domingo, 7 de junio de 2026

Shalom – Raíces judías en Valencia ayer y hoy


Shalom – Raíces judías en Valencia ayer y hoy  

La comunidad judía de Valencia dejó una profunda huella desde la Edad Media, marcada por persecuciones y expulsión. Hoy, su legado sefardí sigue vivo en la memoria histórica, la cultura y la actual vida comunitaria valenciana. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/raices-judias-valencia-ayer-hoy/17104355/

Juan Luis Guerra


Juan Luis Guerra Seijas nació en Santo Domingo, República Dominicana, el 7 de junio de 1957. Cantautor, guitarrista, arreglador, productor musical y empresario. 

El sitio www.juanluisguerra.com publicó su biografía. 

Juan Luis Guerra 

Juan Luis Guerra, músico, cantautor, productor y uno de los artistas dominicanos más reconocidos y premiados alrededor del mundo. 

Desde temprana edad mostró un especial interés por la música y por la guitarra. Reafirmada su vocación decide estudiar en el Conservatorio Nacional de Música de Santo Domingo y luego irse a Berklee College of Music en Boston, universidad que le otorgó un Doctorado Honoris Causa años más tarde. También realizó estudios de filosofía y letras en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. 

Finalizados sus estudios, regresa a la República Dominicana, en donde graba su primer álbum, “Soplando” (1984) con un grupo de músicos y vocalistas locales que más tarde se conocería como Juan Luis Guerra y 440. Juan Luis describe su primera producción como “una fusión de merengue tradicional con jazz unido a una vocalización al estilo del grupo vocal estadounidense Manhattan Transfer.” Los cantantes de aquel grupo naciente fueron Maridalia Hernández, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazán, quien se mantiene actualmente como parte de la agrupación musical. 

En 1989 produce su álbum “Ojalá que Llueva Café”, una creación de contenido social y romántico que representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, al obtener ventas de relevancia y colocarse en el primer puesto de muchos países de América Latina, siendo los temas más promocionados el que da título al disco, además de “Visa para un Sueño” y la canción folklórica venezolana “Woman del Callao.” 

El 11 de diciembre de 1990 presentó su siguiente álbum, “Bachata Rosa,” su primero editado en CD, reconocido como el más exitoso de su carrera desde el punto de vista comercial, vendiendo hasta ese entonces más de nueve millones de copias, lo que le mereció a Juan Luis su primer GRAMMY. En este álbum encumbrado en la historia de la canción y ritmo populares, Guerra dio a conocer al resto del mundo el ritmo de la bachata, cuya difusión hasta entonces estaba limitada a ciertos espacios del territorio dominicano. 

Areíto (1992) su siguiente producción, contiene temas que como “El Costo de la Vida” manifiesta las pobres condiciones de vida de muchos dominicanos y latinoamericanos tocando su sensibilidad y generando una creciente identificación con sus canciones. En dicho álbum, Guerra, además de temas contestatarios - como “Si de Aquí Saliera Petróleo” (con la participación del panameño Rubén Blades)- experimenta con músicos de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para producir el sentimental tema “Cuando Te Beso” en dos versiones. 

Su siguiente álbum, “Fogaraté” (1994), tuvo como punta de lanza el tema “La Cosquillita”, rescatando el merengue rápido folklórico conocido en República Dominicana como “perico ripiao”. Además, fusionó el merengue con el soukous de Sudáfrica en temas como “Fogaraté” y “El beso de la ciguatera”, compartiendo en el álbum con el guitarrista del Congo, Diblo Dibalá. 

En 1995 sale a la venta la compilación “Grandes Éxitos”, generando más de siete millones de ventas alrededor del mundo. 

Después de cuatro años de silencio discográfico, Guerra presenta el disco “Ni Es Lo Mismo Ni Es Igual” (1998) con el cual obtuvo en el año 2000 tres premios en la primera emisión del Latin GRAMMY. Con este álbum Juan Luis colocó consecutivamente los temas “Mi PC” y “Palomita Blanca” en el lugar #1 de la lista Hot Latin Tracks de Billboard. No obstante, fue “El Niágara en Bicicleta” el tema más popular del mismo. 

El 31 de agosto de 2004, Guerra lanzó su primer álbum en seis años bajo el título “Para ti”, único álbum de corte totalmente cristiano. Con este, el artista ganó dos Premios Billboard 2005, en las categorías de Gospel- Pop y Merengue Tropical, por el éxito “Las Avispas”, logrando por primera vez que una canción gane estas dos categorías. 

En enero de 2006, Juan Luis Guerra se presentó en el 60 aniversario de Berklee, junto con otros artistas como Paul Simon, Herbie Hancock, Michel Camilo y Chiara Civello. 

Este mismo año fue invitado por Sting a cantar con él en su concierto de Altos de Chavón, La Romana en la República Dominicana. 

2007 fue un año de gran relevancia para la trayectoria de su carrera. Edita el álbum “La Llave De Mi Corazón”, posiblemente el más reconocido luego de “Bachata Rosa” el cual lleva a Guerra a ganar más de 20 premios, incluyendo un GRAMMY, cinco Latin GRAMMY, seis premios Casandra, cuatro premios Billboard y dos Premio Lo Nuestro que le otorgó el premio a la Trayectoria Artística, entre otros. 

Un punto relevante en este momento fue el reconocimiento de La Academia Latina de La Grabación nombrándolo Persona del Año, por su valuable contribución a la música Latina y su excelente trayectoria musical. 

El 16 de marzo de 2008, participa en el concierto “Paz Sin Fronteras” organizado por Juanes en la frontera colombiana de la mano de artistas como Alejandro Sanz, Ricardo Montaner, Carlos Vives, Miguel Bosé, entre otros. 

El 11 de abril de 2008, Juan Luis Guerra fue el gran ganador de los Premios Billboard con siete nominaciones y tres premios. El 15 de septiembre 2008 Guerra fue nombrado “Artista de la UNESCO para la Paz”. 

El 14 de febrero de 2009, llega por nueva vez al Estadio Olímpico “Félix Sánchez” de Santo Domingo, el estadio más grande del país donde realizó un concierto completamente agotado para más de 60.000 personas. 

El 9 de mayo de 2009 recibe un doctorado honorífico de Berklee College of Music por sus logros, influencias en la música y sus contribuciones a la cultura dominicana. Fue agasajado junto a Smokey Robinson, Linda Rondstandt y George Massenberg. 

El 18 de abril del 2010, Juan Luis Guerra organizó el concierto benéfico “Un Canto de Esperanza por Haití” con motivo del terremoto que devastó dicho país, logrando reunir en un mismo escenario a Alejandro Sanz, Juanes, Enrique Iglesias, Luis Fonsi, Jhonny Ventura, Milly Quezada y Maridalia Hernández. El propósito de este evento fue la construcción de un hospital infantil, el cual será entregado a principios de 2015. Dicho concierto fue coordinado por la Fundación Sur Futuro entidad encargada de manejar los fondos y la supervisión de la construcción de la obra. 

El 8 de junio de 2010, lanza al mercado el álbum “A son de Guerra”. El disco contiene éxitos como “La Guagua,” “La Calle” junto a Juanes, y “Bachata en Fukuoka,” primer sencillo de esta nueva producción, el cual se colocó en la posición #1 en las listas Hot Latin Tracks, Tropical Songs y Latin Pop Airplay Songs de Billboard. 

Esta producción lo lleva a una exitosa gira por el mundo, la cual incluyó su paso por Australia, África y gran parte de Europa, destacándose por su presentación “sold out” en el legendario Royal Albert Hall en Londres, Inglaterra, considerado uno de los teatros más emblemáticos del mundo. 

