viernes, 31 de diciembre de 2021

Silvestre Vargas


Silvestre Vargas Vázquez, más conocido como Silvestre Vargas, nació en​ Tecalitlán, México, el 31 de diciembre de 1901, y murió en su ciudad, el 7 de octubre de 1985. Músico y compositor.

El sitio www.visitjalisco.com.mx publicó este recordatorio.

EL LEGADO DE SILVESTRE VARGAS Y EL MEJOR MARIACHI DEL MUNDO

Silvestre Vargas es una de las más grandes leyendas de la música del Mariachi ¿Ya conoces su historia? Aquí te contamos todo acerca de su vida y del famoso Mariachi Vargas de Tecalitlán ¡El mejor mariachi del mundo!

El Mariachi es un estilo musical que ha marcado la vida de los mexicanos desde hace casi 400 años. Durante ese tiempo, la música que comenzó en el campo ha evolucionado hasta convertirse en lo que es hoy: un tesoro para la humanidad. El estado de Jalisco es reconocido internacionalmente por ser la cuna de este maravilloso estilo musical ¿Y cómo no serlo, si de su vientre han nacido los más grandes ídolos del mariachi?

El día de hoy hablaremos de uno de los grandes, su nombre es Silvestre Vargas, miembro del famoso Mariachi Vargas de Tecalitlán e incansable promotor de la música del mariachi. Acompáñanos a conocer su historia.

Silvestre Vargas nació el 31 de diciembre de 1901 en Tecalitlán, un pequeño municipio del estado de Jalisco que apenas cuenta con 16 mil habitantes, y heredó el amor por la música de su padre Don Gaspar Vargas, miembro y fundador del Mariachi Vargas de Tecalitlán. La agrupación que comenzó con una guitarra, un arpa y dos violines vio crecer al pequeño Silvestre, quien se esforzaba por alcanzar los estándares de su padre. A sus 13 años aprendió a tocar el violín pero no fue hasta los 20 que se integró formalmente a la agrupación formada por su padre. A partir de ese momento, la historia del Mariachi Vargas de Tecalitlán comenzó a cambiar. Con el apoyo y el entusiasmo de Silvestre Vargas, la agrupación comenzó a ser identificada por la alta sociedad de Tecalitlán y fue bajo su dirigencia que el Mariachi Vargas comenzó a ganar sus primeros concursos. Pero fue hasta 1934, tras haber obtenido el primer lugar en un concurso nacional de mariachis en la Ciudad de México que Don Silvestre Vargas y el Mariachi Vargas comenzaron a obtener reconocimiento a nivel nacional.

Estos grandes logros apenas fueron los primeros para Don Silvestre, quien comenzó a planear estratégicamente el futuro de su agrupación. Tras haber ganado aquel concurso, el presidente Lázaro Cárdenas les ofreció un trabajo permanente en la Jefatura de Policía del Distrito Federal. Y muy pronto se integraron importantes personajes al Mariachi como Miguel Lerdo de Tejada. Fue a partir de este momento que el futuro de Don Silvestre y el Mariachi Vargas comenzó a brillar con la participación del mariachi en más de 200 películas, una exitosa carrera discográfica, giras y cientos de presentaciones y conciertos acompañados de grandes artistas como: Jorge Negrete, Pedro Infante, Javier Solís, Lucha Reyes y Lola Beltrán.

De la mano de Don Rubén Fuentes, Don Silvestre se encargó de componer temas que hoy son un símbolo de identidad para todos los mexicanos, tal como: “El tecalitleco”, “El lunar que te vi”, El pasajero”, “Lupita” y “El cuatro”. Su legado es uno que vivirá para siempre en nuestros corazones y tal como lo hubiera dicho el… ¡Y no te rajes Jalisco!

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: La Negra.

jueves, 30 de diciembre de 2021

Paul Bowles


Paul Bowles nació en Nueva York, Estados Unidos, el 30 de diciembre de 1910, y murió en Tánger, Marruecos, el 18 de noviembre de 1999. Escritor, compositor y viajero.

El sitio www.lecturalia.com publicó este recordatorio.

Biografía de Paul Bowles

Escritor y compositor estadounidense nacido en Nueva York el 30 de diciembre de 1910 y fallecido en Tánger, Marruecos, el 18 de noviembre de 1999. Escapó a Europa muy joven después de diversas disputas familiares, estableciéndose en Francia, en donde entabló amistad con diversos literatos e intelectuales. Publicó algunos poemas, pero decidió dedicarse a la música, regresando a Nueva York para tomar clases de composición. Fue el autor de partituras para ballet, cine y teatro al tiempo que recorría diversos países como Marruecos, México (en donde vivió durante casi un lustro), Colombia, Guatemala y Costa Rica junto con la conocida dramaturga y novelista bisexual Jane Auer, con la que se casó (adoptando el nombre de Jane Bowles). Fue ella precisamente la que le animó a retomar la escritura. En 1947 el matrimonió se instaló en Tánger, en aquellos momentos bajo la protección de España, convirtiéndose esta ciudad magrebí en el escenario de gran parte de las novelas y relatos de Bowles. La obra de Bowles se revalorizó en la década de los ochenta, traduciéndose y publicándose en todo el mundo y en numerosos idiomas.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Música para una farsa, en la versión de Jon Manasse en clarinete; Kevin Cobb en trompeta; Susan Grace en piano; y John Kinzie en percusión.

miércoles, 29 de diciembre de 2021

Gali Atari

 

Avigail Atari, más conocida como Gali Atari, nació en Rehovot, Israel, el 29 de diciembre de 1953. Actriz y cantante.

Sus padres son originarios de Yemen. En 1971 apareció en la escena internacional, cuando representó a Israel en el Festival Mundial de la Canción Popular en Japón con las canciones All free y Give love away. En 1976 participó nuevamente en el concurso con la canción The Same Old Game. En 1979 ganó el Festival de Eurovisión, con el grupo Milk & Honey con Hallelujah.​ La letra es una alabanza a la belleza del mundo y de todas las cosas que han sido y serán. Fue número 1 en las listas de Suecia, Noruega e Irlanda, número 2 en Suiza, 4 en Bélgica y 5 en Reino Unido, donde actuó en el famoso Top of the Pops. A lo largo de los años la interpretó en distintos idiomas como alemán o ingles entre otros. En 1999 fue interpretada en el cierre del Festival de la Canción de Eurovisión, que se celebró en Jerusalén, por todos los concursantes como homenaje a las víctimas de la Guerra de los Balcanes.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con la canción Aleluya, en la versión realizada para los festejos del 70 aniversario de la creación del Estado de Israel, con la participación de Eden Ben-Zaken.

martes, 28 de diciembre de 2021

El Mirador Nocturno – Radio / Víctor Bendix - Sinfonía Nº 1 en Do Mayor Op. 16, Concierto para Piano y Orquesta en Sol Menor Op. 17.


Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Víctor Bendix, con la Sinfonía Nº 1 en Do Mayor Op. 16, y el Concierto para Piano y Orquesta en Sol Menor Op. 17.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Francesco Tamagno


Francesco Tamagno nació en Turín, Italia, el 28 de diciembre de 1850, y murió en Varese, Italia, el 31 de agosto de 1905. Tenor.

