Jackie Jackson

Sigmund Esco Jackson, más conocido como Jackie Jackson, nació en Gary, Indiana, Estados Unidos, el 4 de mayo de 1951. Cantante, compositor, actor, productor y bailarín. 

El sitio www.michael-jackson.fandom.com publicó su biografía.  

Sigmund Esco "Jackie" Jackson es miembro de The Jackson 5. Es el segundo hijo y el mayor de los hermanos Jackson. Aspiraba a ser jugador profesional de béisbol, pero esos planes cambiaron cuando su padre, Joseph, formó una banda con Jackie y sus hermanos. 

Jackson se ha casado tres veces y tiene cuatro hijos.  

Primeros años de vida 

Jackie nació el día del 21 cumpleaños de su madre, Katherine, en 1951. Su abuelo le puso el apodo de Jackie, derivado de Jackson Boy. Provenía de una familia negra de clase trabajadora. Él y sus hermanos crecieron en una casa de dos habitaciones en Gary, Indiana, una ciudad industrial a las afueras de Chicago. En 1964, el padre de Jackie, Joseph, formó el grupo musical The Jackson Brothers, integrado por Jackie y sus hermanos Tito y Jermaine. Posteriormente, se unieron al grupo sus hermanos menores, Marlon y Michael, quienes tocaban diversos instrumentos de percusión. En 1966, Joseph convirtió a Michael en el vocalista principal y, en dos años, se dieron a conocer profesionalmente bajo el nombre de The Jackson Five, que luego se modificó al número 5 tras firmar con Motown en 1969. Antes de firmar con Motown, Jackson deseaba dedicarse al béisbol profesional. 

Carrera 

Los Jackson 5 

Jackson cantaba con una voz de tenor agudo. Añadió breves partes en algunos de los sencillos de éxito de The Jackson 5, incluyendo "I Want You Back" y "ABC". En 1973, lanzó un álbum en solitario que, desafortunadamente, no entró en las listas. Después de que The Jackson 5 se convirtiera simplemente en "The Jacksons" tras su salida de Motown para unirse a CBS Records en 1976, el papel de Jackson como vocalista y compositor aumentó. Añadió una voz principal junto a Michael en su sencillo de Epic que alcanzó el Top 10, "Enjoy Yourself", y también añadió composición en seis de los álbumes del grupo con Epic. La voz de Jackson cambió a un estilo vocal de tenor más grave durante los años de Epic. Una de las composiciones más exitosas de Jackson fue coescrita con Michael, "Can You Feel It", que se convirtió en un éxito internacional en 1981. Jackson comenzó a interpretar más voces principales mientras Michael seguía una exitosa carrera en solitario. En su álbum de 1984, Victory, Jackie interpretó la voz principal en la canción "Wait", mientras escribía el sencillo "Torture". Cabe destacar que, antes del inicio de la gira Victory Tour en 1984, sufrió lo que oficialmente se describió como una lesión de rodilla sufrida durante los ensayos. Sin embargo, Margaret Maldonado, antigua compañera de Jermaine, escribió en su libro de 1995, Jackson Family Values, que Jackson resultó herido en un accidente automovilístico, provocado por su entonces esposa, Enid Jackson, quien lo atropelló con su coche tras sorprenderlo con la coreógrafa y entonces Laker Girl, Paula Abdul. Jackson se recuperó lo suficiente como para actuar en la última parte de la gira en diciembre de 1984 en Los Ángeles, donde Michael anunció su salida del grupo. A principios de 1985, Marlon se unió a su hermano menor y abandonó el grupo. 

Jackie, Tito y Randy se convirtieron en músicos de sesión, vocalistas y productores durante este tiempo. En 1987, la banda se reformó como The Jacksons y grabó "Time Out for the Burglar", el tema principal de la película Burglar. El sencillo fue un éxito menor de R&B en los EE. UU., pero tuvo más éxito en Bélgica, donde alcanzó el puesto número 17 en el Top 40 durante dos semanas consecutivas. Los Jacksons también contribuyeron con coros a la canción principal del álbum Freedom de Tramaine Hawkins de 1987, producida por Tito. A finales de 1988, los Jacksons se dispusieron a grabar su último álbum con Epic, 2300 Jackson Street, en el que Jackie y Jermaine se repartieron las voces principales en la mayoría de las canciones. Sin embargo, 2300 Jackson Street no entró en las listas, a pesar de "Nothin' (That Compares 2 U)", con Randy y Jermaine como vocalistas principales. Randy no participó mucho en la promoción del álbum, ya que estaba trabajando en su proyecto en solitario, dejando a Jackie, Tito y Jermaine promocionarlo principalmente en el extranjero. Después, el grupo fue despedido del sello discográfico y cada hermano se dedicó a proyectos en solitario. Jackson firmó con Polydor y lanzó su primer álbum en solitario en 16 años, Be the One, a finales de 1989. El álbum fue un éxito menor, alcanzando el puesto número 89 en las listas de R&B. El primer sencillo, "Stay", fue un éxito en el Top 40 de R&B, mientras que el segundo sencillo, "Cruzin'", tuvo un éxito moderado. En 2001, después de años alejado de los focos, Jackie, junto con sus otros hermanos, regresó al panorama musical en una actuación de reunión con Michael durante su especial del 35 aniversario en el Madison Square Garden. 

Últimos años 

Jackson, que actualmente reside en Las Vegas, dirigió en su momento dos compañías discográficas: Jesco Records y Futurist Entertainment. Su hijo, Sigmund Jr., conocido como DEALZ, lanzó un mixtape con Jesco en 2007. En 2009, él, Tito, Jermaine y Marlon protagonizaron su breve reality show, The Jacksons: A Family Dynasty. En 2012, el cuarteto inició su primera gira desde el final del Victory Tour en 1984. Los cuatro hermanos continúan de gira y actualmente planean ofrecer una serie de conciertos en los casinos de Las Vegas. 

Vida personal 

Jackson se casó tres veces y tuvo cuatro hijos. Contrajo matrimonio con su primera esposa, Enid Adren Spann (27 de junio de 1954 - 20 de diciembre de 1997), en noviembre de 1974, tras cinco años de noviazgo. Fue un matrimonio turbulento debido a la infidelidad y el comportamiento volátil de Jackson. Se separaron en 1984 y Enid solicitó el divorcio, pero se reconciliaron en 1985. En enero de 1986, Enid solicitó el divorcio definitivamente. Obtuvo una orden de alejamiento contra Jackson tras acusarlo de maltrato físico. Enid falleció a causa de un aneurisma cerebral en 1997. 

En la década de 1980, Jackson fue noticia por su romance con la estrella del pop Paula Abdul. Desde 1989 hasta 1991, Jackson mantuvo una relación sentimental con la actriz Lela Rochon. 

En 2001, Jackson se casó con su segunda esposa, Victoria Triggs. Posteriormente se divorciaron. En 2012, Jackson se casó con su tercera esposa, Emily Besselink. 

Niños 

Sigmund Esco "Siggy" Jackson Jr. (nacido el 29 de junio de 1977) - con Enid Spann 

Brandi Jackson (nacida el 6 de febrero de 1982) - con Enid Spann 

Jaylen Milan Jackson (nacido el 31 de diciembre de 2013) - con Emily Basselink 

River T Jackson (nacido el 31 de diciembre de 2013) - con Emily Basselink 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Stay.  

Toni Basil

Antonia Christina Basilotta, más conocida como Toni Basil, nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 22 de septiembre de 1943. Cantante, bailarina, coreógrafa y actriz. 

El sitio www.tonibasil.net publicó su biografía. 

Nominada a varios premios Emmy y Grammy, tiene créditos de coreografía y dirección en más de 50 videos y ha coreografiado y codirigido conciertos para Tina Turner, David Bowie, Bette Midler, David Lee Roth, Mick Jagger y muchos otros. 

