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Karl Mueller nació en Mineápolis, Minnesota, Estados Unidos, el 27 de julio de 1963, y murió en su ciudad, el 17 de junio de 2005. Bajista.
El sitio www.radioacktiva.com publicó este recordatorio firmado por Laura Moreno.
Muere Karl Mueller, bajista de Soul Asylum
El músico falleció el viernes en Minneapolis (EE UU) a causa de un cáncer de garganta. Tenía 41 años. Junto a sus compañeros de Soul Asylum, Mueller logró un gran éxito con su canción de 1992 Runaway train.
Laura Moreno
21/06/2005
El músico falleció el viernes en Minneapolis (EE UU) a causa de un cáncer de garganta. Tenía 41 años. Junto a sus compañeros de Soul Asylum, Mueller logró un gran éxito con su canción de 1992 Runaway train.
A Karl Mueller le habían diagnosticado un cáncer de garganta en mayo de 2004. Su enfermedad causó un gran impacto en la escena rock de Minneapolis, ciudad en la que se formó a comienzos de los 80 Soul Asylum. De hecho, en octubre pasado, se llegó incluso a organizar un concierto para ayudar a Mueller a sufragar sus gastos médicos en el que participaron importantes músicos de la ciudad como Paul Westerberg (The Replacements) o Bob Mould (Hüsker Dü, Sugar).
Aunque Soul Asylum lleva siete años sin publicar discos, al parecer, la enfermedad de Karl Mueller fue el detonante de que la banda se reuniera a comienzos de este año para grabar nuevo material, cuya edición estaría ahora en proceso de negociación con diversos sellos, según información del diario de Minneapolis Star Tribune.
Kart Mueller formó en 1980 la banda de rock Loud Fast Rules junto al batería Dan Murphy y el cantante y guitarrista David Pirner. Tres años después el grupo se rebautizó como Soul Asylum y debutó en 1984 con el álbum Say what you will, Clarence. Tras una carrera mantenida en los estrictos márgenes del underground, en 1992 la banda editó el disco Grave dancer’s union que contenía el tema Runaway train. Esta canción, considerada un clásico del rock alternativo de los 90, alcanzó el número 5 en la lista de singles estadounidense y convirtió a Soul Asylum en un grupo de éxito masivo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Runaway Train.
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Alfred Jesse Smith, más conocido como Brenton Wood, nació en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, el 26 de julio de 1941, y murió en Moreno Valley, California, Estados Unidos, el 3 de enero de 2025. Cantante, compositor y tecladista.
Alfred Jesse Smith nació el 26 de julio de 1941 en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, y falleció el 3 de enero de 2025 en California. Conocido profesionalmente como Brenton Wood, fue un cantante y compositor de R&B con tres sencillos de éxito en 1967, «The Oogum Boogum Song», «Gimme Little Sign» y «Baby You Got It». Continuó grabando y actuando hasta el año pasado 2024.
Su familia se mudó a San Pedro en Los Ángeles, California, cuando Wood era un niño. Asistió a la escuela secundaria de San Pedro antes de mudarse a Compton, donde Brenton se convirtió en miembro del equipo de atletismo de la escuela secundaria de Compton y recibió varios premios por sus logros deportivos. Tras graduarse en la escuela secundaria, se inscribió en el East Los Angeles College. Poco después, adoptó el nombre artístico de Brenton Wood, probablemente inspirado por el barrio de Brentwood en Los Ángeles. Motivado por Jesse Belvin y Sam Cooke, comenzó a componer canciones convirtiéndose también en un pianista competente.
Los primeros sencillos con Brent Records y Wand Records no llegaron a las listas. Wood firmó con Double Shot Records, y su canción «The Oogum Boogum Song» alcanzó el puesto número 19 en la lista Billboard R&B de EE. UU. y el número 34 en el Billboard Hot 100 en la primavera de 1967. En el sur de California, «The Oogum Boogum Song» llegó al top 10 en la KGB-FM y al número 1 en la KHJ. Su mayor éxito llegó unos meses después cuando «Gimme Little Sign» alcanzó el número 9 en la lista de pop, el número 19 en las listas de R&B, el número 2 en KHJ y el número 8 en la lista de singles del Reino Unido. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. El título en realidad no se canta en la canción. El estribillo repite «Give Me Some Kind of Sign». Con «Baby You Got It» (1967) Wood alcanzó el puesto número 34 en el Hot 100 durante la última semana de 1967 y el número 3 en KHJ el 31 de enero de 1968. Le acompañaban la banda de Kent and The Candidates, con sede en Los Ángeles, que estaba liderada por el baterista Kent Sprague. También grabaron varios sencillos para el sello Double Shot.