En enero de 2012, se estrena en YouTube el video de su nuevo sencillo “En El Cielo No Hay Hospital”, de contenido cristiano. Dicha canción pertenecía a la nueva producción musical del dominicano “Colección Cristiana.” 

Este mismo año produce para Juanes el disco “Juanes MTV Unplugged” obteniendo un GRAMMY como productor de dicho álbum. 

Para el 16 de abril del 2013 lanza su primer disco doble en vivo “A Son de Guerra Tour” DVD y CD, extraído del concierto del mismo nombre realizado en Santo Domingo, República Dominicana, ante más de 50,000 personas, debutando en la primera posición de ventas digitales en más de 16 países de manera simultánea. 

Su primer sencillo extraído, “Frío Frío”, cuenta con la participación de Romeo Santos, convirtiéndose automáticamente en un éxito radial en los principales mercados latinos. El éxito de este DVD regresa a Juan Luis Guerra 4.40 a los escenarios del mundo, entre ellos nuevamente por República Dominicana en Punta Cana, con un exitoso concierto a casa llena, compartiendo escenario con Alejandro Sanz. 

A través de su exitosa carrera ha colaborado con artistas como Tony Bennet, Alejandro Sanz, Luis Fonsi, Milly Quezada, Enrique Iglesias, Emmanuel, Juanes, Miguel Bosé, Maná, Diego Torres, Ricardo Montaner, Nelly Furtado, entre otros. 

En el 2014, precedido por el lanzamiento de su primer sencillo “Tus Besos,” lanza su más reciente producción musical: Todo Tiene Su Hora, recibiendo una acogida excepcional tanto por sus fanáticos en todo el mundo, como por la prensa especializada. De esta producción ya se han escuchado con insistencia los temas “Tus Besos,” “Todo Tiene Su Hora” y “Muchachita Linda.” 

Resaltan en este disco, temas como “Cookies & Cream” de contenido social a ritmo de merengue, “Para Que Sepas” un hermoso y novedoso son y “De Moca a París” tema que cuenta con la leyenda del merengue Johnny Ventura. 

Con el éxito del primer sencillo “Tus Besos” inicia la gira “Todo Tiene Su Hora Tour” con una extraordinaria recepción en su primera parte europea, dejando el letrero Sold Out en ciudades como París, Madrid, Barcelona, Las Canarias y otras localidades, presentándose ante más de 60 mil personas en las principales ciudades europeas. Lo mismo se repite en Miami, Puerto Rico y New York, con localidades vendidas a toda capacidad, repitiendo la hazaña en Panamá, Costa Rica y El Salvador. El 5 de noviembre del 2017, cierra oficialmente la gira “Todo Tiene Su Hora Tour”, con un monumental recibimiento del público dominicano en el Festival Presidente, ante más de 50,000 personas. 

Todo Tiene Su Hora, recibió otros reconocimientos, como lo son Disco de Oro, Platino y Diamante en Colombia, Costa Rica, Perú, luego de ventas superiores a las 400 mil copias. 

En el mes de noviembre “Todo Tiene Su Hora” vuelve a ser noticia, recibiendo 4 nominaciones al Latin GRAMMY, de las cuales se alza con 3 de ellas: Mejor Canción Tropical por “Tus Besos”, Mejor álbum Tropical por “Todo Tiene Su Hora” y el máximo galardón “Mejor Álbum del Año,” por “Todo Tiene Su Hora.” 

En Tenerife, España, el sábado 9 de marzo, Juan Luis Guerra es recibido con rebosante alegría y cariño, logrando romper todos los récords de asistencia en el Festival de Tenerife, convocando a más de 400,000 personas en el cierre del legendario festival. 

Para el año 2019 edita su novedosa producción “Literal”, trayendo nuevos sonidos a la bachata con su contagioso éxito “Kitipun”. Del mismo se desprenden hermosas canciones como “Corazón Enamorado” y “Me Preguntas” seguidas de las contagiosas y rítmicas “Lámpara Pa’ Mis Pies” y “I Love You More”. 

En diciembre del 2020, en medio de una pandemia mundial sale a la luz su producción “Privé”. Un trabajo íntimo donde repasa algunos de sus éxitos en tiempos de jazz y formato reducido. De aquí se desprenden dos hermosas nuevas canciones: “Donde Nacen Tus Besos” y “Pambiche de Novia”. 

En el 2021 llega su más reciente trabajo “Entre Mar y Palmeras” un exquisito documento audiovisual filmado completamente en vivo, en la maravillosa playa de Miches, en la zona del este profundo de República Dominicana, dirigido por su hijo Jean Guerra para la cadena HBO Max. “Entre Mar y Palmeras” es un repaso de sus mayores éxitos, con el poderoso sonido de su banda 4.40, teniendo como escenario la orilla del mar. De este se desprende el disco homónimo, el cual ha generado un gran revuelo en las plataformas digitales. 

La creatividad y variedad musical del trabajo de Juan Luis Guerra lo ha colocado como el artista dominicano más universal. Ha llevado con su palabra, su música y su vida la promoción de los más altos valores de la dominicanidad. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Todo Tiene Su Hora.  

sábado, 6 de junio de 2026

NAGRELA editores presenta: Juicio a Israel / Roy Altman




 

Jane Haining. Misionera y Justa entre las Naciones.


Jane Mathison Haining nació en Dunscore, Escocia, Reino Unido, el 6 de junio de 1897, y murió en el Campo de Concentración de Auschwitz II-Birkenau, Polonia, el 17 de julio de 1944. Misionera y Justa entre las Naciones. 

El sitio www.undiscoveredscotland.co.uk publicó este recordatorio. 

Jane Haining 

Dumfries 

Jane Haining vivió del 6 de junio de 1897 al 17 de julio de 1944. Fue misionera de la Iglesia de Escocia en Budapest y falleció en Auschwitz. El contexto general de Escocia en aquella época se detalla en nuestra Cronología Histórica. 

Jane Haining nació en la granja Lochenhead, en Dunscore, a ocho millas al noroeste de Dumfries. Fue la quinta hija de un agricultor y se crio en un hogar profundamente religioso, como miembro de la iglesia evangélica Craig en Dunscore. En 1909 obtuvo una beca para la Academia de Dumfries y posteriormente asistió a la escuela de comercio Athenaeum de Glasgow, antes de trabajar durante diez años como secretaria en J & P Coates, fabricantes de algodón, en Paisley. Fuera del trabajo, dedicó su vida a su iglesia local, la Iglesia Libre Unida Queen's Park West en Pollokshields. 

Una charla impartida en su iglesia de Pollokshields sobre la labor misionera entre las comunidades judías de Europa del Este impulsó a Jane a ofrecerse como voluntaria. En 1932, se convirtió en directora del hogar de niñas de la Escuela Misionera Judía de Budapest, Hungría, cuyas alumnas eran principalmente judías. Jane estaba de vacaciones en Cornualles cuando estalló la Segunda Guerra Mundial e inmediatamente regresó a Budapest para estar con las niñas a su cargo. En 1940, se le ordenó regresar a Escocia, pero se negó y continuó su labor en Budapest. Tras la invasión alemana de Hungría en marzo de 1944, volvió a negarse a abandonar el país. 

Jane Haining fue arrestada por la Gestapo en abril de 1944 y acusada de trabajar entre judíos y escuchar la BBC, cargos que admitió libremente. Al mes siguiente llegó al campo de concentración de Auschwitz, donde la tatuaron con el número de prisionera 79467. Murió el 17 de julio de 1944, posiblemente en una cámara de gas, convirtiéndose en una de las aproximadamente diez personas escocesas asesinadas en los campos de exterminio. 

Jane Haining es recordada por dos vidrieras en la iglesia de Queen's Park, Glasgow; por placas en la iglesia de Dunscore y en la misión escocesa de Budapest; y como la única escocesa honrada en Yad Vashem, en Jerusalén (la Autoridad para el Recuerdo de los Mártires y Héroes del Holocausto), como "Justa entre las Naciones". 

