del mismo mes actúa en el Festival de la Canción de
Viña del Mar. A fines de julio sale "Las Estrellas", tercer sencillo.
El 3 de octubre de 2019, Vicentico regresa con
"Freak", su nueva canción con sonidos latinos y modernos que será el
primer corte de su próximo álbum solista.
El 8 de mayo de 2020, lanza
“No Tengo” abre signos de interrogación sobre el dilema universal entre
lo material y lo fundamental. El 18 de septiembre presenta "Cuando Salga”,
una canción que fue escrita previo a la pandemia y grabada en New York el
primer día de estudio.
El 21 de mayo del 2021 lanza su nuevo álbum solista
titulado: “El pozo brillante”.
El 13 de diciembre estrenan el single "Colgado en las
alturas" en unión con Poncho.
El 1 de abril de 2022 participa del single de David Lebón,
"Esperando nacer".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Esclavo de Tu
Amor.
El 9 de Av en el calendario judío, es el día nacional de
duelo: nos abstenemos de comer y beber entre otras restricciones. El rabino
Axel Wanish, rabino de la comunidad sefardita Acylba, nos da las claves para
interpretar el duelo y cómo pasar del dolor a la esperanza.
Nacida en Brooklyn, Nueva York en 1952, la cantante Janis
Siegel aprendió sus primeras nociones de música a muy temprana edad y a los 12
años ya cantaba públicamente en el grupo de Laurel Canyon, un trío pop femenino
con el que permaneció durante su enseñanza musical y que luego evolucionó en un
conjunto folclórico acústico. Después de un encuentro con Tim Hauser en una
fiesta, se adhirió al grupo fundado en 1972 por éste último: The Manhattan
Transfer, el conjunto a cuatro voces que incluía a Laurel Massé y Alan Paul.
El álbum de debut en 1975 bautizado con el nombre del grupo,
fue un éxito enorme de ventas, de crítica y contó desde el principio con el
apoyo del público. En estos años la magnífica voz de Janis Siegel se ha
convertido en una de las marcas más reconocibles del grupo. Fue la voz
principal en los más grandes éxitos del grupo como «Operator», «Chanson
D’Amour»,»Twilight Zone», «Birdland», «Rays Rockhouse», «Sassy», «Spice of
Life» , «Mysiery» y «The Boy from N.Y.C».
También se ha ganado el reconocimiento como arreglista vocal
por su colaboración maestra en los CD del grupo Vocalese y Brasil , ganando con
éste último un premio Grammy. Su arreglo de la pieza Birdland le dio otro como
solista en 1980. En 1993 ella y sus colegas de Manhattan Transfer recibieron
doctorados honorarios del Berklee School of Music y en 1999 se convirtieron en
la primera clase de introducidos al Salón de la Fama de Grupos Vocales. Su
éxito como solista con el álbum: Experiment in White le permitió una segunda
carrera en 1982 y en 1987 su siguiente trabajo en sólo con At Home le dejó
nuevamente una nominación al Grammy como Mejor Voz Femenina de Jazz. Le han
seguido reconocimientos de la crítica especializada y premios de diversa
índole. Janis Siegel continua ocupada con su carrera de solista mientras sigue
con The Manhattan Transfer y otros muchos proyectos.
Durante las últimas tres décadas, la voz de Janis Siegel –
ganadora del Grammy nueve veces y nominada 17 – ha sido una fuerza innegable en
el diversificado catálogo musical de The Manhattan Transfer. En su carrera de
solista Janis Siegel ha creado media docena de trabajos finamente articulados,
además de numerosos proyectos en colaboración con otros. Todo esto ha logrado
una aclamación constante de sus admiradores repartidos en todo el mundo. Sus
visitas a España han sido numerosa para participar en Festivales de Jazz y
otros conciertos. La última vez fue en 2005 cuando participó junto a The
Manhattan Transfer en varios festivales de jazz de nuestro país.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Misty.
Zubir Said, también conocido como Zubir Syed, nació en Bukittinggi,
Indonesia, el 22 de julio de 1907, y murió en Singapur, el 16 de noviembre de
1987. Compositor.
Zubir Said biografía, relatos - compositor singapurense
Zubir Said BBM (22 de julio de 1907 - 16 de noviembre de
1987) fue un compositor singapurense originario de las tierras altas de
Minangkabau en Indonesia que compuso el himno nacional de Singapur, "Majulah
Singapura" ("Adelante Singapur"). Músico autodidacta, Zubir
también trabajó como arreglista y compositor de canciones para Cathay-Keris
Film Productions durante 12 años, componiendo numerosas canciones para las
películas malayas de la compañía. Se cree que escribió unas 1.500 canciones, de
las cuales menos del 10 % se grabaron.
