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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
José Manuel Cerqueira Afonso dos Santos, también conocido como José Afonso, Zeca Afonso y Zeca, nació en Aveiro, Portugal, el 2 de agosto de 1929, y murió en Setúbal, Portugal, el 23 de febrero de 1987. Cantautor y guitarrista.
El sitio www.last.fm publicó este recordatorio.
Biografía
Fecha de nacimiento 2 agosto 1929
Lugar de nacimiento Aveiro, Aveiro, Portugal
Fallecido 23 febrero 1987 (con 57 años)
José Manuel Cerqueira Afonso dos Santos (1929 - 1987), conocido como Zeca Afonso o simplemente Zeca, compositor y músico.
Fue un compositor de canción protesta portugués. Escribió música contra la dictadura de Salazar, (el Estado Novo como se llamaba a sí misma) de carácter fascista que gobernó Portugal desde 1933 hasta 1974.
Uno de los más conocidos y mejores músicos de Portugal y que años después de su muerte permanece todavía con un alto número de ventas tanto en su país como en el extranjero.
Compuso la canción Grândola, Vila Morena que sirvió de señal para el inicio de la Revolución de los Claveles el 25 de abril de 1974.
Zeca Afonso nació en Aveiro (Portugal) el 2 de agosto de 1929 y murió en Setúbal (Portugal) el día 23 de febrero de 1987. Hijo de José Nepomuceno Afonso y Maria das Dores.
Se crio con sus tíos Gigé y Xico en una casa situada en el lago de Cinco Bicas en Aveiro hasta que a los tres años de edad que fue a vivir a Angola con sus padres y hermanos que ya llevaban allí dos años.
La relación con el habitat africano y su naturaleza le causó una profunda ligazón con África. Sus canciones reflejan esa fascinación. Años más tarde descubriría el amargor de la realidad social africana de la colonización y apartheid.
En 1937 vuelve a Aveiro donde permanecería en casa de sus tías maternas, pero al poco tiempo, ese mismo año, retorna a África, esta vez a Mozambique, donde se reencuentra con su familia en Maputo (entonces llamada Lourenço Marques) donde permanecería hasta 1939 que se trasladaría a Belmonte a casa de su tío Filomeno quien era el alcalde de la localidad.
Juventud:
En Belmonte acabó sus estudios primarios y vivió el ambiente más profundo del Salazarismo junto a su tío que era adepto del mismo así como admirador de los regímenes fascistas de Franco y Hitler. El mismo Zeca diría años más tarde que "fue el año más desgraciado de mi vida".
En 1940 fue a Coimbra donde comienza a cantar. Estudia en el Liceo João III. Obtiene el reconocimiento de los tradicionalistas y se inicia en serenatas cantando en estarolas de aldeia. El fado de Coimbra, lírico y tradicional, era principalmente interpretado por él.
En 1958 graba su primer disco, Baladas de Coimbra y compone la balada Menino do Bairro Negro (Niñito del barrio Negro) inspirada en la miseria del barrio de Barredo en Oporto.
Más tarde grabaría Os vampiros (Los vampiros) que junto con la canción Trova do Vento que Passa (trova del viento que pasa) con letra de un poema de Manuel Alegre, musicado y cantado por Adriano Correia de Oliveira) se vuelve uno de los símbolos antifascistas de la época.
En el curso 1958 - 1959 fue profesor de francés y de historia en la Escuela Comercial e Industrial de Alcobaça.
Lucha contra la dictadura:
Regresa a Mozambique en 1964 y trabaja como profesor del Liceo. Desarrolla una intensa actividad anticolonialista que le causa problemas con la policía política del régimen (PIDE). Cuando regresa a Portugal se coloca como profesor en Setúbal donde participa activamente en acciones contra la dictadura y es expulsado de la enseñanza, lo que le obliga, para sobrevivir, a grabar su primer álbum: Baladas e Canções.
Entre 1967 y 1970, Zeca radicaliza su lucha contra el régimen de Salazar y se convierte en un símbolo de la resistencia democrática. Mantiene contacto con el (PCP) Partido Comunista Portugués y el LUAR. Es detenido varias veces por la PIDE.
En 1969 participa en París en el primer encuentro de la Canción portuguesa de combate y graba el LP Cantares do Andarilho, que recibe el premio al mejor disco del año y mejor interpretación otorgado por Casa da Imprensa. Zeca Afonso pasa a ser tratado en los periódicos por el anagrama Esoj Osnofa para evitar la censura.
En 1971, edita Cantigas do Maio (Canciones de Mayo), en el que aparece "Grândola, vila morena", que será más tarde inmortalizada como uno de símbolos de la Revolución de los Claveles. Zeca participa en varios festivales, publica el libro sobre él y lanza el LP Eu vou ser como a toupeira. En 1973 canta en el III Congreso de la Oposición Democrática y graba el álbum Venham mais cinco.
Después de la revolución:
Después de la Revolución continúa cantando y graba el disco Coro dos tribunais y participa en numerosos festivales de cantos Libres. Mantiene su actividad política y se vuelve un admirador del período del PREC y en 1976 apoya a Otelo Saraiva de Carvalho en su candidatura para la presidencia de la república.
Sus últimos espectáculos recorren los escenarios de Lisboa y Oporto en 1983 cuando Zeca Afonso ya se encontraba enfermo. Al final de ese año le es atribuida la condecoración Ordem da Liberdade que Zeca rehúsa y más tarde, en 1994, se le vuelve a atribuir a título póstumo pero su mujer la rehúsa también recordando que ya en vida el propio Afonso lo había hecho.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con A morte saiu à rua.
Camille Saint-Saëns. Introducción y Rondó Caprichoso para Violín y Orquesta en La Menor Op. 28.
En 1859, Pablo de Sarasate, un joven de 15 años, y ya prodigio del violín, le pidió a Camille Saint-Saëns que compusiera un concierto para violín y orquesta. Halagado, el compositor completó la partitura del Concierto para Violín y Orquesta en La Mayor Nº 1 Op. 20. Cuatro años más tarde, en 1863, Saint-Saëns, completó otra partitura para Sarasate. Se trata de Introducción y Rondó Caprichoso para Violín y Orquesta en La Menor Op. 28. El estreno se realizó el 4 de abril de 1867.
Desde su creación es una de las obras más populares de Saint-Saëns y los principales violinistas la tienen incorporada en sus repertorios. Posteriormente, la partitura original fue adaptada: Georges Bizet compuso un arreglo para violín y piano, Jacques Durand para dúo de piano y Claude Debussy para dos pianos.
A continuación, de Camille Saint-Saëns, Introducción y Rondó Caprichoso para Violín y Orquesta en La Menor Op. 28, en la versión de Ray Chen, y la Orquesta Filarmónica de Malta, dirigida por Sergey Smbatyan.
Walter Scharf nació en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, el 1 de agosto de 1910, y murió en Brentwood, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 24 de febrero de 2003. Músico, compositor, arreglador y director.
Walter Scharf fue un destacado compositor y director de orquesta de Hollywood y televisión durante más de medio siglo. Nacido en la ciudad de Nueva York, comenzó su carrera a principios de la década de 1930 como arreglista de Broadway, donde orquestó Girl Crazy para George Gershwin. Se trasladó a Los Ángeles en 1934 como arreglista para la orquesta del popular cantante Rudy Vallee. Durante sus primeros años allí, bajo contrato con Twentieth Century Fox, recibió seis nominaciones al Óscar por bandas sonoras para películas como Mercy Island (1941) y la serie Hit Parade (1940-1943), además de otras nominaciones en años posteriores para Hans Christian Andersen (1952), Funny Girl (1968) y Willy Wonka y la fábrica de chocolate (1971); y su canción principal para la película Ben (1972) ganó un Globo de Oro y se convirtió en un éxito para el cantante Michael Jackson. Scharf se hizo igualmente conocido por su trabajo para televisión con la popular serie The Man from UNCLE, y recibió un premio Emmy por su banda sonora para un episodio de The Undersea World of Jacques Cousteau. Su trabajo en más de 200 bandas sonoras de cine y televisión, como compositor, arreglista y orquestador, incluyó veintiocho horas para la serie Cousteau; cinco películas con Elvis Presley (comenzando en 1957 con Loving You ); Holiday Inn (1942); y muchas otras películas bien recordadas y ahora olvidadas. Scharf también escribió dos libros: Composed and Conducted (1988) y The History of Film Scoring (1988). Después de su retiro de Hollywood, compuso una obra coral y orquestal a gran escala por encargo de Stephen S. Wise Temple en Los Ángeles, The Tree Still Stands (1989), sobre el desarrollo de un judío a través de cinco etapas de su vida, desde la adolescencia hasta la edad adulta, comenzando con su bar mitzvah. Esa obra se basó en textos hebreos de la Biblia, complementados con letras contemporáneas. Su plan de escribir una ópera sobre la vida de Maurice Ravel, el compositor clásico que más admiraba, quedó incumplido a su muerte.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Ben, en la interpretación de Michael Jackson.
