Ritchie Blackmore

Richard Hugh Blackmore, más conocido como Ritchie Blackmore, nació en Weston-super-Mare, Reino Unido, el 14 de abril de 1945. Multi instrumentista y compositor. Toca guitarra, bajo, mandolina, violonchelo, percusión y teclado.  

El sitio www.guitarfiero.com publicó esta biografía. 

Biografía Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow, Blackmore´s Night) 

El Hard Rock es lo que es por que Ritchie Blackmore así lo decidió. 

Ritchie Hugh Blackmore. Otro de los guitar legends que las tierras inglesas tuvieron la amabilidad de regalarnos. (Weston-super-Mare, Inglaterra, 14 de abril de 1945).  

Es uno de los guitarristas más notables, influyentes, versátiles, completos... uno de los más grandes, leyenda viva. Bajo su influencia, entre otros, se delimitaron las lineas que crearon el Hard Rock. Es considerado como uno de los más grandes entre los grandes guitarristas de todos los tiempos, siendo elegido como el mejor por la revista Time Rock por delante de... todos los demás.  

Su solo del tema Highway star está posicionado en el número tres de los mejores solos de la historia del Rock por la revista Time Rock y el número 15 por la revista Rolling Stones. 

Blackmore se vio influido por compositores clásicos como Mozart o Bach, ya que recibió formación clásica. Esto le hizo fusionar esas influencias en los riffs y solos de guitarra que componía convirtiéndose así en el padre del Power Metal y del Metal Neo Clásico. Como podéis comprobar, la influencia de Ritchie es muy extensa. 

Si hacemos un analisis de su técnica, su manera de explotar la escala pentatónica, las escalas y fraseos del blues así como de las modalidades clásicas, sumado a sus extensas improvisaciones sobre el escenario evolucionadas al máximo, le convirtieron en un referente alcanzando su punto álgido en su etapa como miembro de Rainbow.  

Blackmore no es un tio que caiga muy bien. Siempre ha sido criticado por su fuerte carácter y su temperamento volátil tanto dentro como fuera de los escenarios, lo que le valió el apodo de "Man in black".  

Su influencia en todos los que vinieron detrás fue palpable desde el principio, tanto en el Hard Rock más purista, como en el Metal Neo clásico, etc. 

Su guitarra preferida, con la que más cómodo se ha sentido siempre, es la Fender Stratocaster, de la que solo utilizaba dos pastillas (mástil y puente) lo que le daba un sonido muy reconocible que no hacía más que potenciar la "marca" Blackmore.  

El resto de su equipo "clásico" lo conforman una grabadora que ponía entre el instrumento y su amplificador, un preamplificador a válvulas y por supuesto un enorme Marshall modificado para que tuviera una salida de alrededor de 200 W. Actualmente usa amplificadores Engl donde tiene su propio modelo signature. En algunas ocasiones utilizó un pedal de Flanger, especialmente reconocible en el famoso tema "Mistreated" (del álbum Burn, con David Coverdale) y en algunas canciones de Rainbow.  

En 1974, Ritchie no estaba muy satisfecho con el sonido funky-soul que despedía Deep Purple desde que ficharan a Glenn Hughes y David Coverdale. A esto había que sumarle que Ritchie estaba interesado (por gusto) a tocar el tema de Quatermass “The Black Sheep Of The Family” pero el grupo no estaba de acuerdo con el, así que cortó por lo sano. 

Ronnie James Dio había teloneado con su banda Elf a los Deep Purple en la gira inglesa que precedió a la ruptura de estos últimos. Tras una llamada telefónica fundaron un nuevo grupo compuesto por Ritchie Blackmore y Elf al completo... bueno, menos el guitarrista. Con esa formación nació el primer disco de Rainbow, Ritchie Blackmore´s Rainbow. 

Es conocido por tocar con desmesurada intuición, lo que no debe llevar a menospreciar su bagaje teórico y su indiscutible técnica. Mayores, menores, disminuidos; cualquier modo tonal parece serle cómodo. En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación, rompiera el puente a golpes de palanca o sencillamente se dedicara a dejar sonar algunos grupos de notas mientras variaba su sonido a golpes con el instrumento. En el álbum en directo Made in Japan, que grabó con Deep Purple en 1972, se da una buena prueba de ello. Es también considerado uno de los padres del heavy metal, especialmente después de formar equipo con el vocalista Ronnie James Dio, con quien fundó Rainbow.  

Por meternos un poco con su caracter decir que es lo que no hace de extrañar que se haya casado 4 veces y que le tilden de déspota e inmaduro... que cosas. 

Entrevista a Ritchie Blackmore (1984) Revista "Metal" (cortesía de César Paffume) Extraido de Blackmorerainbow.bitacoras.com  

RITCHIE BLACKMORE: "EL MALO DE LA PELICULA"  

Cuando de Ritchie Blackmore se trata, invariablemente dos temas salen a relucir: su talento musical y su legendario mal caracter. Pocos saben que el guitarrista posee una sonrisa capaz de desarmar al más duro y que es una de las personalidades más lúcidas y comprometidas del rockanroll, un hombre que desde el principio eligió no venderse (ni vender su música) a los fabricantes de mentiras. En esta nota, revelamos al Ritchie Blackmore secreto, ese que sólo es posible captar lejos de los escenarios y tras los muros de su hogar.   

LA REUNION DE DEEP PURPLE "Honestamente, jamás imaginé que sería tan exitosa y tan valiosa artísticamente. Sabía que iba a andar bien en los Estados Unidos porque durante la última década no ha pasado una semana sin que alguien en este país me preguntara 'Y, ¿cuándo vuelven?' Pero cuando me dijeron las cifras de ventas del album en Europa no lo podía creer. Menos aun cuando nos pidieron una nueva gira y nos empezaron a bombardear con discos de oro y platino. Tuvimos que hacer exactamente el doble de las fechas programadas y reunimos cuatro veces más gente de la que esperábamos. Cuando accedí a reconsiderar la reunión lo hice porque pensé que con diez años de reflexión a cuestas tendríamos nuevamente algo que decir entre los cinco. Me sorprendió descubrir que los otro cuatro seguían siendo los maravillosos talentos que conocí hace casi veinte años. Ahora cuando Jon hace su solo, aprovecho para salir del escenario y mirarlos 'desde afuera'. Realmente me emociona ver a personas tan talentosas haciendo lo suyo con tanta pasión y tanta entrega."   

LOS HALAGOS "He recibido más que la mayoría de las personas vivientes y sin embargo no consiguen hacerme sentir bien. Cada vez que me halagan siento que le estan agregando algo más a la presión que sufre constantemente el artista. Además, tengo un concepto bastante bajo de mi talento y las alabanzas me hacen sentir particularmente mal. En mi opinión, el rockanroll (en especial el rock pesado), es una expresión artística bastante limitada. Que se endiose a uno de sus cultores me parece tonto y si ese cultor soy, más tonto aún. Yo hubiera querido ser un artista de más nivel, pero mi cuota de talento sólo dio para llegar a esto. Sinceramente, cuando pienso que se me va a recordar sólo por algunos riffs siento que debería hacer algo más por la sociedad...   

¿El mejor cumplido que recibí en mi vida? Me lo hizo mi abuela Edith, cuando tenía once años y ella me empezaba a enseñar música. Un día me escuchó durante unos minutos y me dijo 'Richard naciste con un metrónomo en la mano! Cuando seas mayor vas a ser perfectamente capaz de distinguir si un músico va más lento o más rápido de lo que corresponde con sólo escucharlo unos minutos'. Tenía razón y esa fue una de las causas que provocaron tanto cambio de personal en Rainbow!"   

LA PERFECCION "La he buscado toda mi vida aun sabiendo que nunca la encontraré. Sé perfectamente cuál es la dimensión de mi capacidad musical y sé también que la perfección está reservada a unos pocos elegidos, como Bach. Sin embargo, no dejo de buscarla, de combinar elementos para llegar lo más cerca posible de ella. Personalmente soy un convencido de que todo músico alcanza su mejor momento cuando está tocando solo y alejado de todo público, de modo tal que nunca queden testigos de ese instante maravilloso. Sé que la perfección nunca le será concedida a Ritchie Blackmore entonces trato de que su búsqueda al menos valga la pena."   

