sábado, 10 de octubre de 2026

Ed Volker


Ed Volker nació en Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, el 10 de octubre de 1948. Cantautor y pianista.  

El sitio www.historicalmusicevents.net publicó este recordatorio. 

Nacido el 10 de octubre de 1948 · Músico estadounidense 

Ed Volker es un cantautor y músico estadounidense, conocido principalmente por su trabajo en los géneros de rock, blues y folk. Nacido el 21 de marzo de 1952 en Nueva Orleans, Luisiana, alcanzó la fama como miembro de la icónica banda The Radiators, formada en 1978. The Radiators son reconocidos por su singular fusión de rock, funk e influencias cajún, y desempeñaron un papel fundamental en la escena musical de Nueva Orleans, especialmente por sus actuaciones en directo y su estilo de improvisación. 

Entre los trabajos más destacados de Volker con The Radiators se encuentran álbumes como "Ghosts Along the Mississippi" (1989) y "Law of the Fish" (1991), que muestran su sonido característico. Además de su trabajo con la banda, Volker ha publicado álbumes en solitario como "The Last of the Great Mississippi Flood" (1998), donde pone de manifiesto su talento narrativo y su destreza lírica. 

La influencia de Ed Volker en la música trasciende sus grabaciones; ha contribuido a la preservación y evolución de las tradiciones musicales de Nueva Orleans. Su obra ha influido en toda una generación de músicos y sigue resonando en el vibrante panorama cultural de la región. Volker continúa siendo una figura clave en la continuidad de la música de raíces estadounidenses. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Take Me to the River. 

Hinde Bergner. Escritora.


Hinde Rosenblatt 
Bergner nació en Radymno, Galitzia, entonces parte del Impero Austro Húngaro, el 10 de octubre de 1870, y murió en el Campo de exterminio de Belzec, Polonia, en 1942. Escritora. 

El sitio www.jwa.org publicó este recordatorio firmado por Justin D. Cammy. 

Hinde Bergner 10 de octubre de 1870–1942 

Por Justin D. Cammy 

En resumen 

Hinde Bergner, nacida en 1870 en el seno de una familia jasídica, fue la matriarca de una de las familias artísticas más destacadas de la cultura judía secular, además de autora de sus propias memorias, un documento invaluable sobre la vida judía contada desde la perspectiva femenina. En ellas describe su vida en una familia judía tradicional al borde de la modernidad. Reflexiona sobre aspectos importantes de su comunidad, como las costumbres matrimoniales, la educación de las niñas, la vida espiritual de las mujeres judías, las tensiones generacionales y otros temas. Su perspectiva madura muestra una respetuosa apreciación por una forma de vida al borde de la desaparición.   

Aunque no fue una escritora publicada en su época, Hinde Bergner ocupa un lugar especial en la literatura yiddish gracias a sus memorias sobre la vida familiar en una Galicia de finales del siglo XIX. Es una de las pocas memorias en yiddish que se conservan y que describen la familia judía tradicional en los albores de la modernidad, narrada desde la perspectiva de una mujer. Su retrato íntimo de las costumbres matrimoniales y de búsqueda de pareja, la educación de las niñas, las ocupaciones judías, la información sobre la vestimenta y la decoración del hogar de la época, la vida espiritual de las mujeres judías, las tensiones generacionales y los contactos interculturales dan como resultado un valioso documento de la historia social, familiar y femenina judía. 

Primeros años de vida 

Hinde (Rosenblatt) Bergner nació el 10 de octubre de 1870 en Redim (Radymno), Galicia, una ciudad comercial a orillas del río San, que entonces formaba parte del Imperio austrohúngaro. Fue una de los seis hijos de Joseph y Bluma (Frayfeld) Rosenblatt. El padre de Hinde era propietario de un granero local. Ella describe cómo se sentía dividida entre las expectativas familiares de que ayudara a su padre a llevar el control de la producción y los envíos de grano, y más tarde de las cuentas de la empresa, y su propio deseo de recibir una educación europea. Aunque Hinde se crio en un hogar jasídico, reconoce que su padre fue más abierto a las innovaciones modernas y a las influencias seculares que su madre. Si bien su madre consideraba herética la literatura no judía, fue su padre quien, a petición de Hinde, contrató a varios profesores para que le enseñaran alemán, polaco y otras materias seculares. Hinde describe a su madre con reverencia como un modelo de estricta piedad judía femenina, que cuidaba de los pobres del pueblo sin importar su afiliación religiosa y que, en la víspera de su muerte, insistió en levantarse de la cama para encender y bendecir las velas del Shabat. Este modelo parental, que equilibraba la voluntad de satisfacer las ambiciones intelectuales de una hija con una estricta adhesión a la tradición, era representativo de las tensiones sociales más amplias que afectaban a toda una generación de jóvenes judíos de Europa del Este. 

Matrimonio e hijos 

Aunque sus padres comenzaron a buscarle pareja a Hinde cuando ella tenía solo once años, no se casó con Efrayim Bergner hasta el otoño de 1891. Hinde y Efrayim Bergner tuvieron tres hijos, quienes dejaron a sus padres en Redim para perseguir sus ambiciones artísticas. Moyshe, nacido en 1892, emigró a Palestina, donde cambió su apellido a Harari, asistió a la escuela de arte Bezalel y se suicidó a los veintiún años. Zecharie, nacido en 1893, se mudó a Varsovia, donde cambió su nombre a Melech Ravitch. Fue cofundador de la revista literaria en yiddish más prestigiosa de Polonia, Literarishe bleter, y se desempeñó como secretario de la Unión de Escritores en Yiddish. Ravitch desarrolló una exitosa carrera como uno de los poetas y ensayistas en yiddish más importantes del siglo XX. El hijo menor de Hinde, Herts, nació en 1907. También fue escritor de prosa en yiddish y emigró a Australia antes de la Segunda Guerra Mundial. El nieto de Hinde, Yosl Bergner (nacido en 1920), hijo de Melech Ravitch, se convirtió en uno de los pintores modernistas más importantes de Israel. En sus respectivas memorias, tanto Melech Ravitch (fallecido en 1976) como Yosl Bergner recuerdan a Hinde como una narradora excepcional y una dibujante aficionada. Como matriarca de una de las familias artísticas más destacadas de la cultura judía secular, le atribuyen una poderosa influencia creativa durante su juventud. 

Aunque los hijos de Hinde Bergner se sentían atraídos por la metrópolis moderna, ella y Efrayim permanecieron en Redim la mayor parte de sus vidas. Vivían en una casa de piedra de dos pisos, una de las más grandes del pueblo. A pesar de su comodidad material, Efrayim se vio obligado a probar suerte en diversos negocios (destilación de licores, producción de cereales, composición tipográfica) para mantener su estabilidad económica. Durante la Primera Guerra Mundial, la familia pasó tres años en Viena como refugiados. Tras la muerte de su esposo en 1939, Hinde quedó sola para afrontar la amenaza alemana. Huyó a través de la frontera hacia la Unión Soviética a finales de 1939. Tras el ataque alemán a la Unión Soviética en 1941, su situación se tornó desesperada. En su última súplica de ayuda a sus hijos, transmitida a través de la Cruz Roja, escribió: «Estoy muy débil… pronto será demasiado tarde». Se cree que murió en el campo de exterminio alemán de Belzec en 1942. 

