Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, aquí propongo temas de interés general.
Si es de tu interés dejá un comentario al pie de cada artículo. Seguime en Facebook: El Mirador Nocturno "Me Gusta"
Robert Troy Kimball (Orange, Texas, 1947), mejor conocido
como Bobby Kimball, es un cantante estadounidense conocido por haber sido el
principal vocalista de la banda Toto.
Participó en los álbumes "Toto" (1978),
"Hydra" (1979), "Turn Back" (1981) y "Toto IV"
(1982).
Tras abandonar la banda y después de alguna que otra
aparición en discos como "Past to present" o "XX", Bobby
regresa en 1998, permaneciendo hasta la disolución de la banda en 2008, dejando
su voz en los discos "Mindfields" (1998), "Throught the looking
glass" (2002) y "Falling in between" (2006)
Dentro de su discografía en solitario podemos encontrar
"Rise up" (1994) y "All I ever needed" (2000)
Reputado músico de estudio, al igual que sus compañeros de
Toto, ha colaborado con multitud de artistas como Barbra Streissand, Leo Sayer,
Diana Ross, Richard Marx o Chicago. A su vez ha formado parte de proyectos como
Radioactive, entre otros, así como numerosos tributos a Bandas como Journey o
Pink Floyd…
De inconfundible timbre y fuerza, Bobby Kimball mantiene una
salud vocal envidiable a las puertas de los 63 años, manteniendo ese feeling
especial que hace que para muchos, sea por siempre la voz por excelencia de
Toto
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes exitos: Hold the Line, con el solo de guitarra de Christian Schwarzbach.
Elisabeth Gunila Andreasson o Bettan (28 de marzo de 1958,
Göteborg, Suecia). Sus padres son noruegos y a los 6 años se fueron a vivir a
la pequeña isla Källö-Knippla en el archipiélago de Göteborg, donde Elizabeth
permaneció hasta que tuvo 16 años. También pasó temporadas en Sykkylven
(Noruega) donde sus abuelos tenían una granja. En 1978 el periódico Göteborgs
Tidningen organizó un concurso de talentos a bordo de un transbordador que
viajaba hasta Amsterdam, en el que Elizabeth terminó en 2ª posición. Ese mismo
año fundó su propia banda, KEB Special, junto a Kalle Bäckström y Bengt
Adielsson, que estuvieron tocando música country por bares y pubs de toda
Suecia. En 1980 formó el grupo Eliza Band junto a Kjell-Åke Ring y Leif
Ingdahl. Ese mismo año lanza su primer álbum a dúo con Mats Rådberg titulado
I´m the singer, you´re the song.
En 1980 durante una gala de música country en el Civic Hall
de Estocolmo fue descubierta por el eurovisivo Lasse Holm, al día siguiente
grabó una demo y 3 semanas más tarde ya era miembro del grupo Chips junto a
Kikki Danielsson, Britta "Tanja" Johansson y el propio Lasse Holm.
Hicieron una gira por la República Federal Alemana y en Dusseldorf participaron
en el famoso programa de televisión Show-Express donde cosecharon un gran
éxito. En 1981 se presentaron al Melodifestivalen bajo el nombre de Sweets ´n
chips y quedaron en 2º lugar con la canción God morgon. Poco tiempo después el
cuarteto se redujo a la mitad al irse Britta y Lasse se dedicó a componer y
acompañar a Elizabeth y Kikki al piano. Ese mismo año Elizabeth lanza su primer
disco en solitario llamado Angel of the morning. En 1982, otra vez con su
nombre original de Chips, se volvieron a presentar al Melodifestivalen con el
tema Dag efter dag, consiguiendo la victoria y obteniendo el derecho de
representar a Suecia en el Festival de Eurovisión. En Harrogate lograron una 8ª
plaza con 67 puntos (8 de Noruega, Austria y Dinamarca, 7 de Portugal, 5 de
Reino Unido, Bélgica y Países Bajos, 4 de Suiza y España, 3 de Luxemburgo,
Finlandia e Irlanda y 2 de Yugoslavia y Alemania). Hicieron una versión inglesa
titulada Day after day. Tras el Festival las Chips lanzaron el álbum Having a
party con el que vendieron 100.000 copias en Suecia e hicieron una gira por el
norte de Europa. Elizabeth y Kikki esperaban tener más éxito en el extranjero,
por lo que en 1983 decidieron disolver el grupo y continuar cada una en
solitario.
En 1983 Elizabeth lanzó el álbum I´m a woman y durante el
Festival de Knokke (Bélgica) conoció a la noruega eurovisiva Hanne Krogh y
juntas formaron el dúo Bobbyshocks. Comenzaron cantando temas retro de los años
50 y 60 dándoles un toque moderno. Su primer single fue I don´t wanna break my
heart y en 1984 lanzaron su primer álbum Bobbyshocks. Ese mismo año,
paralelamente Elizabeth se presenté en solitario al Melodifestivalen con el
tema Kärleksmagi, no consiguiendo clasificarse para la gran final.
En 1985 las Bobbyshocks se presentaron al Norsk Melodi Grand
Prix con la canción La det swinge, consiguiendo ganarlo y obteniendo el derecho
a representar a Noruega en el Festival de Eurovisión. Su actuación en Göteborg
fue memorable y llena de energía, algo que convenció a los jurados europeos que
le dieron la 1ª victoria a Noruega con 123 puntos (12 de Irlanda, Dinamarca,
Bélgica, Alemania, Israel, Reino Unido, Suecia y Austria, 7 de Luxemburgo, 6 de
Italia y Suiza, 4 de Finlandia, 2 de Francia y 1 de España y Grecia). La
canción fue traducida al inglés y el disco fue relanzado en toda Europa siendo
un éxito. Hicieron giras por todo el Mundo con muy buenas críticas. El
Parlamento noruego les otorgó el Pemio Peer Gynt a los mejores embajadores
noruegos en el extranjero. Ese mismo año Elizabeth lanzó en solitario el álbum
Elizabeth Andreassen.
En 1986 lanzaron el disco Waiting for the morning que fue
disco de oro y recibieron el Premio Spillmann en los Grammy noruegos. Hasta tal
punto estaban en la cumbre del éxito que cantaron el himno nacional noruego en
el campeonato del Mundo de boxeo en Las Vegas. En 1987 grabaron en Los Angeles
el álbum Walkin´ on air que también fue disco de oro. En 1988 pese a que
estaban en lo más alto de su popularidad, decidieron separarse.
En 1988 Elizabeth retomó su carrera en solitario y lanzó en
los siguientes años varios discos: Älskar, älskar ej (1988), Elizabeth (1990),
Stemninger (1992) y Julestemninger (1993). Durante esos años hizo varios
musicales en el teatro destacando El fantasma de la ópera. En 1990 se trasladó
a vivir a Oslo y en 1992 presentó el Norsk Melodi Grand Prix. En 1994 se presentó
al Norsk Melodi Grand Prix junto a Jan Werner Danielsen interpretando el tema
Duett, ganando holgadamente y obteniendo el pasaporte para el Festival de
Eurovisión que se iba a celebrar en Dublin. Hicieron una gran actuación con sus
voces perfectamente conjuntadas y consiguieron la 6ª posición con 76 puntos.
Como anécdota, Elizabeth llevó ropa holgada para disimular el embarazo de su
primera hija. Tras el Festival Elizabeth y Jan hicieron giras navideñas cada
año hasta la muerte de Jan en 2006, donde Elizabeth hizo un emotivo concierto
en su funeral. El 2 de julio de 1994 se casó con Tor Andreassen, por lo que
cambió su apellido de Andreasson a Andreassen.
En 1996 volvió al Norsk Melodi Grand Prix con la canción I
evighet, consiguiendo ganarla y obteniendo el pasaporte para representar a
Noruega en el Festival de Eurovisión. Era la 4ª participación en Eurovisión,
todo un record en el Festival. En Oslo ejerció de anfitriona y casi vuelve a
darle otro triunfo a su país. Consiguió una magnífica 2ª posición con 144
puntos. Ese mismo año lanzó 2 discos: Eternity y Bettans jul.
En 1998 se volvió a quedar 2ª en el Norsk Melodi Grand Prix
con el tema Winds of the Northern seas y en 2000 presentó el Melodifestivalen
junto a otros 11 artistas suecos. En noviembre de 2000 coincidió en una gala de
la televisión sueca con Kikki Danielsson y Lotta Engberg y las 3 acordaron
hacer un grupo. El trío Kikki, Bettan och Lotta se presentó al Melodifestivalen
de 2002 con la canción Vem é dé du vill ha quedado en 3ª posición y además
lanzaron el álbum 20 år med oss - Vem é dé du vill ha. En 2003 el trío se
presentó al Norsk Melodi Grand Prix con el tema Din hånd i min hånd terminando
en 4º lugar. También grabaron el disco en directo Live fråm Rondo.
