sábado, 31 de marzo de 2018

Muere a los 107 años el profesor holandés que salvó a 600 niños durante la ocupación nazi

El Diario El País de Madrid, en su edición digital publicó este artículo


Muere a los 107 años el profesor holandés que salvó a 600 niños durante la ocupación nazi
Johan Van Hulst era un héroe de la Segunda Guerra Mundial, muy a su pesar



 
Johan Van Hulst, junto al primer ministro israelí, Benjamín Netanyahu, en La Haya en 2012. REUTERS

Las últimas fotos de Johan van Hulst, antiguo maestro y luego senador holandés del partido democristiano, lo muestran elegante y alerta. Tenía 107 años y era un héroe de la II Guerra Mundial a pesar suyo. Durante la ocupación de su país, su escuela de formación de profesorado estaba frente al Hollandse Schouwburg, un teatro de Ámsterdam situado en el corazón de la comunidad judía local. Considerado un lugar indeseable por los nazis, allí metían a familias enteras para luego deportarlas a campos de concentración. Separados de sus padres, los menores de 12 años acababan en una guardería junto al local de Van Hulst. Y esa coincidencia marcó su vida. Para los pequeños era solo un descanso camino del mismo destino de los adultos, pero unos 600 fueron escondidos entre familias de acogida del país burlando al invasor.

En la parte de atrás, los jardines de ambos centros tenían solo una valla de separación, y bajo la supervisión de Johan van Hulst, los niños fueron pasados de uno a otro entre 1942 y 1943. Los cuidadores hacían filigranas para no llamar la atención. Cuando la guardería estaba llena, y él les hacía sitio en su propia escuela a instancias de las autoridades, se las arreglaba para inscribir a menos de los que en realidad llegaban. Le ayudó Walter Süskind, un judío alemán refugiado en Holanda, que llevaba la cuenta de los residentes judíos de la capital y borró los documentos de cientos de niños. La directora de la guardería, Henriëtte Pimentel, también participó. “El cambio de una escuela a otra se producía a la hora de la siesta infantil, cuando los nazis no vigilaban de forma estricta”, según los responsables del Museo del Holocausto, abierto hoy en la propia escuela. Otro buen momento era el paso del tranvía, que cruza aún la misma calle. Cuando el vehículo bloqueaba por un momento la vista de los gendarmes de enfrente, los pequeños eran sacados en bici, metidos en sacos y cestas.

Por todo ello, Van Hulst es citado por Yad Vashem, la institución israelí que recuerda el Holocausto, como uno de los que arriesgaron su vida por ellos sin ser judíos. “No me gusta hablar de esa época. No me gusta ser protagonista de nada, porque solo pienso en los miles de niños que no pudimos salvar”, le dijo, en 2015, al rotativo de Ámsterdam, Het Parool. También recordó en aquella entrevista que había visto “día tras día, cómo arrancaban a los hijos de sus padres; dejemos de lamentarnos: en ningún país se llevaron a tantos como en Holanda”. Por el Hollandse Schowburg pasaron entre 1942 y 1943 más de 46.000 personas. Al final de la guerra, de los cerca de 104.000 judíos holandeses deportados, solo regresaron unos 5.000. Van Hulst tuvo que esconderse del ocupante en 1945, y no reapareció hasta la liberación de Holanda por las tropas Aliadas, en mayo de ese mismo año.

Hijo de un tapicero y estupendo ajedrecista, era catedrático de Pedagogía y se metió en política después de la contienda. Entre 1956 y 1981 fue senador cristianodemócrata, y también europarlamentario. En 1972, recibió el reconocimiento oficial de Yad Vashem, como héroe de guerra, y en la capital holandesa se inauguró un puente con su nombre. “Vi como dos oficiales de las SS le arrancaban una muñeca a una niña, y la partida [hacia la muerte] de tantos otros niños. Eso no se borra de mi retina”, le explicó al Centro para el Estudio de la Guerra, el Genocidio y el Holocausto, en otra entrevista, destinada a sus archivos. Por eso prefería que no le llamaran héroe.


Francesco Durante


Francesco Durante nació en Frattamaggiore, Nápoles, Italia, el 31 de marzo de 1684 y murió en Nápoles, Italia, el 30 de septiembre de 1755. Compositor y pedagogo.

Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de San Onofrio, donde enseñaba su tío, el sacerdote Angelo Durante, organista y director del Conservatorio. Posteriormente se convirtió en el pupilo de Alessandro Scarlatti; también recibió clases de violín de Gaetano Francone.

Fue docente en los diferentes conservatorios de Nápoles, San Onofrio, Pobres de Jesús Cristo, Santa María de Loreto. En 1725 tomó el puesto de Alessandro Scarlatti en San Onofrio, donde permaneció hasta 1742, cuando reemplazó a Nicola Porpora como director de Santa María de Loreto. Mantuvo este cargo hasta su muerte.

  
Francesco Durante fue el fundador de la escuela napolitana, entre sus alumnos y que posteriormente se convirtieron en los compositores más famosos de origen napolitano como: Pietro Alessandro Guglielmi, Niccolò Jommelli, Giovanni Paisiello, Giovanni Battista Pergolesi, Niccolò Piccinni, Antonio Sacchini, Tommaso Traetta. 

Casi toda su obra está dedicada a la música espiritual e instrumental y apenas compuso para el teatro. Escribió los coros de una tragedia, Flavio Valente. En la obra de Francesco Durante se unen la tradición barroca y el nuevo estilo de los maestros venecianos.



A continuación, recordamos a Francesco Durante, con el Concierto para Cuerdas Nº 2 en Sol Menor, en la interpretación de Concerto Köln, dirigidos por Werner Ehrhardt.


Ludwig van Beethoven. Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125. Leonard Slatkin.


A continuación, de Ludwig van Beethoven, la Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125, en la versión de los solistas: Rachelle Durkin, Abigail Nims, Sean Panikkar, Peixin Chen, junto al Coro UMS y la Orquesta Sinfónica de Detroit, dirigida por Leonard Slatkin.


viernes, 30 de marzo de 2018

Frankie Laine


Francesco Paolo Lo Vecchio, más conocido como Frankie Laine, nació en Chicago, Estados Unidos, el 30 de marzo de 1913 y murió en San Diego, California, Estados Unidos, el 6 de febrero de 2007. Cantante, compositor y actor.

Entró en el mundo del espectáculo participando en los maratones de baile que se popularizaron durante la Gran Depresión. En 1937 fue contratado como vocalista de la orquesta de Freddy Cardone, sustituyendo a Perry Como. En ese tiempo se cantaba sin amplificación y el cantante debía hacer oír su voz por encima de la orquesta.

Durante la II Guerra Mundial, trabajó para la industria militar, al tiempo que seguía actuando en clubes modestos. En 1945 comenzó a realizar grabaciones para distintos sellos grabadores.


En 1947 obtuvo su primer gran éxito con That's My Desire, al que le siguieron otros como That Lucky Old Sun, Swamp Girl, Cry of the Wild Goose y Mule Train. Colocó más de 60 canciones en las listas de éxitos, bien en solitario o colaborando con otros artistas, como Doris Day, Four Lats, Easy Riders o Jo Stafford.

En el Reino Unido alcanzó una enorme popularidad, con I believe, que estuvo cuatro meses en el número uno. En 1964 participó en el Festival de Sanremo, formando sendos duetos con Doménico Modugno y Bobby Solo.

Poseía una voz potente y viril de barítono que usó para interpretar canciones en películas del oeste como el tema High Noon, de la banda sonora de la película homónima.



A continuación, recordamos a Frankie Laine, con uno de sus éxitos: I Belive.


jueves, 29 de marzo de 2018

Robert Tear


Robert Tear nació en Barry, Gales, Reino Unido, el 8 de marzo de 1939 y murió en Londres, Inglaterra, el 29 de marzo de 2011. Tenor

Estudió en el King's College de Cambridge, donde luego fue nombrado miembro honorario. Entre 1992 y 1994 fue director artístico de Universidad de Canto de la Royal School of Music de Londres, e impartió clases en la cátedra Internacional de Canto en la Royal Academy of Music.

