Victor Wooten

Victor Lemonte Wooten nació en Mountain Home, Idaho, Estados Unidos, el 11 de septiembre de 1964. Bajista y compositor. 

El sitio www.victorwooten.com publicó su biografía. 

“El mundo necesita algo más que buenos músicos. 

Necesitamos buena gente.” 

— Mamá Wooten 

¿Quién es Victor Lemonte Wooten? 

"¿Quién soy yo? Esa sí que es una buena pregunta." 

Victor Lemonte Wooten es un ser humano excepcional. Nacido como el menor de cinco hermanos, comenzó a aprender música a la tierna edad de dos años. A los cinco años, empezó a tocar el bajo en clubes nocturnos y teatros con la banda familiar, y a los seis, ya estaba de gira con sus hermanos abriendo conciertos para el legendario artista de soul Curtis Mayfield. Poco después, se le conocía cariñosamente como el "As del Bajo de 8 años", y antes de graduarse de la escuela secundaria, él y sus hermanos habían compartido escenario con artistas como Stephanie Mills, War, Ramsey Lewis, Frankie Beverly and Maze, Dexter Wansel y The Temptations. Pero esto es solo el comienzo de la historia de este titán de Tennessee. 

Wooten, ahora ganador de cinco premios Grammy, saltó a la fama mundial en 1990 como miembro fundador del supergrupo Bela Fleck and the Flecktones. Tras seguir cosechando éxitos musicales con la banda, Victor también se ha hecho muy conocido por sus grabaciones y giras en solitario, nominadas a varios premios Grammy. 

Entre otras cosas, es un esposo y padre cariñoso de cuatro hijos, un naturalista y profesor experto, autor publicado, mago y acróbata, y ha ganado todos los premios importantes otorgados a un bajista, incluyendo haber sido elegido Bajista del Año en la encuesta de lectores de la revista Bass Player en tres ocasiones (la única persona en ganarlo más de una vez). En 2011, la revista Rolling Stone lo nombró uno de los diez mejores bajistas de todos los tiempos. 

"Nací en el lugar y el momento adecuados, en el seno de una familia maravillosa." 

Victor Lemonte Wooten nació el 11 de septiembre de 1964 en una base de la Fuerza Aérea cerca de Boise, Idaho, en el seno de una familia militar. Poco después, la familia se mudó, como suele ocurrir con las familias militares. Fue durante su estancia en Hawái cuando los hermanos comenzaron a tocar como quinteto. Con Regi en la guitarra, Roy en la batería, Rudy en el saxofón, Joseph en los teclados y Victor en el bajo, nació la banda Wooten Brothers. Tocando en el jardín de su casa, la banda comenzó a perfeccionar sus habilidades de inmediato. Victor atribuye la temprana capacidad de los hermanos para tocar diversos géneros musicales a la experiencia de mudarse con frecuencia, la diversidad de las emisoras de radio de los años 60 y el apoyo incondicional de sus padres, quienes les brindaron muchas oportunidades y les consiguieron todas sus presentaciones. 

"Mis hermanos, que ya tocaban música, sabían que necesitaban un bajista para completar la banda familiar. Regi empezó a enseñarme en cuanto pude sentarme derecho, y mis padres le dejaron hacerlo." 

Victor ha sido aclamado como "el Michael Jordan del bajo" y "uno de los músicos más intrépidos del planeta". Estas cualidades quedaron patentes cuando, en 1981, su hermano mayor, Roy, lo recomendó como violinista de bluegrass para un trabajo en un parque de atracciones cercano. Victor, que nunca había tocado el violín, aceptó el reto con entusiasmo. Tomó prestado un instrumento de su profesor de orquesta del instituto y empezó a practicar de inmediato. Tras aprender rápidamente las melodías y técnicas más populares, consiguió el trabajo en The Old Country de Busch Gardens en Williamsburg, Virginia, donde tocaba el violín y el bajo en el espectáculo Good Time Country Show. 

"Recuerdo aquella llamada de Roy. Confiaba en mí. Tuve que aprender a tocar el violín muy rápido, casi de la noche a la mañana. Creo que quienes me contrataron nunca supieron que nunca había tocado antes." 

Pronto descubrieron que los hermanos se estaban convirtiendo rápidamente en las principales atracciones. Los hermanos Wooten se consolidaron rápidamente como figuras clave y atracciones estrella del parque durante la década de 1980, participando en los espectáculos de música alemana, italiana, country, bluegrass y americana. 

En 1980 y 1981, los hermanos actuaron para las tropas estadounidenses en el extranjero como parte del espectáculo de la USO en Busch Gardens. Viajar por el mundo fue una experiencia reveladora y enriquecedora para el joven Victor, pero fue un verano actuando en un espectáculo de música country lo que, sin saberlo, cambió su vida para siempre. Fue entonces cuando descubrió a un singular intérprete de banjo llamado Béla Fleck. 

"Mis hermanos y mis padres fueron mi pilar fundamental. Me prepararon para casi cualquier cosa enseñándome a mantener la mente abierta y a adaptarme." 

Mientras trasteaba con el banjo de un amigo entre conciertos, este comentó sobre el sonido único que Wooten tenía. Como el instrumento se afina de forma diferente al bajo, las melodías de Victor sonaban bastante extrañas al tocar el banjo de su amigo. Con un marcado acento sureño, su amigo le dijo que sonaba igual que un banjista llamado "Baylor Fleck". Wooten no podía imaginarse a nadie tocando el banjo de esa manera, así que se propuso averiguar quién era ese tal Baylor. Cuando finalmente escuchó una grabación de la banda de Béla, New Grass Revival, quedó fascinado. 

En 1987, Victor viajó con un amigo a Nashville, Tennessee. Durante su breve visita, conoció al banjista Fleck. Tras su primer encuentro, Wooten y Fleck mantuvieron el contacto y siguieron compartiendo ideas musicales. En 1988, Wooten se instaló en Nashville. Ese mismo año, Béla y Victor, junto con el ingenioso hermano de Victor, Roy "Future Man" Wooten, y el virtuoso de la armónica y el piano, Howard Levy, formaron el ecléctico grupo Béla Fleck and the Flecktones. Con una docena de grabaciones en su haber, la banda ha creado un sonido completamente nuevo y se ha dado a conocer por su música que desafía los géneros. Actualmente, más de veinte años después, la banda sigue en plena forma. 

"Musicalmente, eso significa no ser rígido y  

no tener que tocar de una manera determinada." 

Pocos años después de comenzar su gira con los Flecktones, Victor lanzó su primer proyecto en solitario, A Show of Hands. Grabado únicamente con un bajo de cuatro cuerdas, sin multipista y con mucho ritmo y sentimiento, este revolucionario CD fue elegido como uno de los discos de bajo más importantes de todos los tiempos. 

Músicos deseosos de aprender el estilo único y las técnicas singulares de Victor comenzaron a buscarlo para tomar clases y asistir a seminarios en tiendas de música y escuelas de todo el mundo. Estos talleres se convirtieron en el campo de entrenamiento que dio origen a su aclamado Campamento de Bajo y Naturaleza en el año 2000, el cual posteriormente se expandió hasta convertirse en el Centro de Música y Naturaleza de Victor Wooten. Estos programas intensivos, que ya cumplen 25 años, dan la bienvenida a instrumentistas y vocalistas de todos los niveles, y han ayudado a miles de personas de todas las edades y de todos los rincones del mundo a enriquecer sus vidas musicales y personales. 

"La gente suele agradecernos que les ayudemos a que sus nuevos cónyuges regresen a casa." 

En 2009, Wooten Woods se convirtió en la nueva sede de todos los campamentos de Victor. Este retiro de casi 60 hectáreas, propiedad de Victor y su esposa, está ubicado a orillas del hermoso río Duck, al oeste de Nashville, Tennessee. Este pintoresco centro de retiros, construido en gran parte con el esfuerzo y la dedicación de antiguos alumnos, ha brindado a Victor y a su equipo muchas más oportunidades para compartir sus experiencias de vida con los demás. 