Se ha dicho que muchos veían a Zubir como un compositor con
un "verdadero alma malaya", ya que sus canciones estaban entretejidas
con mensajes históricos y obviedades malayas, y que él y sus contemporáneos de
Minangkabau despertaron una ola de conciencia nacional en la década de 1950.
Mudarse a Singapur
En 1928, a la edad de 21 años, Zubir fue a Singapur para
ganarse la vida como músico, siguiendo la sugerencia de un amigo marinero que
había descrito la isla como un lugar de "luces brillantes, kopi susu [café
con leche] y mantequilla". Esto se hizo frente a las objeciones de su
padre, el cacique de la aldea, Mohamad Said bin Sanang, quien creía que la
música estaba en contra de la religión. El primer trabajo de Zubir fue como
músico en la City Opera, una compañía de ópera malaya o bangsawan. Se convirtió
en el director de orquesta de la compañía. A partir de entonces, en 1936, se
unió a la compañía discográfica His Master's Voice. Zubir fue a Java para
casarse con Tarminah Kario Wikromo, una keroncongcantante, en 1938; regresaron
a la ciudad natal de Zubir, Bukittinggi, en 1941, justo antes del estallido de
la Segunda Guerra Mundial. Al regresar a Singapur en 1947, Zubir trabajó como
fotógrafo a tiempo parcial en el periódico Utusan Melayu. Según la tercera hija
de Zubir Said, la Dra. Rohana Zubir, su padre también viajaba de aldea en aldea
tomando fotografías de tamaño NRIC para los aldeanos mientras compone e
interpreta música y canciones. En 1949 asumió el cargo de director de orquesta
en Shaw Brothers' Malay Film Production, y en 1952 se incorporó a Cathay-Keris
Film Productions como arreglista y compositor de las películas malayas de la
compañía, incluidas Sumpah Pontianak (Blood of Pontianak, 1958) y Chuchu Datuk
Merah (Nietos de Datuk Merah, 1963). Consultado el 2 de noviembre de 2007. En
1957 recibió su primer reconocimiento público cuando sus canciones se
interpretaron en el Teatro Victoria.
Música
Zubir es recordado principalmente por componer el himno
nacional de Singapur, "Majulah Singapura" ("Adelante
Singapur"). La letra malaya exhorta a los singapurenses a "progresar
juntos hacia la felicidad" ("Sama-sama menuju bahagia") para que
sus "nobles aspiraciones traigan el éxito de Singapur" ("Cita-cita
kita yang mulia / Berjaya Singapura"), y a "unirse en un nuevo
espíritu" ("Marilah kita bersatu / Dengan semangat yang baru").
En 1956, también presentó tres composiciones de canciones al
gobierno malayo, más tarde malasio, para que las considerara para su himno
nacional. Sin embargo, al final se seleccionó una canción diferente, "Negaraku".
Zubir también es recordado por su composición "Semoga
Bahagia" ("Que alcances la felicidad") que estaba dirigida a
estudiantes de primaria, aconsejándoles que trabajaran duro por su futuro. Se
ha convertido en una canción del Día del Niño para los niños de Singapur y, por
lo tanto, a menudo se canta en las escuelas el 1 de octubre. También se realiza
durante el Festival de la Juventud de Singapur.
Se dice que Zubir fue visto por muchos como un compositor
con un "verdadero alma malaya", ya que sus canciones, tradicionales
pero modernas y patrióticas, estaban entretejidas con mensajes históricos y
obviedades malayas. El periodista A. Samad Ismail comentó que Zubir y sus
contemporáneos Minangkabau despertaron una ola de conciencia nacional en la
década de 1950.
"Majulah Singapura"
Singapur, entonces una colonia británica, recibió el estatus
de ciudad por una carta real del rey Jorge VI en 1951. En 1958, el Ayuntamiento
de Singapur se acercó a Zubir para componer una canción para la ciudad que se
titularía "Majulah Singapura", que era un lema que se exhibiría en el
Teatro Victoria después de su renovación. La canción de Zubir, "Majulah
Singapura Este estatuto regulaba el uso y exhibición de las Armas del Estado y
la Bandera del Estado y la interpretación del Himno Nacional. "Majulah
Singapura" se presentó a la nación el 3 de diciembre en el lanzamiento de
la "Semana de la Lealtad", reemplazando el himno colonial "God
Save the Queen". Después de la independencia total de Singapur de Malasia
el 9 de agosto de 1965, "Majulah Singapura" fue adoptado formalmente
como el himno nacional de la República. En una entrevista de historia oral de
1984, para resumir su filosofía al componer el himno, Zubir citó el proverbio
malayo "Di mana bumi dipijak, di situ langit dijunjung"
("Deberías levantar el cielo de la tierra donde vives").
