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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
En Dios Me Liberman, por Nacional Rock 93,7 conversamos con Hernán Jacinto, sobre su presentación en Boris Club.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo
Hernán Jacinto - SOLO PIANO, el jueves 4 de mayo a las 21:30 en BORIS CLUB, Gorriti 5568. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Considerado uno de los artistas más relevantes de la escena del jazz en Argentina, Hernán Jacinto, subirá al escenario de Boris Club en un único concierto.
Nació en Buenos Aires, el 30 de octubre de 1981. Comenzó sus estudios musicales en forma autodidacta a los 7 años, desarrollando su oído e intuición en un clima familiar puramente artístico. Estudió piano Jazz y armonía con Diego Schissi, Guillermo Romero y Ernesto Jodos, y piano clásico con Claudio Espector, profesor del Conservatorio Nacional. Es becado para estudiar en Berklee College of Music, Boston (USA). Colaboró con diversos artistas, entre los cuales se destacan: Rubén Rada, Pedro Aznar, Luis Alberto Spinetta, Javier Malosetti, Paul Wertico (Pat Metheny Group), Ben Monder (Usa), Gloria Gaynor (Usa), Jean Louis Rassinfosse (Bélgica, Chet Baker trío), Paulinho Moska (Brasil) y Gustavo Bergalli. En 2006 realizó una extensa gira por varios países de Europa junto al saxofonísta Karlheinz Miklin. (Austria) Entre los años 2004 y 2008 formó parte del trío de Javier Malosetti, girando por Argentina y Latinoamérica. En 2009 recibió el premio Clarín "Revelación en jazz del año" En marzo de 2011 editó su primer disco como solista "LUA", editado por Bau Records, el cual tiene muy buena aceptación por la prensa y críticos de todo el país. Actualmente colabora en el proyecto de Pedro Aznar que se destaca como pianista, tecladista y vocalista, girando por el interior y fuera del país, además de liderar su propio proyecto como solista, el cuarteto de Juan Cruz de Urquiza, la orquesta de Mariano Otero y el grupo de Mariano Loiácono entre otros.
A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor
Auferstehung, Resurrección, en la versión de Anne Schwanewilms soprano, Olga
Borodina contralto, el Coro Filarmónico de Munich, y la Orquesta Filarmónica de
Munich, dirigidos por Valery Gergiev.
En Dios Me Liberman, por Nacional Rock 93,7 conversamos con Rodrigo Tapari, el líder del Grupo Ráfaga, el éxito de su último CD Una Cerveza.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises
Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo
Ráfaga es una banda de cumbia formada en 1994, que comenzó a
ganar popularidad en 1996 cuando publicó su primer disco titulado Soplando
Fuerte. El éxito del grupo continúa gracias a su último disco Una Cerveza. Realizaron giras por Estados Unidos, Europa y se presentaron
en Latinoamérica con enorme repercusión.
El 6 de septiembre de 2014 estrenaron en YouTube un video,
en conmemoración del 18º año de vida, con Una Cerveza, que fue rodado en
Santiago de Compostela, España. Lo novedoso del lanzamiento fue que se trasformó en un éxito
inmediato en Bolivia, Chile, Perú, y actualmente tiene más de 110 millones de
reproducciones.
En Dios Me Liberman, por Nacional Rock 93,7 conversamos con
Elías Perchik, sobre la presentación de Literal en Boris Club.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises
Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo
LITERAL se presentó en BORIS CLUB Gorriti
5568, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
LITERAL nace del encuentro artístico entre Elías Perchik y
Mati Linetzky. La idea original surge del deseo de rendir homenaje a las
canciones del rock Argentino pero con el correr del tiempo la búsqueda fue
tomando profundidad artística. En 2016 deciden producir su primer material de
autoría. Así graban en los estudios PANDA su primer disco con participación de
grandes músicos que fueron faro de inspiración: Juanse, Pipo Cipolatti y Maria
Rosa Yorio entre otros.
