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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Gerald Wexler, más conocido como Jerry Wexler, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 10 de enero de 1917, y murió en Sarasota, Florida, Estados Unidos, el 15 de agosto de 2008. Periodista, compositor y productor.
Jerry Wexler, nombrado por el cronista de la industria Bill Gavin como "Ejecutivo Discográfico del Año" durante tres años consecutivos, bien podría considerarse el hombre de los discos de la era moderna de la música contemporánea. Es posible que también haya disfrutado de la carrera más larga como productor discográfico en activo, habiendo contribuido al mercado discográfico internacional durante más de 30 años ininterrumpidos, con una intuición casi sobrenatural para el tipo de música que el mercado demanda en cada momento.
Nacido en la ciudad de Nueva York y autodescrito como un "jugador de stickball reformado que escapó a la alfabetización", la educación musical de Wexler comenzó temprano, a mediados de los años treinta, de hecho, cuando él y sus amigos comenzaron a pasar el rato en Harlem y en clubes de jazz como el legendario Nick's en Greenwich Village, "escuchando música y bebiendo cervezas hasta altas horas de la madrugada, a veces, hasta altas horas de la noche".
Después de ser dado de baja del ejército en 1946, Wexler perfeccionó aún más su conocimiento musical mientras asistía a la Universidad Estatal de Kansas, lo que le brindó la oportunidad de tomar descansos de su especialidad de "periodismo industrial" para ver apariciones de Big Joe Turner y Andy Kirk en la legendaria 12th Street de Kansas City.
Tras graduarse, fue contratado como escritor para la organización de derechos de ejecución Broadcast Music, Inc., y pronto pasó a Billboard, el periódico musical y comercial, como reportero y crítico discográfico. En 1951, por recomendación de Howard Richmond, Wexler aceptó un trabajo en la editorial musical Robbins, Feist y Miller, conocida entonces como los Tres Grandes.
Dos años más tarde, la joven Atlantic Records lo atrajo y se unió a la compañía en lo que se convirtió en una larga y productiva colaboración con el cofundador de la compañía, Ahmet Ertegun. Durante los 22 años siguientes, Wexler disfrutó de una extraordinaria carrera como productor discográfico y asesor de talentos con una amplia gama de artistas de renombre que representan prácticamente todos los matices de la música contemporánea.
Uno de los primeros proyectos que Wexler dirigió en Atlantic fue grabar al recién fichado Clyde McPhatter y a su grupo, The Drifters. Las sesiones se llevaron a cabo en las oficinas de Atlantic, por aquel entonces en la calle 56 Oeste de Nueva York. Como Wexler contó años después a un entrevistador de la revista Rolling Stone: «Durante el día, Ahmet (Ertegun) y yo compartíamos una oficina. Por la noche, colocábamos un escritorio encima del otro y Tom Dowd, el ingeniero, sacaba los micrófonos y las sillas plegables; ese era nuestro estudio».
Con este comienzo bastante sobrio, Wexler y Atlantic continuaron produciendo grabaciones con una lista de artistas que, desde la perspectiva actual, serían considerados prácticamente un quién es quién de la industria discográfica. Estos eran intérpretes que, con la siempre sabia ayuda de Wexler, harían historia en la música popular.
Entre las primeras personalidades, muchos artistas pertenecían a la categoría entonces conocida como música "racial". Wexler, durante su etapa en Billboard, rebautizó el género como "Rhythm and Blues", y en este grupo, además de McPhatter y The Drifters, se encontraban nombres como Ray Charles, Aretha Franklin, LaVern Baker, Wilson Pickett, Otis Redding, Sam and Dave, Joe Tex, Solomon Burke, Big Joe Turner, Ivory Joe Hunter, Ruth Brown, The Clovers, Chuck Willis, Carla Thomas y el peculiar Professor Longhair.
Además de estos artistas, básicamente orientados al soul, Wexler ha disfrutado de muchas otras asociaciones muy productivas. A través de un amigo en común, Doug Sahm (conocido entonces como Sir Douglas), conoció a Bob Dylan y finalmente produjo dos álbumes de Dylan, Saved y Slow Train Coming, para la CBS en Muscle Shoals, Alabama, un centro de grabación cuyo prestigio crecía rápidamente, gracias en gran medida al uso frecuente de las instalaciones por parte de Wexler. Wexler también ayudó a Dylan a conseguir su primer GRAMMY por el sencillo "You've Gotta Serve Somebody".
En un momento en que Willie Nelson acababa de salir de un sello discográfico, Wexler lo fichó por Atlantic, lo llevó a Muscle Shoals y produjo el LP Phases and Stages, un disco que mucha gente considera la obra maestra de Nelson, incluso hoy.
Durante la etapa de producción de Muscle Shoals, Wexler se asoció con American Studios en Memphis, dirigidos por el reconocido Chips Moman. Gracias a la ayuda de Wexler, Muscle Shoals Studios, Moman y, posteriormente, Criteria Studios en Miami, pudieron adquirir e instalar equipos de grabación y grabación multipista de última generación para sus estudios.
En el ámbito discográfico de Memphis, Wexler también desarrolló una estrecha relación con el sello discográfico Stax-Volt, lo que posteriormente llevó a la compañía al eje de distribución de Atlantic. Gracias a una asociación previa con Otis Redding, Wexler entabló amistad con el representante de Redding, Phil Walden, quien por entonces también representaba a Duane Allman. Wexler utilizó a Allman como acompañante destacado en muchas sesiones de grabación. Posteriormente, Wexler y Walden fundaron el sello Capricorn Records, distribuido por Atlantic. Una de las primeras estrellas de Capricorn fue la ahora legendaria Allman Brothers Band.
Wexler trabajó durante un tiempo en Warner Brothers Records como vicepresidente sénior, periodo durante el cual fichó a varias bandas importantes, entre ellas Dire Straits, The Gang of Four, The Roche Sisters y los B-52s. Posteriormente, Wexler amplió su alcance al cine y al teatro. Con los hermanos D'Lugoff, coprodujo el espectáculo itinerante de fB One Mo' Time y fue productor asociado del musical de Broadway Nine, de Raúl Julia. Su banda sonora para la ópera prima de Brooke Shield, Pretty Baby, de Louis Malle, fue nominada al Óscar.
El año pasado produjo, junto con su hijo Paul, la banda sonora de la película autobiográfica de Richard Pryor, Jo-Jo Dancer. En esa época, era supervisor musical del musical teatral Mr. Jelly Lord, protagonizado por Gregory Hines.
El 15 de enero de 1987, Wexler también fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Alabama y el 21 de enero, en la cena de inducción en el Waldorf, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en la categoría de Pionero de la Industria.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con You Make Me Feel Like A Natural Woman, en la interpretación de Aretha Franklin.
