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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Joseph Harry Silverstein nació en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 21 de marzo de 1932, y murió en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 2015. Violinista, director de orquesta y profesor de música
Joseph Harry Silverstein (21 de marzo de 1932 – 21 de noviembre de 2015) fue un violinista y director de orquesta estadounidense.
Conocido por familiares, amigos y colegas como "Joey", Silverstein nació en Detroit. De joven, Silverstein estudió con su padre, Bernard Silverstein, quien era profesor de música en una escuela pública. Comenzó sus estudios en el Instituto Curtis de Música en Filadelfia a los 12 años. Entre sus profesores se encontraban Efrem Zimbalist, DC Dounis, William Primrose, Josef Gingold y Mischa Mischakoff. Aunque nunca completó formalmente su educación secundaria, Silverstein se graduó de Curtis en 1950. Tras finalizar sus estudios en Curtis, Silverstein tocó como músico de sección con la Orquesta Sinfónica de Houston, la Orquesta de Filadelfia y la Orquesta Sinfónica de Denver.
En 1955, Silverstein se unió a la sección de segundos violines de la Orquesta Sinfónica de Boston (BSO), siendo el músico más joven de la orquesta en ese momento. En 1959, ganó una medalla de plata en el Concurso Musical Reina Isabel, y en 1960 ganó el Premio Naumburg de la Fundación Walter W. Naumburg. En 1962, Silverstein se convirtió en concertino de la BSO, cargo que ocupó durante 22 años. Fue nombrado director asistente de la BSO en 1971. Mientras estuvo en Boston, Silverstein actuó con otros conjuntos locales como la Civic Symphony y Banchetto Musicale. También enseñó en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, la Universidad de Yale y la Universidad de Boston, además de formar parte del profesorado del Centro Musical Tanglewood. Silverstein dejó la BSO en 1984. En 1973, dirigió y tocó como solista con los Conciertos Orquestales de Naumburg, en el Naumburg Bandshell, Central Park, en la serie de verano. Fue notablemente compañero de recital de la pianista Michele Levin.
Silverstein fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Utah de 1983 a 1998. Se desempeñó como director musical interino de la Orquesta Filarmónica de Florida en 2001 hasta la disolución de la orquesta en 2003. Fue asesor artístico de la Orquesta Sinfónica de Portland para la temporada 2007-2008. Además de enseñar en Boston, fue profesor de violín en el Instituto de Música Curtis. En 1969, se convirtió en artista docente del Festival de Música de Sarasota. Silverstein tocaba un Guarneri del Gesù de 1742.
Silverstein se casó con Adrienne Shufro en 1954. Tuvieron dos hijas y un hijo. Al momento de su muerte en 2015, le sobrevivieron su viuda, sus hijos y cuatro nietos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación del Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor Op. 77, de Johannes Brahms, y la Orquesta Sinfónica Cívica de Boston, dirigida por Max Hobart.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Stephen Hough, y la Orquesta Filarmónica de Radio de los Países Bajos, dirigida por David Robertson.
Óscar Chávez Fernández, más conocido como Óscar Chávez, nació en la colonia Portales, Ciudad de México, México, el 20 de marzo de 1935, y murió en su ciudad, el 30 de abril de 2020. Cantante, guitarrista, actor, compositor, investigador, director de teatro y poeta.
Óscar Chávez principal exponente de la lírica tradicional mexicana
Boletín No. 479 - 30 de abril de 2020
El músico, compositor y actor reconocido por sus aportes a la música popular y de protesta, falleció la tarde de este jueves 30 de abril
Óscar Chávez, considerado uno de los máximos exponentes de la trova y la música tradicional mexicana, falleció este día en la Ciudad de México y deja huella en los jóvenes de la década de los sesenta con canciones como Por ti e, incluso Macondo, con la que invitó a volar al lado de sus mariposas amarillas.
La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) lamentan el deceso del cantautor nacido en 1935, quien estudió en la Escuela de Arte Teatral del INBAL y en la Universidad Nacional Autónoma de México.
En su cuenta de Twitter, la secretaria de Cultura, Alejandra Frausto Guerrero, anunció la partida del artista: “Una voz de lucha nunca se apaga, gracias, Óscar Chávez, tu vida fue un viaje digno de ti. Mi más sentido pésame a sus familiares, amigos y compañeros de lucha y canción ¡Viva Óscar Chávez!”
En las últimas décadas del siglo pasado, Chávez se dedicó al rescate de las tradiciones populares en la República mexicana y fue reconocida su labor con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Tradiciones Populares (2011).
Oscar Chávez, además de compositor, participó en la cinta Los caifanes. Como actor fue dirigido por Héctor Mendoza, Ludwik Margules, Luis Alcoriza, Juan José Gurrola y Juan Ibáñez, entre otros, aunque su mayor reconocimiento lo obtuvo en el ámbito musical.
Fue uno de los máximos exponentes en el país del movimiento musical, folclorista y de protesta latinoamericano conocido como Canto nuevo o Nueva canción.
Entre su amplia discografía, con más de un centenar de discos, destacan Herencia Lírica Mexicana, los tres volúmenes de la serie Voz viva de México (en el cual recita poemas de Sor Juana Inés de la Cruz, Gilberto Owen y Amado Nervo), sus interpretaciones con Guillermo Velázquez y los Leones de la Sierra de Xichú y el Trío Los Morales, sus Parodias Políticas, los inolvidables discos de Macondo y Los Caifanes, y Cuento de Navidad, farsa teatral de Emilio Carballido, entre muchos otros.
Entre los recintos donde llevó a presentarse destacan el Palacio de Bellas Artes en 1973, convirtiéndose en uno de los primeros cantantes de música popular en presentarse en el recinto de mármol. En tanto, el Auditorio Nacional y Ciudad Universitaria fueron escenarios obligados al que acudían sus seguidores cada año.
A lo largo de su trayectoria, se presentó con otros músicos aclamados como Chamín Correa y la Internacional Sonora Santanera, y en múltiples espacios tanto nacionales como internacionales —en Argentina, España, Cuba, Estados Unidos y Chile, por mencionar algunos países.
Óscar Chávez se destacó además por su labor como investigador y difusor de la música tradicional mexicana. Sus producciones comprenden géneros de diversas regiones del país: Oaxaca, Chiapas, Veracruz, Guanajuato, Guerrero, Nuevo León, Yucatán y Ciudad de México, retomando desde corridos ferrocarrileros hasta trova latinoamericana, música española, temas infantiles, tango, bolero y festividades como la Navidad y el Día de Muertos.
Cabe señalar que la Fonoteca Nacional resguarda desde 2017, el fondo documental sonoro personal de Chávez, en el que quedan documentados sus 50 años de carrera, así como su faceta de investigador de la música tradicional de México y otras partes del mundo.
Este acervo cuenta con 383 documentos—entre casetes, discos analógicos, discos compactos, cintas de carrete abierto y otros materiales audiovisuales— con entrevistas, producciones musicales y grabaciones en vivo; además de una amplia cantidad de materiales, como libros, folletos, catálogos, partituras y más, que complementan la documentación de la vida y obra del músico.
Su repertorio está integrado por bagaje amplio, vinculado también a movimientos sociales y políticos, como el del 68 y la lucha del Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN).
Chávez recuperó canciones de compositores inmortales como Chava Flores o Rafael Elizondo y difundía temas de autores como Pancho Madrigal, incluso participó al lado de cantantes de otras generaciones, como el grupo Panteón Rococó y seguía dedicado a la creación de nuevos temas, señaló Ana Valentina López de Cea en su texto Óscar Chávez, 83 años de canto inquebrantable.
Carlos Monsiváis resumía en su texto Óscar Chávez, el relajo liberador, el trabajo de décadas de este artista: “Desde hace años, Óscar Chávez —cantante, compositor, folclorista, antólogo, luchador social— trabaja en una triple vertiente: rescate de la herencia lírica, presentación de nuevos materiales mexicanos y latinoamericanos, y manejo de las vetas satíricas de la canción. Él no jerarquiza, y si no le concede igual tiempo, sí le da igual importancia a lo viejo y lo nuevo, lo triste y lo divertido, lo épico y lo sensual”.