Fue un eximio intérprete de los compositores británicos Benjamin Britten y Michael Tippett. De este último, estrenó el papel de Dov de su ópera The Knot Garden y uno de los baluartes del Covent Garden en la década de 1970, donde cantó el papel de Lensky de la ópera Eugene Onegin, de Piotr Illich Tchaikovski, el rol de Vasily Golitsin en Khovanshchina, y encarnó a Vasili Shuisky en Borís Godunov, ambas de Modest Músorgski, en el King Priam, Jack en Midsummer Marriage, de Michael Tippett, Tom Rakewell en The Rake's Progress de Ígor Stravinski, y Captain Vere en Billy Budd y Peter Grimes, ambas de Benjamin Britten. También cantó en Mathis der Maler, de Paul Hindemith, Palestrina, de Hans Pfitzner.


Se presentó en el Metropolitan Opera House de New York, donde cantó con gran éxito el personaje de Captain Vere en Billy Budd, de Benjamin Britten, en París en el estreno de la versión de tres actos de Lulu de Alban Berg dirigido por Pierre Boulez, y en importantes ciudades como Sídney, Los Angeles, Toronto, Salzburgo y en Munich donde cantó Las excursiones del señor Brouceck, de Leoš Janáček y Ubú rey, de Krzysztof Penderecki en 1991. Su último papel fue el Emperador en Turandot de Giacomo Puccini.

Robert Tear es uno de los tenores más prestigiosos del siglo XX en el Reino Unido, junto a Peter Pears, Stuart Burrows, Philip Langridge y Anthony Rolfe-Johnson.


A continuación, recordamos a Robert Tear, con su interpretación de Oh mi amante.



Fuga y Misterio - Astor Piazzolla – Ensemble Filarmónico

martes, 27 de marzo de 2018

Joaquín Díaz


Joaquín Díaz González nació en Zamora, España. Músico y folclorista, presidente titular honorífico de la Cátedra de Estudios sobre la Tradición en la Universidad de Valladolid y académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción, con sede en Valladolid, de la que fue presidente.

Dedicó su vida a trabajos de interpretación, investigación y divulgación de la cultura tradicional y folclore que dio a conocer con la publicación de libros y grabación de discos cuyos temas versan sobre romances, canciones, dichos populares, cuentos legendarios y leyendas de difusión oral.​ Fue el creador del Centro Etnográfico de Urueña,​ proyecto que culminó en junio de 1994 con la Fundación Joaquín Díaz.


A continuación, el documental Palabras contra el olvido, del ciclo Imprescindibles, de TVE, que repasa la vida del folklorista y etnógrafo.


lunes, 26 de marzo de 2018

Viorica Ursuleac


Viorica Ursuleac nació en Czernowitz, Ucrania, el 26 de marzo de 1894 y murió en Ehrwald, Austria, el 22 de octubre de 1985. Soprano.

Nació en una familia de tradición musical. Durante una visita a Zagreb, cantó ante el intendente de la ópera, quien le ofreció un contrato. En 1922 debutó en el papel de Charlotte en la ópera Werther de Jules Massenet. En Bucarest, durante un concierto, llamó la atención de la reina María, que la ayudó en su carrera internacional. Gracias al apoyo de Felix Weingartner, obtuvo un contrato en la Volksoper de Viena. 

En 1924 Clemens Krauss asumió la dirección de la ópera de Frankfort y estaba buscando una soprano, pero se negó a escuchar a Ursuleac por su apellido balcánico ya que prefería a alguien de origen germánico. Ursuleac cantó ante él con nombre ficticio y Krauss quedó maravillado, tanto la contrató incluso cuando supo su verdadera identidad. La relación entre los dos intérpretes fue muy estrecha en el campo musical y también en el personal, ya que ambos se casaron.


En 1930 se trasladó a Viena, donde rivalizó con la gran soprano Lotte Lehmann que, poseía un registro agudo más limitado. En 1933, en la ópera de Dresde, interpretó por primera vez a una de las heroínas straussianas: Arabella. Posteriormente su carrera continuó en Berlín en 1935 y Múnich en 1937. 

Durante este periodo incorporó otros papeles straussianos, como la Mariscala, Ariadna, Crisotemis o la emperatriz en La mujer sin sombra, entre otros. También cantó en el estreno de Friedenstag, obra dedicada a la propia soprano y a Clemens Krauss, Capriccio, y, en 1944 la Dánae de El amor de Dánae.