En 2017 y ya con su disco debut terminado, el hit
"Seguro que lo conseguís" comienza a rotar en la principales radios
de Buenos Aires, como la Rock & Pop y Mega, siendo muy bien recibido por la
crítica especializada, y comienzan su gira por toda Latinoamérica incluyendo
Uruguay, Chile, Paraguay, Perú y Colombia entre otros países a recorrer
comenzando en la ciudad de Buenos Aires en el mítico Boris Club, un ícono
porteño del Rock y Jazz Argentino.
También se lanza el Videoclip de "Seguro que lo
conseguís" con imágenes de las grabaciones en el estudio Panda, junto con
imágenes filmadas en la ciudad de Miami.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor
Auferstehung, Resurrección, en la versión de Diana Damrau soprano, Petra Lang mezzo
soprano, el Coro de la Opera, y la Orquesta de la Staatskapele de Berlín,
dirigidos por Pierre Boulez.
Willi Boskovsky nació en Viena, Austria, el 16 de junio de
1909 y murió en Visp, Suiza, el 21 de abril de 1991. Violinista y director de
orquesta.
A los 9 años ingresó en la Academia de música de Viena.
Entre 1936 y 1979 fue el primer violín de la Orquesta Filarmónica de Viena.
Entre 1955 y 1979 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena, y fue director
principal de la Orquesta Johann Strauss de Viena.
Además de los valses de la familia Strauss, grabó
el ciclo completo de las danzas, marchas y serenatas de Wolfgang Amadeus
Mozart, dirigiendo al Wiener Mozart Ensemble, formado por miembros de la
Orquesta Filarmónica de Viena.
Con el Cuarteto Boskovsky, realizó muchas
grabaciones con obras de Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Johannes Brahms,
Felix Mendelssohn, y Ludwig Spohr, entre otros.
Como solista actuó bajo la dirección de Bruno Walter, Wilhelm
Furtwängler, y Hans Knappertsbusch. Como primer violín de la Orquesta Filarmónica
de Viena realizó numerosas grabaciones ejecutando solos de violín, como en la
grabación de Una vida de héroe, de Richard Strauss, bajo la dirección de
Clemens Krauss, en 1952.
Willi Boskovsky dirigió la
música de Strauss al estilo del Vorgeiger, tal como Johann Strauss lo
popularizó, ya que tenía afinidad con el estilo, y sus interpretaciones lograron la ligereza, la gracia sencilla y el sutil humor que tienen esas obras.
A continuación, recordamos a Willi Boskovsky, con su
interpretación de las Csardas del Ballet Ritter Pazman Op. 441, de Johann Strauss II.
Vincent Baptiste Scotto, más conocido como Vincent Scotto,
nació en Marsella, Francia, el 21 de abril de 1874 y murió en París,
Francia, el 17 de noviembre de 1952. Compositor.
A los 7 años comenzó a tocar la guitarra y estudió música
en una institución religiosa. En 1906, luego de acompañar a varios cantantes,
comenzó su carrera como solista.
Una de sus primeras composiciones fue La petite
Tonkinoise con la que logró gran éxito, posteriormente se trasladó a París,
donde dio comienzo de una abundante producción.
Compuso más de 4000 canciones, entre las que se destacan:
J'ai deux amours, Prosper (Yop la boum), Le Trompette en bois, Marinella, Le
Plus Beau Tango du monde, y Sous les ponts de Paris, entre muchas otras, y que
obtuvieron éxito en Europa y Estados Unidos. También escribió 60 operetas, y la
música para 200 películas.
A continuación, recordamos a Vincent Scotto, con Marseille Mon Pays, en la interpretación de Tino Rossi.
