Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Malcom John Rebennack Jr., más conocido como Dr. John, o también Dr. John Creaux, nació en Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, el 21 de noviembre de 1941, y murió en su ciudad, el 6 de junio de 2019. Pianista, guitarrista, cantante, compositor y actor.
Malcolm John Rebennack Jr., también conocido como Dr. John
El legendario Dr. John es un músico seis veces ganador del premio Grammy e integrante del Salón de la Fama del Rock & Roll. Conocido mundialmente como la personificación del legado musical de Nueva Orleans, Dr. John es un verdadero ícono de la cultura estadounidense.
Su brillante carrera musical comenzó en la década de 1950, cuando compuso y tocó la guitarra en algunos de los discos más importantes de Nueva Orleans, incluyendo grabaciones de Professor Longhair, Art Neville, Joe Tex, Frankie Ford y Allen Toussaint. En la década de 1960, Dr. John se trasladó al oeste, donde siguió siendo un músico de sesión muy solicitado, tocando los teclados en discos de Sonny and Cher, Van Morrison, Aretha Franklin y el álbum "Exile On Main St." de los Rolling Stones. Durante esa época, lanzó su carrera en solitario, desarrollando la carismática personalidad de Dr. John The Nite Tripper. Su álbum revelación de 1968, "Gris-Gris", lo convirtió en una leyenda, presentando al mundo su singular mezcla de misticismo vudú, funk, rhythm & blues, rock psicodélico y raíces criollas.
Entre los momentos más destacados de su carrera se encuentran el magistral álbum «Sun, Moon and Herbs» de 1971, que contó con la participación de Eric Clapton y Mick Jagger, y «In The Right Place» de 1973, que incluía los éxitos «Right Place Wrong Time» y «Such A Night». Además de sus seis premios Grammy (1989, 1992, 1996, 2000, 2008 y 2013), ha recibido otras seis nominaciones a lo largo de los años. En 2007 fue nominado por «Sippiana Hericane», su disco benéfico para las víctimas del huracán Katrina.
Tras el huracán Katrina, el Dr. John se movilizó de inmediato con generosos conciertos y grabaciones para recaudar fondos. En 2007 ingresó en el Salón de la Fama de la Música de Luisiana y en el Salón de la Fama del Blues. En 2008 publicó «City That Care Forgot», álbum que le valió un premio Grammy al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo.
Su álbum “Locked Down”, lanzado en 2012 con Dan Auerbach de The Black Keys, ganó un Grammy al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo. En 2013, el Dr. John recibió un doctorado honoris causa de la Universidad de Tulane junto a Su Santidad el Dalai Lama. En 2014, el Dr. John lanzó el aclamado tributo a Louis Armstrong “Ske-Dat-De-Dat: The Spirit of Satch”.
En 2015, el Dr. John recibió el Premio Louie del Museo Casa de Louis Armstrong, y recibirá el Premio Hank Jones de la Fundación de Jazz de América en octubre de 2016 en “Una Gran Noche en Harlem”, que ha prometido 1 millón de dólares para ayudar a los músicos a recuperarse de las inundaciones de Luisiana de 2016. Dr. John & The Nite Trippers lanzaron “The Bare Necessities”, para la banda sonora del éxito de taquilla de Disney “El Libro de la Selva” en la primavera de 2016.
En otoño de 2016, Dr. John lanzará el álbum doble en vivo y DVD «The Musical Mojo of Dr. John: A Celebration of Mac & His Music», con la participación de artistas como Bruce Springsteen, Widespread Panic, Mavis Staples, John Fogerty y muchos más. Tras más de medio siglo creando música para otros y para sí mismo, Dr. John continúa componiendo, arreglando, produciendo e interpretando música con pasión.
Al amanecer del 6 de junio de 2019, la icónica leyenda de la música Malcolm John Rebennack, Jr., conocido profesionalmente como Dr. John, falleció inesperadamente a causa de un ataque cardíaco repentino y masivo.
Como miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, seis veces ganador del premio Grammy, compositor, productor e intérprete, creó una mezcla musical única que llevaba a su ciudad natal, Nueva Orleans, en el corazón, como siempre estuvo en el suyo.
Su familia y sus herederos agradecen a todos los que han compartido su trayectoria musical de seis décadas y les invitan a continuar ese viaje. ¡Cuídense y estén atentos en 2023!
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Right Place, Wrong Time.
Norman Joel Greenbaum nació en Malden, Massachusetts, Estados Unidos, el 20 de noviembre de 1942. Cantautor y guitarrista.
El sitio www.allmusic.com publicó esta biografía firmada por Jason Ankeny.
Conocido principalmente por su éxito de 1970 "Spirit in the Sky", el cantautor Norman Greenbaum nació el 20 de noviembre de 1942 en Malden, Massachusetts. Inició su carrera musical mientras estudiaba en la Universidad de Boston, tocando en cafeterías de la zona antes de mudarse a la Costa Oeste a mediados de los años 60 y formar una banda de música psicodélica llamada Dr. West's Medicine Show and Junk Band. Tras publicar en 1966 el sencillo "The Eggplant That Ate Chicago", que no llegó a entrar en el Top 50, el grupo se disolvió y Greenbaum formó posteriormente varios proyectos de corta duración antes de retomar su carrera en solitario en 1968. Un año después publicó su primer LP, Spirit in the Sky , lanzando varios sencillos sin éxito antes de alcanzar el Top 3 con el exitoso tema que da título al álbum, que vendió unos dos millones de copias. Sin embargo, resultó ser el único éxito de Greenbaum, ya que sus sucesores, como "Canned Ham" de 1970 y "California Earthquake" del año siguiente, fracasaron; después del lanzamiento de Petaluma en 1972, se retiró de la música para concentrarse en su granja lechera de California, pero regresó al mundo del espectáculo a mediados de los años 80 como gerente, promoviendo también varios conciertos.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Spirit In The Sky.
Fred Lipsius fue el saxofonista, arreglista y director original del innovador grupo de jazz/rock “Blood, Sweat & Tears” (1967-1971). También tocaba los teclados. Durante su tiempo en la banda, ganó nueve discos de oro y un premio Grammy por los arreglos de la exitosa canción "Rueca". Además de un Grammy al "Mejor Álbum del Año", Fred también realizó los arreglos y co-arreglos de los exitosos sencillos "Hi-De-Ho" y "You've Made Me So Very Happy". Fred introdujo el jazz al público con sus solos y arreglos de saxofón y piano. En las encuestas de jazz de Downbeat y Playboy, se ubicó entre los diez mejores en la categoría de saxofón alto. Los libros de historia del rock and roll lo reconocen como el primer saxofonista en fusionar estilos de jazz y rock en sus solos.
Fred ha compuesto, arreglado y producido comerciales de radio y televisión, incluyendo dos logotipos de CBS para televisión: temas que presentaban los programas de la temporada. En la primavera de 1982, realizó una gira por Japón y Europa con...Simon y Garfunkel y fue solista destacado. Fred es autor de siete libros/CD sobre improvisación y lectura de jazz, publicados internacionalmente. Ha actuado con grandes del jazz. Bala de cañón Adderley, Monje Thelonious. Fred ha colaborado con artistas como Zoot Sims, Eddie Gomez, Al Foster, George Mraz, Rodney Jones, Randy Brecker y muchos otros, y ha compuesto música y participado en más de 30 discos compactos como líder y acompañante.
