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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Silvestre Vargas Vázquez, más conocido como Silvestre
Vargas, nació en Tecalitlán, México, el 31 de diciembre de 1901, y murió en su ciudad,
el 7 de octubre de 1985. Músico
y compositor.
EL LEGADO DE SILVESTRE VARGAS Y EL MEJOR MARIACHI DEL MUNDO
Silvestre Vargas es una de las más grandes leyendas de la
música del Mariachi ¿Ya conoces su historia? Aquí te contamos todo acerca de su
vida y del famoso Mariachi Vargas de Tecalitlán ¡El mejor mariachi del mundo!
El Mariachi es un estilo musical que ha marcado la vida de
los mexicanos desde hace casi 400 años. Durante ese tiempo, la música que
comenzó en el campo ha evolucionado hasta convertirse en lo que es hoy: un
tesoro para la humanidad. El estado de Jalisco es reconocido internacionalmente
por ser la cuna de este maravilloso estilo musical ¿Y cómo no serlo, si de su
vientre han nacido los más grandes ídolos del mariachi?
El día de hoy hablaremos de uno de los grandes, su nombre es
Silvestre Vargas, miembro del famoso Mariachi Vargas de Tecalitlán e incansable
promotor de la música del mariachi. Acompáñanos a conocer su historia.
Silvestre Vargas nació el 31 de diciembre de 1901 en
Tecalitlán, un pequeño municipio del estado de Jalisco que apenas cuenta con 16
mil habitantes, y heredó el amor por la música de su padre Don Gaspar Vargas,
miembro y fundador del Mariachi Vargas de Tecalitlán. La agrupación que comenzó
con una guitarra, un arpa y dos violines vio crecer al pequeño Silvestre, quien
se esforzaba por alcanzar los estándares de su padre. A sus 13 años aprendió a
tocar el violín pero no fue hasta los 20 que se integró formalmente a la
agrupación formada por su padre. A partir de ese momento, la historia del
Mariachi Vargas de Tecalitlán comenzó a cambiar. Con el apoyo y el entusiasmo
de Silvestre Vargas, la agrupación comenzó a ser identificada por la alta
sociedad de Tecalitlán y fue bajo su dirigencia que el Mariachi Vargas comenzó
a ganar sus primeros concursos. Pero fue hasta 1934, tras haber obtenido el
primer lugar en un concurso nacional de mariachis en la Ciudad de México que
Don Silvestre Vargas y el Mariachi Vargas comenzaron a obtener reconocimiento a
nivel nacional.
Estos grandes logros apenas fueron los primeros para Don
Silvestre, quien comenzó a planear estratégicamente el futuro de su agrupación.
Tras haber ganado aquel concurso, el presidente Lázaro Cárdenas les ofreció un
trabajo permanente en la Jefatura de Policía del Distrito Federal. Y muy pronto
se integraron importantes personajes al Mariachi como Miguel Lerdo de Tejada.
Fue a partir de este momento que el futuro de Don Silvestre y el Mariachi
Vargas comenzó a brillar con la participación del mariachi en más de 200
películas, una exitosa carrera discográfica, giras y cientos de presentaciones
y conciertos acompañados de grandes artistas como: Jorge Negrete, Pedro
Infante, Javier Solís, Lucha Reyes y Lola Beltrán.
De la mano de Don Rubén Fuentes, Don Silvestre se encargó de
componer temas que hoy son un símbolo de identidad para todos los mexicanos,
tal como: “El tecalitleco”, “El lunar que te vi”, El pasajero”, “Lupita” y “El
cuatro”. Su legado es uno que vivirá para siempre en nuestros corazones y tal
como lo hubiera dicho el… ¡Y no te rajes Jalisco!
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con uno de sus grandes éxitos: La Negra.
Paul Bowles nació en Nueva York, Estados Unidos, el 30 de
diciembre de 1910, y murió en Tánger, Marruecos, el 18 de noviembre de 1999. Escritor,
compositor y viajero.
Escritor y compositor estadounidense nacido en Nueva York el
30 de diciembre de 1910 y fallecido en Tánger, Marruecos, el 18 de noviembre de
1999. Escapó a Europa muy joven después de diversas disputas familiares,
estableciéndose en Francia, en donde entabló amistad con diversos literatos e
intelectuales. Publicó algunos poemas, pero decidió dedicarse a la música, regresando
a Nueva York para tomar clases de composición. Fue el autor de partituras para
ballet, cine y teatro al tiempo que recorría diversos países como Marruecos,
México (en donde vivió durante casi un lustro), Colombia, Guatemala y Costa
Rica junto con la conocida dramaturga y novelista bisexual Jane Auer, con la
que se casó (adoptando el nombre de Jane Bowles). Fue ella precisamente la que
le animó a retomar la escritura. En 1947 el matrimonió se instaló en Tánger, en
aquellos momentos bajo la protección de España, convirtiéndose esta ciudad
magrebí en el escenario de gran parte de las novelas y relatos de Bowles. La
obra de Bowles se revalorizó en la década de los ochenta, traduciéndose y
publicándose en todo el mundo y en numerosos idiomas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Música para una farsa, en la versión de Jon Manasse en clarinete; Kevin
Cobb en trompeta; Susan Grace en piano; y John Kinzie en percusión.
Avigail Atari, más conocida como Gali Atari, nació en Rehovot,
Israel, el 29 de diciembre de 1953. Actriz y cantante.
Sus padres son originarios de Yemen. En 1971 apareció en la
escena internacional, cuando representó a Israel en el Festival Mundial de la
Canción Popular en Japón con las canciones All free y Give love away. En 1976 participó
nuevamente en el concurso con la canción The Same Old Game. En 1979 ganó el
Festival de Eurovisión, con el grupo Milk & Honey con Hallelujah. La letra es una alabanza a la
belleza del mundo y de todas las cosas que han sido y serán. Fue número 1 en
las listas de Suecia, Noruega e Irlanda, número 2 en Suiza, 4 en Bélgica y 5 en
Reino Unido, donde actuó en el famoso Top of the Pops. A lo largo de los años
la interpretó en distintos idiomas como alemán o ingles entre otros. En 1999
fue interpretada en el cierre del Festival de la Canción de Eurovisión, que se
celebró en Jerusalén, por todos los concursantes como homenaje a las víctimas
de la Guerra de los Balcanes.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con la canción Aleluya,
en la versión realizada para los festejos del 70 aniversario de la creación del
Estado de Israel, con la participación de Eden Ben-Zaken.
Hoy les presento el 4º programa de La Música de Todos Los Tiempos,
dedicado a Víctor Bendix, con la Sinfonía Nº 1 en Do Mayor Op. 16, y el Concierto
para Piano y Orquesta en Sol Menor Op. 17.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Francesco Innocenzo Tamagno (28 de diciembre de 1850-31 de
agosto de 1905) fue un tenor de ópera italiano.
