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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Christopher John Millar, más conocido como Rat Scabies, nació en Kingston upon Thames, Surrey, Reino Unido, el 30 de julio de 1955. Baterista y productor.
Christopher John Millar (nacido el 30 de julio de 1955), conocido por su nombre artístico Rat Scabies, es un músico conocido principalmente por ser el baterista de la banda inglesa de punk rock The Damned.
Carrera
Millar nació en Kingston upon Thames, Surrey. Tocó la batería con Tor y London SS antes de fundar The Damned con Brian James, Dave Vanian y Captain Sensible en 1976. En su audición para London SS, obtuvo el apodo de Rat Scabies después de que una rata lo acosara mientras sufría de sarna.
The Damned dieron su primer concierto como teloneros de los Sex Pistols, y más tarde lanzaron el primer sencillo punk en el Reino Unido, "New Rose". Scabies tocó con The Damned con algunas interrupciones y varios cambios de integrantes hasta que una disputa sobre el lanzamiento del álbum Not of This Earth provocó su salida en 1995.
Su trabajo en solitario fuera de The Damned incluye una versión de «This Wheel's on Fire» de Bob Dylan, acreditada a «Rat & The Whale». En 2003, Millar formó una banda efímera llamada The Germans con Peter Coyne y Kris Dollimore, originarios de The Godfathers. En los últimos tiempos, ha tocado con Donovan, Nosferatu, el artista de ska Neville Staple (exmiembro de The Specials) y su banda, Dave Catching (Eagles of Death Metal), Chris Goss, The Members, The Mutants, The Spammed, Urban Voodoo Machine y Jane Horrocks. También ha trabajado como productor, incluyendo con Flipron y Ebony Bones. En mayo de 2018 lanzó su álbum en solitario PHD (Prison, Hospital, Debt).
El 17 de noviembre de 2023, The Damned anunció que Scabies había regresado como miembro permanente. En febrero de 2024, The Damned anunció que, por primera vez en 35 años, realizarían una gira norteamericana de diez fechas con su formación de los años 80: Scabies, Dave Vanian, Captain Sensible y Paul Gray.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con New Rose.
Jack Irons nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 18 de julio de 1962. Baterista.
El sitio www.audiokat.com publicó su biografía firmada por Lorenzo Tanos.
Si bien no está en la misma liga que Pete Best como músico que sale de su banda justo antes de alcanzar el estrellato, Jack Irons es probablemente más conocido como miembro de transición de dos de las formaciones más importantes del rock moderno –los Red Hot Chili Peppers y Pearl Jam–, que se fue justo antes de que las bandas contrataran a su baterista más veterano. Con los Peppers, Irons fue miembro fundador junto con el cantante Anthony Kiedis, el guitarrista Hillel Slovak y el bajista Flea, pero finalmente fue reemplazado por ese tipo que se parece mucho a Will Ferrell. Con Pearl Jam, mantuvo el tiempo entre los dos Daves (Krusen y Abbruzzese) y Matt Cameron, el entonces ex baterista de Soundgarden que cumplió una doble función con ambos pesos pesados del grunge hasta la muerte de Chris Cornell en 2017.
Dado el hecho de que ha tocado en algunos álbumes notables de sus dos bandas más reconocidas y también fue miembro del subestimado y pasado por alto el power trío de los 90 Eleven, Jack Irons es ciertamente más que el tipo que fue reemplazado por Chad Smith, y más tarde por Matt Cameron. Pero, ¿por qué dejó bandas tan establecidas en un punto en el que una de ellas estaba en ascenso y la otra todavía era enormemente popular, aunque un poco menos relevante que en su apogeo? Según Rolling Stone, la decisión de Irons de dejar Pearl Jam supuestamente fue impulsada por su disgusto por las giras. En cuanto a los Red Hot Chili Peppers, el baterista dejó la banda dos veces, y la salida final fue provocada por algo mucho más oscuro que el mero agotamiento por el frenético estilo de vida del rock 'n' roll.
La primera salida: Jack Irons se fue porque los Peppers no eran su banda principal
Como recuerda Drum Magazine, Jack Irons fue uno de los cofundadores de los Red Hot Chili Peppers, pero años antes, él y Hillel Slovak se unieron al cantante y guitarrista Alain Johannes para formar una banda llamada Chain Reaction. Más tarde, el grupo cambiaría su nombre a Anthym y agregaría a la formación a otro amigo de la escuela, el bajista Michael "Flea" Balzary. Ahora, son tres cuartas partes de la formación fundadora de RHCP tocando juntos en una banda, pero como señaló el medio, los Peppers fueron un proyecto paralelo "casual" que se formó en 1983 cuando Slovak, Flea y Irons unieron fuerzas con otro viejo amigo de la escuela secundaria de Fairfax, el líder Anthony Kiedis. Las actuaciones electrizantes de los nacientes Peppers les ayudaron a acumular un gran número de seguidores en su natal Los Ángeles.
Sin embargo, había un pequeño problema: ¿Qué es esto? (la banda anteriormente conocida como Chain Reaction y Anthym) también había firmado un contrato discográfico propio con MCA (a través de First Avenue), y Slovak y Irons estaban más comprometidos con su banda principal que con su peculiar y funky proyecto paralelo. Como tal, abandonaron los Red Hot Chili Peppers antes de la grabación de su álbum debut homónimo de 1984 y fueron reemplazados respectivamente por Jack Sherman y Cliff Martinez.
La segunda salida: Irons quedó devastado por la muerte de Hillel Slovak
A pesar de parecer una opción más prometedora al principio, ¿Qué es esto?, se esfumó, y Jack Irons y Hillel Slovak regresaron a los Red Hot Chili Peppers a tiempo para su tercer álbum, The Uplift Mofo Party Plan de 1987, según Drum Magazine. Lamentablemente, fue el primer y único álbum de Peppers con todos los miembros de la formación original, ya que los problemas de drogas de Slovak y Anthony Kiedis alcanzaron un momento crítico mientras la banda estaba de gira en apoyo del disco. Kiedis se limpió varios años después, pero Slovak murió trágicamente de una sobredosis de heroína el 25 de junio de 1988, a la edad de 26 años. La muerte de su viejo amigo y compañero de banda devastó a Irons, quien abandonó abruptamente los Red Hot Chili Peppers y explicó que él no quería ser parte de una banda donde sus "amigos estaban muriendo".
Según Drum Magazine, la prematura muerte de Slovak también llevó a Irons a un estado de depresión. Más tarde le diagnosticaron trastorno bipolar después de que se internara en un hospital psiquiátrico. Afortunadamente, estaba de vuelta en el taburete de la batería a principios de los 90, reuniéndose con el excompañero de banda Alain Johannes cuando formaron la banda Eleven con la fallecida Natasha Shneider. Y aunque rechazó una oferta para tocar el cuero de una banda entonces desconocida de Seattle que lleva el nombre de la estrella de la NBA Mookie Blaylock, se unió a ellos en 1994, cuando ya eran conocidos como Pearl Jam y estaban más que bien establecidos en la escena del rock.
Lorenzo Tanos
A continuación, celebramos su cumpleaños, con una improvisación realizada con Remco Hendriks en bajo.
Joe Morello nació en Springfield, Massachusetts, Estados Unidos, el 17 de julio de 1928, y murió en Irvington, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 12 de marzo de 2011. Baterista.