Gary Harold Lee Levitch, más conocido como Gary Lewis, nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 31 de julio de 1945. Cantante y baterista.
El sitio www.pleasekillme.com publicó esta entrevista realizada por Michael Shelley.
GARY LEWIS, 'EL HIJO DE JERRY', CORRE POR SU VIDA
Michael Shelley·23 de octubre de 2018
Gary Lewis, el hijo de Jerry Lewis, aprendió los trucos de la batería con Buddy Rich, creció cerca del set de los Beverly Hillbillies, se curtió en el rock & roll, fue descubierto en Disneyland, se convirtió en un creador de éxitos de la noche a la mañana a los 19 años y luego, boom, lo enviaron a Vietnam.
Actualmente, Gary Lewis vive con su esposa —una fan a quien conoció en uno de sus conciertos— en un terreno de 4.5 hectáreas con colinas ondulantes, césped y pinos, que él describe como un paraíso a las afueras de Rochester, Nueva York. El otrora exitoso cantante, hijo del comediante Jerry Lewis, se emocionó al contarme el placer que le produce cortar el césped con su cortacésped John Deere. Es muy diferente del adinerado estilo de vida hollywoodense de su infancia, y tengo la sensación de que a Gary le gusta así.
La primera fase de la carrera de Gary Lewis solo duró cuatro años, y su emblemática canción "This Diamond Ring" es uno de los éxitos más populares de los años 60. Pero, por muy grandiosos que sean sus éxitos (12 de sus canciones llegaron al Top 40), para mí, lo mejor de la carrera de Gary son los sublimes cortes de sus álbumes. Hay excelentes versiones improvisadas de clásicos de bandas de garage como "Run For Your Life" de The Beatles y "All Day And All Of The Night" de The Kinks, y canciones como "Without A Word Of Warning", "Girls In Love" y "Loser with Broken Heart" son ejemplos brillantes de la máquina de hacer éxitos de la Costa Oeste en su máxima expresión. Grandes compositores, arreglistas y músicos se combinaron con grandes productores e intérpretes únicos, como Gary, todo con el único objetivo de conectar con los adolescentes y crear discos de éxito.
Hablando con Gary Lewis, también tengo la sensación de que ha usado una cantidad considerable de energía psíquica a lo largo de su vida buscando el "mundo real" y encontrando su lugar en él. Simple para algunos, pero cuando creces con un padre tan complejo como Jerry Lewis, nada es simple ni normal. Si a eso le sumamos tener una canción número uno siendo adolescente, la suya no fue una infancia normal. Quizás eso explique por qué hay temas de los que Gary simplemente no quiere hablar. Después de algunos altibajos, está en un buen momento, y para él, no hay razón para ser negativo.
¿Está amargado? No lo creo, pero quizá no haya superado del todo todas sus dificultades. Quizás eso lo haga normal después de todo.
Tenga en cuenta: hubo muchas risas durante esta conversación que tendrá que imaginar.
PKM: Cuéntame cómo eran tus abuelos [los padres de su padre, Jerry]. Ambos trabajaban en el mundo del espectáculo. ¿Los recuerdas como figuras clave del espectáculo?
Gary Lewis: No. De hecho, conocí muy bien a mis abuelos; no murieron hasta que yo tenía cuarenta y tantos años, y eran artistas de vodevil en los años treinta y cuarenta. Solían ser teloneros, intentaban ser mejores, pero nunca les salió bien. Eso fue lo que hicieron la mayor parte de su vida. A mi abuelo le habría gustado ser un Al Jolson o algo así, pero nunca lo consiguió. Eran gente estupenda, los quería mucho.
PKM: ¿Había muchos allí cuando estabas creciendo?
Gary Lewis: Siempre venían a casa. Mi abuela siempre traía sopa de matzá y todos los platillos judíos. Mi papá era judío y mi mamá, católica-italiana, y eso causó un caos total durante algunos años de su matrimonio. No se vive hasta que se tiene una acidez judía/italiana.
PKM: Así que tus abuelos no estaban convencidos de que un católico fuera bienvenido en la familia.
Gary Lewis: Eran completamente judíos. No había descansos, nada de eso. Fue bastante difícil durante mucho tiempo. No se llevaban bien con mi madre y ella no se llevaba bien con ellos, pero ¿y qué? Para nada.
PKM: Tu madre era cantante de big band, también del mundo del espectáculo. Por lo que dicen, era casi una santa.
Gary Lewis: Es una auténtica santa. Sigue viva, tiene 97 años, vive en Las Vegas y está perfectamente sana. La vi el mes pasado cuando fuimos a tocar en The Golden Nugget.
PKM: Naciste en 1945. ¿Es cierto que tus padres quisieron ponerte el nombre de Cary Grant, pero hubo algún tipo de error y así te convertiste en Gary?
Gary Lewis: Mi madre estaba enamorada de Cary Grant cuando nací, así que durante los dos primeros años de mi vida fui Cary, y mi padre dijo: «¿Sabes?... qué tontería». No le gustó nada. Así que, cuando cambió legalmente su nombre de Levitch a Lewis, me incluyeron en esos documentos como Gary. Me alegro de no haber tenido la edad suficiente para darme cuenta... quizá no habría importado. He sido Gary desde que tengo memoria.
PKM: Tu padre tenía diecinueve años cuando naciste. Esto fue antes de que conociera a Dean Martin. Así que, en tus primeros diez años de vida, su carrera despegó. ¿Eras consciente de esa aceleración?
Gary Lewis: No. Porque conoció a Dean en el 47, y yo ya tenía dos años. Sabía que eran famosos, porque siempre iba al teatro con él y Dean. Sabía que eran importantes, pero no me daba cuenta; pensaba que todos los hijos e hijas del mundo tenían padres famosos. Lo descubrí más tarde, cuando tenía unos 16 años, y empecé a darme cuenta de que haber crecido en una familia rica, tener todo lo que queríamos y todo eso, me di cuenta de que eso no era la vida real. Disfrutaba mucho de viajar y de no tener que desear nada. Ya no me importaba demasiado. No quería ser pobre, pero hubiera preferido vivir en el mundo real, porque estás tan protegido con tanta distancia entre tú y la realidad. Era un poco pesado para mí.
PKM: La relación que tenemos con tu padre, como yo, se basa en ver su trabajo y en programas de entrevistas. Francamente, es difícil imaginar que ese tipo fuera un buen padre. ¿Lo era? ¿Era diferente esa persona que vimos en privado?
Gary Lewis: En todas las entrevistas que hago, mucha gente quiere saber esas cosas, pero la verdad es que, responderte honestamente, sería criticarlo, y no quiero criticarlo, así que prefiero no hablar de eso.
PKM: Entiendo. Sé que era un fanático de los gadgets. Me imagino que creciste en una casa con altavoces por todas partes y un equipo de música a lo James Bond que salía de la pared al pulsar un botón. ¿Era así?
Gary Lewis: Sí, lo fue. Totalmente. Puso un estudio de grabación en la casa. Tenía intercomunicadores en cada habitación. Usaba el intercomunicador y decía: "Oye, Gary, entra un momento". Más tarde nos dimos cuenta de que podía escucharnos sin que nos enteráramos. Así que nunca dijimos nada raro ni hablamos de chicas. Mis hermanos y yo hablábamos de cosas de chicos, y nos dimos cuenta de que era mejor no hacerlo.
PKM: Entonces, ¿siempre escuchabas discos o la radio?
Gary Lewis: Me apasionaba el rock & roll. Escuché a Elvis interpretar "Hound Dog" y me enganché. En nuestro concierto versionamos temas que eran muy importantes para mí antes de siquiera pensar en dedicarme al rock & roll. Me gustaban "Love Potion #9" de The Clovers y "Runaway" de Del Shannon, e incluso los primeros temas de James Brown.
PKM: Versionaste algunas de esas canciones en tus discos posteriormente. ¡Qué cambio tan increíble! Ser fan y luego lanzar tus propias versiones.
Gary Lewis: Así era en los 60 cuando grababa. Ponías tu éxito en el álbum y luego hacías el de los demás, pero eso era lo que la gente esperaba. Ahora que lo pienso, es bastante raro.
