viernes, 24 de abril de 2026

John Williams


John Christopher Williams nació en Melbourne, Australia, el 24 de abril de 1941. Guitarrista y arreglador. 

El sitio www.bach-cantatas.com publicó su biografía. 

John Williams (Guitarra, Arreglista) 

Nacido: 24 de abril de 1941 - Melbourne, Australia 

El extraordinario guitarrista australiano John Christopher Williams nació en Melbourne, Australia. Su padre, Leonard (Len) Williams, era inglés, y su madre, de ascendencia australiana y china (hija del conocido abogado de Melbourne, William Ah Ket). Len Williams era un guitarrista consumado que emigró de Gran Bretaña a Australia, donde se hizo famoso por su interpretación de jazz (fue fundador del Santuario de Monos en Cornualles, Inglaterra). John recibió clases inicialmente de su padre, pero pronto se hizo evidente su talento innato para la guitarra, por lo que la familia planeó regresar a Londres para que pudiera continuar sus estudios. Para costear el viaje, Len Williams aceptó un trabajo adicional como cuidador de hipopótamos en el zoológico de Melbourne. Finalmente, se mudaron a Londres en 1952. En 1955, John actuó en el Conway Hall de Londres, causando tal impresión que el famoso guitarrista Andrés Segovia lo invitó a estudiar en sus cursos en la Accademia Chigiana de Siena, Italia. John aceptó y se convirtió en alumno del pionero solista de guitarra entre 1957 y 1959. Andrés Segovia dijo de Williams que "Dios había tocado su frente". Debutó oficialmente en el Wigmore Hall de Londres en 1958 y recibió críticas que destacaban un tono fuerte y limpio y una técnica pulida, aunque discreta. Sin embargo, Williams no atribuye gran parte del mérito de su técnica a Andrés Segovia ni a sus otros profesores oficiales. Afirma que la mayoría de estos profesores eran demasiado "autoritarios" en su enfoque, incluyendo a Andrés Segovia, quien, según él, tendía a esperar que sus alumnos adoptaran sus "manierismos" interpretativos y se enfadaba mucho cuando no lo hacían. 
 
Más tarde, John Williams asistió al Royal College of Music (RCM) de Londres, donde estudió piano, ya que la escuela no contaba con un departamento de guitarra en aquel entonces. Al graduarse, se le ofreció la oportunidad de crear dicho departamento. Siendo un gran amante del instrumento, aprovechó la oportunidad y lo dirigió durante los dos primeros años. De 1960 a 1973 fue profesor de guitarra en el RCM. Desde entonces, ha mantenido vínculos con la institución (y con el Royal Northern College of Music de Manchester). 
 
Tras exitosas giras por la Unión Soviética en 1962 y por Estados Unidos y Japón en 1963, John Williams ya había actuado a principios de la década de 1960 en Londres, París, Madrid, Japón, Rusia y Estados Unidos. Desde entonces, ha cosechado un éxito extraordinario en giras regulares por Europa, América del Norte y del Sur, Australia y Extremo Oriente, tanto como solista como con orquesta, y ha participado con frecuencia en programas de radio y televisión. Ha interpretado y grabado prácticamente todo el repertorio estándar de guitarra, además de una gran cantidad de transcripciones. Varias de estas transcripciones son de su propia autoría. 
 
Si bien es admirado por sus interpretaciones de las obras clásicas para guitarra, John Williams ha explorado diversas tradiciones musicales fuera de la tradición clásica. Su repertorio es verdaderamente igualitario en su alcance. Entre sus colaboraciones con otros músicos, destacan las realizadas con Itzhak Perlman, Andre Previn, Cleo Laine y John Dankworth. El guitarrista con quien forjó la relación más estrecha fue Julian Bream, quien se inspiró al escuchar grabaciones de Andrés Segovia. Bream ha aparecido frecuentemente en conciertos y grabaciones como dúo de guitarra con Williams. Entre sus otras actividades musicales se incluyen el grupo de fusión Sky, los grupos John Williams and Friends, Attacca, la Orquesta Nacional Juvenil de Jazz con Paul Hart, Paco Peña, el grupo chileno Inti-Illimani y diversas colaboraciones con Richard Harvey. 
 