LOS VIDEOS "Los detesto. Miro muy poca televisión y cuando lo hago generalmente es para ver un partido de fútbol y no un programa de videos. En cuanto a los videos en los que yo mismo participé también los detesto. Oh si, entiendo toda la moda esta del videoclip y sé que para vender discos (lo cual es muy agradable) hay que hacer videos. Pero sigo detestándolos. Nunca vi ninguno de los que hice con Rainbow y menos los de Deep Purple. Al menos en Purple tenía los otro cuatro conmigo porque ninguno quería saber nada de filmar clips, por eso la compañía tuvo que zafar con documentales. Al principio ellos querían que hiciéramos algo conceptual, con Ian jugandola de primer actor o algo así, pero logramos disuadirlos. Además, los otro cuatro son terriblemente vagos para cualquier cosa que no sea la música de modo que aunque les hubiera gustado la idea nadie los hubiera podido arrastrar a un ensayo o algo parecido. Me dijeron que en el video de 'Perfect Strangers' hay una escena en la que sonrío... ¡Qué raro! Cuando me lo dijeron lamenté sinceramente no haber visto la proyección en privado: hubiera hecho cortar esa escena inmediatamente (risas)"   

IAN GILLAN "De todas las personas que tienen el poder de sorprenderme, él es quién mejor lo consigue. Además, es mi cantante favorito. A su lado cualquier otro cantante metálico parece un alfeñique con una voz prefabricada en una cónsola de sonido. En cambio, él, con esa voz increíble y ese talento único que posee, es capaz de hacer temblar un estadio y vibrar a cualquier audiencia. Oirlo cantar me vuelve loco. Cuando Ronnie James Dio se fué de Rainbow anduve dando vueltas durante meses hasta que finalmente me decidí y lo llamé a su casa en Inglaterra. Le dije, 'Ian, necesito un cantante en mi banda y quiero que vengas conmigo otra vez'. El se quedó unos minutos en silencio y luego me dijo 'Quiero volver a cantar contigo, pero no en Rainbow. No me siento capaz. Si tenemos que estar juntos de nuevo que sea más adelante y en Deep Purple'.  

Tenía razón y le prometí que un día sería así. Ian es una persona absolutamente fuera de serie y lo respeto muchísimo, profesional y humanamente. Además, lo admiro de un modo apasionado. Gillan da todo da sí en el escenario, tanto es así que al final del show se queda sin voz, no puede articular ni una palabra y se va a dormir sin poder hablar. Pero al día siguiente está otra vez de pie, del mejor humor del mundo y listo para cantar. Trabajé con la mayoría de los grandes cantantes de la actualidad -Gillan, Coverdale, Dio, Graham Bonnet, Joe Lynn Turner- y sigo considerando que él es el mejor. Pero si en lugar de ser guitarrista yo fuera cantante, seguramente sería Ronnie James Dio porque mi forma de ser es temperamental como la suya, en tanto Ian es mucho más sereno."   

RAINBOW "Cuando Deep Purple se reunió yo dije que volvería a hacer cosas con Rainbow. Ahora sé que no es posible. Rainbow pertenece al pasado y mi presente es otra vez Deep Purple. Además, Purple posee una dimensión tan especial que todo se relativiza. No podría robarle tiempo al grupo para hacer cosas con la otra banda. Los demás así lo entendieron y han retomado sus caminos. Joe Lynn Turner sacó un álbum solista y seguramente tendrá mucho éxito porque es talentoso y muy disciplinado. Con esas dos condiciones se puede llegar a cualquier parte."   

LA LEYENDA "Dicen que soy una leyenda y no sé si sentirme bien o mal... Por lo general ese término se refiere a personas muertas y me gusta pensar que, a pesar de que la prensa no ha dejado de proclamar mi muerte a corto plazo durante los últimos quince años, aún estoy vivo. Al menos yo me siento así."   

INGLATERRA Y ESTADOS UNIDOS "Vivo en los Estados Unidos desde 1974 y en el estado de Nueva York desde 1977; originalemente, me radiqué en Hollywood, pero no pude aguantar tanta estupidez y tanta superficialidad reunida. Por qué nos vinimos a los Estados Unidos no es ningún secreto, como tampoco lo es el por qué toda la gente que gana mucho dinero se va de Inglaterra. Cuando salí de Hollywood pasé algún tiempo en Alemania (un país que adoro pero que no podría vivir mucho tiempo) y después compré Weiss Heim, mi casa. Tengo un muy elevado sentido de la propiedad territorial y mis sucesivos hogares siempre fueron muy importantes para mí. En ellos reúno todo lo que amo, lo que necesito para ser feliz y nunca dejo ningún detalle librado al azar. La casa de uno es muy importante y lo bueno de Suffolk County es que todos me tratan como a un vecino más, que una vez a la semana va al supermercado con su mujer a hacer las compras. Roger vive muy cerca, a cinco minutos de Weiss Heim. Jon y Ian viven en Miami, en el mismo condominio. Gillan es el único que no soporta vivir fuera de Inglaterra, aunque residió algunos años en Paris."   

MI CARACTER "Tengo fama de ser el tipo más odioso, pedante y caprichoso del Heavy Metal y la verdad es que no es cierto. Sé que no tengo un carácter maravilloso y que no soy el más simpático del grupo, pero también sé que no soy malo en serio sino apenas el malo de la película. La fama de tipo malo me la hicieron aquellas personas a las que no les dije lo que querían oír, a las que no adulé para que hicieran mejores críticas de mis discos y lo cierto es que tampoco pienso hacerlo. Yo no estoy en esto para salir en las revistas sino para hacer cosas bien hechas.  

Tengo cuarenta años y nunca fuí a saludar a otros músicos a sus fiestas para que me fotografíen ni caí 'casualmente' en los programas de radio para que me hagan una nota. No esperen que empiece a hacerlo ahora porque se llevarán una decepción. Sé que soy muy cínico y sarcástico y que siempre me comporto como un iconoclasta, pero el primer ídolo al que no respeto es a mí mismo. Es por eso que sólo concedo una entrevista por año: porque soy consciente de que no voy a cambiar mi actitud y de que esta es negativa para la imagen de mi banda."   

EL ESCENARIO "Sé perfectamente que en escena soy un tipo aburrido. Lo siento, no puedo solucionarlo. Uno de mis problemas es que no me gusta la exhibición entonces voy al escenario un poco a desgano y teniendo en mente toda la pavada que harán las revistas en torno al show. El otro problema es que aunque llevo veintitres años haciendo esto, aún le tengo miedo al escenario y al público. Invariablemente, diez minutos antes de salir a escena me empiezo a preguntar a mí mismo por qué me metí en este lío y cómo voy a hacer para zafar. Entonces cuando subo al escenario me concentro sólo en la guitarra o sino miro uno de los Marshall fijamente porque sé que si aparto la mirada estoy perdido: voy a empezar a preguntarme que estará pensando el público y entonces comenzaré a fallar.  

Cuando debutamos con Deep Purple en navidad del '84 hice algo que hace años no hacía: me emborraché. Estaba terriblemente nervioso y no pude evitarlo. Yo no bebo más allá de la medida que me autoimpuse porque de lo contrario mis manos empiezan a fallar. Pero ese día no pude evitarlo. Eso sí, me emborraché con método: media botella de whisky antes del show (tanto como para cobrar valor) y el resto para festejar después junto a los otros. El whisky es la maldición de los músicos; ¡hay tantas presiones que soportar y la botella es tan tentadora y sedante...! Cuesta mucho no volverse un alcoholico cuando se está en esto."   

EL AMOR Y EL ODIO "Van siempre juntos y se mezclan según las circunstancias y el caracter de las personas. En mi caso, se mezcla más a menudo porque soy un tipo muy temperamental y amo y odio simultáneamente todo aquello que tiene que ver conmigo. No logro ser indiferente ante algo; todo me provoca alguna emoción y eso es bueno porque prueba que uno está vivo. Pero amo todo lo que odio y odio todo lo que amo sin distinción: mi guitarra, mi música, mi banda y hasta mi mujer!"   

LO QUE DETESTO 

"La estupidez humana. La irresponsabilidad. La falta de profesionalismo. La incapacidad de comportarse como adultos de la que padecen muchos adultos. La cobardía. La hipocresía. Y a todos aquellos que se suben al escenario con una guitarra simplemente para estar más lindos y que les saquen fotos."  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Black Masquerade, y Times They Are a Changin'.  

Jack Casady

John William Casady, más conocido como Jack Casady, nació en Washington D. C., Estados Unidos, el 13 de abril de 1944. Multi instrumentista. Toca bajo, guitarra, teclado y percusión. 

El sitio www.jackcasady.com publicó su biografía.  

Jack Casady se encuentra actualmente de gira con Hot Tuna, celebrando 60 años de amistad sobre el escenario con Jorma Kaukonen. 

La carrera musical de Casady comenzó cuando tenía 12 años y descubrió la guitarra Washburn de su padre en el ático. "Después de que mis padres me oyeran tocarla", recuerda, "dijeron: 'Si quiere tocarla, le daremos algunas clases'. Ahí empezó todo". A los 15 años, Casady ya tocaba en clubes locales, usando una identificación falsa para hacerse pasar por mayor de edad, la edad legal para beber en ese entonces. Trabajó con Kaukonen en algunos de esos conciertos, tocando la guitarra solista con su Telecaster del 58 —"Ojalá tuviera esa guitarra hoy", dice— mientras Kaukonen cantaba y tocaba la guitarra rítmica con su guitarra acústica. 

