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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Ellas Otha Bates, posteriormente Ellas McDaniel, más conocido como Bo Diddley, nació en McComb, Misisipi, Estados Unidos, el 30 de diciembre de 1928, y murió en Archer, Florida, Estados Unidos, el 2 de junio de 2008. Cantante, guitarrista y compositor.
EL HOMBRE QUE CREÓ UN GÉNERO, CON LA MÚSICA QUE INSPIRÓ GENERACIONES
Bo Diddley, "El Originador" (30 de diciembre de 1928 - 2 de junio de 2008), nacido como Ellas Otha Bates, fue un cantante, guitarrista y compositor estadounidense de rock & roll, original e influyente. Se le conocía como "El Originador" por su papel clave en la transición del blues al rock & roll, influenciando a numerosos artistas legendarios, como Buddy Holly, Jimi Hendrix, Eric Clapton y The Rolling Stones, entre otros. Introdujo ritmos más insistentes y contundentes, y un sonido de guitarra más contundente en un amplio catálogo de canciones. Diddley fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y recibió el Premio a la Trayectoria de la Fundación Rhythm and Blues, así como un Premio Grammy de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación. También fue un influyente guitarrista que inventó numerosos efectos especiales y otras innovaciones en tono y ataque. El instrumento característico de Diddley era la guitarra Gretsch de caja rectangular, apodada "The Twang Machine", una guitarra que él mismo diseñó alrededor de 1958 y que utilizó en miles de conciertos a lo largo de los años. Posteriormente, encargó a otros fabricantes la fabricación de otras guitarras de formas similares. También tocaba el violín, que aparece en su melancólico instrumental "The Clock Strikes Twelve", un blues de 12 compases. Diddley empezó a tocar la guitarra tras escuchar al bluesman John Lee Hooker en Chicago. En 1951, se hizo un hueco en el 708 Club del South Side de Chicago, con un repertorio influenciado por John Lee Hooker, Muddy Waters y el líder de la banda Louis Jordan. A finales de 1954, se asoció con el armonicista Billy Boy Arnold, el baterista Clifton James y el bajista Roosevelt Jackson para grabar demos de "I'm A Man" y "Bo Diddley" con un conjunto de acompañamiento compuesto por Otis Spann (piano), Lester Davenport (armónica), Frank Kirkland (batería) y Jerome Green (maracas). Luego regrabaron las canciones en Chess Studios. El disco se lanzó en marzo de 1955, y la cara A, "Bo Diddley", se convirtió en un éxito número uno de R&B. Tras el éxito, The Ed Sullivan Show contrató a Diddley para tocar en vivo. Sullivan le pidió que cantara el éxito country de Tennessee Ernie Ford, "Sixteen Tons"; en cambio, la joven estrella desató la vorágine guitarrística que lo presentó al mundo, y cuyo título llevaba su nombre: "Bo Diddley". Inventó su nombre, su guitarra y un ritmo que cambió la música para siempre. - Rolling Stone. Durante las décadas de 1950 y 1960, Diddley se convirtió en una figura musical con álbumes como "Bo Diddley Is a Gunslinger" y "Have Guitar, Will Travel". Bo Diddley es más conocido por el "Bo Diddley beat", un ritmo vibrante, similar a la rumba. Aunque evoca sensaciones de África y el Caribe, se dice que Diddley lo inventó mientras intentaba tocar "(I've Got Spurs That) Jingle, Jangle, Jingle" de Gene Autry. El ritmo de Bo Diddley fue utilizado por muchos otros artistas en las décadas de 1950 y 1960. Notablemente Buddy Holly ("Not Fade Away"); Johnny Otis ("Willie and the Hand Jive"); Elvis Presley ("His Latest Flame"); Wayne Fontana & The Mindbenders ("The Game of Love"); Jefferson Airplane ("She Has Funny Cars"); George Michael ("Faith"); y otros. El sonido inicial de The Rolling Stones presentó varios usos del ritmo de Bo-Diddley en canciones como "Not Fade Away" y "I Need You Baby (Mona)". La propia versión de Buddy Holly de "Bo Diddley" le proporcionó un éxito póstumo entre los diez primeros en el Reino Unido en 1963. Diddley tuvo varios éxitos adicionales a finales de la década de 1950 y la década de 1960, incluyendo "Pretty Thing" (1956), "Say Man" (1959) y "You Can't Judge a Book By the Cover" (1962). Lanzó una serie de álbumes cuyos títulos, incluyendo Bo Diddley Is a Gunslinger y Have Guitar, Will Travel, reforzaron su leyenda auto inventada. Entre 1958 y 1963, Checker Records lanzó 11 álbumes completos de Bo Diddley. Diddley fue un artista crossover innovador con audiencias blancas, apareciendo en los conciertos de Alan Freed y populares programas de televisión. Sin embargo, rara vez adaptó sus composiciones o actuaciones a las preocupaciones de los adolescentes. Sus espectáculos en vivo, a diferencia de los de Chuck Berry, por ejemplo, estaban orientados a clubes nocturnos negros para adultos hasta su carrera posterior de tocar en espectáculos de música antigua. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En sus últimos años, Diddley continuó actuando, dirigiendo una gira mundial en 2005 para celebrar 50 años en la música. En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en la música con exitosas giras por Australia y Europa, y con espectáculos de costa a costa en América del Norte. Interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson en la vigésima ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum debut de 1958 "Bo Diddley" en su lista de los "100 momentos de música, cine y televisión que han cambiado el mundo".Entre 1958 y 1963, Checker Records lanzó 11 álbumes de larga duración de Bo Diddley. Diddley fue un artista innovador que se expandió entre el público blanco, apareciendo en los conciertos de Alan Freed y populares programas de televisión. Sin embargo, rara vez adaptó sus composiciones o actuaciones a las inquietudes de los adolescentes. Sus espectáculos en vivo, a diferencia de los de Chuck Berry, por ejemplo, estaban orientados a clubes nocturnos para adultos negros hasta su carrera posterior de tocar en espectáculos de música clásica. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En sus últimos años, Diddley continuó actuando, dirigiendo una gira mundial en 2005 para celebrar sus 50 años en la música. En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en la música con exitosas giras por Australia y Europa, y con espectáculos de costa a costa por toda Norteamérica. Interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson en la vigésima ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum debut de 1958 "Bo Diddley" en su lista de los "100 momentos de música, cine y televisión que han cambiado el mundo". Entre 1958 y 1963, Checker Records lanzó 11 álbumes de larga duración de Bo Diddley. Diddley fue un artista innovador que se expandió entre el público blanco, apareciendo en los conciertos de Alan Freed y populares programas de televisión. Sin embargo, rara vez adaptó sus composiciones o actuaciones a las inquietudes de los adolescentes. Sus espectáculos en vivo, a diferencia de los de Chuck Berry, por ejemplo, estaban orientados a clubes nocturnos para adultos negros hasta su carrera posterior de tocar en espectáculos de música clásica. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En sus últimos años, Diddley continuó actuando, dirigiendo una gira mundial en 2005 para celebrar sus 50 años en la música. En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en la música con exitosas giras por Australia y Europa, y con espectáculos de costa a costa por toda Norteamérica. Interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson en la vigésima ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum debut de 1958 "Bo Diddley" en su lista de los "100 momentos de música, cine y televisión que han cambiado el mundo".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus más grandes éxitos: Bo Diddley.