Nacido en el Bronx, Nueva York, el 19 de noviembre de 1943, Fred comenzó a tocar el clarinete a los 9 años, el saxofón alto y tenor en la escuela secundaria y el piano en la preparatoria. Escuela secundaria de música y arte en Manhattan. Continuó sus estudios en la Berklee School of Music (1961-62) y luego realizó giras por Estados Unidos, Canadá y Europa con el imitador y cantante Billy Fellows. También tocó el saxo alto y compuso arreglos de música bailable para big band en la Orquesta Ron Metcalfe, con sede en Canadá. De vuelta en Nueva York, Fred tocó en locales de la ciudad, estudió arreglos con Larry Wilcox y otros, y dirigió su propia orquesta. ensayo de la Big Band. Tras cuatro años y medio con BS&T, tocó en grandes orquestas en el Copa Cabana y en la discoteca The Red Parrot, sustituyó al saxofonista tenor en el musical de Broadway «Grease» y grabó algunos jingles (anuncios). En 1988 y 1989 escribió una serie de once artículos sobre improvisación creativa para la revista Saxophone Journal. En 1993, Fred escribió los arreglos para metales y tocó en la sección de vientos de una popular cantante japonesa. CD de Masaki Ueda en 1999, escribió arreglos y tocó el saxofón y el piano en el CD de su amigo, el baterista Jack Scarangella.“El héroe que todos llevamos dentro” Fred también ha participado como solista en varios CD de guitarristas. Gerry Beaudoin y trompetista Pedro Welker. En los inviernos de 1993 y 1994, unió fuerzas con Al Kooper para conciertos de reunión de fin de semana en el “Bottom Line” de Nueva York con antiguos miembros de Blood, Sweat & Tears y otros músicos destacados. En 1998, a Fred le pidieron que fuera artista invitado especial (tocando el saxo solo) en el primer CÓMELO Convención de Artistas Emergentes y Talentos Musicales en Las Vegas. A lo largo de los años, ha liderado bandas y tocado en Boston con varias figuras destacadas del jazz. Desde 2004, ha ofrecido más de 100 presentaciones en residencias de ancianos, hospitales psiquiátricos y centros para personas mayores en Boston y sus alrededores. Entre
los proyectos recientes de Fred se incluyen: música nueva, original arte digital y su libro, “El árbol de muchos colores”, que contiene reflexiones sobre el dar y recibir amor... el propósito de la vida.
En 2020, Fred se jubiló del Berklee College of Music de Boston tras 35 años de docencia a tiempo completo.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Blue Funk.
John Henry Kendricks, más conocido como Hank Ballard, nació en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 18 de noviembre de 1927, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 2 de marzo de 2003. Cantante compositor y guirarrista.
Hank Ballard exploró nuevos territorios musicales durante la década de 1950 al fusionar ritmos gospel con letras atrevidas. Actuando principalmente con The Midnighters, cosechó numerosos éxitos en las listas de rhythm and blues. Sin embargo, no se hizo conocido para el público general hasta que Chubby Checker versionó su innovadora canción "The Twist". Ballard es, sin duda, "uno de los grandes talentos del rhythm and blues", señaló Irwin Stambler en la Enciclopedia del Pop, Rock y Soul. "Su carrera alcanzó su punto álgido cuando el R&B aún se limitaba principalmente a un público de barrios marginales". Las canciones de Ballard han sido versionadas a lo largo de los años por diversos grupos, y también se le ha reconocido como una gran influencia en el estilo de James Brown.
Como señaló Greg Drust en las notas del álbum Sexy Ways: The Best of Hank Ballard & the Midnighters de Rhino Records, Ballard «absorbió la fuerte influencia del góspel en su hogar familiar y en la iglesia, así como la música country, el blues desgarrador de Jimmy Rushing y el canto melódico de Nat King Cole». La versatilidad musical de Ballard ha sido profunda y diversa a lo largo de su carrera. El cantante nacido en Detroit admitió en las notas del álbum: «Soy un poco country; soy un poco R&B; soy un poco pop; soy un poco góspel; soy un poco de todo».
Tras la muerte de su padre, el joven Ballard —con tan solo siete años— fue enviado a vivir con unos parientes religiosos muy estrictos en Alabama. Allí perfeccionó su innato talento para el canto en coros de iglesia. En su adolescencia se aficionó al blues, y más tarde, ya de joven, se interesó por el R&B. La música country también le influyó enormemente, especialmente la voz de Gene Autry. «Cuando era pequeño, oí a [Autry] cantar "I 'm Back in the Saddle Again" y pensé: "¡Vaya, tenemos un vaquero cantante!"», declaró Ballard, según se recoge en la Enciclopedia Penguin de la Música Popular.
Se le oyó cantar en el trabajo
Harto de la asfixiante vida familiar, Ballard abandonó la casa de sus parientes y regresó a la zona de Detroit, donde había nacido. Allí también vivía por aquel entonces Florence Ballard, prima de Hank, quien más tarde alcanzaría la fama como miembro de las Supremes.
A los 15 años, Ballard trabajaba en una línea de montaje de la Ford Motor Company. Su canto en el trabajo impresionó a otro compañero, Sonny Woods, quien por aquel entonces cantaba en un grupo de doo-wop llamado The Royals, integrado por Lawson Smith, Henry Booth y Charles Sutton, con Alonzo Tucker a la guitarra. En otras ocasiones, el grupo había contado con Levi Stubbs (de los Four Tops) y Jackie Wilson. Ballard tuvo la oportunidad de unirse a The Royals cuando Smith, el vocalista principal, fue reclutado por el ejército.
Para que conste en acta …
Nació el 18 de noviembre de 1936 en Detroit, MI; fue criado por familiares en Alabama.
Comenzó a cantar con los Royals en 1951; firmó un contrato discográfico con el sello Federal en 1951; se convirtió en el cantante principal de los Royals; coescribió el primer sencillo del grupo en el Top Ten, “Get It”, en 1953; tuvo su primer sencillo número uno de R&B, “Work with Me, Annie”, en 1954; el grupo cambió su nombre a The Mid-nighters; lanzó su primer sencillo en entrar en las listas de éxitos pop (“Teardrops on Your Letter”), en 1958; grabó “The Twist”, en 1958; se cambió al sello King en 1959; dejó The Midnighters pero conservó los derechos del nombre del grupo en 1963; tocó con la James Brown Revue en la década de 1960; dejó el sello King en 1969; firmó con el sello Charly; grabó la canción de novedad “Let 's Go Streaking” en 1974; ha escrito canciones y realizado giras de manera constante en las décadas de 1980 y 1990.
Ballard debutó como barítono-tenor de los Royals en un concurso amateur de 1951 organizado por el director de orquesta Johnny Otis en el Paradise Theater de Detroit. Compitiendo contra otros artistas como Wilson y Little Willie John, los Royals resultaron ganadores y Otis los contrató para grabar "Every Beat of My Heart" con el sello Federal.