La escritura de las memorias de Bergner 

Hinde Bergner comenzó a escribir sus memorias familiares en 1937, animada por sus hijos, quienes creían que la ayudarían a aliviar su soledad. A menudo encontraban sus notas y poemas manuscritos escondidos entre libros, lo que les hizo pensar que su madre albergaba ambiciones literarias. Lo que no podían imaginar era la profunda implicación de Hinde con el proyecto. Durante el siguiente año y medio, les enviaba regularmente copias manuscritas de las últimas entregas de sus memorias. Sus cartas se volvían cada vez más alegres al contarles cómo su padre le cortaba largos trozos de papel «exactamente como los que se usan para los manuscritos literarios de verdad». Cerca del final de las memorias, descubrimos dos versiones diferentes de los mismos acontecimientos, lo que indica que Hinde comenzó a revisar su prosa para lograr la narración más pulida posible. Incluso en los sombríos días de 1941, Hinde escribió a sus hijos que ansiaba volver a escribir: «Siento que ahora podré escribir mucho más porque he llegado a comprender la humanidad». Lamentablemente, nunca logró retomar su labor donde la dejó en 1939, y las memorias terminan a mitad de una frase, lo que simboliza tanto su propio destino como el de los judíos de Europa del Este en su conjunto. 

Hinde Bergner jamás habría imaginado que sus memorias se publicarían. Al igual que Glückl de Hameln —quizás la autora de memorias más importante de toda la literatura yiddish—, el documento es una obra íntima escrita por una madre judía para sus hijos, y también una forma de terapia personal: «En las largas noches de invierno, a menudo me siento sola junto al horno. Mis pensamientos se alejan, hacia mis hijos y nietos que están dispersos por este vasto mundo. Anhelo estar cerca de ellos, contarles sobre mi infancia, que permanece tan vívida ante mis ojos, como si volviera a ser una niña». 

Temas en la escritura de Bergner 

Al igual que las memorias de Glückl, el texto de Hinde describe una comunidad en rápida transición cultural y económica. La familia de Hinde pertenecía a una floreciente clase media judía que sufrió una serie de éxitos y reveses económicos. Describe con qué facilidad su hermano Neta abandonó su vestimenta jasídica cuando su nueva esposa lo animó a adoptar una apariencia más europea, y revela sus propias inquietudes sobre cómo un matrimonio precoz pondría fin a sus ambiciones de desarrollo personal e intelectual: «Me imaginaba a mi marido con barba y largos rizos laterales mientras yo llevaba una peluca en lugar de mis hermosas trenzas rubias. Con las manos entrelazadas, lamentaba la pérdida de mis sueños y mi ambición de obtener una mayor educación para superar a todas mis amigas». Las memorias están repletas de detalles humorísticos sobre posibles parejas, casamenteros y la celebración de su boda, además de reflexiones sensibles sobre las expectativas que la sociedad tradicional impone a las mujeres recién casadas. Por ejemplo, la noche de bodas de Hinde se describe como un momento embarazoso, ya que solo había conocido a Efrayim tres veces antes de su unión. Los detalles sobre el corte de su cabello y la ceremonia de ser llevada a la sinagoga como novia por las mujeres del shtetl contribuyen al tono ambivalente del texto. En otros pasajes, sin embargo, Hinde parece entristecida por el rápido abandono de la tradición. Por ejemplo, cuando ella y Efrayim visitan a un amigo de la familia en la región de Belz en un día de ayuno judío, le desconcierta su capacidad para llevar una vida aparentemente piadosa mientras transgrede la ley judía en la intimidad de su hogar: «Nos invitaron a su casa, cuyas ventanas daban a la calle. Era mediodía. Cerraron las cortinas, comenzaron a poner la mesa y nos invitaron a comer. Me quedé estupefacta de que en una ciudad donde los Rebes habían vivido durante generaciones pudiera suceder algo así». 

Gran parte de sus memorias se centra en detalles sobre su sed de conocimiento. Siendo aún niña, Hinde se escapó a Yerslav (Jaroslaw) para quedarse con una tía, pues creía que sus padres le prohibirían continuar sus estudios. Sus descripciones de sus maestros y tutores privados varían desde la burla hasta la admiración, dependiendo del grado de sofisticación de cada uno. Como residente de una región multicultural, Hinde dominaba el yiddish, el polaco y el alemán (su nieto Yosl recuerda que hablaba un dialecto del yiddish muy germanizado). Su amor por la literatura profana, el teatro y el piano, su deseo de aprender francés y su insistencia en que la llamaran Henrietta durante un tiempo, evidencian el atractivo de la cultura europea moderna para la juventud de su generación. Sin embargo, a diferencia de muchas memorias maskílicas escritas por jóvenes sobre este período, que critican duramente la civilización religiosa judía, la perspectiva más madura de Hinde dota a las memorias de una apreciación tierna y respetuosa por una forma de vida al borde de la aniquilación. 

Tras la guerra, los hijos de Hinde decidieron publicar de forma privada las memorias en una tirada limitada como homenaje a su madre. Melech Ravitch editó el texto, eliminando varios párrafos para proteger la reputación de los familiares supervivientes y la memoria de los asesinados; estas supresiones (restauradas en la próxima traducción al inglés) son lamentables, ya que muestran a Hinde como una aguda crítica de la naturaleza humana y una ávida cronista de las intrigas familiares. A pesar de la errónea opinión de sus hijos en la introducción a la obra, según la cual carece de «valor social o científico», las memorias de Hinde Bergner se sitúan a la altura de las de Glückl de Hameln, Pauline Wengeroff, Puah Rakowsky y otras mujeres judías que recurrieron a la escritura para dar sentido a sus propias vidas en una época de rápidos cambios culturales y de expectativas. 

Obra de Hinde Bergner 

In di lange vinternekht: mishpokhe zikhroynes  (Yiddish). Montreal: 1946; traducción al hebreo, 1982; traducción al alemán, 1995; traducción al inglés: On Long Winter Nights: Memoirs of a Jewish Family in a Galician Township, 1870–1900. 2005.

viernes, 9 de octubre de 2026

John Entwistle


John Alec Entwistle nació en Chiswick, Londres, Reino Unido, el 9 de octubre de 1944, y murió en Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 27 de junio de 2002. Cantante, compositor y productor. Tocaba bajo, trompa, fliscorno, trompeta y teclados. 

El sitio www.plasticosydecibelios.com publicó este recordatorio firmado por Julián Ruiz. 

LA HISTORIA DEL GENIAL JOHN ENTWISTLE DE LOS WHO 

Por Julián Ruiz / Actualizado el 27/06/2026 

La primera biografía importante de John Entwistle, el legendario bajista de los Who, se publicará esta primavera. El libro, del autor Paul Rees, se titula The Ox, que era uno de los apodos del músico. Viene con la plena cooperación de la familia de Entwistle. 

