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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Silvio Rodríguez Dominguez ―San Antonio de los Baños, Habana (hoy provincia de Artemisa), 1946―. Trovador y dibujante.
Desde 1952 reside en La Habana. En 1955 recibió clases de piano de Margarita Pérez Picó. En 1961 fue uno de los 100 mil jóvenes que integraron las brigadas “Conrado Benítez” y se fueron al campo a alfabetizar. El 15 de abril de ese año, tras el bombardeo a los aeropuertos, preludio del ataque por Bahía de Cochinos, se inscribió en las milicias estudiantiles.
En 1962 se inició como aprendiz y dibujante en el semanario Mella, donde tuvo como maestro a Virgilio Martínez. Allí, jugando, compuso su primera canción: “El rock de los fantasmas”. En 1963 recibió clases de piano de Amelia Fabré Obregón y matriculó en la Academia de Artes Plásticas “San Alejandro”.
En marzo de 1964 fue llamado a filas por el Servicio Militar Obligatorio. Allí, en sus momentos libres, empezó a tocar la guitarra y a componer canciones con regularidad; entonces también se presentó en los Festivales de Aficionados de las FAR. Fue dado de baja el 12 de junio de 1967. Semanas antes había conocido a Mario Romeu, pianista y director de orquesta, quien el martes 13 de junio lo presentó en el programa televisivo “Música y Estrellas”, cantando “Sueño del colgado y la tierra” y “Quédate”. Poco después, a propuesta de Juan Vilar, se vio inaugurando y conduciendo un programa llamado “Mientras Tanto”, como otra de sus canciones.
En julio de 1967 fue invitado por los poetas de El Caimán Barbudo, amigos desde el semanario Mella, a un recital en homenaje a la trovadora Teresita Fernández. En febrero de 1968, Haydee Santamaría lo invitó a cantar en la Casa de las Américas, donde compartió con Noel Nicola, Pablo Milanés, Martín Rojas, Eduardo Ramos y Vicente Feliú el concierto fundacional de la nueva trova, de la que fue uno de sus guías. Entre 1969 y 1970 viajó por las costas de África en varios barcos de pesca, en los que compuso 62 canciones. A su regreso hizo tres recitales en la sala de teatro Hubert D’ Blanck, colmada de jóvenes. A propuesta de Alfredo Guevara, fue uno de los fundadores del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, que se especializó en la banda sonora del cine. Allí recibió clases de Leo Brouwer, Juan Elósegui y Federico Smith.
En 1974 comenzó a grabar su primer disco en solitario, “Días y flores”, producido por Frank Fernández, que vio la luz en 1975. En 1976, cuando la Sudáfrica del apartheid invadió a Angola, recorrió dos veces los frentes de combate, cantándoles a las tropas cubanas y angoleñas.
A partir de 1977 viajó intensamente por toda América y Europa. Hizo giras y grabó con los grupos Afrocuba, Irakere y Diákara. Colaboró con la Camerata Brindis de Salas y con la Orquesta Sinfónica Nacional.
Silvio Rodríguez ha compuesto música y letra de cientos de canciones. Posee una amplia discografía. Ha musicalizado filmes, teleseries y piezas de teatro. Ha recibido numerosos premios y condecoraciones. Sus canciones han sido traducidas al francés, italiano, alemán, inglés, portugués, guaraní, ruso, chino, japonés, coreano, sueco y catalán. Ha publicado dos libros: “Canciones del mar” (Ojalá ediciones, 1996) y “Cancionero” (Ojalá ediciones, 2008).
En la década de los 90 alentó y contribuyó a la construcción de los estudios de grabación “Abdala” y “Ojalá”, en La Habana, y el “Eusebio Delfín”, en Cienfuegos. En 1985 le fue otorgado el Premio Luigi Tenco (San Remo, Italia). En 1993 fue elegido Diputado a la Asamblea Nacional del Poder Popular, de la que se retiró en 2008. En 1997 fue nombrado Artista UNESCO por la Paz. En 2004 recibió el Premio Nacional de Música; en 2006 el Premio Latino por toda una vida, de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música de España.
En 2007 la Universidad Mayor de San Marcos de Lima, Perú, le confirió el título de Doctor Honoris Causa. En 2008, al frente de un grupo de artistas y escritores cubanos recorrió 16 prisiones, actuando ante más de 40,000 reclusos. En 2010, luego de 30 años de exclusión, puede volver a los Estados Unidos y realiza un memorable recorrido. Poco después hace un concierto en las calles de Medellín (Colombia), otro en Ciudad Juárez, y recibe el doctorado Honoris Causa de la Universidad Veracruzana, con sede en Xalapa, México. Luego, en 2011, recibe también el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina; y en 2017, el de Doctor Honoris Causa en Arte que otorga la Universidad de las Artes de Cuba (ISA).
Durante una gira por Argentina en octubre de 2018 le entregan el Premio Democracia como Personalidad Destacada de Latinoamérica; en esa ocasión se presenta de manera gratuita en el municipio Avellaneda ante un público de más de cien mil personas.
En mayo de 2019, recibe el Premio Beato de Liébana en la categoría de Entendimiento y Convivencia.
Desde finales de 2010 hasta febrero de 2020 encabezó la Gira por los Barrios junto a un grupo de músicos, escritores y artistas que actuaron en los barrios más necesitados de la ciudad de La Habana y otras provincias, para un total de 109 conciertos.
En diciembre de 2022 recibe el Coral de Honor del Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana por sus contribuciones a bandas sonoras del cine cubano.
En junio de 2023 la Universidad de La Habana le otorgó el título de Doctor Honoris Causa en Ciencias Sociales y Humanidades.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Óleo de mujer con sombrero.
Michel Jean Hamburger, más conocido como como Michel Berger, nació en Neuilly-sur-Seine, Francia, el 28 de noviembre de 1947, y murió en Ramatuelle, Francia, el 2 de agosto de 1992. Cantante, pianista y compositor.
Michel Berger (nacido como Michel Jean Hamburger el 28 de noviembre de 1947 - 2 de agosto de 1992) fue un cantante y compositor francés. Se encuentra entre los compositores más aclamados y prolíficos de la música pop francesa, aunque la mayoría de sus obras más exitosas se han hecho famosas gracias a otros artistas, desde France Gall hasta Johnny Hallyday. Cocreador de Starmania, compositor de varias bandas sonoras para películas e involucrado en causas humanitarias, Berger era un hombre generoso. Ofreció al pop francés algunas de sus canciones más reconocidas, aptas para la radio y de calidad, y afortunadamente superó su timidez para expresar sus cálidas y eufóricas melodías con su voz redonda, suave y tranquilizadora. Dos de sus sencillos más famosos rinden homenaje a algunos de sus ídolos: "Il Jouait du Piano Debout", inspirado en Jerry Lee Lewis, y "La Groupie du Pianiste", inspirado en Elton John. Su infarto de 1992 conmocionó a la industria musical y al pueblo francés en general.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: La Groupie du Pianiste.