Por invitación del productor Martin Lewis, creó un dúo de fusión rock clásico muy aclamado con el célebre guitarrista Pete Townshend de The Who para el himno de Townshend, " Won't Get Fooled Again", para el concierto benéfico de Amnistía Internacional de 1979, "The Secret Policeman's Ball". El dúo apareció en el álbum resultante y en la versión cinematográfica del concierto, lo que le dio a conocer a Williams a un público más amplio del rock. La relación con Lewis propició que la banda de fusión rock clásico de Williams, Sky, fuera invitada a dar el primer concierto de rock celebrado en la Abadía de Westminster, un concierto benéfico para Amnistía Internacional que Lewis produjo en febrero de 1981. Williams también ha arreglado canciones de los Beatles. 
 
John Williams ha contribuido enormemente a ampliar el repertorio estrenando partituras de compositores modernos. Ha encargado conciertos para guitarra a compositores como Stephen Dodgson, André Previn, Patrick Gowers, Richard Harvey, Steve Gray, Leo Brouwer y Toru Takemitsu. También ha colaborado con compositores de su Australia natal, como Phillip Houghton, Peter Sculthorpe, Ross Edwards y Nigel Westlake, para crear obras para guitarra que capturan el espíritu de su tierra. John Williams fue fundamental para el resurgimiento de la popularidad de las obras de Agustín Barrios. Williams ha elogiado con frecuencia la obra de Barrios, llegando incluso a afirmar que lo considera el mejor compositor de música para guitarra. Él mismo es compositor y arreglista. 
 
John Williams graba para Sony BMG. Un ejemplo de su amplio interés por la música contemporánea es su grabación de música del compositor japonés Toru Takemitsu con la London Sinfonietta, un álbum con música de Peter Sculthorpe y Nigel Westlake llamado "From Australia" y su CD de música del compositor cubano Leo Brouwer, llamado "The Black Decameron", que incluye el Cuarto Concierto de Brouwer. Sus muchas otras grabaciones incluyen varios del Concierto de Aranjuez de Rodrigo, conciertos de Richard Harvey y Steve Gray, " Vivaldi Concertos", "The Great Paraguayan", "John Williams plays the Movies", "The Guitarist" (en el que usa ritmos y armonías turcas y griegas para apoyar música medieval, incluyendo su propia Suite Eólica con orquesta de cuerdas), la sonata Arpeggione de Schubert, y el Concierto, Op. 30 de Giuliani con la Orquesta de Cámara Australiana, en el que toca una guitarra Guadagnini de 1814. En 2001 Sony Classical lanzó su CD titulado "The Magic Box" en el que su grupo "John Williams and Friends" presentó adaptaciones de música africana. Esto incluye música de Senegal, Camerún, Zaire, Sudáfrica, Madagascar y Cabo Verde. Desde su lanzamiento, han realizado giras por el Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Singapur, Malasia, Alemania, España e Italia. Recientemente, Sony Classical lanzó su CD en solitario titulado "El Diablo Suelto". Esta es una colección de música venezolana de compositores como Figueredo, Sojo, Lauro, Fernández y Gutiérrez. John Williams ha realizado giras por el Reino Unido y el extranjero con este repertorio. Su última compilación en CD, "The Ultimate Guitar Collection", ha sido lanzada por Sony. 
 
John Williams toca frecuentemente para películas. Disfrutó de un éxito mundial con su grabación de Cavatina de Stanley Myers, utilizada como tema principal de la película ganadora del Óscar, El cazador (1979). La pieza había sido escrita originalmente para piano, pero a invitación de Williams, fue reescrita para guitarra y ampliada por Myers. Después de esta transformación, se utilizó para otra película, El bastón (1970). También tocó en la banda sonora de la película Un pez llamado Wanda. En 1973, Cleo Laine escribió la letra y grabó la canción He Was Beautiful acompañada por John Williams. Un año después, fue un sencillo de gran éxito en el top 5 del Reino Unido para Iris Williams (sin parentesco). Los exitosos "Profile" y "The Seville Concert", ambos dirigidos por David Thomas para el South Bank Show de London Weekend Television, son ejemplos particulares del entusiasmo de John Williams por comunicar la música en televisión. 
 
John Williams ha formado recientemente un dúo con Richard Harvey, quien toca una gran variedad de instrumentos con la guitarra de John Williams: su programa "World Tour" incluye música de China, el sudeste asiático, África, Madagascar, Latinoamérica, Irlanda, Europa medieval, y también George Frideric Handel y Piazzolla. En la temporada 2006-2007, John Williams y el guitarrista de jazz John Etheridge se unirán como dúo y realizarán una gira por el Reino Unido y Estados Unidos (tanto en otoño como en primavera) con un programa que incluirá composiciones escritas por ellos, así como música africana y una nueva obra del guitarrista y compositor estadounidense Benjamin Verdery. Este programa también será grabado por Sony BMG en vivo en Dublín, lanzado en otoño de 2006, y presentado en importantes salas de conciertos de todo Estados Unidos. 
 