Dance Me to the End of Love es una canción compuesta por Leonard
Cohen, publicada en 1984, y versionada por numerosos artistas. En una entrevista, Leonard Cohen dijo sobre la canción: «"Dance
Me to the End of Love"... es curioso cómo las canciones
comienzan porque el origen de la canción, de cada canción, tiene
una especie de grano o semilla que alguien te entrega o que el mundo
te da, y por eso el proceso es tan misterioso acerca de cómo
escribir una canción. Pero eso vino de escuchar o leer o conocer que
en los campos de concentración, al lado de los crematorios, en
algunos de los campos de la muerte, un cuarteto de cuerdas era
presionado a tocar mientras este horror continuaba. Y estaban tocando
música clásica mientras sus compañeros de prisión estaban siendo
asesinados y quemados. Por lo tanto, esa música, "llévame
bailando hasta tu belleza con un violín ardiente", que
significa la belleza allí siendo la consumación de la vida, el
final de la existencia y del elemento pasional en esa consumación.
Pero es el mismo lenguaje que usamos para entregarnos a la persona
amada, de ahí la canción: no es importante que nadie conozca el
origen de la misma, ya que si el lenguaje viene de ese recurso
apasionado, será capaz de abarcar toda la actividad apasionada».
A continuación, 3 versiones de Dance Me to the End of Love de
Leonard Cohen: la primera por su autor; Verena Guido la canta en inglés y en alemán, y finalmente por Pieter Embrechts.
Que reste-t-il de nos amours? es una canción compuesta por
Léo Chauliac con letra de Charles Trenet grabada en 1942. Se conoce una adaptación en
inglés realizada por Albert A. Beach.
Muchos interpretes la grabaron como: Chet Baker, Shirley
Bassey, Ray Charles, Nat King Cole, Bing Crosby, Daliday, Arielle Dombasle,
Bette Davis, Marlene Dietrich, Ella Fitzgerald, Judy Garland, Joao Gilberto,
François Hardy, Patricia Kaas, Gloria Lynne, Dean Martin, Eddy Mitchell, Yves
Montand, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Laurent Voulzy, Rachael Yamagata,
entre muchos otros.
A continuación distintas versiones de este clásico: Charles Trenet, Avalon Jazz Band, Ophélie Meunier y Julien Doré.
Hans Last, más conocido como James Last o Hansi, nació en Bremen,
Alemania, el 17 de abril de 1929 y murió en Palm Beach, Florida, Estados
Unidos, el 9 de junio de 2015. Compositor y director de orquesta.
Aprendió a tocar el piano a los 12 años y luego el
contrabajo. En 1946 se unió a la Hans-Gunther Österreich Radio Bremen Dance
Orchestra, en 1948 formó el conjunto Last-Becker Ensemble, y en la década de
1950, se convirtió en arreglador del sello Polydor Records, así como en varias
emisoras de radio. En la década de 1960, ayudó a organizar visitas de artistas
como Helmut Zacharias, Freddy Quinn, Lolita, Alfred Hause y Caterina Valente.
En 1959 editó su primer disco, Tricks in Rhythm, y a lo largo
de su carrera publicó más de 190 álbumes de los más variados géneros, jazz, melódico, Pop o Clásica, que totalizan más de 100 millones de álbumes vendidos.
Como compositor obtuvo grandes éxitos como Happy Heart, en la interpretación de
Andy Williams y Petula Clark, la canción Music from Across the Way,
interpretada también por Andy Williams, The Lonely Shepherd, obra que interpretó
con su orquesta, o la versión de Gheorghe
Zamfir.
En abril de 2008, lanzó el DVD titulado James Last - Live At The Royal
Albert Hall, realizado en 2007, donde celebró sus 80 años de vida y 50 en el
mundo de la música.