Johnny Allen Hendrix, posteriormente James Marshall Hendrix, más conocido como Jimi Hendrix, nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1942, y murió en Londres, Reino Unido, el 18 de septiembre de 1970. Guitarrista, cantante y compositor.
27 de noviembre de 1942 – 18 de septiembre de 1970
Ampliamente reconocido como uno de los músicos más creativos e influyentes del siglo XX, Jimi Hendrix fue pionero en las explosivas posibilidades de la guitarra eléctrica. Su innovador estilo, que combinaba fuzz, realimentación y distorsión controlada, creó una nueva forma musical. Dado que no sabía leer ni escribir música, es realmente notable que su meteórico ascenso en la música se produjera en tan solo cuatro años. Su lenguaje musical sigue influyendo en numerosos músicos modernos, desde George Clinton hasta Miles Davis, y desde Steve Vai hasta Jonny Lang.
Jimi Hendrix, nacido como Johnny Allen Hendrix a las 10:15 a. m. del 27 de noviembre de 1942 en el Hospital del Condado de King de Seattle, fue posteriormente rebautizado como James Marshall por su padre, James "Al" Hendrix. El joven Jimmy (como se le conocía entonces) se interesó por la música, influenciado por prácticamente todos los grandes artistas de la época, como BB King, Muddy Waters, Howlin' Wolf, Buddy Holly y Robert Johnson. Completamente autodidacta, su incapacidad para leer música le impulsó a concentrarse aún más en la música que escuchaba.
Al se dio cuenta del interés de Jimmy por la guitarra, recordando: "Solía hacer que Jimmy limpiara el dormitorio todo el tiempo mientras yo no estaba, y cuando llegaba a casa encontraba un montón de pajas de escoba alrededor del pie de la cama. Le decía: 'Bueno, ¿no barriste el suelo?' y él decía: 'Ah, sí'. Pero luego descubrí que solía sentarse al final de la cama y rasguear la escoba como si estuviera tocando una guitarra". Al encontró un viejo ukelele de una sola cuerda, que le dio a Jimmy para que tocara una gran mejora con respecto a la escoba.
Para el verano de 1958, Al le había comprado a Jimmy una guitarra acústica de segunda mano de cinco dólares a uno de sus amigos. Poco después, Jimmy se unió a su primera banda, The Velvetones. Después de una temporada de tres meses con el grupo, Jimmy se fue para perseguir sus propios intereses. El verano siguiente, Al le compró a Jimmy su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark 1560S; Jimi lo usó cuando se unió a The Rocking Kings.
En 1961, Jimmy dejó su hogar para alistarse en el Ejército de los Estados Unidos y en noviembre de 1962 se ganó el derecho a usar el parche "Screaming Eagles" de la división de paracaidistas. Mientras estaba destinado en Fort Campbell, Kentucky, Jimmy formó The King Casuals con el bajista Billy Cox. Tras ser dado de baja debido a una lesión sufrida durante un salto en paracaídas, Jimmy comenzó a trabajar como guitarrista de sesión bajo el nombre de Jimmy James. A finales de 1965, Jimmy había tocado con varios grupos de renombre, como Ike y Tina Turner, Sam Cooke, los Isley Brothers y Little Richard. Jimmy se separó de Little Richard para formar su propia banda, Jimmy James and the Blue Flames, dejando atrás el papel de guitarrista de fondo para centrarse en la guitarra principal.
Durante la segunda mitad de 1965 y la primera parte de 1966, Jimmy recorrió pequeños locales de Greenwich Village, donde se reunió con el bajista de Animals, Chas Chandler, durante una actuación en julio en el Café Wha? Chandler quedó impresionado con la actuación de Jimmy y regresó en septiembre de 1966 para firmar un contrato con Hendrix que lo llevaría a Londres para formar una nueva banda.
Tras pasar de bajista a manager, la primera tarea de Chandler fue cambiar el nombre de Hendrix a "Jimi". Con el baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, la recién formada Jimi Hendrix Experience se convirtió rápidamente en el centro de atención de Londres en el otoño de 1966.
El primer sencillo de The Experience, "Hey Joe", permaneció diez semanas en las listas de éxitos del Reino Unido, alcanzando el sexto puesto a principios de 1967. A este sencillo debut le siguió rápidamente el lanzamiento de un álbum de larga duración, Are You Experienced, una recopilación musical psicodélica con himnos de una generación. Are You Experienced se ha mantenido como uno de los álbumes de rock más populares de todos los tiempos, con temas como "Purple Haze", "The Wind Cries Mary", "Foxey Lady", "Fire" y "Are You Experienced?".
Aunque Hendrix experimentó un éxito abrumador en Gran Bretaña, no fue hasta su regreso a Estados Unidos en junio de 1967 que encendió al público en el Festival Internacional de Pop de Monterey con su interpretación incendiaria de "Wild Thing". Literalmente de la noche a la mañana, The Jimi Hendrix Experience se convirtió en uno de los actos de gira más populares y de mayor recaudación en el mundo.
Hendrix siguió con Axis: Bold As Love tras Are You Experienced. Para 1968, Hendrix había tomado mayor control sobre la dirección de su música; pasaba mucho tiempo trabajando con las consolas del estudio, y cada giro de perilla o pulsación del interruptor aportaba claridad a su visión.
De regreso a Estados Unidos, Jimi Hendrix construyó su propio estudio de grabación, Electric Lady Studios, en Nueva York. El nombre de este proyecto se convirtió en la base de su lanzamiento musical más ambicioso: una colección de dos LP, Electric Ladyland. A lo largo de 1968, las exigencias de las giras y el trabajo en estudio afectaron al grupo y, en 1969, The Experience se disolvió.
El verano de 1969 trajo consigo un crecimiento emocional y musical para Jimi Hendrix. Al tocar en la Feria de Música y Arte de Woodstock en agosto de 1969, Jimi unió fuerzas con un conjunto ecléctico llamado Gypsy Sun & Rainbows, compuesto por Jimi Hendrix, Mitch Mitchell, Billy Cox, Juma Sultan y Jerry Velez. La actuación en Woodstock se destacó por la versión renegada de "Star Spangled Banner", que enloqueció al público, empapado de barro.
1969 también dio lugar a una nueva y decisiva colaboración entre Jimi Hendrix a la guitarra, el bajista Billy Cox y el baterista de Electric Flag, Buddy Miles. Actuando como Band of Gypsys, este trío lanzó una serie de cuatro actuaciones de Año Nuevo el 31 de diciembre de 1969 y el 1 de enero de 1970. Los momentos destacados de estas actuaciones se recopilaron y luego se publicaron en el álbum por excelencia Band of Gypsys a mediados de 1970 y en el álbum ampliado Hendrix: Live At The Fillmore East en 1999.