JOE MORELLO 17 de julio de 1928—12 de marzo de 2011
Joe nació el 17 de julio de 1928 en Springfield, Massachusetts. Con problemas de visión desde su nacimiento, se dedicó a actividades de interior. A los seis años, el apoyo de su familia lo impulsó a estudiar violín. Tres años después, actuó como solista con la Orquesta Sinfónica de Boston interpretando el Concierto para violín de Mendelsohn. A los doce años, volvió a presentarse como solista con la orquesta. Sin embargo, al conocer y escuchar a su ídolo, el gran Jascha Heifetz, Joe sintió que jamás podría alcanzar "ese sonido". Así que, a los quince años, cambió el rumbo de su trayectoria musical y comenzó a estudiar batería.
El primer profesor de batería de Joe, Joe Sefcik, era baterista de foso en todos los espectáculos de la zona de Springfield. Era un excelente maestro y le brindó mucho apoyo. Joe empezó a tocar con cualquier grupo que se lo permitiera. Cuando no tocaba con ningún grupo, él y sus amigos, entre ellos Teddy Cohen, Chuck Andrus, Hal Sera, Phil Woods y Sal Salvador, se reunían para improvisar en cualquier lugar que encontraran. Joe tocaba en cualquier trabajo para el que lo llamaran. Como resultado, sus experiencias musicales abarcaron desde tocar instrumentos militares básicos hasta bodas y eventos sociales. Finalmente, el Sr. Sefcik decidió que era hora de que Joe siguiera adelante. Le recomendó a un profesor en Boston, el gran George Lawrence Stone.
El Sr. Stone hizo muchas cosas por Joe. Le proporcionó la mayoría de las herramientas para desarrollar su técnica. Le enseñó a leer partituras. Pero, sobre todo, le hizo comprender que su futuro estaba en el jazz, no en la percusión "legítima", como Joe había esperado. Gracias a sus estudios con el Sr. Stone, Joe se convirtió en el mejor baterista de Springfield y en el campeón de percusión rudimentaria de Nueva Inglaterra.
La actividad musical de Joe aumentó y pronto se encontró de gira con varios grupos. Primero, estuvo con Hank Garland y el Grand Ole Opry, y luego con Whitey Bernard. Tras mucha reflexión, Joe dejó a Whitey Bernard para irse a Nueva York.
Le siguió un año difícil, pero gracias a la determinación de Joe y al apoyo de amigos como Sal Salvador, Joe empezó a hacerse notar. Pronto se encontró tocando con un impresionante elenco de músicos, entre los que se encontraban Gil Melle, Johnny Smith, Tal Farlow, Jimmy Raney, Stan Kenton y Marian McPartland. Tras dejar el trío de Marian McPartland, rechazó ofertas de la banda de Benny Goodman y la de Tommy Dorsey. La oferta que aceptó fue una gira temporal de dos meses con el Dave Brubeck Quartet, que acabó durando doce años y medio. Fue durante este periodo cuando Billy Gladstone, del Radio City Music Hall, perfeccionó su técnica.
Desde 1968, cuando se disolvió el Dave Brubeck Quartet, Joe diversificó su talento en varios ámbitos. Mantuvo una intensa actividad como profesor particular. Gracias a su colaboración con DW Drums, Joe realizó importantes contribuciones a la enseñanza de la batería, así como al jazz en general, mediante sus talleres, conferencias y actuaciones como solista invitado. En sus últimos años, Joe actuó con frecuencia con su propio grupo en el área metropolitana de Nueva York.
Joe participó en más de 120 álbumes y CDs, 60 de ellos con el Dave Brubeck Quartet. Ganó el premio de la revista Downbeat al mejor baterista durante cinco años consecutivos, el premio Playboy durante siete años consecutivos, y es el único baterista en ganar todas las encuestas musicales durante cinco años consecutivos, incluyendo Japón, Inglaterra, Europa, Australia y Sudamérica. Aparece mencionado en la duodécima edición de Who's Who in the East y en el Blue Book, una lista de personas del Reino Unido, Irlanda, Canadá, Australia, Nueva Zelanda y Estados Unidos que han alcanzado la excelencia en las artes, las ciencias, los negocios o las profesiones. Venerado tanto por fans como por músicos, Joe fue considerado uno de los mejores, y probablemente uno de los más célebres, bateristas en la historia del jazz.
El impacto de Joe en el mundo de la música y en la vida de todos aquellos a quienes tocó perdurará para siempre.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Take Five.
Terence "Terry" Chimes (nacido el 5 de julio de 1956, Stepney, Londres, Inglaterra) es un músico inglés, mejor conocido como el batería original del grupo punk rock The Clash. Originalmente, tocó con ellos desde julio hasta noviembre de 1976, de enero a abril de 1977, y nuevamente desde mayo de 1982 hasta febrero de 1983. Más tarde, tocó percusión en Hanoi Rocks en 1985, antes de que la banda se separara ese mismo año. Hizo una breve gira con Black Sabbath desde julio hasta diciembre de 1987, y en un concierto único en mayo de 1988. También apareció como batería en el video musical de Black Sabbath para su single The Shining de su álbum de 1987 The Eternal Idol.
The Clash
Terry Chimes fue miembro de la banda proto-punk London SS, que también contó con Mick Jones y Paul Simonon quienes, con Chimes, se unirían a Joe Strummer y Keith Levene para formar The Clash.
Tanto Chimes como Levene posteriormente se marcharon, pero Chimes regresó para grabar el álbum debut homónimo de la banda, The Clash. En la portada del álbum, fue acreditado como Tory Crimes. Después de grabar el álbum, Chimes dejó la banda una vez más y fue reemplazado por Topper Headon.
En 1982, Headon se vio obligado a abandonar la banda por su adicción a las drogas, y se le pidió a Chimes que se reincorporara. Participó en los tours de The Casbah Club, tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, una breve gira de apoyo a The Who y la siguiente gira de Combat Rock en los Estados Unidos. También apareció en el video musical del single Rock the Casbah. Después del Festival de Música Mundial de Jamaica de 1982, se fue por tercera y última vez.
Otras bandas
Después de dejar The Clash, Chimes tocó percusión en bandas como Johnny Thunders y The Heartbreakers brevemente en 1977 y 1984, Cowboys International en 1979, Gen X desde 1980 hasta 1981, Hanoi Rocks en 1985, The Cherry Bombz en 1986 (con ex miembros de Hanoi Rocks Andy) McCoy y Nasty Suicide y ex Sham 69 / Wanderers / Los Señores de la Nueva Iglesia (Dave Tregunna) y Black Sabbath en su Eternal Idol Tour en 1987-88. También tocó la batería con Billy Idol por un período de tiempo.
Años posteriores
En 2003, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Clash. En la ceremonia de inducción, dio un discurso de aceptación elogiando el trabajo de Topper Headon.
Fue nominado como embajador de Scouting en Londres para la Región de la Asociación Scout para el Gran Londres en una ceremonia de reconocimiento de adultos en 2008.
Chimes se ha relacionado con una película irlandesa llamada "Ringsend". La película también está lista para protagonizar Martin Kemp.
Actualmente toca la batería para The Crunch y The Anita Chellemah Band.
Vida personal
Chimes es un católico practicante. Desde 1994, trabajó como quiropráctico en Essex en su clínica Chimes Chiropractic. También dirige seminarios de quiropráctica.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Rock the Casbah.
John Cameron Fogerty nació en Berkeley, California, Estados Unidos, el 28 de mayo de 1945. Cantante, compositor, productor y multi instrumentista. Toca guitarra, batería, piano, armónica y saxo.
