Shalom – Arte y memoria: Proteger la diferencia
Hoy abordamos cultura, arte e identidad judía.Sarah Kuźmicz nos acerca a la pintura y a los artistas judíos en Polonia, muchos de ellos víctimas del Holocausto. A continuación,la FCJE presenta su Informe Anual sobre Antisemitismo 2025, con los principales datos sobre la situación actual.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/arte-memoria-proteger-diferencia/17252630/
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Graciana Nélida Federico nació en Buenos Aires, Argentina, el 29 de abril de 1920, y murió en su ciudad, el 24 de mayo de 2007. Cantante, bandoneonista y artista plástica.
El sitio www.es.wikipedia.org publicó este recordatorio.
Nélida Federico (Buenos Aires, Argentina, 29 de abril de 1920) fue una bandoneonista y pintora argentina, nacida en Buenos Aires, Argentina, el 29 de abril de 1920. Desde pequeña recibió las influencias del arte en el seno familiar. Primero, de su padre, Francisco, violinista y músico de profesión; luego, de Domingo Federico, su hermano mayor, bandoneonista, y quien la iniciaría en la práctica del instrumento.
Con él Nélida formó el Dúo Federico, en el que Domingo ejecutaba el bandoneón y Nélida cantaba. Así, surgieron primero las giras y actuaciones en teatros, cines y confiterías, tanto de Buenos Aires como del interior del país. Con el correr de los años, Domingo creó una orquesta de señoritas -algo poco usual en la época-, en la que Nélida tocaba el bandoneón. Al poco tiempo, Nélida quedó a cargo de la pequeña orquesta; su hermano continuó su carrera por separado, convirtiéndose en un reconocido compositor de tangos en los años 40 y 50.
Paralelamente, Nélida estudió dibujo y pintura con el Profesor Galante, despertando en ella otro de sus talentos. A la música se le sumó la pintura, la que desarrolló profusamente entre los años 1936 y 1940. No obstante, muy pocas obras suyas de aquella época se han conservado.
En la década de 1950 Graciana Nélida Federico contrajo matrimonio con Adelmo Panini, abandonando momentáneamente la música, y dedicándose a la pintura, destacándose especialmente por sus retratos al óleo. Realizó numerosas exposiciones y participó en concursos y salones provinciales y municipales, obteniendo premios y menciones especiales.
Ya en su madurez, su pasión por la música volvió a seducirla. Retomó su carrera musical actuando en teatros, y en programas de tango de radio y televisión. A los 80 años de edad grabó su primer y único registro discográfico, y continuó tocando hasta los 86, cuando ofreció su último recital en la Academia Porteña del Lunfardo. Falleció el 24 de mayo de 2007, a la edad de 87 años.
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Lamentablemente no encontré ningún registro de sus grabaciones.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Samuel Bak: amnesia colectiva
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Samuel Bak nació en 1933 en la ciudad de Vilna. Desde pequeño
fue reconocido por su talento artístico. En 1939 se firma el tratado
Ribbentrop-Molotov y Vilna es transferida a la URSS. Cuando la Alemania nazi
invade la Unión Soviética, Samuel y su familia fueron deportados al Gueto de
Vilna. Más tarde logran escapar y
refugiarse en un convento gracias a la ayuda de una monja. Ambos
sobreviven al Holocausto y emigran al Estado de Israel. Samuel estudia arte en
la Academia Betzalel, en Jerusalén. Sus obras reflejan las atrocidades de la
guerra: son obras de un fuerte impacto y significativas desde un punto de vista
histórico y social. Samuel Bak tiene 92 años y vive en Boston.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
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“The Family” (1974)  |
Targets Revisited” (1996)
Robert Julius Tommy Jacobsen nació en Copenhague, Dinamarca,
el 4 de junio de 1912, y murió en Egtved, Dinamarca, el 26 de enero de 1993. Escultor
y pintor.
El sitio www.mchampetier.com
publicó este recordatorio.
ROBERT JACOBSEN
"Con la piedra navegas entre las formas. Con el hierro
sabes la forma, eliges el espacio."