A medida que avanzaba 1970, Jimi recuperó al baterista Mitch Mitchell y, junto con Billy Cox al bajo, este nuevo trío formó de nuevo The Jimi Hendrix Experience. En el estudio, el grupo grabó varias canciones para otro álbum de dos LP, titulado provisionalmente "First Rays Of The New Rising Sun". Desafortunadamente, Hendrix no pudo llevar a cabo esta visión musical debido a su apretada agenda de giras mundiales y a su trágico fallecimiento el 18 de septiembre de 1970. Afortunadamente, las grabaciones que Hendrix tenía previsto publicar en el álbum finalmente se publicaron gracias al apoyo de su familia y del ingeniero de estudio original Eddie Kramer en el lanzamiento de "First Rays Of The New Rising Sun" en 1997.
Desde grabaciones de demostración hasta masters terminados, Jimi Hendrix generó una asombrosa colección de canciones a lo largo de su corta carrera. Su música incorporó influencias del blues, las baladas, el rock, el R&B y el jazz, una colección de estilos que lo siguen convirtiendo en una de las figuras más populares de la historia del rock.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Freedom.
Slavko Avsenik nació en Begunje na Gorenjskem, Eslovenia, el 26 de noviembre de 1929, y murió en Ljubljana, Eslovenia, el 2 de julio de 2015. Compositor y acordeonista.
Así como Slak y otros conjuntos de polka vieron la luz en la década del '50, el grupo de Slavko Avsenik fue uno de esos que lograron mayor renombre internacional.
Slavko Avsenik fue un compositor y músico popular esloveno, reconocido en Europa y América, nació el 26 de noviembre de 1929 en Begunje na Gorenjskem (noreste esloveno, frontera con Austria).
Siendo el menor de cuatro hermanos (Janez 1926, Majda 1927 y Vitko 1928), siguió los deseos de su padre de conformar una orquesta familiar en la que tocaría el acordeón diatónico, comenzando allá por 1936. Estos actuaban en la posada (gostilna) Pri Jožovcu de Begunje que la familia tenía desde 1844.
Cada vez que volvía de la escuela, Slavko practicaba con el acordeón diatónico, sin embargo, más adelante pasaría al acordeón con teclado. Más allá del goce que le daba la música, Slavko, por aquel entonces estaba fascinado por el salto en esquí.
En mayo de 1945 formó parte del destacamento de Kokrško y participó de la ocupación de Carintia y, en los meses posteriores a la guerra, actuó en varios mítines políticos.
Aquel deporte que había comenzado a practicar casi a la par de la música, el saltó en esquí, lo llevó, en 1946, a formar parte de la Selección Nacional y llegó a batir su récord personal cuando calcanzó los 74 mts. en Planica. Pero durante la competición de Klagenfurt, en 1952, se lesionó fuertemente la espalda, lo que lo alejó de la práctica de aquel deporte. Ese mismo año se casó con su novia Brigita, hija del posadero Dolinšek de Sveta Neža en Tržič, quien se encargó de la posada familiar cuando la pareja se mudó a Ljubljana y Slavko encontrara el trabajo de tejedor en la fábrica Tonosa (antes Savljah).
Ansambel Bratov Avsenik (1953-1990)
Al año siguiente se presentó a una audición en Radio Ljubljana dónde no fue tomado. Hasta ese momento se presentaba como un solista, pero al poco tiempo se le unirían el guitarrista Lev Ponikvar y el bajista Jože Kelbl. Así, en 1953 el grupo se consolidó como el Trio Slavka Avsenika, pero al poco tiempo a estos dos últimos los reemplazarían en guitarra Matja Butara y en bajo Borut Finžgar. Sin embargo, de trío pasaron a un cuarteto con el acople de su hermano Vitko (clarinete). Y luego, este cuarteto de Gorenjska contó además con la ayuda del genial Franc Košir (trompeta y primera voz) y de Franci Ogrizek (baritono). Así nacía Ansambel Bratov Avsenik (Conjunto de los Hermanos Avsenik).
Ivan Sivec, especialista del género, analizó los aportes del grupo destacando que tocando una melodía básica le asignan a los armónicos un triple papel: el seguimiento de una sola melodía, una parte especial a la sección rítmica y la implementación de arreglos, propios del autor. Algo que fácilmente lo diferencia de otras agrupaciones como por ejemplo Ansambel Lojzeta Slaka.
La composición estaba a cargo de Slavko Avsenik y, más tarde su hijo Slavko Avsenik Jr. (mlajži) y su hermano Vitko se encargarían de los arreglos. Este introdujo el temblor (tresenje), armónicos llenos de energía y un ritmo denso (tercetos o incluso dieciseisavos) que los músicos del género hasta ese entonces no empleaban. Se sabe que los músicos alemanes y austriacos adoptarían este estilo años más tarde.
En cuanto al vestuario, solían presentarse en trajes oscuros, pero llamaron la atención de toda la audiencia cuando se presentaron con el traje nacional de Gorenjska. Esto fue un gran incentivo y jóvenes grupos de Europa Central comenzaron a emular aquel estilo.
A pesar de que su mayor éxito haya sido la pieza Na Golici (montaña del noreste esloveno) en alemán el Trompeten-Echo, mientras la pieza era premiada en el extranjero, Slavko trabajaba en la fábrica de Ljubljana. En 1981, dicha pieza sería premiada también con el León de Oro de Radio de Luxemburgo, convirtiéndose hoy en una de las piezas más interpretadas al rededor del mundo.
En 1954, Avsenik comenzó a dirigir al conjunto en el extranjero y así, en la sección eslovena de la radio de Klagenfurt registraron su primera pista, pues hasta el momento tocaban en vivo durante las transmisiones radiales.
La formación se mantuvo hasta 1955 cuando se sumó el guitarrista Lev Ponikvar, y en Eslovenia fueron conocidos como Gorenjski Kvintet (Quinteto de Gorenjska), mientras en el extranjero los conocían como Oberkrainer Quintett, a pesar del descontento de algunos integrantes del conjunto. Algo que también ayudó a definir el estilo propio de Avsenik fue la incorporación de los barítonos Danica Filipič y Franc Koren.
Entre 1956 y 1957 partieron de gira por países como Francia y Baviera donde actuaron para muchos inmigrantes eslovenos. Entre las giras nacionales e internacionales interpretaron piezas como Prelepa Gorenjska; Tam, kjer murke cveto (con la interpretación de Marija Ahačič, fue una marca del conjunto); Moj Rodni kraj; Na mostu y Spomin, etc. Esto lanzó a la fama en Alemania a Ansambel Bratov Avsenik.