De origen humilde, Francesco Tamagno nació en el barrio
turinés de Borgo Dora, en una familia muy numerosa formada por quince hermanos
y hermanas, diez de los cuales murieron muy jóvenes, algunos de cólera y otros
de tuberculosis. Su padre Carlo fue el anfitrión de una modesta trattoria en
Porta Palazzo (La Trattoria dei Pesci Vivi), mientras que su madre Margherita
Protto murió cuando Francesco era todavía un niño. Trabajó desde muy joven en
la trattoria familiar, como camarero. Su padre tenía una pasión por el bel
canto que no cultivaba, pero que transmitía a sus hijos. Francesco, a quien su
padre consideraba talentoso para la música, tomó algunas lecciones de un
profesor de Turín e hizo ejercicios corales semanales con sus compañeros, bajo
los arcos del puente Mosca della Dora, en un lugar suficientemente lejos de las
casas. Un día tuvo la oportunidad de su vida: el Teatro Regio necesitaba
urgentemente un tenor, para la Ópera Poliuto, porque uno de los comprimari
había caído enfermo de repente. El maestro que le enseñó a cantar fue
informado, pensó en él y señaló su nombre. Después de haber hecho su debut en
1871 en Turín, como comprimario en el Poliuto (en la parte de Nearco),
Francesco Tamagno logró su primer éxito notable en Palermo, en 1875, en un
ballo en maschera. Francesco Tamagno fue matriculado en La Fenice de Venecia,
en 1874, como Pery en el Guarany y en el San Carlo de Nápoles. Hizo su debut en
1878 en La Scala de Milán, en L''african, y luego cantó en el Metropolitan De
Nueva York, en 1894, como Arnold en Guglielmo Tell. El 2 de septiembre de 1879,
su única y querida hija Margherita (1879 - 1942) nació de una relación
clandestina con una noble que ya estaba casada. Tamagno, que nunca reveló el
nombre de esta mujer, no solo no se alejó de sí misma a esa niña, tan
"incómoda" para su carrera, sino que prefirió actuar como un
"niño padre" , llevándola a todas partes con él y cuidándola con
amor. Era sin duda una situación familiar muy inusual para esa época. Fue el
protagonista en el estreno de Otello de Giuseppe Verdi el 5 de febrero de 1887,
un papel que más tarde se convirtió en su caballo de batalla. Francesco Tamagno
fue también el primer Gabriele Adorno, en la segunda versión de Simon
Boccanegra de Verdi (Teatro della Scala, 24 de marzo de 1881). Primero
interpretó el papel de Azaele en el hijo pródigo y Didier en Marion Delorme:
dos obras compuestas por Amilcare Ponchielli. También tuvo en su repertorio
títulos de la primera mitad del siglo XIX, incluyendo los hugonotes y el
Profeta de Meyerbeer y el Guglielmo Tell de Rossini. A diferencia de Verdi, Tamagno
viajó extensamente y también actuó en el extranjero, en la ciudad de México,
Montevideo, Chicago, Buenos Aires, y en la Ópera Metropolitana de Nueva York
(1894), donde tuvo un gran éxito. La última exposición pública del artista tuvo
lugar el 27 de marzo de 1905 en el Circolo degli Artisti de Turín. Más tarde,
después de un ataque mortal de angina de pecho, su salud disminuyó con temor,
tanto que lo obligó a suspender su actividad indefinidamente. En la tarde del
30 de agosto de 1905, mientras visitaba a un amigo en Varese, Tamagno fue
golpeado por una hemorragia cerebral, que lo hizo hundirse en un estado
semi-consciente: el contenido fue transportado a la prestigiosa casa, Villa
Margherita (llamada así en honor de su hija), donde los médicos trataron de
salvar su vida. En la noche, sin embargo, llegó un segundo ataque, que no dejó
más margen para la recuperación: el tenor explotó a las 7:30 del día siguiente.
Por su voluntad expresa su cuerpo fue embalsamado y el funeral se celebró el 5
de septiembre en Turín, su ciudad natal. El famoso libretista Arrigo Boito,
amigo de Tamagno, fue uno de los que llevaron el ataúd para el entierro. Está
enterrado en un poderoso Mausoleo blanco de treinta y siete metros de altura,
erigido por la voluntad de su hija Margaret, que se había encariñado mucho con
su padre. El mausoleo se encuentra dentro del Cementerio Monumental de Turín,
en la parte antigua (Quinta extensión). Esta suntuosa tumba fue comprada por el
municipio de Turín en 1990. , y luego fue restaurado en 1999 su residencia
Varese, rebautizada Villa Tamagno después de su muerte, en su lugar se
convirtió en parte del Patrimonio de construcción del hospital de Circolo y
Fondazione Macchi. Según los críticos, su voz, prodigiosa por el poder, por el
timbre y por la extensión, y su vocalización vigorosa y definida lo
convirtieron en el mayor tenor Verdi y uno de los mayores artistas de Ópera de
finales del siglo XIX. Su técnica estaba vinculada a la de la tradición
italiana, que todavía daba gran importancia a la inteligibilidad textual. Las
vocales estaban bien diferenciadas, permitiendo una clara comprensión de los
significados del libreto, mejorando así su interpretación dramática. Al
escuchar las grabaciones históricas de la voz límpida de Tamagno, es evidente
que la atribución del papel de Otello a una llamada voz oscura de tenor
dramático, bordeando la del barítono, es más un hábito del siglo XX, que una
verdadera elección artística querida por Verdi. A pesar de la gran fama y el
bienestar económico alcanzado, Tamagno, consciente de sus orígenes modestos,
mantuvo un nivel de vida particularmente frugal y ahorrador. Algunos de sus
contemporáneos lo acusaron abiertamente de avaricia: de hecho, por ejemplo, el
gran tenor durante sus frecuentes viajes se alojaba solo en hoteles de nivel
medio - bajo, viajando en tren siempre en segunda clase, también lavaba toda su
ropa y se llevaba de casa Las velas, para evitar pagarlas a un precio más alto.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el aria Niun mi tema, de la ópera Otelo de Giuseppe Verdi.
Oscar Levant nació en Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, el 27 de diciembre de
1906, y murió en Beverly Hills, California, Estados Unidos, el 14 de agosto de 1972. Pianista,
compositor, autor, humorista y actor.
El sitio www.imdb.com publicó
este recordatorio firmado por William McPeak.
Oscar Levant
Biografia
La propia versatilidad de Oscar Levant puede haber
contribuido a nublar su memoria como una especie de utilitario de Hollywood,
quizás en el peor sentido; la gente tendía a verlo como una entre muchas
personalidades, pero era mucho más. Desafortunadamente, se olvida que fue, ante
todo, un músico brillante y un compositor muy competente. Pertenecía a una
familia judía rusa ortodoxa que crecía en el distrito Hill de Pittsburgh. Al
igual que sus hermanos, comenzó sus lecciones de música a una edad temprana y
con varios instrumentos, primero tomando lecciones de piano de su hermano
mayor, Benjamin. A los siete años continuó tocando el piano con Martin
Miessler, originario del Conservatorio de Leipzig. Levant estaba dando
recitales públicos en el plazo de un año. Asistió a lecciones de música en la
Fifth Avenue High School, Ignacy Jan Paderewski y conciertos dirigidos por
Leopold Stokowski. Demmler invitó a Levant a acompañarlo en el repertorio de
violín y piano, que fue la primera interpretación pública de Levant: solo tenía
doce años.