"Brindamos a los estudiantes la oportunidad de relajarse por completo y ser ellos mismos, reuniéndose en un ambiente pacífico y sin competencia, en igualdad de condiciones entre ellos y sus instructores. Hemos comprobado que este es el mejor entorno para el aprendizaje." 

El 1 de abril de 2008 marcó el debut de dos nuevos lanzamientos de Victor Wooten. Palmystery (Heads Up) es su sexto disco en solitario y contiene una colección de música completamente nueva. Cuenta con la participación de Bootsy Collins, Mike Stern, Keb Mo, Carl Denson, Jd Blair, Derico Watson, Saundra Williams, Anthony Wellington, Steve Bailey, Will Lee, Dennis Chambers, The Lee Boys, The Wooten Brothers y otros. El álbum muestra las habilidades de Wooten para la composición y los arreglos de jazz con canciones como "Two Timers", "Flex" y "Song for my Father", pero también pone de manifiesto su lado artísticamente humilde con el tema festivo "Bass Tribute" y la reflexiva "I Saw God". 

En la misma fecha, Victor publicó * The Music Lesson: A Spiritual Search for Growth Through Music*, una novela autoeditada sobre la vida y la música. El libro vendió cientos de ejemplares antes de su lanzamiento, convirtiéndose rápidamente en una lectura imprescindible para músicos de todo el mundo. La elección de este enfoque poco convencional para compartir ideas únicas sobre la música sorprendió a todos. Con una historia fascinante, llena de anécdotas y misticismo, *The Music Lesson* ha contribuido a la liberación de la mente de músicos de todo el mundo. Poco después de su publicación, fue adquirido por Berklee Publishing Group/Penguin USA Inc. y publicado por la editorial. Traducido a varios idiomas, *The Music Lesson* se utiliza actualmente como lectura obligatoria y forma parte de los programas de estudio en grupos de estudio, escuelas y universidades, incluyendo el prestigioso Berklee College of Music y Stanford. 

Tras el éxito del libro, se publicó el audiolibro de «La lección de música» (Tantor Audio). Victor presta su voz como narrador y protagonista, pero contó con la colaboración de muchos amigos y compañeros músicos para interpretar a los demás personajes. Además, Victor compuso e interpretó la banda sonora del audiolibro, que fue finalista en los premios Audie de 2011 (el equivalente a los Grammy en el mundo de los audiolibros) en la categoría de Desarrollo personal. 

Las codiciadas habilidades de Wooten y su creciente popularidad lo han llevado a grabar y actuar con artistas como Chick Corea, The Dave Matthews Band, Bootsy Collins, Branford Marsalis, Mike Stern, Prince, India Arie, Keb Mo, Dennis Chambers, Susan Tedeschi, Gov't Mule, Bruce Hornsby, Stanley Clarke, Marcus Miller, Frank Gambale, el legendario grupo marroquí Nass El Ghiwane y muchos otros. 

Su reconocida reputación como profesor y conferenciante sobre música y naturaleza le ha valido invitaciones para impartir charlas y clases en escuelas, universidades, centros espirituales de todo el mundo. Algunos de estos lugares incluyen Strathmore College, Berklee College of Music, la Universidad de Stanford, Harvard, la Universidad Estatal de Mississippi, la Universidad de Miami, la Universidad Estatal de Middle Tennessee, The Haven (Isla Gabriola, Columbia Británica, Canadá), diversos centros y campamentos de naturaleza, y la YMCA de Nueva York junto a Dan Levitin, autor de "This Is Your Brain On Music". 

Además de grabar álbumes ganadores del Grammy y que alcanzaron las listas de Billboard con Béla Fleck and the Flecktones, Victor también lideró la formación del supergrupo SMV con dos de sus ídolos de la infancia, Stanley Clarke y Marcus Miller. Continúa grabando y de gira con los Flecktones, otros artistas y como solista. Actualmente, también dirige entre seis y ocho campamentos en Wooten Woods cada año (en los que participa a diario). Con todo esto, parecería que Victor Wooten no tendría tiempo para nada más, pero no es así. 

Tomando las riendas de su carrera, Wooten fundó recientemente su propio sello discográfico. Vix Records, el sello que él mismo autodenomina "Sello del Amor", irrumpió en la escena en 2011 con una versión remasterizada de su innovador álbum debut en solitario. Esta nueva versión, A Show of Hands 15, incluye tres temas extra y también se publica en vinilo. 

"Si el mundo te siguiera hoy, ¿adónde los llevarías?" 

- Mama Wooten 

Victor Wooten sigue creciendo y siempre está dispuesto a compartir sus dones con todos aquellos que deseen aprender, por lo que parece que no tiene planes de bajar el ritmo. 

He escrito «El espíritu de la música», la secuela de «La lección de música», y tengo planeados al menos tres libros más. Estamos celebrando nuestro 25.º aniversario de VixCamps y Wooten Woods. Estamos oficialmente reconocidos como una organización sin ánimo de lucro (501c3), así que tenemos un gran potencial de crecimiento. Vix Records ya ha lanzado varios productos y componer música para cine y televisión es el siguiente paso lógico. Con el increíble equipo que me apoya, incluyendo a mi mánager Danette Albetta, mi asistente Dave Welsch y mi esposa Holly, estoy seguro de que lograremos todos nuestros sueños y más. Mis hijos ya dan conciertos por su cuenta. Quién sabe, quizás pronto pueda jubilarme y convertirme en su mánager. Me alegra mucho que a la gente le guste lo que hago y que tenga tanto apoyo. ¡Eso es invaluable! 

Visita VictorWooten.com para estar al tanto de todo lo que le apasiona a Victor Lemonte Wooten. Se mueve a toda velocidad, así que tendrás que esforzarte para seguirle el ritmo. Una cosa es segura: no querrás perderte nada. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Pretty Little Lady Groove y Throwdown at the Hoedown. Victor Wooten, Bela Fleck & The Flecktones   

Sonia Madejsker. Miembro de la Resistencia.

Sonia Madejsker nació en Vilna, entonces parte de Rusia, en 1914, y murió cerca de Vilna, en marzo de 1944. Miembro de la Resistencia. 

El sitio www.en.vilna.co.il publicó este recordatorio. 

Sonia Madiskar 

Sonia Madiskar nació en 1914 en la ciudad de Vilna, Lituania. Desde muy joven se involucró en la resistencia comunista y, posteriormente, las circunstancias la llevaron a convertirse en una activista clave de la resistencia judía. A lo largo de su vida pasó mucho tiempo en diversas prisiones e incluso logró escapar de la pena de muerte. Joseph Harmatz, uno de los comandantes de la resistencia de Vilna, relata la heroica historia de una mujer singular de la resistencia, que deseaba trabajar con niños, pero el destino la consagró a tareas completamente diferentes. Luchadora de la resistencia desde temprana edad.  

Los padres de Sonia Madiskar nacieron en la década de 1880 en la ciudad de Malat, Lituania. Al finalizar la Primera Guerra Mundial, regresaron y se establecieron en Vilna. Ambos se formaron en un seminario de maestros. Sus padres fueron asesinados durante la liquidación del gueto en 1943. Sonia nació en 1914. Su hermana menor, Dina, cuenta: “Sonia tenía muchos intereses; le gustaba vestir bien, siempre iba impecable, con el pelo peinado. Era una persona independiente y tenía sus propias opiniones. El sentido de la responsabilidad y la obligación era casi una obsesión para ella. También tenía talento para el teatro, y en la escuela donde estudiaba siempre participaba en las representaciones musicales. La gente decía: ‘Cuando sea mayor será actriz’. No parecía judía. Sonia era talentosa y una buena estudiante. Dominaba los idiomas de la región”. Sus actividades clandestinas contra los lituanos (antes de la guerra) la llevaron ante numerosos tribunales y, como consecuencia, conoció varias prisiones. Estuvo encarcelada en la prisión de Lokishkis en Vilna, posteriormente en Pawiak en Varsovia y en Siaritz, una prisión para adolescentes. En 1933, a los 19 años, regresó a Vilna y en la primavera de 1935 fue acusada de actividades antigubernamentales y condenada a seis años de prisión.  