Esta biografía se basa en una investigación publicada originalmente en "El diccionario biográfico de mujeres escocesas". 

Tony Levin


Anthony Frederick Levin, más conocido como Tony Levin, nació en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 6 de junio de 1946. Cantante, compositor y productor. Es multi instrumentista, toca bajo, Chapman Stick, contabajo, violonchelo, tuba y sintetizador.  

El sitio www.tonylevin.com publicó su biografía. 

El bajista Tony Levin mantiene este sitio web desde 1996, ofreciendo una visión entre bastidores de la vida en la carretera y mostrando sus fotografías del escenario y de las giras. 

Sus álbumes y giras más destacados como bajista han sido con: Peter Gabriel, King Crimson, John Lennon, Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper, Buddy Rich, Peter Frampton, Gotye, Carly Simon, Judy Collins, Paula Cole, Chuck Mangione, Steven Wilson, James Taylor, Anderson Bruford Wakeman Howe. 

Álbumes en solitario: World Diary, Waters of Eden, Resonator, Pieces of the Sun, Stick Man. 

Grupos de colaboración: Bruford Levin Extremidades Superiores, Bozzio Levin Stevens, Experimento de Tensión Líquida, Levin Torn White, Levin Minneman Rudess, Hermanos Levin. 

Levin es actualmente miembro de las bandas King Crimson, Peter Gabriel Band, Stick Men y Levin Brothers. 

Libros publicados: Beyond the Bass Clef, Road Photos, Crimson Chronicles vol. 1 y (próximamente) Fragile as a Song. 

Nacido en Boston el 6 de junio de 1946, Levin creció en el suburbio de Brookline y comenzó a tocar el contrabajo a los 10 años. En la escuela secundaria aprendió a tocar la tuba, actuando como solista con la banda de conciertos, y formó un cuarteto de barbería. Sin embargo, se dedicó principalmente a la música clásica, asistiendo a la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde tuvo la oportunidad de tocar con Igor Stravinsky y en la Orquesta Filarmónica de Rochester. En la misma escuela también se encontraba el baterista Steve Gadd, quien le presentó a Tony el jazz y el rock, lo que lo llevó a cambiar su contrabajo por un bajo Fender, mudarse más tarde a Nueva York, unirse a la efímera banda Aha, the Attack of the Green Slime Beast, y convertirse en músico de estudio. 

Tras haber participado en numerosos álbumes en los años 70, Levin aprovechó la oportunidad de salir de gira con Peter Gabriel en 1977, cambiando a bajos Music Man, que aún prefiere, y aprendiendo a tocar el Chapman Stick, instrumento que utilizó extensamente en King Crimson a partir de 1981, lo que le llevó a formar la banda Stick Men. 

En 1984, Tony publicó Road Photos, una colección de fotografías en blanco y negro tomadas durante sus giras con King Crimson, Gabriel y otros músicos. Poco después, publicó el libro Beyond the Bass Clef, con historias y ensayos sobre el bajo. Otro libro de fotografías, Crimson Chronicles, volumen 1, de los años 80, contiene una extensa colección de sus fotos en blanco y negro sobre la vida en la carretera con la banda. 

2016 es otro año repleto de producción creativa y conciertos para Levin. Stick Men ha estado de gira por Estados Unidos y tocará en Europa en otoño. La gira de Peter Gabriel y Sting en verano será memorable. Junto a Adrian Belew y Pat Mastelotto, Tony organizará el campamento musical anual Three of a Perfect Trio en las montañas Catskill del estado de Nueva York. King Crimson estará de gira por Europa a partir de septiembre. Se lanzará un nuevo álbum de Levin, Minneminn Rudess, así como el álbum "Prog Noir" de Stick Men. Y en junio, se publicará un libro con las letras y la poesía de Levin, titulado Fragile as a Song. 

2021. Tras los drásticos cambios del año pasado, hubo menos giras, pero en verano Liquid Tension Experiment compuso y grabó un nuevo álbum, que se lanzará en la primavera de 2021. Tony también completó un extenso libro con sus fotografías de giras a lo largo de los años, titulado «Imágenes de una vida en la carretera». Las giras de este año están programadas, pero aún se consideran provisionales. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Elephant Talk.  

viernes, 5 de junio de 2026

Luba Tryszynska-Frederick. El Ángel de Belsen.

 

Luba Tryszynska-Frederick nació en Zastawie, cerca de Brest-Litovsk, Bielorrusia, el 5 de junio de 1918, y murió en Estados Unidos, en 2009. El Ángel de Belsen. 

El sitio www.jewishdispatch.com publicó este artículo firmado por Rami ben Ze'ev. 

Luba Tryszynska-Frederick: La madre que abrió la puerta en Bergen-Belsen 

Por Rami ben Ze'ev 

Luba Tryszynska-Frederick fue una de esas figuras cuya grandeza no surgió del poder, la posición o el reconocimiento, sino de una decisión tomada en medio de una oscuridad inimaginable. Su historia es extraordinaria precisamente porque no era soldado, política ni comandante. Era una madre judía cuyo propio hijo había sido asesinado, y aun así eligió proteger a los hijos de los demás. 

Nació en Polonia en 1918 en el seno de una familia judía, en una época en que la vida judía en Europa del Este era vibrante, pero se veía cada vez más amenazada por el creciente antisemitismo. Para cuando Alemania invadió Polonia en 1939, el sistema nazi de guetos, deportaciones, trabajos forzados y exterminio ya comenzaba a aniquilar comunidades enteras. 

Luba llegó finalmente a Auschwitz con su esposo Hersch y su pequeño hijo Isaac. La separación de madres e hijos en Auschwitz fue inmediata y brutal. Los niños pequeños solían ser asesinados poco después de su llegada porque los nazis los consideraban "no aptos para el trabajo". Cuando le arrebataron a Isaac, Luba casi con toda seguridad comprendió, aunque no de inmediato, lo que eso significaba. 

Muchos supervivientes describieron posteriormente aquel momento —la pérdida de un niño en la rampa— como el instante en que su vida anterior terminó por completo. 

Lo que hace que la historia de Luba sea extraordinaria es lo que sucedió después. 

En Bergen-Belsen, las condiciones eran catastróficas. A diferencia de Auschwitz, Bergen-Belsen no fue diseñado originalmente como un campo de exterminio con cámaras de gas, pero para 1944-1945 se había convertido en un lugar de muerte masiva por inanición, tifus, hacinamiento, exposición a la intemperie y abandono. Los cadáveres a menudo permanecían sin sepultura. La comida era prácticamente inexistente. Las enfermedades se propagaban constantemente. 

En tales condiciones, cuidar incluso de uno mismo era difícil. Cuidar de decenas de niños era casi imposible. 

Sin embargo, Luba hizo exactamente eso. 

Los niños holandeses a los que protegió formaban parte de un grupo singular. Muchos provenían de familias judías vinculadas a la industria diamantífera holandesa. Algunos de estos judíos habían recibido inicialmente un trato ligeramente diferente, ya que Alemania valoraba económicamente a los trabajadores del diamante. Pero hacia el final de la guerra, incluso esas distinciones se desvanecieron, y los niños quedaron vulnerables y abandonados a merced de la maquinaria de la deportación y la muerte. 

Lo extraordinario de las acciones de Luba no es simplemente que les diera de comer. 

Ella creó orden, seguridad emocional y presencia maternal en medio del caos. 

Los niños en los campos de concentración a menudo morían no solo de hambre, sino también de terror, exposición a la intemperie, confusión y desesperación. Una voz adulta tranquila, instrucciones, higiene personal, comida compartida, silencio forzado y cercanía física podían significar, literalmente, la supervivencia. 