En 1972, Wood formó su propio sello discográfico y publicó, coprodujo y coescribió el clásico del funk soul «Sticky Boom Boom [Too Cold] Part I and II» con George Semper (coproductor, arreglista) y Al McKay (coautor, intérprete) de Earth, Wind & Fire. Wood grabó un dueto con Shirley Goodman. Además, grabó el sencillo «Rainin’ Love (You Gotta Feel It)», que se publicó en Midget M-101 en 1975. Su siguiente canción en solitario en llegar a las listas fue «Come Softly to Me» en 1977.
Wood regresó en 1986 con el álbum “Out of the Woodwork” que incluía regrabaciones de sus primeros éxitos, junto con varias pistas nuevas, incluido el sencillo «Soothe Me». En 2001 sacó el disco “This Love Is for Real”. En 2014 colaboró con William Pilgrim & The All Grows Up para sacar una nueva versión de la canción «Gimme Little Sign» en su álbum, “Epic Endings”. Ya en 2024, Brenton anunció su gira de despedida “Catch You On The Rebound: The Last Tour” que tuvo que detenerse cuando fue hospitalizado en mayo del año pasado. Rodeado de familiares y amigos, murió en su casa de Moreno Valley, California, el 3 de enero de 2025, a la edad de 83 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Baby You Got It y I'm The One Who Knows.
Maureen Kathleen Stewart Forrester, más conocida como Maureen Forrester, nació en Montreal, Quebec, Canadá, el 25 de julio de 1930, y murió en Toronto, Ontario, Canadá, el 16 de junio de 2010. Contralto.
Antes de Celine Dion o Shania Twain, Canadá tuvo su propia diva en la figura de la estrella de la ópera Maureen Forrester.
Nacida en 1930 en un barrio obrero francófono de Montreal, de ascendencia escocesa e irlandesa, Forrester cantó en coros durante su infancia y estudió piano. Abandonó la escuela a los 13 años para costearse las clases de canto trabajando como secretaria en Bell Canada. (Recibió ayuda económica adicional del Club Social de Montreal). Entre sus profesores se encontraba el tenor neerlandés Bernard Diamant, profesor de la École Vincent d'Indy de Montreal y de la Universidad McGill.
El debut profesional de Forrester tuvo lugar en diciembre de 1951 en la Ciudadela del Ejército de Salvación, donde actuó con el Coro Elgar de Montreal. A los 23 años, inició una larga colaboración con John Newmark, pianista, acompañante y profesor de Montreal, con quien realizó giras por todo el mundo. Ese mismo año, en 1953, ofreció su primer recital en una sede local de la YWCA junto a Newmark.
El reconocimiento internacional no tardó en llegar cuando Forrester realizó una gira por Europa en representación de las Jeunesses Musicales de Francia en 1955. (La oficina de JM en Montreal, para la cual Forrester realizó una gira por Ontario y Quebec en la temporada '53/'54, inauguró el Premio Maureen Forrester en 2012, cuyo ganador realiza dos temporadas por todo Canadá con la compañía). La gira, junto a John Newmark, fue tan exitosa que se extendió hasta 1956.
A los 28 años, fue elegida por el director de orquesta de origen alemán Bruno Walter, conocido principalmente por ser discípulo, alumno y amigo de Gustav Mahler, para grabar la "Sinfonía de la Resurrección" de Mahler y la propia "Canción de la Tierra" de Walter con la Filarmónica de Nueva York.
Tras haberse consolidado como solista y cantante de conciertos, Forrester incursionó tardíamente en el mundo de la ópera. El director Mario Bernardi la contrató en 1970 para interpretar el papel de la Bruja en una producción de CBC-TV de Hansel y Gretel de Engelbert Humperdinck. Otros papeles destacados fueron Marcellina en Las bodas de Fígaro de Mozart, la Madrastra en Cenicienta de Massenet y la Condesa en La dama de picas de Chaikovski.
Forrester siempre fue una firme defensora de la cultura canadiense y del talento emergente. Presidió el Consejo de las Artes de Canadá de 1983 a 1988 y estrenó varias obras vocales importantes de diversos compositores canadienses.
También fue profesora, impartiendo clases magistrales en 1965-66 en el Real Conservatorio de Música y en la Universidad de Alberta en 1985. Además, enseñó a tiempo parcial en la Universidad de Toronto en 1971-72.
La brillante trayectoria de Forrester como una de las contraltos más destacadas del mundo fue reconocida por numerosas instituciones. Recibió la Orden de Canadá en 1967 y fue incluida en el Salón de la Fama de la Música Canadiense en 1990. En el año 2000, el Paseo de la Fama de Canadá le otorgó una estrella, y en 2003 fue nombrada Oficial de la Orden Nacional de Quebec. Además, recibió unos 30 doctorados honoris causa de universidades canadienses, entre ellas McGill, Toronto y Dalhousie.