En 1952, Ballard dio un giro a la música de los Royals, alejándola de las baladas melancólicas que los habían caracterizado. «Quería ser diferente», declaró en las notas del álbum Rhino. «Por eso llevé al grupo hacia un estilo más atrevido, con letras sugerentes y todo. Sabía que había un público para ello». Ballard catapultó a los Royals a la fama con «Get It» en 1953, un éxito que alcanzó el Top Ten de R&B y que coescribió con Tucker. En ese momento, era el vocalista principal del grupo y su producción como compositor se había intensificado.
La notoriedad le llegó a Ballard con su éxito de R&B de 1954, "Work with Me, Annie". Aunque la letra sexualmente explícita de la canción la convirtió en tabú para muchas emisoras de radio, el tema alcanzó el número uno en las listas de R&B. También dio pie a numerosas grabaciones posteriores. "' Work with me ' era jerga del gueto que significaba … lo que fuera", afirmó Ballard en las notas del álbum Rhino. A medida que esta canción aumentaba la visibilidad del grupo, los Royals cambiaron su nombre a The Midnighters para evitar confusiones con otro popular grupo de R&B, los "5" Royales.
Ballard and the Midnighters alcanzaron su mayor éxito en el R&B en 1954. A pesar de la escasa difusión radiofónica, sus temas «Work with Me, Annie», «Annie Had a Baby» y «Annie 's Aunt Fannie» vendieron más de un millón de discos a nivel internacional. «Work with Me, Annie» fue posteriormente adaptada para el público estadounidense con el título de «Dance with Me, Henry». Ballard y su grupo se convirtieron en grandes atracciones del circuito de R&B. Actuaron con frecuencia en importantes teatros como el Howard de Washington D. C. y el Apollo de Nueva York, entre otros.
Más allá de sus letras obscenas, lo que hizo destacar al grupo de Ballard en el mundo de la música fue la intensidad de sus solos de guitarra. «La mayoría de los discos de R&B de la época incluían interludios de saxo, pero la banda de Hank laceraba la conciencia del oyente con abrasadores solos de guitarra, con una energía capaz de asar las costillas más picantes del tugurio más sórdido del Sur», exclamó Drust. Robert Pruter añadió en The Blackwell Guide to Soul Recordings: «La apasionada voz principal de Ballard obraba maravillas con las melancólicas baladas de blues».
Popularizada por la portada de Checker
Aunque le molestaba que Federal obligara a su grupo a grabar más canciones de «Annie» tras el éxito de «Work with Me, Annie», Ballard permaneció con la discográfica. En 1955, logró otros éxitos de R&B con «Henry 's Got Flat Feet (Ca n't Dance No More)» e «It 's Love Baby (24 Hours a Day)». Sin embargo, su mayor éxito llegó tras la publicación de una de sus canciones — «The Twist» — por otro artista.
«The Twist» surgió de una canción gospel adaptada llamada «Is Your Love for Real», que Ballard y los Midnighters habían interpretado en 1957. Modificaron el arreglo de esa canción en 1958 para crear «The Twist», que luego fue relegada a la cara B de «Teardrops on Your Letter». «La compañía con la que estaba no tenía ninguna fe en ella», dijo Ballard sobre la canción en las notas del álbum de Rhino. «Pensaban que era un disco mediocre». Ballard se inspiró para la letra de la canción en los propios Midnighters, que solían bailar durante sus actuaciones. «Los Midnighters inventaron el Twist», explicó enBehind the Hits. «Los observaba mientras realizaban sus coreografías, veía cómo contorsionaban sus cuerpos, y la letra simplemente me vino a la mente: "twist"».
Ballard and the Midnighters tenían previsto interpretar «The Twist» en el programa American Bandstand de Dick Clark, pero el grupo tuvo que cancelar. Clark intentó que Freddy Cannon participara en su programa para versionar el tema, pero Cannon se negó. Finalmente, programó una aparición de Chubby Checker, cuya interpretación de la canción era muy similar a la de Ballard. «Hizo una copia exacta», afirmó.
Ballard en Behind the Hits. Como resultado de la aparición de Checker en el programa, “The Twist” se convirtió en un éxito número uno en 1960, y el baile se convirtió en una moda adolescente importante.
Aunque recibió poco reconocimiento por «The Twist», Ballard nunca le guardó rencor a Checker por la fama que le dio su canción; la exposición mediática ayudó al cantautor a entrar en las listas de éxitos pop. «Primero hicimos "Twist", pero lo mejor que me ha pasado en la vida fue que Chubby Checker la cantara», declaró en la Enciclopedia Penguin de la Música Popular. Ballard aprovechó su nuevo público con éxitos bailables como «Finger Poppin ' Time», que vendió millones de copias, y «Let 's Go, Let 's Go, Let 's Go», que alcanzaron el séptimo y el sexto puesto en las listas de éxitos pop, respectivamente.
Intento de carrera en solitario
En 1963, Ballard dejó The Midnighters, pero conservó los derechos del nombre del grupo para poder seguir usándolo al tocar con otros músicos. El declive de su éxito a mediados de la década de 1960 se debió en parte a la invasión británica del rock and roll, que relegó al rhythm and blues a un segundo plano. En ese momento, Ballard actuaba como solista, generalmente en pequeños clubes. Continuó lanzando sencillos, con un estilo más funk que antes. También actuó con la James Brown Revue.
Varios sencillos que escalaron posiciones en las listas de soul revitalizaron la carrera de Ballard a finales de la década. Tuvo éxitos con canciones como «How Can You Say You 're Free (When You Ai n't Cut Your Process Yet)» y «How You Gonna Get Respect», que grabó con The Dapps, alcanzó el puesto número 15 en las listas de R&B en 1968.
Ballard se mantuvo activo, con un éxito moderado en la década de 1970, causando revuelo al grabar "Let 's Go Streaking" en 1974 —desnudo— como estrategia promocional. Durante la década siguiente, realizó frecuentes giras, alternando entre apariciones esporádicas y ausencias en la escena musical. Su aclamado álbum doble en vivo, grabado en Inglaterra en 1987, "Hank Ballard Live at the Palais", fue todo un éxito. Bien entrada la década de 1990, el cantante continuó componiendo, grabando y actuando.
Aunque durante muchos años fue prácticamente desconocido para el público general del pop, la influencia de Ballard ha sido evidente en numerosos grupos de música popular a lo largo de los años. Como señaló Stambler: “Los Allman Brothers, por ejemplo, recuerdan que sus primeras bandas solían tocar canciones de Hank Ballard en clubes de Florida a principios y mediados de la década de 1960, y muchos otros grupos que darían origen a las bandas de rock más exitosas de finales de la década de 1960 también utilizaron material de Ballard como parte importante de su repertorio”.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Twist, versión original de 1959 y Work With Me Annie.
Gordon Meredith Lightfoot, Jr., más conocido como Gordon Lightfoot, nació en Orillia, Ontario, Canadá, el 17 de noviembre de 1938, y murió en Toronto, Canadá, el 1 de mayo de 2023. Cantautor y guitarrista.
Gordon Lightfoot, legendario cantautor de folk, fallece a los 84 años.
2 de mayo de 2023, 9:52 a. m. EST
TORONTO (AP) — Gordon Lightfoot, el cantautor de folk conocido por “If You Could Read My Mind” y “Sundown”, y por canciones que relataban historias de la identidad canadiense, falleció el lunes. Tenía 84 años.
La representante Victoria Lord informó que el músico falleció en un hospital de Toronto. Aún se desconocen las causas de su muerte.
