Hola, soy Leonardo Liberman.
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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Otto Clarence Luening nació en Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, el 15 de junio de 1900, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1996. Compositor, profesor de composición, director de orquesta y flautista.
Otto Luening (nacido el 15 de junio de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, EE. UU. y fallecido el 2 de septiembre de 1996 en Nueva York, NY) fue un compositor, director de orquesta, profesor de composición y flautista estadounidense conocido por sus innovadores experimentos de composición utilizando la grabadora de cinta.
El padre de Luening trasladó a su familia de Milwaukee a Múnich en 1912 y a Zúrich en 1917. Luening estudió en conservatorios de Múnich y Zúrich y con el compositor Ferruccio Busoni. Regresó a Estados Unidos en 1920 y ocupó puestos docentes en la Eastman School of Music, la Universidad de Arizona y el Bennington College. De 1944 a 1970, Luening enseñó en la Universidad de Columbia, donde dirigió un innovador grupo de producción de ópera que presentó un total de aproximadamente 40 óperas nuevas. En 1952 comenzó a experimentar con las posibilidades de las grabaciones en cinta magnética, y ese mismo año colaboró con el compositor Vladimir Ussachevsky presentando el primer concierto de música para grabadora en los Estados Unidos (en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York). En las décadas de 1950 y 1960, Luening, ya sea solo o en colaboración con Ussachevsky, compuso una variedad de obras en las que Los sonidos electrónicos se integran con la orquesta tradicional. Entre sus obras se encuentra Variaciones rapsódicas para grabadora y orquesta (1953), en la que la grabadora tiene un papel solista. En 1959, ambos fundaron lo que se convertiría en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York, que Luening codirigió hasta 1980.
Aunque fue un incansable defensor de la música contemporánea, Luening también compuso una considerable cantidad de música elegante y conservadora para instrumentos tradicionales. Entre estas obras se encuentran la Fantasía Sinfónica n.° 1 (1922-1924) y el Concierto de Louisville (1951). La autobiografía de Luening, La odisea de un compositor estadounidense, se publicó en 1980.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Fantasía Sinfónica Nº 1, en la versión de la Orquesta de Viena, dirigida por Frederick Charles Adler.
Argeliers León Pérez nació en La Habana, Cuba, el 7 de mayo
de 1918, y murió en su ciudad, el 23 de febrero de 1991. Compositor, musicólogo, etnólogo y pedagogo.
Argeliers León, el Maestro de todos, se le reconoce como el
fundador de la musicología como disciplina científica en Cuba. Argeliers León
realizaría estudios en el Conservatorio Municipal de La Habana con los
profesores Domingo Fortún, Antonio Mompó, Manuel Luaces, César Pérez Sentenat y
José Ardévol. Estudiaría composición y análisis musical en París donde completó
su formación.
Se graduaría de pedagogía en la Universidad de La Habana en
1943. Fue alumno de etnología y folclore de la Universidad de La Habana, de los
profesores María Muñoz y Fernando Ortiz. Fue parte del grupo de Renovación
Musical junto a Harold Gramatges, Edgardo Martín, Serafín Pro, Virginia
Fleites, Julián Orbón, Juan Antonio Cámara, entre otros.
Su trabajo como docente se desempeñó principalmente en la
Universidad de La Habana y curiosamente no en la Escuela Nacional de Arte (ENA)
pues su trabajo estaba dedicado a la investigación musical.
Trabajó en el departamento de folclore del Teatro Nacional
de Cuba, en el de música de la Biblioteca Nacional José Martí y fue fundador
del Instituto de Etnología y Folclore de la Academia de Ciencias que a través
de la breve revista Etnología y Folclore difundía los factores y antecedentes
que han incidido en la formación de la música cubana.
Argeliers consideraba: la investigación bibliográfica es un
campo que aún hay que abordar en Cuba, trabajar críticamente con fuentes
bibliográficas y ponerlas al día, ponerlas a funcionar [..] En el desarrollo de
la musicología, buscar nuevos caminos, nos hemos quedado en quitar o poner esto
para aquí o para allá [..] Estoy plenamente consciente que tiene que haber un
cambio, no podemos seguir con ese patrón. Yo estoy consciente de que todo ese
trabajo de las fichas debía estar en el nivel medio, siempre lo he dicho, pero
mientras no esté resuelto en ese nivel no podemos suprimirlo del nivel superior
[..] No puede haber una investigación fuera de un camino científico. No puede
haber investigación si no nos adelantamos nosotros mismo en la ciencia.
Uno de los grandes empeños de Argeliers León era realizar
investigación de campo, especialmente en los temas relacionados con el folclor
y la cultura popular. A León también se debe, como promotor al frente del
Departamento de Música de la Casa de las Américas, la existencia del Premio
Latinoamericano de Musicología creado en 1979.
Algunas Obras
Coro: Nuestra América, Nuestra meta.
Coro y orquesta: La música, coro mixto, texto: Cintio
Vitier, El niño nació en Santiago, coro mixto, texto: popular, Soneto, Pregón,
coro mixto, texto: Rafael Alberti, Al nacimiento de Cristo Nuestro Señor,
villancico, coro mixto, texto: Francisco de Góngora, Elegía a Jesús Menéndez,
coro, solista, narrador y orquesta, texto: Nicolás Guillén.
Conjunto instrumental: Sonata, para trompeta, trombón y
percusión, Sonata a tres, para flauta, clarinete y fagot, Quinteto, para
instrumento de viento, divertimento, para clarinete, trompeta y piano.
Electroacústica: Homenaje a un amigo, piano y banda
magnetofónica, Saturnalia, banda magnetofónica, saxofón y cualquier número de
ejecutantes de percusión.
Guitarra: Tres canciones lentas, Sonata, Quinteto para
guitarra y cuarteto de maderas, Cinco piezas breves para guitarra, flauta y
clarinete.
Orquesta sinfónica: Sonata a la Virgen del Cobre, para piano
y orquesta de cuerdas, Suite cubana, para orquesta de cuerdas, Sinfonía núm. 2.
Piano: Cuatro invenciones, Danzón, Sonatina, Akorín, Sonatas
a la Virgen del Cobre, Hoy canto a mi patria.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concertino para Piano, Flauta y Orquesta, en la versión de Víctor Díaz en piano, Yailin Martínez en
flauta y la Orquesta del Lyceum de La Habana, dirigida por José A. Méndez.
Maceo Parker nació en Kinston, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 14 de febrero de 1943. Cantante, compositor, flautista, saxofonista y director de orquesta.
Maceo Parker: su nombre es sinónimo de música funky, su pedigrí impecable; su banda: la orquesta de funk más compacta del planeta.
Es bien sabido que Maceo ha tocado con todos los líderes del funk: sus inicios con James Brown, que Maceo describe como "como estar en la universidad"; su participación en la nave nodriza con George Clinton; y su participación continua en las giras de Prince. Es el pulso viviente que conecta la historia del funk con un hilo conductor. La clave que desenreda la música dance hasta su esencia.
"Todo está en marcha para Maceo", concluyó la revista DownBeat en un artículo de 1991 al inicio de la carrera solista de Maceo Parker. En aquel entonces, Maceo era recordado por los aficionados al funk como acompañante; apreciado principalmente por los entendidos. Durante las últimas dos décadas, Maceo Parker ha disfrutado de una fulgurante carrera solista, construyendo un nuevo imperio funk, fresco y estilísticamente diverso. Navega con destreza entre el soul de James Brown de los 60 y el funk freak de George Clinton de los 70, mientras explora el jazz más suave y los ritmos del hip-hop.
Sus colaboraciones a lo largo de los años incluyen a Ray Charles, Ani Difranco, James Taylor, De La Soul, Dave Matthews Band y los Red Hot Chilli Peppers. Su sonido atemporal le ha ganado una joven y fresca base de fans.