John Fogerty es un verdadero tesoro estadounidense. Como líder de Creedence Clearwater Revival (CCR), Fogerty forjó un sonido distintivo e innovador, una mezcla de blues, country, pop, rockabilly, R&B, swamp boogie y rock 'n' roll sureño, todo ello unido por su singular y evocadora perspectiva lírica. Fogerty es ganador de un premio Grammy y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y en el Salón de la Fama de los Compositores. Es el único músico en ser incluido en el Salón de la Fama del Béisbol por su canción "Centerfield", un himno en los estadios de béisbol de todo el país. Entre los muchos éxitos de Fogerty, que han vendido más de 100 millones de discos, tanto como solista como líder de CCR, destacan "Proud Mary", "Susie Q", "Fortunate Son", "Born on the Bayou", "Bad Moon Rising" y "Have You Ever Seen the Rain", entre muchos otros.
En 2019, Fogerty celebró sus 50 años en la música con una gira mundial con su espectáculo "My 50 Year Trip". El 8 de noviembre de 2019 se lanzó el álbum "50 Year Trip: Live at Red Rocks", que incluye una colección de éxitos de Creedence Clearwater Revival, entre ellos canciones del repertorio de su actuación en el legendario festival de música de Woodstock en 1969, entre otros temas favoritos de los fans.
En abril de 2020, mientras se encontraban en cuarentena juntos, la familia Fogerty —compuesta por John, sus hijos Shane y Tyler, y su hija Kelsy— se reunió en su estudio casero para tocar música. Comenzó una serie de videos semanales que se hizo tan popular que se lanzó un EP digital, Fogerty's Factory, a través de BMG el día del cumpleaños de Fogerty, el 28 de mayo de 2020. El álbum completo Fogerty's Factory, con una versión extendida, se lanzó el 20 de noviembre de 2020. En diciembre de ese mismo año, Chronicle Vol. 1 de Creedence Clearwater Revival alcanzó el hito de permanecer más de 500 semanas en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el octavo álbum en lograrlo. A principios de enero de 2021, Fogerty lanzó su primera canción original en solitario en ocho años, "Weeping in The Promised Land". La canción es la retrospectiva definitiva de Fogerty sobre el año 2020, sirviendo en última instancia como un emotivo homenaje a quienes se vieron afectados por la pandemia, así como a quienes sufrieron prejuicios e injusticias, con la mirada puesta en días mejores por venir.
Fogerty se asoció recientemente con Concord para el lanzamiento oficial de Creedence Clearwater Revival At The Royal Albert Hall a través del sello Craft Recordings. Más de 50 años después del legendario concierto de 1970, las cintas multipista originales fueron meticulosamente restauradas y mezcladas por el productor ganador del premio GRAMMY®, Giles Martin, y el ingeniero Sam Okell. El documental que lo acompaña lleva a los espectadores desde los primeros años de CCR juntos en El Cerrito, California, hasta su meteórico ascenso a la fama, y es la única grabación de un concierto de la formación original de CCR que se ha lanzado en su totalidad.
En 2023, Fogerty, compositor de canciones icónicas que han inspirado a generaciones —como «Proud Mary», «Down on the Corner», «Fortunate Son», «Bad Moon Rising» y «Have You Ever Seen the Rain», entre muchas otras— adquirió la mayoría de los derechos de publicación mundiales de su histórico catálogo musical de Concord. Para John, estas composiciones han sido un sueño de décadas y una misión personal. Durante años, los derechos de autor de las canciones clásicas de Fogerty pertenecieron a Saul Zaentz, propietario de Fantasy Records, quien vendió el sello y su cartera editorial al antiguo Concord Music Group en 1995. Fogerty, que se desvinculó de Fantasy en 1974, volvió a firmar con el sello tras su compra por Concord. Aun así, no había podido obtener la propiedad de sus canciones, hasta ahora.
“Desde enero, vuelvo a ser dueño de mis canciones. Creí que esto nunca sería posible. Después de 50 años, por fin me reencuentro con ellas. Además, tengo voz y voto sobre dónde y cómo se utilizan. Hasta este año, nunca había podido hacerlo. ¡Tengo muchas ganas de salir de gira y celebrar este año! Quiero agradecer a Concord por haber hecho posible todo esto. Y estoy entusiasmado con las nuevas ideas y el renovado interés por mi música… como un renacimiento”, dijo John Fogerty.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Centerfield.
Mark Lavon Helm, más conocido como Levon Helm, nació en Elaine, Arkansas, Estados Unidos, el 26 de mayo de 1940, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de abril de 2012. Cantante, actor y multi instrumentista. Tocaba batería, mandolina, guitarra y armónica.
“Cuando me preguntan de dónde viene el rock and roll”, dijo una vez Levon Helm, oriundo de Arkansas, “siempre pienso en nuestros espectáculos ambulantes del sur y en aquel salvaje Midnight Ramble. El paso de pato de Chuck Berry, los movimientos rockabilly de Elvis Presley, el baile de Little Richard al piano, las payasadas de Jerry Lee Lewis y el paso de camello de Ronnie Hawkins podrían haber salido directamente del escenario de FS Walcott”.
El espectáculo Midnight Ramble de Woodstock evoca la infancia rural del hombre al que Rolling Stone llamó "el mejor baterista del rock and roll" durante su etapa con los pioneros de la música americana, The Band. Levon Helm, nacido en 1940 en el delta de Arkansas, creció en la aldea de Turkey Scratch rodeado de la música de sus padres, la que escuchaba en la radio y la que vivió en persona: el influyente bluesman Sonny Boy Williamson, cuyo programa de radio King Biscuit Time se emitía a todo volumen en la cercana emisora KFFA de Helena; Bill Monroe and His Blue Grass Boys, con Flatt & Scruggs; y Elvis Presley a finales del 54. Levon fue testigo directo del nacimiento del rock and roll.
También dejó una huella imborrable en Levon el espectáculo itinerante de carpas FS Walcott y su Midnight Ramble, exclusivo para adultos, que presentaba a "la Dama de la Sonrisa Millonaria" y a "un baterista zurdo fantástico", según recordó en sus memorias, This Wheel's on Fire. Levon, que tocaba la guitarra desde los 9 años, se dio cuenta de que "la batería parecía el mejor asiento de la casa". Para cuando Levon se graduó de la escuela secundaria, ya había actuado con su hermana en ferias del condado, concursos de talentos y salones agrícolas. Fue reclutado por su paisano de Arkansas y líder Ronnie Hawkins, quien se había hecho un nombre con sus dobles saltos mortales en el escenario y su ruidoso sonido que fusionaba R&B y rockabilly. De gira por el circuito de bares de carretera de Canadá, los Hawks también incluirían a los canadienses Rick Danko, Richard Manuel, Garth Hudson y Robbie Robertson. Tras separarse de Hawkins en 1965, esta hermandad de músicos virtuosos se autodenominaría Levon and the Hawks, y más tarde, acompañando a Bob Dylan después de que este se pasara a la música eléctrica, simplemente "The Band".
Esto llevó a Levon a Woodstock, Nueva York, donde se enamoró del paisaje bucólico y el ambiente de pueblo pequeño. Dylan se había establecido allí. "Todos sentíamos que nos sentíamos como en casa", recordó Levon. "El pueblo nos acogió y nos trató como a sus hijos predilectos. Si alguien preguntaba: '¿Está la banda en el pueblo?', seguramente se referían a nosotros. De hecho, así fue como el pueblo nos dio nuestro nombre".
