Patti LuPone

Patti Ann LuPone nació en Northport, Nueva York, Estados Unidos, el 21 de abril de 1949. Actriz, comediante y cantante. 

El sitio www.pattilupone.net publicó su biografía. 

Patti LuPone 

Ha ganado tres premios Tony por sus interpretaciones como Joanne en la premiada producción de Marianne Elliott del musical Company de Stephen Sondheim y George Furth, Madame Rose en la reposición de Broadway de 2008 del clásico Gypsy de Jule Styne, Stephen Sondheim y Arthur Laurents, y el papel principal en la producción original de Broadway de Evita de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. 

Sus anteriores actuaciones en Broadway incluyen papeles protagónicos en la comedia de Jen Silverman, The Roommate, junto a Mia Farrow, dirigida por Jack O'Brien; el musical de Scott Frankel, Michael Korie y Douglas Wright, War Paint (nominaciones a los premios Tony, Drama Desk y Outer Critics Circle); el musical de David Yazbeck y Jeffrey Lane, Women on the Verge of a Nervous Breakdown (nominaciones a los premios Tony, Drama Desk y Outer Critics Circle); la Sra. Lovett en la producción de John Doyle de Sweeney Todd (nominaciones a los premios Tony, Drama Desk y Outer Critics Circle); Noises Off de Michael Frayn; Master Class de Terrence McNally ; su propio concierto Patti LuPone On Broadway; Anything Goes de Cole Porter (nominación al premio Tony y al premio Drama Desk); The Cradle Will Rock de Marc Blitzstein; Oliver! de Lionel Bart, La muerte accidental de un anarquista de Dario Fo y el musical de Alfred Uhry y Robert Waldman, El novio ladrón (nominación al premio Tony) 

Ha mantenido una larga relación con David Mamet, protagonizando en Broadway producciones de sus obras The Anarchist, The Old Neighborhood y The Water Engine; fuera de Broadway en Edmond y The Woods; así como en sus películas Heist y State and Main. 

Graduada de la primera promoción de la División de Teatro de la Escuela Juilliard de Nueva York y miembro fundadora de The Acting Company de John Houseman, con la que realizó giras por todo el país durante cuatro años, entre las apariciones adicionales de la Sra. LuPone en Nueva York se incluyen las producciones off-Broadway de Shows For Days de Douglas Carter Beane en el LCT y Stage Directions de Israel Horovitz en el Public Theater, su debut con el New York City Ballet como Anna 1 en The Seven Deadly Sins, Passion en el Lincoln Center, que también fue transmitida por Live From Lincoln Center de PBS, las producciones de City Center Encores! de Gypsy, Can-Can y Pal Joey, y las producciones de la Filarmónica de Nueva York de Company, Candide y Sweeney Todd (debut con la Filarmónica de Nueva York). 

A nivel nacional, ha aparecido con la Ópera de Los Ángeles en su producción de Los fantasmas de Versalles de John Corigliano y Mahagonny de Weill-Brecht (debut), el estreno mundial de la ópera To Hell and Back de Jake Heggie con la Orquesta Filarmónica Barroca de San Francisco), el papel principal en Regina de Marc Blitzstein , una versión musical de The Little Foxes de Lillian Hellman en el Kennedy Center, y en una gira por varias ciudades de su concierto teatral Matters of the Heart. 

A partir del año 2000, apareció regularmente en el Festival Ravinia. Primero en su ciclo Sondheim, donde protagonizó Sweeney Todd, A Little Night Music, Passion, Anyone Can Whistle, Gypsy, Sunday in the Park with George, así como en To Hell and Back de Heggie, The Seven Deadly Sins de Weill y Annie Get Your Gun de Irving Berlin . 

En Londres, donde recientemente ganó su segundo premio Olivier por su interpretación de Joanne en Company, recreó su interpretación de Maria Callas en Broadway en Master Class, creó el papel de Norma Desmond en Sunset Boulevard (nominación al premio Olivier). La Sra. LuPone fue la primera estadounidense en ganar el premio Olivier de Londres por sus interpretaciones de Fantine en la producción original de Los Miserables y en la producción de The Cradle Will Rock de la Acting Company. 

Películas: Beau is Afraid de Ari Aster junto a Joaquin Phoenix; La escuela del bien y del mal (Netflix); Last Christmas; El comediante; Union Square; Parker; Ciudad junto al mar; Solo mirando; El verano de Sam; La mujer de las 24 horas; Oraciones familiares; Paseando a Miss Daisy; Testigo. 