Es casi imposible distinguir qué vino primero, Maceo o el funk. El asombroso P-funk Parker lleva años con su legendario sonido, que se remonta a la década de 1960. Fue entonces cuando Maceo y su hermano, el baterista Melvin, se subieron al tren del funk soul funk de James Brown. No pasó mucho tiempo antes de que James acuñara la frase invocadora del solo: "¡Maceo, quiero que explotes!". Para la mayoría de los musicólogos, es el grupo musicalmente fértil de este período de la banda de James Brown el que se reconoce como los pioneros del funk y el hip-hop modernos, cuyos sonidos aún hoy nos fascinan.
Maceo se convirtió en el eje central del enclave de James Brown durante casi dos décadas. Su estilo característico ayudó a definir el estilo funk de James, y la frase: "¡Maceo, quiero que soples!" se popularizó. Sigue siendo el músico más sampleado del momento simplemente por la calidad única de su sonido.
Tuvo otros proyectos y breves pausas durante su intermitente etapa con El Padrino, incluyendo una breve estancia en el extranjero cuando fue reclutado, y en 1970, cuando se marchó para formar Maceo and All the Kings Men con otros miembros de la banda de James Brown (los dos álbumes de este período se reeditan constantemente incluso treinta años después).
El tío de Maceo, líder de una banda local, los Blue Notes, fue su primer mentor musical. Los tres hermanos Parker (Maceo, Melvin y el trombonista Kellis, que más tarde se convertiría en profesor de Derecho del Entretenimiento en la Universidad de Columbia) formaron los "Junior Blue Notes". Cuando Maceo llegó a sexto grado, su tío trajo a los Junior Blue Notes para que tocaran entre conciertos en sus clubes nocturnos. Fue la primera experiencia de Maceo sobre un escenario y la que dio inicio a su pasión por la interpretación, una pasión que ha aumentado en lugar de disminuir con el tiempo.
Maceo creció admirando a saxofonistas como David "Fathead" Newman, Hank Crawford, Cannonball Adderley y King Curtis. "Estaba loco por Ray Charles y toda su banda, y por supuesto, en particular por los trompetistas". A los 15 años, Maceo ya había forjado su propio estilo con el saxo tenor. "Pensé en 'Maceo Parker interpretando a Charlie Parker', y luego pensé: '¿Qué tal Maceo Parker interpretando a Maceo Parker?', ¿cómo sería tener jóvenes saxofonistas escuchándome e imitando mi estilo?". Así nació el "sonido Maceo" que tan bien conocemos.
A mediados de los 70, Maceo se asoció con George Clinton y las diversas encarnaciones de Funkadelic, Parliament y Bootsy Collins. Ya había trabajado con las figuras más representativas del funk en la cúspide de su éxito. Desde los impresionantes conciertos de James Brown hasta el aterrizaje de la nave nodriza, Maceo ha estado presente: lo más cerca posible de algunos de los momentos más emocionantes de la historia de la música, ofreciendo su sonido como un referente constante.
En 1990 llegó la oportunidad para Maceo de concentrarse en sus propios proyectos. Lanzó dos exitosos álbumes en solitario: Roots Revisited (que estuvo 10 semanas en la cima de las listas de jazz de Billboard en 1990) y Mo' Roots (1991). Pero fue su tercer álbum en solitario, el innovador CD de Maceo, Life on Planet Groove, grabado en vivo en 1992, el que pronto se convirtió en un favorito de los fanáticos del funk. Planet Groove también sirvió como tarjeta de presentación, impulsando la carrera contemporánea de Maceo como solista para un público universitario y dando vida a su lema "2% Jazz, 98% Funky Stuff".
Y así comenzó la incansable gira de Maceo como cabeza de cartel. Llevando su banda de primera categoría, sólida y sólida, y sus espectáculos superlargos a personas de todo el mundo. "Siento que es mi deber como artista ir a tantos lugares como pueda, especialmente si la gente lo quiere", dice el nativo de Carolina del Norte de voz suave. No sale al escenario con un pañal o una capa de terciopelo ondulante, ni naves espaciales gigantes ni 50 personas séquitos, nada más que el núcleo de su alma musical que abre cada vez que toca su trompeta.
En 2003, después de varios años como líder de banda para los premios Rhythm and Blues Foundation, Maceo recibió un premio Pioneer de la Rhythm and Blues Foundation por su contribución como músico acompañante al género de R & B.
Desde 1999, Maceo ha participado en algunas de las giras innovadoras de Prince cuando no está de gira con su propio grupo, y continúa haciéndolo como invitado especial cuando su propia agenda se lo permite.
Los álbumes de Maceo Funk Overload, Dial MACEO y Made by Maceo ingresaron al top 40 en las listas europeas tras su lanzamiento. Dial MACEO presenta apariciones especiales de la Maestra de la música folk Ani DiFranco, Prince y un James bastante diferente del que hemos llegado a asociar con Maceo: James Taylor, mientras que School's In de 2005 es tan Funky como un álbum de estudio puede ser.
A principios de 2007, Maceo tuvo la oportunidad de cumplir uno de sus sueños: trabajar con una Big Band. Con la WDR Big Band de Colonia, Alemania, ganadora de premios Grammy, transmitió y realizó una serie de conciertos en vivo en homenaje a Ray Charles y lanzó el álbum "Roots and Grooves", una grabación en vivo de estos conciertos, en la que también participan Dennis Chambers y Rodney "Skeet" Curtis. El álbum recibió una gran aclamación de la crítica, y Maceo ha publicado una grabación que se lanzará en 2012: Soul Classics. Junto con la WDR Big Band, el álbum cuenta con la participación de la baterista Cora Dunham Coleman y el bajista Christian Mcbride.
En julio de 2012, Maceo recibió Les Victoires du Jazz en París: un premio a la trayectoria por su contribución a la música. Ese mismo fin de semana recibió el Premio Icono en el Festival de Jazz del Mar del Norte de Róterdam, con la siguiente inscripción:
«Maceo Parker, creador musical e intérprete de talla mundial durante casi cincuenta años, se distingue por su excepcional musicalidad y maestría. El inspirado e infatigable saxofonista ha dejado una huella imborrable en el soul, el funk y el jazz.
El sonido único de James Brown tiene una deuda considerable con el talento y la inspiración de Maceo Parker, y Brown lo reconoció abiertamente. El nombre de Parker se inspiró en las letras de Brown: "¡Maceo, toca tu trompeta!". Prince también se quita el sombrero ante Parker, al que llama "El Maestro".
Maceo Parker no solo ha creado una increíble cantidad de música, sino que ha dejado su huella en una gran variedad de géneros musicales. A través de su colaboración con artistas de soul y jazz como James Brown, George Clinton y Bootsy Collins, así como con formaciones pop como Living Colour, Bryan Ferry, The Red Hot Chili Peppers y The Dave Matthews Band, Maceo Parker ha entretenido a un amplio público con su singular sonido de saxofón. La música de Parker... Es una importante fuente de inspiración en el mundo del hip hop. Es uno de los músicos más sampleados del mundo.
La música de Maceo Parker integra una gama de géneros, desde el soul, el funk y el jazz hasta el rhythm and blues, manteniendo el respeto por la tradición.
Como saxofonista, cantante, compositor y líder de banda, Maceo Parker se ha distinguido a través de una amplia gama de proyectos, CD, conciertos y festivales internacionales. Parker actúa regularmente con Prince, a menudo acompañado por Candy Dulfer. Da lo mejor de sí en el escenario, donde muestra su energía y pasión desbordantes y su capacidad para cautivar al público con su sonido.
Todas las cualidades de un ícono se unen en Maceo Parker, y el jurado se enorgullece de otorgarle el Premio Ícono de Radio 6 2012.Maceo recibirá el Premio Nacional de Patrimonio de Carolina del Norte de su estado natal en mayo de 2016.