Levant abandonó la escuela secundaria (Fifth Avenue) en 1922
cuando su madre decidió llevarlo a Nueva York para que continuara su
instrucción musical. Allí estudió con Zygmunt Stojowski, compatriota y
discípulo de Paderewski y alumno formado por Wladyslaw Zelenski, Louis-Joseph
Diemer y Clement Philibert Léo Delibes. Al llegar a la edad adulta, Levant
había desarrollado una personalidad atractiva y obstinada que se sintió atraída
por la vida social de la ciudad. Una gran influencia en él fue el glamour y el
encanto de Broadway, que vio de primera mano mientras contrataba como pianista
para el escenario y los numerosos clubes nocturnos de la zona. Participó en la
obra musical "Burlesque" (1927) y tuvo su primera temporada en
Broadway componiendo como co-compositor de "Ripples" (1930). Aunque
ofreció un recital privado a principios de diciembre de 1922 para Paderewski y
mantuvo un horario de asistencia a los principales eventos musicales clásicos,
también se estaba convirtiendo en una especie de bon vivant en los círculos de
música popular y se sintió atraído por el lado más sórdido de la sociedad de
Nueva York. Entablar relaciones con una variedad de mafiosos de la ciudad. Su
movilidad en los círculos sociales fue, por decir lo mínimo, sorprendente. Más
tarde, Levant se convirtió en miembro de la Mesa Redonda de Algonquin, el
círculo exclusivo de escritores e ingeniosos de Nueva York que se reunía ahora
en el Hotel Algonquin e incluía a luminarias comoRobert Benchley, Dorothy
Parker y Alexander Woollcott.
Parecería natural que Levant eventualmente se sintiera
atraído por el brillo de Hollywood. Probó el "cine" en 1923 cuando
apareció con el popular director de orquesta Ben Bernie y su banda, All the
Lads, en un esfuerzo de sonido experimental poco conocido de DeForest Phonofilm
en la ciudad de Nueva York. De gira en un cabaret en Londres desde 1926, Levant
se enteró de que los compositores y músicos de Nueva York iban hacia el oeste,
a Hollywood, donde la música tenía una gran demanda. Se fue a la costa en 1928.
Rápidamente consiguió un empleo como compositor, y desde ese año hasta 1929 sus
composiciones aparecieron en 21 películas. De 1929 a 1937 compuso normal para
películas, y un poco más esporádicamente de 1939 a 1948, para un total de 19
películas. Su mezcla con la élite musical de la ciudad amistad resultó en el
desarrollo de una estrecha con el legendario compositor George Gershwin. La
asociación resultó en una profunda relación musical. Todavía mantenía un pie en
la escena musical de Nueva York, principalmente en Broadway y en Tin Pan Alley
(coescribió muchas canciones pop). También volvió a hacer algunos conciertos
(1930 y 1931) en dos grandes escenarios: el Hollywood Bowl y el Lewisohn
Stadium de Nueva York.
En 1932, Levant estaba centrando su atención en la
composición clásica y limitando sus conciertos. Su "Sonatina para
piano" llamó la atención del compositor Aaron Copland, quien lo convenció
de que la estrenara en abril de 1932 en el festival de música estadounidense
contemporánea de Copland. Gershwin le pidió que tocara un segundo piano en una
versión a dúo de "Second Rhapsody" bajo la dirección de Arturo
Toscanini. También tocó, casi como suyo, el "Concierto en F" de
Gershwin en 1932. Aunque Levant se lanzó una agenda apretada de presentaciones
de radio de música clásica popular y fácil de escuchar, no hizo más conciertos
públicos durante unos cinco años. Siguió el consejo de Gershwin y refrescó sus
habilidades teóricas con Joseph Schillinger, un ruso que era un teórico / compositor
residente de Hollywood. Levant no fue el único que utilizó los servicios de la
escuela de música de Schillinger; En ese momento, algunos de los nombres más
famosos de la era de las Big-Band que aparecían en la pantalla grande,
incluidos Tommy Dorsey , Benny Goodman y Glenn Miller, también usaban el ruso.
Esto fue en 1934, el mismo año en que la "Sinfonietta" de Levante (en
tres movimientos) estrenada con Bernard Herrmann dirigiendo en Nueva York.
Levant regresó a Hollywood en 1935 para seguir componiendo
películas, pero parte del tiempo se dedicó a estudiar con una de las grandes
mentes musicales que llegó al sur de California, Arnold Schönberg. El tiempo de
Schoenberg ya estaba lleno de compromisos académicos locales y estudiaba con
algunos de los compositores más brillantes de Hollywood, incluidos Alfred
Newman y Franz Waxman. El estudio de Levant abarcó desde 1935 hasta 1937. Parte
del resultado fue la inspiración para completar su "Concierto para
piano", el primero de varios cuartetos de cuerda (entre otras piezas que
compuso, incluido un trío de instrumentos de viento), y el "Nocturno para
orquesta" (estrenada en Los Ángeles en 1937). Este último fue lanzado por
New Music Editions en 1936; esta fue su única partitura orquestal que se
publicó. Mientras tanto, Levant estaba haciendo música para Hollywood. Su
"Crayon est sur la Table", ("El lápiz está sobre la mesa")
fue una especie de parodia de la ópera francesa al estilo de Claude Debussy.
Fue una pieza central (aunque transformada como "Carnaval" con
libreto en italiano) para la película de 20th Century Fox,
En julio de 1937 Gershwin falleció. Esto abrió un nuevo
período de reconocimiento para Levant, ya que fue inmediatamente coronado como
único intérprete y virtuoso intérprete de la música de Gershwin, el comienzo de
un quijotesco reinado de 20 años. Ese mismo año, Levant comenzó su "Suite
para orquesta" y terminó su orquestación a principios de 1938. En octubre
de ese año regresó al este para debutar como director de Broadway mientras
reemplazaba a su hermano Harry en 65 actuaciones de George S. Kaufman y Lorenz.
Hart "El fabuloso inválido". Él aumentó eso al ver en el escenario de
Broadway como compositor y director una nueva obra de Kaufman y Hart, "The
American Way" en enero de 1939.
A mediados de ese año, Levant había vuelto a dar conciertos
en todas las grandes ciudades estadounidenses, mostrando no solo obras de
Gershwin como "Concerto in F" y "Rhapsody in Blue", sino
también un repertorio completo que incluía una obra ocasional propia. ,
incluidas sus dos piezas de 1940 "Capricho para orquesta" y "Una
nueva obertura y polca para 'Oscar Homolka'" (el actor).