En los siguientes años lanzó varios discos en solitario: A
couple of days in Larsville (2004), Short Stories (2005), Bettan country (2007)
y Grammy (2009). En 2009 lanzó el álbum Julenatt junto a Rein Alexander. En
2012 se presentó al Melodifestivalen con la canción Vaken i en dröm, no
consiguiendo clasificarse para la gran final. Ese mismo año lanzó el disco
Kärleken & livet - 13 sanger av Rolf Løvland. En 2015 se presentó al Norsk
Melodi Grand Prix junto a Tor Endresen formando el dúo Tor & Bettan con la
canción All over the world, acabando en 4º lugar.
Texto: José Mª Soto, "Taray". Abril de 2016.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Klinga mina
Klockor, o Suena mis campanas.
Hace 26 años fallecía el artista Raúl Soldi, pintor,
escenógrafo y muralista, recordado como el artista de la armonía
Raúl Soldi nació el 27 de marzo de 1905 en la ciudad de
Buenos Aires. Sus padres eran ambos músicos de profesión: Ángel era chelista e
intérprete de obras líricas y Celestina, poseía un gran talento musical y su
tío era luthier. El nombre con el que lo
bautizaron sus padres está inspirado en la ópera "Los Hugonotes", de
Giacomo Meyerbeer. La primera residencia de la familia fue en una casa ubicada
al lado del teatro Politeama, en el centro, lugar al que Soldi asistió en
ocasiones a ensayos de las funciones. De niño, construía pequeños escenarios de
títeres, escribía y montaba obras de teatro. En su adolescencia, la familia se
mudó al barrio de Villa Crespo y comenzó el interés de Soldi por la pintura:
"Recuerdo que la primer copia que hice fue sobre un
cuadro de Quinquela Martín reproducido por Caras y Caretas" , rememoró el
pintor.
Amante de la música, Soldi incursionó también en la poesía y
el cuento. A los 16 años viajó a Europa. Estuvo en varias ciudades de Alemania,
entre ellas, Hamburgo y Berlín. También visitó Austria y por último, a Italia,
el país de origen de sus padres.
"Venecia me hizo pintor. En ese viaje visitamos
Pinceto, el pueblo de mi madre. Me propusieron hacer un fresco en la capilla
San Fermín, una capillita romántica del siglo XI. Pinté al fresco por primera
vez, con mucha adrenalina, sobre su portal, la imagen del santo", recordó.
Al regresar a Argentina cursó en la Academia Nacional de
Bellas Artes durante 3 meses, hasta que la familia decidió volver a Italia y de
esta forma continuó su formación en la Academia Brera de Milán. Al terminar sus
estudios, Soldi expuso su obra en Trieste y ganó el pirmero premio para
pintores jóvenes con su “Retrato de un pintor Armenio”.
Escenografía de cine y teatro
En 1933, de vuelta en Argentina, comenzó a trabajar en
Argentina Sono Films realizando escenografías de películas. Llegó a trabajar en
más de ochenta producciones. Además decoraba las vidrieras de Harrod´s.
En el año 1940 ganó una beca para estudiar escenografía en
los Estados Unidos. Allí además tuvo lugar una exposición sobre su obra, que
fue muy bien recibida. A su regreso a Buenos Aires, sus pinturas circularon por
varios salones del país con muy buenas críticas. A partir de 1945, trabajó en
el diseño de escenografía y vestuario del Teatro Colón como "La
Boheme", de Puccini. Ese mismo año se casó con Estela Gaitán, que
trabajaba en Editorial Losada y había conocido años atrás. A ella le dedicó su
obra, centrada en la figura de la mujer en forma de agradecimiento por su
compromiso incondicional.
"Fue entonces que Estela me hizo comprender dónde
estaba mi destino, me comprometió todo su apoyo ante previsibles contratiempos
económicos, y con femenina decisión, esa que no admite replicas, me dijo –
basta de cine, a pintar todo el día”
En 1953 decoró la cúpula de la Galería Santa Fe: la espiral
consta de sesenta y tres figuras, reunidas en catorce escenas.
El 12 de Junio de 1957, la Academia Nacional de Bellas Artes
lo designó Académico de Número y entre 1965 y 1970 ocupó el cargo de
Prosecretario.
Detalle del mural en Galería Santa Fe
En 1968, Soldi pintó al fresco un mural en Israel. Fue
invitado por la Casa Argentina en Israel Tierra Santa. Se trata de un fresco de
seis metros de alto por dos y medio de ancho junto a uno de los seis altares de
la cúpula de la Basílica de la Anunciación en la ciudad de Nazareth, erigida
sobre la ruta en que vivió la Sagrada Familia y donde transcurrió la infancia
de Jesucristo. El trabajo le tomó sesenta días.
Soldi en Glew
Al conocer la localidad bonaerense de Glew, Soldi se
interesó particularmente por la Capilla de Santa Ana y dedicó veintitrés
veranos a pintar murales al fresco de la misma. En total son trece murales que
relatan episodios de la historia de Santa Ana, madre de la Virgen María. En
todos ellos utiliza el procedimiento renacentista al fresco (pared húmeda y
mezcla de color y caseína), exceptuando "Los trabajos domésticos de Santa
Ana", que utilizó el procedimiento al seco.
Capilla de Santa Ana en Glew (Página/12)
En 1979, junto a su mujer, Soldi constituyó la Fundación
Santa Ana de Glew, donde donó gran parte de su obra, que actualmente es la
Fundación Soldi. Allí en la Fundación se encuentra la colección privada del
artista y la Biblioteca Pablo Rojas Paz.
"Es una Fundación que también es Biblioteca Popular y
centro de alfabetización para adultos. Nada de lo que he pintado, me ha dado
tanta alegria como el ver a una señora de setenta años que, en una de las
clases de alfabetización, escribió su primera carta a la familia radicada en
Santiago del Estero. Pienso que es un poco la obra de mi vida y gracias a mi
mujer, que fue la de la idea, la hemos llevado a cabo", dijo el pintor
En el año 1971 realizó un mosaico en la iglesia de San
Isidro Labrador. Dos años más tarde, su obra Santa Ana y la Virgen ingresó a la
galería de Arte Sagrado del Vaticano. En 1976, Soldi pintó veintiún paisajes en
el campo y murales en la Plaza San Martín de la localidad bonaerense de Tres
Arroyos. Soldi realizó múltiples exposiciones en Buenos Aires, Córdoba, Santa
Fe, La Plata, Tucumán y Rosario. También exhibió sus obras en México, Paraguay,
Francia y Rumania.
Publicaciones ilustradas
Soldi formó parte de la colección de Eudeba "Arte para
todos", en la publicación "Cuentistas y pintores" junto a Berni,
Seoane, Castagnino, entre otros artistas que ilustraron relatos biográficos,
poemas, cuentos, refranes con xilografías, dibujos a tinta y técnicas mixtas.
Además, el artista ilustró "Cuentos fantásticos",
de Edgar Allan Poe, "20 poemas de amor y una canción desesperada", de
Pablo Neruda," Juvenilia", de Miguel Cané y Revista Proa.
La pintura sensible
Algunos de los aspectos que la describen son: abandonar el
dibujo minucioso de la época y hacer mayor hincapié en el color. Se trata de
una técnica se enfoca más en el color que en la forma y se basa en la
introspección, la cotidianeidad y la expresión de matices figuras estilizadas y
sutilmente deformadas que responden a una clara concepción bidimensional.
La línea se suele utilizar en arabescos. En la producción de
Soldi aparecen bodegones en los que las frutas y las flores estallan de color,
armonía y belleza, así como pequeños paisajes donde se aprecia una pincelada
muy suelta.
Cúpula del Teatro Colón
Manuel Mujica Lainez, escritor amigo del artista, fue quien
lo recomendó para restaurar la cúpula del Teatro Colón, trabajo que Soldi
comenzó en 1966.
Cúpula del Teatro Colón, Buenos Aires Ciudad
Allí representó la vida teatral: músicos con sus
instrumentos y actores intercambiándose las máscaras de la tragedia y la
comedia. El mural mide veintidós metros y son cincuenta y tres figuras en
cuatrocientos metros cuadrados. Fue pintado en dos meses. Son 320 metros
cuadrados. Está hecha de tirantes y yeso belga muy antiguo que, al fraguar,
forma una materia semejante a la madera, secreto de su acústica.