“Thunderfingers“, como también era conocido por su habilidad prodigiosa, es considerado uno de los mejores bajistas en la historia del rock and roll. Se combinó con Keith Moon para formar una de las secciones rítmicas más importantes de todo el rock clásico. 

John Entwistle contribuyó con varias canciones al canon de Who, incluyendo “My Wife” de Who’s Nexty “Cousin Kevin” y “Fiddle About” para la ópera rock Tommy. Pero mi favorita es “Boris the Spider“, que presentaba la voz de Entwistle en un bajo profundo, y que se convirtió en una parte regular de la lista de conciertos de la banda.Una canción de terror. 

En contraste, “The OX cantó muchas de sus partes en la mini-ópera de Who’s 1966, “A Quick One, While It’s Away”, en falsete. 

Entwistle murió en 2002 a los 57 años en el Hard Rock Hotel and Casino en Las Vegas, un día antes de que The Who programara comenzar una gira por Estados Unidos. A pesar de la muerte de su miembro fundador, la banda retrasó la gira por solo unos días. 

Una presentación del libro: 

“Entwistle sigue siendo una figura enigmática, pero sin duda influyente, reconocida tanto por su inmenso talento como por su carácter gloriosamente enorme. En los años transcurridos desde su muerte, su legado perdurable ha sido cuidadosamente protegido por sus seres queridos, evitando que los biógrafos potenciales tengan acceso lo suficientemente cerca como para escribir un relato definitivo de su extraordinaria vida, hasta ahora. Por primera vez, y con la plena cooperación de la familia Entwistle, The Ox arroja luz sobre una de las figuras más importantes de la historia del rock. 

Y un análisis: 

“Por un lado, era la estrella de rock encarnada, más grande que la vida, obsesionada por su propia culpa, y orgullosa y casi desafiante. Extravagante con el dinero, transportó famosos autos estadounidenses a través del Atlántico sin tener una licencia de conducir, construyó bares exponencialmente más grandes y grandiosos en cada hogar que poseía, y acumuló una colección extraordinaria de posesiones, desde armaduras y armas hasta su cubano patentado. -botas de tacón. 

Y esto que es falso: 

“Pero también era un hombre de gustos simples y opiniones tradicionales. Era un padre devoto y un hombre de familia que no amaba más que despertarse con un desayuno inglés completo o cenar pescado, papas fritas y una pinta en su pub local. 

Porque Alycen Rowse, una stripper con la que estaba liado encontró al músico muerto a primera hora de la mañana. El forense determinó que la muerte se debió a un ataque al corazón debido al consumo de cocaína. 

Además de bajo, John tocaba trompeta, fiscorno, trompa y arpa de boca, y desarrolló un personal estilo irónico. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con My Wife.   

jueves, 8 de octubre de 2026

Robert Bell


Robert Earl Bell, más conocido como Robert Bell, nació en Youngstown, Ohio, Estados Unidos, 8 de octubre de 1950. Compositor, cantante y productor. Toca guitarra y bajo. 

El sitio www.songhall.org publicó su biografía. 

El bajista Robert "Kool" Bell, junto con su hermano Ronald Bell al saxofón tenor, el vocalista principal James "JT" Taylor y el baterista George Brown, fue uno de los principales compositores de su banda de pop/R&B Kool & The Gang, cuyos éxitos clásicos como "Jungle Boogie", "Hollywood Swinging", "Celebration", "Get Down on It" y "Joanna" crearon un ritmo pop-funk novedoso y de gran éxito en las décadas de 1970 y 1980. Dichas canciones han aparecido en películas ("Jungle Boogie" estuvo en Pulp Fiction, mientras que "Summer Madness" apareció en Rocky) y han sido sampleadas innumerables veces por artistas como DJ Kool, Mase, Too Short, DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince, Boogie Down Productions, Brand Nubian, De La Soul, A Tribe Called Quest, Nas, NWA, Kris Kross y Jermaine Dupri.  

Nacido en Youngstown, Ohio, Bell creció en Jersey City, Nueva Jersey. Se puso el apodo de "Kool" —en honor a alguien llamado Cool— para integrarse en las pandillas callejeras del barrio. Su padre y su tío eran boxeadores que se mudaron a Nueva York para entrenar y vivían en el mismo edificio que el gran músico de jazz Thelonious Monk (quien se convirtió en el padrino de Bell). Junto con su hermano Ronald, Bell comenzó a tocar jazz y formó un grupo en 1964 llamado The Jazziacs, que en sus inicios tocó con músicos de la talla de McCoy Tyner y Pharoah Sanders.  

Tras tocar en clubes de Nueva York con diversos nombres —y ser músicos de acompañamiento en una banda de versiones de Motown—, en 1969 se convirtieron en Kool & the Gang (banda que también incluía a Dennis "DT" Thomas, Robert Mickens, Charles Smith, George Brown y Ricky West). Desde entonces, Kool & The Gang ha interpretado jazz, soul, funk, rock y pop, pero alcanzó el éxito comercial en 1973 con su álbum Wild and Peaceful , del que surgieron los éxitos "Jungle Boogie" y "Hollywood Swinging", que llegaron al Top 10.  

Tras incorporar al vocalista James “JT” Taylor y asociarse con el compositor y productor brasileño Eumir Deodato, cosecharon un gran éxito entre 1979 y 1986 con grandes éxitos de su propia autoría como “Ladies' Night”, “Get Down on It”, “Joanna”, “Cherish” y el número uno “Celebration”, cuyo álbum de 1984, Emergency, vendió dos millones de copias. “Celebration” se inspiró en la letra “Come on, let's all celebrate” de “Ladies' Night” y fue escrita por Bell —según él— como “un himno internacional”; posteriormente se utilizó en la cobertura mediática nacional de la Serie Mundial de 1980, el Super Bowl de 1981, el Campeonato de la NBA de 1981 y el regreso de los rehenes de Irán en 1981.  

En 1987, Bell y Taylor crearon un programa de servicio público para incentivar a los escolares a continuar sus estudios, premiando a aquellos con asistencia perfecta con entradas gratuitas para los conciertos de Kool & The Gang. Aún en activo, Bell, además de componer canciones para su banda, figura como compositor en numerosas grabaciones de artistas tan diversos como The Killers, Sam Smith, Pat Boone, TLC, Timbaland y Robbie Robertson. 

Todas las biografías aparecen tal como fueron presentadas en el año de su ingreso o de la entrega del premio. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Celebration. 

miércoles, 7 de octubre de 2026

Ralph Rainger


Ralph Rainger nació en Reichenthal, Nueva York, Estados Unidos, el 7 de octubre de 1901, y murió en Beverly Hills, California, Estados Unidos, el 23 de octubre de 1942. Compositor y pianista. 

El sitio www.boileau-music.com publicó este recordatorio. 

RAINGER, Ralph 

1901, 1942 

Ralph Rainger (7 de octubre de 1901 - 23 de octubre de 1942) fue un compositor estadounidense de música popular principalmente para películas. 

Nacido Ralph Reichenthal en la ciudad de Nueva York, Rainger se embarcó en una carrera legal antes de escapar a Broadway, donde se convirtió en el acompañante de Clifton Webb. 