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta la Historia real del Valle de las Batuecas, Salamanca, el valle más aislado de España donde el tiempo se detuvo.
En 2022 lingüistas de Universidad de Salamanca llegaron a grabar dialectos arcaicos y descubrieron lo imposible: ancianos católicos cantando nanas en ladino sefardí puro del siglo XV sin saber qué idioma era. Palabras como "shabat", "adafina", "baruj atá adonai" mezcladas con castellano durante 500 años.
En 2024 test masivo de ADN confirmó: 51% de habitantes tienen componente sefardí 30%+, promedio del valle 33% judío ibérico. Martín Sánchez, maestro de 62 años, descubre que es 46,3% sefardí.
Su abuela cantaba canciones que resultan ser las mismas que madres judías cantaban en Sefarad antes de 1492.
Archivos de Inquisición revelan: su antepasado Juan Martín fue torturado en 1598 por "prácticas judaizantes", condenado a sambenito público 2 años. Familias conversas huyeron al valle, preservaron idioma y costumbres en secreto durante 20 generaciones sin saber ya qué significaban. Genocidio cultural que fracasó: la sangre y las palabras sobrevivieron.
A continuación, el video: Batuecas: Valle Olvidado. Hablaba Hebreo Sin Saberlo: ADN 2024 Reveló 46% Son Judíos. 500 Años.
Raymond Thomas, más conocido como Ray Thomas, nació en Worcestershire, Reino Unido, el 29 de diciembre de 1941, y murió en Surrey, Reino Unido, el 4 de enero de 2018. Cantante, compositor y multiinstrumentista, tocaba flauta, saxo, armónica y oboe.
Un recuerdo para Ray Thomas hoy que cumpliría 80 años. El flautista, cantante y compositor de The Moody Blues nos dejó el 4 de enero del 2018 a los 76 años.
Ray Thomas fue una parte crucial de la historia de Moody Blues. Su impacto como músico y compositor ayudó a establecerlos como una de las bandas progresivas más dinámicas y pioneras en tres décadas, desde la década de 1960, con el sensacional «Days of Futured Past» hasta los años 70 y hasta los 80. Y más allá. Sus temas con la flauta travesera eran esenciales.
Una vez dijo de su papel: «Nunca pensé en mí mismo como alguien muy talentoso. Sin embargo, me alegré de haber jugado un papel en sacar el talento de quienes me rodean».
El magnífico Ray Thomas nació el 29 de diciembre de 1941 en Stourport On Severn, Thomas comenzó una banda llamada The Riot And The Rebels, en Birmingham a principios de los años 60, junto a John Lodge y Mike Pinder. Thomas y Pinder permanecieron juntos luego en Krew Cats, que comenzó en 1963, antes de traer a Denny Laine, Graeme Edge y Clint Walker cuando se convirtieron en los primeros Moody Blues un año después.
Inicialmente, su sonido se basaba en el blues y tuvieron un temprano éxito en esta línea. Sin embargo, fue cuando la formación clásica con Thomas, Pinder y Edge junto a Lodge y Justin Hayward se unieron en 1966, cuando la banda encontró su dirección musical y estilo.
El lanzamiento del álbum Days Of Future Passed en 1967 marcó el tono, con su sensibilidad sinfónica, y Thomas fue una parte crucial del proceso, como un flautista confidente y creativo.
«Realmente estábamos haciendo cosas que estaban fuera de nuestra zona de confort. Eso lo hizo tan emocionante. Sentí que, como músico, de repente tenía un lienzo en blanco sobre el que pintar lo que creía que funcionaría».
Una de sus mejores composiciones, Legend Of A Mind, apareció en el álbum de 1968 In Search Of The Lost Chord. Fue escrito sobre Timothy Leary.
«En realidad, lo hice como algo así como un simple homanje más que cualquier otra cosa. Pero Leary una vez me dijo que esa canción había hecho más para hacerlo famoso que otra cosa. ¿Imagina eso? Una canción tonta y desechable como la que tiene tanto impacto».
A medida que los Moody continuaron disfrutando de éxito en la próxima década, las contribuciones de Thomas como músico, vocalista y compositor fueron una parte central de todo. Y cuando la banda entró en pausa en el año 74, lanzó los álbumes en solitario, From Mighty Oaks (1975) y Hopes Wishes And Dreams (1976). Demostró que tenía la capacidad de hacer su propia marca lejos de la nave nodriza.
Naturalmente, Thomas fue parte de los Moody Blues cuando se volvieron a reunir en 1977. Entonces, su tema «Veteran Cosmic Rocker», que fue escrito por él para el álbum Long Distance Voyager de 1981, se convirtió en algo así como un himno para la banda.
Pero su mala salud lo obligó a tomar un papel decreciente en la banda, con su última aparición en el álbum Strange Times de 1999. Y en octubre de 2014, reveló que había sido diagnosticado con cáncer de próstata.
Y apuntaba en un comunicado: «Mi cáncer estaba funcionando, pero tengo un médico fantástico que inmediatamente me inició en un nuevo tratamiento que ha tenido una tasa de éxito del 90%. El cáncer está en remisión, pero recibiré este tratamiento por el resto de mi vida. Tengo cuatro amigos cercanos que han soportado algún tipo de cirugía o tratamiento para este cáncer y todos están bien. Aunque no me gusta hablar públicamente sobre mis problemas de salud, después de la muerte de mi amigo Alvin Stardust, decidí que ya era hora de que hablara. Un diagnóstico de cáncer puede sacudir su mundo y el de su familia, pero si es atrapado a tiempo puede curarse o mantenerse en remisión. Insto a todos los hombres a hacerse la prueba AHORA. No lo pospongas pensando que no me va a pasar. Necesita ser atrapado temprano. Es solo un análisis de sangre: unos minutos de tu día para salvarte de esta enfermedad. Amor y Dios bendicen, Ray».
Sin embargo, Thomas estaba trabajando en un nuevo álbum en solitario, como explicó en 2015.
«No voy a ponerme bajo presión como solía hacerlo». Cuando escribo una canción, no me gusta, porque empiezo a hurgar en ella, tratando de cambiarla, e inevitablemente la rompes. Así que mientras escribo uno, iré al estudio local y lo grabaré como un capricho. No tengo un plazo; Me estoy volviendo demasiado viejo para tanta presión. Lo haré cuando pueda.