A continuación, recordamos a James Last, con Orange Blossom
Special.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Yuri Aleksándrovich Yegórov, nació en Kazán, Rusia, el 28 de
mayo de 1954 y murió en Ámsterdam, Países Bajos, el 16 de abril de
1988. Pianista.
A los 6 años ingresó en el
Conservatorio de Kazán, y permaneció hasta los 17 años. En 1971
participó en el Concurso Internacional Marguerite Long-Jacques
Thibaud en París, donde obtuvo el 4º lugar, y posteriormente
continuó sus estudios en el Conservatorio de Moscú. En 1974, ganó
la medalla de bronce en el Concurso Internacional Tchaikovski de
Moscú, y en 1975, ganó el tercer premio en el Concurso
Internacional de Música Reine-Élisabeth-de-Belgique. En 1976 por su
disconformidad política y, sobre todo, la represión a las
preferencias sexuales, decidió exiliarse en Roma, aprovechando su
viaje a Europa para dar una gira de conciertos, y luego pasó a
Ámsterdam. En 1977 participó en el Concurso Internacional de Piano Van
Cliburn, en Fort Worth, Texas, Estados Unidos. Pese a haber sido el
favorito del público, no pasó a la fase final, lo que provocó
protestas. El empresario estadounidense Maxim Gershunoff le entregó
10.000 dólares, el equivalente al primer premio, lo que le permitió
debutar en el Alice Tully Hall del Lincoln Center, en Nueva York, el
23 de enero de 1978. Tres meses más tarde lo hizo en Chicago, con
gran éxito de crítica y de público, y el 16 de diciembre de ese año
se presentó en el Carnegie Hall, su interpretación fue grabada en
directo, y le valieron grandes elogios en la prensa.
En agosto de 1979, la revista Billboard incluyó dos álbumes del
pianista en su lista de los LP más vendidos de música clásica. En
la década de 1980 la carrera de Yuri Yegórov se desarrolló
especialmente en Europa. En 1986 ofreció su último recital en
Florida, Estados Unidos, y el 27 de noviembre de 1987 dio su último
concierto en el Concertgebouw de Ámsterdam. En su carrera realizó varias grabaciones del gran repertorio
pianístico, como Carnaval, Op. 9 y Kreisleriana de Robert Schumann,
los Estudios de Frederic Chopin, los Preludios de Claude Debussy, y
varias obras de Johann Sebastian Bach. También registró, junto a la
Orquesta Philharmonia, dirigida por Wolfgang Sawallisch, los
Conciertos para Piano Nº 17 y 20 de Wolfgang Amadeus Mozart, y el
Concierto para Piano Nº 5, Emperador, de Ludwig van Beethoven, entre
otros. Elyse Mach, fue la compiladora del libro Great Contemporary
Pianists Speak for Themselves, donde Yuri Yegórov habla con
sinceridad de temas relacionados con la música y su vida, como los
ensayos, los nervios antes de los conciertos, las restriciones
artísticas en Rusia o la homosexualidad. Entre los pianistas que lo
influyeron, menciona a Sviatoslav Richter, Arturo Benedetti
Michelangeli, Vladimir Horowitz, Glenn Gould y Dinu Lipatti.
A continuación, recordamos a Yuri Yegórov, con su interpretación
de la Fantasía Cromática y Fuga BWV 903, de Johann Sebastian Bach,
en un registro en vivo en el Carnegie Hall, de Nueva York, el 18 de
diciembre de 1978.
En
Dios Me Liberman conversamos, por Nacional Rock,
con Sergio Beresovsky, sobre la
presentación en Monk Club.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo
SERGIO BERESOVSKY CUARTETO presenta su disco Matria el sábado 22 de abril a las 21:30 en MONK CLUB, Thames 1511 Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
El baterista y percusionista continúa presentando su
nuevo CD editado en 2016 en el que predominan las melodías y la
improvisación con arreglos en los que participan los integrantes en
forma colectiva.
La música de "Matria" se puede encuadrar
dentro del género Americana del Sur. Acompañan a Sergio Beresovsky en batería y
composición, Guillermo Pohle en guitarra, Franco Grimoldi en bajo
eléctrico y Leandro García en piano.