El sitio Comunidades Plus de Facebook publicó este artículo firmado por Bernardo Abramovici Levin.
*La Imparcialidad ‘a Pesar de Ser Judío’: Cuando el Periodismo Resucita el Prejuicio con Tinta Progresista”*
En referencia al artículo de El País (España) del 4 de enero de 2026.
Por Bernardo Abramovici Levin
Hay frases que no son errores: son revelaciones. Cuando El País —el principal diario de España— escribió que el juez que juzga a Nicolás Maduro era “imparcial a pesar de ser judío”, no cometió un desliz lingüístico ni una torpeza semántica. Hizo algo mucho más grave: dejó al descubierto una estructura mental que sigue viva, cómoda y legitimada en ciertos círculos del periodismo que se autoperciben como ilustrados, democráticos y moralmente superiores.
Porque esa frase no es neutral. No es inocente. No es “contextual”. Es una frase que carga siglos de sospecha. Decir “imparcial a pesar de ser judío” presupone que ser judío es, por defecto, una condición sospechosa, una inclinación que debe ser superada, una tara moral que hay que compensar con esfuerzo. Es el mismo mecanismo que durante siglos alimentó la exclusión: no la acusación directa, sino la duda insinuada.
Lo verdaderamente obsceno no es que se haya mencionado la identidad del juez. Es para qué se la mencionó. ¿Acaso El País escribiría que un juez es imparcial “a pesar de ser católico”, “a pesar de ser ateo”, “a pesar de ser vasco”, “a pesar de ser mujer”? No. Porque en esos casos el prejuicio sería evidente, grosero, inaceptable. Pero cuando se trata de judíos, el prejuicio se disfraza de análisis, de contexto, de sutileza intelectual.
Este es el antisemitismo del siglo XXI: no grita, no insulta, no quema libros. Editorializa. Se cuela en subordinadas. Se esconde detrás de un “a pesar de”. Es un antisemitismo que no se reconoce como tal porque se pronuncia desde redacciones progresistas, universidades prestigiosas y columnas de opinión que se creen vacunadas contra el odio por el solo hecho de declararse antifascistas.
El problema no es solo El País. El problema es la naturalidad con la que esa frase pudo ser escrita, editada y publicada sin que nadie en la cadena editorial se detuviera a pensar: “esto es inadmisible”. Eso habla de una normalización profunda: la idea de que la identidad judía sigue siendo un factor explicativo, un elemento que debe ser mencionado cuando se habla de poder, justicia o dinero. El viejo reflejo nunca se fue; solo aprendió a hablar el idioma de los derechos humanos.
Que luego hayan corregido el texto no los absuelve. La corrección no borra la pulsión original. No fue un lector malintencionado el que leyó antisemitismo donde no lo había: fue el propio diario el que lo escribió. Y lo escribió porque, en el fondo, todavía considera pensable —decible— que un judío tenga que demostrar imparcialidad “a pesar” de ser quien es.
Este episodio no es menor ni anecdótico. Es una advertencia. Cuando incluso un dictador como Maduro puede convertirse en excusa para deslizar un prejuicio ancestral, queda claro que el problema no es Venezuela, ni la geopolítica, ni Estados Unidos. El problema es cultural. Es moral. Es periodístico.
Y hay que decirlo sin eufemismos: cuando el periodismo introduce la identidad judía como un obstáculo a la justicia, deja de informar y empieza a contaminar. No con odio explícito, sino con algo más peligroso: la sospecha elegante, el prejuicio con corrección política, la discriminación que se cree inteligente.
Estimados seguidores del Blog, con estas líneas le doy la bienvenida a NAGRELA EDITORES, una empresa española dedicada a la publicación de una variedad de temas relacionados con la cultura judía, y quiero agradecer especialmente a Dafna Chocrón por su calidez y predisposición.
NAGRELA EDITORES es más que una editorial, es un proyecto cultural y divulgativo que busca impulsar la reflexión sobre temas actuales. Se trata de un canal de difusión del pensamiento y la cultura judías, tanto en lo referente a sus tradiciones, como en su relación con el mundo de hoy.
Por este motivo, NAGRELA EDITORES ofrece obras que favorezcan el desarrollo personal y promuevan el entendimiento y la comprensión entre individuos y culturas. Cada una de sus obras y autores son seleccionados en base a unos criterios de calidad e interés, de forma que en ella tienen cabida desde la filosofía a la economía, pasando por la política o la gastronomía.
Una marca cargada de simbolismo
NAGRELA EDITORES toma su nombre de Samuel ibn Nagrella (Córdoba, 993 – 1056), político, filólogo y poeta judío que llegó a ser nombrado visir por los musulmanes, quienes le otorgaron el título de ha-Nagid (*el Príncipe) y le convirtieron en representante legal de los judíos de Al-Andalus ante las autoridades musulmanas.
Experto en teología y filología, fue uno de los grandes pensadores de su tiempo, un extraordinario estudioso de la gramática y el Talmud, y uno de los mejores poetas hispano-hebreos de todos los tiempos. Su amabilidad, su inteligencia y su tolerancia le hicieron ser admirado tanto por los judíos como por los musulmanes.
En línea con su nombre y su filosofía, el logotipo de NAGRELA EDITORES se construye a partir de la quinta letra del alfabeto hebreo, la letra Hey, relacionada con la vida y la creatividad. La utilización de la grafía moderna de la letra Hey refleja la voluntad de integración de tradición y modernidad. Asimismo, su posición (enfrentada a sí misma) representa el espíritu reflexivo y crítico que impulsa a la editorial. Por último, la figura de un libro abierto que evoca la composición del logotipo, refleja su aptitud de transmisora de conocimientos.
James Patrick Page II, más conocido como Jimmy Page, nació en Heston, Middlesex, Reino Unido, el 9 de enero de 1944. Guitarrista y multi instrumentista, compositor, productor y actor.
Jimmy Page un guitarrista y creador icónico, que ha dejado una permanente huella en la música rock. Es conocido por ser el guitarrista fundador de Led Zeppelin, y su contribución al género es incuestionable. El sonido y el estilo característicos de Page han inspirado a numerosos músicos, y es realmente uno de los grandes del rock and roll.
A lo largo de una carrera de más de cinco décadas, Page ha creado una obra asombrosa que ha definido el curso de la música. Este artículo explora la vida y el legado de Jimmy Page, desde sus inicios como músico de sesión hasta su significativa influencia en el mundo del rock.
Te voy a dejar por aquí también una lista con Los 10 mejores solos del rock, entre los que se incluye uno de Jimmy Page, por si quisieras conocer otros músicos que han influido en el Rock N’ Roll.