Tras establecerse allí, el grupo grabó su álbum debut, Music From Big Pink, que recibió su nombre de la casa de campo donde grabaron las legendarias "Basement Tapes" con Dylan. Cuando The Band inició su primera gira posterior al álbum en el Winterland de San Francisco en 1969, el estimado crítico Ralph Gleason escribió: "Lo primero que pensé fue: ¡Esta es la banda de Levon!... Ahí estaba él, con su barba tupida, sus hombros balanceándose y su rostro mefistofélico pegado al micrófono a un lado mientras tocaba la batería... Un cantante extraordinario con una voz magnífica". Otro testigo presencial, el autor y periodista Chet Flippo, recordó: "Había una alegría colectiva, casi una epifanía, en la gente que me rodeaba mientras la música los envolvía".
Esa alegría colectiva impulsaría el evento Midnight Ramble de Levon en Woodstock 35 años después.
Tras diez álbumes juntos, creando un repertorio de música americana sin igual, el grupo se disolvió después de la interpretación de "Last Waltz" en Winterland en 1977. Levon siempre había mantenido una casa en Woodstock, donde construyó una casa rústica y un granero a principios de los 70, que incluían un estudio de grabación y un espacio para actuaciones. El primer artista en grabar un álbum en el Granero, en 1975, fue el influyente músico de blues Muddy Waters, que ganó un Grammy al año siguiente. Mientras tanto, Levon formó los RCO All-Stars, que incluían a miembros de Booker T. and the MGs y debutaron en Saturday Night Live. La fiesta para celebrar el álbum homónimo del grupo se celebró en el Granero, donde la hija de Levon, Amy Helm, de seis años, cantó en público por primera vez.
Tras un LP en solitario de Levon grabado en Muscle Shoals, la banda se reunió en 1983, sin Robertson, y realizó giras y grabó tres álbumes durante los siguientes 15 años. Durante ese tiempo, Levon actuó en películas como Coal Miner's Daughter y The Right Stuff, y colaboró en álbumes como All the Kings Men, grabando un tema con Keith Richards y los compañeros de banda de Elvis, el guitarrista Scotty Moore y el baterista DJ Fontana, en The Barn.
Pero la década de 1990 trajo consigo un período muy difícil de mi vida, dijo Levon. Después de que un incendio arrasara más del 80% de su casa en 1991, pensó que jamás volvería a escuchar el sonido del estudio Barn. Sin embargo, tras una reconstrucción magistral, regresó a su hogar y el estudio sonaba mejor que nunca.
En 1996, a Levon le diagnosticaron cáncer de garganta. «Lo mejor fue poder luchar», recordó Levon sobre aquella época tan angustiosa. «Mi aprecio por el simple hecho de estar vivo se convirtió en algo muy valioso. En las calurosas noches de verano, me adentraba en una arboleda oscura de pinos perennes cerca del arroyo que pasaba detrás de mi casa, y simplemente respiraba el aire de los pinos y el aroma de la cicuta, intentando eliminar de mi organismo los residuos de cincuenta años de fumar… Me lavaba la cara con el agua fresca y oscura del arroyo… y trataba de usar los aromas y el aire curativo del bosque para ayudar a mi cuerpo y a mi espíritu a recuperarse. Finalmente, entre el bosque y mis oraciones… y los largos viajes a la clínica de radioterapia [en Nueva York con mi hija Amy], empecé a mejorar». La cirugía y 28 sesiones de radioterapia mantuvieron a Levon con vida, pero dejaron su característico tenor convertido en un susurro ronco.
Milagrosamente, mientras seguía tocando la mandolina y la batería con su Barn Burners Blues Band, con Amy como vocalista principal y Little Sammy Davis en la armónica, la voz de Levon fue regresando gradualmente. Y en 2004, abrió su querido granero para celebrar sus propios Midnight Rambles. Reunió cuidadosamente a la banda residente de Midnight Ramble, compuesta por Amy, Little Sammy Davis, el multiinstrumentista Larry Campbell, la vocalista Teresa Williams, el guitarrista Jimmy Vivino, los bajistas Mike Merritt y Byron Isaacs, el tecladista Brian Mitchell, el baterista Tony Leone y una impresionante sección de metales formada por Erik Lawrence, Steven Bernstein, Jay Collins, Clark Gayton y Howard Johnson. El primer Ramble contó con la participación del legendario pianista Johnnie Johnson, pionero del rock and roll junto a Chuck Berry.
“Cada vez que empieza un concierto y estoy en el escenario, me maravillo del talento musical que me rodea”, dijo Amy en 2009. “Cada integrante de este grupo toca con una maestría y una pasión increíbles. El Ramble se ha convertido en una comunidad, un lugar donde la gente se reúne canta, ríe y comparte historias”. Los asistentes traían platos para compartir y charlaban con Levon, junto a la máquina de palomitas, antes de subir al escenario. Pronto, la fama del Ramble se extendió mucho más allá de las montañas Catskill.
Los amigos y compañeros músicos de Levon acudieron en masa al Barn para unirse a la diversión del Midnight Ramble, asombrando a los fans que jamás imaginaron que verían a Levon y a amigos como Elvis Costello, Emmylou Harris, Allen Toussaint, Hubert Sumlin, Pinetop Perkins, Norah Jones y Dr. John tan de cerca. «Un Ramble es una reunión, un intercambio íntimo de espíritu comunitario y buena voluntad», escribió Larry Campbell en el prefacio del libro del fotógrafo Paul Laraia, The Levon Helm Midnight Ramble. «Todos los que entren, músicos y público por igual, se irán sintiéndose mejor que cuando entraron. Son unas horas para olvidar los problemas y dejar que la música rejuvenezca el alma; música estadounidense auténtica, honesta y atemporal, hecha simplemente por el puro placer que proporciona».
Animado por tal camaradería y excelencia musical, Levon regresó a su estudio Barn para grabar Dirt Farmer en 2007. Su primer álbum en solitario en 25 años incluía canciones que su padre, Diamond Helm, le había enseñado de niño. Ganó el primero de tres premios Grammy consecutivos para Levon; el segundo fue Electric Dirt en 2009, y el tercero Ramble at the Ryman en 2011, que documentaba la gira Ramble. A lo largo de los años, Levon también contribuyó a la comunidad de Woodstock, ofreciendo conciertos benéficos para recaudar fondos para la música en las escuelas locales y otras causas importantes. La economía local floreció cuando Woodstock volvió a ser un destino para los amantes de la música de todo el mundo.
Perdimos a Levon en abril de 2012, pero su espíritu permanece en los alegres paseos nocturnos que se celebran en su precioso granero con vigas de cicuta. Pocos días antes de su fallecimiento, instó a sus seres queridos a que siguieran adelante, a que continuaran con la tradición, manteniendo viva la música en el granero. Y así lo han hecho.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Weight.
Phillip Hugh Norman Rudd (nacido como Phillip Hugh Norman Witschke Rudzevecuis; 19 de mayo de 1954) es un baterista australiano. Es conocido principalmente por ser miembro de la banda de rock AC/DC desde 1975 hasta 1983, y nuevamente desde 1994 hasta la actualidad. Tras la partida del bajista Mark Evans en 1977, se convirtió en el único miembro australiano de la banda. En 2003, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto con los demás miembros de AC/DC. Actualmente reside en Tauranga, Nueva Zelanda.
