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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Alfred Jesse Smith, más conocido como Brenton Wood, nació en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, el 26 de julio de 1941, y murió en Moreno Valley, California, Estados Unidos, el 3 de enero de 2025. Cantante, compositor y tecladista.
Alfred Jesse Smith nació el 26 de julio de 1941 en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, y falleció el 3 de enero de 2025 en California. Conocido profesionalmente como Brenton Wood, fue un cantante y compositor de R&B con tres sencillos de éxito en 1967, «The Oogum Boogum Song», «Gimme Little Sign» y «Baby You Got It». Continuó grabando y actuando hasta el año pasado 2024.
Su familia se mudó a San Pedro en Los Ángeles, California, cuando Wood era un niño. Asistió a la escuela secundaria de San Pedro antes de mudarse a Compton, donde Brenton se convirtió en miembro del equipo de atletismo de la escuela secundaria de Compton y recibió varios premios por sus logros deportivos. Tras graduarse en la escuela secundaria, se inscribió en el East Los Angeles College. Poco después, adoptó el nombre artístico de Brenton Wood, probablemente inspirado por el barrio de Brentwood en Los Ángeles. Motivado por Jesse Belvin y Sam Cooke, comenzó a componer canciones convirtiéndose también en un pianista competente.
Los primeros sencillos con Brent Records y Wand Records no llegaron a las listas. Wood firmó con Double Shot Records, y su canción «The Oogum Boogum Song» alcanzó el puesto número 19 en la lista Billboard R&B de EE. UU. y el número 34 en el Billboard Hot 100 en la primavera de 1967. En el sur de California, «The Oogum Boogum Song» llegó al top 10 en la KGB-FM y al número 1 en la KHJ. Su mayor éxito llegó unos meses después cuando «Gimme Little Sign» alcanzó el número 9 en la lista de pop, el número 19 en las listas de R&B, el número 2 en KHJ y el número 8 en la lista de singles del Reino Unido. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. El título en realidad no se canta en la canción. El estribillo repite «Give Me Some Kind of Sign». Con «Baby You Got It» (1967) Wood alcanzó el puesto número 34 en el Hot 100 durante la última semana de 1967 y el número 3 en KHJ el 31 de enero de 1968. Le acompañaban la banda de Kent and The Candidates, con sede en Los Ángeles, que estaba liderada por el baterista Kent Sprague. También grabaron varios sencillos para el sello Double Shot.
En 1972, Wood formó su propio sello discográfico y publicó, coprodujo y coescribió el clásico del funk soul «Sticky Boom Boom [Too Cold] Part I and II» con George Semper (coproductor, arreglista) y Al McKay (coautor, intérprete) de Earth, Wind & Fire. Wood grabó un dueto con Shirley Goodman. Además, grabó el sencillo «Rainin’ Love (You Gotta Feel It)», que se publicó en Midget M-101 en 1975. Su siguiente canción en solitario en llegar a las listas fue «Come Softly to Me» en 1977.
Wood regresó en 1986 con el álbum “Out of the Woodwork” que incluía regrabaciones de sus primeros éxitos, junto con varias pistas nuevas, incluido el sencillo «Soothe Me». En 2001 sacó el disco “This Love Is for Real”. En 2014 colaboró con William Pilgrim & The All Grows Up para sacar una nueva versión de la canción «Gimme Little Sign» en su álbum, “Epic Endings”. Ya en 2024, Brenton anunció su gira de despedida “Catch You On The Rebound: The Last Tour” que tuvo que detenerse cuando fue hospitalizado en mayo del año pasado. Rodeado de familiares y amigos, murió en su casa de Moreno Valley, California, el 3 de enero de 2025, a la edad de 83 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Baby You Got It y I'm The One Who Knows.
Johnnie Clyde Johnson nació en Fairmont, Virginia Oeste, Estados Unidos, el 8 de julio de 1924, y murió en San Luis, Misuri, Estados Unidos, el 13 de abril de 2005. Pianista, compositor y cantante.
Johnnie Johnson falleció el 13 de abril de 2005, a los 80 años. Muchos lo consideraban uno de los mejores pianistas de blues y boogie-woogie del mundo. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2001.
Johnnie tocó y grabó con grandes figuras de la música como Chuck Berry, Eric Clapton, The Rolling Stones, Bonnie Raitt, The Grateful Dead, Bruce Hornsby, Robert Cray, The Kentucky Headhunters, Aerosmith, John Sebastian, Johnny Rivers, Styx y muchos más. Juntos, Johnnie y Chuck Berry compusieron y grabaron grandes clásicos como "Maybelline", "School Day", "Roll Over Beethoven", "Sweet Little 16", "Rock & Roll Music" y, por supuesto, "Johnnie B. Goode". Escucha todas esas canciones y oirás el inconfundible ritmo de Johnnie y sus potentes tresillos con la mano derecha. Johnnie y Chuck Berry ayudaron a inventar el rock and roll y a definir cómo se tocaría durante generaciones.
Johnnie fue un gran amigo mío y de mi banda, Butch Wax & The Hollywoods. Era un caballero humilde y sencillo que amaba a su familia, a sus equipos deportivos de St. Louis y le encantaba tocar música. Fue uno de los grandes del blues y uno de los padres fundadores del rock and roll. Siempre era un placer para todos nosotros en Butch Wax tener a Johnnie tocando con nosotros.
Johnnie nos dio una última sorpresa cuando apareció el 8 de abril de 2005 para tocar con nosotros en el partido inaugural de los Cardenales de San Luis. Era el quinto año consecutivo que Johnnie tocaba con nosotros en el partido inaugural. Era un día precioso en San Luis y miles de aficionados vestidos de rojo cardenal estaban allí, llenos de energía. Estábamos tocando nuestra segunda o tercera canción, miré a la derecha del escenario y allí estaba Johnnie sonriéndome y meciéndose al ritmo de la música, haciéndome saber que estaba allí, como tantas veces antes.
¡Jamás olvidaré ese día! Les indiqué a los chicos que siguieran tocando, bajé corriendo del escenario y le di a Johnnie un abrazo largo y fuerte. Le dije lo mucho que me alegraba verlo y cuánto lo quería. Le pregunté si quería unirse a nosotros y me dijo: "¡Claro que sí!". Lo presentamos, como siempre, con la canción "If You Want a Good Woman" de uno de sus primeros discos. Yo siempre les hablaba a los fans de él con mucho entusiasmo y terminaba mi presentación diciendo: "¡Reciban con un fuerte aplauso al miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll, Johnnie Johnson!". Entonces Bob comenzaba la introducción con la guitarra, nota por nota, ¡igual que en el disco!
