domingo, 30 de junio de 2013

Hector Berlioz. Sinfonía Fantástica.


La Sinfonía fantástica es una obra compuesta por Héctor Berlioz en 1830. 

El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo: el título que Berlioz puso a su obra es Episodio de la vida de un artista. 

El autor se inspiró en la actriz shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la música programática y posee un argumento muy detallado y que es el siguiente:


Un joven músico desesperado ha tomado opio y, en un largo sueño, tiene una serie de visiones y pesadillas, con la idea de su amada viniendo una y otra vez a su cabeza. Recuerda las alegrías y depresiones del pasado, antes de que ella entrase en su vida, y luego el neurótico celoso en que se convirtió cuando ella entró en su vida, teniendo el único consuelo de la religión.


El segundo movimiento evoca la música de un baile, en el que con los giros de la danza, vislumbra a su amada otra vez.

El tercer movimiento fue muy difícil para Berlioz. En el campo, dos pastorcillos entonan una melodía con sus flautas para llamar a sus vacas. Todo es tranquilidad hasta que la amada aparece de nuevo, provocando inquietud en el héroe. El otro pastorcillo toca su flauta, pero esta vez no hay respuesta. En ese momento, el sol se pone acompañado de un trueno distante. Luego, predomina el silencio en la escena.


El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.

El movimiento final es un aquelarre, una salvaje celebración demoníaca. La imagen de la amada parece ahora una agudísima burla. Las campanas de la muerte se oyen por encima del himno Dies Irae del juicio final y se mezclan con la danza. La música de las campanas de la muerte en este movimiento ha sido utilizada por Wendy Carlos en las bandas sonoras de La Naranja Mecánica y El resplandor.

A continuación la Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz en la interpretación de Leonard Bernstein al frente de la Orquesta Nacional de Francia.



Gustav Mahler. Sinfonía Nº 5 en Do Sostenido Menor


La Sinfonía Nº 5 en Do Sostenido Menor de Gustav Mahler fue completada en el otoño de 1902 y Mahler volverá sobre ella, continuamente, hasta el año anterior a su muerte.

La obra fue compuesta en el periodo medio de su producción, que cuenta entre otras, con un tríptico de sinfonías puramente instrumentales como la Quinta, Sexta y Séptima, los Rückert-Lieder y los Kindertotenlieder, dos arreglos finales de los Wunderhorn y, según la opinión de algunos, la última gran declaración afirmativa de Mahler, la Octava Sinfonía coral.

Mahler ya había abandonado todos los programas explícitos y títulos descriptivos, quería escribir música “absoluta” que hablara por sí misma. 

A continuación de Gustav Mahler, Sinfonía No 5 in Do Sostenido Menor, en la interpretación de Daniel Barenboim al frente a la Orquesta Sinfónica de Chicago, en la Musik Triennale en Köln, Alemania en 1997.


Ana Frank


Annelies Marie Frank, conocida como Ana Frank, nació en Fráncfort del Meno, Alemania, el 12 de junio de 1929 y murió en Bergen-Belsen, el 12 de marzo de 1945.

Mundialmente conocida gracias al Diario de Ana Frank, la edición en forma de libro de su diario íntimo, donde dejó constancia de los casi dos años y medio que pasó ocultándose, con su familia y cuatro personas más, de los nazis en Ámsterdam, Holanda, durante la Segunda Guerra Mundial.

Su familia fue capturada y llevada a distintos campos de concentración alemanes.

El único superviviente de los ocho escondidos fue Otto Frank, su padre.

Ana fue enviada al campo de concentración nazi de Auschwitz el 2 de septiembre de 1944 y, más tarde, al campo de concentración de Bergen-Belsen, donde murió de tifus el 12 de marzo de 1945, pocos días antes de que éste fuera liberado.

En 1947, apenas dos años después de terminada la guerra, Otto publicó el diario bajo el título La casa de atrás, en neerlandés, Het Achterhuis.
















En la página WebTV del Diario Clarín, fue publicado el video que está a continuacion.



Seguidamente, versión fílmica de "El Diario de Ana Frank".

Piazzolla 4


Ultimo capítulo de la serie de 4 de la BBC dedicado a Astor Piazzolla.

Lena Horne


Lena Mary Calhoun Horne, más conocida como Lena Horne, nació en Brooklyn, New York, el 30 de junio de 1917 y murió en Manhattan, el 9 de mayo de 2010.

Su carrera abarca más de sesenta años, como actriz y cantante de jazz y música popular.