Biografía
Rudd tocó en varias bandas en Melbourne antes de unirse a Buster Brown con el futuro vocalista de Rose Tattoo, Angry Anderson. Lanzaron un álbum, Something To Say, en 1974, pero Rudd se fue por un breve período a Coloured Balls con Lobby Loyde. Durante 1974, su antiguo compañero de banda en Coloured Balls, Trevor Young, le habló de las audiciones de la sección rítmica de AC/DC. Le pidió al bajista de Buster Brown, Geordie Leach, que lo acompañara, pero Leach se negó. Rudd audicionó y fue contratado de inmediato. Se integró a la banda muy rápidamente y aportó su sólido estilo de batería con gran efecto en la serie de álbumes grabados de 1975 a 1983. La banda se mudó al Reino Unido en 1976 y siguió una intensa agenda de giras y grabaciones internacionales.
Salida de CA/CC
En 1980, el vocalista Bon Scott falleció. La banda se reagrupó con el vocalista Brian Johnson y grabó su álbum más exitoso, Back in Black. Rudd sufrió mucho la muerte de Scott, pero continuó con AC/DC hasta que dejó la banda durante la grabación del álbum Flick of the Switch en 1983. Había completado su contribución a este álbum, y aunque el baterista de sesión BJ Wilson fue contratado para ayudar a completar la grabación, sus partes de batería finalmente no se utilizaron. El futuro baterista de Dio, Simon Wright, reemplazó a Rudd y apareció en los videos que acompañaron a los sencillos lanzados del álbum.
El despido de Rudd de la banda fue en parte resultado de sus propios problemas con las drogas y un conflicto con el guitarrista rítmico y fundador de la banda, Malcolm Young, que finalmente se tornó físico. Después de ser despedido de AC/DC, Rudd se retiró a Tauranga, Nueva Zelanda, donde compró una compañía de helicópteros. El público no se enteró de que Rudd había dejado la banda hasta la víspera de su gira norteamericana en 1983. En las últimas páginas de la edición de octubre de 1983 de la revista Circus se afirmaba: "Phil Rudd deja AC/DC... para pasar más tiempo con su familia y sus coches". ¿Hubo una pelea? Angus responde: "Somos un grupo ruidoso, pero no peleamos entre nosotros". Brian agregó: "No podrías encontrar una persona o un baterista más sólido que Phil Rudd". "Ninguno de nosotros tendría que trabajar si no quisiera... Phil eligió esa opción".
Tras su mudanza, los fans de AC/DC comenzaron a recorrer en coche las calles donde Rudd había vivido anteriormente y a acercarse a la gente en un intento por localizarlo.
Durante su tiempo alejado de AC/DC, Rudd comentó: «Corrí en coches, volé en helicóptero, me hice agricultor y cultivé algunos alimentos. Viví en Nueva Zelanda, lo cual fue genial; un lugar tranquilo y agradable donde nadie me molestaba». Rudd también siguió tocando la batería, «cuando quería, no cuando tenía que hacerlo», y construyó su propio estudio.
Reconexión CA/CC
Cuando AC/DC realizó una gira por Nueva Zelanda en 1991 durante el Razors Edge World Tour, la banda llamó a Rudd para ver si le gustaría " tocar " con ellos. Rudd decidió aceptar su oferta y finalmente fue recontratado.
La banda le dio la bienvenida de nuevo tras la etapa de Chris Slade como baterista. No hubo resentimientos por la marcha de Slade. La banda elogió a Slade por su interpretación y habilidad técnica, pero sostuvo que un cierto sonido había faltado en la música de AC/DC desde el altercado de 1983. Desde entonces, ha participado en tres álbumes de estudio de AC/DC: Ballbreaker, Stiff Upper Lip y Black Ice, que fue el mayor éxito de la banda en las listas desde For Those About to Rock We Salute You en 1981. Phil y el resto de la banda iniciaron entonces su gira mundial Black Ice, que finalizó en junio de 2010 en Bilbao, España.
Vida personal
El 1 de diciembre de 2010, Rudd fue declarado culpable de posesión de 25 g de marihuana en su barco en Tauranga, Nueva Zelanda, pero posteriormente se anuló su condena por posesión de cannabis con el argumento de que le habría impedido continuar de gira con la banda de rock.
El 30 de julio de 2011, se anunció que el baterista había comprado y abriría un restaurante en una marina de Tauranga, Nueva Zelanda, al que llamaría Phil's Place. Rudd planea vender mariscos y filetes de primera calidad.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Back In Black, y la Full Metal Orchestra, con Phil Rudd de AC/DC, en vivo en el Spark Arena 2025.
Bill Bruford creció rodeado de jazz. Como baterista aficionado en la década de 1960, y tras recibir algunas lecciones de Lou Pocock de la Royal Philharmonic Orchestra, comenzó su carrera profesional en 1968. Fue una figura clave en el movimiento británico conocido como "Art Rock", realizando giras internacionales con Yes y King Crimson entre 1968 y 1974.
A continuación, dedicó varios años a observar y participar en los procesos de creación musical de, entre otros, Gong, National Health, Genesis y UK, hasta que se sintió preparado para escribir e interpretar su propia música con su banda Bruford, grabando cuatro álbumes entre 1977 y 1980.
Sin embargo, fue la reconstituida formación de King Crimson de 1980-84 la que le proporcionó el vehículo para su revolucionario uso de la electrónica en el desarrollo del lado melódico de la percusión. Tras un período intermedio de dos años y dos álbumes improvisando con piano acústico y batería junto a Patrick Moraz, Bruford formó su grupo de jazz electroacústico Earthworks en 1986, con Django Bates e Iain Ballamy, específicamente para continuar este trabajo melódico desde la batería, pero ahora en un contexto de jazz.
Earthworks, el primer trabajo del grupo en 1987 fue nombrado el "tercer mejor álbum de jazz del año" por la revista estadounidense USA Today; luego vinieron Dig? (1989), All Heaven Broke Loose (1991) y el álbum en vivo del verano de 1994, Stamping Ground.
King Crimson volvió a demostrar su maestría en la percusión al lanzar el dúo rítmico formado por Bruford y Pat Mastelotto en su formación de doble trío en 1994. A finales de 1994 y durante 1995, la banda realizó una gira mundial, ofreciendo 120 conciertos y grabando CDs de estudio y en directo que documentaban su innovador uso de dos bateristas. En 1996, King Crimson ofreció más conciertos y lanzó un CD-ROM que plasmaba el enfoque de Bruford, en una combinación de tres formatos: audio y datos MIDI/digitales, titulado Packet of 3.
Entre todo esto, Bill también encontró tiempo para grabar y/o salir de gira con Kazumi Watanabe, David Torn, The New Percussion Group of Amsterdam, Jamaaladeen Tacuma, Akira Inoue, Al Di Meola, Anderson Bruford Wakeman y Howe, la Buddy Rich Orchestra, Tony Levin, Pete Lockett y su antigua banda Yes, entre otros. Continuó su labor como instructor activo con una serie de talleres en Europa y América en 1993, que culminaron con su aclamada presentación en la Convención Internacional de la Percussive Arts Society en Columbus, Ohio, en noviembre. En 1990, los lectores de la revista Modern Drummer lo eligieron para su Salón de la Fama.
A finales de los 90, Bruford reafirmó su compromiso y su regreso al jazz, y en 1997 lanzó dos importantes trabajos. La recopilación de grandes éxitos de Earthworks, Heavenly Bodies, que incluía temas de sus cuatro álbumes y material inédito, se publicó en mayo a través de Virgin Records, Reino Unido.
Posteriormente, a finales del verano, se publicó en septiembre un nuevo disco con material inédito junto a los titanes del jazz Ralph Towner (guitarras y piano) y Eddie Gomez (bajo), titulado If Summer had its Ghosts, a través del sello Discipline Records de King Crimson.