"Dado el sentido de inventiva de Parker y la fuerza emocional imperecedera de clásicos de Charles como "Busted" y "Hit the Road Jack", cualquiera podría haber esperado que esta fuera una pareja de ensueño. Pero es más que eso, porque Parker también canta con una perfección grave, al estilo de Charles, en estas dos canciones, y aún más conmovedora en "You Don't Know Me", "Margie" y la mágicamente melancólica "Georgia on My Mind". Charles pudo haber sido declarado muerto en 2004, pero revive a través de Parker de maneras inquietantes y maravillosas."
All Music Guide
"Maceo le dio un giro funk complejo al famoso apellido Parker, tocando su instrumento más como un tambor que como un instrumento melódico. El resultado es un estilo increíblemente percusivo, que obliga a todos los que lo escuchan a bailar como locos. Sin duda, nadie toca el saxofón alto como Maceo Parker, y probablemente nadie lo volverá a hacer. Nunca ignorando a Melody Parker, nos seduce dulcemente en una canción, solo para hacernos saltar de la emoción en la siguiente con una ferocidad Funkalicious. En resumen... si quieres bailar con personas del sexo opuesto sin invitarlas, ve a un concierto de Maceo Parker. Una vez allí, de repente te das cuenta de que esta es una de las razones por las que estás vivo en este planeta... ser transportado a un lugar donde tu mente deja de pensar mientras escuchas, te mueves y experimentas pura alegría.
Dave Todoroff
No es un bebopper, ni renacido ni nada por el estilo. Sus raíces son la iglesia y el blues... su sonido es alegre, una cinta de luz y calor, bruñida por la fuerza y el alma. Su ataque, basado en riffs, es melódico, desenreda y reestructura temas en lugar de acordes continuos, y principalmente rítmico, apoyándose en sutiles matices de ritmo y desplazamiento para comunicarse; algo así como la voz de su jefe de toda la vida, por sorprendente que parezca. No hay duda: «Solo hay un Maceo».
Gene Santoro, Downbeat Magazine
Cuando la gente habla de leyendas, se refieren a que 'ya terminaron, pero vaya si lo hicieron bien'. Cuando pienso en Maceo Parker, pienso en un legendario maestro del funk y trompetista, pero no en una 'leyenda' en el sentido de que ya terminó. Sigue haciéndolo. Y eso, para mí, lo convierte en una persona realmente legendaria.
Ani DiFranco
A continuación, celebramos su cumpleaños, con una presentación en vivo en el North Sea Jazz Festival 2012. Maceo Parker, voz, flauta, saxofón; Corey Parker, y Martha High, en coros; Lee Hogans en trompeta; Troy 'Trombone Shorty' Andrews, en trombón; Bruno Speight, en guitarra; Will Boulware, en teclados; Rodney "Skeet" Curtis, en bajo; y Marcus Parker en batería.
Raymond Thomas, más conocido como Ray Thomas, nació en Worcestershire, Reino Unido, el 29 de diciembre de 1941, y murió en Surrey, Reino Unido, el 4 de enero de 2018. Cantante, compositor y multiinstrumentista, tocaba flauta, saxo, armónica y oboe.
Un recuerdo para Ray Thomas hoy que cumpliría 80 años. El flautista, cantante y compositor de The Moody Blues nos dejó el 4 de enero del 2018 a los 76 años.
Ray Thomas fue una parte crucial de la historia de Moody Blues. Su impacto como músico y compositor ayudó a establecerlos como una de las bandas progresivas más dinámicas y pioneras en tres décadas, desde la década de 1960, con el sensacional «Days of Futured Past» hasta los años 70 y hasta los 80. Y más allá. Sus temas con la flauta travesera eran esenciales.
Una vez dijo de su papel: «Nunca pensé en mí mismo como alguien muy talentoso. Sin embargo, me alegré de haber jugado un papel en sacar el talento de quienes me rodean».
El magnífico Ray Thomas nació el 29 de diciembre de 1941 en Stourport On Severn, Thomas comenzó una banda llamada The Riot And The Rebels, en Birmingham a principios de los años 60, junto a John Lodge y Mike Pinder. Thomas y Pinder permanecieron juntos luego en Krew Cats, que comenzó en 1963, antes de traer a Denny Laine, Graeme Edge y Clint Walker cuando se convirtieron en los primeros Moody Blues un año después.
Inicialmente, su sonido se basaba en el blues y tuvieron un temprano éxito en esta línea. Sin embargo, fue cuando la formación clásica con Thomas, Pinder y Edge junto a Lodge y Justin Hayward se unieron en 1966, cuando la banda encontró su dirección musical y estilo.
El lanzamiento del álbum Days Of Future Passed en 1967 marcó el tono, con su sensibilidad sinfónica, y Thomas fue una parte crucial del proceso, como un flautista confidente y creativo.
«Realmente estábamos haciendo cosas que estaban fuera de nuestra zona de confort. Eso lo hizo tan emocionante. Sentí que, como músico, de repente tenía un lienzo en blanco sobre el que pintar lo que creía que funcionaría».
Una de sus mejores composiciones, Legend Of A Mind, apareció en el álbum de 1968 In Search Of The Lost Chord. Fue escrito sobre Timothy Leary.
«En realidad, lo hice como algo así como un simple homanje más que cualquier otra cosa. Pero Leary una vez me dijo que esa canción había hecho más para hacerlo famoso que otra cosa. ¿Imagina eso? Una canción tonta y desechable como la que tiene tanto impacto».
A medida que los Moody continuaron disfrutando de éxito en la próxima década, las contribuciones de Thomas como músico, vocalista y compositor fueron una parte central de todo. Y cuando la banda entró en pausa en el año 74, lanzó los álbumes en solitario, From Mighty Oaks (1975) y Hopes Wishes And Dreams (1976). Demostró que tenía la capacidad de hacer su propia marca lejos de la nave nodriza.
Naturalmente, Thomas fue parte de los Moody Blues cuando se volvieron a reunir en 1977. Entonces, su tema «Veteran Cosmic Rocker», que fue escrito por él para el álbum Long Distance Voyager de 1981, se convirtió en algo así como un himno para la banda.
Pero su mala salud lo obligó a tomar un papel decreciente en la banda, con su última aparición en el álbum Strange Times de 1999. Y en octubre de 2014, reveló que había sido diagnosticado con cáncer de próstata.
Y apuntaba en un comunicado: «Mi cáncer estaba funcionando, pero tengo un médico fantástico que inmediatamente me inició en un nuevo tratamiento que ha tenido una tasa de éxito del 90%. El cáncer está en remisión, pero recibiré este tratamiento por el resto de mi vida. Tengo cuatro amigos cercanos que han soportado algún tipo de cirugía o tratamiento para este cáncer y todos están bien. Aunque no me gusta hablar públicamente sobre mis problemas de salud, después de la muerte de mi amigo Alvin Stardust, decidí que ya era hora de que hablara. Un diagnóstico de cáncer puede sacudir su mundo y el de su familia, pero si es atrapado a tiempo puede curarse o mantenerse en remisión. Insto a todos los hombres a hacerse la prueba AHORA. No lo pospongas pensando que no me va a pasar. Necesita ser atrapado temprano. Es solo un análisis de sangre: unos minutos de tu día para salvarte de esta enfermedad. Amor y Dios bendicen, Ray».
Sin embargo, Thomas estaba trabajando en un nuevo álbum en solitario, como explicó en 2015.
«No voy a ponerme bajo presión como solía hacerlo». Cuando escribo una canción, no me gusta, porque empiezo a hurgar en ella, tratando de cambiarla, e inevitablemente la rompes. Así que mientras escribo uno, iré al estudio local y lo grabaré como un capricho. No tengo un plazo; Me estoy volviendo demasiado viejo para tanta presión. Lo haré cuando pueda.