Biografía y carrera de Jimmy Page
Nacido en Heston en 1944, Jimmy Page vivió allí hasta que su familia se mudó a Epsom cuando él tenía tan solo ocho años. A los doce años consiguió su primera guitarra, y aunque recibió algunas clases de guitarra fue prácticamente autodidacta con el instrumento. Entre sus primeras influencias con la guitarra destacan Scotty Moore y James Burton, guitarristas de rockabily que habían tocado junto a Elvis Presley.
Llegó a entrar y formar parte durante dos años de una banda de rock llamada The Crusaders, la cual contaba con el vocalista Neil Christian. Después de un tiempo, decidió aparcar su carrera musical para centrarse en la pintura, otra de sus pasiones, y se matriculó en el colegio de arte de Sutton, en Surrey.
Músico de sesión
Siendo estudiante de pintura, frecuentaba el Marquee Club de Londres e improvisaba junto a guitarritas como Jeff Beck (con el que años más tarde compartiría banda), Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner. Fue gracias a estas sesiones por las que le fue saliendo trabajo como músico de sesión. Su primer trabajo fue grabar junto a Jet Harris y Tony Meehan el sencillo Diamonds, el cual alcazó el número uno en las listas británicas en 1963.
Después de un tiempo aceptando diversos encargos, Jimmy Page alcanzó una moderada fama como músico de sesión. Se convirtió en el guitarrista preferido de Shel Talmy, permitiéndole trabajar junto a grupos como The Who o The Kinks. Otros grupos para los que trabajó Page son The Rolling Stones, Van Morrison o Brenda Lee.
En 1965, Jimmy Page entro como productor en el sello discográfico Immediate Records gracias al manager de los Rolling Stones. Gracias a este nuevo cargo, Page tocó y produjo canciones de John Mayall, Nico o Eric Clapton, entre muchos artistas más.
The Yardbirds
En 1964, Jimmy Page recibió una oferta para reemplazar a Eric Clapton en The Yardbirds que rechazó como muestra de lealtad a su amigo. Un año después, Clapton se fue por propio deseo de la banda y recibió una nueva oferta para ingresar. Sin embargo, volvió a declinar la oferta para centrarse en su carrera de músico de sesión y porque no se sentía preparado para salir de gira con un grupo. En su lugar, recomendó a su amigo Jeff Beck para que remplazara a Clapton.
Años más tarde, en 1966 volvió a recibir otra oferta de la banda que terminó por aceptar, por lo que entró en el grupo como bajista. Sin embargo, con el tiempo Jimmy Page pasó a desempeñar el rol de guitarrista principal junto a Beck después de que Chris Dreja se trasladase a la posición de bajista.
Sin embargo, a pesar del potencial de la banda la carrera de la misma se vio interrumpida por las constantes giras, la falta de éxito musical y los conflictos internos de la propia banda.
Después de que Jimmy Page se quedase solo en 1968 con la marcha del resto de miembros, Page reclutó al vocalista Robert Plant, al bajista John Bonham y al teclista y bajista John Paul Jones para formar un nuevo grupo. En un principio, este grupo se llamaría The New Yardbirds, pero poco después se renombró como Led Zeppelin.
Led Zeppelin
Toda la experiencia previa que tenía Jimmy Page como músico de sesión y miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento en la nueva formación. Las labores que hizo Page como compositor, productor y guitarrista son las que contribuyeron a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las bandas más influyentes de los años 70 y de la historia de la música rock.
Dentro de las composiciones de Led Zeppelin se puede notar una clara revolución en el sonido de la banda, buscando nuevos sonidos y efectos como podemos escuchar en Whole Lotta Love. Además de los solos más míticos de la historia del rock, como el de Stairway to Heaven. Todo esto es lo que hace que Led Zeppelin, y en concreto Jimmy Page, haya influenciado en los guitarristas de rock.
En cuanto a las técnicas extravagantes de Page, él fue uno de los primeros guitarristas en hacer uso de un arco de violonchelo para tocar la guitarra en canciones como Dazed and Confused o How Many More Times. Además, Jimmy Page es uno de los artífices en hacer llegar al estudio nuevas técnicas de grabación que desarrolló durante su etapa en Led Zeppelin.
La banda se disolvió en 1980 después de que el batería, John Bonham, muriese el 25 de septiembre de ese mismo año asfixiado por su propio vómito tras un coma etílico. La idea de continuar como Led Zeppelin no se les pasó por la cabeza, argumentando que nada sería lo mismo sin Bonham. El último lanzamiento oficial de la banda fue en 1982, que publicaron por contrato un LP con material inédito titulado Coda.
Etapa en solitario tras Led Zeppelin
Desde la disolución de Led Zeppelin, Jimmy Page se ha dedicado a hacer una carrera en solitario en labor de colaboraciones con otros artistas y bandas de rock, pero no ha vuelto a formar parte de un grupo como tal.
Las colaboraciones de Jimmy Page han ayudado a dar forma a la industria musical y a su legado como uno de los guitarristas más icónicos e influyentes de todos los tiempos. Así que se puede afirmar con seguridad que el trabajo de Jimmy Page seguirá siendo parte integrante de la industria musical durante muchos años.
Inspiración para los guitarristas y el Rock N’ Roll
Jimmy Page es conocido como uno de los guitarristas eléctricos más icónicos de todos los tiempos. Ha influido profundamente en el ámbito del rock and roll. Sus contribuciones con Led Zeppelin y otros proyectos revolucionaron el sonido de la guitarra eléctrica, alterando la forma en que los músicos tocan, perciben y utilizan el instrumento.
La forma de tocar de Page, imaginativa y rompedora, ha inspirado a muchas generaciones de guitarristas. Desde los licks de blues hasta los solos de hard rock, el enfoque único de Jimmy Page a la hora de tocar la guitarra le ha convertido en un auténtico pionero en el mundo de la música.
Cómo tocar la guitarra como Jimmy Page
Jimmy Page es un guitarrista que ha tenido un tremendo impacto en la música rock. Su característico estilo de tocar es reconocible e icónico, y su influencia se ha dejado sentir en innumerables guitarristas de todo el mundo. Para aprender a tocar como Jimmy Page, es importante comprender sus técnicas y tecnología. Además, es beneficioso examinar sus colaboraciones y su legado para conocer mejor su estilo.
Su técnica es uno de los aspectos más importantes para aprender a tocar como Jimmy Page. Era famoso por su uso único de afinaciones alternativas y un enfoque poco ortodoxo de la guitarra. También era conocido por su amplio uso de los efectos de guitarra, como el wah-wah, el fuzz o la reverb para crear sonidos únicos. Además, era un maestro de la improvisación, y a menudo inventaba sus propias partes durante una actuación.