Su primer éxito "Moanin 'Low", con letras de Howard Dietz, fue escrito para la co-estrella de Webb Libby Holman en la revista de 1929 The Little Show. Moviéndose a Hollywood, Rainger se asoció con el letrista Leo Robin para producir una serie de canciones exitosas de películas, incluyendo "I'll Take An Option On You" de la serie de Broadway "Tattle Tales" (1933). 

En los años que siguieron, Rainger escribió o colaboró en canciones como "I Wished on the Moon", "Love in Bloom" (la canción del comediante Jack Benny), "Faithful Forever", "Easy Living", "June in January "," Blue Hawaii ", y con Leo Robin en la canción ganadora del Oscar de 1938" Thanks for the Memory ", cantada por Bob Hope en la película The Big Broadcast de 1938. 

Rainger pagó un año de colegiatura al compositor austriaco Arnold Schönberg por adelantado, de modo que Schönberg pudiera pagar el transporte de sus pertenencias a Los Ángeles desde París en 1933. 

Rainger murió en un accidente aéreo cerca de Palm Springs, California, en 1942. Era un pasajero a bordo del Vuelo 28 de American Airlines, un avión de pasajeros DC-3 que estuvo involucrado en una colisión en el aire con un bombardero del Ejército de los Estados Unidos. Rainger tenía 41 años cuando murió; Le sobrevivieron una esposa, Elizabeth ("Betty"), un hijo de 8 años y dos hijas de 5 y 1 años de edad. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Thanks for the Memory, en las voces de Bob Hope y Shirley Ross.    

martes, 6 de octubre de 2026

Thomas McClary


Thomas McClary nació en Eustis, Florida, Estados Unidos, el 6 de octubre de 1949. Músico, cantante, compositor y productor. Toca guitarra y ukelele. 

El sitio www.thomasmcclary.com publicó su biografía. 

THOMAS MCCLARY - Historia de una leyenda 

En pocas palabras, Thomas McClary es un ícono. Como fundador de la legendaria banda The Commodores, McClary es un pionero inigualable en la creación de uno de los sonidos característicos que definen la Edad de Oro de la música moderna: un sonido que ha brindado a millones de personas éxitos clásicos como "Brickhouse", "Three Times A Lady" y uno de los solos de guitarra más famosos del mundo en "Easy". 

Desde niño, McClary estaba destinado a ser un agente de cambio. Nacido el 6 de octubre de 1949 en Eustis, Florida, fue uno de los primeros estudiantes afroamericanos en integrarse al sistema de escuelas públicas de Florida antes de la entrada en vigor de la sentencia Brown contra la Junta de Educación. Continuó luchando por la justicia mientras asistía a la Universidad de Tuskegee, una universidad históricamente para estudiantes negros, donde conoció a los demás miembros de los Commodores. Lo que se convertiría en futuras canciones nominadas al Grammy, comenzó con McClary escribiendo y componiendo desde el corazón para conectar con personas de todo el mundo a través de experiencias de la vida real. 

En los años siguientes, The Commodores batieron el récord de asistencia de los Beatles en el Arnette Coliseum y se convirtieron en el primer artista de Motown Records en vender un disco de oro. Llenando estadios con más de 500.000 entradas, Thomas McClary deslumbró con sus solos de guitarra y cautivó al público, impulsando a The Commodores a convertirse en la primera banda afroamericana en encabezar una gira nacional por Estados Unidos. Con la mentalidad de un verdadero pionero, The Commodores se convirtieron en el primer artista en poseer los derechos de publicación de Motown Records, y las canciones de McClary dominaron las ondas radiofónicas en múltiples géneros, desde el pop hasta el rock y el gospel. Considerado uno de los solos de guitarra más icónicos de todos los tiempos, la genialidad de McClary con la guitarra en "Easy" ha mantenido la canción como la más reproducida de Motown en radio y televisión hasta la fecha. 

Tras vender más de 100 millones de discos en todo el mundo con The Commodores, McClary amplió su talento componiendo canciones para leyendas como Kenny Rogers, Whitney Houston, Diana Ross, Chicago, The Four Tops, Melissa Manchester y The Temptations; además de producir a James Ingram, Eddie Kendricks y el éxito número uno "Stop Dogging Me Around", sumando una amplia trayectoria en bandas sonoras de películas. Con siete nominaciones a los premios Grammy, dos American Music Awards y dos Image Awards, es innegable que McClary ha creado un catálogo atemporal que inspira los éxitos actuales y muchos más por venir. 

Aunque McClary cuenta con una larga lista de logros y reconocimientos, se muestra más auténtico, enérgico y dinámico que nunca, y está decidido a seguir superándose. Su espectáculo en vivo lo da todo, revolucionando la experiencia de The Commodore de una manera que sin duda llevará a nuevos y antiguos espectadores a un viaje épico con cada nota que toca. Acompañado por cantantes de gran talento, bailarines dinámicos y una guitarra impresionante, la única palabra para describir la nueva transformación de McClary es divina. 

Y ahora, McClary se presenta de nuevo a millones de personas, compartiendo su sonido y su esencia. «La vida es profunda y compleja hasta que descubrimos que nuestra razón de ser es todo menos eso», afirma. «Permítanme presentarme de nuevo. Me llamo Thomas McClary. Soy hijo de Dios, el creador del sonido característico de Commodore». 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Easy y Lady You Bring Me Up.  


lunes, 5 de octubre de 2026

Bob Geldof


Robert Frederick Zenon Geldof, más conocido como Bob Geldof, nació en Dún Laoghaire, Irlanda, el 5 de octubre de 1951. Cantante, compositor, actor y activista político. Toca guitarra y teclados. 

El sitio www.loff.it publicó esta biografía. 

Bob Geldof, el cantante con ansia benefactora. Biografía, citas, frases. 

Robert Frederick Xenon Geldof nació en Dun Laoghaire, ciudad portuaria a una decena de Dublín, el 5 de octubre de 1951. 

Antes de codearse con los líderes mundiales, Robert Frederick Xenon Geldof había trabajado como tractorista, fotógrafo, periodista de una revista musical, profesor de inglés en Murcia, y como compositor, músico y cantante de The Boomtown Rats. El grupo, que fundó en Dublín en 1975, había nacido a caballo entre el punk y la new wave. A principio de los ochenta triunfaba con la historia real de la californiana Brenda Ann Spencer, la colegiala que disparó sobre sus compañeros del instituto porque no le gustaban los lunes. Era la canción I don’t like, mondays, que continuó el éxito de Rap trap. 

En 1984, un documental sobre la hambruna en África despertó para siempre su conciencia social. En la Navidad de ese mismo año, a Bob se le ocurrió escribir una canción, un villancico benéfico para parar el hambre en Etiopía. Se llamaba Do they know it’s Christmas, escrita con la ayuda de Midge Ure, guitarrista de Ultravox y tuvo el poder de convicción para que el tema lo cantaran el Olimpo del pop británico de los ochenta, desde Bono a Sting, pasando por Boy George, George Michael y Spandau Ballet. 