La carrera de Viorica Ursuleac se desarrolló especialmente en Alemania y Austria, con raras actuaciones en otros países. En 1934, en el Covent Garden de Londres, interpretó el papel de Desdémona en la ópera Otello de Verdi y Arabella. En 1948 se presentó en el Teatro Colón de Buenos Aires como Brangania en Tristán e Isolda de Richard Wagner, junto a Kirsten Flagstad dirigidas por Erich Kleiber.

Además de ser una reconocida intérprete de Richard Strauss, tenía en su repertorio óperas de Giuseppe Verdi, Giacomo Puccini, y obras de otros compositores de su tiempo como Ernst Krenek o Eugen d'Albert.

Viorica Ursuleac fue una intérprete de gran temperamento, con grandes dotes de actriz que, según los especialistas, necesitaba el contacto del público para dar lo mejor de su capacidad, por eso las grabaciones existentes no reflejan acabadamente todo su talento.


A continuación, recordamos a Viorica Ursuleac, con el aria Mein Elemer! de la ópera Arabella de Richard Strauss, junto al Coro y la Orquesta de Viena, dirigidos por Clemens Krauss, en una grabación en vivo en el Festpielhaus de Salzburgo el 9 de agosto de 1942.


domingo, 25 de marzo de 2018

Shalom - De la luz al secreto


Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…


       
                                            De la luz al secreto

sábado, 24 de marzo de 2018

George London


George Burnstein, más conocido como George London, nació en Montreal, Canadá, el 30 de mayo de 1920 y murió en Armonk, Nueva York, Estados Unidos, el 24 de marzo de 1985. Bajo-barítono.

Estudió canto en Los Ángeles y Nueva York con Paola Novikova, debutó en 1942 en Hollywood, en 1945 sustituyó a último momento a un colega, en el primer concierto de la recientemente reorganizada Orquesta Sinfónica de Dallas, dirigida por Antal Doráti. Entre 1947 y 1948 formó parte del Bel Canto Trio, junto al tenor Mario Lanza y la soprano Frances Yeend. En 1949 tuvo un gran éxito en la Ópera Estatal de Viena, en 1950 cantó el papel de Pater Profundis en la Octava Sinfonía de Gustav Mahler, dirigida por Leopold Stokowski.

La amplitud de su voz de bajo-barítono, así como su poderosa presencia escénica, lo convirtieron en uno de los cantantes más apreciados de las décadas de 1950 y 1960 del registro heroico-trágico.


En 1951 debutó en el Metropolitan Opera House de New York, como Amonasro en Aida, de Giuseppe Verdi. Cantó en más de 270 producciones, tanto de barítono como de bajo barítono, en óperas como La Bodas de Fígaro, Don Giovanni, y La Flauta Mágica de Wolfgang Amadeus Mozart; Arabella, de Richard Strauss; Tosca, de Giacomo Puccini; Boris Godunov, de Modest Músorgski; Carmen, de Georges Bizet; Otello, de Giuseppe Verdi; Parsifal y Tannhäuser, de Richard Wagner; Los cuentos de Hoffmann, de Jacques Offenbach; Pelléas y Mélisande, de Claude Debussy; y Fausto, de Charles Gounod. En 1956, durante su carrera en Met, apareció en el programa de televisión de Ed Sullivan en una versión abreviada del acto 2 de Tosca, junto a María Callas, bajo la dirección de Dimitri Mitropoulos. 

También en 1951, cantó en el Festival de Bayreuth como Amfortas en Parsifal, y reapareció con frecuencia durante el resto de la década de 1950 y principios de 1960, cantando también el papel principal de El Holandés Errante.


En 1958, participó en un proyecto discográfico de envergadura: la grabación de El anillo del nibelungo, la tetralogía de Richard Wagner, bajo la batuta de Georg Solti, donde interpretó el papel de Wotan en El oro del Rin. En 1960 fue el primer norteamericano en cantar el papel principal de Boris Godunov en el Teatro Bolshoi de Moscú, en el momento álgido de la Guerra Fría. En 1964, creó el papel de Abdul en el estreno estadounidense de El último salvaje, de Gian Carlo Menotti.