Notas de biografía
Robert Julius Tommy Jacobsen nace en Copenhague en 1912 en
una familia modesta. Después del colegio ejerce varios oficios. No asiste a las
clases de la Academia y se inicia solo a la escultura. Su admiración es para
Rodin y Henri Laurens.
En 1930, Jacobsen realiza sus primeras esculturas de madera,
sin dibujo preparatorio y suscribe al movimiento surrealista ‘’Host’’. El
artista saca su inspiración de los cuentos y fábulas escandinavos, labrando
primero la madera, después la piedra. Le entusiasma una exposición en
Copenhague, en 1932, sobre los expresionistas alemanes; descubre a Nolde, Klee,
y otros. Las esculturas de Barlach, la obra de Arp le conducen hacia la
abstracción.
Durante la guerra se une a los jóvenes artistas agrupados en
torno a la revista ‘’Helhesten’’ animada por Asger Jorn. El artista traba
amistad con él y con Mortensen. Sus exposiciones tienen lugar las más veces en
los países escandinavos con unos amigos como Hansen o Mortensen. La obra de
Robert Jacobsen ya obedece a reglas formales.
En 1947 recibe una beca de estudio del estado francés y se
instala en París. En 1947 es cuando el artista abandona la piedra para volverse
uno de los gigantes de la escultura de metal amartillado, forjado y soldado.
Crea esculturas abstractas de metal soldado en las que pone de relieve el vacío;
en efecto considera el vacío como una forma en sí que sólo realza el metal. En
los años 50 y 60, Jacobsen realiza esculturas con desechos de metal.
En 1962 se le nombra profesor en la Academia de Bellas Artes
de Munich. En aquella época es cuando el artista añade por la policromía
efectos de formas. En 1966, Jacobsen recibe el gran Premio de Escultura en la
Bienal de Venecia. El artista regresa a Dinamarca en los años 70 para cumplir
con encargos públicos y concebir allí obras monumentales. En 1976 es nombrado
Profesor de la Academia Real de Bellas Artes de Copenhague. Durante varios
decenios, las galerías más importantes, los museos más prestigiosos, expondrán
sus obras, en Francia y en el extranjero. Robert Jacobsen también practicó el
grabado e ilustró libros.
Falleció en casa, en Tagelund (Dinamarca) en enero de 1993.
Raúl Soldi nació en Buenos Aires, Argentina, el 27 de marzo
de 1905, y murió en su ciudad, el 21 de abril de 1994. Artista plástico y
escenógrafo.
El sitio www.cultura.gob.ar
publicó este recordatorio.
Hace 26 años fallecía el artista Raúl Soldi, pintor,
escenógrafo y muralista, recordado como el artista de la armonía
Raúl Soldi nació el 27 de marzo de 1905 en la ciudad de Buenos Aires. Sus padres eran ambos músicos de profesión: Ángel era chelista e intérprete de obras líricas y Celestina, poseía un gran talento musical y su tío era luthier. El nombre con el que lo bautizaron sus padres está inspirado en la ópera "Los Hugonotes", de Giacomo Meyerbeer. La primera residencia de la familia fue en una casa ubicada al lado del teatro Politeama, en el centro, lugar al que Soldi asistió en ocasiones a ensayos de las funciones. De niño, construía pequeños escenarios de títeres, escribía y montaba obras de teatro. En su adolescencia, la familia se mudó al barrio de Villa Crespo y comenzó el interés de Soldi por la pintura:
"Recuerdo que la primer copia que hice fue sobre un cuadro de Quinquela Martín reproducido por Caras y Caretas" , rememoró el pintor.
Amante de la música, Soldi incursionó también en la poesía y el cuento. A los 16 años viajó a Europa. Estuvo en varias ciudades de Alemania, entre ellas, Hamburgo y Berlín. También visitó Austria y por último, a Italia, el país de origen de sus padres.
"Venecia me hizo pintor. En ese viaje visitamos Pinceto, el pueblo de mi madre. Me propusieron hacer un fresco en la capilla San Fermín, una capillita romántica del siglo XI. Pinté al fresco por primera vez, con mucha adrenalina, sobre su portal, la imagen del santo", recordó.
