viernes, 30 de enero de 2026
Ruth Brown
Ruth Alston Weston, más conocida como Ruth Brown, nació en Portsmouth, Virginia, Estados Unidos, el 30 de enero de 1928, y murió en Henderson, Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 17 de noviembre de 2006. Cantante, compositora y actriz.
El sitio www.missrhythm.net publicó su biografía.
Ruth Brown “Miss Rhythm”, la reina del R&B
Antes de Etta James, Aretha Franklin, Tina Turner o Beyoncé, estuvo Ruth Brown, la legendaria cantante de rhythm and blues conocida como "Miss Rhythm". Fue un ícono del R&B de los años cincuenta y una célebre estrella del teatro, el cine, la televisión y la radio. Su intrépida defensa de los derechos de los músicos y la reforma de las regalías condujo a la formación de la Fundación Rhythm and Blues. Conocida por sus éxitos número uno "Mama He Treats Your Daughter Mean", "Teardrops From My Eyes" y "5-10-15 Hours", Ruth Brown fue fundamental para moldear el sonido de la música moderna y sentar las bases para las futuras generaciones de artistas femeninas. Su potente voz, su atrevido chillido y sus dinámicas interpretaciones le dieron a Atlantic Records un éxito mundial en la década de 1950, que el sello discográfico era conocido como "¡La casa que Ruth construyó!".
Nacida en Portsmouth, Virginia, en 1928, Brown comenzó a cantar en la iglesia, actuando en concursos de talentos locales y, finalmente, cantando en espectáculos de la USO y clubes nocturnos contra la voluntad de su padre. Tras ganar una noche amateur en el Teatro Apollo de Harlem en 1948, Brown fue contratada por el popular líder de big band Lucky Millender. Mientras estaba de gira con Millender, Brown fue despedida y se quedó varada en Washington, D.C., sin dinero. Para sobrevivir, Brown comenzó a cantar en un club local, donde la personalidad de la radio Willis Conover la escuchó tocar con la banda de Duke Ellington. Conover recomendó a Brown a Ahmet Ertegun y Herb Abramson, dueños del incipiente sello discográfico Atlantic Records, que necesitaban un nuevo talento. De camino a Nueva York para firmar su contrato con Atlantic, Brown sufrió lesiones graves en un accidente automovilístico que la hospitalizó durante un año. Ertegun y Abramson apoyaron a Brown, y ella pronto les devolvió la lealtad con su primer éxito, "So Long", en 1949, seguido de su éxito número uno en 1950, "Teardrops from My Eyes", que se mantuvo en el primer puesto durante 11 semanas en las listas Billboard de R&B. Entre 1949 y 1955, los discos de Brown se mantuvieron en las listas de R&B durante un total de 149 semanas; llegaría a alcanzar 21 éxitos en el Top 10, incluyendo cinco que alcanzaron el número uno.
Durante la década de 1960, Brown desapareció de la vista pública y vivió como ama de casa y madre.
Después de una considerable cantidad de lucha, Brown regresó a la música en 1975 a instancias del comediante Redd Foxx. Él ayudó a relanzar su carrera con una serie de apariciones en televisión en su exitoso programa de televisión Sanford and Son. La notable segunda fase de la carrera de Brown la vio brillar de nuevo en la televisión, el cine y el teatro. En 1987 protagonizó el musical de Allen Toussaint "Stagger Lee" y en 1989 ganó un Premio Tony a la Mejor Actriz en el musical "Black and Blue". Brown se ganó el cariño de toda una nueva generación de fanáticos por su interpretación de Motor Mouth Mabel Stubbs en la película clásica de culto de John Waters "Hairspray" y como presentadora del popular programa de radio de NPR "Blues Stage". La lucha de Brown por los derechos y regalías de los músicos condujo a la fundación de la Rhythm and Blues Foundation en 1988 y fue una de las primeras receptoras en 1989 del Premio Pionero de la Fundación. También en 1989, Brown ganó un Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz por su álbum "Blues and Broadway", fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993. Brown también recibió el Premio Grammy a la trayectoria en 2016 y fue incluida en el Salón de la Fama Nacional del Rhythm & Blues en 2017.
Ruth Brown falleció en Las Vegas, Nevada, el 17 de noviembre de 2006, a la edad de 78 años. El 22 de enero de 2007 se celebró un concierto en su memoria en la histórica Iglesia Bautista Abisinia de Harlem para celebrar su vida y su legado. Ruth Brown es la definición de una pionera musical con su sonido con un fuerte ritmo y un estilo vocal atrevido. La fabulosa Miss Rhythm abrió nuevos caminos y fue una artista revolucionaria. Su legado vivirá para siempre en su música, sus actuaciones y su defensa de artistas y músicos que no fueron justamente compensados por la industria musical. En 2023, la obra "Miss Rhythm, "La leyenda de Ruth Brown", se estrenó con gran éxito de crítica en Denver, Colorado. El patrimonio de Ruth Brown está trabajando en varios proyectos que continuarán amplificando su vida y su legado.
No sólo allanó el camino para futuras generaciones de artistas, sino que también luchó incansablemente por los derechos de los músicos y fundó la Rhythm and Blues Foundation para apoyar a sus pares.
jueves, 29 de enero de 2026
Luigi Nono
Luigi Nono nació en Venecia, Italia, el 29 de enero de 1924, y murió en su ciudad, el 8 de mayo de 1990. Compositor, director de orquesta y profesor de música.
El sitio www.pianomundo.com.ar publicó este recordatorio.
Luigi Nono, vida del compositor italiano
Compositor italiano del siglo XX, Luigi Nono nació el 29 de Enero de 1924 en Venecia. Se dedicó principalmente a la música clásica contemporánea. De 1943 a 1945 estudió composición con Gian Francesco Malipiero en el conservatorio de Venecia, donde se puso al tanto con el serialismo musical.
En 1955 se casó con Nuria, la hija de Schöenberg. Llegó a ser un compositor líder de la música vocal, instrumental y electrónica. En 1950 asistió a la “Ferienkurse für neue Musik” en Darmstadt, donde conoció a Edgard Varèse y años después a Karlheinz Stockhausen.
Entre los trabajos de su primer periodo se encuentran: Polifónica-Monódica-Rítmica (1951), Epitafio para Federico García Lorca (1952-1953), La vitorie de Guernica (1954), y Liebslied (1954).
Rechazaba constantemente el enfoque analístico del serialismo musical, actitud que se evidencia en las siguientes composiciones en serie: Incontri (1955), Il canto sospeso (1955-1956) y Cori di Didone (1958).
Nono estaba comprometido con el socialismo. En 1952, se unió al Partido Comunista Italiano. Su música vanguardista fue una sublevación contra la cultura burguesa pues eludió los géneros de concierto más comunes de la época, a favor de la ópera y la música electrónica, e intentó llevar la música a las fábricas. Además, recurría frecuentemente a textos políticos para sus trabajos. Muchos de sus trabajos son políticos: Il canto sospeso (1956), basado en las cartas de las víctimas durante la época opresiva de la guerra, que lo han llevado a la fama internacional; Diario polaco (1958), Intolerancia (1960), La fábrica iluminada (1964), Ricorda cosa ti hanno fatto ad Auschwitz (1966), Non consumiamo Marx (1969), Ein Gespenst geht um in der Welt (1971), Canto para Vietnam (1973) y Al gran sole carico d’amore (1975).