John Williams también juega tenis, bádminton, ajedrez, tenis de mesa y le gusta conversar. Vive en Londres. Williams y su tercera esposa, Kathy, residen en Londres y Australia. Tiene una hija, Kate, ahora una reconocida pianista de jazz, de su primer matrimonio (con Lindy); y un hijo, Charlie Williams, de su segundo matrimonio (con la locutora Sue Cook). En 1980 fue nombrado Oficial de la Orden de la Reina del Imperio Británico. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con su interpretación del Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo, y de Agustín Barrios, La última canción, junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Daniel Barenboim.   

jueves, 23 de abril de 2026

Hilmar Örn Hilmarsson


Hilmar Örn Hilmarsson, también conocido como HÖH, nació en Reikiavik, Islandia, 23 de abril de 1958. Músico, compositor y director de arte.  

El sitio www.last.fm publicó su biografía. 

Nacido 23 de abril de 1958 (68 años) 

Nació en Reikiavik, Höfuðborgarsvæðið, Islandia 

Hilmar Örn Hilmarsson (nacido el 23 de abril de 1958), también conocido como HÖH, es músico, director de arte y allsherjargoði (jefe goði) de Ásatrúarfélagið ("la Asociación Ásatrú"). 

Hilmar Örn Hilmarsson fue un pionero en el uso de ordenadores para componer música y abrió el camino a nuevas ideas en la grabación y los arreglos. Ha colaborado en proyectos ambiciosos, experimentales y originales con diversos músicos, como Psychic TV, Current 93, Sigur Rós, Steindór Andersen y Eivør Pálsdóttir. 

De 1972 a 1975 tocó la batería en una banda escolar llamada Fatima con el guitarrista Jóhannes Helgason, el bajista Birgir Ottóson y el cantante Guðmundur Eyjólfsson. En 1974, el cantante Eiríkur Hauksson reemplazó a Guðmundur y el guitarrista Sigurgeir Sigmundsson se unió a ellos y un año después se separaron. 

En 1979, Hilmar Örn tocaba la batería y, ocasionalmente, el sintetizador en una banda llamada Fellibylur (Huracán) con el vocalista Magnús Guðmundsson y el bajista Hilmar Örn Agnarsson. La banda se amplió con la llegada de los cantantes Elín Reynisdóttir, el guitarrista Jóhannes Helgason y el baterista Sigtryggur Baldursson, y con esta nueva formación crearon una nueva banda llamada Frostrósir (Rosas de Escarcha) que tocaba principalmente música disco. 
La banda cambió su nombre a Þeyr y lanzó su álbum debut en diciembre de 1980 con el título Þagað í Hel, que contenía algunas letras escritas por Hilmar Örn. 

Þeyr sufrió cambios internos y Eiríkur dejó la banda, mientras que los guitarristas Guðlaugur Kristinn Óttarsson y Þorsteinn Magnússon se unieron. La música evolucionó drásticamente con los nuevos miembros y Elín y Jóhannes dejaron la banda. El nuevo Þeyr se hizo muy famoso en Islandia con Útfrymi y Mjötviður Mær, entre otros lanzamientos, y Hilmar Örn colaboró con ellos en algunas letras y obras de arte, y también representó a la banda de 1981 a 1982 junto con Guðni Ragnar Agnarsson, creando Esquimaux Management (Eskvimó, en islandés), un sello discográfico y editorial independiente. 
Þeyr tenía un profundo interés en la ciencia, la magia y la filosofía, y Hilmar Örn fue una figura influyente. Guðni y Hilmar se retiraron de la dirección de la banda en 1983 y fueron reemplazados por Guðmundur Sigurfreyr Jónason, el mismo año en que Þeyr se disolvió. 

En 1984, Guðlaugur Kristinn Óttarsson y la cantante Björk Guðmundsdóttir, que en ese momento estaban en Kukl, formaron las Hermanas Elgar. Hilmar se unió a ellas junto a Einar Arnaldur Melax, Sigtryggur Baldursson, Þorsteinn Magnússon y Birgir Mogensen para grabar 11 canciones de 1984 a 1986 y luego se disolvieron. 
Las Hermanas Elgar no lanzaron ningún álbum, pero algunos de sus trabajos aparecieron durante las carreras en solitario de Björk y Guðlaugur. 