En 1939, el Ejército Rojo se acercó a Grodno, donde Sonia estaba encarcelada, lo que despertó en ella la esperanza de ser liberada por los comunistas. Pero la policía polaca y otros vándalos tomaron el control de la prisión y condenaron a muerte a todos los presos. Les informaron que la ejecución se llevaría a cabo a la mañana siguiente. ¿Sería esa su última noche? Esa misma noche, el Ejército Rojo ocupó la ciudad y la vida de Sonia se salvó.  

En total, Sonia pasó 6 de sus 30 años en prisión. Amaba profundamente a los niños y solía decir que, si los soviéticos llegaban a Vilna, haría cualquier cosa por poder trabajar con ellos. Pero el destino tenía otros planes para ella. Sus sueños no se hicieron realidad y, en 1941, las fuerzas alemanas invadieron Lituania y lo destruyeron todo.  

Un enlace valiente  

En Vilna, Sonia se reunió con todos sus amigos de la resistencia comunista y descubrió que todos estaban preparando una nueva organización clandestina, esta vez contra los alemanes. Fue designada responsable de la organización de grupos juveniles y se dedicó por completo a la tarea. Gracias a su experiencia en la resistencia, manejaba una imprenta, preparaba los llamamientos a la resistencia, organizaba a quienes abandonaban el gueto, traficaba armas y ayudaba a todos en lo que fuera. Sonia no era miembro del personal de la FPO (Organización Partisana Unida del Gueto de Vilna), pero era su fiel representante en todas partes, según las circunstancias. Entre otras cosas, formaba parte del pelotón que yo comandaba. Jamás olvidaré el brillo de su maravilloso rostro y sus hermosos ojos, que transmitían seriedad y fortaleza interior, acompañadas del dolor y el sufrimiento que había padecido. Cuando se decidió enviar representantes de la resistencia al otro lado del frente para informar sobre la terrible situación que vivíamos, Sonia fue elegida para la misión junto con Tzesia Rosenberg. En este caso también las chicas fueron capturadas y condenadas a muerte. Y aquí también supieron, con astucia y suerte, eludir a sus captores y regresar sanas y salvas al gueto de Vilna.  

Cuando el gueto fue liquidado en septiembre de 1943, Sonia permaneció en la ciudad. Continuó dirigiendo a los enlaces que venían del bosque, donde se ubicaba la mayoría de los miembros de la resistencia que habían logrado escapar del gueto y unirse a los movimientos partisanos. Sonia siguió reclutando y convenciendo a los judíos que habían permanecido en la ciudad, en dos bloques —el de los peleteros y el del HKP, donde trabajaban en la industria automotriz (dos profesiones esenciales para la supervivencia en el frente)— para que se marcharan y se unieran a los partisanos.  

Hasta su muerte con la cabeza bien alta  

Los alemanes la localizaron y, tras seguirla, descubrieron dónde vivía. En marzo de 1944, un grupo de soldados de la Gestapo rodeó su edificio. Sonia sacó su arma, disparó a tres de ellos y, con la última bala, se disparó en la cara para no ser capturada con vida. Pero uno de los alemanes la agarró de la mano y resultó gravemente herida. Para los alemanes era crucial mantenerla con vida para obtener información sobre la resistencia. Fue encarcelada, pero se negó a hablar. Bella Maisel, arrestada en la ciudad con pasaporte polaco y trasladada de la prisión al campo de concentración de Stuffhoff, vio a Sonia en la prisión de Lokishkis. Relata: «Era imposible reconocer a Sonia. Tenía la cara negra e hinchada. Había perdido la vista y el oído por completo. Estuvo sentada durante horas frente a la ventana, en silencio».  

La Gestapo creía que podría obligarla a hablar y la mantuvo con vida hasta que el Ejército Rojo se acercó a Vilna. Antes del amanecer la llamaron. Ella sabía que eran sus últimas horas. Con la cabeza bien alta, Sonia caminó sus últimos pasos hacia el patio de la prisión. Se oyeron varios disparos. Los prisioneros en sus celdas quedaron conmocionados. Sonia, la heroína, había sido ejecutada.  

Pocos días después, el Ejército Rojo entró en Vilna. Tras su muerte, fue condecorada militarmente por el gobierno polaco y por el gobierno soviético lituano.  

Shlomo Kowarski, secretario de la juventud comunista en la resistencia del gueto de Vilna, escribió en su libro Sonia la heroína: «Siempre estaba en acción; ya fuera con su partido en la resistencia antes de la guerra, en la organización clandestina del gueto de Vilna, en la educación de los jóvenes, en el contrabando y ocultamiento de armas, en la edición y distribución del periódico clandestino, o ayudando a amigos y sus familias. Siempre encontraba tiempo para todo y para todos. Todo lo que hacía, lo hacía con dedicación, con el corazón y el alma. Y lo más impresionante era su forma de pensar, su comprensión de las personas y sus circunstancias, con el deseo de encontrar soluciones en cada situación. No con palabras, sino siempre con hechos, y en los momentos más difíciles, que fueron muchos».  

Y esto es lo que dijo de ella Rozka Korczak, luchadora clandestina: “Con la muerte de Sonia hemos perdido a una luchadora incomparable. Era una mujer que no conocía el concepto de miedo. Su entrega total y su disposición al sacrificio se han convertido en un ejemplo y un símbolo para todos nosotros”. 

Escrito por Joseph Harmatz, comandante de la resistencia clandestina del gueto de Vilna y partisano en los bosques de Rudniki.  

De: Organización de Partizans 

Siobhan Fahey

 

Siobhan Máire Deirdre Fahey, más conocida como Siobhan Fahey, nació en Dublín, Irlanda, el 10 de septiembre de 1958. Cantante, compositora, bajista y directora de cine.  

La página de Facebook Radio Prado Sur publicó su biografía.   

Siobhan Fahey nació el 10 de septiembre de 1958 y dejó su sello en la cultura pop como cofundadora de Bananarama, tríada que llevó la estética new wave a la radio mundial con melodías directas, armonías en primer plano y una identidad visual inconfundible. Junto a Sara Dallin y Keren Woodward, firmó una serie de sencillos decisivos de los ochenta: ritmo preciso, sintetizadores con pulso de pista y estribillos que se aprenden casi sin querer. Esa combinación convirtió al grupo en una referencia inevitable para entender el pop británico de la época. 

A fines de los ochenta, Fahey tomó otro rumbo y creó Shakespears Sister, proyecto con el que alcanzó un hito histórico gracias a “Stay”, balada de dramatismo quirúrgico y presencia vocal magnética. Décadas después, la alineación original de Bananarama volvió a reunirse para una gira que recordó por qué su legado sigue vigente: canciones que, sin excederse en artificios, activan recuerdos y siguen funcionando en vivo con la misma naturalidad. Entre ambos capítulos —Bananarama y Shakespears Sister— se reconoce una constante: criterio melódico, solvencia interpretativa y una intuición afinada para hacer del pop un lenguaje propio. 

Ese clima de verano denso y urgente, sostenido por un bajo firme y una percusión económica, resume la estética del trío: energía contenida, pulcritud rítmica y un estribillo que se adhiere a la memoria. Fahey aportó, además, una sensibilidad oscura y elegante que luego profundizaría en su etapa siguiente, mostrando versatilidad sin perder consistencia artística. 

www.radiopradosur.com 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cruel Summer. 

Otis Redding

Otis Ray Redding Jr. Nació en Dawson, Georgia, Estados Unidos, el 9 de septiembre de 1941, y murió en Madison, Wisconsin, Estados Unidos, el 10 de diciembre de 1967. Cantante, compositor, productor y arreglador. 

El sitio www.otisredding.com publicó su biografía.  

Nacido en Dawson, Georgia, Otis Redding, Jr. y su familia se mudaron a Macon cuando él tenía dos años. Desde muy joven, comenzó su carrera como cantante y músico en el coro de la Iglesia Bautista de Vineville. Asistió a la preparatoria Ballard Hudson y participó en la banda escolar. Siendo adolescente, empezó a competir en los concursos de talentos del Teatro Douglass por el premio de cinco dólares. Tras ganar quince veces seguidas, a Otis ya no se le permitió competir. 