Johnnie subía al escenario sonriendo y se colocaba detrás de mi piano mientras yo me hacía a un lado, y la banda se acoplaba al inconfundible ritmo de Johnnie. Ese día, en The Opener, tocó cinco o seis canciones y luego se sentó a un lado del escenario. Un poco más tarde, me hizo una seña para que volviera a subir y tocar un poco más. Terminamos el concierto con Johnnie interpretando "Stagger Lee" y "Kansas City", dos de sus favoritas. Fue la última aparición pública de Johnnie tocando música. Tan solo cinco días después, recibí una llamada telefónica informándome de que Johnnie Johnson había fallecido.
Johnnie tocó con Butch Wax & The Hollywoods en todas nuestras canciones deportivas, incluyendo “Gotta Go to Work”, “Pennant Fever” y “Let's Go Blues”. También participó en 10 canciones de varios CD de Butch Wax que lanzamos. A lo largo de los años, Johnnie se unió a Butch Wax & The Hollywoods en el escenario 101 veces, ¡además de varias sesiones de grabación que hicimos juntos! Fue emocionante tocar música con él y simplemente estar cerca de Johnnie. Disfrutaba mucho tocando con nosotros en los partidos de los Rams y los Cardinals, y asistió a la mayoría de ellos en los últimos 4 o 5 años de su vida.
En 2003, todos trabajamos con Johnnie y Johnny Rivers, Bonnie Raitt, Bruce Hornsby y John Sebastian en un CD de Johnnie Johnson con 12 canciones. Pat St. John, miembro del Salón de la Fama de la Radio, visitó St. Louis y entrevistó a Johnnie en el estudio. Esta entrevista, una de las últimas que Johnnie concedió, se incluyó en el CD que lo acompaña. El CD, titulado "I'm Just Johnnie", también contiene algunas de las últimas grabaciones de Johnnie. Johnnie tenía 80 años cuando grabamos estas canciones, e incluso a esa edad, tocaba el piano de forma maravillosa en estas grabaciones.
Otra de las pasiones de Johnnie era la pesca, y le encantaba venir a mi casa en el campo para que pescáramos juntos en mi lago. Esos momentos siempre fueron especiales y los atesoro. Yo iba a St. Louis a recogerlo temprano por la mañana y volvíamos a casa en coche. De camino al campo, teníamos nuestra pequeña rutina. Pasábamos por la tienda de cebos de Kelly en St. Charles para comprar gusanos y provisiones, y luego, durante el trayecto, parábamos en la gasolinera 76 Truck Stop en Foristell. Nos abastecíamos de comida y provisiones para llevar y luego seguíamos hacia el oeste hasta llegar a casa.
Cuando llegábamos a mi casa y divisaba el lago, Johnnie me decía: «Este es nuestro pedacito de cielo». Pescábamos todo el día y luego lo llevaba de vuelta a casa. Era como pasar un día con mi abuelo, y nos divertíamos muchísimo. A veces, simplemente nos sentábamos a escuchar a los pájaros y a disfrutar de los sonidos de la naturaleza mientras pescábamos juntos. Otras veces, Johnnie me contaba historias maravillosas sobre su vida y recuerdos de sus inicios en la música.
Le gustaba llamar a su esposa Frances desde su celular cuando estábamos pescando y decirle: «¡Calienta la sartén y la grasa, tenemos un montón de peces!». Claro que hubo algunas veces en que no pescamos nada. Frances nunca nos dejó olvidar esos momentos. Un día cálido, mientras estábamos en el lago, con los pájaros cantando y los peces picando, Johnnie me dijo: «Esto es casi tan bueno como tocar blues en sol». ¡Qué gran frase! ¡Todos saben que Johnnie era un maestro del blues y no hay nadie mejor!
Escucha a Johnnie en “Almost Grown” y “Wee Wee Hours” de la película ¡Hail! ¡Hail! Rock & Roll. Ambas canciones están en Sol y Johnnie simplemente se luce en ellas. Eric Clapton le da ese solo en “Wee Wee Hours” y se aparta sonriendo con deleite mientras Johnnie añade sus característicos toques de piano y el público estalla en aplausos. ¡Ese fue Johnnie en su mejor momento!
Johnnie disfrutaba tanto de esos viajes de pesca a mi casa que incluso habló de ello cuando le rindieron homenaje en el Salón de la Fama del Rock & Roll en Cleveland en el año 2000. Estaban filmando su concierto allí y un moderador le hacía preguntas entre canción y canción. Johnnie continuó hablando de cuando tocaba con Butch Wax & The Hollywoods en St. Louis y de nuestros viajes de pesca a mi casa de campo. Yo estaba entre el público y fue muy emotivo oírle decir esas cosas.
Compartimos historias y momentos inolvidables durante esas salidas de pesca, y también pescamos algunos peces magníficos. Johnnie era un gran pescador, y yo solía llamarlo un "maestro del lanzamiento". Tenía una técnica peculiar al lanzar la caña. Daba vueltas a la lombriz y al plomo un par de veces (casi como un vaquero con un lazo) y luego, con un movimiento sutil, la lanzaba al agua y la atrapaba con precisión, ¡justo donde apuntaba! Solía decirle que debería grabar un video tutorial. ¡Qué buenos recuerdos!
Johnnie Johnson fue una persona especial, sin duda única, y todos nos sentimos afortunados de haberlo conocido. Dejó huella en muchas vidas, y su música y su espíritu perdurarán en todos nosotros.
Delloreese Patricia Early, más conocida como Della Reese, nació en Black Bottom, Detroit, Estados Unidos, el 6 de julio de 1931, y murió en Encino, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 20 de noviembre de 2017. Cantante y actriz.
El sitio www.blackpast.org publicó este recordatorio firmado por Natalie Fitzgerald.
Della Reese (1931-2017)
28 de octubre de 2018 / Contribución de: Natalie Fitzgerald
Della Reese, cuyo nombre de nacimiento era Delloresse Patricia Early, nació el 6 de julio de 1931 en el barrio Black Bottom de Detroit, Michigan, y es conocida principalmente por su trabajo como cantante de blues y gospel, ministra y, posteriormente, como actriz.
Reese nació de Richard Thaddeus Early, un trabajador siderúrgico afroamericano, y Nellie Mitchelle Early, una cocinera cherokee. Nellie había tenido hijos antes que Reese, pero ninguno vivió con ellos, por lo que Reese fue criada como hija única. A los seis años, Reese comenzó su carrera como cantante de góspel, cantando en la iglesia. A los trece, fue contratada para cantar con el grupo de góspel de Mahalia Jackson, con quienes realizó giras mientras asistía a la escuela secundaria técnica Cass. Reese fue la primera de su familia en graduarse de la escuela secundaria, a los quince años.
Tras terminar el instituto, Reese asistió a la Universidad Estatal de Wayne y formó su propio grupo de música góspel, los Meditation Singers. Cuando su madre falleció en 1949, Reese dejó los estudios para ayudar a mantener a su padre enfermo. Sin embargo, cuando él empezó a tener una nueva novia ese mismo año, Reese se mudó. Entonces empezó a trabajar en empleos ocasionales y a actuar en clubes. Durante este tiempo, acortó su nombre de Delloresse Early a Della Reese.