Yo pinto música, el músico que nunca pude ser. Me crié en un
conventillo que daba sobre el teatro Politeama. Viví con bailarinas, músicos,
actores. Me metí en el teatro y en la música desde siempre.
La hamaca, MNBA
En 1983 inauguró el mural de Santa Magdalena, en Castelar.
En 1989 realizó el mosaico “Camerata Bariloche” que fue emplazado en el museo
del Parque de Portofino, Italia. En 1990 la Galería de Arte Moderno de Milán
incorporó a su colección un autorretrato de Soldi.
El artista realizó un mosaico destinado a la Fundación
Favaloro en 1991. El Palais de Glace rindió homenaje a Soldi en 1992 exponiendo
más de doscientas diez obras. La muestra fue visitada por más de 500.000
personas.
Su patrimonio
Soldi pintó más de 3000 óleos, acuarelas, pasteles y
litografías que integran el patrimonio de instituciones como la Galería Uffizi,
en Florencia, el Museo Vaticano y el Museo Nacional de Bellas Artes. Las
temáticas en las que incursionó durannte toda su vida fueron los paisajes, los
desnudos, las naturalezas vivas.
Doodle de Google en homenaje a 114 años de su nacimiento
Raúl Soldi falleció el 21 de abril de 1994.
Quiero que mi pintura tenga un efecto sedante para el alma;
que transmita paz, tranquilidad y, sobre todo, poesía.
Fuentes consultadas: La Nación, Página/12, Revista
Sudestada, Clarín, Academia Nacional de Bellas Artes, MNBA.
Avelino Flores, más conocido como Nini Flores, nació en Corrientes,
Provincia de Corrientes, Argentina, el 26 de marzo de 1966, y murió en su ciudad
el 7 de agosto de 2016. Acordeonista, bandoneonista y compositor.
El acordeonista murió ayer a los 50 años. Junto con su
hermano Rudi formaba un dúo que difundió la música del Litoral en todo el
mundo.
9 de agosto 2016
El acordeonista, bandoneonista y compositor Nini Flores, uno
de los más notables artistas del chamamé, fue hallado sin vida ayer en su
vivienda de la capital correntina, informaron allegados al músico de 50 años.
La Justicia atribuyó el fallecimiento a un paro cardiorespiratorio no
traumático, una muerte súbita. Nini provenía de una familia chamamecera y junto
a su hermano, el guitarrista Rudi, formaba desde 1984 un exquisito dúo
instrumental. El músico deja, al mismo tiempo, una temprana y dolorosa
ausencia, pero también señales de un camino posible para que el género pueda
desplegarse.
Nini nació el 26 de marzo de 1966 en Corrientes, cinco años
después que su hermano Rudi, guitarrista con el que desde 1984 construyó un dúo
instrumental con el que registró ocho álbumes, combinando músicas propias y
certeras versiones. A ese repertorio Nini le aportó composiciones solistas como
"Refugio de soñadores", "Corrientes norte", "Noches de
San Antonio", "Añorando" y "Un vals en París".
Ambos músicos tuvieron una cuna musical excepcional, ya que
el padre de ambos, Avelino Flores, fue un destacado bandoneonista y autor. El
acompañó a sus hijos en una gira europea en 1994, que determinó que Rudi y Nini
se radicaran en Holanda.
Tanto en Europa como en la Argentina, los Flores mostraron
que la música del Litoral era un territorio mucho más rico y amplio que el que
la propia escena folclórica local le asignaba. Desde esas márgenes al que el
chamamé parecía condenado, Nini y Rudi, al igual que Raúl Barboza o Chango
Spasiuk, por citar a algunos, regalaron maravillosas pruebas de su capacidad
estética, tanto desde la tradición como desde posibles fusiones con otros
géneros.
Promediando la década pasada el acordeonista decidió
regresar de Francia para radicarse en Corrientes, y empezó a trabajar
fuertemente a nivel local. Nini armó un grupo desde el bandoneón con la
cantante Verónica Noguera y el guitarrista Facundo Rodríguez, participó en 2013
del Festival de Tango de Buenos Aires, acompañó al tenor español José Carreras
en su visita a Corrientes y junto a Aldy Balestra impulsaba el Festival de
Invierno de Chamamé.
Pero su principal actividad fue la conformación de un
quinteto para el que convocó a Juan Pablo Navarro (contrabajo), Matías Martino
(piano), Guillermo Rubino (violín), Facundo Rodríguez (guitarra) y Verónica
Noguera (voz). "El violín es un instrumento que pertenece a la historia
del chamamé y que sin embargo se fue dejando de lado. Eso era algo que quería
recuperar y que empujó la idea del nacimiento del quinteto, porque el legado
del violín encaja perfectamente con la sonoridad de este lenguaje",
explicaba Nini acerca de esa experiencia.
Decidido a seguir caminando y sonando para mostrar las
posibilidades expresivas del chamamé y las músicas del Litoral, Nini quería
grabar su aventura con el quinteto y en septiembre iba a volver a coincidir con
Rudi en la primera edición de "Experiencia Piazzolla", una muestra
sobre el genial tanguero que tendrá por sede a la Ciudad Cultural Konex.
A través de las redes sociales, los músicos lamentaron ayer
la muerte de un emblema de chamamé. Y no casualmente varios utilizaron la
expresión "músico inmenso" para referirse a él. "Es un día
triste. Nos ha dejado Nini Flores, uno de los músicos más inmensos del
Chamamé", escribió Chango Spasiuk en Twitter. Por su parte, el
armoniquista Franco Luciani expresó: "Difícil de creer. Un músico inmenso.
Un tipo divino. Qué lástima...Te vamos a extrañar y a recordar siempre
Nini!". La guitarrista y compositora Cecilia Zabala también señaló:
"Qué triste noticia. Nini querido, músico inmenso, te vamos a
extrañar". Desde el universo chamamecero, Las Hermanas Vera aportaron que
"se fue el Maestro del fuelle que cambió y creó una generación
impresionante".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con un clásico del repertorio: Kilómetro 11.
Cecil Percival Taylor nació en Nueva York, Estados Unidos,
el 25 de marzo de 1929, y murió en su ciudad, el 5 de abril de 2018. Pianista y percusionista.
Pianista, y compositor, Cecil Taylor (Nueva York, 25 de
marzo de 1929 – ibídem, 5 de abril de 2018),
tenía en su sangre inoculado
el mestizaje que después
musicalmente explotaría. Su
padre originario del sur, era cocinero y sirviente de un senador y su madre era
india y los abuelos escoceses. Desde 1938 estudia música bajo la dirección de
una profesora de piano, con quien aprende los conceptos de la música clásica. Más
tarde estudia percusión, con músicos de la NBC Symphony Orchestra. En 1951, se
marcha a Boston, donde tiene familia y al año siguiente se inscribe en el New
England Conservatory. Durante tres años estudia arreglos y armonía. Es por esta
época cuando descubre el bebop. Conoce a los mejores jazzmen de Boston: Gigi
Gryce, Jaki Byard, Charlie Mariano, Sam Rivers y Serge Chaloff, y en 1951
cuando, en el club Hit Hat, ve por primera vez a Charlie Parker.
Cecil Taylor, siempre citó entre los pianistas que le
influenciaron a Lennie Tristano, Bud Powell, Mary Lou Williams (con quien
tocara en dúo veinticinco años mas tarde en 1977 en el Carnegie Hall), Horace
Silver y Thelonious Monk. A partir de 1952, empieza dar cuerpo a la idea de
formar sus propios grupos pero mientras tanto, forma parte brevemente de la
orquesta de Johnny Hodges y toca con el saxofonista soprano, Steve Lacy, a
quien incluso da clases como complemento importante de sus fuentes de ingresos.
En 1957, es contratado en el club Five Spot para acompañar al
violinista-multiinstrumentista, Dick Whitemore y el club se pone de moda entre la
vanguardia jazzística. A principios de los años sesenta, además de participar
en la obra «The Conection» con Archie Shepp, comienza a trabajar con el
saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray, que le acompañan a Europa
(1962).