Otis se unió a Johnny Jenkins and the Pinetoppers en 1958, y también cantaba en los concursos de talentos "Teenage Party" patrocinados por el famoso locutor local King Bee, Hamp Swain, los sábados por la mañana, inicialmente en el Teatro Roxy y más tarde en el Teatro Douglass en Macon. 

Otis llevó a Johnny Jenkins a Memphis, Tennessee, para una sesión de grabación en agosto de 1962 en Stax Records. Al finalizar la sesión, Jim Stewart, copropietario de Stax, le permitió a Otis grabar un par de canciones con el tiempo restante en el estudio. El resultado fue "These Arms Of Mine", lanzado en 1962. Este fue el primero de muchos sencillos exitosos (incluidos los clásicos "I've Been Loving You Too Long", "respect" y "Try A Little Tenderness") que Redding cosechó durante su trágicamente corta carrera. Nueve meses después, fue invitado a actuar en el Apollo Theatre para una grabación en vivo y posteriormente exhibiría sus movimientos de baile con "Shake" y "Satisfaction". 

Tras años de ambición y dedicación, los sacrificios de Otis Redding dieron sus frutos. Realizó giras por Estados Unidos, Canadá, Europa y el Caribe. Sus giras de conciertos fueron de las más taquilleras de cualquier artista de su época. Fue nominado en tres categorías por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (NARAS) por las grabaciones que realizó en 1967. 1968 se perfilaba como el mejor año de su carrera, con presentaciones programadas en lugares tan prestigiosos como el Philharmonic Hall de Nueva York y el Constitution Hall de Washington. Redding fue contratado para participar en varios programas de televisión importantes, como The Ed Sullivan Show y The Smothers Brothers Show. Fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama de la Música de Georgia en 1981 y en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1989. En 1999, recibió un premio Grammy a la trayectoria artística. 

En 1970, Warner Brothers lanzó un álbum con grabaciones en vivo del Festival Internacional de Pop de Monterey de junio de 1967, con Otis Redding en una cara y Jimi Hendrix en la otra. Este disco demuestra que el público blanco moderno, más conocido como el "público del amor", disfrutaba de Otis Redding tanto como el público negro para el que siempre había tocado. Su energía y entusiasmo, su carisma en el escenario y su conexión con el público convirtieron a Redding en un maestro de la interpretación, con el don excepcional de conectar con audiencias de todo el mundo. 

Ante todo, Otis era un hombre de familia. Conoció a su esposa, Zelma Atwood, en 1959 y se casaron en agosto de 1961. Juntos tuvieron tres hijos: Dexter, Karla, Otis III y Demetria, quien fue adoptada tras la muerte de Otis. Su familia era lo más importante para él. En 1965, se mudaron a una espaciosa propiedad de 120 hectáreas, "The Big O Ranch", en Round Oak, Georgia, cariñosamente llamada así en honor al mismísimo "Gran O". 

Zelma ha continuado como matriarca de la familia y ha criado a sus hijos hasta convertirlos en adultos exitosos en honor a su difunto esposo. Sus hijos, Dexter y Otis III, son productores musicales y compositores activos, y ambos viajan internacionalmente. Dexter, quien reside en Jacksonville, Florida, también es codirector de dos franquicias de alimentos. Karla es una empresaria exitosa e influyente que fundó y dirigió Karla's Shoe Boutique con su madre y socia en el centro de Macon durante casi 20 años. Actualmente, es la directora ejecutiva de la Fundación Otis Redding, establecida en memoria de su padre. Zelma es la albacea del patrimonio de Redding, donde, junto con Karla, gestiona las solicitudes diarias de canciones para comerciales, el muestreo musical, el uso del nombre e imagen de Otis, el Fondo Conmemorativo Otis Redding y la Fundación de Becas. Demetria trabaja en la administración de salud pública. 

Como presidente de Redwal Music Co., Inc., Otis participó activamente en la gestión de la empresa y fue directamente responsable de su liderazgo en el sector de la edición musical. Hasta la fecha, la compañía ha registrado los derechos de autor de más de 200 canciones de gran éxito comercial y ha publicado muchas otras que han vendido más de un millón de copias cada una. 

La idea de que la música podía ser una fuerza universal, uniendo a diferentes razas y culturas, era fundamental para la filosofía personal de Otis y se reflejaba en su vida cotidiana. En una época en la que quizás no se consideraba políticamente correcto, Redding tenía un mánager blanco, Phil Walden, y una banda racialmente mixta. Se hizo cargo de los negocios, creando su propia editorial y sello discográfico, Jotis Records, dando pasos sin precedentes para un artista de música negra en los años 60. Si bien no era la principal motivación de Otis, era visto como un modelo a seguir por la comunidad negra. Era alguien que ganaba dinero, y ganaba bien, sin las típicas historias de terror sobre ser estafado por promotores, agentes, mánagers o ejecutivos de compañías discográficas. 

La destreza de Otis Redding como hombre de negocios lo llevó a fundar su propio sello discográfico, Jotis Records, en 1965. Además de sus numerosos intereses comerciales en el ámbito musical, también participaba en otros negocios en su estado natal, como bienes raíces, inversiones, acciones y bonos. Su perspicacia para los negocios le permitía a Otis saber cómo ganar e invertir su dinero, a diferencia de otros artistas de soul de los años 60. Además del rancho Big-O de 120 hectáreas, con una casa de tres pisos, ganado y un lago de 1,4 hectáreas con peces, Redding adquirió dos avionetas privadas. Fue en su Beechcraft bimotor en el que viajaba aquel trágico día, el 10 de diciembre de 1967, cuando se estrelló en el lago Monona, en Madison, Wisconsin. El mundo perdió a un gran músico y a un gran hombre ese día. 

Sin embargo, su música y su legado perduran. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con My Girl.   

Ricardo Montaner

Héctor Eduardo Reglero Montaner, más conocido como Ricardo Montaner, nació en Avellaneda, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 8 de septiembre de 1957. Cantautor y pianista. 

El sitio www.cmtv.com.ar publicó su biografía.  

Ricardo Montaner 

Ricardo Montaner es un cantante y compositor argentino que hace música romántica y melódica. 

Nació el 8 de Septiembre de 1957, en la ciudad de Avellaneda, provincia de Buenos Aires. Cuando tenía seis años, Ricardo viajó a Caracas con sus padres y su hermana. Luego de tres años se mudaron a Maracaibo. Allí formó una banda con unos amigos. En esa época escuchaba a Led Zeppelin. La música le sirvió para curar su vergüenza y su timidez. En ese grupo era el baterista, pero, un día faltó el cantante, él tomó su lugar y allí cantó por primera vez en público. 

A los catorce años compuso su primera canción llamada "Noche de primavera" inspirado en su primera novia. A los 18 años decidió dejar sus estudios de periodismo y resolvió ser artista. Por entonces estaba a punto de casarse con Ana Vaz, con quien tuvo sus dos primeros hijos Alejandro Manuel y Héctor Eduardo. 

Su primer álbum fue editado en 1983, bajo el nombre de "Cada día". En 1986 salió "Éxitos".  

Entre las giras de conciertos, las grabaciones y las conferencias de prensa su matrimonio comenzó a deteriorarse. Un par de años después de su divorcio conoció a la cineasta caraqueña, Marlene Rodríguez. El 30 de Agosto de 1989 se casaron en una playa llamada Puerto La Cruz, en Venezuela. De este matrimonio nacieron tres hijos: Ricardo Andrés, Mauricio Sebastián y Evaluna. Junto a Marlene llevan adelante la fundación Los Hijos del Sol, con la cual construyen salas de hospitales y compran equipamiento. 

También hubo otra audaz tentativa de banda que se llamó La Scala, gracias a la cual conoció a Roberto Luti, que lo lanzó como solista y grabó el disco “Mares” en 1976. En este disco graba una canción a dúo con su hijo Alejandro, llamada "Hijo mío". En 1986 sale “Ricardo Montaner I”, con el que vendió un cuarto de millón de copias en sólo cuatro meses. El mismo año se edita “Éxitos”. En “Ricardo Montaner II” (1988) compuso una canción para cantar a dúo con Alejandro Lerner, que fue su primer contacto musical con la Argentina. 