Thomas no solo era un excelente flautista, a pesar de ser totalmente autodidacta y un buen cantante, sino que también tocó una variedad de otros instrumentos, como el saxofón, la armónica y el oboe. También tenía un agudo sentido del humor, como lo demostró cuando dijo una vez:
«Me encanta el hecho de que los Moody Blues están sin mí, porque eso significa que todos los discos en los que vivo siguen haciéndome ganar dinero».
Es posible que Thomas nunca haya sido una estrella de alto perfil, pero su contribución a la música progresiva fue inestimable. Todo lo que tienes que hacer es escuchar esos álbumes clásicos de Moody Blues para saber qué ha significado para la música que todos amamos. ¡Gran Ray Thomas!
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nights in White Satin.
Xuacu Amieva nació en El Mazucu, Llanes, España, el 12 de octubre de 1954. Gaitero, flautista, profesor y compositor.
El sitio www.fusionasturias.com publicó esta entrevista realizada por Lupercio González.
Xuacu Amieva. Más allá de la tradición
Por Lupercio González
El pasado verano participó en el concierto «Los mejores gaiteros del mundo», celebrado en Oviedo. Un hito más en la trayectoria musical del instrumentalista Xuacu Amieva, reconocido por su labor como gaitero y como transmisor de la cultura asturiana.
Es gaitero, flautista, pero también profesor, compositor, recuperador de instrumentos tradicionales… El nombre de Xuacu Amieva sale a relucir cuando se habla de música asturiana, pero él no se considera único, sino un eslabón más de la cadena: antes que él, otros hicieron su trabajo para que la música tradicional asturiana no se perdiera. Después de él, vendrán otros. En medio, él sigue trabajando en su música y su trayectoria vital. Ahora publica un disco de tonada junto a José Manuel Collado, mientras prepara los nuevos temas del próximo disco con su banda de folk.
-¿De dónde te viene ser gaitero?
-Es una mezcla de varias cosas. Por un lado tengo una cultura rural, nací y viví en un pueblo de montaña de Llanes hasta los nueve años. Por el otro mi familia, sobre todo mi madre, cantaba tonada, y eso es un punto de influencia importante. Y cuando vine a vivir a Oviedo me metí en un grupo de baile y empecé a ver gaiteros, viejos y no tan viejos. Llegó un momento en que quise meterme en este mundo y le compré una gaita a un gaitero de Turón, Isidro «Pachu». En aquella época me costó ocho mil pesetas. Aprendí de forma autodidacta, con muchos fallos al principio, escuchando cintas de gaiteros como Antón, Feliciano, Remis Ovalle… Más tarde empecé a visitar a gaiteros de toda Asturias, haciendo trabajo de campo para recuperar melodías, y poco a poco fui perfeccionando mi técnica, creando mi estilo y ampliando el repertorio.
-Otra de tus facetas es la didáctica, ya que has escrito libros, has formado a jóvenes gaiteros… ¿Es importante transmitir ese conocimiento?
-Sí, es que llegó un momento en que me di cuenta de que no había nada escrito, nada hecho para el aprendizaje de la gaita, así que empecé a dar clases. En el año 84, junto a Francisco Ortega, publiqué un método de gaita con las cuestiones más teóricas y técnicas, y también con algunas canciones del repertorio tradicional. Se publicó con la Sociedad Fonográfica Asturiana y ahí, de alguna forma, dejé recogida la técnica de la gaita: todos los adornos, cómo se hacen los trinos, los vibratos…
-Uno de los puntos más conocidos de tu trayectoria profesional es el disco en colaboración con los Chieftains, que terminó ganando un Grammy. ¿Cómo surgió esta historia?
-A finales de los ochenta estuve en un curso de gaita escocesa en Vigo, allí coincidí con los que luego serían los grandes gaiteros gallegos: Carlos Núñez, Xosé Manuel Budiño, Anxo Pintos. Entablé amistad con Carlos Núñez y un día me llamó y me dijo que el grupo Chieftains, con el que tenía mucha relación y con el que daba conciertos en aquella época, estaba interesado en hacer un disco sobre el Camino de Santiago, y quería que colaborasen músicos del Camino: vascos, asturianos, gallegos. Por supuesto dije que sí, era una magnífica oportunidad. Participé en la grabación en San Sebastián, y fue una experiencia muy guapa, con gente encantadora y grandes músicos. Grabé El Besu, un tema en el que canté y toqué el rabel. Luego, con el tiempo, le dieron el Grammy al disco, lo que fue toda una sorpresa para mí.
«Como gaitero y compositor de melodías, necesito estar cerca de la tierra, de la naturaleza, para inspirarme y sentirme vivo»
-Hay más premios en tu trayectoria: has sido el primer asturiano en conseguir el Mac Allan en Lorient (Francia), también el «AMAS» en Asturias… ¿Qué suponen para ti esos galardones?
-Son alegrías que te da el mundo de la gaita, un empujón al trabajo diario, pero tampoco les doy demasiada importancia. Para lo que más sirven los premios es para promocionar un poco tu carrera, y para saber que la gente valora lo que estás haciendo y que estás en el buen camino. No va más allá de eso. Cuando gané el Mac Allan fue un pequeño espaldarazo en Asturias, porque parece que los premios que vienen de fuera tienen más valor, y gracias a eso pude grabar mi primer disco. En ese sentido sí fue importante, porque fue el punto de partida de mi carrera discográfica. Además, a partir de ahí la gaita asturiana se hizo un poco más conocida en el festival de Lorient. De hecho así comenzó la representación asturiana en el festival, que dura hasta hoy.
-Pero, el reconocimiento también está en casa, ¿no?
-Sí, de alguna manera también es un reconocimiento al trabajo de muchas bandas de gaitas y muchos gaiteros que trabajamos para que la música tradicional vaya subiendo cada vez más alto.
-Se te considera uno de los mejores gaiteros del mundo, pero tu actividad musical es mucho más que tocar un solo instrumento.
-Ser el mejor gaitero va en función de los gustos de cada uno, y creo que también se me valora que esté haciendo arreglos, introducciones para otros grupos, componiendo, tocando en grupos folk… No es sólo tocar la gaita, sino que llevo años recuperando instrumentos tradicionales como la zanfona, el rabel o diferentes percusiones.
-Y también compones. ¿De qué manera complementa eso tu carrera musical?
-Las dos cosas son importantes. Si otros músicos empiezan a tocar tus composiciones, estás en el buen camino, haciendo una labor que puede perdurar. En ese sentido no voy a abandonar la composición. Creo que es algo que un músico tiene que hacer: no solamente tocar lo antiguo, sino crear cosas nuevas. Cada uno es un eslabón de la cadena y tiene que hacer su aportación para que la música evolucione.
-¿El mercado discográfico hoy en día está tan difícil como dicen?
-Bueno, siempre ha sido difícil, porque el mercado asturiano es limitado, y normalmente los músicos asturianos grabamos con discográficas independientes y no con multinacionales, exceptuando casos concretos. Son ediciones de discos no muy grandes, que tienen un público o una clientela muy calculada. De modo que, como estamos acostumbrados a este tipo de funcionamiento, la crisis discográfica no nos afecta tanto, porque cada producción es un reto muy medido, sabemos más o menos cómo va a salir y qué repercusión va a tener.
-Si te pido que elijas una canción que evoque a Asturias…
-A bote pronto, me gusta mucho como quedó Pastor, un tema que grabé en el disco Xostrando. Es un tema cantado y muy evocador, todavía cuando lo escucho me da la sensación de que estoy ahí perdido, cantando en la ladera de un monte, mientras en la otra ladera se escucha una gaita respondiendo. Es casi atemporal, como si no lo hubiera hecho yo, ese tema se escapó de mí como si tuviera vida propia.
-¿El contacto con la naturaleza es importante para ti?