En 2008, Toni recibió el máximo galardón de Hip Hop International: "Leyenda Viva del Hip Hop". Entre sus ganadores anteriores se encuentran Don Campbelllock Campbell, Boogaloo Sam, MC Hammer, DJ Kool Herc y Grandmaster Caz. 

Toni es una de las siete integrantes originales del grupo considerado "el que revolucionó la danza". Es reconocida como una influencia fundamental en la difusión del street dance en Estados Unidos. Actualmente escribe un libro sobre la historia del street dance en Estados Unidos. 

Toni recibió un premio Emmy por un anuncio con MC Hammer. Ha trabajado en una increíble variedad de programas de televisión, desde TV Lands Salute hasta Soul Train, los Premios Image de la NAACP, Saturday Night Live, Barrio Sésamo y numerosos premios musicales. 

Los créditos cinematográficos más destacados de Toni incluyen la coreografía de clásicos como American Graffiti y Legalmente Rubia. Su sutil toque coreográfico se hizo visible en su debut como director con Tom Hanks, "Eso que haces", y más recientemente, en la película de Quentin Tarantino de 2019, "Érase una vez en Hollywood", protagonizada por Leonardo DiCaprio. 

Toni Basil recibió un doble disco de platino por su exitoso sencillo "Mickey" y un Álbum de Oro por "Word Of Mouth" de 1981, y ostenta el mismo reconocimiento en el Reino Unido, Canadá y Australia. Recibió una nominación al Grammy por su videoálbum "Word Of Mouth", que ella misma conceptualizó, produjo, coreografió y dirigió. 

La canción número 1 de la revista Billboard del mes de diciembre de 1982, Mickey fue instalado en el Salón de la Fama del Rock & Roll como uno de los sencillos innovadores de la década de 1980. El video musical de Mickey, se mostró en el Museo de Arte Moderno en 1992. Toni se ganó un lugar como Artista de Video Estadounidense en el codiciado calendario del Museo de Arte Moderno. 

Protagonizó, codirigió y coreografió dos especiales de televisión homónimos de la BBC, que se volvieron a emitir en un tiempo récord debido a una respuesta de la audiencia sin precedentes, y se les atribuye el lanzamiento de Mickey como un sencillo de éxito en las listas de éxitos del Reino Unido y, en última instancia, en todo el mundo, además de aparecer en una amplia variedad de programas de televisión. 

Toni ha actuado en numerosas películas, entre ellas Easy Rider y Five Easy Pieces. 

Toni dirigió cortometrajes de arte. "El Juego de la Semana" 11:20, "Una Película de Danza" 2:05, "Nuestro Viaje" 6:25 y "El Partido de Ping Pong" 2:45. Previos a los videos musicales, estas piezas vanguardistas encontraron un nuevo público y se exhibieron en el Museo de Arte de Santa Mónica y la Galería de Arte Grey de Nueva York. El LA Times señaló que la hábil edición de la cineasta Toni Basil transformó un partido de ping pong común y corriente entre Gray y Stockwell (ambos reconocidos actores estadounidenses) en una vibrante rutina de baile. 

Como bailarina de formación clásica, Toni continúa bailando y asistiendo a clases de Locking, Hip Hop y danza africana durante el día, y a clubes de baile underground por la noche. Se ha sumergido en la escena musical y de baile latino, y ha actuado como invitada cantando, bailando y tocando la percusión con las mejores bandas de salsa de Los Ángeles. 

Ella agrega a su lista de experiencia en danzas del mundo y asociaciones con Afro/Cuban, Tango, Flamenco, Salsa, swing de la costa este y la costa oeste. 

Siguiendo la tradición familiar (su padre, director de orquesta, y su madre, artista de vodevil), ha destacado en todos los medios del entretenimiento: teatro, música, publicidad, televisión, cine y vídeo. Su singular maestría artística es la esencia de toda su obra. Sigue siendo una auténtica pionera en el mundo de la danza, una visionaria y un auténtico tesoro estadounidense. 

Desde juzgar eventos de baile callejero a nivel internacional hasta ser un video viral de tendencia, Toni siempre ha estado a la vanguardia de la cultura pop y no muestra signos de detenerse. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Mickey.  

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Pilar López

Pilar López Júlvez nació en San Sebastián, España, el 4 de junio de 1912, y murió en Madrid, España, el 25 de marzo de 2008. Bailarina y coreógrafa.   

El sitio www.historia-hispanica.rah.es publicó este recordatorio. 

Hija de una familia de comerciantes de telas y hermana menor de la famosa bailarina, bailaora y tonadillera, Encarnación López La Argentinita, con quien dio sus primeros pasos artísticos, sobre un escenario, a la edad de cinco años, en un homenaje que se le rindió a su hermana en Santander. Casada con el compositor Tomás Ríos. 

Su formación artística la completó estudiando no sólo Baile, con la profesora Julia Castelao, sino también Piano, Canto y Solfeo, en cuya asignatura consiguió un Primer Premio. Debutó como artista profesional a la edad de quince años, de forma independiente a su hermana; creando para ello su propio primer espectáculo, en el que tocó el piano, cantó y bailó.

Entre 1923 y 1925 actuó en los escenarios madrileños del Price, Príncipe Alfonso, La Latina y el Romea; anunciándose en 1928 como intérprete de un flamenco estilizado, según la crítica, y decidiéndose a formar nueva compañía, con el bailaor sevillano Rafael Ortega, con quien inició en el madrileño teatro de la Comedia varios recitales de danza, en los que obtuvo los más enfervorizados elogios por parte de críticos especializados e intelectuales y artistas que acudían a verla. 

Fue en el año 1933 cuando se unió a su hermana, en una misma compañía, actuando ya siempre junto a ella, hasta la muerte de ésta. En el teatro Falla de Cádiz estrenaron su versión de El amor brujo de Falla, con el que recorrieron toda España. Sus giras artísticas las llevaron por Francia, Argelia, Marruecos, América del Sur, Centroamérica y Nueva York, donde estrenaron en el Metropolitan Opera House el nuevo espectáculo, El Café de Chinitas. 

Acompañadas por las mejores orquestas sinfónicas de Estados Unidos, donde se establecieron al estallar la Guerra Civil en España y recorrieron el país norteamericano durante seis años seguidos, deshaciéndose la compañía, a la muerte de su hermana, en Norteamérica, en 1945, tras cuyo amargo momento se retiró momentáneamente del baile. 

Pilar López volvió a subirse a los escenarios, un año más tarde, al formar compañía con el nombre de Ballet Español de Pilar López, en el que incluyó a primeros bailarines, como Rafael Ortega, José Greco, Manolo Vargas, Roberto Ximénez y otros; como más tarde Alejandro Vega, Antonio Gades, Mario Maya, El Güito, etc., que se formaron e hicieron grandes artistas junto a ella, a la que todos llamaban cariñosamente la Maestra. 

Después de bailar por toda Europa con su compañía, mostrando sus nuevas y numerosas coreografías, Pilar López se retiró definitivamente, en el año 1974, de la vida artística, renunciando a ser catedrática del Conservatorio de Música y Danza de Madrid y a otras propuestas para ejercer la enseñanza, a pesar de haber formado ella a grandes figuras. 

Estaba en posesión de numerosos premios y condecoraciones internacionales, habiendo hecho de su hogar un santuario, donde se veneraba el recuerdo permanente de su hermana la gran Argentinita. 

Falleció en la clínica madrileña de La Luz a los noventa y cinco años de edad el 25 de marzo de 2008. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con La Caña, junto a Alejandro Vega, y la voz de Jacinto Almadén.  

 

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Shalom – Tiempo de celebración, momento de reflexión

Shalom – Tiempo de celebración, momento de reflexión

Con el nombre de Yom Haatsmaut se conoce el día en el que se celebra el comienzo de la historia de Israel como estado, tras su proclamación de independencia en 1948. Una de las actividades típicas en este día son las danzas populares o Rikudei Am, de coreografía sencilla.

