Alan Jay Lerner

Alan Jay Lerner nació en Nueva York, Estados Unidos, el 31 de agosto de 1918, y murió en su ciudad, el 14 de junio de 1986. Libretista, letrista y guionista.

El sitio www.academia-lab.com publicó este recordatorio.

Alan Jay Lerner

Alan Jay Lerner (31 de agosto de 1918 - 14 de junio de 1986) fue un letrista y libretista estadounidense. En colaboración con Frederick Loewe, y más tarde con Burton Lane, creó algunas de las obras de teatro musical más populares y duraderas del mundo, tanto para el escenario como para el cine. Lerner ganó tres premios Tony y tres premios de la Academia, entre otros honores.

Vida temprana y educación

Nacido en la ciudad de Nueva York, era hijo de Edith Adelson Lerner y Joseph Jay Lerner, cuyo hermano, Samuel Alexander Lerner, fue el fundador y propietario de Lerner Stores, una cadena de tiendas de ropa. Uno de los primos de Lerner era el comediante de radio y panelista de programas de televisión Henry Morgan. Lerner se educó en Bedales School en Inglaterra, The Choate School (ahora Choate Rosemary Hall) en Wallingford, Connecticut, (donde escribió 'The Choate Marching Song') y Harvard. Asistió tanto al Campamento Androscoggin como al Campamento Greylock. Tanto en Choate como en Harvard, Lerner fue compañero de clase de John F. Kennedy; en Choate habían trabajado juntos en el personal del anuario. Al igual que Cole Porter en Yale y Richard Rodgers en Columbia, su carrera en el teatro musical comenzó con sus contribuciones universitarias, en el caso de Lerner a los musicales anuales de Harvard Hasty Pudding. Durante los veranos de 1936 y 1937, Lerner estudió composición musical en Juilliard. Mientras asistía a Harvard, perdió la vista en su ojo izquierdo debido a un accidente en el ring de boxeo. En 1957, Lerner y Leonard Bernstein, otro de los compañeros de universidad de Lerner, colaboraron en 'Lonely Men of Harvard', un saludo irónico a su alma mater.

Carrera

Debido a su lesión en el ojo, Lerner no pudo servir en la Segunda Guerra Mundial. En cambio, escribió guiones de radio, incluido Your Hit Parade, hasta que le presentaron al compositor austriaco Frederick Loewe, que necesitaba un socio, en 1942 en el Lamb's Club. Estando en The Lamb's, también conoció a Lorenz Hart, con quien también colaboraría.

La primera colaboración de Lerner y Loewe fue una adaptación musical de la farsa de Barry Conners The Patsy llamada Life of the Party para una sociedad anónima de Detroit.. La letra fue escrita en su mayoría por Earle Crooker, pero había dejado el proyecto y la partitura necesitaba una gran mejora. Disfrutó de una presentación de nueve semanas y alentó al dúo a unir fuerzas con Arthur Pierson para What's Up?, que se estrenó en Broadway en 1943. Tuvo 63 funciones y fue seguida dos años más tarde por El día antes de la primavera.

Su primer éxito fue Brigadoon (1947), una fantasía romántica ambientada en un místico pueblo escocés, dirigida por Robert Lewis. Le siguió en 1951 la historia de la fiebre del oro Paint Your Wagon. Si bien el programa duró casi un año e incluyó canciones que luego se convirtieron en estándares del pop, tuvo menos éxito que el trabajo anterior de Lerner. Más tarde dijo de Paint Your Wagon que fue "un éxito, pero no un éxito".

Lerner trabajó con Kurt Weill en el musical Love Life (1948) y con Burton Lane en la película musical Royal Wedding (1951). En ese mismo año, Lerner también escribió el guión original ganador del Oscar para An American in Paris, producido por Arthur Freed y dirigido por Vincente Minnelli. Este fue el mismo equipo que luego se uniría con Lerner y Loewe para crear Gigi.

En 1956, Lerner y Loewe presentaron My Fair Lady. También en ese momento, Lerner y Burton Lane ya estaban trabajando en un musical sobre Li'l Abner. Gabriel Pascal poseía los derechos de Pygmalion, que no había tenido éxito con otros compositores que intentaron adaptarlo a un musical. Arthur Schwartz y Howard Dietz lo intentaron primero, y luego lo intentaron Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, pero se dieron por vencidos y Hammerstein le dijo a Lerner que 'Pygmalion no tenía una trama secundaria'. La adaptación de Lerner y Loewe de Pygmalion de George Bernard Shaw conservó su comentario social y agregó canciones apropiadas para los personajes de Henry Higgins y Eliza Doolittle, interpretados originalmente por Rex Harrison y Julie Andrews.. Estableció récords de taquilla en Nueva York y Londres. Cuando se llevó a la pantalla en 1964, la versión cinematográfica ganó ocho premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Actor para Rex Harrison.

La racha de éxitos de Lerner y Loewe continuó con su próximo proyecto, una adaptación cinematográfica de las historias de Colette, la película musical ganadora del Premio de la Academia Gigi, protagonizada por Leslie Caron, Louis Jourdan y Mauricio Caballero. La película ganó todas sus nueve nominaciones al Oscar, un récord en ese momento, y un Oscar especial para el coprotagonista Maurice Chevalier.

La sociedad Lerner-Loewe se resquebrajó bajo el estrés de producir el Arthurian Camelot en 1960, con Loewe resistiendo el deseo de Lerner de dirigir y escribir cuando el director original Moss Hart experimentó un corazón ataque en los últimos meses de ensayos y murió poco después del estreno del programa. Lerner fue hospitalizado con úlceras sangrantes mientras que Loewe seguía teniendo problemas cardíacos. No obstante, Camelot fue un éxito, e inmediatamente después del asesinato de John F. Kennedy, su viuda le dijo al reportero Theodore H. White que la administración de JFK le recordaba el "único resplandor breve" momento" de Lerner y Camelot de Loewe. A principios del siglo XXI, todavía se invocaba a Camelot para describir el idealismo, el romance y la tragedia de los años de Kennedy.

Loewe se retiró a Palm Springs, California, mientras que Lerner realizó una serie de musicales, algunos exitosos, otros no, con compositores como André Previn (Coco), John Barry (Lolita, My Love), Leonard Bernstein (1600 Pennsylvania Avenue), Burton Lane (Carmelina) y Charles Strouse (Dance a Little Closer, basada en la película Idiot's Delight, apodada Close A Little Faster por los humoristas de Broadway porque cerró la noche del estreno). La mayoría de los biógrafos culpan del declive profesional de Lerner a la falta de un director fuerte con quien Lerner pudiera colaborar, como lo hizo Neil Simon con Mike Nichols o Stephen Sondheim con Harold Prince. (Moss Hart, que había dirigido My Fair Lady, murió poco después de que abriera Camelot). En 1965, Lerner volvió a colaborar con Burton Lane en el musical On a Clear Day You Can See Forever, que fue adaptado al cine en 1970. En ese momento, Lerner fue contratado por el productor de cine Arthur P. Jacobs para escribir un tratamiento para un próximo proyecto cinematográfico, Doctor Dolittle, pero Lerner revocó su contrato después de varios meses improductivos de postergación no comunicativa y fue reemplazado por Leslie Bricusse. Lerner fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1971.

En 1973, Lerner convenció a Loewe de que dejara su retiro para aumentar la partitura de Gigi para una adaptación teatral musical. Al año siguiente colaboraron en una versión cinematográfica musical de El Principito, basada en el clásico cuento infantil de Antoine de Saint-Exupéry. Esta película fue un fracaso crítico y de taquilla, pero ha ganado seguidores modernos.