La gran oportunidad de Reese en la música llegó cuando ganó un concurso que le permitió cantar en el famoso Flame Show Bar de Detroit. El premio era una actuación de una semana en el club, pero Reese demostró ser muy popular y cantó allí durante ocho semanas. Un representante la vio cantar allí, y entonces se mudó a Nueva York, donde se convirtió en vocalista de la Orquesta Hawkins. En 1953, firmó un contrato discográfico con Jubilee Records, con quienes grabó seis álbumes. Aunque sus mayores éxitos llegaron en las décadas de 1950 y 1960, continuó haciendo música hasta finales del siglo XX. En 2017, Reese fue incluida en el Salón de la Fama del Rhythm and Blues.
En 1968, Reese debutó como actriz de televisión en la serie policial The Mod Squad. En 1969, comenzó a centrarse en su carrera como actriz. En ocasiones, sustituía a Johnny Carson como presentadora de The Tonight Show, convirtiéndose así en la primera mujer negra en presentar un programa de entrevistas de variedades a nivel nacional. Reese intentó tener su propio programa de entrevistas, Della, pero fue cancelado tras 197 episodios, emitiéndose solo desde junio de 1969 hasta marzo de 1970. Posteriormente, protagonizó películas y series de televisión durante el resto de su vida, destacando su participación en la película Harlem Nights (1989) y la serie de televisión de CBS Touched by an Angel (1994-2003).
Reese contrajo matrimonio en varias ocasiones. En 1951, se casó con Vermont Taliaferro, de quien se divorció en 1958. En 1959, contrajo segundas nupcias con Leroy Gray, de quien se divorció nuevamente en 1961. Ese mismo año, contrajo matrimonio con Mercer Ellington, pero la unión fue anulada. Sin embargo, en 1983, se casó con Franklin Thomas Lett Jr., con quien permaneció casada hasta su fallecimiento. Della Reese falleció el 19 de noviembre de 2017 en su domicilio de Los Ángeles, California. No se ha revelado la causa de su muerte, ocurrida a los 86 años.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Good Morning Blues. Della Reese y B.B. King.
Leslie Jonhson, más conocido como Lazy Lester, nació en Torras, Luisiana, Estados Unidos, el 20 de junio de 1933, y murió en Paradise, California, el 22 de agosto de 2018. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba percusión, guitarra, bajo y armónica.
Leslie Jonhson, más conocido como Lazy Lester, vino a parar a este mundo el 20 de junio de 1933 en Torras, Louisiana. De orígenes humildes, tuvo que trabajar desde muy temprana edad mientras se convertía en músico de blues acompañando a viejos maestros del género como Slim Harpo, Lightnin ‘Hopkins y Katie Webster. Su suerte comenzó a cambiar el día que se sentó en un autobús junto al bluesman Lightnin’ Slim, que se dirigía a realizar una sesión de grabación de Excello. Por fortuna para Lester el músico que debía tocar la armónica no se presentó y éste le sustituyó con tanta eficacia que el productor de la discográfica al productor, Jay Miller, decidió grabar a Lester como solista y además aprovecha su talento a grabar a Lester como solista y también a usar su talento como multi instrumentista en la percusión, la guitarra, el bajo y la armónica en sesiones de grabación de numerosos bluesmen, especialmente de Slim Harpo.
Fue Miller quién le apodó Lazy (perezoso), según parece a causa del estilo lacónico y relajado de Lester, que se convirtió en un consumado cantante y armonicista de swamp blues, además de escribir magníficos temas como «I’m a Lover Not a Fighter», «I Hear You». Knockin‘ o «Sugar Coated Love», que acabaron haciéndose famosas en la voz de diversas estrellas del blues, el rock o el country, como Dave Edmunds, The Kinks, The Fabulous Thunderbirds, Raful Neal o Freddy Fender. Lo malo fue que casi todo el dinero que generaron los derechos de esos temas fue a parar al bolsillo del Jay Miller, lo que llevó a Lester a abandonar el negocio musical, cabreado, engañado y decepcionado.
A pesar de alguna actuación esporádica en los años 70, como un concierto con Lightnin’ Slim en la Universidad de Chicago. Lester permaneció durante un par de décadas en Louisiana, alejada profesionalmente de la música, hasta que el historiador musical, Fred Reif logró convencerlo para regresar a los escenarios a finales de los años 80, cuando comenzó además a grabar de nuevo con músicos Gene Taylor, Kenny Neal, Lucky Peterson, Sue Foley o Jimmie Vaughan. También fue el inicio de sus giras por Europa, que se han mantenido hasta los últimos días de su vida, en los que uno de los países que más visitó fue España, gracias en gran medida a los buenos oficios de Emilio y Carlos Arsuaga, que con Álvaro Bouso, César Crespo e Ignacio Mendivil, se convirtieron en los Lazy Boots, su banda de acompañamiento y organizadores de sus giras por el país.
En el año Lazy Lester 2003 participó junto a BB King, Solomon Burke, Clarence «Gatemouth» Brown, Buddy Guy, Levon Helm, Chuck D, los hermanos Neville, Dr. John, John Fogerty y Aerosmith en el concierto de homenaje que organizó Martin Scorsese y que acabó convertido en un documental y un disco titulado Lightning in a Bottle, que es, junto a sus otros 15 discos, la mejor herencia que nos deja tras su muerte en su casa de California.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con I´m a Lover Not a Fighter y They Call Me Lazy.
Norberto Aníbal Napolitano, más conocido como Pappo, nació en Buenos Aires, Argentina, el 10 de marzo de 1950, y murió en Luján, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 24 de febrero de 2005. Músico, tocaba guitarra, bajo, piano y armónica, cantante, compositor y actor.
Premio Konex 2005: Solista Masculino de Rock / Post Mortem
Premio Konex 1995: Instrumentista / Conjunto de Rock
Premio Konex 1985: Instrumentista / Conjunto de Rock
Nació el 10/03/1950. Premio Konex 2005. 1995 y 1985. Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada (PK), en Los Gatos, Manal (PK) y La Pesada del Rock and Roll. En 1970 formó Pappo’s Blues, con David Lebón y Black Amaya, con quienes tocó hasta 1980 y grabó 7 discos. En 1981 formó Riff, con quienes grabó 7 álbumes de estudio, como Ruedas de Metal y Macadam… 3, 2, 1, 0 (1981), Contenidos (1982), VII (1985), Zona de Nadie (1992), Que sea rock (1997) y otros tantos en vivo. Con ambas bandas tocaría en forma simultánea. También actuó como solista grabando 6 álbumes y con Aeroblus, con quienes editó 3 discos. Tocó con grandes del blues y del rock internacional como John Bonham, de Led Zeppelin; Lemmy, de Mötorhead y B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994. Falleció el 25/02/2005.