Por toda esta historia, podemos afirmar que Jimmy Page es un nombre legendario en la escena del rock and roll. Músico profesional desde los años 60, su increíble forma de tocar la guitarra le ha valido un lugar en la historia de la música. Elogiado por muchos en la industria, su influencia en la música aún se siente hoy en día. Su legado es inspirador y demuestra el profundo efecto que ha tenido en el mundo de la música.
Conclusión
El legado de Jimmy Page perdurará en el tiempo. Su revolucionario enfoque de la interpretación y grabación de la guitarra ha inspirado a generaciones de músicos, marcando la pauta de la producción musical moderna. Sus colaboraciones con otros artistas han ampliado los límites de lo que se puede crear, mostrando las posibilidades que puede ofrecer la música. De cara al futuro, la influencia de Jimmy Page seguirá moldeando la forma en que creamos y experimentamos la música.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Kashmir, en vivo.
Wulf Wolodia Grajonca, más conocido como Bill Graham, nació en Berlín, Alemania, el 8 de enero de 1931, y murió cerca de de Vallejo, California, Estados Unidos, el 25 de octubre de 1991. Empresario y promotor.
BILL GRAHAM, EL INVENTOR DEL ROCK EN TEATROS Y MEJOR PROMOTOR DE LA HISTORIA
Por Julián Ruiz / Actualizado el 03/11/2025
La primera exposición completa sobre el empresario musical Bill Graham se inagurará en el Centro Cultural Skirball, en Los Ángeles a partir del 7 de mayo.
«Bill Graham y la Revolución del Rock & Roll» incluirá recuerdos, fotografías, imágenes de conciertos de archivo, entrevistas en video históricos y nuevos y arte psicodélico, relacionada con la carrera del padrino de la escena de conciertos de San Francisco y uno de los promotores de conciertos más influyentes en historia.
Bill fue el gran inventor del rock en los teatros, con la fundación de los míticos Filmore West en San Francisco y el Fillmore East en Nueva York, aparte del Winterland de San Francisco, donde se filmó «The Last Waltz» con The Band, Bob Dylan y etc, filmado por Martin Scorsese.
Las fotografías y artefactos, cedido por la familia Graham, estarán a la vista al público, por primera vez, junto con dibujos preparatorios y las ilustraciones originales de varios carteles de conciertos emblemáticos Fillmore de artistas Bonnie MacLean , Wes Wilson, David Singer, Greg Planchado y David Byrd. Todos los carteles fueron una auténtica revolución.
La exhibición incluirá el barril de manzanas original que saludó a los aficionados con manzanas frescas en la entrada del Auditorio Fillmore ; cartas y regalos de artistas y aficionados; y actuaciones en vivo notable y fotos del backstage del Fillmore, Winterland, Día on the Green, Live Aid y otra Bill Graham Presents conciertos.
Nacido en Berlín, Bill Graham, que murió en un accidente de helicóptero en 1991 a la edad de 60 años, fue conocido por trabajar con los Grateful Dead, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Santana, Led Zeppelin, los Rolling Stones y muchos otros. Fue el descubridor de Santana.
La exposición se iluminará cómo las experiencias de la infancia de Graham, que como un emigrante judío alimentaron su unidad como un innovador cultural y defensor de la justicia social. Graham fue fundamental en la producción de conciertos benéficos hito como Live Aid en 1985 y Human Rights Now!, tres años más tarde.
La exposición coincide con dos aniversarios de 50 años: el primer concierto de Graham y el debut en vivo de la banda Grateful Dead. Graham hizo su debut como promotor el 6 de noviembre de 1965, cuando, como gerente de negocios para el San Francisco Mime Troupe, puso en escena una recaudación de fondos para apoyar la defensa legal de uno de los actores Mime Troupe. Poco después se hizo cargo del contrato de arrendamiento en el Auditorio Fillmore.
Los Dead tuvieron su primer show el 5 de mayo de 1965; su primer concierto como los Grateful Dead
Exposiciones relacionadas, conciertos y otros programas públicos serán anunciados en marzo. La exposición estará abierta hasta el 11 de octubre.
Que pena que sólo sea en Los Ángeles.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, como promotor de Carlos Santana, con Samba Pa Ti.
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta la Historia real de los Chuetas de Mallorca: 15 apellidos (Cortès, Aguiló, Bonnín, Fortesa, Fuster, Martí, Miró, Picó, Pinya, Pomar, Segura, Tarongí, Valentí, Valleriola, Valls) que desde 1691 hasta 1970 fueron sinónimo de "judío". 6 marzo 1691: Inquisición quema vivos a 37 judíos conversos en Plaza del Mercado de Palma frente a 30.000 espectadores. Entre ellos Rafael Cortès. Desde ese día, sus descendientes quedan marcados para siempre. Miquel Cortès, 68 años, creció en barrio Monte Sión (antiguo gueto judío) sin saber por qué no podía casarse fuera de los 15 apellidos. En marzo 2024 recibe test ADN: 54,3% sefardí. Estudio de 1.300 descendientes chuetas: 92% tienen 42-63% sangre judía. 330 años de endogamia forzada preservaron genéticamente lo que sociedad intentó borrar. Archivos inquisitoriales revelan: su antepasado fue quemado vivo por practicar judaísmo en secreto. 20.000 mallorquines vivos HOY llevan los 15 apellidos. Muchos aún sienten vergüenza heredada. Gobierno Baleares pidió disculpas oficiales en 2011. Pero discriminación residual persiste.
A continuación, el video: Chuetas de Mallorca 15 Apellidos Prohibidos 330 Años - ADN 2024: 54% Judíos, No Podían Casarse con Otros
En febrero de 1831 Gioachino Rossini se encontraba en Madrid, España, para dirigir una representación de su ópera El Barbero de Sevilla. La función contó con la presencia del Rey Fernando VII, y resultó muy celebrada.
Entre el público estuvo presente el archidiácono Manuel Fernández Varela quien, entusiasmado, deseaba poseer un manuscrito de Rossini y le encargó la composición un Stabat Mater que rivalizase con el famosísimo de Pergolesi.
Cabe destacar que la plegaria del Stabat Mater es una secuencia litúrgica sobre unos versos tradicionales católicos del siglo XIII, atribuidos al papa Inocencio III o al fraile franciscano Jacopone da Todi.
A Rossini le pareció un encargo demasiado serio, por lo que fue reticente en un primer momento, aunque finalmente accedió dado que el prelado era gran amigo de su protector, el banquero Alejandro María Aguado.
