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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Cyril Ornadel nació en Londres, Reino Unido, el 2 de diciembre de 1924, y murió en Israel, el 22 de junio de 2011. Pianista, compositor, arreglador y director de orquesta.
Cyril Ornadel Sus recuerdos de una vida en el teatro musical británico
Según lo contado a Reuben Musiker
Este distinguido compositor, director de orquesta y director musical británico celebró su 80.º cumpleaños el 2 de diciembre de 2004. Actualmente reside en Israel. Para celebrar la ocasión, accedió a contribuir con un resumen de algunos de los momentos más destacados y logros de su larga e ilustre carrera para «Journal into Melody». Esta publicación resulta especialmente apropiada, ya que Cyril Ornadel tiene en la más alta estima a Robert Farnon. Escribe sobre su relación en una carta reciente a Reuben Musiker:
Robert Farnon tuvo una enorme influencia en mi amor por la música ligera. Cuando estudiaba en el Royal College of Music con Laurie Johnson (Los Vengadores/Los Profesionales), Ivor Rabin (hijo de Oscar Rabin) y David Katz (que más tarde se convertiría en uno de los principales contratistas orquestales de Inglaterra para grabaciones y películas en la segunda mitad del siglo XX), Robert Farnon solía permitirnos asistir a los ensayos de sus Sunday Afternoon Broadcasts desde un estudio en Piccadilly.
Sus sensacionales orquestaciones tuvieron una influencia imborrable en nuestras diversas vidas musicales. Recuerdo especialmente un ensayo en el que un músico tuvo dificultades para frasear una sección específica de un arreglo. Bob Farnon le preguntó si le importaba que le mostrara cómo le gustaría que se tocara, tomó prestado su instrumento y lo interpretó sin esfuerzo. Pudo tocar todos los instrumentos de la orquesta.
Durante nuestra época universitaria, Laurie Johnson formó una orquesta al estilo de Andre Kostelanetz. Yo escribí la melodía característica y toqué el piano, y Laurie se encargó de todas las orquestaciones. Todo formó parte de nuestros años de formación.
Muchos años después, Bob Farnon fue el encargado de dirigir la Orquesta de la Radio de Colonia para una emisión de la BBC en el estreno mundial de un 'Concierto de los Beatles para dos pianos y orquesta' orquestado por John Rutter e interpretado por el dúo internacional de piano 'Rostal y Shaeffer'.
A última hora, Farnon enfermó y recomendó a la BBC que me contactara para ver si estaba disponible para sustituirlo. Afortunadamente, lo estaba, y gracias a su amabilidad, volé a Colonia y dirigí el estreno del concierto.
Cyril Ornadel ha completado su autobiografía, que se publicará próximamente bajo el título «Alcanzar la Luna». Escribe lo siguiente sobre su libro y los momentos más destacados de su carrera:
«Alcanzar la Luna» abarca mis años en teatros, cine, televisión y estudios de grabación del West End, de 1948 a 1988, trabajando con la flor y nata de la música británica y estrellas internacionales de aquellos años. Cuento historias sobre los espectáculos en los que participé como director musical de las producciones originales del West End, entre ellas «Kismet», en el Teatro Stoll de Kingsway, con Dorreto Morrow y Juliet Prowse; «My Fair Lady», en el Teatro Drury Lane, con Rex Harrison, Julie Andrews y Stanley Holloway; y «Call Me Madam», en el London Colosseum, con Anton Walbrook.
Mis experiencias con compositores incluyen a Leonard Bernstein, Lerner y Loewe, Forrest y Wright. Entre los productores se encuentran Jack Hylton, Lord Lew Grade, Lord Bernard Delfont, Val Parnell, George y Alfred Black, Tom Arnold, 'Binkie' Beaumont y Ross Taylor. Entre los directores mencionados se encuentran Moss Hart, Albert Marre y Robert Nesbitt.
Estrellas mundialmente famosas [incluidos] Yul Brynner, Nat King Cole, The Crazy Gang, Paul Robeson, Mario Lanza, Judy Garland, Sir Noel Coward y muchos otros [que conocí] durante mis años como director musical del London Palladium, junto con la serie de televisión 'Sunday Night at the London Palladium' con Bruce Forsyth.
En el ámbito de la grabación, dirigí la versión estéreo de 'My Fair Lady' con las estrellas originales y mi propia serie MGM de la Orquesta Sinfónica Starlight celebrando la música de Jerome Kern, Rodgers y Hart, Rodgers y Hammerstein, Lerner y Loewe y Cole Porter.
Entre sus composiciones para varios musicales se incluyen 'Pickwick' con Leslie Bricusse, protagonizada por Sir Harry Secombe; 'Ann Veronica' con David Croft, protagonizada por Dame Dorothy Tutin; 'Starmaker' también con David Croft para Jack Hulbert y Cicely Courtneidge; 'Grandes esperanzas' con Hal Shaper, para Sir John Mills y Lesley Ann Downe; 'La isla del tesoro' también con Hal Shaper, para Lord Bernard Miles, los dos últimos ganadores de premios Ivor Novello (los Oscar ingleses) a los mejores musicales de aquellos años.
Entre las canciones se incluye «Portrait of My Love», escrita por Norman Newell y grabada por Matt Monro. Recibí un premio BMI por dos millones de transmisiones de «Portrait of My Love» en todo el mundo. «If I Ruled the World» fue escrita con Leslie Bricusse y grabada por Sir Harry Secombe y Tony Bennett, ambos ganadores de premios Ivor Novello.
El libro es una visión de la escena del teatro musical británico, que abarca cuatro décadas, como nunca antes se había contado desde el punto de vista de un compositor/director.
También tengo muchas fotografías y programas tomados con varias estrellas del teatro y el cine. Fui director fundador de The World Record Club, la primera empresa de venta de discos por correo de Inglaterra, que incluía a Lord Richard Attenborough y Steve Race en el Consejo Editorial.
Entre los muchos proyectos que creamos, y de los cuales fui productor discográfico, se encuentran "The Living Bible", narrada por Lord Laurence Olivier, y la serie de grabaciones "The Living Shakespeare", que incluía a lo mejor de los actores y actrices británicos de la segunda mitad del siglo XX.
Para las películas, compuse las bandas sonoras de 30 películas, incluida la nueva versión de 'Breve encuentro' con Sophia Loren y Sir Richard Burton.
Como director musical de la serie de televisión «La familia Strauss», dirigí la Orquesta Sinfónica de Londres, obra que también se grabó y que les valió su primer Disco de Oro. También con la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigí la galardonada serie de televisión «Eduardo el Séptimo».
Más de 1000 de mis composiciones figuran en el extenso apéndice del Libro. La Academia Británica de Autores, Compositores y Cantautores (BASCA) me ha concedido la «Insignia de Oro al Mérito» por mis servicios a la música británica.
Se puede encontrar una biografía y discografía de Cyril Ornadel en el libro 'Conductors and Composers of Popular Orchestral Music' de Reuben y Naomi Musiker (Greenwood Publishers, 1998).
Rubén Musiker 2004
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Portrait Of My Love, en la versión de Matt Monro y If I Ruled the World por Tony Bennett.
Paul Williams, más conocido como Billy Paul, nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 1 de diciembre de 1934, y murió en Blackwood, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 24 de abril de 2016. Músico y cantante.
El sitio www.blackpast.org publicó este recordatorio firmado por Otis Alexander.