De 1956 en adelante, se fue interesando cada vez más en la música electrónica, primero en el “Elektroakustische Experimentalstudio” en Gravesano. Este género musical se evidencia en los trabajos: Como una ola de fuerza y luz, parasoprano, piano, orquesta y grabador de cinta abierta (1971-1972); Sofferte onde serene, parapiano y grabador de cinta; y especialmente en Al gran sole carico d’amore (entre 1972 y 1975).
Luego de 1980 trabajó en el “Experimentalstudio der Heinrch Strobel-Stiftung des Südwestfunks” en Freiburg. También se interesó en las propiedades del sonido como tal. El nuevo estilo se percibió en sus trabajos posteriores, tales como Quando Stanno Morendeo Diario polacco Nº2 (1982), Guai ai gelidi mostri(1983) y Omaggio a Kurtág (1983), pero principalmente en su última ópera Prometeo (1984).
Con el mismo estilo escribió: Fragmente – Stille, an Diotima (1980), No hay caminos, hay que caminar, Andrei Tarkovski, para 7 grupos instrumentales (1987), La lontananza nostálgica utópica futura para violín y Música electrónica en vivo (1988). Luigi Nono falleció en Venecia, el 8 de Mayo de 1990.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Der rote Mantel, Ballet en tres actos según "El amor de don Perlimplín y Belisa en el jardín", de Federico García Lorca, para soprano, barítono, coro mixto y orquesta, en la versión de Angélica Luz, soprano; Jörg Gottschick, barítono; el Coro de Cámara RIAS y la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín, dirigidos por Peter Hirsch.
miércoles, 28 de enero de 2026
Ana Kiro
María Dolores Casanova González, más conocida como Ana Kiro, nació en Santa María de Castañeda, Arzúa, España, el 28 de enero de 1942, y murió en Oleiros, España, el 24 de septiembre de 2010. Cantante.
El sitio www.esgalicia.gal publicó este recordatorio.
Ana Kiro, la voz y el alma de Galicia, volverá a brillar en la gran pantalla
La Secretaría Xeral da Emigración colabora en un documental que rinde homenaje a la cantante gallega más querida por la diáspora y lanza un llamamiento a la participación ciudadana
23 Apr 2025
La figura inolvidable de Ana Kiro, icono de la música gallega y referente de nuestra cultura dentro y fuera de Galicia, será la protagonista de un nuevo proyecto cinematográfico que busca preservar su memoria y rendirle un homenaje colectivo. El secretario xeral da Emigración, Antonio Rodríguez Miranda, se reunió recientemente con el productor del film, Xavier Font, de la productora Zuzú Cinema, y con la directora María Yáñez para conocer los avances de este largometraje documental para cine.
Durante el encuentro, se abordaron las posibles vías de colaboración con el objetivo de poner en valor la trayectoria y el legado de Ana Kiro, especialmente en el ámbito de la emigración, donde su voz siempre fue refugio y vínculo con la tierra para miles de gallegos y gallegas en el exterior. La Secretaría Xeral da Emigración sumará sus esfuerzos a esta iniciativa, convencida de la importancia de conservar y difundir la memoria colectiva a través de la cultura.
En los próximos días se realizará un llamamiento a toda la ciudadanía gallega, especialmente a los gallegos del exterior, para que participen activamente en este proyecto, que aspira a ser un retrato coral de la artista, pero también de la Galicia que ella cantó, llevó y emocionó por el mundo.
Una vida de lucha, canciones y raíces
Ana Kiro, nacida como María Dolores Casanova González en Castañeda (Arzúa) en 1942, comenzó su carrera musical en Barcelona, venciendo las reticencias familiares y sociales de la época. A los 19 años se casó para poder retomar su pasión por la música, una vocación que había surgido mientras trabajaba en una hilatura y se abría paso en la radio. A los 23 años, ya separada de su primer marido, decidió apostar por completo por su carrera.
Fichó por la discográfica Belter y comenzó a girar con artistas de música ligera, participó en concursos y se hizo conocida gracias al programa televisivo Galas del sábado. Pero fue Galicia la que le dio raíz, inspiración e identidad. En 1973, con el tema “Galicia, terra meiga” –una adaptación de Manuel Muñiz–, vendió más de 100.000 copias y se mantuvo en listas de ventas por delante de artistas como Julio Iglesias.
Ese éxito la catapultó hacia la emigración: Ana Kiro comenzó a viajar por Europa y América, llevando su música y la lengua gallega a escenarios con miles de asistentes, como aquel histórico concierto en América al que acudieron 24.000 personas, batiendo el récord de Manolo Escobar.
La banda sonora de las romerías gallegas
Durante décadas, Ana Kiro fue sinónimo de fiesta popular, romería y verbena en Galicia. Con más de 30 discos publicados y una media de 100 conciertos al año hasta 1999, su repertorio se convirtió en parte esencial del alma gallega. Su cercanía, su autenticidad y su entrega la convirtieron en una figura querida por generaciones enteras.
En 1995 recibió un homenaje televisado en A Coruña, y en los años siguientes se incorporó a la Televisión de Galicia con programas como Toda unha vida o Tardes con Ana. Incluso dio el salto a la interpretación como protagonista de la serie A miña sogra e mais eu.
En 2006 fue diagnosticada con cáncer de ovarios. Aunque reapareció en 2007 en el programa Volver ao rego, falleció el 24 de septiembre de 2010. Su funeral congregó a decenas de personas y fue despedida con dos especiales de la TVG que lograron audiencias históricas, confirmando que su legado sigue muy vivo.
Un documental para recordar quiénes somos
Este nuevo documental aspira a ser más que una biografía audiovisual. Es un homenaje compartido, una reconstrucción emocional que unirá testimonios, recuerdos y vivencias de quienes la escucharon, la conocieron o se emocionaron con su voz en cualquier rincón del mundo.
La Secretaría Xeral da Emigración invita a todos los gallegos y gallegas del exterior a formar parte de este tributo colectivo. Porque recordar a Ana Kiro es recordar quiénes somos. Es ponerle música al sentimiento de pertenencia. Es mantener viva la llama de una mujer que fue, es y será siempre Galicia cantada.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Xuntanza Galega.
Sefaradíes de Ámsterdam
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Sinagoga Portuguesa de Ámsterdam |
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta SEFARDÍES DE ÁMSTERDAM Expulsados de España en 1492, Fundaron Nueva York en 1654 y Volvieron en 2024. La historia oculta de los judíos sefardíes expulsados de España en 1492: cómo construyeron una nueva Sefarad en Ámsterdam, cómo fundaron la primera comunidad judía de Nueva York en 1654, y cómo sobrevivieron al Holocausto manteniendo vivo el ladino (judeoespañol) durante 500 años. Descubrimos cómo guardaron las llaves de sus casas de Toledo y Sevilla durante siglos, cómo el Edicto de Granada de los Reyes Católicos cambió sus vidas para siempre, cómo la sinagoga portuguesa de Ámsterdam (Esnoga) se convirtió en símbolo de resistencia cultural, y cómo en 2015 la Ley de Nacionalidad Española finalmente les permitió volver. Historia real de exilio, resistencia y memoria: desde la Inquisición hasta el Holocausto, desde la expulsión hasta el retorno imposible. Ideal para quienes aman la historia de España, la historia judía, la cultura sefardí y las historias reales de supervivencia.
martes, 27 de enero de 2026
Eduard Künneke
Eduard Künneke nació en Emmerich, Renania del Norte-Westfalia, Alemania, el 27 de enero de 1885, y murió en Berlín, Alemania, el 27 de octubre de 1953. Compositor, pianista y director de orquesta.