En 1987, Hilmar comenzó a trabajar con Current 93, una banda liderada por David Tibet, y colaboró en 10 lanzamientos. Entre ellos, produjo el sencillo Crowleymass en 1987 y, en 1991, Island, un álbum que contó con la participación de la cantante Björk como corista en la canción "Falling". También colaboró con la banda Ornamental en 1988. 

MÖK Trio era un grupo formado por el bajista Tómas Magnús Tómasson (conocido por su trabajo en Stuðmenn), Hilmar Örn y Guðlaugur Kristinn Óttarsson. De hecho, el nombre surgió de las iniciales correspondientes al segundo nombre de cada integrante. Su primer concierto fue en 1992. MÖK Trio no tocaba con regularidad y nunca lanzaron ningún álbum. Su última presentación fue en agosto de 2001 en Galdrahátíðin á Ströndum, Reykjavík. 

En 1992 comenzó a grabar con el cantante y trompetista Einar Örn Benediktsson (de Sugarcubes) en un nuevo proyecto llamado Frostbite y lanzó un álbum titulado The Second Coming al año siguiente a través del sello One Little Indian, pero después de esto, la banda se disolvió. 
Sus colaboraciones continuaron con el ingeniero de sonido Andrew McKenzie en el Hafler Trio (H3ÖH) y en 1993 lanzó un álbum llamado Bootleg H3ÖH que contenía remezclas de Frostbite. 

En noviembre de 1997, Hilmar y Einar Örn se unieron al baterista Sigtryggur Baldursson para formar Grindverk. Tras firmar con FatCat Records, lanzaron su álbum debut, un vinilo de 12 pulgadas titulado Gesundheit von K, el 1 de enero de 1999. 
Con cuatro temas, Gesundheit von K abarcaba una amplia gama de estilos: desde el funk industrial de la canción que da título al álbum hasta el jazz exótico de «Kastrato». Con este disco, Grindverk mostró una música oscura, con instrumentos libres propios del funk o el postindustrialismo de los ochenta, pero en el contexto de los noventa. 
Tenían previsto lanzar un álbum llamado Therapists en julio de 1999, pero se canceló cuando Grindverk se disolvió poco después del lanzamiento de su álbum debut. 

Hilmar Örn & Sigur Rós: En 2000 colaboró con Sigur Rós en la banda sonora de la película Angels of the Universe, que fue dirigida por Friðrik Þór Friðriksson. Este álbum de diecisiete pistas contenía quince canciones compuestas por HÖH con su suave y relajante sonido característico (guitarras clásicas, cuerdas y sintetizadores) y dos canciones creadas por Sigur Rós (“Bíum Bíum Bambaló” y “Dánarfregnir og Jarðafarir”). Posteriormente también trabajó con Sigur Rós componiendo e interpretando “Hrafnagaldr Óðins”. 

GVDL: Fue otro proyecto musical formado en 2001 con Guðlaugur K. Óttarsson y el bajista Georg Bjarnason. El grupo se creó para la llegada a Islandia de la banda estadounidense Fuck. De hecho, el nombre de la banda eran las iniciales del grupo estadounidense desplazadas una posición. Solo dieron un concierto en Kaffi Reykjavík, sin grabar ningún tema. 

En 2004, Hilmar Örn colaboró con la cantante Eivør Pálsdóttir en un proyecto conjunto entre Islandia e Irlanda y actuó con otros músicos de ambos países en dos conciertos, uno en Reikiavik y el otro en Tórshavn, en las Islas Feroe. 

Desde 1981, Hilmar Örn Hilmarsson ha compuesto música para varias películas, tanto islandesas como extranjeras, y ha trabajado con directores de cine como Henning Carlsen (Pan, 1995), Jane Campion (In the Cut, 2003) y Friðrik Þór Friðriksson (Brennu-Njálssaga, 1981 - Skytturnar, 1987 - Börn Náttúrunnar, 1991 - Bíódagar, 1994 - Cold Fever, 1995 - Djöflaeyjan, 1996 - Ángeles del Universo, 2000 y Halcones, 2002). 

Hilmar Örn ha recibido numerosos premios por sus contribuciones como compositor de bandas sonoras. En 1993 ganó el premio al Compositor Europeo de Cine del Año por su trabajo en la película nominada al Óscar, Children of Nature, de Friðriksson. 

Hilmar Örn se unió a Ásatrúarfélagið (Asociación Ásatrú), la antigua religión pagana nórdica, en 1974, cuando tenía dieciséis años. 