Como homenaje al “Caifán Mayor”, la Secretaría de Cultura y organismos que la conforman compartirán parte de sus conciertos, audios y películas; por ejemplo, a las 20:00 horas de este jueves, la proyección del concierto que ofreció el pasado 2 de octubre 2019 en el Complejo Cultural Los Pinos, con motivo de la conmemoración de los 51 años de los trágicos hechos ocurridos en Tlatelolco, durante el movimiento estudiantil del 68. Esta transmisión será en la página Contigo en la distancia (contigoenladistancia.cultura.gob.mx).
Canal 22 también transmitirá ese mismo concierto el viernes 1 de mayo a las 22:30 h, mientras que el domingo 3 de mayo a las 17 h toca el turno del Concierto Festival del Centro Histórico 2016. Celebrando a Óscar Chávez y este jueves 30 de abril programará el documental Ardió, arde, arderá. Óscar Chávez, músico a las 22:30 h, que fue producido por Arturo Ripstein y Roberto Fiesco, y dirigido por Julián Hernández.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nunca jamás.
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta: Investigué Pueblo 340 Personas: 12 Tests 63% Judíos | 523 Años Secreto.
La Puebla de Sancho Pérez, Extremadura. 340 habitantes. TODAS las familias encienden 2 velas cada viernes. TODAS lavan carne con sal 3 veces. Nadie sabe por qué. "Es tradición del pueblo." Investigué durante 1 año. 12 tests ADN. Promedio: 63% judíos sefardíes. Pueblo entero = descendientes conversos Toledo 1502.
FUENTES CITADAS: Real Cédula 1502 - Archivo General Simancas - Carta Obispo Badajoz 1502 - AGS Inquisición - Jane Gerber, "The Jews of Spain", 1992, CUNY - Haim Beinart, "Los Conversos ante el Tribunal", 1983 - MyHeritage Iberian Study 2020 - 12 tests La Puebla - Registro Sello Castilla 1500-1510, Legajo 392
✓ 6 costumbres judías preservadas 523 años
✓ 8 casos reales - reacciones diferentes
✓ Documento fundación pueblo 1502
✓ Reunión revelación verdad a comunidad
✓ Consecuencias 6 meses después
DISCLAIMER: Es un contenido educativo basado en la investigación histórica y datos genéticos. La información se presenta en formato storytelling para una mejor percepción.
Los porcentajes de ADN, las fechas y los hechos provienen de Fuentes disponibles, pero pueden tener errores. Recomendamos verificar la información usted mismo.
William Sheehan, más conocido como Billy Sheehan, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de marzo de 1953. Bajista.
El sitio www.rockaxis.com publicó este artículo firmado por Cristián Pavez.
Billy Sheehan: La vigente magia de las cuatro cuerdas
Domingo, 30 de Abril de 2017
La tarde invitaba a una cita mágica y propicia para disfrutar una nueva clínica de bajo de una verdadera leyenda viviente del instrumento, como lo es William “Billy” Sheehan, que a sus 64 años sigue destilando su increíble talento con abismante habilidad, pasión, emoción y por supuesto, mucha técnica. El músico de dilatada trayectoria en bandas de hard rock como Talas, David Lee Roth, Mr. Big y The Winery Dogs, y también del jazz en grupos como Niacin, no era primera vez que realizaba una presentación de este tipo en Chile, pero no por ello el evento pasó desapercibido, sino que, al contrario, logró una gran convocatoria de público de todas las edades.
La apertura estuvo a cargo del reconocido bajista, compositor, intérprete y profesor Mauricio Nader, músico nacional de destacada participación en discos de Six Magics, Alejandro Silva Power Cuarteto, Claudio Cordero Trio e Hidalgo, entre otros. Con un bajo de seis cuerdas en sus manos, el siempre correcto y educado músico interpretó piezas de su material solista, donde destacaron sus bellas armonías, feeling y sutilezas, realizando también “tappings” bellos y melódicos para una muy buena versión de ‘Everdream’ de Nightwish y también de la popular pieza ‘El Cóndor Pasa’. Nader además contó que está próximo a editar un nuevo disco solista y que durante mayo estará realizando una gira por diferentes ciudades de Chile. 30 minutos realmente muy buenos.
A continuación, vino lo que todos esperaban, el gran e inigualable Billy Sheehan que con una carrera musical iniciada en 1965 según él mismo contó, es reconocido por sus increíbles facultades técnicas como el “tapping” a dos manos y el “picking” de tres dedos de su mano derecha, siempre con su bajo Yamaha color verde agua de cuatro cuerdas.
Más que una clínica en sí, se podría decir que lo de Sheehan ayer fue una charla motivacional, dado el gran y carismático sentido del humor del músico, que hizo que los 90 minutos de su set se pasaran volando. Por supuesto que tocó fragmentos instrumentales impresionantes con su bajo, un mix de partes y riff de los grupos más reconocidos donde ha estado, intercalando las sesiones musicales con historias, respuestas y regalos para las preguntas que hacía el público presente.
Sheehan habló mucho y más allá de las anécdotas divertida, contó cosas muy interesantes como reconocer que no sabe sobre teoría musical, ni leer música; que simplemente su carrera se inició cuando se metió a una banda siendo muy joven y se puso a tocar de oído, siguiendo los golpes de batería: “cada vez que el baterista golpea el bombo, tú tienes que tocar una nota” y ese fue su método de aprendizaje, por eso dice que los músicos de su generación se pueden juntar a “jamear” e improvisar algo que no es fácil para cualquier músico. También dijo que su mayor influencia eran los bateristas, tipos como Dennis Chambers (de quien dijo que le “había cambiado la vida como músico”), Greg Bisonette, Pat Torpey y Mike Portnoy, porque desde muy joven se dio cuenta que bajo y batería tienen que estar muy unidos y ser muy sólidos para crear una gran sección rítmica. También hizo algunas bromas divertidas como cuando dijo que había elegido el bajo porque “las cuerdas de guitarra eran muy delgadas y sólo servían para cortar queso” y que el tocaba con los dedos como músicos que lo impresionaron de joven como Tim Bogart y Jack Bruce, “de lo contrario hubiera sido un bajista millonario que toca con uñeta como Paul McCartney”, sacando grandes carcajadas de la audiencia.
Reveló también que una de sus bandas, Mr. Big, ya tiene un nuevo disco grabado a ser editado este año, que Pat Torpey participó mucho en el disco (tiene parkinson), aunque contaron con la ayuda de otro baterista para la grabación igual que en el disco anterior y que el álbum fue grabado junto al productor original de los primeros discos de Mr. Big, el reconocido Kevin Elson, por lo que se puede esperar algo grande con ese disco. También recomendó encarecidamente que los músicos usen protección auditiva, ya que él durante muchos años no lo hizo y tiene algo de pérdida de audición, y contó también que cuando vio a Jimmy Hendrix tocando en vivo en persona, su mundo cambió para siempre no sólo en lo musical, sino también por todas las drogas que rodean el ambiente de un músico, por lo cual dijo que desde 1971 que no consumía absolutamente ninguna droga, ni siquiera marihuana y recomendó a los presentes que se mantengan alejadas de ellas por completo, si es que quieren tener una carrera musical larga y productiva, porque la música tiene la capacidad de cambiar el mundo de una forma positiva.
Para el cierre de velada Sheehan contó que vendría durante el año de gira por Sudamérica con Mr. Big, además de sacarse una gran “selfie” rodeado por todos los presentes reunidos en un gran grupo de fans.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con un fragmento de la presentación de Mr. Big, Paul Gilbert y Billy Sheehan, en directo en el Budokan, 2009.
El compositor estadounidense John Kander (nacido en Kansas City, Misuri, el 18 de marzo de 1927) es el socio musical del dúo de compositores Kander y Ebb, quienes juntos crearon al menos dieciséis musicales de Broadway, entre ellos Flora the Red Menace (1965), Cabaret (1966), Chicago (1975) y Curtains (2007). También contribuyeron con material a catorce películas y especiales de televisión durante sus cuarenta años de colaboración. De forma independiente, John Kander compuso la música de numerosas películas, como Something For Everyone (1970), Kramer vs. Kramer (1979), Places in the Heart (1984) y Billy Bathgate (1991).