En 1967 su carrera artística sobre los escenarios se vio interrumpida por una parálisis de las cuerdas vocales, en 1971, creó la George London Foundation for Singers, con el propósito de ayudar a los jóvenes cantantes en sus carreras, y entre 1975 y 1980 se desempeñó como director general del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas en Washington.


Como reconocimiento a su carrera profesional, George London fue homenajeado en dos oportunidades, en 1981 en un concierto en el Carnegie Hall, presentado por Beverly Sills, y en 1984 en Viena, con algunos de los mejores cantantes del mundo.



A continuación, recordamos a George London con su participación en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, interpretando el papel del barón de Scarpia, junto a Renata Tebaldi como Floria Tosca, Eugene Robin en el papel de Mario Cavaradossi, y Gustav Grefe encarnando a Angelotti, Hubert Buchta como Spoletta, el rol del Sacristán en la voz de Heinz Cramer, Siegried Fischer-Sandt, es Sciarrone, Wilhelm Baur interpreta al carcelero y Claudia Hellman como la pastora, con el Coro y la Orquesta de la Staatsoper de Stuttgart, todos dirigidos por Franco Patanè, en una producción de 1961.


Ludwig van Beethoven. Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125. Markus Stenz.


A continuación, de Ludwig van Beethoven, la Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125, en la versión de los solistas: Aga Mikolaj, Kristina Hammarström, Zoltán Nyári, Tareq Nazmi, junto al Coro y la Orquesta Filarmónica de Radio Netherlands, bajo la dirección de Markus Stenz.



viernes, 23 de marzo de 2018

Cuando el nazismo manchó la pelota


El Diario Clarín, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Maximiliano Kronenberg
  
Exposición en River

Cuando el nazismo manchó la pelota
Desde partidos en campos de exterminio hasta jugadores que se negaron a representar asesinos, una muestra vincula el deporte y la Historia.

En el club. Crear conciencia con una muestra. / Silvana Boemo
¿Cómo se vinculan el deporte más hermoso del mundo con las aberraciones del nazismo? Una respuesta a esto -y mil preguntas- la da una muestra que se exhibe ahora mismo en el Museo River.

“No fue un juego” es la recopilación de once historias de supervivencia y resistencia ocurridas durante el Tercer Reich. Hay casos espeluznantes como el de Matthias Sindelar, el máximo ídolo del seleccionado de Austria que en 1938 se negó a jugar para Alemania tras la anexión de su país al Tercer Reich. 
Un año más tarde, la estrella del Austria Viena apareció muerto en su casa por inhalación de monóxido de carbono. Su caso nunca fue esclarecido.

Hirschl. Sobreviviente del Holocausto, fue el primer director técnico extranjero en la Argentina. /Silvana Boemo
La exposición surgió de manera curiosa. El partido entre Ajax de Amsterdam y Schalke 04, por los cuartos de final de la Europa League de 2017, inspiró la idea: el club asociado a la colectividad judía de Holanda se enfrentaba al equipo alemán, el favorito de Adolf Hitler, ganador de seis campeonatos sobre nueve entre los años ’30 y ‘40, en pleno auge del nazismo. Leonardo Albajari, periodista deportivo y docente de la Universidad Católica tuvo la sensibilidad de detectar historias de vida más allá de una pelota de fútbol.

El resultado de aquel partido era lo de menos (Ajax avanzó a semifinales). Albajari se comunicó con el Museo del Holocausto, que inmediatamente se sumó a la iniciativa. Ahora, cuenta con el apoyo de las embajadas de Alemania, Austria, Israel y Polonia.

“Leo vino con la propuesta y nosotros le dimos asesoramiento. La idea es promover la temática a un público que naturalmente no se acerca a investigarla. Confiábamos en que iba a tener repercusión por el fútbol ya que el nazismo sigue estando presente”, cuenta Jonathan Karszenbaum, Director Ejecutivo del Museo del Holocausto.

Y el tema pegó: la muestra estará en River hasta el 15 de mayo pero Racing y San Lorenzo también se interesaron en mostrarla, al igual que varios establecimientos educativos, instituciones y clubes del interior. También hay pedidos de universidades de Brasil e Israel para hacerla más adelante.