“Mi oportunidad de tocar el bajo surgió cuando sustituí a un tipo que tocaba un Fender Precision Bass”, cuenta Jack. “Esto fue en 1960, cuando tenía 16 años. Danny Gatton y yo éramos amigos. Él era un año menor que yo y un prodigio de la guitarra. Ese verano, surgió un trabajo, tres o cuatro semanas en un club —una oportunidad de oro para trabajar todas las noches— y su bajista se enfermó. Danny me pidió que lo sustituyera. Nunca había tocado el bajo, pero me dijo: 'Jack, ¿qué tan difícil puede ser? Solo tiene cuatro cuerdas'. Y así empezó todo”. 

Casady se adaptó al bajo de inmediato —«Me encantó su sonido»—, pero tuvo problemas con el mástil del P-Bass. Para solucionarlo, fue al Music Center de Chuck Levin en Washington y encargó un Jazz Bass, un nuevo modelo de Fender que acababa de salir al mercado. «Mis manos no son muy grandes y el mástil era más estrecho. Además, tenía dos pastillas, lo que te da más variedad tonal». Pronto, Jack empezó a recibir ofertas para tocar tanto la guitarra como el bajo, «y mi carga de trabajo se multiplicó exponencialmente». 

Tras graduarse en el instituto, Casady se fue a Florida, donde tocó tanto en conciertos de rock and roll como en locales de jazz. Después de seis meses, regresó a Washington D. C., donde daba clases de guitarra y cursaba estudios universitarios cuando recibió una llamada de Kaukonen desde California. «Eso fue en 1965», cuenta Casady. «Me invitaron a unirme a Jefferson Airplane, que acababa de formarse». Por desgracia, justo antes de partir hacia el oeste, le robaron su Jazz Bass. «Así que cuando fui a San Francisco, no tenía bajo. Tomé prestados bajos hasta que me compré un Jazz Bass nuevo. Era diferente al de los 60; Fender había eliminado los potenciómetros concéntricos. Tenía un solo control de volumen y dos de tono, y al principio no me gustó tanto. Después de un par de meses, decidí que quería más graves, así que le añadí una pastilla Precision, pegada al mástil. Esa es la que usé para grabar los tres primeros álbumes de Jefferson Airplane». 

El primer álbum, Jefferson Airplane Takes Off, se lanzó en septiembre de 1966; contó con la vocalista Signe Anderson junto a Casady, Kaukonen, el vocalista Marty Balin, el guitarrista Paul Kantner y el baterista Skip Spence. Para cuando se lanzó el segundo álbum, Surrealistic Pillow, en febrero de 1967, Grace Slick había reemplazado a Anderson, trayendo consigo dos canciones de su banda anterior, The Great Society: "White Rabbit" y "Somebody to Love". Spence también se había ido, siendo reemplazado por Spencer Dryden. Esa formación "clásica" de Jefferson Airplane grabó el tercer álbum, After Bathing at Baxter's, que se lanzó a finales de 1967. "Nunca había escuchado un bajo como ese", dijo Grace Slick, recordando su primera impresión de la forma de tocar de Casady. "Jack tenía ese rugido, ese gruñido que comenzaba en los graves y se extendía hasta arriba". (La cita se encuentra en las notas de Jeff Tamarkin para la caja recopilatoria Jefferson Airplane Loves You). ¿De dónde surgió ese sonido "rugiente y gutural"? No de escuchar a otros bajistas de rock. "El rock and roll era bastante malo", le dijo el joven Casady a Ralph Gleason. "No me gustaba nada". Aunque había tocado canciones de Buddy Holly y otros temas de rock primitivo con Kaukonen en sus días en Washington D.C., Casady prefería la música clásica y el jazz. "Todos mis ídolos eran contrabajistas", dice, citando a grandes del jazz como Charles Mingus y Scott LaFaro. "El único que escuché haciendo algo diferente [con el bajo eléctrico] fue en la banda de James Brown, cuando lo vi tocar a finales de los 50, usando un bajo Fender". Dado el período, ese bajista probablemente era Bernard Odum. (“Más tarde”, dijo Casady a Anthony Jackson y Chris Jisi en una entrevista con Bass Player en 1993, “admiré a muchos de mis colegas: Phil Lesh, por supuesto, John Entwistle, Paul McCartney y Jack Bruce, quien me atrajo porque también tocaba melodías con mucha pasión”). 

La influencia del jazz se puede apreciar en los primeros trabajos de Jack con Jefferson Airplane, donde solía tocar pasajes largos y fluidos que se entrelazaban hasta el final, en lugar de limitarse a líneas de quinta fundamental o patrones básicos de blues. «Siempre estuve imitando a los bajistas de jazz. Por eso creo que, más adelante, me decanté por el bajo de caja hueca, porque me gustaba su sonido». El instrumento al que se decantó fue un bajo Guild Starfire Bass II de escala corta, que empezó a usar a finales de 1967. «Me gustaba un enfoque más melódico, y ese sonido más abierto y acústico del Guild me dio la oportunidad de desarrollarme en esa dirección». 

Aunque le gustaba mucho el Guild, Casady sentía que la electrónica podía mejorarse. Se puso en contacto con Augustus Owsley Stanley (alias Bear), del equipo de soporte técnico de Grateful Dead, y comenzaron los experimentos. El nuevo circuito que instaló Owsley incluía un filtro de resonancia y seguidores de emisor para reducir la impedancia de la pastilla; este Guild modificado fue el instrumento principal de Casady en 1968 y la mayor parte de 1969, hasta que, poco después de que Jefferson Airplane tocara en Woodstock, se lo robaron. Inmediatamente compró otro bajo Starfire y se lo envió a Ron Wickersham, otro miembro del grupo de expertos técnicos que trabajaba con las bandas de San Francisco. Wickersham instaló una versión activa y actualizada de los nuevos circuitos. Fue con este bajo con el que Jack tocó en el primer álbum de Hot Tuna, grabado a finales de 1969. 

El segundo componente clave del sonido Casady fue el Versatone Pan-O-Flex, un amplificador de válvulas de 35 vatios con un diseño único. Diseñado por G. Robert Hall, el amplificador tiene dos canales, uno para graves y otro para agudos, y las dos salidas se mezclan en un único altavoz de 12 pulgadas. «Estábamos grabando en Sunset a finales del 67», recuerda Casady, «y Carol Kaye estaba usando ese [amplificador] en un estudio contiguo. El hermano del [productor] Al Schmitt, Richie, que era el segundo ingeniero en muchas de nuestras sesiones, me habló del amplificador. Me dijo: "Oye, hay un pequeño amplificador que tiene un altavoz de 12 pulgadas y suena magnífico"». Por supuesto, Carol lo usaba a bajo volumen, con un bajo Fender y una púa y un enfoque completamente diferente al mío; yo usaba mis dedos y un bajo Hollowbody. Pero descubrí que cuando subía el volumen de ese amplificador, podía obtener distorsión y sustain de él: un sustain armónico realmente agradable, suave y completo”. La combinación del bajo modificado y el amplificador inusual se unió en el cuarto álbum de Airplane, Crown of Creation, lanzado en septiembre de 1968. En ese LP, como escribió Dan Schwartz en un recuadro para la entrevista de Jackson/Jisi Bass Player, en 1993, “Jack es una fuerza dominante. El sonido de Guild saturando el Versatone es omnipresente”. En el escenario, Casady microfoneaba el Versatone y lo controlaba con un pedal de volumen, usándolo como un efecto. Su equipo principal en aquel entonces era un sistema con cabezales Fender Showman como preamplificadores para amplificadores de potencia de válvulas McIntosh que alimentaban "dos gabinetes con dos altavoces de 15 pulgadas o uno de 18 o dos de 12, o cualquier combinación que armáramos". 

Mientras Jefferson Airplane estaba de gira en 1968, Jack se unió a Jimi Hendrix en el estudio para una improvisación que se publicó como el tema de 15 minutos "Voodoo Chile" en el álbum Electric Ladyland. Casady había conocido a Hendrix en el Festival Pop de Monterey, y dice que la grabación de ese tema fue un encuentro casual. "Cuando Jimi estaba grabando Electric Ladyland", les contó a Jackson y Jisi en la entrevista con Bass Player, "pasamos por Nueva York, y un grupo de músicos, incluido Steve Winwood, fuimos a verlo. Alrededor de las 4 de la mañana, Jimi decidió que debíamos tocar un poco; por suerte, yo tenía mi Guild conmigo. Sacó un tema de blues que tocamos tres o cuatro veces y luego grabamos". 