Kander y Ebb recibieron numerosos premios: tres premios Tony® (1967 por Cabaret, 1981 por Woman of the Year, 1993 por Kiss of the Spider Woman), el premio Laurence Olivier de Gran Bretaña (1998, por la producción londinense de Chicago), un Emmy® en 1973 y una nominación al Emmy en 1993, ambos por especiales de televisión de Liza Minnelli, y dos premios Grammy® (1967 por el álbum del reparto original de Cabaret y 1998 por el álbum del espectáculo musical de Chicago). El dúo también recibió varias nominaciones a premios, incluyendo nueve para los Tony®, dos para los Oscar® y cinco para los Globos de Oro®. Tanto Cabaret como Chicago fueron adaptadas al cine; la versión cinematográfica de Chicago ganó el premio Óscar® a la Mejor Película en 2002.
Gran parte de la infancia de John Harold Kander en Kansas City transcurrió cantando y haciendo música con sus padres y su hermano. Recibió clases de piano desde los seis años. Mientras estudiaba en Oberlin, compuso la música para tres obras, y tras graduarse en 1951, obtuvo una maestría en la Universidad de Columbia en Nueva York. Durante los veranos de mediados de la década de 1950, Kander dirigió el coro del Teatro Musical Warwick en Rhode Island.
Comenzó su carrera en Broadway como pianista suplente en los ensayos de West Side Story de Leonard Bernstein. En su siguiente trabajo, tocando para las audiciones de Gypsy , conoció al coreógrafo Jerome Robbins, quien le sugirió que compusiera la música de baile para el espectáculo. En 1960 realizó algunos arreglos para Irma la Douce , y en 1962, su primer musical, A Family Affair, con letra de William Goldman, se estrenó, pero no tuvo éxito.
Kander le debe su encuentro con el letrista Fred Ebb en 1963 al editor musical Tommy Valando. Ebb también había tenido recientemente un debut fallido en Broadway. Su primer proyecto en común, la canción "My Coloring Book", fue grabada por Barbra Streisand en su segundo álbum (1963) y nominada a un premio Grammy®. Su primera colaboración teatral a gran escala, Golden Gate, no llegó a estrenarse, pero en 1965 crearon Flora the Red Menace, con Liza Minnelli debutando en Broadway y ganando un premio Tony®. Aunque no fue un éxito rotundo, sirvió para consolidar las relaciones entre Kander, Ebb, Minnelli y el productor Harold Prince.
La siguiente colaboración de la pareja, Cabaret, producida por Prince, se estrenó el 20 de noviembre de 1966 en el Broadhurst Theatre y se representó durante 1165 funciones. Ganó el premio Tony® de 1967 al Mejor Musical, además de otros siete, y consagró la fama mundial de Kander y Ebb. La adaptación cinematográfica de 1972, protagonizada por Liza Minnelli, ganó varios premios Óscar®. El espectáculo se ha repuesto dos veces, en 1987 y en 1998, cuando ganó otro premio Tony® a la Mejor Reposición, tres premios Tony para los actores y siete nominaciones más.
Tras tres musicales más (incluido Zorba en 1968), el dúo cosechó otro gran éxito con Chicago en 1975, con más de 900 representaciones. Fue nominado a once premios Tony®, pero la competencia —A Chorus Line de Marvin Hamlisch— se alzó con todos los galardones. Cuando Chicago se reestrenó en 1996, recibió seis premios. Este gran éxito ha alcanzado un récord de más de 5000 representaciones y sigue en cartelera en 2010.
El segundo premio Tony® de Kander y Ebb fue otorgado en 1981 a la obra Mujer del Año con Lauren Bacall; el tercero fue para El beso de la mujer araña, protagonizada por Chita Rivera, en 1993. Kander ha recibido otros numerosos reconocimientos por sus contribuciones al mundo de la música. Oberlin, su alma mater, le otorgó un doctorado honoris causa en 1988, al igual que la Universidad de Niágara, donde ha impartido clases como profesor invitado, en 1994. Tanto Kander como Ebb fueron homenajeados por el Kennedy Center y recibieron el premio Oscar Hammerstein a la trayectoria artística en el teatro musical.
La colaboración terminó abruptamente cuando Fred Ebb falleció de un ataque al corazón en su casa de Nueva York. En ese momento, estaban trabajando en un nuevo musical, Curtains. (La obra trata sobre una serie de muertes misteriosas durante la producción de un musical de Broadway; casualmente, otros dos miembros del equipo del proyecto fallecieron mientras este se desarrollaba). Se contrató a un nuevo letrista, Rupert Holmes, para ayudar a Kander a continuar y finalizar la obra, que se representó durante 511 funciones, le valió a David Hyde Pierce un premio Tony®, dos premios Drama Desk y siete nominaciones más a los premios Tony.
El nuevo musical de Kander & Ebb, The Scottsboro Boys, se estrena en el Lyceum el 31 de octubre de 2010.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con New York, New York, cantada por Liza Minnelli.
Paul Lorin Kantner nació en San Francisco, California, Estados Unidos, el 17 de marzo de 1941, y murió en su ciudad, el 28 de enero de 2016. Guitarrista y cantante.
El sitio www.jornada.com.mx publicó este recordatorio firmado por Hermann Bellinghausen.
Paul Kantner, el capitán
Hermann Bellinghausen
En el extremo más occidental de la esfera musical anglosajona, que a partir del jazz marcó la música del siglo XX, Paul Kantner nació, igual que los demás fundadores del rock como forma de arte, durante la Segunda Guerra Mundial. En tal carácter fronterizo, su trabajo y su concepción contracultural fueron extremos, aun para los parámetros de creatividad, libertad, experimentación y éxito comercial del rock en el lustro 1965-1970, cuando en Inglaterra y Estados Unidos se estableció que todo era posible, musicalmente hablando. El encuentro del rocanrol a la Elvis con el blues del Chicago profundo abrió un espectro donde cupieron el jazz, el folclor, el barroco europeo, la electrónica, la ópera, los sonidos exóticos (India, Japón, Latinoamérica, África negra) y los soundtracks de Hollywood.
De origen alemán, Kantner nació en 1941 en San Francisco. Muy pronto se aficionó a la ciencia ficción, en la misma paranoia nuclear en que se habían criado Phillip Dick, Robert Zimmerman y Roger Waters. E ideó la fantasía voladora que alimenta su música desde el principio. En el siguiente medio siglo participa en dos dilatados proyectos musicales: un aeroplano y una nave espacial. De los voluntariosos conatos iniciales pasará a la idea de abandonar la Tierra y perderse en las estrellas.
Todo empieza en 1965, cuando conoce a Marty Balin en California, y juntos tocan música folk hasta que conocen a otro par, Jorma Kaukonen y Jack Cassady, washingtonianos ellos y cuates de la infancia. Balin evolucionará a una de las voces más ricas y dramáticas del rock. Juntos forman Jefferson Airplane (la “Avioneta de Allende” la llamó José Agustín en un intento de nacionalización roquera), quizá la primera banda de rock con vocalista mujer, Signe Anderson (quien extrañamente murió el pasado 28 febrero, el mismo día que Paul Kantner). Su primer disco se llamó Despega el Aeroplano de Jefferson. Por entonces ya se cocina en San Francisco, bajo la neoyorquina influencia de Bob Dylan, una espectacular renovación beat con Kerouac, Ginsberg y Ferlinghetti, todavía en funciones, que se concentra en el rock. Están naciendo a la vez Greatful Dead, Quicksilver Messenger Service, Country Joe and The Fish, Big Brother and The Holding Company (todavía sin Janis) y The Great Society, fundado, éste último grupo, por Darby y Grace Slick, nacida Grace Wing (Gracia Ala) en Palo Alto.
Mota, ácido, poesía, ciencia ficción, conciencia trascendental, amor libre, oposición a la guerra de Vietnam. Revolución. Inventan la contracultura de los sesentas en la primera y definitiva escena jipi, a la que volarán pronto los ingleses, empezando por Eric Burdon y sus Noches de San Francisco. En 1966 Signe Anderson deja el aeroplano y lo aborda Grace Slick con dos rolas definitivas bajo la manga, Conejo blanco y Alguien para amar. El Aeroplano y las demás bandas del momento tocan al aire libre y gratis en la calle Haight, junto con la brechtiana compañía San Francisco Mime Troupe. Mientras viajan en el sentido más sicodélico del término, aparece el empresario Bill Graham, quien abre el histórico Fillmore West y deviene productor de Jefferson Airplane.