Hacé click en el enlace para ver el programa.  

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/tiempo-celebracion-momento-reflexion/16564907/  

     

John Travolta

John Joseph Travolta nació en Englewood, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 18 de febrero de 1954. Actor, cantante, músico, bailarín, productor de cine, productor discográfico de cine, televisión, teatro, actor de voz y piloto.

El sitio www.travolta.com publicó su biografía.

Nominado a dos premios Oscar, ocho Globos de Oro y dos premios Emmy, John Travolta, dos veces ganador de Globos de Oro y Emmy, protagonizó recientemente la película THE FANATIC y ganó el premio a la mejor actuación en el Festival de Cine de Roma por su papel.

Recientemente, John filmó la serie de acción cómica de Quibi DIE HART, protagonizada por Kevin Hart. DIE HART fue el primer papel televisivo de Travolta desde su papel de Robert Shapiro en The People v. OJ Simpson: American Crime Story, que le valió una nominación al Globo de Oro y al Emmy.

John ha sido nominado dos veces al Oscar, la segunda por su fascinante interpretación de un asesino filosófico en Pulp Fiction de Quentin Tarantino. También recibió nominaciones a los premios BAFTA y Globo de Oro por este papel tan aclamado y fue nombrado Mejor Actor por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, entre otros premios distinguidos.

Travolta recibió más elogios como un mafioso convertido en productor de películas en la sensación de comedia GET SHORTY, ganando el Globo de Oro al Mejor Actor en una Película, Musical o Comedia. En 1998, Travolta fue honrado por la Academia Británica de Cine y Televisión con el Premio Britannia, y ese mismo año recibió el Premio a la Trayectoria en el Festival de Cine de Chicago. Travolta también ganó el prestigioso Premio Alan J. Pakula de la Asociación de Críticos de Radiodifusión de Estados Unidos por su actuación en A CIVIL ACTION, basada en el libro más vendido y dirigida por Steve Zailian. Fue nominado nuevamente a un Globo de Oro por su actuación en PRIMARY COLORS, dirigida por Mike Nichols y coprotagonizada por Emma Thompson y Billy Bob Thornton, y en 2008, recibió su sexta nominación al Globo de Oro por su papel de Edna Turnblad en el éxito de taquilla de pantalla grande HAIRSPRAY. Como resultado de esta actuación, la Crítica de Cine de Chicago y el Festival de Cine de Santa Bárbara decidieron reconocer a Travolta con un Premio a la Trayectoria por su papel. En febrero de 2011, John fue honrado por la revista semanal líder de Europa, HORZU, con el prestigioso Premio Cámara de Oro al "Mejor Actor Internacional" en Berlín, Alemania. En abril de 2014, John recibió el reconocimiento mundial cuando le fue entregado el premio a la Contribución Destacada al Cine Internacional por la Academia Internacional de Cine Indio en los Premios de Cine IIFA 2014. John también ha sido honrado recientemente con Premios a la Trayectoria Profesional por los Festivales de Cine de Deauville y Napa Valley.

John ha protagonizado varias películas monumentales, recibiendo sus primeras nominaciones al Oscar y al Globo de Oro por su papel en el éxito de taquilla Fiebre del sábado noche, que lanzó el fenómeno de la música disco en los años 70. Luego protagonizó la versión para la pantalla grande del musical de larga duración GREASE y la exitosa URBAN COWBOY, que también influyó en las tendencias de la cultura popular. Otros créditos cinematográficos incluyen los thrillers de Brian DePalma CARRIE y BLOWOUT, así como la exitosa comedia de Amy Heckerling, Mira quién habla, y el éxito cómico de Nora Ephron, MICHAEL. Travolta protagonizó Fenómeno y tuvo un giro igualmente distintivo como estrella de acción en la exitosa película de John Woo Flecha rota. También protagonizó el clásico Cara a cara junto a Nicolas Cage, y La hija del general, coprotagonizada por Madeline Stowe. En 2005, Travolta repitió el papel del ultra cool Chili Palmer en la secuela de GET SHORTY, BE COOL. Además, protagonizó junto a Scarlett Johansson la película independiente A LOVE SONG FOR BOBBY LONG, aclamada por la crítica, que se proyectó en el Festival de Cine de Venecia, donde tanto Travolta como las películas recibieron excelentes críticas.

Otros de sus créditos cinematográficos incluyen la comedia de gran éxito en taquilla WILD HOGS, el thriller de acción LADDER 49, la versión cinematográfica del exitoso cómic THE PUNISHER, el drama BASIC, el thriller psicológico DOMESTIC

DISTURBANCE, la exitosa película de acción SWORDFISH, la exitosa película de ciencia ficción BATTLEFIELD EARTH, basada en la exitosa novela de L. Ron Hubbard, y LONELY HEARTS. Además, Travolta protagonizó junto a Denzel Washington la nueva versión del director Tony Scott de THE TAKING OF PELHAM 1 2 3, y prestó su voz al personaje principal en el éxito de animación de Walt Disney Pictures BOLT. BOLT fue nominada a un Premio de la Academia en 2009 a la Mejor Película de Animación y a un Globo de Oro a la Mejor Película de Animación, además de a la Mejor Canción por el dueto de John y Miley Cyrus titulado "I Thought I Lost You".

Travolta protagonizó la película de Walt Disney Pictures OLD DOGS de 2009, junto a Robin Williams, Kelly Preston y su hija Ella Bleu Travolta, seguida del thriller de acción FROM PARIS WITH LOVE, junto a Jonathan Rhys Meyers. John protagonizó junto a Taylor Kitsch, Blake Lively, Aaron Johnson, Benicio Del Toro, Salma Hayek, Emile Hirsch y Demian Bichir la película dirigida por Oliver Stone, SAVAGES.

John protagonizó el drama criminal GOTTI, donde interpretó al jefe de la mafia John Gotti junto a su esposa, Kelly Preston, como Victoria Gotti. La película, dirigida por Kevin Connolly, se estrenó en cines de todo el país en 2018. El año pasado, John filmó SPEED KILLS, una película sobre el mundo de alto riesgo de las carreras de lanchas rápidas, y TRADING PAINT, donde interpretará a una leyenda de las carreras de pistas de tierra junto a Shania Twain, Michael Madsen y Toby Sebastian.

Luego lo vimos en THE POISON ROSE, como el investigador privado Carson Phillips. El thriller policial está coprotagonizado por Morgan Freeman, Famke Janssen y su hija Ella Bleu Travolta. En 2019, John protagonizó THE FANATIC, sobre un hombre obsesionado con las celebridades que hace todo lo posible para obtener una respuesta de su estrella de cine favorita.

John ha recibido dos prestigiosos premios de aviación: en 2003, el Premio a la Excelencia de la Fundación del Instituto Americano de Aeronáutica y Astronáutica por sus esfuerzos para promover los vuelos comerciales, y en 2007, el premio Embajador de la Aviación de Leyendas Vivientes.

John posee actualmente licencias de jet y habilitaciones de tipo para el Boeing 747 (certificado australiano) y el Boeing 707. También posee licencias para los jets Gulfstream, Challenger, Hawker, Falcon, Lear y Citation, así como para los jets militares de Havilland Vampire y Canadair CL-41 Tutor/Tebaun.

Travolta es el “Embajador general” de buena voluntad mundial de Qantas Airways y pilotó el Qantas 707 original durante la gira mundial “Spirit of Friendship” en julio/agosto de 2002.

John voló en el 707 a Nueva Orleans después del desastre del huracán de 2005, llevando alimentos y suministros médicos, y en 2010, voló nuevamente en el 707, esta vez a Haití después del terremoto, llevando suministros, médicos y voluntarios.

John está muy involucrado en su organización benéfica, la Fundación Jett Travolta, que fue establecida en 2009 por John y su esposa Kelly para recaudar dinero para una amplia variedad de causas benéficas y educativas.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con un fragmento de la película Pulp Fiction.