"Caprice" fue presentado en particular por el director británico
Thomas Beecham. Pero estos fueron sus últimos grandes trabajos de concierto.
Sin embargo, esto marcó una década de concertación, retransmisiones radiales y
grabaciones con Columbia Records y grandes directores como Reiner, Eugene
Ormandy, Andre Kostelanetz, Wallenstein, Morton Gould.
Ocasionalmente, Levant apareció en una película en una pieza
de piano de exhibición, pero solo hay un puñado de papeles en películas en los
que mostró su habilidad sustancial como actor. Se interpretó a sí mismo en la
biografía altamente ficticia de Gershwin Rhapsody in Blue (1945), destacada por
su interpretación de la pieza. Seguía siendo él mismo, pero de manera
convincente en su personaje en uno de sus mejores papeles dramáticos como el
pianista de concierto Sid Jeffers, el bromista (a menudo escribía sus propias
líneas para los personajes de sus películas) en De amor también se muere (1946)
con John Garfield y Joan Crawford. Entró al estudio para grabar un conjunto de
extractos de"Tristan" de Richard Wagner arreglados para piano, violín
y orquesta con violinista. Isaac Stern y el director Franz Waxman como parte de
la banda sonora de la película. Pudo interpretar dos de sus piezas favoritas (el
"Concierto para piano n. ° 1" de Pyotr Ilyich Tchaikovsky y "La
danza del sable" de Aram Khachaturyan) cuando comenzó a hacer la
sofisticada comedia The Barkleys of Broadway (1949). Unos años más tarde hizo sus
dos últimas películas. En An American in Paris (1951) la atención se centra en
Gene Kelly, pero un segundo cercano fue la música de Gershwin, el título de la
película tomada de su extraordinario montaje de movimientos que visualizan
París. Levant era su personaje de pianista despreocupado habitual, pero durante
una secuencia de conciertos de fantasía, se destaca como interpretando al piano
solista, al director ya los músicos representativos de cada instrumento de
orquesta, un gran tour de force de sus conocimientos musicales. En su última
película, Levant es una caricatura de sí mismo mezclada con el coguionista de
la película, Adolph Green. Esta fue la comedia musical The Band Wagon (1953) en
la que el amigo Fred Astaire también era una caricatura de sí mismo como un
legendario pero significativo decadente cantante y bailarín que tiene un
regreso estelar.
Levant pareció divertirse con esta película y su brillante guion
que se burlaba del entretenimiento en general, pero su diálogo, obviamente más
de su propia aportación, incluyó indicios de su progresivo declive, incluidas
sus neurosis acumulativas y la hipocondría que lo acompaña. Su lengua
extraordinariamente simplista e incisiva había evolucionado de las ingeniosas
réplicas de la vida del partido a un patrón cada vez más autocrítico y mordaz
que, a veces, se mostraba de manera más inapropiada en sus recitales de finales
de la década de 1930. Sus comentarios espontáneos bordeaban, ya menudo fluían
hacia una grosería franca y, a veces, una invectiva ligeramente velada. Parecía
incapaz de resistirse a menospreciar sus propios esfuerzos musicales, la
compulsión de parodiarse a sí mismo, revelar sus inseguridades y una necesidad
instintiva de ser gracioso y hacer el payaso por su cuenta. Había cambiado el nombre
de su "Poema para piano", "Insulto para piano" o "El
llanero solitario de Viena". En respuesta a un amigo / promotor musical. En
la entrevista radial de Robert Russell Bennett con Levant (1940) preguntándole
qué pensaba sobre la recepción de su primer cuarto de cuerda, respondió:
"Violentamente. No solo me trajo oscuridad sino muchos enemigos". Eso
era típico de sus frases a veces inextricablemente extremas. Durante el apogeo
de su concierto, Levant fue el concertista mejor pagado, pero después de 1951 canceló
muchos compromisos, lo que finalmente provocó una prohibición temporal por
parte de la Federación Estadounidense de Músicos. Todavía hubo conciertos
ocasionales en la década de 1950, uno de los más memorables fue Royce Hall en
UCLA (1958) cuando se lanzó al primer movimiento del segundo concierto para
piano de Dmitri Shostakovich, sólo para olvidar su lugar y detenerse,
volviéndose hacia el público y bromeando: "Ni siquiera sé dónde estoy. Voy
a empezar de nuevo". Lo hizo, y con gran triunfo. Su último esfuerzo
público ese mismo año fue el "Concierto en F" en el que hizo falta
toda la insistencia del director Andre Kostelanetz para evitar que Levant
simplemente se detuviera a mitad de camino y se bajara del escenario. Levant
precedió a sus bises con la broma de que estaba "tocando bajo los
auspicios de Mt. Sinai" (el hospital de alto perfil de Los Ángeles a
menudo patrocinado por las estrellas).
Esa afirmación era bastante patéticamente cierta. Junto con
enfermedades reales e imaginarias, el estado mental de Levant, siempre frágil
en el mejor de los casos, se convirtió en un clásico pánico escénico. En ese
momento ya era adicto a los medicamentos recetados y entraba y salía del
hospital con regularidad. Su fiel segunda esposa de 33 años, la actriz y cantante
June Gale, tuvo que internarlo en instituciones psiquiátricas en varias
ocasiones. Sin embargo, Levant siguió adelante. Hubo una serie de grabaciones
de álbumes a fines de la década de 1950. Hizo las rondas de algunos programas
de juegos en horario estelar y programas de entrevistas de televisión
nocturnos, en particular el de su amigo Jack Parr. Entre 1958 y 1960 tuvo su
propio programa de televisión local de Los Ángeles en horario de máxima
audiencia llamado "The Oscar Levant Show", que a veces ofrecía una
mirada bastante moderada e íntima a la mente inquieta de Levant. Como un
programa de entrevistas con invitados y Levante, generalmente rodeado de una
nube por su fumador empedernido, tocando piezas improvisadas en el piano, fue
inevitablemente cancelado debido a los controvertidos monólogos de Levant y los
comentarios incendiarios y subidos de tono sobre las personalidades. Escribió
tres memorias: "A Smattering of Ignorance" (1940), "Memoirs of
an Amnesiac" (1965) y "The Unimportance of Being Oscar" (1968),
cada una de ellas incisiva y extravagante en el contexto de la autoestima de
Levant durante toda su vida. Análisis y visión sesgada de la humanidad. Se
retiró cada vez más de cualquier tipo de exposición pública durante la última
década de su vida. Siglo XX.
- Mini biografía de IMDb por: William McPeak
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la canción Tra-la-la (This Time It's Really Love), de la película Un
Americano en París, junto a Gene Kelly.
Earle Brown nació en Lunenburg, Massachusetts, Estados
Unidos, el 26 de diciembre de 1926, y murió en Rye, Nueva York, Estados Unidos,
el 2 de julio de 2002. Compositor.