En sus 35
años como músico profesional Sergio Beresovsky, quien desde hace 30
reside en el exterior (Brasil, Francia ,Suiza y Australia) ha formado
parte de numerosas bandas y proyectos de jazz y música contemporánea
junto a artistas de la talla de Arthur Blythe, Erik Truffaz, Stephen
Magnusson, Pedro Giorlandini e Yves Theiler… ademas de haber
participado en diferentes masterclasses con Jack de Johnette, Joey
Baron, Dave Weckl y Gary Chaffee, entre otros.
Nacido el 21
de Diciembre de 1963 en la ciudad de Bahía Blanca, Argentina. Su
padre fue carpintero y un amante de la música, especialmente del
jazz; quien en su tiempo libre fabricó un par de tumbadoras y fue a
los 5 años que Sergio descubrió esos instrumentos y comenzó a
tocarlos. Junto a esto también empezó a observar y escuchar la
enorme cantidad de discos de vinilo que su padre poseía con músicas
tan variadas en estilos y géneros. A partir de allí y de manera
totalmente autodidacta comenzó a desarrollar su pasión por la
música y es en este punto que su vida da un giro hacia el amor por
la música, algo que lo marcaría en su futuro. Entre los discos que
más le impactaron en sus primeros años, Sergio nombra "Time
Out" del Dave Brubeck Quartet como el punto inicial en la
escucha de un músico que formaba parte de ese grupo; el baterista
Joe Morello. Siendo este disco concebido como un experimento, el
trabajo rítmico desarrollado por Joe Morello, impacto de sobremanera
en Sergio quien fue notablemente influenciado por este músico. Prensa: Medioshábiles estrategias en comunicación
A continuación, de Gustav Mahler, la Sinfonía Nº 2 en Do Menor
Auferstehung, Resurrección, en la versión de Eteri Gvazava soprano, Anna
Larsson mezzo-soprano, el Orfeón Donostiarra, y la Orquesta del Festival de
Lucerna todos dirigidos por Claudio Abbado. Presentación realizada el 21 de
agosto de 2003.
Mijaíl Vasílievich Pletniov, más conocido como Mijaíl
Pletnev, nació en Arjángelsk, Rusia, el 14 de abril de 1957. Pianista,
compositor y director de orquesta.
A los 13 años entró en la Escuela Central de Música, y en
1974 ingresó en el Conservatorio de Moscú. A los 21 años ganó la medalla de oro
del VI Concurso Internacional Tchaikovski, lo que atrajo la atención en todo el mundo. Al año siguiente, en 1979,
debutó en Estados Unidos, y fue docente en el Conservatorio de Moscú.
En 1988 actuó en la conferencia de las superpotencias en
Washington, D.C. donde conoció y trabó amistad con Mijaíl Gorbachov, lo que le
facilitó el apoyo para fundar en 1990, la Orquesta Nacional Rusa, la primera
orquesta no financiada por el gobierno ruso, y de la que fue su director
principal. A finales de la década de 1990 dejó el cargo, y en la actualidad
lleva adelante la dirección artística.
Su repertorio en piano es muy extenso, incluye sonatas de
Domenico Scarlatti, Cuadros de una exposición, de Modesto Mussorgsky, y sus
propias transcripciones de las suites de El Cascanueces y La bella durmiente de
Piotr Ilich Tchaikovski.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Mijaíl Pletnev,
con su interpretación de Cuadros de una exposición de Modesto Mussorgsky.
El Concurso Internacional Tchaikovski de 1958 fue un evento
diseñado para demostrar la superioridad cultural soviética durante la Guerra
Fría, poco después de su victoria tecnológica con el lanzamiento del Spútnik en
octubre del año anterior.
Por el virtuosismo en la interpretación de Van
Cliburn del Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, de
Piotr Ilich Tchaikovski y del Concierto para Piano y Orquesta Nº 3 en Re Menor Op.