13 de enero de 2022 / Contribuido por: Otis Alexander
Billy Paul, un artista destacado del Philadelphia Soul Sound, nació como Paul Williams en el norte de Filadelfia el 1 de diciembre de 1934. En 1945, con 11 años, Paul hizo su primera aparición en un programa de radio, y a los 16, ya había aparecido en el Club Harlem de Filadelfia en el mismo programa que el saxofonista Charlie Parker. En 1952, Paul lanzó su primer sencillo, "Why Am I" y el lado B "That's Why I Dream" con Jubilee Records 5081. Meses después, Paul lanzó su segundo sencillo con la Orquesta Buddy Lucas, "You Didn't Know".
En 1957, mientras estaba en el Ejército de los Estados Unidos, Paul y Gary Crosby, hijo de Bing Crosby, fundaron la Jazz Blues Symphony Band y el conjunto realizó una gira por Alemania. Además, Paul fue boxeador mientras servía a la patria. Tras ser dado de baja honorablemente en 1959, Paul se unió al sello discográfico New Dawn y lanzó varios sencillos, entre ellos «Ebony Woman». Ninguna de las composiciones llegó a las listas de éxitos.
En 1967, Billy Paul y Blanche Williams, directora de producción, se casaron. Tuvieron dos hijos. Ese mismo año, Gamble y Huff firmaron un contrato discográfico con Paul. Feelin' Good at the Cadillac Club (1968), su primer álbum, fue una revisión de la actuación de Paul en clubes. Posteriormente, lanzó Ebony Woman (1970). Alcanzó el puesto número 12 en las listas Billboard Soul
y el número 183 en las listas Pop.
Paul lanzó el álbum Going East en 1971. Y en 1972, su álbum 360 Degrees of Billy Paul, del sello Epic, alcanzó el puesto n.º 27 en 1974. Este trabajo incluía el sencillo «Me and Mrs. Jones», que alcanzó el puesto n.º 12 en la lista de R&B y vendió más de cuatro millones y medio de copias en Estados Unidos. En 1973, en la 15.ª edición de los Premios Grammy, Paul recibió el premio a la «Mejor Interpretación Vocal Masculina de R&B» por el éxito.
De 1974 a 1979, Paul lanzó seis sencillos con el sello Philadelphia International que entraron en las listas de éxitos, incluyendo "Let's Make a Baby", que alcanzó el puesto n.º 18 en la lista de R&B, el n.º 30 en la lista del Reino Unido y el n.º 83 en la lista Billboard Hot 100. Su tema "Only the Strong Survive" alcanzó el n.º 33 en la lista del Reino Unido y el n.º 68 en la lista de R&B en 1977. En 1980, "Sexual Therapy" de Paul alcanzó el n.º 80 en la lista de R&B. En 1988, Paul lanzó su último álbum, Wide Open.
En 2011, la vocalista Chimène Badi invitó a Paul a participar en su álbum Gospel & Soul para la versión del éxito de Marvin Gaye, "Ain't No Mountain High Enough". En 2014, a los 80 años, Paul grabó con Chico and the Gypsies en el álbum Chico & The Gypsies & International Friends. Al año siguiente, recibió el premio al Artista Retro Favorito del Año 2015 de la AMG (Asociación de Artistas Musicales) por su continua trayectoria musical.
Billy Paul, quien lanzó 15 álbumes a lo largo de su carrera, falleció de cáncer de páncreas el 24 de abril de 2016 en Blackwood, Nueva Jersey. Tenía 81 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Me and Mrs. Jones.
Les ofrecemos un resumen del acto celebrado en la Sinagoga de Sta. María la mayor de Toledo, con motivo del 60 aniversario de Nostra Aetate presidido por los representantes de la comunidad judía de España y del arzobispado de Toledo.
William Michael Albert Broad, más conocido como Billy Idol, nació en Stanmore, Middlesex, Reino Unido, el 30 de noviembre de 1955. Cantante, compositor y actor.
Estoy irremediablemente dividido entre la oscuridad y la bondad, el rebelde y el santo, el maníaco sexual y el monje, el poeta y el sacerdote, el demagogo y el populista. Siento la fuerza de las emociones cuando estos personajes aparecen en mis acciones. Puedo justificarlo todo ante mí mismo, pero en mi interior, donde realmente importa, la plenitud y el vacío pugnan por afirmarse mutuamente... este cisma ha propiciado el nacimiento de notas musicales que vuelan en el viento, resonando en mi mente.
El hombre que se convertiría en ídolo, William Michael Albert Broad, nació en Middlesex, Inglaterra, el 30 de noviembre de 1955, exactamente 8 días después de que RCA Records comprara el contrato de Elvis Presley a Sun Records.
Cuando tenía tan solo dos años, William y su familia se mudaron a Long Island, Nueva York. Durante cuatro años de formación (durante los cuales Elvis se unió al ejército, John Glenn saltó al espacio y el llamado a la igualdad resonó desde el sur de Estados Unidos), William Broad vivió la vida perfecta de un joven estadounidense, aferrado a su gorra de piel de mapache y contemplando fotos de un apuesto joven presidente. Cuando tenía casi 7 años, William y su familia regresaron a Inglaterra. Aunque estaba de vuelta en su tierra natal, sus compañeros de clase lo llamaban "el Yanqui" y se burlaban de él por su acento "yanqui"; la suerte estaba echada para una vida vivida empatizando con los marginados y los desfavorecidos. Ese hilo conductor sigue vivo medio siglo después en las palabras y la fuerza de la música de Idol.
A medida que William alcanzaba la mayoría de edad, Inglaterra se perfilaba como el epicentro mundial de la moda, la música y la juventud. Durante los años 60 y principios de los 70, William Broad lo abrazó todo, desde los pantalones ajustados de los Mods hasta los labios ásperos de los Rockers, desde las invenciones sonoras de los Beatles hasta el pop-art de The Who; más tarde, se pasó a las audaces declaraciones de Bowie y se convirtió en un fanático ecléctico e investigador de todo, desde Captain Beefheart hasta Can. Lo archivó todo para futuras consultas. Durante el instituto, William aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta y empezó a cantar en bandas locales discretas; empezaba a comprender que la música podría no ser solo su pasión, sino el camino hacia una carrera.
Los meses de verano conduciendo para mi padre durante el día y ensayando por la noche demostraron mi dedicación a la necesidad que sentía de una vida artística. No soportaba la idea de trabajar por los sueños de otros. Ni siquiera la esclavitud, bastante benigna, de trabajar para mi padre era mi ideal de vida. Me sentía deprimido por la sociedad y quería expresarme, aunque aún no supiera del todo cómo lograrlo.
Como muchos jóvenes en Inglaterra a mediados de los 70, William Broad tenía pocos motivos para sentirse optimista sobre sus posibilidades de empleo, de ascender a una clase social superior o de una vida plena artística o emocionalmente. Claro que estas mismas condiciones crearon el punk, pero él aún no lo sabía. Lo que sí sabía era que tenía que elegir entre trabajar para su padre repartiendo herramientas o ir a la universidad. Eligió esto último. Pronto empezó a tocar la guitarra en una banda que daba conciertos principalmente en la cafetería del colegio.