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Bronislava Nijinska

Bronislava Fomínichna Nizhínskaya, más conocida como Bronislava Nijinska, nació en Minsk, entonces Imperio Ruso, el 8 de enero de 1891, y murió en Pacific Palisades, Estados Unidos, el 21 de febrero de 1972. Bailarina, coreógrafa, maestra de ballet y directora de compañía.

El sitio www.danzaballet.com publicó este recordatorio.

Bronislava Fominichna Nijinska

18 abril, 2017

Bronislava Fominichna Nijinska o Nizhínskaia; Minsk, 1891-Pacific Palisades, 1972.

Bailarina, coreógrafa y pedagoga rusa de origen polaco. Hermana de V. Nijinski, se formó en la escuela imperial de San Petersburgo y en 1909 ingresó en la compañía de S. Diáguilev.

En 1914, tras su retorno a Rusia, fundó una escuela de danza y con la revolución marchó a Londres, donde volvió a reunirse con Diáguilev. Posteriormente trabajó con Ida Rubinstein y otras compañías norteamericanas y europeas. Gran figura del ballet académico, lo amplió y enriqueció. Es autora de La escuela del movimiento, teoría de la coreografía (1920).

De 1921 a 1926 fue primera bailarina de los Ballets Rusos, maestra de baile, y coreógrafa. En 1938 pasó a residir en EE UU y abrió una escuela en Los Ángeles.

Fue maestra de ballet en el Gran Ballet del marqués de Cuevas. A partir de 1967 fue coreógrafa y directora del Buffalo Ballet.

Síntesis biográfica

Se formó en la escuela imperial de San Petersburgo y en 1909 ingresó en la compañía de S. Diáguilev. En 1914, tras su retorno a Rusia, fundó una escuela de danza y con la revolución marchó a Londres, donde volvió a reunirse con Diáguilev. Posteriormente trabajó con Ida Rubinstein y otras compañías norteamericanas y europeas. Gran figura del ballet académico, lo amplió y enriqueció.

Es autora de La escuela del movimiento teoría de la coreografía (1920). De 1921 a 1926 fue primera bailarina de los Ballets Rusos, maestra de baile, y coreógrafa. En 1938 pasó a residir en Estados Unidos y abrió una escuela en Los Ángeles. Fue maestra de ballet en el Gran Ballet del marqués de Cuevas. A partir de 1967 fue coreógrafa y directora del Buffalo Ballet.

Vida artística

Se dedica a la coreografía y hace esporádicas presentaciones en la compañía de Serguei Diaghilev, a la que regresa de nuevo después de abandonar Rusia y Polonia. Durante este período arregla La bella durmiente (1921) y L’Après-Midi d’un faune (La siesta de un fauno, 1922).

Su primera coreografía completa es Renard, sobre música de Igor Stravinski (1922), aunque el músico cambia la coreografía en 1928 con un trabajo de Serge Lifar, que tiene tendencias menos académicas que ella. . En 1936 ocupa el cargo de directora de baile de Ópera Rusa de París. Un año más tarde dirige el Ballet Polaco. Con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial viaja a Estados Unidos como coreógrafa del Ballet Theatre y del International Ballet. En el año 1955 es maestra de baile en el Teatro Colón de Buenos Aires y en 1957 del Ballet del Marqués de Cuevas.

Coreografías

En 1923 arregla Le mariage d’Aurore (Las bodas de Aurora), sobre música de Stravinski. Un año más tarde monta El tren azul, con argumento de Jean Cocteau y música de Darius Milhaud; Las tentaciones de la pastora; Les Biches, con música de Francis Poulenc y decorados de Marie Laurencin; Romeo y Julieta, con música de Constant Lambert y decorados de los pintores Max Ernst y Joan Miró. Para la Ópera de París prepara Les rencontres (1925), Impresiones de musichall (1927); La Valse (1929), sobre un tema de Maurice Ravel; para Ida Rubinstein arregla La bienaimée, El beso del hada, La princesa cisne y Bolero de Maurice Ravel.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el Ballet Les Biches, con música de Francis Poulenc, estrenado por los Ballets Russes en 1924. Seguidamente la producción del Festival de Ballet Ruso Roma, de 2009, con la actuación de Vito Mazzeo, Bailarín principal del Ballet Nacional de los Países Bajos; Alessandra Amato, Primera Bailarina Ballet de la Ópera de Roma; con Alessia Barberini, Claudio Cocino, Francesco Sorrentino, Sara Loro, Susanna Salvi y el Ballet de la Ópera de Roma dirigido por Carla Fracci.

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Maurice Béjart

Maurice-Jean Berger, más conocido como Maurice Béjart, nació en Marsella, Francia, el 1 de enero de 1927, y murió en Lausana, Suiza, el 22 de noviembre de 2007. Bailarín y coreógrafo.

El sitio www.danzaballet.com publicó este recordatorio.

Maurice Béjart, leyenda viva de la danza mundial

«un minimum d’explication, un minimum d’anecdotes, et un maximum de sensations»

(Un mínimo de explicación, un mínimo de anécdotas, y un máximo de sensaciones)

Extrait d’Un instant dans la vie d’autrui.

Su nombre, Maurice Béjart.

Un icono en el mundo dancístico. Un innovador del siglo XX. Quienes han seguido con lupa su trayectoria como bailarín, coreógrafo y director de su propia Compañía, han resaltado la riqueza de su propuesta, que es ecléctica, enriquecida con música contemporánea espectacular y sobre todo cargada de un gusto cosmopolita.

Debuta a los 18 años en el Teatro Municipal de Vichy y a continuación forma parte de los Ballet de Roland Petit y del Real Ballet Sueco. En 1959 estrena en Bruselas Le Sacre du printemps interpretada por bailarines de tres formaciones diferentes que pasarían a formar la genial compañía Ballet del Siglo XX. Durante 27 años, entre 1960 y 1987, Béjart revolucionó el mundo de la danza con espectáculos como Bolero, Canto del compañero errante (creada para Nureyev), Nijinski (para Jorge Donn) o Gaité parisienne (para Víctor Ullate).

En 1987 la compañía paso a ser el Béjart Ballet de Lausanne y en septiembre de 1992, después de quedar reducida a 20 bailarines tomó el nombre de Ruda Ballet. Actualmente vuelve a denominarse Béjart Ballet de Laussanne. Desde Bolero hasta Le Sacre du Printemps, pasando por piezas inspiradas en escritores, pintores, religiosos, músicos o filósofos, homenajes a cineastas como Fellini (Ciao Federico) o a diseñadores como Versace (Bolero pour Gianni), Béjart con su toque grandioso coreografía todo lo que se le pone por delante.

Secundado por su inseparable y equipo de bailarines del Béjart Ballet Lausanne, capitaneado por Gil Roman, su director asistente desde 1992, Béjart propone tres excepcionales coreografías inspiradas en temas españoles protagonizadas entre otros bailarines por tres primeras estrellas de la compañía desde hace años, los españoles Ruth Miró, Víctor Jiménez y Elisabet Ros. La formación está integrada por 22 hombres y 14 mujeres de muy diversas procedencias.

«Mis ballets —escribió Béjart— son, ante todo, encuentros con la música, con la vida, con la muerte, con el amor (…), seres cuyo pasado y obra se reencarnan en mí, igual que el bailarín que ya no soy se reencarna una y otra vez en unos intérpretes que lo rebasan».

Maurice Béjart

(Marsella, Francia; 1 de enero de 1927 – Lausana, Suiza; 22 de noviembre de 2007)

Coreógrafo y bailarín francés, conocido por su obra altamente efectista y a menudo impresionista. Su verdadero nombre es Maurice Jean Berger, y nació en Marsella, Francia. Bailó con el también coreógrafo francés Roland Petit y en diversas compañías.  En 1953 en París, fundó los Ballets de l’Étoile (más tarde conocidos como el Ballet Théatre de Maurice Béjart (1957). Sus innovaciones coreográficas suscitaron problemas en Francia, por lo que en 1959 se trasladó a Bélgica, al Teatro Real de la Moneda en Bruselas.