-Es vital. Aunque llevo varios años viviendo en una urbe como Oviedo, salgo todas las semanas al monte para recargar pilas. Como gaitero y compositor de melodías, necesito estar cerca de la tierra, de la naturaleza, para inspirarme y sentirme vivo. §
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Muñeira de Sianca.
» Philippe Hurel, nació en 1955. Compositor francés de obras principalmente orquestales y de cámara que han sido interpretadas en toda Europa y otros lugares. Philippe Hurel estudió musicología en la Universidad de Toulouse de 1974 a 1979 y composición con Betsy Jolas e Ivo Malec en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París de 1980 a 1983. También realizó estudios privados en informática musical con Tristan Murail en París en 1983. Sus honores incluyen el Pensionnaire à la Villa Médicis à Rome (1986-88), el Förderpreis der Siemens-Stiftung en Munich 1995, por Six Miniatures en trompe l'œil, el Prix des Compositeurs de SACEM (2002) y el Prix de la Meilleure Création. de l'Année de SACEM 2003, para Aura. El Sr. Hurel también desempeña otros cargos. Trabajó como investigador musical en el IRCAM entre 1985 y 1986 y entre 1988 y 1989. Impartió clases de composición en el IRCAM entre 1997 y 2001. También fue compositor residente del Arsenal de Metz y de la Filarmónica de Lorena entre 2000 y 2002. Junto con Pierre André Valade, fundó el nuevo conjunto musical Court-circuit en 1990 y desde entonces es su director artístico. Desde 2013, imparte clases de composición en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de Lyon. Su música ha sido interpretada por numerosas orquestas y conjuntos y por directores como Pierre Boulez, David Robertson, Ludovic Morlot, Tito Ceccherini, Jonathan Nott, Esa Pekka Salonen, Kent Nagano, Pierre-André Valade, François Xavier Roth, Christian Eggen, Lorraine Vaillancourt, Reinbert de Leeuw, Bernard Kontarsky…
Después del estreno de su ópera Les pigeons d’argile (libreto de Tanguy Viel) en el Capitole de Toulouse, su ciclo Rasgos para violín y violonchelo fue estrenado ese mismo año en París por Alexandra Greffin-Klein y Alexis Descharmes. En 2015, su ciclo orquestal Tour à tour se estrenó en Radio France/Festival Manifeste/Ircam por la Orchestre Philharmonique de Radio-France dirigida por Jean Deroyer. Pas à pas, encargado por la Fundación musical Ernst von Siemens, se estrenó el mismo año en la Biennale di Venezia por Ensemble Recherche.
En marzo de 2017, Arditti Quartet estrenó Entre les lignes (2016-17) en el Wittener Tage für Neue Kammermusik de Alemania y en octubre de 2018, Diotima Quartet estrenó D'autre part (2017) en el Théâtre d’Orléans. Les Trois études pour Atlanta (2017), para flauta y percusión, se estrenó en octubre de 2017 en Atlanta. El concierto para clarinete y orquesta, Quelques traces dans l'air (2017-18), se estrenó mundialmente en junio de 2018 a cargo de Jérôme Comte, clarinete, y Johnannes Stockhammer, dirigiendo la Orquesta Filarmónica del Staatstheater Cottbus (encargo de la orquesta Cootbus, la Orquesta Regional de Normandía y Buffet Crampon). En diciembre de 2018, Les Percussions de Strasbourg estrenó Ritual Trio para tres percusionistas (2018). Actualmente compone un cuarteto de cuerda con electrónica para Tana e Ircam.
Editions Billaudot publica su música compuesta entre 1981 y 1996, y Éditions Lemoine, su música escrita desde 1997.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con el Concierto para Flauta y Orquesta, en la versión de Yubeen Kim, y la Orquesta Sinfónica de Bochum, dirigida por Tung-Chieh Chuang.
Eric Allan Dolphy, Jr., más conocido como Eric Dolphy, nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 20 de junio de 1928, y murió en Berlín, Alemania, el 29 de junio de 1964. Flautista, clarinetista y saxofonista.
Eric Dolphy fue un auténtico artista original con sus propios estilos distintivos en alto, flauta y clarinete bajo. Su música se enmarcaba en la categoría de "vanguardia", pero no descartó por completo la improvisación de acordes (aunque la relación de sus notas con los acordes era a menudo bastante abstracta). Mientras que la mayoría de los demás intérpretes de "free jazz" sonaban muy serios al tocar, los solos de Dolphy a menudo resultaban extáticos y exuberantes. Sus improvisaciones utilizaban intervalos muy amplios, una variedad de sonidos no musicales, similares a los del habla, y su propia lógica. Aunque el alto era su instrumento principal, Dolphy fue el primer flautista en trascender el bop (influyendo en James Newton) e introdujo en gran medida el clarinete bajo en el jazz como instrumento solista. También fue uno de los primeros (después de Coleman Hawkins) en grabar solos de trompa sin acompañamiento, cinco años antes que Anthony Braxton.
Eric Dolphy grabó por primera vez con Roy Porter & His Orchestra (1948-1950) en Los Ángeles. Estuvo en el ejército durante dos años y luego tocó en la oscuridad en Los Ángeles hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958. En 1959 se estableció en Nueva York y pronto fue miembro del Charles Mingus Quartet. Para 1960, Dolphy grababa regularmente como líder para Prestige y llamaba la atención por su trabajo con Mingus, pero a lo largo de su corta carrera tuvo dificultades para conseguir trabajo estable debido a su estilo muy avanzado. Dolphy grabó bastante durante 1960-1961, incluyendo tres álbumes grabados en el Five Spot mientras con el trompetista Booker Little, Free Jazz con Ornette Coleman, sesiones con Max Roach y algunas fechas europeas.
A finales de 1961, Dolphy formó parte del John Coltrane Quintet; su participación en el Village Vanguard provocó que la crítica conservadora intentara desprestigiarlos por tocar "antijazz" debido a sus largos y libres solos. Entre 1962 y 1963, Dolphy tocó música de tercera generación con Gunther Schuller y la Orchestra USA, y rara vez actuó con su propio grupo. En 1964, grabó su clásico "Out to Lunch" para Blue Note y viajó a Europa con el Charles Mingus Sextet (que posiblemente fue la banda más emocionante del bajista, como se muestra en "El Gran Concierto de Charles Mingus"). Tras decidir quedarse en Europa, Dolphy ofreció algunos conciertos, pero falleció repentinamente a causa de un coma diabético a los 36 años, una pérdida importante.
Prácticamente todas las grabaciones de Eric Dolphy están impresas, incluyendo una caja de nueve CD con todas sus sesiones de Prestige. Además, se puede ver a Dolphy en una película con John Coltrane (incluida en The Coltrane Legacy) y con Mingus desde 1964 en un vídeo publicado por Shanachie. ~ Scott Yanow
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Impressions. John Coltrane, saxo tenor; Eric Dolphy, saxo alto; McCoy Tyner, piano; Reggie Workman, contrabajo; Elvin Jones, batería.
Carl Philip Stamitz es el representante más conocido de la
segunda generación de compositores que estuvieron activos en la corte del
Elector Palatino en Mannheim durante las décadas centrales del siglo XVIII.
Recibió su primera formación musical de su padre, Johann Stamitz, director de
música instrumental y líder de la incomparable orquesta de la corte de
Mannheim, y en los años posteriores a la temprana muerte de su padre, de los
músicos de la corte Christian Cannabich, Ignaz Holzbauer y Franz Xaver Richter.
Los registros orquestales existentes para el período 1762-1770 incluyen a Carl
Stamitz como segundo violinista en la orquesta de la corte, una posición que le
permitió forjar una brillante técnica interpretativa, así como estudiar el
repertorio contemporáneo de Mannheim.
Stamitz abandonó Mannheim en 1770 y viajó a París, donde, al
año siguiente, fue nombrado compositor de la corte del duque Luis de Noailles.
