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John Zorn nació en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1953. Compositor, director, arreglador y productor. Toca saxo, piano, clarinete y theremín.
El sitio www.milkenarchive.org publicó este artículo firmado por Neil W. Levin.
Desde mediados de la década de 1970, el compositor, intérprete y productor de discos y conciertos John Zorn ha sido una de las figuras más ilustres y carismáticas asociadas con el mundo vanguardista de la expresión alternativa, experimental, basada en la fusión y la improvisación libre, conocida como la escena musical del "centro" de Nueva York.
Nacido en la ciudad de Nueva York, Zorn asistió a la Escuela Internacional de las Naciones Unidas y posteriormente al Webster College en San Luis. Allí, entró en contacto con el Black Artists Group (BAG) y la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), que ejercieron una profunda influencia en su trayectoria posterior; y se dedicó al saxofón como su instrumento principal, convirtiéndose en un virtuoso consumado y un innovador destacado en cuanto a sus posibilidades ampliadas. Tras una breve estancia en la Costa Oeste, regresó a Nueva York y comenzó a labrarse un nombre en el estimulante ambiente del centro de la ciudad, un entorno en el que prosperó con naturalidad y cuya dedicación a la participación espontánea y comunitaria y a la improvisación colectiva fomentó y nutrió sus propias inclinaciones.
Zorn causó revuelo rápidamente con su serie de experimentos sonoros poco convencionales, que en aquella etapa inicial incluían imitar el canto de un pato soplando en cuencos de agua y crear extraños aullidos con una boquilla de saxofón desmontada. Empezó a apropiarse libremente de los sonidos de lo que él denomina el «bombardeo mediático» de nuestra época. Si bien los músicos más convencionales podrían lamentar la avalancha de ruidos industriales, cacofonías comerciales y sonidos electrónicos que impregnan nuestro entorno, Zorn los acoge como influencias inspiradoras y parámetros extra musicales en sus composiciones. Prácticamente todos los sonidos, cualquiera que sea su origen, se han convertido, en principio, en presa fácil para su manipulación e incorporación musical.
El trabajo experimental de Zorn con el rock y el jazz, especialmente en fusiones con otros géneros y estilos, ha atraído a un grupo de seguidores fieles que se ha caracterizado como un culto. Pero en conjunto, su obra se nutre de una variedad mucho más amplia de su experiencia, que incluye formas clásicas, hardcore y punk rock, música de bandas judías de Europa del Este, tradiciones étnicas no occidentales y música de cine, dibujos animados, popular e improvisada, además del jazz tradicional. Él reconoce que una selección de fuentes artísticas impulsó su desarrollo inicial: innovadores estadounidenses dentro del molde de la música culta, como los compositores Charles Ives, Elliott Carter, John Cage y Harry Partch; la etapa del siglo XX de la tradición europea manifestada en la Segunda Escuela de Viena (Schoenberg, Berg y Webern), así como la obra de Stravinsky, Boulez y Kagel; jazz y rock experimental; y teatro, cine, artes visuales y literatura de vanguardia. Como los compositores del centro de la ciudad en general, su música desafía las categorías convencionales o académicas. Pero quizás incluso más que sus contemporáneos de ese mundo, Zorn ha cultivado una expresión irreverente e intensamente idiosincrásica que a menudo disuelve las fronteras entre los estilos previamente establecidos, difuminando la distinción entre la composición tradicionalmente entendida en el sentido occidental (es decir, el desarrollo musical organizado y luego anotado) y la improvisación. Y con frecuencia ha erosionado la distinción entre grabación e interpretación en vivo. De hecho, algunas de sus piezas se adaptan mejor al estudio de grabación como medio, donde pueden ensamblarse poco a poco, momento a momento, evento a evento y gesto a gesto.
Resulta particularmente curioso que Zorn reconozca con orgullo su deuda con las bandas sonoras de dibujos animados y sus compositores, cuyo universo sonoro, según afirma, es similar al suyo: «Eso proviene de todas las películas y series de televisión que vi de niño». La revista Keyboard llegó a decir que su música se parecía a «bandas sonoras de películas que nunca se hicieron».
Un salto significativo hacia el éxito comercial llegó con el lanzamiento en 1986 del álbum de Zorn, The Big Gundown, que incluía arreglos de música del compositor de cine italiano Ennio Morricone. Como en varias piezas posteriores, empleó bloques de sonido autónomos que alternaban abruptamente entre estilos, timbres y fuentes sonoras contrastantes. Anotaba estos parámetros en fichas para introducir estructura en la improvisación colectiva, que de otro modo sería libre. De ahí el nombre de "piezas de fichas", por las fichas que contienen sus ideas musicales anotadas (a las que llama "momentos musicales"), las cuales luego se clasifican y ordenan como instrucciones sugeridas para los demás intérpretes. Esto se convirtió en una de sus primeras señas de identidad. En sus "piezas de juego" improvisadas, esa estructura, por ejemplo, se proporciona utilizando las fichas para guiar la interacción de los intérpretes, sin especificar el material musical preciso de cada parte.