Thomas no solo era un excelente flautista, a pesar de ser totalmente autodidacta y un buen cantante, sino que también tocó una variedad de otros instrumentos, como el saxofón, la armónica y el oboe. También tenía un agudo sentido del humor, como lo demostró cuando dijo una vez:
«Me encanta el hecho de que los Moody Blues están sin mí, porque eso significa que todos los discos en los que vivo siguen haciéndome ganar dinero».
Es posible que Thomas nunca haya sido una estrella de alto perfil, pero su contribución a la música progresiva fue inestimable. Todo lo que tienes que hacer es escuchar esos álbumes clásicos de Moody Blues para saber qué ha significado para la música que todos amamos. ¡Gran Ray Thomas!
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nights in White Satin.
El 10 de Tevet es un día de ayuno que recuerda el inicio del sitio de Jerusalén y marca una jornada de reflexión y plegaria. En el programa de hoy, Rab Moshe Chicurel, Rabino Principal de la Comunidad Judía de Madrid, comparte el significado actual de esta fecha.
William Alexander Chilton, más conocido como Alex Chilton, nació en Memphis, Tennessee, Estados Unidos, el 28 de diciembre de 1950, y murió en Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, el 17 de marzo de 2010. Cantautor, compositor, guitarrista, y productor.
El sitio www.pitchfork.com publicó este recordatorio firmado por Stephen M. Deusner.
Un hombre llamado Destrucción: La vida y la música de Alex Chilton
La escritora Holly George-Warren habla sobre su nueva biografía del voluble líder de Big Star, Alex Chilton, incluyendo reflexiones sobre su relación de amor/odio con la fama, su influencia en el rock independiente de los 90 y su obsesión con la astrología.
Por Stephen M. Deusner
11 de abril de 2014
En 1968, los Box Tops, los fenómenos adolescentes, abrían conciertos para los Beach Boys cuando estos se tomaron un descanso de sus giras. El cantante de la banda, Alex Chilton —que apenas tenía edad para votar en ese momento— se alojaba en casa de Dennis Wilson en Pacific Palisades con un variopinto grupo de músicos y acompañantes. Entre ellos se encontraba Charles Manson, un compositor en apuros que aún no se había convertido en el coco icónico de la década. A la mañana siguiente de una fiesta desenfrenada, Chilton se despertó aturdido y confundido al encontrar a Manson tumbado en el sofá junto a él. El joven cantante decidió que era hora de volver a Tennessee.
Unos 20 años después, a principios de los 90, Chilton le pidió a la periodista musical Holly George-Warren que coescribiera un libro que relatara sus experiencias como ídolo adolescente en los Box Tops, como autor de power-pop frustrado en Big Star y como solista notoriamente excéntrico que deconstruía con alegría los primeros himnos del rock, el R&B e incluso los de los cantantes melódicos. Su posible título: Me acosté con Charlie Manson.
Lamentablemente, "Me acosté con Charlie Manson" nunca pasó de la fase de planificación. Chilton pronto se distrajo con las reuniones de Big Star y Box Tops, y George-Warren estaba entonces iniciando su propia carrera como escritora y editora. Ha escrito y editado casi 20 libros sobre música y cultura, incluyendo varias ediciones de la Enciclopedia del Rock & Roll de la revista Rolling Stone y "Public Cowboy No. 1: The Life and Times of Gene Autry" (2007).
Pero ahora, cuatro años después de la muerte de Chilton, George-Warren ha escrito una biografía exhaustiva y profundamente comprensiva que describe la figura de una artista profundamente compleja, conflictiva y contradictoria. Sin embargo, eligió un título un poco menos sensacionalista.
Pitchfork: El primer capítulo de su libro rastrea el árbol genealógico de Chilton hasta 1060 y lo establece como una figura a la altura de alguien como Lincoln o Washington, a pesar de que era una figura de culto.
Holly George-Warren: Quería que esta fuera una biografía tradicional, con algunos antecedentes familiares, y creo que las personas provienen de un acervo genético determinado. Hay tanto la naturaleza como la crianza que las hace ser quienes son, y quizás también creo un poco en la reencarnación. La herencia familiar de Alex fue muy interesante, sobre todo cuando descubrí que su tatarabuela era espiritualista. Su familia eran propietarios de plantaciones, pero Alex era muy mordaz en sus críticas al racismo en el Sur. Investigó mucho sobre su historia familiar, y creo que tenía sentimientos encontrados al respecto: le interesaba mucho aprender sobre ella, pero no quería parecer miembro de la aristocracia sureña. Vivió una vida de clase trabajadora bastante dura, salvo en esos pequeños momentos en que fue estrella del pop.
Pitchfork: En cuanto a las biografías de famosos, " Un hombre llamado Destrucción" no tiene el típico arco narrativo donde la persona lucha por el éxito y luego se hace famosa. En cambio, a Chilton le impusieron la fama cuando parecía no desearla, y cuando sí la quiso, le fue increíblemente difícil de alcanzar.
HGW: Lo quería y no lo quería. Quería dedicarse a la música, pero ser una figura de culto no le daba para pagar las cuentas. Lo mismo les pasó a algunos de estos músicos de blues seminales, cuya música influyó en los Rolling Stones y Led Zeppelin mientras trabajaban como conserjes y conductores de autobús. Así que no creo que Alex sea el único en ese sentido. Hacía el mismo tipo de trabajo doméstico. Pero nunca abandonó la música. Me alegra que al final de su vida ganara dinero con Big Star y "That '70s Show"; no era un purista en cuanto a licenciar su música. Vio que era una forma de ganar dinero, y si ya no podía ser una estrella del pop, al menos podía ganar dinero con los derechos residuales.
"Alex Chilton fue el Justin Bieber de su época".
Pitchfork: En el epílogo del libro, revelas que conociste a Alex en 1982, cuando produjo algunos temas para tu banda Clambake. ¿Qué tan bien lo conocías entonces y cómo influyó eso en este libro?
HGW: Dejé eso para el epílogo porque realmente quería que esta fuera una biografía lo más objetiva posible, aunque probablemente sea imposible escribir con total objetividad cualquier cosa en la que uno se entrega por completo. Digámoslo así: no quería ser un personaje del libro. Puede que esa experiencia me haya abierto las puertas al mundo de Alex, pero no era para nada su persona tan cercana como para conocer sus secretos más profundos y oscuros.
Incluso cuando le hacía entrevistas profesionales para artículos, me costaba sonsacarle mucha información. Transmitía esa sensación de que le encantaba hablar contigo de lo que le gustaba, pero eso te impedía hacer preguntas inquisitivas.
Pitchfork: Parece que esa experiencia de primera mano fue crucial para el libro.
HGW: Sin duda. Sabía que le encantaban las chuletas de cordero; tuve que prepararle una cena con chuletas de cordero cuando produjo mi pequeña banda. Y conocí a sus compañeros de banda y a otras personas que estaban muy interesadas en su música a lo largo de los años, lo que me abrió muchas puertas. Si hubiera llegado directamente de Periodismo Musical 101, sin haber formado parte de la escena musical ni haber ido a un montón de conciertos, no sé si la gente habría compartido cosas conmigo con tanta facilidad.
