Jean Sibelius. Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47. Hilary Hahn.

A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Hilary Hahn, y la Orquesta Filarmónica de Radio France, dirigida por Mikko Franck.

Peter Murphy

Peter John Joseph Murphy, más conocido como Peter Murphy, nació en Northampton, Reino Unido, el 11 de julio de 1957. Cantante. 

El sitio www.solorock-uruguay.com publicó este artículo firmado por Niko Pérez   

Su Majestad El Vampiro: Peter John Joseph Murphy / 26 febrero, 2024 

«En lo lírico, siempre fui más de estar interesado en escribir letras, esas, que suelen ser algo esotéricas…». 

Hace 67 años, Peter John Murphy nacía en la ciudad de Northampton, en el centro de Inglaterra, un 11 de julio de 1957, en el seno de una humilde familia católica de nueve hijos, siendo el menor de ellos. Su fascinación por la música fue gracias a la costumbre de su madre de canturrear diariamente… En su adolescencia las inclinaciones artísticas se hacían más tangibles lidiando con su personalidad un tanto antisocial y tímida. Su espíritu solitario marcó su personalidad, rechazando la oportunidad de ir a la escuela de arte y, en su lugar, trabajar como ayudante de impresor, mientras perseguía sus intereses en la pintura, la escritura y el canto en su tiempo libre. 

En 1979, un viejo amigo de la escuela y colega pintor, Daniel Ash, contactó con Murphy para que se uniera a una banda que estaba formando con los hermanos David J. Haskins y Kevin Haskins. Con Ash en la guitarra, David J. en el bajo y Kevin Haskins en la batería, y así con su profunda y enigmática voz, Peter Murphy se convirtió en el icónico vocalista de Bauhaus. 

«En aquel entonces la energía creativa provenía de un desencanto social, todo ese enojo se traducía en la música, ya no había forma de estar más enojados con la situación social. También la proliferación de sellos independientes, que se alejaban de lo que la industria musical proponía. Asimismo, era algo contracultural, y cuando empezamos a viajar con Bauhaus, nos dimos cuenta que las cosas se aceleraban y empezaban a encenderse con la música punk y post-punk, que tenía esa energía liberadora, era una forma de crear una vía de escape de todo. En la música de hoy se siente un corporativismo, una especie de gentrificación que ha atrapado a la industria musical, un modelo aburrido que no genera nada interesante. Otrora, había una especie de riesgo asociado con la música, con Bauhaus no contábamos con nada, así que tomábamos la oportunidad de hacer lo que quisiéramos, hacerlo solos y de alguna manera aislados…». 

El joven y solitario Murphy estaba destinado a desempeñar uno de los roles más trascendentales de la movida contracultural inglesa. Con sus pómulos altos, cuerpo delgado e inclinación teatral, Murphy era casi como una sombría descendencia de Bowie’s Ziggy Stardust e Iggy Pop. Bauhaus combinó elementos de glam rock, punk, dub, art-rock, heavy metal y la crudeza de otras agrupaciones post-punk como Joy Division y Public Image Limited, pero de una forma más brumosa. El primer lanzamiento del grupo, «Bela Lugosi’s dead», fue lanzado en el sello independiente Small Wonder en 1979, y se convirtió instantáneamente en un éxito de baile underground. Con esa primera canción y el oscuro performance de la banda, su inclinación por la ropa negra y su apariencia pálida, Bauhaus inventó casi por su cuenta el subgénero del goth, que inicialmente era casi como un culto. 

The Flat Field, lanzado el mismo año, fue un éxito clandestino y el grupo se lanzó al gran sello independiente Beggars Banquet para su próximo lanzamiento, Mask. Para entonces, la mezcla de la banda de Ash, la guitarra distorsionada sobre la batería doblada con inflexión de Haskins y las sólidas líneas de bajo de David J. combinadas con la cavernosa y huracanada voz de Murphy, los diferenciaban de todo a su alrededor y el grupo siguió abriéndose espacio exponencialmente. 

«Daniel y yo comenzamos a escribir juntos, sólo con la guitarra y las voces. Un montón del trabajo temprano salió solo en dos días. Luego Kevin (Haskins) entró a tocar batería y finalmente llegó el gran (David) J. La agrupación fue muy prolífica, escribíamos muy fácil y… bueno, logramos algo muy especial». «Bowie fue una gran influencia de joven para mí, lo amaba. Constantemente fue un artista seminal. Cuando descubrí su música a los 14 años, él era totalmente independiente de todo. Siempre tuvo esa libertad de explorar, de ser una obra de arte en sí mismo, en constante cambio; fue una poderosa influencia en mí». 

Bauhaus lanzó un álbum en vivo, Press The Eject And Give Me The Tape (1982), y luego su tercer álbum de estudio, The Sky’s Gone Out. Las tensiones en la banda empezaban a aumentar cuando el grupo comenzó a hacer planes para grabar un cuarto álbum. Tanto David J. como Ash se estaban cansando de escribir la mayoría de las canciones, pero Murphy se robó la mayor parte de la atención, y así, cuando Murphy se enfermó gravemente de neumonía al principio de la grabación, los tres restantes continuaron sin él. Cuando Murphy estuvo lo suficientemente bien como para regresar, se sintió herido de que la banda sólo había dejado algunas canciones para que cantara, ya que tanto Ash como J. se hicieron cargo de las tareas vocales por primera vez. 