En 1985, Geldof impulsó el proyecto Live Aid. Cuando Bob Geldof regresó al Reino Unido tras un viaje por África para repartir el equivalente de los más de diez mil millones de pesetas recaudados, todo el mundo le llamaba San Bob, aunque la polémica le acompañó desde entonces, acusado de excesivo afán de protagonismo. 

Por sus buenas acciones, Geldof fue nombrado Caballero del Imperio Británico y fue elegido Hombre de Paz por los ganadores del Nobel de la Paz, prestigioso galardón del que ha sido candidato en tres ocasiones. También le iría bien el sobrenombre de San Midas, por convertir en oro todo lo que toca. Montó una empresa de viajes por Internet y las productoras audiovisuales Planet 24 y Ten Alps, una productora que extiende sus redes de acción por todo el mundo. 

Sin embargo, aunque reconoce que puede hacer muchas cosas, la única que tiene sentido y le da satisfacción sigue siendo la música. Hoy San Bob –o San Midas, vosotros elegís- cumple años y le recordamos con frases como esta 

Sus Citas y Frases célebres 

“Yo no soy un idealista, soy pragmático. África está en declive. Debemos ofrecerles una solución porque va en nuestro interés que no se mueran de hambre.” 

“La música actual refleja la tiranía de la abundancia.” 

“No me gusta ser tratado como un ser diferente, y en mi cerebro no existe ningún misterio ni enigma. Si lo hubiese, probablemente sería una estrella, pero no es el caso. Soy muy conocido, pero no soy un ídolo.” 

“Cuando actúo me siento centrado, sé que no me pierdo y que en mi cabeza no hay guerra civil. Puedo expresar cosas que no entiendo, demasiado íntimas. Es como una catarsis purgativa y necesaria.” 

“El sentimiento de la música actual es estúpido.” 

“Nunca me gustó la parafernalia que rodea al rock. Es una mierda.” 

“Buen coche, nevera repleta, trabajo seguro, carrera universitaria... Eso representa la música que se escucha hoy. No hay reto.”  

“Cuando Michael [Jackson] canta es la voz de los ángeles, y cuando sus pies se mueven, puedes ver a Dios bailando.” 

“Cuando un país poderoso promete algo a otro débil, la promesa es de un orden moral superior a las promesas entre un padre y un hijo.” 

“En Irlanda voté a favor del euro, pero lo rechazo para el Reino Unido. Es una decisión pragmática, no ideológica. Un patrón único no sirve para todos.” 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con I Don't Like Mondays.  

domingo, 4 de octubre de 2026

Shalom – Arte y memoria: Proteger la diferencia

Shalom – Arte y memoria: Proteger la diferencia  

Hoy abordamos cultura, arte e identidad judía.Sarah Kuźmicz nos acerca a la pintura y a los artistas judíos en Polonia, muchos de ellos víctimas del Holocausto. A continuación,la FCJE presenta su Informe Anual sobre Antisemitismo 2025, con los principales datos sobre la situación actual. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/arte-memoria-proteger-diferencia/17252630/ 

 

Chris Lowe


Christopher Sean Lowe, más conocido como Chris Lowe, nació en Blackpool, Lancashire, Reino Unido, el 4 de octubre de 1959. Tecladista. 

El sitio www.revistagq.com publicó esta entrevista realizada por por Rafa Cervera. Fotografía: Pelle Crepin. 

La entrevista de GQ con Chris Lowe de Pet Shop Boys sobre el pop desenfadado, la lucha por los derechos LGTB+ y el hedonismo como estilo de vida 

Oscar Wilde hubiese matado por formar parte de Pet Shop Boys, una banda imprescindible desde hace cuatro décadas y que ahora regresa con su vigesimocuarto álbum: 'Hotspot'. 

Por Rafa Cervera / 4 de febrero de 2020 

"Nos tomamos en serio nuestro trabajo, pero no tanto como otros músicos que están encantados de haberse conocido". 

Chris Lowe, el 50% de Pet Shop Boys, es la estrella musical que lleva casi 40 años sin sonreír en una sola foto. Sin embargo, durante nuestra conversación telefónica, el británico (con gorra y gafas en la imagen superior) ríe con frecuencia. Tiene un humor inconfundiblemente inglés que es parte de la esencia del dúo que fundó con Neil Tennant en 1981. "Ni Neil ni yo imaginamos entonces que celebraríamos cuatro décadas. Nunca quisimos ser como otros grupos ni hacer lo que ya hacían los demás. Nos tomamos en serio nuestro trabajo, pero no tanto como otros músicos de pop que están encantados de haberse conocido y parece que lo que hacen va a salvar el mundo. Nuestra actitud siempre fue distinta. Pensábamos que cuantas menos pretensiones le pusiéramos, mejor nos iría. Y parece que no estábamos equivocados". 

No, no lo estaban. Acaban de publicar su vigesimocuarto álbum, 'Hotspot', que promocionarán a partir de mayo con una gira –con parada en el Mallorca Live Festival el sábado día 16 de ese mes– bautizada como 'The Greatest Hits Live'. De hits van sobrados; de actitud, también. "Creo que hay dos tipos de música pop, la que te gusta en plan: '¡cómo mola, colega!'; y otra que te hace preguntarte quiénes son esos tipos que han grabado esto y por qué se visten así o por qué hacen esas portadas. Música que puedes bailar y cantar y que conforma un mundo propio. Yo creo que Pet Shop Boys pertenece a esa segunda categoría". 

Después de tres álbumes con el productor Stuart Price, Lowe dice que 'Hotspot' marca el fin de un ciclo. "Con Stuart hicimos un primer disco muy de baile, el regreso a nuestro lado más de club. Después hicimos otro que estaba más enfocado a las canciones. 'Hotspot' también lo está, pero crea un equilibrio entre los dos anteriores. Bueno, lo cierto es que yo creo que éste también está más enfocado a las canciones… [ríe]. A veces, es complicado describir de una manera objetiva lo que has hecho". 

Tennant y Lowe son un tipo de pareja artística que parece imposible que se dé fuera de Inglaterra. Son dos polos opuestos que se complementan a la perfección, como Marc Almond y Dave Ball en Soft Cell, Annie Lennox y Dave Stewart en Eurythmics o Vince Clarke y Alison Moyet en Yazoo. La diferencia es que ninguno de estos dúos ha gozado de la longevidad de Pet Shop Boys. "No sé qué pasará tras 'Hotspot'. Y eso está bien porque significa que todavía somos espontáneos, que nada está planeado. Nunca sabes qué va a ocurrir hasta que te pones a trabajar en las canciones. Son ellas las que marcan el camino a seguir". 

Hedonismo con mensaje 

Uno de los sencillos de 'Hotspot' es 'Dreamland', cuya letra hace alusión a los refugiados que llegan a Occidente desde todas partes buscando un mundo mejor. Pet Shop Boys siempre ha tenido un perfil político; es un grupo que hace música hedonista pero que saca a relucir su compromiso social cuando toca. Ambos se han burlado de los expresidentes Bush y Clinton, también de Putin; han abogado por los derechos LGTB+ y una de sus últimas canciones, 'Give Stupidity A Chance', critica abiertamente el Brexit. "Durante mucho tiempo nos metimos con grupos que iban de líderes políticos para destacar, así que quien quiera criticarnos por opinar sobre política está en su derecho. Pero nuestras opiniones y comentarios no están por encima de la música, son una parte más de ella". 