El sitio www.tobias-broeker.de publicó este recordatorio.
Eduard Künneke
Eduard Künneke nació el 27 de enero de 1885 en Emmerich (Alemania). Desde pequeño sintió fascinación por la música. Su padre le enseñó a leer notas y, gracias a ello, aprendió a tocar el piano de casa, principalmente de forma independiente. Posteriormente, recibió clases de piano de su madre y, a los 8 años, de un profesor de piano profesional. Además, el joven Eduard Künneke estudió partituras y libros de teoría musical para componer su propia música. Sentía debilidad por la música orquestal y asistía siempre que podía a los conciertos de la banda militar del pueblo vecino, Kleve. Durante sus años escolares en el Gymnasium, Eduard Künneke se convirtió en el director de la orquesta escolar, compuso la ópera completa "Blancanieves" con el libreto de un compañero a los 15 años y escribió más música bajo el seudónimo "E. v. Rigdmar" (seudónimo que nunca volvió a utilizar). Para su propia ceremonia de graduación, compuso otra ópera completa, "Sócrates", en 1903. Ambas obras quedaron sin estrenar debido a ciertas circunstancias, pero ya mostraban la trayectoria musical de Eduard Künneke. Tras sus años escolares, Eduard Künneke se trasladó a Berlín y estudió piano, teoría musical y contrapunto en la Real Academia de Bellas Artes. En 1906 fue aceptado en la clase magistral de Max Bruch, a la que asistió durante un año. En 1907, Eduard Künneke abandonó la universidad sin graduarse porque tenía que buscar trabajo y ganarse la vida. Primero trabajó como maestro de capilla en el Theater am Schiffbauerdamm y, en 1911, en el Deutsches Theater, bajo la dirección de Max Reinhardt. Tras la Primera Guerra Mundial, Eduard Künneke se centró cada vez más en su carrera como compositor y produjo principalmente operetas. Su salto a la fama internacional llegó con la opereta "Der Vetter aus Dingsda" en 1921. En los años siguientes, Eduard Künneke también intentó iniciar una carrera en Estados Unidos, pero fracasó y regresó a Alemania en 1926. A principios de la década de 1930, algunas de sus operetas tuvieron cierto éxito, pero Eduard Künneke, como compositor, se volvió cada vez más anticuado. Con el ascenso del régimen nazi, la situación empeoró porque su esposa no era aria. Sin embargo, el éxito y la importancia de "Der Vetter aus Dingsda" salvaron a Eduard Künneke de importantes restricciones, e incluso fue incluido en la lista de los Gottbegnadeten en 1944. Tras la Segunda Guerra Mundial, Eduard Künneke no tuvo la energía para revitalizar su carrera y enfermó gravemente en sus últimos años. Eduard Künneke falleció el 27 de octubre de 1953 en Berlín (Alemania).
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en La Bemol Mayor Op.36, en la versión de Oliver Triendl, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Múnich, dirigida por Ernst Theis.
lunes, 26 de enero de 2026
Aniversario del estreno de la ópera Diálogos de Carmelitas, de Francis Poulenc
Diálogos de las carmelitas, título original en francés, Dialogues des Carmélites, es una ópera en tres actos con música de Francis Poulenc y libreto en francés del propio compositor y Emmet Lavery, basado en el texto teatral homónimo de Georges Bernanos, quien a su vez se inspiró en la novela La última del patíbulo o La última en el cadalso, de Gertrud von le Fort. La ópera se estrenó en el Teatro La Scala de Milán el 26 de enero de 1957. En esa oportunidad fue cantada en italiano.
El estreno de la versión original en francés tuvo lugar el 21 de junio de 1957, en el Théâtre National de l'Opéra de París, la actual Ópera Nacional de París, con Denise Duval, Régine Crespin y Rita Gorr.
La ópera está basada en los trágicos sucesos que culminaron con la muerte en la guillotina de 16 religiosas, de la comunidad de las carmelitas de la ciudad de Compiègne, el 17 de julio de 1794, durante la Revolución francesa.
Una de las monjas, la madre María de la Encarnación, pudo escapar de la persecución y escribió un relato de los hechos, el cual inspiró a la escritora alemana Gertrud von Le Fort, y que escribió en 1931 la novela Die Letzte am Schafott, o La última del patíbulo. Las dieciséis monjas mártires fueron beatificadas por el papa Pío X, en 1906.
El argumento se desarrolla en París y el convento Carmelita en Compiègne, entre 1789 y 1792.
Acto I
Blanche de la Force, joven aristócrata patológicamente tímida, decide, ante los continuos tumultos de la Revolución francesa, retirarse del mundo e ingresar en un convento. La anciana priora le advierte que la orden carmelita no es un refugio, sino que las monjas tienen el deber de guardar la Orden, sin buscar ningún otro camino. En el convento, la alegre sor Constance le dice a Blanche, y para su gran consternación, que ha tenido un sueño en el que ellas dos morían juntas y dentro de poco tiempo. La priora, que está agonizando, encomienda a Blanche a la madre Marie; se siente aterrorizada ante su próxima muerte, y grita en su delirio que, a pesar de los largos años que ha dedicado a Dios, Él la ha abandonado. Blanche y la madre Marie quedan impresionadas por la muerte de la anciana priora.
Acto II
Constance y Blanche hablan de la muerte de la priora, comentándole Constance que tanto miedo a morir en la anciana le pareció indigno de ella. El hermano de Blanche, el caballero de la Force, llega para comunicarle que su padre considera que debe dejar el convento, ya que allí no estará protegida, al ser un miembro de la nobleza y además del clero. Pero Blanche lo rechaza, alegando que ha encontrado la felicidad en la orden carmelita. Más tarde, ella admite ante la madre Marie que es el miedo, o el miedo al miedo, como dice su hermano, lo que la impide marcharse. El capellán anuncia que han prohibido que predique, al no haber jurado la constitución civil del clero. Las monjas comentan que es el Terror lo que ahora rige el país, y nadie se atreve a defender a los sacerdotes. La hermana Constance se pregunta si no quedan hombres que puedan defender el país, a lo que la nueva priora le contesta que allí donde faltan sacerdotes, los mártires sobreabundarán. La madre Marie dice que sólo los mártires salvarán a Francia, pero la madre priora la corrige: no pueden ser mártires voluntariamente; el martirio es un regalo de Dios. Entra el comisario 1.º y anuncia que la Asamblea Legislativa ha nacionalizado el convento y sus propiedades, y que las monjas deben abandonar sus hábitos. Cuando la madre Marie consiente, el oficial la insulta por estar tan impaciente por vestirse como el resto de las personas. Ella le replica que las monjas seguirán sirviendo, vistan como vistan. “El pueblo no necesita criados”, proclama el oficial con altanería. “No, pero tiene gran necesidad de mártires”, responde la madre Marie. “En tiempos como los actuales, la muerte no es nada”, dice él. “La vida no es nada”, contesta ella, “cuando está tan degradada”.
