Kenny Rogers

Kenneth Donald Rogers, más conocido como Kenny Rogers, nació en Houston, Texas, Estados Unidos, el 21 de agosto de 1938, y murió en Sandy Springs, Georgia, Estados Unidos, el 20 de marzo de 2020. Cantautor, productor, empresario y actor. 

El sitio www.kennyrogers.com publicó su biografía. 

La superestrella ganadora del premio GRAMMY®, Kenny Rogers, reconocido vocalista, músico, compositor, productor, intérprete, actor, fotógrafo y empresario, disfrutó de un éxito excepcional durante su ilustre carrera de más de seis décadas. 

Con su gran resistencia y atractivo universal en plena demostración, Rogers se ganó el cariño de los amantes de la música de todo el mundo con sus increíbles canciones, sus sentidas interpretaciones, su voz inconfundible, su don para contar historias, su capacidad de conectar con el público, su carisma en el escenario, su amabilidad, su filantropía y su humildad, convirtiéndose en uno de los artistas discográficos más vendidos de todos los tiempos. 

Rogers vendió más de 120 millones de álbumes en todo el mundo, según la RIAA, incluyendo un álbum de diamante, 20 de platino y 11 de oro. Grabó 24 éxitos número 1 (incluyendo clásicos atemporales como "The Gambler", "Lady" "Islands In The Stream" [con Dolly Parton], "Lucille", "She Believes In Me", "Through The Years" y "You Decorated My Life"), 12 álbumes número 1 y 25 álbumes country en el Top 10. Sorprendentemente, Rogers ha tenido una canción en las listas de éxitos en cada una de las últimas ocho décadas. Su música siempre ha trascendido fronteras, con sencillos y álbumes que han tenido un éxito frecuente en las listas de Country, Top 40 y Adult Contemporary, y en algunos casos, en las listas de R&B y música cristiana. El primer artista country en llenar estadios de forma constante, Rogers también alcanzó el estrellato pop y llegó a la cima de la popularidad y la fama mundial que pocos artistas han logrado, actuando en vivo para millones de fans. Los 28 éxitos de Rogers en el Top 10 de Billboard Adult Contemporary lo ubican en el quinto lugar de todos los tiempos, y fue quien más veces llevó números 1 de música country al primer puesto en AC (cinco de sus ocho números 1 de AC también fueron números 1 de música country). Además de sus éxitos en solitario, Rogers fue conocido por sus numerosas colaboraciones, cada una de las cuales fue un verdadero acontecimiento que dio como resultado duetos dorados y exitosos con artistas como Dolly Parton, Dottie West, Kim Carnes, Ronnie Milsap y Sheena Easton. 

Rogers ha ganado premios de todas las organizaciones imaginables. En el otoño de 2013, Rogers recibió el honor más importante de su carrera al ser incluido en el Salón de la Fama y Museo de la Música Country en Nashville. Entre sus numerosos galardones se incluyen 21 American Music Awards, 11 People's Choice Awards, 10 Academy of Country Music Awards (incluidos el Premio a la Trayectoria, Artista del Año, varios Premios al Vocalista Masculino del Año y el Premio Pionero Cliffie Stone), seis Country Music Association Awards (incluidos el Premio a la Trayectoria Willie Nelson y el de Vocalista Masculino del Año), tres Premios GRAMMY®, dos Premios CMT Music Awards y el Premio CMT al Artista de por Vida en 2015. 

Recibió el Premio a la Trayectoria Profesional en los Premios de Música TNN, el Premio a la Trayectoria de la IEBA (Asociación Internacional de Compradores de Entretenimiento), una inducción al Salón de la Fama de la IEBA y el Premio Legado SESAC, entre muchos otros. Rogers fue incorporado póstumamente al Salón de la Fama de la Música Country de Texas en 2017. En 2026, se anunció que Rogers sería homenajeado en los Premios Western Heritage (que reconocen a los mejores creadores en literatura, música, televisión y cine que comparten su visión del Oeste) al ser incorporado al Salón de los Grandes Intérpretes del Oeste. Rogers también recibió el Premio Horatio Alger, otorgado a aquellos que se han distinguido a pesar de sus orígenes humildes, un honor que fue muy especial para él como alguien que creció en proyectos. Rogers fue votado como el "Cantante Favorito de Todos los Tiempos "en una encuesta conjunta de 1986 por lectores de USA Today y People. 