Biografía ampliada
Norberto "Pappo" Napolitano (10/03/1950 - 25/02/2005) fue el guitarrista de blues más importante del rock argentino. Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada y también en Los Gatos (con quienes grabó dos discos). Participó en Conexión Nº5, en La Pesada del Rock and Roll y fugazmente en Manal. En 1970 formó su primera banda, Pappo´s Blues, con David Lebón y Black Amaya. Esta agrupación perduraría hasta 1980 y registraría 7 discos en total, aunque la alineación cambiaría en varias oportunidades.
Con Alejandro Medina y Junior Castello armó Aeroblus, una efímera experiencia grupal tras la disolución de Pappo´s Blues, que no prosperaría justamente, por los reencuentros de este grupo.
Pappo viajó constantemente por Europa y Estados Unidos, para mantenerse en contacto directo con las bandas del género y para conocer de cerca las nuevas tendencias. Una de sus giras más importantes fue tras la disolución de Aeroblus, en 1978, acompañando durante seis meses a Peter Green. También tocó con el bajista Lemmy Kilmister, en la banda que luego se conocería como Motörhead. De regreso en Buenos Aires formaría Riff, su siguiente agrupación. Acompañado por Michel Peyronel, Héctor "Boff" Serafine y Juan García Haymmes, este grupo grabaría cinco LPs y es considerado como el principal responsable del auge del rock and roll en la Argentina en la década de los ´80.
En 1984 decidió comenzar su carrera solista. Para ello se presentó en Obras junto al grupo Boxer, donde se grabó un álbum doble bautizado "En Concierto". Inesperadamente, no recibió el mismo apoyo del público que con su banda, por lo cual se unió nuevamente a Vitico para la continuación de Riff.
Tras grabar y presentar "Pacto diabólico" (1987), Pappo se instaló en Los Angeles y formó una nueva banda, bautizada The Widow Maker ("el hacedor de viudas"). Con ella realizó una mini gira por América del Sur y por 24 ciudades de Estados Unidos.
Con la participación de Javier Martínez y Alejandro Medina (dos tercios de Manal) grabó "Blues Local" (1992), un celebradísimo LP que resucita el tema "Una casa con diez pinos". Su banda estaba integrada por Black Amaya (batería), Miguel Botafogo (guitarra), Luis Robinson (armónica) y Pato Frasca (teclados). La presentación del disco tuvo lugar en Racing. Para fines de año toca junto a B.B.King en Obras y luego telonea a los Guns N´Roses en River. A mediados de 1994, Pappo gira nuevamente por Estados Unidos y se presenta por segunda vez con B.B.King, en el Madison Square Garden de New York. Parte de esa gira es editada en "Pappo sigue vivo". En 1995 retornó con Pappo´s Blues, al presentar "Caso cerrado". Siguió tocando con la banda esporádicamente y grabó “El auto rojo” en 1999, su último disco oficial con dicha banda.
Mientras tanto en los ’90 además de sus proyectos solistas y Pappo’s Blues, siguió tocando con Riff, con quien grabaron un disco en vivo “En La Plata” en 1996 y “Que sea Rock” en 1997, otra joya del rock nacional. En 2005 sacaron un DVD doble llamado “Riff, la Historia vol. 1 y 2”. Pappó obtuvo 3 veces el Premio Konex en 1985, 1995 Y 2005.
Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad bonaerense de Luján como consecuencia de un accidente de tránsito. Sus restos fueron despedidos al día siguiente en el panteón de músicos de SADAIC en el cementerio de la Chacarita (Capital Federal, Argentina) por sus seres queridos y por una multitud de fanáticos que no cesó de corear sus canciones y su nombre.
En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires se ha levantado un monumento a su memoria, situado en la plazoleta Roque Sáenz Peña (Juan B. Justo, Boyacá, Remedios de Escalada de San Martín y Andrés Lamas). La radio FM Rock & Pop inauguró un estudio que lleva su nombre.
Discografía
Con Los Abuelos De La Nada
La Estación, 1968
Con Los Gatos
Beat Nº1, 1969
Rock de la mujer perdida, 1970
Solista
Pappo en concierto, 1984
Widow Maker, 1989
Blues Local, 1992
Pappo & Deacon Jones, 1993
Pappo sigue vivo, 1994
Pappo y amigos, 2000
Buscando un amor, 2003
Pappo's Blues
Pappo's Blues Volumen 1, 1971
Pappo's Blues Volumen 2, 1972
Pappo's Blues Volumen 3, 1973
Pappo's Blues Volumen 5, Triángulo, 1974
Pappo's Blues Volumen 4, 1974
Pappo's Blues Volumen 6, 1975
Pappo's Blues Volumen 7, 1978
Hombre suburbano, 1994
Pappo's Blues Volumen 8, Caso cerrado, 1995
El auto rojo, 1999
Aeroblus
Aeroblus, 1977
Riff
Ruedas de metal, 1981
Macadam 3...2...1...0, 1981
Contenidos, 1982
En acción, 1983 (en vivo)
Épico, 1984 (recopilación)
VII, 1985
En vivo en Obras, 1995 (en vivo)
Riff'n Roll, 1986 (en vivo)
Palladium 86, 1996 (en vivo)
Zona de nadie, 1992
En La Plata, 1996 (en vivo)
Que sea rock, 1997
La Historia vol. 1 y 2, 2005 (DVD)
Hoy No Es Hoy
Esto fue un proyecto iniciado por Pappo hacia mediados de la década de 1980, orientado hacia el Heavy Metal Tradicional. Plan Diabólico, 1987
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Rock And Roll Y Fiebre.
Eunice Kathleen Waymon, más conocida como Nina Simone, nació en Tryon, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 21 de febrero de 1933, y murió en Carry-le-Rouet, Francia, el 21 de abril de 2003. Cantante, compositora y pianista.
El deber de un artista es reflejar los tiempos... Te diré lo que La libertad para mí es: Sin miedo.
Fue uno de los artistas más extraordinarios del siglo XX, un ícono de la música estadounidense. Ella fue una consumada narradora musical, una griot, como llegaría a descubrir, que utilizó su extraordinario talento para crear un legado de liberación, empoderamiento, pasión y amor a través de una magnífica obra. Se ganó el apodo de «Suma Sacerdotisa del Soul» por su capacidad para tejer un hechizo tan seductor e hipnótico que el oyente perdía la noción del tiempo y el espacio al sumergirse en el momento. Fue a quien el mundo conocería como Nina Simone.
Cuando Nina Simone falleció el 21 de abril de 2003, dejó un tesoro intemporal de magia musical que abarca más de cuatro décadas, desde su primer éxito, el clásico del Top 10 de 1959, "I Loves You Porgy", hasta "A Single Woman", el tema que da título a su único álbum Elektra de 1993. Aunque treinta y tres años separan estas grabaciones, la sincera emoción es el pegamento que las une; es ese enfoque en cada obra lo que se convirtió en el sello musical inquebrantable de Nina.