En París entró en contacto con muchos músicos destacados, entre ellos Gossec,
Leduc, Beer y Sieber, quienes publicaron varias de sus composiciones más
recientes y, junto con su hermano Anton, actuó habitualmente en el Concert
Spirituel. En el verano de 1772 Stamitz vivió en Versalles y compuso la primera
de varias sinfonías programadas, La promenade royale. Sus viajes como virtuoso
lo llevaron a Viena en 1772, a Frankfurt al año siguiente y en 1774 a
Augsburgo, Viena y Estrasburgo, donde publicó los seis cuartetos op.14.
La salida de Stamitz de París no ha sido documentada con
precisión, aunque Pohl afirmó que estuvo en Londres desde 1777 hasta al menos
1779. Los años de París fueron seguros y relativamente prósperos para Stamitz.
Después de su partida, sin embargo, nunca volvió a ocupar un puesto permanente
importante, ni siquiera durante los años de su mayor fama internacional. En
Londres publicó muchas composiciones, especialmente obras de cámara, y continuó
autodenominándose "Compositor del duque de Noailles". Algún tiempo
después de 1779 se trasladó a La Haya, donde apareció como solista de viola en
al menos 28 conciertos en la Corte de Guillermo V de Orange, incluido uno el 23
de noviembre de 1783 en el que Beethoven (de doce años) tocó el fortepiano.
Durante los años siguientes, Stamitz viajó incesantemente,
presentando academias en Hamburgo, Lübeck, Magdeburgo, Leipzig y muchos otros
centros. Dirigió una representación del Mesías de Händel en la Catedral de
Berlín en 1786 y en 1787 estuvo en Núremberg para una representación de su
alegoría musical con motivo del ascenso en globo de Blanchard.
Los últimos años de Stamitz siguieron prácticamente el mismo
patrón que la década inmediatamente posterior a su salida de París. Viajó
mucho, hizo peticiones ocasionales de empleo y envió sus composiciones a
lugares tan lejanos como Gales y Rusia con la esperanza de obtener una
compensación lucrativa. A mediados de la década de 1790 se desempeñó brevemente
como maestro de capilla y profesor de música en la universidad de Mannheim,
pero los ingresos eran insuficientes para mantener a su familia. Su esposa
durante diez años, María Josepha (de soltera Pilz) murió en enero de 1801 y el
propio Stamitz murió en noviembre del mismo año, poco antes de que su viaje
planeado a San Petersburgo recibiera la aprobación oficial. A pesar de su
temprana fama, sus obvias dotes como intérprete y compositor y sus esporádicos
experimentos en alquimia, Carl Stamitz murió tan endeudado que sus posesiones tuvieron
que ser subastadas para ayudar a pagar a sus acreedores. Se imprimió un
catálogo impreso de su colección de música para una subasta separada en 1810,
pero la colección desapareció hace mucho tiempo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Flauta y Orquesta en Sol Mayor, en la versión de Davide
Baldo, y la Orquesta Bohemia, dirigida por Giuseppe Montesano.
Michel Blavet nació en Besançon, Francia, el 13 de marzo de
1700, y murió en París, Francia, el 28 de octubre de 1768. Compositor y flautista.
El sitio www.early-music.com
publicó este recordatorio firmado por Francois Filiatrault.
Miguel Blavet (1700-1768)
La mayoría de los compositores del Barroco alcanzaron la
fama en vida como intérpretes virtuosos; basta pensar en Vivaldi, el
violinista, o en Bach, tocando el órgano o el clavicémbalo, enriqueciendo el
repertorio de sus instrumentos. Aunque su producción fue considerablemente
menor, Michel Blavet, quizás el flautista francés más distinguido de su siglo,
aprovechó de forma ejemplar las posibilidades del instrumento perfeccionado por
la familia Hotteterre a mediados del reinado de Luis XIV. Conocida entonces
como flauta allemande (por razones que aún permanecen desconocidas), la flauta
barroca, con su ánima cónica, compuesta primero por tres y luego por cuatro
segmentos ajustables, así como una llave para facilitar la obtención del re
sostenido en el registro de potencia, relegó a un segundo plano a la flauta
dulce en las primeras décadas del siglo XVIII. Músicos y público preferían su
refinamiento, su sutil expresividad y su potencial para modular el volumen
mediante la respiración. Los compositores se apresuraron a explotar estos
atributos y a ocultar las ligeras desigualdades de intensidad resultantes de la
digitación cruzada necesaria para producir medios tonos.
Nacido en Besançon en marzo de 1770, Michel Blavet era hijo
de un hábil tornero de madera. En el taller de su padre, comenzó a manipular
desde muy joven el instrumento que más tarde sería suyo, familiarizándose
también con el fagot. A los 21 años, se definiría como músico. Curiosamente, al
no haber tenido profesor, tocaría con la mano izquierda toda su vida. Pero,
como comentaría posteriormente el flautista Philippe Allain-Dupré, «esta forma
de tocar es perfectamente compatible con la posición de las manos en un
instrumento de una sola llave, aunque la configuración asimétrica de la
boquilla normalmente favorece la ejecución con la mano derecha». Lo más
probable es que Blavet encargara instrumentos según sus especificaciones o los
fabricara él mismo, como ya hicieron Hotteterre y Quantz antes que él.
En 1723, poco después de su matrimonio, y con el apoyo del
marqués de Levis, Blavet acompañó al marqués a París, donde tres años más tarde
lo encontramos al servicio del príncipe de Carignan. No tardaría en abandonar
este primer puesto; el príncipe, profundamente endeudado, no pudo pagar a sus
músicos, quienes posteriormente fueron contratados por el general La
Poupliniere, protector de Rameau, quien formaría el núcleo de su orquesta
privada. Desde 1731 hasta su muerte el 28 de octubre de 1766, Blavet ocupó el
cargo de superintendente de música de Luis de Borbón-Condé, conde de Clermont.
Rápidamente, la reputación de nuestro músico trascendió las fronteras
existentes; siendo aún príncipe heredero de Prusia, el futuro Federico II, un
flautista de talento, intentó en varias ocasiones conseguir sus servicios. Blavet
declinó la oferta y fue nombrado Ordinario de la música de la Cámara del Rey
alrededor de 1736, y cuatro años más tarde, flauta solista de la Ópera. También
tocó en la orquesta del Théâtre des Petits Appartements, cuyas actividades
musicales supervisaba la Marquesa de Pompadour, junto a violinistas como
Mondonville y Guillemain, así como distinguidos aficionados: el Marqués de
Sourches y el Conde de Dampierre a las violas, y el Príncipe de Dombes al
fagot.
Poco después de establecerse en la capital, en marzo de
1736, Blavet actuó por primera vez en el Concert Spirituel, la serie de
conciertos públicos abiertos a melómanos de todos los ámbitos, donde se
interpretaba música que antes estaba reservada a la Corte Real y a los lujosos
salones privados de París. Pocos dudan de que su actuación en el Concert
Spirituel impulsó su carrera.
A lo largo de los años, hasta 1749, interpretó, junto a
virtuosos violinistas como Guignon, Leclair y Mondonville, obras de
compositores franceses e italianos, así como sus propias composiciones,
incluyendo su único concierto para flauta. Dos relatos coincidentes también
establecen que, en 1738, participó en el estreno de los Nouveau Quatuors
Parisiens de Telemann con motivo de la visita del prolífico alemán a París.
Además de Blavet, Hubert LeBlanc menciona a intérpretes como Leclair, Forqueray
el Joven a la viola, Camus al violonchelo, con el compositor al clavicémbalo,
mientras que el propio Telemann designó a Guignon como violinista y a Edouard
como violonchelista. Es perfectamente razonable concluir que se celebró más de
una velada musical. Y parece que Blavet era un intérprete habitual. Admirador
de Telemann, fue uno de los primeros suscriptores de Tafelmusik, publicada
cinco años antes en Hamburgo.