Nacido en Houston, Texas, Rogers formó su primera banda en 1956, durante su época de estudiante de secundaria, un grupo de doo-wop llamado The Scholars, y nunca dejó de hacer música. A finales de la década de 1950, alcanzó las listas de éxitos de Cash Box como solista con la canción " That Crazy Feeling "bajo el nombre de Kenneth Rogers, lo que le valió una actuación en el programa American Bandstand de Dick Clark. Tras tocar el contrabajo y cantar durante muchos años con el grupo de jazz The Bobby Doyle Three (con el que lanzó un álbum en Columbia Records), Rogers se unió al popular grupo folk The New Christy Minstrels. En 1967, Rogers formó First Edition , una banda que logró 11 sencillos y ocho álbumes de éxito en las listas de Billboard. Como vocalista principal del grupo, Rogers cantó en los mayores éxitos de la banda, incluyendo "Just Dropped In (To See What Condition My Condition Was In)", "Something's Burning", "Ruby, Don't Take Your Love To Town" y "Tell It All Brother". El grupo, que presentó su propio programa de televisión musical de variedades, Rollin' On The River (más tarde abreviado a Rollin'), emitido entre 1971 y 1973, se mantuvo unido hasta 1975. 

Tras la disolución de First Edition, Rogers se trasladó a Nashville y, en 1976, firmó un contrato discográfico con United Artists en la capital de la música country, con la ayuda del productor Larry Butler. Rogers lanzó su primer álbum en solitario, Love Lifted Me, en 1976, pero fue su segundo álbum homónimo, publicado en 1977, el que lo catapultó al estrellato una vez que su segundo sencillo, "Lucille", comenzó a sonar en la radio a principios de ese año; esta pegadiza canción se convertiría en el primer éxito número uno de Rogers. El cantante cosechó muchos éxitos clásicos a lo largo de la década, incluyendo “Daytime Friends”, “Sweet Music Man”, “Every Time Two Fools Collide” (con Dottie West), “Anyone Who Isn't Me Tonight” (con Dottie West), “ All I Ever Need Is You” (con Dottie West), “Love Or Something Like It”, y el monumental número 1 “The Gambler”, “She Believes In Me”, “You Decorated My Life” y “Coward Of The County”. Rogers fue nombrado Vocalista Masculino del Año tanto por la CMA como por la ACM, y también fue reconocido como Artista del Año por la ACM en 1979. 

Rogers comenzó la década de 1980 con dos grandes éxitos: "Don't Fall In Love With A Dreamer " (con Kim Carnes) y "Love The World Away" (de la banda sonora original de la película Urban Cowboy). Luego hizo historia musical con el éxito crossover de "Lady", una canción escrita y producida por Lionel Richie, que alcanzó el número 1 en cuatro listas de éxitos diferentes: Country, Pop, AC y R&B, una hazaña excepcional. El álbum del que se extrajo la canción, Kenny Rogers' Greatest Hits, fue certificado Diamante por ventas superiores a los 10 millones de unidades. En la década de 1980, Rogers se mantuvo en la cima o cerca de ella con grandes éxitos como "I Don't Need You", "Share Your Love With Me", "Through The Years", "Love Will Turn You Around", "A Love Song", "We've Got Tonight" (con Sheena Easton), " Islands In The Stream " (con Dolly Parton), "This Woman", "Buried Treasure", "Crazy", "Morning Desire", "Tomb Of The Unknown Love", "Twenty Years Ago" y el dúo número 1 ganador del premio GRAMMY® "Make No Mistake, She's Mine" (con Ronnie Milsap). 

En 1985, Rogers cantó en el sencillo benéfico USA For Africa, ganador del premio GRAMMY®, «We Are The World», acompañada por un número sin precedentes de leyendas de la música, incluidos los coautores de la canción, Michael Jackson y Lionel Richie. La pista musical de «We Are The World» se grabó en los estudios Lion Share de Rogers en Los Ángeles, donde también Jackson y Richie grabaron las pistas vocales guía que se usarían unos días después durante la grabación del coro estelar. Se vendieron más de 20 millones de copias de la canción, recaudando más de 80 millones de dólares (equivalentes a 200 millones de dólares actuales) para el alivio de la hambruna en Etiopía y otras naciones africanas, así como para programas nacionales contra el hambre. 