En 1990 sale “Un toque de misterio” y al año siguiente el álbum “En el último lugar del mundo” que le abrió definitivamente las puertas de la Argentina. En 1992 edita “Los hijos del sol”; en 1993 “Éxitos y algo más” que contiene trece temas que fueron éxitos en sus anteriores trabajos y además incluye el tema "Un mundo ideal", tema central de la película de Disney "Aladdin", cantado a dúo con Michelle. 

En 1994 salen dos discos más: “Montaner y sus amigos” que contiene "La pequeña Venecia" (tema dedicado al Gral. Simón Bolívar) y “Una mañana y un camino”. También participa de "Amándonos", un compilado argentino junto a Patricia Sosa, Sergio Denis, Diego Torres y muchos otros. 

Durante 1995 saca “Viene del alma”. En 1997, se edita “Es así” y en 1999 “Ricardo Montaner con la London Metropolitan Orchestra”. 

En el año 2000 salió a la venta su decimosexto disco bajo el nombre de "Soy tuyo". Al año siguiente presenta “Sueño Repetido”. En el año 2002, el cantante graba “Suma”, un álbum de boleros. Si bien el artista nunca se imaginó hacer un álbum de boleros, confesó que fue el éxito de “Bésame”, tema que acompañó los últimos capítulos de la telenovela “Yo soy Betty, la fea”, que le inspiró el proyecto. 

En el año 2003 regresa con un nuevo disco llamado “Prohibido olvidar”, disco compuesto por once temas y cuyo corte de difusión es “Qué ganas”. 

En el 2004 vuelve a presentar otro disco junto a la London Metropolitan Orchestra. 

En Agosto de 2005, aparece un nuevo trabajo discográfico de este cantante argentino que triunfa en el mundo, titulado “Todo y nada”. El primer sencillo del álbum se titula “Cuando a mi lado estás”, escrito por el mismo Ricardo Montaner y producido por Pablo Manavello. Este tema luego sería un gran éxito. Además, aparece el disco "Tengo verano" y los grandes éxitos llamados "La más completa colección", compuesto por dos álbumes, y "Lo mejor de Ricardo Montaner con la London Metropolitan Orchestra". 

En 2007 lanza un nuevo material en dos discos, titulado "Las mejores canciones del mundo", donde recopila versiones personales de temas de otros artistas que fueron de inspiración para su vida y su carrera, como "Yo vengo a ofrecer mi corazón", de Fito Páez y "Y cómo es él", de José Luis Perales, pero también incluye algunos temas propios. 

En septiembre de 2008 lanza "Un camino de éxitos", que contine 14 grandes éxitos del autor, más un DVD con 7 tracks. Además, sale el álbum "Los Románticos". 

En 2009, Ricardo Montaner lanza al mercado "Las Cosas Son Como Son", su nuevo material íntegramente compuesto en Europa durante una etapa de reflexión. El álbum contiene 12 temas de la propia inspiración de Montaner y fue grabado en Milán, Italia, Madrid, España y Miami bajo la producción de Adrián Posse. El primer corte de difusión, "Para un poco", invita a detenerse y disfrutar de las cosas verdaderamente importantes. Por otro lado, la canción que da título al disco, "Las cosas son como son", hace pensar en la importancia de amar sin reservas, de entregarlo todo por un amor para que tenga sentido la vida. 

En 2010 presenta "Soy Feliz", un álbum compuesto por 11 canciones, entre ellas algunas ya consagradas, como "Cachita", y el primer corte homónimo al disco, utilizado como cortina en el programa de entretenimiento "Showmatch", emitido por Canal 13 y conducido por Marcelo Tinelli. 

En 2012 sale al mercado el single "Convénceme", parte del nuevo álbum titulado "Viajero Frecuente", el cual salió a la venta en octubre. En este disco, Montaner comparte con sus hijos MR la canción "Te Amo Hasta Siempre" compuesta por ellos, y "La Gloria de Dios", a dúo con su hija menor Evaluna Montaner. Además, colabora India Martínez en uno de los temas. 

A fines de 2013 sale al mercado "Viajero Frecuente - Destino México". Contiene el CD original editado en 2012 y dos canciones nuevas, entre ellas el tango "Nostalgias", a dúo con Alejandro Sanz. El DVD reúne videoclips y canciones interpretadas en vivo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

En agosto de 2014, mientras participa como asesor de Ricky Martin, Laura Pausini, Julión Álvarez y Yuri en el reality show "La Voz México" (junto a Mario Domm, Alex Ubago y Poncho Lizárraga), presenta el sencillo "Llanto Agradecido". A fines de noviembre se conoce el álbum completo, titulado "Agradecido". Incluye las colaboraciones de la London Metropolitan Orchestra, Claudia Brant y Ricky Montaner (MR) hicieron la música de "No Te Vayas" y Mau Montaner (MR) compuso la música de "Mi Sagrada Soledad" y "I Love You". Ricky compuso y produjo "Más Allá" con letra de Ricardo, canción en la cual participa Il Volo; y también "Vivámonos". 

En enero de 2016 Ricardo estrena "¿Quién Diría?", tema de la novela argentina "Los Ricos No Piden Permiso". El 19 de agosto sale "Aunque Ahora estés Con Él", el primer sencillo del nuevo álbum "Ida y Vuelta", que saldrá en octubre. La canción es una versión del tema compuesto por el grupo mexicano Calibre 50. El 28 de octubre sale a la venta "Ida y Vuelta". Grabado por la Orquesta Filarmónica de Praga, este álbum es un tributo a la música latina; incluye canciones popularizadas por José Feliciano, Felipe Peláez, Voz de Mando, Gerardo Ortiz y otros. 

El 1° de octubre de 2018 comienza el reality show "La Voz Argentina" y Ricardo es jurado junto a Tini, Soledad y Axel. El 30 de noviembre lanza el sencillo "¿Qué Vas A Hacer?", en cuyo video participan Lali y J Balvin. 

El 3 de mayo de 2019 estrena el sencillo "No Me Hagas Daño", adelanto del nuevo álbum "Montaner", a la venta el 24 del mismo mes. Incluye temas con Farruko y Mau & Ricky y Tainy. 

El 23 de diciembre de 2020 se estrena la canción "Amén", producción que por primera vez reúne a Ricardo Montaner, Evaluna, Camilo y Mau & Ricky. 

En abril de 2021 estrena el single "Dios así lo quiso" junto a Juan Luis Guerra. 

En mayo anuncia el show streaming "Los Montaner" que hará con Mau & Ricky, Evaluna y Camilo el 12 de junio. 

El 1 de junio lanza "Fe", su nuevo álbum donde deja ver su lado más interno y espiritual.  

El 1 de abril de 2022 lanza una versión del famoso tango "El día que me quieras". 

El 24 de mayo saca a la luz su disco "Tango", un homenaje a su infancia en Argentina, que representa la promesa que el artista le hizo a su padre, a su abuelo y a su público. 

El 20 de septiembre lanza el EP "Tango (Live Session)".  

El 10 de noviembre lanza el single y videoclip "Te echo de menos".  

El 31 de marzo de 2023 lanza el single "Yo no fumo" junto a Carlos Rivera. 

 

El 25 de abril de 2024 eddita el single "Yo que te amé" (Versión Montaner) y es honrado con el prestigioso premio "Latin AMA Legacy" en reconocimiento a su extraordinario legado musical e impacto duradero en la industria. 

 

El 16 de mayo de 2025, lanza una nueva versión del single "Si tuviera que elegir", junto a Camilo y Evaluna. 

En julio publica la primera colaboración musical con su hijo Héctor Montaner, titulada "Lo que te dé la gana". 

En noviembre anuncia su gira mundial "El Último Regreso World Tour 2026". 

El 6 de ese mismo mes lanza el single "El último regreso - Versión México". 

En diciembre, por entradas agotadas, anuncia una tercera función en el Movistar Arena para febrero de 2026. 

 

El 26 de febrero de 2026 presenta "Una Mañana y Un Camino (Versión Montaner)", una mirada renovada a su aclamado sexto álbum, que forma parte de la colección "Versiones Montaner". 