La única condición que impuso el compositor fue que la obra no podía ser vendida ni publicada y recibió a cambio una tabaquera de oro encastrada de diamantes que le obsequió el archidiácono Fernández Varela.
Aunque se esperaba la obra para la Pascua de 1832, Rossini no encontraba suficiente inspiración para algunas de las secciones, por lo que le encomendó a su amigo el compositor y director musical del Teatro de los italianos de París, Giovanni Tadolini, que completase la partitura.
A pesar de la decepción por el retraso del encargo del archidiácono Varela, la obra fue estrenada en la iglesia del Convento de San Felipe del Real de Madrid el Viernes Santo de 1833.
A la muerte de Varela en 1837, y contrariamente a lo convenido inicialmente, el manuscrito fue vendido a un privado y posteriormente a un editor de París, lo que desató la furia de Rossini ante la embarazosa situación que se supiera que no toda la composición le pertenecía.
Afortunadamente Rossini recuperó el manuscrito y escribió las partes que había dejado en manos de Tadolini, dotando a la obra de un gran sentido de unidad, añadiendo como final la sección décima: "Amen, in sempiterna saecula".
Finalmente, la obra completa de Rossini fue estrenada en París, el 7 de enero de 1842 en la Sala Ventadour con gran éxito.
La partitura de la obra requiere la participación de cuatro solistas, coro y orquesta, y consta de diez movimientos o partes:
Introducción para coro y solista "Stabat Mater dolorosa"
Aria para tenor "Cujus animam gementem"
Dueto para soprano y contralto "Quis est homo"
Aria para bajo "Pro peccatis suae gentis"
Recitativo para bajo y coro "Eja, Mater, fons amoris"
Cuarteto para solistas "Sancta Mater, istud agas"
Cavatina para Contralto "Fac, ut portem Christi mortem"
Aria para soprano y coro "Inflammatus et accensus"
Cuarteto de solistas "Quando corpus morietur"
Final para coro "Amen, in sempiterna saecula" de estilo fugado
Seguidamente, el Stabat Mater de Gioachino Rossini, en la versión de Anna Netrebko, soprano; Marianna Pizzolato, mezzosoprano; Matthew Polenzani, tenor; e Ildebrando D'Arcangelo, bajo, junto al Coro y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, todos dirigidos por Antonio Pappano.
Doris Elaine Higginsen, más conocida como Doris Troy, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 6 de enero de 1937, y murió en Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el 16 de febrero de 2004. Cantante y compositora.
Si hay un artista que encarnó el soul en su máxima expresión, es Doris Troy. Conocida por su voz poderosa y emotiva, esta cantante y compositora estadounidense es todavía una influencia en la música soul contemporánea. En este artículo, exploraremos la historia y biografía de Doris Troy, su legado en el soul, sus mejores canciones y una crítica de su música.
Nacida como Doris Elaine Higginsen en 1937 en Nueva York, Troy creció en un ambiente musical, rodeada de gospel, doo-wop y rhythm and blues. Fue en su adolescencia cuando fue descubierta por James Brown, quien la contrató como corista. A partir de ahí, su carrera despegó y comenzó a colaborar con importantes artistas de la época, como Solomon Burke, The Drifters y Chuck Jackson.
Sin embargo, fue en 1963 cuando Troy alcanzó el éxito con su tema Just One Look, que se convirtió en un clásico del soul y llegó al top 10 de las listas de éxitos. A partir de ahí, Doris Troy ganó reconocimiento como una de las grandes voces del género, con una capacidad emocional que pocos podían igualar.
La música de Doris Troy se caracterizó por ese soul genuino que llegaba directamente al corazón. Sus canciones son un retrato de la experiencia femenina, con temas como el amor, la confianza y la libertad. También abarcó temas sociales y políticos, como los derechos civiles y la discriminación racial.
Entre sus mejores canciones se encuentran clásicos como Whatcha Gonna Do About It, What'cha Gonna Do, y Get Back, que grabó con The Beatles. En todas ellas, se puede apreciar la impresionante voz de Troy, llena de sentimiento y una energía magnética.
En cuanto a la crítica, es difícil encontrar algo negativo que decir de la música de Doris Troy. Su legado en el soul es innegable, y su capacidad para transmitir emociones a través de la música es impresionante. Quizás lo único que se podría criticar es la falta de reconocimiento que recibió durante su vida, algo que se ha ido corrigiendo con el tiempo a medida que crece su influencia en la música soul contemporánea.
En resumen, Doris Troy es una figura importante en la historia del soul, con una voz y estilo únicos que la convierten en una inspiración para músicos de todo el mundo. Con su legado musical, ha dejado una huella duradera en la música soul, un género que siempre estará en deuda con su inconfundible estilo y autenticidad.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con So Far. Compuesta por Doris Troy y Klaus Voormann. Grabación realizada en 1970, con Klaus Voormann, bajo; Eric Clapton, Peter Frampton y Stephen Stills, guitarras; Bonnie y Delaney Bramlett, percusión; Alan White y Ringo Star, batería; Billy Preston y Bobby Whitlock, teclados; Leon Russel, piano y Rita Coolidge, coros.
Federico García Vigil nació en Montevideo, Uruguay, el 5 de enero de 1941, y murió en el 27 de mayo de 2020. Compositor, contrabajista, profesor y director de orquesta.
“Hace 72 años que estoy conviviendo con esa cosa que se llama música, que es una cosa fantástica, que está ahí flotando. Algunos levantan la mano y la llegan a tocar, la alcanzan y otros seres humanos no”
Federico García Vigil nació en Montevideo el 5 de enero de 1941.
Fue un compositor, profesor y director orquestal uruguayo.
A pesar de su formación académica, mantuvo siempre una estrecha relación con la música popular y folclórica y, en relación con esta última, con el candombe en particular.
Sus padres fueron Héctor García Moyano y Raquel Vigil Mutuverría, sobrina del escritor Constancio Vigil. Esta pareja poseía una gran inclinación artística y un pensamiento político de índole progresista.
Eran admiradores de Federico García Lorca, Mariana Pineda y Emilio Frugoni, a dos de los cuales homenajearían luego con el nombre de sus hijos: Federico y Mariana.
Su hermana Mariana García Vigil, al igual que él, se ha dedicado a la música tanto vocacional como profesionalmente.
Concurrió a la Escuela y Liceo Elbio Fernández. Mostró aptitud e interés por la música desde edad temprana, estudiando piano en el Conservatorio Guillermo Kolischer.
Más tarde estudió armonía con Fabio Landa, composición con Jiri Bortlichek y orquestación con Charles Schwartz.