El sitio www.kripkit.com publicó este recordatorio.

Francesco Tamagno

Francesco Innocenzo Tamagno (28 de diciembre de 1850-31 de agosto de 1905) fue un tenor de ópera italiano.

De origen humilde, Francesco Tamagno nació en el barrio turinés de Borgo Dora, en una familia muy numerosa formada por quince hermanos y hermanas, diez de los cuales murieron muy jóvenes, algunos de cólera y otros de tuberculosis. Su padre Carlo fue el anfitrión de una modesta trattoria en Porta Palazzo (La Trattoria dei Pesci Vivi), mientras que su madre Margherita Protto murió cuando Francesco era todavía un niño. Trabajó desde muy joven en la trattoria familiar, como camarero. Su padre tenía una pasión por el bel canto que no cultivaba, pero que transmitía a sus hijos. Francesco, a quien su padre consideraba talentoso para la música, tomó algunas lecciones de un profesor de Turín e hizo ejercicios corales semanales con sus compañeros, bajo los arcos del puente Mosca della Dora, en un lugar suficientemente lejos de las casas. Un día tuvo la oportunidad de su vida: el Teatro Regio necesitaba urgentemente un tenor, para la Ópera Poliuto, porque uno de los comprimari había caído enfermo de repente. El maestro que le enseñó a cantar fue informado, pensó en él y señaló su nombre. Después de haber hecho su debut en 1871 en Turín, como comprimario en el Poliuto (en la parte de Nearco), Francesco Tamagno logró su primer éxito notable en Palermo, en 1875, en un ballo en maschera. Francesco Tamagno fue matriculado en La Fenice de Venecia, en 1874, como Pery en el Guarany y en el San Carlo de Nápoles. Hizo su debut en 1878 en La Scala de Milán, en L''african, y luego cantó en el Metropolitan De Nueva York, en 1894, como Arnold en Guglielmo Tell. El 2 de septiembre de 1879, su única y querida hija Margherita (1879 - 1942) nació de una relación clandestina con una noble que ya estaba casada. Tamagno, que nunca reveló el nombre de esta mujer, no solo no se alejó de sí misma a esa niña, tan "incómoda" para su carrera, sino que prefirió actuar como un "niño padre" , llevándola a todas partes con él y cuidándola con amor. Era sin duda una situación familiar muy inusual para esa época. Fue el protagonista en el estreno de Otello de Giuseppe Verdi el 5 de febrero de 1887, un papel que más tarde se convirtió en su caballo de batalla. Francesco Tamagno fue también el primer Gabriele Adorno, en la segunda versión de Simon Boccanegra de Verdi (Teatro della Scala, 24 de marzo de 1881). Primero interpretó el papel de Azaele en el hijo pródigo y Didier en Marion Delorme: dos obras compuestas por Amilcare Ponchielli. También tuvo en su repertorio títulos de la primera mitad del siglo XIX, incluyendo los hugonotes y el Profeta de Meyerbeer y el Guglielmo Tell de Rossini. A diferencia de Verdi, Tamagno viajó extensamente y también actuó en el extranjero, en la ciudad de México, Montevideo, Chicago, Buenos Aires, y en la Ópera Metropolitana de Nueva York (1894), donde tuvo un gran éxito. La última exposición pública del artista tuvo lugar el 27 de marzo de 1905 en el Circolo degli Artisti de Turín. Más tarde, después de un ataque mortal de angina de pecho, su salud disminuyó con temor, tanto que lo obligó a suspender su actividad indefinidamente. En la tarde del 30 de agosto de 1905, mientras visitaba a un amigo en Varese, Tamagno fue golpeado por una hemorragia cerebral, que lo hizo hundirse en un estado semi-consciente: el contenido fue transportado a la prestigiosa casa, Villa Margherita (llamada así en honor de su hija), donde los médicos trataron de salvar su vida. En la noche, sin embargo, llegó un segundo ataque, que no dejó más margen para la recuperación: el tenor explotó a las 7:30 del día siguiente. Por su voluntad expresa su cuerpo fue embalsamado y el funeral se celebró el 5 de septiembre en Turín, su ciudad natal. El famoso libretista Arrigo Boito, amigo de Tamagno, fue uno de los que llevaron el ataúd para el entierro. Está enterrado en un poderoso Mausoleo blanco de treinta y siete metros de altura, erigido por la voluntad de su hija Margaret, que se había encariñado mucho con su padre. El mausoleo se encuentra dentro del Cementerio Monumental de Turín, en la parte antigua (Quinta extensión). Esta suntuosa tumba fue comprada por el municipio de Turín en 1990. , y luego fue restaurado en 1999 su residencia Varese, rebautizada Villa Tamagno después de su muerte, en su lugar se convirtió en parte del Patrimonio de construcción del hospital de Circolo y Fondazione Macchi. Según los críticos, su voz, prodigiosa por el poder, por el timbre y por la extensión, y su vocalización vigorosa y definida lo convirtieron en el mayor tenor Verdi y uno de los mayores artistas de Ópera de finales del siglo XIX. Su técnica estaba vinculada a la de la tradición italiana, que todavía daba gran importancia a la inteligibilidad textual. Las vocales estaban bien diferenciadas, permitiendo una clara comprensión de los significados del libreto, mejorando así su interpretación dramática. Al escuchar las grabaciones históricas de la voz límpida de Tamagno, es evidente que la atribución del papel de Otello a una llamada voz oscura de tenor dramático, bordeando la del barítono, es más un hábito del siglo XX, que una verdadera elección artística querida por Verdi. A pesar de la gran fama y el bienestar económico alcanzado, Tamagno, consciente de sus orígenes modestos, mantuvo un nivel de vida particularmente frugal y ahorrador. Algunos de sus contemporáneos lo acusaron abiertamente de avaricia: de hecho, por ejemplo, el gran tenor durante sus frecuentes viajes se alojaba solo en hoteles de nivel medio - bajo, viajando en tren siempre en segunda clase, también lavaba toda su ropa y se llevaba de casa Las velas, para evitar pagarlas a un precio más alto.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Niun mi tema, de la ópera Otelo de Giuseppe Verdi.

lunes, 27 de diciembre de 2021

Oscar Levant


Oscar Levant nació en Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, el 27 de diciembre de 1906, y murió en Beverly Hills, California, Estados Unidos, el 14 de agosto de 1972. Pianista, compositor, autor, humorista y actor.

El sitio www.imdb.com publicó este recordatorio firmado por William McPeak.

Oscar Levant

Biografia

La propia versatilidad de Oscar Levant puede haber contribuido a nublar su memoria como una especie de utilitario de Hollywood, quizás en el peor sentido; la gente tendía a verlo como una entre muchas personalidades, pero era mucho más. Desafortunadamente, se olvida que fue, ante todo, un músico brillante y un compositor muy competente. Pertenecía a una familia judía rusa ortodoxa que crecía en el distrito Hill de Pittsburgh. Al igual que sus hermanos, comenzó sus lecciones de música a una edad temprana y con varios instrumentos, primero tomando lecciones de piano de su hermano mayor, Benjamin. A los siete años continuó tocando el piano con Martin Miessler, originario del Conservatorio de Leipzig. Levant estaba dando recitales públicos en el plazo de un año. Asistió a lecciones de música en la Fifth Avenue High School, Ignacy Jan Paderewski y conciertos dirigidos por Leopold Stokowski. Demmler invitó a Levant a acompañarlo en el repertorio de violín y piano, que fue la primera interpretación pública de Levant: solo tenía doce años.