Cuando les pidió a los niños que guardaran silencio, no lo hizo con dureza. Comprendía la psicología de la supervivencia dentro de los campos. El ruido podía atraer a los guardias. El pánico podía propagarse al instante. El miedo podía ser mortal. 

Su maternidad se convirtió en algo comunitario más que biológico. 

Este es uno de los aspectos más profundos de su historia. 

Tras el Holocausto, muchos supervivientes hablaron de la destrucción no solo de los cuerpos, sino también de la estructura familiar misma. Los padres perdieron a sus hijos. Los hijos perdieron a sus padres. Linajes enteros desaparecieron. En el caso de Luba, el instinto maternal sobrevivió incluso después del asesinato de su propio hijo. 

“Les di mi amor porque había perdido a mi propio hijo” es una de las declaraciones más desgarradoras y profundas que han surgido del testimonio de los supervivientes del Holocausto. 

Ella no renunció a su identidad ante el dolor. 

Ella lo reorientó hacia la vida. 

Por eso, los niños supervivientes la llamaron más tarde el "Ángel de Belsen". No porque fuera irreal o santa en un sentido mitológico, sino porque en un lugar diseñado deliberadamente para erradicar la compasión humana, se comportó como un ser humano. 

El reencuentro en Ámsterdam en 1995 fue especialmente emotivo porque muchos supervivientes del Holocausto pasaron décadas creyendo que estaban solos. Muchos no hablaron públicamente de sus experiencias hasta muy avanzada edad. El trauma silenció a un gran número de supervivientes. 

Para aquellos niños —que ya eran ancianos—, volver para agradecerle a Luba no era simplemente un acto de gratitud. Era una declaración de que sus acciones habían tenido repercusión a través de las generaciones. 

Cada niño que salvó se convirtió potencialmente en un linaje familiar restaurado. 

Niños. 

Nietos. 

Bisnietos. 

Futuros enteros que los nazis pretendían borrar. 

En el pensamiento judío, esto tiene una enorme importancia. La enseñanza de la Mishná en el Sanedrín que dice que «quien salva una vida, es como si salvara al mundo entero» se cita a menudo, pero historias como la de Luba revelan su verdadero significado. Ella no solo preservó la supervivencia biológica, sino también la continuidad. 

Su historia también nos recuerda que el heroísmo durante el Holocausto fue a menudo silencioso, oculto y maternal, más que militar. Algunos lucharon con armas. Otros lucharon compartiendo trozos de pan, escondiendo a los niños, curando heridas, consolando a los aterrorizados o abriendo la puerta de un barracón cuando habría sido más seguro cerrarla. 

Luba falleció en Estados Unidos en 2009 a la edad de 91 años. Los nazis asesinaron a su hijo e intentaron borrar del mapa a innumerables niños judíos, pero gracias a que ella eligió la compasión en lugar de la desesperación, decenas sobrevivieron y generaciones enteras siguieron su ejemplo. 

Luba Tryszynska-Frederick pertenece al grupo de personas cuya resistencia consistió en negarse a permitir que la humanidad misma desapareciera. 

Kenny G


Kenneth Bruce Gorelick, más conocido como Kenny G, nació en Seattle, Washington, Estados Unidos, el 5 de junio de 1956. Saxofonista, compositor y productor. 

El sitio www.kennyg.com publicó este recordatorio. 

Kenny G 

Kenny G es el músico instrumental con mayores ventas de la era moderna y uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos. Con ventas globales que superan los 75 millones de discos y 1.500 millones de reproducciones, este ícono del saxofón ha acumulado la asombrosa cifra de 24 nominaciones a premios a lo largo de sus 50 años de carrera y ha ganado un premio Grammy, un American Music Award, dos premios NAACP, múltiples premios Billboard y dos premios Soul Train Music Awards. Con álbumes de estudio clásicos y superventas, incluyendo el disco instrumental más vendido de todos los tiempos con Breathless (12 veces platino) de 1992, Duotones, Silhouette, Miracles: The Holiday Album, Heart and Soul y Brazilian Nights, Kenny ha mantenido un nivel destacado de excelencia creativa a través de décadas de éxito comercial mundial sin precedentes. La música de Kenny G se ha convertido en parte del tejido cultural global. Su canción “Going Home” se reproduce tradicionalmente al final de cada día para indicar la hora de cierre en toda Asia, especialmente en China, y goza de una enorme popularidad en Vietnam. La clave de estos logros reside en la capacidad de Kenny para transmitir una profunda resonancia emocional con su saxofón, una habilidad que se hace más evidente que nunca en Innocence, su vigésimo álbum de estudio, un homenaje a las sentidas canciones de cuna que incluye siete temas originales. Sin dar señales de detenerse, Kenny G continúa expandiendo los límites de lo que la música instrumental y los músicos pueden lograr. 

La relevancia de Kenny en la cultura pop ha trascendido el género del jazz. Recientemente, hizo un cameo en la película de Disney+ de 2025, A Very Jonas Christmas Movie, apareciendo como él mismo, interpretando un solo de saxofón durante "Coming Home This Christmas". En los últimos años, Kenny se ha volcado en internet con entusiasmo, ya que nuevas generaciones de oyentes han descubierto su música y artistas contemporáneos de casi todos los géneros, desde The Weeknd hasta Jon Batiste, lo han incluido en sus canciones, en videos musicales e incluso hizo una aparición sorpresa en los últimos MTV Video Music Awards, abriendo el espectáculo con una actuación en vivo con Doja Cat en su sencillo "Jealous Type". Otras campañas mundiales destacadas incluyen comerciales para Invesco, Google Pixel, Snickers, Audi y un anuncio del Super Bowl para "Voice of the Mountains" de Busch Light, enfatizando el sabor "suave" de la marca con Kenny tocando solo en la cima de una montaña.  

“Sé cómo componer una melodía y puedo ponerme en el estado mental adecuado para crear lo que quiero crear.” 

— Kenny G 

Kenny publicó sus esperadas memorias, Life in the Key of G, y se convirtió en el protagonista del documental de HBO de Penny Lane, Listening To Kenny G. El libro es conmovedor, divertido y fascinante, y narra cómo el delgado Kenneth Gorelick, el chico al que le pedían dinero para el almuerzo en una escuela secundaria de Seattle, se convirtió en uno de los virtuosos más célebres y venerados de la industria musical. Revela cómo ha logrado superar las dificultades, ignorar a los críticos y vivir una vida llena de felicidad y humor.  

El saxo soprano de Kenny G, ícono cultural con múltiples discos de platino, eleva, relaja y evoca una nostalgia auditiva de primer orden. Sus publicaciones en redes sociales, sus apariciones sorpresa en la cultura pop y su exitoso canal de Cameo lo han mantenido a él y a su contenido virales. Con humor y alegría genuina, Kenny G sigue disfrutando de su estatus icónico, divirtiéndose con quien es y con lo que hace, y haciéndolo con maestría. 

Kenny G continúa de gira por todo el mundo y actualmente se encuentra de gira por Estados Unidos.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Silhouette.  

jueves, 4 de junio de 2026

Paul Samson


Paul Sanson, más conocido como Paul Samson, nació en Londres, Reino Unido, el 4 de junio de 1953, y murió en Norfolk, Reino Unido, el 9 de agosto de 2002. Guitarrista. 

El sitio www.loudersound.com publicó este recordatorio firmado por Dave Ling 

Paul Samson: recordando a la estrella perdida de la NWOBHM 

Por Dave Ling (Rock Clásico) publicado 9 de agosto de 2022 

Samson tenía álbumes aclamados por la crítica en su haber y una futura superestrella de Iron Maiden al frente, pero el destino conspiró contra ellos. 