Televisión/Streaming: The Artist (The Network); Palm Royale (Apple TV); Agatha All Along (Disney+); And Just Like That (HBO Max); Hollywood (Netflix); Pose; Crazy Ex-Girlfriend; Penny Dreadful (nominación a Critics Choice); Girls; American Horror Story: Coven & NYC ; Law & Order: SVU; Glee; 30 Rock; PBS Great Performances The Rise and Fall of the City of Mahagonny (Premio Grammy por la grabación de la transmisión); Ugly Betty; Will & Grace (como ella misma); Candide de PBS Great Performances; Oz; la película de TNT Monday Night Mayhem; Evening At The Pops de PBS con John Williams y Yo Yo Ma; Falcone; Bonanno: A Godfather's Story; Frasier (nominación al Emmy de 1998); Law & Order; Una velada con Patti LuPone (PBS), la película de NBC Her Last Chance, The Song Spinner de Showtime (nominación al premio Emmy diurno a la mejor actriz); The Water Engine; LBJ; Remember WENN de AMC; y Life Goes On de ABC. 

Las grabaciones incluyen: A Life in Notes, Don't Monkey with Broadway, Far Away Places, Patti LuPone at Les Mouches, The Lady with the Torch y muchas grabaciones de elencos originales, incluyendo, más recientemente: la producción del West End de Company, War Paint, Women on the Verge of a Nervous Breakdown, Gypsy y Sweeney Todd (tanto la grabación del elenco de la reposición de Broadway de 2006 como la grabación de la actuación en vivo de 2000 en el sello Special Editions de la Filarmónica de Nueva York). 

Es la autora del libro de memorias superventas del New York Times, Patti LuPone: A Memoir. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Ladies Who Lunch.  

Tim Curry

Timothy James Curry, más conocido como Tim Curry, nació en Grappenhall, Cheshire, Reino Unido, el 19 de abril de 1946. Actor, comediante, cantante y productor. 

El Diario Infobae, en su edición digital publicó este artículo firmado por Fausto Urriste. 

“Nunca dejé de ser actor”: la historia del

renacer artístico de Tim Curry después del

ACV que cambió su vida

En diálogo con CBS Sunday Morning, el legendario actor de The Rocky Horror Picture

Show habló sobre su recuperación tras el accidente cerebrovascular de 2012, 

La importancia del arte en su vida y el valor de mantenerse fiel a sí mismo 

PorFausto Urriste

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22 Oct, 2025 09:32 a.m. AR

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Tim Curry relató su recuperación tras el ACV y su renacer artístico (YouTube: CBS Sunday Morning)

Tim Curry, reconocido por su papel en The Rocky Horror Picture Show, ofreció a CBS Sunday Morning una perspectiva profunda sobre su vida después del accidente cerebrovascular de 2012.

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Durante la entrevista en California, centrada en la publicación de su memoria Vagabond, el actor británico relató el proceso de reaprender a hablar y enfatizó que jamás perdió su identidad artística. La conversación expone la constancia de Curry en el arte y su empeño por seguir adelante ante la adversidad.

Un accidente que marcó un quiebre

El accidente cerebrovascular de Curry supuso un punto de inflexión. Tal como explicó a CBS Sunday Morning, el episodio ocurrió durante un masaje, cuando el terapeuta detectó algo fuera de lo común y solicitó ayuda médica.

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Curry destacó la importancia de la familia y la disciplina en su vida y carrera

Sin dolor ni síntomas evidentes, Curry fue trasladado en ambulancia a un hospital, donde se le informó que había sufrido un ACV. “Tuve que aprender a hablar de nuevo”, recordó Curry. Fue sometido a una cirugía cerebral y permaneció cerca de un mes hospitalizado.

Durante la rehabilitación, una enfermera lo sacaba al patio para que sintiera el sol, un gesto que valoró por su cariño a California.

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El camino de la recuperación y la resiliencia

A pesar de la superación médica, Curry enfrenta secuelas físicas: su lado izquierdo permanece sensible y, aunque recuperó movilidad, enfrenta dolor y limitaciones en el brazo y la pierna izquierdos.

La memoria 'Vagabond' revela la visión personal de Curry sobre fama y autenticidad (Captura de video)

Aun así, insistió en que nunca dejó de considerarse actor. “Nunca dejé de ser actor”, afirmó durante la entrevista concedida a CBS Sunday Morning. El gusto por la comunicación y las palabras continúa en el centro de su vida, igual que antes de perder el habla.

La resiliencia de Curry se sostiene sobre su pasión artística y su rechazo a la autocompasión. El actor relató que, aunque vivió momentos difíciles, no permitió que la autolástima influyera en su recuperación.

“No admiro la autocompasión”, señaló Curry, quien atribuye esa fortaleza a la influencia de su madre. La disciplina y la determinación lo definen, tanto en la carrera como en la vida personal.

Influencia familiar y desarrollo personal

El actor de The Rocky Horror Picture Show compartió su experiencia de resiliencia y pasión por el arte (Photo by Movie Poster Image Art/ 20th Century Fox)

La familia jugó un rol central en la formación de Curry. Hijo de Jim Curry, capellán de la Marina Real británica, creció en medio de mudanzas constantes, a raíz de la naturaleza del trabajo de su padre.