Levant abandonó la escuela secundaria (Fifth Avenue) en 1922 cuando su madre decidió llevarlo a Nueva York para que continuara su instrucción musical. Allí estudió con Zygmunt Stojowski, compatriota y discípulo de Paderewski y alumno formado por Wladyslaw Zelenski, Louis-Joseph Diemer y Clement Philibert Léo Delibes. Al llegar a la edad adulta, Levant había desarrollado una personalidad atractiva y obstinada que se sintió atraída por la vida social de la ciudad. Una gran influencia en él fue el glamour y el encanto de Broadway, que vio de primera mano mientras contrataba como pianista para el escenario y los numerosos clubes nocturnos de la zona. Participó en la obra musical "Burlesque" (1927) y tuvo su primera temporada en Broadway componiendo como co-compositor de "Ripples" (1930). Aunque ofreció un recital privado a principios de diciembre de 1922 para Paderewski y mantuvo un horario de asistencia a los principales eventos musicales clásicos, también se estaba convirtiendo en una especie de bon vivant en los círculos de música popular y se sintió atraído por el lado más sórdido de la sociedad de Nueva York. Entablar relaciones con una variedad de mafiosos de la ciudad. Su movilidad en los círculos sociales fue, por decir lo mínimo, sorprendente. Más tarde, Levant se convirtió en miembro de la Mesa Redonda de Algonquin, el círculo exclusivo de escritores e ingeniosos de Nueva York que se reunía ahora en el Hotel Algonquin e incluía a luminarias comoRobert Benchley, Dorothy Parker y Alexander Woollcott.

Parecería natural que Levant eventualmente se sintiera atraído por el brillo de Hollywood. Probó el "cine" en 1923 cuando apareció con el popular director de orquesta Ben Bernie y su banda, All the Lads, en un esfuerzo de sonido experimental poco conocido de DeForest Phonofilm en la ciudad de Nueva York. De gira en un cabaret en Londres desde 1926, Levant se enteró de que los compositores y músicos de Nueva York iban hacia el oeste, a Hollywood, donde la música tenía una gran demanda. Se fue a la costa en 1928. Rápidamente consiguió un empleo como compositor, y desde ese año hasta 1929 sus composiciones aparecieron en 21 películas. De 1929 a 1937 compuso normal para películas, y un poco más esporádicamente de 1939 a 1948, para un total de 19 películas. Su mezcla con la élite musical de la ciudad amistad resultó en el desarrollo de una estrecha con el legendario compositor George Gershwin. La asociación resultó en una profunda relación musical. Todavía mantenía un pie en la escena musical de Nueva York, principalmente en Broadway y en Tin Pan Alley (coescribió muchas canciones pop). También volvió a hacer algunos conciertos (1930 y 1931) en dos grandes escenarios: el Hollywood Bowl y el Lewisohn Stadium de Nueva York.

En 1932, Levant estaba centrando su atención en la composición clásica y limitando sus conciertos. Su "Sonatina para piano" llamó la atención del compositor Aaron Copland, quien lo convenció de que la estrenara en abril de 1932 en el festival de música estadounidense contemporánea de Copland. Gershwin le pidió que tocara un segundo piano en una versión a dúo de "Second Rhapsody" bajo la dirección de Arturo Toscanini. También tocó, casi como suyo, el "Concierto en F" de Gershwin en 1932. Aunque Levant se lanzó una agenda apretada de presentaciones de radio de música clásica popular y fácil de escuchar, no hizo más conciertos públicos durante unos cinco años. Siguió el consejo de Gershwin y refrescó sus habilidades teóricas con Joseph Schillinger, un ruso que era un teórico / compositor residente de Hollywood. Levant no fue el único que utilizó los servicios de la escuela de música de Schillinger; En ese momento, algunos de los nombres más famosos de la era de las Big-Band que aparecían en la pantalla grande, incluidos Tommy Dorsey , Benny Goodman y Glenn Miller, también usaban el ruso. Esto fue en 1934, el mismo año en que la "Sinfonietta" de Levante (en tres movimientos) estrenada con Bernard Herrmann dirigiendo en Nueva York.

Levant regresó a Hollywood en 1935 para seguir componiendo películas, pero parte del tiempo se dedicó a estudiar con una de las grandes mentes musicales que llegó al sur de California, Arnold Schönberg. El tiempo de Schoenberg ya estaba lleno de compromisos académicos locales y estudiaba con algunos de los compositores más brillantes de Hollywood, incluidos Alfred Newman y Franz Waxman. El estudio de Levant abarcó desde 1935 hasta 1937. Parte del resultado fue la inspiración para completar su "Concierto para piano", el primero de varios cuartetos de cuerda (entre otras piezas que compuso, incluido un trío de instrumentos de viento), y el "Nocturno para orquesta" (estrenada en Los Ángeles en 1937). Este último fue lanzado por New Music Editions en 1936; esta fue su única partitura orquestal que se publicó. Mientras tanto, Levant estaba haciendo música para Hollywood. Su "Crayon est sur la Table", ("El lápiz está sobre la mesa") fue una especie de parodia de la ópera francesa al estilo de Claude Debussy. Fue una pieza central (aunque transformada como "Carnaval" con libreto en italiano) para la película de 20th Century Fox,

En julio de 1937 Gershwin falleció. Esto abrió un nuevo período de reconocimiento para Levant, ya que fue inmediatamente coronado como único intérprete y virtuoso intérprete de la música de Gershwin, el comienzo de un quijotesco reinado de 20 años. Ese mismo año, Levant comenzó su "Suite para orquesta" y terminó su orquestación a principios de 1938. En octubre de ese año regresó al este para debutar como director de Broadway mientras reemplazaba a su hermano Harry en 65 actuaciones de George S. Kaufman y Lorenz. Hart "El fabuloso inválido". Él aumentó eso al ver en el escenario de Broadway como compositor y director una nueva obra de Kaufman y Hart, "The American Way" en enero de 1939.

A mediados de ese año, Levant había vuelto a dar conciertos en todas las grandes ciudades estadounidenses, mostrando no solo obras de Gershwin como "Concerto in F" y "Rhapsody in Blue", sino también un repertorio completo que incluía una obra ocasional propia. , incluidas sus dos piezas de 1940 "Capricho para orquesta" y "Una nueva obertura y polca para 'Oscar Homolka'" (el actor). "Caprice" fue presentado en particular por el director británico Thomas Beecham. Pero estos fueron sus últimos grandes trabajos de concierto. Sin embargo, esto marcó una década de concertación, retransmisiones radiales y grabaciones con Columbia Records y grandes directores como Reiner, Eugene Ormandy, Andre Kostelanetz, Wallenstein, Morton Gould.