Sus memorias, Out of Character, escritas en colaboración con la periodista Marci McDonald, fueron publicadas en 1986 por McClelland & Stewart.
Forrester falleció en Toronto el 10 de junio de 2010 a los 79 años. Le sobreviven sus cinco hijos (fruto de su matrimonio con el violinista de Toronto Eugene Kash) y los hijos de estos.
A continuación, recordamos a Maureen Forrester en el día de su nacimiento, con obras de Gustav Mahler. En primer término, el ciclo de Rückert-Lieder, junto a la Orquesta Sinfónica RIAS, dirigida por Ferenc Fricsay, y a continuación, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor, Auferstehung, con Emilia Cundari, soprano, el Coro Westminster, y la Orquesta Filarmónica de Nueva York, todos dirigidos por Bruno Walter.
Isabel Gabriela de Baviera, nació en el Palacio de Possenhofen, Baviera, Alemania, el 25 de julio de 1876, y murió en Laeken, Bruselas, Bélgica, el 23 de noviembre de 1965. Reina consorte de los belgas. Justa entre las Naciones.
El sitio www.es.aleteia.org publicó este recordatorio firmado por Sandra Ferrer.
Isabel Gabriela de Baviera: La reina enfermera
Sandra Ferrer - publicado el 03/04/20
Bondadosa y entregada a los demás, la reina de Bélgica, Isabel Gabriela de Baviera, vivió una de las épocas más convulsas de la historia. Se enfrentó a dos guerras mundiales y demostró al mundo que la realeza no estaba reñida con la solidaridad.
Pertenecía a una rama menor de la familia imperial austriaca; era sobrina de la archiconocida emperatriz Isabel de Baviera, de hecho, recibió su nombre en honor a ella; nació y creció entre algodones. Pero el lujo y la vida regalada no la alejaron de la cruda realidad a la que se enfrentaría su pueblo en la primera mitad del siglo XX.
Isabel Gabriela de Baviera había nacido el 25 de julio de 1876 en Posenhofen. Era hija del duque Carlos Teodoro, uno de los hermanos pequeños de Sissí, y de la infanta María José de Portugal. Isabel tuvo en su padre un gran ejemplo a seguir. Lejos de vivir una existencia centrada en fiestas y entretenimientos, el duque se desmarcó de la tradición cuando decidió estudiar medicina. Con el título bajo el brazo, especializado en oftalmología, abrió varios hospitales y atendió personalmente a personas necesitadas ayudado por su propia esposa. Isabel estuvo muy cerca de su padre observando su comportamiento tan diferente al del resto de la aristocracia.
Isabel pronto se convirtió en una joven culta y refinada. Estudió medicina en la Universidad de Leipzig, pero también aprendió a tocar el violín y a interesarse por la ciencia, la arqueología y el arte. Era una joven preparada a la que el destino pondría a prueba unas décadas después. En 1900, se casaba con el príncipe Alberto de Bélgica, al que había conocido en tristes circunstancias, durante el funeral de una duquesa en París tres años antes. Casarse con Alberto suponía dejar atrás Baviera y su familia y enfrentarse a una nueva vida.
En los primeros años de su vida como casados, además de dedicarse a sus tres hijos, Leopoldo, Carlos y María José, nacidos entre 1901 y 1906, Isabel compartió con su marido su vocación de servicio a los demás. Ambos trabajaron en obras sociales y filantrópicas, ganándose el cariño del pueblo belga. En 1909, Albert asumía la corona de Bélgica y Isabel Gabriela se convertía a su vez en reina consorte.
Cinco años después, la Primera Guerra Mundial pondría a prueba a los jóvenes reyes de una Bélgica invadida por Alemania. Prácticamente sin pensarlo, la reina Isabel se puso manos a la obra para ayudar en todo lo posible a los enfermos y heridos convirtiendo uno de sus palacios de Bruselas en un hospital de la Cruz Roja. Durante todo el conflicto, los reyes permanecieron junto a su pueblo. Isabel acompañó a sus hijos a Inglaterra, pero pronto regresó para estar al lado de su marido. Isabel convenció a Bélgica que nada tenía que ver con un enemigo que era a su vez su patria de nacimiento. Ahora era la reina de los belgas y debía estar a su lado.
Isabel y Alberto se instalaron en una modesta casa en el frente de La Panne desde donde la reina se trasladó diariamente a visitar a los heridos en el hospital militar instalado en la localidad. Todos la conocían como la “reina enfermera” que trabajó de manera incansable para cuidar a los soldados y darles consuelo. Además de velar por su salud, la reina organizó una orquesta sinfónica para animar a las tropas.