Acto III
En ausencia de la nueva madre superiora, la madre Marie propone que las monjas elijan el martirio. Sin embargo, todas deben estar de acuerdo, o la madre Marie no insistirá. Hay un voto secreto que disiente del martirio, y la hermana Constance dice que es ella quien ha votado en contra del martirio, y que ahora ha cambiado de opinión. Blanche escapa del convento. La madre Marie la encuentra en la biblioteca de su padre. Su padre ha sido guillotinado y han obligado a Blanche a servir a sus antiguos criados. Detienen a todas las monjas y las condenan a muerte. La madre Marie se encontraba lejos. El capellán le dice a la madre Marie que no puede contradecir a Dios y dirigirse voluntariamente al martirio uniéndose a los demás en prisión. Las monjas suben al cadalso cantando Salve Regina, con dignidad y sin temor. En el último momento, Blanche, que estaba escondida entre la multitud, aparece, ante la alegría de Constance. Pero ella también sube a la guillotina, mientras canta los últimos versos del Veni Creator: Deo Patri sit gloria, / Et Filio, qui a mortuis / Surrexit, ac Paraclito / In saeculorum saecula....
domingo, 25 de enero de 2026
Shalom – Traducir la memoria del Holocausto
Shalom – Traducir la memoria del Holocausto
En el programa abordamos el trabajo de Ediciones Báltica en la difusión de obras fundamentales sobre el Holocausto y la memoria histórica. Destaca la labor de la traductora Katarzyna Olszewska, cuya tarea permite que testimonios y relatos esenciales lleguen al público en español.
Hacé click en el enlace para ver el programa.
https://www.rtve.es/play/videos/shalom/traducir-memoria-del-holocausto/16908986/
Etta James
Jamesetta Hawkins, más conocida como Etta James, nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 25 de enero de 1938, y murió en Riverside, California, California, Estados Unidos, el 20 de enero de 2012. Cantante.
El sitio www.biography.com publicó este recordatorio.
Etta James
Etta James es una cantante ganadora del premio Grammy conocida por canciones exitosas como "I'd Rather Go Blind" y "At Last".
1938-2012
¿Quién fue Etta James?
Etta James fue una prodigio del gospel. En 1954, se mudó a Los Ángeles para grabar "The Wallflower". Para 1960, su carrera había comenzado a despegar, en gran parte gracias a canciones como "I'd Rather Go Blind" y "At Last". A pesar de sus continuos problemas con las drogas, recibió una nominación al Grammy por su álbum homónimo de 1973. En 2006, lanzó el álbum All the Way. James falleció en Riverside, California, el 20 de enero de 2012, y sigue siendo considerada una de las cantantes más dinámicas de la música.
Primeros años de vida
James nació como Jamesetta Hawkins el 25 de enero de 1938 en Los Ángeles, California, de una madre de 14 años, Dorothy Hawkins, quien animó la carrera musical de su hija. James diría más tarde: «Mi madre siempre me decía que, aunque una canción se haya interpretado mil veces, puedes aportarle algo propio. Me gustaría pensar que yo lo hice». James nunca conoció a su padre.
A los 5 años, James era conocida como una prodigio del gospel, alcanzando fama cantando en el coro de su iglesia y en la radio. A los 12, se mudó al norte, a San Francisco, donde formó un trío y pronto trabajó para el líder de la banda Johnny Otis. Cuatro años después, en 1954, se mudó a Los Ángeles para grabar "The Wallflower" (un título más suave para la entonces atrevida "Roll with Me Henry") con la banda de Otis. Fue ese año que la joven cantante se convirtió en Etta James (una versión abreviada de su nombre de pila) y su grupo vocal se apodó "The Peaches" (también el apodo de Etta). Poco después, James lanzó su carrera en solitario con éxitos como "Good Rockin' Daddy" en 1955.
Mitad de carrera
Tras firmar con Chess Records de Chicago en 1960, la carrera de James despegó. Entre sus éxitos más destacados se encontraban duetos con su entonces novio Harvey Fuqua, la conmovedora balada "All I Could Do Was Cry", "At Last" y "Trust in Me". Pero el talento de James no se limitaba a las baladas potentes. Sabía cómo hacer vibrar a la gente, y lo hizo con temas cargados de gospel como "Something's Got a Hold On Me" en 1962, "In The Basement" en 1966 y "I'd Rather Go Blind" en 1968.
James continuó trabajando con Chess durante la década de 1960 y principios de la de 1970. Lamentablemente, la adicción a la heroína afectó tanto su vida personal como profesional, pero a pesar de sus continuos problemas con las drogas, persistió en grabar nuevos álbumes. En 1967, James grabó con la banda de Muscle Shoals en los estudios Fame, y la colaboración dio como resultado el exitoso álbum Tell Mama.
El trabajo de James recibió elogios tanto de la crítica como de los fans, y su álbum de 1973, Etta James, recibió una nominación al Grammy, en parte por su creativa combinación de rock y funk. Tras finalizar su contrato con Chess en 1977, James firmó con Warner Brothers Records. Su aparición en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984 le valió una renovada popularidad. Álbumes posteriores, como Deep In The Night y Seven Year Itch, recibieron una gran aclamación de la crítica.
James fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993, antes de firmar un nuevo contrato de grabación con Private Records.
Carrera posterior
Con sugestivas payasadas sobre el escenario y una actitud atrevida, James continuó actuando y grabando hasta bien entrada la década de 1990. Siempre conmovedora, su extraordinaria voz se manifestó con gran impacto en sus recientes lanzamientos privados, incluyendo Blue Gardenia, que alcanzó la cima de la lista de jazz de Billboard. En 2003, James se sometió a una cirugía de bypass gástrico y perdió más de 90 kilos. La drástica pérdida de peso impactó en su voz, como declaró a la revista Ebony ese año. "Puedo cantar más bajo, más alto y más fuerte", explicó James.
Ese mismo año, James lanzó Let's Roll, que ganó el Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo. Sus hijos, Donto y Sametto James, fueron los productores de la grabación, junto con Josh Sklair. Este equipo se reagrupó para su siguiente trabajo, Blues to the Bone (2004), que le valió a James su tercer Grammy, esta vez al mejor álbum de blues tradicional.
En 2006, James lanzó el álbum All the Way, que incluía versiones de canciones de Prince, Marvin Gaye y James Brown. Al año siguiente, participó en un álbum tributo a la gran cantante de jazz Ella Fitzgerald, titulado We Love Ella.
Polémica con Beyoncé
La historia de los inicios de Chess Records se llevó a la gran pantalla con Cadillac Records en 2008, con la cantante Beyoncé Knowles interpretando a James en la película. Knowles también grabó su propia versión de la canción insignia de James, "At Last", para la banda sonora.
Aunque James apoyó públicamente la película, se dice que se molestó cuando Knowles cantó la canción en la ceremonia de investidura del presidente Barack Obama en enero de 2009. Supuestamente, James les dijo a los asistentes al concierto en Seattle en febrero que Knowles "no tenía por qué... cantar la canción que he cantado desde siempre". A pesar de la atención mediática que sus comentarios suscitaron, James no se inmutó por el incidente y continuó con su apretada agenda de actuaciones.