Espero que Alex se presente en el libro como una persona compleja. Su personalidad tenía muchos aspectos diferentes. Con los años, cambió mucho, así que cuando lo conocí ya había pasado por momentos difíciles. Nunca vi esa faceta suya en absoluto. Siempre fue directo. A veces era extremadamente amable, cortés y extrovertido. Otras veces me despreciaba y era grosero. Nunca se sabía qué Alex te iba a tocar. Pero me alegra mucho que mis últimas interacciones con él fueran extremadamente positivas y cordiales.
Pitchfork: Como mencionas en el libro, parecía usar temas como la literatura y, sobre todo, la astrología como mecanismos de defensa para mantener a los demás a cierta distancia. ¿Ese distanciamiento lo convertía en un tema difícil?
HGW: Creo que usó la astrología como herramienta y como forma de protegerse de los problemas en los que se había metido en el pasado. Al investigar para este libro, me asombraba constantemente empatizar con lo que Alex vivió. Era el Justin Bieber de su época. Formó parte de una banda de chicos con solo 16 años, y esto lo vemos en las estrellas que se vuelven enormemente populares a una edad tan temprana: no pueden procesarlo todo. Así que usó la astrología como mecanismo de supervivencia. Tomó muchas decisiones basándose en sus cartas astrales. Muchos escritores me dijeron que los menospreciaba por completo cuando intentaban entrevistarlo, a pesar de tener credenciales impecables. Pero sus cartas quizá le indicaban que no era buen momento para revelar secretos ni hablar con desconocidos. Y luego descubrí que las entrevistas que hizo unos meses después eran increíbles. Se sinceró por completo. A simple vista, no había ni pies ni cabeza, pero creo que simplemente seguía sus cartas.
Pitchfork: Finales de los 70 y principios de los 80 parecen ser la peor época de su vida. Jugaba a ser una estrella de rock —ligar con menores, consumir drogas, destrozar habitaciones de hotel—, aunque ya no era una estrella de rock.
HGW: Había tantas cosas sucediendo en la vida personal y profesional de Alex, y en la cultura, que entendía por qué se involucraba en ese tipo de comportamiento autodestructivo. Tuvo grandes decepciones con las grabaciones de Big Star, además de una relación muy intensa con Lesa Aldridge, que lo dejó agotado. Y mucha gente tomaba Quaaludes. Eso fue muy popular en los 70. Formaba parte de la cultura, de ese período nihilista posterior a los 60, prepunk. Como él mismo señaló más tarde, al recordar esa época, había alcoholismo en su familia, así que eso formaba parte de su ascendencia. Lo cito en el libro hablando de cómo lo absorbieron de toda esa etapa de juventud, de citas en el instituto, para convertirse en una estrella del pop de gira con los Box Tops. Y se casó el día de su 18.º cumpleaños. Así que, cuando todo eso terminó, quiso recuperar el tiempo perdido comportándose como un adolescente loco de nuevo, a pesar de que ya tenía veintitantos años.
Pitchfork: Parece haber una tendencia entre los fans de Chilton a idealizar sus fracasos comerciales. ¿Fue algo que tuviste que tener en cuenta y sortear mientras escribías este libro?
HGW: Alex lo señaló diciendo algo así como: Si Big Star hubiera tenido un gran éxito como los Raspberries, no habrían sido tan geniales. No habrían sido esa banda fallida que hacía música increíble. Existe toda esa mística en torno a los artistas de culto. Además, Big Star eran de Memphis y llevaban el nombre de una cadena regional de supermercados, pero según Alex y Jody Stephens [el baterista de Big Star], a la gente de Memphis no les importaban nada. Les gustaba el progresivo, Zeppelin y el blues rock. Es curioso que ahora los memphisanos consideren a Big Star su tesoro secreto.
Pitchfork: A pesar de ser un artista de culto, Chilton parece ejercer una enorme influencia en las generaciones posteriores de artistas. ¿Crees que el sentido de la ironía que definió el indie rock de los 90 podría tener alguna raíz en su música?
HGW: Sin duda. Cuando empezó a hacer esas versiones [de country antiguo y crooner], le gustaba mucho, pero algunas las abordaba con un poco más de ironía. Y también está su obtusidad en el escenario y en las entrevistas. Desde una perspectiva comercial, grababa solo con un presupuesto reducido, algunas de ellas bastante lo-fi, pero eso influyó en bandas como Pavement . Eso se convirtió en algo muy importante para toda la escena indie: hacerlo a su manera, a pequeña escala, sin doblegarse a las grandes discográficas, pero aun así ganando dinero. Tras la reedición de los discos de Big Star en 1992 y el concierto de reunión en 1993, Alex podría haber firmado un contrato con una gran discográfica si hubiera vuelto al sonido de Big Star. Pero se negó a hacerlo.
Pitchfork: Al final del libro, usted destaca que él estaba en un muy buen momento personal y profesional.
HGW: Esa es la opinión que formé al entrevistar a personas que lo rodearon al final de su vida. Algunas personas muy cercanas a él me dijeron que lo vieron radiante de felicidad. Pensaron que había encontrado el amor que tanto había buscado durante toda su vida. Era un tipo voluble, pero creo que podría decirse que encontró la paz con todo el asunto de Big Star. Había reconciliado los recuerdos dolorosos de esa banda y los momentos en que pensó que había sido explotado y manipulado para beneficio de otros. Estoy seguro de que hubo días en los que todavía estaba amargado, pero en general, había llegado a un punto en el que podía aceptar su camino y tocar esas canciones sin tanto arrepentimiento. No tenía problemas económicos. Amaba su pequeña casa. Amaba Nueva Orleans. Me alegra mucho que se fuera en un buen momento. Me emocioné al escribir esa parte del libro. Ojalá todavía estuviera vivo y fuera feliz. ¿Quién sabe qué habría sido de él? Su voz estaba en plena forma y estaba escribiendo canciones en los últimos años de su vida. Ojalá todavía lo tuviéramos aquí haciendo música. Ojalá pudiera verlo tocar este fin de semana.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Lies.
Michael Thomas Pinder, más conocido como Mike Pinder, nació en Birmingham, Reino Unido, el 27 de diciembre de 1941, y murió en California, Estados Unidos, el 24 de abril de 2024. Cantautor y tecladista.
MIKE PINDER, EL INOLVIDABLE HOMBRE DEL MELLOTRON DE MOODY BLUES
Por Jesús Sanz Morales / Actualizado el 17/11/2025
Se cumple hoy un año de la muerte de Mike Pinder, miembro fundador y teclista de la banda de rock progresivo Moody Blues. El genio del mellotron.
Sólo por su inclusión en un contexto rock, la contribución de Pinder al género ha de considerarse mayúscula, gigantesca. El mellotron que tocaba Pinder se convirtió en algo esencial en la nueva música de los Moody Blues y, por ende, en un instrumento esencial en el devenir del futuro rock sinfónico- progresivo.