El nuevo milenio vio el lanzamiento del álbum en vivo de Upper Extremities de Bruford Levin titulado BLUE Nights, y la incorporación del célebre guitarrista de jazz Larry Coryell a Earthworks para la temporada de festivales de jazz de verano del 2000. Tras una extensa gira de 22 fechas por el Reino Unido, Earthworks grabó su séptimo CD en noviembre, titulado “The Sound of Surprise”. En la primavera de 2002 se produjo el lanzamiento simultáneo de a) un doble CD en vivo desde Londres llamado “Footloose and Fancy Free” y b) un DVD completo desde Nueva York titulado “Footloose in NYC”, y la sustitución de Clahar por el polifacético Tim Garland, recién llegado del grupo de Chick Corea. El nuevo CD fue galardonado con las codiciadas “5 estrellas” de la revista Downbeat.
En 2004, Bill fundó Summerfold Records y Winterfold Records para dar cabida a los distintos aspectos de su catálogo, que crecía rápidamente y ya contaba con unos 35 títulos. Entre sus colaboraciones recientes destacan las realizadas con The World Drummers Ensemble, Earthworks Underground Orchestra y el compositor Colin Riley. En 2006 se publicó el muy comentado DVD Rock Goes To College de su antiguo grupo "Bruford" y, en 2017, una caja recopilatoria de 8 discos de la banda titulada 'Bruford: Seems Like A Lifetime Ago 1977-1980', ambas editadas por Winterfold Records.
Tras retirarse de los escenarios el 1 de enero de 2009, después de 41 años como músico, Bill publicó su autobiografía en marzo de ese mismo año. Animado por su éxito, comenzó a trabajar en un segundo volumen, esta vez basado en evidencia. Doctorado por la Universidad de Surrey, entrevistó y analizó las percepciones de un grupo de bateristas expertos en el ámbito de la creatividad y la interpretación musical. «Uncharted: Creativity and the Expert Drummer» se basó en estos hallazgos y se publicó en 2018.
El año anterior se publicó la primera de una trilogía de cajas recopilatorias seleccionadas por Bill. «Seems Like a Lifetime Ago» se centró en la música de la banda Bruford de finales de los años 70. Ese mismo año, Bill ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro fundador de Yes. La segunda caja recopilatoria, «Bill Bruford – Making A Song and Dance: A Complete-Career Collection», se publicó en abril de 2022 a través de BMG Records. Esta monumental colección de 6 CD con 70 temas abarca toda la trayectoria discográfica de Bill.
Por el contrario, la tercera y última caja recopilatoria se nutre exclusivamente del catálogo de grabaciones de Bill, de su propiedad exclusiva, publicadas por sus dos sellos discográficos, Summerfold y Winterfold Records. El set de 3 CD «The Best of Bill Bruford: The Winterfold and Summerfold Years» fue lanzado por Summerfold Records en octubre de 2024. Tras 13 años alejado de la batería, Bill regresó a los escenarios con el Pete Roth Trio en 2023. El Dr. Bruford tiene tres hijos adultos y cinco nietos. Sigue viviendo con Carolyn en Surrey Hills, Reino Unido.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Full Circle. Pete Roth Trio con Bill Bruford.
Tras formarse en la Mackenzie School of Speech & Drama y presentarse regularmente a los exámenes de la LAMDA desde los ocho años, Chris Maitland, natural de Cambridge, se involucró en el teatro como actor entre 1985 y 1993, interpretando numerosos papeles, a menudo de Shakespeare. Durante este periodo, Chris desarrolló una clientela particular de alumnos de percusión y, a partir de 1989, ocupó diversos puestos como profesor profesional de batería.
Tras ser el baterista de No-Man en su gira de otoño de 1993 (y participar en dos temas del álbum Flowermouth), Steven Wilson, miembro de la banda, le pidió a Maitland que se uniera a su proyecto paralelo de entonces, el grupo de rock psicodélico Porcupine Tree. Tras asistir a un concierto de big band de la Orquesta de Syd Lawrence, y con una formación musical que abarcaba rock pesado, teatro, pop puro e incluso música isabelina para flauta dulce, Chris no parecía el candidato ideal para el puesto de baterista en Porcupine Tree. Además, al principio no le impresionó la música que Steven le mostró de los dos primeros álbumes.
A pesar de sus dudas, Chris decidió unirse y pronto notó una mejoría: “En nuestro primer ensayo estaba nervioso, y cuando empezamos a tocar juntos, me había preparado a conciencia e intentado captar lo que sonaba en los CDs. Y Steve me dijo: 'No te metí en la banda para eso'. Quería que le diera mi toque personal. Y eso ha sido lo mejor para mí como baterista en esta banda, porque me han permitido darlo todo y luego pulirlo”.
Porcupine Tree siguió creciendo en los 90 y principios de los 2000, lanzando una serie de álbumes aclamados como Signify , Stupid Dream, Lightbulb Sun y Recordings. Wilson y compañía firmaron con Lava, filial de Atlantic Records, su primer sello importante, a mediados de 2001. Sin embargo, varios meses después, Chris dejó la banda en lo que sería el único cambio de formación en la historia del grupo. Curiosamente, Maitland reapareció más tarde como miembro del aclamado proyecto paralelo de Wilson, Blackfield. En el lanzamiento homónimo de 2004, Chris compartió la batería con Gavin Harrison, su sucesor en Porcupine Tree, aunque Chris no apareció en Blackfield II de 2007.
“Chris Maitland is no longer part of the group. Is there a particular reason?”
SW: “Actually it’s more practical… Aviv lives in Israel and me in London. At one point we decided where we wanted to base the group. In Israel or London. You can not constantly fly 2 or 3 people. Basing the group in Israel, it’s only me who needs to fly and it’s better because the round trips are expensive. Keeping Chris, it was necessary to make travel each time 2 people instead of one. Do the math. It’s just because of that. But I always get on very well with Chris and I love working with him when I have the opportunity.”
“Chris Maitland ya no forma parte del grupo. ¿Hay alguna razón en particular?”
SW: “En realidad, es más práctico… Aviv vive en Israel y yo en Londres. En un momento dado, decidimos dónde queríamos establecer la base del grupo: en Israel o en Londres. No se puede viajar constantemente con dos o tres personas. Si el grupo se estableciera en Israel, solo yo tendría que volar, y es mejor porque los viajes de ida y vuelta son caros. Si Chris se quedaba, era necesario que cada viaje fuera de dos personas en lugar de una. Hagan las cuentas. Es simplemente por eso. Pero siempre me he llevado muy bien con Chris y me encanta trabajar con él cuando tengo la oportunidad.”
En una entrevista de 2005, Steven dijo: «Voy a evitar hablar de lo que pasó con Chris, salvo para decir que hoy en día volvemos a ser grandes amigos, y lo que entonces parecía importante ya no lo es tanto. Debido al contrato con Atlantic, teníamos mucha presión en aquel momento. Tuvimos que demostrar profesionalismo y compromiso. Lo más triste de todo fue perder a Chris justo cuando la banda estaba a punto de alcanzar el éxito».
Entre 2004 y 2005, Maitland fue miembro del supergrupo de rock progresivo Kino, junto a músicos como John Beck de It Bites y Pete Trewawas de Marillion. A lo largo de su carrera, Maitland también ha participado en varios musicales del West End. ¡Desde 2005, Chris toca la batería en la gira internacional de Mamma Mia!