La autobiografía de Lerner, The Street Where I Live (1978), fue un relato de tres de sus exitosas colaboraciones con Loewe, My Fair Lady, Gigi y Camelot, junto con información personal. En el último año de su vida, publicó El teatro musical: una celebración, una historia del teatro bien reseñada, con anécdotas personales y humor. El crítico de Los Angeles Times escribió: "Hay varias razones por las que este libro es una excelente introducción al teatro musical. Una es que Lerner sabe exactamente lo que era nuevo, y cuándo y por qué.... En 'The Musical Theatre', ' uno está al tanto del juicio de un hombre... que expresa sus opiniones de manera franca, cálida y personal." En 1987 se publicó un libro de letras de Lerner titulado A Hymn To Him, editado por el escritor británico Benny Green.

En el momento de la muerte de Lerner, estaba trabajando con Gerard Kenny y Kristi Kane en Londres en una versión musical de la película My Man Godfrey. También había recibido una llamada urgente de Andrew Lloyd Webber, pidiéndole que escribiera la letra de El Fantasma de la Ópera. Escribió 'Masquerade', pero luego le informó a Webber que quería dejar el proyecto porque estaba perdiendo la memoria (había desarrollado cáncer de pulmón metastásico) y Charles Hart lo reemplazó. Había rechazado una invitación para escribir la letra en inglés de la versión musical de Los miserables.

Después de la muerte de Lerner, Paul Blake hizo una revista musical basada en las letras y la vida de Lerner titulada Casi como estar enamorado, que incluía música de Loewe, Lane, Previn, Strouse y Weill. El espectáculo se presentó durante 10 días en el Teatro Herbst de San Francisco.

Composición

Lerner a menudo tuvo problemas para escribir sus letras. Fue inusualmente capaz de completar "Podría haber bailado toda la noche" de My Fair Lady en un período de 24 horas. Por lo general, pasaba meses en cada canción y las reescribía constantemente. Se decía que Lerner tenía inseguridad sobre su talento. A veces escribía canciones con alguien en mente, por ejemplo, 'I've Grown Acostumbred To Her Face' de My Fair Lady fue escrita pensando en Rex Harrison para complementar su rango vocal muy limitado.

Lerner dijo sobre la escritura:

Tienes que tener en cuenta que no hay tal cosa como el realismo o el naturalismo en el teatro. Eso es un mito. Si hubiera realismo en el teatro, nunca habría un tercer acto. Nada termina así. La vida de un hombre está compuesta de miles y miles de pequeños pedazos. Al escribir ficción, seleccionas 20 o 30 de ellos. En un musical, seleccionas incluso menos que eso.

Primero, decidimos dónde se necesita una canción en una obra. Segundo, ¿de qué va a ser? Tercero, discutimos el humor de la canción. Cuarto, doy (Loewe) un título. Luego escribe la música al título y se establece la sensación general de la canción. Después de que haya escrito la melodía, entonces escribo las letras.

En una entrevista de 1979 en All Things Considered de NPR, Lerner profundizó en la letra de My Fair Lady. El profesor Henry Higgins canta: "Mírala, una prisionera de las alcantarillas / Condenada por cada sílaba que pronuncia / Por derecho debería ser sacada y colgada / Por el asesinato a sangre fría de la lengua inglesa".; Lerner dijo que sabía que la letra usaba una gramática incorrecta por el bien de una rima. Más tarde, otro letrista se le acercó al respecto:

Pensé, oh bueno, tal vez nadie lo notará, pero en absoluto. Dos noches después de que se abrió, me encontré con Noël Coward en un restaurante, y él caminó y dijo: "Querido muchacho, es colgado, no colgado." Dije: "¡Oh, Noel, lo sé, lo sé! ¡Ya sabes, cállate!" Así que, y hay otro, "Than para dejar a una mujer en mi vida." Debería ser, "como dejar que una mujer en mi vida", pero simplemente no cantó bien.

Gremio de Dramaturgos

Alan Jay Lerner fue un defensor de los escritores' derechos en el teatro. Fue miembro del Gremio de Dramaturgos de América. En 1960, fue elegido como el duodécimo presidente de la organización sin fines de lucro. Continuó sirviendo como presidente del Gremio hasta 1964.

Vida privada

Durante casi veinte años, Lerner fue adicto a las anfetaminas; durante la década de 1960 fue paciente de Max Jacobson, conocido como "Dr. Feelgood", quien administró inyecciones de "vitaminas con enzimas" que de hecho estaban mezclados con anfetaminas. Se cree que la adicción de Lerner fue el resultado de la práctica de Jacobson.

Matrimonios e hijos

Lerner se casó ocho veces: Ruth Boyd (1940–1947), la cantante Marion Bell (1947–1949), la actriz Nancy Olson (1950–1957), la abogada Micheline Muselli Pozzo di Borgo (1957–1965), la editora Karen Gundersen (1966–1974), Sandra Payne (1974–1976), Nina Bushkin (1977–1981) y Liz Robertson (1981–1986 [su muerte]). Cuatro de sus ocho esposas, Olson, Payne, Bushkin y Robertson, eran actrices. Su séptima esposa, Nina Bushkin, con quien se casó el 30 de mayo de 1977, fue directora de desarrollo en Mannes College of Music e hija del compositor y músico Joey Bushkin. Después de su divorcio en 1981, se le ordenó a Lerner que le pagara un acuerdo de $50,000. Lerner escribió en su autobiografía (citado por The New York Times): "Todo lo que puedo decir es que si no tenía talento para el matrimonio, tampoco tenía talento para la soltería". 34;

Lerner tuvo cuatro hijos: tres hijas, Susan (de Boyd), Liza y Jennifer (de Olson), y un hijo, el guionista y periodista Michael Alan Lerner (de di Borgo).

Los múltiples divorcios de Lerner le costaron gran parte de su riqueza, pero él fue el principal responsable de sus propios altibajos financieros y aparentemente no fue sincero acerca de su irresponsabilidad financiera. Se afirmó que su acuerdo de divorcio con Micheline Muselli Pozzo di Borgo (su cuarta esposa) le costó aproximadamente $ 1 millón en 1965. Esto no era cierto. El patrón de mala gestión financiera de Lerner continuó hasta su muerte de cáncer en 1986, cuando supuestamente le debía al Servicio de Rentas Internas de EE. UU. más de 1 000 000 de dólares estadounidenses en impuestos atrasados y no pudo pagar sus gastos médicos finales.

Muerte

El 14 de junio de 1986, Lerner murió de cáncer de pulmón en Manhattan a la edad de 67 años. En el momento de su muerte estaba casado con la actriz Liz Robertson, que era 36 años menor que él. Vivía en Center Island, Nueva York. Tiene una placa conmemorativa en la Iglesia de San Pablo, el Actors' Iglesia en Covent Garden en Londres.

Premios y distinciones

American Theater Hall of Fame 1979

Kennedy Center Honors 1985

 

Premio de la Academia

El mejor guion original, 1951 Un americano en París

Best Adapted Screenplay, 1958 Gigi

La mejor canción original, 1958 Gigi

 

Globos de Oro

La mejor canción original, 1968 Camelot

Best Original Score, 1975 El pequeño príncipe

 

Premio Tony

Mejor Libro de un Musical, 1957 Mi bella dama

Mejor puntuación original, 1957 Mi bella dama y 1974 Gigi

New York Drama Critics Circle

Mejor musical, 1947 Brigadoon

Mejor musical, 1956 Mi bella dama

 

Premio Johnny Mercer

Lyric Write, 1985, Lifetime

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con I could have danced all night, de la película My Fair Lady, cantada por Audrey Hepburn, y It's Almost Like Being In Love, de Brigadoon, en las voces de Robert Goulet, y Sally Ann Howes, de una producción de TV.