PKM: Es similar a la generación de tu padre, cuando todos los cantantes versionaban The Great American Songbook.
Gary Lewis: Correcto.
PKM: Creciste en Bel Air. ¿Cómo era ese barrio?
Gary Lewis: Eran mansiones, mansiones de 30 habitaciones. Así que no teníamos muchos vecinos, porque había muchísimo terreno. Era increíblemente grande. La mansión que usaron en " Los Beverly Ricos" estaba a la vuelta de la esquina de nuestra casa, y todas eran así. Era bastante divertido, solo que no había césped. En Los Ángeles todo es de hormigón. Estaba bien, pero mi padre tuvo que poner portones alrededor de la propiedad. Le preocupaba que la gente entrara.
PKM: Frank Sinatra Jr. fue secuestrado. ¡Podrías haber sido el siguiente!
Gary Lewis: Sí. Estaba un poco preocupado por eso. Estábamos de gira con Jan y Dean, y Dean Torrence estuvo involucrado en todo eso de alguna manera... No recuerdo exactamente qué. Dean me dijo que todo era publicidad. Publicidad para Frank Jr., y le creo.
PKM: ¿Cuando empezaste a tocar la batería?
Gary Lewis: Empecé a tocar a los cinco años. Mi papá me regaló una batería. Un niño de cinco años tocando la batería no sabe lo que hace, solo hace ruido. Mi mamá me decía: "¿Puedes parar?". Cuando tenía unos seis años, un amigo de mi papá vino a casa, vio la batería y me dijo: "Oye, chico, ven, déjame enseñarte algunas cosas con la batería". Así que eso pasó durante unos seis o siete años antes de que finalmente descubriera que ese amigo de mi papá era Buddy Rich. Todos esos años de entrenamiento con Buddy Rich me ayudaron mucho.
PKM: ¿Cómo se formaron los Playboys? ¿Eran solo chicos de la escuela o del barrio?
Gary Lewis: Iba a una universidad de artes teatrales en Pasadena, y los Beatles vinieron y tocaron en The Ed Sullivan Show. ¡BOOM! Ahí fue cuando sucedió. Dije: "¡Eso es! Eso es lo que quiero hacer". Así que formé los Playboys originales con compañeros de clase en esa universidad de artes teatrales en enero del 64 y tocamos durante casi un año en fiestas de fraternidades y hermandades, pequeños conciertos por el campus, y luego hicimos una audición para un trabajo de verano en Disneyland. Hicimos una audición con unas diez bandas más y no usé mi apellido porque quería ver si podíamos hacerlo sin favoritismos, y conseguimos el trabajo para junio, julio y agosto del 64 en Disneyland. Ahí fue donde nos vio nuestro productor, Snuffy Garrett. Estaba en el parque con su familia, y después del concierto, vino tras bambalinas, me dio su tarjeta y me dijo: «Hola, soy el jefe de A&R de Liberty Records. Suenan muy bien. Me gustaría hablar con ustedes sobre grabar algo». ¿No es así como todos desearían que fuera?
PKM: Para un chico de 19 años, Disneylandia suena como algo súper divertido. ¿Te cansaste?
Gary Lewis: No. Éramos jóvenes y nos lo pasábamos genial. Ese fue nuestro primer trabajo remunerado. Y ganar cuarenta dólares por noche, ¿en serio?, era el paraíso. Y hasta el día de hoy, cuando subo al escenario, nunca me canso. Lo disfruto todo el tiempo. Ha sido un viaje maravilloso, he sido bendecido, tan bendecido, estoy muy agradecido por todo.
PKM: Debieron de ser muy buenos. ¿Cuántas horas al día jugaban en Disneylandia?
Gary Lewis: Teníamos que hacer cuatro sets por noche. Empezando con nueve, hasta uno. Así que armamos un repertorio bastante bueno, y fuimos mejorando cada vez más. Así que fui a Liberty Records con mi madre, porque todavía era menor de edad, y Snuffy estaba tocando una maqueta de "This Diamond Ring". Era una maqueta rara, no se parecía en nada a nuestra versión, pero dije: "Sí, me encantaría tocarla", pero me habría encantado tocar cualquier canción que nos tocara; quería empezar a grabar. "This Diamond Ring", recién salida de la caja, llegó al número uno. Vendió un millón de discos en unas seis semanas y desbancó a los Beatles del número uno, ¡qué irónico! Fueron la razón por la que me metí en el rock & roll.
PKM: ¿Cuánto tiempo después del día en que usted entró en esa oficina, “Este anillo de diamantes” fue el número uno?
Gary Lewis: Entramos a la oficina en septiembre de 1964, lo grabamos en noviembre y en febrero de 1965 era el número uno.
Cuando tenía unos seis años, este amigo de mi papá vino a la casa y vio la batería y dijo: "Oye chico, ven, déjame mostrarte algunas cosas en la batería", así que eso sucedió durante unos seis o siete años antes de que finalmente descubriera que este amigo de mi papá era Buddy Rich.
PKM: Al ver tu discografía, el ritmo de tus lanzamientos fue realmente impresionante. ¡Creo que tus primeros cuatro LP salieron en un plazo de 12 meses!
Gary Lewis: Así lo quería Liberty. No querían que nada se volviera monótono. Me encantaba. Sí, el ritmo era frenético. A veces grabábamos a las cuatro de la mañana. Snuff Garret nos decía: «Algunas de las mejores cosas salen a las cuatro de la mañana, cuando estás tan cansado que te da igual». Así que lo escuchaba porque era un experto en éxitos, sabía cómo elegirlos y sabía exactamente cuándo sacarlos. Y Leon Russell fue nuestro arreglista antes de tener su propia carrera.
PKM: Fue una época increíble para quienes creaban grandes canciones, como PF Sloan & Barri y Bonner & Gordon. ¿Liberty eligió las canciones o tú participaste en ello?
Gary Lewis: No participé en ello. A decir verdad, no quería participar. Porque no sabía nada al respecto. Era joven. Me lo estaba pasando bien. Fue maravilloso. ¡Que el que nunca ha tenido fracasos elija la música!
PKM: ¿Viajaron ustedes en alguno de esos programas?
Gary Lewis: ¡Claro! Esa fue la primera gira que hicimos, en 1965. Solo teníamos "Diamond Ring" en ese momento y "Count Me In" estaba a punto de salir, e hicimos la gira The Dick Clark Caravan of Stars. Eran unos diez conciertos. Todos nos subíamos a un autobús y hacíamos conciertos de una noche durante seis u ocho semanas. Fue fantástico porque la gente de esa gira era gente a la que admiraba incluso antes de empezar a interesarme en la música: Gene Pitney, Bobby Goldsboro, Brian Hyland, The Yardbirds, The Crystals, Sam the Sham y The Pharaohs. Fue maravilloso viajar con esa gente y tocar música por la noche; fue absolutamente genial.
PKM: Y tú tenías 19 o 20 años en ese momento, ¿verdad?
Gary Lewis: Yo todavía tenía diecinueve años.
PKM: Cuando era joven, debió abrirte los ojos a muchas cosas.
Gary Lewis: Me abrió los ojos a la cantidad de mujeres maravillosamente hermosas que hay en el mundo.
PKM: Eso es lo que estaba pensando, pero no quería decirlo.
Gary Lewis: Sí… Rock & Roll.
"This Diamond Ring", recién salido de la caja, llegó al número uno. Vendió un millón de discos en unas seis semanas y desbancó a los Beatles del número uno. ¡Qué irónico! Fueron la razón por la que me adentré en el rock & roll.
PKM: Te reclutaron en medio de todo esto, en 1967. ¿Qué tan popular era la banda en ese momento?
Gary Lewis: Veníamos de nuestro séptimo Top 10 consecutivo, y entonces me notificaron del draft. ¡BUM! Choqué contra el muro a 160 km/h.
PKM: ¿Alguna vez consideraste Canadá o alguna otra opción?
Gary Lewis: No. Miré mi aviso de reclutamiento y dije: "Elvis lo hizo, yo lo haré". Y eso fue exactamente lo que hice. Fue lo mejor que pude haber hecho por mí mismo. En el Ejército, uno crece muy rápido, y yo necesitaba madurar rápido y deshacerme de esa actitud arrogante que tuve por un tiempo.
PKM: Nunca había oído que tuvieras una actitud arrogante. ¿Cómo se manifestaba eso?