La mala nueva fue anunciada por un grupo de Facebook dedicado a su carrera. La publicación indicó que murió en su casa del norte de California, rodeado de su familia. «Sus últimos días estuvieron llenos de música», indicaba el texto,
Junto con la llamada “formación clásica” de Moody Blues, Pinder tocó en el histórico álbum de 1968, «Days of Future Passed», y en sus correspondientes singles “Nights in White Satin” y “Tuesday Afternoon”, así como en canciones como “Ride My See-Saw”, «The Story In Your Eyes” y “I’m Just a Singer (In a Rock and Roll Band)». Escribió y cantó el single de 1968, «A Simple Game», y muchos otros temas, incluidos varios de «Days of Future Passed».
La primera formación que se hacía llamar Moody Blues se reunió en la primavera de 1964 e incluía a Ray Thomas (voz, pandereta, armónica), Pinder (teclado y voz), el baterista Graeme Edge, el guitarrista y cantante Denny Laine y Clint Warwick al bajo y voz. Con cuatro cantantes, el grupo pudo construir un repertorio basado en el R&B norteamericano.
Los primeros Moody Blues obtuvieron varios éxitos en Inglaterra y un éxito mundial con una versión de «Go Now». Pero la banda no encontraba su sitio y se separó en 1966. Denny Laine, más tarde mano derecha de Paul McCartney en Wings, pensó que sería mejor abrirse camino por su cuenta.
Parece ser que el propio McCartney les ofreció hacer una versión de una canción rusa cuya melodía la banda decidió que no era adecuada para los Moody. Mary Hopkin acabó grabando la canción «Those Were the Days» y obtuvo un gran éxito mundial.
Warwick y Laine finalmente partieron, y fueron reemplazados por el bajista John Lodge y el guitarrista Justin Hayward, quienes también se convirtieron en los principales compositores del grupo.
El estilo musical de Moody Blues cambió con la nueva formación. Pinder había trabajado para la empresa que construyó el exclusivo Mellotron, un instrumento notoriamente voluble que rara vez se había utilizado en un contexto rock; el ejemplo temprano más destacado fue el sonido de «flauta» que se escuchó en el sencillo de 1967 de los Beatles, «Strawberry Fields Forever».
La naturaleza temperamental del versátil instrumento no fue un desafío para Pinder. “Sabía cómo estaban construidos. Sabía cómo armar el Mellotron y cómo desarmarlo”, dijo. Reemplazó algunos de los sonidos menos útiles con cintas más prácticas que contenían cuerdas orquestales y cosas similares.
Aunque Graham Bond lo empleó antes en «Baby Can It Be True» y también Manfred Mann, fue Pinder el primero que le dio al instrumento una dimensión mayestática.
Por esa época, ejecutivos del sello británico del grupo, Decca, se acercaron a Moody Blues con una idea para una especie de álbum híbrido. Pero los Moody Blues tenían sus propias ideas. La banda y el productor Tony Clarke desarrollaron un plan ambicioso para el nuevo álbum.
«Siempre quise crear algo que fuera conceptual», dijo Pinder. “Me encantaban las obras de Mantovani. Quería tener nuestros álbumes en los estantes de la gente… álbumes que la gente quisiera coleccionar y reproducir en su totalidad”.
Comenzó a trabajar en lo que se convertiría en «Days of Future Passed», con Peter Knight componiendo para la London Festival Orchestra mientras la banda trabajaba por separado con Clarke. The Moody Blues escribieron y grabaron ocho canciones que formaron un concepto: un día en la vida de un hombre común. Al menos dos de las canciones, “Tuesday Afternoon” y “Nights in White Satin”, estaban destinadas a convertirse en clásicos.
Pinder consideró Days of Future Passed como el resultado exitoso de una combinación ganadora: “el uso del Mellotron, el aporte de Tony Clarke, el apoyo de Decca, el ambiente del estudio y la creatividad combinada de los miembros de la banda”.
Las orquestaciones de Knight proporcionaron el vínculo entre las canciones pop; En conjunto, el trabajo fue uno de los primeros ejemplos de lo que más tarde se conoció como rock progresivo. En su lanzamiento en noviembre de 1967, «Days of Future Passed» obtuvo resultados razonablemente buenos en lista de álbumes británica, alcanzando el puesto 27. El sencillo de “Nights in White Satin” solo llegó al puesto 19 y no tuvo éxito en los EE. UU.
El siguiente sencillo de 1968, «Tuesday Afternoon», obtuvo mejores resultados en Estados Unidos alcanzando el puesto 24, y hubo sencillos exitosos posteriores como «Question» (1970) y «The Story In Your Eyes» (1971), pero la banda finalmente consiguió un gran éxito en 1972 cuando se relanzó en Estados Unidos «Days of Future Passed», que se disparó al puesto número 3 en la lista de Billboard, y el sencillo «Nights in White Satin», en su segunda edición, llegó al puesto número 2 en el Hot 100 de Billboard.
La carrera de Moody Blues con la formación de Thomas, Pinder, Edge, Lodge y Hayward abarcó los llamados “siete álbumes clásicos” que también incluyeron «On the Threshold of a Dream», «A Question of Balance» y «Seventh Sojourn».
Cansado de las giras, Pinder se fue después de «Octave» de 1978. Thomas continuó con la banda durante su resurgimiento en la era MTV y más allá, y se retiró del grupo en 2002. Murió el 4 de enero de 2018, a los 76 años. Graeme Edge murió en 2021. Tanto Lodge como Hayward siguen actuando, aunque por separado.
La amistad de Pinder con John Lennon lo llevó a tocar la pandereta en el álbum «Imagine», por ejemplo, en «Jealous Guy».
Tanto Pinder como Thomas estuvieron entre los seis miembros de la banda de rock progresivo que fueron incluidos en la Promoción 2018 del Salón de la Fama del Rock and Roll. Pinder fue el único que no habló en el evento.
Más tarde escribió en su sitio web: “Muchos fans de MB me han preguntado por qué no hablé en la inducción, pero cuando los Moodies subieron al escenario ya llevábamos 5 horas de ceremonia. Los de mayor edad fueron los últimos en llegar. Los discursos fueron un poco anticlimáticos en ese momento y era lógico que los miembros actuales de la gira (Edge, Hayward y Lodge) hablaran primero. Estoy feliz de que finalmente hayamos sido incluidos por el bien de nuestros fans».
«Como he dicho durante los últimos 30 años, ‘los fans son mi salón de la fama'».
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Afternoon.
Stephen Valentine Patrick William Allen, más conocido como Steve Allen, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 26 de diciembre de 1921, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 30 de octubre de 2000. Actor, pianista, compositor, escritor, comediante, creador y presentador de radio y televisión.