El tremendo sonido que Casady obtenía de su equipo de finales de los 60 se puede apreciar en todo su esplendor en Bless Its Pointed Little Head, el álbum en directo de Airplane grabado en el Fillmore, East and West, a finales de 1968. En una reseña de 1992 para Bass Player, titulada "Classic Revisited", elogié la "potencia bruta" del sonido de Casady en el álbum y afirmé que cinco temas deberían ser de escucha obligatoria para todos los bajistas: "3/5's of a Mile in Ten Seconds", "It's No Secret", "Other Side of This Life", "Plastic Fantastic Lover" y (especialmente) "Somebody to Love". En resumen, escribí que "Casady arrasa con estos temas como un tren expreso, marcando el ritmo con pasajes cromáticos, acentuando, ascendiendo, empujando y trepando hasta culminar con acordes atronadores. No hace solos, porque no tiene sentido: las canciones son simplemente solos de bajo extendidos con el resto de la banda acompañándolo". 

Chris Jisi transcribió la línea de bajo de la versión en vivo de “Somebody to Love” en un número de 2011 de Bass Player. Jack ofreció este comentario: “Cuando aprendimos y grabamos originalmente 'Somebody to Love', sentí que necesitaba un movimiento continuo para añadir una sensación de agresividad, emoción y fluidez. Así que, en cierto modo, invertimos los papeles; en lugar de que yo colocara un patrón consistente debajo de las líneas de guitarra solista, me movía a través de los cambios con una línea de bajo caminante en constante evolución y conexión contra el furioso contratiempo de Spencer y los rellenos acentuados de Jorma. Para el álbum en vivo queríamos mostrar el tipo de energía que estábamos obteniendo en los conciertos en torno a la cual se construyó toda la escena de San Francisco; estábamos usando las canciones para expandir nuestra conciencia sobre nuestros instrumentos, y 'Somebody' no fue una excepción”. El álbum en vivo capturó a Jefferson Airplane “en su forma absolutamente óptima”, como escribió Kaukonen en su autobiografía, y el bajo de Casady fue la fuerza impulsora. 

En 1969, mientras trabajaban en el material para su siguiente álbum de estudio, Volunteers, Jefferson Airplane ofreció un memorable concierto un domingo por la mañana en el festival de Woodstock. «Nadie estaba preparado para lo que acabó siendo», comenta Casady, reflexionando sobre el evento, que este año celebra su 50 aniversario. Además del concierto, las celebraciones incluirán una exposición especial en el Centro de Artes Bethel Woods, donde se exhibirá el primer bajo Guild modificado de Casady. En 2017, 48 años después de que se lo robaran, Casady logró recuperarlo gracias a un contacto en Facebook. «Así que estará expuesto», dice, «junto con la misma camiseta que usé en Woodstock. ¿No es genial?». 

A principios de los 70, cuando las distintas personalidades de Jefferson Airplane comenzaron a distanciarse, Casady y Kaukonen decidieron usar sus improvisaciones de blues en habitaciones de hotel como base para una banda a la que llamaron Hot Tuna. Han tocado con diversas formaciones en los años siguientes, pero el núcleo de Hot Tuna siempre ha sido el dúo que tocó junto por primera vez siendo adolescentes en Washington. El álbum debut homónimo de la banda se grabó en el New Orleans House de Berkeley, California, en septiembre de 1969, con Kaukonen a la guitarra acústica y Casady tocando su equipo Guild-and-Versatone. Son solo ellos dos, junto con el armonicista Will Scarlett, y sigue siendo un clásico imperecedero. (La versión en CD, lanzada en 2012, incluye 18 temas adicionales además de los diez que aparecieron en el LP de vinilo original). 

El ambiente íntimo y de grupo reducido es ideal para apreciar la sofisticación y la sutileza del estilo de Casady, así como su hermoso y fluido tono. Es difícil seleccionar temas sobresalientes, ya que Jack toca con una brillantez constante en todo momento, pero mis favoritos personales incluyen las versiones de “Hesitation Blues”, “Death Don't Have No Mercy” y el instrumental “Mann's Fate” que apareció en el LP original. “He tenido la gran fortuna de tocar con un guitarrista de fingerstyle del calibre de Jorma durante todos estos años”, dijo Casady en la entrevista de 1993 para Bass Player, “porque constantemente disfruto de interesantes líneas contrapuntísticas. Me libera y saca al bajo del ámbito de un instrumento lineal… El enfoque de Jorma me permite tocar acordes, retomar y terminar las frases que él empieza, y tocar melodías mientras él me acompaña”. Casady cita la pieza instrumental “Water Song”, del álbum Burgers, el tercer disco de Hot Tuna, como “el mejor ejemplo grabado del concepto de bajo melódico que he desarrollado en este contexto”. 

En 1971, Casady colaboró con el "equipo de ensueño" de expertos técnicos que Owsley había reunido para crear un bajo completamente nuevo. Los constructores adoptaron el nombre de Alembic, una iniciativa que, como escribí en mi libro American Basses, era "más un concepto que una empresa". Los principales integrantes fueron Ron Wickersham y su esposa, Susan; el ingeniero de sonido Bob Matthews; y el músico, mezclador de sonido y luthier Rick Turner. "Yo pasaba tiempo con ellos y les daba ideas", dice Casady. Querían construir un bajo que no solo se adaptara al estilo de Jack, sino que también fuera una "plataforma experimental", con electrónica modular que les permitiera probar diferentes combinaciones de pastillas y circuitos integrados. "Se suponía que solo tardarían un par de meses, pero al final tardamos, no sé, unos 15 meses en terminarlo". 

El resultado fue el bajo conocido como Alembic #1, un instrumento de escala media con mástil a través del cuerpo que fue el primer bajo eléctrico de alta gama. Tenía un cuerpo tallado en maderas exóticas, un diapasón con incrustaciones elaboradas, pastillas personalizadas intercambiables que se deslizaban sobre rieles de latón y placas de circuito modulares, diseñadas por Ron Wickersham, inspiradas en las que se encuentran en las consolas de grabación. No se parecía ni en apariencia ni en sonido a ningún bajo eléctrico fabricado hasta entonces. Casady comenzó a usarlo a principios de 1972, y fue su bajo principal durante unos tres años hasta que se dañó y, según se dice, no sonaba igual ni siquiera después de las reparaciones. (Para más información sobre el Alembic #1, consulte mi columna "Partners" en el número 2 de la revista Bass Magazine). Casady pasó del Alembic a varios otros bajos, incluyendo un instrumento Flying-V construido por Glenn Quann, y bajos fabricados por Modulus Graphite y Stars Guitars. En 1985, descubrió un bajo Gibson Les Paul Signature de principios de los 70: un bajo semihueco de escala larga con una sola pastilla de baja impedancia. Con un sonido que recordaba a los bajos Guild que Jack había usado anteriormente y con las propiedades acústicas que prefería, el Les Paul se convirtió de inmediato en su instrumento principal. En 1997, sirvió de inspiración para el bajo Epiphone Jack Casady Signature, que tiene una configuración similar y una pastilla mejorada, diseñada por Casady. Fabricado originalmente en Corea y posteriormente en China, el bajo Casady ha demostrado ser un modelo popular, y en 2017 Epiphone celebró su vigésimo aniversario en el mercado con una edición especial limitada. 

En 1996, Casady fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Jefferson Airplane. El evento, como era de esperar, no estuvo exento de polémica. Grace Slick no asistió, y los demás miembros de la banda rechazaron la idea de que Joan Osborne la reemplazara. Surgió la duda sobre quién tocaría la batería, ya que Spencer Dryden ya no era músico en activo; este problema se solucionó con la incorporación de Prairie Prince al escenario junto a Dryden para una configuración de doble batería. Al final, la banda tocó tres canciones, culminando con una vibrante versión de "Volunteers", y Casady se quedó después para participar en una improvisación liderada por Arlo Guthrie y Pete Seeger. "Fue genial", dice Jack. "Pete Seeger es uno de mis ídolos de siempre". 

En 2011, Casady recibió el premio Bass Player a la trayectoria en Bass Player LIVE!, entregado por Anthony Jackson, tras lo cual actuó con Kaukonen y el mandolinista Barry Mitterhoff. En 2016, Jefferson Airplane recibió otro reconocimiento: un premio Grammy a la trayectoria, aunque para entonces Paul Kantner, Spencer Dryden y Signe Anderson ya habían fallecido. 