Para quienes tuvimos el privilegio de conocerlo, todavía nos cuesta creer que Paul Samson falleciera el 9 de agosto de 2002. Aún extraño sus llamadas. Paul nunca revelaba formalmente quién estaba al otro lado de la línea, prefiriendo presentarse con voz cómica: "¡Holaa 

Samson fue el fundador, guitarrista y figura clave de la banda de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico que llevaba su nombre. Nacido como Paul Sanson el 4 de junio de 1953, fue la voz principal en el álbum debut de Samson de 1979, Survivors, producido por John McCoy de Gillan (a pesar de que Bruce Bruce, más tarde Bruce Dickinson, aparecía en la portada). Bruce debutó con la banda en el álbum Head On del año siguiente, cuya portada estaba protagonizada por el notorio y misterioso baterista enmascarado de la banda, Thunderstick. 

Head On fue un álbum extraordinario y potente, repleto de ritmos inusuales y estructuras de canciones poco convencionales, pero, aunque Geoff Barton le otorgó cinco estrellas en Sounds, el destino de la banda ya estaba sellado debido a la firma de un contrato de representación restrictivo. Una disputa legal con dicha compañía impidió que la banda ganara dinero durante un año y retrasó su siguiente disco, Shock Tactics, hasta la primavera de 1981, una eternidad en un momento tan crucial de la carrera de Samson. 

Ese mismo verano, tras su triunfo en el Festival de Reading, Bruce fue invitado por Iron Maiden para sustituir a Paul Di'Anno.  

“Aún creíamos que un sencillo exitoso sería suficiente para alcanzar a Maiden y Def Leppard”, me contó Paul más tarde. La noticia de la salida de Dickinson fue un golpe durísimo. “Ellos [Maiden] tenían sus próximos dos años planeados, mientras que nosotros a veces no sabíamos qué haríamos la semana siguiente”, suspiró. 

El exmiembro de Tiger Woods, Nicky Moore, se unió a Samson para los álbumes Before The Storm y Don't Get Mad, Get Even. Posteriormente, Paul grabó discos en solitario y formó la banda Paul Samson's Empire. Sin embargo, cada vez más, su corazón se inclinaba hacia el blues, aunque hubo reuniones ocasionales de Samson, una de las cuales Dickinson amenazó con unirse, pero finalmente cambió de opinión en el último momento. Un video de YouTube del último concierto de Samson en el Festival de Wacken en el año 2000 incluye la canción Test Of Time y resume la dinámica interna y divertida del grupo. 

Samson y Nicky Moore grabaron un nuevo álbum de Samson, titulado provisionalmente Brand New Day pero póstumamente llamado PS…, y publicado bajo su propio nombre. Me invitó a su casa en Norfolk para escucharlo. Para entonces, Paul ya sabía que tenía cáncer, pero lo afrontaba con valentía y su habitual sentido del humor. Al regresar a Londres, supe que no volvería a verlo jamás. 

Su funeral, al que asistieron el exbaterista de Samson/Maiden, Clive Burr, Thunderstick, el bajista de Samson, Chris Aylmer (fallecido en 2007), John McCoy, Bernie Tormé y miembros de Saxon, Angel Witch, Praying Mantis y Fastway, fue emotivo. Paul había pedido que se tocara «The Laughing Policeman» mientras los asistentes salían de la iglesia. 

La suerte nunca le sonrió a Paul Samson, eso es seguro, pero dejó un excelente legado artístico. Su autobiografía permanece inédita. 

“Creo en lo que hago”, me dijo una vez, “independientemente de esas tendencias que siempre parecen ir y venir”. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Turn Out The Lights.  

miércoles, 3 de junio de 2026

Joséphine Baker

Carl Van Vechten, fotógrafo. Retrato de Josephine Baker, París. 1949.
 División de Grabados y Fotografías de la Biblioteca del Congreso.

Freda Josephine McDonald, más conocida como Joséphine Baker, nació en Saint Louis, Missouri, Estados Unidos, el 3 de junio de 1906, y murió en París, Francia, el 12 de abril de 1975. Cantante, bailarina, actriz, modelo, vedette, activista e integrante de la Resistencia. 

El sitio www.guides.loc.gov publicó este recordatorio. 

Joséphine Baker 

Nacida en Saint Louis, Missouri, Josephine Baker (1906-1975) se convertiría en una de las primeras celebridades afroamericanas en Francia y en Europa en general durante la década de 1920, ganando notoriedad por su belleza y su innovador estilo interpretativo, pero también por sus contribuciones al movimiento de la Resistencia francesa. 

Tras una infancia turbulenta, Josephine comenzó a actuar con una compañía de teatro itinerante afroamericana a los 15 años. Se casó en esa época y continuó actuando en espectáculos de vodevil, consiguiendo finalmente un puesto en el coro de un espectáculo off-Broadway en Nueva York. Utilizaba el humor en sus rutinas para llamar la atención sobre su actuación y se convirtió en una artista reconocida en la escena artística afroamericana de Nueva York, ahora conocida como el Renacimiento de Harlem. Tras divorciarse en 1925, Baker viajó a París, donde su éxito se disparó gracias a su singular estilo de actuación y vestuario, especialmente su vestido de plátanos en Danse Sauvage. Baker era polifacética y supo capitalizar el sensacionalismo de las culturas africanas y no occidentales, que ganaba popularidad en Francia en la década de 1920. Tras entablar amistad con artistas afincados en París, promocionar productos franceses entre sus fieles seguidores y aparecer en películas europeas populares, Baker se convirtió en una celebridad singularmente francesa, ya que su éxito fue reconocido casi exclusivamente en Francia y Europa y nunca alcanzó un nivel equivalente en Estados Unidos. 

Al estallar la Segunda Guerra Mundial y con la ocupación nazi de Francia, Baker se unió a la Resistencia francesa. Actuando para miembros del ejército alemán y relacionándose con ellos, Baker aprovechó su fama para obtener información confidencial sobre la estrategia nazi y la transmitió al Deuxième Bureau, la unidad de contrainteligencia francesa. Además, su condición de artista itinerante le sirvió de tapadera para viajar al Reino Unido, donde entregó a las autoridades británicas notas sobre operaciones militares alemanas escritas con tinta invisible en sus partituras. Tras la guerra, regresó a los escenarios internacionales con un éxito renovado. Aunque permaneció en Francia, Baker fue una activista comprometida con el Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos, negándose a menudo a actuar en lugares segregados y participando en manifestaciones en Washington, especialmente junto a Martin Luther King Jr. en la Marcha sobre Washington de 1963. Aunque algunos activistas estadounidenses criticaron su participación en el movimiento, argumentando que su vida en Francia la había alejado de los problemas políticos contemporáneos en Estados Unidos, Baker sostenía que su posición social en Francia y su experiencia de relativa igualdad racial en Europa la habían vuelto aún más consciente y comprometida con la lucha por la igualdad de derechos. Josephine Baker continuó siendo una firme defensora de los derechos civiles, participando en eventos por todo el mundo hasta su fallecimiento en 1975. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Dance Josie, Dance.  

martes, 2 de junio de 2026

Tony Hadley


Anthony Patrick Hadley, más conocido como Tony Hadley, nació en Londres, Reino Unido, el 2 de junio de 1960. Cantante y actor. 

El sitio www.newtonabbotracing.com publicó su biografía oficial. 

Tony Hadley, el hijo mayor de Josephine y Patrick, nació en el Royal Free Hospital de Islington, Londres, el 2 de junio de 1960. Asistió a la escuela secundaria Dame Alice Owen's Grammar School y creía que su futuro estaba en la medicina, pero, tras ganar un concurso de canto durante las vacaciones, decidió que su vocación era la de cantante... el resto, como se suele decir, es historia... 