Debutó como corista a los 14 años, cuando pasó a integrar las filas del célebre Cotton Club de Harlem donde actuaban Duke Ellington, Billie Holiday, Louis Armstrong y Ethel Waters, quien la impactó con la canción "Stormy Weather".

A los 20 brillaba en el cabaret Mocambo, en el café Society y en el teatro Capitol.

Se dio a conocer en el mundo del jazz en la segunda mitad de la década de 1930, cantando en diversas big bands, especialmente en la de Noble Sissle en 1938, época en la que inició su carrera cinematográfica.


A los 22 grabó su primer disco y a los 23 triunfó en Broadway con Blackbirds of 1940.


En 1941 se incorporó a la banda de Charlie Barnet, logrando un éxito discográfico con el tema "Good for a nothing Joe", y después actuó regularmente con la banda del pianista Teddy Wilson.

En 1942 fue la primera actriz negra en obtener un contrato permanente en la Metro Goldwyn Mayer.

En la Segunda Guerra Mundial hizo giras entreteniendo a las tropas aliadas negándose a hacerlo para audiencias segregadas.

Trabajó en 16 películas y varios cortos entre 1938 y 1978 y su aparición más famosa y distintiva fue, casualmente, en Stormy Weather de 1943 y en la película Cabin in the Sky de Vincente Minnelli junto a la ya veterana Ethel Waters y Cab Calloway.



Fue víctima de la discriminación racial reinante esos años en la industria y se convirtió en uno de los principales puntales de la lucha a favor de los derechos de los negros.

Debió haber encarnado a Julie en la película musical Show Boat pero debido a su color de piel, el papel fue ofrecido a su amiga Ava Gardner, quien fue doblada en las canciones.


Rechazó cantar en locales donde se ejercía la segregación racial y sus protestas, apoyadas por varios compañeros de profesión como Humphrey Bogart, hizo que fuera incluida en la llamada "lista negra" de Hollywood en los años 50 elaborada por el senador McCarthy.


Actuó en Broadway, conquistando una nominación al Tony en 1957 por Jamaica.

En 1980 regresó triunfalmente, a los 63 años, en su propio espectáculo Lena Horne: The Lady and Her Music en 1981-1982; producido por Quincy Jones, y obtuvo un Premio Tony.

Trabajó asiduamente en radio y televisión: en los shows de Judy Garland, Bing Crosby y Frank Sinatra, y en The Muppet Show.

En 1984 fue una de las artistas del año homenajeada con la condecoración Kennedy Center Honor en Washington.


Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, como actriz y como cantante.

Mereció tres premios Grammy, entre los que está el Lifetime Achievement Award en 1989.

Su última aparición fue The Wiz como Glenda The Good Witch junto a Michael Jackson y Diana Ross.
Residía en el Upper West Side de New York, en el famoso edificio Apthorp.

Sufría de esclerosis múltiple y falleció el 9 de mayo de 2010 en un hospital de Manhattan a los 92 años.











Lena Horne y uno de sus mas grandes exitos: Stormy Weather. 1943.

sábado, 29 de junio de 2013

Nazis. Un aviso de la historia.

Astor Piazzolla 3


Tercera entrega del documental de la BBC sobre Astor Piazzolla.

Michel Petrucciani


Michel Petrucciani nació en Orange, Francia, el 28 de diciembre de 1962 y falleció en Nueva York, el 6 de enero de 1999. Pianista y compositor de jazz.



Vivió aquejado de una gravísima enfermedad ósea que sin embargo no fue obstáculo para que se dedicara desde la infancia de manera casi exclusiva al estudio del piano, lo que le permitió convertirse en uno de los pianistas de jazz de mayor renombre de todos los tiempos.


Dotado de una extraordinaria técnica, su estilo fluctuaba entre una atmósfera intimista y romántica, propia de la escuela de Bill Evans del que era un ferviente admirador, y otra con un gran uso del ritmo que combinaba la sutileza del lirismo y la potencia de un ataque percusivo.

Dado su gusto por el ritmo, le gustaba mucho la música brasileña y el jazz influido por ella, que siempre estuvieron presentes en sus discos.

Proveniente de una familia de músicos de origen italo-francés, estudió piano clásico desde niño, y a los 12 años actuó por primera vez, acompañado por su padre Tony en la guitarra, quien era su profesor de piano, y su hermano Louis en el contrabajo.



Aunque estudió piano clásico, su gran ídolo musical fue siempre Duke Ellington, quien fue su inspiración para dedicarse finalmente al piano de jazz.


De adulto, sus manos alcanzaron un tamaño promedio, sin embargo para alcanzar los pedales, utilizaba un suplemento hecho para él.