Su obra se caracteriza por la open form, o forma abierta, un
estilo de construcción musical que influenció a muchos compositores,
particularmente del downtown neoyorquino. En la mayor parte de sus
composiciones, el orden de interpretación, queda a criterio del
director durante la ejecución. El material musical se encuentra dividido en
secuencias. De acuerdo al número de la página en que aparece la secuencia, el
director utiliza sus manos para indicar a los músicos, qué parte debe ser
interpretada. Por ese motivo, ninguna representación de sus obras escritas en
este estilo es igual a otra. El autor relacionó su trabajo de las formas
abiertas con las esculturas móviles de Alexander Calder. También inventó su
propio sistema de notación musical. Entre sus trabajos más famosos se
encuentran December 1952, con el uso de una partitura totalmente gráfica, y las
obras en estilo open form tituladas Available Forms I & II. Los
especialistas sostienen que December 1952 es quizás la composición más famosa y
notable de su producción. Forma parte de un conjunto más amplio de música
representada gráficamente denominado Folio. Consiste esencialmente en un
conjunto de líneas horizontales y verticales de anchura variable, extendidas
sobre la página. Es una obra capital en la historia de notación gráfica de la
música. El trabajo del músico consiste en interpretar la partitura de manera
visual, y transformar la información gráfica en música.
Partitura gráfica de December 52
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con December 52, en la versión del Ensamble de Música Contemporánea del
Conservatorio Alberto Ginastera, dirigidos por Gonzalo Juan.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Tuvia Bielski, en el bosque éramos libres
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Tuvia Bielski creció en una familia judía de Stankiewicz, una
pequeña aldea en el este de Polonia. Cuando los nazis comenzaron las
ejecuciones masivas de judíos de Bielorrusia en 1941, Tuvia Bielski huyó al
bosque de Naliboki con sus hermanos, creando una unidad partisana bien
organizada. Jamás rechazó a ningún judío, joven o viejo, sano o que necesitara
atención médica. Más de 1200 hombres, mujeres y niños sobrevivieron finalmente,
lo que convirtió a los partisanos de Bielksi en los rescatadores armados más
grandes de judíos por judíos.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Jean-Joseph de Mondonville, también conocido como
Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville, fue bautizado en Narbona, Francia, el 25
de diciembre de 1711, y murió en Belleville, Francia, el 8 de octubre de 1772. Violinista
y compositor.
Violinista y compositor francés, que inició sus estudios con
su padre, músico en la Catedral de Narbona. Se estableció en París en 1731,
publicando a continuación sus primeras colecciones de música instrumental. Fue
primer violín en Lille y en 1734 debutó en el Concert Spirituel de París. Su
reputación como virtuoso se extendió y en 1739 entró en la orquesta de la
corte, donde mantuvo una intensa competencia con Guignon, el virtuoso del
violín más grande de su tiempo, lo que le valió ser considerado al mismo nivel
de éste y de Guillermain.
Dentro de sus obras instrumentales, algunas reflejan un
espíritu innovador, sobre todo las concebidas para violín y clavecín, pero
destacó sobre todo como compositor de óperas. Su Titon et l'aurore abrió la
famosa polémica de los Bouffons (1752-1754) entre los seguidores de la ópera
francesa y de la italiana. Fue director del Concert Spirituel de 1755 a 1762.
Pese a que en sus últimos años perdió el favor del público, se mantuvo durante
mucho tiempo en primera línea de la música francesa y sus motetes tampoco son
en modo alguno desdeñable. Escribió motetes, sonatas, tríos y óperas; entre
éstas, El carnaval del Parnaso; Dafris y Aleimadura.
A continuación, lo recordamos en el día de su bautismo, con
el Gran Motete In exitu Israel, en la versión de Les Arts Florissants, dirigidos
por William Christie.
A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Concierto
para Piano y Orquesta Nº 21 en Do Mayor K. 467, en la versión de Friedrich
Gulda, y la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Claudio Abbado.
Murió Oscar López Ruiz, guitarrista, compositor todoterreno y compañero de ruta de Piazzolla
Tenía 83 años y hacía varios días que estaba internado.
Formó parte del Quinteto Nuevo Tango y el Octeto del notable bandoneonista.
Fue
esposo de la cantante de jazz Donna Caroll.
24 de Diciembre de 2021
Oscar López Ruiz, guitarrista histórico de Astor Piazzolla.
El guitarrista y compositor Oscar López Ruiz, quien tocó durante 25 años junto a Astor Piazzolla en diversas formaciones y también fue una figura prominente del jazz local, murió hoy a los 83 años a causa de una infección generalizada por la que estaba internado en un sanatorio porteño, informó a través de la cuenta de Facebook del músico su hija Alejandra López Jascalevich. “Vengo a informarles que mi padre acaba de fallecer”, posteó pasado el mediodía la hija, anunciando el deceso de su padre. “No quiero dejar pasar mi agradecimiento enormísimo a todos los que en estos días de esta espera desesperante me han acercado su afecto hacia él y su fuerza por una pronta recuperación, que sabíamos no sería posible”, agregó Alejandra.
Ella misma había hecho conocer la situación de su padre en una publicación de Facebook del martes pasado en que escribió: “Sólo nos queda esperar lo peor”. “Vengo a contarles que el estado de salud de mi padre es crítico. Internado por un cuadro de septicemia en terapia intensiva y entubado... su organismo no está respondiendo a los tratamientos”, escribió la hija del músico el martes, cuando era asistido en el sanatorio Güemes, dando cuenta de una situación que vivenciaba como irreparable.
Dueño de una destacada y larga trayectoria en la música popular argentina -ya sea como compositor, arreglador, director de orquesta o guitarrista-, el sonido de López Ruiz (al igual que el de su hermano, el contrabajista Jorge, fallecido en diciembre de 2018) estuvo inicialmente ligado al jazz. A lo largo de su vida colaboró con grupos y orquestas y tocó junto a Lalo Schifrin, Jorge López Ruiz, Buby Lavecchia, Sergio Mihanovich, Carlos García, Oscar Alemán, Leopoldo Federico, Dino Saluzzi, Leandro “Gato” Barbieri, Baby López Furst, Pichi Mazzei, Donna Caroll, Eladia Blázquez, Chico Novarro, Sergio Mihanovich, el cuarteto Zupay y Eduardo “Negro” Lagos, entre otros.
1983. Oscar López Ruiz y su guitarra eléctrica junto a Astor Piazzolla, haciendo vibrar al Teatro Colón con su bandoneón (Gentileza Oscar López Ruiz)
También se desempeñó como director musical del sello discográfico Trova entre 1967 y 1969, donde grabó a Enrique “Mono” Villegas, Astor Piazzolla, Chico Novarro y Horacio Ferrer, en una amplia lista de destacados artistas locales. En 1961 comenzó a tocar con el Quinteto Nuevo Tango, de Astor Piazzolla, e integró en el curso de los 25 años siguientes diversos grupos que el bandoneonista y compositor formó.