Ocasionalmente, Levant apareció en una película en una pieza de piano de exhibición, pero solo hay un puñado de papeles en películas en los que mostró su habilidad sustancial como actor. Se interpretó a sí mismo en la biografía altamente ficticia de Gershwin Rhapsody in Blue (1945), destacada por su interpretación de la pieza. Seguía siendo él mismo, pero de manera convincente en su personaje en uno de sus mejores papeles dramáticos como el pianista de concierto Sid Jeffers, el bromista (a menudo escribía sus propias líneas para los personajes de sus películas) en De amor también se muere (1946) con John Garfield y Joan Crawford. Entró al estudio para grabar un conjunto de extractos de"Tristan" de Richard Wagner arreglados para piano, violín y orquesta con violinista. Isaac Stern y el director Franz Waxman como parte de la banda sonora de la película. Pudo interpretar dos de sus piezas favoritas (el "Concierto para piano n. ° 1" de Pyotr Ilyich Tchaikovsky y "La danza del sable" de Aram Khachaturyan) cuando comenzó a hacer la sofisticada comedia The Barkleys of Broadway (1949). Unos años más tarde hizo sus dos últimas películas. En An American in Paris (1951) la atención se centra en Gene Kelly, pero un segundo cercano fue la música de Gershwin, el título de la película tomada de su extraordinario montaje de movimientos que visualizan París. Levant era su personaje de pianista despreocupado habitual, pero durante una secuencia de conciertos de fantasía, se destaca como interpretando al piano solista, al director ya los músicos representativos de cada instrumento de orquesta, un gran tour de force de sus conocimientos musicales. En su última película, Levant es una caricatura de sí mismo mezclada con el coguionista de la película, Adolph Green. Esta fue la comedia musical The Band Wagon (1953) en la que el amigo Fred Astaire también era una caricatura de sí mismo como un legendario pero significativo decadente cantante y bailarín que tiene un regreso estelar.

Levant pareció divertirse con esta película y su brillante guion que se burlaba del entretenimiento en general, pero su diálogo, obviamente más de su propia aportación, incluyó indicios de su progresivo declive, incluidas sus neurosis acumulativas y la hipocondría que lo acompaña. Su lengua extraordinariamente simplista e incisiva había evolucionado de las ingeniosas réplicas de la vida del partido a un patrón cada vez más autocrítico y mordaz que, a veces, se mostraba de manera más inapropiada en sus recitales de finales de la década de 1930. Sus comentarios espontáneos bordeaban, ya menudo fluían hacia una grosería franca y, a veces, una invectiva ligeramente velada. Parecía incapaz de resistirse a menospreciar sus propios esfuerzos musicales, la compulsión de parodiarse a sí mismo, revelar sus inseguridades y una necesidad instintiva de ser gracioso y hacer el payaso por su cuenta. Había cambiado el nombre de su "Poema para piano", "Insulto para piano" o "El llanero solitario de Viena". En respuesta a un amigo / promotor musical. En la entrevista radial de Robert Russell Bennett con Levant (1940) preguntándole qué pensaba sobre la recepción de su primer cuarto de cuerda, respondió: "Violentamente. No solo me trajo oscuridad sino muchos enemigos". Eso era típico de sus frases a veces inextricablemente extremas. Durante el apogeo de su concierto, Levant fue el concertista mejor pagado, pero después de 1951 canceló muchos compromisos, lo que finalmente provocó una prohibición temporal por parte de la Federación Estadounidense de Músicos. Todavía hubo conciertos ocasionales en la década de 1950, uno de los más memorables fue Royce Hall en UCLA (1958) cuando se lanzó al primer movimiento del segundo concierto para piano de Dmitri Shostakovich, sólo para olvidar su lugar y detenerse, volviéndose hacia el público y bromeando: "Ni siquiera sé dónde estoy. Voy a empezar de nuevo". Lo hizo, y con gran triunfo. Su último esfuerzo público ese mismo año fue el "Concierto en F" en el que hizo falta toda la insistencia del director Andre Kostelanetz para evitar que Levant simplemente se detuviera a mitad de camino y se bajara del escenario. Levant precedió a sus bises con la broma de que estaba "tocando bajo los auspicios de Mt. Sinai" (el hospital de alto perfil de Los Ángeles a menudo patrocinado por las estrellas).

Esa afirmación era bastante patéticamente cierta. Junto con enfermedades reales e imaginarias, el estado mental de Levant, siempre frágil en el mejor de los casos, se convirtió en un clásico pánico escénico. En ese momento ya era adicto a los medicamentos recetados y entraba y salía del hospital con regularidad. Su fiel segunda esposa de 33 años, la actriz y cantante June Gale, tuvo que internarlo en instituciones psiquiátricas en varias ocasiones. Sin embargo, Levant siguió adelante. Hubo una serie de grabaciones de álbumes a fines de la década de 1950. Hizo las rondas de algunos programas de juegos en horario estelar y programas de entrevistas de televisión nocturnos, en particular el de su amigo Jack Parr. Entre 1958 y 1960 tuvo su propio programa de televisión local de Los Ángeles en horario de máxima audiencia llamado "The Oscar Levant Show", que a veces ofrecía una mirada bastante moderada e íntima a la mente inquieta de Levant. Como un programa de entrevistas con invitados y Levante, generalmente rodeado de una nube por su fumador empedernido, tocando piezas improvisadas en el piano, fue inevitablemente cancelado debido a los controvertidos monólogos de Levant y los comentarios incendiarios y subidos de tono sobre las personalidades. Escribió tres memorias: "A Smattering of Ignorance" (1940), "Memoirs of an Amnesiac" (1965) y "The Unimportance of Being Oscar" (1968), cada una de ellas incisiva y extravagante en el contexto de la autoestima de Levant durante toda su vida. Análisis y visión sesgada de la humanidad. Se retiró cada vez más de cualquier tipo de exposición pública durante la última década de su vida. Siglo XX.

- Mini biografía de IMDb por: William McPeak

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la canción Tra-la-la (This Time It's Really Love), de la película Un Americano en París, junto a Gene Kelly.

domingo, 26 de diciembre de 2021

Shalom – Las XI Jornadas sefardíes en La Rioja

 

Shalom – Las XI Jornadas sefardíes en La Rioja

Las XI Jornadas sefardíes en La Rioja

Retomamos la celebración de las XI Jornadas de la Lengua Sefardí en La Rioja-.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/xi-jornadas-sefardies-rioja/6256882/


Earle Brown


Earle Brown nació en Lunenburg, Massachusetts, Estados Unidos, el 26 de diciembre de 1926, y murió en Rye, Nueva York, Estados Unidos, el 2 de julio de 2002. Compositor.