De regreso a Nueva York, toca por última vez con Albert
Ayler en el Lincoln Center (1963). En 1966 firma dos álbumes en sexteto para el
sello Blue Note, entre ellos, el que está considerado su obra maestra, el
titulado «Conquistador». Cecil Taylor no tuvo fácil el que las compañías
discográficas aceptaran su música por la evidente falta de comercialidad del
freejazz, y eso le obliga, a principios de los años 70, a crear su propia
compañía, la Unit Core. Se dedica a la enseñanza y colabora con bailarines y
coreógrafos, entre otros con Mijail Baryshnikov (1979); realiza conciertos con
el baterista Max Roach (1979); un «All Star International» (1984) compuesto por
Enrico Rava, Frank Wright, John Tchicai, Andre Martínez, etc. Y con el Art
Ensemble Of Chicago (1985). Energía, percusión, movimiento o danza: tres
constantes que se esfuerza en dominar, con el fin de lograr perfección en el
momento de la improvisación. Particularmente cuando toca en solitario, emplea
un modo de desarrollo, de expansión, por acumulación y efectos de aceleración,
subrayando así la idea de una «danza» sobre el teclado.
Cecil Taylor, esta unánimemente considerado, como uno de los
fundadores y máximos exponentes del freejazz; su pianismo es al mismo tiempo un
derroche de virtuosismo, una demostración de fuerza con el piano y hacia el
público, y de una intensidad extrema.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de una
presentación en vivo con su trío en 1995.
La historia de Purim transcurrió en Persia hace 2300 años,
el libro de Esther cuenta cómo una serie de eventos aparentemente no
relacionados se hilaron para salvar al Pueblo Judío de la aniquilación. Hoy
conoceremos las costumbres principales que caracterizan esta festividad.
Joseph Roland Barbera, más conocido como Joe Barbera, nació
en Nueva York, Estados Unidos, el 24 de marzo de 1911, y murió en Los Ángeles,
California, Estados Unidos, el 18 de diciembre de 2006. Productor y director de
cine, productor de televisión, animador y guionista.
Joseph Rowland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911
- 18 de diciembre de 2006) fue un animador estadounidense y socio menor de
Hanna-Barbera Productions.
Biografía
Barbera nació en el Lower East Side de la ciudad de Nueva
York en el seno de una familia de inmigrantes italianos. Como estudiante en una
escuela católica romana, Barbera mostró un talento natural para el dibujo y se
le asignó dibujar escenas religiosas simples en una pizarra.
En la escuela secundaria, Barbera también desarrolló su
talento como escritor y actor. Después de un período sin recompensa procesando
declaraciones de impuestos sobre la renta para un banco, Barbera había
establecido una carrera como dibujante de revistas. De las caricaturas impresas
pronto cambió a la animación. Al igual que su futura pareja, el primer trabajo
de Barbera en la animación fue como pintor de cels para los Fleischer Studios.
Barbera luego trabajó en los estudios de animación Van
Beuren, una extensión del estudio de Paul Terry. Poco después, el estudio Van
Beuren cerró y Barbera consiguió un puesto con el propio Terry. A partir de
ahí, Barbera fue contratado por la nueva unidad de animación de
Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), donde inició una sociedad con William Hanna.
Hanna y Barbera trabajaron juntas por primera vez en
"The Captain and the Kids", una serie de cortometrajes de dibujos
animados basados en la
popular tira cómica homónima de periódicos. "The Captain and the
Kids" tuvo una recepción
bastante pobre, pero Hanna y Barbera encontraron un mayor éxito con Tom y
Jerry. Los dos también producirían siete cortometrajes animados de Droopy.
En sus últimos años, Barbera fue caricaturizado en el
episodio "Bravo Dooby Doo" de la serie de Johnny Bravo y produjo el
cortometraje "The Mansion Cat" de Tom y Jerry para Cartoon Network. También fue productor ejecutivo de
What's New Scooby-Doo?, Shaggy & Scooby-Doo Get a Clue!, The Karate Guard y
Tom and Jerry Tales de Warner Bros. Animation y Warner Bros. Television.
Fallecimiento
En 2006, Barbera falleció por causas naturales a la edad de
95 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con este video realizado por Hecho de Cine, en el que cuenta la historia de
Hanna Barbera. El estudio de animación que cambió la TV. En este video les
contamos la historia de Hanna Barbera, el estudio de animación que presentó
muchas de las series que todos amábamos. ¿Cómo se originó? ¿Cómo se conocieron
estos dos amigos? ¿Cuáles fueron sus mayores éxitos? Acompañanos en este video
a responder todas estas preguntas.
Redacción, locución y producción: Martín Morales
Edición y producción: Sebastián Piantoni
Seguinos en las redes: Instagram: @hechodecinemdp / Twitter:
@hecho_de_cine / Facebook: @hdcmdq
Yvette Marie Stevens, más conocida como Chaka Khan, nació en
Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 23 de marzo de 1953. Compositora,
cantante, productora, actriz, y activista.
Chaka Khan es la última mujer en ser incluida en la
codiciada promoción de 2023 del Salón de la Fama del Rock and Roll. Es una
estrella musical mundial que ha servido de inspiración para generaciones de
cantantes, compositores, artistas, narradores y músicos.
Además de cantante, es una distinguida compositora,
productora, artista visual, autora, actriz, humanitaria, activista y madre.
Si bien su certificado de nacimiento puede decir Yvette
Marie Stevens, en muchos sentidos, Chaka Khan es única.
Ella es una creadora de tendencias, una luchadora y una
sobreviviente. Redefinió el pop, el soul, el jazz y el funk, y ha ayudado a
moldear el panorama musical contemporáneo hasta convertirlo en lo que es hoy.
Aunque a Chaka se la conoce cariñosamente como la “Reina del
Funk” y también como la “Emperatriz del Funk, el Rock y el Soul”, prefiere
deshacerse de los apodos que limitan el género. Después de todo, tiene la rara
habilidad de cantar en ocho géneros musicales diferentes, que incluyen
R&B/soul, pop, rock, gospel, country, músicas del mundo, danza y música
clásica.
Chaka ha desarrollado una vasta y leal base de fans
internacionales y ha actuado en seis continentes.
Principios humildes
Creció en Chicago, Illinois y era la mayor de cuatro
hermanos. En su adolescencia, Chaka y su hermana, Bonnie, formaron un grupo
vocal, The Crystalettes, con dos amigas de la escuela.
Posteriormente, Chaka cantó con varias bandas locales antes
de convertirse en la cantante principal de la banda Ask Rufus, que se
convertiría en Rufus, un grupo que produciría éxito tras éxito.
Aprendió a confiar en su corazón y sus instintos y a seguir
sus sueños desde una edad temprana. Ella llamó la atención de Stevie Wonder,
quien escribió el sencillo debut de Rufus, "Tell Me Something Good".
Esta canción les valió a Chaka y Rufus su primer premio
Grammy en la categoría “Mejor interpretación vocal de R&B por un dúo, grupo
o coro”; Además, se convirtió en un sencillo Top 5 en las listas Billboard Hot
100 y en las listas Billboard R&B Songs.
Rufus entretuvo al público con conciertos con entradas
agotadas, y sus grandes éxitos incluyen el omnipresente "Ain't
Nobody", "Once You Get Started", "Sweet Thing",
"Do You Love What You Feel" y "You Got the Love". ”,
escrito conjuntamente por Chaka y Ray Parker Jr.
Un año histórico
2023 es un año histórico para Chaka. Celebra su 50
aniversario en el negocio de la música, así como su 70 cumpleaños.
A principios de mayo de 2023, Chaka fue anunciada como la
última incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll, donde se le
otorgará el “Premio a la Excelencia Musical” en la próxima ceremonia el viernes
3 de noviembre en el Barclays Center en Brooklyn, Nueva York. York.
El prestigioso “Premio a la Excelencia Musical” reconoce a
artistas, músicos, compositores y productores cuya originalidad e influencia en
la creación musical han tenido un impacto dramático en la música.
“El Premio a la Excelencia Musical significa mucho para mí”,
afirmó. "Esto significó incluso más para mí que ingresar al Salón de la
Fama del Rock and Roll, especialmente solo por tener las palabras 'excelencia
musical' adjuntas a mi nombre".
A principios de esta primavera, el 29 de marzo de 2023,
Chaka hizo una aparición especial en el Salón de la Fama del Rock and Roll,
como parte del “Mes de la Historia de la Mujer”, donde celebró su aniversario
de oro en la industria musical y su 70 cumpleaños. Cinco de sus conjuntos de su
carrera musical se muestran en la exposición “Leyendas del Rock”.
Durante más de cinco décadas, Chaka ha seguido siendo
relevante como una de las voces más poderosas e influyentes de la música
moderna. Su trabajo artístico ha resistido la prueba del tiempo y continúa
inspirando a otros artistas, músicos y fanáticos por igual.