Si bien la carrera de Casady tras su paso por Airplane se ha centrado en Hot Tuna, a lo largo de los años ha participado en diversos proyectos, como la banda de power pop SVT y colaboraciones con David Crosby, Warren Zevon, Peter Rowan y otros. También ha tocado en varios proyectos derivados de Airplane, incluyendo una breve reunión en 1989 que produjo un álbum y una gira, así como en la KBC Band (con Marty Balin y Paul Kantner) y en varias versiones de Jefferson Starship. En 2003, lanzó un álbum en solitario, Dream Factor, que incluía 11 de sus composiciones, entre ellas la virtuosa pieza de bajo "Outside". Un segundo álbum en solitario está en proceso. "Tengo unas 15 canciones. Incluye algunas partes vocales, pero es principalmente un álbum instrumental. Espero poder publicarlo este año". 

La trayectoria de Casady con Hot Tuna se divide en dos periodos. El primero comenzó con el álbum homónimo en directo, grabado en 1969, e incluyó cinco álbumes de estudio, siendo el último Hoppkorv, publicado en 1976. Un año después, el grupo se disolvió cuando Kaukonen, según relata en su autobiografía, «simplemente se marchó» por problemas personales. Tras una breve reunión en 1983, Jack y Jorma volvieron a reunirse definitivamente en 1986, realizando giras con regularidad y grabando un nuevo álbum de estudio, Pair a Dice Found, publicado en 1990. Le siguió otro álbum de estudio, Steady as She Goes, en 2011. Cuando Hot Tuna no está de gira, Casady se retira a su casa en la isla de Jersey, una de las Islas del Canal de la Mancha. «Cuando no estoy tocando», comenta, «me gusta hacer senderismo y, en general, mantenerme en buena forma». También realiza visitas periódicas para impartir clases magistrales en el Fur Peace Ranch de Kaukonen. 

Hot Tuna mantiene una agenda de giras muy apretada, ofreciendo conciertos acústicos y eléctricos, a veces con artistas invitados. En los conciertos acústicos, Jack utiliza un bajo acústico hecho a medida por el luthier Tom Ribbecke, al que llamó "Diana" en honor a su difunta esposa, fallecida en 2012. "Quería un bajo con el que pudiera sentarme frente a Jorma tocando la guitarra acústica con la técnica de fingerpicking y que sonara como un bajo, no como una guitarra barítono, con graves potentes. Trabajamos en él durante un año y medio, y el resultado es sencillamente magnífico". 

La gira de Hot Tuna en la primavera de 2019 incluyó cuatro conciertos acústicos especiales para celebrar el 75 cumpleaños de Casady el 13 de abril. En esos conciertos, Jack comenta: «Simplemente tocaba el bajo y hacía lo que me gusta… Creo que a medida que uno envejece, tiene más cosas que decir y de una manera diferente». La gira se reanudó en junio, con conciertos tanto acústicos como eléctricos para cerrar el año. 

Anthony Jackson, con su estilo inimitable, resumió su admiración por Jack Casady en el artículo de 1993 de la revista Bass Player diciendo: «Como he insistido muchas veces, el bajo tiene pocos gigantes de verdad —con la excepción de los idiotas del mes— y Jack Casady sigue estando en primera fila». Y sigue siendo cierto. Aunque Hot Tuna ya no sea un tema candente en las redes sociales, Jack sigue siendo una presencia musical formidable. Su influencia ha sido amplia. Se puede escuchar en los bajistas de las generaciones siguientes, que han absorbido su singular combinación de un enfoque melódico aprendido del jazz y el ímpetu implacable de la sección rítmica de James Brown, sean conscientes de ello o no. Mirando hacia el futuro, Jack Casady no tiene intención de retirarse ni siquiera de bajar el ritmo. «La gente me ha preguntado una y otra vez: "¿Cuál es tu mejor concierto?" o "¿Cuál es tu concierto favorito?", y la verdad es que es el que estoy a punto de dar». 

La devoción de Jack por la música y su deseo de fomentar el desarrollo de otros músicos se evidencian en su participación en el campamento de guitarra Fur Peace Ranch de Jorma, donde impartía clases con frecuencia. Su programa abarca desde los fundamentos, donde los alumnos aprenden a tocar la línea de bajo, hasta clases magistrales donde se abordan la métrica, la colocación de las notas y las ideas para arreglos. Las clases de Jack siempre tienen mucha demanda. 

Siempre un maestro en el manejo de sus herramientas, Jack desarrolló su propio diseño de equipo único en su búsqueda del tono perfecto. Los ingenieros de Epiphone Guitars lo ayudaron a desarrollar el Jack Casady Signature Bass: “Epiphone y yo diseñamos este bajo según mis especificaciones exactas, sin duda un sueño hecho realidad. Siento que realmente creamos un bajo cómodo que ofrece un tono cálido y excelente, ¡y es muy divertido de tocar! Y además luce genial”. Este bajo eléctrico de cuerpo hueco cuenta con una sola pastilla humbucker que ofrece una potencia impresionante. Fue lanzado al público por Epiphone en 1998 con gran éxito de crítica. ¡Encuentra un distribuidor de Epiphone cerca de ti! 

Entre los otros proyectos de Jack se incluye la interpretación de la música compuesta por Mark Isham para la película de Disney "Moonlight Mile". Jack y Jorma aportaron unos 20 minutos de la banda sonora de la película, escrita y dirigida por Brad Silberling y protagonizada por Susan Sarandon, Dustin Hoffman, Holly Hunter y Jake Gyllenhaal. 

Con el lanzamiento de su CD en solitario, Dream Factor, Jack Casady abrió un nuevo capítulo en su carrera en constante evolución. Dream Factor incluye 11 canciones y un impresionante elenco de colaboradores. Junto a Paul Barrare, Ivan Neville, Jorma Kaukonen, Warren Haynes, Box Set, Fee Waybill y Doyle Bramhall II, entre otros, Jack muestra su sonido característico en diversos estilos, explorando influencias de blues, rock, country, folk, funk, R&B y soul en los once temas del disco. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Somebody To Love.   

Shalom – Voces para no olvidar

Shalom – Voces para no olvidar  

En el Día de la Memoria del Holocausto, el testimonio de Denise Papo, superviviente de la Shoah, revive una infancia marcada por el miedo, la supervivencia y el exilio. Un relato íntimo que interpela al presente y recuerda la importancia de no olvidar para construir un futuro libre de odio. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/para-no-olvidar/17019741/ 

Pat Travers

Patrick Henry Travers, más conocido como Pat Travers, nació en Toronto, Canadá, el 12 de abril de 1954. Guitarrista y cantante. 

El sitio www.allmusic.com por publicó su biografía firmada por Greg Prato. 

Biografía de Pat Travers por Greg Prato 

Con su tono duro y vanguardista, su voz áspera y desenfrenada, y su estética de barroom boogie, el cantante, guitarrista y tecladista canadiense Pat Travers es un excelente ejemplo de un artista canadiense de hard rock con influencias de blues. Llegó durante el apogeo de los años 70 de los héroes de la guitarra del hard rock con influencias de blues. Su trayectoria de ocho álbumes con Polydor —desde su debut homónimo de 1976 hasta Hot Shot de 1984— le valió siete puestos en el Top 200 y dos sencillos en el Top 40, incluyendo el clásico himno fiestero "Boom Boom (Out Go the Lights)". Posteriormente, colocó cuatro sencillos en el Hot 100 y dos más en los primeros puestos de las listas de Mainstream Rock Songs. Travers es igualmente hábil tocando funk, jazz y rock progresivo. Ha estado de gira casi anualmente durante más de 40 años, ofreciendo más de 150 conciertos por año. Travers continuó grabando para varios sellos discográficos en el siglo XXI. Entre sus trabajos más conocidos se incluyen PT Power Trio de 2003, Bazooka de 2005 (con el baterista Carmine Appice), Retro Rocket de 2015, The Balls Album de 2016 (también con Appice), el álbum de jump-jazz Swing de 2019 y The Art of Time Travel de 2022. 

Nacido en Toronto el 12 de abril de 1954, Travers empezó a tocar la guitarra tras presenciar una actuación local del gran Jimi Hendrix. Poco después, Travers estudiaba a otros grandes guitarristas de rock de la época (Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page, etc.) y se fogueaba tocando en bares de Quebec. Su primera gira de verdad le llegó cuando se unió al veterano del rock and roll de los años 50, Ronnie Hawkins (conocido por tocar con una banda que más tarde se convertiría en The Band). 

Pero la verdadera pasión de Travers era el hard rock, así que, después de un año, empacó sus pertenencias y se dirigió a Londres. Poco después de llegar al Reino Unido, Travers grabó una maqueta que le conseguiría un contrato discográfico con Polydor y daría como resultado el lanzamiento de su álbum debut, Pat Travers, durante la primavera de 1976. Una actuación en el festival anual de Reading en Inglaterra ese mismo año no hizo sino despertar aún más interés, lo que resultó en dos lanzamientos más en 1977, Makin' Magic y Putting It Straight (ambos con Nicko McBrain a la batería, antes de Iron Maiden), antes de que Travers regresara a Norteamérica y pusiera la mira en el mercado del rock estadounidense. 