Rogers también forjó una exitosa carrera como actor a principios de los 80, interpretando el papel principal de Brady Hawkes en la exitosa serie de televisión de cinco películas The Gambler, que se emitió entre 1980 y 1994; protagonizando la película para televisión Coward Of The County (1981), la película Six Pack (1982) y las películas para televisión Wild Horses (1985), Rio Diablo (1993), MacShayne: Winner Takes All (1994) y MacShayne: The Final Roll Of The Dice (1994). Rogers también interpretó a Daniel Watkins en un episodio de la popular serie de televisión Dr. Quinn, Medicine Woman (1994), y a Denny Blye en Touched By An Angel (2000), película que también incluyó su gran éxito de regreso, "Buy Me A Rose". Rogers presentó y narró el documental para televisión The Real West en 1992 y también apareció en Reno 911! y Cómo conocí a vuestra madre.  

A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, Rogers también fue presentador invitado en lugar de Johnny Carson en The Tonight Show Starring Johnny Carson y Kenny presentó varios especiales de televisión de Kenny Rogers Classic Weekend en la televisión abierta a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 que incluían competiciones deportivas con músicos y algunos de los mejores atletas profesionales del país en varios deportes. Muchos especiales musicales con Rogers también se emitieron en la televisión abierta y por cable, incluidos A Special Kenny Rogers (1979), Kenny Rogers Live In Concert (1983), Kenny & Dolly: A Christmas To Remember (1984), Kenny, Dolly and Willie: Something Inside So Strong (1989), Kenny Rogers Keep Christmas With You (1992) y Kenny Rogers: All In For The Gambler (2021). 

En la década de 1990, Rogers continuó actuando en los rincones más remotos del mundo e impactó las listas de éxitos con temas como "Maybe" (con Holly Dunn), "Love Is Strange" (con Dolly Parton), "If You Want To Find Love" y "The Greatest" (que contó con un videoclip que alcanzó el número 1). En el año 2000, Rogers regresó al número 1 de la lista Billboard Country por primera vez desde 1987 con la balada romántica "Buy Me A Rose" (con Alison Krauss y Billy Dean). Este logro fue aún más destacable por haber sido lanzado bajo el sello independiente de Rogers, Dreamcatcher Records. En ese momento, Rogers tenía 61 años y se convirtió en el artista de mayor edad en la historia de las listas de éxitos en tener una canción solista número 1. En los años siguientes, Rogers consiguió otro éxito en el Top 20 con "I Can't Unlove You", el primer sencillo del aclamado álbum Water & Bridges, que también generó una nominación al GRAMMY® por "Calling Me", la colaboración de Rogers con su compatriota tejano Don Henley. 

En 2011, Rogers lanzó su único disco de gospel, The Love Of God, bajo su propio sello. Este fue un logro que Rogers anhelaba y del que estaba muy orgulloso (aprendió a cantar armonías en la iglesia cuando era niño). Inicialmente, el disco estuvo disponible exclusivamente en Cracker Barrel, antes de ser lanzado por Gaither como Amazing Grace con una secuencia diferente y posteriormente como The Love Of God (Edición Deluxe) con una canción inédita, "The Gospel Truth" (con la participación de The Oak Ridge Boys). Rogers publicó sus memorias, Luck or Something Like It, en 2012, que se convirtieron en un éxito de ventas del New York Times. En otoño de 2013, Rogers fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Country y, en 2014 y 2015, el Salón de la Fama presentó la exposición "Kenny Rogers: Through The Years". Continuó ganándose el cariño del público con su música atemporal, lanzando nuevos álbumes aclamados por la crítica con Warner Bros. Records: You Can't Make Old Friends (2013) y Once Again It's Christmas (2015), y obteniendo una nominación al GRAMMY® (Mejor interpretación de dúo/grupo country) en 2014 por su último dueto con Dolly Parton, la conmovedora "You Can't Make Old Friends". Realizó giras por todo el mundo con actuaciones en festivales tan prestigiosos como el Festival de Glastonbury y Bonnaroo, y apareció en televisión, incluyendo un anuncio de GEICO muy bien recibido, en 2015. 