Cuesta trabajo imaginar un mundo sin Pet Shop Boys, pero cuando ese día llegue… ¿qué le gustaría hacer a Chris Lowe? "Lo tengo muy claro: pasear por la playa de Blackpool [la ciudad en la que nació en 1959]. Me veo a mí mismo como un anciano jubilado dando largos paseos con un perro. Bueno, el tema del perro tendré que solucionarlo más adelante porque por ahora no tengo… [ríe]. Es imposible tener uno cuando casi nunca estás en casa". 

*Entrevista publicada originalmente en el número 262 (febrero de 2020) de GQ España. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Always on my mind.   

Carlo Ivo Salvi. Monseñor. Justo entre las Naciones.

Carlo Ivo Salvi nació en Borzoli, Génova, Italia, el 4 de noviembre de 1907, y murió en Roma, Italia, el 27 de septiembre de 1976. Monseñor. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.ilcittadino.ge.it publicó este recordatorio. 

Monseñor Carlo Ivo Salvi 

Monseñor Carlo Ivo Salvi, hijo de Giovanni y Anna Sioli, nació en Borzoli el 4 de noviembre de 1907. 

Fue ordenado sacerdote en Génova el 22 de diciembre de 1934; fue vicerrector del Seminario Mayor de 1934 a 1942 y profesor allí desde 1937; a partir de 1942 trabajó en la Oficina Administrativa de la Curia Arzobispal, entonces en Roma, como jefe de la Oficina de la Sagrada Congregación para los Obispos, beneficiario de la Basílica Patriarcal Vaticana y prelado honorario de Su Santidad. Falleció en Roma el 27 de septiembre de 1976. 

Tras muchos años como vicerrector y luego profesor en nuestro seminario mayor, se convirtió en funcionario de la Curia. Llamado a la Sagrada Congregación, y posteriormente a la Congregación Consistorial, donde sirvió a la Santa Sede durante mucho tiempo, se ganó el apoyo y la estima afectuosa y profunda de todos. 

Sentía a la Iglesia más que a sí mismo; gran parte de su valor y perfección, su entrega caritativa, este digno sacerdote la llevó al cielo como un secreto que sería válido ante el Tribunal de Dios. Y es en esta honestidad, en este silencio anhelado, en esta silenciosa armonía de vida donde reside el ejemplo de Monseñor Carlo Salvi. 

Esta nobilísima figura sacerdotal no podía dejar de preocuparse por la difícil situación de los judíos durante los años del nazismo y el fascismo, que también los afectaron gravemente en Génova. 

Estuvo en primera línea de este peligroso compromiso y nunca retrocedió. Mario Macciò escribe sobre él en su libro "Génova y la Shoá" – Salvado por la Iglesia. Después de la destitución forzosa de Monseñor Repetto de su cargo como secretario del Cardenal Boetto, Don Salvi, para continuar su labor de asistencia a los judíos con la inestimable ayuda de Massimo Teglio, necesitaba urgentemente consultar toda la documentación que Don Repetto había logrado reunir y utilizado para sus intervenciones: documentación oculta por Don Repetto en un lugar muy seguro, conocido solo por él. 

Se hizo necesario contactar con el “clandestino” del Val Bisagno [Don Repetto], quien, tras muchas dificultades, dio a conocer que el “lugar secreto” era el tubo del bajo continuo del órgano situado a la derecha en la Catedral de San Lorenzo. 

Allí, de hecho, se recuperó la documentación y continuó la labor de asistencia a los judíos. «Don Salvi asumió el cargo en un momento crítico», escribe Don Repetto en sus memorias, «cuando, en torno a la asistencia, que ya había sido identificada, se estaban tendiendo trampas para un ataque repentino y generalizado contra nuestros protegidos... Don Salvi aportó a sus funciones la calma y la prudencia de un científico, combinadas con una resolución inquebrantable y una modestia discreta y amable». El 29 de abril de 1976, Yad Vashem otorgó a Don Salvi, fallecido prematuramente, el título póstumo de «Justo entre las Naciones», con la siguiente mención: «Colaborador activo y valiente del Secretario de Su Eminencia el Arzobispo de Génova, cuando Don Francesco Repetto tuvo que huir para evitar ser arrestado por sus actividades en favor de los judíos, asumió y continuó su noble y arriesgada labor clandestina, llevándola a cabo hasta el día de la liberación: cientos de judíos le deben su salvación». 

sábado, 3 de octubre de 2026

Kevin Richardson


Kevin Scott Richardson nació en Lexington, Kentucky, Estados Unidos, el 3 de octubre de 1971. Cantante, compositor, actor y modelo. Toca piano y teclados. 

El sitio www.last.fm publicó su biografía. 

Kevin Richardson (3 de Octubre, 1971) nació en Lexington, Kentucky, Estados Unidos. Es un cantante pop y actor. Él fue parte de la pop-band Backstreet Boys, pero decidió dejarla en 2006, ya que quiso seguir con su vida, cuidar a sus hijos y desempeñarse como actor. 
Hijo de Jerald Richardson fallecido de cáncer de colon en 1991 y Ann Littrell, hermana del padre de Brian Littrell. Kevin es el menor de los tres hijos del matrimonio, siendo sus hermanos Jerald Jr y Timothy. 

En sus comienzos, Kevin era miembro del coro en la Estill County High School de Kentucky además de ser jugador aficionado de fútbol americano. Antes de ser miembro de la banda que lo llevaría a la fama trabajó en Disneyworld donde actuaba como "Aladino" o como una de las "Tortugas Ninja". En ese lugar conoció a su futura esposa, Kristin, quien en ese entonces trabajaba como "Bella" en "La Bella y la Bestia". Años más tarde, se casaron el 17 de junio de 2000. 

En el año 2002, actuó como "Billy Flynn" en el musical de Broadway, Chicago el cual fue un suceso no solo ahí, sino que también en Londres y Toronto durante la gira hecha entre noviembre y diciembre de 2006. 

En junio de 2006, Richardson anunció su retiro como miembro de Backstreet Boys debido a su necesidad de atender otros intereses y a su deseo de "avanzar en el siguiente capítulo de la vida". En palabras escritas en la página web de la banda, Richardson expresó: 

"Después de 13 años de lo que describo como un sueño hecho realidad, he decidido que es tiempo de dejar la banda. Fue una difícil decisión para mí, pero fue necesario de acuerdo a la necesidad de avanzar en el siguiente capítulo de mi vida. Howard, Brian, Alex y Nick siempre serán mis hermanos y les doy todo mi apoyo. Agradezco a todas mis admiradoras por los bellos momentos que hemos compartido, los cuales recordaré por el resto de mi vida. Deseo que mis hermanos continúen por la senda de éxito y logren avanzar en su próximo trabajo" 

El 04 de Noviembre del 2010, en un episodio de "El Show de Oprah Winfrey", Richardson se reunió con el grupo, que aparece por primera vez en 4 años. Richardson se unió al grupo en vivo en el estudio de Oprah Winfrey para realizar una versión en vivo de su hit "I want It that way". 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con un fragmento de la actuación de Backstreet Boys y Rascal Flatts, en vivo desde la 60.ª edición de los premios ACM, con una selección de canciones: What Hurts The Most, I Dare You, Larger Than Life, Life Is A Highway.  

viernes, 2 de octubre de 2026

Bernarr Rainbow


Bernarr Joseph George Rainbow, más conocido como Bernarr Rainbow, nació en Battersea, Londres, Reino Unido, el 2 de octubre de 1914, y murió en Esher, Surrey, Reino Unido, el 17 de marzo de 1998. Historiador de la educación musical, organista y director de coro. 