Al regresar a Argentina cursó en la Academia Nacional de Bellas Artes durante 3 meses, hasta que la familia decidió volver a Italia y de esta forma continuó su formación en la Academia Brera de Milán. Al terminar sus estudios, Soldi expuso su obra en Trieste y ganó el pirmero premio para pintores jóvenes con su “Retrato de un pintor Armenio”.
Escenografía de cine y teatro
En 1933, de vuelta en Argentina, comenzó a trabajar en
Argentina Sono Films realizando escenografías de películas. Llegó a trabajar en
más de ochenta producciones. Además decoraba las vidrieras de Harrod´s.
En el año 1940 ganó una beca para estudiar escenografía en los Estados Unidos. Allí además tuvo lugar una exposición sobre su obra, que fue muy bien recibida. A su regreso a Buenos Aires, sus pinturas circularon por varios salones del país con muy buenas críticas. A partir de 1945, trabajó en el diseño de escenografía y vestuario del Teatro Colón como "La Boheme", de Puccini. Ese mismo año se casó con Estela Gaitán, que trabajaba en Editorial Losada y había conocido años atrás. A ella le dedicó su obra, centrada en la figura de la mujer en forma de agradecimiento por su compromiso incondicional.
"Fue entonces que Estela me hizo comprender dónde estaba mi destino, me comprometió todo su apoyo ante previsibles contratiempos económicos, y con femenina decisión, esa que no admite replicas, me dijo – basta de cine, a pintar todo el día”
En 1953 decoró la cúpula de la Galería Santa Fe: la espiral consta de sesenta y tres figuras, reunidas en catorce escenas.
El 12 de Junio de 1957, la Academia Nacional de Bellas Artes lo designó Académico de Número y entre 1965 y 1970 ocupó el cargo de Prosecretario.
Detalle del mural en Galería Santa Fe
En 1968, Soldi pintó al fresco un mural en Israel. Fue invitado por la Casa Argentina en Israel Tierra Santa. Se trata de un fresco de seis metros de alto por dos y medio de ancho junto a uno de los seis altares de la cúpula de la Basílica de la Anunciación en la ciudad de Nazareth, erigida sobre la ruta en que vivió la Sagrada Familia y donde transcurrió la infancia de Jesucristo. El trabajo le tomó sesenta días.
Soldi en Glew
Al conocer la localidad bonaerense de Glew, Soldi se
interesó particularmente por la Capilla de Santa Ana y dedicó veintitrés
veranos a pintar murales al fresco de la misma. En total son trece murales que
relatan episodios de la historia de Santa Ana, madre de la Virgen María. En
todos ellos utiliza el procedimiento renacentista al fresco (pared húmeda y
mezcla de color y caseína), exceptuando "Los trabajos domésticos de Santa
Ana", que utilizó el procedimiento al seco.
Capilla de Santa Ana en Glew (Página/12)
En 1979, junto a su mujer, Soldi constituyó la Fundación Santa Ana de Glew, donde donó gran parte de su obra, que actualmente es la Fundación Soldi. Allí en la Fundación se encuentra la colección privada del artista y la Biblioteca Pablo Rojas Paz.
"Es una Fundación que también es Biblioteca Popular y centro de alfabetización para adultos. Nada de lo que he pintado, me ha dado tanta alegria como el ver a una señora de setenta años que, en una de las clases de alfabetización, escribió su primera carta a la familia radicada en Santiago del Estero. Pienso que es un poco la obra de mi vida y gracias a mi mujer, que fue la de la idea, la hemos llevado a cabo", dijo el pintor
En el año 1971 realizó un mosaico en la iglesia de San Isidro Labrador. Dos años más tarde, su obra Santa Ana y la Virgen ingresó a la galería de Arte Sagrado del Vaticano. En 1976, Soldi pintó veintiún paisajes en el campo y murales en la Plaza San Martín de la localidad bonaerense de Tres Arroyos. Soldi realizó múltiples exposiciones en Buenos Aires, Córdoba, Santa Fe, La Plata, Tucumán y Rosario. También exhibió sus obras en México, Paraguay, Francia y Rumania.