Desde su paso por Kino, Maitland ha participado como músico de sesión en álbumes como This Perfect Day de Guilt Machine, Afterthoughts de Nosound y Not The Weapon But The Hand de Steve Hogarth y Richard Barbieri.
En 2015, Maitland fue contratado como baterista en vivo para Ray Davies, el legendario compositor de The Kinks.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cloudy Now, por Blackfield, en vivo con Chris Maitland.
El 05 de mayo de 1948, nació en Birmingham, Inglaterra, John Michael “Bill” Ward, conocido mundialmente como el legendario baterista de la banda de heavy metal Black Sabbath. Desde sus inicios, Ward demostró un talento excepcional para la percusión, convirtiéndose en una pieza fundamental en el sonido característico de una de las bandas más influyentes en la historia del rock.
Bill Ward co-fundó Black Sabbath en 1968 junto a Ozzy Osbourne, Tony Iommi y Geezer Butler. La banda rápidamente alcanzó la fama mundial con su álbum debut homónimo lanzado en 1970, el cual sentó las bases del género heavy metal. Ward se destacó por su estilo único y potente, combinando ritmos pesados con una precisión técnica impresionante.
A lo largo de su carrera con Black Sabbath, Ward contribuyó en la creación de álbumes icónicos como “Paranoid” (1970), “Master of Reality” (1971) y “Sabbath Bloody Sabbath” (1973), entre otros. Su habilidad para crear ritmos complejos y su energía en el escenario le valieron el reconocimiento de críticos y fans por igual.
Sin embargo, la relación de Ward con la banda no estuvo exenta de altibajos. Tuvo periodos de ausencia debido a conflictos internos y problemas de salud, lo que llevó a su salida y reincorporación en varias ocasiones. A pesar de esto, su contribución a la identidad de Black Sabbath sigue siendo inigualable.
Fuera de Black Sabbath, Bill Ward ha participado en varios proyectos musicales y lanzado álbumes como solista, explorando diferentes géneros musicales. Además, es conocido por su trabajo como pintor y escritor, expresando su creatividad en diversas formas artísticas.
A lo largo de su carrera, Ward ha sido reconocido con numerosos premios y nominaciones, incluidos los premios Grammy y múltiples inducciones al Salón de la Fama del Rock and Roll. Su legado como uno de los mejores bateristas de la historia del rock perdura hasta el día de hoy.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Tomorrow's Dream.
Richard Manuel nació en Stratford, Ontario, Canadá 3 de abril de 1943, y murió en Winter Park, Florida, Estados Unidos, el 4 de marzo de 1986. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba piano, teclados, batería, armónica, clavinet, marimba y conga.
Tras finalizar un concierto de dos sets con The Band en Winter Park, Florida, Richard Manuel, de 41 años, miembro de The Band, se quitó la vida. Hace justo 40 años. Es conocido como pianista y uno de los tres cantantes principales del grupo. Su compañero de banda, Robbie Robertson, rindió homenaje a su amigo con la canción «Fallen Angel» en 1987.
Recientemente, Richard Manuel es el protagonista de un nuevo libro que se centra en sus composiciones e interpretaciones a lo largo de su carrera, «Richard Manuel: His Life and Music, f0rom the Hawks and Bob Dylan to The Band» del autor Stephen T. Lewis, salió ayer a la venta en los Estados Unidos editado por de Schiffer Books, y el 28 de agosto lo será en Gran Bretaña.
El anuncio de la editorial señala que el libro analiza la carrera de Manuel con comentarios de expertos, al tiempo que arroja luz sobre sus contribuciones a todas sus bandas y sobre el innegable impacto que tuvo en la música rock. El pianista, baterista ocasional y uno de los tres vocalistas principales de The Band se suicidó el 4 de marzo de 1986. Tenía sólo 42 años.
El comunicado de prensa de la editorial explica:
«Manuel era un original intrépido. Con un dulce sentimiento como vocalista y una entrañable creatividad como compositor y multiinstrumentista, fue una parte vital de algunos de los momentos cruciales del rock and roll, como el controvertido paso de Bob Dylan a la música eléctrica, Woodstock 1969 y el legendario The Last Waltz».
El libro incluye nuevas entrevistas con familiares, amigos y compañeros músicos, como Eric Clapton y Van Morrison. En el recuerdo de todos los buenos aficionados el fabuloso dueto de Richard y «Van The Man» en «4% Pantomime» en el cuarto álbum de The Band, «Cahoots», todo fuego y pasión.
La historia narra el viaje de Manuel desde Stratford, Ontario, hasta Woodstock, Nueva York, y más allá, comenzando con su primera banda, The Revols, y luego cantando blues con Robbie Robertson, Levon Helm, Rick Danko y Garth Hudson en The Hawks, los acompañantes del rocker Ronnie Hawkins, el grupo que luego se convertiría en The Band.
La influencia de Manuel fue profunda, su distintiva voz infundía emoción y profundidad a las canciones, escúchese la conmovedora versión de The Band de «I Shall Be Released» de Bob Dylan, y su composición floreció en fantásticos clásicos como «Tears of Rage», coescrita con Dylan, y «We Can Talk».
Él compuso grandes canciones como «Lonesome Suzie», «In a Station» y coescribió otras tantas, y fue un sensible y expresivo cantante en muchos temas de The Band: «Chest Fever», «To Kingdom Come», «Across the Great Divide», King Harvest (Has Surely Come)», «The Shape I’m In», entre otras.
A pesar del éxito, Manuel luchaba contra demonios personales, la adicción y la confusión interna, hasta que en 1986 no pudo más.
Tras la separación de The Band, Manuel se mudó al rancho de Garth Hudson en las afueras de Malibú. Ingresó en un programa de rehabilitación de alcohol y drogas, logrando la sobriedad por primera vez en años en agosto de 1978. Finalmente, se volvió a casar con su novia de toda la vida, Arlie Litvak.
Aunque el grupo original se disolvió, Manuel permaneció activo de forma intermitente, intentando encontrar su rumbo musical en solitario y luchando con su salud mental y física.
En 1983, The Band se reunió sin Robbie Robertson, y Manuel volvió a los escenarios junto a Levon Helm, Rick Danko y Garth Hudson. Si bien su voz ya no tenía la misma fuerza que en los años 60, seguía siendo una presencia querida por los fans. El grupo realizó giras por circuitos menores, y aunque Manuel disfrutaba de tocar nuevamente, sus luchas internas persistían.
El 4 de marzo de 1986, después de un concierto en Florida, Richard Manuel se quitó la vida en su habitación de hotel. Tenía 42 años. Su muerte fue un duro golpe para sus compañeros y consolidó su figura como un artista sensible, vulnerable y profundamente expresivo. Su legado perdura en su emotiva voz y en su contribución esencial al sonido único de The Band.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Shape I'm In.
Joseph William Castillo, más conocido como Joey Castillo, nació en Gardena, California, Estados Unidos, el 30 de marzo de 1966. Músico y compositor. Toca principalmente batería, además de percusión, piano, teclados, sintetizadores, violín y theremin.
El sitio www.alchetron.com publicó su biografía.
Joseph Willam Castillo (nacido el 30 de marzo de 1966) es un músico y compositor estadounidense. Es conocido principalmente por ser el baterista de la banda de hard rock Queens of the Stone Age desde 2002 hasta 2012. También ha sido miembro de Danzig, Eagles of Death Metal , California Breed , Zilch y Scott Weiland and the Wildabouts.