Una de las voces más renombradas surgidas de la escena de los clubes de folk de Yorkville en Toronto en la década de 1960, Lightfoot grabó 20 álbumes de estudio y compuso cientos de canciones, incluidas “Carefree Highway”, “Early Morning Rain” y “The Wreck of the Edmund Fitzgerald”.
En la década de 1970, Lightfoot obtuvo cinco nominaciones a los premios Grammy, tres discos de platino y nueve discos de oro por álbumes y sencillos. Ofreció más de 1.500 conciertos y grabó 500 canciones.
Siguió de gira hasta avanzada edad. El mes pasado canceló sus próximos conciertos en Estados Unidos y Canadá, alegando problemas de salud.
«Hemos perdido a uno de nuestros más grandes cantautores», tuiteó el primer ministro Justin Trudeau. «Gordon Lightfoot plasmó el espíritu de nuestro país en su música y, al hacerlo, contribuyó a dar forma al panorama musical de Canadá. Que su música siga inspirando a las futuras generaciones y que su legado perdure para siempre».
Considerada en su momento un “talento excepcional” por Bob Dylan, la música de Lightfoot ha sido versionada por docenas de artistas, entre ellos Elvis Presley, Barbra Streisand, Harry Belafonte, Johnny Cash, Anne Murray, Jane's Addiction y Sarah McLachlan.
La mayoría de sus canciones son profundamente autobiográficas, con letras que indagan en sus propias experiencias de manera franca y exploran temas relacionados con la identidad nacional canadiense. «Canadian Railroad Trilogy» describe la construcción del ferrocarril.
“Simplemente escribo canciones sobre dónde estoy y de dónde vengo”, dijo en una ocasión. “Tomo situaciones y escribo poemas sobre ellas”.
La música de Lightfoot tenía un estilo propio. «No es country, ni folk, ni rock», dijo en una entrevista del año 2000. Sin embargo, tiene elementos de los tres géneros.
“El naufragio del Edmund Fitzgerald”, por ejemplo, es un conmovedor homenaje a los 29 hombres que murieron en el hundimiento del barco en el lago Superior en 1975 durante una tormenta.
Si bien los padres de Lightfoot reconocieron sus dotes musicales desde temprana edad, él no se propuso convertirse en un renombrado baladista.
Comenzó a cantar en el coro de su iglesia y soñaba con ser músico de jazz. A los 13 años, la soprano ganó un concurso de talentos en el Festival de Música Kiwanis, celebrado en el Massey Hall de Toronto.
“Recuerdo la emoción de estar frente al público”, dijo Lightfoot en una entrevista de 2018. “Fue un paso importante para mí…”
El encanto de aquellos primeros tiempos perduró, y en la preparatoria, su cuarteto de barbería, The Collegiate Four, ganó un concurso de talentos de la CBC. Tocó su primera guitarra en 1956 y comenzó a componer canciones en los meses siguientes. Quizás distraído por su afición a la música, reprobó álgebra la primera vez. Tras repetir la materia, se graduó en 1957.
Para entonces, Lightfoot ya había compuesto su primera canción seria: «The Hula Hoop Song», inspirada en el juguete que arrasaba en la cultura popular. Sus intentos por venderla fracasaron, así que, a los 18 años, se marchó a Estados Unidos a estudiar música durante un año. El viaje fue financiado en parte con los ahorros que consiguió trabajando como repartidor de ropa de cama en complejos turísticos de su ciudad natal.
Sin embargo, la vida en Hollywood no era para él, y Lightfoot no tardó en regresar a Canadá. Se comprometió a mudarse a Toronto para perseguir sus ambiciones musicales, aceptando cualquier trabajo disponible, incluyendo un puesto en un banco, antes de conseguir un trabajo como bailarín de country en el programa "Country Hoedown" de la CBC.
Su primer concierto fue en el restaurante Fran's, un local familiar del centro que acogió con entusiasmo su estilo folk. Allí conoció al también músico Ronnie Hawkins.
El cantante vivía con unos amigos en un edificio en ruinas en Yorkville, por aquel entonces una zona bohemia donde futuras estrellas como Neil Young y Joni Mitchell aprenderían el oficio en clubes llenos de humo.
Lightfoot debutó en la radio con el exitoso sencillo «(Remember Me) I'm the One» en 1962, lo que le abrió las puertas a varios éxitos y colaboraciones con otros músicos locales. Ese mismo año, al comenzar a tocar en el Festival Folclórico Mariposa en su ciudad natal de Orillia, Ontario, Lightfoot forjó una relación que lo convirtió en el artista más fiel del festival.
Para 1964, su fama crecía rápidamente y el público empezaba a congregarse en mayor número. Al año siguiente, su canción «I'm Not Sayin'» se convirtió en un éxito en Canadá, lo que contribuyó a dar a conocer su nombre en Estados Unidos.
Un par de versiones de otros artistas también contribuyeron al éxito. La grabación de Marty Robbins de "Ribbon of Darkness" en 1965 alcanzó el número 1 en las listas de música country de Estados Unidos, mientras que Peter, Paul and Mary llevaron la composición de Lightfoot, "For Lovin' Me", al Top 30 estadounidense. La canción, que Dylan una vez dijo que le hubiera gustado grabar, ha sido versionada desde entonces por cientos de músicos.
Ese verano, Lightfoot actuó en el Festival Folclórico de Newport, el mismo año en que Dylan conmocionó al público al abandonar su imagen de músico folk tocando la guitarra eléctrica.
Cuando el auge de la música folk llegó a su fin a finales de la década de 1960, Lightfoot ya estaba haciendo su transición a la música pop con facilidad.
En 1971, hizo su primera aparición en la lista Billboard con “If You Could Read My Mind”. Alcanzó el puesto número 5 y desde entonces ha generado decenas de versiones.
La popularidad de Lightfoot alcanzó su punto máximo a mediados de la década de 1970, cuando tanto su sencillo como su álbum, "Sundown", encabezaron las listas de Billboard, la primera y única vez que lo logró.
Durante su carrera, Lightfoot recibió 12 premios Juno, incluido uno en 1970 cuando se llamaba Hoja de Oro.
En 1986, ingresó al Salón de la Fama de la Industria Discográfica Canadiense, ahora Salón de la Fama de la Música Canadiense. Recibió el premio del Gobernador General en 1997 y fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Country Canadiense en 2001.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Sundown.
Hoy regresamos a Melilla para profundizar en la figura de Maimónides dentro del marco de la Cátedra Melilla-Sefarad-UGR, y conversamos con el cineasta Moisés Salama sobre su documental ¿No sea tu falta?, una reflexión íntima sobre sus raíces, identidades y su vínculo con Melilla.
Garrett Edward Mimms, más conocido como Garnet Mimms, nació en Ashland, Virginia Occidental, Estados Unidos, el 16 de noviembre de 1933. Cantante.
El sitio www.blackpast.org publicó esta biografía firmada por Otis Alexander.
