El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opiñón firmado por Pilar Rahola.

Islam e izquierda: el viaje de Lenin

¿Qué une a los grupos de extrema izquierda que han capitalizado

las protestas en Francia, con los grupos vinculados al islamismo 

radical que se manifiestan a su lado?

PorPilar Rahola

Imagen de las protestas e incidentes en las manifestaciones de los últimos días en París, Francia (REUTERS/Sarah Meyssonnier)

16 Oct, 2026 05:30 a. m. AR

La escena es, en ella misma, toda una metáfora. Son dos jóvenes que gritan “grève, blocage, manifestation!” a pleno pulmón en una de las manifestaciones masivas que recorren las calles de Francia. Ambos van vestidos de negro, con su rostro cubierto, pero los matices delatan las diferencias. El primero sigue la estética de los Black bloc, extrema izquierda, ninguna marca que los delate, excepto la bandera negra con la A en un círculo, clásica del anarquismo. El segundo, muy cerca de él, también viste completamente de negro, pero su estética es la del Estado Islámico: cabeza enfundada en una balaclava, y en la frente una banda de tela verde con la Shahada (“no hay más dios que Alá y Mahoma es su profeta”) inscrita en letras árabes blancas. Ambos se manifiestan juntos. Ambos gritan contra el capitalismo. Ambos odian La Republique.

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¿Qué une a los grupos de extrema izquierda que han capitalizado las protestas en Francia, con los grupos vinculados al islamismo radical que se manifiestan a su lado? ¿Se ha producido la famosa fusión del islamo-izquierdismo asentado en la idea de la “convergencia de luchas”, que teorizó Pierre-André Taguieff en 2002 en su libro “La nueva judeofobia”? De hecho, a pesar de que Taguieff lo planteó en términos de denuncia (el riesgo de que bandos opuestos se unieran contra la democracia liberal), el concepto nació en positivo de los teóricos modernos del marxismo. El referente es Chris Harman, miembro del Socialist Workers Party, quien en 1994 ya planteó la necesidad de que la izquierda colaborara tácticamente con el islamismo porque movilizaba a las masas oprimidas por el imperialismo. La tesis quedó cuajada en su libro “El Profeta y el Proletariado”: “with the state never, with the Islamists sometimes”. Y ese, “con los islamistas a veces”, se ha convertido en la “interseccionalidad” que actualmente defienden prominentes sociólogos de izquierdas, para los que los movimientos islámicos son aliados naturales de los movimientos estudiantiles y obreros, en su lucha contra el estado burgués. De hecho, si vamos más lejos en el tiempo, la propia revolución jomeinista fue aplaudida por muchos intelectuales de izquierdas franceses que ya intuyeron la alianza que podían cuajar con esos enemigos acérrimos de Occidente.

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En todo caso, se trata de una fusión izquierdoislamista que lleva décadas de fructífera y pública relación, aunque, sorprendentemente, no haya sido detectada por la gran mayoría social. El ejemplo más evidente y llamativo fueron los pactos del chavismo con Irán, el famoso eje Caracas-Teherán que, además de los acuerdos comerciales y militares, construyó un sólido nexo ideológico basado en dos preceptos: el odio a Estados Unidos e Israel y el desprecio al sistema democrático. Otro ejemplo de ese nexo delirante fue el del líder de Podemos Pablo Iglesias que dirigió dos famosos programas (Fort Apache, de debate político, y Spoilers, de cine y política) en Hispan TV, la televisión de Irán en castellano, donde incluso permitió que las mujeres debían cumplir estrictas normas de vestimenta. La “justificación” de Pablo Iglesias para explicar la contradicción que suponía la vinculación de un político de izquierdas con una teocracia islámica violenta, fue épica. En una conferencia en 2013 abordó el tema usando el símil del “pragmatismo” de Lenin cuando en la Primera Guerra Mundial aceptó regresar a Rusia con un tren blindado alemán. Lenin quería volver para liderar la revolución bolchevique, y a Alemania le interesaba que los comunistas desestabilizaran a Rusia. Y con ese símil en boca, Pablo Iglesias explicó su alianza con Irán: “A los iraníes les interesa que se difunda en América Latina y en España un discurso de izquierdas porque afecta a sus adversarios. ¿Nos aprovecha a nosotros? Sí”.

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El presidente del Gobierno de España, Pedro Sánchez (REUTERS/Stephanie Lecocq)

Es el mismo “provecho” que explica la convergencia que se ha producido en los campus universitarios norteamericanos, en las manifestaciones de izquierdas en todo Latam, en los discursos de Pedro Sánchez y Gustavo Petro, o en las protestas europeas, a raíz de la guerra de Gaza: manifestantes de izquierdas, activistas de LGBT, neocomunistas, ecologistas, artistas y músicos progresistas, todos ellos al lado de banderas de organizaciones yihadistas como Hamas, y comprando los discursos que el islamismo ha viralizado contra Israel. La famosa consigna “desde el río hasta el mar” que forma parte de los estatutos de Hamas, y que explicita la voluntad de destruir completamente a Israel, ha sido aclamada públicamente por el gobierno español a través de su misma vicepresidenta, Yolanda Díaz, o de la ministra de Juventud e Infancia, Sira Rego. O, por rematar, las felicitaciones entusiastas del régimen iraní a Pedro Sánchez, por sus posiciones furibundamente antiamericanas y antiisraelíes.

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Sin embargo, de todos los ejemplos posibles, el más paradigmático es el de Zohran Mamdani, el musulmán chií que juró su cargo sobre el Corán y que representa como nadie la confluencia de intereses entre el islamismo político y el socialismo radical. Una confluencia que ahora siguen otros candidatos demócratas. En ambos casos (socialismo e islamismo), el objetivo es poner en jaque a la democracia liberal, cuyo modelo social combaten, y cuyos valores judeocristianos aborrecen. Se trata, pues, de una alianza táctica que instrumentaliza el descontento de las periferias, usa la narrativa de la victimización (muy arraigada en barrios de mayoría musulmana), y busca la desestabilización del sistema a través del caos social. Todo ello ha conseguido mutar la radicalización juvenil, que ha incorporado, con naturalidad, la convergencia entre la izquierda y el islamismo. De ahí que podamos observar la imagen delirante de activistas gays manifestándose con banderas de Hamás. Con un añadido que no es menor: la financiación que, vía Irán, Qatar y múltiples organismos vinculados al islamismo radical, llega a los movimientos de izquierdas. ¿O alguien consideró (más allá de Greta Thunberg, que es un caso perdido) que las protestas en los campus universitarios, o las flotillas a Gaza nacían por generación espontánea?