En 1958 la agrupación se presentaría en la televisión de Münich y otras estaciones de habla alemana, algo que se volvió tradición por casi 30 años. Además de Alemania, otros países recurrentes fueron Suiza, Austria, EEUU y Canadá. Debido a la gran cantidad de conjuntos con el nombre Oberkrainer, Ansambel Bratov Avsenik se conoció en el extranjero como Original Oberkrainer.
En 1959 lanzaron su primera placa Tam, kjer murke cveto, y debido al éxito alcanzado en Alemania el conjunto comenzó a dedicarse de manera profesional a la música. En 1960 se produjeron algunos cambios, aparece Franc Teržan (clarinete), Ema Prodni (vocalista soprano) y la llegada de su mánager Kari Lanzmayer. A partir de 1962 comenzaron a colaborar con la fábrica de instrumentos Horner y en 1964 obtuvieron un Disco de Oro en Hamburgo por lograr un millón de copias vendidas.
En 1974 Franc Koren deja el grupo, y lo suplen Jožica Svet y el barítono Alfi Nipič, quienes estarían junto a Ema Prodni y, hasta 1982 cuando, junto a Joži Kališnik, formaron un trío.
Bajo el liderazgo de Slavko, el grupo se hizo conocido alrededor del mundo y, en 1975, recibió la Placa Linhart, otorgada por la Academia Europea de la Música debido a la popularidad, calidad y originalidad de sus piezas. Al año siguiente (1976) en Mónaco recibirían ocho placas de oro y más tarde serían premiados en Países Bajos y en Austria.
En 1980 se le otorgó la Orden al Mérito con la Estrella de Plata de la República Federativa de Yugoslavia. En 1984, el tipo de acordeón utilizado por Avsenik fue el más vendido de la fábrica Horner, siendo Ansambel Bratov Avsenik la primera agrupación folclórica eslovena en grabar en sonido estéreo y en formato CD.
En 1988 su hijo Gregor se hizo cargo de la posada (gostilna) Pri Jožovcu v Begunjah (Junto a Avsenik en Begunje). Al año siguiente un problema en la espalda lo obligó a utilizar un aparato ortopédico pero el dolor bajó a las caderas. Debido a esto el conjunto decidió no tocar tan seguido, lo que llevó a tomar la dura decisión de disolver Ansambel Bratov Avsenik. En 40 años Ansambel bratov Avsenik ganó 31 Placas de Oro, una de platino y una de diamante.
En 1990 la agrupación quedó oficialmente disuelta, dejando tras de sí más de 8000 presentaciones, más de 700 composiciones originales y siendo premiado aún después de su retiro. Por ejemplo, en 1996 el Gobernador de Ohio en Cleveland le otorgó un premio a los logros musicales y declaró aquel Día de Gracias el Día de Avsenik.
Durante sus últimos años Slavko ayudó en la posada Pri Jožovcu v Begunjah y, ocasionalmente, tocaba en público a pedido de algún amigo.
En 1999 recibió la Orden de Plata de la Libertad de la República de Eslovenia por haber marcado en Eslovenia la cultura musical de masas y llevarla al mundo.
Hoy muchas de las canciones escritas junto a su hermano Vitko son interpretadas por artistas populares. Incluso sus hijos Gregor y Slavko Avsenik Jr.,o su nieto Sašo Avsenik son hoy uno de los músicos populares más reconocidos.
En 2012 estableció en Begunje na Gorenjskem (pueblo natal) la única escuela de música Avsenikova Glasbena Šola. Donde se enseñan regularmente todos los instrumentos que conformaban el quinteto.
Después de varios meses de tratamiento y tres meses de complicaciones, Slavko Avsenik falleció en la Clínica de Enfermedades Infecciosas de Ljubljana el 2 de julio de 2015. La familia Avsenik continúa realizando donaciones al Instituto de Oncología del Centro Médico de Ljubljana, como lo hace desde 1975. Su participación en la comunidad eslovena es mucho más amplia, ayudando, por ejemplo, con la construcción de fondos para el salto de esquí, deporte popular esloveno y una de las pasiones del querido Slavko.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Franz, der Maurerg'sell, o Franz, el aprendiz de albañil.
Steve Rothery nos transporta a un emocionante paisaje sonoro y lírico que es historia del rock progresivo
Oscar Saro 6 de octubre de 2024
Hay guitarristas virtuosos que destacan por su técnica incomparable, guitarristas más veloces que un cometa cruzando el cielo, guitarristas nacidos para inventar riffs que se almacenan directamente en la historia del rock, guitarristas con más cuerdas en la guitarra que un puente colgante… Y después están los guitarristas como Steve Rothery, con el poder de crear paisajes emotivos tocando tan solo tres o cuatro notas. Un guitarrista cuyos solos son fluidos, expresivos y tienen un sentido narrativo poderoso. Solos reconocibles y recordables. Solos ubicables en cada una de sus canciones.
Fue en 1979, en la ciudad inglesa de Aylesburry, cuando Steve Rothery, Mick Pointer y otros pusieron a caminar un grupo llamado Silmarillion. Ese grupo que a los dos años acabó perdiendo parte de su nombre inicial, para pasar a ser Marillion. Esa misma banda que con los años se convirtió en un pedazo de la historia del rock progresivo, con veinte trabajos de estudio a sus espaldas.
Pero Marillion no es parte del pasado. Continua en plena actividad y, curiosamente, el 25 y 26 de abril del 2025 podremos gozar de uno de sus famosos Marillion Weekends en la ciudad de Girona. Todo ello, por obra y gracia del promotor Neverland Concerts, que justamente es el mismo organizador del “momentazo” que nos ocupa: dos días seguidos en la sala Razzmatazz de Barcelona, el 27 y 28 de septiembre, en los que Steve Rothery y su banda, la Steve Rothery Band (SRB), nos ha transportado a un emocionante paisaje sonoro y lírico que es historia del rock progresivo.
Tod@ seguidor de Marillion sabe perfectamente que su historia se puede dividir en dos etapas diferenciadas por sus cantantes, la etapa Fish y la etapa Hogarth. A pesar de que es un tema que tiene profundidad y debate, no encontraréis en estas líneas una comparación detallada entre ambas, ni palabras negativas para destacar una obra sobre la otra. Como los setlists de los dos pases han estado centrados básicamente en material antiguo, salvo algún tema propio y alguna de la época Hogarth, pondremos foco en el Marillion de la primera etapa, cuando la voz y la lírica eran responsabilidad del escocés Derek William Dick, más conocido como Fish.