Mi miedo era la mediocridad, ser solo una pieza más del glorioso sistema que acabaría reduciendo nuestro espíritu a polvo. Me negaba a ser prisionero en una jaula dorada de la que no había escapatoria… Estaba decidido a superar mis limitaciones, a mirar mi mediocridad a la cara, a dar un paso al frente y atreverme a fracasar a lo grande, a ir por el oro, a vivir al borde de la incertidumbre. Al menos estaría vivo para sentir mi propio dolor, como John Lennon había ordenado… Vivía dentro de mi cerebro, una persona con alma aplastada por el menosprecio, el fracaso escolar, un fracaso para mis padres. Solo había demostrado mediocridad, sintiendo la necesidad de abandonar su forma de vida con sus miedos y aventurarme con valentía donde ningún Broad había llegado antes.
Un día, William se encontró con gente interesante en un andén cerca de la casa de sus padres, en Bromley, un suburbio del sur de Londres. Pronto, él y sus nuevos amigos —entre ellos Susan Ballion, que más tarde sería conocida como Siouxsie Sioux— se convirtieron en los primeros fans de una nueva banda llamada The Sex Pistols.
William y sus amigos alcanzarían notoriedad mediática como miembros de un grupo de pioneros del punk muy fotografiado, conocido como The Bromley Contingent, siguiendo a los Pistols de concierto en concierto mientras se convertían en el centro de un cambio de paradigma musical mundial. Luego, como casi todos sus amigos, se unió a una banda y se convirtió en el guitarrista de un nuevo grupo punk llamado Chelsea.
Sin embargo, William pronto se sintió insatisfecho con la forma en que el vocalista de Chelsea interpretaba las canciones que él y su coautor, el bajista Tony James, escribían. Así que, en otoño de 1976, Tony y William dejaron Chelsea y, junto con el guitarrista Bob Andrews y el baterista John Towe (poco después reemplazado por Mark Laff), formaron Generation X.
Nosotros, la nueva generación, nos propusimos sacudir los cimientos de la vida inglesa, un puñetazo en la cara del rock and roll anticuado... los sentimientos de libertad, amor y paz engendrados en los 60 habían dado paso a una mentalidad de estado policial. Un viento frío congeló la esperanza y arruinó los testículos. Tendríamos que tener más agallas para lidiar con ello.
A finales de 1976, mientras la historia cultural se reescribía cada noche en las calles de Londres, William Broad renació como Billy Idol. Con su nombre deslumbrante y la cabeza llena de alcohol, Idol se convirtió en una estrella de rock instantánea. Pocos sabían que su apodo adoptado fue inicialmente Billy Idle, un nombre que le dio un maestro de escuela despectivo; incluso en el nacimiento de esta superestrella, había un niño autocrítico que asomaba tras la idolatría.
La Generación X aportaría toques de positividad, pop y romance a una escena que hasta entonces se había definido por su negatividad, atonalidad musical y actitud nihilista hacia el sexo opuesto. Desde himnos celebratorios como "Youth Youth Youth" y "Ready Steady Go" hasta ensayos intensamente personales como "The Prime of Kenny Silvers" y "English Dream", la Generación X expresó un deseo intrépido de usar la nueva música como una forma de expresar vulnerabilidad y una afinidad con la historia del rock, evocando constantemente el optimismo del nuevo comienzo del punk, a la vez que rechazaba el pesimismo fácil de la perspectiva apocalíptica del punk.
En 1980, bajo la nube de una demanda de su entonces manager, Generation X se separó, pero Idol y James decidieron continuar como Gen X (con asistencia en el álbum, gran parte de la cual presagiaba los estados de ánimo y las texturas más profundas del post-punk progresivo, de Steve Jones de los Sex Pistols, Steve New de los Rich Kids, Terry Chimes de los Clash y Jamie Stevenson, quien años antes había reemplazado a Idol como guitarrista en Chelsea).
Durante años, Billy había estado intrigado por la idea de integrar los ritmos espaciosos y móviles de la música dance en su sonido (en 1978, él personalmente había insistido en que Generation X grabara una mezcla "dub" de su canción "Youth Youth Youth"; este puede haber sido el primer ejemplo de una banda de rock que aplica técnicas de dub jamaiquino y remix dance a una canción de rock sencilla).
Este espíritu de invención estaba especialmente vivo en “Dancing With Myself”, la extraordinaria canción que abrió el lado uno del único álbum de Gen X.
Los acordes de "Dancing With Myself" eran simples y no muy diferentes de "Blitzkrieg Bop" de los Ramones; el bajo era aún más simple, con ecos de Dee Dee Ramone; las guitarras fueron rasgueadas por algunos de los músicos más famosos del punk rock; y las voces temblaban e hipaban como Alan Vega de Suicide canalizando a Elvis. Pero algo asombroso estaba sucediendo con el ritmo: era puro club de baile, con más en común con Chic que con los Sex Pistols. En su misión pionera de integrar las culturas entonces opuestas del rock y el rock-steady, el pogo y la disco, Idol y James fueron asistidos por el productor Keith Forsey, quien había trabajado estrechamente (como coautor e ingeniero de grabación) con el pionero de la música dance Giorgio Moroder. La asociación con Forsey resultaría muy fructífera para Idol y continuaría durante otras dos décadas.
Lanzado a principios de los 80, en unos minutos mágicos, "Dancing With Myself" conectó a todas las tribus divergentes de los 70 y creó un objeto cautivador y original de su época que alcanzó la atemporalidad. Aunque "Dancing With Myself" no batió récords de ventas en su lanzamiento inicial, causó un gran revuelo en clubes de todo el mundo, donde los DJ comenzaban a redefinir el sonido de la música dance en la década siguiente.
Con el fracaso comercial de Kiss Me Deadly (y el lanzamiento original de "Dancing With Myself"), la breve, colorida y melodiosa vida de la Generación X llegó a su fin. Era hora de un nuevo comienzo.
Al igual que su padre, Billy Idol decidió rehacer su vida en Estados Unidos. En 1981, con 26 años, Billy aterrizó en un Manhattan destartalado, gruñón, agrietado, destrozado y maravilloso. Idol abrazó con entusiasmo las bajas del metro y las altas de los rascacielos que prometían las letras de Lou Reed y Patti Smith. Fue una decisión valiente para un hombre sin banda y con un éxito de culto muy limitado en su nuevo país. Pero "Dancing With Myself" le había abierto el camino.
Tras arrasar en las pistas de baile de clubes nocturnos neoyorquinos como Hurrah, Area y Mudd Club, la canción se relanzó como un lanzamiento en solitario de Idol, seguida poco después por la contundente y vibrante "Mony Mony". Aunque Billy Idol aún no conquistaba las listas de éxitos estadounidenses, había plantado su bandera en nuevas tierras y comenzaba a atraer mucha atención por su combinación de melodía, ritmo y actitud.
Su agudo sentido de las tendencias culturales y su carismática capacidad para marcar la pauta lo colocaron en la posición ideal para capitalizar un extraordinario nuevo canal musical llamado MTV. Idol fue el hombre indicado en el momento oportuno, creando música digna de cámara, creíble gracias a su pasado punk rock y su actitud implacable. Pronto, se convirtió en un rostro tan familiar en las pantallas estadounidenses como los héroes vaqueros de su juventud en Long Island. Con un compañero extraordinario, el guitarrista Steve Stevens, cuyas chispas de glamour y talento lo convirtieron en el compañero perfecto en la campaña de Billy por conquistar América, todo estalló en una supernova platino de puños en alto y coros imponentes.