Isabel se preocupó también de los niños, víctimas inocentes de la guerra ayudando a crear varios centros para ellos. Cuando terminó la guerra, los reyes regresaron a Bruselas y se volcaron en la reconstrucción de la dura posguerra ayudando con infinidad de obras filantrópicas a los damnificados por el conflicto. En aquellos años de paz, Isabel tuvo tiempo de recuperar algunas de sus aficiones culturales y volvió a tocar el violar o a practicar con la escultura.
Los años de entreguerras fueron también años de duras pruebas vitales. En 1934 fallecía su esposo sumiéndola en una terrible depresión. Un año después, Astrid, la nueva reina de los belgas, esposa de su hijo y nuevo rey, Leopoldo III, fallecía en un trágico accidente. Isabel permaneció al lado de su hijo asumiendo de nuevo un papel activo en la monarquía.
Poco tiempo después, Bélgica se enfrentaba a una nueva invasión alemana. En 1940, los nazis entraban en territorio belga y de nuevo la reina viuda se quedó junto a su pueblo. En esta ocasión, se centró en ayudar a huir a muchos judíos que se vieron amenazados por el nazismo. Una labor que le valió ser reconocida años después como “Justa entre las Naciones”.
Durante el resto de su vida, la reina Isabel Gabriela de Bélgica continuó trabajando por los más desfavorecidos impulsando proyectos solidarios y llegó a ser considerada como una de las reinas más queridas de la historia del siglo XX. Falleció en Bruselas el 23 de noviembre de 1965. El cardenal Leo Jozef Suenens, que ofició su funeral, la recordó como la reina de los desventurados y afirmó que fue una reina “de gran corazón”.
A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Augustin Hadelich, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, dirigida por Andrés Orozco-Estrada.
Andonis Michaelides, más conocido como Mick Karn, nació en Nicosia, Chipre, el 24 de julio de 1958, y murió en Chelsea, Londres, Reino Unido, el 4 de enero de 2011. Bajista y compositor.
La página de Facebook de Marco V. Céspedes, publicó este recordatorio.
Hoy se cumplen 15 años del fallecimiento del recordado bajista de Japan (Mick Karn).
Mick Karn (24 de julio de 1958 en Nicosia, Chipre - 04 de enero de 2011 en Chelsea, Londres, Reino Unido).
Seudónimo artístico de Andonis Michaelides, fue un músico de la banda británica Japan. Cuando tenía 3 años, sus padres se mudaron a Londres, Inglaterra.
Su padre trabajó como carnicero.
En el colegio conoció a David Sylvian y a Richard Barbieri, quienes compartían sus gustos por la música.
Junto al primero y el hermano menor de este, Steve Jansen, formaron en 1974 una banda que empezó a tocar por diferentes lugares de la ciudad.
Se dice que Karn iba a ser el cantante, pero su timidez le impidió hacerlo.
Sylvian tomaría su lugar frente al micrófono. Con Barbieri y Rob Dean en la banda, Japan comenzó a grabar demos, hasta que a finales de 1977 grabarían su primer álbum "Adolescent Sex", el cual saldría al año siguiente.
Durante la disolución de Japan, debido a sus diferencias con Sylvian, Karn lanzó su primer LP, llamado "Titles", en 1982.
Ese año colaboraría con Midge Ure en un sencillo llamado "After A Fashion", y lo volvería a hacer en una serie de conciertos en 1988 al lado de Brian May, Howard Jones, Phil Collins y de Steve Jansen.
En 1984 formó un proyecto con Peter Murphy, cantante de Bauhaus, llamado Dali's Car, el cual solo sacó un solo álbum.
Pete Townshend de The Who lo llamó "el mejor bajista de Gran Bretaña". Desde sus inicios en Japan, Karn siempre ha sido reconocido por su manera de tocar el bajo.
Mantuvo su relación amistosa con Steve Jansen y Richard Barbieri, con quienes grabó diferentes proyectos experimentales.
En 1991 los cuatro de Japan se reúnen bajo el nombre de Rain Tree Crow un proyecto editado por Virgin que aportó 13 temas vanguardistas que marcarían el rumbo que todos seguirían en solitario.
En junio de 2010 le fue diagnosticado cáncer terminal.
No tenía medios para paliar la enfermedad, pero fue ayudado por artistas como Midge Ure, Steve Jansen, Richard Barbieri (junto con su banda actual Porcupine Tree) y David Sylvian.
Estos artistas dieron un concierto benéfico y recursos para su tratamiento y para el bienestar de su esposa e hijo.
Falleció el 04 de enero de 2011.
www.sonidogenx.com
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Methods of Dance.