Théophile Gautier

Pierre Jules Théophile Gautier nació en Tarbes, Francia, el 30 de agosto de 1811, y murió en Neuilly-sur-Seine, Francia, el 23 de octubre de 1872. Poeta, dramaturgo, novelista, periodista, crítico literario y fotógrafo.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Théophile Gautier

(Théophile o Teófilo Gautier; Tarbes, Francia, 1811 - París, 1872) Escritor francés. Fue director de la Révue de Paris y de L'Artiste. Antes de decantarse por la poesía se dedicó a la pintura y frecuentó los ambientes bohemios de París. Defensor del movimiento romántico encabezado por Victor Hugo, cultivó los géneros más diversos. En el campo de la novela destacan Mademoiselle de Maupin (1835), que contenía un prólogo en el que defendía la concepción del arte por el arte, y El capitán Fracasse (1863), en la que con vivo colorido y humor narra las aventuras de una compañía de comediantes. De entre sus obras líricas cabe mencionar Esmaltes y camafeos (1852), que sirvió de inspiración a los poetas parnasianos; se trata de un conjunto de poemas breves que recogen la rápida impresión causada en el autor por un paisaje o un sentimiento. Un sutil juego de imágenes y una muy elaborada concisión técnica constituyen los mayores logros de estos poemas. Escribió asimismo novela histórica (La novela de la momia, 1858) y relatos de viajes. Cultivó, por último, el ensayo de crítica literaria en Historia del Romanticismo (1874), y el de arte en Las bellas artes en Europa (1855).

Théophile Gautier

Introducido en los medios románticos por Gérard de Nerval, quien lo presentó a Victor Hugo, el poeta y novelista francés Théophile Gautier se sitúa en el cruce de las corrientes literarias del siglo XIX. Partiendo del romanticismo, se convertiría en alguna medida en fundador del parnasianismo e inspirador de la generación de poetas de 1850, entre los cuales se contaba Charles Baudelaire. Nacido en una familia realista, fue llevado a la capital de Francia a la edad de tres años; allí hizo sus estudios, y fue siempre parisiense por sus gustos, maneras y espíritu. Su padre, antiguo oficial de las guerras napoleónicas, alentó sus primeros intentos poéticos. Atraído primero por las artes figurativas, fue alumno del pintor Rioult, pero pronto se inclinó hacia la lírica. Decidió finalmente abandonar la plástica por los versos, conoció a Víctor Hugo y, entusiasmado por la nueva literatura, abrazó con fervor el romanticismo.

Sus primeras obras, agrupadas bajo el título de Primeras poesías, aparecieron en plena revolución de julio de 1830, razón por la cual pasaron desapercibidas. El mismo año asistió a la famosa batalla desatada por el estreno de Hernani, de Victor Hugo, ataviado con un chaleco rojo rabioso que produjo estupor entre los buenos burgueses. Junto con Gérard de Nerval se convirtió en el alma del círculo de la Rue du Doyenné, en el que artistas y literatos, de pleno acuerdo para "épater les bourgeois", alardeaban de un dandismo teñido de rojo satánico y gestaban las bases de la nueva doctrina estética destinada a convertirse en inspiradora de los parnasianos. En 1832 publicó Albertus, ou l'Âme et le péché, poema impregnado de un romanticismo a lo Byron, al mismo tiempo que sus primeros cuentos: La Cafetière (1831) y Onofre Gizon (1832), donde hacía uso de elementos fantásticos, a la manera de E.T.A. Hoffmann.

El compendio Les Jeunes-France (1833) reunía cuentos que hacían un retrato irónico de las "preciosas ridículas del romanticismo", y anunciaban los principios estéticos que expuso en el prólogo de su novela Mademoiselle de Maupin, en 1835, donde criticaba los excesos medievales de esta corriente, atacaba el utilitarismo de la crítica literaria de la época y enunciaba los principios de la escuela de "el arte por el arte": culto exclusivo de la belleza, ausencia de intencionalidad política o moral del arte e independencia del artista.

A partir de 1836, Gautier se alejó del medio bohemio de sus años de juventud. Llevó una vida amorosa inestable, y las figuras femeninas fueron con frecuencia fuente de inspiración, como testimoniaron el ballet Giselle (1841) y la novela Spirite (1865). Gozó de una enorme popularidad y diversos editores financiaron sus desplazamientos. El capitán Fracasse (1863) fue escrito tras un viaje a Bélgica, y los que hizo a España (1840), Argelia (1845), Italia (1850) y Constantinopla (1852) fueron costeados con los relatos de sus andanzas, como Viaje por España (1843), Viaje por Italia (1852) y Viaje por Rusia (1867).

En 1845 publicó sus Poesías completas, y ese mismo año formó parte del "club des hachichins", donde conoció a Charles Baudelaire, quien doce años después le dedicó Las flores del mal y que le inspiró el ensayo Le Club des hachichins (1846). De producción constante pero irregular, Gautier publicó en 1844 Los grotescos, estudios sobre antiguos autores franceses, y en 1852, su famosa colección de poesía Esmaltes y camafeos. Expresó su veta fantástica en obras como Le pied de momie (1840), Arria Marcella (1852), Avatar (1856) y Jettatura (1856), así como en Spirite, su última gran obra de ficción.

A pesar de ser el bibliotecario de la princesa Mathilde, prima de Napoleón III, Gautier no obtuvo el reconocimiento oficial que esperaba y murió en 1872, muy afectado por un cuádruple fracaso en la Academia. Su editor publicó una obra colectiva en la que participaron numerosos poetas, entre los cuales destacan Victor Hugo (con el poema "À Théophile Gautier") y Stéphane Mallarmé.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el poema Tristeza, al que Gabriel Fauré le compuso la música, en la versión del barítono Gérard Souzay, acompañado en piano por Jacqueline Bonneau.

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.

Hadi Karimi

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.  

Hoy les presento el 5º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Robert Schumann, con la Sonata para Piano Nº 3 en Fa Menor Op. 14, Liederkreis Op. 39, Misa Sacra en Do Menor Op. 147, y el Concierto para Violonchelo y Orquesta en La Menor Op. 129.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Mark Morris

Mark Morris nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 29 de agosto de 1956. Bailarín y coreógrafo.

El sitio www.markmorrisdancegroup.org publicó esta biografía.

MARK MORRIS, elogiado como “el coreógrafo vivo más exitoso e influyente, e indiscutiblemente el más musical” (New York Times), nació el 29 de agosto de 1956 en Seattle, Washington, donde estudió con Verla Flowers y Perry Brunson. En los primeros años de su carrera, actuó con las compañías de Lar Lubovitch, Hannah Kahn, Laura Dean, Eliot Feld y el Koleda Balkan Dance Ensemble. Formó el Mark Morris Dance Group (MMDG) en 1980 y desde entonces ha creado más de 150 obras para la compañía. De 1988 a 1991 fue Director de Danza del Théâtre Royal de la Monnaie de Bruselas, la ópera nacional de Bélgica. En 1990, fundó el White Oak Dance Project con Mikhail Baryshnikov. Morris también es un aclamado coreógrafo de ballet, con veintidós obras encargadas por compañías de ballet de todo el mundo.

Conocido por su musicalidad, Morris ha sido descrito como “inquebrantable en su devoción por la música” (The New Yorker). Comenzó a dirigir actuaciones para MMDG en 2006 y desde entonces ha dirigido en Tanglewood Music Center, Lincoln Center y BAM (Academia de Música de Brooklyn). En 2013, se desempeñó como director musical del Festival de Música de Ojai. Morris también trabaja extensamente en ópera, dirigiendo y coreografiando producciones para The Metropolitan Opera, New York City Opera, English National Opera y The Royal Opera, Covent Garden, entre otras.