Billy Idol comenzó la década de 1980 en un apartamento en el entonces sórdido Upper West Side de Manhattan, amueblado únicamente con un colchón en el suelo y un televisor en blanco y negro; terminó la misma década con numerosos álbumes de platino y giras con entradas agotadas por todo el mundo. Obtuvo tres nominaciones al Grammy, un MTV Video Music Award (y diez nominaciones) y un prestigioso Brit Award. Desde "White Wedding" y "Hot In The City" de 1982 (ambos en el Top 40 de Estados Unidos) hasta el himno de 1984 "Rebel Yell" y la seductora "Eyes Without A Face" (esta última alcanzó el número 4 en las listas estadounidenses), seguidas rápidamente por "Flesh for Fantasy" y "Catch My Fall", hasta "To be A Lover" de 1986, Billy Idol acumuló una extraordinaria racha de éxitos. En 1987, su grabación de “Mony Mony” alcanzó el número 1 en las listas de sencillos de Billboard y en 1990 siguió “Cradle of Love”, que alcanzó el número 2.
Mucha gente de todos los estratos de la sociedad se portó mal en la década de 1980. Billy Idol no fue la excepción: abrazó con entusiasmo los clichés que conllevaba ser una estrella de rock internacional en la ciudad que nunca dormía.
Cuando estaba en tu sala de estar
En MTV, nena,
estaba tan drogado como la luna
Vendí todos mis vinilos
Se me subieron por el brazo
Y pensé que el rock and roll
No podía hacerme daño
—De Kings & Queens of the Underground , la canción principal del último álbum de Billy Idol.
En 1987, Billy Idol dejó Nueva York, donde sus sueños de rock and roll y sus malos hábitos habían florecido a la par, y se mudó a Los Ángeles. Su predilección por ir más rápido, alcanzar más altura y ser más salvaje encontró aún más voz en Dreamland.
Billy Idol era mitad hombre, mitad niño, viviendo el sueño de todo niño de motos rápidas, música fuerte y mujeres hermosas. En algún lugar, de alguna manera, estaba seguro de estrellarse. Y en febrero de 1990, al concluir las sesiones de grabación de Charmed Life, un horrible accidente de motocicleta casi le quita la vida a Billy Idol (y estuvo peligrosamente cerca de amputarle una pierna, además de costarle un papel importante en Terminator 2 de James Cameron). Siguieron más roces con la mortalidad y desventuras relacionadas con las drogas, pero las fiestas de alto perfil continuaron. Sin embargo, los instintos creativos que siempre mantuvieron a Billy un paso por delante del zeitgeist cultural y tecnológico continuaron prosperando, a pesar del precio que dos décadas de alta vida habían tenido en el cuerpo y el alma de Billy.
En 1991, Idol actuó en la película The Doors de Oliver Stones (también apareció como él mismo en un célebre cameo en The Wedding Singer de 1998). Y en los años 90 y más allá, Billy Idol lanzó dos de sus discos más notables: Cyberpunk de 1993 se adelantó a su tiempo; sus temas líricos y su estrategia de marketing directo al usuario de computadora anticiparon el efecto de la red mundial en la cultura musical y las redes sociales por más de una década. No debería sorprender que la visión de futuro de Idol de un futuro dominado por el software y las redes sociales pasara por alto a la mayoría de los críticos (e incluso a algunos de los fanáticos de toda la vida de Billy). Diez años después, en 2005, Devil's Playground fue el álbum más crudo de Idol desde el primer disco de Generation X; un disco de rock'n'roll básico y obsceno, combinaba el mordisco arrastrado de Heartbreakers de Johnny Thunders, combinado con la mirada cómplice de Sunset Strip.
El nuevo milenio trajo consigo un cambio de perspectiva para Billy Idol. La sonrisa irónica y la creatividad pionera se mantienen, pero se ha reducido el alcance de los demonios y la decadencia.
En 2014, Billy Idol no solo recupera su ritmo y su forma, sino que también domina nuevas formas. Su autobiografía, Dancing With Myself , narra todos los altibajos del hombre que es, fue y siempre será Idol. Desde los sótanos donde nació el punk rock hasta Hollywood Hills, desde las fiestas con los Rolling Stones hasta una reconciliación con su padre en su lecho de muerte, Dancing With Myself es una imagen completa y honesta de una vida vivida amando, tocando y casi muriendo por el rock and roll.
El nuevo álbum de Idol, Kings & Queens of the Underground, se reconoce al instante como un clásico de Idol y evoca sus mejores trabajos, pero con una buena dosis de madurez, profundidad musical y carismática reflexión. Kings & Queens of the Underground rebosa agresividad, sutileza, ritmo, romance y rugido, mientras Billy continúa su misión, con Steve Stevens a su lado, de encontrar un léxico musical que integre medio siglo de historia del rock en un sonido ingenioso, original y atractivo.
Finalmente, me libero gracias al sueño de una vida que supera mis limitaciones y me permite gloriarme de cualquier éxito que me dé la razón. Las cimas son tan altas y los valles tan bajos que es fácil cuestionar mi propia cordura. La libertad no es gratis. Alcanzar ese estado de gracia puede adormecer la mente y destruirla.
Billy Idol ha vuelto, sin haberse ido nunca. Siempre ha estado contigo, cada vez que has querido compartir con alguien la sensación que te transmitía el rock and roll.
Biografía de Timothy Sommer. Citas extraídas de la autobiografía de Billy Idol, Dancing With Myself.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Eyes Without A Face.
Silvio Rodríguez Dominguez ―San Antonio de los Baños, Habana (hoy provincia de Artemisa), 1946―. Trovador y dibujante.
Desde 1952 reside en La Habana. En 1955 recibió clases de piano de Margarita Pérez Picó. En 1961 fue uno de los 100 mil jóvenes que integraron las brigadas “Conrado Benítez” y se fueron al campo a alfabetizar. El 15 de abril de ese año, tras el bombardeo a los aeropuertos, preludio del ataque por Bahía de Cochinos, se inscribió en las milicias estudiantiles.
En 1962 se inició como aprendiz y dibujante en el semanario Mella, donde tuvo como maestro a Virgilio Martínez. Allí, jugando, compuso su primera canción: “El rock de los fantasmas”. En 1963 recibió clases de piano de Amelia Fabré Obregón y matriculó en la Academia de Artes Plásticas “San Alejandro”.
En marzo de 1964 fue llamado a filas por el Servicio Militar Obligatorio. Allí, en sus momentos libres, empezó a tocar la guitarra y a componer canciones con regularidad; entonces también se presentó en los Festivales de Aficionados de las FAR. Fue dado de baja el 12 de junio de 1967. Semanas antes había conocido a Mario Romeu, pianista y director de orquesta, quien el martes 13 de junio lo presentó en el programa televisivo “Música y Estrellas”, cantando “Sueño del colgado y la tierra” y “Quédate”. Poco después, a propuesta de Juan Vilar, se vio inaugurando y conduciendo un programa llamado “Mientras Tanto”, como otra de sus canciones.