El capitán de vuelo es Kantner. Son comuna, pero el tiempo revelará que suman una junta de individualidades bullentes difíciles de armonizar. Son el único grupo que participó en los tres grandes happenings del rock: Monterey (o el comienzo, en el “verano del amor”, 1967), Woodstock (o el clímax del desafío jipi, agosto de 1969) y Altamont (o el desastre, diciembre de 1969). Entre la decepción florida y la rabia anarquista se definen los dos proyectos musicales que guardaba el interior del Aeroplano: la sicodelia sideral politizada de Kantner y Slick, y el folk blues de Kaukonen y Casady. Y nacen, con brillantez, Jefferson Starship y Hot Tuna, sin desmontar aún el Aeroplano. En 1969 Jefferson Airplane crea su disco más militante, Voluntarios de América, y en 1971 se despide con un Ladrido, dejando atrás discos como Almohada surrealista y Corona de la creación.
De manera extraordinaria, en medio de pleitos, quiebras financieras (fue célebre su impericia empresarial), divorcios, demandas, insultos y demás como toda buena familia, Hot Tuna y Jefferson Starship llegarían hasta la segunda década del siglo XXI.
Los primeros nunca tuvieron caídas creativas de consideración; los segundos, siempre chidos, sí cayeron en dos-tres baches comercialones. Como pasó con tantos valientes, lo sonado en los sesentas nunca lo lograron superar.
No ajenos a las clásicas historias de excesos (el alcoholismo de Grace Slick y Marty Balin era una bronca), aguantaron el trayecto gracias al capitán Kantner: aunque anarquista, jefe, y aunque pirado a escala cósmica, políticamente sensato y fecundo. Con todo esto a cuestas, obligados por sus acreedores de RCA Victor, en 1989 vuelan juntos una vez más. Ya panzones y pelones, graban Jefferson Airplane, un discazo descaradamente autorreferencial.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Go Ride The Music.
Michael Owen Bruce, más conocido como Mike Bruce, nació en Phoenix, Arizona, Estados Unidos, el 16 de marzo de 1948. Guitarrista, pianista, tecladista, compositor y cantante.
Michael Owen Bruce nació de Alvin y Ruth (Owen) Bruce. Las familias Bruce y Owen se habían mudado a Arizona desde Kansas. La ascendencia familiar incluye cherokee, escocesa, irlandesa, inglesa y normanda francesa. El padre de Ruth, Clarence Glenn Owen, fue veterano de la Primera Guerra Mundial y también jugador profesional de béisbol: "Blacky" Owen. "Al" estuvo en el ejército durante la década de 1940 y Ruth tocaba el piano en la radio y actuaba en muchos eventos de la USO. Después del servicio militar, "Al" trabajó para The Coca-Cola Company. Michael y sus hermanos, David y Paul, asistieron a North High School en Phoenix, Arizona
Michael Bruce comenzó su carrera musical profesional a mediados de la década de 1960. Como tantos jóvenes de la época, encontró una gran inspiración en The Beatles y The Rolling Stones. Tras tocar con The Trolls, Michael se unió a The Wildflowers, la banda de Mick Mashbir (quien más tarde participó en Billion Dollar Babies y Muscle of Love, y también asistió a Camelback High, la misma escuela secundaria que Neal Smith), y comenzó a tomar clases. Este grupo grabó cuatro canciones ("A Man Like Myself", "On A Day Like Today", "More Than Me" y "Moving Along with the Sun"). Mick tenía una casa en el desierto donde ensayaban, pero también era un lugar de fiesta donde solían reunirse los amigos de Alice Cooper. Según Bruce, Bear Family Records (un sello discográfico independiente alemán especializado en reediciones) compró las grabaciones originales a un hombre en Phoenix. Michael formó parte de otro grupo efímero llamado Our Gang (en Our Gang también estaba Bill Spooner, amigo de North High School y miembro de The Tubes). No se conocen grabaciones de este grupo.
En 1966, Michael reemplazó a John Tatum en una banda de Phoenix llamada The Spiders, integrada por Glen Buxton, Dennis Dunaway, John Speer (sustituido por Neal Smith) y Vince Furnier, todos provenientes de institutos de la zona. Uno de sus locales más populares era el VIP Club de Phoenix. En 1967 cambiaron el nombre de la banda a The Nazz, pero tuvieron que volver a cambiarlo en 1968 tras un problema legal con la banda de Todd Rungren, también llamada Nazz. El nuevo nombre del grupo fue Alice Cooper. Presentaron el nuevo nombre en un concierto en Santa Bárbara, California, el 16 de marzo de 1968, día del vigésimo cumpleaños de Michael.
Alice Cooper
Michael Bruce fue miembro fundador, guitarrista rítmico, pianista y tecladista, y cantante principal y corista en el grupo original de Alice Cooper [1] (Michael Bruce/Glen Buxton/Dennis Dunaway/Vince Furnier alias Alice Cooper/Neal Smith). Coescribió muchas de las canciones de éxito del grupo, con algunos o todos los demás miembros. Michael solía componer la música y la letra de las canciones; Furnier podía luego reelaborar la letra. Dos ejemplos de este proceso son "Halo of Flies" y "No More Mr. Nice Guy". Hay varias canciones acreditadas únicamente a Bruce, incluyendo "Caught In A Dream" y "Long Way To Go" de Love It To Death, y "Be My Lover" de Killer. Bruce también cantó la voz principal en la mayor parte de "Sing Low, Sweet Cheerio" del primer álbum del grupo, Pretties For You, y en la totalidad de "Below Your Means" y "Beautiful Flyaway" de su segundo álbum, Easy Action, antes del álbum que catapultó a la banda a la fama, Love It to Death, lanzado en 1971 por el sello Warner Bros. Love It to Death fue el primer álbum de Alice Cooper producido por Bob Ezrin. Su álbum debut, Pretties For You, lanzado en 1969, fue producido por Frank Zappa e Ian Underwood; su segundo álbum, Easy Action, lanzado en 1970, fue producido por David Briggs, quien había trabajado frecuentemente con Neil Young. Resultó que Briggs no era fanático de la música del grupo Alice Cooper, y Warner Brothers decidió que el álbum lanzado fueran en realidad las cintas de ensayo del grupo, preparándose para la grabación en estudio con Briggs. [2] El grupo de Alice Cooper lanzó cinco álbumes más después de Love It to Death, entre 1971 y 1974 (cuatro álbumes nuevos con material original: Killer, School's Out, Billion Dollar Babies, Muscle of Love; y el álbum recopilatorio Alice Cooper's Greatest Hits que contenía canciones previamente lanzadas, sin grabaciones nuevas), antes de tomarse un año sabático para que el grupo descansara y se relajara tras años de giras, composición y grabaciones ininterrumpidas. Tres de los miembros del grupo —Michael, Neal y Vince/Alice— querían grabar sus propios álbumes en solitario, reflejando sus gustos musicales individuales. Welcome to My Nightmare de Alice fue el más exitoso de estos tres proyectos en solitario.
En 1974, se estrenó en los cines estadounidenses la película del grupo original titulada Good to See You Again, Alice Cooper. Las imágenes del concierto se filmaron durante la gira Billion Dollar Babies en 1973 e incluían una historia ficticia sobre un director furioso que buscaba venganza contra la banda, filmada en los estudios Universal de Los Ángeles (una escena de la película del concierto "Welcome to My Nightmare", donde Alice destroza la lápida de neón con una pala, también se filmó durante este tiempo). La parte del concierto en vivo se filmó principalmente en Texas (una buena parte se filmó en el Sam Houston Coliseum de Houston), entre el área de Dallas-Fort Worth y Houston. También aparecieron en Good to See You Again, Alice Cooper Bob Dolin, Mick Mashbir y el mago The Amazing Randi. Dolin tocaba los teclados, Mashbir la guitarra y Randi interpretaba al dentista y verdugo de Alice.
A mi manera
Entre 1973 y 1974, Michael comenzó a trabajar en sus propias grabaciones con un grupo de músicos que incluía a Mick Mashbir (guitarras y voz), Bob Dolin (teclados y voz), Frank Crandall (bajo y voz) y Don Lindley (percusión y voz). Mashbir y Dolin habían formado parte de la banda de gira de Alice Cooper en su tour "Billion Dollar Babies". Esta formación grabó y produjo cuatro canciones ("King of America", "As Rock Rolls On", "Oh, My Love" y "Nothing on Earth") que fueron mezcladas por el productor Jack Douglas.