Su obra se caracteriza por la open form, o forma abierta, un estilo de construcción musical que influenció a muchos compositores, particularmente del downtown neoyorquino. En la mayor parte de sus composiciones, el orden de interpretación, queda a criterio del director durante la ejecución. El material musical se encuentra dividido en secuencias. De acuerdo al número de la página en que aparece la secuencia, el director utiliza sus manos para indicar a los músicos, qué parte debe ser interpretada. Por ese motivo, ninguna representación de sus obras escritas en este estilo es igual a otra. El autor relacionó su trabajo de las formas abiertas con las esculturas móviles de Alexander Calder. También inventó su propio sistema de notación musical. Entre sus trabajos más famosos se encuentran December 1952, con el uso de una partitura totalmente gráfica, y las obras en estilo open form tituladas Available Forms I & II. Los especialistas sostienen que December 1952 es quizás la composición más famosa y notable de su producción. Forma parte de un conjunto más amplio de música representada gráficamente denominado Folio. Consiste esencialmente en un conjunto de líneas horizontales y verticales de anchura variable, extendidas sobre la página. Es una obra capital en la historia de notación gráfica de la música. El trabajo del músico consiste en interpretar la partitura de manera visual, y transformar la información gráfica en música.

Partitura gráfica de December 52

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con December 52, en la versión del Ensamble de Música Contemporánea del Conservatorio Alberto Ginastera, dirigidos por Gonzalo Juan.

Still Crazy After All These Years - Paul Simon


sábado, 25 de diciembre de 2021

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Tuvia Bielski.


Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Tuvia Bielski, en el bosque éramos libres

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Tuvia Bielski creció en una familia judía de Stankiewicz, una pequeña aldea en el este de Polonia. Cuando los nazis comenzaron las ejecuciones masivas de judíos de Bielorrusia en 1941, Tuvia Bielski huyó al bosque de Naliboki con sus hermanos, creando una unidad partisana bien organizada. Jamás rechazó a ningún judío, joven o viejo, sano o que necesitara atención médica. Más de 1200 hombres, mujeres y niños sobrevivieron finalmente, lo que convirtió a los partisanos de Bielksi en los rescatadores armados más grandes de judíos por judíos.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Jean-Joseph de Mondonville

Jean-Joseph de Mondonville, también conocido como Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville, fue bautizado en Narbona, Francia, el 25 de diciembre de 1711, y murió en Belleville, Francia, el 8 de octubre de 1772. Violinista y compositor.

El sitio www.mcnbiografias.com publicó este recordatorio.

Mondonville, Jean Joseph Cassanea de (1711-1772).

Violinista y compositor francés, que inició sus estudios con su padre, músico en la Catedral de Narbona. Se estableció en París en 1731, publicando a continuación sus primeras colecciones de música instrumental. Fue primer violín en Lille y en 1734 debutó en el Concert Spirituel de París. Su reputación como virtuoso se extendió y en 1739 entró en la orquesta de la corte, donde mantuvo una intensa competencia con Guignon, el virtuoso del violín más grande de su tiempo, lo que le valió ser considerado al mismo nivel de éste y de Guillermain.

Dentro de sus obras instrumentales, algunas reflejan un espíritu innovador, sobre todo las concebidas para violín y clavecín, pero destacó sobre todo como compositor de óperas. Su Titon et l'aurore abrió la famosa polémica de los Bouffons (1752-1754) entre los seguidores de la ópera francesa y de la italiana. Fue director del Concert Spirituel de 1755 a 1762. Pese a que en sus últimos años perdió el favor del público, se mantuvo durante mucho tiempo en primera línea de la música francesa y sus motetes tampoco son en modo alguno desdeñable. Escribió motetes, sonatas, tríos y óperas; entre éstas, El carnaval del Parnaso; Dafris y Aleimadura.

A continuación, lo recordamos en el día de su bautismo, con el Gran Motete In exitu Israel, en la versión de Les Arts Florissants, dirigidos por William Christie.

 

Wolfgang Amadeus Mozart. Concierto para Piano y Orquesta Nº 21 en Do Mayor K. 467. Friedrich Gulda.

 

A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 21 en Do Mayor K. 467, en la versión de Friedrich Gulda, y la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Claudio Abbado.

viernes, 24 de diciembre de 2021

Murió Oscar López Ruiz, guitarrista, compositor todoterreno y compañero de ruta de Piazzolla

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este recordatorio.

Murió Oscar López Ruiz, guitarrista, compositor todoterreno y compañero de ruta de Piazzolla

Tenía 83 años y hacía varios días que estaba internado. Formó parte del Quinteto Nuevo Tango y el Octeto del notable bandoneonista. 

Fue esposo de la cantante de jazz Donna Caroll.

Oscar López Ruiz, guitarrista histórico de Astor Piazzolla.
Oscar López Ruiz, guitarrista histórico de Astor Piazzolla.

El guitarrista y compositor Oscar López Ruiz, quien tocó durante 25 años junto a Astor Piazzolla en diversas formaciones y también fue una figura prominente del jazz local, murió hoy a los 83 años a causa de una infección generalizada por la que estaba internado en un sanatorio porteño, informó a través de la cuenta de Facebook del músico su hija Alejandra López Jascalevich. “Vengo a informarles que mi padre acaba de fallecer”, posteó pasado el mediodía la hija, anunciando el deceso de su padre. “No quiero dejar pasar mi agradecimiento enormísimo a todos los que en estos días de esta espera desesperante me han acercado su afecto hacia él y su fuerza por una pronta recuperación, que sabíamos no sería posible”, agregó Alejandra.

Ella misma había hecho conocer la situación de su padre en una publicación de Facebook del martes pasado en que escribió: “Sólo nos queda esperar lo peor”. “Vengo a contarles que el estado de salud de mi padre es crítico. Internado por un cuadro de septicemia en terapia intensiva y entubado... su organismo no está respondiendo a los tratamientos”, escribió la hija del músico el martes, cuando era asistido en el sanatorio Güemes, dando cuenta de una situación que vivenciaba como irreparable.

Dueño de una destacada y larga trayectoria en la música popular argentina -ya sea como compositor, arreglador, director de orquesta o guitarrista-, el sonido de López Ruiz (al igual que el de su hermano, el contrabajista Jorge, fallecido en diciembre de 2018) estuvo inicialmente ligado al jazz. A lo largo de su vida colaboró con grupos y orquestas y tocó junto a Lalo Schifrin, Jorge López Ruiz, Buby Lavecchia, Sergio Mihanovich, Carlos García, Oscar Alemán, Leopoldo Federico, Dino Saluzzi, Leandro “Gato” Barbieri, Baby López Furst, Pichi Mazzei, Donna Caroll, Eladia Blázquez, Chico Novarro, Sergio Mihanovich, el cuarteto Zupay y Eduardo “Negro” Lagos, entre otros.

1983. Oscar López Ruiz y su guitarra eléctrica junto a Astor Piazzolla, haciendo vibrar al Teatro Colón con su bandoneón (Gentileza Oscar López Ruiz)
1983. Oscar López Ruiz y su guitarra eléctrica junto a Astor Piazzolla, haciendo vibrar al Teatro Colón con su bandoneón (Gentileza Oscar López Ruiz)

También se desempeñó como director musical del sello discográfico Trova entre 1967 y 1969, donde grabó a Enrique “Mono” Villegas, Astor Piazzolla, Chico Novarro y Horacio Ferrer, en una amplia lista de destacados artistas locales. En 1961 comenzó a tocar con el Quinteto Nuevo Tango, de Astor Piazzolla, e integró en el curso de los 25 años siguientes diversos grupos que el bandoneonista y compositor formó.