Asistir a servicios religiosos y observar cómo su padre cautivaba a los fieles influyó en su vocación escénica. La pérdida de su padre, cuando tenía diez años, marcó profundamente su vida. Aún recuerda el último día que lo vio, luego del primer ACV paterno, y la responsabilidad que sintió tras la petición de “cuidar de su madre”.

La relación con su madre fue compleja. Curry la describe como cambiante y poco entusiasta respecto a su éxito profesional. Según comentó en CBS Sunday Morning, su madre temía que la fama lo modificara y prefería que pasara desapercibido.

Carrera, legado y el valor del misterio

El actor británico reflexionó sobre la vida, la muerte y la superación personal (Captura de video)

En su carrera, Curry recordó sus primeros pasos en el teatro de Londres con Hair, y su consagración como ícono de culto gracias a The Rocky Horror Picture Show. Reconoció que Frank N. Furter dio a muchos jóvenes la libertad de ser diferentes, un legado del que se siente orgulloso.

Sin embargo, Curry aclaró que prefiere evitar la fama tradicional, eligiendo desaparecer en sus personajes y no fomentar una imagen pública. “He protegido el misterio sobre mi vida y mi carrera”, aseguró, reafirmando su defensa del enigma y la privacidad.

La publicación de Vagabond responde a esa voluntad de controlar su discurso personal. Curry rechazó convertir sus memorias en una historia sensacionalista sobre Hollywood, optando por reservar detalles íntimos y evitar mencionar aspectos sentimentales.

Curry rechazó la autocompasión y reivindica la fortaleza ante la adversidad (Captura de video)

Para él, ese misterio es fundamental para su autenticidad artística y para mantener la individualidad frente a la exposición pública.

Reflexión actual sobre la vida y la muerte

En la etapa más reciente, Curry reflexiona sobre la mortalidad sin temor. En diálogo con CBS Sunday Morning, manifestó que no teme morir y espera afrontar ese momento con tranquilidad.

Esta visión, fruto de la introspección y la experiencia, resume la actitud de un artista que supo enfrentar la adversidad sin renunciar a la pasión ni perder su identidad. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con I Am The Pirate King, del musical The Pirates Of Penzance. 

Óscar Chávez

Óscar Chávez Fernández, más conocido como Óscar Chávez, nació en la colonia Portales, Ciudad de México, México, el 20 de marzo de 1935, y murió en su ciudad, el 30 de abril de 2020. Cantante, guitarrista, actor, compositor, investigador, director de teatro y poeta. 

El sitio www.inba.gob.mx publicó este recordatorio. 

Óscar Chávez principal exponente de la lírica tradicional mexicana 

Boletín No. 479 - 30 de abril de 2020 

El músico, compositor y actor reconocido por sus aportes a la música popular y de protesta, falleció la tarde de este jueves 30 de abril 

Óscar Chávez, considerado uno de los máximos exponentes de la trova y la música tradicional mexicana, falleció este día en la Ciudad de México y deja huella en los jóvenes de la década de los sesenta con canciones como Por ti e, incluso Macondo, con la que invitó a volar al lado de sus mariposas amarillas. 

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) lamentan el deceso del cantautor nacido en 1935, quien estudió en la Escuela de Arte Teatral del INBAL y en la Universidad Nacional Autónoma de México. 

En su cuenta de Twitter, la secretaria de Cultura, Alejandra Frausto Guerrero, anunció la partida del artista: “Una voz de lucha nunca se apaga, gracias, Óscar Chávez, tu vida fue un viaje digno de ti. Mi más sentido pésame a sus familiares, amigos y compañeros de lucha y canción ¡Viva Óscar Chávez!” 

En las últimas décadas del siglo pasado, Chávez se dedicó al rescate de las tradiciones populares en la República mexicana y fue reconocida su labor con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Tradiciones Populares (2011). 

Oscar Chávez, además de compositor, participó en la cinta Los caifanes. Como actor fue dirigido por Héctor Mendoza, Ludwik Margules, Luis Alcoriza, Juan José Gurrola y Juan Ibáñez, entre otros, aunque su mayor reconocimiento lo obtuvo en el ámbito musical. 

Fue uno de los máximos exponentes en el país del movimiento musical, folclorista y de protesta latinoamericano conocido como Canto nuevo o Nueva canción. 

Entre su amplia discografía, con más de un centenar de discos, destacan Herencia Lírica Mexicana, los tres volúmenes de la serie Voz viva de México (en el cual recita poemas de Sor Juana Inés de la Cruz, Gilberto Owen y Amado Nervo), sus interpretaciones con Guillermo Velázquez y los Leones de la Sierra de Xichú y el Trío Los Morales, sus Parodias Políticas, los inolvidables discos de Macondo y Los Caifanes, y Cuento de Navidad, farsa teatral de Emilio Carballido, entre muchos otros. 