En 1960 formó junto a su compañía el Ballet du XXe Siècle. Béjart ha producido espectáculos a gran escala, utilizando bailarines con formación clásica junto a efectos coreográficos basados en la danza moderna y la acrobacia. En sus producciones ha empleado elementos eróticos como en Bolero (1961), y temas sociales y políticos como en El pájaro de fuego (1970). Su compañía ha actuado en escenarios no convencionales y ha bailado ante multitudes en palacios de deportes y circos. Béjart ha utilizado en sus coreografías efectos teatrales, como el uso de textos literarios y elementos de multimedia. En muchos de sus trabajos Béjart ha destacado la figura del bailarín.

Legó la dirección artística del Ballet du XXe Siècle a J. Donn. En 1980 debutó como director de ópera en Ginebra con Don Juan de Mozart. En 1988 Béjart trasladó su grupo Lausana, Suiza. © eMe

Maurice Béjart (Marsella, Francia; 1 de enero de 1927 – Lausana, Suiza; 22 de noviembre de 2007)

Maurice Béjart, leyenda viva de la danza mundial

Ha cumplido 80 años de edad y sigue teniendo la misma intensidad que lo ha caracterizado.

Es una leyenda viva de la danza. Es una referencia obligada en todo el mundo. Ha dejado una huella incomparable dentro de la historia de esta manifestación dancística.

Su nombre, Maurice Béjart. Un icono en el mundo dancístico. Un innovador del siglo XX. Quienes han seguido con lupa su trayectoria como bailarín, coreógrafo y director de su propia Compañía, han resaltado la riqueza de su propuesta, que es ecléctica, enriquecida con música contemporánea espectacular y sobre todo cargada de un gusto cosmopolita.

En su lugar de origen, Francia, dio un impulso diferente al movimiento dancístico. De hecho, se considera que él abrió las puertas del ballet a un público que no era experto, es decir, no creía que la danza clásica fuera para una élite, sino que podía ser para las masas. En su momento, cambió el tutú por leotardos y jeans, revolucionando así el ballet europeo con su estética e innovadora técnica. Por esa razón, Béjart se convirtió en una de las personalidades francesas más conocidas en la Tierra. Y no fue para menos, sus bases fueron muy sólidas.

Su formación en la danza clásica fue a lado de iconos como Madame Egorova, Madame Roussane y Léo Staats. Su carrera profesional la inició con grandes figuras, como Jamine Charrat y Roland Petit.

Fue en 1949, durante una gira con el Ballet Cullberg, cuando descubrió la expresividad coreográfica que hasta hoy lo mantiene como un emblema de la danza. Después, estrenó su primera pieza: Sinfonía para un hombre (1955) con su Compañía Ballet de I’ Etoile. Con esta coreografía, descubrió a dos grandes compositores: Pierre Henry y Pierre Schaeffer, cuya música lo hizo pensar en la búsqueda de un nuevo lenguaje de la danza.

Más adelante, en 1960, fundó el Ballet del Siglo XX estrenando las obras Boléro (1961) y Messe pour le temps présent (1967). Hasta 1987, esta agrupación cambió su nombre a Béjart Ballet Lausanne (que ha celebrado su 50 aniversario). Al mismo tiempo, creó una fundación destinada a la promoción de actividades relacionadas con el arte de la danza. Durante este tiempo, hizo creaciones emblemáticas: Le Presbytére, La route de la soi y Á propos de Shéhérazade.

No hay que olvidar su labor como docente. Ha compartido su experiencia a través de sus dos escuelas: Mudra, fundada en 1970 en Bruselas, así como Rudra, creada en 1992 en Lausanne.

Una de sus grandes enseñanzas está resumida en una frase que él mismo creó y que define lo que es la danza para él: “Un minimum d’ explication, un minimum d’ anecdotes, et un maximum de sensations” (un mínimo de explicación, un mínimo de anécdotas y un máximo de sensaciones). Por Gabriela Jiménez Bernal. Fuente www.danza.unam.mx

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con La consagración de la primavera. Coreografía de Maurice Bejart, producción de 1970.

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Olga Desmond

Olga Antonie Sellin, más conocida como Olga Desmond, en Allenstein, entonces Prusia Oriental, el 2 de noviembre de 1890, y murió en Berlín Oriental, entonces República Democrática Alemana, el 2 de agosto de 1964. Bailarina y actriz.

El sitio www.es.wikidat.com publicó este recordatorio.

Olga Desmond

Olga Antonie Sellin, conocida artísticamente como Olga Desmond (Allenstein/Olsztyn —actual Polonia—, 2 de noviembre de 1890-Berlín Este, 2 de agosto de 1964),​ fue una bailarina y actriz prusiana cuya actividad se encuadra dentro del movimiento coreográfico alemán denominado nackttanz, surgido en los años anteriores al inicio de la Primera Guerra Mundial como un intento de «modernizar» la danza, en que sus protagonistas llegaban a actuar en ocasiones prácticamente desnudas ante el público. Destacan dentro de estos mismos planteamientos ético-estéticos la francesa Adorée Villany, las alemanas Gertrud Leistikow

(1885-1948),​ Claire Bauroff y Anita Berber o la famosa bailarina y espía holandesa Mata Hari, si bien, en su caso, solo se tienen noticias de estriptis privados, realizados en París en 1905 y, más tarde, en Berlín y Viena.​

Está considerada como la primera artista centroeuropea que actuó desnuda en un escenario, lo que la convertiría en una de las estrellas más celebradas y mejor pagadas del momento.​

Nada concreto se sabe de su vida hasta que muy a finales del siglo XIX se traslada con sus padres y sus catorce hermanos a Alemania, más concretamente al distrito berlinés de Friedrichshain-Kreuzberg, donde posa desnuda para artistas como los pintores y escultores Reinhold Begas o Max Klinger con el fin de ahorrar dinero para costear sus estudios de Teatro.

En este ambiente, mantiene cierta relación sentimental con el renombrado atleta Adolf Salge,​ con el que presencia un espectáculo del grupo The Seldoms (Los Raros), lo que parece estimular el desarrollo de su incipiente vocación artística.

En 1906, se une a un conjunto de actores de vanguardia con los que participa en la creación de la denominada Vereinigung für Ideale Kultur (Asociación para una Cultura Ideal), encabezada por el escritor, fotógrafo y director del magazine nudista Die Schönheit Karl Vanselow (para él, la desnudez supone la liberación de las convenciones burguesas), dedicado al montaje de las conocidas como Schönheitsabende (Noches de Belleza), en que los protagonistas se transforman a veces en plena calle en «representaciones vivientes» inspiradas en la estatuaria clásica, por lo cual —pese a disimular su desnudez mediante la depilación integral y el empleo de pinturas corporales— fueron prohibidas en varias ocasiones:

Ese mismo año, viajan a Londres, donde ponen en escena El rapto de las sabinas. De regreso a Berlín, adopta el nombre artístico de Olga Desmond.

Tras actuar durante un par de años en pequeñas salas de la capital, el 19 de mayo de 1908, debuta en el Neue Schauspielhaus de Berlín ante seiscientos espectadores. Animada por la crítica, una noche se decide a deshacerse de la consabida túnica griega durante la ejecución del tradicional Baile de las espadas, hasta quedarse solo con una especie de corona, un brazalete y un estrecho cinturón estilo medieval, lo que dejaba prácticamente todo el cuerpo al aire.