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La activista Greta Thunberg en la protesta frente a una escuela en Saint-Denis, en las afueras de París, el 13 de octubre del 2026 (AP/John Leicester)

Es tanta la evidencia, y son tan claras las justificaciones de los líderes de izquierdas, que sería una imperdonable ingenuidad no considerar este pacto táctico entre el islamismo radical y la extrema izquierda, como el reto más serio que debe acometer la democracia liberal. Dos grandes movimientos ideológicos han confluido y trabajan por un mismo objetivo: quebrar el sistema de libertades que cuajó en el siglo XX, y cuya solidez está en riesgo. Del ateísmo anarquizante a la teocracia islamista: la democracia como enemigo común.

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Web: https://pilarrahola.com

Instagram: Pilar Rahola

Luis Bonfá

Luiz Floriano Bonfá nació en Río de Janeiro, Brasil, el 17 de octubre de 1922, y murió en su ciudad, el 12 de enero de 2001. Guitarrista, cantante y compositor. 

El sitio www.musicasdobrasil.net publicó este recordatorio. 

Luís Floriano Bonfá, Luis Bonfá, nació en la ciudad de Rio de Janeiro en octubre de 1922, falleciendo en esa misma ciudad en enero del 2001. Su padre tocaba guitarra, instrumento que comenzó también a aprender a los 12 años, de oído. Más tarde se volvió alumno del maestro uruguayo Isaías Savio, se inició en música clásica e hizo parte de la orquesta de guitarras organizada por el maestro. En un concurso para seleccionar los seis mejores guitarristas en el programa "Hora do Guri", de Tia Chiquinha, en la Radio Tupi, de Rio de Janeiro, se clasificó en tercer lugar, ejecutando una pieza del español Francisco Tárrega (1852-1909). Se fue a vivir a São Paulo, donde pasó a interesarse por la música popular. Se estrenó profesionalmente en 1945 como solista de guitarra y vocalista del Trio Campesino, que se presentó como éxito en los casinos de la isla Porchat, de Santos (São Paulo), y de Icaraí, en Niterói (Rio de Janeiro). En 1946 entró para la Radio Nacional, de Rio de Janeiro, llevado por Garoto, al lado de quien tocaba en el programa Clube da Bossa y de quien asimiló gran parte de la harmonía moderna. En ese año realizó para la Continental su primera grabación, "Uma prece" y "Pescaria em paquetá" (ambas composiciones suyas). En el mismo año pasó a hacer parte del conjunto Quintandinha Serenaders, al lado de Luís Telles, Francisco Pacheco y Alberto Ruschell. Con la disolución de los Quintandinha Serenaders, en 1952, pasó a actuar solo como solista de guitarra. En 1953, Dick Farney grabó sus composiciones, entre las cuales "Ranchinho de palha", "Perdido de amor", "Sem esse céu" y "Canção do vaqueiro". Fue el guitarrista en la grabación de las músicas de la pieza "Orfeu da Conceição", de Vinícius de Moraes, hecha en 1956 para la Odeón. Excursionó por los Estados Unidos, en 1956 y en 1959, con la cantante Mary Martin, grabando LPs en la etiqueta Atlantic, con elogios de la crítica norteamericana por su virtuosismo. A partir de entonces se adhirió a la bossa nova, participando en el festival realizado en el Carnegie Hall, en Nueva York (Estados Unidos), en noviembre de 1962. Volvió a Estados Unidos para vivir durante dos años -de 1964 a 1966-, presentándose en programas de televisión y en espectáculos en salas, acompañado de su esposa y a veces parceira, Maria Helena Toledo. Escribió músicas para diversas películas, entre las cuales "Orfeu do Carnaval" (dirección de Marcel Camus, 1959), "Chico Viola não morreu" (dirección de Román Vignoly Barreto, 1955) y "Os cafajestes" (dirección de Rui Guerra, 1962). Sus composiciones de mayor éxito son "De cigarro em cigarro", samba grabado por Nora Ney en 1953; "A chuva caiu" (con Tom Jobim), toada grabada en 1955 por Ângela Maria; "Samba do Orfeu" y "Manhã de Carnaval" (ambas con Antônio Maria, para la película "Orfeu do Carnaval. Esta última, cuya primera grabación fue de Agostinho dos Santos, se convirtió en gran éxito mundial y su composición más conocida, siendo regrabada en varios países. Se clasificó en tercer lugar la composición "Dia das rosas" (con Maria Helena Toledo), en el I FIC, de la TV-Rio, Rio de Janeiro, en interpretación de la cantante Maísa. En el II FIC, de la TV Globo, en 1967, presentó "Vem comigo cantar" y "Amada canta" (ambas con Maria Helena Toledo). A partir de 1967, viviendo en Estados Unidos, se asoció con Eumir Deodato y se mudó enteramente para el jazz. Grabó, entre otros, "The new face of Luís Bonfá" (1970) e "Introspection" (1972), este considerado un clásico de la guitarra sola en Estados Unidos. En esta misma época participó, con Dom Um Romão, en el disco "The movie song album de Tony Bennett". En 1997 la cantante Ithamara Koorax lanzó "Almost in love/The Luís Bonfá Songbook", disco dedicado a la obra del guitarrista y compositor, que toca la guitarra en doce canciones del disco. Aún en 1997, la canción "Correnteza", en la voz de Djavan, fue éxito de la telenovela "O Rei do Gado", de la TV Globo. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Insensatez, con Stan Getz y la voz de Maria Toledo, y un fragmento del programa de Perry Como del 2 de enero de 1963, con una selección de temas entre otros: Tenderly, Manhã De Carnaval a dúo con Perry Como y Desafinado, con Boomie Richman.      

Zvi Dunski. Miembro de la Resistencia.