El sitio www.peterdickinson.info publicó este recordatorio preparado por Peter Dickinson. 

Bernarr Rainbow (1914-1998) y Rainbow Dickinson Trust 

Bernarr Rainbow fue una figura singular en la historia de la educación musical durante la segunda mitad del siglo XX. Poseía un carisma admirado por sus colegas y alumnos, y era un conferenciante inspirador. En 2010, el profesor John Paynter afirmó: «Fue, sin duda alguna, un gran hombre: un pionero, entregado por completo a las tareas que se proponía». Rainbow sentía pasión por la historia de la música sacra inglesa, por todos los aspectos de la educación musical a lo largo de varios siglos y por las personas que la hicieron posible; y sus libros y artículos plasmaron este entusiasmo para que profesores de música y responsables políticos pudieran beneficiarse. Ninguna otra figura en la educación musical ha recibido un tratamiento documental tan exhaustivo que abarque un legado tan extraordinario. 

Fue a partir de finales de la década de 1960 cuando Rainbow comenzó a ser reconocido como una autoridad destacada. Su libro de 400 páginas, «La música en el pensamiento y la práctica educativa», ha sido ampliamente reconocido y se utiliza como texto de referencia en cursos de educación musical en muchas partes del mundo. Su colección de manuales de enseñanza musical, basados en originales en varios idiomas de más de 400 años —«Textos clásicos en educación musical»—, constituye un hito importante y se completó con la adición de siete reimpresiones facsímiles para conmemorar el centenario de Rainbow en 2014. 

Bernarr Joseph George Rainbow nació en Battersea, Londres, el 2 de octubre de 1914 y falleció en Esher el 17 de marzo de 1998. Su abuelo fue miembro de la Casa Real en Sandringham; su padre fue ebanista en el Palacio de Buckingham; y finalmente, conservador de pinturas en Hampton Court, donde la familia se mudó en 1931. Bernarr estudió en la Rutlish School de Merton y, siendo aún estudiante, ocupó diversos puestos como organista de iglesia. Posteriormente, cursó estudios a tiempo parcial en el Trinity College of Music mientras trabajaba en la sección de cartografía del Registro de la Propiedad de Su Majestad, en Lincoln's Inn Fields.  

Como a tantos otros, la Segunda Guerra Mundial interrumpió sus estudios y pasó cuatro años en el ejército, sirviendo en el norte de África e Italia. Poco después de su regreso, se convirtió en organista y director de coro de la iglesia parroquial de Todos los Santos en High Wycombe, y posteriormente en el primer profesor de música de la Royal Grammar School. En 1946 fundó el influyente Festival de High Wycombe y, como director, intérprete y empresario, influyó en la vida musical de toda la región. Su festival fue admirado por Benjamin Britten, quien fundó el suyo propio en Aldeburgh dos años después. Hubert Foss declaró: «Si otras mil ciudades siguieran el ejemplo de High Wycombe, la música inglesa volvería a estar tan viva como en tiempos de la reina Isabel I».  

El nombramiento de Rainbow en 1952 como Director de Música en el College of St Mark and St John, Chelsea, la institución de formación de profesores de la Iglesia de Inglaterra, le brindó nuevas oportunidades, y fue allí donde comenzó su investigación. Además de los diplomas de música que había obtenido a lo largo de los años, obtuvo tres títulos de posgrado de la Universidad de Leicester: el Máster en Educación (1964), el Doctorado (1968) y el primer Doctorado en Letras (1992) otorgado por dicha universidad. De 1973 a 1979 fue Director de la Escuela de Música del Kingston Polytechnic (actualmente Universidad), y en 1995 fue nombrado Miembro Honorario del Trinity College of Music.  

Los escritos de Rainbow fueron tanto prácticos como académicos, como lo demuestra una lista de títulos. Comenzó con Music in the Classroom (1956, 2.ª edición 1971) y A Handbook for Music Teachers (1964; 2.ª edición 1968). Todos los libros posteriores de Rainbow están ahora disponibles en Boydell and Brewer y han sido publicados o reeditados bajo los auspicios del Rainbow Dickinson Trust: The Land without Music: Musical Education in England 1800-1860 (1967; reimpreso en 1991); The Choral Revival in the Anglican Church 1839-72 (1970; reimpreso en 2001); Music in Educational Thought and Practice (1989; 2.ª edición con capítulos adicionales de Gordon Cox y un prólogo de Sir Peter Maxwell Davies, 2006/edición de bolsillo 2007); Cuatro siglos de manuales de enseñanza musical 1518-1932 (2009); Bernarr Rainbow sobre música: memorias y escritos seleccionados (2010); y Música y la escuela pública inglesa (ed. 1991, nueva edición ampliada como Música en escuelas independientes editada por Andrew Morris (2014). El fideicomiso apoyó una serie de conferencias, ahora completas y publicadas como Educación musical en crisis: las conferencias Bernarr Rainbow y otras evaluaciones (2013). 

Rainbow se casó con Olive Still en 1941; no tuvieron hijos; y poco después de su muerte en 1996, creó el Bernarr Rainbow Trust (ahora Rainbow Dickinson Trust) con Peter Dickinson. Todos los bienes de Rainbow se destinaron al Trust, que ahora representa, en términos contemporáneos, algunos de sus intereses. Era un tradicionalista y afirmaba: «La música experimental en las escuelas debería complementar, no reemplazar, el desarrollo de las habilidades básicas, habilidades que no son ni demasiado difíciles ni demasiado aburridas para que los niños las adquieran si se abordan lo suficientemente pronto». Aun así, valoraba los nuevos enfoques, lo que se reflejó en los nombramientos para su departamento en el College of St Mark and St John. El Trust tiene un historial continuo de apoyo a proyectos musicales que incluyen formación para jóvenes, interpretación e investigación, habiendo invertido más de 300.000 libras esterlinas desde su creación. Ha apoyado la publicación o reedición de escritos de Rainbow, a menudo actualizados con material adicional encargado especialmente, y ha completado su serie de treinta y cinco textos clásicos en educación musical. 

El archivo Bernarr Rainbow se encuentra en la biblioteca del Instituto de Educación de la UCL, University College de Londres; sus documentos familiares están en Hampton Court; y su colección de himnarios cristianos y judíos y otra música litúrgica (688 piezas) se encuentra en la Biblioteca de Colecciones Especiales Foyle, King's College de Londres.  

jueves, 1 de octubre de 2026

Bardem y la judía mala

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opiñón firmado por Pilar Rahola.