Todo dicho. La interpretación de algunos artistas. /Silvana Boemo
Allí, el visitante se enterará de casos como el de la Liga Terezín (1942-44) en el campo de concentración de Praga, en la actual República Checa, donde el fútbol se exhibía como elemento de propaganda nazi para mostrar ante la Cruz Roja Internacional “las buenas condiciones” que se encontraban los judíos deportados.

Los documentos de la época dan cuenta de que en ese campo de concentración el fútbol significaba el único momento de esparcimiento para sentirse vivo, jugando en condiciones infrahumanas. Allí murieron 33.000 judíos y otros 90.000 fueron trasladados a otros campos de exterminio.

Tal vez, el caso más cercano haya sido el de Emérico Hirschl, el húngaro de origen judío que logró escapar de la Segunda Guerra. Fue preparador físico y el primer director técnico extranjero en el fútbol argentino. Dirigió al “Expreso” de Gimnasia y Esgrima La Plata y también a River, siendo uno de los promotores de “La Máquina”, campeón en 1936-37.

Pero su lado oculto es mucho más inquietante. Haciendo gala de su influencia en el fútbol, acudía con frecuencia al puerto de Buenos Aires para hacer bajar a los judíos de los barcos en forma clandestina. Hirschl fue un héroe para la época ya que iba a contramano de un decreto argentino que negaba visas a toda persona “indeseable o expulsada” de la Europa nazi.

En el Museo River también hay diarios deportivos austríacos con propaganda nazi, fotos de equipos femeninos y de niños jugando en la preguerra, testimonios recogidos del diario de Ana Frank, fragmentos de la tremenda obra del escritor italiano Primo Levi, el reglamento deportivo de la Alemania nazi y una réplica de la camiseta del Makabi Warzawa de Polonia (1938).

Schalke 04. El equipo de Hitler. /Silvana Boemo
“La muestra tiene una función educativa en un terreno que no estaba explorado. Se pueden modificar ciertas actitudes, y esto viene a contribuir a la mala utilización del fútbol. Es el resultado de un proceso histórico para que la gente conozca la temática”, subraya Albajari.

Además, una pelota bañada en sangre, otra con alambres de púa, un balón con esvásticas y otro con la insignia amarilla para marcar a los judíos en el nazismo fueron ilustradas por Jorge Meijide, Diego Rodríguez, Augusto Costhanzo, Sergio Lenger, Rica Núñez y Gustavo Nemirovsky para reflejar la crueldad del Tercer Reich durante la Segunda Guerra Mundial.

“No fue un juego” invita a la memoria y a la reflexión en torno al racismo y las atrocidades cometidas durante la Shoá (Holocausto). Para crear conciencia a través del futbol en el año del Mundial de Rusia, a 40 años del Mundial ‘78 -plena dictadura militar- y, sobre todo, al cumplirse 80 años de la mayor manifestación nazi celebrada en el Luna Park (10 de abril de 1938), el acto antisemita más importante realizado fuera de Europa.


Franco Battiato


Franco Battiato nació en Jonia, actual Riposto, Italia, el 23 de marzo de 1945. Cantautor, músico y director de cine.

A los 20 años se instaló en Milán, poco después obtuvo su primer contrato musical cantando versiones de canciones pop. Por esa época grabó el tema romántico "È l'amore", con el que logró cierto reconocimiento. En la década de 1970 conoció al músico experimental Juri Camisasca, con el que colaboró en “Osage Tribe”, una banda de rock psicodélico y progresivo. En 1971 lanzó como solista el álbum de ciencia ficción La Convenzione Paranoia, considerado por muchos el mejor rock progresivo de los 70 en Italia, y se dedicó a experimentar con la música electrónica, produciendo una serie de LPs que pasaron desapercibidos, pero que actualmente están considerados como discos de culto por sus seguidores.


Luego de grabar varios discos con diverso éxito, en 1977 con L'Egitto Prima Delle Sabbie, ganó el "Premio Stockhausen" como “Mejor Música Contemporánea”. Posteriormente se acercó al género pop, que le dio gran popularidad con la audiencia.