Crédito de la foto: Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos, cortesía de Frania Dunska Friedman. 

Zvi Dunski nació en Sosnowiec, Polonia, en 1922 y murió en Katowice, Polonia, en abril de 1943. Miembro de la Resistencia. 

El sitio www.collections.ushmm.org publicó este recordatorio. 

Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa Gornicza son tres ciudades vecinas situadas en el distrito de Zaglebie, en el suroeste de Polonia. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Bedzin y Sosnowiec albergaban comunidades judías de aproximadamente 28.000 personas cada una, mientras que Dabrowa contaba con 5.000. Los alemanes ocuparon las ciudades el 4 de septiembre de 1939. Cinco días después, incendiaron la Gran Sinagoga de Bedzin. Las llamas se propagaron rápidamente y arrasaron cincuenta casas contiguas. Los ataques físicos fueron acompañados de una legislación económica represiva que obligó a la población judía a renunciar a sus negocios y propiedades. En los primeros días de la ocupación, se nombraron consejos judíos independientes en Bedzin y Sosnowiec, pero a principios de 1940 el consejo de Bedzin quedó subordinado a la Zentrale der Juedischen Aeltestenraete (Oficina Central de los Consejos de Ancianos Judíos de la Alta Silesia), establecida en Sosnowiec y dirigida por el cada vez más autocrático Moshe Merin, este consejo representaba a unas cuarenta y cinco comunidades de la zona y contaba con su propia fuerza policial judía. 

Durante 1940-1941, la situación en Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa se consideraba algo mejor que en el resto de la Polonia ocupada. Allí, los judíos residían en guetos abiertos y sus vidas conservaban una apariencia de normalidad. Como resultado, miles de judíos del centro de Polonia buscaron refugio en la zona. Además de esta afluencia, varios miles de judíos del distrito fueron reasentados a la fuerza en Bedzin y Sosnowiec en ese momento, entre ellos los judíos de Oswiecim, que llegaron en la primavera de 1941 antes de la apertura de Auschwitz-Birkenau. El Consejo Judío de Sosnowiec era responsable de elaborar listas de judíos locales que serían enviados a campos de trabajos forzados en Alemania y la Alta Silesia oriental, establecidos bajo el programa de la Organización Schmelt. Los judíos seleccionados para trabajos forzados debían presentarse en el campo de tránsito local, conocido como "Dulag". El incumplimiento conllevaba su arresto y la retirada de las cartillas de racionamiento de sus familias. Los traslados a campos de trabajo comenzaron en 1940, pero se intensificaron enormemente en la primavera de 1941, después de que Himmler decidiera utilizar mano de obra de los campos de la Organización Schmelt para la construcción de grandes fábricas que apoyaran la producción bélica alemana. El Consejo Judío también participó en la creación de talleres de propiedad alemana que empleaban a judíos. El mayor de ellos fue la Rosner Fabrik, una red de talleres que producían uniformes militares y otros bienes y servicios para el ejército alemán. De un taller con unas pocas docenas de empleados, se convirtió en un complejo fabril con tres mil trabajadores. Quienes tuvieron la suerte de conseguir puestos en estas empresas quedaron exentos (por el momento) de la deportación a campos de trabajo. A diferencia del típico capataz alemán, Rosner trataba a sus empleados con respeto y luchaba por protegerlos. Incluso les advertía de las acciones inminentes. La Rosner Fabrik permaneció en funcionamiento hasta el arresto y la ejecución de Rosner en enero de 1944. Cuando se cerraron las escuelas, las organizaciones juveniles sionistas locales se hicieron cargo de la enseñanza de los niños. También impartieron formación agrícola en pequeñas parcelas en las afueras de la ciudad. En Bedzin, a la juventud sionista local se le asignó una parcela de cien acres conocida como la "Farma", que se convirtió en un centro de actividad juvenil. La primera oleada de deportaciones a campos de exterminio tuvo lugar en mayo de 1942, cuando 1500 judíos fueron enviados a Auschwitz. Al mes siguiente, otros 2000 fueron deportados. El 12 de agosto, se ordenó a todos los judíos que quedaban en las tres localidades que se presentaran en el campo de fútbol de Sosnowiec, supuestamente para que se les revalidara su documentación. En cambio, se llevó a cabo una selección masiva que resultó en la deportación de 8000 personas a Auschwitz. Los movimientos juveniles, liderados por el activista de Hashomer Hatzair, Zvi Dunski, llevaron a cabo una campaña instando a sus compatriotas judíos a no presentarse a las deportaciones. También comenzaron a organizar unidades de resistencia clandestinas. La "Farma" se convirtió en el cuartel general de la resistencia judía clandestina y fue el lugar de reuniones secretas con Mordechai Anielewicz, Arie Wilner y otros líderes de la Organización Judía de Combate en el gueto de Varsovia. La resistencia concentró sus esfuerzos en adquirir armas y construir búnkeres en preparación para una revuelta. Sin embargo, las opiniones estaban divididas entre quienes favorecían la resistencia dentro del gueto y quienes enfatizaban la búsqueda de rutas de escape. En la primavera de 1943, los judíos que quedaban en Bedzin fueron confinados a un gueto establecido en Kamionka, mientras que los que permanecían en Dabrowa y Sosnowiec fueron concentrados en Srodula. Ambos sitios colindaban y funcionaban como un solo gueto. El 1 de agosto de 1943 comenzó la liquidación final del gueto. Jóvenes sionistas ofrecieron resistencia armada en varios búnkeres, lo que obstaculizó a los alemanes y los obligó a emplear casi dos semanas en el desalojo. Unos mil judíos permanecieron en el gueto tras la liquidación. La mayoría fueron instalados en el campo de trabajo de Sosnowiec, establecido en el emplazamiento del gueto de Srodula. Estos judíos trabajaban en talleres como sastres, zapateros y carpinteros. El campo fue finalmente liquidado el 13 de enero de 1944 y sus prisioneros enviados a Auschwitz. 

Tony Carey

Anthony Lawrence Carey, más conocido como Tony Carey, nació en Watsonville, California, Estados Unidos, el 16 de octubre de 1953. Cantante, compositor, productor discográfico y de cine. Toca piano, teclados, guitarra y bajo. 