Primeros años
Zubir Said, el hijo mayor de una familia de tres niños y
cinco niñas, nació el 22 de julio de 1907 en Bukittinggi, en las tierras altas
de Minangkabau, en el oeste de Sumatra, Indonesia. Su madre murió cuando él
tenía siete años. Asistió a una escuela holandesa pero no tenía interés en los
estudios académicos. Su participación en la música comenzó cuando un maestro le
presentó el sistema de música Solfa. Posteriormente, un compañero de clase de
la escuela primaria le enseñó a hacer y tocar una flauta, y en la escuela
secundaria, aprendió a tocar la guitarra y la batería de sus compañeros y del
grupo keroncong en el que estaba involucrado.
Años después
En 1962, las canciones de Zubir para la película Dang Anom
ganaron un premio en el Noveno Festival de Cine Asiático en Seúl, Corea del
Sur. Continuó trabajando para Cathay-Keris Film Productions hasta que se jubiló
en 1964, componiendo numerosas canciones para películas malayas.
También dio lecciones de música y, a menudo, otros artistas
musicales lo visitaban para hablar sobre música y pedirle consejos. Su tercera
y menor hija, Puan Sri Dr. Rohana Zubir, profesora jubilada de la Universidad
de Malaya, recordó cómo la casa familiar en Singapur siempre estaba llena de
música. Él fue el corazón de la conversación, muy entusiasmado y dispuesto a
compartir perlas de sabiduría para que otros pudieran beneficiarse de su
trabajo. Esta generosidad se extendió a otras áreas de su vida. Ayudó a su
propia familia en Sumatra y a familias en Singapur que había
"adoptado", enviándoles medicinas y otros artículos con lo poco que
podía pagar, a pesar de que su propia familia no estaba bien en ese momento.
Zubir dijo que nunca se dejó llevar por el dinero. Creía que
el dinero era fundamental para su supervivencia y para el cuidado de la
familia, y que le bastaba con el dinero que ganaba dando clases de música y sus
composiciones para el mundo del cine. Valoraba la honestidad y la sinceridad en
su trabajo y daba importancia a la pureza y originalidad, ya sea en su música,
letras o estilo de canto. Dejó de componer canciones para la compañía
cinematográfica cuando estaba molesto por la decisión de la gerencia de reducir
los costos de producción tomando prestada música existente para usarla para
doblar la música de fondo de algunas películas.
Zubir murió a la edad de 80 años el 16 de noviembre de 1987
en Joo Chiat Place en Singapur, le sobreviven cuatro hijas y un hijo. A pesar
de su legado, Zubir dejó solo 20.000 dólares singapurenses a su nombre y la
familia no tenía un hogar propio. En 1990, la vida y la pasión de Zubir como
músico se documentaron en un libro titulado Zubir Said: His Songs, y en 2004 se
instaló un busto de bronce de 20.000 dólares singapurenses de un Zubir con
gafas en la Galería 6 del Malay Heritage Center, que rinde homenaje a los
iconos de las artes y la cultura malayas.
Premios y honores
En reconocimiento a sus contribuciones al Estado, Zubir
recibió el Sijil Kemuliaan (Certificado de Honor) el 16 de marzo de 1963 y el
Bintang Bakti Masyarakat (Estrella del Servicio Público) en el mismo año. Según
Infopedia de Singapur, Zubir Said recibió la Estrella del Servicio Público en
1962. Sin embargo, esto no puede ser correcto ya que ese premio solo se
instituyó en 1963. En 1971, recibió el Jasawan Seni (medallón cultural) de ocho
organizaciones culturales malayas, y el Premio Cultural y de Comunicaciones de
la ASEAN en 1987. También recibió un Certificado de Mención del Sindicato
Amalgamado de Empleados Públicos (AUPE) por componer la canción AUPE. En 1995,
Zubir fue póstumamente. Recibió un premio Lifetime Achievement Award de la
Sociedad de Autores y Compositores de Singapur (COMPASS).