Gary Lewis: Vengo de una familia adinerada, lo teníamos todo, y mi primer intento de carrera propia, con siete Top Tens consecutivos, es inevitable que te encapriches. Sucede. No te das cuenta hasta más tarde en la vida. Pero me alegro de haberlo descubierto a los 25.
PKM: Vietnam es un lugar difícil para aprender esa lección. ¿Cuál era tu trabajo en el Ejército?
Gary Lewis: Estuve destinado en la Base Aérea de Tan Son Nhut, donde todos vuelan, y repartía archivos 201, daba órdenes. Era una tarea relativamente fácil; no estaba en combate, pero lo oía todo el día. Y la razón por la que fui a Vietnam fue porque el Ejército, después del entrenamiento básico, me dijo: "¿Por qué no formas una banda, viajas por todo el país y tocas para la gente, para los militares de todas partes?". Y yo dije: "No, tengo que vivir con ellos, y ese favoritismo me va a matar. Solo denme un trabajo". Dijeron: "De acuerdo. ¿Qué tal Da Nang?".
PKM: ¡Guau!
Gary Lewis: En realidad, solo estuve allí tres meses, porque había una gran concentración militar en Corea del Sur, pues los norcoreanos se apoderaron de uno de nuestros barcos y pensaron que sería un gran problema. Así que me enviaron a Corea del Sur, pero todo se resolvió en una semana. Así que allí estaba, sin problemas, sin nada, y disfruté de mi misión.
PKM: Así que regresaste después de dos años con algunas lecciones aprendidas. ¿Qué tan diferente era el mundo cuando regresaste?
Gary Lewis: Bueno, cuando volví, había gente nueva en la música, como Jimi Hendrix y Janis Joplin, y me preguntaba: "¿Dónde encajo yo en esto?". Así que fui a ver a Snuffy Garrett en Liberty y le dije: "¡Dios mío! ¿Qué pasa? ¿Podemos hacer algo?". Y, tío, nunca lo olvidaré. Me miró y me dijo: "Lo siento, tío, ya no hay mercado para ti". Y así, ¡BOOM!, ¡FIN!
Así que lo que hice, en lugar de intentar seguir en la música y tocar todo lo que se escucha hoy en día, no era mi estilo. Así que me alejé de la música por completo, y de 1972 a 1984 tuve una tienda de música en el sur de California. Se llamaba Gary's, por cierto. Vendía baterías y guitarras y daba clases. Era un hombre trabajador. Tenía un trabajo de verdad.
PKM: ¿Eso fue un golpe al ego o fue algo genial?
Gary Lewis: Los primeros años fueron muy duros, porque los 70 fueron una auténtica crueldad con la gente de los 60. Cuando intentaba tocar en clubes pequeños, la gente me preguntaba: "¿Puedes tocar tus éxitos en estilo disco?". Yo decía: "¡No, no puedo!".
En 1984, un agente me llamó y me dijo: «Los sesenta vuelven». Estuve a punto de colgar, pero me respondió: «Puedo conseguirte entre 60 y 100 conciertos al año». Y desde 1984, eso es exactamente lo que ha estado sucediendo.
PKM: Siete éxitos entre los diez primeros, cuatro discos de oro, 45 millones de discos vendidos. Alguien ganó mucho dinero. ¿Consiguieron un buen trato? ¿Liberty les trató de forma justa?
Gary Lewis: Comparado con todo lo que estaba pasando, tenía un contrato fantástico. La mayoría de los artistas ganan un cuatro por ciento; yo ganaba un ocho por ciento. ¿Adónde va ese otro 92 por ciento? ¡A Liberty Records! Ellos se llevan todo el dinero. Cuando hablo con artistas de los sesenta que conozco, me dicen: "Tú conseguiste un ocho por ciento. ¡Caramba! Yo conseguí el dos o el tres". Es casi como una historia de terror. Mi madre y sus abogados eran muy listos. Liberty Records no pudo con mi madre.
PKM: Entonces, si alguien quiere usar “Este anillo de diamantes” en una película, ¿le pagan de inmediato?
Gary Lewis: Claro. Sigo recibiendo tres regalías diferentes: de autor, editorial y artista, y con los años han crecido cada vez más. Además, vendemos CD en todos nuestros conciertos y casi todo el público los compra. No pretendo ganar un dineral, solo quiero que nuestros fans sepan que no hemos muerto.
PKM: Tu padre falleció hace poco más de un año. Lo siento. ¿Eran amigables de adultos?
Gary Lewis: La verdad es que no. No quiero extenderme en nada. Había distancia. Solo distancia. Son cosas personales. Mucha gente tiene esos mismos problemas. Simplemente no quiero ser una de esas personas que, ahora que ya no está, diga: "¡Qué bien, ahora puedo decir la verdad!". Me han ofrecido muchísimo dinero para escribir libros de crítica sobre él... ¡Ni hablar! Simplemente no lo voy a hacer.
PKM: ¿Y cuántos shows al año hacéis hoy en día?
Gary Lewis: Cada año es totalmente diferente. Este año hicimos unos 40, y el año que viene espero al menos eso. Además, estoy sano, pero empiezo a sentir un poco de dolor en las articulaciones de vez en cuando, así que si tengo menos conciertos en un año, probablemente debería tenerlos.
PKM: ¿Y todavía te encanta el tiempo en el escenario?
Gary Lewis: Absolutamente. Es una experiencia maravillosa, la satisfacción de tener al público sonriendo y cantando las palabras contigo. Y lo daremos todo en cada concierto. Haremos el mismo espectáculo para una persona o para 10,000. Planeo seguir haciendo esto mientras pueda.
PKM: Definitivamente parece que para ti el equilibrio entre si nacer en tu familia es una bendición o una maldición es algo con lo que has lidiado y sopesado a lo largo de los años y con lo que has llegado a estar en paz.
Gary Lewis: Exactamente. Fue una bendición al principio de mi vida, pero luego se convirtió en una maldición, cuando te das cuenta de que esto no es vida, en absoluto, que esto no es la realidad. Y ¡zas!, cuando entré al ejército y, al salir, me di cuenta de que ya no había mercado para mí, me volví pobre. Esa era la vida real. No me gustaba, pero vi cómo era el mundo y cómo es la vida en realidad. En 1984, cuando volví a trabajar y empecé a ganar dinero, conservé esa humildad. Así que fue un regalo, una maldición, y ahora vuelve a ser un regalo.
Sabes, una noche tuve una pesadilla. Soñé que todos mis fans morían. ¿Te lo imaginas? Fue como: "¡Dios mío, se acabó!". Pero me desperté feliz.
PKM: Qué raro. ¿Qué crees que significa? ¿Alguna idea?
Gary Lewis: Vaya, no lo sé. De verdad que no lo sé. ¿Cómo iba a saber que todos mis fans murieron?
PKM: Eso es extraño.
Gary Lewis: Sí, fue extraño. No voy a entenderlo.
PKM: Algunas cosas es mejor dejarlas en paz.
Gary Lewis: De verdad.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con This Diamond Ring y Sure Gonna Miss Her.
Aki Ville Yrjänä (más conocido como AW Yrjänä) es un músico de rock y poeta criado en Tornio. Es conocido por su longeva banda CMX. También ha publicado varios poemarios.
La pasión de Yrjänä por la poesía se remonta a su infancia en casa, donde leía poesía para pasar el tiempo. De joven, Yrjänä también leyó mucha ciencia ficción y se interesó por la parapsicología y la teosofía. Experimentó un fuerte impulso musical al escuchar punk rock. Esto la llevó a formar numerosas bandas, una de las cuales fue CMX. Yrjänä también tocó como guitarrista en la legendaria banda de hardcore punk de Tornio, Terveiden Käsie, entre 1987 y 1988. Tras mudarse a Helsinki, Yrjänä estudió brevemente teología, estudios religiosos y filosofía. Sin embargo, los abandonó y comenzó una carrera musical a tiempo completo.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Linnuton Puu (Anna Puu, Vain Elämää), Árbol sin pájaros (Dame un árbol, solo vida).
Eric Alfred Knudsen nació en Waiawa, entonces Reino Hawaiano, el 29 de julio de 1872, y murió en Lihue, Hawaii, Estados Unidos, el 12 de febrero de 1957. Escritor, folclorista, abogado y político.
Eric Alfred Knudsen, autor, abogado y político estadounidense (f. 1957)
Eric Alfred Knudsen (29 de julio de 1872 - 12 de febrero de 1957) fue un escritor, folclorista, abogado y político estadounidense que creció y vivió en Kauai, Hawái. Su padre fue Valdemar Knudsen, pionero de las plantaciones azucareras del oeste de Kauai.