Fue nombrado miembro de la Fundación MacArthur en 1991 y hasta la fecha ha recibido once doctorados honoris causa. Ha enseñado en la Universidad de Washington, la Universidad de Princeton y el Tanglewood Music Center.

Es el tema de una biografía,  Mark Morris, escrita por Joan Acocella (Farrar, Straus & Giroux), y Marlowe & Company publicó un volumen de fotografías y ensayos críticos titulado L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato: A Celebration de Mark Morris. . Mark Morris: Músico-Coreógrafo, de la musicóloga Stephanie Jordan, se publicó en 2015. Las memorias de Morris, Out Loud, coescritas con Wesley Stace, fueron publicadas en edición de bolsillo por Penguin Press en octubre de 2021.

Morris, artista de Doris Duke, es miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias y de la Sociedad Filosófica Estadounidense, y ha sido miembro del Consejo Asesor de la Iniciativa de Artes de Mentores y Protégés de Rolex.

Ha recibido el premio Samuel H. Scripps/American Dance Festival por su trayectoria, el premio Leonard Bernstein Lifetime Achievement Award por la elevación de la música en la sociedad, el premio Benjamin Franklin Laureate a la creatividad, el premio al artista distinguido de la Sociedad Internacional de Artes Escénicas. , el Premio Cal Performances a la Distinción en las Artes Escénicas, el Premio Gift of Music de la Orquesta de St. Luke y el Premio al Artista Doris Duke 2016. En 2015, Morris fue incluido en el Salón de la Fama del Sr. y la Sra. Cornelius Vanderbilt Whitney en el Museo Nacional de Danza en Saratoga Springs, Nueva York.

Morris abrió el Mark Morris Dance Center en Brooklyn, Nueva York, en 2001 para proporcionar un hogar para su compañía, espacio de alquiler subsidiado para artistas locales, programas de educación comunitaria para niños y personas mayores, y una escuela que ofrece clases de baile a estudiantes de todas las edades y Niveles de experiencia con y sin discapacidad.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con un fragmento de Spring, Spring, Spring, sobre un arreglo de la música del Ballet La Consagración de la Primavera, de Igor Stravinsky, interpretado por el trío de jazz The Bad Plus.

Donald O'Connor

Donald David Dixon Ronald O’Connor, más conocido como Donald O'Connor, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 28 de agosto de 1925, y murió en Calabasas, California, Estados Unidos, el 27 de septiembre de 2003. Cantante, bailarín y actor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Donald O'Connor

(David Dixon O'Connor; Chicago, 1925 - Calabazas, California, 2003) Actor estadounidense. Hijo de artistas circenses y de vaudeville, actuó junto a su familia desde muy pequeño. Debutó en el cine con once años en una pequeña aparición junto a sus hermanos en el musical de la Warner Melody for two (1937), de Wesley Ruggles.

Fue contratado por Paramount Pictures e interpretó once películas en dos años en papeles de adolescente. Lo más destacado de esta primera etapa en el cine fue su papel de Huckleberry Finn en Tom Sawyer, detective (1938), de Louis King, y el del joven Beau, interpretado por Gary Cooper, en Beau Geste (1939), de William Wellman.

Donald O'Connor con la mula Francis

Regresó durante un par de años a los escenarios y fue redescubierto para el cine en 1942 por la Universal. Protagonizó una exitosa serie de musicales juveniles de bajo presupuesto junto a algunas de las estrellas más jóvenes, especialmente con Peggy Ryan. Al cumplir los dieciocho años fue llamado para combatir en la Segunda Guerra Mundial. La Universal estrenó durante el conflicto las catorce películas que O'Connor y Ryan rodaron antes de su llamada a filas. Fue destinado a Servicios Especiales y se dedicó a entretener a sus compañeros con sus habilidades sobre los escenarios. En 1944 se casó con la actriz Gwen Carter, con quien tuvo una hija en 1945.

A su regreso a la vida civil continuó apareciendo regularmente en pequeños papeles de escasa importancia hasta que obtuvo un enorme éxito con Mi mula Francis (1950), de Arthur Lubin. Esta comedia protagonizada por Francis, una mula que hablaba, fue la primera de una serie de seis que alcanzaron una gran popularidad, aunque fueron denostadas por la crítica.

Durante los cincuenta interpretó también algunos papeles en musicales: Cantando bajo la lluvia (1952), de Stanley Donen y Gene Kelly, fue sin duda su mejor trabajo. Su interpretación de Cosmo Brown, el inseparable amigo y contrapunto cómico del protagonista, interpretado por Kelly, permaneció como una de las más grandes de la historia del musical. O'Connor fue premiado con el Globo de Oro al mejor actor de comedia.

En 1953 recibió el premio Emmy de televisión por su participación en The Colgate Comedy Hour, que presentó ocasionalmente entre 1951 y 1954. Su siguiente éxito en televisión fue The Donald O'Connor Texaco Show. En 1956 dirigió a la Orquesta Filarmónica de Los Angeles en el estreno de su primera sinfonía, Reflections d'un Comique. Ese mismo año se casó por segunda vez con Gwen Carter. En la biografía The Buster Keaton Story (1957), de Sidney Sheldon, interpretó al gran cómico del cine mudo.

O'Connor se distanció progresivamente de la interpretación para dedicarse a componer música. Sólo interpretó papeles episódicos en series de televisión como Ellery Queen (1975), Police Story (1976), Simon & Simon (1983), Autopista hacia el cielo (1987), Se ha escrito un crimen (1990), Cuentos desde la cripta (1992), Frasier (1996) y The Nanny (1996). Entre sus esporádicas apariciones en el cine a partir de los años sesenta destacó Ragtime (1981), de Milos Forman.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con You Can Bounce Right Back, fragmento de la película Anything Goes, de 1956.

Shalom – Dame cobijo bajo tus alas

Shalom – Dame cobijo bajo tus alas

Diana Hager decidió comenzar este libro hace muchísimos años, como una especie de búsqueda de sus raíces. Aunque esta narración es una obra de ficción, los acontecimientos históricos son reales, y los lugares que menciona fueron parte del trayecto que recorrió su familia.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/dame-cobijo-bajo-tus-alas/6953559/

Alice Coltrane

Alice McLeod, más conocida como Alice Coltrane Turiyasangitananda, nació en Detroit, Michigan, Estados Unidos, el 27 de agosto de 1937, y murió en Los Ángeles, California, el 12 de enero de 2007. Compositora, pianista, organista, arpista, y cantante.

El sitio www.alicecoltrane.com publicó su biografía.

Alice Coltrane Turiyasangitananda fue una pianista, organista, arpista, cantante, compositora, swamini y esposa de John Coltrane. Turiyasangitananda se traduce como la canción de bienaventuranza más elevada del Señor Trascendental.

Nacida en Detroit, Michigan en 1937, hija de Solon y Annie McLeod, Alice fue la quinta de seis hijos. Su interés por la música floreció en la primera infancia. A la edad de nueve años, tocaba el órgano durante los servicios en la iglesia bautista Mount Olive.

A principios de los años 60 comenzó a tocar jazz como profesional en Detroit con su propio trío y como dúo con el vibista Terry Pollard. Alice colaboraría y actuaría con Kenny Clarke, Kenny Burrell, Ornette Coleman, Pharaoh Sanders, Charlie Haden, Roy Haynes, Jack DeJonette y Carlos Santana. Mucha gente no sabe que reemplazó a McCoy Tyner como pianista en el cuarteto de John Coltrane y continuó tocando y grabando con la banda hasta la muerte de John en 1967.