El 8 de marzo Montaner suma una cuarta función en Argentina, por entradas agotadas. Ese mes, tras una serie de 7 conciertos sold out, Ricardo Montaner concluye su paso por Argentina y Uruguay, dejando un legado de emociones y recuerdos imborrables en el corazón del público. 

El 15 de abril publica ‘Para Que Seas Feliz’, una obra que emerge desde la sinceridad más profunda, reflejando una de las formas más nobles del amor: el arte de dejar ir. 

En agosto Ricardo Montaner inicia la segunda etapa de su gira mundial “El Último Regreso” con cuatro nuevos SOLD OUT consecutivos, reafirmando el fenómeno que ha acompañado su regreso a los escenarios. Ese mismo mes Ricardo Montaner conquista Miami, donde su música resonó como un eco de emociones, entre risas y lágrimas, uniendo generaciones en un abrazo sonoro. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Tan Enamorados y Para Que Seas Feliz.  

Joaquim Carreira. Sacerdote. Justo entre las Naciones.

Joaquim Carreira nació en Santa Catarina da Serra, Leiría, Portugal, el 8 de septiembre de 1908, y murió en Roma, Italia, el 7 de diciembre de 1981. Sacerdote. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.esefarad.com publicó este recordatorio. 

El padre Joaquim Carreira, nombrado «Justo entre las Naciones» por el Memorial del Holocausto 

Yad Vashem, el Memorial del Holocausto en Jerusalén, ha otorgado el título de «Justo entre las Naciones» al sacerdote portugués Joaquim Carreira, vicerrector y rector del Colegio Pontificio Portugués de Roma entre 1940 y 1954, según informa hoy el blog «Religionline». 

Este título, otorgado el 4 de septiembre, pero hecho público ahora distingue a personas no judías que, durante el Holocausto —la persecución y exterminio sistemáticos, apoyados por el gobierno nazi, de aproximadamente seis millones de judíos—, arriesgaron sus vidas para salvarlos. 

El comunicado de Yad Vashem «recuerda algunos datos biográficos del padre Carreira: nació en 1908 en un pueblo cercano a Fátima, un famoso lugar de peregrinación católica; fue ordenado sacerdote en 1931 y se formó como piloto. En 1940 se trasladó a Roma, donde llegó a ser vicerrector y rector del Pontificio Colegio Portugués, que acoge a sacerdotes portugueses que estudian en la capital italiana», reza la entrada del blog. 

Fue la investigación sobre el padre Joaquim Carreira, escrita por el periodista António Marujo para el periódico «Público» el 23 de diciembre de 2012, en lo que sería su último trabajo para el diario, la que permitió a Yad Vashem declarar al sacerdote «Justo entre las Naciones». 

Cuando Roma fue ocupada por los nazis en septiembre de 1943, recuerda el texto de Yad Vashem citado por «Religionline», monseñor Carreira ofreció refugio a varias personas perseguidas por los nazis, entre ellas tres miembros de la familia Cittone: Elio, su padre Roberto y su tío Isacco. En el informe sobre las actividades del colegio, Carreira escribió: «Brindé asilo y hospitalidad en el colegio a personas que eran perseguidas en virtud de leyes injustas e inhumanas». 

A pesar de que la escuela tenía un aviso en la puerta del mando militar alemán que prohibía cualquier registro en su interior, por ser territorio de la Santa Sede, soldados alemanes entraron en el edificio una vez en busca de refugiados. Todos los que se escondían allí —combatientes de la resistencia, antifascistas, partisanos, judíos— lograron ocultarse en lugares previamente acordados sugeridos por el rector. Pero la familia Cittone consideró más seguro buscar otro refugio y abandonó la escuela poco después. Esto no impide que Elio Cittone, siete décadas después, admita: «Le estoy muy agradecido y siempre recuerdo que me salvó la vida», señala Antonio Marujo. 

Joaquim Carreira se convierte en el cuarto portugués en ser declarado Justo de los Santos, después de Aristides de Sousa Mendes, el cónsul portugués en Burdeos que, desobedeciendo las órdenes de Salazar, concedió visados a más de 10.000 judíos que huían de los nazis; Carlos Sampayo Garrido, el embajador portugués en Hungría, quien, según se dice, salvó a cerca de mil judíos proporcionándoles documentación portuguesa y dándoles refugio en las viviendas de la embajada; y José Brito Mendes, un trabajador portugués casado con una francesa y residente en Francia, que salvó a una niña, hija de padres judíos. 

Las personas declaradas «Justas entre las Naciones» reciben una medalla y un certificado de honor, y sus nombres se inscriben en el muro de honor del Jardín de los Justos en Yad Vashem, donde un pequeño bosque de árboles también honra su memoria. 

Este título también otorga la ciudadanía israelí honoraria a los «Justos» o, si ya han fallecido, la ciudadanía póstuma. En enero de 2014, el número de Justos declarados por Yad Vashem alcanzó los 25.271, procedentes de 49 países. 

Se espera que el diploma del padre Joaquim Carreira, que recibirán sus familiares, se entregue en la primavera o el verano de 2015 en la Embajada de Israel en Lisboa.  

Edición: Rui Jorge Martins 

Publicado el 11.12.2014 

Fuente: Pastoral da cultura 

Mira Furlan

Mira Furlan nació en Zagreb, entonces Yugoslavia, actual Croacia, el 7 de septiembre de 1955, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 20 de enero de 2021. Cantante y actriz. 

El sitio www.mirafurlan.net publicó su biografía.  

Lamentablemente, Mira Furlan falleció el miércoles 20 de enero de 2021 debido a complicaciones derivadas del virus del Nilo Occidental. Era una mujer llena de bondad, fortaleza y compasión. Falleció en paz en su casa de Los Ángeles, rodeada de su familia. Todos seguiremos honrando su vida y su legado, y sabemos que siempre estará con nosotros. 

Mira Furlan, destacada actriz de cine, teatro y televisión en la antigua Yugoslavia, emigró a Estados Unidos al estallar la guerra de los noventa por motivos políticos. 

En su país natal, protagonizó más de 40 películas, incluyendo la ganadora de la Palma de Oro de Cannes, "Cuando papá estaba de viaje de negocios", dirigida por E. Kusturica. Recibió los máximos galardones por su trabajo en el cine (dos Arenas de Oro —los Óscar yugoslavos— por "Cíclope" y "La belleza del pecado"), así como por su trabajo en el teatro. Fue miembro del Teatro Nacional Croata (entre sus papeles favoritos se encuentran Natalya en "Un mes en el campo" de Turguénev, Judith en "El discípulo del diablo" de Shaw y Celimene en "El misántropo" de Molière). También actuó en otros teatros del país (Ofelia en "Hamlet" en el Festival Internacional de Teatro de Dubrovnik, "Isabelle" en "Ilusiones teatrales" de Corneille en el Teatro Dramático Yugoslavo de Belgrado). 

En Estados Unidos, Mira es conocida principalmente por su papel de la Embajadora Delenn en la galardonada serie de ciencia ficción “Babylon 5” (premio Sci-Fi Universe a la mejor actriz de reparto en ciencia ficción) y como Danielle Rousseau en la exitosa serie “Lost”. También ha actuado en teatro (Yerma en “Yerma” de Lorca, el papel principal en “Antígona” – premio Dramalogue a la mejor interpretación, Tanya en “Cranes” de Lipkin, dirigida por Scott Eliott en Nueva York). Recientemente tuvo un papel recurrente en la serie de Amazon “Just Add Magic” y actuó junto a Judd Hirsch en la película “Burn at Both Ends”. 

Tras diez años, Mira regresó a su Croacia natal para interpretar el papel principal en «Medea» en el Teatro Ulises. Recientemente, protagonizó la adaptación de la novela homónima de Christa Wolf y la obra «Una sonata de otoño» de Bergman en el Teatro Nacional Croata de Rijeka, en el papel de Cassandra. Al momento de su fallecimiento, formaba parte de «Ejercitando la vida», una nueva producción del Teatro Nacional Croata de Rijeka. También participó en la película «Circus Columbia», del ganador del Óscar Danis Tanovic, así como en otras producciones europeas, como «The Tour», dirigida por G. Markovic, y la película colectiva internacional «Don't Forget Me Istanbul». 