Con el baterista Tommy Aldridge, el guitarrista Pat Thrall y el bajista Mars Cowling, la nueva formación de Travers debutó en 1979 con el álbum Heat in the Street. Esto marcó el inicio del período de mayor éxito comercial de Travers, con dos lanzamientos que alcanzaron el Top 30: Live! Go for What You Know de 1979 (considerado por muchos fans de Travers como su mejor momento) y Crash and Burn de 1980. Sin embargo, poco después del comienzo de los 80, el hard rock con influencias de blues pareció perder popularidad rápidamente entre el público estadounidense, en favor del rock de estadios con una producción impecable y, posteriormente, de las bandas aprobadas por MTV. 

Como resultado, cada lanzamiento posterior de Travers vendió menos; sus últimos álbumes en aparecer en las listas de éxitos estadounidenses fueron Radio Active (1981), Black Pearl (1982) y Hot Shot (1984). Disconforme con Polydor, Travers optó por tomarse un descanso de la publicación de discos durante el resto de la década, pero continuó de gira. El álbum de regreso de Travers en 1990, School of Hard Knocks, no logró reavivar el interés en las listas, aunque siguió publicando nuevos álbumes de estudio (Blues Tracks, Just a Touch, Blues Magnet, etc.) y grabaciones en vivo de archivo (King Biscuit Flower Hour, BBC Radio One Live in Concert) a lo largo de la década. 

Travers continúa de gira y grabando regularmente (tocando junto a figuras como Jeff Watson de Night Ranger, Tom Keifer de Cinderella y Rick Derringer), y en 2001, actuó como parte de la gira Voices of Classic Rock. Travers salió del estudio de grabación una vez más en 2003, con PT Power Trio, una grabación que incluía versiones de canciones de artistas como Cream ("White Room"), Robin Trower ("Day of the Eagle") y ZZ Top ("Nasty Dogs and Funky Kings"), entre otros. Los lanzamientos posteriores incluyen It Takes a Lot of Balls (2004), una colaboración con Carmine Appice, PT=MC2 (2005), un segundo lanzamiento de Power Trio llamado PT Power Trio 2 (2006), Travelin' Blues (2009), Blues on Fire (2012), Can Do (2013) y Retro Rocket (2015). En 2016, Travers se reunió con Appice para el álbum titulado con humor Balls Album, en el que el dúo dinámico interpretó una serie de clásicos del blues-rock. En 2019, ¡Travers se alejó de su estilo musical habitual al publicar Swing!, una colección de clásicos del jazz de big band de los años 40 y 50 completamente reinventados, incluyendo "Take the 'A' Train" de Duke Ellington, "Sing Sing Sing!" de Louis Prima, "In the Mood" de Glenn Miller, "Is You Is or Is You Ain't My Baby" de Louis Jordan y "Let the Good Times Roll". 

En 2022, Travers publicó The Art of Time Travel, un regreso al hard blues-rock. La enérgica y épica canción que da título al álbum se lanzó como sencillo previo al lanzamiento. El segundo tema, "Ronnie", fue compuesto en homenaje al fallecido guitarrista —y mentor de Travers— Ronnie Montrose. El álbum incluía el sencillo de R&B con sección de vientos "Push Yourself" y "Natalie", una tierna pieza instrumental. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Crash And Burn.   

Michael Callen

Michael Callen nació en Rising Sun, Indiana, Estados Unidos, el 11 de abril de 1955, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 27 de diciembre de 1993. Cantante, compositor y autor.  

El sitio www.marksking.com publicó este recordatorio firmado por Mark S. King. 

Cómo puedes preservar el legado musical del ícono del SIDA, Michael Callen. 

Mark S. King / 24 de julio de 2023 

No es muy frecuente que alguno de nosotros pueda desempeñar un papel tangible en honrar y preservar el legado de uno de los pilares de nuestra historia compartida. Esta es precisamente esa oportunidad. 

Michael Callen es considerado por muchos como el primer superviviente a largo plazo del SIDA. Habló abiertamente sobre su experiencia viviendo con el VIH desde principios de la década de 1980, y logró vivir suficientes años como para que diéramos por sentado que su presencia sería inevitable.  

El destino tenía otros planes. Callen falleció en 1993, pero solo después de fundar la Coalición de Personas con SIDA, ser coautor de los Principios de Denver y escribir el primer folleto con pautas para una sexualidad más segura (junto con Richard Berkowitz), "Cómo tener sexo en una epidemia", todo ello mientras mantenía viva su pasión por la interpretación con dos álbumes vocales en solitario y su grupo a capella The Flirtations. 

Ahora, gracias a Richard Dworkin, su compañero musical y sentimental de toda la vida, se está remasterizando una colección de grabaciones musicales inéditas de Michael Callen para el disfrute del público.  

La página de IndieGoGo de Dworkin está recaudando los fondos necesarios para llevar a cabo este proyecto, y antes de que sigas leyendo, te animo a visitar la página y hacer una donación, por pequeña que sea. Al hacerlo, formarás parte de esta preservación histórica. La campaña ha alcanzado su modesta meta inicial de 6000 dólares, pero los fondos adicionales ayudarán a crear un CD y a ampliar y agilizar el proyecto. La música estará disponible en plataformas de música en línea y en cualquier lugar donde escuches música. Tu donación será dinero bien invertido. 

Richard Dworkin conoció a Michael Callen en junio de 1982, tras responder a un anuncio en el que se buscaban músicos para formar un grupo. «Comimos comida china y Michael preparó sorbete», recordó Richard. «Pensó que yo era un baterista heterosexual un poco raro porque llevé mi bicicleta a su apartamento para nuestra reunión». 

Sin importar lo que haya sucedido aquella primera noche juntos, le demostró a Michael que su nuevo baterista definitivamente no era heterosexual. Su relación, tanto musical como sentimental, estuvo ligada a la vida de Callen durante el resto de su vida.  

En aquella primera noche juntos, Michael le contó a Richard que participaba en un estudio dirigido por el renombrado médico gay Joe Sonnabend, quien más tarde se convertiría en una figura clave en la lucha contra la epidemia. «Michael me dijo que el estudio trataba sobre una nueva enfermedad llamada GRID (Inmunodeficiencia Relacionada con la Homosexualidad) y me preguntó si sabía qué era. Sí, lo sabía. Conocía a alguien que había fallecido cinco semanas antes a causa de la GRID. Michael me dijo que tal vez él también la padecía y quería que yo lo supiera». 

El nuevo álbum es una colección de canciones que Callen grabó para su segundo álbum, "Legacy", que nunca se publicaron pero que siguen siendo las favoritas de Richard Dworkin.  

“Hay algunas canciones que compuso cuando era un joven gay a finales de los 70”, explicó Richard, “sobre relaciones tormentosas y romance. John Bucchino es el pianista acompañante. Hay un gran tema con aires de música disco, 'Hot Stuff Coming Through', que me entusiasma mucho. Y luego está una versión más elaborada de 'Love Don't Need a Reason', la canción emblemática de Michael”. 

Este proyecto es, sin duda, una labor hecha con pasión, pero también tiene la urgencia de preservar algo que podría desaparecer fácilmente.  

«Si no hago este proyecto ahora», advirtió Richard, «nunca se terminará. Si la gente no participa, probablemente nunca verá la luz, y eso sería una lástima. Michael era importante y su vida era su música». 

Para saber más sobre la vida y el legado de Michael Callen, visita su sitio web o lee la biografía de Martin Duberman, Hold Tight Gently: Michael Callen, Essex Hemphill, and the Battlefield of AIDS. Para estar al tanto del progreso del nuevo álbum, sigue la página de Facebook de Michael Callen. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Love Don't Need a Reason.  

Felix Mendelssohn. Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25. Johanna Haniková.

A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Johanna Haniková, y la Orquesta Sinfónica de Bohemia Occidental de Mariánské Lázně, dirigida por Radek Baborák. 

Bunny Wailer

Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny Wailer, o Bunny Livingston, nació en Kingston, Jamaica, el 10 de abril de 1947, y murió en su ciudad, el 2 de marzo de 2021. Cantante, compositor y percusionista. 

El sitio www.magicpopblog.wordpress.com publicó este recordatorio. 

Nos deja Bunny Wailer 

Neville O’Riley Livingston nació el 10 de abril de 1947 y falleció el 2 de marzo de 2021 en un hospital de Kingston (Jamaica). Más conocido como Bunny Wailer o Bunny Livingston, fue un cantante, compositor y percusionista de reggae, miembro original de los legendarios The Wailers junto con Bob Marley y Peter Tosh. Entre sus discos más famosos a su nombre, destaca el concienciado ‘Blackheart Man’ de 1976. 