Por su aclamada trayectoria fotográfica, Rogers recibió el título honorífico de Maestro de Fotografía de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de América en 2014 y, en 2017, fue galardonado con el primer Premio a la Trayectoria Profesional del Salón de la Fama y Museo Internacional de la Fotografía en San Luis, Misuri. Rogers es autor de varios libros de fotografía, entre ellos Kenny Rogers' America, This Is My Country y Your Friends and Mine. 

En otoño de 2015, tras una de las carreras más exitosas e icónicas en la historia del espectáculo, Kenny Rogers acaparó titulares al anunciar que pronto emprendería una gira de despedida. En la primavera de 2016, el legendario cantante inició ese proceso con su gira mundial " The Gambler's Last Deal Final World Tour", despidiéndose de su fiel legión de fans ciudad por ciudad y noche por noche, en lo que fue una noche de música y recuerdos aclamada por la crítica. 

Lamentablemente, el 20 de marzo de 2020, el mundo se despidió del ícono de la música estadounidense cuando Rogers falleció por causas naturales en su casa en Sandy Springs, Georgia. El 27 de marzo de 2020, Capitol Nashville envió "Goodbye", una grabación poco conocida de Rogers escrita por Lionel Richie, a las radios de música country con la nota: "Los más cercanos a Kenny querían que esta canción estuviera disponible para todos sus fans". Rogers ofrece una interpretación conmovedora de la emotiva canción: "Hay paz donde estás / Puede que sea todo lo que necesito saber / Y si escucho a mi corazón / Oiré tu risa una vez más / Así que tengo que decir / Me alegro de que hayas venido a mi vida / No es fácil decir adiós". 

Rogers regresó póstumamente al puesto número 1 en la lista Top Country Albums de Billboard por primera vez desde los años 80 con el álbum recopilatorio de 2018, The Best of Kenny Rogers. Through The Years. Fue la duodécima vez que Rogers alcanzó el número 1 en la lista Top Country Albums de Billboard. "Goodbye" se convirtió en la piedra angular de Life Is Like A Song, un álbum muy especial de Kenny Rogers lanzado póstumamente en 2023. El impresionante y emotivo ciclo de canciones, que presenta joyas inéditas de The Kenny Rogers Vault y codiciadas rarezas, interpretadas por el legendario Kenny Rogers, curado y coproducido por la viuda de Rogers, Wanda Rogers, con Ken Levitan y Jason Henke, recibió críticas entusiastas generalizadas tanto de la crítica como de la leal legión de fans de Kenny. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con tres canciones: Coward of The County, Buy Me A Rose y Goodbye.  

Ralf Hütter

Ralf Hütter nació en Krefeld, Düsseldorf, Alemania, el 20 de agosto de 1946. Cantante, compositor, productor, arreglador y multi instrumentista. Toca sintetizador, teclado, guitarra, bajo, batería, y percusión.  

El sitio www.www.progjazz.org publicó esta entrevista. 

Ralf Hütter y la razón para seguir con Kraftwerk: «La música nunca está terminada» 

By ProgJazz 24 de febrero de 2026 

El 20 de febrero de 2026, el diario alemán Die Zeit publicó una de esas entrevistas que no suelen ocurrir con mucha frecuencia. De hecho es una de las escasas conversaciones extensas con Ralf Hütter, cofundador y cerebro conceptual de Kraftwerk, una de las bandas más herméticas e influyentes de la música de vanguardia de Europa. 

En la entrevista, Hütter recorre casi seis décadas de historia, desde los primeros experimentos en el local Creamcheese de Düsseldorf, la cancelación de la primera gira alemana tras «Autobahn» (1974), el impacto inesperado de «Trans Europa Express» (1977) en el Bronx de Estados Unidos, hasta la visión temprana de la era digital en «Computerwelt» (1981). 

También aborda temas más íntimos, como la abrupta y silenciosa salida de Florian Schneider en 2007, la reconciliación antes de su muerte en 2020 y la convicción que lo mantiene aún en gira. 

Todos los créditos son para Die Zeit, y la curación para el mundo hispanohablante es de ProgJazz. 

La entrevista con Ralf Hütter 

Z: Señor Hütter, usted nació el 20 de agosto de 1946. ¿Cuál es su primer recuerdo consciente? 