La mayoría de los ataques contra la selección de Lionel Messi son de tal desvergüenza que no aguantan ni un minuto de reflexión (Imagen Ilustrativa Infobae)
Cuando los primeros en felicitar al ganador de un mundial de fútbol son el Presidente de Irán Masoud Pezeshkian, el Presidente de Turquía Recep Tayyip Erdogan, los hutíes del Yemen y la organización terrorista Hamas, entonces esto no va de fútbol. Si además, las felicitaciones son especialmente eufóricas, no por quien ha ganado, sino por quien ha perdido, entonces esto no va de fútbol. Si, además, el jefe del parlamento iraní, Mohammad Bagher Ghalibaf, país que destruye todos los derechos fundamentales de su pueblo, tiene la desvergüenza de asegurar que el éxito de España “ha traído la felicidad a todas las naciones libres del mundo que se oponen a los Estados Unidos e Israel”, decididamente esto no va de fútbol. Y desde luego, no tiene nada que ver con el fútbol ni el odio desatado a la selección argentina, ni los bulos y maldades contra Messi, ni las aberrantes acusaciones de racismo, ni la argentinidad convertida en el saco de boxeo del wokismo más obtuso. Detrás de esta campaña nauseabunda e infecta contra Argentina el fútbol no existe, solo es la excusa para vehicular pensamientos muy oscuros. Lo cual no saca razón al éxito de la selección española, que ganó con méritos el título, pero como queda claro, esto no va de fútbol.
¿Una conjura? ¿Un complot? ¿O sencillamente la suma de prejuicios, dogmas ideológicos, fobias políticas y popurri geopolítico? O dicho de otra manera, lo que une a Zohran Mamdani con Irene Montero, Javier Bardem y Samuel L. Jackson, o directamente las autoridades de Hamas. No todos se mueven por las mismas obsesiones o los mismos intereses, pero todos convergen en el mismo objetivo: convertir Argentina en el villano perfecto, el chivo expiatorio de los males que quieren erradicar. No les une lo que defienden, sino lo que detestan, y todo lo que detestan lo representa la Argentina actual: desde el fortalecimiento de la democracia liberal, hasta la defensa de los valores judeocristianos. Es contra esos valores, contra los que se revuelve la izquierda woke internacional, que no perdona a la Argentina de Milei el liderar el proceso regenerador de América Latina, enfrentarse a la locura bolivariana, acercarse a Estados Unidos y tener excelentes relaciones con Israel. Esta Argentina desacomplejada y exitosa rompe los esquemas ideológicos del wokismo, una derivada del postcomunismo que, en su desprecio profundo por las democracias liberales, se encuentra con el orientalismo antioccidental: de Yanis Varoufakis a Mamdani, de Irán a Turquía, de Bardem a Jackson.
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En este sentido, es reveladora la frase de Varoufakis, fundador de la Internacional Progresista, que aseguró que el domingo había triunfado “el multiculturalismo saludable, que logró sobrevivir a la feroz comercialización y los trucos empresariales”. Difícil sostener mayor empanada ideológica, y más cuando lo pronuncia un señor que cuando fue ministro de finanzas de Grecia dejó el país en los huesos. Como si la sociedad argentina no fuera un extraordinario y saludable crisol de identidades, culturas y orígenes. De hecho, la mayoría de los ataques contra la selección son de tal desvergüenza que no aguantan ni un minuto de reflexión. La acusación de “racismo” del actor Samuel L. Jackson contra un país que abolió la esclavitud en 1853, él que vive en un país con una grave situación de racismo, es de traca. O los ataques de la prensa egipcia en la misma dirección, a pesar de que la minoría cristiana (un 15% de la población) sufre una discriminación secular. O la locura antiargentina en México, que prefería defender a España, el país que acusa de colonizador, que a Argentina, que se libró de los colonizadores. Si añadimos el ataque de histeria que una bandera de Israel en la grada argentina le produjo a Irene Montero, o la verborrea clásica de Bardem, tenemos el espectáculo completo. Un espectáculo que siempre funciona de igual manera: utilizar los peores estigmas, el racismo, el supremacismo, la discriminación, los privilegios como arma arrojadiza contra aquello que considera políticamente condenable. Y la selección argentina se ha convertido en el símbolo que concentra todas sus fobias: Milei, Israel, Estados Unidos, democracia liberal, sociedad judeo cristiana... Lo peor para el wokismo.
Y lo peor, también, para los países y grupos violentos que detestan la democracia y que trabajan coordinados con las izquierdas woke en sus ataques mediáticos a Israel. Y, por supuesto, una victoria de Argentina era, para todos estos, una victoria israelí. De ahí las campañas furibundamente antiargentinas en redes, los bulos sobre Messi, todo ello responde a ese fenómeno global que empieza en Teherán, pasa por Estambul y puede acabar en una pintada en el metro de Madrid con la frase “Messi sionista”. Por supuesto, en el caso de España ayuda, y mucho, la actitud anti israelí del propio Pedro Sánchez, convertido en un gran vivero de antisemitismo.