Cuando Michael decidió dejar Connecticut en 1974 y mudarse a Lake Tahoe, Crandall y Lindley no lo siguieron. Bruce, Dolin y Mashbir se enfrentaron entonces al reto de encontrar una nueva sección rítmica. Bateristas como William "Curly" Smith (de Jo Jo Gunne) y John Barbata (de The Turtles y Crosby, Stills, Nash & Young) vinieron a tocar y grabar a la casa de Bruce en Nevada. Sin embargo, nunca lograron encontrar un bajista fijo.
El álbum de Michael Bruce, In My Own Way, se grabó a lo largo de tres meses en 1975 con los productores Gene Cornish y Dino Danelli de The Rascals. Muchos músicos diferentes pasaron por Record Plant y participaron en las sesiones del álbum: Gerry Beckley (America), Jackie Lomax (The Undertakers, The Lomax Alliance y Badger), Ricky Fataar (The Flames, The Beach Boys y The Rutles), Keith Moon (The Who), Brian Garofalo (bajista de sesión), David Foster (Skylark y Airplay), Hunt Sales (Todd Rundgren, Paris, Iggy Pop, Tender Fury y Tin Machine), Tony Sales (Todd Rundgren, Iggy Pop y Tin Machine), Mylon LeFevre, Lynn Carey y muchos más. El fotógrafo de moda estadounidense Francesco Scavullo realizó una sesión de fotos para Michael que dio como resultado la portada de In My Own Way.
Bebés de mil millones de dólares
Billion Dollar Babies era el nombre de la banda fundada en 1976 por Michael Bruce, Mike Marconi, Dennis Dunaway, Bob Dolin y Neal Smith tras su separación de Alice Cooper en 1974. El álbum en solitario de Bruce, In My Own Way, se había vendido a Polydor en Alemania. Polydor realizó una tirada de prueba muy limitada y decidió archivarlo sin publicarlo. Originalmente, Billion Dollar Babies surgió con la esperanza de que Alice regresara y que Battle Axe fuera el nuevo disco del grupo de Alice Cooper. Ese no fue el resultado, y todos decidieron seguir adelante sin Alice. La revista Time publicó un breve pero esperanzador artículo sobre el grupo en 1977. Se había planeado un espectáculo fantástico y muy teatral en el que Bruce y Marconi se enfrentarían como gladiadores. A pesar del comienzo prometedor, la banda se vio envuelta en una demanda por el uso del nombre. El espectáculo resultó demasiado costoso y la gira fue bastante breve. Su único lanzamiento fue Battle Axe en 1977. Desafortunadamente, el disco perdió impulso al ser retirado del mercado por problemas de masterización que provocaban que la aguja del tocadiscos saltara. Bruce, Dunaway y Smith también habían invertido una gran suma de su propio dinero en el proyecto. Jack Douglas, quien había trabajado en Muscle of Love con Jack Richardson, fue contratado para solucionar el problema de masterización. Con tantos problemas a su alrededor, el grupo se disolvió.
La banda Josiah-Bruce
En enero de 1990, Michael conoció a un hombre llamado Josiah que trabajaba con jóvenes con problemas. Compartían un interés común por la música y se hicieron amigos. Josiah y Bruce pronto decidieron formar una banda y llamarla The Josiah Bruce Band. La banda también incluía a Ronnie Bolsega (de Hammond, Indiana) en la batería, Joel DuBois (de JFA) en el bajo y Mike Carpenter (también conocido como Psych) (de Down Boy y RAFR) en la guitarra. Tocaron en vivo y grabaron material suficiente para un álbum, pero nunca se publicó nada
El Grupo Michael Bruce
No More Mr Nice Guy: The Inside Story of the "Alice Cooper" Group de Michael Bruce y Billy James se publicó el 1 de octubre de 1996 (y se actualizó y reeditó en 2000). Un libro relativamente corto (159 páginas), con algunas fotos raras de la colección personal de Bruce, fue publicado por SAF Publishing (una empresa del Reino Unido). En 1996, Bruce se había mudado a Texas y vio su álbum, In My Own Way, lanzado por primera vez en CD por One Way Records. En 1998, mientras residía en Houston, Michael formó una banda que tocaba localmente y giraba como The Michael Bruce Group. Los miembros de la banda eran Michael Bruce (guitarras, voz y teclados), David "Vito" Mastrovito (guitarra y voz), John Glenn (teclados y voz), Wilton Hudgens (bajo y voz) y Troy Powell (batería y voz); Tom Turner (mánager de gira y asistente). Tras la primera etapa de la gira de 1998, Mastrovito abandonó la banda; Glenn había optado por no salir de gira desde el principio. El trío Michael Bruce Group (Bruce, Hudgens y Powell) actuó en Clarion, Iowa, en el primer Memorial de Glen Buxton (durante su gira por el medio oeste de 1998); Clarion es donde falleció y fue enterrado el antiguo compañero de banda de Michael.
La banda se mudó brevemente a los suburbios de Chicago, Illinois, a finales del verano de 1998. Bruce y Hudgens actuaron con Neal Smith (baterista original del grupo de Alice Cooper) en la primera Convención de Chiller Theatre en Washington, D.C., antes de regresar a Texas a finales de año. Reformaron la banda con Joe Garbo (batería y percusión) y Jeff Harris (saxofón, piano y voz) en el año 2000. Esta formación actuó en el Anne Rice's Coven Ball en el State Palace Theatre (Nueva Orleans), Luisiana, y en el 3er Memorial de Glen Buxton en el Whisky a Go Go de Los Ángeles. Ingo Geirdal también participó como guitarrista invitado con el grupo en el 3er Memorial de Glen Buxton.
Después de 2003,
Michael regresó a su estado natal de Arizona y formó una nueva banda. Su reformada Michael Bruce Group incluía a Bruce (guitarras y voz), Bob Russell (guitarras y voz), Thomas Dominick (bajo y teclados) y Bob Allen (batería).
El 1 de mayo de 2004 debutó en Tucson, Arizona, un nuevo grupo de Michael Bruce. La formación estaba compuesta por Bob Russell (guitarra), Jeff Harris (saxofón, piano y voz), Thomas Dominick (órgano y teclados), Mondo Thomas (bajo), Robin Horn (hijo del icono del jazz Paul Horn) (batería) y Bruce (guitarras, teclados y voz).
El 16 de septiembre de 2005 se lanzó un nuevo álbum de Michael Bruce autorizado para Islandia en una edición limitada de 200 copias en un digipak de lujo. The Second Coming of Michael Bruce – Alive & Re-Cooperated fue el primer lanzamiento oficial de Bruce en muchos años (aunque exclusivo para Islandia en ese momento) e incluyó 17 canciones grabadas en Islandia entre 2002 y 2003. El CD, de 74 minutos de duración, incluía nuevas grabaciones de estudio, así como actuaciones en directo inéditas de Michael Bruce y su banda islandesa interpretando canciones de toda su carrera. Todas las grabaciones se realizaron profesionalmente en 24 pistas y fueron mezcladas por Ingo y Silli Geirdal. El digipak de lujo incluía ilustraciones de Michael Bruce realizadas por Ingo, fotos de la banda y notas exclusivas de Dennis Dunaway.
Durante 2010, Michael fue invitado a participar en un nuevo disco de Alice Cooper, Welcome 2 My Nightmare (la secuela del original Welcome to My Nightmare). Bruce coescribió la canción "When Hell Comes Home" del álbum. Welcome 2 My Nightmare también contó con actuaciones de Neal Smith, Dennis Dunaway, Dick Wagner y Steve Hunter. Alice también invitó a Bruce, Hunter, Dunaway y Smith a actuar con él ese diciembre en su evento anual de recaudación de fondos Christmas Pudding en el Dodge Theatre de Phoenix, Arizona
En la primavera de 2011, Bruce (como miembro del grupo original de Alice Cooper) fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en la categoría de "Intérprete".
En la primavera de 2016, la nueva banda de Michael, Michael Bruce Force, ofreció un concierto en Asylum Records para celebrar el Record Store Day el 6 de abril de 2016 en Mesa, Arizona. La última formación de The Michael Bruce Group está grabando y organizando conciertos con Michael Bruce (guitarra y voz), Lynette Bruce (bajo), Jimmy Waldo (teclados), Steve Potts (guitarra) y Matt Indes (batería).
Michael participó en tres canciones del siguiente lanzamiento de Alice Cooper, el álbum Paranormal de 2017: la canción "Rats", así como dos temas extra con miembros originales de la banda de Alice Cooper: "Genuine American Girl" y "You and All of Your Friends".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con As Rock Rolls On.