Después del lanzamiento de Burning From The Inside (1983), el grupo realizó una gira, pero las relaciones interpersonales de la banda estaban rotas, y después de que se completó la gira, se anunció que Bauhaus se separaría. (Ash, J. y Haskins formaron el exitoso trío Love and Rockets unos años más tarde). Para Murphy el final de Bauhaus no significó el final de su carrera, por el contrario, lo dotó de audacia para iniciar una aventura en solitario, la cual a la fecha abarca 10 discos de estudio tan eclécticos y experimentales que musicalmente difieren uno de otro abismalmente. 

Murphy rápidamente forjó una nueva alianza musical con el ex bajista / multi instrumentista de Japan, Mick Karn, y los dos formaron la banda Dali’s Car en 1984 y lanzaron un álbum, Waking Hour, el mismo año antes de separarse poco después. Después, Murphy se tomó un descanso de su carrera musical y estudió danza con la mujer que eventualmente se convertiría en su esposa, Beyhan Foulkes, una coreógrafa profesional. Murphy finalmente regresó y reclutó a un grupo de músicos de estudio, a los que eventualmente apodó The Hundred Men, para grabar su primer álbum en solitario, en 1986, Should The World Fail To Fall Apart. El álbum, una actualización un poco más optimista sobre el sonido que comenzó con Bauhaus, fue un éxito entre los seguidores de Bauhaus. Para el segundo álbum en solitario de Murphy, Love Hysteria de 1988, se unió al compositor Paul Statham, y los dos escribieron canciones que tenían un brillo más pulcro y más comercial, al tiempo que conservaban la mayor parte del encanto oscuro de Murphy. Love Hysteria se lanzó en todo el mundo, y Murphy anotó dos éxitos con los singles «Indigo eyes» y «All night long». Luego vendría el disco Deep, lanzado en 1990. Murphy reinventó su imagen y su sonido. Obtuvo el mayor éxito de su carrera con la canción «Cuts you up», y el sencillo continuó teniendo una de las carreras más largas en los primeros puestos de la lista Billboard Modern Rock Tracks, una racha que luego fue superada sólo por el famoso tema de REM, «Losing my religion». 

Murphy continuó expandiendo su sonido y pasando por cambios en la vida. A principios de la década de 1990, también se convirtió al islam con toda su corriente filosófica sufista y se mudó a Turquía. Murphy mezcló algunas influencias de Oriente Medio con su sonido de rock moderno post-Bowie para su próximo álbum, Holy Smoke de 1992. Si bien el álbum era una sólida colección de canciones, no se vendió muy bien. En 1995 llegaría el disco Cascade, que tenía un sonido más maduro y hermoso que cualquiera de los álbumes anteriores de Murphy, pero fue ampliamente ignorado por el público. Siguiendo a Cascade, Murphy dejó su largo sello Beggars Banquet y también terminó su colaboración con Statham. Murphy firmó con el nuevo sello Red Ant (que también es el hogar de sus antiguos compañeros de la banda Bauhaus en Love and Rockets), y lanzó el Recall EP en 1997, con colaboraciones con miembros de KMFDM en versiones fuertemente electrónicas de algunas de sus canciones más antiguas, con un par de nuevas canciones también incluidas. 

La presencia de Murphy y Love and Rockets en la misma disquera alimentó los rumores de una posible reunión de Bauhaus, y aunque la disquera de Red Ant se retiró poco después de lanzar el EP de Murphy, Bauhaus se reformó en 1998 para una gira apodada «Resurrection Tour». Una de las paradas de la gira, en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, fue grabada y lanzada como el DVD Gotham en 1998. 

«En lo lírico, siempre fui mucho de estar interesado en escribir letras, las que suelen ser algo esotéricas y con mucho significado, poéticas, cosas así. La disolución de Bauhaus fue como desacoplarme, el despegarme de esa primera escuela. Fue el continuar con esa energía y hacer lo que pudiese por mí mismo». 

Murphy regresó a su carrera en solitario en 2000, cuando lanzó su gira «Just For Love», una retrospectiva de su carrera que contó con sólo dos músicos de respaldo, el guitarrista Peter DiStefano, anteriormente en Porno For Pyros, y el violinista eléctrico Hugh Marsh. (Ocasionalmente, los tres también se unieron a David J. en el bajo). Una grabación en vivo de uno de los espectáculos, titulada Alive Just For Love, se lanzó en 2001. 

Murphy sorprendió a muchos de sus fanáticos con su próximo álbum, Dust, que lo emparejó con el músico turco Mercan Dede, y fue fuertemente influenciado por la música tradicional turca. Muchos de los seguidores góticos de Murphy no apreciaron el álbum, pero muchos de los fanáticos más progresistas de Murphy dieron la bienvenida a ese sonido desconocido. En 2004, Murphy firmó con el sello Viastar y lanzó el álbum Unshattered el mismo año. Unshattered fue un regreso al sonido más rock de algunos de sus álbumes de la década de los ’90, y Murphy formó una nueva banda y volvió a la gira en 2005, y nuevamente en 2007. En 2008, Murphy se reunió nuevamente con Daniel Ash, David J. y Kevin Haskins para tocar algunos shows como Bauhaus, y lo más sorprendente: el cuarteto regresó al estudio y grabó un álbum completo de material nuevo, Go Away White (2008). Inicialmente, el grupo había planeado lanzar el álbum y hacer una gira con él, pero las tensiones internas entre los miembros levantaron su temible cabeza de nuevo, y cuando el álbum fue lanzado en marzo de 2008, el grupo se había separado nuevamente. 