El interés de Alice por la música gospel, clásica y jazz la llevó a la creación de su propio estilo innovador. Su talento se expresó más plenamente cuando se convirtió en solista. Su dominio del teclado, el órgano y el arpa fue notable. Más tarde, su talento musical natural maduró hasta convertirse en arreglos y composiciones sorprendentes. Sus veinte grabaciones abarcan un período que va desde Monastic Trio (1968) hasta Translinear Light (2004).

“…A veces la gente se mete tan profundamente en el sonido, tan profundamente que lo abandonan todo. Es como si renunciaran a todo en ese momento solo para vivir esos momentos de música…”

Alice y John Coltrane se casaron en 1965. Juntos se embarcaron en un viaje profundamente espiritual de exploración musical y forjaron un nuevo género de expresión musical. Después del fallecimiento de John, Alice tuvo que criar a sus cuatro hijos pequeños: Michelle, John Jr., Ravi y Oran.

“…Antes incluso de conocerlo y convertirme en parte del grupo y de su vida, había algo en mí que sabía que hay una conexión espiritual, musical, una conexión divina, con esta persona. Porque hubo cosas que él me dijo, no fueron dichas con voz humana…”

Alrededor de finales de los años 60, Alice entró en el momento más significativo de su vida. Como buscadora de la verdad espiritual, pasó tiempo concentrada en aislamiento: ayunando, orando y meditando. En 1970 conoció a un gurú, Swami Satchidananda. Viajó a la India y fue divinamente llamada al servicio de Dios. Alice dedicó su vida a Dios y llegó a ser conocida como Turiyasangitananda.

“…Si dedicamos una cuarta parte del tiempo que dedicamos a tratar de comprender nuestra espiritualidad para querer volvernos más ricos, encontraríamos algunas de las cosas increíbles que suceden en nuestro universo de las que debemos estar conscientes…”

Alice Coltrane Turiyasangitananda se convirtió en la fundadora y directora del Centro Vedántico en 1975 y luego estableció una comunidad espiritual en las montañas de Santa Mónica en el sur de California. Ella pronunciaba discursos y tocaba el órgano para guiar a los miembros en el canto devocional de los servicios dominicales.

“…Una de las directivas que me dieron fue iniciar el ashram. Sentí que podía servir en cualquier forma que Dios quisiera. Cualquiera que fuera el pedido, me habría encantado seguirlo. Mi idea era tener la disponibilidad de buscar al Señor, poder estudiar las escrituras espirituales y realmente sumergirme en vivir la vida espiritual tanto como fuera posible…”

AC Turiyasangitananda, conocida por muchos como Swamini, dejó su forma física el 12 de enero de 2007.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Turiya y Ramakrishna. Alice Coltrane, en piano y arpa; Joe Henderson, en flauta contralto y saxo tenor; Pharoah Sanders, en flauta alto, saxo tenor, y campanas; Ron Carter, en contrabajo; y Ben Riley, en batería.

Luis Abraham Delgadillo

Luis Abraham Delgadillo Rivas nació en Managua, Nicaragua, el 26 de agosto de 1887, y murió en su ciudad, el 20 de diciembre de 1961. Músico, compositor y director de orquesta.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Luis Abraham Delgadillo

(Managua, 1887 - 1961) Compositor nicaragüense. Considerado el compositor más destacado de su país, su talento es reconocido en toda Hispanoamérica. Gracias a una beca gubernamental ingresó en 1906 en el Conservatorio de Milán, donde se distinguió con honores.

A su regreso fue nombrado director de la Banda de los Supremos Poderes. Autor de numerosas sinfonías, óperas, ballets y conciertos, no desdeñó la música popular bailable y el estudio del folclore nicaragüense y latinoamericano, inspirando sus obras en la búsqueda de una identidad cultural nacional. Realizó giras artísticas por diversos países latinoamericanos, y en 1930 fue invitado por el Carnegie Hall de Nueva York para dirigir un concierto de sus obras.

Sus creaciones cumbres Sinfonía Incaica y Teotihuacán expresan el espíritu de las altas culturas aborígenes del Nuevo Mundo. Asimismo, creó diversas obras inspiradas en el folclore nicaragüense, destacándose la suite Diciembre, en la que desarrolla temas relacionados con el nacimiento del Niño Dios; y las Purísimas, celebración popular en honor a la Inmaculada Concepción de María. Un catálogo cronológico de su producción artística se encuentra en el libro Compositores de América, publicado por la Unión Panamericana de Washington.

Su estilo musical está firmemente arraigado en las corrientes compositivas italianas de principios del siglo XX. Delgadillo, conocido como el “apóstol de la música indoamericana”, fue probablemente el primero en realizar investigaciones en la música folclórica de su país. Recopiló material de las culturas precolombinas indígenas de Nicaragua, Guatemala y México (los mayas y los aztecas) para utilizarlo en obras sinfónicas como Obertura indiana (1915), Sinfonía indígena (1921) y En el templo de Agat, danza indígena nicaragüense (1937). Para recrear las prácticas musicales indígenas Delgadillo se servía de un uso extensivo de la percusión y melodías pentatónicas. En su Sinfonía Serrana, basada en melodías nicaragüenses, aparece el canto de un pájaro del lugar, el cezontle, y también el de los cazadores de la serranía.

Entre 1908 y 1952 escribió nueve grandes obras orquestales. También compuso doce Sinfonías breves (1953-55), así como dos conciertos para piano (1943, 1945), uno para guitarra (1954), obras para orquesta de cámara y veinticuatro preludios para piano. Realizó incursiones en la música escénica con su ópera El Final de Norma y con el ballet La cabeza del Rawi (1942), basado en textos del poeta Rubén Darío.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Nocturno para Piano Nº 11, en la versión de Osmar Meliá.

Antonín Dvořák. Trío para Piano Nº 4 en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky. Trío Alessio.

A continuación, de Antonín Dvořák, el Trío para Piano Nº 4 en Mi Menor Op. 90, Trío Dumky, en la interpretación del Trío Alessio, integrado por Sten Heinoja en piano, Roberto Ruisi en violín, y Nina Kiva en violonchelo.

Ruby Keeler

Ethel Hilda Keeler, más conocida como Ruby Keeler, nació en Dartmouth, Nueva Escocia, Canadá, el 25 de agosto de 1909, y murió en Rancho Mirage, California, Estados Unidos, el 28 de febrero de 1993. Actriz, cantante y bailarina.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Ruby Keeler

Ruby Keeler (Dartmouth, Nueva Escocia; 25 de agosto de 1909-Rancho Mirage, California; 28 de febrero de 1993) fue una actriz, cantante y bailarina famosa principalmente por formar pareja en la pantalla con Dick Powell en una serie de exitosos musicales de la Warner Bros.

Biografía

Su verdadero nombre era Ethel Hilda Keeler, y nació en Dartmouth, Nueva Escocia (Canadá). Tenía ascendencia irlandesa. Dos de sus hermanas fueron las actrices Helen y Gertrude Keeler.

Su padre era camionero, y cuando ella tenía tres años, su familia se trasladó a Nueva York a fin de conseguir una mejor situación económica. Sin embargo, al tener seis hijos la situación no mejoró demasiado, por lo que, aunque Keeler estaba interesada en aprender danza, su familia no pudo costear las clases.