30, de Serguei Rachmáninov, el público lo ovacionó de pie durante 8 minutos. El
jurado le tuvo que pedir permiso a Nikita Jrushchov para concederle el primer
premio a un estadounidense. "¿Es el mejor?" preguntó. "¡Entonces
denle el premio!"
La revista Time le dedicó una portada, proclamándolo El tejano que conquistó Rusia, y el sello RCA Víctor le ofreció un
contrato exclusivo. La grabación del Concierto para piano Nº 1 de Tchaikovski
se convirtió en el primer álbum de música clásica que vendió millones de copias,
durante más de una década. En ese año Van Cliburn ganó el Grammy por la mejor
interpretación solista con orquesta.
A continuación, la interpretación de Van Cliburn, del Concierto
para Piano y Orquesta Nº 1 en Si Bemol Menor Op. 23, de Piotr Ilich Tchaikovski,
junto a la Orquesta Filarmónica de Moscú, dirigida por Kirill Kondrashin, el 13
de abril de 1958.
Herbert Jeffrey Hancock, más conocido
como Herbie Hancock, nació en Chicago, Estados Unidos, el 12 de
abril de 1940. Pianista, tecladista y compositor.
A los 7 años aprendió a tocar el piano
y pronto se convirtió en un prodigio. A los 11 años tocó el primer
movimiento de un concierto para piano de Wolfgang Amadeus Mozart, con
la Orquesta Sinfónica de Chicago. Posteriormente estudió en el
Grinnell College y en esa época escuchaba a Oscar Peterson y Bill
Evans. En 1961 fue invitado por Donald Byrd a unirse a su grupo en
Nueva York, y más tarde, el sello Blue Note le ofreció un contrato.
Su álbum debut, fue Takin' Off grabó e incluyó la
canción Watermelon Man.
En mayo de 1963, Miles Davis lo invitó para las sesiones de
grabación de Seven Steps to Heaven, y formó parte de su grupo
durante 5 años. Durante esa época continuó con su carrera como
solista con Blue Note, compuso la banda sonora para la película Blow
Up de Michelangelo Antonioni, que abrió las puertas a futuras
colaboraciones con el mundo del cine, y participó en In A Silent
Way, uno de los discos originarios de la fusión jazz-rock. En 1969 formó un sexteto que causó sensación con su
acercamiento a la era electrónica, creando su propia visión de la
vanguardia. En 1973 disolvió su banda y formó el grupo de funk,
The Headhunters, cuyo primer disco, Head Hunters, se convirtió en un
éxito de ventas.
Manejando todos los sintetizadores grabó varios álbumes
electrónicos, sin abandonar el jazz acústico. En 1976 participó en
el Newport Jazz Festival con Ron Carter, Tony Williams, Wayne
Shorter, y Freddie Hubbard, y al año siguiente realizaron varias
presentaciones como V.S.O.P. Lo que marcó el revival de los
neo-tradicionalistas, en la década de 1980 con Wynton Marsalis.
V.S.O.P. continuó reuniéndose esporádicamente hasta 1992. En 1983 continuó con su inquieta trayectoria en los ochenta:
logró un éxito en la MTV con el simple de electro Rockit. En 1986
editó Jazz Africa, continuó tocando en festivales y giras con los hermanos Marsalis,
con George Benson, con Michael Brecker y muchos otros En 1986, actuó y escribió la música de 'Round Midnight, sobre
la vida de Dexter Gordon, con la que ganó el Premio Oscar a la mejor
banda sonora. En 2008 su álbum River: The Joni Letters, con colaboraciones de
Tina Turner y otras divas de la música, fue galardonado con el
Premio Grammy al Álbum del Año. En 2010, lanzó The imagine project, producido por Larry Klein,
que incluyó colaboraciones del cantante colombiano Juanes, el grupo
Los Lobos, el saxofonista Wayne Shorter, la cantante estadounidense
Pink, el británico Seal, la sitarista Anoushka Shankar, y otros
artistas.