El impacto mediático es tal que, según la prensa, las entradas para ver su particular puesta en escena del ancestral baile alemán se vendieron desde entonces como «bollos calientes». Incluso, cuatro años después, la revista rusa Ogonyok (1913, n.º 23) anunciaba la venta, al precio de dos rublos, de diez fotografías del evento.​

El diario The Washington Times dice al respecto:

Die Schönheit es una organización berlinesa que predica la pureza de todas las cosas, a la vez que la absoluta belleza de la figura humana desnuda. Olga Desmond es uno de los mejores exponentes de esta nueva tendencia, cuya principal ocupación es el reparto de ropa. Recientemente, la señorita Desmond apareció ante el público realizando el Baile de las espadas, sin otra indumentaria que un estrecho cinturón oscilante. Ni que decir tiene que esto se hizo simplemente para poner un ejemplo de la pureza de la sociedad, pero algunas personas fueron lo suficientemente crueles como para decir que, después de todo, no debe de ser tan malo pertenecer a una organización como esta, especialmente en verano.

A partir de ese momento, aparecer desnuda se convierte, pues, para ella en algo tan beneficioso que llega a presentar una demanda por valor de 15 000 rublos contra el director de la revista The Petersburg Gazette por publicar un dibujo en el que se representa totalmente vestida, lo que teme que pueda dañar su imagen de bailarina nudista de cara a su inminente tour por Rusia.​

Al mes siguiente, se traslada a San Petersburgo, donde apenas llegada manifiesta su intención de aparecer totalmente desnuda ante el público, lo que, con todo lujo de detalles, explica en la prensa:

Pero al alcalde de San Petersburgo Danil Drachevski (asesorado por muchos de los más influyentes artistas del entorno)​ no acaban de convencerle los escandalosos pormenores de una desvergonzada bailarina recién llegada de Berlín, hasta el extremo de que, al parecer, solo actúa en dos ocasiones:

Si el desnudo está proscrito de los escenarios parisinos, no así en San Petersburgo, donde parece ser muy apreciado.

Así, los periódicos rusos se hacen eco estos días de una "noche de belleza" celebrada el viernes 10 de julio en la capital, cuyo programa, sabiamente escalonado, no deja de ser picante.

La representación comienza con la reproducción en vivo de una serie de célebres estatuas (un género bastante conocido), pero cuya originalidad radica en que los dos figurantes, la señorita Olga Desmond y el señor [Adolf] Salge, se encuentran completamente desnudos, con los cuerpos cubiertos solo de pintura blanca.

A estos cuadros vivientes, les siguen algunas proyecciones luminosas representando escenas campestres o figurando personajes desnudos.

Después, empiezan los bailes: primero, unos cuantos valses ejecutados por la señorita Desmond, cubierta con velos transparentes. Les siguen nuevos cuadros en los que, esta vez, los dos artistas actúan sin ropa alguna. Finalmente, la señorita Desmond ejecuta varios números "vestida con una diadema" [sic]…

No menos controvertidas resultan sus actuaciones de regreso a su país, donde su debut en el Berlin Wintergarten Theatre en enero de 1909 causa tal revuelo (hasta el New York Times, se hace eco del escándalo) que llega a convertirse en motivo de disputa entre los miembros de la Cámara de los Señores de Prusia, lo que da lugar a que el propio ministro del Interior Friedrich von Moltke prohíba semejantes espectáculos. No obstante, cabe destacar que, hasta 1914 (año en que contrae matrimonio con un terrateniente húngaro y, con él, un cierto alejamiento del mundo artístico), actúa en numerosas ocasiones por toda Alemania, cubierta, eso sí, desde la promulgación del nuevo reglamento con una provocativa túnica de gasa (el conocido nacktkostümen, traducible al español como «vestido desnudo»), más acorde con las convenciones morales de la época. Además, se insta a la Policía a que, en lo sucesivo, vigile sus actuaciones siempre y cuando estas se realicen fuera de Berlín.​

Más, lejos de caer en el olvido, su fama es tanta que funda una escuela de Danza en Berlín, publica un libro con consejos de belleza o incluso se ponen a la venta productos cosméticos con su nombre. Poco antes, sustituye al actor y cantante Otto Reutter en la dirección del Wintergarten con un sueldo mensual de 6000 marcos, es decir, el salario de seis años (aproximadamente) de un trabajador de entonces. En agosto de 1909, actúa en el Théâtre Marigny de París.​ De 1915 a 1919, interviene en el rodaje de varias películas, entre las que sobresale Göttin, Dirne und Weib (Diosa, puta y esposa, 1919), dirigida por el conocido cineasta alemán Walter Schmidthässler.

Tras su divorcio en 1917, regresa a los escenarios. Su vuelta tiene lugar el 15 de abril en el Theater der Königlichen Hochschule (Teatro de la Universidad Real) de Berlín. En los meses siguientes, actúa en Colonia (donde da vida al personaje de Carmen), Varsovia, Breslau, Katowice… Desde entonces, sus apariciones en público se espacian cada vez más.

En 1920, contrae nuevas nupcias, esta vez con Georg Piek, un acaudalado hombre de negocios judío que tras su internamiento en un campo de concentración nazi consigue huir de Alemania, lo que, muy probablemente, pudo llevarla a tratar de suicidarse en 1937.​

Desde 1922, se dedica por completo a la enseñanza, en detrimento de su actividad artística. En 1925, Der Blitz publica una fotografía en la que aparecen siete chicas exhibiendo minúsculos «bikinis», lo que fue considerado como una indumentaria absolutamente inapropiada para asistir a las clases de una prestigiosa profesora de ballet.​ Entre sus alumnas más conocidas de entonces se encuentra la bailarina y coreógrafa Hertha Feist (1896-1990).

Desde finales de los años 20 su prestigio comienza a decaer: su estilo de baile sensual se considera obsoleto, otras bailarinas como Anita Berber (1899-1928), Valeska Gert (1892-1978) o Mary Wigman (1886-1973) causan sensación, el hecho de que una mujer dance desnuda ya no parece escandalizar a nadie y sobre todo, «a su edad», considera que su cuerpo ya no es el mismo de antes.

En sus últimos años, se gana la vida como limpiadora, a lo que ayuda con la venta de souvenirs (sobre todo tarjetas postales) de su época de artista. Fallece el 2 de agosto de 1964, a los 73 años de edad, en un pequeño apartamento cerca del Hospital St. Hedwig de Berlín Este.​​​​

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Lidia Lopujova

Lidia Vasílievna Lopujova, también conocida como Lady Keynes, nació en San Petersburgo, entonces Imperio Ruso, el 21 de octubre de 1892, y murió en Sussex, Reino Unido, el 8 de junio de 1981. Bailarina.

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Lidia Lopujova

Lidia Vasílievna Lopujova, Baronesa Keynes de Tilton (San Petersburgo, 21 de octubre de 1892 — Sussex, 8 de junio de 1981), en ruso: Лидия Васильевна Лопухова, también conocida como Lopokova (Лопокова) fue una famosa bailarina de ballet rusa de principios del siglo XX.

Es conocida también como Lady Keynes, al haberse casado con el economista británico John Maynard Keynes.

Biografía

Lidia Lopujova nació el 21 de octubre de 1892 en San Petersburgo, siendo su padre acomodador de teatro. Sus cuatro hijos se hicieron bailarines de ballet, y uno de ellos, Fiódor Lopujov, fue coreógrafo principal del Teatro Mariinski en los años 1922-35 y 1951-56.

Lidia se formó en la Escuela del Ballet Imperial. Dejó Rusia en 1910, uniéndose a los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev por primera vez. Actuó con la compañía por poco tiempo y viajó a los Estados Unidos tras la temporada de verano, permaneciendo allí durante seis años. Volvió a unirse a Diáguilev en 1916, bailando con los Ballets Rusos y siendo de nuevo pareja de su antiguo compañero Vátslav Nizhinski, en Nueva York y luego en Londres. Atrajo la atención de los londinenses en The Good-humoured Ladies en 1918, y continuó con una estridente interpretación con Léonide Massine en el Cancán de La boutique fantasque. Tras el impacto de la llegada de los Ballets Rusos en España, está dedicada a ella la pantomima El sapo enamorado de Tomás Borrás, José Zamora (decorados) y Pablo Luna (música), representada en 1916 por la compañía de Gregorio Martínez Sierra.