Shalom conversa con Verónica Nehama sobre identidad y pertenencia. Un testimonio marcado por el exilio, el silencio y el reencuentro con sus raíces judías. Memoria, escritura y transmisión como respuesta al desarraigo y al resurgir del antisemitismo.
Philip Chapman Lesh, más conocido como Phil Lesh, nació en Berkeley, San Francisco, California, Estados Unidos, el 15 de marzo de 1940, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 25 de octubre de 2024. Bajista, guitarrista, cantautor y letrista.
MUERE PHIL LESH, EL BAJO Y EL CORAZÓN DE GRATEFUL DEAD
Por Julian Ruiz
Actualizado el 26/10/2024
Phil Lesh miembro fundador de Grateful Dead, murió ayer viernes. Tenía 84 años. Fue uno de los mejores bajistas en una banda de rock, en desempeñar un papel principal en lugar de secundario.
Su muerte fue anunciada en su cuenta de Instagram. No se brindó más información.
Lesh cantó armonías agudas para la banda y, ocasionalmente, prestó su voz principal. También coescribió algunas de las canciones más notables de la banda, incluidas algunas que inspiraron improvisaciones aventureras, como «St. Stephen» y «Dark Star», así como piezas más convencionales, como «Cumberland Blues», «Truckin'» y «Box of Rain».
La clave de la dinámica de The Dead fue la forma en que Lesh utilizó el bajo para proporcionar contrapuntos siempre cambiantes a las líneas danzantes del guitarrista principal Jerry García, los riffs cortantes del guitarrista rítmico Bob Weir, los ritmos audaces de los bateristas Mickey Hart y Bill Kreutzmann y, en los primeros ocho años de la banda, el cálido trabajo de órgano de Ron McKernan, conocido como Pigpen.
En los álbumes de estudio de Grateful Dead, sus líneas tenían tanta melodía que uno podía escuchar una canción solo por su interpretación. Al mismo tiempo, compartía el amor de sus compañeros de banda por las estructuras de acordes inusuales y los compases poco comunes. Al construir sus partes de bajo, se inspiró en muchas fuentes, incluido el free jazz, la música clásica y la vanguardia.
Pihl Lesh tocó con los Dead durante los 30 años de historia de la banda, que terminaron formalmente en 1995 tras la muerte de Jerry García. Lesh tocó en las bandas derivadas de la banda, The Other Ones, The Dead y Furthur, así como con su propio grupo, Phil Lesh and Friends. Se retiró del trabajo habitual en las giras en 2014.
Phillip Chapman Lesh nació el 15 de marzo de 1940 en Berkeley, en San Francisco, hijo único de Frank y Barbra (Chapman) Lesh. Su padre era un pianista aficionado que lo animó a aprender a tocar un instrumento cuando tenía 8 años; su primer instrumento fue el violín.
Phil Lesh le mencionó casualmente a Jerry García que estaba interesado en tocar el bajo. Le sorprendió cuando el Sr. García lo invitó a aprender a tocar el instrumento para poder tocarlo en la banda que estaba formando en 1964, entonces llamada The Warlocks.
El Sr. Lesh aceptó, según le dijo a la revista Soundwaves en 2005, porque «en realidad nunca me importó mucho qué instrumento estaba tocando, siempre y cuando pudiera hacer algo de música».
El sonido de Grateful Dead se hizo evidente por primera vez en el segundo álbum de la banda, “Anthem of the Sun”, publicado en 1968, por el que Lesh recibió créditos de coautor en casi todas las pistas. Cuando la banda simplificó su sonido extenso para orientarse más a las canciones en álbumes de principios de los años 70 como “Workingman’s Dead” y “American Beauty”, Lesh encontró un nuevo melodismo en su forma de tocar.
Para el disco “American Beauty”, compuso la exquisita melodía de “Box of Rain”, con letra, proporcionada por Robert Hunter, que expresaba los sentimientos de Lesh sobre la muerte inminente de su padre por cáncer de próstata. Ahora le ha tocado a él.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Broken Arrow y Fire on The Mountain, con Carlos Santana y Warren Haynes.
Manuel Muñoz Velasco nació en La Barca, Jalisco, México, el 14 de marzo de 1941, y murió en la Ciudad de México, México, el 29 de octubre de 2000. Cantante y actor.
Nació en la Barca, Jalisco., el 14 de marzo de 1941, su nombre Manuel Muñoz Velasco, nombre artístico Manolo Muñoz, su familia era de escasos recursos económicos, por lo que tuvo que trabajar realizando mandados y después en una barbería como ayudante. Desde los 13 años descubrió las cualidades que tenía por el canto y la música, presentándose su primera oportunidad en los principios de los años 60, al ingresar al grupo Los Gibson Boys, donde grabó las canciones “El Acapulco Rock” y “La Plaga”, pero después de ello, decidió separarse del grupo para tomar su camino como solista. De inmediato fue invitado a grabar un disco que contenía temas que lo lanzaron a la fama como: “La Pera Madura”, “Ay Preciosa”, “Dale, Dale” y “Juanita Banana”. Participó en películas, realizando la primera a mediados de los 60, titulada “Mi Alma por un Amor” con Enrique Guzmán y Angélica María, siguiéndole la exitosa película “La Juventud se Impone” con César Costa y Enrique Guzmán, también filmó con Eulalio González “Piporro” la película “El Bracero del Año”, una más fue “Vivir de Sueños” al lado de Angélica María, Enrique Guzmán y el gran actor David Reynoso. Manolo Muñoz, fue un cantante muy exitoso y con un carácter muy alegre y una sonrisa carismática, grabó 75 discos, participó en 15 películas y escribió aproximadamente 100 canciones. Con Javier Solís cantó el tema “Ay Preciosa” que tuvo bastante aceptación. Siempre se caracterizó por cantar en vivo en los programas de televisión, ya que estaba en contra del play back. Llegó la década de los 70 y con ello el mayor éxito de Manolo, el tema “Llamarada”, logrando un tremendo hit que sonó en todas las estaciones de radio del país, de Centro y Sur América, así como en Estados Unidos, para de ahí en adelante ser identificado con el título de “Mr. Llamarada”. Vinieron otros temas enigmáticos como “En un Rincón del Alma”, “Pesares” y la gran canción y éxito “Noche no te Vayas”, convirtiéndose en un verdadero reconocido en todo México y Estados Unidos. Estuvo casado con Angelina Ayuso con quien procreó 3 hijos, Maximiliano, Cynthia y Martín. En su carrera cantó Rock and Roll, baladas y también realizó 3 producciones con banda y mariachi. Entrañable amigo de Chabelo, Enrique Guzmán y Héctor Lechuga. Los programas de televisión “Hoy” con Guillermo Ochoa y “Al Fin de Semana” con Coque Muñiz fueron de sus últimas presentaciones donde estrenó su último disco titulado “En busca del Amor” en octubre del año 2000, donde incluía el tema “Compréndela” del maestro Martín Urieta, mismo mes en que falleciera a causa de un derrame cerebral, siendo esto el 29 de octubre. Querido lector; No se olvide de vivir feliz, acompañado de Dios y la música de su gusto. ¡¡¡Le deseo Gran y muy Feliz Año 2022…!!!
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Llamarada.
Felix Mendelssohn compuso el Concierto para Piano Nº 1 en Sol Menor Op. 25 entre 1830-31, al mismo tiempo que su cuarta sinfonía. El estreno se produjo en Múnich en octubre de 1831.
El concierto consta de tres movimientos conectados, y es novedoso en el uso de nuevas técnicas formales, por ejemplo, el piano entra muy pronto tras el inicio del primer movimiento, con apenas tutti orquestal para servir de contraste. El concierto ganó fama con rapidez y contiene varias secciones de improvisación, una de las especialidades de Mendelssohn.
Hugh Macdonald, editor general de The New Berlioz Edition y profesor de música en la Universidad de Washington en St. Louis, escribió este comentario.
Mendelssohn fue un brillante pianista que aprovechó inmediatamente los avances técnicos que se habían aplicado al llegar al piano la mayoría de edad. Ahora era un instrumento más grande, más pesado y más ruidoso, capaz de llenar una sala de conciertos con sonido y capaz de enfrentarse a la orquesta moderna en igualdad de condiciones. Sobre todo, tenía una nueva y brillante octava superior que invitaba a la mano derecha del intérprete a disfrutar de esas deslumbrantes carreras y arpegios que llenan todos los conciertos de la época romántica. Mendelssohn se sentía muy a gusto con este estilo y tenía unos dedos magníficamente fluidos.