Publicaciones ilustradas
Soldi formó parte de la colección de Eudeba "Arte para
todos", en la publicación "Cuentistas y pintores" junto a Berni,
Seoane, Castagnino, entre otros artistas que ilustraron relatos biográficos,
poemas, cuentos, refranes con xilografías, dibujos a tinta y técnicas mixtas.
Además, el artista ilustró "Cuentos fantásticos", de Edgar Allan Poe, "20 poemas de amor y una canción desesperada", de Pablo Neruda," Juvenilia", de Miguel Cané y Revista Proa.
La pintura sensible
Algunos de los aspectos que la describen son: abandonar el
dibujo minucioso de la época y hacer mayor hincapié en el color. Se trata de
una técnica se enfoca más en el color que en la forma y se basa en la
introspección, la cotidianeidad y la expresión de matices figuras estilizadas y
sutilmente deformadas que responden a una clara concepción bidimensional.
La línea se suele utilizar en arabescos. En la producción de Soldi aparecen bodegones en los que las frutas y las flores estallan de color, armonía y belleza, así como pequeños paisajes donde se aprecia una pincelada muy suelta.
Cúpula del Teatro Colón
Manuel Mujica Lainez, escritor amigo del artista, fue quien
lo recomendó para restaurar la cúpula del Teatro Colón, trabajo que Soldi
comenzó en 1966.
Cúpula del Teatro Colón, Buenos Aires Ciudad
Allí representó la vida teatral: músicos con sus instrumentos y actores intercambiándose las máscaras de la tragedia y la comedia. El mural mide veintidós metros y son cincuenta y tres figuras en cuatrocientos metros cuadrados. Fue pintado en dos meses. Son 320 metros cuadrados. Está hecha de tirantes y yeso belga muy antiguo que, al fraguar, forma una materia semejante a la madera, secreto de su acústica.
Yo pinto música, el músico que nunca pude ser. Me crié en un conventillo que daba sobre el teatro Politeama. Viví con bailarinas, músicos, actores. Me metí en el teatro y en la música desde siempre.
La hamaca, MNBA
En 1983 inauguró el mural de Santa Magdalena, en Castelar. En 1989 realizó el mosaico “Camerata Bariloche” que fue emplazado en el museo del Parque de Portofino, Italia. En 1990 la Galería de Arte Moderno de Milán incorporó a su colección un autorretrato de Soldi.
El artista realizó un mosaico destinado a la Fundación Favaloro en 1991. El Palais de Glace rindió homenaje a Soldi en 1992 exponiendo más de doscientas diez obras. La muestra fue visitada por más de 500.000 personas.
Su patrimonio
Soldi pintó más de 3000 óleos, acuarelas, pasteles y
litografías que integran el patrimonio de instituciones como la Galería Uffizi,
en Florencia, el Museo Vaticano y el Museo Nacional de Bellas Artes. Las
temáticas en las que incursionó durannte toda su vida fueron los paisajes, los
desnudos, las naturalezas vivas.
Doodle de Google en homenaje a 114 años de su nacimiento
Quiero que mi pintura tenga un efecto sedante para el alma; que transmita paz, tranquilidad y, sobre todo, poesía.
Fuentes consultadas: La Nación, Página/12, Revista Sudestada, Clarín, Academia Nacional de Bellas Artes, MNBA.
Vicente March y Marco nació en Valencia, España, el 27 de
diciembre de 1859, y murió en Benigànim, España, el 31 de marzo de 1927. Pintor.
El sitio www.wikiwand.com
publicó este recordatorio.
Vicente March
Vicente March y Marco (Valencia, 27 de diciembre de
1859-Benigànim, 31 de marzo de 1927) fue un pintor español.
Biografía
Se formó artísticamente en la Escuela de Bellas Artes de San
Carlos de esta capital, teniendo como profesores a Gonzalo Salvá y a Francisco
Domingo Marqués.
En 1876 opositó a una plaza de pensionado en Roma con el
lienzo Desembarco en Valencia de Francisco I tras la derrota de Pavía, quedando
en segundo lugar, por lo que, alentado por su profesor Francisco Domingo, en
1887 se traslada a Roma por sus propios medios, teniendo como compañero de
viaje a Constantino Gómez.