Se casó con Cecilie L'Orange el 15 de septiembre de 1905 en Oslo, Noruega. Tuvieron cinco hijos.
Knudsen fue delegado de Kauai en la Convención Nacional Republicana de 1904. También fue miembro de la Cámara de Representantes de Hawái, donde fue presidente entre 1905 y 1907.
Es conocido principalmente por sus escritos y colecciones de relatos sobre el folclore y la cultura hawaianos.
Richard William Wright nació en Londres, Reino Unido, el 28 de julio de 1943, y murió en su ciudad, el 15 de septiembre de 2008. Tecladista, multiinstrumentista, cantante y compositor.
Richard William Wright (28 de julio de 1943 - 15 de septiembre de 2008) fue un pianista, teclista y compositor inglés, reconocido por su carrera con Pink Floyd. Las ricas texturas de las capas de teclado de Wright fueron un ingrediente vital y una característica distintiva del sonido de Pink Floyd. Wright solía cantar coros y, ocasionalmente, la voz principal en el escenario y en el estudio con Pink Floyd (especialmente en las canciones "Time", "Echoes", "Wearing the Inside Out", "Astronomy Domine" y "Matilda Mother").
Aunque no fue un compositor tan prolífico como sus compañeros de banda Roger Waters y David Gilmour, escribió partes importantes de la música para álbumes clásicos como Meddle, The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, así como para el último álbum de estudio de Pink Floyd, The Division Bell.
Wright ocupa el puesto número 5 en la lista de Digital Dreamdoor de los “100 mejores teclistas de rock de todos los tiempos” y el puesto número 8 en el top 27 de MusicRadar.
Vida temprana y carrera
Wright, cuyo padre era bioquímico jefe en Unigate Dairies, creció en Hatch End, al norte de Londres y se educó en la Haberdashers' Aske's School.
Wright aprendió a tocar la guitarra a los 12 años, además de la trompeta y el piano, y tomó clases particulares de teoría musical y composición en la Escuela de Música Eric Gilder. Inseguro sobre su futuro, se matriculó en la Politécnica de Regent Street en 1962. Allí conoció a sus compañeros Roger Waters y Nick Mason, fue miembro fundador de The Pink Floyd Sound (como se llamaba entonces) en 1965 y también participó en sus anteriores formaciones, Sigma 6 y The (Screaming) Abdabs. Aunque Mason y Waters eran estudiantes competentes, Wright encontró poco interés en la arquitectura y, tras solo un año de estudios, se trasladó al London College of Music.
En los primeros días de Pink Floyd, Wright fue una fuerza musical destacada en el grupo (aunque no tanto como Syd Barrett, el principal compositor y líder de la banda en ese momento) y escribió y cantó varias canciones propias durante 1967-1968. Aunque no aparece acreditado como cantante en The Piper at the Gates of Dawn, cantó como codirector en canciones escritas por Barrett como "Astronomy Domine" y "Matilda Mother", así como armonías notables en "The Scarecrow" y "Chapter 24". Ejemplos de sus primeras composiciones incluyen "Remember a Day", "See-Saw", "Paint Box" y "It Would Be So Nice". A medida que el sonido y los objetivos de la banda evolucionaron, Wright se interesó menos en la composición y se centró principalmente en contribuir con su estilo distintivo a composiciones instrumentales extensas como "Cirrus Minor", "Interstellar Overdrive", "Set the Controls for the Heart of the Sun", "Careful with That Axe, Eugene", "One of These Days", "Dogs" y a temas musicales para bandas sonoras de películas (More, Zabriskie Point y Obscured by Clouds). También hizo contribuciones esenciales a las largas y épicas composiciones de Pink Floyd como "Atom Heart Mother", "Echoes" (en la que (armonizó con Gilmour para la voz principal) y "Shine On You Crazy Diamond". Sus composiciones más populares comercialmente son "The Great Gig in the Sky" y "Us and Them" de The Dark Side of the Moon de 1973. También contribuyó significativamente a otros clásicos de mediados de la era de Floyd como "Breathe" y "Time", cantando la voz principal en versos alternados de esta última con David Gilmour.
Wright grabó su primer proyecto en solitario, Wet Dream, y lo lanzó en septiembre de 1978 con un éxito comercial mínimo. Lidiando con problemas personales y una relación cada vez más complicada con Roger Waters, Waters lo obligó a renunciar a Pink Floyd durante las sesiones de The Wall, quien amenazó con cancelar las cintas del álbum si Wright no dejaba la banda. Sin embargo, se mantuvo como músico de sesión asalariado durante los conciertos en vivo posteriores para promocionar ese álbum en 1980 y 1981. Wright se convirtió en el único miembro de Pink Floyd que se benefició de esos conciertos, ya que las pérdidas financieras netas tuvieron que ser asumidas por los tres miembros restantes "a tiempo completo". Fue el único miembro de la banda que no asistió al estreno de 1982 de la versión cinematográfica de Pink Floyd: The Wall. En 1983, Pink Floyd lanzó The Final Cut, el único álbum en el que Wright no aparece.
Vida posterior y carrera
Durante 1984, Wright formó un nuevo dúo musical con Dave Harris (de la banda Fashion) llamado Zee. Firmaron un contrato discográfico con EMI Records y lanzaron solo un álbum, Identity, que fue un fracaso comercial y de crítica. Wright trabajó como músico asalariado junto a Pink Floyd, tras la salida de Waters. Debido a problemas legales y contractuales derivados de su condición de "sicario" durante la gira mundial de The Wall, su foto no se incluyó en el álbum de 1987 A Momentary Lapse of Reason y su nombre apareció en letras más pequeñas que Mason y Gilmour. En 1994, cuando su reincorporación a la banda ya era oficial, coescribió cinco canciones y cantó la voz principal en una canción ("Wearing the Inside Out") para el siguiente álbum de Pink Floyd, The Division Bell. Esta grabación proporcionó material para el doble álbum en vivo y el lanzamiento del video Pulse en 1995. Wright, al igual que Nick Mason, actuó en todas las giras de Pink Floyd.
Rick pidió formar parte de “A Momentary Lapse of Reason” y volvimos a hablar, discutir y negociar, y esta vez [The Division Bell] recibe un porcentaje de todo, no solo del disco. La última vez, Nick y yo habíamos puesto todo el dinero y asumido todos los riesgos, incluyendo las demandas con Roger. Si asumes todos los riesgos, esperas obtener más ganancias, simplemente. Este es un maravilloso proyecto artístico en el que hemos dedicado toda nuestra vida adulta, pero la realidad también influye. — David Gilmour
En 1996, inspirado por su exitosa participación en The Division Bell, Wright lanzó su segundo álbum en solitario, Broken China, con contribuciones de Sinéad O'Connor (voz), Pino Palladino (bajo), Manu Katché (batería), Dominic Miller (conocido por su trabajo con Sting) y Tim Renwick, otro colaborador de Pink Floyd, en la guitarra eléctrica. Broken China marcó una nueva etapa en el desarrollo artístico y el estilo interpretativo de Richard Wright, con un amplio uso de técnicas de grabación y producción informáticas, con la ayuda de Anthony Moore, con quien coescribió las letras del álbum.
El 2 de julio de 2005, Wright, Gilmour y Mason se unieron a Waters en el escenario por primera vez desde los conciertos de The Wall para una breve presentación en el concierto Live 8 en Londres. Esta sería la última vez que los cuatro miembros de Pink Floyd (después de Barrett) actuarían juntos. Wright se sometió a una cirugía de cataratas en noviembre de 2005, lo que le impidió asistir a la incorporación de Pink Floyd al Salón de la Fama de la Música del Reino Unido.
Wright contribuyó con teclados y coros al álbum solista de David Gilmour, On an Island, y actuó con la banda de gira de Gilmour en más de dos docenas de espectáculos por Europa y Norteamérica en 2006. En el escenario con Gilmour, tocó el órgano Hammond, el piano, el piano eléctrico, la estación de trabajo Kurzweil K2600 e incluso su órgano Farfisa, inactivo durante mucho tiempo, que se utilizó para interpretar "Echoes" y dos de las canciones más antiguas de Pink Floyd y Syd Barrett que Gilmour decidió revisitar en sus conciertos recientes. También proporcionó coros y voz principal (en particular, en "Echoes", "Time", "Comfortably Numb", "Wearing the Inside Out", "Astronomy Domine" y "Arnold Layne", este último lanzado como sencillo en vivo). Rechazó una oferta para unirse a Roger Waters y Nick Mason en la gira The Dark Side of the Moon Live de Waters para pasar más tiempo trabajando en un proyecto solista.