En ese primer ciclo, la banda editó sus cuatro primeros trabajos de estudio:
Script for a Jester’s Tear (1983)
Fugazi (1984)
Misplaced Childhood (1985)
Clutching at Straws (1987)
Y dos álbumes en directo:
Real to Reel (1984)
The Thieving Magpie/La gazza ladra (2 CD, 1988)
Un material que supone un auténtico tesoro del rock neo progresivo, influenciado plenamente por los pioneros (Genesis, Yes, Pink Floyd…). Música realmente bonita, muy melódica y texturizada, donde las atmósferas creadas por la guitarra de Steve Rothery y el teclado de Mark Kelly nos transportaron a paisajes bellos y especiales que tendremos siempre en nuestra memoria. Etapa en la que Fish también tuvo un papel fundamental, tanto por esas letras escritas en una prosa poética de un magnetismo especial, como por su diferente manera de cantar y su enorme presencia en el escenario.
Y es en esta primera etapa de Marillion en la que nos hemos vuelto a sumergir con la actuación de la Steve Rothery Band en Barcelona. El guitarrista ya nos anunció que se centraría en repasar los dos últimos álbumes de estudio de esta primera etapa: Misplaced Childhood y Clutching at Straws. Dos trabajos que, en la parte musical, son dos obras monumentales, cada uno con sus particularidades. Y también con mucha profundidad en la parte lírica, donde se aprecia una evolución en las historias de Fish hacia temas más sombríos y decadentes. Con Misplaced Childhood ya empezaron aparecer referencias a la drogadicción y el alcoholismo, pero fue en Clutching at Straws donde escribió sus letras más desgarradoras y tristes, que brotaron del ritmo frenético en el que estaba sumergida la banda y de la espiral de autodestrucción en la que el propio cantante se vio arrastrado. En este punto, hago notar mi absoluta debilidad por este último álbum de estudio que grabó Marillion con Fish. Para el que escribe, Clutching at Straws es uno de los trabajos más conmovedores que he escuchado nunca, con un profundo contraste entre una música melódica realmente bonita y unas letras muy poéticas inspiradas en una realidad terriblemente dolorosa. Y para muestra el ejemplo del tema “Sugar Mice”, un bello paisaje sonoro que abriga una letra en la que Fish destila todos sus demonios, se muestra profundamente culpable de haber fallado a su familia y se refugia en el alcoholismo. “Si quieres mi dirección, es el número 1 al final del bar”.
Los dos trabajos se publicaron cuando los álbumes era vinilos con dos caras, con portadas sugerentes y con las letras escritas dentro. Allí es donde me ahogué en la poesía de Fish. Dos caras, la A y la B, que marcaron la pauta de la distribución de los temas entre los dos días de concierto.
Los conciertos de SRB estaban inicialmente programados para la segunda sala de Razzmatazz y la buena venta de entradas los catapultó a la sala principal, que no se llegó a llenar, para comodidad de los asistentes y lástima del promotor. Entre el público, una gran mayoría de fans de Marillion que vinieron predispuestos a emocionarse y que cantaron y tararearon con entusiasmo todas las canciones clásicas y la mayoría de los solos de guitarra. Entre ellos, un porcentaje reconocible de turistas musicales. El resultado final es un magnífico regalo que el promotor nos ha obsequiado a todos los que amamos esta música. Dos días de una bonita celebración a este legado, desplegados en una atmósfera de emotividad y felicidad propia de la evidencia de revivir en directo una obra irrepetible.
Steve Rothery se mostró comunicativo, nos introdujo con sus comentarios a la mayoría de los temas y lo vimos en algún momento contagiado por la emoción.
La Steve Rothery Band que lo acompañó en el escenario de Razzmatazz estaba formada por:
Martin Jakubski (voz)
Riccardo Romano (teclado)
Dave Foster (guitarra)
Leon Parr (batería)
Yatim Halimi (bajo)
Hay que destacar que todos cumplieron su papel a diferentes niveles, destacando la voz y carisma de Jakubski, el teclado de Romano, que sonó por momentos cercano al de Kelly, y la segunda guitarra de Foster que en algunos temas tuvo espacio para demostrar su técnica. En este punto he de reconocer el error de dejarme abducir por guitarra, teclados y voz… hasta el punto de no prestar mucha atención a bajo y batería. Espero que Parr y Halimi me perdonen.
Steve Rothery es ese guitarrista que toca con los ojos cerrados, con porte concentrado y con sus manos gruesas deslizándose por el mástil de su guitarra. Una manera de tocar que nos transmite su profunda inmersión en destilar cada una de las notas que fluyen de su ingenio. Y al magnífico resultado nos remitimos. Que gran alegría ha sido volverle a ver hacer esta magia en directo.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con 3 Boats down from the Candy.
Charles Theodore Pachelbel, nació en Stuttgart, Alemania, y fue bautizado como Carl Theodorus Pachelbel, el 24 de noviembre de 1690. Murió en Charleston, Carolina del Sur, Estados Unidos, y recibió sepultura el 15 de septiembre de 1750. Compositor, organista y clavecinista.
Pachelbel, Charles Theodore (en realidad, Carl Theodor), organista, clavecinista, profesor y compositor germano-estadounidense, hijo de Johann Pachelbel y hermano de Wilhelm Hieronymus Pachelbel; n. Stuttgart (bautizado), 24 de noviembre de 1690; f. Charleston, SC (enterrado), 15 de septiembre de 1750. Emigró a Boston c. 1732; sirvió como organista en Trinity Church en Newport, Rhode Island. Luego fue a Nueva York y apareció en conciertos como clavecinista (21 de enero y 8 de marzo de 1736), y luego fue organista en St. Philip's Church en Charleston (1737-1750). Dio su primer concierto público en su casa allí (22 de noviembre de 1737). En 1749 fundó su propia escuela de canto. Su única obra existente, un Magnificat para 8 voces (edición moderna, NY, 1937), fue escrita antes de su emigración a los EE. UU.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Magnificat en Do Mayor, en la versión del Conjunto Johann Sebastian Bach, dirigido por Matthias Böhringer.
Sara Zoabi: ''Soy sionista, israelí, árabe y musulmana''
Esta es la lucha de una mujer árabe-israelí en contra del Islam radical y el alto precio que paga por decir lo que piensa.
“Me defino como una orgullosa israelí, sionista, árabe y musulmana. Sionista significa que apoyo el derecho del pueblo judío a tener su propio Estado. Como musulmana y árabe que promueve la defensa de Israel aquí y en todo el mundo, quiero decirle a todos los árabes, especialmente a los israelíes, que se acuerden que aquí vivimos en un paraíso”, aseguró Sara.
“En Israel existe la libertad de expresión y de religión. Aquí los musulmanes, los drusos y los cristianos disfrutan de cosas que en los países árabes están prohibidas. Solamente en Israel existe una verdadera democracia. Aquí se acepta al otro, independientemente de su raza, religión o color. Desde ya que no todo es perfecto y hay cosas que deben ser mejoradas, pero no hay ningún país que sea perfecto. La bandera israelí es mi bandera, y el Hatikva, mi himno”, concluyó.
El sitio www.aishlatino.com publicó este video en YouTube en agosto de 2016.