Chaka posee una voz de fuego seductor y humo dulce. A la
edad de 18 años, saltó a la fama con el innovador grupo multirracial de funk y
rock Rufus. En la década de 1970, Chaka era el arma secreta del grupo y era a
la vez intrépida y femenina.
A Rufus se le atribuye ser “funky, sexy y soul” y
posteriormente “dejaron una huella indeleble en una generación de música”.
'I'm Every Woman' y otros éxitos en solitario
"I'm Every Woman" fue su sencillo debut de su álbum
en solitario "Chaka", que lanzó en 1978. Fue el primer éxito de Khan
fuera de sus grabaciones con el grupo Rufus. Su canción característica, “I'm
Every Woman”, es más que un sencillo exitoso y una canción nominada al Grammy,
es un estilo de vida lleno de positividad.
Como artista solista, sus otros éxitos incluyen “Clouds”,
“What Cha' Gonna Do for Me”, “Through the Fire” y “I Feel For You”, todos los
cuales se han convertido en pop, R&B/soul y para adultos, clásicos
contemporáneos por derecho propio.
Hablando de "I Feel For You", escrita por Prince,
fue su interpretación la que la catapultó a la estratosfera. Fue una de las
canciones más populares de los años 80 e hizo historia al convertirse en la
primera canción de R&B que incluía una voz de rap (interpretada por el Gran
Maestro Melle Mel).
También prestó su potente voz en dos de las canciones más
importantes ganadoras de premios Grammy en 1986: “Higher Love” de Steve Winwood
y “Addicted to Love” de Robert Palmer.
Chaka: El colaborador frecuente
Además de ser una de las artistas más distintivas del mundo,
es conocida como una perenne exploradora musical y estilista de canciones. Ha
colaborado con artistas tan diversos como Prince, Joni Mitchell, Stevie Wonder,
Mary J. Blige y Ariana Grande, hasta George Benson, Dizzy Gillespie, Quincy
Jones y Miles Davis.
Su espíritu colaborativo ha dado origen a tantas joyas
musicales. Uno que se ha convertido en un tema de trivia musical es que en 1999
la voz de Chaka se convirtió en la voz del tema principal del programa de
televisión infantil "Reading Rainbow".
Chaka también ha colaborado en innumerables bandas sonoras
de películas a lo largo de los años, incluidas "Love Me Still" de la
película de Spike Lee, Clockers, "My Funny Valentine" de la banda
sonora de Waiting to Exhale, "Missing You", de la banda sonora de Set
It Off, y su Interpretación ganadora del premio Grammy del clásico de Marvin
Gaye, “What's Goin' On”, del documental Standing in the Shadows of Motown.
Chaka: El artista escénico y teatral.
En 1995, Chaka hizo su debut teatral en el icónico West End
de Londres, donde protagonizó “Mama I Want to Sing”.
Siete años después, en 2002, encabezó “Signed, Sealed
Delivered”, el musical basado en la música y la letra de Stevie Wonder. Luego,
en 2008, se dirigió a Broadway, donde asumió el papel principal de Sophia en el
musical de Oprah Winfrey, nominado al Tony, “The Color Purple”.
Ganador de 10 premios Grammy
Con ventas de música y streaming que superan los 100
millones de unidades, Chaka's Mantel tiene 10 premios Grammy (y ha sido
nominada 22 veces, tres de las cuales fueron como miembro de la banda Rufus), y
constantemente figura como una influencia musical durante generaciones. de
artistas jóvenes, especialmente mujeres.
“Es maravilloso ser reconocido por tus compañeros, quienes
piensan que estás haciendo un trabajo lo suficientemente bueno como para
merecer un Grammy. Sin embargo, sería bueno si eso afectara mi nivel salarial”,
dijo Chaka con una dulce risa.
Influencias
Una de sus mayores influencias musicales, la fallecida pero
gran Aretha Franklin, proclamó a Chaka como una "vocalista
principal". Otra de sus mayores inspiraciones musicales, Miles Davis, le
hizo lo que ella considera un gran halago al reconocer que “ella canta como mi
trompeta”.
Chaka también se inspiró en la legendaria Sarah Vaughan, así
como en la estrella de folk rock Joni Mitchell y el pionero del R&B/soul
Stevie Wonder.
Artistas modernos como Mary J. Blige, Erykah Badu, Janelle
Monae, Lizzo y Sam Smith han citado a Chaka como una influencia musical.
Una discografía ecléctica
En su respetada y prolífica carrera, Chaka ha lanzado 22
álbumes de estudio, 10 de los cuales fueron certificados oro y platino por la
Recording Industry Association of America (RIAA). Diez de sus sencillos se han
catapultado al primer puesto de las listas de Billboard.
Su música grabada ha producido más de 2000 ubicaciones de
canciones de catálogo.
Su último sencillo, “Woman Like Me”, se lanzó en julio de
2022 y genera conciencia sobre el respeto por sí mismas de todas las mujeres y
las anima a vivir en sus propias verdades.
“La vida inspira mi música. Amor, rupturas y casi todo en la
vida”, dijo sobre su música y su inspiración para escribir canciones.
El emprendedor
Además de animadora, también es emprendedora. Es conocida
por “Chakalates”, sus chocolates gourmet, que lanzó en 2004. Lanza su nueva
fragancia, Chaka by Chaka Khan, para las fiestas navideñas de 2023.
La Fundación Chaka Khan
En 1999, fundó la Fundación Chaka Khan, cuya misión es
educar, inspirar y empoderar a mujeres y niños para que alcancen su máximo
potencial.
Incluyó una variedad de programas e iniciativas educativos
para ayudar a mujeres y niños en riesgo, especialmente niños con antecedentes
difíciles y autismo.
Ahora está relanzando su fundación y centrando iniciativas
en la salud mental y el bienestar.
Con esta fundación, puede marcar una gran diferencia y
ayudar a las personas, especialmente a los niños, en una escala superior. Ella
cree firmemente que “las artes, la música y la salud mental son muy
importantes, especialmente para nuestros jóvenes”.
A cambio, Chaka siente que “dar es mejor que recibir”, por
lo que se siente más feliz cuando hace algo por otra persona.
Chaka: el autor más vendido
La historia de vida de Chaka y su carrera musical se
describieron en su autobiografía "Through the Fire", que se publicó
en 2003 a través de Rodale Books.
Sus memorias "Through the Fire" son un relato
sincero de las pruebas y tribulaciones que atravesó en su vida y carrera
musical. No tiene miedo de ser cruda y vulnerable y habla abiertamente sobre su
abuso de sustancias, donde ofrece optimismo y aliento a sus fans y lectores. En
consecuencia, ella se refiere a “caminar por la vida” como una metáfora de
“caminar a través del fuego”.
Dr. Chaka Khan: Doctorado Honoris Causa
En diciembre de 2004, Chaka recibió el título de Doctor
Honoris Causa en Música del Berklee College of Music de Boston por sus
servicios y logros en la música contemporánea y por su filantropía.
“Muchos niños se distraen y sienten que deberían ponerse
unos pantalones cortos y cantar la canción, y eso es triste. Esa es una de las
cosas que me molesta y me entristece de este negocio. También siempre les
recuerdo a los niños que vayan a la universidad porque siempre hay
contrataciones en la oficina de correos y alguien tiene que manejar las
computadoras”, les dijo a los artistas jóvenes y aspirantes.
Premios y reconocimientos de Chaka
Chaka ha recibido innumerables elogios y premios bien
merecidos. Estos incluyen una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, una
incorporación al Salón de la Fama del Hollywood Bowl, el premio Soul Train
Legend, el premio BET Lifetime Achievement Award y Triumph, el World Music
Lifetime Achievement Award, el premio “An Tributo Evening of Stars y un premio
Grammy de honor del Capítulo NARAS Chicago.
Su ciudad natal de Chicago también la honró con “Chaka Khan
Way”, una calle que lleva su nombre, y el domingo 28 de julio de 2013 fue
declarado oficialmente “Día de Chaka Khan”.
Vida personal
Chaka ha vivido durante un tiempo tanto en Londres como en
Alemania, además de Nueva York. Ahora reside en California. Es madre de dos
hijos, su hija Indira Milini y su hijo Damien Holland. Abuela de cuatro hijos,
Raeven, Daija, Josh y Jett; y dos bisnietos, MacKenzie y Caiiya.
Chaka es una verdadera mujer del Renacimiento que puede
utilizar su música y su libro como un recipiente para ayudar a difundir su
energía de radio y su espíritu indomable con el resto del mundo.
“Gracias por estar conmigo durante todos estos años. Espero
haberle traído a alguien algo de alegría, algo de verdad y algo de amor”, dijo
a sus dedicados fans.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos:
Ain't Nobody.