Sobrevive a un ataque cardíaco y renace… El eterno vampiro sigue dando conciertos y creando… Con Bauhaus o sin Bauhaus, Murphy sigue siendo el monarca de la subcultura goth de todos los tiempos con su inconfundible voz y aura espectral. Todo él representa esa casta de artistas que ya han alcanzado la inmortalidad en la historia de la música. Murphy es de las voces más sobresalientes y elegantes del postpunk sin dejar de ser feroz. 

Hoy rendimos tributo a su vida en vida, a su obra y a su magistral voz. Más de cuatro décadas envolviéndonos en su sombría magia. Murphy es un hipnotista, un brujo, que logra sumergirnos en un trance. Hoy sigue prodigando misterio como una misión que le ha sido encomendada por el destino. Murphy ha esculpido su propia leyenda, eternizándose. Su vampira y eterna majestad aún nos deleita, y hoy reverenciamos su existir. Salve al vampiro mayor. 

«Me conmueve mucho el lograr ser influencia de tantos músicos alrededor del mundo, haber logrado eso con tantos músicos. Ni siquiera soy consciente de que ellos me conocen. Olvido que soy conocido… muy seguido… Es la verdad… 

Niko Pérez 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cuts You Up.  

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo firmado por Pilar Rahola.

El síntoma Taylor Swift

La polémica desatada por la elección de Adam Sandler como oficiante

de la boda de la estrella del pop y Travis Kelce revela algo más que 

una discusión de redes sociales: la imposición de un pensamiento 

único pro palestino que criminaliza el silencio, estigmatiza la identidad 

judía y normaliza el antisemitismo bajo el disfraz del antisionismo

PorPilar Rahola

09 Jul, 2026 04:00 a. m. AR

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El ala cerrada de los Chiefs de Kansas City, Travis Kelce (87), besa a Taylor Swift después de que los Chiefs de Kansas City derrotaran a los 49ers de San Francisco en el Super Bowl en Las Vegas el 11 de febrero de 2024 (Foto AP/John Locher, archivo)

Ni los famosos invitados, ni sus rutilantes vestuarios, ni la peculiar gastronomía, ni tan solo la grandilocuencia del Madison Square Garden donde se ha oficiado la ceremonia. No, el gran ítem de la boda entre Taylor Swift y Travis Kelce que ha movido un gran ruido público ha sido el oficiante del acto, el actor Adam Sandler. A pesar de ser amigo de la pareja, con cuya compañía ha sido visto en muchas ocasiones, su condición de judío, mutada inmediatamente en “sionista”, se ha convertido en el motivo de ataque y señalamiento, tanto del actor, como de la cantante.

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A partir de aquí, el asedio de los sospechosos habituales ha sido implacable. Los de Land Palestine (cuya cuenta fue suspendida en Instagram) han asegurado que Swift ha dejado clara su posición proisraelí, y la vocera pro palestina Kate Crawford ha postulado que “todos son sionistas, y no hay duda al respecto”. El debate, abierto en canal en las redes, ha sentenciado dos cosas preocupantes: una, que Swift tenía una posición geopolítica respecto al conflicto, a pesar de no haberse posicionado nunca; y dos, que Sandler era la prueba fehaciente de dicho posicionamiento, a pesar de haber mantenido un perfil bajo al respecto. Por el camino, las excavadoras han buscado otras “pruebas de cargo”, como el hecho que la pareja hubiera cenado en el popular Or’esh, el restaurante israelí del Soho, o que en 2023 Sandler había dicho que tenía “el corazón destrozado” después de la masacre del 7-O, y había firmado una carta a Joe Biden para que ayudara al retorno de los rehenes de Hamás. Solo existía esa acción de Sandler, alejado del activismo de otras personalidades de Hollywood, pero ya ha sido suficiente para grabarle la estrella en el brazo. Tampoco no ha servido de nada que Sandler no haya visitado nunca Israel, o que Gigi Hadid, cuya retórica antiisraelí es sobradamente conocida, estuviera entre los invitados.

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En conclusión, nada importa, porque en este momento de masificación del discurso pro palestino, no existe ni el derecho al silencio, ni la ambigüedad racional, ni el gris argumental, ni la posibilidad de tener la posición contraria y defender abiertamente a Israel. Convertida en el gran Satán y despojada de su historia trágica y de todas sus razones, Israel es el apestado del debate público, y a partir de la demonización del estado hebreo, todo el mundo judío queda bajo sospecha. No sirve intentar estar al margen, ser un actor o una cantante que solo quieren actuar o cantar, vivir la creación más allá de la geopolítica, es igual porque los judíos y sus amigos están bajo asedio. Se ha abierto la veda de caza al judío así, en seco, sin la coartada del antisionismo, la plataforma que disfraza hábilmente el antisemitismo de siempre. Ese es el síntoma preocupante que emana de la polémica Swift-Sandler: la imposición, vía amenaza de estigmatización, del pensamiento único pro palestino. Único e integral, porque este pensamiento único normaliza y blanquea, dentro del “Free Palestine” todo lo detestable, desde el terrorismo palestino, hasta el papel de Irán o la masacre del 7-O. ¿Por qué Swift deber estar obligada a tener una posición clara sobre el conflicto más complejo del mundo, cuyas derivadas internacionales son múltiples? ¿Por qué no puede ser su oficiante de boda un amigo judío, sin que ello la convierta en enemiga del pueblo palestino? Y a partir de aquí, el resto de preguntas que levantan la red flag del momento que vivimos: el palestinismo se ha convertido en un dogma impuesto, sin debate, ni réplica, simplificado hasta el paroxismo y sin las múltiples aristas que deberían motivar el debate. Un palestinismo ideológico, alejado de la realidad (y las necesidades) del pueblo al que dice defender, no en vano blanquear al terrorismo solo sirve para hipotecar eternamente el futuro del pueblo palestino.