Hoy abordamos los desafíos éticos de la ciencia y la inteligencia artificial, especialmente en la investigación y la medicina, junto a Perla Wahnon, presidenta de la COSCE, quien destaca la importancia de una ciencia responsable, transparente y sostenible.
Bruce Randall Hornsby, nació en Williamsburg, Virginia, Estados Unidos, el 23 de noviembre de 1954. Cantante, pianista, compositor, y director de orquesta.
Bruce Hornsby ha forjado una de las carreras más diversas, colaborativas y aventureras de la música contemporánea. Inspirándose en una vasta fuente de tradiciones musicales estadounidenses, el cantante, pianista, compositor y director de orquesta ha creado una obra extensa y lograda, empleando una amplia gama de enfoques estilísticos. A lo largo de este período, Hornsby ha mantenido la integridad, el virtuosismo y la curiosidad artística que han caracterizado su obra desde sus inicios.
El primer álbum de Hornsby y su banda The Range, The Way It Is (1986), fue ganando popularidad de forma constante y lenta en Estados Unidos cuando, en agosto, la canción principal explotó en BBC Radio One en Inglaterra, luego en Europa, el resto del mundo y, finalmente, en Estados Unidos. El disco vendió tres millones de copias, la banda tocó en Saturday Night Live y fue telonera de Steve Winwood, John Fogerty, Huey Lewis, Grateful Dead y Eurythmics antes de convertirse en cabezas de cartel de su propia gira, con Crowded House como teloneros.
Pronto, Hornsby empezó a recibir solicitudes de colaboración con una amplia gama de músicos y escritores, una demanda que continúa hasta la fecha. Ha tocado en discos de Bob Dylan, Robbie Robertson, Bonnie Raitt (piano en su icónica "I Can't Make You Love Me"), Willie Nelson, Don Henley, Bob Seger, Squeeze, Stevie Nicks, Chaka Khan, Charlie Haden, Jack DeJohnette, Crosby, Stills and Nash, Bon Iver, Leon Russell, Chris Whitley, Warren Zevon, Bernie Taupin, Brandon Flowers (de The Killers), Cowboy Junkies, Shawn Colvin, Bela Fleck, Randy Scruggs, Hillary Scott, Wild Magnolias, Clint Black, Sara Evans, Clannad y muchos más. Ha colaborado en sus propios discos con Ornette Coleman, Jerry Garcia, Eric Clapton, Sting, Elton John, Mavis Staples, Phil Collins, Pat Metheny, Branford Marsalis, Wayne Shorter, Justin Vernon y James Mercer (de The Shins), entre otros. Junto con su primer coautor, Jonathan Hornsby, y su actual compañero, Chip deMatteo, Bruce ha coescrito canciones con Robert Hunter (el gran letrista de Grateful Dead), Justin Vernon, Robbie Robertson, Don Henley, Leon Russell, Charlie Haden, Chaka Khan y Jack DeJohnette. Sus canciones han sido grabadas por una amplia gama de artistas, como Tupac Shakur (su icónica "Changes"), Akon, Bon Iver, Snoop Dogg, Chaka Khan, E-40, Don Henley, Leon Russell, Willie Nelson, Mase, Randy Scruggs y Robbie Robertson.
A lo largo de los años, Hornsby se ha aventurado con éxito en el bluegrass, el jazz, la música clásica e incluso la electrónica, lo que se refleja en lanzamientos aclamados como dos proyectos con Ricky Skaggs: Ricky Skaggs y Bruce Hornsby (2007) y el concierto en vivo Cluck Ol' Hen (2013), el álbum de trío de jazz Camp Meeting (2007) con Jack DeJohnette y Christian McBride, y Solo Concerts (2014), una fusión estilística de la música tradicional estadounidense de raíces y la disonancia y aventura de la música clásica moderna. Este interés posterior condujo a un proyecto orquestal encabezado por Michael Tilson Thomas que presenta esta nueva música; la primera actuación tuvo lugar en enero de 2015 con la New World Symphony de Thomas, y el último concierto con más material nuevo se produjo en junio de 2018 en su Funhouse Fest con la Orquesta Sinfónica de Virginia.
Sus tres premios Grammy (¡junto con sus diez derrotas en los Grammy!) ejemplifican la diversidad de su carrera: Mejor Artista Nuevo (1986) como líder de Bruce Hornsby and the Range, Mejor Grabación de Bluegrass (1989) por una versión de su antiguo éxito de Range "The Valley Road" que apareció en Will The Circle Be Unbroken Volume Two de Nitty Gritty Dirt Band, y un premio compartido con Branford Marsalis en 1993 por Mejor Instrumental Pop por "Barcelona Mona", una canción escrita e interpretada para los Juegos Olímpicos de 1992.
Las estadísticas de ventas y la amplitud de sus colaboraciones (incluyendo numerosos samples de artistas de rap y hip-hop) hablan por sí solas de la singular fusión de Hornsby entre el atractivo comercial y la vibrante diversidad musical. Sus álbumes han vendido más de once millones de copias en todo el mundo. Harbor Lights (1993) ganó el premio al Álbum del Año de la Encuesta de Lectores de Downbeat en 1994. Tupac Shakur coescribió una nueva canción sobre la música de "The Way It Is" llamada "Changes"; fue un gran éxito mundial en 1998, vendiendo 15 millones de copias. En 2006, su álbum de 4 CD, Intersections, fue seleccionado como uno de los mejores recopilatorios del año por el New York Times. Su canción "Levitate" fue seleccionada en 2011 por Sports Illustrated como una de las 40 mejores canciones deportivas de todos los tiempos. El último disco de Bruce y su banda actual, The Noisemakers (una colección que incluye a Bruce tocando el dulcémele de los Apalaches), Rehab Reunion (2016), entró en la lista de álbumes de Billboard en el puesto 101, marcando su décima aparición en la venerable lista en treinta años. En 2016, la lista anual "Hot List" de Rolling Stone seleccionó a Bruce como "Influencia Sorpresa Destacada", citando su influencia e inspiración en artistas modernos como Justin Vernon (Bon Iver) y Ryan Adams.
A lo largo de los años, Hornsby ha participado en varios eventos memorables: el concierto inaugural del Salón de la Fama del Rock and Roll en septiembre de 1995 (cuya actuación está incluida en el álbum del concierto), Farm Aid IV y VI, el Telluride Bluegrass Festival (en numerosas ocasiones), el Newport Jazz Festival (2007), el New Orleans Heritage and Jazz Festival (1997 y 2011), Woodstock II (1994), Woodstock III (1999, cuya actuación de la banda está incluida en el álbum del concierto) y el Bonnaroo Festival (2011). Hornsby, en solitario y con Branford Marsalis, ha interpretado el Himno Nacional en muchos eventos importantes, entre ellos el Juego de las Estrellas de la NBA, cuatro Finales de la NBA, el quinto juego de la Serie Mundial de 1997, la noche en que Cal Ripken rompió la racha de juegos consecutivos de todos los tiempos de Lou Gehrig y la banda sonora de Baseball: A Film de Ken Burns. Más recientemente, fue invitado especial de Bon Iver para su set en el festival Coachella en abril de 2017, y estuvo con Justin Vernon (Bon Iver) dos veces en diciembre de 2017 y una vez en Eau Claire, Wisconsin en 2018.