Entre los recintos donde llevó a presentarse destacan el Palacio de Bellas Artes en 1973, convirtiéndose en uno de los primeros cantantes de música popular en presentarse en el recinto de mármol. En tanto, el Auditorio Nacional y Ciudad Universitaria fueron escenarios obligados al que acudían sus seguidores cada año. 

A lo largo de su trayectoria, se presentó con otros músicos aclamados como Chamín Correa y la Internacional Sonora Santanera, y en múltiples espacios tanto nacionales como internacionales —en Argentina, España, Cuba, Estados Unidos y Chile, por mencionar algunos países. 

Óscar Chávez se destacó además por su labor como investigador y difusor de la música tradicional mexicana. Sus producciones comprenden géneros de diversas regiones del país: Oaxaca, Chiapas, Veracruz, Guanajuato, Guerrero, Nuevo León, Yucatán y Ciudad de México, retomando desde corridos ferrocarrileros hasta trova latinoamericana, música española, temas infantiles, tango, bolero y festividades como la Navidad y el Día de Muertos. 

Cabe señalar que la Fonoteca Nacional resguarda desde 2017, el fondo documental sonoro personal de Chávez, en el que quedan documentados sus 50 años de carrera, así como su faceta de investigador de la música tradicional de México y otras partes del mundo. 

Este acervo cuenta con 383 documentos—entre casetes, discos analógicos, discos compactos, cintas de carrete abierto y otros materiales audiovisuales— con entrevistas, producciones musicales y grabaciones en vivo; además de una amplia cantidad de materiales, como libros, folletos, catálogos, partituras y más, que complementan la documentación de la vida y obra del músico. 

Su repertorio está integrado por bagaje amplio, vinculado también a movimientos sociales y políticos, como el del 68 y la lucha del Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN). 

Chávez recuperó canciones de compositores inmortales como Chava Flores o Rafael Elizondo y difundía temas de autores como Pancho Madrigal, incluso participó al lado de cantantes de otras generaciones, como el grupo Panteón Rococó y seguía dedicado a la creación de nuevos temas, señaló Ana Valentina López de Cea en su texto Óscar Chávez, 83 años de canto inquebrantable. 

Carlos Monsiváis resumía en su texto Óscar Chávez, el relajo liberador, el trabajo de décadas de este artista: “Desde hace años, Óscar Chávez —cantante, compositor, folclorista, antólogo, luchador social— trabaja en una triple vertiente: rescate de la herencia lírica, presentación de nuevos materiales mexicanos y latinoamericanos, y manejo de las vetas satíricas de la canción. Él no jerarquiza, y si no le concede igual tiempo, sí le da igual importancia a lo viejo y lo nuevo, lo triste y lo divertido, lo épico y lo sensual”. 

Como homenaje al “Caifán Mayor”, la Secretaría de Cultura y organismos que la conforman compartirán parte de sus conciertos, audios y películas; por ejemplo, a las 20:00 horas de este jueves, la proyección del concierto que ofreció el pasado 2 de octubre 2019 en el Complejo Cultural Los Pinos, con motivo de la conmemoración de los 51 años de los trágicos hechos ocurridos en Tlatelolco, durante el movimiento estudiantil del 68. Esta transmisión será en la página Contigo en la distancia (contigoenladistancia.cultura.gob.mx). 

Canal 22 también transmitirá ese mismo concierto el viernes 1 de mayo a las 22:30 h, mientras que el domingo 3 de mayo a las 17 h toca el turno del Concierto Festival del Centro Histórico 2016. Celebrando a Óscar Chávez y este jueves 30 de abril programará el documental Ardió, arde, arderá. Óscar Chávez, músico a las 22:30 h, que fue producido por Arturo Ripstein y Roberto Fiesco, y dirigido por Julián Hernández. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nunca jamás.   

John Kander

John Harold Kander nació en Kansas, Misuri, Estados Unidos, el 18 de marzo de 1927. Compositor y guionista. 

El sitio www.masterworksbroadway.com publicó su biografía. 

El compositor estadounidense John Kander (nacido en Kansas City, Misuri, el 18 de marzo de 1927) es el socio musical del dúo de compositores Kander y Ebb, quienes juntos crearon al menos dieciséis musicales de Broadway, entre ellos Flora the Red Menace (1965), Cabaret (1966), Chicago (1975) y Curtains (2007). También contribuyeron con material a catorce películas y especiales de televisión durante sus cuarenta años de colaboración. De forma independiente, John Kander compuso la música de numerosas películas, como Something For Everyone (1970), Kramer vs. Kramer (1979), Places in the Heart (1984) y Billy Bathgate (1991). 