En sus primeros años itinerantes, este conglomerado creativo unipersonal asistió a no menos de 18 escuelas. Su educación universitaria terminó en su segundo año en la Escuela Normal Estatal de Arizona en Tempe (ahora ASU), cuando aceptó un trabajo en la radio. Poco después, se unió a la infantería en la Segunda Guerra Mundial y fue destinado a Camp Roberts, California.
De regreso a Phoenix tras su licenciamiento, reanudó su trabajo como locutor, escritor, pianista y productor en la estación KOY, perfeccionando su estilo de comedia.
Tres años en la radio local le resultaron una valiosa preparación. Descubrió que podía escribir y presentar material gracioso, y que las cosas graciosas parecían ocurrirle de forma espontánea e inesperada.
En 1945, ya padre de un bebé y con otro en camino, con sus ahorros de 1000 dólares se dirigió a Los Ángeles para dar el salto a la radio. Tras trabajar en una emisora local, Allen se asoció con el locutor Wendell Noble y logró que Mutual Broadcasting Company emitiera un programa de comedia cinco veces por semana llamado Smile Time. Tras dos años en Mutual, Steve consiguió un programa de media hora de entrevistas musicales en KNX, la emisora de radio de la CBS de Los Ángeles.
Sin fanfarrias, interferencias ni estímulos, fue reduciendo gradualmente la música y aumentando la charla. También empezó a invitar a celebridades de Hollywood a que fueran a promocionar sus últimas películas o álbumes. En menos de un año, el programa de Allen se amplió a una hora y se convirtió en el programa nocturno más popular de la historia de la radio de Los Ángeles, con un público que llenaba los estudios. Una noche, cuando Steve tenía un segmento de 25 minutos del programa reservado para una entrevista con Doris Day, Doris no apareció. Con el gran hueco en la programación que llenar, Steve tomó un micrófono de suelo y, por primera vez, salió al estudio para improvisar con algunos de sus visitantes desconocidos. Como dicen en las biografías de las estrellas —y razón suficiente para decirlo aquí—, el resto es historia.
Para 1950, Steve ya se había consolidado en Los Ángeles como comediante improvisado con un programa descrito como de estructura "todo vale". (De hecho, resultó ser un ensayo general para el futuro programa Tonight). La CBS decidió que Steve estaba listo para el gran éxito, que en 1950 significaba la televisión en Nueva York. Durante los tres años siguientes, protagonizó varios programas vespertinos y diurnos, participó como invitado en programas como This is Show Business y What's My Line?, y durante más de un año presentó una serie semanal llamada Songs for Sale.
Profesionalmente, Steve había alcanzado un estancamiento exitoso, aunque para él insatisfactorio. Al mismo tiempo, su matrimonio atravesaba momentos difíciles y finalmente terminó en divorcio.
En un punto bajo, tanto profesional como personalmente, sucedieron dos cosas que, afortunadamente, cambiaron el panorama. La NBC tenía un título —Tonight— y noventa minutos de emisión. Se lo cedieron a Steve Allen, quien había desarrollado el programa local nocturno que pronto se convirtió en una institución nacional.
En segundo lugar, Steve conoció a Jayne Meadows.
Jayne, talentosa y popular actriz de cine, televisión y teatro de Broadway, nació en Wu Chang, China, donde sus padres fueron misioneros episcopales durante 14 años. Cuando llegó a Estados Unidos a los siete años, hablaba chino, pero estaba aprendiendo a hablar inglés con fluidez.
Una mujer de muchos talentos y amplios conocimientos y experiencia, Jayne había visitado todos los continentes excepto Sudamérica y Australia cuando conoció a Steve. Había protagonizado películas con Katherine Hepburn, Gregory Peck y David Niven, y en el teatro de Broadway en Another Love Story , Kiss Them for Me y Spring Again.
En un año, Jayne y Steve se casaron. Ese mismo año, el Tonight Show, ahora en la cadena NBC-TV completa, fue el programa más comentado de la televisión, catapultando a Steve a las filas de las superestrellas de la televisión.
Pero fue el cariño y la seguridad que le brindó Jayne lo que le dio la confianza y la tranquilidad necesarias para descubrir a otros Steve Allen, ocultos entre el ingenio improvisado que dirigía el programa Tonight .
Para 1956, Tonight ya había engendrado futuras estrellas como Steve Lawrence y Eydie Gorme (cuando se le preguntó si descubrió a Steve y Eydie, Steve respondió: «Sí, en el asiento trasero de un coche») y Andy Williams. Entre las estrellas que trabajaron con Allen al principio de sus carreras se encuentran Louis Nye, Don Knotts, Tom Poston, los hermanos Smothers, Don Adams, Bill Dana, Jim Nabors, Jackie Vernon, Lenny Bruce, Jonathan Winters, Tim Conway, Lou Rawls, Jackie Mason y los Muppets; la lista es casi interminable. Y algunos de los principales productores de televisión dieron el gran salto con el útil empujón de Steve: Dwight Hemion, Bill Harbach, el difunto Nick Vanoff, Dan Melnick, Leonard Stern, Jeff Harris, Bernie Kukoff, Bill Persky y Sam Denoff, por nombrar algunos.
Durante varios meses en 1956, Steve estuvo haciendo el programa nocturno Tonight de 90 minutos, un programa de comedia de una hora frente a Ed Sullivan todos los domingos por la noche (The Steve Allen Show), y aun así de alguna manera logró filmar la historia de Benny Goodman para Universal-International. Pero el ritmo increíble fue demasiado incluso para su energía aparentemente ilimitada.
Decidió abandonar el programa nocturno y sugirió a NBC que Jack Paar o Ernie Kovacs serían un excelente reemplazo. NBC decidió no seguir su consejo y, en su lugar, presentó un programa llamado America After Dark. Después de unos meses bostezantes durante los cuales cada vez más estadounidenses se iban a dormir más temprano, la cadena decidió que Steve tenía razón después de todo. Jack Paar y la mayor parte de la nación estuvieron de acuerdo. El Show de Steve Allen, en horario estelar los domingos por la noche, continuó sin interrupción hasta 1960, en una batalla de audiencia muy reñida con el Show de Ed Sullivan. Tras ganar el Premio Peabody al mejor programa de comedia de 1960, Steve finalmente dejó la cadena tras siete años en la NBC.
Afortunadamente para los fans de Steve Allen, "descanso" era una palabra poco común en el léxico de Allen. Entre 1961 y 1962, Steve apareció en un programa de comedia semanal en ABC-TV, y al año siguiente regresó a su antiguo formato "Tonight" para una serie sindicada de Westinghouse.
Tras casi tres años en esto, Steve regresó a CBS durante tres temporadas como presentador de "Tengo un Secreto" (Goodson y Todman también lo llamarían posteriormente para presentar la versión sindicada de 1972 de este programa) y, en el verano de 1967, apareció en un programa de comedia semanal con su esposa Jayne para la misma cadena.
El programa de la CBS resultó ser un preludio para su tercera temporada, para Filmways y Golden West, que se emitió de 1968 a 1972.