La larga participación de Bruce con Grateful Dead comenzó cuando el grupo le pidió que abriera dos shows en Monterey, California, en la primavera de 1987. Bruce and the Range continuaron abriendo shows para los Dead en 1988, 1989 y 1990, y después de la trágica muerte del teclista de Dead, Brent Mydland, la banda le pidió que tocara con ellos. Empezó a improvisar con ellos sin ensayar durante cinco noches en el Madison Square Garden en septiembre de 1990, y dio más de 100 conciertos con ellos hasta marzo de 1992. Continuó acompañando a la banda cada año hasta el fallecimiento de Jerry García en 1995. Tocó en la primera banda post-Dead, "The Other Ones", en 1998 (el álbum The Strange Remain narra esa gira) y en 2000. Bruce se reunió con la banda para los conciertos del 50.º aniversario, Fare Thee Well, en junio y julio de 2015 en el Levi's Stadium (Santa Clara, California) y el Soldier Field (Chicago). Aparece en siete discos de Grateful Dead, incluyendo Infrared Roses, So Many Roads y View From The Vault II.
Bruce ha participado en numerosos discos tributo, incluyendo dos recopilaciones de Grateful Dead, el original Deadicated (1991) y la reciente compilación masiva de la banda The National titulada Day of the Dead. Grabó "Black Muddy River" con Justin Vernon de Bon Iver y DeYarmond Edison, la banda de la escuela secundaria de Justin. Otras apariciones en discos tributo incluyen Two Rooms: Un tributo a las canciones de Elton John y Bernie Taupin, un tributo a Keith Jarrett, un tributo a The Band, una colección de Fats Domino, Big Mon de Ricky Skaggs: la música de Bill Monroe, y el disco tributo a Jackson Browne, Looking Into You.
Hornsby, exalumno de la Universidad de Miami, se ha asociado con The Frost School of Music para establecer el Programa de Música Creativa Estadounidense, un plan de estudios diseñado para desarrollar las habilidades creativas de jóvenes artistas/compositores talentosos sumergiéndolos en diversas tradiciones estadounidenses de folk, blues y gospel que forman las bases de la composición de canciones estadounidenses modernas.
De hecho, el incansable espíritu musical de Bruce Hornsby continúa impulsándolo espontáneamente hacia nuevas y emocionantes aventuras musicales. Ha compuesto e interpretado numerosos proyectos con su colaborador de muchos años, el cineasta Spike Lee, incluyendo las canciones que dan título a dos películas: Clockers (1995, con Chaka Khan) y Bamboozled (2001). Contribuyó con la música para If God is Willin' And the Creek Don't Rise (2010), Old Boy (2013) y Chiraq (2015), y compuso las bandas sonoras completas de Kobe Doin' Work, el documental de Lee sobre Kobe Bryant en ESPN de 2009, Red Hook Summer de 2012, Da Sweet Blood of Jesus (2015) y la película de Lee para el videojuego NBA2K16 (2015). Bruce escribió e interpretó la canción que da título a la película "Set Me In Motion" de Ron Howard (1991) y una canción destacada, "Big Stick", de Ron Shelton (1996). Actualmente trabaja con DeMatteo en el musical SCKBSTD y contribuyó a la música de Aviones: Fuego y Rescate (2014) de Disney/Pixar. Hornsby también aparece en pantalla y contribuyó a la música de la película de Robin Williams y Bobcat Goldthwaite, El mejor papá del mundo (2009), la primera (¡y última!) vez que le pidieron que actuara. Compuso la banda sonora de las dos temporadas de la serie de Netflix de Spike Lee, "She's Gotta Have It", en 2017 y 2019; compuso e interpretó nueva música para la película de Lee de 2018, "Blackkklansman", y contribuyó con una nueva interpretación en solitario de "The Way It Is" para el documental de 2019, "NYC Epicenters 9/11-2021 1⁄2".
Tres décadas después de que Bruce Hornsby se consolidara como creador de éxitos pop que definieron "el sonido de la gracia en la radio", como escribió una vez un crítico de Rolling Stone, estos proyectos continúan y son coherentes con su búsqueda constante de la trascendencia musical. "Siempre se ha tratado de mantener la inspiración, ampliar mi alcance y mi gama de habilidades e influencias, y explorar nuevas áreas", afirma Hornsby. "Tengo mucha suerte de poder hacer eso, de ser un estudiante de por vida y de seguir desarrollando una vida musical diversa".
Su audaz álbum número 21, Absolute Zero, se lanzó en abril de 2019 y recibió algunas de las críticas más entusiastas de la carrera de Hornsby, en medios como The New York Times, Spin, Pitchfork, Times of London, Mojo, Guardian UK y The Washington Post. "Voyager One" fue elegida una de las mejores canciones de 2019 por The New York Times. Contó con la participación de artistas invitados como yMusic, Justin Vernon, Blake Mills, Robert Hunter, The Staves y Jack DeJohnette.
Vernon y Hornsby coescribieron y cantaron a dúo el sencillo principal del disco, "Cast-Off". Continuaron colaborando para componer la canción "Yu Man Like" para el nuevo álbum de Bon Iver de 2019, i,i. Hornsby tocó el piano y cantó una línea principal.
En 2020, Hornsby lanzó la secuela de Absolute Zero, titulada Non-Secure Connection, que volvió a recibir una acogida muy positiva de la crítica por parte de The New York Times, Pitchfork, Spin, Esquire, The Times of London, Uncut, UK Evening Standard y The London Sunday Times. «My Resolve», un dueto con James Mercer de The Shins, fue elegido una de las mejores canciones de 2020 por el New York Times. Contó con la participación de Mercer, Jamila Woods, Leon Russell, Vernon Reid, Justin Vernon y Rob Moose. Bruce y James participaron en duetos virtuales en Stephen Colbert y el Festival Virtual Bonnaroo.
También apareció con Bruce en el set de Bonnaroo el artista de hip-hop de Chicago Polo G, quien lanzó "Wishing For A Hero" en 2020, una canción inspirada en "Changes" de Tupac que, una vez más, utilizó la música y algunas palabras de "The Way It Is" con gran impacto. "Wishing For A Hero" fue un éxito muy aclamado y bien recibido del álbum de Polo de 2020, The GOAT.