Keeler estudió en la escuela parroquial St. Catherine of Siena, en el East Side de Nueva York, y una vez por semana recibió clases de baile en dicho centro. Su profesor vio el potencial de Keeler y habló con su madre para conseguir autorización a fin de que Ruby tomara lecciones en su estudio. Aunque la madre se negó, alegando falta de dinero, el profesor insistió y consiguió darle una lección semanal, todos los sábados.

Durante las clases, una compañera le habló sobre unas pruebas para formar parte de un coro femenino. Ruby solo tenía 13 años, y la ley obligaba a tener 16 para poder trabajar, pero ocultó su edad en la prueba. Era una prueba de claqué, dirigida por Julian Mitchell (Keeler fue una de las primeras estrellas del claqué en el cine, con un estilo basado en el baile típico irlandés). Tras diversas vicisitudes, consiguió trabajar en la obra The Rise of Rosie O'Reilly (1923), de George M. Cohan, con la cual tuvo unas ganancias de 45 dólares a la semana.

Sólo tenía 14 años cuando empezó a trabajar en el club El Fay propiedad de Texas Guinan, una taberna frecuentada por gánsteres. Fue descubierta por el productor de Broadway Charles B. Dillingham, que le dio un papel en Bye Bye Bonnie, obra que se representó durante seis meses. Después trabajó en Lucky y The Sidewalks of New York, también producidas por Dillingham. En la última obra fue observada por Florenz Ziegfeld, que la hizo actuar en la comedia musical Whoopee!, en 1928. Antes de eso se casó con el famoso cantante Al Jolson. Se habían conocido en Los Ángeles, donde ella se encontraba participando en la campaña publicitaria de The Jazz Singer. Su encuentro fue breve, pero Jolson se enamoró. Tras un breve noviazgo se casaron en Pittsburgh el 21 de septiembre de 1928, mientras ella estaba de gira representando Whoopee!. Había una gran diferencia de edad, pues ella tenía 19 años y él 42, y el matrimonio fue difícil. Se trasladaron a California, con lo cual ella se alejó del primer plano. En 1929, urgido por Ziegfeld, Jolson accedió a que ella viajara a Nueva York para trabajar en el musical Show Girl.

En 1933, el productor Darryl F. Zanuck eligió a Keeler para la película musical de Warner Bros. 42nd Street, en la que actuó junto a Dick Powell y Bebe Daniels. La película fue un gran éxito gracias a la innovadora y lujosa coreografía de Busby Berkeley. Como resultado de su actuación en 42nd Street, Jack Warner dio a Keeler un contrato, con el cual pudo trabajar en éxitos tales como Gold Diggers of 1933 y Dames (1934).

Tras diversos problemas matrimoniales, Keeler y Jolson se divorciaron en 1940. Keeler volvió a casarse en 1941, con John Homer Lowe. No le interesaba ser una estrella cinematográfica, por lo que, feliz con su segundo matrimonio, Keeler dejó el mundo del espectáculo en 1941, y se dedicó a la crianza de sus cinco hijos. Lowe falleció a causa de un cáncer en 1969. En 1971, Keeler salió de su retiro para brillar en la reposición del éxito de Broadway No, No, Nanette, junto a Helen Gallagher y Patsy Kelly. La producción fue dirigida por el director de 42nd Street, Busby Berkeley. La gran popularidad de la obra supuso un renovado interés por los años 20 y 30 – particularmente el art deco, el claqué y las canciones de la época de la Depresión.

Keeler falleció a causa de un cáncer en Rancho Mirage, California, y fue enterrada en el Cementerio Holy Sepulcher en Orange, California. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6730 de Hollywood Boulevard.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de la película Ready, Willing, and Able, de 1937. 

Preston Foster

 

Preston Foster nació en Pitman, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 24 de agosto de 1900, y murió en La Jolla, California, Estados Unidos, el 14 de julio de 1970. Actor y cantante.

El sitio www.wikiwand.com publicó este recordatorio.

Preston Foster (24 de agosto de 1900 – 14 de julio de 1970) fue un actor teatral y cinematográfico, además de cantante, de nacionalidad estadounidense.

Biografía

Nacido en Pitman (Nueva Jersey), en ocasiones utilizaba el nombre artístico de Preston S. Foster. Foster empezó a actuar en el cine en 1929, aunque ya tenía experiencia como actor teatral, habiendo trabajado en el circuito de Broadway. En octubre de 1931 seguía actuando en Broadway, en una obra titulada Two Seconds, colaborando con Edward Pawley. Algunos de sus filmes más destacados fueron Doctor X (1932), Soy un fugitivo (1932), Annie Oakley (1935), The Last Days of Pompeii (1935), El delator (1935), y My Friend Flicka (1943). En el ámbito televisivo, actuó en el drama Waterfront (1954–1955), con el papel del Capitán John Herrick.

Su primera esposa fue la actriz teatral Gertrude Warren, con la que tuvo una hija, Stephanie. Se casó de nuevo en 1946, en esta ocasión con la también actriz Sheila Darcy, permaneciendo ambos juntos hasta la muerte del actor.

Durante la Segunda Guerra Mundial, en la que sirvió en la Guardia Costera de Estados Unidos, alcanzó el grado de Capitán en la Reserva Temporal. Más adelante se le concedió el rango honorífico de Comodoro de la Guardia Costera.

Antes de empezar su carrera en el cine, Foster era, además de actor, cantante, faceta que recuperó tras acabar la guerra. En 1948 formó un trío musical con su esposa, Sheila Darcy, y con Gene Leis, que era el arreglista. Los tres cantaban en radios y clubs, llegando a actuar junto a Orrin Tucker, Peggy Ann Garner y Rita Hayworth.

Preston Foster falleció en 1970 en La Jolla, California. Fue enterrado en el Cementerio El Camino Memorial Park de San Diego (California).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Ten Thousand Miles.

Adolf Scherbaum

Adolf Scherbaum nació en Eger, entonces Imperio Austro-Húngaro, el 23 de agosto de 1909, y murió en Sulzbach-Rosenberg, Baviera, Alemania, el 2 de agosto de 2000. Trompetista.

El sitio www.enciclopedia.cat publicó este recordatorio.

Adolf Scherbaum

(Eger, Bohemia, 1909 — Heilsbronn, Baviera, 2000)

Trompetista alemán de origen bohemio.

Estudió en Praga y Viena. Fue trompeta solista de la orquesta de la Ópera de Brno y, antes de la Segunda Guerra Mundial, miembro de la Filarmónica Alemana de Praga y de la Filarmónica de Berlín, dirigida por W. Furtwängler. Terminada la guerra, obtuvo el permiso para instalarse en la RFA. Pronto se desarrolló su carrera de solista, invitado por las mejores orquestas y los mejores directores del mundo. En 1963 fundó el Barockenensemble, con el que hizo numerosas giras internacionales y grabaciones discográficas de obras de JS Bach, G.Ph. Telemann, GF Händel y A. Vivaldi, entre otros. Fue profesor de la Hochschule für Musik de Saarbrücken. Entre los distintos galardones recibidos durante su carrera, destaca la Medalla por la Paz Albert Scheweitzer (1979).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación del Concierto de Brandeburgo Nº 2 en Fa Mayor, BWV 1047, de Johann Sebastian Bach, junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio del Norte de Alemania, dirigida por Hans Schmidt-Isserstedt.

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.

Hadi Karimi

El Mirador Nocturno – Radio / Robert Schumann.  

Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Robert Schumann, con las Kinderszenen, Escenas Infantiles Op. 15, el Quinteto para Piano en Mi Bemol Mayor Op. 44, el Ciclo de Lieder Frauenliebe und Leben, Amor y Vida de Mujer Op. 42, y la Sinfonía Nº 4, en Re Menor Op. 120.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Sotiría Béllou

Sotiría Béllou nació en Drosiá, Grecia, el 22 de agosto de 1921, y murió en Atenas, Grecia, el 27 de agosto de 1997. Cantante.