“Tenía 22 años cuando Astor me invitó a tocar en su grupo y apenas escuché dos notas me di cuenta que estaba en presencia de un groso de la música del mundo y lo disfruté. Cada uno de esos días fueron de un disfrute inigualable”, confesó López Ruiz en un video de la fundación Astor Piazzolla por el centenario del nacimiento del músico. Así, su inspirada guitarra también compartió creaciones del bandoneonista en Conjunto 9 y Octeto Astor Piazzolla, una experiencia estética y personal que además plasmó en tres ediciones del libro “Piazzolla, ¡loco!, ¡loco!, ¡loco!-25 años de laburo y jodas conviviendo con un genio” (la última lanzada a comienzos de 2018).

“Piazzolla estaba cincuenta años adelantado al resto de los músicos. Tocando a su lado, me di cuenta de que, modestamente, estaba contribuyendo a una historia cultural nueva”, dijo en un reportaje con Página/12 acerca del volumen donde visita el carácter indómito de Piazzolla.

Oscar López Ruiz junto a Piazzolla y demás músicos (Gentileza Oscar López Ruiz)
Oscar López Ruiz junto a Piazzolla y demás músicos (Gentileza Oscar López Ruiz)

Pero al margen de esa experiencia en el universo piazzolliano, López Ruiz compuso música para una veintena de filmes dirigidos, entre otros, por Fernando Ayala (Primero yo), Gerardo Sofovich (Los caballeros de la cama redonda, Las muñecas hace ¡pum! y La noche viene movida), Héctor Olivera (Las venganzas de Beto Sánchez), Leopoldo Torre Nilsson (La chica del lunes), Rodolfo Kuhn (Pajarito Gómez -una vida feliz-, La hora de María y el pájaro de oro y Ufa con el sexo) y David Stivel (Los herederos). Además creó partituras originales para espectáculos teatrales de Pepe Cibrián Campoy, Enrique Pinti Antonio Gasalla y para 35 puestas revisteriles en los teatros Maipo y Astros.

En 1966, Oscar se casó con la cantante Donna Caroll (quien murió en marzo de 2020) y quien fuera una de las grandes voces del jazz en la Argentina y protagonista de puestas de comedias musicales como El beso de la mujer arañaLas ridículas preciosas y A la capital. Juntos desde entonces se atrevieron a no pocas audacias como encarar el álbum Donna Caroll (1972) producido por Jorge Álvarez y dirigido por López Ruiz con las participaciones de Billy Bond y Alejandro Medina entre otras figuras de aquel incipiente rock argentino.

Fuente: Télam

A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento, con Lunfardo y Muerte del Angel, en un fragmento de la presentación en vivo, en el Festival de Montreal, Canadá, el 4 de julio de 1984.

Astor Piazzolla en bandoneón, Oscar López Ruiz en guitara, Fernando Suárez Paz en violín, Pablo Ziegler en piano, Héctor Console en contrabajo.

Domenico Sarro


Domenico Natale Sarro nació en Trani, Italia, el 24 de diciembre de 1679, y murió en Nápoles, Italia, el 25 de enero de 1744. Compositor.

El sitio www.classicistranieri.com publicó este recordatorio.

Domenico Natale Sarro (o Sarri) (Trani, 24 de diciembre de 1679 - Nápoles, 25 de enero de 1744) fue un compositor italiano.

Biografía

Los únicos avisos relativos a su juventud y su formación musical nos vienen de su contrato de matrimonio del 6 de febrero de 1705. Después de llegar a Nápoles, fue admitido en el Conservatorio de Sant'Onofrio en Porta Capuana, donde fue alumno de Angelo Durante (el tío del famoso Francesco Durante). En 1702 escribió su primera composición, la obra sacra L'opera d'amore, que estuvo representada en la Cofradía de la Santissima Trinità dei Pellegrini. Al año siguiente participó en un concurso para ocupar el puesto de director de coro de la corte napolitana dejada vacante por Alessandro Scarlatti: por lo tanto, tuvo que competir con Gaetano Veneziano, Cristoforo Caresana y Francesco Mancini. Al no obtener el puesto de director titular, asignado a Veneziano, en 1704 asumió el de subdirector de coro.

Entre 1706 y 1707 compuso varias obras para teatros napolitanos: en el verano de 1706 colaboró ​​con el compositor veneciano Tomaso Albinoni en la composición del drama La Griselda y su primera ópera, Candaule, re di Lidia , vio su estreno en octubre de el mismo año en el Teatro dei Fiorentini. En 1707 debido a la ocupación de Nápoles por los austriacos, Veneziano y Sarro perdieron el respeto: en su reemplazo, Alessandro Scarlatti regresó como primer maestro y fue nombrado zurdo para el puesto de segundo maestro. Así que hasta 1709 se dedicó únicamente a la composición de oratorios y serenatas. De 1709 a 1717 su producción musical sufrió un fuerte descenso: en estos años recordamos principalmente los interludios de Barilotto, representados en Venecia en el otoño de 1712, dos óperas representadas en 1713 en Nápoles y un gran número de cantatas para la Iglesia de San Paolo. Maggiore (de la que fue director de coro) y otras iglesias napolitanas.

De 1718 a 1741 se dedicó a la composición principalmente de dramas para música: entre las numerosas obras serias recordamos la Armida al campo ofrecida durante el Carnaval de 1718 en el Teatro San Bartolomeo y el Dido abandonado representado en 1724 en el mismo teatro, que fue la primera misa musical de un libreto de Pietro Metastasio. En 1720, después de haber sido reinstalado en el cargo de vicemaestre de la capilla de la corte, el 13 de abril también fue nombrado segundo maestro de la capilla de la ciudad de Nápoles; en 1728sucedió a Gaetano Greco convirtiéndose en el primer maestro del mismo. El 21 de agosto de 1737 ocupó también el cargo de maestro de la capilla real (sucediendo a Mancini). El 4 de noviembre, con la puesta en escena de la ópera Achille en Sciro, se inauguró el nuevo teatro San Carlo: siguieron las representaciones de Ezio (4 de noviembre de 1741) y de Alessandro en las Indias (Carnaval de 1743).

Consideraciones sobre el artista

Sarro fue un compositor de transición entre dos importantes generaciones de músicos napolitanos: una representada por Alessandro Scarlatti y Mancini y la otra por Nicola Porpora, Leonardo Vinci, Leonardo Leo y otros compositores más jóvenes. En sus primeras composiciones se denota un carácter casi contrapuntístico, en línea con el estilo de Scarlatti, mientras que a partir de 1718, en sus obras serias, éste se encuentra cada vez menos en la estructura musical y las melodías comienzan a adquirir mayor belleza. Se acercó tanto al estilo compositivo de Vinci que muchos historiadores (incluido Charles Burney ) lo consideraron un "imitador" más que un "inventor". Después de 1726, debido al dominio de Vinci y Hasse en el escenario musical de Nápoles, sus éxitos terminaron y ocupó una posición de segunda categoría.