En julio de 1967 fue invitado por los poetas de El Caimán Barbudo, amigos desde el semanario Mella, a un recital en homenaje a la trovadora Teresita Fernández. En febrero de 1968, Haydee Santamaría lo invitó a cantar en la Casa de las Américas, donde compartió con Noel Nicola, Pablo Milanés, Martín Rojas, Eduardo Ramos y Vicente Feliú el concierto fundacional de la nueva trova, de la que fue uno de sus guías. Entre 1969 y 1970 viajó por las costas de África en varios barcos de pesca, en los que compuso 62 canciones. A su regreso hizo tres recitales en la sala de teatro Hubert D’ Blanck, colmada de jóvenes. A propuesta de Alfredo Guevara, fue uno de los fundadores del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, que se especializó en la banda sonora del cine. Allí recibió clases de Leo Brouwer, Juan Elósegui y Federico Smith.
En 1974 comenzó a grabar su primer disco en solitario, “Días y flores”, producido por Frank Fernández, que vio la luz en 1975. En 1976, cuando la Sudáfrica del apartheid invadió a Angola, recorrió dos veces los frentes de combate, cantándoles a las tropas cubanas y angoleñas.
A partir de 1977 viajó intensamente por toda América y Europa. Hizo giras y grabó con los grupos Afrocuba, Irakere y Diákara. Colaboró con la Camerata Brindis de Salas y con la Orquesta Sinfónica Nacional.
Silvio Rodríguez ha compuesto música y letra de cientos de canciones. Posee una amplia discografía. Ha musicalizado filmes, teleseries y piezas de teatro. Ha recibido numerosos premios y condecoraciones. Sus canciones han sido traducidas al francés, italiano, alemán, inglés, portugués, guaraní, ruso, chino, japonés, coreano, sueco y catalán. Ha publicado dos libros: “Canciones del mar” (Ojalá ediciones, 1996) y “Cancionero” (Ojalá ediciones, 2008).
En la década de los 90 alentó y contribuyó a la construcción de los estudios de grabación “Abdala” y “Ojalá”, en La Habana, y el “Eusebio Delfín”, en Cienfuegos. En 1985 le fue otorgado el Premio Luigi Tenco (San Remo, Italia). En 1993 fue elegido Diputado a la Asamblea Nacional del Poder Popular, de la que se retiró en 2008. En 1997 fue nombrado Artista UNESCO por la Paz. En 2004 recibió el Premio Nacional de Música; en 2006 el Premio Latino por toda una vida, de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música de España.
En 2007 la Universidad Mayor de San Marcos de Lima, Perú, le confirió el título de Doctor Honoris Causa. En 2008, al frente de un grupo de artistas y escritores cubanos recorrió 16 prisiones, actuando ante más de 40,000 reclusos. En 2010, luego de 30 años de exclusión, puede volver a los Estados Unidos y realiza un memorable recorrido. Poco después hace un concierto en las calles de Medellín (Colombia), otro en Ciudad Juárez, y recibe el doctorado Honoris Causa de la Universidad Veracruzana, con sede en Xalapa, México. Luego, en 2011, recibe también el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina; y en 2017, el de Doctor Honoris Causa en Arte que otorga la Universidad de las Artes de Cuba (ISA).
Durante una gira por Argentina en octubre de 2018 le entregan el Premio Democracia como Personalidad Destacada de Latinoamérica; en esa ocasión se presenta de manera gratuita en el municipio Avellaneda ante un público de más de cien mil personas.
En mayo de 2019, recibe el Premio Beato de Liébana en la categoría de Entendimiento y Convivencia.
Desde finales de 2010 hasta febrero de 2020 encabezó la Gira por los Barrios junto a un grupo de músicos, escritores y artistas que actuaron en los barrios más necesitados de la ciudad de La Habana y otras provincias, para un total de 109 conciertos.
En diciembre de 2022 recibe el Coral de Honor del Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana por sus contribuciones a bandas sonoras del cine cubano.
En junio de 2023 la Universidad de La Habana le otorgó el título de Doctor Honoris Causa en Ciencias Sociales y Humanidades.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Óleo de mujer con sombrero.
Michel Jean Hamburger, más conocido como como Michel Berger, nació en Neuilly-sur-Seine, Francia, el 28 de noviembre de 1947, y murió en Ramatuelle, Francia, el 2 de agosto de 1992. Cantante, pianista y compositor.
Michel Berger (nacido como Michel Jean Hamburger el 28 de noviembre de 1947 - 2 de agosto de 1992) fue un cantante y compositor francés. Se encuentra entre los compositores más aclamados y prolíficos de la música pop francesa, aunque la mayoría de sus obras más exitosas se han hecho famosas gracias a otros artistas, desde France Gall hasta Johnny Hallyday. Cocreador de Starmania, compositor de varias bandas sonoras para películas e involucrado en causas humanitarias, Berger era un hombre generoso. Ofreció al pop francés algunas de sus canciones más reconocidas, aptas para la radio y de calidad, y afortunadamente superó su timidez para expresar sus cálidas y eufóricas melodías con su voz redonda, suave y tranquilizadora. Dos de sus sencillos más famosos rinden homenaje a algunos de sus ídolos: "Il Jouait du Piano Debout", inspirado en Jerry Lee Lewis, y "La Groupie du Pianiste", inspirado en Elton John. Su infarto de 1992 conmocionó a la industria musical y al pueblo francés en general.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: La Groupie du Pianiste.
Johnny Allen Hendrix, posteriormente James Marshall Hendrix, más conocido como Jimi Hendrix, nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1942, y murió en Londres, Reino Unido, el 18 de septiembre de 1970. Guitarrista, cantante y compositor.
27 de noviembre de 1942 – 18 de septiembre de 1970
Ampliamente reconocido como uno de los músicos más creativos e influyentes del siglo XX, Jimi Hendrix fue pionero en las explosivas posibilidades de la guitarra eléctrica. Su innovador estilo, que combinaba fuzz, realimentación y distorsión controlada, creó una nueva forma musical. Dado que no sabía leer ni escribir música, es realmente notable que su meteórico ascenso en la música se produjera en tan solo cuatro años. Su lenguaje musical sigue influyendo en numerosos músicos modernos, desde George Clinton hasta Miles Davis, y desde Steve Vai hasta Jonny Lang.
Jimi Hendrix, nacido como Johnny Allen Hendrix a las 10:15 a. m. del 27 de noviembre de 1942 en el Hospital del Condado de King de Seattle, fue posteriormente rebautizado como James Marshall por su padre, James "Al" Hendrix. El joven Jimmy (como se le conocía entonces) se interesó por la música, influenciado por prácticamente todos los grandes artistas de la época, como BB King, Muddy Waters, Howlin' Wolf, Buddy Holly y Robert Johnson. Completamente autodidacta, su incapacidad para leer música le impulsó a concentrarse aún más en la música que escuchaba.
Al se dio cuenta del interés de Jimmy por la guitarra, recordando: "Solía hacer que Jimmy limpiara el dormitorio todo el tiempo mientras yo no estaba, y cuando llegaba a casa encontraba un montón de pajas de escoba alrededor del pie de la cama. Le decía: 'Bueno, ¿no barriste el suelo?' y él decía: 'Ah, sí'. Pero luego descubrí que solía sentarse al final de la cama y rasguear la escoba como si estuviera tocando una guitarra". Al encontró un viejo ukelele de una sola cuerda, que le dio a Jimmy para que tocara una gran mejora con respecto a la escoba.
Para el verano de 1958, Al le había comprado a Jimmy una guitarra acústica de segunda mano de cinco dólares a uno de sus amigos. Poco después, Jimmy se unió a su primera banda, The Velvetones. Después de una temporada de tres meses con el grupo, Jimmy se fue para perseguir sus propios intereses. El verano siguiente, Al le compró a Jimmy su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark 1560S; Jimi lo usó cuando se unió a The Rocking Kings.