En 1981 con el álbum La Voce del Padrone, logró un gran éxito, convirtiéndose en el primer LP italiano en vender más de un millón de copias. Con L'arca di Noè, fue reconocido de ser uno de los músicos más versátiles e inteligentes de Italia. Muchas de sus canciones contenían partes en inglés, y en árabe y otros discos fueron publicados enteramente en español y en inglés. En la década de 1980 continuó grabando y a partir de 1987, también se dedicó a producir óperas clásicas.


Franco Battiato inició la década de 1990 componiendo la música para la película Benvenuto Cellini, e inició otra experimentación, esta vez en el área de la pintura, bajo el seudónimo de “Süphan Barzani”. A partir de ese año 1994 trabaja en conjunto con el filósofo siciliano Manlio Sgalambro, quien escribió muchas de las letras de los álbumes subsiguientes. En 1996 publicaron L'imboscata, con la canción La Cura, elegida como la “Mejor canción italiana del año”.

En 2003 incursionó por primera vez en el mundo del cine, dirigiendo la película “Perduto amor”, de la cual también produjo la banda sonora. Esta película ganó el premio “Silver Ribbon” como “Mejor director debutante”. Poco tiempo después presentó su segunda producción cinematográfica titulada Musikanten.

Franco Battiato continúa grabando y publicando nuevos álbumes, y está considerado como una de las personalidades más eclécticas y originales en el panorama cultural italiano de las últimas décadas.


A continuación, celebramos el cumpleaños de Franco Battiato, con uno de sus éxitos: La Cura.



jueves, 22 de marzo de 2018

Roger Whittaker


Roger Whittaker nació en Nairobi, Kenia, el 22 de marzo de 1936. Cantante y compositor.

Estudió medicina, trabajó como maestro y para avanzar en su carrera docente se mudó a Gran Bretaña, donde también comenzó a cantar en clubes locales. 

En 1962 lanzó su primer simple con el tema The Charge of the Light Brigade, y sus apariciones en TV lo hicieron más popular. Su particular voz de barítono, su capacidad de silbido, y sus habilidades con la guitarra, contribuyeron a su éxito.

En 1969 con Durham Town (The Leavin), alcanzó el Top 20 del Reino Unido, y al año siguiente, en Estados Unidos publicó New World in the Morning, que se convirtió en el Top 20 en la lista de Easy Listening de la revista Billboard. Además del Reino Unido, se hizo muy popular en varios países de Europa como Finlandia, Bélgica, Alemania y Dinamarca, entre muchos otros, y ganó más de 250 álbumes de plata, oro y platino. 


A continuación, celebramos el cumpleaños de Roger Whittaker, con uno de sus éxitos: New World In The Morning.


Fuga y Misterio - Astor Piazzolla – Guoda Gedvilaite

miércoles, 21 de marzo de 2018

Hermann Finck


Hermann Finck nació en Pirna, Alemania, el 21 de marzo de 1527 y murió en Wittenberg, Alemania, el 28 de diciembre de 1558. Compositor.

Después de 1553 vivió en Wittenberg, donde trabajó como organista, y allí publicó su colección de canciones de boda. Su escritura teórica fue buena, particularmente sus observaciones sobre el arte de cantar y de hacer ornamentaciones en canciones.
Su trabajo más apreciado se titula Practica musica, exempla variorum signorum, proportionum, et canonum, judicium de tonis ac quaedam de arte suaviter et artificiose cantandi continens, y que tiene un gran valor histórico. Pocos detalles de su vida han sido preservados.


A continuación, recordamos a Hermann Finck, con el motete Te maneat Semper, que muestra en un estilo altamente decorado.


Les Choristes - Vois Sur Le Chemin

martes, 20 de marzo de 2018

Bernd Alois Zimmermann


Bernd Alois Zimmermann nació en Bliesheim, Colonia, Alemania, el 20 de marzo de 1918 y murió en Königsdorf, Alemania, el 10 de agosto de 1970. Compositor y docente.