Todo esto es evidente en su Concierto para Sol menor, compuesto en Múnich en 1831 cuando Mendelssohn tenía 21 años. Acababa de regresar de una larga estancia en Italia, donde había completado su obertura Las Hébridas y comenzado la Sinfonía "Italiana". En Múnich, en su viaje hacia el sur, una joven pianista llamada Delphine von Schauroth le había llamado la atención, por lo que su razón para volver allí podría haber sido renovar este prometedor conocimiento, y compuso el Concierto pensando en ella. Su familia parece haber tenido alguna expectativa de matrimonio, pero Mendelssohn, por razones que sólo podemos adivinar, decidió que no iba a ser así, y se fue de Munich lleno de sentimientos de culpa.
Él mismo dio la primera interpretación del Concierto en Múnich, con una segunda interpretación poco después en Londres, donde la partitura fue publicada. Lo tocó muchas veces en el curso de su corta carrera, y siempre fue bien recibido por el público y la prensa. Además de estar lleno de agradables melodías y brillantes pasajes, el Concierto muestra la casi obsesión de Mendelssohn con el problema de hacer que los movimientos separados de las sinfonías y los conciertos se unan en un todo sin fisuras. En el caso de este Concierto (y su conocido Concierto para violín, que le siguió hacia el final de su vida) los movimientos corren continuamente, de modo que el vigoroso Allegro de apertura concluye con las trompetas y los cuernos martillando un ritmo que impulsa piano a la improvisación en el nuevo tempo y la nueva tonalidad (Mi). La misma llamada a los metales lleva el sereno movimiento medio a las cascadas de notas que introducen el final, en la tonalidad mayor. Para que el punto llegue a casa, antes de que el final termine, Mendelssohn reduce el tempo para recordar el segundo tema del primer movimiento. Entonces el Concierto puede terminar en un florecimiento de virtuosismo.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Yuja Wang, y la Orquesta del Festival de Verbier, dirigida por Kurt Masur.
Erma Vernice Franklin, más conocida como Erma Franklin nació en Shelby, Misisipi, Estados Unidos, el 13 de marzo de 1938, y murió en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 7 de septiembre de 2002. Cantante.
Erma Franklin, cantante de soul nacida en Shelby en 1938, y también conocida por ser hermana de Aretha Franklin. Su mayor reconocimiento le llegó en los '60, en especial con la versión original de "Piece of my heart" tema que después Janis Joplin convertiría en uno de sus mayores éxitos.
Nació el 13 de marzo de 1938 en Shelby (Misisipi, pero pronto junto a su familia se trasladó hasta Buffalo (Memphis), donde en la iglesia de su padre hizo su debut en el gospel a la edad de cinco años. Muy poco después se mudaron a Detroit. Cantaba con sus hermanas Aretha Franklin y Carolyn Franklin en la iglesia de su padre, y durante el instituto formaba parte del grupo The Cleo-Patrettes, quienes ganaron un concurso de nuevos talentos y lograron grabar para la discográfica JVB. Al acabar los estudios The Cleo-Patrettes se disolvió y Erma hizo una gira de dos años junto al conjunto gospel que acompañaba a su padre. Poco después tuvo oportunidad de grabar en Chess y en Motown, pero su padre decidió que era mejor anteponer sus estudios a una carrera musical.
Más tarde, con éxito, hizo una audición para Epic en 1961, y se transladó hasta Nueva York para grabar. A su vez Aretha estaba en la compañía de la que dependía Epic, es decir, Columbia. A Erma le ocurió lo mismo que a su hermana, la compañía no era experta en los terrenos del R&B y el soul y nunca supieron cómo manejar su carrera dentro de este estilo. Su primer álbum "Her name is Erma" apareció en 1962, en el que incluía jazz y pop con algunos singles R&B como "Abracadabra", escrito por Van McCoy. Erma no estaba contenta con la gestión de la compañía por lo que decidió que pasaría lo que la restaba de contrato en una gira junto al cantante de R&B Lloyd Price, hasta el año 1966.
Cuando Aretha se fue a la discográfica Atlantic, Erma firmó en 1967 un contrato con Shout Records y el productor Bert Berns. Ese mismo año lanzó el single "Piece of my heart" convirtiéndose en el mayor éxito que había tenido hasta el momento, pero desafortunadamente Bert Berns, a finales de 1967, falleció de un ataque al corazón dejando a la compañía en el caos. En un tiempo en adelante Erma acompañó a Aretha Franklin en los coros, y poco después paseó su "Piece of my heart" por Europa y Estados Unidos. En 1969 fue contratada por Brunswick, donde consiguió un nuevo hit, pero este ya de menor magnitud, "Gotta Find Me a Lover (24 Hours a Day)". Ese mismo año también editó su segundo álbum "Soul sister". Pero de nuevo en esta discográfica no se encontraba a gusto, por lo que cuando acabó su contrato en 1972, se retiró a Detroit a trabajar en una empresa de relaciones públicas. Esporádicamente actuó con Aretha durante los '80 y '90 y era reconocida por su ayuda a organizaciones caritativas para niños en Boysville. A principios de los '90 "Piece of my heart" volvió a las listas europeas gracias a ser la sintonía de un anuncio de pantalones vaqueros. Murió en Detroit el 7 de septiembre de 2002 tras una larga lucha contra el cáncer.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con I Get The Sweetest Feeling.
Henri Cliquet-Pleyel nació el 12 de marzo de 1894 en París (Francia). Era sobrino bisnieto del compositor Ignace Pleyel. Henri Cliquet-Pleyel fue un prodigio musical e ingresó en el conservatorio de París a los 12 años. Allí estudió con Charles Koechlin (composición), André Gedalge y Eugène Cools (contrapunto y fuga) y fue compañero de estudios y amigo de Darius Milhaud.
Después de sus estudios, trabajó primero como profesor de canto en Cannes, Deauville y Aix-les-bains y esta ausencia en París podría ser la razón por la que Henri Cliquet-Pleyel no se convirtió en miembro del famoso grupo "Les Six" (Milhaud, Honegger, Poulenc, Tailleferre, Auric y Durey) en 1918. Que hubiera una oportunidad de ser parte de este grupo lo demuestra el hecho de que Albert Roussel una vez describió a Henri Cliquet-Pleyel como el "séptimo miembro de 'Les Six'".
En 1923, Henri Cliquet-Pleyel aprovechó la oportunidad para fundar su propio grupo de compositores, que, al igual que "Les Six", tuvo como mentor musical a Erik Satie. El grupo se autodenominó "École d'Arcueil" en referencia a la ciudad natal de Satie y estaba formado por cuatro miembros: Henri Sauguet, Roger Desormière, Maxime Jacob y Henri Cliquet-Pleyel. Desafortunadamente, para la carrera y el prestigio histórico de Henri Cliquet-Pleyel, la "École d'Arcueil" tuvo mucho menos éxito que "Les Six" y, además, solo existió dos años, hasta la muerte de Erik Satie en 1925.
La École d'Arcueil se dedicó a los objetivos musicales de claridad, simplicidad y humor, que consideraba representativos de la música de Satie. Y Henri Cliquet-Pleyel fue el máximo exponente de esta actitud, que mantuvo sin restricciones tras la disolución de la École d'Arcueil. La siguiente reseña de un concierto en la revista francesa «La Comoedie» de 1926 ilustra este punto:
El mismo concierto incluyó obras del Sr. Cliquet-Pleyel. Inauguró la tónica con una "Suite para piano" que comienza resueltamente con dos tonos diferentes y remotos, para pesar del público. Es su verdadera parcialidad, y estas constantes disonancias parecen no tener causa. Del mismo compositor, la Sra. Asso cantó con una devoción verdaderamente notable una obra inédita que consiste en una serie de menús exóticos y extraños (y me refiero a menús culinarios). ¡Qué idea tan curiosa ponerle música!