En cuanto a sus obras sagradas, solo sabemos lo que informa el Diccionario histórico de Giuseppe Bertini, es decir, que fueron muy apreciadas en Alemania.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la cantata Andate o miei sospiri, en la versión de Lia Serafini, soprano, y el Ensemble Barocco Sans Souci.

jueves, 23 de diciembre de 2021

Miguel Faílde


Miguel Ramón Demetrio Faílde y Pérez, más conocido como Miguel Faílde, nació el 23 de diciembre de 1852 en Matanzas, Cuba, y murió en Matanzas, Cuba, el 26 de diciembre de 1921. Músico, creador del danzón, baile nacional de Cuba.

Su padre descubrió las aptitudes musicales del niño, y fue su primer maestro. A los 12 años tocaba el cornetín, y cuando falleció su padre, comenzó a estudiar con Federico Peclier, un profesor del Conservatorio de París. Posteriormente dirigió la Banda de Bomberos de su ciudad. En 1871 formó su propia banda musical, La Orquesta de Miguel Faílde, con la que actuó durante 50 años, y alcanzó gran popularidad. Fue multi instrumentista, además del cornetín tocaba violín, contrabajo, y viola. A pesar de no ser pianista, interpretaba piezas complejas en el piano. Como profesor de música, daba clases particulares en su casa, y participó, junto a un amigo en la edición del semanario literario Ideas Nuevas. Fue el creador del danzón, el baile nacional de Cuba, derivado de la contradanza. El título de la primera pieza de este género fue: Las alturas de Simpson, que fue estrenado por Miguel Faílde, el 1º de enero de 1879 en el Liceo de Matanzas. Obtuvo gran aceptación y mucho éxito en muy poco tiempo.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Las alturas de Simpson, en la versión de la Orquesta Faílde.

miércoles, 22 de diciembre de 2021

Franz Abt


Franz Wilhelm Abt nació en Eilenburgo, Sajonia, Alemania, el 22 de diciembre de 1819, y murió en Wiesbaden, Alemania, el 31 de marzo de 1885. Compositor, director de coro, y poeta.

Su padre fue clérigo y un pianista talentoso, que le dio su primera instrucción musical. Posteriormente estudió teología, en la Universidad de Leipzig con la intención de convertirse en miembro del clero, y música en la Thomasschule. Mientras estaba en la escuela, hizo amigo de Albert Lortzing, Felix Mendelssohn y Robert Schumann. En 1837 falleció su padre y se dedicó por completo a la música. Comenzó a componer y publicar, en su mayoría obras para piano escritas para su interpretación en los salones de Leipzig. En 1841 accedió al cargo de maestro de capilla en Bernburg, y tiempo después se mudó a Zurich. Allí fue nombrado director de casi todas las sociedades corales, y ganó premios para ellas. En 1852, Abt regresó a Alemania para convertirse en director musical del teatro de la corte de Braunschweig, donde sirvió hasta 1882. También dirigió coros en muchas capitales de Europa durante la década de 1850 hasta la de 1880. En 1872 realizó una gira por los Estados Unidos, donde fue recibido con un entusiasmo abrumador tanto por los críticos musicales como por el público. En 1882 se resintió su salud, y se instaló Wiesbaden donde pasó sus últimos años. Su producción abarca más de 600 números de opus que componen más de 3000 elementos individuales. Fue principalmente un compositor de música vocal y fue particularmente prolífico en la escritura de música para coros masculinos. Sus mayores éxitos en Alemania y Suiza los obtuvo con canciones para voces masculinas. También tuvo éxito con obras para coros mixtos, tanto a capella como con acompañamiento de piano, o de orquesta. También escribió numerosas canciones populares de arte vocal para voz solista, y  canciones para niños. Muchas de sus canciones integraron el repertorio popular, y varias fueron traducidas al inglés. También compuso muchas obras para piano y tres óperas: Des Königs Scharfschütz , Die Hauptprobe y Reisebekanntschaften.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Ständchen Op. 105 Nº 4, en la versión del Coro Die Singphoniker.

martes, 21 de diciembre de 2021

El Mirador Nocturno – Radio / Peter Lange-Müller - Suite para Orquesta En la Alhambra Op. 3, Trío para Piano en Fa Menor Op. 53.

Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los Tiempos, dedicado a Peter Lange-Müller, con la Suite para Orquesta En la Alhambra Op. 3, y el Trío para Piano en Fa Menor Op. 53.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Manolo Tena


José Manuel de Tena Tena, más conocido como Manolo Tena, nació en Benquerencia de la Serena, Badajoz, España, el 21 de diciembre de 1951, y murió en Madrid, España, el 4 de abril de 2016.​ Cantautor.

El sitio www.todomusica.org publicó este recordatorio.

Biografía de Manolo Tena

Biografía de Manolo Tena Manolo Tena nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952. De orígenes extremeños y condición humilde, su niñez no fue lo que se dice, un camino de rosas. Conflictivo sí, pero sin llegar a transgredir las normas básicas de su época. Eso lo haría un poco más tarde.

No quiso estudiar y, desde muy joven, se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etc. Con su primer sueldo se pagó su primera guitarra de palo. Sus siguientes ingresos los invirtió en libros y discos, dando poco a poco forma a su creatividad y reforzando su rebeldía.

En sus comienzos, Manolo Tena empezó a actuar con el seudónimo de Lolilla Cardo cantando temas sociales con sarcasmo. Luego paso a tocar con bandas underground como Spoonful. También llegaron ocasiones de colaborar con Luis Eduardo Aute para su álbum Babel (1975). Dos años después colaboró en el Laboratorio Colectivos Chueca compuesto por personajes inquietos de la escena madrileña. Y del deseo de hacer algo por sí solo, nació su primer grupo: Cucharada. Fue la primera experiencia que hubo en España de fusión del rock and roll y teatro, con un look estrafalario que dio pie al lema del grupo: la entronización del harapo. Era un grupo tan escénico como musical

Después de la desaparición de Cucharada en 1980, Manolo Tena formó otro nuevo grupo: Alarma!!! muy marcado por el after-punk y el reggae, por lo que tuvo que enfrentarse a la incomprensión de unos y la admiración de otros que mitificaron un tema como Frío. Se grabaron "Alarma!!!" (1984), "En el lado oscuro" (1985) y otro disco que ni siquiera les dejaron grabar con canciones de puro rock and roll que nada tenían que ver con los circuitos comerciales. En 1986 el grupo no volvió a existir. Curiosamente Alarma sigue teniendo el reconocimiento de crítica y público después de tanto tiempo.

Manolo Tena probó suerte en solitario y grabó "Tan raro" con el sello Elígeme gracias a Joaquín Sabina y al club que lleva ese nombre. A pesar de ser grabado con los mejores músicos y de ser un disco con canciones muy buenas, la promoción y la distribución fallaron y el resultado fue un fracaso. Empezó a componer para otros: Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total, etc. Pero a él no le llegaba el reconocimiento. Esperó cuatro años a que alguien le grabara un disco y, sin lograrlo, se fue a Miami. Allí se dio cuenta del protagonismo de la música caribeña y de la salsa. Y cuando estaba atravesando una crisis y se sentía sumido en la miseria llegó su sueño. Recibe una llamada de Nueva York y el Vicepresidente de Sony, Tomás Muñoz, y le propone un contrato con la Compañía que fue retomado por Claudio Condé a través de su sello Epic.