El 4 de julio de 2006, Wright se unió a Gilmour y Mason para la proyección oficial del DVD P•U•L•S•E. Inevitablemente, el tema del Live 8 surgió en una entrevista. Cuando le preguntaron sobre volver a actuar, Wright respondió que estaría feliz en el escenario donde fuera. Explicó que su plan era "vagar" y comentó sobre tocar en vivo:
Y siempre que Dave quiere que toque con él, me encanta. Y [a Gilmour], tocarás conmigo, ¿verdad?
La última actuación vocal de Wright tuvo lugar en "The Madcaps Last Laugh", un concierto homenaje en el Barbican de Londres el 10 de mayo de 2007. Fue organizado por Joe Boyd en memoria de Syd Barrett, fallecido el julio anterior. Boyd contó con la asistencia de numerosos invitados musicales que rindieron homenaje a Syd, entre ellos Captain Sensible, Chrissie Hynde, Damon Albarn, Kevin Ayers, Kate McGarrigle con Martha Wainwright y Lily Lankin, Mike Heron, Nick Laird Clowes, Vashti Bunyan, Robyn Hitchcock y, en solitario, Roger Waters.
Pink Floyd con David Gilmour, Nick Mason y Richard aparecieron al final del espectáculo como invitados sorpresa donde interpretaron la canción que lo inició todo, “Arnold Layne”, con Wright en la voz principal.
La última actuación en vivo de Wright fue como parte de la banda de David Gilmour en el estreno del DVD del concierto de Gilmour, Remember That Night. Tuvo lugar el 6 de septiembre de 2007 en el Odeon Leicester Square de Londres. Tras la proyección de una versión editada del vídeo, la banda subió al escenario para improvisar y Wright tocó los teclados.
Vida personal
Se casó con su primera esposa, Juliette Gale, en 1965. Tuvieron dos hijos, Gala y Jamie, y se divorciaron en 1982. Se casó con su segunda esposa, Franka, en 1984. Se divorciaron en 1990. Wright se casó con su tercera esposa, Mildred "Millie" Hobbs (a quien dedicó su segundo álbum en solitario, Broken China), en 1995, con quien tuvo un hijo, Ben. Su matrimonio terminó en 2007. En 1996, la hija de Wright, Gala, se casó con Guy Pratt, un músico de sesión que ha tocado el bajo para Pink Floyd y compañero de banda David Gilmour desde la salida de Roger Waters. En sus últimos años, Wright vivió en Francia y pasó tiempo en un yate de su propiedad en las Islas Vírgenes.
Muerte
Wright murió de un tipo de cáncer no revelado en su casa en el Reino Unido el 15 de septiembre de 2008 a los 65 años. En el momento de su muerte, había estado trabajando en un nuevo álbum en solitario, que se pensaba que comprendería una serie de piezas instrumentales, que aún no ha visto la luz del día.
Su fallecimiento ocurrió una semana antes del lanzamiento del CD Live in Gdansk de David Gilmour, en el que participó. Este álbum es el último proyecto relacionado con Pink Floyd que incluye a Wright.
Tributos
Su compañero de banda David Gilmour dijo:
Nadie puede reemplazar a Richard Wright. Fue mi compañero musical y mi amigo. En el torbellino de discusiones sobre quién o qué era Pink Floyd, la enorme aportación de Rick a menudo se olvidaba. Era amable, modesto y reservado, pero su voz e interpretación conmovedoras eran componentes vitales y mágicos de nuestro sonido Pink Floyd más reconocido. Nunca he tocado con nadie como él. La fusión de sus voces y las mías, y nuestra telepatía musical, alcanzó su mayor florecimiento en 1971 con 'Echoes'. En mi opinión, los mejores momentos de PF son aquellos en los que está en plena forma. Después de todo, sin 'Us and Them' y 'The Great Gig in the Sky', ambos escritos por él, ¿qué habría sido 'The Dark Side of the Moon'? Sin su toque sereno, el álbum 'Wish You Were Here' no habría funcionado del todo. En nuestra mediana edad, por muchas razones, perdió el rumbo por un tiempo, pero a principios de los noventa, con 'The Division Bell', su vitalidad, chispa y humor regresaron a él, y luego la reacción del público a su... Mi participación en mi gira de 2006 fue sumamente inspiradora, y es una muestra de su modestia que esas ovaciones de pie le sorprendieran enormemente (aunque no al resto de nosotros). Al igual que Rick, no me resulta fácil expresar mis sentimientos con palabras, pero lo quería mucho y lo extrañaré muchísimo.
El baterista de Pink Floyd, Nick Mason, le dijo a Entertainment Weekly:
Como en cualquier banda, nunca se puede cuantificar con exactitud quién hace qué. Pero Pink Floyd no habría sido Pink Floyd si no hubiéramos tenido a Rick. Creo que ahora existe la sensación, sobre todo después de toda la disputa que se desató entre Roger y David intentando aclarar cuál fue su contribución, de que quizás Rick quedó relegado a un segundo plano. Porque el sonido de Pink Floyd es más que guitarra, bajo y batería. Rick fue el sonido que lo unió todo... Fue, por mucho, el más tranquilo de la banda, desde el primer día. Y, creo, probablemente más difícil de conocer que al resto de nosotros... Es casi como George Harrison. Uno se olvida de que hicieron mucho más de lo que quizás se les reconoce.
El sitio web del ex compañero de banda Roger Waters fue reemplazado por una fotografía de una serie de velas y amapolas contra un fondo negro; una de las imágenes de pantalla utilizadas para la canción "Wish You Were Here" en su gira "Dark Side of the Moon Live".
Roger Waters también emitió una declaración:
Me entristeció mucho enterarme de la muerte prematura de Rick. Sabía que había estado enfermo, pero el final llegó de forma repentina e impactante. Mis condolencias están con su familia, en especial con [sus hijos] Jamie y Gala, y su madre, Juliet, a quienes conocí muy bien en el pasado, a quienes siempre quise mucho y admiré profundamente. En cuanto a él y su obra, es difícil exagerar la importancia de su voz musical en el Pink Floyd de los años 60 y 70. Las fascinantes modulaciones y voces con influencia del jazz, tan familiares en "Us and Them" y "Great Gig in the Sky", que otorgaron a esas composiciones su extraordinaria humanidad y majestuosidad, están omnipresentes en todo el trabajo colaborativo que los cuatro realizamos en aquellos tiempos. El oído de Rick para la progresión armónica fue nuestra piedra angular. Estoy muy agradecido por la oportunidad que Live 8 me brindó de interactuar con él, David [Gilmour] y Nick [Mason] por última vez. Ojalá hubiera habido más.
El 23 de septiembre de 2008, David Gilmour interpretó «Remember a Day», una composición de Wright del segundo álbum de Pink Floyd, «A Saucerful of Secrets» (1968), en una transmisión en vivo de «Later… with Jools Holland» en BBC Two como homenaje a Wright. En una entrevista posterior al programa, Gilmour declaró que Wright tenía la intención de tocar con él ese día, pero que le había enviado un SMS un par de semanas antes de su fallecimiento para avisarle de que no se encontraría lo suficientemente bien como para asistir. Esta fue la primera interpretación en vivo de la canción por parte de un miembro de la banda.
El 15 de septiembre de 2008, Elton John, mientras daba un concierto en Saskatoon, Saskatchewan, dedicó la canción “Believe” a Wright, quien había fallecido ese mismo día.
Influencia
El estilo de Wright fusionaba influencias del jazz, el neoclásico y la música experimental, lo que complementaba las sencillas estructuras armónicas de las canciones de Roger Waters y David Gilmour, con un toque más blues y folk. Como teclista, le interesaba más complementar cada pieza con capas de órgano o sintetizador y elegantes pasajes de piano o piano eléctrico. A diferencia de sus contemporáneos Rick Wakeman, Tony Banks o Keith Emerson, solo tocaba en solitario ocasionalmente, especialmente en «Atom Heart Mother», «Echoes», «Any Colour You Like», «Shine On You Crazy Diamond» (partes 1-5 y 6-9), «Welcome to the Machine», «Dogs», «Run Like Hell» y «Keep Talking». Wright era conocido por sus texturas fantasmales y atmosféricas, como los arpegios de piano de Leslie al principio de "Echoes", el órgano Farfisa con eco en las versiones en vivo de "Careful with That Axe, Eugene" y "Set the Controls for the Heart of the Sun", los distintivos solos de Minimoog en "Any Colour You Like" y, más famoso, "Shine On You Crazy Diamond" y los pasajes de Wurlitzer en "Money", "Time" y "Sheep". En "A Saucerful of Secrets" y "Sysyphus" experimentó con "piano tratado". "Sysyphus" también hizo un uso extensivo de sonidos de Mellotron, algo poco común en el canon de Pink Floyd. Wright también usó escalas modales en "Set the Controls for the Heart of the Sun" y "Matilda Mother".