Al final de su vida, Nina disfrutaba de un reconocimiento sin precedentes. Su música era disfrutada por las masas gracias a la revolución del CD, su descubrimiento en internet y su difusión a través del cine y la televisión. Nina había vendido más de un millón de CD en su última década, convirtiéndose en un éxito de ventas a nivel mundial.
Ningún sitio web puede explorar por completo los múltiples matices y matices que conformaron los más de 40 álbumes originales de Nina Simone. Este sitio contiene la mayoría de sus mejores obras y menciones en la prensa. Sin embargo, quizá no hubiéramos tenido la oportunidad de presenciar la impresionante variedad de material que Nina pudo abarcar si no hubiera tomado el camino que tomó.
Nacida Eunice Kathleen Waymon en Tryon, Carolina del Norte, el 21 de febrero de 1933, el prodigioso talento musical de Nina se hizo evidente desde muy joven, cuando empezó a tocar el piano de oído a los tres años. Su madre, ministra metodista, y su padre, manitas y predicador, no podían ignorar el don musical que Dios le había dado a la joven Eunice.
Criada en la iglesia, en el buen camino, sus padres le enseñaron a distinguir el bien del mal, a comportarse con dignidad y a trabajar duro. Tocaba el piano, pero no cantaba, en la iglesia de su madre, mostrando un talento extraordinario desde muy joven.
Capaz de tocar prácticamente cualquier instrumento de oído, pronto estudió música clásica con una inglesa llamada Muriel Mazzanovich, quien se había mudado a la pequeña ciudad sureña. Fue a partir de estas humildes raíces que Eunice desarrolló una pasión que perduró por Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms, Beethoven y Schubert.
Después de graduarse como la mejor estudiante de su clase de la escuela secundaria, la comunidad recaudó dinero para una beca para que Eunice estudiara en Julliard en la ciudad de Nueva York antes de postularse al prestigioso Instituto de Música Curtis en Filadelfia.
Su familia ya se había mudado a la Ciudad del Amor Fraternal, pero las esperanzas de Eunice de una carrera como pianista clásica afroamericana pionera se vieron frustradas cuando la escuela le negó la admisión.
Hasta el final, ella misma afirmaría que el racismo fue la razón por la que no asistió. Aunque su sueño original no se cumplió, Eunice culminó con una increíble carrera internacional como Nina Simone.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con To Love Somebody, en vivo en Antibes, en 1969, y My baby just cares for me.
Alan Lomax nació en Austin, Texas, Estados Unidos, el 31 de enero de 1915, y murió en Safety Harbor, Pinellas, Florida, Estados Unidos, el 19 de julio de 2002. Antropólogo, músico, musicólogo, historiador, etnomusicólogo, fotógrafo, crítico musical, periodista y director de cine.
El musicólogo, escritor y productor Alan Lomax (nacido en Austin, Texas, 1915) dedicó más de seis décadas a promover el conocimiento y la apreciación de la música folclórica mundial. Comenzó su carrera en 1933 junto a su padre, el folclorista pionero John Avery Lomax, autor del exitoso Cowboy Songs and Other Frontier Ballads (1910). En 1934, ambos emprendieron una iniciativa para ampliar el acervo de música folclórica grabada del Archive of American Folk Song de la Biblioteca del Congreso (fundado en 1928), reuniendo miles de grabaciones de campo de músicos folclóricos de todo el sur, suroeste, medio oeste y noreste de Estados Unidos, así como de Haití y las Bahamas. Su colección dio lugar a varias antologías populares e influyentes de canciones folclóricas estadounidenses, entre ellas American Ballads and Folk Songs (Nueva York: Macmillan, 1934); Negro Folk Songs as Sung by Lead Belly (Nueva York: Macmillan, 1936), el primer estudio biográfico exhaustivo de un músico folclórico estadounidense; Our Singing Country (con Ruth Crawford Seeger) (Nueva York: Macmillian, 1941); y Folk Song USA (Nueva York: Duell, Sloan y Pierce 1947).
Después de completar una licenciatura en filosofía en la Universidad de Texas en 1936, Lomax realizó una investigación de campo en Haití con su esposa, Elizabeth Lyttleton Harold. Al año siguiente, Lomax fue nombrado Asistente a Cargo del Archivo de Canciones Folclóricas Estadounidenses. En 1939, mientras realizaba un trabajo de posgrado en antropología en la Universidad de Columbia, produjo la primera de varias series de radio para CBS. American Folk Songs, Wellsprings of Music y la serie de horario estelar, Back Where I Come From, expusieron al público nacional a la música regional estadounidense y a talentos locales como Woody Guthrie, Lead Belly, Aunt Molly Jackson, Josh White, el Golden Gate Quartet, Burl Ives y Pete Seeger. Lomax también se basó en el interés creado por sus libros, discos y transmisiones con series de conciertos como The Midnight Special en Town Hall, que trajo a los neoyorquinos de la década de 1940 el blues, el flamenco, el calipso y las baladas sureñas, todos géneros todavía relativamente desconocidos. “El objetivo principal de mi actividad”, comentó una vez Lomax, “era… poner la tecnología del sonido a disposición de The Folk, para brindar canales de comunicación a todo tipo de artistas y áreas”.[1]
Su experiencia entrevistando a Lead Belly animó a Lomax a explorar más a fondo el género de la biografía oral. Sus conversaciones con Jelly Roll Morton, grabadas en 1938 en el Auditorio Coolidge de la Biblioteca del Congreso, formaron la base de Mister Jelly Roll: The Fortunes of Jelly Roll Morton, New Orleans Creole and “Inventor of Jazz” (Nueva York: Duell, Sloan y Pearce, 1949), un relato notable que sigue de cerca la narrativa de Morton y que es esencial para cualquiera que desee comprender la historia del jazz (y que ha inspirado dos musicales de Broadway). El retrato histórico oral que Lomax hizo de “Nora” en The Rainbow Sign (Nueva York: Duell, Sloan y Pearce, 1959) se basó en las extensas entrevistas y grabaciones que realizó a la cantante folk de Alabama Vera Hall a finales de los años cuarenta. Blues in the Mississippi Night (1947), un álbum de música y debates sinceros de Memphis Slim, Big Bill Broonzy y Sonny Boy Williamson, sigue siendo un documento clásico de la historia social y musical afroamericana (fue reeditado por Rounder Records en 2002). «Cada vez que sacaba uno de esos grandes platos negros de cristal de su caja», escribió Lomax sobre el proceso de grabación, «sentía que se abría un momento mágico en el tiempo... Para mí, los discos negros girando en la noche de Mississippi, escupiendo la ficha centrípetamente hacia el centro de la mesa... anunciaron una nueva era en la escritura de la historia de la humanidad».[2]
Un viaje de campo conjunto realizado por la Biblioteca del Congreso y la Universidad Fisk en 1941 y 1942, y descrito en las memorias de Lomax de 1993, The Land Where the Blues Began, lo llevaron aún más profundamente al mundo musical y cultural del sur afroamericano. En la región montañosa de Mississippi, documentó estilos de música de pífano y tambor y de plumas (zampoñas), danzas que abrazan el suelo y canciones de hocketing que se habían mantenido notablemente cerca de sus raíces africanas. En el Delta entrevistó y realizó las primeras grabaciones del cantante y guitarrista de 29 años McKinley Morganfield, más tarde conocido como Muddy Waters. En 1947, por quinta vez, Lomax regresó a Mississippi con la primera grabadora portátil para hacer grabaciones de alta fidelidad de los servicios religiosos del Delta y de las canciones de trabajo de los prisioneros en Parchman Farm (la notoria penitenciaría estatal), que clasificó entre la gran música del mundo.