Gracias a su enorme talento, a los 17 años grabó su primer disco y al año siguiente inició con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano, con una serie de grabaciones para el sello francés OWL.


En 1982 se trasladó a California y se convirtió en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd, cuando éste regresó a la escena después de un prolongado retiro, gracias a la insistencia del mismo Petrucciani.

Continuó grabando en Francia y en sus estancias en Nueva York, se editaron sus primeros discos americanos.

En 1985 inició su período en el sello "Blue Note" con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund.


El 22 de febrero de 1985, Lloyd entró en el escenario en el Town Hall de Nueva York con Petrucciani en sus brazos, y lo sentó en el taburete del piano, para lo que sería una noche histórica en la historia del jazz: el rodaje de Una Noche con Blue Note. 

El director de la película, John Charles Jopson, recordó más tarde en las notas de la reedición, que la escena lo conmovió hasta las lágrimas.


El año siguiente actuó en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publicó bajo el título de "Power of Three", uno de sus grandes discos. 

También incursionó en trabajos como "Music", "Playground", los que lo acercaron a las fórmulas de la fusión eléctrica.

Su último disco para Blue Note, en solos de piano, es un homenaje a Duke Ellington, uno de sus compositores favoritos, y una clara influencia a lo largo de toda su carrera.


En Estados Unidos también tocó con diversas figuras de la escena del jazz local, incluyendo al legendario Dizzy Gillespie y al saxofonista Lee Konitz, entre otros.

En 1994 grabó para el sello frances Dreyfus, el disco "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda.


Michel Petrucciani preferió las formaciones reducidas, y en sus últimos años una de las más fructíferas fue su insólito y excepcional encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conference de Presse".

Su mayor virtud como pianista de jazz fue sin duda el solo, del que era un verdadero maestro y el CD doble recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica.


En 1997 dió un nuevo giro a su carrera cuando formó un sexteto en el que se integraron dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que grabó "Both Worlds".

Michel Petrucciani falleció el 5 de enero de 1999, a los 36 años, de una afección pulmonar, producto de su enfermedad ósea, dejando un vacío dificilísimo de cubrir en el jazz europeo, y en el francés en particular.


Sus restos reposan en el cementerio del Père Lachaise, en París, junto a la tumba de Chopin.




Desde julio del 2003 una plaza en París, lleva el nombre de Michel Petrucciani.




A continuación una presentación de Michel Petrucciani en vivo con Anthony Jackson en Bajo y Steve Gadd en Batería en Suttgart, Alemania, el de febrero de 1998. 


viernes, 28 de junio de 2013

Astor Piazzolla 2


Segunda parte del documental preparado por la BBC sobre Astor Piazzolla.

José Marrone



José Carlos Marrone nació en Buenos Aires, Argentina, el 25 de octubre de 1915 y murió en Vicente López, el 27 de junio de 1990.

Tuvo una infancia pobre y violenta y desarrolló distintas actividades antes de comenzar a actuar en bodegones o fondas, sobre un pequeño escenario, con diferentes números artísticos de comicidad o burlesque, los cuales no eran retribuidos con un sueldo, sino por la comida.


Fue así como se formó, a través de horas de trabajo cómico y teniendo que enfrentar en muchos casos un público muy hostil, lo que le permitió desenvolverse con seguridad y solvencia sobre los grandes escenarios de la Revista, haciendo lo que realmente fue: un auténtico payaso e improvisador.

Comenzó trabajando como cómico en el teatro de revistas y en la radio y luego en televisión y cine. 


Más tarde fue la figura estelar de diversos programas orientados al público infantil, como El circo de Marrone, interpretando al payaso Pepitito. 


Sus muletillas preferidas eran “¡Che...!”, “¡Mamita querida!” y “me saco el saco y me pongo el pongo”.

Una de las frases populares de Marrone fue:
"Palabras más, palabras menos, un tanto en broma y mucho en serio".






jueves, 27 de junio de 2013

Desayuno


La directora de teatro Gabriela Felperín visitó Siempre Argentina Conexión Español y en la entrevista comentó aspectos de la puesta en escena de la obra Desayuno. Variaciones sobre un poema de Jacques Prévert.

Conducción: Darío Bursztyn - Leonardo Liberman

Puesta en el aire: Jorge Falcone




El Genio de Beethoven. Fe e Ira.



Un poderoso, conmovedor y preciso documental en tres capítulos dramatizados, basado en la vida de Ludwig van Beethoven.
A continuación el tercer y último capítulo.



miércoles, 26 de junio de 2013

El Genio de Beethoven. Amor y Perdida.