A continuación, de Piotr Ilich Tchaikovski, la Sinfonía Nº 6
en Si Menor Op. 74, en la versión de la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José
de San Martín, dirigida por Mariano Fidanza.
Jorge Anckermann Rafart nació en La Habana, Cuba, el 22 de
marzo de 1877, y murió en su ciudad, el 3 de febrero de 1941. Pianista,
violinista, contrabajista, compositor, director de orquesta.
El sitio www.uneac.org.cu
publicó este recordatorio firmado por Astrid Barnet.
Jorge Anckermann, artista consagrado de nuestra Cultura
nacional
“La música es el hombre escapado de sí mismo; es el ansia de
lo ilímite surgido de lo limitado y de lo estrecho; es la armonía necesaria,
anuncio de la armonía constante y venidera”. (1)
Por Astrid Barnet
Bien pudiera resumirse en este pensamiento del Héroe
Nacional de Cuba José Martí, toda la riqueza que en cada una de sus creaciones
e interpretaciones tuvo uno de los más altos exponentes de nuestra Cultura
nacional del pasado siglo: Jorge Anckermann.
Pianista, violinista, director de orquesta y compositor,
nacido en La Habana el 22 de marzo de 1877 y fallecido en la misma capital
cubana el tres de febrero de 1941—cumpliéndose este año 8 décadas de su partida
física–, Anckermann se inició en la música a los ocho años de edad junto a su
padre, violinista, clarinetista y pedagogo mallorquín Carlos Ánckermann (1829-1909).
A los diez años empezó a trabajar profesionalmente en un
terceto y, en 1892, partió a México donde llegó a ser durante años un exitoso
director musical de la compañía bufa del artista y empresario Narciso Nacho
López.
En la Nación azteca fue además profesor de música, mientras
que en Cuba se desempeñó como director musical de los principales teatros de La
Habana, siendo el Teatro Alhambra el principal testigo de sus estrenos y
éxitos.
A los diecisiete años escribió la partitura de su primera
obra teatral, La gran rumba –parodia de la revista española La Gran Vía–,
estrenada en el entonces teatro Tacón, de La Habana. Asimismo, dio a conocer
sus composiciones al público capitalino con una pequeña orquesta que formó, con
Luis Casas Romero en la flauta, para acompañar proyecciones de películas
silentes.
Entre las funciones del cinematógrafo, Anckermann tocaba
algunas de sus vivaces danzas para piano, y también danzones; así se dio a
conocer en el ambiente musical habanero y comenzó a relacionarse con gente de
teatro, como los hermanos Gustavo y Francisco Robreño, quienes le encargaron la
composición de la música de la revista Ni loros, ni gallos, estrenada en
septiembre de 1899.
Compuso y produjo piezas de zarzuelas y comedias –las cuales
abarcan un catálogo de más de 400 obras–, al igual que boleros. Según
especialistas, fue el creador de la gustada Guajira criolla, pieza que jamás
puede ni podrá faltar dentro del repertorio de lo más genuino de lo Cubano.
Igualmente, sus Danzones fueron, en buena medida,
responsables del éxito de los artistas bufos cubanos desde su debut en el circo
Orrín, de Ciudad de México; sin embargo, piezas consagradas para todos los
tiempos fueron: su habanera titulada Juventud escrita para cuatro violines y
piano, y la conmovedora La bella cubana para dos violines y piano.
A esas habría que agregar La Isla de las Cotorras –de clara
denuncia político-social contra la Ley Hay-Quesada del vecino norteño--; El
quitrín, Napoleón, La República griega y Papaíto, entre otras…Todas,
representativas de una abierta protesta popular contra la corrupción política y
administrativa de los gobiernos de turno y de su mercenarismo a los designios
imperiales.
Con la reapertura, en noviembre de 1900, del Teatro Alhambra
―cerrado desde el estallido de la Guerra de Independencia de 1895―, Anckermann
decide estrenar en su escenario la obra bufa Napoleón, con música de su autoría
y libreto de los hermanos Robreño. Al año siguiente, se puso en escena La
segunda República, también con partitura suya, y libreto de su hermano
Guillermo.
Obras exitosas
En 1909 Anckermann obtuvo el primer premio en un concurso
convocado por el Ayuntamiento de La Habana, con su obra Aires cubanos. En
septiembre de 1911 el maestro Manuel Mauri abandonó su plaza de dirección en el
Alhambra, y convoca a Ánckermann para dirigir la orquesta y salvar la temporada
de La revolución china (con libreto de Federico Villoch). En el Alhambra, el
reconocido artista permanece como director musical hasta 1935, en que dicho
coliseo cierra sus puertas.
En julio de 1912 se estrenó su obra La casita criolla, con
libreto de Villoch, que constituyó un gran éxito. La obra trataba satíricamente
la reelección del presidente José Miguel Gómez, y al mismo tiempo, hacía
propaganda electoral a favor de Mario García Menocal, el candidato que prometía
honradez y enarbolaba su humilde origen en su “casita criolla”. Para la obra,
Anckermann creó un género nuevo: el Tango-congo, que se hizo muy popular en la
interpretación de la inolvidable actriz y cantante Blanca Becerra: “Tumba la
caña/ anda ligero/ que viene el mayoral/ sonando el cuero”.
Así en el teatro Alhambra encontraban su reflejo sucesos y
asuntos de actualidad, tanto nacionales como internacionales. Cada tres o
cuatro meses se presentaba una obra “en grande”, cuyo libreto era
invariablemente, a partir de 1911, de Villoch o los hermanos Robreño, y la
música de Jorge Anckermann. Entre cada uno de los estrenos se glosaban
acontecimientos sociales y políticos a través de pequeños sainetes o simpáticas
revistas que se presentaban cada viernes. La partitura de aquellas puestas
semanales, que constaban de cinco o seis números musicales, también eran
compuesta por Anckermann.
Su obra musical por entonces ya incluía casi todos los
géneros populares cubanos, afincada en “lo criollo” e insertaba el “choteo” ―la
burla simpática, la alusión pícara, la intertextualidad del habla popular―, en
ambientes musicales o dramáticos “refinados”.
Interpretación de obras de otros compositores
Anckermann transcribió durante años obras de compositores
populares que no sabían escribir música, sobre todo de la trova; o
instrumentaba, para la escena del Alhambra, composiciones de Alberto Villalón,
Rosendo Ruíz, Manuel Corona, Graciano Gómez, Eusebio Delfín y Sindo Garay.
En varias de sus crónicas Alejo Carpentier se refiere a la
faena de Ánckermann como músico, elogia sus trepidantes danzones, que servían
de obertura a los espectáculos, y asegura “que sabía contrapunto y fuga, que
sabía instrumentar”.
Patria en España (1913), Flor de té (1915), La danza de los
millones (1916), El rico hacendado (1919), Delirio de automóvil (1921), La
señorita de Maupin y Las enseñanzas de Liborio (ambas de 1922), son algunas de
las obras que, con música de Anckermann, estrenó el Alhambra en esa época.
El 28 de febrero de 1923 se estrenó, con partitura de
Anckermann y libreto de Federico Villoch, una de las obras más exitosas de la
historia del teatro musical cubano: La isla de las cotorras, recreada mucho
después, en 1989, en la película La bella del Alhambra, de Enrique Pineda
Barnet.
Dicha obra fue repuesta en agosto de 1962, con la dirección
de Francisco Morín y Gilberto Valdés como director de orquesta. Fragmentos de
esa reposición aparecen en el documental Cuentos del Alhambra (1963), de Manuel
Octavio Gómez, que recoge un conmovedor homenaje a varias figuras del famoso
teatro, entonces, aún vivas.
Jorge Anckermann falleció en 1941. Seis años antes, el 18 de
febrero de 1935, el pórtico del Alhambra y una parte de la platea se habían
desplomado tras terminar una función.
Obras más importantes estrenadas por Anckermann (II)
“Entre 1923 y 1935
estrenó La verbena de los mantones (1924), La rumba en España (1925), La
revista sin hilos (1926); Las bodas de plata (1927); Los grandes de Cuba
(1928), La revista loca (1929), El bolero (1930) y Bocetos de Cuba (1931),
entre otras revistas, sainetes y zarzuelas. Además de conducir durante más de
tres décadas la orquesta del Alhambra. Anckermann dirigió orquestas en otros
teatros habaneros: Molino Rojo, Albisu, Payret y Tacón. Según el catálogo del Seminario
de Música Popular, fue autor de más de quinientas partituras, y de 1 159
números musicales.