Kander y Ebb recibieron numerosos premios: tres premios Tony® (1967 por Cabaret, 1981 por Woman of the Year, 1993 por Kiss of the Spider Woman), el premio Laurence Olivier de Gran Bretaña (1998, por la producción londinense de Chicago), un Emmy® en 1973 y una nominación al Emmy en 1993, ambos por especiales de televisión de Liza Minnelli, y dos premios Grammy® (1967 por el álbum del reparto original de Cabaret y 1998 por el álbum del espectáculo musical de Chicago). El dúo también recibió varias nominaciones a premios, incluyendo nueve para los Tony®, dos para los Oscar® y cinco para los Globos de Oro®. Tanto Cabaret como Chicago fueron adaptadas al cine; la versión cinematográfica de Chicago ganó el premio Óscar® a la Mejor Película en 2002. 

Gran parte de la infancia de John Harold Kander en Kansas City transcurrió cantando y haciendo música con sus padres y su hermano. Recibió clases de piano desde los seis años. Mientras estudiaba en Oberlin, compuso la música para tres obras, y tras graduarse en 1951, obtuvo una maestría en la Universidad de Columbia en Nueva York. Durante los veranos de mediados de la década de 1950, Kander dirigió el coro del Teatro Musical Warwick en Rhode Island. 

Comenzó su carrera en Broadway como pianista suplente en los ensayos de West Side Story de Leonard Bernstein. En su siguiente trabajo, tocando para las audiciones de Gypsy , conoció al coreógrafo Jerome Robbins, quien le sugirió que compusiera la música de baile para el espectáculo. En 1960 realizó algunos arreglos para Irma la Douce , y en 1962, su primer musical, A Family Affair, con letra de William Goldman, se estrenó, pero no tuvo éxito. 

Kander le debe su encuentro con el letrista Fred Ebb en 1963 al editor musical Tommy Valando. Ebb también había tenido recientemente un debut fallido en Broadway. Su primer proyecto en común, la canción "My Coloring Book", fue grabada por Barbra Streisand en su segundo álbum (1963) y nominada a un premio Grammy®. Su primera colaboración teatral a gran escala, Golden Gate, no llegó a estrenarse, pero en 1965 crearon Flora the Red Menace, con Liza Minnelli debutando en Broadway y ganando un premio Tony®. Aunque no fue un éxito rotundo, sirvió para consolidar las relaciones entre Kander, Ebb, Minnelli y el productor Harold Prince. 

La siguiente colaboración de la pareja, Cabaret, producida por Prince, se estrenó el 20 de noviembre de 1966 en el Broadhurst Theatre y se representó durante 1165 funciones. Ganó el premio Tony® de 1967 al Mejor Musical, además de otros siete, y consagró la fama mundial de Kander y Ebb. La adaptación cinematográfica de 1972, protagonizada por Liza Minnelli, ganó varios premios Óscar®. El espectáculo se ha repuesto dos veces, en 1987 y en 1998, cuando ganó otro premio Tony® a la Mejor Reposición, tres premios Tony para los actores y siete nominaciones más. 

Tras tres musicales más (incluido Zorba en 1968), el dúo cosechó otro gran éxito con Chicago en 1975, con más de 900 representaciones. Fue nominado a once premios Tony®, pero la competencia —A Chorus Line de Marvin Hamlisch— se alzó con todos los galardones. Cuando Chicago se reestrenó en 1996, recibió seis premios. Este gran éxito ha alcanzado un récord de más de 5000 representaciones y sigue en cartelera en 2010. 

El segundo premio Tony® de Kander y Ebb fue otorgado en 1981 a la obra Mujer del Año con Lauren Bacall; el tercero fue para El beso de la mujer araña, protagonizada por Chita Rivera, en 1993. Kander ha recibido otros numerosos reconocimientos por sus contribuciones al mundo de la música. Oberlin, su alma mater, le otorgó un doctorado honoris causa en 1988, al igual que la Universidad de Niágara, donde ha impartido clases como profesor invitado, en 1994. Tanto Kander como Ebb fueron homenajeados por el Kennedy Center y recibieron el premio Oscar Hammerstein a la trayectoria artística en el teatro musical. 

La colaboración terminó abruptamente cuando Fred Ebb falleció de un ataque al corazón en su casa de Nueva York. En ese momento, estaban trabajando en un nuevo musical, Curtains. (La obra trata sobre una serie de muertes misteriosas durante la producción de un musical de Broadway; casualmente, otros dos miembros del equipo del proyecto fallecieron mientras este se desarrollaba). Se contrató a un nuevo letrista, Rupert Holmes, para ayudar a Kander a continuar y finalizar la obra, que se representó durante 511 funciones, le valió a David Hyde Pierce un premio Tony®, dos premios Drama Desk y siete nominaciones más a los premios Tony. 

El nuevo musical de Kander & Ebb, The Scottsboro Boys, se estrena en el Lyceum el 31 de octubre de 2010. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con New York, New York, cantada por Liza Minnelli.   

Elaine Paige

Elaine Jill Bickerstaff, más conocida como Elaine Paige, nació en Barnet Hertfordshire, Reino Unido, el 5 de marzo de 1948. Cantante y actriz. 

El sitio www.elainepaige.com publicó su biografía. 