Cuando su matrimonio con el mánager de negocios de las compañías, Randolfo Barrochi, se terminó en 1919, la bailarina desapareció repentinamente. Luego decidió volver a unirse a Diáguilev por segunda vez en 1921, cuando bailó el hada Lilac y la Princesa Aurora en La bella durmiente. Durante esos años se hizo amiga de Stravinski y de Picasso, que la dibujó varias veces.

En Londres, conoció a su futuro esposo John Maynard Keynes. Se casaron en 1925, una vez obtenido el divorcio de Barrochi. Aunque Keynes estaba involucrado en el Círculo de Bloomsbury, muchos de los bloomsberries —como Virginia Woolf y Lytton Strachey— nunca llegaron realmente a aceptarla como parte del grupo, aunque sí fue amiga de T. S. Eliot. Lopujova es representada como Terpsícore, la musa de la danza, en El despertar de las musas, un mosaico en la Galería Nacional de Londres, realizado por Borís Anrep en 1933.

Además de estar involucrada en los días iniciales del ballet inglés, Lidia Lopujova apareció en escena en Londres y Cambridge desde 1928, y en transmisiones de la BBC. Vivió con Keynes en Londres, Cambridge y Sussex hasta la muerte de él en 1946, y continuó viviendo en los mismos lugares después, aunque desapareció en gran medida de la vida pública. Lidia Lopujova Keynes murió en 1981, a los ochenta y ocho años.

Su biografía, Lidia Lopujova, fue escrita por uno de los sobrinos de su esposo, Milo Keynes.

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George Raft

George Raft nació en Nueva York, Estados Unidos, el 26 de septiembre de 1901, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 24 de noviembre de 1980. Actor y bailarín.

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George Raft. Actor estadounidense, nacido en Nueva York, el 26 de septiembre de 1895, y fallecido en Los Ángeles, California, el 24 de noviembre de 1980.

Biografía

Criado en uno de los peores barrios de Nueva York, el célebre Hell’s Kitchen (Cocina del infierno), Raft fue, antes que actor, boxeador, bailarín en salas de fiestas y en nights clubs de Broadway y, según él mismo, un miembro activo del hampa neoyorquino. A su llegada a Hollywood, a finales de los años 20, fue, gracias a su elegancia y delgadez, rápidamente saludado como el nuevo Rodolfo Valentino, pero pronto se vio encasillado en los mismos y estereotipados papeles de gangsters.

Uno de los "duros" oficiales de las películas de gangsters, George Raft fue, ante todo, el memorable Guido Rinaldo de Scarface, el terror del hampa (1932), de Howard Hawks, donde recrea a un asesino sin escrúpulos, mano derecha de Tony Camonte y por siempre recordado por su imagen impecable y ampliamente “pasticheada”: esmoquin, pelo engominado con raya en medio, etc., y constantemente lanzando al aire una moneda que luego recogía.

Filmes como La llave de cristal (1935), de Frank Tuttle, You and Me (1938), de Fritz Lang, Manpower (1941), de Raoul Walsh o Nocturno (1946), de Edwin L. Marin fomentaron su reputación durante los años treinta y cuarenta. En Pasión ciega (1940), de Raoul Walsh, su mejor filme como protagonista, interpreta a un camionero que, junto a su hermano, papel asignado a Humphrey Bogart, conducen la mercancía de noche, como bien explica el título original (They drive by night), y que, en la más pura tradición de cine negro, vive una tórrida relación con la mujer de su jefe; la tragedia llega cuando éste la rechaza, no una sino hasta dos veces.

Pero ya en los últimos años de la década de los cuarenta y en la de los cincuenta, una nefasta elección de papeles le supuso una gran pérdida de prestigio, que nunca recuperó. Viajó a Europa para interpretar algunos filmes, todos de ínfima calidad, por lo que pronto regresó a Estados Unidos. Protagonizó una serie de televisión, relativamente seguida, llamada: I Am the Law. El gran director Billy Wilder le ofreció la oportunidad, en Con faldas y a lo loco (1959), de lucirse en un papel a su medida: el “botines Columbo” que persigue, con sus gorilas, a Daphne y Josephine (Tony Curtis y Jack Lemmon), testigos presenciales de la celebérrima matanza del día de San Valentín, hasta Florida para acabar con “ellas”. Casi un homenaje, en todo caso, un delicioso pastiche interpretativo.

Sin duda, el éxito de la película de Wilder fue definitivo para que, en 1961, Joseph M. Newman realizase una versión, con excelentes medios y profesionales, de la historia de su vida llamada The George Raft Story, con Ray Danton, en su mejor interpretación, un actor de mucha menos calidad y encanto que George Raft.

Muerte

Falleció de leucemia el 24 de noviembre de 1980, en Los Ángeles, California.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Sweet Georgia Brown, de la película Follow the Boys, de 1944, acompañado por Louis Jordan y su Orquesta.

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Olga Ferri

Olga Ferri nació en Buenos Aires, Argentina, el 20 de septiembre de 1928, y murió en su ciudad, el 15 de septiembre de 2012. Bailarina, profesora, coreógrafa.

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Olga Ferri

Premio Konex de Platino 1989: Bailarina

Secretaria General Gran Jurado Premios Konex 1999: Música Clásica

Jurado Premios Konex 2009: Música Clásica

Nació el 20/09/1928. Premio Konex de Platino 1989. Jurado Premios Konex 2009 y 1999. Estudió en París con Víctor Gsovsky, Nicolás Zvereff y Boris Kniaseff. En el ISATC (PK) se graduó de Régisseur de Ópera. Fue Primera Bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón (PK) y formó parte del Duncan’s Ballet. Estrella invitada de: Les Étoiles de Paris, Berliner Ballet y London’s Festival Ballet. Bailó en los más importantes teatros del mundo. En 1977 se retiró de la escena. Directora Artística y Coreográfica del Ballet Estable del Teatro Colón (1974-77) y Maestra de Baile del Ballet Nacional de Chile. Presidente de la Fundación Ballet Clásico Argentino. Bailarina del Año por sus interpretaciones en Las Sílfides (1967), Romeo y Julieta (1970), Cascanueces (1971), Giselle (1972) y El niño brujo (1973). Obtuvo numerosos premios: Gran Premio de Honor FNA (PK) (1977), Quinquela de Oro (1989), María Ruanova (1996), Columna de la Cultura (Fondo Cooperativa de Caseros, 1998), Senador de las Luces (1998). Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires (2008). Falleció el 15/09/2012.

Biografía ampliada

Ha sido la más importante embajadora del arte de la danza durante tres décadas en nuestro país. Ha  demostrado la universalidad de su arte, manteniendo las raíces en su patria.

Inicia su carrera en el cuerpo de baile del Teatro Colón a los dieciocho años, ingresando a la Compañía por concurso y directamente como solista, constituyéndose como único caso que por sus condiciones ocupa el rango de Solista sin pasar por las filas del cuerpo de baile, y habiendo cursado en sólo seis años el curso de la Escuela de Danza (hoy Instituto Superior del Teatro Colón), cuya duración normal era de ocho años. Su principal educadora durante es período es Seme Bulnes.

En 1949 obtiene también por concurso el cargo de Primera Bailarina asumiendo todo el repertorio clásico del ballet del Teatro Colón y los siguientes estrenos: “Romeo y Julieta”, “Hamlet” y “Don Juan de Zarissa” de Tatiana Gsovsky; “El Pillán” de Ian Cieplinsky (Estreno Mundial); “Los Pájaros” de Margarita Wallmann;  “Séptima Sinfonía”, “Juego de niños”, “Rojo y Negro”, “Choreartium” y “Sinfonía Fantástica” de Leonide Massine. Forma parte junto a José Neglia y Enrique Lommi de la primera Compañía de Ballet creada y dirigida por Michel Borovsky para la televisión argentina, el “Duncan´s Ballet”.