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Sea como sea, era fútbol, pero no ha sido fútbol, sino política e ideología. Sucia, deleznable, injusta, pero muy eficaz en los tiempos de la viralización. Lo peor es que han intentado convertir a la selección argentina, una selección que ama al fútbol como ninguna, nutrida de gentes de todos los barrios y condiciones, con un aporte extraordinario a la historia del fútbol mundial, la han intentado convertir en el símbolo de todo lo que odian. Es el wokismo, es la izquierda caviar, es la geopolítica que mueve sus tentáculos, es el poder viral de los enemigos de la democracia.
No puedo acabar este artículo sin hacer un sentido homenaje a Lionel Messi, cuya grandeza humana trasciende su grandeza deportiva. Diga lo que diga el ruido, éste ha sido su Mundial, grabado para siempre con esfuerzo, sudor y lágrimas en la historia del fútbol. Gracias Messi por todo. Gracias por tanto.
Martin Lee Gore nació en Dagenham, Londres, Reino Unido, el 23 de julio de 1961. Compositor y cantante. Toca teclados, bajo y guitarra.
El sitio www.guioteca.com publicó esta biografía firmada por Jorge Fuentes.
Martin L. Gore: La increíble historia del genio compositor tras los éxitos de Depeche Mode
"Creo que todo lo que escribo viene del alma. Me siento y creo atmósferas", confesó el creador de hits mundiales como "Enjoy the Silence" y "Strangelove".
Jueves 9 noviembre 2023
Jorge Fuentes
Martin Lee Gore, quien se haría mundialmente conocido por ser el compositor, tecladista, guitarrista y segundo vocalista del grupo Depeche Mode, nació el 23 de julio de 1961 en Dagenham, Londres, pero siendo aún un niño su familia se trasladó a Basildon, en el condado de Essex, una zona más bien rural. En la escuela, siendo todavía un infante de corta edad, conocería a Andrew Fletcher, de su misma edad y con quien se reencontraría después, mientras descubría el fascinante mundo de la música.
“Yo descubrí la música en general cuando tenía 10 años. Encontré una bolsa de discos en el armario de mi madre y eran todos singles que ella había comprado cuando era joven, rock and roll de los primeros años: Elvis Presley, Chuck Berry, Del Shannon, grupos como The Platters y cosas como esas. Nunca había escuchado algo así y me pareció fascinante. Siempre escuché música de diferentes géneros”, confesaría Martin L. Gore, quien, al contrario que muchos niños, sentía una gran felicidad al ir a la escuela.
“Me gustaba mucho ir a la escuela. Aprendí alemán allí y participé incluso en un intercambio escolar a Erfde en Schleswig-Holstein. El alemán me pareció un tema aburrido, pero disfruté de estar en una granja. La vida en el campo está bien en pequeñas dosis. Me gustaba ordeñar las vacas. Me quedé en la escuela hasta los 18 años porque me gustaba mucho. Yo sufría de una perspectiva suburbana. ¡No fui a un concierto hasta los 17 años! Apenas iba a Londres, que estaba a media hora de Basildon en tren. Basildon no está muy lejos, pero yo sólo iba a Londres por trabajo. Yo nunca salía por ahí porque la vuelta me tomaba mucho tiempo: 60 kms. cuando no conduces y los trenes dejan de funcionar a medianoche, ¡es como el otro extremo del mundo!”, relataría el músico británico.
Gore agregó que “provengo de una familia de clase obrera y desde pequeño tuve que trabajar y estudiar al mismo tiempo. Cuando estaba en la escuela, tenía un trabajo en Tesco: era el ‘hombre huevo’. Mi trabajo consistía en salir cada 20 minutos y mirar todas las cajas de huevos y ver si había huevos rotos. Y prácticamente todas las cajas en la parte superior tenían un huevo roto. Era mi trabajo sacar los rotos, limpiar las cajas y volver a poner las cajas nuevas. Luego saldría 20 minutos después y todos se romperían de nuevo”.
Gore, tal como relata él mismo, comenzó a trabajar desde muy joven y ya a los 17 años consiguió empleo como cajero de un banco, mientras paralelamente iniciaba su incursión en la música junto a unos amigos, que se juntaban los fines de semana para tocar en un proyecto llamado Norman and The Worms.