SPANDAU BALLET: EL FENÓMENO DE LOS 80 

Pioneros del movimiento New Romantic de los 80, Spandau Ballet se formó en 1978 y cosechó numerosos éxitos, con sencillos y álbumes que alcanzaron los primeros puestos de las listas de éxitos en todo el mundo. Algunos de los más memorables son los sencillos "Gold", "Only When You Leave", "Lifeline", el épico "Through the Barricades" y, por supuesto, el número uno internacional, "True"; Esta última fue sampleada por PM Dawn en 1991 y apareció en el álbum Rock Swings de Paul Anka en 2005. 

Como vocalista principal de Spandau Ballet, Tony Hadley se ha ganado, a lo largo de los años, el reconocimiento de ser uno de los mejores vocalistas de la música pop. 

Además de todas las canciones de la banda, muchos recordarán su destacada contribución vocal al sencillo benéfico Band Aid UK "Do They Know It's Christmas" y su posterior actuación en el Live Aid de Londres en 1985. 

También actuó en solitario en el Concierto de Nelson Mandela en Wembley en junio de 1988. 

Spandau Ballet se reformó en abril de 2009, y su gira "Reformation Tour", con todas las entradas agotadas, comenzó en octubre de 2009 con 13 conciertos en estadios del Reino Unido, incluyendo tres noches en el O2 de Londres, seguidos de Croacia, Serbia, Italia, Alemania, Holanda, Bélgica, España, y posteriormente Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica y los Emiratos Árabes Unidos. La gira finalizó en junio de 2010 con la banda ofreciendo su primer concierto en el Festival de la Isla de Wight. 

UNA VIDA EN LA MÚSICA 

Tras dejar Spandau Ballet (después de su disolución en 1990), Tony se ha mantenido fiel a la misma esencia que le brindó el éxito inicial. Tony es ahora un artista solista que ha dedicado los últimos veinte años a entretener al público de todo el mundo con su impresionante y potente voz. 

Ha seguido componiendo y grabando, y hasta la fecha ha publicado cuatro álbumes de estudio en solitario: 'State of Play' con EMI Records, dos álbumes con Universal Records, un álbum homónimo en 1998 y 'True Ballads' en 2003. 

En 2006, con su propio sello, Slipstream Records, lanzó su esperado álbum de swing 'Passing Strangers'. Heh también ha publicado tres álbumes en directo, dos DVD en directo y ha cosechado éxitos en Europa con varias colaboraciones de música dance. 

En el ámbito de la música en directo, Tony actúa con regularidad, deleitando al público tanto en su país como en el extranjero con eventos como la «Noche de los Proms» en Holanda y Bélgica, giras orquestales por Europa y Sudamérica, así como sus propias giras en solitario por el Reino Unido y Europa. En 2005, la contribución de Tony a la industria musical fue reconocida oficialmente con la Medalla de Oro de la Academia Británica de Compositores. 

Posteriormente, en 2007, conquistó a una nueva legión de fans tras su aclamada interpretación de Billy Flynn en el musical Chicago, en el West End londinense. Las apariciones de Tony en el espectáculo le dieron al musical una de sus temporadas más exitosas y le valieron una invitación para actuar en el espectáculo del décimo aniversario en 2008. En agosto de 2011, ofreció sus primeros conciertos en solitario en Estados Unidos, interpretando canciones de Spandau Ballet por primera vez desde 1986. En 2013, Tony ofreció una serie de conciertos con orquesta con entradas agotadas, culminando con una actuación en el Royal Albert Hall de Londres. 

¡Ha estado muy ocupado! 

GIRA DE CHICOS 

Además de los conciertos más convencionales, Tony ha tocado en lugares muy inusuales para tropas británicas, de la OTAN y de la ONU en servicio activo en Bosnia, Kosovo, Kuwait, Chipre, las Islas Malvinas e Irlanda del Norte. 

Desde hangares de aviones y talleres de tanques hasta teatros bombardeados y polideportivos abandonados, por nombrar solo algunos, Tony sintió que era un verdadero honor poder devolver algo y que le pidieran que entretuviera a nuestras tropas. 

PASIÓN POR EL SWING 

Además de su propia banda en directo, Tony también siente pasión por el swing; Sinatra, Tony Bennett y Jack Jones son solo algunos de sus favoritos, y ha actuado con algunas de las mejores orquestas de jazz de Europa, incluidas las de Londres, Holanda, Italia y España. 

En 2006, Tony lanzó su esperado álbum de swing «Passing Strangers». Fue un proyecto personal que llevaba meses planeándose y que refleja fielmente su pasión por el swing. El álbum incluye algunas de sus canciones favoritas y se lanzó coincidiendo con la primera gira de swing de Tony por el Reino Unido, acertadamente llamada 'Swinging True'. 

TV, RADIO Y PUBLICACIONES 

El talento de Tony como artista va más allá del escenario y en los últimos años su popularidad ha aumentado drásticamente en el Reino Unido. Su participación en el programa de telerrealidad británico 'Reborn in the USA', en el que viajó por Estados Unidos en un autobús de gira con otros ocho artistas británicos, le valió el voto del público y la "coronación" general. 

También se convirtió en un exitoso locutor de radio, primero en Virgin Radio y ahora en Absolute Radio. Cada sábado por la noche, lleva su particular estilo de conversación y música a las ondas nacionales. Actualmente, Tony está trabajando en su propio programa de radio que se emitirá a nivel mundial. 

En mayo de 2004, Macmillan Books publicó la autobiografía de Tony, 'To Cut A Long Story Short'. El libro narra la juventud de Tony, sus inicios en la banda escolar y el vertiginoso ascenso a la fama mundial como vocalista principal de Spandau Ballet. El libro fue un éxito de ventas y entró en la lista de los diez libros más vendidos del Sunday Times. 

LABORATIVA BENÉFICA 

A Tony le gusta dedicar su tiempo a apoyar causas benéficas. Como vicepresidente de Shooting Star CHASE, una organización de hospicios infantiles, ha colaborado y participado anualmente en sus eventos de recaudación de fondos durante los últimos 12 años. Tony también colabora activamente con Action Medical Research, participando en sus expediciones a Machu Picchu, El Mundo Perdido (Venezuela) y, en 2009, en la Eden Trek, una travesía desde la costa del Pacífico hasta la costa caribeña de Costa Rica, que recaudó una gran suma de dinero para la campaña "Touching Tiny Lives" de la organización, dedicada a la investigación y la ayuda para los bebés prematuros. Cada otoño, Tony también organiza un torneo de golf benéfico con celebridades para recaudar fondos para esta organización. En junio de 2010, Tony Hadley comenzó su año como presidente de TRIC, el Club de la Industria de la Televisión y la Radio. TRIC, fundado en 1931, es una organización que busca promover el entendimiento mutuo y la buena voluntad entre quienes trabajan en las industrias del audio, el video, las comunicaciones y sectores afines. Tony sucedió a la presentadora de televisión, Sian Williams. TRIC cuenta con una trayectoria inigualable en apoyo a causas benéficas, gracias a que sus miembros canalizan sus energías y utilizan sus contactos influyentes para beneficiar a buenas causas. Tony también es patrocinador de The Lowe Syndrome Trust y apoya a la Asociación de la Enfermedad de Huntington, la Fundación Willow y la NSPCC. 

VIDA FAMILIAR 

Como padre de cinco hijos, a Tony le gusta mantenerse en forma y seguir el ritmo de sus hijos. Corre y hace ejercicio con regularidad. 

Le encantan sus vacaciones anuales de esquí y disfruta del buceo y el esquí acuático en verano. Una de sus mayores pasiones es el fútbol: asiste regularmente a todos los partidos del Arsenal y juega en el equipo de exjugadores profesionales y celebridades del Arsenal siempre que puede. ¡Su especialidad son los autogoles! 