Un poderoso, conmovedor y preciso documental en tres capítulos dramatizados, basado en la vida de Ludwig van Beethoven.

A continuación el segundo capítulo.



Claudio Abbado


Claudio Abbado nació en Milán, Italia, el 26 de junio de 1933, es uno de los grandes directores de orquesta y de ópera de la posguerra, y junto a Riccardo Muti está considerado uno de los sucesores de la tradición italiana encarnada por Arturo Toscanini y Victor de Sabata.


Abbado es descendiente de una familia de músicos, estudió piano en el Conservatorio de Milán con su padre Michelangelo Abbado y con Carlo Maria Giulini y luego dirección orquestal en Viena con Hans Swarowski.

En 1958 fue distinguido en Estados Unidos con el Premio del Concurso de Dirección Orquestal Sergéi Kusevitski, y en 1960 su debut al frente de la orquesta del Teatro de La Scala de Milán, con motivo de la conmemoración del tercer centenario del nacimiento del compositor barroco Alessandro Scarlatti.


En 1963 en Nueva York ganó el premio de dirección orquestal Dmitri Mitropoulos, y en 1965 dirigió la Sinfonía nº 2 de Mahler, con la Orquesta Filarmónica de Viena, en el Festival de Salzburgo, con el padrinanazgo de Herbert von Karajan, constituyéndose estos dos eventos, los que le dieron reconocimiento mundial y lo lanzaron a la fama como director de orquesta y de ópera.

Entre 1968 y 1986 fue director musical del Teatro de La Scala, donde dirigió el repertorio operístico italiano tradicional, y una ópera contemporánea cada año, además de conciertos dedicados a las obras de Alban Berg y Modest Mussorgski.

Entre 1986 y 1991, fue nombrado Director Musical de la Ópera Estatal de Viena, con producciones notables como la versión original de Boris Godunov de Mussorgski y la pocas veces interpretada Khovanshchina, además de Fierrabras de Schubert, Il viaggio a Reims de Rossini y en dos ocasiones dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena: en 1988 y en 1991.


Abbado fue director principal de la Orquesta Sinfónica de Londres entre 1979 y 1987, y en 1989 sucedió a Herbert von Karajan como director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín, elegido por votación secreta que llevaron a cabo los miembros de esa agrupación. En 1998 anunció que dejaría dicho puesto en 2002 y también fue director invitado de la Orquesta Sinfónica de Chicago.

En 1988, fundó el festival de música Wien Modern, que desde entonces se ha expandido para incluir todos los aspectos del arte contemporáneo y este festival interdisciplinario tiene lugar cada año bajo la dirección de Abbado.


Abbado fue diagnosticado con cáncer de estómago en 2000, y después de su recuperación, creó la Orquesta del Festival de Lucerna en 2003.

Sus conciertos han sido ovacionados, sobre todo los dedicados a las sinfonías de Mahler, que fueron registrados en DVD.

Abbado también es muy conocido por su trabajo con los músicos jóvenes, es fundador y director musical de la Orquesta Juvenil de la Unión Europea en 1978 y de la Orquesta Juvenil Gustav Mahler en 1986 y además mantiene estrecha relación con el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, donde dirigió memorables conciertos en Caracas y en varias ciudades de Europa y América con la Orquesta Sinfónica Simón Bolivar, y ha impulsado y apadrinado la meteórica trayectoria del joven director Gustavo Dudamel.


A lo largo de su dilatada carrera, recibió muchos premios y reconocimientos, entre los que destacan el Premio Imperial de Japón, la Legión de Honor, la Medalla Mahler, la Bundesverdienstkreuz, el Premio Khytera, y doctorados honorarios de las universidades de Ferrara, Cambridge, Aberdeen y La Habana.


Su repertorio se distingue por su versatilidad y amplitud, que abarca obras con especial interés por el clasicismo y el romanticismo alemanes, la música de Rossini, Verdi y obras de compositores del siglo XX como Arnold Schoenberg, Alban Berg, Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Pierre Boulez o Krzysztof Penderecki.


Ha estrenado obras de Manzoni y de Luigi Nono, y ha realizado grabaciones de los ciclos sinfónicos más importantes: sinfonías y música coral de Johannes Brahms, las sinfonías de Mahler, Tchaikovski, Prokófiev, Mussorgsky, Antonín Dvořák y Mozart.



A continuación la Sinfonía Nº 4 de Gustav Mahler en el Festival de Lucerna.