El joven Neville Livingston pasó sus primeros años en Nine Mile de la parroquia de St. Ann en Jamaica. Fue allí donde conoció a Bob Marley con el que entabló una amistad desde muy joven. Ambos procedían de familias monoparentales; Livingston fue criado por su padre, Marley por su madre. Más tarde, el padre de Bunny, Thaddeus «Toddy» Livingston, vivió con la madre de Bob Marley, Cedella Booker, y tuvo una hija llamada Pearl Livingston. Peter Tosh tuvo un hijo, Andrew Tosh, con otra de las hermanas de Wailer, Shirley, convirtiendo a Andrew en su sobrino. 

Bunny pasó por una audición para Leslie Kong en Beverley’s Records en 1962, casi al mismo tiempo que Bob Marley estaba grabando «Judge Not». La primera composición de Bunny, «Pass It On», estaba más orientada al ska. Llegó tarde a la escuela y se perdió la audición. Unos meses más tarde, en 1963, formó The Wailing Wailers con Marley y su amigo Peter Tosh, más Junior Braithwaite y Beverley Kelso. Bunny cantaba la voz principal con menos frecuencia que Marley y Tosh pero cuando Bob Marley se fue de Jamaica en 1966 a Delaware en los Estados Unidos, y fue reemplazado brevemente por Constantine «Vision» Walker, Wailer comenzó a grabar y cantar la voz principal en algunas de sus propias composiciones como «Who Feels It Knows It», «I Stand Predominant» y «Sunday Morning». En 1967, grabó «This Train», basado en un estándar del góspel en Studio One. Ese año fue arrestado por posesión de cannabis y cumplió una sentencia de prisión de 14 meses. Por esta época, Bunny, Bob y Peter firmaron un acuerdo de grabación exclusivo con JAD Records y un acuerdo de distribución exclusiva con la editorial musical Cayman Music. 

Como los Wailers cambiaron regularmente de productores a finales de la década de los sesenta, Bunny Wailer siguió siendo infrautilizado como compositor y vocalista principal, aunque era parte clave en las armonías distintivas del grupo. Cantó la voz principal en «Dreamland» (una versión de «My Dream Island» de El Tempos), «Riding High», «Brainwashing», entre otras. En 1971, grabó la versión original de «Pass It On», que fue lanzada en dubplate y que no fue ampliamente conocida hasta que apareció en la compilación «Original Cuts» de JAD muchos años después.  En 1973, cada uno de los tres Wailers fundadores operaba en su propio sello, Marley con Tuff Gong, Tosh con H.I.M. Intel Diplo y Bunny Wailer con Solomonic. Cantó la voz principal en «Reincarnated Souls», la cara B del primer sencillo de la nueva era en Island de los Wailers, y en dos temas del último LP del trío de los Wailers, «Burnin ‘», «Pass it On» y «Hallelujah Time». Por otra parte, grababa sencillos a su nombre con «Searching For Love», «Life Line», «Bide Up», «Arab Oil Weapon», etc. 

Bunny Wailer estuvo de gira con los Wailers en Inglaterra y Estados Unidos, pero pronto se mostró reacio a salir de Jamaica. Bunny y Tosh se alejaron del grupo de Bob Marley a medida que los Wailers lograron el éxito internacional, y la atención se centró cada vez más en Marley. Wailer dejó a los Wailers en 1973 para seguir una carrera en solitario después de negarse a hacer una gira cuando Chris Blackwell quería que los Wailers hicieran una gira por clubes de los Estados Unidos, afirmando que estaba en contra de sus principios Rastafari. En 1981 fallece Bob Marley a consecuencia del cáncer y en 1987 asesinaron a Pete Tosh durante un robo en su casa. 

Después de dejar los Wailers, experimentó con la música disco en su álbum “Hook Line & Sinker”, mientras que en “Sings the Wailers” reelaboró muchas de las canciones de The Wailers con el respaldo de Sly Dunbar y Robbie Shakeaspeare, en plan más dancehall /rocker. 

Bunny Wailer ganó el premio Grammy al Mejor Álbum de Reggae en 1991 por “Time Will Tell: A Tribute to Bob Marley”. También apareció en el álbum “True Love” de Toots and the Maytals, que ganó el premio Grammy en 2004 al Mejor Álbum de Reggae. En 2012 se anunció que Bunny Wailer recibiría el quinto honor más alto de Jamaica, la Orden de Jamaica. En 2016, realizó una gira de un mes de duración ‘Blackheart Man’ para celebrar el 40 aniversario de su álbum de 1976. En octubre de 2017, el gobierno de Jamaica le otorgó la Orden del Mérito, el cuarto honor más alto de la nación. En noviembre de 2019, Wailer recibió un premio Pinnacle en Nueva York de la Coalition to Preserve Reggae. En octubre de 2018, sufrió un derrame cerebral leve que le provocó problemas del habla. En 2020 padeció un infarto que debilitó más aún su estado de salud. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Soul Rebel en dos versiones. La primera en la interpretación de The Wailers. La segunda fue una producción realizada en 2019 se grabó Soul Rebel como una Canción Alrededor del Mundo, con Bunny Wailer; Bushman; Manu Chao; y la participación de varios artistas, entre ellos Carlton Santa Davis; Rass Brass Extension; Lopaka Colon Jr.; Claire Finley; Twanguero; Aziz Boussetta; Playing For Change; Sean Pow Diedrick; Bernardo García; Los Pinguos; Dean Fraser.  

Tom Lehrer

Thomas Andrew Lehrer, más conocido como Tom Lehrer, nació en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, el 9 de abril de 1928, y murió en Cambridge, Massachusetts, el 26 de julio de 2025. Cantautor, compositor, letrista, físico teórico, matemático y profesor universitario. 

El sitio www.wikitree.com publicó este recordatorio. 

Thomas Andrew Lehrer fue un músico, cantautor, satírico y matemático estadounidense. 

Primeros años de vida 

Thomas Andrew Lehrer nació el 9 de abril de 1928 en la ciudad de Nueva York, el primer hijo de Morris James Lehrer, un exitoso fabricante de corbatas, y Anna (Waller) Lehrer . Ambos padres eran de ascendencia ruso-judía. 

En 1930, Tom, de un año de edad, vivía con sus padres en un edificio de apartamentos en la calle 86 Este de Manhattan, junto con una enfermera interna llamada Alma Butty, originaria de Alemania. En 1940, los Lehrer se mudaron a un apartamento de lujo en Park Avenue. Tom, que entonces tenía 11 años, tenía un hermano menor, Barry. La familia empleaba a una cocinera, Johanna Gaertner, y a una camarera, Bertha Lolzer, ambas inmigrantes alemanas.  

Tom Lehrer demostró un talento intelectual y musical extraordinario desde temprana edad. Comenzó a tomar clases de piano clásico a los siete años, pero pronto mostró un mayor interés por la música popular de la época. Al reconocer su entusiasmo, su madre le consiguió clases con un profesor especializado en música popular, lo que le permitió explorar el jazz, las canciones de musicales y las canciones humorísticas; géneros que más tarde influirían en sus composiciones satíricas. 

Fuera del ámbito académico, Tom pasó varios veranos en el Campamento Androscoggin en Maine, primero como campista y luego como monitor. Años después, uno de sus campistas sería el futuro compositor de Broadway Stephen Sondheim. 

La capacidad académica de Lehrer lo distinguió como un niño prodigio. Adelantó dos cursos y asistió a la prestigiosa escuela Horace Mann en Riverdale, una reconocida escuela preparatoria en el Bronx. Para sus últimos años de secundaria, se trasladó a la escuela Loomis (ahora Loomis Chaffee) en Windsor, Connecticut, donde se graduó en 1943, con tan solo 15 años. Ese mismo año, fue admitido en la Universidad de Harvard. 

Lehrer se graduó de Harvard con una licenciatura en matemáticas, con honores (magna cum laude), en 1946. Obtuvo su maestría al año siguiente y fue admitido en la sociedad honorífica Phi Beta Kappa. En 1950, con tan solo 22 años, fue inscrito en las residencias estudiantiles de Harvard College. Lehrer permaneció en el programa de doctorado de Harvard durante varios años, dedicando también tiempo a su carrera musical. 

Inicios de su carrera musical 

Lehrer comenzó a componer canciones satíricas a principios de la década de 1950 como una forma de entretenimiento privado para sus amigos mientras cursaba estudios de posgrado en matemáticas en Harvard. Su ingenioso juego de palabras y su humor irreverente pronto captaron la atención local, y comenzó a interpretar estas canciones en público en cafés y pequeños locales de Cambridge, Massachusetts. Siendo aún estudiante de posgrado, compaginaba sus actuaciones con sus obligaciones académicas, que incluían estudiar y dar clases en Harvard, y finalmente obtuvo una maestría en matemáticas. 