Años posteriores y muerte
Al cumplir los 70, James comenzó a tener problemas de salud. En 2010, fue hospitalizada por una infección sanguínea, entre otras dolencias. Posteriormente se reveló que la legendaria cantante padecía demencia y recibía tratamiento para la leucemia. Sus problemas médicos salieron a la luz en documentos judiciales presentados por su esposo, Artis Mills. Mills intentó obtener el control de un millón de dólares del patrimonio de James, pero fue impugnado por sus dos hijos, Donto y Sametto. Posteriormente, ambas partes llegaron a un acuerdo.
James lanzó su último álbum de estudio, The Dreamer, en noviembre de 2011, el cual recibió excelentes críticas. Unas semanas después, su médico anunció que la cantante tenía una enfermedad terminal. "Está en las últimas etapas de la leucemia. También le han diagnosticado demencia y hepatitis C", declaró la Dra. Elaine James (sin parentesco con la cantante) a un periódico local. Los hijos de James también reconocieron que la salud de Etta estaba empeorando y que recibía atención en su casa de Riverside, California.
James murió en su casa en Riverside, California, el 20 de enero de 2012. Hoy en día, sigue siendo considerada una de las cantantes más dinámicas de la música.
DATOS BREVES
Fecha de nacimiento: 25 de enero de 1938
Estado de nacimiento: California
Ciudad de nacimiento: Los Ángeles
País de nacimiento: Estados Unidos
Signo astrológico: Acuario
Fecha de fallecimiento: 20 de enero de 2012
Estado de la muerte: California
Ciudad de la Muerte: Riverside
CITAS
Mi madre siempre me decía que, aunque una canción se haya interpretado mil veces, aún puedes aportarle algo propio. Me gustaría pensar que yo lo hice.
Cuando actúo, estoy en otro lugar. Retrocedo en el tiempo y me conecto con quien realmente soy. Olvido mis problemas, mis preocupaciones.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con At Last y I'd Rather Go Blind con Doctor John.
sábado, 24 de enero de 2026
Klaus Nomi
Klaus Sperber, más conocido como Klaus Nomi, nació en Immenstadt, Baviera, Alemania, el 24 de enero de 1944, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 6 de agosto de 1983. Contratenor.
El sitio www.prodavinci.com publicó este recordatorio firmado por José Urriola.
Klaus Nomi, el último de los marcianos
por José Urriola / 18/06/2024
«He came from outer space to save the human race».
Creo recordar que tenía doce años cuando una tarde, al regresar de clases, encontré que mi primo José Agustín ‒grandísimo aliado musical‒ me había dejado de regalo sobre la mesita de la sala un casete de VHS donde venía escrito con su hermosa letra «URGH A Music War!». Se trataba de un documental que registraba los conciertos de varios grupos que habían servido de teloneros durante la gira mundial de la banda The Police (liderada por el joven Sting). Por algún capricho del destino (al final, afortunado) aquella cinta no venía rebobinada, así que cuando yo pulsé con esfuerzo la maciza tecla metálica PLAY vi materializarse en pantalla una de las imágenes más fascinantes, extrañas, perturbadoras e inolvidables de mi vida. Aquello era como una ópera mezclada con pop espacial. Daba miedo, daba risa, aquella cosa tenía el aura de lo prohibido. Era algo fabuloso, pero que no se podía compartir con cualquiera. Era, sobre todo, una auténtica marcianada. El artista se llamaba Klaus Nomi, su concierto era en Nueva York y la canción que cantaba «Total Eclipse».
Menos mal que no me oyeron mis padres, pero fue imposible evitar exclamarlo en voz alta: “¿Qué vaina es esta?”. Porque la pregunta al ver a Klaus Nomi era esa: qué es esto. No, quién es. Era un extraterrestre, pero no solo porque así se le veía o se le percibía desde afuera, sino también (sobre todo) porque Klaus Nomi así se proclamaba y se sentía auténticamente. «Parece un alienígena y canta como una diva», eso decían. Algunos aseguran que musicalmente era una mezcla de David Bowie con María Callas, pero podría jurar que semejante mezcla se queda corta.
Carlos Zerpa, el multidisciplinario artista plástico venezolano que hacía su residencia en Nueva York por aquellos tiempos, lo llegaría a conocer en persona:
Decir que fui amigo de Klaus Nomi sería una gran mentira, solo puedo afirmar que nos veíamos en la calle o en los clubes y nos saludábamos con mucha simpatía. Aún no era famoso. Lo recuerdo caminando o montado en su bicicleta por el Village, a comienzos de los años 80, iba de lentes oscuros alargados, con un casco plateado que parecía un platillo volador sobre su cabeza, con los labios y las uñas de las manos pintadas de negro para rematar sus maravillosas indumentarias.
Klaus Sperber (nacido en Immenstadt, Alemania, el 24 de enero de 1944) era un joven alemán, disciplinado, con voz de tenor y habilidades para el falsete, que quería educarse para cantar arias de ópera como sus ídolos. A mediados de los setenta se mudó a Nueva York buscando los horizontes que no encontraba en Berlín. Era un magnífico repostero, con eso se ganaba la vida: elaboraba dulces y pasteles y quienes lo conocieron de cerca aseguran que olía un poco a harina, a horno y azúcar. Que era dulce y callado e incluso «un tipo normal». Un flaco ahí del montón que de pronto se maquillaba, se paraba los pelos con gel, se vestía con plásticos relucientes, se subía a la tarima y ahí era como si viéramos y escucháramos por primera vez cantar a un marciano.
A Klaus Sperber le gustaba la revista OMNI, dedicada a avistamientos de ovnis, contactos extraterrestres, abducciones y todos esos temas que suelen fascinar a ciertos jóvenes y algunos adultos raros negados a crecer (entre los cuales me cuento). Jugando con las letras de «omni» se formó un nuevo apellido. La silueta que proyectaba sobre el telón de fondo cuando lo apuntaba el seguidor, con su puntiagudo corte de cabello y sus anchísimas hombreras, era como la señal de un superhéroe, una especie de batiseñal pero de otro planeta. Así fue como Nomi tuvo también un logo. Todo comenzó como una broma. Un freak cantando ópera pop en un pequeño escenario destinado a bandas punk y new wave. Pero la broma se desbordó y de pronto el pequeño teatro habitado por esa peculiar fauna haciendo tonterías para su propio consumo y regocijo se vio abarrotado por gente de todas partes del mundo que querían ver a la diva venida de Marte: Klaus Nomi.
Había algo en él como de futurismo de los años veinte, los modernos años veinte (los del siglo XX, que estos actuales resultaron más bien decimonónicos), pero también algo atemporal. En Nomi era natural una androginia que iba mucho más allá de lo sexual. La pregunta no era si se trataba de un hombre, una mujer, un hermafrodita o algo fluctuante entre ambos, sino si se trataba de un ser humano.
En palabras de Carlos Zerpa:
Recuerdo claramente a Klaus Nomi, quien llegaba al Hurrah vestido como un pingüino en tela plastificada, en blanco y negro, con una corbata de lazo enorme, como un extraterrestre, como un arlequín andrógino, como una especie de freak fellinesco, con la cara pintada de blanco, corte de pelo entre samurái y galáctico, con su amplia frente y un peinado con tres picos. Todos lo saludaban, comenzaba a hacerse famoso, pero nunca lo vi engreído.