El 23.er disco de Bruce, 'Flicted', se lanzó en mayo de 2022, completando así la trilogía de álbumes iniciada con Absolute Zero. Con la participación de invitados especiales como Ezra Koenig (Vampire Weekend), Danielle Haim (Haim), Blake Mills y yMusic, el álbum volvió a recibir elogios de la crítica de The New York Times, Sunday Times (Reino Unido), Uncut y Pitchfork, entre otros.
En marzo de 2024, el conjunto de cámara neoyorquino Music y Bruce lanzaron su primer disco colaborativo, "Deep Sea Vents", con la participación especial de Branford Marsalis y Chad Wright. Bajo el nombre "BrhyM", escribieron diez canciones nuevas durante la pandemia, y el álbum se convirtió en el primer álbum de Bruce y el grupo en alcanzar la cima de las listas Billboard, alcanzando el número 1 en la lista Classical Crossover. La atención de la crítica provino principalmente del Reino Unido, con críticas positivas de Uncut y The New Statesman, y de Estados Unidos, con el aplauso de Saltwire y The New York Times.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con The Way It Is.
El Diario Clarín, en su edición digital, publicó esta información.
Murió Ornella Vanoni, la legendaria estrella de la canción italiana, a los 91 años
Falleció en su casa en Milán, por un paro cardíaco.
Vendió más de 55 millones de discos y grabó 40 discos.
Ornella Vanoni murió este viernes 21 a los 91 años en Milán. Foto: EFE/EPA/ansa
Redacción Clarín
22/11/2025 15:33/ Actualizado al 22/11/2025 15:56
Ornella Vanoni murió a los 91 años. La mítica voz italiana que marcó generaciones y vendió más de 55 millones de discos sufrió un paro cardíaco en su casa en Milán. La triste noticia la confirmó el ministro de Cultura italiano, Alessandro Giuli.
Ícono de la música melódica italiana, actriz, musa y figura televisiva, construyó una carrera de casi siete décadas, dejó una huella profunda en la música popular y fue una de las intérpretes más influyentes del siglo XX.
Ornella Vanoni en 2013. Foto: EFE/EPA/ansa
Su estilo íntimo, sofisticado y capaz de transformar cada canción en una narración emocional la convirtió en una figura emblemática de la musica leggera italiana. Su versión de L’appuntamento traspasó fronteras y revivió décadas después gracias a la banda sonora de Ocean’s Twelve (2004).
A lo largo de su carrera lanzó alrededor de 50 álbumes de estudio. Fue un símbolo de sensibilidad artística y libertad interpretativa. Su estilo íntimo y su fraseo inconfundible redefinieron la canción de autor, llevando al primer plano emociones crudas y relatos urbanos. No solo consolidó un repertorio que abarca bossa nova, jazz, pop y música tradicional italiana, sino que también abrió espacio para una forma de cantar más madura y auténtica, alejada de artificios.
Su presencia escénica, siempre elegante y directa, la convirtió en referente de generaciones posteriores de intérpretes que encontraron en ella un modelo de honestidad emocional.
Su carrera exitosa
Hija de un farmacéutico, tras estudiar en el extranjero, Ornella Vanoni regresó a Milán y se acercó al mundo del espectáculo, Se inició en 1953 como actriz en la escuela del Piccolo Teatro de Milano dirigida por Giorgio Strehler, su maestro y compañero sentimental durante cuatro años. Strehler le propuso cantar tres canciones en los entreactos de I Giacobini de Zardi, que fueron muy apreciadas por el público y la crítica. En 1956 debutó como actriz en la obra Seis personajes en busca de autor de Pirandello.
Ornella Vanoni en 1965. Foto: AP
En 1961, grabó su primer disco y sus primeros éxitos como cantante fueron las conocidas como Canzoni della Mala, un repertorio popular que retrataba con dramatismo la mala vida milanesa, junto a algunos temas de Gino Paoli. Participó en el programa televisivo Canzonissima y en varias competiciones, por ejemplo, en 1964 con Tu si' 'na cosa grande en el Festival de Nápoles junto a Domenico Modugno).
En la segunda mitad de los años '60 inició una relación artística y sentimental con Gino Paoli, quien escribe para ella Senza fine, un gran éxito en Italia. También en 1965 participó por primera vez en el Festival de San Remo, en el que estuvo en siete ocasiones y en 1968 quedaría en segunda posición con el tema Casa bianca, cantado a dúo con Marisa Sannia, otro hit.
Su repertorio se enriqueció con temas de autores como Domenico Modugno, Burt Bacharach, Charles Aznavour y Gilbert Bécaud. En 1967 logró grandes éxitos televisivos.
En 1970 participó en el Festival de San Remo con el tema Eternità, aunque fue con el sencillo siguiente con el que obtuvo su mayor éxito: L'appuntamento (La cita), originalmente en portugués por Roberto Carlos y Erasmo Carlos. En 1973 también grabaría otra canción de Roberto Carlos, Detalhes con el título de Dettagli, otro de sus grandes éxitos.
En 1976, grabó en vivo un disco histórico La voglia, La pazzia, L'incoscienza, L'allegria con Toquinho y Vinícius de Moraes, popularizando la música de estos grandes autores brasileños en Italia.
En los años '80, Ornella se confirmó como la “señora de la canción italiana”, un título que es reconocido por su refinamiento y sus éxitos discográficos continuos. En 1986 alcanzó uno de sus sueños, la grabación Ornella &…, álbum doble de atmósfera jazz, con un casting de artistas del jazz internacional como Herbie Hancock, Gerry Mulligan, George Benson y Gil Evans.
Ornella Vanoni en la edición 71 del Festival de la Canción de San Remo, 2021. Foto: EFE
En los años '90 inició una colaboración con Mario Lavezzi, y en 1996 su disco Sheherazade fue disco de oro en Italia. Alberi fue la canción con la que participó de nuevo en el 49° Festival de la Canción de San Remo, donde le fue otorgado el premio a su carrera musical.
En 2001, publicó dos álbumes con versiones de los años '60 y '70. En 2002, junto a Sergio Bardotti, cantó lo mejor del repertorio de Burt Bacharach: todos los temas en italiano con traducción propia, editado como Sueños prohibidos; Ornella y las canciones de Bacharach. En 2004, el tema L'appuntamento en su voz se incluyó en la banda sonora de la película Ocean's Twelve.
En 2007, a los 73 años de edad, editó Una bellissima ragazza, su primer disco con temas inéditos desde Argilla (1997), con el que emprende una intensa gira teatral por las más importantes ciudades italianas.
Incansable, en 2021 publicó Unica, su álbum de estudio número 50, celebrando sesenta años de carrera.
A continuación, la recordamos con algunos de sus grandes éxitos: Senza Fine, con Gino Paoli; Samba della rosa, con Toquinho y Vinicius De Moraes; Il Mondo, con Michael Brecker y La musica è finita.