El disco "Sangre Española, puso las cosas en su sitio. Ganó mucho dinero, pero sabía que no podría vivir sólo de un éxito después de tantos años de silencio aparente. Tenía que ponerse a trabajar, y sacar otro disco cuanto antes... Sabía lo que le esperaba cuando apareciera su siguiente trabajo, aún sin apagarse los ecos del primero. La crítica fue dura, y la respuesta...la esperada. Pero él, regateó la adversidad premeditada, y dejó que la corriente de la crítica vulgar corriera por sus espaldas sin calarle en lo más mínimo.

Tres años después, con aires de Nueva York, Manolo Tena ha logrado meter a Federico García Lorca entre la maraña intestinal del lenguaje disparatado, rítmico-urbano, descastado, desclasado y protestón que utilizan los negritos neoyorquinos. Por el túnel del tiempo, de ese tiempo que Federico no necesita porque es intemporal, Tena nos presenta en su última producción discográfica "Poeta en Nueva York", una cara distinta del poeta Andaluz. Una faceta que adivina con fino olfato el creador, en los versos neoyorquinos.

En 2008 Manolo Tena publica "Canciones Nuevas", la vuelta del Manolo Tena poeta, romántico, rockero, inconformista y sensual que echábamos de menos. En esta ocasión, Manolo Tena nos presenta un álbum con un sonido propio, muy cerca de los grandes clásicos, y en el que redescubrimos a un Manolo Tena más actual pero con sus esencias de siempre. El álbum incluye 12 nuevos temas, cada uno en su estilo dejando claro porque es parte de la historia del rock español.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con A ninguna parte.

lunes, 20 de diciembre de 2021

Irene Dunne


Irene Dunne nació en Louisville, Kentucky, Estados Unidos, el 20 de diciembre de 1898, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 4 de septiembre de 1990. Actriz y cantante.

El sitio www.alohacriticon.com publicó este recordatorio.

IRENE DUNNE

(1898-1990)

Medía 1’65.

Aunque no muy conocida entre el público no cinéfilo, Irene Dunne fue una de las más grandes, mejores y versátiles estrellas del cine de Hollywood en las décadas de los 30 y 40.

Irene nació el 20 de diciembre del año 1898 en Louisville, Kentucky (Estados Unidos).

Su padre se dedicaba a supervisar barcos de vapor y su madre era pianista.

Fue su progenitora (su padre falleció en 1910) quien le inculcó un profundo amor hacia la música y quien le propuso estudiar canto.

El primer deseo de Irene fue ser intérprete de ópera, pero tras fracasar en el intento de formar parte del Metropolitan de Nueva York, terminó apareciendo en multitud de comedias musicales de Broadway durante la década de los 20.

En el año 1928 contrajo matrimonio con el dentista Francis Griffin, el único amor de su vida y con quien estuvo casada hasta 1965, año del fallecimiento de Francis.

La pareja adoptó una hija a la que llamaron Mary Frances.

Después de muchas actuaciones teatrales, la actriz y cantante de Kentucky logró firmar un contrato en 1930 con la RKO, después de que cazatalentos de la famosa compañía contemplaran cantar e interpretar a la actriz en el musical “Magnolia”.

Su debut cinematográfico se produjo con la comedia musical de Edward F. Cline “Leathernecking” (1930).

Durante toda la década de los 30, Irene alternó comedias, musicales, dramas, películas románticas, westerns…

Sus títulos más importantes son…

“Cimarron” (1931) de Wesley Ruggles

“Roberta” (1935), musical, comedia y romance con dirección de William A. Seiter y con Irene como especialista en moda junto a Randolph Scott, Fred Astaire y Ginger Rogers

“Sublime Obsesión” (1931) de John M. Stahl

“Magnolia” (1936) de James Whale

“Los Pecados De Teodora” (1936) de Richard Boleslawski

“La Pícara Puritana” (1937), screwball comedy de Leo McCarey

“La Furia Del Oro Negro” (1937) de Rouben Mamoulian

“El Placer De Vivir” (1938) de Tay Garnett

la primera versión del film romántico “Tú y Yo” (1939) dirigida por Leo McCarey.

En “La Pícara Puritana” coincidió por primera vez con el fenomenal actor Cary Grant, con quien irradió química en ésta y en sus siguientes colaboraciones: la comedia “Mi Mujer Favorita” (1940), película con Randolph Scott y Gail Patrick en el reparto, y el drama familiar “Serenata Nostálgica” (1941).

Con Charles Boyer inició una asociación en “Tú y Yo” que continuó con “Huracán” (1939) y “Otra Vez Juntos” (1944).

En los años 30 Irene fue nominada al Oscar (premio que nunca consiguió) en cuatro ocasiones. La primera en 1930 por “Cimarrón” (ganó la estatuilla Marie Dressler por “Fruta Amarga”), la segunda en 1936 gracias a su actuación en la comedia “Los Pecados De Teodora” (la ganadora fue Luise Rainer por “El Gran Ziegfeld”), la tercera en 1937 por “La Pícara Puritana” (se llevó la estatuilla de nuevo Luise Rainer, ahora por su interpretación en “La Buena Tierra”) y la cuarta en 1939 por “Tú y Yo” (la triunfadora fue Vivien Leigh por “Lo Que El Viento Se Llevó”).

En la década de los 40 Irene intervino con menos constancia que en la precedente, con papeles muy diversificados aunque con mayor querencia por la comedia.

Junto a las citadas “Mi Mujer Favorita” (1940) de Garson Kanin, “Serenata Nostálgica” (1941), dirigida por George Stevens y “Juntos De Nuevo” (1944) de Charles Vidor, las mejores películas de Dunne fueron “Una Dama En Apuros” (1942) de Gregory La Cava, “Las Rocas Blancas De Dover” (1944) de Clarence Brown, “Locamente Enamorada” (1945) de Charles Vidor, “Ana y el Rey De Siam” (1946) de Johm Cromwell, “Vivir Con Papá” (1947) de Michael Curtiz y “Nunca La Olvidaré” (1949) de George Stevens.

Por este último título, Irene fue nominada por quinta y última vez al Oscar.

De nuevo la fortuna fue esquiva y la estupenda actriz y cantante se quedó sin su premio, que fue a parar a manos de Jane Wyman por “Belinda”.

A comienzos de los años 50 se alejó del cine.

En 1950 protagonizó “The Mudlark” (1950), una película dirigida por Jean Negulesco.

Su última película cinematográfica fue “It Grows On Trees” (1952), fantasía de humor con dirección de Arthur Lubin.

Con posterioridad pudo ser vista en teleseries, entre ellas “Frontier Circus”.

Tras su retiro voluntario como actriz a comienzos de los años 60, Irene se dedicó a causas humanitarias y a colaborar con las Naciones Unidas.

Falleció en la ciudad de Los Angeles a causa de problemas cardiacos el 4 de septiembre de 1990.

Tenía 90 años de edad.

Está enterrada en el cementerio Calvary, de Los Angeles, California.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Smoke Gets in Your Eyes.