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Si este fenómeno de imposición del dogma es especialmente vistoso en la polémica Swift-Sandler, dada la relevancia de sus protagonistas, es igualmente visible en los múltiples actos antisemitas que se están produciendo en el mundo. Solo en los últimos días en España, los ejemplos van en cadena: expulsión de dos mujeres de una sauna LGTB de Barcelona por llevar un colgante con una estrella de David; persecución en masa de un grupo de judíos jasídicos franceses que salían de una sinagoga de Barcelona con sus kipás después del oficio; suspensión de la presentación en la Feria del libro de Santander de un libro de Haikus japoneses del escritor judío-argentino Marcos Ricardo Barnatán, después del violento asedio de centenares de pro palestinos; y, finalmente, la vergonzosa pancarta “Destroy Israel” en el chupinazo de los Sanfermines en San Sebastián, emitido en directo por Televisión Española, sin ningún comentario crítico, ni reproche. ¿Qué une a todos estos actos de boicot, sino es la judefobia? Expulsar a unas mujeres por llevar un mero símbolo judío…, perseguir a un grupo de judíos jasídicos por sus vestimentas…, boicotear a un poeta que considera que la cultura une a los pueblos…, y al final, pedir la destrucción de todo un país, es decir, hacer apología del genocidio de nueve millones de personas, y todo ello, hacerlo en nombre de la solidaridad, la paz, los pueblos y etcétera…

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¿Cuántas más alarmas necesitamos para entender que lo que está ocurriendo es muy grave? ¿Cuántas para entender que la caza al judío se está normalizando a pasos de gigante? ¿Cuántas para considerar que este fenómeno de imposición del pensamiento único destruye los fundamentos de la sociedad democrática? El síntoma Taylor Swift nos apela directamente, porque representa la degradación de los valores occidentales que han dado forma a la sociedad de la libertad. Sustituidas las ideas por los dogmas, y los debates por las pancartas, no queda nada: el pensamiento muere cuando vence el miedo.

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Web: https://pilarrahola.com

Instagram: pilar_rahola/

Greg Kihn

Gregory Stanley Kihn, más conocido como Greg Kihn, nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 10 de julio de 1949, y murió en San Francisco, California, Estados Unidos, el 13 de agosto de 2024. Cantante, guitarrista, compositor y novelista. 

El sitio www.magicpopblog.wordpress.com publicó este recordatorio. 

Gregory Stanley Kihn nació en Baltimore el 10 de julio de 1949 y nos dejaba el 13 de agosto de 2024. Cantante, guitarrista, compositor, novelista de terror y presentador de radio, fundó The Greg Kihn Band, grupo exitoso de los ochenta de powerpop. 

Influenciado por los Beatles, Kihn comenzó su carrera en su ciudad natal. Comenzó a escribir canciones y a tocar en cafeterías mientras todavía estaba en la escuela secundaria en el área de Baltimore. Cuando tenía 17 años, su madre presentó una cinta suya con una de sus canciones originales al concurso de talentos de la radio local Top 40 WCAO, en la que se llevó el primer premio y ganó tres cosas que cambiarían su vida: una máquina de escribir, una pila de discos y una guitarra eléctrica Vox. 

Se mudó a San Francisco en 1974 y trabajó pintando casas, cantando en las calles y en el mostrador de la tienda de discos Rather Ripped Records de Berkeley con su futuro compañero de banda y guitarrista de Earth Quake, Gary Phillips. Al año siguiente, se convirtió en uno de los primeros artistas contratados por Beserkley Records de Matthew King Kaufman. Con Jonathan Richman, Earth Quake y The Rubinoos, Kihn ayudó a forjar el sonido del sello (pop melódico con influencia de los años 60). En 1976, después de su debut en el recopilatorio Beserkley Chartbusters, grabó su primer álbum con su propio proyecto, The Greg Kihn Band, con Robbie Dunbar (guitarra), Steve Wright (bajo) y Larry Lynch (batería). Dunbar, que ya era miembro de Earth Quake, fue reemplazado por Dave Carpender para grabar su segundo álbum, “Greg Kihn Again”. Mientras tanto, su amigo Gary Phillips, que había contribuido con guitarras al primer álbum de Kihn, volvió como músico de sesión en el álbum “Glass House Rock” (1980) y se unió oficialmente a la banda como teclista para el siguiente trabajo, “Rockihnroll” (1981). La formación de Kihn, Wright, Lynch, Phillips y Carpender duró hasta 1983, cuando Greg Douglass reemplazó a Dave Carpender. 

En los setenta Kihn lanzó un álbum cada año y se ganó un gran número de seguidores gracias a sus constantes giras, convirtiéndose en el artista más vendido de Beserkley. En 1981, consiguió su primer éxito en la lista Billboard Hot 100 con el sencillo «The Breakup Song (They Don’t Write ‘Em)», del álbum “Rockihnroll”. Siguió en una línea más comercial durante la década de los ochenta con una serie de álbumes como “Kihntinued” (1982), “Kihnspiracy” (1983), “Kihntageous” (1984) y “Citizen Kihn” (1985). 