Esa carrera empezó a sus 18 años en 1959, como contrabajista de la primera formación de The Hot Blowers, una banda de dixieland, un subgénero del jazz bien movido, al punto que también es conocido como Jazz- Hot.
La banda, fundada por el trompetista Daniel Lencina, fue muy famosa en el ambiente musical hasta su disolución temprana en 1962.
En esos pocos años, pasaron por su formación “Cacho” De La Cruz, Rubén Rada y los hermanos Fattorusso.
Quedan pocos registros de la banda, como de casi todo lo que se grabó en esa época en nuestro país. Por suerte en 2003 la banda se reunió, junto a los Chicago Stompers, para realizar una serie de conciertos que quedaron registrados en el álbum Jazz Tour en Vivo.
Formaciones posteriores de la banda incluyeron a Rubén Rada y a los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, entre muchos otros artistas de esta generación.
Durante su juventud se reunió con frecuencia en un local del barrio montevideano de La Mondiola que constituyó un punto neurálgico para la música en ese entonces: el denominado «taller de Moisés» ya que, en efecto, se trataba de un taller mecánico, parte de la casa de Caio, baterista de Los Shakers; Chocho, baterista de Los Delfines, y Urbano Moraes.
Se constituyó en un punto de reunión para futuros grandes músicos y artistas. Por allí pasaron, además de Federico, Manolo Guardia, los hermanos Fattoruso, Mingo Medina y Chiche Cabral, entre otros. A este lugar, más tarde le dedicaría Manolo Guardia el tango denominado "Taller de los inútiles".
A principios de la década de 1960, en pleno proceso revolucionario cubano, García Vigil fue contratado para trabajar en la Orquesta de Ballet de Alicia Alonso en La Habana.
El cambio profundo que la revolución estaba produciendo en la sociedad cubana maravilló a Federico, que desde un principio simpatizaba con el movimiento revolucionario.
En Cuba conoció a la mujer que luego sería su primera esposa, la bailarina de ballet Margarita Fernández, con la cual regresó a Uruguay.
A mediados de los 60 vuelve de Cuba con Margarita, justito para llegar a la gestación de uno de los géneros por el que nuestro país fue reconocido en todo el mundo: el Candombe- Beat.
Era parte de los músicos estables del local Orfeo Negro, junto a la legendaria banda El Kinto, integrada por Héctor Cardarello en clarinete, «Chiche» Beya en piano, José Pedro Imbelloni en batería y Federico en contrabajo.
Con este último Vigil tocó en los conciertos conocidos como Musicasiones, que después se verían reflejados en el histórico longplay Musicasión 4 y ½, el mejor registro de esa explosión de música hecha 100% en Uruguay.
Cabe destacar que en esa época la fama no significaba dinero -ni algo cercano-, así que Vigil también componía música para obras de teatro, y a veces hasta era intérprete de sus propias composiciones en los primeros actos.
En el año 1968, Federico estuvo a cargo de la música de la obra de teatro Libertad, libertad, estrenada en el Teatro El Galpón el 13 de junio de 1968 bajo la dirección de César Campodónico.
Asimismo, tocó un tiempo en la primera pieza de la obra como contrabajista, acompañado de Eduardo Mateo en guitarra y Luis Sosa en batería.
En 1969, con 28 años, su currículum ya incluía Jazz, Candombe Beat, dirección de orquesta y composición musical para obras de teatro.
Ese mismo año tocó junto a Eduardo Mateo en el famoso ciclo de conciertos denominado Musicasiones, a la vez que continuaba su trabajo relacionado con el teatro.
Pero al parecer no era suficiente, así que ese año sumó el tango, como parte de la banda Camerata de Tango, dirigida por Manolo Guardia, otro viejo amigo de Vigil en tiempos del “taller de Moisés” -que importantes son los contactos-. Con esta agrupación grabó dos exitosos discos LP, con difusión en Uruguay, Brasil, Argentina y Japón.
La idea de Camerata era aggiornar al tango a la nueva época, generar una mezcla entre ese género y los nuevos sonidos. El resultado fue Chau Ché (1969), disco que llegó a ser editado en Japón años después.
Los integrantes fueron, Carlos Vinitzki, Nelson Gobea y Juan José Rodríguez, viola, Moisés Lasca, violonchelo, Vinicio Ascone, contrabajo, Federico García Vigil y Guardia en piano, arreglos y dirección. Con este conjunto realizó varias grabaciones que se editaron en Argentina, Brasil y Japón, al igual que diversas giras por Latinoamérica.
El repertorio de la agrupación que en algún momento también fue llamada Camerata Punta del Este, incluía además estándares del jazz, piezas barrocas, bossa nova y candombe.
Recibió el Premio Florencio de Uruguay en 1969.
Le fue otorgado en 1970 el Premio Florencio de Uruguay.
En el año 1971 fue becado por el Ministerio de Educación y Cultura uruguayo para trasladarse a Buenos Aires, con el fin de proseguir sus estudios de dirección de orquesta con el maestro Simón Blech.
Ese mismo año, la Embajada de Francia lo invitó a continuarlos en el conservatorio de Estrasburgo, como discípulo del maestro Jean-Sebastian Bereau y, luego, en la Universidad de París, con Pierre Stoll.
Frente a caminos que se le empezaban a cerrar y con ganas de perfeccionarse como director, residió en Francia de 1972 a 1974.
Allí, su participación en tres funciones de la cantata “Santa María de Iquique”, con los Quilapayún, agravó su reputación para el gobierno uruguayo, ahora desembozadamente dictatorial.
Pese a haber ganado un concurso de dirección orquestal en Estrasburgo, al regresar a Uruguay estaba clasificado como ciudadano categoría C, no elegible para cargos públicos. Pudo escribir algunas músicas para la Comedia Nacional, que registró y acreditó con seudónimo, con la complicidad de los artistas teatreros.
Sin embargo, el premio en Estrasburgo le valió invitaciones puntuales para dirigir distintas orquestas americanas. Su debut fue con la Orquesta Sinfónica de Maracaibo, de Venezuela, y luego dirigió orquestas de Colombia, Estados Unidos, Brasil, Argentina y Perú.
Le fue otorgado el Primer Premio en Dirección de Orquesta en Francia en el año 1973.
En 1974, invitado por los gobiernos de Gran Bretaña y Alemania, recorrió las escuelas de dirección de orquesta de ambos países, profundizando sus conocimientos en el área, y tuvo la oportunidad de dirigir la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Estrasburgo.
A mediados de la década del 70 conoció a Olga Bérgolo, quien fuera su esposa.
En noviembre de 1978 participó en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta del Festival Villa Lobos en Brasil.