Hilmar Örn, quien en su momento se interesó por Aleister Crowley, siempre ha mostrado interés por la magia, la brujería y el paganismo, así como por la obra de Wilhelm Reich, influencia que se refleja no solo en sus obras musicales, sino también en un proyecto llamado Miðgarður (Midgard). En una entrevista con Karl-Erik Seigfried en 2011, describió su relación con las teorías de Crowley: «Fue un centro creado en 1982 por él, Guðlaugur K. Óttarsson y Guðmundur S. Jónason para promover la obra de Reich mediante terapeutas de orgón y conferencias». 

Hilmar Örn fue ordenado allsherjargoði o goði jefe de Ásatrúarfélagið durante una ceremonia formal celebrada el 4 de julio de 2003. Es una autoridad reconocida en el paganismo nórdico indígena. 

Los padres de Hilmar Örn fueron Hilmar Ólafsson (1936-1986), arquitecto, y Rannveig Hrönn Kristinsdóttir (nacido en 1937). Está casado con la escritora Ragna Sigurðardóttir. Es padre de dos hijos y dos hijas. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Over the Bend, de la Banda de Sonido de Angels of the universe.  

miércoles, 22 de abril de 2026

Pascal Bentoiu


Pascal Bentoiu nació en Bucarest, Rumania, el 22 de abril de 1927, y murió en su ciudad, el 21 de febrero de 2016. Compositor, musicólogo y crítico musical. 

El sitio www.es.wikipedia.org publicó este recordatorio.

Pascal Bentoiu (Bucarest, 22 de abril de 1927-ibídem, 21 de febrero de 2016) fue un compositor y musicólogo rumano. 

Estudió armonía, contrapunto, orquestación y composición con Mihail Jora, y piano con Theophil Demetriescu. Durante tres años (1953-6) colaboró como investigador en el Instituto de Folclore de Budapest, pero después de este periodo se consagró por entero a la composición musical. Durante un tiempo fue presidente de la Unión de Compositores y Musicólogos Rumanos, hasta justo después de la Revolución rumana de 1989. 

Su música, lírica y coloría (su Sinfonía n.º 6 está dividida en movimientos señalados con colores: Negro -Rojo - Verde - Amarillo - Azul - Blanco) se inspira en el folclore rumano, en la escala diatónica y en el serialismo, así como en las técnicas contemporáneas. Bentoiu compuso tres óperas (una de ellas es Hamlet, opus 18, estrenada en Marsella en 1974), un poema sinfónico-vocal, ocho sinfonías, un concierto para violín, dos conciertos para piano, seis cuartetos de cuerda, sonatas y varios ciclos de canciones. Ganó numerosos premios con sus composiciones, especialmente en Rumania y en Italia (donde consiguió el Premio Internacional de la RAI y el Premio Internacional Guido Valcarenghi). 

En 1984 publicó un gran estudio sobre la obra musical de George Enesco. Posteriormente, ya en la segunda mitad de la década de 1990, Bentoiu orquestó varias obras de Enesco, como su poema sinfónico Isis (para lo que utilizó manuscritos del propio autor) y terminó la orquestación de las sinfonías n.º 4 y 5 de Enesco. 

Pascal Bentoiu era el marido de la poeta Annie Bentoiu. 

Libros de Bentoiu 

Bentoiu publicó numerosos libros sobre música que, en algún caso, se han traducido a lenguas extranjeras: 

Miradas sobre el mundo de la música 

El pensamiento musical 

La imagen y el sentido. Ensayo sobre el fenómeno musical 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con la Suite Transilvana Op. 6, en la versión de la Orquesta Filarmónica George Enescu de Bucarest, dirigida por Ilarion Ionescu-Galați. 

martes, 21 de abril de 2026

Patti LuPone


Patti Ann LuPone nació en Northport, Nueva York, Estados Unidos, el 21 de abril de 1949. Actriz, comediante y cantante. 

El sitio www.pattilupone.net publicó su biografía. 

Patti LuPone 

Ha ganado tres premios Tony por sus interpretaciones como Joanne en la premiada producción de Marianne Elliott del musical Company de Stephen Sondheim y George Furth, Madame Rose en la reposición de Broadway de 2008 del clásico Gypsy de Jule Styne, Stephen Sondheim y Arthur Laurents, y el papel principal en la producción original de Broadway de Evita de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. 