“Tiempo después y, en homenaje a su extensa trayectoria en
las tablas, se fundó el conjunto teatral Jorge Ánckermann, que funcionó a lo
largo de varias décadas en el teatro Martí dirigido por Rodrigo Prats, Eduardo
Robreño y Enrique Núñez Rodríguez, el cual repuso numerosas obras musicales
vernáculas y presentó antologías del repertorio lírico cubano”.
La película cubana La Bella del Alhambra del director
Enrique Pineda Barnet (La Habana, 1933-2021) –estrenada con rotundo éxito de
taquilla en la capital cubana en 1989, y ganadora de innumerables premios y
distinciones nacionales e internacionales, entre ellos el Premio Goya (1991)–,
traslada a ella hechos, imágenes, música…algunos de los sucesos más
representativos y oprobiosos de la Historia de la Pseudo república cubana.
Vivencias, en general, concebidas a través del lenguaje de
lo satírico, de lo burlesco, y referidas a la situación económica y
político-social de gobiernos títeres al servicio del vecino del Norte. La
música de Jorge Anckermann es fiel exponente del éxito de dicho largometraje
cubano.
Referencias:
José Martí, Revista Universal, mayo de 1875. T.5, p.294.
Jorge Anckermann, Sitio web de la Enciclopedia de historia y
cultura caribeñas.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con El Adiós del Soldado, con letra de M.Garabito.
Qamaruddin Khan, más conocido como Bismillah Khan, nació en Dumraon,
India, el 21 de marzo de 1916, y murió en Benarés, India, el 21 de agosto de
2006. Interprete de shehnai.
Ustad Bismillah Khan (nacido Qamaruddin Khan, el 21 de marzo
de 1916 – 21 de agosto de 2006), a menudo denominado Ustad, fue Músico indio al
que se le atribuye la popularización del shehnai, un instrumento de viento de
madera con lengüetas. Lo tocó con tal virtuosismo expresivo que se convirtió en
un destacado artista de música clásica indostánica. Su nombre quedó
indeleblemente ligado al instrumento de viento madera. Si bien el shehnai había
tenido durante mucho tiempo importancia como instrumento folclórico que se
tocaba principalmente en ceremonias tradicionales, a Khan se le atribuye haber
elevado su estatus y llevarlo al escenario de conciertos.
Khan era un musulmán devoto, pero actuaba en ceremonias
tanto hindúes como musulmanas y era considerado un símbolo de armonía
religiosa. Su fama fue tal que fue seleccionado para actuar en la ceremonia en
el histórico Fuerte Rojo de Delhi cuando se desplegó la bandera india en el
momento de la independencia de la India el 15 de agosto de 1947. Su música se
transmitió por televisión todos los días. Día de la Independencia. Rechazó
invitaciones para actuar en otros países antes de 1966, cuando el gobierno
indio insistió en que actuara en el Festival Internacional de Edimburgo. Esto
le ganó seguidores en Occidente y, a partir de entonces, continuó apareciendo
en Europa y América del Norte.
En 2001, Bismillah Khan recibió el Bharat Ratna, el honor
civil más alto de la India, y el país celebró un día de luto nacional tras su
muerte en 2006. Se convirtió en el tercer músico clásico de la India después de
M. S. Subbalakshmi y Ravi Shankar recibirá el Bharat Ratna.
Vida personal
Bismillah Khan nació el 21 de marzo de 1916 en una familia
de músicos musulmanes tradicionales en la ciudad de Dumraon, India británica,
como segundo hijo de Paigambar Bux Khan y Mitthanbai. Su padre era un músico de
la corte empleado en la corte del maharajá Keshav Prasad Singh de Dumraon
Estate en Bihar. Sus dos abuelos, Ustad Salar Hussain Khan y Rasool Bux Khan,
también fueron músicos en el palacio de Dumraon. Al nacer lo llamaron
Qamruddin, para rimar con el nombre de su hermano mayor, Shamsuddin. Se dice
que al ver al recién nacido, su abuelo Rasool Baksh Khan, también jugador de
shehnai, exclamó "Bismillah", o "En el nombre de Alá", y
luego volvió a ser conocido por Ustad Bismillah Khan.
A la edad de tres años, se mudó a Varanasi en el estado de
Uttar Pradesh, para ser aprendiz de su tío materno, Ali Bux 'Vilayatu' Khan, un
jugador shehnai adjunto al templo Kashi Vishwanath. A la edad de 14 años,
Bismillah acompañó a su tío a la conferencia de música de Allahabad.
Bismillah Khan comenzó su carrera tocando en varios
espectáculos teatrales. Obtuvo su primera gran oportunidad en 1937, cuando tocó
en un concierto en All India Music Conference en Kolkata o Calcuta. Esta
actuación puso a Shehnai en el centro de atención y fue muy apreciada por los
amantes de la música. Luego pasó a tocar en muchos países, incluidos
Afganistán, Estados Unidos, Canadá, Bangladesh, Irán, Irak, África occidental,
Japón, Hong Kong y varias partes de Europa. Durante su ilustre carrera
participó en muchos eventos destacados en todo el mundo. Algunos de los eventos
en los que participó incluyen la Exposición Mundial de Montreal, el Festival de
Arte de Cannes y la Feria Comercial de Osaka.
Vida escolar
Bismillah Khan atribuyó su habilidad a las bendiciones de
nath (Shiva) y creía que había poco que pudiera enseñar a sus discípulos. Khan
rara vez aceptaba estudiantes. Pensó que si pudiera compartir sus
conocimientos, no sería útil, ya que solo les daría a sus alumnos un poco de
conocimiento. Algunos de sus discípulos y seguidores incluyen a S. Ballesh y
Krishna Ballesh, Baljeet Singh Namdhari, Gurbaksh Matharu (Reino Unido) y los
propios hijos de Khan, Nazim Hussain y Nayyar Hussain.
Muerte
El 17 de marzo de 2006, la salud de Bismillah Khan se
deterioró y fue ingresado en el Heritage Hospital de Varanasi para recibir
tratamiento. El último deseo de Khan, actuar en la Puerta de la India, no se
pudo cumplir. Quería rendir homenaje a los mártires. Esperó en vano hasta sus
últimos ritos. Murió de un paro cardíaco el 21 de agosto de 2006.
El Gobierno de la India declaró un día de duelo nacional por
su muerte. Su cuerpo junto con un Shehnai fue enterrado en el cementerio de
Fatemaan del antiguo Varanasi bajo un árbol de neem con una salva de 21
disparos del ejército indio.
Legado
Shehnai maestro Ustad Bismillah Khan llama al Primer
Ministro Dr. Manmohan Singh, en Nueva Delhi el 30 de septiembre de 2004
Khan en un sello de la India 2008
Street in
Hyderabad, Telangana, named after Bismallah Khan which was inaugurated by
Pandit Hariprasad Chaurasia and K Viswanath on 7 April 2013.
Sangeet Natak Akademi, Nueva Delhi, instituyó el Ustad
Bismillah Khan Yuva Puraskar en 2007, en su honor. Se otorga a jóvenes artistas
del campo de la música, el teatro y la danza. El Gobierno de Bihar ha propuesto
la creación de un museo, un ayuntamiento-biblioteca y la instalación de una
estatua de tamaño natural en su lugar de nacimiento en Dumraon.
Bismillah Khan fue conmemorado en su 102.º aniversario de
nacimiento por el motor de búsqueda Google, que mostró un doodle especial para
él en su página de inicio india el 21 de marzo de 2018.
En el documental Eric Clapton: Life in 12 Bars, Clapton cita
a Bismillah Khan como una influencia y cómo intentó usar su guitarra para
imitar la música del instrumento de viento de madera de Khan. .
En la cultura popular
Khan tuvo una breve asociación con el cine de la India.
Interpretó el shehnai para el papel de Appanna de Rajkumar en la película en
idioma kannada de Vijay Sanaadi Appanna que se convirtió en un éxito de
taquilla. Actuó en Jalsaghar de Satyajit Ray y tocó el shehnai en Goonj Uthi
Shehnai de Vijay Bhatt (1959).
El destacado director Goutam Ghose dirigió Sange Meel Se
Mulaqat (1989), un documental indio sobre la vida de Khan.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con una de sus interpretaciones en vivo en Rusia.