Y entonces un día le llegó a Klaus la llamada de David Bowie. Lo había visto en un club y le encantó su estilo: quería que Nomi fuera su escudero, que apareciera en su presentación del show Saturday Night Live detrás de él, haciéndole los coros y bailando como él sabía. Nomi se emocionó muchísimo, habrá pensado: “aquí fue, a partir de ahora nada será igual”. Y sí, mucha gente en televisión nacional se preguntó quién era ese tipo vestido de negro y maquillado de blanco al lado de Bowie (quien vestía un exagerado esmoquin inspirado en el traje de Tristán Tzara, esa gran figura del dadaísmo, usado en los años treinta; un vestuario que Nomi copiaría para hacerse su propia versión un poco más… extraterrestre). Pero después de esa presentación cantando «The Man Who Sold The World», Bowie no lo llamó más. Y Klaus entristeció.
Sin embargo, había que seguir adelante. Continuar en la brega. Haciendo más pasteles, presentándose en otros shows más modestos, cultivando esa percepción (y autopercepción) de que se trataba del único alienígena con voz de diva en la faz de la Tierra. No sería tan famoso como Bowie, pero la gente necesitaba saber de Klaus Nomi, verlo, escucharlo en directo, hablar con él después de los conciertos, intentar tocar al hombre detrás del marciano. Nomi se aparecía en una limosina pocos minutos antes de su presentación, se apagaban las luces del teatro, entonces aparecía aquella presencia de otro mundo sobre el escenario, dejaba a todos boquiabiertos y sin aliento. Y desaparecía.
Parte fundamental del encanto de los alienígenas radica en el misterio, en que nadie sepa nunca a ciencia cierta de dónde vienen ni a qué vinieron, que incluso la mayoría dude de su existencia, porque quien asegure haberlos visto es porque está un poco loco o miente. Había que alimentar el mito. Todo parecía indicar que sería cuestión de tiempo, el salto de ser una figura de culto a convertirse en una estrella masiva estaba a la vuelta de la esquina.
Pero el mundo no estaba preparado para algo tan raro y tan radical, o al menos no todo el mundo. Así que Nomi se quedó cautivo en ese recóndito acuario de especímenes raros a los que solamente los visitantes más curiosos se dignaban asomarse.
Y así como el mundo a su alrededor no acababa siendo el más acogedor de los planetas, algo por dentro también se iba enrareciendo en el interior de Klaus: ¿sería posible para un marciano como él conseguir pareja? ¿Asuntos como enamorarse y ser correspondido acaso le tocarían alguna vez? Echaba en falta esas cosas. Pero se topaba una y otra vez con gente que solamente quería encuentros casuales con él: una noche (si acaso) o un escarceo furtivo con desconocidos en los muelles durante las madrugadas oscuras. Nadie quería tener de novio a Nomi. Así que la espiral de soledad lo llevaba una y otra vez a enamorarse sin ser correspondido, y a buscar desahogo entre desconocidos del muelle en medio de la oscuridad y la gelidez de la madrugada. Sin prestar mayor atención a los rumores crecientes de que había una enfermedad rara proliferando por allí: «cada vez son más los contagiados, sobre todo la gente como nosotros», le decían los amigos. «No hay ninguna infección que no la controle la penicilina», respondía él. Era una enfermedad para humanos, pensaría Klaus, a los extraterrestres esas cosas no deberían afectarles.
Pero lo que sí le afectaba era la certeza de que, cada día más, era una de las personas más solitarias de la Tierra. De manera que la fama no se dignaba a llegar ni el amor tampoco. Nomi entonces comenzó a reclamar a los únicos que tenía cerca que no había llegado lo lejos que le correspondía por culpa de ellos. El estrellato que se merecía se le había alejado por estar rodeado de aquellos pequeños y estorbosos satélites que orbitaban a su alrededor. Eso tenía que ser, y eso comenzó a transmitirle a quienes lo rodeaban. Hasta que comenzó a deslastrarse de ellos para sustituirlos por gente más profesional; esa fue su apuesta: rodearse de gente que sí supiera lo que hacía, porque esa nueva constelación seguro sí lo llevaría al anhelado estrellato.
De esa manera Nomi consiguió un contrato disquero en París y comenzaría una etapa mejor producida en cuanto a lo musical y también en cuanto a su imagen. Pero, asimismo, esa producción más profesional lo alejaba del concepto original que caracterizaba y servía de aura a todo lo que había propuesto Nomi hasta ahora. Era como una versión más humana, más aterrizada, más en sintonía con las reglas de juego de la industria de este mundo cruel. Entonces vinieron los shows abarrotados en París y las cenas con celebridades y los paparazzis y los videoclips y las giras por Europa y las presentaciones y las entrevistas en programas de la televisión internacional. Y no solo tenía un primer disco editado, sino que en un año ya tenía dos. «Ten cuidado con lo que deseas, se puede convertir en realidad», decía otro de la raza de los dandis flamantes: Oscar Wilde.
Todos pensaban que se trataba del inicio de algo grande. Nadie sospechó que ese momento de gloria se trataba más bien de un final.
A finales de 1982 Klaus Nomi comenzó a sentirse mal. Físicamente mal. La cantidad de antibióticos que tomaba era insólita. Los dolores de garganta y el desgaste de sus cuerdas vocales en cada presentación ameritaba un coctel de fármacos que se inyectaba para evitar de colapsar de dolor y agotamiento. Y una vez más los amigos, los pocos que aún mantenían contacto con él, le aconsejaban que tenía que parar, a lo que él respondía: «No, es mi momento, tengo que seguir adelante».
En las últimas presentaciones que se registraron de Nomi se le ve con un cuello alto y vaporoso, guantes, la piel totalmente cubierta o exageradamente maquillada de blanco: intentaba ocultar unas extrañas lesiones que empezaron a proliferar sobre su piel. Tiempo después se enteraría de que aquellas agresivas manifestaciones cutáneas eran sarcomas de Kaposi. No era mucho lo que se sabía en aquel entonces sobre el SIDA, ni siquiera se le conocía con ese nombre: era una enfermedad que se hacía tristemente célebre bajo el apodo de «cáncer gay». Nomi regresó a Nueva York ya muy enfermo y sus amigos ‒los mismos que hacía poco habían sido rechazados por él‒ se acercaron a saludarlo, pero no sabían cómo hacerlo: ¿se contagiarían con un beso?, ¿el contacto piel con piel acaso les transmitiría la enfermedad? Klaus comenzó a saludarlos tan solo con un gesto delicado y apaciguador con su mano enguantada: “no te preocupes, yo entiendo”.
Cuentan los pocos que lo llegaron a ver, ya postrado en su cama clínica del Memorial Sloan Kettering Cancer Center de Nueva York, que Nomi estaba desfigurado, irreconocible, que se hallaba aterrorizado y provocaba mucho miedo. Murió aislado el 6 de agosto de 1983. Estuvo entre las primeras celebridades en morir de SIDA. Dicen que su final fue el de una ópera desgarrada, como las que tanto le habían inspirado en vida.