Bardem y la judía mala

Se está creando una nueva Stasi de las ideas que se ha autonombrado

como censora universal de la libertad de expresión

Javier Bardem lleva una insignia con la inscripción "Palestina" y un símbolo antibélico en la alfombra roja a su llegada a la 98.ª edición de los premios Óscar en Hollywood, Los Ángeles, California (EE. UU.), el 15 de marzo de 2026. REUTERS/Daniel Cole
Javier Bardem lleva una insignia con la inscripción "Palestina" y un símbolo antibélico en la alfombra roja a su llegada a la 98.ª edición de los premios Óscar en Hollywood, Los Ángeles, California (EE. UU.), el 15 de marzo de 2026. REUTERS/Daniel Cole

¿En qué momento de extraña inconsciencia aceptamos que los Bardem y las Sarandon de turno decidieran qué se puede pensar y qué se puede opinar? ¿Cuándo permitimos que los groupies de moda al estilo Swifties Against Genocide se convirtieran en la nueva inquisición del pensamiento? ¿Qué delirio nos llevó a creer que los Macklemore cualquiera eran cualificados expertos en geopolítica? ¿Qué brújula ética rota nos hizo suponer que todos estos fueran los guardianes de la moral ideológica?

Se está creando una nueva Stasi de las ideas que se ha autonombrado como censora universal de la libertad de expresión. Una Stasi que habita fuera de las reglas de juego que nos hemos impuesto como civilización, indiferente a las leyes que marcan los límites del juego democrático. Por supuesto, toda esa marabunta de dioses menores coincide en dos principios básicos. El primero: profesar la nueva religión del palestinismo, cuya fe obliga a practicar contra el estado hebreo un odio puro, sin matices ni ambages. Y el segundo: negar que sean los principales responsables del odio judeófobo que campa por el territorio viral sin ningún sentido, ni control. Por supuesto, todos repiten la vieja letanía del “amigo judío” que les impide ser antisemitas, porque lo suyo es el antisionismo y bla, bla, bla. Lo cual es una contradictio in terminis, porque ser antisionista es negar el derecho de Israel a su existencia, es decir, negar al pueblo judío, sometido a la persecución secular y al intento masivo de exterminio, la posibilidad de tener un escudo que los defienda. No nos vendan el pescado podrido: convertir a Israel en la madre de todas las maldades, focalizar todos los conflictos del mundo en uno solo, negar las razones de Israel para defenderse y banalizar las atrocidades del terrorismo solo tiene un viejo, conocido y letal nombre: antisemitismo. Como metáfora, el aberrante ejemplo del gobierno español, que se niega a coincidir con Israel en el festival musical de Eurovisión, pero se siente feliz con la compañía de Irán en el mundial de fútbol. Negar el antisemitismo de todas estas prácticas es una tomadura de pelo monumental que no aguanta ni un segundo de reflexión. Solo hace falta observar cómo han aumentado las agresiones contra los judíos en todo el mundo para entender de dónde surge la fuente que alimenta al odio.

PUBLICIDAD

Sin embargo, todo lo que está ocurriendo no se queda solo en el antisemitismo, porque la censura y el boicot contra determinadas personas públicas no solo es por su condición judía, lo cual es muy relevante, sino por las ideas que defienden, más allá de su identidad. De ahí que algunos que no somos judíos, suframos el mismo boicot. Es decir, no solamente son judíos, sino que se perciben como “judíos malos”, y es ahí donde el mundo se divide entre el director de Naza Yuval Abraham y la cantante Pink. Es decir, entre el judío bueno que hace una película contra el ejército de Israel y defiende de las tesis de los gurús anti israelíes, y la judía mala que recuerda el drama del 7 de octubre y afea el negacionismo del Free Palestine. El caso de la escritora argentina Ariana Harwicz es especialmente significativo. A pesar de que su condición judía, expresada sin complejos ni tapujos, pesa a la hora de tomar partido en estos tiempos maniqueos y desquiciados, lo cierto es que la persiguieron no por ser judía, sino “judía mala”. Si Harwicz hubiera comprado las tesis del “genocidio” y sus declaraciones hubieran pasado el filtro del “bardenismo” (Bardem crea escuela), habría sido presentada con loor de multitudes y los 25 minutos de aplausos para Naza en Venecia se habrían quedado cortos. Pero Harwicz tenía opinión propia, se había pronunciado en contra del boicot cultural a Israel y sus declaraciones fueron inmediatamente tipificadas como “justificación del genocidio”, una vez queda impuesto y fuera de todo debate, el concepto del genocidio. Este es el punto: Harwicz pensaba libremente sobre el conflicto, y está prohibido tener otra opinión que no sea la que imponen los gurús de la censura. Por cierto, en este punto, caiga para siempre la vergüenza sobre Camila Sosa Villada y el resto de compatriotas de Ariana Harwicz que han defendido el boicot.

La escuela de Bardem, es decir el “bardenismo”, no persigue a los judíos en general. Para eso ya están los miles de descerebrados cuya diarrea mental se esparce por las redes, las universidades, los campos de fútbol, los discursos políticos y por tantos otros rincones oscuros. Lo que persigue el bardenismo es la libertad de pensar, de interrogarse y de llegar a conclusiones que no cuadran con el pensamiento único impuesto. El proceso para derrotar el pensamiento libre es preciso y minucioso: primero se niega toda complejidad al conflicto. Simplificada y vulgarizada la situación, se impone una conclusión cerrada que no admite discusión: la guerra no es una guerra, es un genocidio. Y con las palabras mayores impuestas por doquier, sin pruebas, ni sentencias, ni nada que lo avala, se persigue a quien no acepte la conclusión como una fe inamovible. A Harwicz y a Pink y a muchos otros se les ha puesto la estrella de David en el brazo no solo por ser judíos -que ya es un plus-, sino por no convertirse en delatoras del estado que nació para defenderlas. Al judío público, a las Pink y las Harwicz se las obliga a pronunciarse en contra de Israel, como una penitencia para perdonar su judeidad. El judío domesticado es el único judío bueno. Pero si ese mismo judío habla del 7 de octubre, del terrorismo, del derecho a la defensa, del antisemitismo que sufre, y alza la voz propia contra el pensamiento impuesto, entonces es el judío malo: un señalado, un apestado, un proscrito.

PUBLICIDAD

Javier Bardem, Susan Sarandon, el sabio Macklemore, los ruidosos Swifties del Against Genocide, son la nueva policía del pensamiento, herederos de todos los inquisidores de todos los tiempos que intentaron matar el derecho a pensar, a disentir y a atreverse a expresarlo. Se venden como almas solidarias, pero son vulgares censores, tan cobardes, que necesitan imponer, perseguir y señalar, antes de admitir el debate. Son simplemente lo que parecen: una policía religiosa adscrita a la nueva fe del palestinismo.

@RaholaOficial

Web: https://pilarrahola.com

Instagram: pilar_rahola/