Equipo
En los inicios de la banda, Wright experimentó con los metales antes de decidirse por el órgano Farfisa como su instrumento principal en el escenario (además del piano y el órgano Hammond en el estudio). Durante un breve periodo en 1969, Wright tocó el vibráfono en varias canciones de la banda y en algunos conciertos, e incluso tocó el trombón en "Biding My Time" (también de este periodo experimental). Durante los años de formación de Pink Floyd con Syd Barrett, Wright dependía en gran medida de su órgano Farfisa, alimentado a través de un eco de plato Binson Echorec, para lograr sonidos distintivos que ayudaron a la banda a adquirir su toque de "rock psicodélico". Usó un mellotrón en "See-Saw", "Atom Heart Mother" y "Sysyphus" en Ummagumma. A partir de entonces, comenzó a usar un órgano Hammond con regularidad en el escenario, y un piano de cola se convirtió más tarde en parte de su configuración habitual de conciertos en vivo cuando "Echoes" se añadió al repertorio habitual de Pink Floyd. Para las giras de los años 70 basadas en The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall, el Farfisa fue abandonado (aunque fue recuperado cuando Wright estuvo de gira con David Gilmour en su gira On An Island), y se añadieron otros instrumentos a la formación, como: pianos eléctricos Fender Rhodes, Wurlitzer y Hohner, VCS 3, Minimoog, ARP String Ensemble y sintetizadores Prophet 5. A partir de 1987, Wright se inclinó por los sintetizadores digitales Kurzweil para reproducir sus sonidos de sintetizador analógico, aunque seguía utilizando su órgano favorito, el Hammond C-3. Sin embargo, el que utilizó con Pink Floyd en Live 8 y con David Gilmour era una versión "portátil" (despojada del peso innecesario y colocada en una carcasa más compacta por Keyboard Products de Los Ángeles, California). A lo largo de su carrera, Wright también fue un competente multiinstrumentista. También tocó el violín, el violonchelo, el bajo, la guitarra, el saxofón y la batería, entre otros.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Breakthrough, en vivo, en la presentación de David Gilmour en concierto.
Les presentamos el libro de Alejandro Baer: "Antisemitismo, el eterno retorno de la cuestión judía" que ofrece una introducción al antisemitismo en sus distintas formas. Por otro lado, Raúl Fernández Vítores, nos presenta su Tratado del Primer Engaño sobre el origen de la filosofía y la cultura.
Roberta Lee Streeter, más conocida como Bobbie Gentry, nació en Chickasaw County, Mississippi, el 27 de julio de 1942. Cantautora, banjista y guitarrista.
Si eres un amante de la música country, entonces probablemente hayas escuchado hablar de Bobbie Gentry antes. La cantante y compositora estadounidense fue una de las artistas femeninas más exitosas de los años 60 y 70, y su talento musical sigue siendo relevante hasta el día de hoy. En este artículo, te contaré todo lo que necesitas saber sobre la historia y la música de Bobbie Gentry.
La historia de Bobbie Gentry
Bobbie Gentry nació en Chickasaw County, Mississippi, en 1944. Aunque su nombre real es Roberta Lee Streeter, adoptó el nombre artístico de Bobbie Gentry cuando comenzó su carrera en la música. A los 13 años, comenzó a tocar guitarra y a escribir sus primeras canciones, y en 1967 lanzó su primer sencillo Ode to Billie Joe, que fue un éxito instantáneo.
A pesar de su éxito inicial, la carrera de Gentry fue corta. Después de lanzar varios álbumes exitosos, incluyendo The Delta Sweete y Fancy, se retiró de la música y se mantuvo en gran parte fuera del ojo público. Hoy en día, vive en Los Ángeles y se dedica a escribir y producir para la televisión y el cine.
El género de la música de Bobbie Gentry
Aunque Gentry se asoció con frecuencia con el género musical country, su música abarcaba una amplia gama de estilos y géneros diferentes. Sus canciones a menudo incluían yuxtaposiciones de sonidos y elementos de géneros dispares, como el soul, el pop y el rock.
De hecho, una de las cosas más notables sobre la música de Gentry es la forma en que era capaz de fusionar estos diferentes estilos y crear algo que era verdaderamente único en su tiempo. Canciones como Ode to Billie Joe y Fancy ofrecieron una mirada a la vida en el sur de Estados Unidos durante los años 60 y 70, mientras que también presentaban arreglos y sonidos que eran innovadores y progresivos para la época.
Las mejores canciones de Bobbie Gentry
Para muchos fans de la música de Bobbie Gentry, Ode to Billie Joe sigue siendo su canción más memorable y popular. La canción cuenta la historia de un joven que se suicida saltando desde un puente, y aunque no se revela explícitamente el motivo, se sugiere que el suicidio tiene algo que ver con una relación amorosa secreta entre el joven y la protagonista de la canción.
Otras canciones populares de Gentry incluyen Fancy, que se ha convertido en un himno feminista y de empoderamiento femenino, y Mississippi Delta, una canción que celebra la riqueza y la diversidad del sur de Estados Unidos. Aunque Bobbie Gentry solo grabó música durante unos pocos años, su legado musical sigue siendo fuerte y significativo hoy en día.
Nuestra crítica
En general, la música de Bobbie Gentry es innovadora y atrevida, y exhibe una gran cantidad de influencias y estilos diferentes. Su habilidad para combinar yuxtaposiciones de géneros y estilos diferentes en sus canciones, y crear algo que fuera verdaderamente original y único para su época, es notable. Además, su capacidad para contar historias con cada una de sus canciones, y ofrecer una visión íntima de la sociedad y la vida del sur de Estados Unidos en una época tumultuosa, es impresionante.
Bobbie Gentry puede haber sido una artista de corta duración, pero su legado musical sigue siendo fuerte y significativo hoy en día. Su habilidad para fusionar diferentes estilos y géneros musicales, como el soul, el rock y el pop, y crear algo que fuera verdaderamente original y único para su época, es memorable. Sus canciones también ofrecen una visión íntima de la sociedad y la vida del sur de Estados Unidos en los años 60 y 70. En resumen, Bobbie Gentry es una artista que toda persona interesada en la música country definitivamente debería conocer.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Ode To Billie Joe.
Adolf Hitler y Goebbels visitando la taberna Sterneckerbraü, primer lugar de reunión del NSDAP en 1920 (The Grosby Group)
Hubo actos heroicos en la Segunda Guerra Mundial. Hubo quienes demostraron que, en medio de la más grande crueldad, la vida y la humanidad se abren camino a pesar del horror. Los casos de Pascalina Lehnert, el papa Pío XII, y aquellos sacerdotes católicos, pastores evangélicos, anglicanos, luteranos e incluso imanes musulmanes que se arriesgaron para proteger a los judíos perseguidos en el Holocausto son referencias globales e históricas. Entre esos actos heroicos en tiempos de confrontación, hubo también argentinos. El país mantuvo una política oficial de neutralidad hasta casi el final del conflicto, lo que permitió a sus diplomáticos operar en países bajo control nazi o en zonas de guerra. Aunque la Cancillería argentina emitió directivas restrictivas, como la infame Circular 11 de 1938, que limitaba la entrada de judíos al país, algunos diplomáticos actuaron por iniciativa propia para salvar vidas, desafiando órdenes o interpretándolas con flexibilidad.
Argentina, bajo los gobiernos de Roberto Ortiz, Ramón Castillo y, más tarde, los militares del golpe de 1943, optó por la neutralidad durante la mayor parte de la guerra, rompiendo relaciones con el Eje recién en enero de 1944 y declarando la guerra en marzo de 1945, cuando el desenlace era evidente. Esta postura, motivada por intereses económicos y un fuerte sentimiento anticomunista en sectores de la elite, contrastaba con la presión aliada para sumarse a su causa. Sin embargo, la neutralidad permitió a Argentina mantener embajadas y consulados abiertos en Europa, incluso en territorios ocupados por los nazis, lo que dio a sus diplomáticos una posición única para presenciar y, en algunos casos, actuar frente al genocidio.