La galardonada Elaine Paige, actriz, cantante, productora y presentadora de radio, ha hecho una contribución única e importante al musical teatral. Ha protagonizado más musicales de gran éxito del West End y Broadway que nadie más de su generación: Hair, Jesucristo Superstar, Billy, Anything Goes, Piaf, Sunset Boulevard, El rey y yo, Sweeney Todd, The Drowsy Chaperone, Follies, originando el galardonado papel de Eva Peron en Evita, seguido de Grizabella en Cats y Florence en Chess. Elaine ha definido los musicales, establecido estándares y en 1995 Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó un OBE por sus servicios al Teatro Musical. En junio de 2025, Su Majestad el Rey Carlos III nombró a Elaine Dama por sus servicios a la Música y la Caridad. 

Una emocionante artista en vivo, con presentaciones en conciertos por todo el mundo, desde la Casa Blanca, el Gran Salón del Pueblo en Pekín y la Ópera de Sídney hasta el Bolshoi, el Lincoln Center de Nueva York y el Royal Albert Hall de Londres. Elaine ha grabado 22 álbumes en solitario, trabajando con productores como Tony Visconti, Dennis Lambert, Peter Matz y Phil Ramone, y artistas como Freddie Mercury, Queen y Abba. Elaine ha participado en 7 álbumes de reparto, ha obtenido ocho discos de oro consecutivos y cuatro multiplatino, logrando éxitos que encabezaron las listas, incluyendo Memory, Don't Cry For Me Argentina y I Know Him So Well, que se han convertido en sus sellos distintivos.  

Otros trabajos escénicos incluyen The Misanthrope (Piccadilly Theatre) con Sir Peter Hall y Where There's A Will (Yvonne Arnold Theatre) de Feydeau. En 2014, Elaine celebró sus 50 años en el escenario con un concierto en el Royal Albert Hall, I'm Still Here, que se filmó y proyectó en cines de todo el mundo. En Navidad de 2017, Elaine interpretó a la malvada Reina Rata en el espectáculo de pantomima Dick Whittington del London Palladium, que ganó un premio Olivier al mejor entretenimiento y familia, y Elaine ganó el premio a la mejor villana en los Great British Panto Awards. 

El trabajo televisivo de Elaine incluye Beautiful People (BBC), A Murder is Announced (Granada/WGBH), Where The Heart Is (Granada Television), su propia serie de televisión The Elaine Paige Show (Sky Arts), Midsummer Night's Dream (BBC), Home From Home (BBC), Midsomer Murders (ITV), All Star Musicals (ITV); Musicales: The Greatest Show (BBC), Life (BBC) y Father Brown (BBC). 

Elaine continúa siendo una de las presentadoras estrella de BBC Radio 2 con su propio programa de mediodía, Elaine Paige On Sunday, que ya está en su año número 21 y atrae regularmente a más de 2,5 millones de oyentes cada semana. 

Ha sido galardonada con numerosos premios: Premio Olivier a la mejor actriz en un musical y premio Variety Club a la personalidad del mundo del espectáculo del año (1978); Premio Variety Club al artista musical (1986); Insignia de oro al mérito de la Academia Británica de Autores, Compositores y Cantautores (1994); Orden del Imperio Británico por sus servicios al teatro musical (1995); Premio Variety Club a la mejor actriz (1995); Premio HMV a la trayectoria (1996); Premio a la trayectoria de la Asociación Nacional de Ópera y Drama (1999); Presentación especial del Variety Club por 40 años en el escenario (2009); Título honorario de Doctor en Letras por la Universidad de East Anglia y la Academia Mountview de Artes Teatrales (2012); Premio Variety a la trayectoria (2016), Doctor honorario en Artes de la Universidad de Hertfordshire (2017) y Premio Lady Ratings Carmen Silver al logro destacado (2023). Fuera de su horario de trabajo, Elaine apoya a varias organizaciones benéficas cercanas a su corazón, entre ellas The Dan Maskell Tennis Trust, The Children's Trust Tadworth, EveryChild, The Royal Voluntary Service, Breast Cancer Campaign, Noah's Ark Hospice, The Lady Taverners, Support Dogs, West End Woofs y St Thomas' Lupus Trust, entre otros. 

Sigue a Elaine en Twitter: @elaine_paige 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Anything Goes, fragmento del musical de Cole Porter, en la Presentación del Royal Variety, de 1990.  

Gustave García

Gustave García nació en Milán, Italia, el 1 de febrero de 1837, y murió en Londres, Reino Unido, el 12 de junio de 1925. Barítono y profesor de canto. 