En 1961, Jimmy dejó su hogar para alistarse en el Ejército de los Estados Unidos y en noviembre de 1962 se ganó el derecho a usar el parche "Screaming Eagles" de la división de paracaidistas. Mientras estaba destinado en Fort Campbell, Kentucky, Jimmy formó The King Casuals con el bajista Billy Cox. Tras ser dado de baja debido a una lesión sufrida durante un salto en paracaídas, Jimmy comenzó a trabajar como guitarrista de sesión bajo el nombre de Jimmy James. A finales de 1965, Jimmy había tocado con varios grupos de renombre, como Ike y Tina Turner, Sam Cooke, los Isley Brothers y Little Richard. Jimmy se separó de Little Richard para formar su propia banda, Jimmy James and the Blue Flames, dejando atrás el papel de guitarrista de fondo para centrarse en la guitarra principal.
Durante la segunda mitad de 1965 y la primera parte de 1966, Jimmy recorrió pequeños locales de Greenwich Village, donde se reunió con el bajista de Animals, Chas Chandler, durante una actuación en julio en el Café Wha? Chandler quedó impresionado con la actuación de Jimmy y regresó en septiembre de 1966 para firmar un contrato con Hendrix que lo llevaría a Londres para formar una nueva banda.
Tras pasar de bajista a manager, la primera tarea de Chandler fue cambiar el nombre de Hendrix a "Jimi". Con el baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, la recién formada Jimi Hendrix Experience se convirtió rápidamente en el centro de atención de Londres en el otoño de 1966.
El primer sencillo de The Experience, "Hey Joe", permaneció diez semanas en las listas de éxitos del Reino Unido, alcanzando el sexto puesto a principios de 1967. A este sencillo debut le siguió rápidamente el lanzamiento de un álbum de larga duración, Are You Experienced, una recopilación musical psicodélica con himnos de una generación. Are You Experienced se ha mantenido como uno de los álbumes de rock más populares de todos los tiempos, con temas como "Purple Haze", "The Wind Cries Mary", "Foxey Lady", "Fire" y "Are You Experienced?".
Aunque Hendrix experimentó un éxito abrumador en Gran Bretaña, no fue hasta su regreso a Estados Unidos en junio de 1967 que encendió al público en el Festival Internacional de Pop de Monterey con su interpretación incendiaria de "Wild Thing". Literalmente de la noche a la mañana, The Jimi Hendrix Experience se convirtió en uno de los actos de gira más populares y de mayor recaudación en el mundo.
Hendrix siguió con Axis: Bold As Love tras Are You Experienced. Para 1968, Hendrix había tomado mayor control sobre la dirección de su música; pasaba mucho tiempo trabajando con las consolas del estudio, y cada giro de perilla o pulsación del interruptor aportaba claridad a su visión.
De regreso a Estados Unidos, Jimi Hendrix construyó su propio estudio de grabación, Electric Lady Studios, en Nueva York. El nombre de este proyecto se convirtió en la base de su lanzamiento musical más ambicioso: una colección de dos LP, Electric Ladyland. A lo largo de 1968, las exigencias de las giras y el trabajo en estudio afectaron al grupo y, en 1969, The Experience se disolvió.
El verano de 1969 trajo consigo un crecimiento emocional y musical para Jimi Hendrix. Al tocar en la Feria de Música y Arte de Woodstock en agosto de 1969, Jimi unió fuerzas con un conjunto ecléctico llamado Gypsy Sun & Rainbows, compuesto por Jimi Hendrix, Mitch Mitchell, Billy Cox, Juma Sultan y Jerry Velez. La actuación en Woodstock se destacó por la versión renegada de "Star Spangled Banner", que enloqueció al público, empapado de barro.
1969 también dio lugar a una nueva y decisiva colaboración entre Jimi Hendrix a la guitarra, el bajista Billy Cox y el baterista de Electric Flag, Buddy Miles. Actuando como Band of Gypsys, este trío lanzó una serie de cuatro actuaciones de Año Nuevo el 31 de diciembre de 1969 y el 1 de enero de 1970. Los momentos destacados de estas actuaciones se recopilaron y luego se publicaron en el álbum por excelencia Band of Gypsys a mediados de 1970 y en el álbum ampliado Hendrix: Live At The Fillmore East en 1999.
A medida que avanzaba 1970, Jimi recuperó al baterista Mitch Mitchell y, junto con Billy Cox al bajo, este nuevo trío formó de nuevo The Jimi Hendrix Experience. En el estudio, el grupo grabó varias canciones para otro álbum de dos LP, titulado provisionalmente "First Rays Of The New Rising Sun". Desafortunadamente, Hendrix no pudo llevar a cabo esta visión musical debido a su apretada agenda de giras mundiales y a su trágico fallecimiento el 18 de septiembre de 1970. Afortunadamente, las grabaciones que Hendrix tenía previsto publicar en el álbum finalmente se publicaron gracias al apoyo de su familia y del ingeniero de estudio original Eddie Kramer en el lanzamiento de "First Rays Of The New Rising Sun" en 1997.
Desde grabaciones de demostración hasta masters terminados, Jimi Hendrix generó una asombrosa colección de canciones a lo largo de su corta carrera. Su música incorporó influencias del blues, las baladas, el rock, el R&B y el jazz, una colección de estilos que lo siguen convirtiendo en una de las figuras más populares de la historia del rock.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Freedom.
Slavko Avsenik nació en Begunje na Gorenjskem, Eslovenia, el 26 de noviembre de 1929, y murió en Ljubljana, Eslovenia, el 2 de julio de 2015. Compositor y acordeonista.
Así como Slak y otros conjuntos de polka vieron la luz en la década del '50, el grupo de Slavko Avsenik fue uno de esos que lograron mayor renombre internacional.
Slavko Avsenik fue un compositor y músico popular esloveno, reconocido en Europa y América, nació el 26 de noviembre de 1929 en Begunje na Gorenjskem (noreste esloveno, frontera con Austria).
Siendo el menor de cuatro hermanos (Janez 1926, Majda 1927 y Vitko 1928), siguió los deseos de su padre de conformar una orquesta familiar en la que tocaría el acordeón diatónico, comenzando allá por 1936. Estos actuaban en la posada (gostilna) Pri Jožovcu de Begunje que la familia tenía desde 1844.
Cada vez que volvía de la escuela, Slavko practicaba con el acordeón diatónico, sin embargo, más adelante pasaría al acordeón con teclado. Más allá del goce que le daba la música, Slavko, por aquel entonces estaba fascinado por el salto en esquí.
En mayo de 1945 formó parte del destacamento de Kokrško y participó de la ocupación de Carintia y, en los meses posteriores a la guerra, actuó en varios mítines políticos.
Aquel deporte que había comenzado a practicar casi a la par de la música, el saltó en esquí, lo llevó, en 1946, a formar parte de la Selección Nacional y llegó a batir su récord personal cuando calcanzó los 74 mts. en Planica. Pero durante la competición de Klagenfurt, en 1952, se lesionó fuertemente la espalda, lo que lo alejó de la práctica de aquel deporte. Ese mismo año se casó con su novia Brigita, hija del posadero Dolinšek de Sveta Neža en Tržič, quien se encargó de la posada familiar cuando la pareja se mudó a Ljubljana y Slavko encontrara el trabajo de tejedor en la fábrica Tonosa (antes Savljah).