La Cancillería emitió instrucciones que dificultaban la inmigración judía, reflejando una corriente antisemita en ciertos círculos gubernamentales y diplomáticos. No obstante, la autonomía de los funcionarios en el terreno, agravada por comunicaciones interrumpidas y la urgencia de la guerra, permitió que algunos tomaran decisiones humanitarias al margen de las políticas oficiales. Estos actos, a menudo no registrados formalmente por temor a represalias, han sido reconstruidos a través de testimonios, archivos y estudios históricos posteriores.
El 30 de enero de 1933, Adolfo Hitler fue nombrado canciller de Alemania
Uno de los casos más destacados es el de Luis Santiago Luti, quien sirvió en la embajada argentina en Berlín entre 1940 y 1944. Luti no solo fue un observador del horror nazi, sino que también intervino para proteger a judíos argentinos y otros bajo su jurisdicción. Desde su llegada, documentó las atrocidades en informes enviados a la Cancillería, como el de 1940 en el que describió las restricciones impuestas a los judíos en Berlín —toques de queda, carteles limitando sus compras a horarios específicos y reducción de raciones de carbón y ropa— y la masiva deportación de judíos polacos a campos de concentración. En 1943, Luti informó sobre la persecución acelerada que buscaba “la eliminación de los judíos por medio de la violencia”, mencionando el gueto de Varsovia como una “estación de tránsito” hacia destinos desconocidos —probablemente campos de exterminio como Treblinka, que él mismo citó por sus cámaras de gas—. Sus despachos, algunos interceptados por los nazis, muestran su rechazo al régimen, lo que lo puso en una posición delicada tanto con los alemanes como con sus superiores en Buenos Aires, quienes preferían mantener una neutralidad pragmática. Más allá de su rol como testigo, Luti logró un avance concreto en septiembre de 1943, cuando negoció con el gobierno alemán para que los ciudadanos argentinos de “raza israelita” en el Reich y el Protectorado de Bohemia y Moravia recibieran tarjetas de aprovisionamiento completas de alimentos y ropa, un privilegio que equivalía a salvarles la vida en un contexto de hambruna y persecución. Estas “laboriosas gestiones”, como él las llamó, beneficiaron a un número indeterminado pero significativo de judíos argentinos, aunque las limitaciones burocráticas y la vigilancia nazi restringieron su alcance. Luti regresó a Argentina en 1944 como parte de un canje de diplomáticos tras la ruptura con el Eje, dejando un legado de valentía y humanidad.
Ricardo Olivera, embajador en Berlín hasta 1942 y luego en Vichy hasta 1944, también desempeñó un papel clave. En Berlín, trabajó junto a Luti y apoyó sus esfuerzos para proteger a judíos argentinos. Uno de sus logros más notables fue la liberación de judíos griegos internados en el campo de concentración de Compiègne, en Francia, bajo la jurisdicción de Vichy. Olivera intentó extender la protección consular a estos judíos griegos argumentando su vínculo con Argentina, aunque esta iniciativa fue rechazada por la cancillería argentina. A pesar de ello, continuó brindando apoyo discreto y logró su liberación, un acto que salvó decenas de vidas. En Vichy, tras el traslado de la embajada, Olivera mantuvo su compromiso con los judíos argentinos atrapados en la Francia ocupada. Gestionó pasaportes y documentos que permitieron a algunos escapar de la deportación, aprovechando la relativa autonomía que le daba la distancia con Buenos Aires. Aunque sus acciones fueron limitadas por las políticas restrictivas de la Cancillería y la vigilancia nazi, su disposición a actuar lo distingue como un diplomático que priorizó la vida humana sobre las órdenes oficiales.
El embajador argentino Eduardo Labougle Carranza fue testigo y observador en los días previos a la llegada al poder del canciller Adolf Hitler
Alberto Saubidet, funcionario consular en París desde 1938, es otro ejemplo de resistencia silenciosa. Antes del estallido de la guerra, Saubidet otorgó visados a judíos que huían del nazismo tras los pogromos de la “Noche de los Cristales Rotos” (noviembre de 1938). Estos documentos permitieron a decenas, posiblemente cientos, de refugiados escapar hacia Argentina o terceros países vía rutas transatlánticas. Su labor, realizada en un momento en que la Circular 11 ya estaba en vigor, sugiere que interpretó las normas con flexibilidad o actuó al margen de ellas, asumiendo riesgos personales en una ciudad bajo creciente influencia nazi tras la ocupación de 1940. Aunque no hay registros exhaustivos de la cantidad exacta de visados emitidos por Saubidet, su nombre aparece en testimonios de sobrevivientes y en estudios históricos como un símbolo de compasión en un consulado donde otros funcionarios aplicaban las restricciones con rigor. Su trabajo en París, un punto clave para los refugiados judíos antes y durante la guerra, subraya cómo las acciones individuales podían contrarrestar la política oficial.
León Schapiera, cónsul en Bremen en 1938, también se destacó por su ayuda a judíos perseguidos. Durante los meses previos a la guerra, emitió visados a judíos alemanes que buscaban escapar tras la intensificación de las políticas antisemitas. Bremen, un puerto importante, era una vía de salida para quienes intentaban llegar a América, y Schapiera aprovechó esta posición para facilitar su huida. Al igual que Saubidet, sus acciones desafiaron las directivas de la Cancillería, lo que lo expuso a posibles sanciones internas, aunque no hay evidencia de que fuera castigado formalmente. La labor de Schapiera fue particularmente significativa en 1938, cuando la anexión de Austria y los eventos de la Noche de los Cristales Rotos dispararon la emigración judía. Sus visados, aunque limitados en número por las cuotas impuestas, salvaron vidas al permitir el éxodo hacia Argentina o destinos intermedios antes de que las fronteras se cerraran aún más con el inicio del conflicto.
En Rumania, José Carelos Ponti, diplomático en Bucarest, se opuso abiertamente a las leyes antisemitas del régimen pro-nazi. En sus informes, describió estas medidas como una “esclavitud adornada con humillación física y moral”. Más allá de sus palabras, Ponti actuó directamente: libró a una menor judía de un campo de exterminio presentándola como su hija adoptiva, un gesto que combinó valentía y astucia legal. Aunque este caso específico es el más documentado, es probable que haya ayudado a otros judíos rumanos o argentinos bajo su protección consular, aprovechando la confusión administrativa de la guerra.
Hitler junto a diplomáticos argentinos. La neutralidad del país sirvió para que pudieran ser testigos de las atrocidades del régimen
Roberto Levillier, embajador en Montevideo y luego en París, también contribuyó al rescate de judíos. En Montevideo, otorgó un permiso a una pareja italiana de origen judío, lo que provocó una denuncia del cónsul argentino fiel reflejo de las tensiones internas entre diplomáticos humanitarios y los alineados con las políticas restrictivas. En París, Levillier continuó esta labor, concediendo permisos a refugiados judíos, a menudo en colaboración con colegas como Saubidet. Sus acciones, aunque menos conocidas, muestran una coherencia en su rechazo a la persecución nazi.
Diplomáticos como Manuel Malbrán en Italia y Ricardo Marcó del Pont, asesor letrado en el Ministerio, también se opusieron a decisiones arbitrarias y facilitaron la salida de judíos, aunque con menos detalles documentados. Estos esfuerzos, individuales y a menudo clandestinos, contrastan con la actitud de muchos colegas que aplicaban las restricciones con celo o incluso denunciaban a los humanitarios.
La neutralidad argentina, aunque criticada por los Aliados, creó un espacio ambiguo donde estos diplomáticos pudieron operar. Sin el respaldo oficial del gobierno, sus acciones dependieron de su iniciativa, coraje y, en ocasiones, del silencio cómplice de sus superiores inmediatos. No eran una “red” organizada como la de Raoul Wallenberg en Suecia, sino agentes aislados que, en conjunto, salvaron cientos, posiblemente miles, de vidas.
Luis Santiago Luti, Ricardo Olivera, Alberto Saubidet, León Schapiera, José Carelos Ponti y Roberto Levillier, Manuel Malbrán, Ricardo Marcó del Pont, entre otros, representan un capítulo luminoso en una época sombría. Enfrentados al horror nazi y a las limitaciones de su propio gobierno, eligieron la humanidad sobre la obediencia ciega. Sus historias, reconstruidas a partir de archivos, testimonios y reconocimientos tardíos —algunos han sido propuestos como “Justos entre las Naciones” por Yad Vashem—, son un testimonio de que incluso en la neutralidad y la burocracia, la voluntad individual puede marcar la diferencia.