Mira cantó en tres álbumes (“Mira Furlan & D. Slamnig's Orchestra”, “Songs From Movies That Haven't Been Made” y “Be Five”). Publicó un libro de ensayos (“The Closing Sale”) y su obra de teatro “Till Death Do Us Part” se estrenó en Belgrado, dirigida por el aclamado actor europeo Miki Manojlovic. 

Mira también impartió clases en el departamento de artes liberales y ciencias de la Academia de Cine de Nueva York en Los Ángeles. Terminó de escribir sus memorias, que su esposo publicará póstumamente. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con As Time Goes By. 

Shalom – Balance, tradición y legado histórico

Shalom – Balance, tradición y legado histórico  

En el programa de hoy visitaremos el Centro Didáctico de la Judería de Segovia junto al presidente de la Federación de Comunidades Judías, ya que conmemoramos dos acontecimientos importantes: la proximidad de Rosh Hashaná, y la celebración de la Jornada Europea de la Cultura Judía. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/balance-tradicion-legado-historico/17213980/

William Duvall

William Bradley DuVall nació en Washington D. C., Estados Unidos, el 6 de septiembre de 1967. Cantante, compositor y guitarrista. 

El sitio www.lacarnemagazine.com publicó este artículo. 

William Duvall: Historia del Icono del Grunge y el Rock 

14 enero, 2025 LaCarne Magazine  

Cuando hablamos de leyendas del grunge y el rock, es imposible no mencionar a William DuVall. Este talentoso músico y vocalista ha dejado una huella imborrable en la escena musical, especialmente como el rostro renovado de Alice in Chains, una de las bandas más icónicas del género. Pero DuVall es mucho más que un sucesor; es un artista con una historia fascinante, una voz que desgarra el alma y un estilo que ha conquistado escenarios alrededor del mundo. 

Te invitamos a descubrir todo sobre William DuVall: desde sus humildes comienzos, pasando por su transformación en un referente del grunge, hasta sus proyectos más recientes. ¡Acompáñanos en este recorrido por la vida y la carrera de un auténtico icono del rock! 

Los inicios de William DuVall 

William DuVall nació con la música en las venas. Criado en un entorno donde el arte y la cultura tenían un lugar destacado, comenzó a desarrollar su pasión por los sonidos desde muy joven. Aunque su carrera lo llevaría a convertirse en un referente del grunge y el rock, sus primeras influencias vinieron de géneros muy diversos, desde el soul hasta el punk. Esta mezcla ecléctica de estilos fue clave para moldear su talento y creatividad. 

En su adolescencia, William DuVall no tardó en encontrar en la guitarra su medio de expresión favorito. Inspirado por artistas de renombre y movimientos culturales vibrantes, comenzó a dar sus primeros pasos en el mundo de la música. Estas experiencias tempranas no solo le enseñaron la importancia de la autenticidad en el arte, sino que también le proporcionarán una base sólida que más tarde le ayudaría a destacar en una industria tan competitiva. 

Antes de ser conocido como el vocalista de Alice in Chains, William DuVall forjó su carrera en el circuito underground. Durante los años 80, participó en varias bandas, incluidas algunas del movimiento punk y hardcore, que le permitieron experimentar con diferentes sonidos y estilos. Entre ellas, destaca su tiempo con No Walls, un proyecto donde ya comenzaba a mostrar su habilidad para mezclar géneros y conectarse emocionalmente con el público. 

Estas primeras bandas fueron el laboratorio perfecto para que William DuVall desarrollara su identidad musical. Aunque los escenarios eran pequeños y los recursos limitados, cada presentación era una oportunidad para aprender y crecer. Esos años de exploración y perseverancia sentaron las bases de lo que más tarde sería su gran salto al estrellato. 

La Era de Alice in Chains: Un Nuevo Comienzo 

Cuando William DuVall se unió a Alice in Chains en 2006, muchos fans estaban a la expectativa. ¿Cómo podría alguien llenar el vacío dejado por Layne Staley, la voz original de la banda? Sin embargo, DuVall no llegó a imitar ni sustituir; Llegó para aportar algo nuevo. Su energía, su talento vocal y su habilidad para conectarse con el público dieron un giro fresco al sonido de Alice in Chains, marcando una nueva etapa en su historia. 

William DuVall se integró de forma natural, mostrando un profundo respeto por el legado de la banda, pero también la confianza necesaria para imprimir su propio estilo. Su química con el guitarrista Jerry Cantrell fue evidente desde el principio, convirtiéndose en una parte fundamental del renacimiento de la banda en la escena del rock. 

Álbumes y giras con Alice in Chains 

El debut de William DuVall como vocalista principal llegó con el álbum Black Gives Way to Blue en 2009, un trabajo que no solo marcó su entrada oficial en la banda, sino que también demostró que Alice in Chains seguía siendo una fuerza creativa. Canciones como “Check My Brain” y “Your Decision” se convirtieron en éxitos inmediatos, consolidando la nueva era de la banda. 

Posteriormente, William DuVall también fue parte de los álbumes The Devil Put Dinosaurs Here (2013) y Rainier Fog (2018), donde su voz se mezcló a la perfección con las armonías características de Cantrell. Cada lanzamiento mostró la evolución del sonido de la banda, al tiempo que mantenían la esencia que los había convertido en leyendas del grunge. 

En cuanto a las giras, William DuVall se ha destacado por su capacidad para dominar los escenarios, revitalizando clásicos de Alice in Chains mientras se conecta con audiencias de todas las edades. Sus presentaciones en vivo son un testimonio de su compromiso con la música y de cómo ha sabido ganarse el cariño de los fans más fieles de la banda. 

La era de William DuVall en Alice in Chains es un capítulo de renovación y éxito, que no solo rinde homenaje al pasado, sino que también escribe un futuro brillante para una de las bandas más influyentes del rock. 

Proyectos en Solitario y Otras Colaboraciones 

Aunque William DuVall es mejor conocido por su papel en Alice in Chains, su carrera como solista le ha permitido explorar una faceta más personal y experimental de su música. En 2019, DuVall lanzó su primer álbum en solitario, One Alone, un trabajo que muestra una faceta más íntima y acústica de su talento. Lejos del grunge eléctrico que lo hizo famoso, este disco es una reflexión sobre su propia evolución artística, con letras profundas y un enfoque minimalista que resalta su capacidad como compositor y vocalista. 

One Alone es una obra que demuestra que William DuVall no se limita a un estilo solista, sino que tiene una versatilidad impresionante que lo lleva a explorar sonidos más tranquilos y emotivos, alejados del pesado y distorsionado sonido del rock. Este álbum fue bien recibido por los fans, quienes pudieron descubrir una faceta más personal y auténtica de DuVall, un artista que no tiene miedo de arriesgarse y ofrecer algo nuevo. 

Colaboraciones con otros artistas 

La carrera de William DuVall no se limita a su trabajo con Alice in Chains y su proyecto en solitario; a lo largo de los años, ha colaborado con una amplia variedad de artistas y bandas, mostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a diferentes estilos. Su participación en el álbum Guitar Hero III: Legends of Rock es solo uno de los muchos ejemplos de su habilidad para aportar su talento único a proyectos fuera de su banda principal. 

DuVall también ha sido parte de varios proyectos colaborativos, desde su participación en el grupo Heart junto a otros músicos del rock, hasta su trabajo en estudios con artistas como Mark Lanegan y Jerry Cantrell. Estas colaboraciones le han permitido enriquecer su carrera y expandir sus horizontes musicales, al mismo tiempo que mantiene su identidad única dentro de la música contemporánea. 

Las contribuciones de William DuVall en proyectos fuera de Alice in Chains no solo destacan su versatilidad como músico, sino también su continuo deseo de explorar y compartir nuevas experiencias artísticas con otros grandes talentos del rock y más allá. 

Preguntas frecuentes 

¿Quién es William DuVall? 

William DuVall es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense, mejor conocido por ser el vocalista principal de Alice in Chains desde 2006. Nació el 6 de septiembre de 1967 en Atlanta, Georgia. Antes de unirse a la banda, tuvo una carrera en el ámbito del rock y el grunge, participando en varias bandas underground, y luego consolidó su lugar como uno de los grandes referentes del grunge moderno. 