El sitio www.shigovoicelessons.com publicó este recordatorio 

Gustave García (1837-1925) fue nieto del tenor romántico Manuel García (1775-1831) e hijo del padre de la ciencia de la voz, Manuel García (1905-1906). Gustave García enseñó canto en la Real Academia de Música (1880-1890), la Guildhall School of Music (1883-1910) y el Royal College of Music (1884-1925). Gustave García falleció en Londres el 12 de junio a la edad de ochenta y nueve años. Provenía de una familia de músicos destacados. Su padre, Manuel García, fallecido en 1906 a los 102 años, fue un célebre profesor de canto, inventor del laringoscopio y autor del «Traité Complet de l’Art du Chant». Su abuelo, Manuel Vicente García, nació en 1776, hace más de 150 años. Esta notable sucesión de músicos profesionales unió las tradiciones de los siglos XVIII y XIX. Madame Maria Malibran, la cantante más destacada de su tiempo, y Madame Pauline Viardot García pertenecían a esta extraordinaria familia. Gustave, hijo de Manuel el Joven, nació en Milán el 1 de febrero de 1837. Cuando tenía unos seis meses, sus padres regresaron a su hogar en París, y Gustavo permaneció allí hasta los diecisiete años, recibiendo su educación. 

En el Colegio de Santa Bárbara. En 1850, viajó a Inglaterra y fue enviado a una escuela privada, dirigida por un clérigo, para aprender inglés, permaneciendo allí seis meses. Su padre había decidido que se convirtiera en ingeniero, pero no mostró mayor aptitud para ello que para el negocio naviero, del que, tras un trimestre en una escuela de ingeniería, tuvo una breve experiencia en Manchester. Fue por esa época que su tía, Pauline Viardot, viajó a Manchester para dar conciertos. El joven Gustavo la contactó, le contó su incapacidad y su aversión por los negocios, y le rogó que le pidiera a su padre que le permitiera dedicarse al canto. Ella lo hizo, su padre consintió, y él fue enviado a París para estudiar, primero con Busine, barítono, y luego con Bataille, bajo, ambos reconocidos artistas de la Ópera Cómica. Permaneció en París un año, regresó a Londres para estudiar con su padre durante tres años y debutó en el papel principal de "Don Giovani" en el Teatro de Su Majestad a los veintitrés años. Tras una corta temporada en dicho teatro, viajó a Italia y cantó en varias óperas en La Scala de Milán. En el Teatro Carcano representó "Don Giovanni", que no se había representado en Milán durante treinta y dos años. Durante cinco años realizó una gira por ese país, cantando en los principales teatros, con un intervalo de cinco meses en la Ópera de Atenas. A los veintinueve años regresó a Londres, donde ofreció varios conciertos en París durante su viaje, y poco después se casó con la señorita Linas Martorelli, una soprano consumada, con quien ofreció numerosos conciertos en Londres y provincias. En 1830 fue nombrado profesor de la Real Academia de Música, donde permaneció diez años. Enseñó en la Guildhall School of Music de 1883 a 1910, y en 1884 se incorporó al profesorado del Royal College of Music, donde impartió clases hasta su breve y última enfermedad. —MUERTE DE GUSTAVE GARCIA. Evening Star, Número 19062, 3 de octubre de 1925, página 19. 

Gustave García también escribió El arte del actor: un tratado práctico sobre la declamación escénica, la oratoria y el comportamiento. Londres: T. Pettitt & Co., 1882, y Una guía para el canto solista. Contiene instrucciones completas para cantar, con un análisis detallado de algunas obras y canciones conocidas. Londres: Stainer, Novello, Ewer & Co., 1914. 

Aniversario del estreno de la ópera Diálogos de Carmelitas, de Francis Poulenc

Diálogos de las carmelitas, título original en francés, Dialogues des Carmélites, es una ópera en tres actos con música de Francis Poulenc y libreto en francés del propio compositor y Emmet Lavery, basado en el texto teatral homónimo de Georges Bernanos, quien a su vez se inspiró en la novela La última del patíbulo o La última en el cadalso, de Gertrud von le Fort. La ópera se estrenó en el Teatro La Scala de Milán el 26 de enero de 1957. En esa oportunidad fue cantada en italiano. 

El estreno de la versión original en francés tuvo lugar el 21 de junio de 1957, en el Théâtre National de l'Opéra de París, la actual Ópera Nacional de París, con Denise Duval, Régine Crespin y Rita Gorr.   

La ópera está basada en los trágicos sucesos que culminaron con la muerte en la guillotina de 16 religiosas, de la comunidad de las carmelitas de la ciudad de Compiègne, el 17 de julio de 1794, durante la Revolución francesa.  

Una de las monjas, la madre María de la Encarnación, pudo escapar de la persecución y escribió un relato de los hechos, el cual inspiró a la escritora alemana Gertrud von Le Fort, y que escribió en 1931 la novela Die Letzte am Schafott, o La última del patíbulo. Las dieciséis monjas mártires fueron beatificadas por el papa Pío X, en 1906. 