El sitio www.tonycarey.com publicó su biografía. 

Tony Carey y Planet P Project 

Tony Carey apareció por primera vez en la escena internacional en 1975, tocando los teclados para la banda Rainbow, de Ritchie Blackmore. 

Carey participó en los álbumes clásicos «Rising» y «On Stage», formando parte de una alineación de Rainbow que incluía a Ronnie James Dio, Cozy Powell, Jimmy Bain y Ritchie Blackmore, con la cual realizó una gira mundial durante dos años. 

Originario de California, Carey se trasladó a Alemania en 1978 para desarrollar su carrera en solitario. Aprendiendo sobre la marcha, grabó varios álbumes instrumentales en los que él mismo interpretó la mayor parte de los instrumentos: teclados, bajo, guitarras y batería. 

En 1980, incursionó en el canto con su primer álbum vocal, «In the Absence of the Cat», al que siguió «I Won’t Be Home Tonight», publicado por el sello discográfico —entonces incipiente y envuelto en escándalos— Rocshire Records, con sede en Anaheim, California. 

«I Won’t Be Home Tonight» se convirtió en un éxito radiofónico en Estados Unidos en 1982; el sencillo alcanzó el puesto número 8 en la lista «Rock Radio» de Billboard. 

Entre 1978 y 1983, este prolífico compositor pasó sus días en el estudio, explorando diversos estilos musicales. Su proyecto de temática de ciencia ficción, «Planet P Project», llamó la atención del sello Geffen Records. El álbum homónimo, que incluía el sencillo «Why Me», fue un gran éxito en MTV, al que siguió el disco «Some Tough City», del cual se extrajeron dos sencillos que alcanzaron el «Top 40» en 1984: «A Fine, Fine Day» y «The First Day of Summer». 

Posteriormente, Planet P Project lanzó «Pink World», un álbum doble editado en vinilo de color rosa que hoy es considerado un clásico. 

Tras superar una grave enfermedad en 2009, Carey logró recuperarse por completo y ha dedicado los últimos años a grabar y realizar giras por Europa y Escandinavia. Carey ha grabado y publicado más de 40 discos, y ha producido álbumes para artistas como John Mayall, Chris Norman, David Knopfler, Joe Cocker y Peter Maffay (el artista de rock con mayores ventas en Alemania). Asimismo, ha compuesto bandas sonoras para varias películas y ha publicado más de 1.000 canciones. 

El álbum Steeltown (de Planet P Project), lanzado en 2013, refleja su amor y aprecio por Noruega, explorando temáticamente la historia y las luchas de este fascinante país. 

En 2014 llegó The G.O.D.B.O.X., una colección de 4 CD de Planet P Project que incluye grabaciones realizadas entre 1991 y 2013. The G.O.D.B.O.X. constituye toda una lección de historia, que abarca desde la brutalidad de la Segunda Guerra Mundial hasta la búsqueda del esquivo «sueño americano». 

El año 2019 marcó el 50.º aniversario de Carey como «poeta beat», «hippie» (que aún conserva su espíritu) y alguien que, afortunadamente, «todavía no ha muerto». Este hito se conmemoró con el lanzamiento de Lucky Us —su primer disco fuera de Planet P Project en muchísimo tiempo— y la reedición de 12 álbumes de su catálogo. Entre ellos se incluyen cinco discos de Planet P Project, dos álbumes de versiones (Stanislaus County Kid I y II), un disco navideño (¡sí, navideño!), una banda sonora para una película inexistente y tres álbumes en solitario. 

Citando su sencillo de 1983 «Why Me»: 

«Del último hombre que estuvo aquí no se supo nada más; 

no volverá por estos lares hasta el año dos mil diez». 

Ante esto, Carey comenta: «Bueno, llego un poco tarde, pero ya estoy de vuelta». 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Why Me y Room With A View.         

Carlos Núñez Cortés

Foto: Juano Tesone. 

Carlos Núñez Cortés nació en Buenos Aires, Argentina, el 15 de octubre de 1942. Humorista, actor, cantante, compositor, escritor y químico. Multi instrumentista, toca piano, quena, flautas, acordeón, melódica, bongó, teclado electrónico, pinquillo, mirlitón, e instruentos de percusión. 

El sitio www.responsabilidadcultural.com.ar publicó esta entrevista realizada por María Emilia Fernández. 

Carlos Núñez Cortes, de Les Luthiers 

enero 14, 2026 María Emilia Fernández 

A los 83 años, Carlos Núñez Cortés publica Es que me pasaron muchas cosas en la vida.Se trata de un libro de memorias atravesado por anécdotas personales y artísticas. El histórico integrante de Les Luthiers repasa más de cinco décadas de humor y música. 

“A mí me obligaban un poco a rizar el rizo y adornar la anécdota, amplificarla, hacerla casi inverosímil”. Quien habla es Carlos Núñez Cortes, que a sus 83 años sostiene en actos aquel lugar común que afirma que la juventud es un estado de la mente. En su caso esto es un hecho. Con la misma calidez, toca el piano ubicado en el living de su casa y le muestra al fotógrafo de Clarín parte de su colección de más de cuatro mil caracoles, otra de sus grandes pasiones. Su casa está rodeada de piezas de memorabilia Luthier. De hecho, él es el principal archivista del grupo, siempre dispuesto a colaborar con quien esté interesado en indagar en su historia.  

Mientras toma un café y come un budín casero delicioso que preparó su esposa, repasa anécdotas de más de 50 años como integrante de Les Luthiers, el mítico grupo artístico-musical que forjó un estilo único del cual decidió alejarse en 2017 al cumplir aquella contundente cifra. Muchas de ellas se incluyen en su libro de reciente aparición Es que me pasaron muchas cosas en la vida (Libros del Kultrum). Desde la famosa “La percha”, que puede verse en YouTube, hasta el fanatismo de su padre por River Plate o su pasión por los caracoles. 

–¿Cómo fue trasladar estas anécdotas al papel? 