Una vez en Roma se instala en los talleres del Palazzo
Patrizi, situados en el 53-B de la vía Margutta, compartiendo estudio con un
numeroso grupo de artistas españoles, casi todos ellos valencianos, entre los
que destacan Poveda, Peyró, Puig Roda, Pedro Serrano, Sánchez Barbudo, Manuel
Muñoz Casas, y los hermanos Benlliure con quienes le unirá una gran amistad de
por vida, completando su formación artística en la academia Chigi.
En Italia, durante el verano, pasa largas temporadas en
Venecia, en Nápoles, en Asís con los Benlliure, y, sobre todo, en Subiaco,
población de aspecto medieval cercana a Anticoli Corrado, residencia permanente
esta última de su buen amigo y compañero Mariano Barbasán.
Influido por el ambiente de los círculos artísticos
españoles en Roma, cultivó principalmente los temas costumbristas italianos de
los siglos xvii y xviii. Posteriormente y a raíz de un viaje realizado por
Marruecos y Egipto desarrolla una etapa con escenas marroquíes y orientalistas.
En 1881 obtuvo la medalla de plata de la Exposición Regional
valenciana con el lienzo Una visita al estudio. A partir de 1888 expuso
regularmente en Berlín y Múnich, obteniendo diversos premios. En 1893 su
acuarela La Hilandera obtiene la medalla de plata en la Exposición
Internacional de Roma. En 1894 trabaja para los álbumes dedicados a la reina
María Cristina y al emperador alemán.
En 1903, a los pocos años de haber contraído matrimonio, dejó Roma y fijó su residencia en Benigánim, población cercana a Játiva donde residía su hermano Rafael, farmacéutico de profesión, y la familia de su esposa. Allí continúa su obra pictórica hasta su fallecimiento, el 31 de marzo de 1927. Con anterioridad el Gobierno español le honra nombrándolo caballero de la Orden de Carlos III.
Johann Evangelist Holzer nació en Burgeis, Tirol del Sur, Italia,
el 24 de diciembre de 1709, y murió en el Castillo de Clemenswerth, Alemania,
el 21 de julio de 1740. Pintor.
El sitio www.artvee.com
publicó este recordatorio
Johann Evangelist Holzer fue un pintor austríaco-alemán.
Holzer nació en Burgeis, Mals, en el valle de Vinschgau en
Tirol del Sur, como hijo de un molinero. Lo enviaron a realizar un curso de
estudios clásicos en la abadía de Marienberg, pero deseaba estudiar arte; un
retrato que pintó de Johann Baptist Murr, entonces abad de la abadía, convenció
a su padre de ceder a sus deseos. Estudió con Nikolaus Auer y progresó
rápidamente. A la edad de 18 años pintó el retablo de la iglesia de la Abadía
de Marienberg, representando a San José como patrón de los afligidos, los
enfermos y los moribundos. Luego fue a Straubing, donde aprendió con Joseph
Anton Merz a pintar frescos, lo que se convertiría en la principal fuente de su
fama posterior. Ayudó a Merz a pintar los frescos de la abadía de Oberalteich
y, mientras estuvo en Straubing, también pintó a San Antonio de Padua para la
iglesia franciscana de allí.
Después de este período se fue a Augsburgo, donde permaneció
durante seis años con Johann Georg Bergmüller y se hizo considerablemente más
conocido. Sus servicios fueron especialmente solicitados en Augsburgo para
pintar frescos para edificios públicos y exteriores de casas, aunque pocos de
ellos sobreviven actualmente. Entre sus obras en otros lugares se encuentran un
fresco en el salón del jardín del obispo de Eichstädt, un retablo de la
Jesuitenkirche en Eichstädt, un retablo que representa a San Miguel en la
iglesia abacial de Diessen y un fresco en la iglesia de San Antón en
Partenkirchen. Sus últimas y más importantes obras son los frescos de la abadía
de Münsterschwarzach. En el momento de su muerte, Clemens August de Baviera le
había encargado a Holzer pintar frescos en la Hofkirche de Clemenswerth, pero
murió en 1740 antes de su llegada allí.