Creadora de distintos conjuntos de cámara para giras culturales por el interior del país, llega a formar una compañía de veinticinco bailarines para hacer conocer el arte de la danza en toda la Argentina. En 1954 estrena en el Teatro Colón “La dama y el unicornio” de Heinz Rosen, sobre una idea y con trajes y decorados de Jean Cocteau, música de Chyllí, inspirado en los célebres tapices del Unicornio del Museo de Cluny. En 1958 es elegida por Alicia Alonso para bailar “Giselle”, siendo la primera bailarina argentina que encarna este rol en su versión coreográfica original.

En 1959 inicia su trayectoria internacional, con una serie de recitales en Brasil, viajando luego a París donde se perfecciona con Victor Gsovsky, Nicolás Zvereff y Boris Kniaseff. Actúa posteriormente en el Festival de Enghein en París al frente del conjunto “Les etoiles de París”, junto a Milorad Miskovitch en “Señor de Mañara” de Jack Carter; en dicha oportunidad ilustra las conferencias de Serge Lifar en la Universidad de Sorbona. Se traslada luego a Alemania bailando como estrella invitada en la Opera de Munich, e iniciando una extensa gira con el “Berliner Ballet”, presentándose en toda Alemania, Bélgica, Holanda, Francia y Checoslovaquia.

En 1960 es reclamada por el Teatro Colón con motivo de la función de gala que conmemora el Sesquicentenario de la Revolución de Mayo, para el estreno mundial de “Variaciones Concertantes” con música de Alberto Ginastera y coreografía de John Taras, completándose la programación con las presentaciones del Ballet del Marqués de Cuevas y el London´s Festival Ballet. Esta última Compañía la invita a actuar nuevamente en Europa durante cuatro extensas temporadas: 1960-61-63 y 66, bailando en Gran Bretaña y el Continente Europeo. Debuta en este conjunto en “Sílfides”, “Grand Pas Clasique”, “El Cascanueces”, “Aubade”, “Romeo y Julieta”, “El espectro de la rosa”, “Bourre Fantasque”, “El niño brujo”, etc. Se recrea especialmente para ella “La doncella de nieve” de Bourmeister, y es la primera bailarina argentina que baila “Giselle” en Londres. Con esta Compañía realiza el estreno londinense de la versión integral de “El lago de los cisnes” de Jack Carter y los estrenos mundiales de “Peer Gynt” (Anitra) de Orlikowsky y “Grand Pas des Fiancees” de Cartesr. El London´s Festival Ballet incluye, atento al éxito de su interpretación, “La muerte del cisne”.

Durante todos estos años alterna su actividad en el Teatro Colón, que va unida a importantes estrenos: “Fedra”, “Pasión” y “Suite en Blanc”, de Lifar, “Abraxas” de T. Gsovsky; “El niño brujo”, “Coppelia” y “La Bella Durmiente del bosque” de J. Carter; “Constancia” de W.  Dollar; “Orfeo” de Andrade; y los estrenos mundiales de “Romeo y Julieta” (junto a José Neglia) y “La Cenicienta”  de George Skibine, y “La Silphide” de Pierre Lacotte.

En 1968 y tras un venturoso acontecimiento, el nacimiento de su hijo, obtiene en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón el título de Regisseur de Opera.

En 1971 se integra a la escena y Rudolf Nureyev la elige para el estreno sudamericano de “El Cascanueces”, bailando junto a él en el Teatro Colón y en el Teatro Coliseo en recitales que posteriormente serían ofrecidos en Brasil y filmados para Eurovisión, donde interpreta “Las Sílfides”, y “Apollon Musagete” de Ballanchine y “Las Bodas de Aurora”.

Entre los más importantes partenaires que la han acompañado debe mencionarse junto  a Nureyev, Gert Reinholm, Vladimir Skouratoff, David Adams,  Ben Stevenson, John Gilpin, Karl Musil y George Gobiloff,  entre otros.

En 1973 se presenta en el City Center de Nueva York en una gala del National Ballet of Washington junto a Margot Fonteyn, teniendo a su cargo el único solo de la velada: “La Muerte del Cisne”. Posteriormente  es invitada por el Ballet de André Eglevsky para bailar “Coppelia” y “El Cascanueces”. Durante 1975-1977 actúa regularmente en los Estados Unidos presentándose con diversas Compañías en giras por la Unión, junto a su partenaire Bill Martín –Viscount. En 1977 se retira de la escena en una función de Gala en el Teatro Colón con el ballet “Coppelia” de Jack Carter.

Durante dos períodos Olga Ferri asumió la Dirección Artística y Coreográfica del Ballet Estable del Teatro Colón (1974 y 1977).

Al margen de su actividad escénica debe destacarse su intervención protagónica en el film para Eurovisión “La vida de Fanny Elssler”, realizando por la televisión belga en coproducción con Alemania;  y su incursión en el teatro de prosa en la obra “Pas de Deux”, estrenada en el Teatro Liceo de  Buenos Aires, junto al primer actor Osvaldo Tesser.

Dedicada a la enseñanza desde 1971, promueve en 1980 la creación de la Fundación Ballet Clásico Argentino, entidad privada con la que presenta por primera vez en el país un ballet narrado para niños: “La niña de los ojos de cristal”. En 1984 es contratada como Maestra de Baile del Ballet Nacional de Chile. En 1985 participa del Certamen Latinoamericano de Ballet de Perú, presentando a su alumna de nueve años Paloma Herrera, quien obtiene el Primer Premio en su categoría; este misma discípula logra alcanzar también bajo su guía el Gran Premio “Coca Cola en las Ciencias y las Artes” en el año 1986, teniendo tan sólo diez años de edad, y compitiendo con 140 participantes algunos de ellos profesionales.

En 1987 viaja a la Unión Soviética presentando a sus alumnas más aventajadas en el curso de ballet de la ciudad de Minz, y su grupo es considerado el mejor preparado de todos  los provenientes de Estados Unidos, Canadá, etc.

Ha sido considerada “Bailarina del Año” por su interpretación en los siguientes ballets: Las Sílfides (1967), Romeo y Julieta (1970), El Cascanueces (1971), Giselle (1972), El niño brujo (1973).

A lo largo de su carrera, ha obtenido las siguientes distinciones: Venus Dorada del Círculo Femenino (1967); Miembro Honoris Causa  de las  Universidades Populares Argentinas (1973); Miembro de Honor del Instituto de Cultura Hispánica Manuel de Falla (1975); Gran Premio de Honor Fondo Nacional de las Artes (1977); Premio Orden al Mérito (en el grado de caballero) otorgado por los Caballeros de San Martín de Tours en el Histórico Cabildo (1984); Quinquela de Oro por su trayectoria artística (1989); Premio Konex de Platino (1989); Premio Manzana de las Luces (1991); Premio “Promea”, otorgado por el Archivo de la Nación (1993) y el Premio María Ruanova, a su brillante trayectoria, otorgado por el Consejo Argentino de la Danza (1996). Recibió el nombramiento de Senador de las Luces por su trayectoria en el mundo  de la cultura de las ciencias y de las artes otorgado por la Presidencia de la Nación (1998) y fue distinguida con el Premio Columna de la Cultura otorgado por el Fondo Cooperativa de Caseros (1998). La crítica internacional se ha pronunciado unánimemente por el arte de Olga Ferri, considerándola una de las más importantes bailarinas de Latinoamérica.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con el video Homenaje a Olga Ferri. Material Archivo Gentileza Familia Ferri-Lommi - Producción Revista Revol.

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