Más tarde dirigió el Ensamble Ciudad de Montevideo y la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela.
Luego de un suceso familiar muy desafortunado, vivió un período de adicción al alcohol, a la que felizmente pudo poner fin en el año 1985.
En el año 1981 recibe el Premio Florencio en Uruguay.
En 1983 formó parte de un proyecto de candombe fusión junto a Mike Dogliotti, Hugo Jasa y Roberto Galletti, con quienes grabó el casete Chicalanga 3 + 1, editado por el estudio de grabación La Batuta.
En cuanto terminó la dictadura, fue convocado para asumir como director titular de la Orquesta Sinfónica Municipal.
Esa responsabilidad, que además puso fin a más de un decenio de inestabilidad profesional, contribuyó para que superara un serio problema de alcoholismo.
Dejó de tomar a fines de 1985 y logró sostener la abstención total por el resto de su vida. Ganó, además, el concurso para docente de Dirección Orquestal en la Escuela Municipal de Música, y fue, durante varios años, un relevante formador.
En 1990 asumió como director titular de la Orquesta Sinfónica de Colombia, hasta que lo convocaron para retomar la Orquesta Sinfónica Municipal en 1993, que pronto se convirtió en la Filarmónica.
Se desempeñó, además, como catedrático de Dirección Musical en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República y en la Escuela Municipal de Música de Montevideo.
Ha dirigido, además, las Sinfónicas de Argentina, gran parte de las latinoamericanas y varias de Europa y Estados Unidos. También fue intensa su labor como director de Ópera.
Se le otorga el Premio Fabini de Uruguay.
Recibe el Premio Morosoli de Uruguay.
Gana el Primer Premio de Música de Cámara (Concurso AEMUS-BAW)
Se le otorga el Premio Iris de Oro en Uruguay del año 1995.
En septiembre de 1996 fue distinguido, junto a los maestros Simón Blech e Isaac Karabtchevsky, para dirigir la Orquesta Sinfónica de San Pablo en el Encuentro Sinfónico Internacional Mercosur Cultural.
En el año 2003 el Ministerio de Cultura de Polonia. Le otorga la Ordre du Mérite Culturel.
Ese mismo año es declarado Ciudadano Ilustre de Santiago de Chile.
Recobe el Premio a la Trayectoria Artística y Humana otorgado por el Foro Iberoamericano de las Artes de la Universidad de Alcalá de Henares. España en el año 2003.
En el año 2004 Colombia le entrega la Medalla al Mérito Cultural.
En el año 2005 el Ministerio de Cultura de Francia le otorga el premio Chevalier dans l'Ordre des Arts et des Lettres.
Premio Candelabro de Oro de la B'nai B'rith Uruguay.
Falleció a los setenta y nueve años el 27 de mayo de 2020.
RESUMEN DE SU Actividad artística
Director de Orquesta Sinfónica
Fue director, entre muchas otras, de las siguientes orquestas:
Orquesta Filarmónica de Montevideo (Director Titular. Uruguay)
Orquesta Sinfónica de Colombia (Director Titular. Colombia)
Orquesta Sinfónica de Río de Janeiro (Brasil)
Orquesta Sinfónica de Porto Alegre (Brasil)
Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo (Brasil)
Orquesta Sinfónica de Maracaibo (Venezuela)
Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas (Venezuela)
Orquesta Sinfónica Simón Bolívar (Venezuela)
Orquesta Sinfónica de Manitowa-Wisconsin (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Savannah-Georgia (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Greenville (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Chicago (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Portland (Estados Unidos)
Orquesta Sinfónica de Vancouver (Canadá)
Orquesta Sinfónica de Madrid (España)
Orquesta Sinfónica de Córdoba (España)
Orquesta Sinfónica de Palma de Mallorca (España)
Orquesta Sinfónica de Estocolmo (Suecia)
Orquesta Sinfónica de Varsovia (Polonia)
Orquesta Sinfónica de Bucarest (Rumania)
Orquesta Sinfónica NHK de Tokio (Japón)
Director de Ópera
Como director de ópera, ha sido responsable de la dirección de este género en varios teatros del mundo, entre los que se encuentran el Teatro Solís de Montevideo, Teatro del Libertador de Córdoba, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Teresa Carreño de Caracas, Teatro Colón de la Ciudad de Bogotá, Teatro Principal de Palma de Mallorca y Cuerpos Estables de la Ópera de Cataluña. Entre otras obras del género, ha dirigido:
Aída
Anna Bolena
Bastián y Bastiana
Carmen
La Cenerentola
Così fan tutte
Don Giovanni
Fausto
La Flauta Mágica
La Traviata
Madame Butterfly
Rigoletto
Compositor
Il Duce (ópera sobre texto de Carlos Maggi y Mauricio Rosencof).
Surcos (Horacio Ferrer / García Vigil).
Variaciones sobre un tema de Rada.
Canción de Frondoso (Lope de Vega / García Vigil).
Canto al hombre (Alfredo Gravina / García Vigil / Manuel Guardia).
Discografía
Libertad, libertad (Dirección musical) (I. T. El Galpón, 1968) Sencillo
Cantata del pueblo (Cantares Del Mundo, CM 0020, edición sin fecha) (Con Manolo Guardia y Alfredo Gravina)
Sinfonía concertante para bandoneón y orquesta (Homenaje a Torres García) (RCA LPUS 065. 1977)
Orquestango (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8229.2, 2003)
Orquestango 2 (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8259.2, 2004)
Orquestango 3 (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8.274-2, 2006)
Con Mike Dogliotti, Hugo Jasa y Roberto Galletti
Chicalanga 3 + 1 (La Batuta, LBC 006, 1983)
Colectivos
Nuestros compositores (Composición: Variaciones sobre un tema de Rada (Ayuí / Tacuabé, OFM4CD, 2003)
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de las Variaciones sobre un tema rococó para Violoncello y Orquesta Op. 33, de Piotr Ilich Tchaikovsky, al frente de la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. Solista: Pablo Romero.
La comunidad judía de Barcelona conserva un legado notable cuyo renacimiento comenzó a finales del siglo XIX con la llegada de judíos sefardíes y de Europa oriental. Hoy es una comunidad activa que participa en la vida social mediante actividades educativas, religiosas y culturales.
Mark David Hollis nació en Tottenham, Londres, Reino Unido, el 4 de enero de 1955 y murió en su ciudad, el 25 de febrero de 2019. Compositor, cantautor, productor discográfico y multi instrumentista. Tocaba guitarra, piano y synclavier.
El sitio www.vice.com publicó este recordatorio firmado por Sam Goldner.