Rosetta Nubin, también conocida como Sister Rosetta Tharpe o
Rosetta Tharpe, nació en Cotton Plant, Arkansas, Estados Unidos, el 20 de marzo
de 1915, y murió en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 9 de octubre de
1973. Cantante y guitarrista.
Hermana Rosetta Tharpe: la rosa de la que surgió el rock
18 de noviembre de 2016
Cuando se les pide que piensen en los arquitectos de la
música rock, algunos nombres están en la mente de la gente. Seguramente
aparecerán Elvis, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Jimmy Hendrix y
Buddy Holly, pero un nombre que se ha escapado de muchas de las listas
populares es Rosetta Tharpe, la madrina del rock and roll que rasguea la
guitarra y escribe canciones, con quien todos tienen una gran deuda.
Nacida en Cotton Plant, Arkansas, el 20 de marzo de 1915,
Rosetta Nubin comenzó a tocar música muy temprana con el fuerte apoyo de su
madre, cantante y mandolina. Su madre también era predicadora de la Iglesia de
Dios en Cristo (COGIC), una congregación extremadamente progresista que
permitía predicadoras femeninas y ponía un fuerte énfasis en la expresión
musical como parte de la adoración. A la edad de cuatro años, Rosetta ya estaba
en el escenario interpretando canciones como “Jesus is on the Main Line” y en
los dos años siguientes se convirtió en una habitual junto a su madre en un
grupo evangélico ambulante. Antes de cumplir diez años, estaba claro que la
joven tenía más que talento, era un absoluto prodigio musical más que
merecedora de ser catalogada como “un milagro para cantar y tocar la guitarra”.
Después de hacerse un nombre en los estados del sur, Rosetta
y su madre se mudaron a Chicago, Illinois, a mediados de la década de 1920,
donde la pareja siguió viajando y actuando mientras seguían llamando a la
iglesia COGIC su base de operaciones. Su considerable talento, junto con el
hecho de que rara vez se veía a guitarristas afroamericanas prominentes, la
convirtió en una estrella aún mayor y continuó ganando grandes elogios por sus
habilidades de guitarra de otro mundo y su sonido único que combina gospel,
blues y jazz. En 1934, Rosetta se casó con un ministro llamado Thomas A. Thorp
y, aunque el matrimonio solo duró unos años, su apellido modificado, Tharpe,
sería el apodo que Rosetta usaría durante el resto de su carrera. También
añadió una tercera parte a su nombre y a partir de ese momento fue conocida
como Hermana Rosetta Tharpe.
La ciudad de Nueva York ha sido durante mucho tiempo un
lugar donde los sueños se hacen realidad y, para Tharpe, eso no podría haber
sido más exacto. Llegó a la Gran Manzana en 1938 y el 31 de octubre de ese año
se encontraba en un estudio grabando cuatro canciones para Decca Records. Las
cuatro canciones, "Rock Me", "That's All", "The Man and
I" y "The Lonesome Road", fueron las primeras grabaciones de
gospel para el sello, pero superaron con creces el ámbito normal del género.
Combinando a la perfección lo sagrado y lo secular con su voz y su guitarra,
rompió todos los moldes y se convirtió en un nombre familiar y una de las
primeras cantantes de gospel de éxito comercial. Su grabación de "This
Train" de Thomas Dorsey elevó su perfil ante todos los públicos,
independientemente de su religión o color de piel, y preparó el escenario para
que actuara en el famoso concierto Spirituals to Swing de John Hammond en honor
a Bessie Smith en el Carnegie Hall el 23 de diciembre de 1938.
La actuación en el Carnegie Hall fue a la vez de conmoción y
asombro. La conmoción la sintieron principalmente figuras religiosas que no
podían aceptar la noción de una mujer tocando música, y mucho menos cantando lo
que consideraban palabras sagradas respaldadas por una orquesta fuertemente
sazonada con folk, jazz y blues. El asombro vino de todos los que vieron la
actuación y comprendieron que lo que estaban presenciando era algo totalmente
fuera de lo normal y una muestra única de un don extraordinario. Actuando con
los Jordanaires, junto a Cab Calloway en el famoso Cotton Club y grabando con
la orquesta de Lucky Millinder, continuó llevando su estilo musical animado a
nuevos oídos en la década de 1940. Aunque era una cantante de gospel de
corazón, comenzó a agregar música puramente secular a su repertorio y su
exitosa canción "That's All" también marcó su primer disco con una
guitarra eléctrica. Continuaría inspirando a miles de músicos, incluidos Chuck
Berry y Elvis Presley.
Si bien su atractivo cruzado ya se había solidificado entre
los oyentes de los Estados Unidos, su voz viajó a través del Atlántico durante
la Segunda Guerra Mundial cuando se convirtió en una de los dos únicos artistas
de gospel afroamericanos grabados en “V-Discs” para enviarlos a las tropas
estadounidenses que luchaban en Europa. En 1944 Tharpe grabó dos canciones más
que serían definitivas en su carrera. Acompañada por el pianista de blues Sammy
Price, las canciones "Strange Things Happening Every Day" y "Two
Little Fishes and Five Loaves of Bread" combinaron piano, guitarra y canto
gospel, convirtiéndose "Strange Things Happening Every Day" en el
primer éxito gospel del Listas de Billboard R&B donde alcanzó el puesto
número 2.
A lo largo de sus colaboraciones con artistas de jazz, blues
y folk, la fama de Tharpe aumentó, pero su reputación entre sus seguidores del
gospel original dio un giro a la baja debido a que muchos de ellos creían que
sus colaboraciones eran música del diablo. En 1946, Tharpe buscaba volver a sus
raíces más gospel y, mientras asistía a una actuación de Mahalia Jackson, otra
cantante llamada Marie Knight llamó su atención y más tarde le pidió a Knight
que la acompañara. La pareja de cantantes realizó una gira por el circuito
gospel durante varios años bajo el nombre de The Saint and the Sinner y
grabaron dos canciones exitosas, "Up Above My Head" y "Gospel
Train". Aunque tuvo éxito durante su carrera, Knight notó que su ex
compañero Jackson estaba superando su fama y comenzó a considerar la idea de
romper el dúo para seguir una carrera en solitario. En 1953, Tharpe y Knight
decidieron hacer un álbum de blues juntos, pero la empresa resultó desastrosa y
el disco fue un total fracaso comercial. Knight finalmente se fue y Tharpe
decidió volver al gospel, pero sus colaboraciones anteriores combinadas con el
álbum de blues habían formado una profunda división entre ella y su audiencia
original. Ni Knight ni Tharpe recuperaron su éxito previo a la colaboración y,
a finales de la década de 1950, Tharpe fue retirada de Decca Records.
En la década de 1960, un resurgimiento de la música blues en
Europa también condujo a un resurgimiento de la carrera de Tharpe y en la
primavera de 1964 realizó una gira por el continente como parte de Blues and
Gospel Caravan junto a artistas como Muddy Waters y Otis Spann. Continuó de
gira por ambos lados del Atlántico y en 1970 estaba nuevamente en el extranjero
con Muddy Waters cuando de repente enfermó y se vio obligada a regresar a
Estados Unidos. Una vez en casa, sufrió un derrame cerebral y cayó en una lista
complicada de problemas de salud, incluida la amputación de una pierna debido a
complicaciones de la diabetes. A pesar de su deterioro de salud, Tharpe
continuó actuando hasta octubre de 1973, cuando sufrió un segundo derrame
cerebral. Rosetta Tharpe falleció tres días después, el 9 de octubre de 1973, a
la edad de 58 años, la noche antes de su regreso al estudio de grabación. Fue
enterrada en el cementerio de Northwood ubicado en su ciudad natal de
Filadelfia, Pensilvania.
Rosetta Tharpe, un prodigio, revolucionario e influencia
directa en algunos de los nombres más importantes de la historia de la música,
ahora es considerada una de las grandes músicas legendarias de nuestro tiempo.
Little Richard y Johnny Cash la citan como una de sus cantantes e intérpretes
favoritas, como Tina Turner, Aretha Franklin y Jerry Lee Lewis, todos dan fe de
su vital importancia no sólo para sus carreras sino para la música en general.
En 1998, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello conmemorativo
con la imagen de Tharpe y en 2007 fue incluida póstumamente en el Salón de la
Fama del Blues. Ahora hay marcadores históricos afuera de su casa en Filadelfia
y en 2008 se colocó una nueva piedra en su tumba.
Si bien no hay una gran cantidad de imágenes de video de
Tharpe, se televisó una actuación de sus días en Europa con Blues and Gospel Caravan.
Grabada en una estación de tren fuera de servicio en Inglaterra, Tharpe cantó
su canción "Did't It Rain" ante una audiencia sentada frente al andén
del tren donde ella y la banda actuaron, de manera bastante apropiada, mientras
llovía.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Did't It Rain.