“Obtuve los A-Levels de francés y alemán y luego tuve que tomar una decisión sobre el futuro, lo que me impactó mucho. No tenía la motivación necesaria para hacer mucho, como ir a la universidad. No quería dejar la escuela, me sentía seguro allí. Si todo esto fracasaba me veía estudiando, seguro que no volvería a trabajar en el banco. Aaah, el banco. Mi primer trabajo. Trabajé en la cámara de compensación de NatWest en la ciudad durante un año y medio en el grado uno. Debido a que era muy joven, mis colegas me trataron un poco como si fueran mi madrastra. Era aplastantemente aburrido, pero mi falta de imaginación y confianza significaba que no podía ver una alternativa. Los idiomas eran con lo que quería trabajar, pero los trabajos de traducción eran difíciles de encontrar”.
En 1979 Martin L. Gore formó con Vince Clarke y con Rob Marlow un grupo llamado French Look; al poco tiempo se incorporaría su conocido amigo de la escuela, Andrew Fletcher, en lugar de Marlow dando origen al trío “Composition of Sound”. Poco tiempo después, por intermedio de Clarke, se uniría al grupo el cantante David Gahan, quien sugirió cambiarle el nombre a la banda a “Depeche Mode”. Ya como cuarteto, el grupo grabaría su primera canción: “Photographic”. Semanas después, lanzaron su primer single oficial: “Dreaming of me”, incluido en “Speak & Spell”, el álbum debut del grupo.
Tras la partida de Vince Clarke en 1981, quien formaría el dúo Yazoo, y la llegada en su reemplazo del músico Alan Wilder, Martin L. Gore se hizo cargo de la composición de todos los temas de Depeche Mode; la primera canción que escribió para el grupo sin la presencia de Clarke sería “See You”, que se convertiría en un éxito inmediato.
El segundo álbum de Depeche Mode, “A Broken Frame”, se lanzó en 1982. Las canciones de Gore, a partir de entonces, se harían conocidas por su sonido más atmosférico y sus temáticas como el amor, la soledad, la religión y el sexo, lo que contrastaba con el estilo de Vince Clarke.
“El misterio de la música, fue una de las cosas de las que me enamoré cuando era niño (…) Cuando empezamos éramos una de las pocas bandas de música electrónica y ahora la música electrónica está en todas partes. Tuvimos que pelear al principio de nuestra carrera porque la música electrónica no era tomada en serio. Ahora no sólo es aceptada sino que se ha convertido en mainstream”, recordaría Martin L. Gore.
Por entonces, Gore se haría conocido no sólo por su gran talento como músico y compositor, sino que también por su aspecto, como una especie de ambiguo personaje dentro de la banda. Su rostro entre amigable y perverso, y una sugerente y andrógina vestimenta de cuero con cadenas sado entre 1984 y 1986, además de la textura suave de su voz (Gore cantaría en total 30 canciones de Depeche Mode, como “Somebody” y “A Question of Lust”), serían la combinación perfecta con el arrollador registro vocal del cantante David Gahan, los imaginativos arreglos de Alan Wilder y el apoyo musical de Andrew Fletcher.
En los siguientes discos de Depeche Mode, desde 1982 hasta la fecha, Martin L. Gore sería el autor y mente maestra detrás de todos los hits internacionales del grupo, desde “People are People” (su primer éxito en los Estados Unidos) hasta “Strangelove”, “Enjoy The Silence” y “Personal Jesus”, canción donde Gore tocaba la guitarra.
Según Gore, la inspiración para sus canciones giraba en torno a tres grandes temas: sexo, amor y religión. “Si analizas nuestro repertorio, verás que todo es básicamente sobre eso. Nunca me gustó la idea de escribir canciones felices. Tampoco canciones que hablen de la suerte o sobre las que tienen el poder para alcanzar y tocarte lo más profundo. Me siento más cerca del universo escribiendo o cantando canciones que tratan sobre la soledad o la melancolía. Cuando la gente me conoce, creo que se sorprende al descubrir que no siempre estoy angustiado. Pero creo que todo lo que escribo viene del alma. Me siento y creo atmósferas, empiezo a tocar la guitarra o el piano y simplemente canto lo que salga de mi boca. No escribo poemas y les pongo música. Solo dejo que las cosas fluyan”.
En agosto de 1994 Martin L. Gore contrajo matrimonio con Suzanne Boisvert, con quien tuvo a sus tres primeros hijos: Viva Lee Gore (nacida en 1991), Ava Lee Gore (nacida en 1995) y Kalo (nacido en 2002), su único hijo varón. Posteriormente, tras divorciarse, a mediados de 2014 contrajo nupcias con Kerrilee Kaski, quien en febrero de 2016 dio a luz a Johnnie Lee y en marzo de 2017 a Mazzy Lee, tercera y cuarta hijas de Gore.