A continuación, celebramos el cumpleaños de Herbie Hancock, con Cantelope Island.
Eugen d'Albert (Glasgow, 1864 - Rwga, 1932) Pianista y
compositor alemán. Se inició en la música con su padre, productor de música de
danza, y luego estudió piano con É. Pauer, en Londres, y con Listz, en Weimar.
Durante un breve período de tiempo fue director de la Ópera de Weimar (1895).
En 1892 se casó con Teresa Carreño, también célebre
pianista, pero esta unión terminó en divorcio a los tres años; a lo largo de su
vida, D'Albert contrajo otros cuatro matrimonios. En 1907 su prestigio era tal
que fue nombrado sucesor de Joseph Joachim como director de la Escuela Superior
de Música de Berlín.
Fue un renombrado intérprete de Beethoven y de J. S. Bach,
de quien transcribió para piano algunas composiciones para órgano. Fueron
también muy célebres sus ediciones del Clave bien temperado y de las
Invenciones de Bach. Asimismo, participó en la edición de las Obras completas
de su maestro Liszt.
Como compositor, su estilo está inspirado en Brahms; en su
producción se encuentran algunas obras para piano, lieder, piezas de música de
cámara, una Sinfonía (1886), dos Conciertos para piano y orquesta (1884 y
1893), un Concierto para violoncelo y orquesta y la obra coral a seis voces El
hombre y la vida (1893), además de 21 óperas.
En sus primeras óperas acusó la influencia de Wagner, de la
que se desprendió en las óperas-cómicas Die Abreise (1898) y Flauto solo
(1905), con las que obtuvo gran éxito. Posteriormente fue decantándose cada vez
más hacia el verismo. De su obra para escena, tan sólo se ha mantenido Tiefland
(1903), considerada su obra maestra; está basada en el drama Terra baixa de
Angel Guimerá y construida sobre un libreto de R. Lothar.
A continuación,
recordamos a Eugen d'Albert, con el Concierto para Violoncello y
Orquesta en Do Mayor Op. 20, en la versión de Antonio Meneses, junto a la
Orquesta Sinfónica de Basilea, dirigida por Ronald Zollman.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
En Dios Me Liberman, que se emite por Nacional Rock 93.7,
conversamos con Gustavo Firmenich, integrante de Tango Jazz Quartet, sobre las
presentaciones en Bebop Club.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Ulises
Mendoza / Coordinación: Guillermo Cabezudo
TANGO JAZZ QUARTET se presenta los domingos 9, 16 y 23 de
abril y todos los domingos de mayo a las 18:00 en Bebop Club, Moreno 364
Subsuelo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
El Tango Jazz Quartet, está conformado por Horacio Acosta en
piano, Gustavo Firmenich en saxo tenor y
clarinete, Alejandro Beelmann en batería, y Federico Hilal en bajo, toma la
melodía y el ritmo del Tango para unirlo a la armonía y la improvisación del
Jazz.
El resultado es un nuevo concepto sobre nuestra música. Este acercamiento
a ambos géneros ha sido recibido con gran entusiasmo tanto en Argentina como en
el mundo y, luego de varios años, TJQ ha conseguido establecerse en la escena
musical internacional.
En agosto y septiembre de este año realizarán su séptima
gira por el viejo continente, por Suiza, Inglaterra, Gales, Francia, Bélgica,
España, Serbia, Hungría, Austria, entre otros países. TJQ ha realizado numerosas giras por Brasil, Europa, EEUU,
Sudáfrica, China, Hong Kong, Rusia y Siberia.
Actualmente se encuentran grabando su quinto CD y durante la
próxima gira grabarán un nuevo álbum que será registrado en vivo en los
conciertos que brindarán en el Sunset Sunside jazz club de Paris, el Porgy
& Bess Jazz Club de Viena y en los míticos estudios Abbey Road de Londres.