Ansambel Bratov Avsenik (1953-1990)
Al año siguiente se presentó a una audición en Radio Ljubljana dónde no fue tomado. Hasta ese momento se presentaba como un solista, pero al poco tiempo se le unirían el guitarrista Lev Ponikvar y el bajista Jože Kelbl. Así, en 1953 el grupo se consolidó como el Trio Slavka Avsenika, pero al poco tiempo a estos dos últimos los reemplazarían en guitarra Matja Butara y en bajo Borut Finžgar. Sin embargo, de trío pasaron a un cuarteto con el acople de su hermano Vitko (clarinete). Y luego, este cuarteto de Gorenjska contó además con la ayuda del genial Franc Košir (trompeta y primera voz) y de Franci Ogrizek (baritono). Así nacía Ansambel Bratov Avsenik (Conjunto de los Hermanos Avsenik).
Ivan Sivec, especialista del género, analizó los aportes del grupo destacando que tocando una melodía básica le asignan a los armónicos un triple papel: el seguimiento de una sola melodía, una parte especial a la sección rítmica y la implementación de arreglos, propios del autor. Algo que fácilmente lo diferencia de otras agrupaciones como por ejemplo Ansambel Lojzeta Slaka.
La composición estaba a cargo de Slavko Avsenik y, más tarde su hijo Slavko Avsenik Jr. (mlajži) y su hermano Vitko se encargarían de los arreglos. Este introdujo el temblor (tresenje), armónicos llenos de energía y un ritmo denso (tercetos o incluso dieciseisavos) que los músicos del género hasta ese entonces no empleaban. Se sabe que los músicos alemanes y austriacos adoptarían este estilo años más tarde.
En cuanto al vestuario, solían presentarse en trajes oscuros, pero llamaron la atención de toda la audiencia cuando se presentaron con el traje nacional de Gorenjska. Esto fue un gran incentivo y jóvenes grupos de Europa Central comenzaron a emular aquel estilo.
A pesar de que su mayor éxito haya sido la pieza Na Golici (montaña del noreste esloveno) en alemán el Trompeten-Echo, mientras la pieza era premiada en el extranjero, Slavko trabajaba en la fábrica de Ljubljana. En 1981, dicha pieza sería premiada también con el León de Oro de Radio de Luxemburgo, convirtiéndose hoy en una de las piezas más interpretadas al rededor del mundo.
En 1954, Avsenik comenzó a dirigir al conjunto en el extranjero y así, en la sección eslovena de la radio de Klagenfurt registraron su primera pista, pues hasta el momento tocaban en vivo durante las transmisiones radiales.
La formación se mantuvo hasta 1955 cuando se sumó el guitarrista Lev Ponikvar, y en Eslovenia fueron conocidos como Gorenjski Kvintet (Quinteto de Gorenjska), mientras en el extranjero los conocían como Oberkrainer Quintett, a pesar del descontento de algunos integrantes del conjunto. Algo que también ayudó a definir el estilo propio de Avsenik fue la incorporación de los barítonos Danica Filipič y Franc Koren.
Entre 1956 y 1957 partieron de gira por países como Francia y Baviera donde actuaron para muchos inmigrantes eslovenos. Entre las giras nacionales e internacionales interpretaron piezas como Prelepa Gorenjska; Tam, kjer murke cveto (con la interpretación de Marija Ahačič, fue una marca del conjunto); Moj Rodni kraj; Na mostu y Spomin, etc. Esto lanzó a la fama en Alemania a Ansambel Bratov Avsenik.
En 1958 la agrupación se presentaría en la televisión de Münich y otras estaciones de habla alemana, algo que se volvió tradición por casi 30 años. Además de Alemania, otros países recurrentes fueron Suiza, Austria, EEUU y Canadá. Debido a la gran cantidad de conjuntos con el nombre Oberkrainer, Ansambel Bratov Avsenik se conoció en el extranjero como Original Oberkrainer.
En 1959 lanzaron su primera placa Tam, kjer murke cveto, y debido al éxito alcanzado en Alemania el conjunto comenzó a dedicarse de manera profesional a la música. En 1960 se produjeron algunos cambios, aparece Franc Teržan (clarinete), Ema Prodni (vocalista soprano) y la llegada de su mánager Kari Lanzmayer. A partir de 1962 comenzaron a colaborar con la fábrica de instrumentos Horner y en 1964 obtuvieron un Disco de Oro en Hamburgo por lograr un millón de copias vendidas.
En 1974 Franc Koren deja el grupo, y lo suplen Jožica Svet y el barítono Alfi Nipič, quienes estarían junto a Ema Prodni y, hasta 1982 cuando, junto a Joži Kališnik, formaron un trío.
Bajo el liderazgo de Slavko, el grupo se hizo conocido alrededor del mundo y, en 1975, recibió la Placa Linhart, otorgada por la Academia Europea de la Música debido a la popularidad, calidad y originalidad de sus piezas. Al año siguiente (1976) en Mónaco recibirían ocho placas de oro y más tarde serían premiados en Países Bajos y en Austria.
En 1980 se le otorgó la Orden al Mérito con la Estrella de Plata de la República Federativa de Yugoslavia. En 1984, el tipo de acordeón utilizado por Avsenik fue el más vendido de la fábrica Horner, siendo Ansambel Bratov Avsenik la primera agrupación folclórica eslovena en grabar en sonido estéreo y en formato CD.
En 1988 su hijo Gregor se hizo cargo de la posada (gostilna) Pri Jožovcu v Begunjah (Junto a Avsenik en Begunje). Al año siguiente un problema en la espalda lo obligó a utilizar un aparato ortopédico pero el dolor bajó a las caderas. Debido a esto el conjunto decidió no tocar tan seguido, lo que llevó a tomar la dura decisión de disolver Ansambel Bratov Avsenik. En 40 años Ansambel bratov Avsenik ganó 31 Placas de Oro, una de platino y una de diamante.
En 1990 la agrupación quedó oficialmente disuelta, dejando tras de sí más de 8000 presentaciones, más de 700 composiciones originales y siendo premiado aún después de su retiro. Por ejemplo, en 1996 el Gobernador de Ohio en Cleveland le otorgó un premio a los logros musicales y declaró aquel Día de Gracias el Día de Avsenik.
Durante sus últimos años Slavko ayudó en la posada Pri Jožovcu v Begunjah y, ocasionalmente, tocaba en público a pedido de algún amigo.
En 1999 recibió la Orden de Plata de la Libertad de la República de Eslovenia por haber marcado en Eslovenia la cultura musical de masas y llevarla al mundo.
Hoy muchas de las canciones escritas junto a su hermano Vitko son interpretadas por artistas populares. Incluso sus hijos Gregor y Slavko Avsenik Jr.,o su nieto Sašo Avsenik son hoy uno de los músicos populares más reconocidos.
En 2012 estableció en Begunje na Gorenjskem (pueblo natal) la única escuela de música Avsenikova Glasbena Šola. Donde se enseñan regularmente todos los instrumentos que conformaban el quinteto.
Después de varios meses de tratamiento y tres meses de complicaciones, Slavko Avsenik falleció en la Clínica de Enfermedades Infecciosas de Ljubljana el 2 de julio de 2015. La familia Avsenik continúa realizando donaciones al Instituto de Oncología del Centro Médico de Ljubljana, como lo hace desde 1975. Su participación en la comunidad eslovena es mucho más amplia, ayudando, por ejemplo, con la construcción de fondos para el salto de esquí, deporte popular esloveno y una de las pasiones del querido Slavko.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Franz, der Maurerg'sell, o Franz, el aprendiz de albañil.