Garnet Edward Mimms (1933 – )
18 de junio de 2021
Contribución de: Otis Alexander
El cantante de rhythm and blues Garnet Edward Mimms nació el 16 de noviembre de 1933 en Ashland, Virginia Occidental, hijo de Eugene Mimms y Fannie Mae Blackwell Mimms, originarios de Yanceyville, Carolina del Norte. Tuvieron siete hijos y se mudaron a Beckley, Virginia Occidental. Mimms comenzó su carrera como cantante de música coral y gospel en la Iglesia Bautista Ebenezer y posteriormente incursionó en los géneros soul y rhythm and blues. Tras graduarse de la escuela secundaria Stratton, exclusivamente para estudiantes afroamericanos, en Beckley en 1951, él y su familia dejaron Ashland para establecerse en Filadelfia, Pensilvania.
En 1953, Mimms, de 20 años, actuó con tres grupos pioneros del R&B: The Evening Stars, The Harmonizing Four y The Norfolk Four. Al año siguiente, en 1954, se unió al Ejército de los Estados Unidos. Durante su servicio militar, Mimms formó un grupo de R&B, los Deltones. Tras licenciarse del Ejército en 1958, regresó a Filadelfia y formó los Gainors, un quinteto de doo-wop. Este grupo grabó sencillos para Red Top y Mercury entre 1959 y 1960, y «Tally Ho» en 1961.
En 1961, Mimms dejó Gainors para formar un nuevo grupo, Garnet Mimms and the Enchanters. El grupo se mudó a Nueva York y comenzó a trabajar con el compositor y productor discográfico Bert Berns. En 1963, lanzó su primer álbum, *Mimms and The Enchanters*, que incluía el sencillo «Cry Baby». El disco alcanzó el puesto número 4 en la lista Billboard Hot 100 durante 14 semanas y vendió más de un millón de copias. Mimms también lanzó, a través de United Artists Records, el sencillo «For Your Precious Love», que llegó al Top 30 de Billboard ese mismo año (1963), al igual que «Baby Don't You Weep», la cara B del sencillo. Este fue uno de los primeros éxitos de R&B de doble cara de la década de 1960. Alcanzó el puesto número 26 en las listas durante nueve semanas en 1964. A pesar de este éxito, Mimms and the Enchanters tuvieron una corta trayectoria y se disolvieron a finales de 1964.
En 1966, Mimms compuso la música y la letra del sencillo «Keep on Smiling». Fue lanzado por el sello Veep, pero tuvo poco éxito. Mimms se tomó un descanso de once años y regresó a la música en 1977 con el sencillo disco-funk «What It Is» para Arista Records, bajo el nombre de Garnet Mimms and the Truckin' Company. El disco alcanzó el puesto número 38 en 1977 y llegó al número 44 durante una semana en la lista de sencillos del Reino Unido. Al cumplir 44 años ese mismo año, y siendo un cristiano devoto, Garnet Mimms intentó retirarse de la industria musical comercial. Sin embargo, en 2005 regresó a la escena musical con el sencillo «Back to my Roots», y en 2007 lanzó el álbum de gospel «Anybody Out There?» con el sello Evidence.
En 1999, Mimms recibió el premio “Rhythm and Blues Foundation Pioneer Award for Individual Artist” en Los Ángeles por su éxito de 1963, “Cry Baby”.
Garnet Edward Mimms y su esposa, Deloris Emma Mimms, residen en Filadelfia, y él ya no está vinculado al mundo del espectáculo. La pareja tiene una hija.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Cry Baby.
Petula Sally Olwen Clark, más conocida como Petula Clark, nació en Epsom, Surrey, Reino Unido, el 15 de noviembre de 1932. Cantante, actriz y compositora.
Nacida el 15 de noviembre, con una voz tan dulce como las campanas de una capilla, Petula Clark saltó a la fama durante la Segunda Guerra Mundial cuando, de niña, entretenía a las tropas tanto en la radio como en conciertos. Debutó en la radio el 17 de octubre de 1942 en el Servicio del Imperio de la BBC, en un programa de peticiones llamado "It's All Yours", donde cantó "Mighty Lake a Rose" para su tío, que servía en Irak. La reacción fue tan positiva que la invitaron a unirse a estrellas como Vera Lynn y Michael Redgrave en el Queensbury All-Services Club (actualmente el Teatro Prince Edward de Londres) en diciembre de 1942. Pronto se la conoció como la Shirley Temple británica y la "Merry Mimic" de la radio, con más de 500 conciertos antes de cumplir los 12 años.
PRIMEROS AÑOS DE SU CARRERA CINEMATOGRÁFICA
Petula fue descubierta por el productor Maurice Elvey mientras actuaba en el Royal Albert Hall de Londres y le ofreció un papel en la que sería la primera de treinta películas británicas. Su primera película fue MEDAL FOR THE GENERAL (1944). Entre sus películas más memorables se incluyen: el clásico I KNOW WHERE I'M GOING (con Wendy Hiller, 1945); LONDON TOWN (en Technicolor, junto a Sid Field, 1946); VICE-VERSA (dirigida por Peter Ustinov y protagonizada también por un jovencísimo Anthony Newley, 1948); las películas de THE HUGGET FAMILY (1948-49); y su primer papel protagonista en DON'T EVER LEAVE ME (1949). En la década de 1950, ya de adulta, coprotagonizó películas como DANCE HALL, THE CARD (con Alec Guinness) y WHITE CORRIDORS (que le valió a Petula una nominación al BAFTA como Mejor Actriz de Reparto). Es interesante observar que, en 1951, los cinéfilos británicos la votaron como su sexta ACTRIZ favorita, justo detrás de Greer Garson y por delante de Margaret Rutherford.
ESTRELLA DE LA RADIO Y LA TELEVISIÓN BRITÁNICA
Durante las décadas de 1940 y 1950, Petula fue invitada frecuente en numerosos programas de radio británicos. Entre los programas más destacados de la BBC se incluyen «Calling All Forces», donde cantaba semanalmente para las fuerzas armadas en el extranjero; «Life of Bliss» con George Cole; y «Petula cantando con Joe "Mr. Piano" Henderson. Apareció en programas experimentales de televisión en la década de 1940 y, en la de 1950, presentó varias series propias, desde los inicios de la programación británica. Petula debutó en televisión con su propia serie en la BBC el 3 de noviembre de 1946, y a partir de entonces fue una figura habitual en la cadena con «Petula Clark» (1946-47), «Pet's Parlour» (1950-53) y «The Petula Clark Show» (1956-57). Su debut televisivo como actriz tuvo lugar en «Guest in the House» en 1957.
CARRERA DISCOGRÁFICA - ANTES DE DOWNTOWN
Petula grabó su primer sencillo, «House in the Sky / Put Your Shoes on Lucy», en junio de 1949 para el sello Columbia, pero no fue hasta 1954 cuando alcanzó su primer éxito oficial en el Top 10 con «The Little Shoemaker», que también llegó al número uno en Australia. Le siguieron otros sencillos de éxito en la década de los cincuenta, como «Suddenly There's a Valley», «Majorca» y «With All My Heart».
En 1957, la invitaron a cantar en el famoso teatro Olympia de Francia. Tras una sola canción, el público francés enloqueció, y así comenzó una nueva etapa en su carrera. En respuesta al furor del rock and roll de finales de los cincuenta, Petula volvió a las listas de éxitos en Inglaterra con las canciones «Alone» y «Baby Lover», más animadas que sus dulces baladas anteriores.