Sus anteriores actuaciones en Broadway incluyen papeles protagónicos en la comedia de Jen Silverman, The Roommate, junto a Mia Farrow, dirigida por Jack O'Brien; el musical de Scott Frankel, Michael Korie y Douglas Wright, War Paint (nominaciones a los premios Tony, Drama Desk y Outer Critics Circle); el musical de David Yazbeck y Jeffrey Lane, Women on the Verge of a Nervous Breakdown (nominaciones a los premios Tony, Drama Desk y Outer Critics Circle); la Sra. Lovett en la producción de John Doyle de Sweeney Todd (nominaciones a los premios Tony, Drama Desk y Outer Critics Circle); Noises Off de Michael Frayn; Master Class de Terrence McNally ; su propio concierto Patti LuPone On Broadway; Anything Goes de Cole Porter (nominación al premio Tony y al premio Drama Desk); The Cradle Will Rock de Marc Blitzstein; Oliver! de Lionel Bart, La muerte accidental de un anarquista de Dario Fo y el musical de Alfred Uhry y Robert Waldman, El novio ladrón (nominación al premio Tony) 

Ha mantenido una larga relación con David Mamet, protagonizando en Broadway producciones de sus obras The Anarchist, The Old Neighborhood y The Water Engine; fuera de Broadway en Edmond y The Woods; así como en sus películas Heist y State and Main. 

Graduada de la primera promoción de la División de Teatro de la Escuela Juilliard de Nueva York y miembro fundadora de The Acting Company de John Houseman, con la que realizó giras por todo el país durante cuatro años, entre las apariciones adicionales de la Sra. LuPone en Nueva York se incluyen las producciones off-Broadway de Shows For Days de Douglas Carter Beane en el LCT y Stage Directions de Israel Horovitz en el Public Theater, su debut con el New York City Ballet como Anna 1 en The Seven Deadly Sins, Passion en el Lincoln Center, que también fue transmitida por Live From Lincoln Center de PBS, las producciones de City Center Encores! de Gypsy, Can-Can y Pal Joey, y las producciones de la Filarmónica de Nueva York de Company, Candide y Sweeney Todd (debut con la Filarmónica de Nueva York). 

A nivel nacional, ha aparecido con la Ópera de Los Ángeles en su producción de Los fantasmas de Versalles de John Corigliano y Mahagonny de Weill-Brecht (debut), el estreno mundial de la ópera To Hell and Back de Jake Heggie con la Orquesta Filarmónica Barroca de San Francisco), el papel principal en Regina de Marc Blitzstein , una versión musical de The Little Foxes de Lillian Hellman en el Kennedy Center, y en una gira por varias ciudades de su concierto teatral Matters of the Heart. 

A partir del año 2000, apareció regularmente en el Festival Ravinia. Primero en su ciclo Sondheim, donde protagonizó Sweeney Todd, A Little Night Music, Passion, Anyone Can Whistle, Gypsy, Sunday in the Park with George, así como en To Hell and Back de Heggie, The Seven Deadly Sins de Weill y Annie Get Your Gun de Irving Berlin . 

En Londres, donde recientemente ganó su segundo premio Olivier por su interpretación de Joanne en Company, recreó su interpretación de Maria Callas en Broadway en Master Class, creó el papel de Norma Desmond en Sunset Boulevard (nominación al premio Olivier). La Sra. LuPone fue la primera estadounidense en ganar el premio Olivier de Londres por sus interpretaciones de Fantine en la producción original de Los Miserables y en la producción de The Cradle Will Rock de la Acting Company. 

Películas: Beau is Afraid de Ari Aster junto a Joaquin Phoenix; La escuela del bien y del mal (Netflix); Last Christmas; El comediante; Union Square; Parker; Ciudad junto al mar; Solo mirando; El verano de Sam; La mujer de las 24 horas; Oraciones familiares; Paseando a Miss Daisy; Testigo. 

Televisión/Streaming: The Artist (The Network); Palm Royale (Apple TV); Agatha All Along (Disney+); And Just Like That (HBO Max); Hollywood (Netflix); Pose; Crazy Ex-Girlfriend; Penny Dreadful (nominación a Critics Choice); Girls; American Horror Story: Coven & NYC ; Law & Order: SVU; Glee; 30 Rock; PBS Great Performances The Rise and Fall of the City of Mahagonny (Premio Grammy por la grabación de la transmisión); Ugly Betty; Will & Grace (como ella misma); Candide de PBS Great Performances; Oz; la película de TNT Monday Night Mayhem; Evening At The Pops de PBS con John Williams y Yo Yo Ma; Falcone; Bonanno: A Godfather's Story; Frasier (nominación al Emmy de 1998); Law & Order; Una velada con Patti LuPone (PBS), la película de NBC Her Last Chance, The Song Spinner de Showtime (nominación al premio Emmy diurno a la mejor actriz); The Water Engine; LBJ; Remember WENN de AMC; y Life Goes On de ABC. 