Estudió en la Universidad de Colonia y posteriormente en los conservatorios de Colonia y Berlín, siguió los estudios de Wolfgang Fortner y de René Leibowitz en Darmstadt. Entre 1950 y 1952 trabajó en el Instituto de Musicología de Colonia y colaboró también como compositor en varias emisoras de radio. A partir de 1957 fue profesor de composición en la Musikhochule de Colonia, donde dirigió un seminario de música de escena y de películas.

Zimmermann experimentó en su obra con diferentes técnicas, como el sistema de cita musical o el collage, pasando por el serialismo. Desde comienzos de la década de 1950 experimentó con materiales recogidos de otras obras, usando la técnica de la cita musical. En la década de 1960 llevó a cabo con éxito un complejo método de combinación de materiales procedentes de diferentes períodos estilísticos de su propia música, utilizando la técnica del collage. Compuso una obra variada con música instrumental, vocal, partituras para orquesta, y música teatral.


A continuación, de Bernd Alois Zimmermann, Stille und Umkehr, Orchesterskizzen, Silencio y Arrepentimiento, Bocetos para Orquesta, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Hesse, dirigida por Hans Zender. 


Peppe Voltarelli en Francia


PEPPE VOLTARELLI CANTA MODUGNO EL 23 MARZO 2018, A LAS 20:00, EN SALLE BEFFROI - 30 PLACE ANNE GROMMERSCH - THIONVILLE - FRANCE


lunes, 19 de marzo de 2018

Bruno Gelber


Bruno Leonardo Gelber nació en Buenos Aires, Argentina, el 19 de marzo de 1941. Pianista.

Creció en el seno de una familia vinculada a la música, su padre fue violinista en la orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires y su madre profesora de piano, que influyó mucho en su determinación por seguir la carrera musical. Comenzó a estudiar piano a los tres años y medio, e interpretaba sonatas y conciertos desde los cinco años. A los 6 años tomó clases con Vincenzo Scaramuzza, y que tuvo entre sus discípulos a Marta Argerich.

A los 7 años tuvo poliomielitis, debiendo guardar reposo durante más de un año. Sus padres realizaron las adaptaciones oportunas para que pudiera tocar el piano con el menor esfuerzo posible desde la cama.
Debutó en público a los 10 años con el Concierto para Piano y Orquesta Nº 3 en Do Menor Op. 37, de Ludwig van Beethoven, bajo la dirección de su maestro. A los 14 años debutó en el Teatro Colón con el Concierto para Piano y Orquesta en La Menor Op. 54, de Robert Schumann, bajo la batuta de Lorin Maazel. 


En 1959 tuvo lugar su debut internacional en Múnich, Alemania, con gran éxito. A los 19 años obtuvo una beca en París donde estudió con la célebre pedagoga Marguerite Long, y posteriormente continuó residiendo en la capital francesa hasta finales de la década de 1980, cuando se trasladó a Mónaco.

Compartió escenario con directores como Ernest Ansermet, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, George Szell, Kiril Kondrashin, Sir Colin Davis, Bernard Haitink, Riccardo Chailly, Lorin Maazel y Antal Doráti, con las más importantes orquestas del mundo, entre las que pueden citarse la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, entre otras, e invitado a los festivales musicales más importantes del mundo.

Su discografía ha sido galardonada con premios como el Discophiles francés, el Grand Prix du Disque de l’Academie Charles Cross y el premio de la Academia de París y también ha recibido las más altas calificaciones en las revistas especializadas como Diapason, Gramophone y Le Monde de la Musique.

Recibió entre otros, los Premios Konex al mejor pianista argentino de la década, en 1989 y 1999, en 2000 fue distinguido como Comendador de la Orden al Mérito Cultural de Mónaco, en 2006 fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, y en 2007 recibió la condecoración del Gobierno de Francia como Oficial de las Artes y de las Letras de la República Francesa.

Bruno Gelber y el Maestro Juan Carlos Montero
A continuación, celebramos el cumpleaños de Bruno Gelber, con su interpretación de la Sonata para Piano Nº 14 en Do Sostenido Menor Op. 27 Nº 2



Educación


domingo, 18 de marzo de 2018

Diálogos con Pilar Rahola.



Pilar Rahola es filóloga, política, y periodista.

Claudio Avruj es Secretario de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural de la Nación.