El sitio www.filateliacultura.blogspot.com publicó este recordatorio.

Sotiria BELLOU (Σωτηρία Μπέλλου)

(Drosiá, cerca de Calcis, en la isla de Eubea, 22 de agosto de 1921 – Atenas, 27 de agosto de 1997)

Sotiria Bellou en un sello emitido por el correo griego el 16 de septiembre de 2010, dentro de la serie “Música folklórica”.

Considerada una de las mejores intérpretes del género rebético ligero (equivalente griego del blues, el tango o el fado), Sotiria Bellou empezó a cantar desde niña himnos bizantinos en la iglesia y demostró la gran calidad de su voz.

Hija de un eclesiástico ortodoxo, tuvo una juventud difícil, tanto por lo que respecta a las relaciones con sus padres como por los maltratos de que era objeto por el hombre (un conductor de autobuses) con el que se casó siendo muy joven por imposición familiar y contra su voluntad; tras recibir una paliza, en un ataque de ira arrojó ácido a la cara de su marido, por lo que fue condenada a tres años y tres meses de prisión, aunque sólo estuvo encarcelada seis meses.

Volvió con su familia, pero la crudeza con la que la trataban hizo que en 1940, en plena ocupación nazi de Grecia, se estableciera en Atenas. Pasó dificultades para sobrevivir con trabajos precarios, y se unió a la resistencia contra los alemanes (quienes la detuvieron y torturaron); en 1944 participó en la Dekemvriana (el levantamiento de Atenas) como miembro del Ejército Popular de Liberación Nacional (ELAS), en el que se había enrolado. Sería detenida y encarcelada una vez más durante la guerra civil griega (1941-1950) por su apoyo a los comunistas.

Tras su puesta en libertad, en 1947 empezó a cantar en un bar de Atenas, donde fue descubierta por Vasílis Tsitsánis, quien, sorprendido por sus cualidades, la llevó consigo a los locales más célebres de la capital griega: ambos popularizaron entonces la música rebética y su versión ligera.

En 1948, mientras actuaba, sufrió otra agresión por “comunista”, ante la impasibilidad tanto del público como de los músicos que la acompañaban. Pese a su fuerte personalidad y su firmeza de carácter, se sintió abandonada y desgraciada, y empezó a darse a la bebida. Sería poco después cuando empezarían a ser reconocidas por el público sus extraordinarias dotes, y poco a poco se encumbró hasta los grandes escenarios, de los que no se retiró hasta la década de 1980.

La dureza de su vida acabó pasándole factura: el alcoholismo la arrastró a una profunda depresión y, por si fuera poco, contrajo un cáncer de laringe. Vivió sus últimos años prácticamente en la soledad (sólo tuvo al lado a una fiel amiga) y la pobreza, pese al gran éxito que obtuvieron sus grabaciones y su reconocimiento como una de las grandes de la canción popular y ligera griega. Tras su muerte, su figura fue reivindicada por el partido comunista, que le rindió homenaje y, como suele ocurrir, póstumamente su voz y sus canciones fueron divulgadas como nunca, y continúan siendo muy populares.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con No me dejes otra vez.

Joaquim Homs

Joaquim Homs i Oller nació en Barcelona, España, el 21 de agosto de 1906, y murió en su ciudad, el 9 de septiembre de 2003. Compositor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

Joaquim Homs

(Barcelona, 1906 - 2003) Músico español. Estudió violonchelo en el Conservatorio del Liceo de Barcelona y terminó sus estudios de este instrumento en 1922, fecha en la que escribió sus primeras composiciones. También estudió el piano de manera autodidacta y, tras el bachillerato, cursó estudios de ingeniería industrial.

El profesor de violín de su hermana, Enric Roig, le proporcionó numerosa información sobre las tendencias artísticas diversas de la época, si bien Homs supo mantenerse en una línea personal de creación sin atarse a las corrientes del momento. Roig le animó a estudiar composición, además de ponerle en contacto con el arquitecto y escritor Ramón Sastre, y con los poetas Sebastiá Sánchez-Juan, sobre cuyos textos compondría Nou apunts pera piano (1925), y Xavier Benguerel.

Su nombre también aparece vinculado al de Robert Gerhard, con quien aprendió armonía, contrapunto y composición entre 1931 y 1936. Continuó desarrollando su faceta de intérprete y organizando las sesiones musicales celebradas en el estudio de Ramón Sastre desde 1927 hasta 1936. En 1937 se casó con la pintora Pietat Fornesa, y un año después nació la hija de ambos. En esta época compuso especialmente obras de cámara como Dúo para flauta y clarinete, que fue interpretado en París, o el Cuarteto de cuerda nº1, estrenado en el XVII Festival de Varsovia en 1939. Este mismo año, y hasta 1942, Homs residió en Valencia. En 1967, año de la fundación del Conjunt Catalá de Música Contemporánia junto con Joan Prats y Mestres-Quadreny, fallecía su esposa Pietat.

Ese mismo año obtuvo el premio Ciutat de Barcelona por su obra Presències para orquesta. El año 1970 estuvo marcado por la pérdida de su maestro y amigo Robert Gerhard, exiliado en Cambridge, y de su compañero del Conjunt Catalá, Joan Prats. Desde 1974 ocupó la presidencia de la Asociación Catalana de Compositores. Fue miembro de la Reial Académia de Sant Jordi desde 1989.

La producción de Homs es de índole muy variada, concisa y abstracta al mismo tiempo; por ello es difícil reducirla a un estilo determinado. Su dedicación simultánea a la música y a la ingeniería resultó muy positiva para la concepción de su obra musical, ya que supo combinar el instinto creador con una mentalidad científica. Desde sus primeras composiciones rindió homenaje a las raíces catalanas, sobre todo en las obras vocales, mediante el empleo de textos en catalán; así, por ejemplo, en sus Dos poemes, con textos de X. Benguerel y Sánchez-Juan. Las obras corales de su primera época son asimismo importantes. Entre ellas destacan los Quinze nadales tradicionals catalanes de 1939.

También compuso música religiosa -más conservadora que el resto de su producción-, como la Missa per a cor a cappella que data de 1943, el Vía Crucis, para voz, quinteto de cuerda y tambor (1956), o el Tríptic de Setmana Santa (1975) para dos solistas y grupo instrumental con textos de Salvador Espríu, estrenada por el Grupo Koan en el Auditorio de Radio Nacional de España de Madrid en 1979.

Su incursión en el mundo de la ópera se produjo con Antígona (1934), ópera de cámara en dos actos con libreto de Jean Cocteau que quedó inconclusa. Por influencia de Gerhard se aproximó a la música de Arnold Schoenberg, de quien adoptó su planteamiento sobre las bases entre la relación consonancia-disonancia, que nunca debían estar restringidas por una sensación acústicamente agradable, sino por el lugar que ocupan en la narración musical.

Fruto de sus incursiones en el dodecafonismo son las obras Dúo de clarinets, O vos omnes (1933) y el ya citado Cuarteto de cuerda nº 1 de 1938. Homs continuó vinculado a la música de los compositores de la escuela de Viena, especialmente a la de Anton Webern, pero decidió recorrer otros caminos buscando siempre nuevas formas sonoras de expresión. Los encontró mediante su aproximación al serialismo y la utilización de núcleos temáticos que se derivan de una serie que a su vez resulta ser el hilo conductor de la obra. Esta tendencia se deja ver en su obra orquestal Homenatge a Webern (1959).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Sonata para Violín, en la versión de David Ballesteros.