Las grabaciones incluyen: A Life in Notes, Don't Monkey with Broadway, Far Away Places, Patti LuPone at Les Mouches, The Lady with the Torch y muchas grabaciones de elencos originales, incluyendo, más recientemente: la producción del West End de Company, War Paint, Women on the Verge of a Nervous Breakdown, Gypsy y Sweeney Todd (tanto la grabación del elenco de la reposición de Broadway de 2006 como la grabación de la actuación en vivo de 2000 en el sello Special Editions de la Filarmónica de Nueva York). 

Es la autora del libro de memorias superventas del New York Times, Patti LuPone: A Memoir. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Ladies Who Lunch.  

lunes, 20 de abril de 2026

Craig Frost


Craig Frost nació en Flint, Michigan, Estados Unidos, el 20 de abril de 1948. Tecladista y compositor. Toca órgano, sintetizador y piano. 

El sitio www.en.wikipedia.org publicó su biografía. 

Craig Frost (nacido el 20 de abril de 1948) es un músico estadounidense que alcanzó la fama como miembro de la banda de rock Grand Funk Railroad, a la que se unió en 1973 después de haber trabajado con ellos el año anterior. Toca el órgano, los sintetizadores y el piano. 

Frost amplió el estilo musical de Grand Funk, propio de un "power trío", al añadir un nuevo elemento a su música. Grand Funk alcanzó su mayor éxito con Frost tras su incorporación a la banda en 1973, gracias a su inconfundible trabajo en los populares éxitos " he Loco-Motion" (versión de Little Eva) y "We're an American Band". También contribuyó significativamente a Grand Funk como compositor, en colaboración con el baterista Don Brewer. 

Tras la disolución inicial de Grand Funk Railroad en 1977, Frost se unió a sus antiguos compañeros Don Brewer y al bajista Mel Schacher para formar la efímera banda Flint. Tras su disolución, se unió a Bob Seger & the Silver Bullet Band, donde permaneció durante más de dos décadas. En julio de 2005, Frost participó como invitado en un concierto en North Branch, Michigan, por primera vez desde 1977 con Grand Funk. Desde entonces, lo ha hecho en varias ocasiones, en lugares como Detroit y Las Vegas. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Against the Wind.  

domingo, 19 de abril de 2026

Shalom – VIII Edición Premio Maimónides


Shalom – VIII Edición Premio Maimónides  

En el setenta aniversario de la Universidad de Tel Aviv, este programa especial nos adentra en una noche de celebración, reconocimiento y reflexión: la gala de la Asociación de Amigos de la universidad. Un evento que reúne a académicos, estudiantes, exalumnos y colaboradores internacionales. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/viii-edicion-premio-maimonides/17030970/ 

Tim Curry


Timothy James Curry, más conocido como Tim Curry, nació en Grappenhall, Cheshire, Reino Unido, el 19 de abril de 1946. Actor, comediante, cantante y productor. 

El Diario Infobae, en su edición digital publicó este artículo firmado por Fausto Urriste. 

“Nunca dejé de ser actor”: la historia del

renacer artístico de Tim Curry después del

ACV que cambió su vida

En diálogo con CBS Sunday Morning, el legendario actor de The Rocky Horror Picture
Show habló sobre su recuperación tras el accidente cerebrovascular de 2012, 
La importancia del arte en su vida y el valor de mantenerse fiel a sí mismo 
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Tim Curry podcast
Tim Curry relató su recuperación tras el ACV y su renacer artístico (YouTube: CBS Sunday Morning)

Tim Curry, reconocido por su papel en The Rocky Horror Picture Show, ofreció a CBS Sunday Morning una perspectiva profunda sobre su vida después del accidente cerebrovascular de 2012.

Durante la entrevista en California, centrada en la publicación de su memoria Vagabond, el actor británico relató el proceso de reaprender a hablar y enfatizó que jamás perdió su identidad artística. La conversación expone la constancia de Curry en el arte y su empeño por seguir adelante ante la adversidad.

Un accidente que marcó un quiebre

El accidente cerebrovascular de Curry supuso un punto de inflexión. Tal como explicó a CBS Sunday Morning, el episodio ocurrió durante un masaje, cuando el terapeuta detectó algo fuera de lo común y solicitó ayuda médica.