Steve Rothery nos transporta a un emocionante paisaje sonoro y lírico que es historia del rock progresivo
Oscar Saro 6 de octubre de 2024
Hay guitarristas virtuosos que destacan por su técnica incomparable, guitarristas más veloces que un cometa cruzando el cielo, guitarristas nacidos para inventar riffs que se almacenan directamente en la historia del rock, guitarristas con más cuerdas en la guitarra que un puente colgante… Y después están los guitarristas como Steve Rothery, con el poder de crear paisajes emotivos tocando tan solo tres o cuatro notas. Un guitarrista cuyos solos son fluidos, expresivos y tienen un sentido narrativo poderoso. Solos reconocibles y recordables. Solos ubicables en cada una de sus canciones.
Fue en 1979, en la ciudad inglesa de Aylesburry, cuando Steve Rothery, Mick Pointer y otros pusieron a caminar un grupo llamado Silmarillion. Ese grupo que a los dos años acabó perdiendo parte de su nombre inicial, para pasar a ser Marillion. Esa misma banda que con los años se convirtió en un pedazo de la historia del rock progresivo, con veinte trabajos de estudio a sus espaldas.
Pero Marillion no es parte del pasado. Continua en plena actividad y, curiosamente, el 25 y 26 de abril del 2025 podremos gozar de uno de sus famosos Marillion Weekends en la ciudad de Girona. Todo ello, por obra y gracia del promotor Neverland Concerts, que justamente es el mismo organizador del “momentazo” que nos ocupa: dos días seguidos en la sala Razzmatazz de Barcelona, el 27 y 28 de septiembre, en los que Steve Rothery y su banda, la Steve Rothery Band (SRB), nos ha transportado a un emocionante paisaje sonoro y lírico que es historia del rock progresivo.
Tod@ seguidor de Marillion sabe perfectamente que su historia se puede dividir en dos etapas diferenciadas por sus cantantes, la etapa Fish y la etapa Hogarth. A pesar de que es un tema que tiene profundidad y debate, no encontraréis en estas líneas una comparación detallada entre ambas, ni palabras negativas para destacar una obra sobre la otra. Como los setlists de los dos pases han estado centrados básicamente en material antiguo, salvo algún tema propio y alguna de la época Hogarth, pondremos foco en el Marillion de la primera etapa, cuando la voz y la lírica eran responsabilidad del escocés Derek William Dick, más conocido como Fish.
En ese primer ciclo, la banda editó sus cuatro primeros trabajos de estudio:
Script for a Jester’s Tear (1983)
Fugazi (1984)
Misplaced Childhood (1985)
Clutching at Straws (1987)
Y dos álbumes en directo:
Real to Reel (1984)
The Thieving Magpie/La gazza ladra (2 CD, 1988)
Un material que supone un auténtico tesoro del rock neo progresivo, influenciado plenamente por los pioneros (Genesis, Yes, Pink Floyd…). Música realmente bonita, muy melódica y texturizada, donde las atmósferas creadas por la guitarra de Steve Rothery y el teclado de Mark Kelly nos transportaron a paisajes bellos y especiales que tendremos siempre en nuestra memoria. Etapa en la que Fish también tuvo un papel fundamental, tanto por esas letras escritas en una prosa poética de un magnetismo especial, como por su diferente manera de cantar y su enorme presencia en el escenario.
Y es en esta primera etapa de Marillion en la que nos hemos vuelto a sumergir con la actuación de la Steve Rothery Band en Barcelona. El guitarrista ya nos anunció que se centraría en repasar los dos últimos álbumes de estudio de esta primera etapa: Misplaced Childhood y Clutching at Straws. Dos trabajos que, en la parte musical, son dos obras monumentales, cada uno con sus particularidades. Y también con mucha profundidad en la parte lírica, donde se aprecia una evolución en las historias de Fish hacia temas más sombríos y decadentes. Con Misplaced Childhood ya empezaron aparecer referencias a la drogadicción y el alcoholismo, pero fue en Clutching at Straws donde escribió sus letras más desgarradoras y tristes, que brotaron del ritmo frenético en el que estaba sumergida la banda y de la espiral de autodestrucción en la que el propio cantante se vio arrastrado. En este punto, hago notar mi absoluta debilidad por este último álbum de estudio que grabó Marillion con Fish. Para el que escribe, Clutching at Straws es uno de los trabajos más conmovedores que he escuchado nunca, con un profundo contraste entre una música melódica realmente bonita y unas letras muy poéticas inspiradas en una realidad terriblemente dolorosa. Y para muestra el ejemplo del tema “Sugar Mice”, un bello paisaje sonoro que abriga una letra en la que Fish destila todos sus demonios, se muestra profundamente culpable de haber fallado a su familia y se refugia en el alcoholismo. “Si quieres mi dirección, es el número 1 al final del bar”.
Los dos trabajos se publicaron cuando los álbumes era vinilos con dos caras, con portadas sugerentes y con las letras escritas dentro. Allí es donde me ahogué en la poesía de Fish. Dos caras, la A y la B, que marcaron la pauta de la distribución de los temas entre los dos días de concierto.
Los conciertos de SRB estaban inicialmente programados para la segunda sala de Razzmatazz y la buena venta de entradas los catapultó a la sala principal, que no se llegó a llenar, para comodidad de los asistentes y lástima del promotor. Entre el público, una gran mayoría de fans de Marillion que vinieron predispuestos a emocionarse y que cantaron y tararearon con entusiasmo todas las canciones clásicas y la mayoría de los solos de guitarra. Entre ellos, un porcentaje reconocible de turistas musicales. El resultado final es un magnífico regalo que el promotor nos ha obsequiado a todos los que amamos esta música. Dos días de una bonita celebración a este legado, desplegados en una atmósfera de emotividad y felicidad propia de la evidencia de revivir en directo una obra irrepetible.
Steve Rothery se mostró comunicativo, nos introdujo con sus comentarios a la mayoría de los temas y lo vimos en algún momento contagiado por la emoción.
La Steve Rothery Band que lo acompañó en el escenario de Razzmatazz estaba formada por:
Martin Jakubski (voz)
Riccardo Romano (teclado)
Dave Foster (guitarra)
Leon Parr (batería)
Yatim Halimi (bajo)
Hay que destacar que todos cumplieron su papel a diferentes niveles, destacando la voz y carisma de Jakubski, el teclado de Romano, que sonó por momentos cercano al de Kelly, y la segunda guitarra de Foster que en algunos temas tuvo espacio para demostrar su técnica. En este punto he de reconocer el error de dejarme abducir por guitarra, teclados y voz… hasta el punto de no prestar mucha atención a bajo y batería. Espero que Parr y Halimi me perdonen.
Steve Rothery es ese guitarrista que toca con los ojos cerrados, con porte concentrado y con sus manos gruesas deslizándose por el mástil de su guitarra. Una manera de tocar que nos transmite su profunda inmersión en destilar cada una de las notas que fluyen de su ingenio. Y al magnífico resultado nos remitimos. Que gran alegría ha sido volverle a ver hacer esta magia en directo.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con 3 Boats down from the Candy.