CANTANTE FRANCESA / ESTRELLA DEL POP EUROPEO
Cuando le propusieron grabar en francés, Petula se negó inicialmente, pero el francés Claude Wolff la convenció rápidamente. Se enamoró perdidamente de él y se casaron en junio de 1961. A principios de los sesenta, Petula se reinventó como cantante francesa, llegando incluso a rivalizar con la legendaria Piaf, en vida de esta. (En las tiendas de discos francesas y francocanadienses siempre figuraba como cantante francesa). En 1962, Petula fue elegida la mejor cantante femenina de Francia, por encima de Edith Piaf. Realizó giras con Jacques Brel y encabezó temporadas en el famoso Olympia de París. Petula colaboró con muchas leyendas francesas, como Charles Aznavour, Serge Gainsbourg, Dalida, Claude François, Johnny Hallyday y Sacha Distel, y presentó numerosos programas especiales de televisión en directo desde París, además de su propio programa de variedades en francés. Además de su recién adquirido estatus de estrella del pop francés, Petula también empezó a cosechar éxitos con las canciones que había comenzado a grabar en alemán e italiano. Uno de sus éxitos en francés, «Ya, Ya Twist», incluso llegó a entrar en el Top 20 británico. Entre 1962 y 1964, obtuvo discos de oro por «Romeo» (cantada en inglés), «Chariot» (cantada en francés) y «Monsieur» (cantada en alemán), y Petula recibió dos prestigiosos premios franceses de la música: el Grand Prix du Disque Français (1962) y Les Bravos du Music Hall (1965). A mediados de los sesenta, ya se había consolidado como una superestrella en toda Europa, con canciones número uno interpretadas en diferentes idiomas en distintos países del continente. (Cabe destacar que cada uno de sus primeros éxitos europeos fue con canciones completamente diferentes, ¡una hazaña que ningún otro cantante ha logrado igualar!).
CENTRO
Animada por sus amigos británicos a grabar algo en inglés, Tony Hatch le presentó a Petula su nueva canción, «Downtown», durante una visita de trabajo a París. La grabó en Londres en octubre de 1964. Aunque los Beatles le impidieron alcanzar el número uno en el Reino Unido, llegó al número uno en Estados Unidos a principios de 1965 sin que ella la promocionara en absoluto. Le valió un Grammy a la Mejor Grabación de Rock and Roll, superando a los Beatles, y quedándose a las puertas del premio a la Grabación del Año (que se llevó Herb Alpert por «A Taste of Honey») y al de Mejor Artista Revelación del Año (que ganaron los Beatles). Petula se convirtió en la primera mujer británica en vender un millón de copias en Estados Unidos, la primera británica en ganar dos Grammys con «Downtown» y «I Know a Place», y en alcanzar el número uno en las listas estadounidenses dos veces con «Downtown» y «My Love». En 1966, la revista Cashbox la eligió como la Mejor Cantante Femenina de Estados Unidos. En 1965, Petula también alcanzó el Top 5 estadounidense como compositora con la versión que The Vogues hicieron de su éxito británico " You're The One", que coescribió con Tony Hatch. (¡La versión grabada por Petula incluye la guitarra del entonces músico de estudio, Jimmy Page!). En total, Petula ha tenido 15 éxitos en el Top 40 de Estados Unidos, incluyendo "A Sign of the Times", "I Couldn't Live Without Your Love" y "Don't Sleep in the Subway" (con una letra magnífica de Jackie Trent y música de Tony Hatch). "Kiss Me Goodbye", escrita por Les Reed y Barry Mason, también llegó al Top 20 en 1968. A nivel internacional, Petula Clark ha figurado en las listas de éxitos del Top 40 en algún momento, ¡con más de 160 grabaciones!
PELÍCULAS, ESPECIALES DE TELEVISIÓN Y SERIES DE HOLLYWOOD
En los años sesenta, protagonizó dos musicales de Hollywood, *Finian's Rainbow* y *Goodbye Mr. Chips*, junto a estrellas como Fred Astaire y Peter O'Toole. Además de sus papeles en el cine, Petula se convirtió en una figura habitual de los programas de variedades estadounidenses, apareciendo con leyendas como Bob Hope, Johnny Carson, Ed Sullivan, Sammy Davis Jr., Lucille Ball y Danny Kaye, y cantando a dúo con Dean Martin, Carol Burnett, Dinah Shore, Bobby Darin, Perry Como y Glen Campbell. Su primer especial de televisión estadounidense con Harry Belafonte como invitado aún se recuerda por su lucha contra el racismo, cuando insistió en que se emitiera un dueto de su canción "On the Path of Glory" en el que tocaba el brazo de Harry de forma natural, algo que en 1968 el patrocinador consideraba inaceptable: una mujer blanca tocando a un hombre negro. Otros especiales estadounidenses memorables incluyen «Portrait of Petula» (con Andy Williams en 1969) y «Petula» (con Peggy Lee y los Everly Brothers, 1970). Presentó dos populares programas de variedades para la televisión británica: «The Petula Clark Show» (1956-57) y «This is Petula Clark» (1966-67). En 1969, su concierto televisado «An Evening with Petula Clark», grabado en el Royal Albert Hall, tuvo el honor de ser el primer programa británico emitido en color. Además de los especiales de conciertos para la televisión británica (1969, 1974 y 1983), también se realizaron conciertos televisados de Petula en todo el mundo, desde «Live at the Sydney Opera House» (1973) y «Live in Japan» (1973), hasta «Live in Montreal» (1976) y el más reciente «Live in Berlin» en 2016. Asimismo, Petula es la única persona en el Reino Unido que ha sido sorprendida tres veces en «This is Your Life».
VEGAS Y SUPERESTRELLA DEL TEATRO
Petula debutó en Las Vegas en el Caesar's Palace con Woody Allen en 1966, y para 1969 ya contaba con contratos a largo plazo que la convirtieron en la estrella principal del Caesar's Palace y el Riviera, con teloneros como Joan Rivers, los Osmond Brothers y los Righteous Brothers. Su espectáculo en clubes nocturnos la llevó por todo Estados Unidos, desde el Cocoanut Grove en Los Ángeles hasta el Copacabana en Nueva York, y en 1975 batió récords de taquilla en el Waldorf Astoria.
Para la década de los setenta, ya era una superestrella consagrada de Las Vegas, cosechando elogios tanto de la crítica como del público estadounidense. Ofreció una serie de conciertos en Francia y Canadá, apareció en la televisión europea, presentó dos populares programas de variedades en Inglaterra (por los que la revista TV Times la nombró "Estrella de Televisión Más Popular") y siguió siendo una invitada muy solicitada en la televisión estadounidense.