Con esta actitud, Henri Cliquet-Pleyel también se interesó por el dadaísmo, el surrealismo, la música popular o influencias como el jazz. Por ejemplo, compuso la música y acompañó al piano en una de las famosas representaciones de flamenco vanguardista de Vicente Escudero en el Théâtre Courbe en 1924. Además, Henri Cliquet-Pleyel compuso la música para la película "Panurge" de Michel Bernheim en 1932. Fue un compositor tan destacado que Virgil Thomson escribió sobre él en 1933:
Cliquet-Pleyel tiene un talento inimaginable. Fue un niño prodigio en el Conservatorio, un Mozart infantil. Hoy es un músico de prodigiosas facultades. Es el mejor transpositor y lector de partituras de París, probablemente de Europa. Puede escribir una sinfonía o una comedia musical casi cualquier fin de semana, copiar las partes, ensayarlas, dirigir el espectáculo, interpretar un concierto para piano de Mozart entre los actos, todo ello sin mover casi nada, y mientras tanto dedica de diez a catorce horas diarias a la producción de películas sonoras. Su habilidad es tan colosal que puede realizar el trabajo rutinario que parece ser el destino habitual de hombres de su talento, y aun así componer buena música libre como si no tuviera nada más en mente.
Es más fácil situar a Sauguet en la tradición francesa que a Cliquet-Pleyel. Su talento [de Sauguet] se asemeja más a un tipo francés histórico. Es compacto y unipersonal. Cliquet posee la soltura y la naturalidad de Delacroix, además de un desinterés ingenuo y absolutamente único.
Henri Cliquet-Pleyel también fue miembro de la Federación Musical Popular, como muchos de sus contemporáneos. En el congreso de la asociación en 1937, Henri Cliquet-Pleyel pronunció un interesante discurso que demuestra una vez más su radical opinión sobre la música moderna. El académico Christopher Lee Moore resumió acertadamente el discurso en su libro «La música en Francia y el Frente Popular (1934-1938)», explicando por qué se repite aquí:
Para Cliquet-Pleyel, la época en que escuchábamos música con la cabeza entre las manos ha pasado. Afirma provocativamente que la música "aburrida" de la gran tradición sinfónica es la peor música de todas. También critica a quienes se han "alimentado" tanto con la música de los maestros del siglo XIX que "desprecian obras más sencillas, más directas, de estilo popular, y que por ello se consideran de mal gusto". [...] Cliquet-Pleyel desaprueba ciertas "sinfonías, en las que la escasez de ideas se agrava por la vulgaridad y la falsa grandeza del estilo", y pretende recordar que estas obras no deben considerarse "buena música" simplemente porque se interpreten en salas de conciertos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, las composiciones de Henri Cliquet-Pleyel se moderaron un poco y continuó componiendo hasta su muerte el 9 de mayo de 1963 en París (Francia).
Aunque considerado uno de los compositores franceses más talentosos de la primera mitad del siglo XX, a la altura de Darius Milhaud, las circunstancias históricas y su énfasis personal en la música popular hicieron que Henri Cliquet-Pleyel cayera en el olvido con el paso de las décadas. Hoy en día, está prácticamente olvidado, y su nombre solo se menciona en relación con la "École d'Arcueil" como una copia pobre de "Les Six". Esto no le hace justicia a Henri Cliquet-Pleyel, a su reputación entre sus colegas compositores ni a su papel provocador en la escena musical parisina durante décadas.
El catálogo de obras de Henri Cliquet-Pleyel es extenso, pero la mayoría de las enciclopedias ni siquiera mencionan su nombre hoy en día, por lo que se conoce poco sobre su obra. Investigué numerosos libros y periódicos antiguos y compilé un catálogo. A título informativo, presento este catálogo detallado al final de este sitio web.
De este gran número de composiciones tengo en mi poder el manuscrito autógrafo de un "Concierto para piano y orquesta":
Concierto para piano y orquesta
El manuscrito que poseo es la partitura completa de una obra para piano y orquesta. Henri Cliquet-Pleyel escribió tres composiciones para esta instrumentación: «Transbaikal, para piano y orquesta» (1938), un Concierto para piano mano derecha y orquesta (1939) y un Concierto para piano y orquesta (1940).
Lamentablemente, mi manuscrito no está fechado, pero la página del título lleva la palabra "Concierto" y la escritura para piano es para ambas manos, por lo que supongo que este es el autógrafo del concierto para piano de 1940.
No pude encontrar la publicación de esta partitura ni detalles sobre su estreno. Con el fin de preservar un importante concierto para piano francés de la primera mitad del siglo XX, presento aquí la partitura completa:
CliquetPleyel_PC.pdf
Catálogo de Henri Cliquet-Pleyel
Música de piano:
Toccata et fantaisie, para piano (1915)
L'Enfant prodigue, para piano (1920)
Sonatina, para piano (antes de 1921)
Siete acrósticos para piano (1921)
Trois piezas a la maniere d'Erik Satie, para piano (1921)
Suite n.° 1 para piano (1922)
Dos blues, para piano (1922)
Cinco tangos, para piano (1922)
Sept estudios para piano (1924)
Tres tumbas, para piano (1924)
Suite n.° 2 para piano (1925)
La lengua de las flores, para piano (1925)
Poemes quotidiens, para piano (1925)
Minueto, para piano (1926)
Le Tombeau de Satie, para piano (1926)
Menueto - La valse de la bikette, para piano (1928)
Linterna mágica, para piano (1936)
Veladas enfantines, para piano a cuatro manos (1937)
Sonata para piano (1940)
Cliquettes, para piano (1947)
Les Plaintes Inutiles, para piano (1950)
La malagueña, para piano (1950)
Zapateado, para piano (1950)
Recuerdos, para piano (1950)
La noche española, para piano (1955)
Seis mazurcas para piano (1958)
Homenaje a Debussy, para piano (1962)
música de cámara:
Cuarteto de cuerdas n.º 1 (1912)
Cuarteto para piano en cuatro movimientos (1914)
Cuarteto de cuerdas n.º 2 (1923)
Sonata para viola y piano (1923)
Swing low, sweet chariot, para piano, saxofón, violín solo y cuarteto de cuerdas (antes de 1933)
Chant d'esperance, para clarinete, fagot y piano (1936)
Sonata n.º 1 para violín y piano (1943)
Sonata n.º 2 para violín y piano (1947)
Trío para piano, violín y violonchelo (1954)
Trío para piano, clarinete y arpa (1962)
Sonata n.º 3 para violín y piano mano derecha (1963)
música orquestal:
Paráfrasis de un Negro Espiritual, para violín y orquesta (antes de 1937)
Transbaikal, para piano y orquesta (1938)
Sardane, para orquesta (1938)
Concierto para piano mano derecha y orquesta (1939)
Concierto para piano y orquesta (1940)
Escenas de ballet para orquesta (1962)
ópera:
Florette y Sylvie, ópera cómica (1926)
La Belle Enchanteresse, radio opereta (1938)
Les Impots, opereta
Música coral y vocal:
Trois epigrammes grecques, para voz y 10 instrumentos (1927)
Cómoda, para soprano y orquesta (1928)
España, para coro y orquesta (1938)
Phedre, para coro y orquesta (1940)
Le Cantique des Colonnes, para coro y orquesta de mujeres (1945)
La chanson du petit hypertrophique, para coro de hombres (1949)
Coleopteres, para voz y pequeña orquesta (1962)
canciones:
Tres quejas de Jules Laforgue, para voz y piano (1913)
Le mirliton d'Irene, para voz y piano (1923)
Les fleurs, para voz y piano (1933)
La Fille à vendre, para voz y piano (1933)N
Sur un bateau, para voz y piano (1934)
L'oeillet rouge, para voz y piano (1936)
Un coup d'oeil, para voz y piano (1936)
Le chant de l'Auberge, para voz y piano (1936)
Comptine, para voz y piano (1937)
Louange de l'olivier, para voz y piano (1954)
La lune est de toutes les saisons, para voz y piano (1954)
Demande en mariage, para voz y piano
La cigale et la fourmi, para voz y piano
La poule aux oeufs durs, para voz y piano
La chanson du bon sommeil, para voz y piano
Música de cine/teatro:
Música para una actuación flamenca de Vicente Escudero en 1924 titulada "Les Spectacles Espagnols"
Música cinematográfica para «Panurge» de Michel Bernheim (1932)
Música de cine para "La Corsade" de André Vigneau (1935)
Música para la obra "Le vent dans les voiles" de André Frere (1936)
música para la revista "Les Noctambules" de Jean Maugier (1936)
Música para la obra radiofónica «Byron ou l'épopée de la poesie» con texto de J. Audiberti (1939)
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Retrato para violín solo: No. 5 en Fa Mayor, en la versión de Charles Dimmick.
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