–Te confieso algo: nunca estudié escritura ni fui a un taller literario ni nada. En ese sentido, soy medio caradura porque me largué a escribir algo sin haber estudiado antes. Sé lo que es hacer una cosa bien, como por ejemplo tocar el piano. Me pasé toda mi vida estudiando el piano un par de horas por día, siempre. Entonces es obvio que ahora me animo a cualquier cosa. Me ponen una partitura y… ahora estoy estudiando la “Fantasía-Impromptu” de Chopin que es dificilísimo. Tenés que volar por el teclado. Y me da tanto placer. Con la escritura no me pasó eso. Me entrené con mis libros anteriores: Los juegos de Mastropiero, donde hago una investigación filológica donde trato de explicar los juegos de palabras que usábamos. Después me quedó como el gustito. Qué lindo es esto de escribir, dije. Y pensé: ¿Ahora qué voy a hacer? Pensé que la gente siempre nos preguntaba cómo se nos ocurrían las cosas que hacíamos y así decidí narrar nuestra mecánica de la creación. Así nació Memorias de un Luthier. Me llevó mucho tiempo porque como cumplíamos 50 años decidí narrar el nacimiento de 50 obras. Después, como siempre fui un culo inquieto, hice muchas cosas. Cada vez que me bajaba del escenario me iba a todos lados: tuve contacto con las civilizaciones más extrañas. Me gustaba subir montañas, andar a caballo, meterme en la selva a buscar mariposas, bucear, buscar caracoles marinos. Me subía a los árboles a grabar el canto de los pájaros. Entonces dije: ahí está el tercer libro, con el que me despido. Ya tengo 83 pirulos. 

–Al comienzo contás una historia con tu sobrina que dijo la frase que da título al libro. ¿Qué te ocurre con la infancia? 

–Es la formación del individuo. Si a un pibe no le haces escuchar una nota a lo largo de toda su infancia es imposible pedirle que alguna vez sea músico o intente sacarle notas a algún instrumento. Es como una alcancía que uno va llenando. 

–Otra historia interesante es la del Mundial 78, que contás que los habían contratado para los festejos de Argentina campeón 

–Nunca fui muy futbolero. En el libro cuento la historia con mi padre, fanático de River. Mis compañeros estaban que se morían, se derretían. Para mí era algo medio lejano. Igual me emocioné con el partido. Después salí corriendo a ensayar el repertorio de la noche que iba a ser en el Alvear Palace. Era una mesa larga donde estaban los once jugadores argentinos de un lado y los once holandeses del otro. ¡No sé qué hablaron, qué entendieron! El asunto fue que el programa lo amenizó Les Luthiers. Cuando terminó el concierto pensé: si mi viejo estuviera acá se desmaya. Entonces agarré un plato de la mesa y fui hasta donde estaban los argentinos y les pedí si me lo podrían firmar con un marcador. Me firmaron los once. Me acuerdo especialmente de la firma de Kempes. Le pedí si se lo podía dedicar a mi viejo. Puso: para Anselmo, con mucho cariño. A la madrugada se lo llevé. Lo quise mucho a mi viejo. No tuvo la posibilidad de ilustrarse. Era relojero. Laburó toda su vida y fue el principal sostén. 

–Trazando un paralelismo con el fútbol. ¿Cuándo dejaste los escenarios te pasó como los futbolistas que se retiran, de sentir un vacío? 

–Cuando cumplimos cincuenta años y decidí bajarme del escenario sentí que corría peligro. Era como una persona que la acostumbrás a comer milanesas todos los días y, de pronto, se las sacás. Pensaba que podría tener problemas serios si no tenía que ir al teatro todas las noches. Lo único que no tengo, lo que más extraño, es tocar el piano arriba del escenario. Después mi vida actual sigue rodeada, aunque no tanto, de Les Luthiers. Colaboro con los chicos del podcast La hora de la nostalgia, que repasan nuestra historia. Sigo tocando el piano. Eso no me lo quita nadie. Y trabajo en el archivo de Les Luthiers que llevo desde 1965. ¡Tengo todo! Libretos, fotografías, todas las grabaciones. Las atesoro, las escucho, las sigo limpiando, clasificando. Siempre tuve esa cosa de archivista. 

–Ustedes hicieron durante un tiempo terapia grupal. 

–Sí, con el doctor Fernando Ulloa. Un profesional maravilloso. Estuvimos 17 años con él. Dentro de todo tuvimos la enorme suerte de que no había ningún loco de mierda en el grupo sino todo lo contrario. Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor. Nos estábamos cagando siempre de risa todos. Son elementos que unen más que la poxilina. Nos gustaba estar juntos. Nadie se quería cortar solo. No primaba el ego. Éramos exégetas de Mastropiero. 

–Pensaba el paralelismo con una banda de rock. El trabajo de la creación colectiva muchas veces se agota. 

–Claro. ¿Qué banda de rock duró 55 años? Y fijate que fuimos contemporáneos de los Beatles. Me acuerdo que moríamos. Temblábamos cuando nos poníamos a escuchar un nuevo disco. Cuando se separaron empezábamos a pensar: qué no nos pase esto a nosotros. 

-Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor. 

–En un podcast con Adrián Lakerman hablabas del tema del prestigio, algo que en el humor no se suele dar pero sí ocurrió en el caso de Les Luthiers. ¿Tal vez haya tenido que ver con lo innovador de la propuesta? ¿Encontraron referencias similares en otros países? 

–Marcos Mundstock una vez dijo que Les Luthiers no podría haber nacido en otro lugar que no fuera un coro universitario. Los primeros chistes empezaron en el medio del coro. La mujer de Gerardo Mazana, Malena, imprimía un diario, se llamaba L’aphonique, el afónico. Ahí se contaban nuestras novedades: que fulanito miraba a menganita, la contralto del coro. Que sultanito había desafinado. Y un día llegó Gerardo con una propuesta de armar algo. Éramos todos universitarios. Nos gustaba a todos la música. Todos teníamos sentido del humor. Y éramos jóvenes. ¡Teníamos un cohete en el culo! ¿Cómo no le voy a dar la razón a Marcos de que sólo ahí pudo haber nacido Les Luthiers?  

–¿Cómo ves el humor hoy en día? 