"Es irónico", dice Steve sobre estos últimos programas, "en nuestras reuniones de producción solíamos oír a alguien decir: 'No hagamos una de nuestras viejas rutinas; así es como lo hacen en el programa de Carson', o 'Dick Cavett hizo eso la otra noche, busquemos otra forma de hacerlo'". "Incluso a veces me he encontrado pensando lo mismo. Sin embargo", dice Steve con una sonrisa triste, "fueron los antiguos programas de Tonight los que marcaron el formato, el ritmo y la dirección de los programas de entrevistas cómicas que siguieron. El único cambio significativo en el formato básico de Tonight lo hizo Jack Paar: instaló un sofá para que los invitados se sentaran".
En 1976, Allen triunfó con otro formato de comedia, Laughback , un programa semanal de 90 minutos que reunía a muchos de sus antiguos compañeros en grabaciones en directo, así como en grabaciones con los mejores momentos de programas memorables del pasado. Emitido en los principales mercados de máxima audiencia, Laughback contó con figuras clave de Allen como Louis Nye, Jonathan Winters, Bill Dana, Don Knotts, Tom Poston, Foster Brooks, Gabe Dell, Jayne Meadows, Skitch Henderson y Tim Conway.
Entre sus comedias televisivas se encuentra el divertidísimo concurso anual Unofficial Miss Las Vegas Showgirl Beauty Queen Pageant de ABC-TV, una parodia de los concursos de belleza que casi desafía la parodia. El primero, en 1974, fue aclamado por Johnny Carson como "el programa más divertido del año".
Igualmente entretenido fue el especial de televisión de la Academia Americana del Humor, que Allen ayudó a escribir, además de actuar en el homenaje al humor.
De 1977 a 1981, cuatro años gloriosos, la multipremiada Reunión de mentes de Allen, serie transmitida por la cadena PBS. Los programas, en formato de tertulia, presentaban debates serios con invitados como Aristóteles, Platón, Sócrates, Agustín, Santo Tomás de Aquino, Karl Marx, Voltaire, Adam Smith, Florence Nightingale, Elizabeth Barrett Browning, Cleopatra, María Antonieta y otras figuras históricas.
De esta notable serie, escrita y presentada por Allen, el historiador Will Durant, una autoridad como él, comentó: «Meeting of Minds fascinó a nuestra familia. Nos pareció una concepción original y valiente... una obra maestra de presentación».
Steve y Jayne también ofrecieron con frecuencia sus conciertos y espectáculos en clubes nocturnos en teatros de todo el país, con gran éxito de crítica, durante las décadas de 1960 y 1970.
También estuvieron de gira, a mediados de los años 70, en el programa Tonight at 8:30 de Noel Coward, recibiendo elogios de la crítica como: "un espectáculo sumamente entretenido. El talentoso Allen está maravilloso en los dos números cómicos... Allen es, sin lugar a dudas, uno de los hombres más divertidos de Estados Unidos. Su esposa está soberbia en las tres obras, utilizando todo el espectro de su capacidad dramática".
Las décadas de 1980 y 1990 fueron las más activas en los más de 50 años de carrera de Steve Allen, quien en 1986 fue incluido en el Salón de la Fama de la Academia de Televisión. En las décadas de 1950 y 1960, cuando participaba en series de televisión semanales o nocturnas, sus actividades extracurriculares eran necesariamente limitadas. En los últimos años, al seguir apareciendo como invitado en programas de cadenas y sindicados, Allen tuvo más tiempo para escribir libros, protagonizar espectáculos dramáticos ocasionales, dar conciertos importantes, actuar en teatros y clubes nocturnos de todo el país, componer más canciones y grabar más álbumes.
Durante la década de 1980, Allen protagonizó dos series limitadas en horario estelar para NBC: The Big Show y The Steve Allen Comedy Hour; produjo la cuarta temporada de su serie ganadora de premios Emmy y Peabody, Meeting of Minds para PBS, y recibió elogios de la crítica por su presentación de la 32.ª edición anual de los premios Emmy, interviniendo en el último minuto durante una huelga en curso de SAG-AFTRA (y contribuyendo con sus honorarios al fondo de huelga de los sindicatos).
En Nueva York, su comedia musical "Seymour Glick is Alive But Sick" recibió excelentes críticas durante su presentación en el Hotel St. Regis.
A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, Allen publicó 28 libros nuevos, sumando un total de 54 obras.
El talentoso comediante, escritor, compositor, letrista, actor, concertista y conferenciante (hasta el infinito) era un hombre alto (1,90 m) y 90 kg, casado durante más de 46 años con la bella y versátil actriz Jayne Meadows. Vivieron durante más de 40 años en una cómoda casa en la ladera con vistas al Valle de San Fernando. Entre sus visitantes frecuentes se encontraban su hijo Bill, presidente de Meadowlane Music y Meadowlane Enterprises y expresidente de MTM Television en Hollywood, y los tres hijos de Steve de su primer matrimonio: Steve Jr., médico y conferenciante en Ithaca, Nueva York; Brian, presidente de Windermere, Cronn & Caplan, agentes inmobiliarios en Portland; y David, compositor de San Francisco. (El matrimonio de ocho años de Allen con la difunta Dorothy Goodman, a quien conoció mientras asistía a la Escuela Normal Estatal de Arizona, terminó en divorcio en 1952). Steve solía decir que su papel favorito en la vida era el de abuelo, uno que interpretó con mucha práctica, ya que tenía 12 Nietos.
La mente clara y abierta de Allen le permitía pasar con soltura de los temas más complejos a la comedia disparatada. La usaba las 24 horas del día, encontrando ideas literalmente despierto y dormido. Siempre listo para extraerlas, Allen tenía pequeñas grabadoras por todas partes: en sus bolsillos, en el baño, junto a su cama, en su coche. Este sistema le proporcionaba la materia prima para sus numerosas actividades.
«Siempre estoy ocupado», comentó, «pero siempre hago cosas que disfruto. Rara vez me ocupo de cosas que me molestan». Tengo mucha suerte de que no a muchos se nos permita vivir por placer y que nos paguen por ello.
Pero a veces es difícil para el observador captar la esencia del personaje. Allen, por ejemplo, fue un comediante televisivo con casi 50 años de trayectoria que escribió un tratado académico sobre el trabajo agrícola migratorio titulado " La tierra es nuestra mesa".
Relató los delitos de cuello blanco en "Estafa: La corrupción que plaga América". Y en el año 2000, escribió un éxito de ventas sobre la elevación de los estándares de la cultura popular titulado "Vulgarians at the Gate". Steve Allen, el actor que protagonizó "La historia de Benny Goodman" de Universal, es el mismo hombre cuyos poemas han aparecido en Atlantic Monthly y Saturday Review, y quien ha publicado dos libros de poesía.
Steve Allen, compositor de más de 7900 canciones, fue el mismo hombre que escribió la popular novela Not All of Your Laughter, Not all of Your Tears.