En 1950, Lehrer ofreció su primer concierto público en el Teatro Sanders de Cambridge. El 22 de enero de 1953, grabó Songs by Tom Lehrer en una sola sesión de una hora en el estudio TransRadio de Boston, pagando 15 dólares por la grabación. La primera edición constó de tan solo 400 copias. Debido a la naturaleza controvertida de su material, no pudo conseguir difusión radiofónica, por lo que Lehrer distribuyó el álbum por su cuenta, vendiendo copias a mano en Harvard por 3 dólares y a través de tiendas y quioscos locales. 

El álbum incluía canciones como «I Wanna Go Back to Dixie», «Fight Fiercely, Harvard», «Be Prepared», «Lobachevsky» y «The Elements», entre otras. Muchas de estas composiciones se inspiraban en la formación de Lehrer en las tradiciones clásicas y del teatro musical, a la vez que parodiaban las tendencias y los temas sociales contemporáneos. Su música hacía referencia a la guerra nuclear, la discriminación institucional y la sátira académica, presentadas en ingeniosas formas líricas como canciones de ritmo rápido, valses y marchas. Aunque las grabaciones no se promocionaron comercialmente, el boca a boca y el interés de los medios de comunicación propiciaron una creciente popularidad a nivel nacional. 

Durante toda la década, Lehrer continuó actuando y componiendo canciones. En octubre de 1954, se presentó en clubes nocturnos de Boston, donde su repertorio en vivo incluía canciones de actualidad como "The Subway Song". A medida que el interés por su obra se extendía más allá de Estados Unidos, la reputación de Lehrer se vio impulsada por una mención inesperada en un discurso de 1957 de un profesor de la Universidad de Londres, quien lo nombró como uno de los favoritos de la princesa Margarita. Este comentario despertó gran curiosidad por su música en el Reino Unido, y en 1958, su álbum debut encontró distribución comercial en Gran Bretaña. Ese mismo año, la BBC prohibió la emisión de diez de las doce canciones, lo que, sin querer, aumentó aún más la demanda de sus grabaciones entre estudiantes y aficionados al humor. 

En 1959, Lehrer lanzó dos álbumes más: More of Tom Lehrer, una grabación de estudio, y An Evening Wasted with Tom Lehrer, grabado en directo. Ambos álbumes incluían material nuevo, como «We Will All Go Together When We Go» y «Poisoning Pigeons in the Park». Estos lanzamientos consolidaron la popularidad de culto de Lehrer a ambos lados del Atlántico. A finales de la década, sus discos autodistribuidos habían vendido más de 370.000 copias. 

Servicio militar 

Lehrer fue reclutado por el Ejército de los Estados Unidos en 1955, a los 27 años, durante la Guerra Fría. A pesar de tener una maestría en matemáticas, no fue nombrado oficial, sino que sirvió como soldado raso. Alcanzó el rango de Especialista de Tercera Clase, un rango que él mismo describió como el de un «cabo sin rango». 

Lehrer fue asignado a la Agencia de Seguridad Nacional (NSA), que en aquel entonces era tan hermética que su propia existencia era información clasificada. Por ello, Lehrer y otros en puestos similares solían usar su vinculación con la investigación de armas nucleares como tapadera cuando se les preguntaba sobre sus asignaciones. Los detalles de sus funciones en la NSA siguen sin revelarse, pero Lehrer confirmó posteriormente que su trabajo allí implicaba asuntos de inteligencia delicados. 

Lehrer finalizó su servicio militar en 1957 y regresó a sus estudios de matemáticas a tiempo completo en Harvard. 

Regresar a la música 

En 1960, Lehrer se retiró en gran medida de los escenarios en Estados Unidos, aunque siguió activo internacionalmente. Ese mismo año, realizó una gira por Australia y Nueva Zelanda, ofreciendo 33 conciertos, donde sus espectáculos generaron una mezcla de entusiasmo y controversia debido a sus letras con contenido político. 

Durante la primera mitad de la década de 1960, Lehrer se dedicó a componer canciones de actualidad y de índole política para televisión. Fue el principal compositor de la versión estadounidense de That Was The Week That Was, un programa de noticias satírico. 

En 1965, publicó el álbum en directo That Was the Year That Was, que incluía canciones sobre temas contemporáneos como las relaciones raciales ("National Brotherhood Week"), la reforma educativa ("New Math"), la contaminación ("Pollution"), el intervencionismo estadounidense ("Send the Marines") y las tensiones de la Guerra Fría ("Who's Next?" y "MLF Lullaby"). 

En 1966, Lehrer contribuyó con canciones pregrabadas a The Frost Report, una serie de televisión de la BBC presentada por David Frost. Sus segmentos, aunque no eran semanales, estaban adaptados a la temática del programa e incluían material exclusivo, como una parodia de "That is the End of the News" de Noël Coward y una canción cómica sobre la inminente transición de Gran Bretaña al sistema monetario decimal. 

También en 1966, Lehrer firmó un acuerdo de distribución con Reprise Records, que lanzó That Was the Year That Was y reeditó sus grabaciones anteriores, incluyendo una versión estéreo de Songs by Tom Lehrer. Lehrer expresó su descontento con las regrabaciones, y estas nunca se publicaron en CD. Sin embargo, los lanzamientos de Reprise tuvieron éxito comercial. Para 1996, las ventas mundiales de sus grabaciones con Reprise habían superado los 1,8 millones de unidades, y That Was the Year That Was había sido certificado disco de oro. 

En 1967, Lehrer realizó una gira por Escandinavia, ofreciendo conciertos en Suecia, Noruega y Dinamarca. Ese mismo año, compuso e interpretó canciones originales para «The Dodge Rebellion Theatre Presents Ballads for '67», un cortometraje promocional para los concesionarios de automóviles Dodge. También intentó, sin éxito, adaptar «Sweeney Todd» para Broadway, colaborando brevemente con el compositor Joe Raposo. 

Carrera docente 

A finales de la década de 1960, la actividad musical pública de Lehrer disminuyó considerablemente. Sus canciones siguieron teniendo relevancia cultural, pero el propio Lehrer comenzó a alejarse de los escenarios, preparando el terreno para una retirada discreta y gradual del mundo del espectáculo en la década siguiente. 

Desde 1962, impartió clases de matemáticas en el departamento de ciencias políticas del MIT. En 1972, se unió al profesorado de la Universidad de California, Santa Cruz, principalmente para escapar de los duros inviernos de Nueva Inglaterra. Allí, impartió un curso introductorio titulado "La naturaleza de las matemáticas" para estudiantes de humanidades, al que apodó con humor "Matemáticas para tenores". 

En 1972, Lehrer realizó las que serían sus últimas actuaciones públicas durante varias décadas, participando en la campaña presidencial del senador estadounidense George McGovern durante una gira de recaudación de fondos. Estos eventos marcaron el final de su participación en las presentaciones en vivo, aunque contribuyó a la programación educativa, escribiendo diez canciones originales para la serie infantil de PBS The Electric Company, que se emitió entre 1971 y 1977. Sus obras satíricas cobraron nueva vida a finales de la década de 1970 cuando se convirtieron en segmentos habituales del programa de radio de distribución nacional Doctor Demento Show, lo que ayudó a consolidar su estatus de figura de culto para una nueva generación de oyentes. 

Después de 1980, Lehrer llevó una vida alejada del ojo público, dedicándose a la docencia y a sus intereses personales. Continuó impartiendo clases de matemáticas en la Universidad de California, Santa Cruz, hasta su jubilación en 2001. Sus cursos abarcaban no solo matemáticas, sino también teatro musical e incluso un popular curso sobre "La naturaleza de las matemáticas", que contribuyó a que las matemáticas fueran más accesibles para los estudiantes de humanidades. 

Últimos años 

En 2001, Lehrer impartió su última clase de matemáticas, centrada en el tema del infinito, y posteriormente se retiró de la docencia. Continuó residiendo en la zona, manteniendo casas tanto en Santa Cruz como en Cambridge, Massachusetts. 

En octubre de 2020, Lehrer fue noticia en los ámbitos musical y académico al anunciar que liberaría todas sus letras y música al dominio público. Declaró que ya no tenía interés en gestionar los derechos de su obra y animó a otros a usar y compartir libremente sus canciones. Aunque la obra de Lehrer es relativamente pequeña, compuesta por unas tres docenas de canciones y algo más de 100 actuaciones en directo, logró un número significativo y duradero de seguidores tanto en Estados Unidos como en el extranjero. 

Lehrer murió en su casa en Cambridge el sábado 26 de julio de 2025. [8] Lehrer nunca se casó y no tuvo hijos. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Poisoning Pigeons In The Park.