“Tenía 22 años cuando Astor me invitó a tocar en su grupo y apenas escuché dos notas me di cuenta que estaba en presencia de un groso de la música del mundo y lo disfruté. Cada uno de esos días fueron de un disfrute inigualable”, confesó López Ruiz en un video de la fundación Astor Piazzolla por el centenario del nacimiento del músico. Así, su inspirada guitarra también compartió creaciones del bandoneonista en Conjunto 9 y Octeto Astor Piazzolla, una experiencia estética y personal que además plasmó en tres ediciones del libro “Piazzolla, ¡loco!, ¡loco!, ¡loco!-25 años de laburo y jodas conviviendo con un genio” (la última lanzada a comienzos de 2018).
“Piazzolla estaba cincuenta años adelantado al resto de los músicos. Tocando a su lado, me di cuenta de que, modestamente, estaba contribuyendo a una historia cultural nueva”, dijo en un reportaje con Página/12 acerca del volumen donde visita el carácter indómito de Piazzolla.
Oscar López Ruiz junto a Piazzolla y demás músicos (Gentileza Oscar López Ruiz)
Pero al margen de esa experiencia en el universo piazzolliano, López Ruiz compuso música para una veintena de filmes dirigidos, entre otros, por Fernando Ayala (Primero yo), Gerardo Sofovich (Los caballeros de la cama redonda, Las muñecas hace ¡pum! y La noche viene movida), Héctor Olivera (Las venganzas de Beto Sánchez), Leopoldo Torre Nilsson (La chica del lunes), Rodolfo Kuhn (Pajarito Gómez -una vida feliz-, La hora de María y el pájaro de oro y Ufa con el sexo) y David Stivel (Los herederos). Además creó partituras originales para espectáculos teatrales de Pepe Cibrián Campoy, Enrique Pinti y Antonio Gasalla y para 35 puestas revisteriles en los teatros Maipo y Astros.
En 1966, Oscar se casó con la cantante Donna Caroll (quien murió en marzo de 2020) y quien fuera una de las grandes voces del jazz en la Argentina y protagonista de puestas de comedias musicales como El beso de la mujer araña, Las ridículas preciosas y A la capital. Juntos desde entonces se atrevieron a no pocas audacias como encarar el álbum Donna Caroll (1972) producido por Jorge Álvarez y dirigido por López Ruiz con las participaciones de Billy Bond y Alejandro Medina entre otras figuras de aquel incipiente rock argentino.
Fuente: Télam
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con Lunfardo y Muerte del Angel, en un fragmento de la presentación en vivo, en
el Festival de Montreal, Canadá, el 4 de julio de 1984.
Astor Piazzolla en bandoneón, Oscar López Ruiz en guitara,
Fernando Suárez Paz en violín, Pablo Ziegler en piano, Héctor Console en
contrabajo.
Domenico Natale Sarro (o Sarri) (Trani, 24 de diciembre de
1679 - Nápoles, 25 de enero de 1744) fue un compositor italiano.
Biografía
Los únicos avisos relativos a su juventud y su formación
musical nos vienen de su contrato de matrimonio del 6 de febrero de 1705.
Después de llegar a Nápoles, fue admitido en el Conservatorio de Sant'Onofrio
en Porta Capuana, donde fue alumno de Angelo Durante (el tío del famoso
Francesco Durante). En 1702 escribió su primera composición, la obra sacra
L'opera d'amore, que estuvo representada en la Cofradía de la Santissima
Trinità dei Pellegrini. Al año siguiente participó en un concurso para ocupar
el puesto de director de coro de la corte napolitana dejada vacante por
Alessandro Scarlatti: por lo tanto, tuvo que competir con Gaetano Veneziano,
Cristoforo Caresana y Francesco Mancini. Al no obtener el puesto de director
titular, asignado a Veneziano, en 1704 asumió el de subdirector de coro.
Entre 1706 y 1707 compuso varias obras para teatros
napolitanos: en el verano de 1706 colaboró con
el compositor veneciano Tomaso Albinoni en la composición del drama La Griselda y su primera ópera, Candaule, re di Lidia , vio su estreno en octubre de el
mismo año en el Teatro dei
Fiorentini. En 1707 debido a la ocupación de Nápoles por los austriacos,
Veneziano y Sarro perdieron el respeto: en su reemplazo, Alessandro Scarlatti
regresó como primer maestro y fue nombrado zurdo para el puesto de segundo
maestro. Así que hasta 1709 se dedicó únicamente a la composición de oratorios
y serenatas. De 1709 a 1717 su producción musical sufrió un fuerte descenso: en
estos años recordamos principalmente los interludios de Barilotto,
representados en Venecia en el otoño de 1712, dos óperas representadas en 1713 en
Nápoles y un gran número de cantatas para la Iglesia de San Paolo. Maggiore (de
la que fue director de coro) y otras iglesias napolitanas.
De 1718 a 1741 se dedicó a la composición principalmente de
dramas para música: entre las numerosas obras serias recordamos la Armida al
campo ofrecida durante el Carnaval de 1718 en el Teatro San Bartolomeo y el
Dido abandonado representado en 1724 en el mismo teatro, que fue la primera
misa musical de un libreto de Pietro Metastasio. En 1720, después de haber sido
reinstalado en el cargo de vicemaestre de la capilla de la corte, el 13 de
abril también fue nombrado segundo maestro de la capilla de la ciudad de
Nápoles; en 1728sucedió a Gaetano Greco convirtiéndose en el primer maestro del
mismo. El 21 de agosto de 1737 ocupó también el cargo de maestro de la capilla
real (sucediendo a Mancini). El 4 de noviembre, con la puesta en escena de la
ópera Achille en Sciro, se inauguró el nuevo teatro San Carlo: siguieron las
representaciones de Ezio (4 de noviembre de 1741) y de Alessandro en las Indias
(Carnaval de 1743).
Consideraciones sobre el artista
Sarro fue un compositor de transición entre dos importantes
generaciones de músicos napolitanos: una representada por Alessandro Scarlatti
y Mancini y la otra por Nicola Porpora, Leonardo Vinci, Leonardo Leo y otros
compositores más jóvenes. En sus primeras composiciones se denota un carácter
casi contrapuntístico, en línea con el estilo de Scarlatti, mientras que a
partir de 1718, en sus obras serias, éste se encuentra cada vez menos en la
estructura musical y las melodías comienzan a adquirir mayor belleza. Se acercó
tanto al estilo compositivo de Vinci que muchos historiadores (incluido Charles
Burney ) lo consideraron un "imitador" más que un "inventor".
Después de 1726, debido al dominio de Vinci y Hasse en el escenario musical de
Nápoles, sus éxitos terminaron y ocupó una posición de segunda categoría.
En cuanto a sus obras sagradas, solo sabemos lo que informa
el Diccionario histórico de Giuseppe Bertini, es decir, que fueron muy
apreciadas en Alemania.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la cantata Andate o miei sospiri, en la versión de Lia Serafini, soprano, y
el Ensemble Barocco Sans Souci.