Aunque estaban más impresionados con el intérprete que con
el compositor, los contemporáneos de Blavet fueron unánimes en sus elogios a su
arte. La precisión y belleza de su técnica, la diversidad de su rango expresivo
y su extraordinaria destreza en los pasajes rápidos se ganaron una admiración
incondicional. Serre de Rieux, en su Les Dons des enfants de Latone, publicado
en 1734, escribió que "resucitó el arte y el destino de la flauta de la
somnolencia a la que había parecido condenada durante mucho tiempo", y que
su interpretación se caracterizaba por "un fresco estallido de luz
brillante". Hubert LeBlanc, en su Defense de la basse de viole, publicado
en 1740, escribió que "la flauta, tal como la tocaba Blavet, es preferible
al violín en su capacidad de imitar la voz", que era, para su época, el
cumplido de los cumplidos; la voz humana seguía siendo el estándar absoluto de
la expresividad musical. Daquin de Chateau-Lyon, en su Lettre sur les homes
celebres du regne de Louis XV (1752), informa que «según la admisión de aquellos
que están al tanto, Monsieur Blavet no conoce a nadie superior en la ejecución
de sonatas y conciertos», concluyendo; «la lengua más limpia, el fraseo más
fino, una vivacidad prodigiosa. Igualmente en casa en los pasajes tiernos,
voluptuosos y en los más desafiantes: he aquí, Monsieur Blavet». También
podríamos agregar que, en 1742, Boismortier, al dedicarle las Sonatas del Opus
91, opinó que «los sonidos arrebatadores por los cuales penetra nuestro sentido
mismo son, para estas piezas, la mejor garantía de una audiencia pública»,
mientras confiaba en que serían recibidas «como prueba positiva de la amistad
que encarnan». Por último, pero no por ello menos importante, Quantz, a quien
había conocido durante una visita a París en 1726, elogió a Blavet en su
autobiografía, declarándolo como el “más admirable” de todos los flautistas que
había escuchado hasta entonces.
La producción de Blavet es, en efecto, modesta. Aparte de
cuatro óperas, encargadas por su patrón en 1752 y 1753 para el Château de Berry
—su ópera bufa, Le Jaloux Corrige , se representaría en la Ópera en el apogeo
de la controversia filosófica y musical conocida como la «Quelelle des
Bouffons»—, dejó, además de un concierto manuscrito, tres libros de seis
sonatas cada uno: el primero para dos flautas sin bajo, dedicado al Príncipe de
Carignan, y otros dos para flauta y bajo continuo, publicados en 1732 y 1740,
uno dedicado a la Duquesa de Bouillon, entonces amante del Conde de Clermont, y
el otro al propio Conde. Por razones pedagógicas también publicaría, entre 1744
y 1751, tres Recueil(s) de pieces, petits airs, Brunettes, Menuets, etc., avec
des doubles et varys, accomodes pour les flutes traversiers, violins, pardessus
de viole, etc., consistentes en arreglos para dos instrumentos, sin línea de
bajo, de arias de ópera o piezas para clavicémbalo de varios compositores
diferentes, incluidos Rameau y Handel, cuya música rara vez se escuchaba en
Francia en ese momento. La segunda colección, publicada en 1732, se titula:
Sonates melees de pieces pour le flute traversiere avec la basse. Blavet ya no
pertenece a la generación de “les gouts reunis”, que se había propuesto
explícitamente fusionar formas y géneros italianos y franceses para “llevar la
música al punto de la perfección”, como lo expresó Couperin. Abandonando la
antigua suite de danzas, los franceses ahora escribieron descaradamente sonatas
al estilo italiano, empleando los rasgos virtuosos comunes a Vivaldi y
Locatelli mientras adoptaban la terminología musical italiana que se ha vuelto tan
familiar para los asistentes a conciertos de hoy.
Si damos crédito a los numerosos testimonios sobre su arte,
Michel Blavet debe considerarse uno de los mejores intérpretes de su época,
independientemente de su origen nacional. Por diversas razones, desde la
tecnología de la fabricación de instrumentos hasta la difusión de la música
mediante conciertos públicos, sin mencionar las posibilidades que ofrecían las
nuevas formas musicales, el siglo XVIII fue sin duda la cuna del virtuosismo,
tanto vocal como instrumental. Pero las obras de este gran flautista demuestran
que nunca fue en detrimento de la música.
Texto de Francois Filiatrault.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con el Concierto para Flauta, dos Violines y Bajo Continuo en La Menor, en la
versión de Bathold Kuijken, en flauta barroca, y la Orquesta Barroca de
Indianápolis.
El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Austriacos 2 -
Ignaz Holzbauer
Hoy les presento el 1º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, con el Quinteto Nº 2 en Si Bemol Mayor para Piano, Flauta, Violín,
Viola y Violonchelo, la Sinfonía en Mi Bemol Mayor, del singspiel Günther von
Schwarzburg, la Misa en Do Mayor, para Solistas, Coro y Orquesta, la Sinfonía
para Gran Orquesta La Tempestad, y el Concierto para Flauta en Re Mayor, de
Ignaz Holzbauer.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
William Alwyn nació en Northampton, Reino Unido, el 7 de
noviembre de 1905, y murió en Southwold, Reino Unido, el 11 de septiembre de
1985. Compositor, y director de orquesta.
Northampton, Northamptonshire, Inglaterra, Reino Unido de
Gran Bretaña, 7 de noviembre de 1905 – Southwold, Suffolk, Inglaterra, Reino
Unido de Gran Bretaña, 11 de septiembre de 1985.
Virtuoso flautista y compositor británico, educado en la
prestigiosa Royal Academy of Music de Londres. Alumno prodigio, se graduó en
flauta y composición, y a los 21 años ya fue profesor en esta última materia.
Fue contratado como flautista por la Orquesta Sinfónica de Londres, tocando
bajo la dirección de figuras como Edward Elgar, Ralph Vaughan Williams y Sir
Henry Wood, y destacando como solista e interpretando trabajos de cámara.
A mediados de los años 30 comienza su carrera como
compositor cinematográfico, interviniendo también en numerosos documentales de
propaganda bélica durante la Segunda Guerra Mundial, ganando el Oscar de la
Academia en 1946 por la música de uno de ellos, The True Glory (1945). Con un
estilo sinfónico y melódico, se convierte en uno de los pioneros de la música
de cine en Inglaterra, destacando sus colaboraciones con el cineasta Carol Reed
en filmes como Larga es la noche (Odd Man Out, 1947) El ídolo caído (The Fallen
Idol, 1948), y El precio de la muerte (The Running Man, 1963). Es de importancia
su partitura para La última noche del Titanic (A Night to Remember, 1958) de
Roy Ward Baker, una excelente versión del hundimiento del famoso
transatlántico, protagonizada por Kenneth More.
Convocado por Hollywood, obtiene prestigio y popularidad
gracias a sus vibrantes partituras en aventuras de espadachines como El temible
burlón (The Crimson Pirate, 1952, Arg. El pirata hidalgo) protagonizada por
Burt Lancaster y El señor de Balantry (The Master of Ballantrae, 1953), con
Errol Flynn, y en las clásicas producciones Disney Los robinsones de los mares
del sur (1960) y Los hijos del capitán Grant (1962).
Miembro de la Academia del Cine Británico, director de la
Sociedad General de Autores de Gran Bretaña durante veinte años, la reina de
Inglaterra le concedió el premio C.B.E en 1978 por su contribución a la música,
y en 1982 fue reconocido con el Doctor Honoris Causa en música por la
Universidad de Leiscester. Jubilado en 1978, se trasladó a una tranquila
residencia en la costa de Inglaterra, en Blythburgh, Suffolk, donde cultivó
otras artes como la pintura y la poesía y pasó sus últimos años.