Carlos Zerpa recuerda así aquellos días:
Tristemente, en enero de 1983, Nomi se enferma. Los médicos descubrieron que el sistema inmunológico de Klaus había colapsado, la enfermedad que padecía, todavía no era llamada SIDA, fue una de las primeras figuras públicas en morir de esa nueva y fatídica enfermedad, recuerdo su retrato en primera plana del periódico Village Voice en letras azules, anunciaba al mundo su sentida muerte por AIDS. Yo no podía creer que el maravilloso Klaus Nomi había fallecido, fue una muerte que en verdad me dolió mucho. Tenía sus dos discos en vinilo, los había comprado en Tower Records, siempre pensé que un día se los llevaría al Village, para que me los firmara, que lo invitaría a un café cuando lo viera en su bicicleta, pero nunca lo hice.
Y la Tierra siguió su curso y muchos no se acuerdan hoy de Klaus Nomi, pero quienes lo han visto y escuchado comparten la certeza de haber conocido a uno de los artistas más peculiares, a alguien que tenía que provenir de otro espacio, alguien tan único y genuino que tenía que tratarse del último de los de su especie. Seguramente no murió. La gente así se las ingenia para no morirse nunca: simplemente vino a enseñarnos algo, cumplió con su misión, luego se subió a su nave y regresó a casa.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Total Eclipse 1981.
viernes, 23 de enero de 2026
Danny Federici
Daniel Paul Federici, más conocido como Danny Federici, nació en Flemington, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 23 de enero de 1950, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 17 de abril de 2008. Compositor y multi instrumentista, tocaba órgano, acordeón, piano, glockenspiel y sintetizador.
El sitio www.brucespringsteen.net publicó este recordatorio.
Danny Federici Órgano • Teclados • Acordeón • Glockenspiel
¿Qué sería de “4 de julio, Asbury Park (Sandy)” sin el acordeón de Danny? ¿O de “Kitty's Back” sin su solo de órgano? Aunque su semblante tranquilo reflejaba su apodo, “Phantom Dan”, Danny Federici ciertamente no era un músico secundario en la E Street Band.
El nativo de Flemington, Nueva Jersey, nació el 23 de enero de 1950. Inspirado por "The Lawrence Welk Show" a temprana edad, Danny comenzó a tocar el piano y el acordeón y fue un prodigio, ganando "Original Amateur Hour" de Ted Mack. Cuando era adolescente, comenzó a tocar en bandas, interpretando de todo, desde polcas hasta rock 'n roll.
Bruce y Danny se conocieron en 1968 y, junto con Vini "Mad Dog" Lopez, formaron la banda Child. Danny posteriormente permanecería con Bruce a través de todas las primeras bandas del Boss: Steel Mill, Dr. Zoom and the Sonic Boom, Bruce Springsteen Band y, finalmente, E Street Band (como se conoció en 1972, cerca del lanzamiento del primer álbum de Bruce, Greetings from Asbury Park, NJ).
En su inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999, Bruce llamó a Danny "el músico más instintivo y natural" que jamás había conocido.
Además de la E Street Band, Danny colaboró con otros músicos destacados a lo largo de su carrera, como Gary US Bonds, Graham Parker y Garland Jeffreys. También tocó el acordeón y el órgano en el álbum debut de 1982 de la banda de su compañero Steven Van Zandt, Little Steven and the Disciples of Soul.
Durante la gira Magic de 2007, Danny anunció su lucha contra el melanoma y abandonó la gira para recibir tratamiento. Aunque gravemente enfermo, Danny se reincorporó a la banda en el escenario durante una actuación en Indianápolis el 20 de marzo de 2008. Sería su última aparición: falleció casi un mes después en el Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de la ciudad de Nueva York. Poco después de su muerte, la familia de Danny y la E Street Band, en colaboración con los fundadores de la Melanoma Research Alliance, fundaron el Fondo Danny Federici para el Melanoma, una organización sin ánimo de lucro diseñada para concienciar sobre el melanoma y recaudar fondos para la investigación.
En una entrevista con Backstreets, Nils Lofgren comentó: «Danny tenía un estilo único y fluido. Uno de los músicos más talentosos, naturales y conmovedores que he conocido». Max Weinberg comentó a Backstreets: «Tenía una forma maravillosa de tocar su instrumento y era un componente indispensable de la E Street Band».
El álbum de 2009, Working on a Dream , está dedicado a Danny, con la canción «The Last Carnival» escrita específicamente para el viejo amigo de Bruce. En 2014, Danny Federici ingresó póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de la E Street Band.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con 4th Of July, Asbury Park (Sandy).
jueves, 22 de enero de 2026
Ernst Busch
Friedrich Wilhelm Ernst Busch, más conocido como Ernst Busch, nació en Kiel, entonces Imperio Alemán, el 22 de enero de 1900, y murió en Berlín, República Democrática Alemana, el 8 de junio de 1980. Cantante, actor y director.
El sitio www.gdw-berlin.de publicó este recordatorio.
Ernst Busch
22 de enero de 1900 - 8 de junio de 1980
Ernst Busch se formó como metalúrgico en el astillero Germania de Kiel, donde participó en el motín de 1918. Trabajó como actor desde 1920 y, a partir de 1926, en Berlín, incluso con Max Reinhardt y Bertolt Brecht. Busch se hizo famoso como cantante de canciones políticas, especialmente en eventos comunistas. El 9 de marzo de 1933, Busch huyó de Alemania a los Países Bajos, donde trabajó en Radio Hilversum. Su exilio lo llevó a Bélgica, Francia y Suiza; en 1935 se trasladó a Moscú, donde trabajó para la emisora de radio de la Comintern. De enero de 1937 a agosto de 1938, trabajó como artista entreteniendo a las Brigadas Internacionales en España. En 1938, participó en conciertos celebrados en Bélgica para apoyar a los voluntarios de la Guerra Civil Española y a los refugiados judíos de Alemania. Busch fue arrestado en Amberes el 10 de mayo de 1940 y deportado a Francia, donde fue internado en los campos de St. Cyprien y Gurs. Durante un intento de fuga a Suiza en enero de 1943, fue arrestado por la policía del régimen de Vichy y entregado a la Gestapo. Durante su encarcelamiento en Berlín, Busch resultó gravemente herido en un ataque aéreo, que le paralizó la mitad izquierda del rostro. El Tribunal Superior de Berlín lo condenó a solo tres años de prisión el 15 de marzo de 1944, ya que las pruebas del caso fueron destruidas por el ataque aéreo. Ernst Busch fue liberado de la penitenciaría de Brandeburgo-Görden el 27 de abril de 1945. Continuó siendo uno de los cantantes y actores más populares de la RDA hasta su muerte en 1980.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Einheitsfrontlied, o la Canción del Frente Unido, en un video de la Academia de las Artes, celebrando su 60º cumpleaños.
miércoles, 21 de enero de 2026
Txus di Fellatio
Jesús María Hernández Gil, más conocido como Txus di Fellatio, nació en Bilbao, Vizcaya, España, el 21 de enero de 1970. Cantante, baterista y compositor.
El sitio www.heavymetal.fandom.com publicó su biografía.