Entre las grabaciones más destacadas de Zorn de la década de 1980 se encuentran Archery, una serie de improvisaciones con toques electrónicos; Ganryu Islands, duetos entre Zorn con instrumentos de viento y el intérprete japonés de shamisen Michihiro Sato; y Spillane, cuyo tema principal está inspirado en la música de las películas de serie B de las populares películas de detectives de Mickey Spillane de la década de 1950. Durante la década de 1980, el crítico John Rockwell, de The New York Times, citó a Zorn como el compositor más interesante, importante e influyente surgido de la vanguardia del centro de Manhattan desde Steve Reich y Philip Glass. «Lo que ellos [Reich y Glass] fueron para la década de 1970», escribió Rockwell, «él [Zorn] lo es para la década de 1980». Zorn siguió componiendo y grabando prolíficamente, y para celebrar su cuadragésimo cumpleaños, en 1993, ofreció una serie de conciertos durante un mes, cada uno con música distinta, en el Knitting Factory, que para entonces se había convertido en el punto neurálgico de la música del centro de la ciudad.
Aunque judío de nacimiento, Zorn no había estado involucrado previamente con la cultura judía, ni religiosa ni secular, pero a principios de la década de 1990 comenzó a explorar sus raíces judías en su música, en el contexto de su propia estética en constante evolución. Su primera composición que abordaba temas judíos fue Kristallnacht (1992), una obra relacionada con el Holocausto inspirada en el recuerdo del pogromo orquestado en todo el Tercer Reich los días 9 y 10 de noviembre de 1938, que, tras cinco años de creciente persecución, se convirtió en el preludio del eventual intento de Alemania de aniquilar por completo a los judíos europeos. Una mezcla de canciones y elementos sonoros dispares que ha sido calificada como un "brutal retrato sonoro del Holocausto" —que abarca desde referencias a melodías folclóricas judías tradicionales hasta ruidos caóticos, discordantes, violentos, estridentes e incluso ensordecedores—, la grabación contenía una advertencia provocativa en su carátula sobre sus extremos de alta frecuencia en los límites de la audición humana y más allá: "No se recomienda la escucha prolongada o repetida, ya que puede provocar daños auditivos temporales o permanentes".
También en la década de 1990, Zorn, junto con Marc Ribot, formuló una nueva iniciativa llamada Cultura Judía Radical, cuyo propósito declarado es extraer, exponer e iluminar elementos que él percibe como componentes judíos de la cultura estadounidense. Sin embargo, no todas esas percepciones subjetivas sobre lo que puede constituir componentes judíos son necesariamente compartidas ni por los críticos culturales o sociales judíos convencionales (incluidos los razonablemente liberales) ni por los artistas con formación judaica.
Sin embargo, temas judíos reales han inspirado algunas de las obras más admirables de Zorn, algunas de las cuales integran aspectos de melodías judías auténticas de diversas fuentes. Piezas de cámara improvisadas, como Bar Kokhba e Issachar, contienen ecos de la vida judía de Europa del Este de antes de la guerra y exploran comparaciones entre el jazz y la música folclórica judía instrumental. Su célebre conjunto, Masada (una de sus varias bandas), toma su nombre de la fortaleza en la meseta sobre el Mar Muerto en Israel, donde un grupo fanático de zelotes protagonizó una última resistencia contra Roma y, según una leyenda que ha sido objeto de una reevaluación histórica en los últimos años, cometió suicidio colectivo (que, al menos en el caso de los niños, debe considerarse homicidio) en lugar de rendirse. Ha compuesto más de 100 «melodías de Masada» para el grupo. Otro conjunto, Bar Kokhba —un sexteto que lleva el nombre del líder rebelde judío que organizó una revuelta fallida contra la autoridad romana en el año 132 d. C.— se formó en 1996 y continúa prosperando.
El enfoque compositivo de Zorn ha sido descrito como «caleidoscópico» debido a la forma en que muchas de sus piezas presentan destellos fugaces y sin relación entre sí, de elementos sonoros inconexos, gestos y series de momentos musicales, todo ello en un flujo vertiginoso de información sonora. Su música, que puede parecer saltar de una idea a otra y de un estilo a otro en abstracciones destiladas, sin apenas desarrollo, puede tener un aire hipercinético. Al comienzo del nuevo milenio, cuando su reputación como el «chico malo» de la vanguardia ya estaba firmemente establecida, sus obras ya habían aparecido en más de sesenta grabaciones.
No todas las obras de Zorn son completamente improvisadas. Sus composiciones escritas han sido encargadas e interpretadas por conjuntos y artistas de renombre como la Filarmónica de Nueva York, el Cuarteto Kronos, la Orquesta de Vientos de los Países Bajos, la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia y la Ópera Estatal de Baviera. Su propio sello discográfico, Tzadik (palabra hebrea que significa líder espiritual justo, generalmente en contextos jasídicos), en el que aparece su música, también ha incluido obras de autores con una sólida formación académica, ajenos a la estética del centro de la ciudad, como Charles Wuorinen.
No siempre resulta evidente hasta qué punto la retórica de Zorn debe tomarse en serio, hasta qué punto debe interpretarse con escepticismo o hasta qué punto su propósito radica en su capacidad de generar impacto. Sin embargo, a pesar de todos los cuestionamientos a sus teorías sobre la música o la identidad judías, su talento musical es innegable. «Con toda justicia se le puede considerar un músico "serio"», escribió Rockwell, «tan serio e importante como cualquiera de su generación».
Por: Neil W. Levin
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Karaim. John Zorn, composición, saxofón, dirección; Marc Ribot, en guitarra; Kenny Wollesen, en vibráfono; Jamie Saft, en teclados; Trevor Dunn, en bajo; Cyro Baptista, en percusión; y Joey Baron, en batería.