Miguel Ramón Demetrio Faílde y Pérez, más conocido como
Miguel Faílde, nació el 23 de diciembre de 1852 en Matanzas, Cuba, y murió en Matanzas,
Cuba, el 26 de diciembre de 1921. Músico, creador del danzón, baile nacional de
Cuba.
Su padre descubrió las aptitudes musicales del niño, y fue
su primer maestro. A los 12 años tocaba el cornetín, y cuando falleció su
padre, comenzó a estudiar con Federico Peclier, un profesor del Conservatorio
de París. Posteriormente dirigió la Banda de Bomberos de su ciudad. En 1871
formó su propia banda musical, La Orquesta de Miguel Faílde, con la que actuó
durante 50 años, y alcanzó gran popularidad. Fue multi instrumentista, además del
cornetín tocaba violín, contrabajo, y viola. A pesar de no ser pianista,
interpretaba piezas complejas en el piano. Como profesor de música, daba clases
particulares en su casa, y participó, junto a un amigo en la edición del semanario
literario Ideas Nuevas. Fue el creador del danzón, el baile nacional de Cuba,
derivado de la contradanza. El título de la primera pieza de este género fue: Las
alturas de Simpson, que fue estrenado por Miguel Faílde, el 1º de enero de 1879
en el Liceo de Matanzas. Obtuvo gran aceptación y mucho éxito en muy poco
tiempo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Las alturas de Simpson, en la versión de la Orquesta Faílde.
Franz Wilhelm Abt nació en Eilenburgo, Sajonia, Alemania, el
22 de diciembre de 1819, y murió en Wiesbaden, Alemania, el 31 de marzo de 1885.
Compositor, director de coro, y poeta.
Su padre fue clérigo y un pianista talentoso, que le dio su
primera instrucción musical. Posteriormente estudió teología, en la Universidad
de Leipzig con la intención de convertirse en miembro del clero, y música en la
Thomasschule. Mientras estaba en la escuela, hizo amigo de Albert Lortzing,
Felix Mendelssohn y Robert Schumann. En 1837 falleció su padre y se dedicó por
completo a la música. Comenzó a componer y publicar, en su mayoría obras para
piano escritas para su interpretación en los salones de Leipzig. En 1841 accedió
al cargo de maestro de capilla en Bernburg, y tiempo después se mudó a Zurich.
Allí fue nombrado director de casi todas las sociedades corales, y ganó premios
para ellas. En 1852, Abt regresó a Alemania para convertirse en director
musical del teatro de la corte de Braunschweig, donde sirvió hasta 1882. También
dirigió coros en muchas capitales de Europa durante la década de 1850 hasta la
de 1880. En 1872 realizó una gira por los Estados Unidos, donde fue recibido
con un entusiasmo abrumador tanto por los críticos musicales como por el
público. En 1882 se resintió su salud, y se instaló Wiesbaden donde pasó sus últimos
años. Su producción abarca más de 600 números de opus que componen más de 3000
elementos individuales. Fue principalmente un compositor de música vocal y fue
particularmente prolífico en la escritura de música para coros masculinos. Sus
mayores éxitos en Alemania y Suiza los obtuvo con canciones para voces
masculinas. También tuvo éxito con obras para coros mixtos, tanto a capella
como con acompañamiento de piano, o de orquesta. También escribió numerosas
canciones populares de arte vocal para voz solista, y canciones para niños. Muchas de sus canciones
integraron el repertorio popular, y varias fueron traducidas al inglés. También
compuso muchas obras para piano y tres óperas: Des Königs Scharfschütz , Die
Hauptprobe y Reisebekanntschaften.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Ständchen Op. 105 Nº 4, en la versión del Coro Die Singphoniker.
Hoy les presento el 3º programa de La Música de Todos Los Tiempos,
dedicado a Peter Lange-Müller, con la Suite para Orquesta En la Alhambra Op. 3,
y el Trío para Piano en Fa Menor Op. 53.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
José Manuel de Tena Tena, más conocido como Manolo Tena,
nació en Benquerencia de la Serena, Badajoz, España, el 21 de diciembre de 1951,
y murió en Madrid, España, el 4 de abril de 2016.
Cantautor.
Biografía de Manolo Tena Manolo Tena nació en Madrid el 21
de diciembre de 1952. De orígenes extremeños y condición humilde, su niñez no
fue lo que se dice, un camino de rosas. Conflictivo sí, pero sin llegar a
transgredir las normas básicas de su época. Eso lo haría un poco más tarde.
No quiso estudiar y, desde muy joven, se puso a trabajar:
fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etc. Con su
primer sueldo se pagó su primera guitarra de palo. Sus siguientes ingresos los
invirtió en libros y discos, dando poco a poco forma a su creatividad y
reforzando su rebeldía.
En sus comienzos, Manolo Tena empezó a actuar con el
seudónimo de Lolilla Cardo cantando temas sociales con sarcasmo. Luego paso a
tocar con bandas underground como Spoonful. También llegaron ocasiones de
colaborar con Luis Eduardo Aute para su álbum Babel (1975). Dos años después
colaboró en el Laboratorio Colectivos Chueca compuesto por personajes inquietos
de la escena madrileña. Y del deseo de hacer algo por sí solo, nació su primer
grupo: Cucharada. Fue la primera experiencia que hubo en España de fusión del
rock and roll y teatro, con un look estrafalario que dio pie al lema del grupo:
la entronización del harapo. Era un grupo tan escénico como musical
Después de la desaparición de Cucharada en 1980, Manolo Tena
formó otro nuevo grupo: Alarma!!! muy marcado por el after-punk y el reggae,
por lo que tuvo que enfrentarse a la incomprensión de unos y la admiración de
otros que mitificaron un tema como Frío. Se grabaron "Alarma!!!"
(1984), "En el lado oscuro" (1985) y otro disco que ni siquiera les
dejaron grabar con canciones de puro rock and roll que nada tenían que ver con
los circuitos comerciales. En 1986 el grupo no volvió a existir. Curiosamente
Alarma sigue teniendo el reconocimiento de crítica y público después de tanto
tiempo.
Manolo Tena probó suerte en solitario y grabó "Tan
raro" con el sello Elígeme gracias a Joaquín Sabina y al club que lleva
ese nombre. A pesar de ser grabado con los mejores músicos y de ser un disco
con canciones muy buenas, la promoción y la distribución fallaron y el
resultado fue un fracaso. Empezó a componer para otros: Miguel Ríos, Ana Belén,
Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total, etc. Pero a él no le llegaba
el reconocimiento. Esperó cuatro años a que alguien le grabara un disco y, sin
lograrlo, se fue a Miami. Allí se dio cuenta del protagonismo de la música
caribeña y de la salsa. Y cuando estaba atravesando una crisis y se sentía
sumido en la miseria llegó su sueño. Recibe una llamada de Nueva York y el
Vicepresidente de Sony, Tomás Muñoz, y le propone un contrato con la Compañía
que fue retomado por Claudio Condé a través de su sello Epic.
El disco "Sangre Española, puso las cosas en su sitio.