Comenzó en la música desde muy pequeño, pues fue educado para apreciar todo estilo musical, lo que lo inspiró a tener el gran sueño de ser músico y también de ser futbolista. Txus cursó tres años de masajista deportivo y dedicó ocho años al futbol de sala, para luego pasar a la selección española en el puesto de portero. Al ser operado de ambos codos, di Fellatio decidió dejar el futbol y dedicarse a su otro sueño, la música. De esta forma, junto a Juanma (amigo de barrio y primer vocalista del grupo), fundan un grupo en 1988, el cual tendría el nombre de "Transilvania 666", asumiendo Txus el puesto de batería.
Txus nunca estudió percusión, lo que provocó un estudio autodidacta y lento, pero dedicaba todo el tiempo que tenía en ese momento, pues su retiro del mundo deportivo era inminente. Al ser siempre un luchador, consigue salir adelante como percusionista [cita requerida] y letrista de la banda de rock celta que ahora recibiría definitivamente el nombre de "Mägo de Oz".
Di Fellatio es un pensador ("El tiempo es el mejor aliado, sólo tiene un defecto, te mata: aprovecha tu tiempo", es una de sus frases), con valores que hablan de tolerancia, pensamientos humanistas y de ser perseverante en "el camino de baldosas amarillas" (el nombre del grupo, "Mägo de Oz", se debe a la película El Mago de Oz porque la vida es un camino de baldosas amarillas en la que andamos en compañía de otros buscando nuestros sueños) demostrando estos pensamientos en las letras de sus temas. No sigue ninguna religión, pues asegura que son sectarias y discriminadoras.
Txus escribió su primer libro y lo publicó el 23 de octubre de 2006 llamado "El Cementerio De Los Versos Perdidos" es un disco-libro con 52 poemas que incluye en un CD 20 poemas narrados por él mismo y tres canciones: Mägo De Oz: Adiós Dulcinea, Savia, Y Serás Canción (dedicada a Big Simon) y No Me Digas Adiós con la colaboracion de Juanmi de Cuatro Gatos. Este libro se lo dedica exclusivamente a Big Simon al que le dedica las siguientes palabras: "A la memoria de Simón Echevarría (Big Simón), un alma bella que se convirtió en canción".
En Mägo de Oz
En 1989 Txus decide montar una banda de rock alejada de las tendencias musicales que por esos tiempos proliferan en la ciudad de Madrid. Fusionando dos estilos aparentemente tan opuestos como el Heavy Metal y la música Celta, Mago de Oz comienza su andadura recorriendo los garitos de la ciudad, despertando curiosidad de público y medios especializados gracias a su originalidad. A base de mucho trabajo, y después de ser finalistas en el Villa de Madrid de 1992, la banda, que por aquel entonces había estabilizado su formación en torno a Txus a la batería, Mohamed al violín, Carlitos como guitarra solista, Chema a la segunda guitarra, Salva al bajo y Juanma como cantante, decide grabar su primer álbum, autofinanciado, en el año 1994. El disco, llamado genéricamente como el propio grupo, Mago de Oz, no consigue la calidad deseada, si bien les abre las puertas para tocar por diversos puntos del estado. El carisma de Txus, autor de las letras y la filosofía de la banda, unido a la originalidad de Mohamed y al buen hacer del resto de la banda, los lleva a ser destacados como grupo revelación del año 95 en distintos medios.
Pero el camino aún es muy duro y tras años de mucho trabajo y pocos éxitos Juanma decide abandonar el grupo. En busca de sustituto para dicho puesto clave, Txus contacta con un profesor de canto del conservatorio con el fin de que le oriente sobre algún joven cantante entre sus alumnos que pueda ocupar el puesto de vocalista en Mago de Oz. Este, que días atrás había asistido a un concierto de la banda, no duda en afirmar que él es el cantante que Mago de Oz necesita. Hecho y dicho, Jose se incorpora al grupo en 1996, y con Frank sustituyendo a Chema a la guitarra, el grupo consolida la formación que ese mismo año, bajo el nuevo sello Locomotive Music, edita su segundo disco, Jesús de Chamberí. El álbum, una ópera rock donde Txus refleja su particular visión del regreso del hijo de Dios a la tierra, en el castizo barrio de Chamberí de finales del siglo XX, supone la confirmación de la banda, a la que la voz de José dota de un carisma aún más heavy. Temas como La Canción de Pedro, El Cantar de la Luna Oscura o la propia Jesús de Chamberí permiten que el disco adquiera cierta relevancia entre el público más rockero, pero es fundamentalmente el tema Hasta que tu Muerte nos Separe, posiblemente la mejor canción de Heavy Metal en castellano, el que permita al grupo ver la luz después de tanta penuria.
La repercusión obtenida en todo el país permite a la banda regrabar en el año 1997 cinco temas de su primer disco en el álbum conocido como el de La Bruja, dónde canciones como El Lago o Mago de Oz adquieren una nueva dimensión. El grupo, de gira por todo el país, se revela como una banda a tener muy en cuenta dentro del panorama nacional, cuajando grandes conciertos, como el del Viñarock 98, dónde, abriendo cartel, asombran a propios y extraños con una de las actuaciones más destacadas del festival. En su ascenso imparable, cobrará pieza clave la grabación de su cuarto disco, La Leyenda de la Mancha, otra obra conceptual que gira en torno al famoso personaje de Cervantes, El Quijote. La madurez del grupo queda plasmada en este plástico, en temas como Maritornes o Molinos de Viento, abriéndoles las puertas a una extensa gira por todas partes de la geografía nacional y algunas de fuera de la misma. El fenómeno del grupo alcanza tal dimensión que, en el año 1999, unido a sus apoteósicas actuaciones en los festivales Eurometal y Viñarock 99, editan un video recapitulativo de los diez primeros años de la banda, Resacosix en Hispania, además de reeditar el primer álbum bajo su actual sello.
El quinto disco, Finis Terra, sale a la luz en formato doble en mayo del 2000. El álbum, de nuevo una obra conceptual, narra las aventuras de un peregrino en el camino de Santiago del siglo XVII. Este disco supone la consagración definitiva de Mago de Oz como el grupo más importante de rock de nuestro país del momento. Singles como Fiesta Pagana o El que Quiera Entender... que Entienda, los llevan hasta el disco de platino, además de a una macrogira por España y otros países de Europa e Hispanoamérica, con las incorporaciones de “Quisquilla” a los teclados y Fernando Ponce a las flautas, llegando a tocar en festivales del prestigio del Wacken Open Air 2001 o el Bang Your Head 2002, además de encabezar el Machina 2000, o grabar junto a Doro Pesch una versión del Man on the Silver Mountain. Toda la fuerza contenida en estas actuaciones los lleva a plasmarlas, en mayo del 2002, en su primer elepé en directo, Fölktergeist, todo un éxito en ventas que les devuelve de nuevo al primer plano de la escena musical estatal, con una gira que los llevará desde Chile hasta Estados Unidos.
Otras cosas
En 1994 pone en contacto a la banda Lujuria con la antigua discográfica de Mägo, Locomotive Music para el lanzamiento de esta.
Anécdotas
Dado que Txus no sabe escribir música, siempre llevaba su grabadora por si se le ocurría alguna melodía poder grabarla. En el single de "Fiesta Pagana" la melodía se le ocurrió cuando iba por la Gran Vía (Madrid) y al no llevar su grabadora, llamó a su casa y lo grabó en el contestador.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con La ruta de los sordos.
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