Castillo se unió a Queens of the Stone Age en 2002, tras la salida del baterista temporal Dave Grohl. Grabó dos álbumes de estudio, Lullabies to Paralyze (2005), Era Vulgaris (2007), y grabó la mitad de ...Like Clockwork (2013) antes de ser despedido por el miembro fundador Josh Homme durante el proceso. Desde que dejó Qotsa y el proyecto paralelo de Homme, Eagles of Death Metal en 2012, Castillo se unió a California Breed, reemplazando al miembro fundador Jason Bonham, se unió a Scott Weiland and the Wildabouts, girando con la banda antes de la muerte del cantante en 2015, y se unió a dos grupos con su excompañero de Qotsa, Nick Oliveri: el supergrupo Royale Daemons y la histórica banda punk Bl'ast. Castillo también se ha unido a la banda de versiones de Black Sabbath liderada por Zakk Wylde, Zakk Sabbath.
Carrera musical
Nativo de Gardena, California, Castillo comenzó a tocar la batería a los 15 años, cuando su abuela le prestó dinero para comprar una batería. Su estilo está influenciado por War, Al Green, Led Zeppelin, los Rolling Stones y Black Flag. Inició su carrera como baterista uniéndose a la banda punk de Los Ángeles Wasted Youth en 1984. Después de grabar dos álbumes y varias giras, dejó Wasted Youth y se unió a Sugartooth en 1991. Durante el verano de 1994, formó una banda de punk rock de corta duración llamada Chronic Halitosis. Tocaban versiones punk de bandas como Misfits y Black Flag.
En 1994, Castillo dejó Sugartooth y se unió a Danzig, tras haber rechazado ofertas previas de Slayer y Suicidal Tendencies. En 1996, participó en el álbum solista de Robert Trujillo, y en 1998 se unió a Zilch. Reemplazó al baterista original de Goatsnake tras su partida en 2001, pero esto duró poco, ya que la banda se separó poco después. En 2001, hizo coros y tocó la batería en algunas canciones del álbum Songs From The Earth de Son of Sam.
Castillo se unió a Queens of the Stone Age sin audición, tocando la mitad de una canción (Avon) en un ensayo informal antes de que el líder Josh Homme saliera de la sala, regresara diciendo: "Acabo de despedir al baterista. La gira empieza mañana", y le ofreciera el puesto a Castillo. Castillo también tocó en el álbum en solitario de Mark Lanegan, Bubblegum, y en el segundo álbum de Eagles of Death Metal, Death by Sexy.
El 25 de junio de 2017, Castillo, junto con Trent Reznor, Mariqueen Maandig Reznor, Robin Finck, Atticus Ross y Alessandro Cortini aparecieron como "The Nine Inch Nails" en el episodio 8 de Twin Peaks: The Return en Showtime, interpretando una versión alternativa en vivo de la canción "She's Gone Away", que apareció previamente en el álbum de Nine Inch Nails de 2016, "Not the Actual Events".
En 2015, reemplazó a Jason Bonham en la gira del proyecto de Glenn Hughes, California Breed. Bonham renunció antes de la gira para unirse a Sammy Hagar y Hughes quería que la gira que acompañaba a Alter Bridge continuara según lo planeado.
Vida personal
Castillo posee dos baterías que pertenecieron a Chuck Biscuits y las considera sus posesiones más preciadas. Actualmente, Castillo reside en Silver Lake, California.
Equipo
Castillo actualmente usa Q Drums, pedales y hardware DW, platillos Zildjian, baquetas Vater y equipo LP. Castillo es famoso por su uso del LP Jam Block. El sonido del Jam Block aparece en solitario al comienzo del sencillo de Queens of the Stone Age "Little Sister" del álbum Lullabies to Paralyze, el primer álbum de estudio de Castillo con la banda. Sin embargo, antes de Sugartooth, se sabía que usaba baterías Tama, platillos Paiste y baquetas Easton. En 2015 cambió a Q Drums, cuyo catálogo también incluye a Ilan Rubin de NIN Angels y Airwaves, Hayden Scott que ha tocado con Awolnation y Filter y Brody Dalle.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con History’s Stranglers.
Paul Stephen Motian nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de marzo de 1931, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 2011. Baterista y compositor.
El maestro de la batería, Paul Motian, (Providence, 25 de marzo de 1931 – Nueva York, 22 de noviembre de 2011), debutó en 1949 en su localidad natal, Providence, como guitarrista y más tarde estudió la batería. Después de licenciarse en el ejército americano, en 1954, se trasladó a New York donde estudio en la «Manhattan School of Music». En 1956 obtuvo su primer contrato importante con el pianista, George Wallington y ese mismo año colaboró con Jerry Wald y Russell Jacquet.
En 1957 trabajó durante un año con el clarinetista, Tony Scott y al año siguiente, en 1958, colaboró con dos importantes músicos adscritos al movimiento jazzístico de la Costa Oeste: Lenny Tristano y Zoot Sims. A finales de 1959 conoció al pianista, Bill Evans, un hecho histórico en la historia del jazz y que supondría un giro espectacular en la carrera profesional de Motian. Bill Evans, tras escucharlo, lo invitó a formar parte de su histórico trío, junto al contrabajista, Scott LaFaro.
Tras de sí, Motian tenía ya en su haber grabaciones discográficas con George Russell; Eddie Costa; Don Elliot o Lee Konitz. Entre 1959, año en que se unió a Bill Evans, y 1963, año en que abandonó el trío tras la muerte del contrabajista, los tres dieron vida a una formación legendaria, única e irrepetible en la historia del jazz. En ese tiempo, Motian, LaFaro y Evans grabaron una serie de obras maestras del jazz imperecederas, destacando las grabaciones en el Village Vanguard de New York y el disco «Waltz for Debby» (Riverside 1961).Tras la disolución del trío, Motian colabora con el pianista, Paul Bley y su esposa Carla con quien fundó en 1968 la «Jazz Composer’s Orchestra Association» (JCOA), un organismo gestionado por los propios músicos y de donde salieron grandes proyectos musicales, entre otros el extraordinario disco «Escalator Over the Hill».
Entre 1969 y 1979, Paul Motian colaboró estrechamente con el pianista, Keith Jarrett, otro músico extraordinario del jazz moderno. En el trío de Jarrett, estaba otro magnifico contrabajista, Charlie Haden quien utilizo al baterista para otro extraordinario proyecto jazzístico liderado por Haden y al que denominó: «La Liberation Music Orchestra», uno de los más sólidos pilares de la improvisación jazzística de nuestros tiempos. Tras dejar a Jarrett y a Haden, Paul Motian inició su carrera profesional como solista, colaborando con infinidad de músicos, grabaciones y conciertos.
En su etapa contemporánea, y ya superados los setenta años, Paul Motian ha venido a España en varias ocasiones y al frente de distintas formaciones, como cuando se presentó al frente de su «Electric Be Bop Band» (E.B.B.B.) en Madrid en el 2001, o en San Sebastián, el 29 de mayo de 2002 con la International Sextet, formación conformada por dos saxofonistas, dos guitarristas eléctricos, un bajista y el propio Paul Motian a la batería. Motian, es, por tanto, uno de los grandes músicos de jazz de todos los tiempos. Nada acomodaticio, asumiendo riesgos, siempre a la vanguardia de la música de jazz y sabiendo estar, a sus setenta y cuatro años, en primera línea.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Brilliant Corners. Paul Motian & The Electric Bebop Band. Paul Motian en batería; Jakob Bro y Steve Cardenas, en guitarra; Chris Cheeck y Tony Malaby, en saxo; y Anders Christensen, en bajo.
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