Shalom – La fe como lenguaje universal

Shalom – La fe como lenguaje universal

Nuestro invitado de hoy llegó a Israel de manera fortuita hace más de 40 años: en principio su propósito era plantar un árbol en Tierra Santa junto con su mujer y su hija. Llegó a convertirse en presidente de la Amistad Judeo -Cristiana de Valencia y fue galardonado con el premio Samuel Toledano.

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/fe-como-lenguaje-universal/6953878/

 

El Fary

José Luis Cantero Rada, más conocido como El Fary, nació en Madrid, España, el 20 de agosto de 1937, y murió en su ciudad, el 19 de junio de 2007. Cantante, compositor y actor.

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio.

El Fary

(José Luis Cantero Rada; Madrid, 1937 - 2007) Cantante español, uno de los más conspicuos representantes de la copla. A lo largo de su carrera artística contó con el afecto del público y destacó en el campo de la llamada canción española.

José Luis Cantero nació en el madrileño barrio de Las Ventas del Espíritu Santo, en el seno de una familia humilde que llegó a la capital de España procedente de Buenache de Alarcón, en la provincia de Cuenca. Ya desde pequeño prefería cantar que estudiar. De hecho, prácticamente no fue a la escuela, y se dice que realmente aprendió a leer y a escribir cuando prestó el servicio militar. A los trece años de edad empezó a trabajar en un bar, ocupación que dejó al cabo de poco tiempo para repartir fruta a domicilio. Después trabajó como jardinero en Torrejón de Ardoz con uno de sus hermanos y, al volver del servicio militar, como taxista.

El Fary

En su barrio era conocido desde muy joven como El Farina de Las Ventas o El Farinilla de Las Ventas, ya que cantaba imitando el modo de interpretar de uno de sus grandes ídolos, Rafael Farina. De ahí surgió su sobrenombre, más tarde nombre artístico: El Fary. Pero además de cantar como Rafael Farina, gustaba de emular a otros grandes intérpretes de flamenco y de canción española, como Manolo Caracol, Juanito Valderrama y Pepe Marchena.

En la década de 1960 participó en tantos concursos radiofónicos como pudo y actuó en tantas fiestas locales como le fue posible, pues soñaba con dedicarse a la canción y estaba decidido a hacer realidad ese sueño. Fue entonces cuando tuvo una primera oportunidad importante. Le llegó cierto día en Córdoba, en 1967, cuando sustituyó a un cantaor que no podía actuar. El Fary cantó en su lugar. Quiso la casualidad que entre el público se hallara uno de sus cantantes más admirados, Antonio Molina, quien lo fichó para que participara en una gira.

Después, y gracias a la ayuda de algunos amigos y a sus propios ahorros, El Fary logró reunir las 80.000 pesetas que necesitaba para grabar un disco. Y fue así como en 1969 apareció Tres maletillas, disco del cual se hicieron 500 copias que el propio artista se encargó de vender en el Rastro de Madrid. En ese disco, El Fary se presentaba como el sucesor de Manolo Escobar, con un repertorio compuesto de bulerías y fandangos, y, de hecho, son muchos quienes consideran al cantante madrileño sucesor del popular intérprete de Mi carro. El Fary, que nació muy cerca de la plaza de toros de Las Ventas, estaba convencido que de no haberse dedicado a la canción hubiera sido torero.

En la década de 1970 empezó realmente su carrera como cantante de copla, pero por entonces el género conoció una cierta crisis que propició que El Fary se decantara por la música pop sin por ello perder del todo sus raíces. Así fue como inició su colaboración con diversos músicos y productores que modernizaron su estilo y depuraron sus maneras interpretativas, entre ellos Manuel Gas, Eddy Guerin y José Luis de Carlos, nombres señeros de la música pop española de la época. Se perfilaba un tipo de canción conocida como copla pop cuya figura más destacada sería, precisamente, El Fary.

Su primer elepé fue Ritmo caló (1975), al que siguió Soy gitanillo (1977), pero su carrera como cantante se consolidó en la década de 1980, cuando se convirtió en una figura realmente popular, en parte debido a sus primeras actuaciones en televisión y también gracias a las ventas de sus grabaciones, sobre todo en formato casete en las gasolineras y en los mercadillos.

En 1996 El Fary intervino como actor en una serie de televisión concebida a su medida: Menudo es mi padre. En ella interpretaba a un taxista que mantiene a una familia humilde. Incluso el título de la serie hace referencia a la propia estatura y al carácter del cantante.

Poco tiempo después, el actor y director de cine Santiago Segura recurrió a él para que grabara el tema principal de Torrente, el brazo tonto de la ley (1998); la canción, titulada Apatrullando la ciudad, se hizo muy popular. En Torrente 3: El protector (2005), la tercera entrega de la serie de películas de Santiago Segura que tiene como protagonista al personaje de Torrente, El Fary apareció en otro papel hecho a su medida y en el que se interpretaba a sí mismo.

El Fary en una actuación televisiva

Vendió miles de discos y fue autor de la letra e incluso de la música de algunas de sus canciones, cuyos temas extraía de su entorno más inmediato, de la vida en los barrios de la gran ciudad. Su último disco, Ese Fary, fue publicado en 2003, y de los once temas de que consta, siete se deben al propio artista. Dos años después empezó a comercializarse en el mercado una curiosa pieza de merchandising directamente relacionada con El Fary y conocida popularmente como El Carrofary, pequeña figurita de goma del cantante que fue diseñada para ser colgada en el espejo retrovisor de los automóviles.

En los últimos años, además de su actividad como cantante, apadrinó y produjo a jóvenes promesas del mundo de la canción, como es el caso de Javi Cantero, uno de sus hijos, y de Melody, que fue muy popular con su primer disco, que contenía el éxito El baile de los gorilas (2001). A principios de 2007, tras diagnosticársele el cáncer de pulmón que le llevaría a la tumba, El Fary se retiró de la actividad discográfica y de los escenarios. El mismo día de su muerte salió al mercado una amplia antología de canciones de El Fary, un doble compacto recopilatorio con sus mayores éxitos titulado Media verónica.

La capilla ardiente del popular cantante se instaló en la sala 22 del tanatorio de la M-30 de Madrid y fueron muchas las personas, tanto gente anónima como personalidades del mundillo artístico e incluso de la política, que se acercaron a darle el último adiós. Cabe destacar las palabras de la entonces ministra de Cultura del gobierno español, Carmen Calvo, que manifestó que la muerte de El Fary suponía “la pérdida de un personaje querido y popular”, alguien que consiguió convertirse en “ese héroe popular que sale de un lugar común y corriente, que ve cumplido su sueño de ser artista”. La ministra señaló además el carácter del cantante, “un hombre lleno de coraje, bondadoso y alegre”. Artistas ilustres como el cantante Antonio Carmona, miembro de una importante estirpe de músicos flamencos, no dudó en señalar a El Fary como “un gran amigo y un genio del flamenco”.

Hombre afable, cariñoso y simpático, se definía a sí mismo como “chiquito pero matón”, en referencia al éxito con las mujeres del que alardeaba y que decía haber tenido siempre a pesar de su físico. Es conocida la historia, referida por el propio cantante en diversas ocasiones, de su supuesta aventura con Ava Gardner, a la que acompañó al hotel en que ésta se alojaba a su paso por Madrid durante la época en que trabajaba como taxista. En el momento de morir, El Fary estaba casado con Concha Olmedillo, con quien había tenido dos hijos, Javier y Raúl. El cantante tenía otros dos hijos, Luis y Adela, de un matrimonio anterior.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Carabirubi.