Recordando a Mark Hollis, el rebelde apacible del pop
Por Sam Goldner / febrero 27, 2019, 2:04pm
Los primeros instantes del Laughing Stock de Talk Talk llegan con el silencioso drama de una cortina cayéndose al suelo. El suave feedback del amplificador se escucha a lo lejos casi en silencio durante 18 segundos antes de que un acorde rebosante de trémolo entre en la foto. Las cuerdas parecen surgidas de la nada como una neblina, disipándose sin tomar una forma tangible. Una voz, a la mitad entre cantante de lounge y animal herido, se arrastra desde un susurro hasta el grito desgarrador. Es hermoso, pero escalofriante, lleno de detalles que, de alguna manera incluso ahora, evocan un vacío profundo que lo consume todo.
Laughing Stock es un álbum que revela más con cada escucha, sus piezas sin molde palpitando y respirando como formas de vida en constante cambio, nunca iguales a la última vez que las escuchaste. Desde su lanzamiento en 1991, el disco se ha convertido en una de las grabaciones más influyentes de la música underground, y ha sido alabado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. El hecho de que esta obra monumental pudiera provenir de una banda que originalmente fue etiquetada como imitadores de Duran Duran solo se suma a su enigma.
Mark Hollis murió el pasado 25 de febrero rodeado de tanto misterio como el que lo rodeó en vida (hasta el momento de escribir esto, incluso la enfermedad que padecía se desconoce). El flujo de emoción que ha surgido desde todos lados del mundo de la música ha sido asombroso, aunque particularmente de artistas en la comunidad experimental. Entre mi círculo de amigos, su música siempre ha sido un secreto a voces como una especie de escritura secreta; el que originalmente me mostró Laughing Stock decía que lo había escuchado todos los días durante años.
Talk Talk siempre estuvieron peleados con su propio éxito, una actitud que consolidó su reputación como íconos de la individualidad en la música. Hollis frecuentemente se mostró hostil hacia la prensa (sin mencionar hacia sus propios fans), y trabajó activamente por romper con el sonido y la imagen lustrosas con la que fueron asociados cuando la banda firmó con EMI en las épocas de su debut. Aunque la voz afligida y dolorida de Hollis tiene sentido en el contexto de las raíces new wave de Talk Talk, la banda no tuvo la suficiente presencia para convencer a la prensa británica. Las revistas de punk inglesas los clasificaron como «Typical Typical»; sus sencillos se desplomaban en el mercado local pero llegaron a las listas de popularidad en el extranjero.
No sabemos mucho sobre la infancia y adolescencia de Hollis, pero tomando en cuenta algunos fragmentos revelados por él mismo, parece que batalló con figuras de autoridad en la escuela y pasó su juventud tocando punk y trabajando en fábricas. En diversas entrevistas habló sobre cómo Singin’ In the Rain fue una de sus películas favoritas de todos los tiempos. Al igual que en ese clásico de la historia del cine, la visión artística de Hollis era mucho más soñadora que lo que aparentaba a primera vista. Hollis pensaba en Talk Talk en términos mucho más abstractos, incluso desde el principio: en el ciclo de prensa de su debut, Mark Hollis elogiaba a Shostakovich y dio a entender que existían paralelos entre el synth-pop brilloso de su banda y la interacción instrumental de John Coltrane.
En el transcurso de su tiempo con EMI, Hollis luchó contra las percepciones que había de su banda, empujando su sonido cada vez más y más lejos del mainstream. Irónicamente, solo fue capaz de verdaderamente rechazar a la industria una vez que la había conquistado. The Colour of Spring, el tercer álbum de la banda, marcó su primer gran alejamiento del dance-pop, alineándose con los sofisticados y futuristas sonidos de artistas como Kate Bush o Tears for Fears. El disco reveló el gusto de Hollis por generar ambientes marchitos, como quedó demostrado en canciones melancólicas tipo «Chameleon Day» o «April 5th». Propulsado por el sencillo «Life’s What You Make It», The Color of Spring se convirtió en un éxito internacional, finalmente brindándole a Talk Talk el respeto de sus compatriotas y la concesión a Hollis de una preciada libertad financiera que necesitaba para hacer lo que finalmente se convertiría en su declaración definitiva.
The Spirit of Eden y Laughing Stock, los dos álbumes que Hollis produjo a raíz de The Color of Spring, suenan como el trabajo de una banda totalmente diferente: una que podría haber puesto a circular esta música en cassettes actualmente. En lugar de girar en torno al ritmo y la melodía, las canciones actúan como atmósferas por sí solas, flotando libremente a medida que Hollis retuerce cada nota de su voz con una intensidad que hace que sus letras sean tan indescifrables como irrelevantes. Ya sea la temblorosa armónica con la que abre «The Rainbow», el coro radiante que aparece al final de «I Believe in You», o la cosa disonante que emerge a los cuatro minutos de «After the Flood» y se sostiene por un minuto entero (Hollis afirma que son dos saxofones que se reproducen a la vez, pero no aparece ningún crédito de saxofón en el álbum), todos estos sonidos rebosan con vida. Se siente completamente orgánico a pesar de que Hollis literalmente pasó años en una habitación oscura reuniéndolos por horas y horas de sesiones de grabación.
Estos dos álbumes (así como su increíble álbum homónimo en solitario de 1998) convergen el amor por el free jazz y la música clásica avant-garde de Hollis en una improvisada y sorprendente música, que es la que siempre había querido hacer. Por supuesto, ninguno de los dos discos se vendió particularmente bien, lo que ayudó aún más a solidificar la misión de Hollis de pintarle un dedo medio a la música pop en favor de independencia y la búsqueda de la verdad. Este tipo de actitud individualista se ha convertido en una modelo desde el cual generaciones de artistas han buscado orientación, desde héroes clandestinos como Broken Social Scene y Califone hasta nombres tan grandes como Radiohead y No Doubt.
Después de estos tres lanzamientos que rompieron todo tipo de paradigmas, Hollis dejó el mundo de la música completamente para pasar más tiempo con su familia. Hollis pasó años tratando de deshacer todas las suposiciones que sus compañeros tenían sobre quién era él y qué significaba su trabajo, llegando a algo tan cercano como se puede llegar a un tipo de música que fuese tan de la tierra como del alma. Luego, renunciar al proceso mismo de grabar música para simplemente estar con tus seres queridos, dice más sobre lo que Hollis vio en el mundo que lo que podría agregar cualquier otra obra maestra. Hollis buscó vivir su vida como individuo, y al hacerlo nos enseñó que no es imposible superar ninguna etiqueta en el camino hacia la búsqueda de uno mismo. Hollis quería que lo viéramos por lo que realmente era, como cualquiera de nosotros.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con It's My Life.
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