Ganó mucho dinero, pero sabía que no podría vivir sólo de un éxito después de
tantos años de silencio aparente. Tenía que ponerse a trabajar, y sacar otro
disco cuanto antes... Sabía lo que le esperaba cuando apareciera su siguiente
trabajo, aún sin apagarse los ecos del primero. La crítica fue dura, y la
respuesta...la esperada. Pero él, regateó la adversidad premeditada, y dejó que
la corriente de la crítica vulgar corriera por sus espaldas sin calarle en lo
más mínimo.
Tres años después, con aires de Nueva York, Manolo Tena ha
logrado meter a Federico García Lorca entre la maraña intestinal del lenguaje
disparatado, rítmico-urbano, descastado, desclasado y protestón que utilizan
los negritos neoyorquinos. Por el túnel del tiempo, de ese tiempo que Federico
no necesita porque es intemporal, Tena nos presenta en su última producción
discográfica "Poeta en Nueva York", una cara distinta del poeta
Andaluz. Una faceta que adivina con fino olfato el creador, en los versos
neoyorquinos.
En 2008 Manolo Tena publica "Canciones Nuevas", la
vuelta del Manolo Tena poeta, romántico, rockero, inconformista y sensual que
echábamos de menos. En esta ocasión, Manolo Tena nos presenta un álbum con un
sonido propio, muy cerca de los grandes clásicos, y en el que redescubrimos a
un Manolo Tena más actual pero con sus esencias de siempre. El álbum incluye 12
nuevos temas, cada uno en su estilo dejando claro porque es parte de la
historia del rock español.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con A ninguna parte.
Irene Dunne nació en Louisville, Kentucky, Estados Unidos,
el 20 de diciembre de 1898, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos,
el 4 de septiembre de 1990. Actriz y cantante.
Aunque no muy conocida entre el público no cinéfilo, Irene
Dunne fue una de las más grandes, mejores y versátiles estrellas del cine de
Hollywood en las décadas de los 30 y 40.
Irene nació el 20 de diciembre del año 1898 en Louisville,
Kentucky (Estados Unidos).
Su padre se dedicaba a supervisar barcos de vapor y su madre
era pianista.
Fue su progenitora (su padre falleció en 1910) quien le
inculcó un profundo amor hacia la música y quien le propuso estudiar canto.
El primer deseo de Irene fue ser intérprete de ópera, pero
tras fracasar en el intento de formar parte del Metropolitan de Nueva York,
terminó apareciendo en multitud de comedias musicales de Broadway durante la
década de los 20.
En el año 1928 contrajo matrimonio con el dentista Francis
Griffin, el único amor de su vida y con quien estuvo casada hasta 1965, año del
fallecimiento de Francis.
La pareja adoptó una hija a la que llamaron Mary Frances.
Después de muchas actuaciones teatrales, la actriz y
cantante de Kentucky logró firmar un contrato en 1930 con la RKO, después de
que cazatalentos de la famosa compañía contemplaran cantar e interpretar a la
actriz en el musical “Magnolia”.
Su debut cinematográfico se produjo con la comedia musical
de Edward F. Cline “Leathernecking” (1930).
Durante toda la década de los 30, Irene alternó comedias,
musicales, dramas, películas románticas, westerns…
Sus títulos más importantes son…
“Cimarron” (1931) de Wesley Ruggles
“Roberta” (1935), musical, comedia y romance con dirección
de William A. Seiter y con Irene como especialista en moda junto a Randolph
Scott, Fred Astaire y Ginger Rogers
“Sublime Obsesión” (1931) de John M. Stahl
“Magnolia” (1936) de James Whale
“Los Pecados De Teodora” (1936) de Richard Boleslawski
“La Pícara Puritana” (1937), screwball comedy de Leo McCarey
“La Furia Del Oro Negro” (1937) de Rouben Mamoulian
“El Placer De Vivir” (1938) de Tay Garnett
la primera versión del film romántico “Tú y Yo” (1939)
dirigida por Leo McCarey.
En “La Pícara Puritana” coincidió por primera vez con el
fenomenal actor Cary Grant, con quien irradió química en ésta y en sus
siguientes colaboraciones: la comedia “Mi Mujer Favorita” (1940), película con
Randolph Scott y Gail Patrick en el reparto, y el drama familiar “Serenata
Nostálgica” (1941).
Con Charles Boyer inició una asociación en “Tú y Yo” que
continuó con “Huracán” (1939) y “Otra Vez Juntos” (1944).
En los años 30 Irene fue nominada al Oscar (premio que nunca
consiguió) en cuatro ocasiones. La primera en 1930 por “Cimarrón” (ganó la
estatuilla Marie Dressler por “Fruta Amarga”), la segunda en 1936 gracias a su
actuación en la comedia “Los Pecados De Teodora” (la ganadora fue Luise Rainer
por “El Gran Ziegfeld”), la tercera en 1937 por “La Pícara Puritana” (se llevó
la estatuilla de nuevo Luise Rainer, ahora por su interpretación en “La Buena
Tierra”) y la cuarta en 1939 por “Tú y Yo” (la triunfadora fue Vivien Leigh por
“Lo Que El Viento Se Llevó”).
En la década de los 40 Irene intervino con menos constancia
que en la precedente, con papeles muy diversificados aunque con mayor querencia
por la comedia.
Junto a las citadas “Mi Mujer Favorita” (1940) de Garson
Kanin, “Serenata Nostálgica” (1941), dirigida por George Stevens y “Juntos De
Nuevo” (1944) de Charles Vidor, las mejores películas de Dunne fueron “Una Dama
En Apuros” (1942) de Gregory La Cava, “Las Rocas Blancas De Dover” (1944) de
Clarence Brown, “Locamente Enamorada” (1945) de Charles Vidor, “Ana y el Rey De
Siam” (1946) de Johm Cromwell, “Vivir Con Papá” (1947) de Michael Curtiz y
“Nunca La Olvidaré” (1949) de George Stevens.
Por este último título, Irene fue nominada por quinta y
última vez al Oscar.
De nuevo la fortuna fue esquiva y la estupenda actriz y
cantante se quedó sin su premio, que fue a parar a manos de Jane Wyman por
“Belinda”.
A comienzos de los años 50 se alejó del cine.
En 1950 protagonizó “The Mudlark” (1950), una película
dirigida por Jean Negulesco.
Su última película cinematográfica fue “It Grows On Trees”
(1952), fantasía de humor con dirección de Arthur Lubin.
Con posterioridad pudo ser vista en teleseries, entre ellas
“Frontier Circus”.
Tras su retiro voluntario como actriz a comienzos de los
años 60, Irene se dedicó a causas humanitarias y a colaborar con las Naciones
Unidas.
Falleció en la ciudad de Los Angeles a causa de problemas
cardiacos el 4 de septiembre de 1990.
Tenía 90 años de edad.
Está enterrada en el cementerio Calvary, de Los Angeles,
California.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Smoke Gets in Your Eyes.
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