Más recientemente, dos de los momentos más destacados de Tony en 2012 fueron sus actuaciones en el Royal Albert Hall. Primero, ante los duques de Cambridge en el espectáculo «Our Greatest Team Rises», para promocionar y recaudar fondos para el equipo de Gran Bretaña, y luego, un par de semanas después, como invitado de Dionne Warwick para apoyar a The Hunger Project. Tony se sintió muy orgulloso de actuar en la Casa del Equipo de Gran Bretaña para nuestros atletas olímpicos y paralímpicos en las noches de la Ceremonia de Clausura, y "Gold" se convirtió en la canción no oficial de los atletas. 

Terminó 2012 con varios conciertos en solitario de gran éxito en Japón, los primeros desde su época con Spandau Ballet. 

El punto culminante de 2013 fue sin duda la serie de increíbles conciertos orquestales con entradas agotadas que Tony y su banda ofrecieron junto a la Southbank Sinfonia, de 40 músicos, dirigida por la legendaria Anne Dudley. Interpretando los éxitos de Spandau Ballet y algunas de las canciones favoritas de Tony, el público disfrutó de actuaciones mágicas. 

En 2014, la agenda de Tony lo llevó a viajar por todo el mundo para actuar. Realizó sus primeras presentaciones en Chile, regresó a Australia y Filipinas, además de recorrer gran parte de Europa. Tras el éxito de los conciertos orquestales en 2013, Tony volvió a la carretera con diez fechas, cautivando al público de todo el Reino Unido. Él y sus compañeros de Spandau Ballet también estuvieron muy ocupados en 2014, dedicando el final del año a promocionar su documental «Soul Boys of The Western World», que se estrenó en marzo de 2014 en el festival SXSW de Texas, donde la banda ofreció su primer concierto en Norteamérica desde 1985. Dirigido por George Hencken, productor habitual de Julien Temple, este documental, realizado exclusivamente con material de archivo, combina imágenes de noticiarios de la época con vídeos inéditos de las grabaciones caseras de la banda, junto con material perdido hace mucho tiempo y recientemente descubierto. La película nos transporta al corazón de la época y al contexto cultural, político y personal que sirvió de telón de fondo a la historia de la banda. El estreno en el Reino Unido, junto con un pequeño concierto en el Royal Albert Hall, agotó las entradas y fue una noche emocionante para todos. Anunciaron su gira Soul Boys of the Western World Tour 2015, que se extendió desde enero hasta finales de septiembre de 2015. 

Más recientemente, Tony tuvo el gran honor de ser invitado al Palacio de Buckingham para conocer a Su Majestad la Reina. Él comenta: «Fue un gran honor, en mi papel de vicepresidente de Shooting Star Chase, ser invitado al Palacio de Buckingham por Su Majestad la Reina. Fue un privilegio ser presentado a Su Majestad y reconocer y celebrar la maravillosa labor de nuestra Patrona Real, Su Alteza Real la Condesa de Wessex». El programa de cuidados paliativos infantiles Shooting Star Chase marca una diferencia real y significativa en la vida de las familias que cuidan a niños con enfermedades terminales o que limitan la vida, creando recuerdos maravillosos e imborrables para las familias que necesitan el apoyo vital de este servicio. 

Actualmente, Tony está ultimando los detalles de su esperado nuevo álbum en solitario, que se lanzará la próxima primavera con Universal Records. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con True y Love For Sale, con la Big Band de Paul Moran.  


lunes, 1 de junio de 2026

Edith Barr

 

Nora Edith Barr García nació en Lima, Perú, el 1 de junio de 1936. Cantante.   

El sitio www.loritos-periquitos.blogspot.com de José Carlos Serván Meza, publicó este artículo.   

"EDITH BARR". FAMOSA COMO "LA FLOR MORENA DE LA CANCIÓN CRIOLLA". 

¡Qué gusto nos da evocar a artistas de cuyos inicios fuimos testigos! Este es el caso de nuestra amiga Edith Barr, la espigada muchacha de los años 55 que, con el optimismo de hacerse una carrera profesional en el arte musical criollo, hacía sus pinitos en Radio Victoria. Aquellas matinés dominicales, auspiciadas por "Criogenine Lumiere", supieron de su voz y personalidad y, dadas estas virtudes, estaba asegurado su futuro triunfo en aquel campo, tan bien representado por "Las Cinco Grandes del Criollismo":  Jesús Vásquez, Eloísa Angulo, Delia Vallejos, Esther Granados y Alicia Lizárraga. La generación aquella fue muy prolífica. Surgieron, entre otros, Judith Acuña "Wara Wara", Maritza Rodríguez "La Princesita de la Canción Criolla", Edith Suárez, que dio mucho qué hablar cantando los temas de Fresia Saavedra, como "El Ladrón, por ejemplo. Ya triunfaba en toda la extensión de la palabra el bolerista Eddy Martínez, hijo del pianista y maestro Polito Bedoya.  

Un paso fugaz en Radio Victoria realizaba la abuela de mis nietos "Gaby Rossi" y sus canciones italianas. Nuestro matrimonio la alejó del arte y la tuve cantando en exclusividad para sus hijos. Edith Barr, se afianzaba cada vez más y no pasaría mucho tiempo para convertirse en "La Flor Morena de la Canción Criolla", apelativo que le creó José Lázaro Tello "El Animador de las Multitudes". En efecto, en aquel semillero de artistas que era la matiné dominical de Radio Victoria, surgió para esta artista la gran oportunidad. Su consagración vendría en la nueva emisora "RADIO ONCE SESENTA" y en la que sería lanzada con bombos y platillos al gran estrellato nacional. La foto pertenece al recordado estudio "Luz Y Sombra". Sin duda alguna Edith Barr tenía asegurado un gran futuro. Pensar que se inició cantando muy niña en la emisora Radio Callao.  

Quedarían en el recuerdo aquellas tardes y noches del Parque de la Exposición. Hoy la nostalgia me invade y me traslado frente a la Cabaña, lugar donde funcionara Radio Victoria" y veo a la juvenil Edith con todas sus ambiciones y confundida en medio de la arboleda. Indudablemente que nuestra estrella ha sabido probar de todo en el campo artístico. Pasada la etapa radial, llegaría la televisión y en aquella exitosa Panamericana, triunfó como animadora y se reafirmó en los niveles más trascendentes. Han pasado muchos años y siempre tiene la ocasión de mostrarnos su arte en la televisión con gran suceso. También es bueno resaltar su carácter empresarial y que la llevó a inaugurar la recordada "Casa de Edith". Siempre triunfadora y conservando esa clase de artista que mostró desde muy niña. Nos decía que le gustaba el canto y así se dedicó en exclusividad a su profesión. 

Ha sido estrella en los espectáculos con su propia revista. Una excelente animadora e intérprete que salió de los cánones tradicionales e impuso su propio estilo. Quien reseña esta nota, allá por los años 60, mantenía una programación en Radio Luz, emisora en la que nuestro colega locutor Manuel Acosta Calderón se revelaba como compositor. Habíamos sufrido meses antes, la muerte de nuestro hermano mayor Ángel Serván. Por alguna razón llegó Edit Barr a los estudios y al verme, ¿cuál sería su sorpresa? Lanzó una exclamación de asombro y demostró también su vena histriónica, porque, para ella, quien había fallecido era este reseñador al que no veía hacía muchísimo tiempo. Fue un reencuentro hermoso y que evoco con gran afecto por su generosa amistad. A mi solicitud, le entregué un cassette con varias de las composiciones de Manuel Acosta Calderón. 
 