–Sobre la cancelación nos tocó a nosotros. Especialmente a mí me tocó dos o tres veces hacer algunas obras donde nos reíamos mucho de la mujer. Nos parecía un lugar inagotable del cual sacar chistes. Hacía, por ejemplo, la serenata tímida. Era un pusilánime que se moría de miedo de cantarle a una mujer. Después la intimidatoria, la astrológica y la última es una serenata donde he perdido todas las esperanzas y entonces hago lo que hace cualquier loco de mierda: transformo todo el amor en odio y me lanzo contra ella con una virulencia exagerada y la quiero matar. Una obra que hacíamos con muy buen éxito y todo el mundo se reía a carcajadas, sabía que estábamos jugando y que ninguna de esas cosas que estaba intentando hacer las haría. Ni en pedo. Lo que estaba haciendo era amplificar la realidad, amplificar el absurdo y elevar mis intenciones hasta un nivel que ya era enfermizo. Ahora están los fenómenos de cancelación en los cuales cada persona tiene todo el derecho de hacer de su vida lo que se le cante el culo. Todo eso es respetable. Hemos entendido finalmente y gracias a Dios que la gente puede elegir cómo vivir, cómo vestir, cómo caminar por la calle. Hay que respetar eso. No te podés reír ahora de un tipo que resbala en la calle y se pega un porrazo. Ese humor se ha terminado. 

–Nombramos a Gerardo Masana, Marcos Mundstock, también le ha tocado partir a Daniel Rabinovich. ¿Qué te viene a la mente de los Les Luthiers que ya no están? 

–Todos tuvieron su aporte. Yo aporté mucho al grupo en cuanto pianista. Era el mejor pianista. Ernesto Acher tocaba bastante bien el piano y nadie más. Los demás champurreaban un poquitito. Gerardo tocaba un poquito y ellos me tomaron a mí fundamentalmente porque yo era muy buen pianista. No tenía ni idea ni de mi sentido de humor, tenía una voz de tenor medio agudita no demasiado potente, ni siquiera era educada, como la voz de Marcos, que estudió canto y demás. El recuerdo que tengo es el que me hayan cobijado bajo su ala dos tipos como Marcos y Gerardo Masana que fueron los que empezaron toda esta movida. Gerardo con la música y Marcos con los textos. Enseguida me llamaron porque decían que era un elemento valioso que puede ayudarnos. Entonces yo les debo fundamentalmente a ellos dos, en especial el hecho de que me arreglaron la vida. En el momento en que uno está pensando que es casi un adolescente, como era yo, que voy a hacer, yo tenía ya un título universitario, ya era químico, trabajaba de químico, no me gustaba demasiado lo que hacía. De pronto encontrar esa vertiente, este espacio donde más que trabajar íbamos a jugar, me llenó de satisfacción, esperanza. Estoy en el lugar correcto. Un día tuve que renunciar a mi trabajo de químico para siempre y dedicarme a esto de hacer humor con la música y tocar el piano lo mejor posible. Agradezco al cielo haberme cruzado con Marcos y Gerardo y que nos hayamos hecho amigos. Porque en primer lugar fuimos amigos. Amigos y coreutas del coro de Ingeniería. Después, despacito, empezó toda esta aventura que nadie, absolutamente nadie, en esos momentos podría haber aventurado ni una milésima parte de lo que pasaría después. Estar en el Palacio Oviedo recibiendo el Premio Príncipe de Asturias de manos del Rey de España como contribución a la lengua española. ¿Qué más pretendo? ¿El Nobel? Me queda el Nobel, puede ser.  

Carlos Núñez Cortés básico 

Nació en Buenos Aires, en 1942. Es concertista de piano, compositor y arreglador de música. 

Licenciado en Química Biológica y estudioso de la fauna marina ha recorrido los mares del mundo investigando y coleccionando caracoles. 

Es inventor de entretenimientos matemáticos y programador de juegos para ordenadores. 

Pertenece al grupo Les Luthiers desde sus comienzos, donde, además de la actuación en el escenario, se ocupa de la composición musical y de la creación y construcción de instrumentos informales. 

Es que me pasaron muchas cosas en la vida, de Carlos Núñez Cortes (Libros del Kultrum). 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con El Explicado.    

Joey de León

José María de León y Ramos Jr., más conocido como Joey de León, nació en Manila, Filipinas, el 14 de octubre de 1946. Actor, cantante, compositor, comediante, escritor y presentador de televisión. 

El sitio www.eatbulaga.fandom.com publicó su biografía. 

José María Ramos de León Jr. (nacido el 14 de octubre de 1946), conocido profesionalmente como Joey de León, es un presentador de televisión, músico, comediante, actor, columnista, escritor y locutor de radio filipino. Joey es uno de los tres presentadores pioneros de Eat Bulaga!  que aún forman parte del programa hasta el día de hoy junto con Tito Sotto y Vic Sotto. Juntos, Tito Sotto, Vic Sotto y Joey de León conforman el icónico trío cómico conocido como TVJ. 

Entre los presentadores de televisión, Joey es conocido por su ingenio, chistes subidos de tono, sarcasmo e imitaciones. También es uno de los escritores más prolíficos de la industria multimedia, autor de varias canciones exitosas que muchos consideran clásicos de la música filipina, como "Ang Boyfriend Kong Baduy" de Cenicienta y "Ipagpatawad Mo" y "Awitin Mo at Isasayaw Ko" de VST & Company. Además, escribe columnas para The Philippine Star y anteriormente para Manila Bulletin. Su mente creativa es capaz de inventar palabras que provocan pensamientos graciosos, creando los títulos de varios segmentos, así como el título del programa de mediodía, lo que le ha valido el apodo de "Henyo Master" de la industria del entretenimiento filipino. 

Contenido 

Primeros años de vida 

José María Ramos de León, Jr. nació el 14 de octubre de 1946 en Manila, Filipinas. Joey es el segundo de los cuatro hijos de José Esteban Seoane de León y Emma Manahan Ramos. Su padre sirvió en las Fuerzas del Ejército de los Estados Unidos en el Lejano Oriente (USAFFE), una formación militar creada después de que las fuerzas del Ejército filipino fueran absorbidas por las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. 