En 1981 sufre un infarto seguido de una meningitis y
neumonía que le apartan de la composición hasta 1985, año en que logra terminar
su “Cuarteto para cuerdas nº 3”, el que es presentado en la Iglesia de
Blythburg como parte del Festival de Aldeburg, tres meses antes de su muerte.
Su obra de música clásica incluye cinco sinfonías, música de
cámara, y conciertos para violín, viola, oboe, coros, piano y flauta, habiendo
compuesto también dos óperas, “The Libertine” y “Miss Julie”. Dirigió sus
sinfonías en diversos conciertos, muchos de ellos al frente de la prestigiosa
London Philharmonic Orchestra, y grabó varios discos. Estuvo casado con la
también compositora Doreen Carwithen.
Eduardo J. Manola
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con la Sonata Fantasía Naiades para Flauta y Arpa, en la versión de Alja
Velkaverh en flauta, y Antonia Schreiber en arpa.
El Mirador Nocturno – Radio / Compositores Suecos - Johan
Helmich Román.
Hoy les presento el 1º programa de La Música de Todos Los
Tiempos, dedicado a Compositores Suecos, con la Sonata para Flauta y Bajo Continuo
Nº 1 en Sol Mayor, la Música de Drottningholm, el Concierto para Violín y
Orquesta en Re Menor, y el Concierto para Oboe y Orquesta en Re Mayor.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Paddy Moloney nació en Donnycarney, Dublín, Irlanda, el 1 de
agosto de 1938, y murió en su ciudad, el 11 de octubre de 2021. Flautista, gaitero,
maestro de la uilleann pipes, y productor discográfico.
En los últimos seis decenios el músico fue el gran animador
de la escena celta internacional
13 oct 2021. Actualizado a las 17:35 h.
La presencia del músico irlandés Paddy Moloney va mucho más
allá de su papel como líder y fundador de la banda de folk The Chieftains, que
ya de por sí no es pequeño. Él, con su bonhomía, su saber hacer, su
conocimiento y su alegría, llenaba el escenario, pero es que además arrastraba
a otros creadores, ya que ejercía su liderazgo sin imposición incluso fuera de
las tablas. Una de sus virtudes mayores estaba en que no conocía límites para
la música y fue así como proyectó el folk y lo celta fuera de sus fronteras
naturales. Y no solo en lo geográfico, sino sobre todo en lo musical.
El legendario artista, ganador de seis premios Grammy con
The Chieftains, contribuyó al Óscar a la mejor banda sonora del filme de
Stanley Kubrick Barry Lyndon y fue maestro intérprete de instrumentos de viento
como la gaita gaélica o la flauta irlandesa -también del acordeón y de
percusiones como el bodhrán, el tambor irlandés-. Tuvo claro siempre que había
que extender los dominios de su música, que la pureza no podía ser una barrera,
que en un mestizaje sin pérdida de las raíces estaba el futuro. «No pienses
solo en tu pequeño país, piensa en clave universal, en el mundo», recuerda
Carlos Núñez que le dijo un día su querido maestro y que fue este sabio consejo
lo que reenfocó y salvó su carrera.
Moloney estaba convencido de que su grupo debía apostar por
el enriquecimiento explorando territorios ajenos, penetrar otras músicas, el
rock, el blues y el pop, en particular, y de este modo no dudó en tocar y
colaborar con artistas tan variopintos como Van Morrison, Sting, McCartney,
Dylan, Mike Oldfield, Madonna, Knopfler, Dulce Pontes, Lou Reed, Ry Cooder,
Elvis Costello, Willie Nelson, Sinéad O’Connor, Tom Jones, Art Garfunkel, Los
Lobos y Marianne Faithfull, entre otros. Hasta The Rolling Stones, la banda
británica encabezada por Jagger y Richards, Sus Satánicas Majestades, no dudó
en participar a mediados de los 90 en la grabación de Rocky Road to Dublin para
el álbum de The Chieftains The Long Black Veil.
Tras el éxito de Barry Lyndon, Moloney entendió también el
cine como un trampolín privilegiado, así compuso piezas para las bandas sonoras
de películas como Braveheart y Gangs of New York, y otras cintas menores como
Tristán e Isolda (1981), La isla del tesoro (1990), Corazones robados (1996),
Bajo el sol (1998) y Agnes Browne (1999).
Todo esfuerzo de visualización era bienvenido para convertir
la música irlandesa en un gran espectáculo que fuese reconocido y festejado en
cualquier lugar del planeta, quizá solo superado por la cerveza negra Guinness,
como les gusta proclamar.
En España, Kepa Junquera, Milladoiro y Carlos Núñez fueron
algunos de sus referentes, aunque en el caso del gaitero vigués el vínculo se
estrechó de una forma inusual, ya que lo tomó bajo su protección desde muy
joven y se erigió en su gran valedor. Esa amistad afianzó su ya asentada
relación con Galicia -donde la banda siempre fue cálidamente acogida-, que
alumbró un disco emblemático en su catálogo, Santiago, por el que obtuvieron su
quinto Grammy y en el que hacían una adaptación sui generis de A rianxeira
(Guadalupe).
Había fundado en su propia casa la banda The Chieftains, en
noviembre de 1962, originalmente integrada por Seán Potts (flauta irlandesa),
Michael Tubridy (flauta irlandesa) y Seán Keane (violín). Y en la década
siguiente, en 1979, tras algunos cambios, quedó consolidada con Keane, Kevin
Conneff (bodhrán y voz) y Matt Molloy (flautas).
Moloney -que estaba casado y tenía tres hijos- falleció en
la madrugada del martes en Dublín, a los 83 años, según informaron sus
allegados. Había nacido en una familia de músicos, en la que comenzó ya muy
joven a formar grupos siempre con la tradición del folk irlandés como
fundamento, su gran tesoro pero también su gran herramienta de trabajo. Él
convirtió estas sonoridades minoritarias en un arte para el consumo y el
disfrute de las mayorías. Para Núñez, «Moloney y The Chieftains son a la música
celta lo que Camarón al flamenco y Miles Davis al jazz».
«Murió de tristeza», lamenta su amigo Carlos Núñez
El músico gallego Carlos Núñez despedía este martes
emocionado a Paddy Moloney, a quien considera su maestro. Se mostró convencido
de que el gaiteiro irlandés «murió de tristeza, porque aceptaba muy mal llevar
ya casi dos años sin salir de casa» debido a la pandemia. Así estaba desde que
en marzo del 2020 The Chieftains se vieron obligados a interrumpir la gira
estadounidense de San Patricio. «Todo esto le afectó terriblemente. Hablé con
él por última vez el 2 de agosto, por su cumpleaños -relata Núñez-, y echaba muchísimo
de menos tocar, el contacto con el público». Uno de sus sueños, le aseguró, era
reencontrarse en Galicia, que «sentía como su segundo hogar», para poder subir
de nuevo juntos al escenario. En el último concierto que compartieron,
celebrando los 30 años de colaboración sin interrupción, en el verano del 2019,
en Madrid, explica el gaiteiro vigués, lo vio «en inmejorable forma, pleno de
facultades y tan ilusionado como siempre, en una noche que le llegó al alma».
Por eso cree que fue la tristeza, el pesar de tan largo encierro lo que acabó
con su vida.
Este mismo miércoles Carlos Núñez prevé viajar a Dublín para
verse con los demás miembros de The Chieftains, con los que está en contacto, y
darle el último adiós a su viejo líder. En sus redes sociales, colgó algunas
fotografías de momentos y conciertos compartidos para despedir a su mentor:
«Nuestro querido maestro de The Chieftains acaba de partir a las estrellas. Hoy
la música de Irlanda y la música celta del mundo entero llorarán esta pérdida
histórica. Se nos ha ido un padre para todos nosotros. Gracias infinitas,
Paddy. Llevaremos tu legado hasta el fin del mundo», escribió.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con The Chattering Magpie, interpretado por The Chieftains.