A continuación, la ópera Diálogos de Carmelitas según el siguiente reparto: Marqués de la Force, Jean-François Lapointe; Blanche de la Force, Corinne Winters; Caballero de la Force, Bogdan Volkov; El señor del Carmel, Krystian Adam; Madame de Croissy, Anna Caterina Antonacci; Hermana Constancia de Saint-Denis, Emöke Baráth; Madame Lidoine, Ewa Vesin; Madre María de la Encarnación, Ekaterina Gubanova; Madre Jeanne del niño Jesús, Irene Savignano*; Hermana Mathilde, Sara Rocchi*; El Ingeniero, Alessio Verna; 1º Comisionado, Roberto Accurso; 2º Comisionado, Alessio Verna; 1º Oficial, Arturo Espinosa*; Thierry y Javelinot, Andrii Ganchuk*; *Graduados del programa de jóvenes artistas "fabbrica" del Teatro de la Opera de Roma; Maestro del Coro, Ciro Visco; Escenografía, Carmín Maringola; Diseño de Vestuario, Vanessa Sannino; Diseño de Iluminación, Cristian Zúcaro; Coreografía, Sandro Campaña, junto al Coro y la Orquesta del Teatro de la ópera de Roma, dirigidos por Michele Mariotti. Función de apertura de la temporada 2022/23, en coproducción con el Teatro La Fenice de Venecia.  

El argumento se desarrolla en París y el convento Carmelita en Compiègne, entre 1789 y 1792.   

Acto I 

Blanche de la Force, joven aristócrata patológicamente tímida, decide, ante los continuos tumultos de la Revolución francesa, retirarse del mundo e ingresar en un convento. La anciana priora le advierte que la orden carmelita no es un refugio, sino que las monjas tienen el deber de guardar la Orden, sin buscar ningún otro camino. En el convento, la alegre sor Constance le dice a Blanche, y para su gran consternación, que ha tenido un sueño en el que ellas dos morían juntas y dentro de poco tiempo. La priora, que está agonizando, encomienda a Blanche a la madre Marie; se siente aterrorizada ante su próxima muerte, y grita en su delirio que, a pesar de los largos años que ha dedicado a Dios, Él la ha abandonado. Blanche y la madre Marie quedan impresionadas por la muerte de la anciana priora. 

Acto II 

Constance y Blanche hablan de la muerte de la priora, comentándole Constance que tanto miedo a morir en la anciana le pareció indigno de ella. El hermano de Blanche, el caballero de la Force, llega para comunicarle que su padre considera que debe dejar el convento, ya que allí no estará protegida, al ser un miembro de la nobleza y además del clero. Pero Blanche lo rechaza, alegando que ha encontrado la felicidad en la orden carmelita. Más tarde, ella admite ante la madre Marie que es el miedo, o el miedo al miedo, como dice su hermano, lo que la impide marcharse. El capellán anuncia que han prohibido que predique, al no haber jurado la constitución civil del clero. Las monjas comentan que es el Terror lo que ahora rige el país, y nadie se atreve a defender a los sacerdotes. La hermana Constance se pregunta si no quedan hombres que puedan defender el país, a lo que la nueva priora le contesta que allí donde faltan sacerdotes, los mártires sobreabundarán. La madre Marie dice que sólo los mártires salvarán a Francia, pero la madre priora la corrige: no pueden ser mártires voluntariamente; el martirio es un regalo de Dios. Entra el comisario 1.º y anuncia que la Asamblea Legislativa ha nacionalizado el convento y sus propiedades, y que las monjas deben abandonar sus hábitos. Cuando la madre Marie consiente, el oficial la insulta por estar tan impaciente por vestirse como el resto de las personas. Ella le replica que las monjas seguirán sirviendo, vistan como vistan. “El pueblo no necesita criados”, proclama el oficial con altanería. “No, pero tiene gran necesidad de mártires”, responde la madre Marie. “En tiempos como los actuales, la muerte no es nada”, dice él. “La vida no es nada”, contesta ella, “cuando está tan degradada”. 

Acto III 

En ausencia de la nueva madre superiora, la madre Marie propone que las monjas elijan el martirio. Sin embargo, todas deben estar de acuerdo, o la madre Marie no insistirá. Hay un voto secreto que disiente del martirio, y la hermana Constance dice que es ella quien ha votado en contra del martirio, y que ahora ha cambiado de opinión. Blanche escapa del convento. La madre Marie la encuentra en la biblioteca de su padre. Su padre ha sido guillotinado y han obligado a Blanche a servir a sus antiguos criados. Detienen a todas las monjas y las condenan a muerte. La madre Marie se encontraba lejos. El capellán le dice a la madre Marie que no puede contradecir a Dios y dirigirse voluntariamente al martirio uniéndose a los demás en prisión. Las monjas suben al cadalso cantando Salve Regina, con dignidad y sin temor. En el último momento, Blanche, que estaba escondida entre la multitud, aparece, ante la alegría de Constance. Pero ella también sube a la guillotina, mientras canta los últimos versos del Veni Creator: Deo Patri sit gloria, / Et Filio, qui a mortuis / Surrexit, ac Paraclito / In saeculorum saecula....