En la década de 1950, Lomax compiló y editó una serie de LP de 18 volúmenes para Columbia Records, que antologizaba la música folclórica mundial (un proyecto que anticipó varios años una serie similar de músicas del mundo de la UNESCO). Su colección y sus colaboraciones para este proyecto —con Diego Carpitella en Italia, Seamus Ennis en Irlanda, Peter Kennedy en Inglaterra y Hamish Henderson en Escocia— sentaron las bases para el resurgimiento de la canción folclórica en esos países. Lomax, Kennedy y sus colegas dieron a conocer la música folclórica británica y mundial a un gran número de oyentes a través de la radio y la televisión de la BBC.
Al regresar a Estados Unidos en 1958, Lomax emprendió dos largos viajes de campo más por el sur del país. Sus grabaciones estéreo de Southern Journey dieron lugar a diecinueve álbumes publicados por los sellos Atlantic y Prestige International a principios de la década de 1960. En 1962, realizó un extenso estudio de la música tradicional del Caribe Oriental, también en estéreo, bajo los auspicios de la Universidad de las Indias Occidentales. Junto con sus grabaciones haitianas y bahameñas de la década de 1930, y las grabaciones realizadas en Santo Domingo en 1967, el corpus caribeño de Lomax asciende a unas 150 horas de música, entrevistas y konts (canciones narrativas).
Durante este período, también publicó la innovadora antología Folk Songs of North America (Nueva York: Doubleday, 1960), que señaló su creciente interés en la relación entre el estilo y la cultura de las canciones folclóricas. Esta preocupación cada vez más profunda se convirtió en un programa masivo de investigación sobre el comportamiento expresivo que funcionó de 1961 a 1995, primero en la Universidad de Columbia y luego en el Hunter College. Lomax y sus colegas, incluidos el musicólogo Victor Grauer, el antropólogo Conrad Arensberg de la Universidad de Columbia, Irmgard Bartenieff y Forrestine Paulay del Laban Dance Notation Bureau, desarrollaron cantometría, coreometría y parlametría, metodologías para el análisis comparativo de la canción, la danza y el habla. Los resultados iniciales se publicaron en Folk Song Style and Culture (Washington, DC: American Association for the Advancement of Science, publicación n.º 88, 1968; reimpreso por Transaction Books, New Brunswick, NJ).
Durante las décadas de 1970 y 1980, Lomax publicó artículos en revistas, materiales didácticos y películas basados en su trabajo sobre el estilo expresivo. Cantometrics: An Approach to the Anthropology of Music, publicado por primera vez en 1976, representó un enfoque nuevo y democrático para el estudio de las músicas del mundo. Tres películas didácticas, Dance and Human History, Step Style y Palm Play, producidas en la década de 1970, introdujeron a los estudiantes en la coreometría. The Longest Trail (1986) combinó datos históricos y análisis del movimiento coreométrico para señalar las continuidades culturales entre los pueblos siberianos y los nativos norteamericanos y sudamericanos.
Como consultor de Carl Sagan para la colección de audio que acompañó a la sonda espacial Voyager en 1977, Lomax se aseguró de que la música del mundo llegara a las estrellas con el blues y el jazz de Blind Willie Johnson y Louis Armstrong; las flautas de pan andinas y los cantos navajos; el lamento de un minero de azufre siciliano; música vocal polifónica de los Mbuti de Zaire y los georgianos del Cáucaso, además de Bach, Mozart y Beethoven, y más.
A sus sesenta años, Lomax se embarcó en una última serie de viajes de campo al sur y suroeste de Estados Unidos, esta vez con un equipo de filmación e ideas de guiones para explorar varias culturas musicales regionales y étnicas estadounidenses fértiles. Esto dio como resultado American Patchwork, una premiada serie de televisión de cinco horas, que se emitió en PBS en 1990. También en 1990, Blues in the Mississippi Night se reeditó en Rykodisc, y Sounds of the South, un conjunto de cuatro CD de las grabaciones sureñas de Lomax de 1959, fue reeditado por Atlantic Records en 1993. La Colección Alan Lomax (1997-2007), una serie de CD que antologiza la carrera discográfica de seis décadas de Lomax, cuenta con más de cien volúmenes.
En 1989, en desarrollo de sus investigaciones previas sobre la conducta expresiva, Lomax y un equipo de desarrolladores comenzaron a compilar su proyecto más ambicioso, Global Jukebox, una base de datos multimedia interactiva que analiza las relaciones entre la danza, la canción y la organización social. Se inspiró en Urban Strain, un estudio de la década de 1980 sobre la música popular del siglo XX realizado con el músico de jazz Roswell Rudd y la etnóloga de la danza Forrestine Paulay. Lomax pretendía que Jukebox sirviera tanto como medio para la investigación científica sobre la conducta expresiva humana como herramienta para la educación en ciencias sociales, artes y humanidades. Con él, Lomax esperaba promover el concepto de equidad cultural, que Lomax entendía como la importancia de brindar a todas las culturas un foro válido en los medios de comunicación y en los programas educativos para la exhibición significativa de sus artes y valores.
Alan Lomax recibió la Medalla Nacional de las Artes del presidente Reagan en 1984; el Premio del Círculo Nacional de Críticos del Libro de No Ficción por "La Tierra Donde Comenzó el Blues" (1993); el Premio a la Trayectoria de la Folk Alliance (1995); un Doctorado Honoris Causa en Filosofía de la Universidad de Tulane (2001); y un Premio Grammy póstumo del Consejo Directivo en 2003. En 2000, fue declarado Leyenda Viva de la Biblioteca del Congreso. Se jubiló en 1996 para residir en Florida con su hija y su nieto, donde falleció el 19 de julio de 2002.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con You Got to Take Sick and Die, en la versión de Boyd Rivers, voz y guitarra, en su casa de Canton, Misisipi. Filmación realizada por Alan Lomax, John Bishop y Worth Long, como parte de la Serie American Patchwork, el 30 de agosto de 1978.
Jamesetta Hawkins, más conocida como Etta James, nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 25 de enero de 1938, y murió en Riverside, California, California, Estados Unidos, el 20 de enero de 2012. Cantante.
Etta James es una cantante ganadora del premio Grammy conocida por canciones exitosas como "I'd Rather Go Blind" y "At Last".