El 8 de mayo de 2009, el Ministro interino de Información,
Comunicaciones y Artes, Contralmirante (NS) Lui Tuck Yew, anunció que la
dirección del campus permanente de la Escuela de las Artes (Sota) cerca de The
Cathay será 1 Zubir Said Drive, en honor al difunto compositor.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Semoga Bahagia, la canción oficial del Día del Niño en Singapur, en la
versión del Coro y la Orquesta Sinfónica de Singapur, dirigida por Darrell Ang.
A continuación, de Antonín Dvořák, el Trío para Piano Nº 4
en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky, en la interpretación de Rick Kuppen en piano,
Tim Brackman en violín, y Kalle de Bie en violonchelo.
Anthony Dominick Benedetto, más conocido como Tony Bennett,
nació en Astoria, Queens, Nueva York, Estados Unidos, el 3 de agosto de 1926, y
murió en Nueva York, Estados Unidos, el 21 de julio de 2023. Cantante.
El Diario Infobae, en su edición digital, publicó esta
información.
Murió Tony Bennett, una de las máximas figuras de la música: tenía 96 años
Anthony Dominick Benedetto fue de los últimos grandes crooners de mediados del siglo XX
21 Jul, 2023
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El cantante Tony Bennett actúa durante Sinatra 100 - An All-Star Grammy Concert en Las Vegas, Nevada. 2 de diciembre de 2015. REUTERS/Steve Marcus/Archivo
Tony Bennett murió este viernes en Nueva York a los 96 años. Fue el último de una generación de cantantes estadounidenses clásicos cuyo espíritu incesantemente alegre unió generaciones para convertirlo en un creador de éxitos durante siete décadas.
Criado en una era en la que las grandes bandas definían la música pop estadounidense, Bennett logró un improbable segundo acto cuando comenzó a ganarse al público joven en la década de 1990.
Se hizo muy conocido por su emblemática canción de 1962 I Left My Heart in San Francisco (Dejé mi corazón en San Francisco), así como por el asombroso resurgimiento de su carrera en los años 80 y 90, que le proporcionó una popularidad sostenida hasta la vejez.
Ganó 19 premios Grammy, incluido uno a toda su carrera en 2001, y ha vendido más de 50 millones de discos en todo el mundo.
Tony Bennett agradece los aplausos después de cantar "I left My Heart in San Francisco" en el festejo de sus 80 años en el teatro Kodak en Los Ángeles, 9 de noviembre de 2006. (AP Foto/Kevork Djansezian, Archivo)
Comparado desde el principio de su carrera con Frank Sinatra, Bennett trató primero de distanciarse, pero al final siguió el mismo camino que otros cantantes de antaño: cantar en clubes nocturnos, en televisión y en el cine, aunque sus intentos de actuar acabaron pronto.
Su don era la presencia escénica.
Con una sonrisa acogedora y un traje elegante, cantaba con gusto y un suave vibrato con una voz fuerte y claramente enunciada, que mantenía en forma gracias a su entrenamiento en la tradición operística del Bel Canto.
Tony Bennett falleció este viernes a los 96 años (gettyimages)
En 2020, se conoció que se le había diagnosticado Alzheimer en 2016.
“La vida es un regalo - incluso con Alzheimer”, había publicado el músico en Twitter.
Se supo que, aunque su función cognitiva estaba deteriorada, seguía siendo capaz de cantar toda una gama de su repertorio.
Tony Bennett con Amy Winehouse - Body and Soul
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El legendario músico falleció hoy a los 96 años de edad
A partir de su grabación de la canción de cine Because of You en 1951, Bennett cantó docenas de éxitos, entre ellos Rags to Riches, Stranger in Paradise y, en lo que se convertiría en su canción emblemática, I Left My Heart in San Francisco.
Pero la invasión británica liderada por The Beatles hizo mella en el cantante, cuya música de repente sonaba pintoresca y anticuada. Estuvo a punto de morir de una sobredosis de cocaína en 1979, antes de recuperar la sobriedad y reavivar su carrera.
Tony Bennett con Lady Gaga - I've Got You Under My Skin
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El legendario músico falleció hoy a los 96 años de edad
“Cuando apareció el rap, o la música disco, o cualquiera que fuera la nueva moda del momento, no intenté encontrar algo que encajara con el estilo de toda la escena musical”, declaró Bennett a la revista cultural británica Clash.
“Me limité a ser yo mismo, a cantar con sinceridad y a ser honesto conmigo mismo, sin hacer concesiones, haciendo las mejores canciones que se me ocurrían para el público. Y por suerte dio sus frutos”, aseguró.