Tim Curry
Curry destacó la importancia de la familia y la disciplina en su vida y carrera

Sin dolor ni síntomas evidentes, Curry fue trasladado en ambulancia a un hospital, donde se le informó que había sufrido un ACV. “Tuve que aprender a hablar de nuevo”, recordó Curry. Fue sometido a una cirugía cerebral y permaneció cerca de un mes hospitalizado.

Durante la rehabilitación, una enfermera lo sacaba al patio para que sintiera el sol, un gesto que valoró por su cariño a California.

El camino de la recuperación y la resiliencia

A pesar de la superación médica, Curry enfrenta secuelas físicas: su lado izquierdo permanece sensible y, aunque recuperó movilidad, enfrenta dolor y limitaciones en el brazo y la pierna izquierdos.

La memoria 'Vagabond' revela la visión personal de Curry sobre fama y autenticidad (Captura de video)
La memoria 'Vagabond' revela la visión personal de Curry sobre fama y autenticidad (Captura de video)

Aun así, insistió en que nunca dejó de considerarse actor. “Nunca dejé de ser actor”, afirmó durante la entrevista concedida a CBS Sunday Morning. El gusto por la comunicación y las palabras continúa en el centro de su vida, igual que antes de perder el habla.

La resiliencia de Curry se sostiene sobre su pasión artística y su rechazo a la autocompasión. El actor relató que, aunque vivió momentos difíciles, no permitió que la autolástima influyera en su recuperación.

“No admiro la autocompasión”, señaló Curry, quien atribuye esa fortaleza a la influencia de su madre. La disciplina y la determinación lo definen, tanto en la carrera como en la vida personal.

Influencia familiar y desarrollo personal

Tim Curry en "The Rocky Horror Picture Show"
El actor de The Rocky Horror Picture Show compartió su experiencia de resiliencia y pasión por el arte (Photo by Movie Poster Image Art/ 20th Century Fox)

La familia jugó un rol central en la formación de Curry. Hijo de Jim Curry, capellán de la Marina Real británica, creció en medio de mudanzas constantes, a raíz de la naturaleza del trabajo de su padre.

Asistir a servicios religiosos y observar cómo su padre cautivaba a los fieles influyó en su vocación escénica. La pérdida de su padre, cuando tenía diez años, marcó profundamente su vida. Aún recuerda el último día que lo vio, luego del primer ACV paterno, y la responsabilidad que sintió tras la petición de “cuidar de su madre”.

La relación con su madre fue compleja. Curry la describe como cambiante y poco entusiasta respecto a su éxito profesional. Según comentó en CBS Sunday Morning, su madre temía que la fama lo modificara y prefería que pasara desapercibido.

Carrera, legado y el valor del misterio

El actor británico reflexionó sobre la vida, la muerte y la superación personal (Captura de video)
El actor británico reflexionó sobre la vida, la muerte y la superación personal (Captura de video)

En su carrera, Curry recordó sus primeros pasos en el teatro de Londres con Hair, y su consagración como ícono de culto gracias a The Rocky Horror Picture Show. Reconoció que Frank N. Furter dio a muchos jóvenes la libertad de ser diferentes, un legado del que se siente orgulloso.

Sin embargo, Curry aclaró que prefiere evitar la fama tradicional, eligiendo desaparecer en sus personajes y no fomentar una imagen pública. “He protegido el misterio sobre mi vida y mi carrera”, aseguró, reafirmando su defensa del enigma y la privacidad.

La publicación de Vagabond responde a esa voluntad de controlar su discurso personal. Curry rechazó convertir sus memorias en una historia sensacionalista sobre Hollywood, optando por reservar detalles íntimos y evitar mencionar aspectos sentimentales.

Curry rechazó la autocompasión y reivindica la fortaleza ante la adversidad (Captura de video)
Curry rechazó la autocompasión y reivindica la fortaleza ante la adversidad (Captura de video)

Para él, ese misterio es fundamental para su autenticidad artística y para mantener la individualidad frente a la exposición pública.

Reflexión actual sobre la vida y la muerte

En la etapa más reciente, Curry reflexiona sobre la mortalidad sin temor. En diálogo con CBS Sunday Morning, manifestó que no teme morir y espera afrontar ese momento con tranquilidad.

Esta visión, fruto de la introspección y la experiencia, resume la actitud de un artista que supo enfrentar la adversidad sin renunciar a la pasión ni perder su identidad. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con I Am The Pirate King, del musical The Pirates Of Penzance.