Allen, letrista de canciones tan populares como "South Rampart Street Parade", "Picnic", "Gravy Waltz", "Mary Hartman-Mary Hartman" y "This Could be the Start of Something Big", también protagonizó en Broadway The Pink Elephant.
Steve Allen, autor de 54 libros publicados, que abarcan desde poesía hasta cuentos, humor, autobiografía y política, también fue el compositor y letrista del musical Sophie e, sobre la fallecida Sophie Tucker; y, en 1986, compuso la banda sonora para la versión televisiva de Alicia en el país de las maravillas de CBS.
Steve Allen fue el compositor de la banda sonora de la película de MGM, A Man Called Dagger, y, sin embargo, el mismo hombre que escribió y produjo un galardonado documental televisivo sobre el crimen organizado.
Como dijo Andy Williams, buen amigo de Allen: «Steve hizo tantas cosas que es el único hombre que conozco que aparece en todas las Páginas Amarillas».
El gusto de Steve por la comedia, tanto la alta como la popular, le surgió de forma natural: su madre era la popular comediante de vodevil Belle Montrose. (Su padre, Billy Allen, el hombre serio de Belle, falleció antes de que Steve cumpliera dos años). Aunque se crio en el mundo del espectáculo, viajando de ciudad en ciudad, solía terminar en Chicago, hogar de la familia de su madre, católica irlandesa y de clase media-baja, cuyo humor Steve describió como «sarcástico, volátil, a veces despectivo, pero muy divertido».
Steve escribiría posteriormente un drama semiautobiográfico basado en recuerdos de su infancia. The Wake se estrenó mundialmente en el Teatro Masquers de Hollywood en el otoño de 1971.
En 1978, The Wake tuvo una exitosa temporada en el circuito teatral de la región este, con el propio Allen en uno de los papeles protagonistas.
Recibió elogios tanto de la crítica como del público, y fue nominada a Mejor Obra por el Círculo de Críticos de Televisión de Los Ángeles. The Wake fue producida en 1991 por una compañía teatral de Milwaukee, y en 1992 completó una exitosa temporada en el Celtic Arts Center de Los Ángeles. Steve también adaptó la historia a novela, que fue publicada por Doubleday.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con This Could Be the Start of Something Big con Steve Allen, Steve Lawrence, Eydie Gorme, Ann Sothern y Dinah Shore.
Vista de la Iglesia Católica de San Francisco, donde los fieles fueron atacados por hombres armados durante la misa dominical, en Owo, Ondo, Nigeria, el 6 de junio de 2022 (REUTERS/Temilade Adelaja)
Extraigo esta reflexión de una entrevista con el papa Francisco en 2014. En aquellos momentos yo estaba preparando un libro sobre la persecución de los cristianos en el siglo XXI que publicaría en 2018 con el título de “S.O.S. cristianos”. El objetivo de mi libro era doble: por un lado, denunciar la persecución sistemática que sufren los creyentes en Cristo; y por el otro, romper lo que Julio María Sanguinetti tildó, en su prólogo, como un “ominoso ostracismo informativo”.
Más de diez años después, la afirmación del Santo Padre no solo no ha sido desmentida, sino que resulta dolorosa y trágicamente ratificada: en el siglo XXI hay más mártires cristianos que en los tiempos de las catacumbas, en una sangría que parece imparable. Coptos, asirios, siríacos, ortodoxos, católicos y protestantes, todas las familias del cristianismo sufren el estigma de la cruz. No se trata de una persecución aleatoria surgida de contingencias puntuales (zonas de conflicto, procesos migratorios, guerras), sino de una persecución ideológica, especialmente vinculada a la expansión del salafismo ideológico, profusamente contrario a los valores morales y éticos de las enseñanzas de Jesús, que dieron forma a los valores occidentales. No es una casualidad, por ejemplo, el rosario de ataques a mercados navideños en Europa porque en la concepción integrista islámica, después de los judíos, vienen los cristianos. Ese era el lema que se coreaba en el Mosul del Estado islámico: “primero por el sábado, y después por el domingo”.
El nivel de persecución es de tal magnitud que puede considerarse una limpieza étnica en un sentido religioso, con comunidades con más de dos mil años de historia en su tierra, que ahora están desapareciendo. Coptos en Egipto, asirios y caldeos en las llanuras del Nínive, siríacos del Kurdistán turco, silo malabares del sur índico, todo tipo de comunidad milenarias que sobrevivieron a grandes imperios, pero no consiguen sobrevivir al siglo XXI, diezmados por la violencia, la represión y la obligada diáspora. Como triste ejemplo, el de la comunidad ortodoxa siríaca que se remonta al siglo I (es la más próxima a los raíces semíticas del cristianismo) y cuya lengua es una variante del arameo. En el siglo XX superaban los quinientos mil fieles y ahora, en el 2025 no llegan a dos mil. Sus monasterios e iglesias abandonadas y semi derruidas decoran los campos del Kurdistán turco.
Si los ejemplos concretos son lacerantes, los datos globales del año 2024, extraídos del informe de la fundación Puertas Abiertas que hace años que monitoriza la persecución de los cristianos, son trágicos: 4744 cristianos asesinados por su fe; 7679 iglesias atacadas; 380 millones de cristianos en situación de discriminación, persecución y violencia. Es decir, 1 de cada 7 cristianos del mundo sufre alto niveles de riesgo, desde la discriminación y la segregación legal, en los países donde se impone la sharia -con penas que pueden llegar a condena de muerte-, hasta el asesinato, allí donde actúa el terrorismo yihadista. A excepción de Corea del Norte, que tiene el horrible mérito de ser el país más peligroso del mundo para los cristianos-solo puede haber un Mesías en el imperio de Kim Jong-un-, el resto de los veinte países más peligrosos son islámicos o sufren la presión del islamismo. El caso de Nigeria es el más clamoroso, con sistemáticas
matanzas de católicos por parte de Boko Haram. Lo mismo ocurre en Mali, en Burkina Faso, en Somalia, en el Yemen, en Libia, en Pakistán, en Afganistán...
La realidad es inapelable: las comunidades cristianas tienen sus derechos básicos diezmados, violentados y reprimidos en múltiples países, y en otros directamente son asesinados. Desde no poder celebrar la Navidad u otras celebraciones religiosas, a tener prohibido cualquier símbolo cristiano, de sufrir segregación social a tener diezmados sus derechos judiciales, y así un largo etcétera, y ello en los países donde “solo” sufren discriminación por ser cristianos. En los lugares donde su fe es un objetivo yihadista, simplemente no pueden vivir. Y todo ello pasa ante la clamorosa indiferencia internacional, sin prensa que ponga el foco, ni pancartas de ruidosos manifestantes, ni campus universitarios sublevados, ni izquierdosos salvadores del pueblo, ni ONUS escandalizadas. Los cristianos no interesan, su dolor no duele, y su muerte no es noticia. Sufren la nada, el ostracismo, el silencio cómplice...
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