En los años ochenta, alcanzó la fama como estrella de la música country estadounidense con su éxito "Natural Love", que llegó al Top 20. Posteriormente, se reinventó como una exitosa estrella de teatro en el West End londinense, comenzando con el papel de María en "La novicia rebelde" (The Sound of Music). Los créditos teatrales de Petula se remontan a los años cincuenta. En 1950 protagonizó "Salsa para el ganso" (Sauce for the Goose), en 1954 "La ninfa constante" (The Constant Nymph) y en 1959 la pantomima "Humpty Dumpty" (Humpty Dumpty) en Southampton, antes de partir hacia Francia. En 1981, su papel protagónico como María en "La novicia rebelde" (The Sound of Music) (en el imponente teatro Apollo Victoria de Londres) registró la mayor asistencia en una sola semana (del 26 al 31 de octubre de 1981) de cualquier producción musical británica en la historia. El teatro, con capacidad para 2600 personas, mantuvo una ocupación del 101% durante más de un año. En 1983 protagonizó la obra clásica de George Bernard Shaw, Candida, en Guildford, Inglaterra, junto a Michael Craig. En 1989 estrenó en Cambridge, Inglaterra, el musical Someone Like You, del cual también compuso la música, ambientado en la Guerra de Secesión estadounidense. Tras una exitosa gira nacional, se estrenó en el Strand Theatre de Londres en 1990. Lamentablemente, la obra cerró a las pocas semanas debido a problemas de producción, lo que resultó muy doloroso para Petula y su compañía, pero sus seguidores la recuerdan con cariño.
En la década de los noventa, Petula debutó en Broadway protagonizando junto a David y Shaun Cassidy la exitosa producción de BLOOD BROTHERS, seguida de una aclamada gira estadounidense con la misma obra. En 1998, Petula regresó a Inglaterra, donde Su Majestad la Reina de Inglaterra le otorgó la prestigiosa condecoración de Comendadora de la Orden del Imperio Británico (CBE) en reconocimiento a su legendaria trayectoria.
En septiembre de 1995, Petula debutó en el escenario interpretando el papel principal de Norma Desmond en SUNSET BOULEVARD de Andrew Lloyd Webber; un papel que, hasta la fecha, ha interpretado más veces que ninguna otra actriz. Tras su presentación en el Teatro Adelphi del West End londinense, se embarcó en una gira nacional por las principales ciudades de Estados Unidos con el musical.
EL MILENIO Y MÁS ALLÁ
El 28 de octubre de 2000, Petula presentó un nuevo espectáculo unipersonal: un concierto que repasaba su vida y su carrera, con gran éxito de crítica en el Teatro St. Denis de Montreal, Canadá. En mayo de 2001, protagonizó un espectacular concierto de dos horas, el broche de oro del Festival de las Artes de Virginia, que duró un mes. El espectáculo fue grabado por PBS y se emitió a nivel nacional como parte de las campañas de recaudación de fondos de PBS en diciembre de 2001. Un documental complementario de MPI Home Video, PETULA CLARK: UN SIGNO DE LOS TIEMPOS, también se emitió en numerosas estaciones de PBS de todo el país. En esta nueva biografía, se narra la extraordinaria vida de Petula y se presentan las historias detrás de su música alegre y siempre popular, incluyendo su canción más emblemática, «Downtown», ganadora del premio Grammy. Los recuerdos de Petula, grabados en Norfolk, Virginia, durante el concierto, ofrecen una mirada sincera y profunda a su larga y fascinante trayectoria en el mundo del espectáculo.
A principios de 2002, Petula ofreció un concierto en California, en el Centro Richard y Karen Carpenter para las Artes Escénicas, y también actuó en Los Ángeles en marzo en un concierto homenaje al legendario compositor Johnny Mercer. Posteriormente, realizó una gira de 24 ciudades por el Reino Unido para presentar su nuevo álbum británico, The Ultimate Collection, que se posicionó entre los 20 primeros puestos de las listas de éxitos británicas.
PETULA LEGENDARIA
En 2003, «Downtown» fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. A lo largo de su carrera, Petula ha logrado colocar más de 150 canciones en las listas de éxitos, en diversos idiomas y países de todo el mundo. Ha grabado con artistas de la talla de Charles Aznavour, Michael McDonald, Andy Williams y Rod McKuen, y participa en el coro del icónico tema de John Lennon, «Give Peace a Chance». En 2011, grabó una versión de «Downtown» con The Saw Doctors, que alcanzó el número 2 en las listas irlandesas. Se recuerdan con cariño sus memorables duetos televisivos con artistas como Cliff Richard, Helen Reddy, Peggy Lee, Matt Monro, Jack Jones, The Pointer Sisters, Anthony Newley y The Everly Brothers, así como su dueto con la estrella escocesa Paolo Nutini en una gala de Quincy Jones en Montreux en 2008.
Desde el año 2000, Petula ha continuado girando por todo el mundo, incluyendo el Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Bélgica, los Países Bajos, Suiza, Francia, Filipinas y Canadá. Sus álbumes "The Ultimate Collection" (2002), "Then and Now" (2008), "Lost in You" (2013) y "From Now On" (2016) alcanzaron los primeros puestos en las listas de éxitos británicas, otorgándole uno de los mayores periodos de permanencia en las listas —con material nuevo— de cualquier otro artista en la historia, junto a leyendas como Tony Bennett, Johnny Mathis, Vera Lynn y Cliff Richard. En 2018, su álbum "Vu d'ci" debutó en el número uno de la lista de iTunes de Canadá francófona e incluso llegó a figurar en el Top 60 nacional canadiense de iTunes, ¡a pesar de estar cantado íntegramente en francés! Hasta la fecha, ha grabado miles de canciones en inglés, francés, alemán e italiano, y muchas de ellas han sido éxitos desde Australia hasta Brasil, y desde Tailandia hasta Japón. Petula también ha conquistado a nuevas generaciones con remixes para discotecas de "Downtown" en 1988, y nuevamente en 2013 con "Cut Copy Me". Esta última grabación ya había alcanzado el Top 30 de las listas de éxitos pop en Bélgica el año anterior. En su larga trayectoria, ha vendido aproximadamente 100 millones de discos en todo el mundo. Tras finalizar su último álbum franco-canadiense, "Vu d'ici", Petula realizó una gira por la provincia de Quebec en mayo de 2018, cosechando excelentes críticas. Ese mismo otoño, recorrió Estados Unidos de costa a costa, actuando en diversos recintos por todo el país. En mayo de 2019, se embarcó en una gira de conciertos por Australia, seguida de un regreso a Quebec y Toronto para ofrecer dos conciertos muy especiales en junio. En septiembre, volverá a Londres para comenzar los ensayos de su próximo papel en MARY POPPINS, donde interpretará a la Mujer Pájaro, cantando la icónica canción "Feed the Birds".
En octubre de 2019, Petula regresó a Londres tras ser invitada por el legendario productor Sir Cameron Mackintosh a unirse al elenco londinense de MARY POPPINS de 2019, interpretando un nuevo papel más importante como la Mujer Pájaro, con la canción favorita de Walt Disney, «Alimenta a los pájaros». El espectáculo se estrenó con críticas entusiastas, y Petula fue descrita como «legendaria», «eterna», «maravillosa» y «conmovedora», lo que le valió su segunda nominación a un Premio Olivier. Petula y el elenco actuaron y fueron presentados al Príncipe Guillermo y la Princesa Catalina en la Royal Variety Performance de 2019. Petula continuó en el papel durante toda la temporada, que finalizó en enero de 2023 (lamentablemente, la pandemia provocó un cierre temporal de más de un año).