Durante la segunda mitad de los años 80′ y la primera mitad de los 90′, mientras saboreaba las mieles de la fama y del éxito mundial, Gore también pasó por algunos problemas de alcoholismo y de drogas, aunque nunca parecidos a los que sufrió el cantante David Gahan, provocando con ello una crisis de convivencia en el grupo y el alejamiento definitivo de Alan Wilder en 1995.
Tras el fallecimiento de su amigo de infancia Andrew Fletcher en 2022, el proyecto Depeche Mode quedó reducido sólo a él y David Gahan. Ambos grabaron y publicaron el álbum “Memento Mori”, el último trabajo del legendario grupo británico.
Martin L. Gore, de actuales 62 años, desde los tiempos del álbum “A Broken Frame” en 1982 hasta las obras cumbre como “Violator” y “Songs of Faith and Devotion”, es considerado el alma de Depeche Mode, dejando como testimonio de su genio creador un puñado de brillantes canciones con sonidos eléctricos e introspectivos, y letras plagadas de desamor, soledad y conflictos espirituales. “Nuestro legado son todas las canciones que hemos grabado a lo largo de 40 años”, dictaminó.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Somebody y Mandrill.
Rick Davies actuando en París en 2010 con varios miembros de Supertramp. Credit...Francois Guillot/Agence France-Presse — Getty Images
Richard Davies, más conocido como Rick Davies, nació en Swindon, Wiltshire, Reino Unido, el 22 de julio de 1944, y murió en East Hampton, Nueva York, Estados Unidos, el 6 de septiembre de 2025. Cantante, compositor, productor y multi instrumentista. Tocaba piano, teclados y armónica.
El sitio www.nytimes.com publicó este recordatorio firmado por Jenny Gross.
Rick Davies, vocalista de Supertramp, muere a los 81 años
El vocalista, autor de algunos de los mayores éxitos de la banda, aportó a su música un tono mordaz y hastiado, y convirtió su piano Wurlitzer en uno de los sonidos característicos del grupo.
Por Jenny Gross / Reportando desde Londres / 8 de septiembre de 2025
Rick Davies, fundador y vocalista de la banda de rock británica Supertramp, quien fue coautor de algunos de sus mayores éxitos y aportó a su música un tono mordaz y hastiado, murió el sábado. Tenía 81 años.
A Davies le habían diagnosticado mieloma múltiple, un tipo de cáncer de la sangre, hace más de una década, dijo la banda en su sitio web. Fue “la voz y el pianista detrás de las canciones más icónicas de Supertramp, y deja una huella indeleble en la historia de la música rock”, dijo la banda.
Formado en 1969, Supertramp logró un gran éxito comercial en 1974 con su álbum Crime of the Century, y pasó a convertirse en uno de los grupos británicos más populares de las décadas de 1970 y 1980. La canción de éxito del álbum, “Bloody Well Right”, abría con Davies al piano eléctrico Wurlitzer, y su uso del Wurlitzer se convirtió en un rasgo definitorio del sonido del grupo.
En 1979, el grupo lanzó el álbum Breakfast in America, que encabezó las listas de éxitos de todo el mundo y vendió más de 18 millones de copias, según el sitio web de la banda.
A diferencia de la voz de tenor más suave de su compañero de banda, Roger Hodgson, el sonido de Davies tenía una cualidad de gruñido, casi nasal, que podía ser a la vez sensible y dramática. Hodgson dejó la banda en 1983 para dedicarse a su carrera en solitario.
Davies nació en Swindon, Inglaterra, en 1944. Su amor por la música empezó en la infancia, cuando encontró un viejo álbum de Gene Krupa, dijo la banda en su comunicado. Atraído por el jazz, el blues y el pianista Ray Charles, Davies empezó a tocar la batería y luego aprendió a tocar el piano de forma autodidacta.
“De repente, la gente me respondía”, declaró al sitio Pop Culture Classics en una entrevista en 1997. “Ese instrumento me pareció perfecto para mí”.
Supertramp canceló una gira europea en 2015 debido al tratamiento contra el cáncer de Davies. En años más recientes, incluso cuando los problemas de salud de Davies le impedían hacer giras mundiales, actuó como parte de la banda Ricky and the Rockets.
Varias versiones de canciones de Davies subieron a las listas de éxitos en la década de 2000. El éxito de Supertramp “Give a Little Bit”, de su álbum de 1977 Even in the Quietest Moments, fue versionada por el grupo de rock estadounidense Goo Goo Dolls en 2004, y la canción alcanzó el n.º 37 en el Billboard Hot 100. Ese mismo año, Gym Class Heroes sampleó “Breakfast in America” en su canción “Cupid’s Chokehold”, que alcanzó el n.º 4 de la lista.
A Davies le sobrevive su esposa, Sue Davies.
Jenny Gross es reportera del Times y cubre noticias de último momento y otros temas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Logical Song.
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