Tuvo la gentileza de aprender el vals "Busco un Corazón" de mi colega de Radio Luz y este tema apareció grabado en un Larga Duración de la FTA con otros grandes éxitos que supimos promover con gratitud. Todo lo que decimos son experiencias nuestras. Así, luego de varios años de no vernos, amenizábamos una kermesse de un Colegio de Chacarilla del Estanque con nuestro grupo orquestal. Fue Edith Barr el personaje central y con su agrupación de guitarristas bajo la dirección de Alberto Urquizo La Negra, dieron relieve a dicha actividad. Conquistó a la concurrencia con su animación y cantando, como siempre, sus grandes éxitos. Uno de ellos, el vals de Chabuca Granda "José Antonio" y en el que lució mucha gracia y es uno de sus éxitos discográficos de mayor aceptación de su gran público. Otro vals muy solicitado fue el de Augusto Polo Campos "Limeña". 

Tuvimos ocasión de recibir y oír un disco de grandes efectos electrónicos y con una Edith Barr diferente. Cantando y deslumbrándonos con baladas y canciones que pusieron en relieve sus innatas condiciones de vocalista internacional. Con toda su belleza en ambos lados figura como "EDITH, LA DE SIEMPRE Y LA OTRA". Está en una nuestra colección y así, como otras grabaciones suyas, es un digno recuerdo de su arte que nos da gusto mostrar en especiales ocasiones. Ha sido la reseña de "EDITH BARR". Grande como sus predecesoras y con un sitial de preferencia en la historia de nuestra inmortal Canción Criolla. Es una verdadera luchadora y propulsora ejemplar para las futuras generaciones. Siempre activa y derrochando gran amistad y enorme arte. Gracias. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cuando Llora Mi Guitarra.  

Eugeniusz Sławomir Łazowski. Médico, integrante de la Resistencia y profesor de pediatría.


Eugeniusz Sławomir Łazowski, más conocido como Eugene Lazowski, nació en Czestochowa, Polonia, en 1913, y murió en Oregón, Estados Unidos, el 16 de diciembre de 2006. Médico, integrante de la Resistencia y profesor de pediatría. 

El sitio www.svetzeny.cz publicó este recordatorio. 

El valiente Eugeniusz Łazowski: Un médico engañó a Hitler con una falsa epidemia de tifus, salvando a miles de personas. 

Un héroe poco conocido, logró engañar al mismísimo Adolf Hitler y a sus secuaces. Eugeniusz Łazowski (†93) fue un médico polaco que decidió dar un paso muy peligroso durante la Segunda Guerra Mundial. Sabía que, si su estratagema fracasaba, él y su familia serían enviados a la muerte. Lo apostó todo a una sola carta y funcionó. El médico provocó una falsa epidemia de tifus, quizás la enfermedad más temida por los nazis, salvando así miles de vidas. 

Gabriela Maryškova 16. 12. 2025 

Se han escrito muchas líneas sobre las atrocidades que los nazis cometieron no solo contra los judíos, y aún hoy resultan inconcebibles. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial también surgieron héroes que arriesgaron todo para salvar a otros. Si bien, por supuesto, temían profundamente a los nazis, hicieron lo imposible por impedir el traslado de su pueblo a una muerte segura.  

Łazowski sabía que los nazis temían las enfermedades. 

La historia de un médico polaco que demostró una valentía y coraje increíbles comenzó en 1941. Los habitantes del pueblo de Rozwadów y de otros pueblos cercanos empezaron a desaparecer. Fueron llevados a guetos y campos de concentración, y todos sabían que jamás regresarían. Un día, un amigo judío se acercó al joven y le rogó que intentara hacer algo al respecto. Pero ¿qué podía hacer un médico de veintiocho años contra los nazis? Empezó a reflexionar profundamente, y finalmente lo comprendió. Los nazis temían las enfermedades, y el tifus, en particular, era su mayor temor.   

Eugeniusz recordó sus estudios 

El propio Hitler había ordenado que, si aparecía una enfermedad contagiosa en cualquier lugar, la zona debía ser puesta en cuarentena y aislada de inmediato, lo que para sus habitantes equivalía a la supervivencia. Ahora solo faltaba averiguar cómo lograrlo. Łazowski no podía inyectar a la gente con el tifus mortal. Recordó algo de sus estudios de medicina. Existía una batería completamente inofensiva que podía ayudarle. Si inyectaba a alguien con la bacteria Proteus OX19 muerta, su sistema inmunitario produciría anticuerpos de inmediato. La prueba de Weil-Felix daría entonces un resultado positivo para el tifus.   

Tras la extracción de sangre, se procedió inmediatamente a la cuarentena. 

El plan era brillante, pero también muy peligroso. Si los nazis descubrían el engaño, todos serían condenados a muerte. Łazowski contactó a su colega Stanisław Matulewicz y juntos discutieron todo en detalle. Eugeniusz comenzó a inyectar esta cepa bacteriana a personas no judías, sabiendo que los nazis mataban inmediatamente a los judíos infectados con tifus. Cuando los médicos alemanes llegaron para tomar muestras de sangre, se quedaron atónitos. Los habitantes de una de las aldeas estaban infectados con tifus y se ordenó una cuarentena de inmediato.    

El médico engañó a los partidarios de Hitler. 

Poco a poco, los valientes hombres comenzaron a salvar más y más aldeas. Por supuesto, Łazowski llevaba registros falsos de todos los habitantes para poder mostrárselos a los médicos alemanes si fuera necesario. Todos los aldeanos tenían instrucciones claras sobre cómo comportarse en caso de la llegada de los nazis, para que parecieran estar infectados de tifus. Afortunadamente, los partidarios de Hitler nunca se quedaron el tiempo suficiente para comprobar la verdadera tasa de mortalidad en las aldeas.  

Łazowski salvó miles de vidas 

En total había doce aldeas, donde vivían juntas aproximadamente ocho mil personas. Eran católicos polacos o judíos que se escondían tras identidades falsas. Gracias a la falsa epidemia, las familias podían estar juntas y cada mañana, estar juntos era un milagro para todos. Afuera, el Holocausto hacía estragos, pero en las zonas de cuarentena, la gente se ayudaba mutuamente y se convencía de que aquel infierno algún día terminaría. Y tenían razón. En 1945, todos los supervivientes se salvaron y la epidemia de tifus desapareció misteriosamente.  

El médico no le contó a nadie sobre su valentía. 

Łazowski destruyó discretamente todos los registros y eliminó la bacteria que había salvado miles de vidas. Emigró con su familia al extranjero y completó los exámenes necesarios en Chicago para obtener la licencia médica. Además de ejercer la medicina, también era profesor en la Universidad de Illinois. No le contó a nadie sobre sus acciones durante la Segunda Guerra Mundial, ni siquiera a su esposa. Sin embargo, su historia comenzó a salir a la luz gradualmente. Periodistas entrevistaron a supervivientes, algunos de los cuales estaban conectados por una misteriosa epidemia que, en realidad, los había mantenido con vida.   

Un hombre humilde vivió hasta una edad bendecida. 

Finalmente, se descubrió quién era el hombre que había logrado engañar a Hitler. Tras décadas de silencio, Eugeniucz accedió a ser entrevistado. Todos mencionaban la palabra valentía, pero el doctor no estaba de acuerdo. «No fui valiente. Simplemente fui un médico que hizo lo que hacen los médicos. Ves a gente en peligro y la ayudas. Eso es todo», dijo Łazowski, quien vivió hasta la venerable edad de noventa y tres años y se convirtió en un héroe y salvador para muchos. 

domingo, 31 de mayo de 2026

Shalom – Nuevas formas de leer lo esencial


Shalom – Nuevas formas de leer lo esencial  

Esther Bendahan presenta El final del silencio: Violeta Friedman, un monólogo que rinde homenaje a Violeta Friedman. Por su parte, David Aliaga introduce un libro sobre Will Eisner, cuya vida e influencia en el cómic analiza Moisés Hassan en Apuntes de Cómic. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/nuevas-formas-leer-esencial/17093591/