¿Cómo llegó William DuVall a Alice in Chains? 

William DuVall se unió a Alice in Chains en 2006, después de la trágica muerte de Layne Staley, el vocalista original de la banda. Jerry Cantrell, el guitarrista principal, buscaba un sucesor que pudiera capturar la esencia de la banda mientras aportaba una nueva energía. DuVall, quien ya había trabajado con Cantrell en otros proyectos, fue seleccionado debido a su gran talento vocal y su capacidad para encajar con el sonido único de la banda. 

¿De qué trata el álbumOne Alone de William DuVall? 

One Alone es un álbum profundamente personal que muestra a William DuVall en un formato más desnudo y sencillo. A lo largo de las canciones, DuVall refleja sobre la vida, la introspección y las relaciones personales. Con una mezcla de folk, rock y sonidos acústicos, el álbum se aleja del sonido característico de Alice in Chains, pero mantiene su esencia melódica y emocional. La simplicidad en la producción permite que la voz de DuVall sea el centro de atención. 

¿Qué influencias musicales tiene William DuVall? 

William DuVall ha sido influenciado por una gran variedad de géneros musicales. Entre sus principales influencias se incluyen el grunge, el rock clásico, el soul y el punk. Desde su juventud, DuVall ha explorado diversos estilos musicales, lo que ha enriquecido su sonido y su enfoque en la composición. Bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y artistas como Marvin Gaye y The Stooges han tenido un impacto significativo en su música. 

¿Cuál es el estilo vocal de William DuVall? 

El estilo vocal de William DuVall es muy versátil y se caracteriza por una voz poderosa y emocional. DuVall tiene una capacidad impresionante para alternar entre tonos suaves y desgarradores, y su estilo se adapta tanto a las melodías suaves como a las más pesadas. Su voz se ha comparado con la de Layne Staley, pero DuVall ha logrado aportar su propio toque, más cálido y melódico, que complementa el sonido de Alice in Chains. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Would? y 'Til The Light Guides Me Home.  

Arnel Pineda

Arnel Pineda Rivas nació en Tondó, Manila, Filipinas, el 5 de septiembre de 1967. Cantante, compositor y guitarrista.   

El sitio www.biography.com publicó su biografía.  

Arnel Pineda 

Arnel Pineda es conocido principalmente por ser el nuevo vocalista del grupo de rock Journey. 

Actualizado: 20 de julio de 2020, 16:37 (EDT) 

¿Quién es Arnel Pineda? 

Tras una serie de desafortunados sucesos en su infancia, Arnel Pineda triunfó en Asia como vocalista del grupo The Zoo. En 2007, fue descubierto por Neal Schon, guitarrista de Journey, después de que se publicaran varios vídeos en YouTube donde interpretaba versiones de canciones estadounidenses, incluyendo el famoso éxito "Don't Stop Believin'". En diciembre de 2007, Pineda se convirtió en el nuevo vocalista de Journey. Su voz es notablemente similar a la del anterior vocalista de Journey, Steve Perry. 

Infancia problemática 

Arnel Pineda nació el 5 de septiembre de 1967 en Sampaloc, Manila, Filipinas. Durante su infancia, Pineda sufrió grandes desgracias. Cuando tenía apenas 13 años, su madre, de 35 años, falleció tras una larga lucha contra una enfermedad cardíaca. Los gastos médicos dejaron a la familia con graves deudas, y el padre de Pineda ya no pudo mantener a Pineda ni a sus tres hermanos menores: Russmon, Roderick y Joselito. 

Mientras que sus familiares pudieron acoger a sus hermanos, Pineda quedó solo. Pasó los siguientes años sin hogar, durmiendo a menudo a la intemperie en parques públicos y buscando comida y agua a duras penas. Cuando era posible, se quedaba en casa de algún amigo, quien le ofrecía una litera en el exterior. Finalmente, Pineda se vio obligado a dejar la escuela y a aceptar trabajos ocasionales recogiendo chatarra y botellas en el muelle y vendiendo periódicos para mantener a su familia. 

Inicio de carrera 

La pasión de Pineda por la música comenzó a temprana edad. Empezó a cantar con tan solo cinco años y participó en numerosos concursos de canto durante su infancia. En 1982, a los 15 años, conoció a una banda local llamada Ijos, y sus amigos lo animaron a audicionar para ser su nuevo vocalista principal. Cantó "Help" de los Beatles y "Making Love Out Of Nothing At All" de Air Supply. Aunque les preocupaba su falta de formación, los miembros de Ijos quedaron impresionados por la potente voz de Pineda y lo eligieron como nuevo líder de la banda. Uno de los amigos de un miembro de la banda incluso se ofreció a pagarle el sueldo a Pineda, 35 pesos por noche, de su propio bolsillo, y a Pineda le ofrecieron una pequeña habitación para dormir debajo de las escaleras de la entrada del guitarrista. 

En 1986, algunos miembros de Ijos se unieron para formar la nueva banda de pop-rock Amo. El grupo alcanzó el éxito versionando canciones de grupos populares como Heart, Queen y Journey. En 1988, llamaron la atención al ganar la fase filipina del concurso Yamaha World Band Explosion. Aunque fueron descalificados en la final por un tecnicismo, el evento se transmitió por televisión en Asia, ampliando así su base de fans. La banda continuó actuando en clubes y estadios populares de Filipinas. 

En 1990, los miembros se reagruparon una vez más, bajo el nuevo nombre de Intensity Five, y volvieron a participar en el concurso. La banda quedó en segundo lugar y Pineda ganó el premio al Mejor Vocalista. Tras una serie de problemas de salud a principios de los 90, incluyendo la pérdida temporal de su voz, Pineda reapareció en 1999 con un nuevo álbum en solitario con Warner Brothers. El álbum homónimo tuvo varios éxitos en Asia. 

Tras breves incursiones en varias bandas, Pineda volvió a cosechar éxitos en 2006 con The Zoo, grupo que formó con Monet Cajipe, guitarrista y compositor que había formado parte de todas sus bandas durante los 20 años anteriores. The Zoo actuó en varios clubes populares de la zona y, en 2007, lanzó un álbum con MCA Universal titulado Zoology . Pronto, la banda comenzó a versionar canciones de grupos como Journey, Survivor, Aerosmith, Led Zeppelin, The Eagles y otros, con más de 200 actuaciones subidas a YouTube. 

Viaje 

El 28 de junio de 2007, Neal Schon, guitarrista y miembro de la banda Journey, vio un video de Pineda en YouTube e inmediatamente lo contactó. La banda buscaba un nuevo vocalista, y la voz de Pineda sonaba sorprendentemente similar a la de Steve Perry, el legendario exlíder de Journey. Tras hablar con Schon por teléfono, Pineda organizó su viaje a Estados Unidos para audicionar con la banda en San Francisco. El 5 de diciembre de 2007, Pineda fue recibido como el nuevo vocalista de la banda. 

Inmediatamente, Pineda se fue de gira con la banda, ofreciendo dos conciertos en Chile y dos en Las Vegas. Ambos fueron un gran éxito. Tras varias apariciones como invitado en programas de televisión y reportajes en revistas, Pineda ganó popularidad entre el público estadounidense. El 3 de junio de 2008, Journey, recién reorganizado, lanzó su primer álbum, Revelation, que alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos de Estados Unidos. Este álbum fue el que mejor posición alcanzó en las listas desde Trial by Fire (con Steve Perry) y obtuvo la certificación de platino en octubre de 2008. 

Poco después del lanzamiento del álbum, la banda continuó de gira por todo el mundo con Pineda. El documental " Don't Stop Believin': Everyman's Journey", cuyo estreno está previsto para 2012, narrará la gira "Revelation Tour" de la banda y los primeros años de Pineda con ella. 

Vida personal 

Cuando no está de gira, Pineda reside en Filipinas con su esposa, Cherry, y sus hijos, Cherub y Thea. Tiene otros dos hijos —Matthew, de 19 años, y Angelo, de 13— de relaciones anteriores. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Don't Stop Believin