Kihn consiguió su mayor éxito con «Jeopardy» (1983), que alcanzó el número 2 en la lista Billboard Hot 100, del álbum “Kihnspiracy”. Ese año, el innovador vídeo de «Jeopardy» se convirtió en un favorito de MTV. «Jeopardy» fue parodiado por «Weird Al» Yankovic como «I Lost on Jeopardy». Kihn autorizó a Yankovic a hacer la parodia con la condición de que pudiera participar. 

Durante la mayor parte de la década de los ochenta, Kihn realizó giras constantemente. En 1985, rompió con Beserkley Records y firmó con EMI. Matthew Kaufman continuó produciendo los álbumes de Kihn. Salieron discos como «Lucky» (1985). En 1986, Joe Satriani reemplazó a Greg Douglass a la guitarra principal, Tyler Eng reemplazó a Larry Lynch en la batería y Gary Phillips se fue, entrando Pat Mosca a los teclados. Esa es la formación que grabó el álbum “Love and Rock & Roll” (1986). 

Desde 1996 hasta 2012, Kihn fue disc jockey en KUFX, una estación de radio de rock clásico del Área de la Bahía. También comenzó una carrera literaria en 1996 con el lanzamiento de su primera novela, “Horror Show”, publicada por Tor/Forge Books. Le siguieron “Shade of Pale! (1997), “Big Rock Beat” (1998) y “Mojo Hand” (1999). Publicó muchos cuentos durante este período, algunos de los cuales aparecen en la serie Hot Blood de ficción de terror erótico. Kihn fue además editor de Carved in Rock, una recopilación de cuentos de músicos como Pete Townshend, Joan Jett, Ray Davies y Kinky Friedman. La Greg Kihn Band siguió tocando con una formación que incluiría al hijo de Kihn, Ry Kihn, en la guitarra principal, Dave Danza (de Eddie Money) en la batería, Dave Medd (de The Tubes) en los teclados y Robert Berry (de Hush) en el bajo.  Kihn fue incluido en el Salón de la Fama de San Jose Rocks en 2007. El último álbum de Kihn, “ReKihndled”, fue lanzado en 2017. Continuó actuando en vivo hasta diciembre de 2019. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Jeopardy.  

Gwen Guthrie

Gwendolyn Guthrie, más conocida como Gwen Guthrie, nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 9 de julio de 1950, y murió en Orange, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1999. Cantante, compositora y pianista.   

El sitio www.vinylmeplease.com publicó este recordatorio. 

Gwen Guthrie Biografía 

¿Quién es Gwen Guthrie? Una Breve Reseña de su Carrera 

Gwen Guthrie, una fuerza icónica en el mundo de la música, es conocida como una fenomenal cantante, compositora y pianista. Apareciendo en la escena en la década de 1980, su toque innovador se siente en géneros como el R&B y el disco, fusionándolos sin esfuerzo en himnos infecciosos para la pista de baile. Con su sencillo "Ain't Nothin' Goin' on But the Rent" alcanzando el número uno, se convirtió en una pionera para las mujeres en la música, reconocida por sus letras audaces y sus actuaciones dinámicas. 

La profunda influencia de Gwen en la industria musical se complementa con su impresionante talento para la composición--escribió numerosos éxitos para leyendas como Ben E. King y Sister Sledge, cada canción resonando con su estilo único y su sentido rítmico. Su participación en la cultura del vinilo es notable, ya que muchas de sus mejores obras son codiciadas como lanzamientos en vinilo entre coleccionistas. Con un legado que inspira a nuevas generaciones de músicos y ávidos entusiastas del vinilo por igual, las contribuciones de Gwen Guthrie al panorama musical son tanto duraderas como impactantes. 

La Primera Vida y Orígenes de Gwen Guthrie 

Nacida el 9 de julio de 1950 en Newark, Nueva Jersey, el viaje musical de Gwen Guthrie comenzó a una edad temprana. Creciendo en un hogar donde la música florecía, su padre le presentó el piano, y a la edad de ocho años, su pasión por la música se encendió. Gwen perfeccionó su arte durante sus años escolares, donde cantó en varios grupos vocales, incluyendo los conocidos Ebonettes. Su profunda conexión con sus raíces culturales y el rico entorno musical de Newark moldearon su perspectiva y alimentaron sus ambiciones creativas. 

A medida que avanzaba en su adolescencia, el compromiso de Gwen con la música floreció. Al actuar en eventos locales, descubrió su amor por conectar con el público. Esta exposición temprana, junto con sus diversas influencias, allanó el camino para su eventual pasión por los discos de vinilo, fomentando una apreciación de por vida por la experiencia tangible de la música capturada en cera. 

Las Influencias Musicales Que Moldearon el Sonido de Gwen Guthrie 

El arte de Gwen Guthrie estuvo profundamente influenciado por una mezcla de íconos musicales cuyos sonidos y profundidad lírica resonaban con ella. Este grupo incluía a figuras como Aretha Franklin, cuyas potentes voces inspiraron a Guthrie, así como el arte de Stevie Wonder. Elementos de funk y disco permeaban su música, evidenciada en sus ritmos animados y melodías vivaces. 

Durante sus años formativos, Gwen coleccionó ávidamente discos de vinilo, lo que le permitió absorber los matices de la composición y producción de los álbumes que admiraba. Esta conexión con la cultura del vinilo jugó un papel crucial en el desarrollo de su propio sonido distintivo, mientras buscaba recrear los ritmos infecciosos y expresiones sentidas que experimentaba a través de esos discos atesorados. 