Sus padres se separaron cuando él era pequeño. A los tres años, su padre se mudó definitivamente a Madrid, España, y decidió formar una nueva familia. Con su segunda esposa tuvo ocho hijos: siete niñas y un niño. Mientras tanto, Joey creció con su madre en el bullicioso barrio de la calle G. Tuazon en Sampaloc, Manila. 

Su abuelo paterno fue el primer alcalde de Malolos, Bulacán. 

Como le gustaba dibujar, estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Manila. Después de dos años, abandonó la universidad porque no le gustaban las matemáticas. 

Una broma que lo inició todo 

Tras abandonar la universidad y desempeñar varios trabajos, se adentró en el mundo del espectáculo local en 1968 con la ayuda de su mejor amigo, Freddie Villareal, cuya madre era la modista de la cantante y actriz Carina Afable. Un día, Joey tuvo la oportunidad de ir al recién inaugurado centro de transmisión de ABS-CBN. La madre de Freddie le había pedido a su hijo que le entregara un vestido a la cantante y actriz. Joey la acompañó. 

Al llegar, no consiguieron una audiencia inmediata con Carina Afable. Para matar el tiempo, visitaron otros estudios y se toparon con una audición para locutores de radio. Sin que él lo supiera, su amigo bromista Freddie le dio su nombre al guardia de turno para que se lo entregara al encargado de la audición. Como no buscaba el trabajo, se mostró tranquilo y relajado cuando los responsables de la audición le entregaron un guion para leer. Además, sabía modular la voz gracias a su formación en oratoria en la universidad. Su audición fue un éxito, lo que impulsó su carrera en la radiodifusión.  

De la radio a la televisión 

En ABS-CBN, sus primeras tareas como locutor de radio solo consistían en poner discos y controlar la hora.  

Cuando ABS-CBN lanzó la emisora de radio DWOW, figuras como Ike Lozada, Tessie Lagman y Roger Nite fueron designados para presentar la programación exclusivamente local. El recién llegado Joey logró obtener su espacio solo porque nadie quería encargarse del turno nocturno (de 10 p. m. a medianoche). Finalmente, también le asignaron un espacio de 5 a. m. a 7 a. m. 

En algún momento, mientras trabajaba como DJ, conoció a Tito Sotto, que por aquel entonces estaba de gira promocional por la radio con su grupo Tilt Down Men. 

En la década de 1960, Joey trabajó como locutor de radio en 12 emisoras durante cinco años, incluyendo todas las de ABS-CBN, así como otras como  Kanlaon Broadcasting System (KBS), Mareco Broadcasting Network y DZSA (1230 kHz). Su experiencia como locutor le permitió comprender a la perfección los gustos del público, su programación y su aversión. Todo ello resultó invaluable en sus siguientes carreras como guionista, compositor, presentador de televisión y comediante. 

En 1972, ABS-CBN fue clausurada por la ley marcial y Joey perdió su trabajo. Afortunadamente, Joey tuvo su primera oportunidad en televisión al año siguiente cuando fue incluido en el elenco de Okay Lang de IBC-13, un programa semanal de comedia con los hermanos Sotto, Ricky Manalo y la APO Hiking Society. Si bien Tito y Joey ya eran buenos amigos, esta fue la primera vez que Vic y Joey se conocieron.  

Formación de TVJ 

A mediados de la década de 1970, Joey se convirtió en copresentador del programa de variedades de los sábados de la cadena GMA, Discorama. En aquel entonces, el programa tenía bajos índices de audiencia. Mientras el presentador principal, Bobby Ledesma, estaba de vacaciones, le pidió a Joey de Leon que se hiciera cargo del programa. Luego invitó a sus antiguos compañeros de reparto de Okay Lang, Tito, Val y Vic, a unirse a él en Discorama. Solo Tito y Vic aceptaron la invitación de Joey. 

Combinando su ingenio, el trío ganó aún más popularidad en el segmento "Tough Hits", donde comenzaron a presentar noticieros cómicos intercalados con parodias de los éxitos del Top 40. Joey componía la mayoría de las letras. Esta nueva comedia salvó al programa de la cancelación por parte de los ejecutivos de la cadena. Así nació el trío conocido como TVJ. 

Los primeros años de TVJ 

Gracias a su reciente éxito, el trío también fue invitado a participar como bateadores suplentes en el programa Student Canteen a partir de 1976. 

Aunque TVJ comenzó en Discorama y Student Canteen, fue el programa de comedia Iskul Bukol de IBC-13 el que les dio fama nacional como comediantes. Emitido por primera vez en 1978, Iskul Bukol atrajo a numerosos productores de televisión y cine, incluyendo una oferta de Tony Tuviera para presentar un nuevo programa de mediodía en RPN. Tras algunas negociaciones, el trío aceptó. 

Pioneros del espectáculo 

¡Come Bulaga! se estrenó el 30 de julio de 1979. Junto con Chiqui Hollman y Ritchie D'Horsie, TVJ se convirtió en uno de los presentadores pioneros del programa. Joey tenía 32 años en el momento del estreno. 

Joey ideó el título del programa. Irónicamente, la idea surgió en la cocina de Tito Sotto en White Plains, Ciudad Quezón. Joey admitió haberse inspirado en el programa rival Student Canteen al crear el título. En su columna de The Philippine Star, reveló: 

"Me inspiré en Student Canteen cuando pensaba en un título para nuestro nuevo programa de mediodía... Obviamente, no seguí la palabra "Student" (estudiante) —baka sabihin gaya-gaya...— Me concentré en su segunda palabra: "Canteen" (comedor). ¿Y qué se hace en un comedor? ¡Pues comer! Y eso se convirtió en mi aperitivo para ayudarme hasta que di con un título delicioso: ¡Eat Bulaga!" 

Desde entonces, ¡Joey se ha mantenido fiel a Eat Bulaga!, a pesar de no tener contratos que lo aten al programa de mediodía ni a su productora. Durante más de tres décadas, Joey de León ha dedicado su vida a Eat Bulaga!  junto a Tito y Vic. Juntos, siguen siendo los tres pilares del programa de mediodía de mayor duración en Filipinas. 