1938-2012
¿Quién fue Etta James?
Etta James fue una prodigio del gospel. En 1954, se mudó a Los Ángeles para grabar "The Wallflower". Para 1960, su carrera había comenzado a despegar, en gran parte gracias a canciones como "I'd Rather Go Blind" y "At Last". A pesar de sus continuos problemas con las drogas, recibió una nominación al Grammy por su álbum homónimo de 1973. En 2006, lanzó el álbum All the Way. James falleció en Riverside, California, el 20 de enero de 2012, y sigue siendo considerada una de las cantantes más dinámicas de la música.
Primeros años de vida
James nació como Jamesetta Hawkins el 25 de enero de 1938 en Los Ángeles, California, de una madre de 14 años, Dorothy Hawkins, quien animó la carrera musical de su hija. James diría más tarde: «Mi madre siempre me decía que, aunque una canción se haya interpretado mil veces, puedes aportarle algo propio. Me gustaría pensar que yo lo hice». James nunca conoció a su padre.
A los 5 años, James era conocida como una prodigio del gospel, alcanzando fama cantando en el coro de su iglesia y en la radio. A los 12, se mudó al norte, a San Francisco, donde formó un trío y pronto trabajó para el líder de la banda Johnny Otis. Cuatro años después, en 1954, se mudó a Los Ángeles para grabar "The Wallflower" (un título más suave para la entonces atrevida "Roll with Me Henry") con la banda de Otis. Fue ese año que la joven cantante se convirtió en Etta James (una versión abreviada de su nombre de pila) y su grupo vocal se apodó "The Peaches" (también el apodo de Etta). Poco después, James lanzó su carrera en solitario con éxitos como "Good Rockin' Daddy" en 1955.
Mitad de carrera
Tras firmar con Chess Records de Chicago en 1960, la carrera de James despegó. Entre sus éxitos más destacados se encontraban duetos con su entonces novio Harvey Fuqua, la conmovedora balada "All I Could Do Was Cry", "At Last" y "Trust in Me". Pero el talento de James no se limitaba a las baladas potentes. Sabía cómo hacer vibrar a la gente, y lo hizo con temas cargados de gospel como "Something's Got a Hold On Me" en 1962, "In The Basement" en 1966 y "I'd Rather Go Blind" en 1968.
James continuó trabajando con Chess durante la década de 1960 y principios de la de 1970. Lamentablemente, la adicción a la heroína afectó tanto su vida personal como profesional, pero a pesar de sus continuos problemas con las drogas, persistió en grabar nuevos álbumes. En 1967, James grabó con la banda de Muscle Shoals en los estudios Fame, y la colaboración dio como resultado el exitoso álbum Tell Mama.
El trabajo de James recibió elogios tanto de la crítica como de los fans, y su álbum de 1973, Etta James, recibió una nominación al Grammy, en parte por su creativa combinación de rock y funk. Tras finalizar su contrato con Chess en 1977, James firmó con Warner Brothers Records. Su aparición en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984 le valió una renovada popularidad. Álbumes posteriores, como Deep In The Night y Seven Year Itch, recibieron una gran aclamación de la crítica.
James fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993, antes de firmar un nuevo contrato de grabación con Private Records.
Carrera posterior
Con sugestivas payasadas sobre el escenario y una actitud atrevida, James continuó actuando y grabando hasta bien entrada la década de 1990. Siempre conmovedora, su extraordinaria voz se manifestó con gran impacto en sus recientes lanzamientos privados, incluyendo Blue Gardenia, que alcanzó la cima de la lista de jazz de Billboard. En 2003, James se sometió a una cirugía de bypass gástrico y perdió más de 90 kilos. La drástica pérdida de peso impactó en su voz, como declaró a la revista Ebony ese año. "Puedo cantar más bajo, más alto y más fuerte", explicó James.
Ese mismo año, James lanzó Let's Roll, que ganó el Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo. Sus hijos, Donto y Sametto James, fueron los productores de la grabación, junto con Josh Sklair. Este equipo se reagrupó para su siguiente trabajo, Blues to the Bone (2004), que le valió a James su tercer Grammy, esta vez al mejor álbum de blues tradicional.
En 2006, James lanzó el álbum All the Way, que incluía versiones de canciones de Prince, Marvin Gaye y James Brown. Al año siguiente, participó en un álbum tributo a la gran cantante de jazz Ella Fitzgerald, titulado We Love Ella.
Polémica con Beyoncé
La historia de los inicios de Chess Records se llevó a la gran pantalla con Cadillac Records en 2008, con la cantante Beyoncé Knowles interpretando a James en la película. Knowles también grabó su propia versión de la canción insignia de James, "At Last", para la banda sonora.
Aunque James apoyó públicamente la película, se dice que se molestó cuando Knowles cantó la canción en la ceremonia de investidura del presidente Barack Obama en enero de 2009. Supuestamente, James les dijo a los asistentes al concierto en Seattle en febrero que Knowles "no tenía por qué... cantar la canción que he cantado desde siempre". A pesar de la atención mediática que sus comentarios suscitaron, James no se inmutó por el incidente y continuó con su apretada agenda de actuaciones.
Años posteriores y muerte
Al cumplir los 70, James comenzó a tener problemas de salud. En 2010, fue hospitalizada por una infección sanguínea, entre otras dolencias. Posteriormente se reveló que la legendaria cantante padecía demencia y recibía tratamiento para la leucemia. Sus problemas médicos salieron a la luz en documentos judiciales presentados por su esposo, Artis Mills. Mills intentó obtener el control de un millón de dólares del patrimonio de James, pero fue impugnado por sus dos hijos, Donto y Sametto. Posteriormente, ambas partes llegaron a un acuerdo.
James lanzó su último álbum de estudio, The Dreamer, en noviembre de 2011, el cual recibió excelentes críticas. Unas semanas después, su médico anunció que la cantante tenía una enfermedad terminal. "Está en las últimas etapas de la leucemia. También le han diagnosticado demencia y hepatitis C", declaró la Dra. Elaine James (sin parentesco con la cantante) a un periódico local. Los hijos de James también reconocieron que la salud de Etta estaba empeorando y que recibía atención en su casa de Riverside, California.
James murió en su casa en Riverside, California, el 20 de enero de 2012. Hoy en día, sigue siendo considerada una de las cantantes más dinámicas de la música.
DATOS BREVES
Fecha de nacimiento: 25 de enero de 1938
Estado de nacimiento: California
Ciudad de nacimiento: Los Ángeles
País de nacimiento: Estados Unidos
Signo astrológico: Acuario
Fecha de fallecimiento: 20 de enero de 2012
Estado de la muerte: California
Ciudad de la Muerte: Riverside
CITAS
Mi madre siempre me decía que, aunque una canción se haya interpretado mil veces, aún puedes aportarle algo propio. Me gustaría pensar que yo lo hice.