Cómo Gwen Guthrie Entró en la Industria Musical 

El viaje de Gwen a la industria musical fue un vibrante tapiz de pasión y perseverancia. Todo comenzó como un pasatiempo de cantar originales y actuar con bandas locales mientras trabajaba como maestra de escuela primaria. Esta vida dual le permitió perfeccionar sus habilidades hasta que surgió un momento pivotal cuando fue reclutada para una sesión de fondo con Aretha Franklin en 1974. Esta oportunidad la propulsó a la fama y abrió puertas para su carrera como compositora. 

Después de firmar con Bert de Coteaux Productions, se unió a Patrick Grant para crear una serie de éxitos, incluyendo colaboraciones con Sister Sledge que mostraban su talento innato para escribir letras cautivadoras. El primer álbum en solitario de Guthrie, "Gwen Guthrie," lanzado en 1982, transformó suavemente algunas de sus primeras sonoridades underground en música más comercialmente viable, ayudada por lanzamientos en vinilo que expandieron su alcance. Cada paso trajo sus desafíos, pero la determinación y el espíritu innovador de Gwen emergieron victoriosos, preparando el escenario para su futuro éxito. 

El Gran Salto de Gwen Guthrie y su Ascenso a la Fama 

El punto culminante de la carrera de Gwen Guthrie llegó con su electrizante himno "Ain't Nothin' Goin' on But the Rent," que alcanzó la cima de las listas en 1986. Este éxito autoproductor resonó entre el público, notablemente en formato de vinilo, convirtiéndose en un elemento básico en los locales de disco. Elogiada por su melodía pegajosa y letras audaces que reflejan cuestiones sociales contemporáneas, no solo fue un éxito comercial, sino que también consolidó su lugar en la historia de la música. 

Reconocida consistentemente por su arte, recibió premios y nominaciones que reflejaron una mayor apreciación por sus contribuciones a la industria. El éxito de "Good To Go Lover," que incluía este éxito, llevó a Gwen a actuar en prestigiosos locales y festivales, ampliando aún más su visibilidad e impacto en el ámbito musical. Esta vorágine de música y aclamaciones transformó su carrera, consolidando su legado como una artista pionera en los anales de la historia de la música. 

Cómo la Vida Personal Moldeó la Música de Gwen Guthrie 

La música de Gwen Guthrie fue profundamente influenciada por sus experiencias personales, incluyendo relaciones significativas y el paisaje sociopolítico de su tiempo. Sus letras a menudo reflejaban luchas enfrentadas por las mujeres y cuestiones dentro de la sociedad, originadas de su propio viaje. Las relaciones con figuras clave, tanto personales como profesionales, infundieron profundos matices emocionales en su obra, creando temas resonantes en sus canciones. 

Además, Gwen era conocida por su dedicación a la filantropía y el activismo, particularmente en la defensa de aquellos afectados por el SIDA. Produjo música como "Can't Love You Tonight," que enfrentó el estigma que rodea la enfermedad, contribuyendo con fondos de sus ventas a causas relevantes. Los desafíos que enfrentó, incluyendo su batalla contra el cáncer, fueron fundamentales en la formación de sus expresiones artísticas--su honestidad y vulnerabilidad le dieron a su música un toque auténtico que resuena con los fanáticos incluso hoy en día. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con They Long To Be Close To You. 

Padre Ireneo Typaldos. Justo entre las Naciones.

Padre Ireneo Typaldos. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Padre Ireneo Typaldos 

Grecia 

En Atenas, el padre Ireneo Typaldos, que había nacido en Patra (Grecia) ayudó a salvar judíos. Como estaba empleado en la Iglesia Católica central en la capital, además de servir como secretario en la Embajada de España en Atenas, tuvo la oportunidad de ayudar a los judíos perseguidos mediante la provisión de documentos de identidad españolas. También tuvo el coraje de aprovechar su inmunidad diplomática. Sus esfuerzos interminables se hicieron con discreción. Incluso salió de la capital y fue a Salónica el 30 de julio de 1943, para convencer a las autoridades de ocupación alemanas de que estaba en medio de negociaciones para transferir a los ciudadanos españoles de Salónica a Atenas, por lo que su deportación debería ser detenida. Aunque actuó con gran riesgo personal, fracasó en su misión. 

Cuando estuvo en Salónica, consiguió visitar a Solomon Ezratty, el Cónsul Adjunto español. Por parte del cónsul recibió la custodia de parte del dinero efectivo y los objetos de valor pertenecientes a los ciudadanos españoles a quienes les habían sido confiscados antes de su deportación. Typaldos arregló las propiedades que le fueron confiadas en paquetes personales con los nombres de los propietarios y una lista del contenido. Puso todo bajo custodia de la Embajada de España en Atenas, para que pudiera ser devuelto intacto después de la guerra a sus propietarios. Las acciones de Typaldos en nombre de los judíos que eran ciudadanos españoles no pasaron desapercibidas, y despertaron el odio de la Gestapo. En 1944, lo llamaron a interrogatorio y lo mantuvieron en prisión durante varias semanas. 