En 2021, Petula fue homenajeada con el premio "Bob Harrington a la Trayectoria Artística" de los 36 Bistro Awards de Nueva York, presentado por Michael Feinstein. Petula volvió a trabajar con el productor John Williams en sus proyectos para Syndicate, con el lanzamiento de dos nuevas canciones: "New Flag" y "Luminescent". En 2022, la BBC celebró el 80º aniversario de su carrera como estrella en el Reino Unido y su 90.º cumpleaños con una gala especial el viernes por la noche que incluyó "Petula Clark en la BBC", "En directo desde el Royal Albert Hall 1974" y la emisión del único episodio conservado de 1973 de "El Sonido de Petula". La BBC destacó su "extraordinaria carrera, difícilmente igualada".
Petula tiene tres hijos, Barbara, Catherine y Patrick, y dos nietos. Cuando no está de gira ni grabando, reparte su tiempo visitando a sus hijos y a su hermana, también llamada Barbara, y sus residencias en Ginebra y Londres.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Downtown.
Carey Bell Harrington, más conocido como Carey Bell, nació en Macon, Misisipi, Estados Unidos, el 14 de noviembre de 1936, y murió en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 6 de mayo de 2007. Armonicista, cantante y compositor.
Aunque Carey Bell ya tenía su lugar asegurado en el listado de honor de los intérpretes de armónica de Chicago, en la década de los 90 fue cuando realmente pudo sacar todo lo que llevaba adentro y grabó interesantes discos para Alligator y Blind Pig. Su sonido particular lo desarrolló luego de aprender a tocar la armónica con dos maestros inigualables, como lo fueron Big Walter Horton y Little Walter Jacobs, a lo que añadió algunos efectos personalizados para darle un buen tono.
Carey Bell Harrington nació en el fértil estado de Mississippi, donde aprendió a tocar la armónica a los 8 años de edad, lo que llevó a que cinco años más tarde trabajara profesionalmente con su padrino, el pianista Lovie Lee, quien se encargó de llevarlo a Chicago en 1956 para que tomara experiencia y tuviera más oportunidades en el mundo musical. En ocasiones los toques eran pruebas vitales y Carey ocasionalmente terminaba tocando el bajo para Robert Nighthawk, Johnny Young y Big Walter Horton, quien fue su mentor. Finalmente, en 1969 Carey Bell grabó su álbum debut, tocando la armónica, para Delmark Records, lo que le marcó el resto de su camino.
Bell fue un servidor invaluable para las bandas de Muddy Waters y Willie Dixon, girando con ellos permanentemente y participando en sus discos. En la década de 1970, Alligator Records fue el responsable de buena parte del mejor material grabado por Carey Bell, comenzando con un disco grabado al lado de su maestro Big Walter Horton. Participó en la antología “Living Chicago Blues” y en la gran reunión de intérpretes de armónica llamada “Harp Attack!”, al lado de James Cotton, Junior Wells y Billy Branch. La dinastía Bell se ha dedicado a la música, siendo el guitarrista Lurrie Bell el más reconocido de sus hijos, con quien grabó varios álbumes.
Carey Bell murió el 6 de mayo de 2007 debido a una falla cardiaca.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con When I Get Drunk.
Gerard Butler nació el 13 de noviembre de 1969 en Paisley, Escocia.
Familia
Fue el menor de los tres hijos de Margaret y Edward Butler, corredor de apuestas.
Se crio en una familia católica de origen irlandés y no vio a su padre desde los dos años hasta que cumplió dieciséis. Su padre murió de cáncer de colon cuando Gerard tenía veintidós años.
Se mudaron a Montreal (Canadá) cuando él tenía seis meses de edad. Regresó a su localidad natal tras la separación de sus padres y creció junto con su hermano y su hermana mayores.
Estudios
Cursó estudios de Derecho en la Universidad de Glasgow, donde fue presidente de la Sociedad de Leyes de la escuela.
Trabajó como abogado, pero una semana antes de obtener su título en Derecho, tras una juerga desmedida, fue despedido del bufete en el que trabajaba, cerrándose así la puerta al título que casi tenía en sus manos. “Creo que uno no debe arrepentirse de nada hasta su muerte, pero en ese momento pensé que era el peor día de mi vida. Sin embargo, hoy lo veo como el mejor día de mi existencia porque adoro lo que hago y entonces lo odiaba. De alguna manera, el universo me dejó ir en busca de lo que me gustaba”, dijo.
Películas
Dejó Glasgow para trasladarse a Londres, donde por casualidad (servir cafés durante un casting) consiguió su primer trabajo como actor. Se inició con las obras teatrales Coriolanus y Trainspotting y en el cine con la película Mrs. Brown, de 1997. Ese mismo año trabajó en El mañana nunca muere.
Pertenece a un estilo de actores marcados por haber llegado ya maduros a Hollywood. Tuvo su primer personaje principal en Drácula de 2000, dos años después apareció en Tomb Raider: La cuna de la vida, trabajando junto a Angelina Jolie.
Gozó de reconocimiento interpretando a Atila en la serie televisiva estadounidense del mismo nombre y trabajó en la serie del Reino Unido The Jury. Tomó lecciones de canto para participar en la adaptación cinematográfica de El fantasma de la ópera, de Andrew Lloyd Webber.
Leónidas
El reconocimiento global le llegó en 2007 con su encarnación del rey Leónidas en el exitoso filme 300, dirigido por Zack Snyder. Ese mismo año rodó el drama P.S. I Love You.
Trabajó en 2008 haciendo de gánster en la comedia oscura y violenta RocknRolla, dirigida por Guy Ritchie. En 2009 fue el protagonista de Gamer, película de acción basada en un videojuego, y coprotagonista en The Ugly Truth y en Law Abiding Citizen, junto con Jamie Foxx.
En 2010 trabajó en The Bounty Hunter y prestó su voz para How to Train Your Dragon.
Durante 2010, tras rodar Ex-posados, corrió el rumor de su romance con Jennifer Aniston, compañera de reparto.
«Veo a muchos actores para quienes la vida se convierte en un gran programa». Gerard Butler
En 2011 rodó Coriolanus, dirigida e interpretada por el actor Ralph Fiennes, y tuvo como compañera de reparto a Vanessa Redgrave.
Protagonizó el thriller de acción Olympus Has Fallen, estrenado en 2013, trabajando junto a Morgan Freeman. Durante el rodaje, se rompió dos huesos del cuello. Después trabajó en Geostorm (2017) y Hunter Killer (2018).
Actuó nuevamente como Mike Banning en la película Angel Has Fallen en 2019, y tras los retrasos en el lanzamiento debido a la COVID-19, Butler protagonizó Greenland en 2020.
En enero de 2024, se anunció que Butler repetiría su papel de Estoico el Vasto en la nueva versión de How to Train Your Dragon, con estreno en 2025.
Fue elegido como el hombre más atractivo de 2005 por la revista Hello! Hugo Boss le contrató para promocionar uno de sus productos estrella, el perfume Boss Bottle.
Vida privada
Butler nunca ocultó su lucha contra el alcoholismo. En febrero de 2012, su representante anunció que había completado un curso de tratamiento contra su abuso de analgésicos en un centro de rehabilitación, a los que se había enganchado para aliviar el dolor tras sufrir un accidente de surf.
En noviembre de 2018, la casa de Butler en Malibú se quemó en el incendio de Woolsey, uno de los peores fuegos registrados en California.
«Desde que era niño, me encantaba ser el centro de atención». Gerard Butler
A continuación, celebramos su cumpleaños, con The Music of the Night.