Cuando actúo, estoy en otro lugar. Retrocedo en el tiempo y me conecto con quien realmente soy. Olvido mis problemas, mis preocupaciones.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con At Last y I'd Rather Go Blind con Doctor John.
Gerald Wexler, más conocido como Jerry Wexler, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 10 de enero de 1917, y murió en Sarasota, Florida, Estados Unidos, el 15 de agosto de 2008. Periodista, compositor y productor.
Jerry Wexler, nombrado por el cronista de la industria Bill Gavin como "Ejecutivo Discográfico del Año" durante tres años consecutivos, bien podría considerarse el hombre de los discos de la era moderna de la música contemporánea. Es posible que también haya disfrutado de la carrera más larga como productor discográfico en activo, habiendo contribuido al mercado discográfico internacional durante más de 30 años ininterrumpidos, con una intuición casi sobrenatural para el tipo de música que el mercado demanda en cada momento.
Nacido en la ciudad de Nueva York y autodescrito como un "jugador de stickball reformado que escapó a la alfabetización", la educación musical de Wexler comenzó temprano, a mediados de los años treinta, de hecho, cuando él y sus amigos comenzaron a pasar el rato en Harlem y en clubes de jazz como el legendario Nick's en Greenwich Village, "escuchando música y bebiendo cervezas hasta altas horas de la madrugada, a veces, hasta altas horas de la noche".
Después de ser dado de baja del ejército en 1946, Wexler perfeccionó aún más su conocimiento musical mientras asistía a la Universidad Estatal de Kansas, lo que le brindó la oportunidad de tomar descansos de su especialidad de "periodismo industrial" para ver apariciones de Big Joe Turner y Andy Kirk en la legendaria 12th Street de Kansas City.
Tras graduarse, fue contratado como escritor para la organización de derechos de ejecución Broadcast Music, Inc., y pronto pasó a Billboard, el periódico musical y comercial, como reportero y crítico discográfico. En 1951, por recomendación de Howard Richmond, Wexler aceptó un trabajo en la editorial musical Robbins, Feist y Miller, conocida entonces como los Tres Grandes.
Dos años más tarde, la joven Atlantic Records lo atrajo y se unió a la compañía en lo que se convirtió en una larga y productiva colaboración con el cofundador de la compañía, Ahmet Ertegun. Durante los 22 años siguientes, Wexler disfrutó de una extraordinaria carrera como productor discográfico y asesor de talentos con una amplia gama de artistas de renombre que representan prácticamente todos los matices de la música contemporánea.
Uno de los primeros proyectos que Wexler dirigió en Atlantic fue grabar al recién fichado Clyde McPhatter y a su grupo, The Drifters. Las sesiones se llevaron a cabo en las oficinas de Atlantic, por aquel entonces en la calle 56 Oeste de Nueva York. Como Wexler contó años después a un entrevistador de la revista Rolling Stone: «Durante el día, Ahmet (Ertegun) y yo compartíamos una oficina. Por la noche, colocábamos un escritorio encima del otro y Tom Dowd, el ingeniero, sacaba los micrófonos y las sillas plegables; ese era nuestro estudio».
Con este comienzo bastante sobrio, Wexler y Atlantic continuaron produciendo grabaciones con una lista de artistas que, desde la perspectiva actual, serían considerados prácticamente un quién es quién de la industria discográfica. Estos eran intérpretes que, con la siempre sabia ayuda de Wexler, harían historia en la música popular.
Entre las primeras personalidades, muchos artistas pertenecían a la categoría entonces conocida como música "racial". Wexler, durante su etapa en Billboard, rebautizó el género como "Rhythm and Blues", y en este grupo, además de McPhatter y The Drifters, se encontraban nombres como Ray Charles, Aretha Franklin, LaVern Baker, Wilson Pickett, Otis Redding, Sam and Dave, Joe Tex, Solomon Burke, Big Joe Turner, Ivory Joe Hunter, Ruth Brown, The Clovers, Chuck Willis, Carla Thomas y el peculiar Professor Longhair.
Además de estos artistas, básicamente orientados al soul, Wexler ha disfrutado de muchas otras asociaciones muy productivas. A través de un amigo en común, Doug Sahm (conocido entonces como Sir Douglas), conoció a Bob Dylan y finalmente produjo dos álbumes de Dylan, Saved y Slow Train Coming, para la CBS en Muscle Shoals, Alabama, un centro de grabación cuyo prestigio crecía rápidamente, gracias en gran medida al uso frecuente de las instalaciones por parte de Wexler. Wexler también ayudó a Dylan a conseguir su primer GRAMMY por el sencillo "You've Gotta Serve Somebody".
En un momento en que Willie Nelson acababa de salir de un sello discográfico, Wexler lo fichó por Atlantic, lo llevó a Muscle Shoals y produjo el LP Phases and Stages, un disco que mucha gente considera la obra maestra de Nelson, incluso hoy.
Durante la etapa de producción de Muscle Shoals, Wexler se asoció con American Studios en Memphis, dirigidos por el reconocido Chips Moman. Gracias a la ayuda de Wexler, Muscle Shoals Studios, Moman y, posteriormente, Criteria Studios en Miami, pudieron adquirir e instalar equipos de grabación y grabación multipista de última generación para sus estudios.
En el ámbito discográfico de Memphis, Wexler también desarrolló una estrecha relación con el sello discográfico Stax-Volt, lo que posteriormente llevó a la compañía al eje de distribución de Atlantic. Gracias a una asociación previa con Otis Redding, Wexler entabló amistad con el representante de Redding, Phil Walden, quien por entonces también representaba a Duane Allman. Wexler utilizó a Allman como acompañante destacado en muchas sesiones de grabación. Posteriormente, Wexler y Walden fundaron el sello Capricorn Records, distribuido por Atlantic. Una de las primeras estrellas de Capricorn fue la ahora legendaria Allman Brothers Band.
Wexler trabajó durante un tiempo en Warner Brothers Records como vicepresidente sénior, periodo durante el cual fichó a varias bandas importantes, entre ellas Dire Straits, The Gang of Four, The Roche Sisters y los B-52s. Posteriormente, Wexler amplió su alcance al cine y al teatro. Con los hermanos D'Lugoff, coprodujo el espectáculo itinerante de fB One Mo' Time y fue productor asociado del musical de Broadway Nine, de Raúl Julia. Su banda sonora para la ópera prima de Brooke Shield, Pretty Baby, de Louis Malle, fue nominada al Óscar.
El año pasado produjo, junto con su hijo Paul, la banda sonora de la película autobiográfica de Richard Pryor, Jo-Jo Dancer. En esa época, era supervisor musical del musical teatral Mr. Jelly Lord, protagonizado por Gregory Hines.
El 15 de enero de 1987, Wexler también fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Alabama y el 21 de enero, en la cena de inducción en el Waldorf, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en la categoría de Pionero de la Industria.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con You Make Me Feel Like A Natural Woman, en la interpretación de Aretha Franklin.
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