A pesar de toda la presión, Typaldos nunca reveló nada, y finalmente fue liberado debido a la intervención de la Embajada de España. Cuando Typaldos, como representante del cónsul español en Atenas, exigió unirse al convoy de 367 judíos con pasaportes españoles deportados a Bergen-Belsen, los alemanes no le permitieron hacerlo. Cuando las autoridades de la Iglesia en Grecia llamaron a la población local a abrir sus hogares y refugiar a los judíos, Typaldos también se unió a esta labor. De manera discreta, encontró escondites para ellos. Estaba especialmente preocupado por cuidar a los niños. En calidad de Director Administrativo del Orfanato Católico Griego en Atenas, pudo tener a los niños judíos bajo su protección, ofreciéndoles alojamiento y comida. Emmanuel y Rachel Saltiel testificaron sobre las nobles actividades de Typaldos. Según ellos, el padre Irineos de Atenas salvó a sus dos hijos, Salomón (Nikos), de 14 años, y Sergios (Theodorus), de cinco. Typaldos dio refugio a los pequeños Saltiel, así como a la familia Ben-Sasson en su casa de Atenas. Cuando los alemanes realizaron búsquedas frecuentes en la casa, Typaldos buscó lugares más seguros para sus pupilos, siguió visitándolos y cuidando de ellos. 

El 8 de julio de 1969, Yad Vashem reconoció al Padre Ireneo Typaldos como Justo de las Naciones. 

Johnnie Johnson

Johnnie Clyde Johnson nació en Fairmont, Virginia Oeste, Estados Unidos, el 8 de julio de 1924, y murió en San Luis, Misuri, Estados Unidos, el 13 de abril de 2005. Pianista, compositor y cantante. 

El sitio www.johnniejohnson.net publicó este recordatorio firmado por Gene Ackmann.  

Recordando a Johnnie Johnson 

Escrito por Gene Ackmann 

Johnnie Johnson falleció el 13 de abril de 2005, a los 80 años. Muchos lo consideraban uno de los mejores pianistas de blues y boogie-woogie del mundo. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2001.  

Johnnie tocó y grabó con grandes figuras de la música como Chuck Berry, Eric Clapton, The Rolling Stones, Bonnie Raitt, The Grateful Dead, Bruce Hornsby, Robert Cray, The Kentucky Headhunters, Aerosmith, John Sebastian, Johnny Rivers, Styx y muchos más. Juntos, Johnnie y Chuck Berry compusieron y grabaron grandes clásicos como "Maybelline", "School Day", "Roll Over Beethoven", "Sweet Little 16", "Rock & Roll Music" y, por supuesto, "Johnnie B. Goode". Escucha todas esas canciones y oirás el inconfundible ritmo de Johnnie y sus potentes tresillos con la mano derecha. Johnnie y Chuck Berry ayudaron a inventar el rock and roll y a definir cómo se tocaría durante generaciones.  

Johnnie fue un gran amigo mío y de mi banda, Butch Wax & The Hollywoods. Era un caballero humilde y sencillo que amaba a su familia, a sus equipos deportivos de St. Louis y le encantaba tocar música. Fue uno de los grandes del blues y uno de los padres fundadores del rock and roll. Siempre era un placer para todos nosotros en Butch Wax tener a Johnnie tocando con nosotros.  

Johnnie nos dio una última sorpresa cuando apareció el 8 de abril de 2005 para tocar con nosotros en el partido inaugural de los Cardenales de San Luis. Era el quinto año consecutivo que Johnnie tocaba con nosotros en el partido inaugural. Era un día precioso en San Luis y miles de aficionados vestidos de rojo cardenal estaban allí, llenos de energía. Estábamos tocando nuestra segunda o tercera canción, miré a la derecha del escenario y allí estaba Johnnie sonriéndome y meciéndose al ritmo de la música, haciéndome saber que estaba allí, como tantas veces antes.  

¡Jamás olvidaré ese día! Les indiqué a los chicos que siguieran tocando, bajé corriendo del escenario y le di a Johnnie un abrazo largo y fuerte. Le dije lo mucho que me alegraba verlo y cuánto lo quería. Le pregunté si quería unirse a nosotros y me dijo: "¡Claro que sí!". Lo presentamos, como siempre, con la canción "If You Want a Good Woman" de uno de sus primeros discos. Yo siempre les hablaba a los fans de él con mucho entusiasmo y terminaba mi presentación diciendo: "¡Reciban con un fuerte aplauso al miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll, Johnnie Johnson!". Entonces Bob comenzaba la introducción con la guitarra, nota por nota, ¡igual que en el disco!  

Johnnie subía al escenario sonriendo y se colocaba detrás de mi piano mientras yo me hacía a un lado, y la banda se acoplaba al inconfundible ritmo de Johnnie. Ese día, en The Opener, tocó cinco o seis canciones y luego se sentó a un lado del escenario. Un poco más tarde, me hizo una seña para que volviera a subir y tocar un poco más. Terminamos el concierto con Johnnie interpretando "Stagger Lee" y "Kansas City", dos de sus favoritas. Fue la última aparición pública de Johnnie tocando música. Tan solo cinco días después, recibí una llamada telefónica informándome de que Johnnie Johnson había fallecido.  

Johnnie tocó con Butch Wax & The Hollywoods en todas nuestras canciones deportivas, incluyendo “Gotta Go to Work”, “Pennant Fever” y “Let's Go Blues”. También participó en 10 canciones de varios CD de Butch Wax que lanzamos. A lo largo de los años, Johnnie se unió a Butch Wax & The Hollywoods en el escenario 101 veces, ¡además de varias sesiones de grabación que hicimos juntos! Fue emocionante tocar música con él y simplemente estar cerca de Johnnie. Disfrutaba mucho tocando con nosotros en los partidos de los Rams y los Cardinals, y asistió a la mayoría de ellos en los últimos 4 o 5 años de su vida. 