El Maestro Henyo 

La creatividad no se limitó al título del programa. ¡A lo largo de las tres décadas de Eat Bulaga!, Joey ha acuñado los títulos de algunos de sus segmentos, en particular el segmento Kalyeserye, que alcanzó un éxito fenomenal sin precedentes en la televisión y las redes sociales. 

Joey también ideó uno de los eslóganes más llamativos de Eat Bulaga! durante la celebración de su primer aniversario en 1980: ¡Eat Bulaga! cumple un año. ¡Faltan 99 años!, que incluso se imprimió en camisetas. Este eslogan seguía al original: ¡Hasta que haya un niño, habrá Eat Bulaga!, en cuya creación también participó Joey. 

También es conocido por usar camisetas con frases ingeniosas y diseños originales en el programa, que pueden conmemorar eventos importantes, hacer referencia a la actualidad mundial, criticar temas de actualidad e incluso incluir sutiles insinuaciones sexuales. Dado que Joey también es un orgulloso fan de Dabarkads, muchas de sus camisetas celebran Eat Bulaga! y su larga trayectoria. 

Su estilo de comedia y humor ha generado controversia en repetidas ocasiones, provocando la ira de los internautas por sus comentarios insensibles e improvisados en el programa. A principios de la década de 2000, Joey fue suspendido varias veces por la Junta de Clasificación y Revisión de Películas y Televisión (MTRCB) por usar lenguaje soez o con doble sentido. Desde entonces, Joey ha moderado su comportamiento, aunque aún conserva su sarcasmo al intentar hacer reír con sus chistes. 

El rey de todos los medios 

Fuera de Eat Bulaga!, Joey de León también se ha convertido en una figura valiosa en la industria del entretenimiento filipino en general por sus contribuciones en la televisión, el cine, la radio, la música y la prensa escrita. Desde sus primeras incursiones en la industria radiofónica, Joey dominó el cine y la televisión. Entre sus personajes más notables se encuentran Starzan de la trilogía cinematográfica Starzan, Joey Escalera de la franquicia Iskul Bukol y Pando/She-Man de She-Man: Mistress of the Universe (1988). Protagonizó Joey and Son en 1982, una comedia de situación en RPN donde interpretó al padre de un niño pequeño interpretado en ese entonces por Ian Veneracion. También fue uno de los comediantes de TODAS, donde sus coprotagonistas incluían a Jimmy Santos, Val Sotto y Ritchie d'Horsie. 

En la década de 2000, ¡Joey se centró en presentar programas de televisión además de Eat Bulaga!, como Mel & Joey, Startalk , Wow Mali y Nuts Entertainment . También fue juez residente de los programas insignia de competencia de talentos de telerrealidad de GMA Network, StarStruck y Protégé. 

proyectos musicales 

Durante su adolescencia, a mediados de la década de 1960, formó parte de una banda llamada Koolkats. 

Tras el éxito del segmento «Tough Hits» de TVJ en Discorama, Vicor Music Corporation lanzó posteriormente el mismo título como álbum. Debido a la enorme cantidad de material recopilado del segmento, la colección se publicó en 12 volúmenes, que aún se venden. Sin embargo, el trío nunca recibió ninguna compensación económica por las ventas de la colección. Joey escribió la mayoría de las letras de las canciones paródicas. 

Aunque no figura oficialmente como miembro, Joey de León fue una parte integral del proceso creativo de VST & Company. Joey fue autor de "Ipagpatawad Mo" y "Awitin Mo at Isasayaw Ko", dos de las canciones más memorables de VST & Company. 

Posteriormente, escribió canciones para cantantes de renombre como Nora Aunor, Sharon Cuneta, Fred Panopio y D'Big 3 Sullivans. 

En la década de 2000, colaboró con las SexBomb Girls para interpretar las canciones "Spaghetti Song" (2003) y "Halukay Ube" (2004), que se convirtieron en éxitos de baile que marcaron el apogeo de la popularidad del grupo. Joey lanzó dos álbumes de novedad, Joey to the World (Tough Hits) (2004) y Joey to the World 2 (2007), con el exitoso sencillo "Itaktak Mo", que se convirtió en el tema principal del segmento Taktak Mo o Tatakbo, así como en una de las canciones de baile más solicitadas de 2007. Luego, Joey continuó su éxito con el álbum Kagat Labi (2008), que incluía el exitoso sencillo "Kagat Labi". Ambos sencillos se convirtieron en éxitos de baile en el momento de su lanzamiento. 

Escritor, ante todo 

Joey de León se destacó como columnista habitual en varios periódicos, entre ellos el Philippine Daily Inquirer, el Manila Bulletin, el Philippine Star y el desaparecido Philippines Daily Express. También escribió para innumerables tabloides. En algún momento, Joey incluso ilustró caricaturas para el tabloide Bandera. 

Joey de León escribía para la columna de entretenimiento del periódico Manila Bulletin, titulada "De Leon's Den", hasta su renuncia el 31 de julio de 2008. Decidió dejar su labor como columnista tras leer un artículo de Dindo Balares en Balita, publicación hermana de Manila Bulletin. ¡El artículo afirmaba que el programa internacional de Eat Bulaga! en Los Ángeles había sido un fracaso. Joey de León se sintió ofendido y renunció definitivamente. Regresó el 17 de agosto de 2008 como columnista de entretenimiento para el periódico The Philippine Star. Su columna semanal de entretenimiento se titula "Me, Starzan". 

"En realidad, me encanta ko talaga ang magsulat, e... el escritor ako talaga antes que nada". 

Joey practica constantemente sus habilidades de escritura y, además, escribe poemas, guiones y canciones en su tiempo libre. 

Vida personal 

Joey de León contrajo matrimonio con su pareja de toda la vida, Eileen Macapagal, en una ceremonia religiosa en Macao el 1 de marzo de 2018, fecha que coincidió con el día exacto en que decidieron fugarse para casarse hace 35 años, en 1983. La ceremonia civil tuvo lugar en el Tribunal Supremo de Filipinas el 19 de marzo de 2018. La pareja tiene tres hijos: su hija Jocas y sus hijos Jako y Jio. 

Joey estuvo casado anteriormente con la actriz Daria Ramirez, con quien tiene dos hijos: su hija Cheenee y su hijo Keempee. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Itaktak Mo.