En 2003, todos trabajamos con Johnnie y Johnny Rivers, Bonnie Raitt, Bruce Hornsby y John Sebastian en un CD de Johnnie Johnson con 12 canciones. Pat St. John, miembro del Salón de la Fama de la Radio, visitó St. Louis y entrevistó a Johnnie en el estudio. Esta entrevista, una de las últimas que Johnnie concedió, se incluyó en el CD que lo acompaña. El CD, titulado "I'm Just Johnnie", también contiene algunas de las últimas grabaciones de Johnnie. Johnnie tenía 80 años cuando grabamos estas canciones, e incluso a esa edad, tocaba el piano de forma maravillosa en estas grabaciones.  

Otra de las pasiones de Johnnie era la pesca, y le encantaba venir a mi casa en el campo para que pescáramos juntos en mi lago. Esos momentos siempre fueron especiales y los atesoro. Yo iba a St. Louis a recogerlo temprano por la mañana y volvíamos a casa en coche. De camino al campo, teníamos nuestra pequeña rutina. Pasábamos por la tienda de cebos de Kelly en St. Charles para comprar gusanos y provisiones, y luego, durante el trayecto, parábamos en la gasolinera 76 Truck Stop en Foristell. Nos abastecíamos de comida y provisiones para llevar y luego seguíamos hacia el oeste hasta llegar a casa.  

Cuando llegábamos a mi casa y divisaba el lago, Johnnie me decía: «Este es nuestro pedacito de cielo». Pescábamos todo el día y luego lo llevaba de vuelta a casa. Era como pasar un día con mi abuelo, y nos divertíamos muchísimo. A veces, simplemente nos sentábamos a escuchar a los pájaros y a disfrutar de los sonidos de la naturaleza mientras pescábamos juntos. Otras veces, Johnnie me contaba historias maravillosas sobre su vida y recuerdos de sus inicios en la música.  

Le gustaba llamar a su esposa Frances desde su celular cuando estábamos pescando y decirle: «¡Calienta la sartén y la grasa, tenemos un montón de peces!». Claro que hubo algunas veces en que no pescamos nada. Frances nunca nos dejó olvidar esos momentos. Un día cálido, mientras estábamos en el lago, con los pájaros cantando y los peces picando, Johnnie me dijo: «Esto es casi tan bueno como tocar blues en sol». ¡Qué gran frase! ¡Todos saben que Johnnie era un maestro del blues y no hay nadie mejor!  

Escucha a Johnnie en “Almost Grown” y “Wee Wee Hours” de la película ¡Hail! ¡Hail! Rock & Roll. Ambas canciones están en Sol y Johnnie simplemente se luce en ellas. Eric Clapton le da ese solo en “Wee Wee Hours” y se aparta sonriendo con deleite mientras Johnnie añade sus característicos toques de piano y el público estalla en aplausos. ¡Ese fue Johnnie en su mejor momento!  

Johnnie disfrutaba tanto de esos viajes de pesca a mi casa que incluso habló de ello cuando le rindieron homenaje en el Salón de la Fama del Rock & Roll en Cleveland en el año 2000. Estaban filmando su concierto allí y un moderador le hacía preguntas entre canción y canción. Johnnie continuó hablando de cuando tocaba con Butch Wax & The Hollywoods en St. Louis y de nuestros viajes de pesca a mi casa de campo. Yo estaba entre el público y fue muy emotivo oírle decir esas cosas.  

Compartimos historias y momentos inolvidables durante esas salidas de pesca, y también pescamos algunos peces magníficos. Johnnie era un gran pescador, y yo solía llamarlo un "maestro del lanzamiento". Tenía una técnica peculiar al lanzar la caña. Daba vueltas a la lombriz y al plomo un par de veces (casi como un vaquero con un lazo) y luego, con un movimiento sutil, la lanzaba al agua y la atrapaba con precisión, ¡justo donde apuntaba! Solía decirle que debería grabar un video tutorial. ¡Qué buenos recuerdos!  

Johnnie Johnson fue una persona especial, sin duda única, y todos nos sentimos afortunados de haberlo conocido. Dejó huella en muchas vidas, y su música y su espíritu perdurarán en todos nosotros. 

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"Solo soy Johnnie" 

Escrito por Johnnie Johnson y Gene Ackmann (2003) 

  

A mi bebé no le gusta que llegue tarde a casa. 

Ella me dice que estoy en problemas y no duda 

Ella me hace pasear al perro, cortar el césped y cocinar también. 

¿Qué va a hacer un tipo solo porque llego un poco tarde? 

Estoy haciendo lo que me gusta, estoy haciendo lo que debo, 

¡Solo soy Johnnie y estoy tratando de ser bueno! 

  

Todos los días al mediodía, ya estábamos en el barco. 

Las máquinas tragamonedas están cantando, esa es mi clase de música. 

Tengo todo tipo de monedas de veinticinco centavos, la buena suerte está de mi lado, 

Acabo de conseguir 3 diamantes dobles y ni siquiera lo intenté. 

Estoy haciendo lo que me gusta, estoy haciendo lo que debo, 

¡Solo soy Johnnie y estoy tratando de ser bueno! 

  

Pesca los viernes, música blues todas las noches. 

Vean un partido de los Cardinals el sábado y esperen que lo hagan bien. 

Ve a la iglesia temprano el domingo, y luego a un partido de los Rams al mediodía. 

Pon algo de mi música y me relajaré a las 2. 

Estoy haciendo lo que me gusta, estoy haciendo lo que debo, 

¡Solo soy Johnnie y estoy tratando de ser bueno! 

 

Estoy haciendo lo que me gusta, estoy haciendo lo que debo, 

¡Solo soy Johnnie y estoy tratando de ser bueno! 

 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Johnnie's boogie.