RH: De niños recogíamos colillas en la cuneta para las pipas blancas de San Martín que venían con los “Weckmänner”, esos panes que se repartían a los niños. Cuando reuníamos suficiente tabaco, lo fumábamos con esas pipas hasta que nos sentíamos mal. (ríe) 

Z: Creció en Krefeld y asistió a una escuela Waldorf, algo inusual en los años cincuenta. 

RH: Fue casualidad. Niños y niñas en la misma clase; en esa época normalmente estaban estrictamente separados. Había asignaturas abiertas como pintura, dibujo, manualidades, costura y tejido, euritmia, juegos, representaciones, expresión oral y música. 

Z: ¿También hizo música desde pequeño? 

RH: Tomé clases de piano, pero la música que realmente me interesaba no podía aprenderla allí. Solo estaba en la radio o en discos, el pop, rock ‘n’ roll, jazz, rhythm and blues. Vivíamos en el sector británico y por eso podíamos escuchar BFBS, la emisora de radio. Como estudiante de intercambio sabía inglés y, en la medida de lo posible, anotaba las letras de las canciones que escuchaba en la radio. Así entré en ese mundo. 

Z: ¿Cuál era su música favorita? 

RH: Sobre todo rhythm and blues, por ejemplo, John Lee Hooker. Más tarde lo vi en vivo. La agencia Lippmann y Rau organizó a comienzos de los sesenta el American Folk Blues Festival y trajo a Europa a los músicos estadounidenses que sonaban en la radio. 

Z: ¿Quiso ser músico profesional desde adolescente? 

RH: No lo pensé. Durante mucho tiempo no tuve ninguna idea de profesión. Luego estudié arquitectura, incluso completé el pre diploma, pero mientras la música se volvía más importante, los estudios fueron quedando de lado. 

Z: Su primera actuación fue en el Creamcheese, un club de Düsseldorf. 

RH: El Creamcheese abrió en 1967 y para el aniversario de 1968 tocamos allí por primera vez. Florian Schneider y yo nos habíamos conocido antes en la academia de Remscheid; conectamos de inmediato e improvisábamos mucho juntos, eso siempre fue nuestra fortaleza. 

Z: ¿Recuerda aquella actuación? 

RH: Apenas. Había un estroboscopio encendido durante horas, como cada noche. La actuación fue bien recibida y desde entonces se empezó a hablar de nuestra música. Incluso ganamos algunos marcos alemanes esa noche, estuvo bien. 

Z: El Creamcheese estaba muy ligado a la escena artística… 

RH: Sí, al frente había una escultura de clavos de Günther Uecker, un mural de Gerhard Richter y una instalación con monitores de televisión en blanco y negro de Nam June Paik. A Joseph Beuys se lo veía por la noche en el casco antiguo jugando al futbolito (fútbol de mesa). Nosotros estábamos en la máquina de pinball. Sigmar Polke estaba allí, era amigo mío. Tenía ese humor trascendental, no evidente, más bien sutil. Eso me gustaba. 

Z: Ese humor sutil también se percibe en Kraftwerk, cuando más tarde se reemplazaron en el escenario por robots. 

RH: Para Florian y para mí era importante que el arte tuviera varios niveles. Nam June Paik hizo años después en Nueva York una enorme pared de video con nuestras figuras robóticas, con el video por computadora de nuestra canción Musique Nonstop. 

Z: En 1981, la revista Elaste publicó una entrevista en la que el entrevistador se sorprendía, escribó algo asi: “En Tokio, Londres o América los conciertos de Kraftwerk se agotan con meses de anticipación. Aquí en Hannover hoy estaba medio vacío”. Usted respondió: “Tampoco lo entendemos del todo”. ¿Al principio no los entendieron en Alemania? 

RH: Sí, pero el círculo era más pequeño; eso cambió después. Nuestra primera gira alemana en 1975, tras la gira estadounidense y después de que apareciera «Autobahn«… 

Z: … su primer gran éxito… 

RH: … la planificamos junto con Fritz Rau, el promotor de conciertos. Elegimos las ciudades y mandamos a imprimir los carteles. Luego la gira tuvo que cancelarse por falta de interés del público. Todavía conservo esos carteles. 

Z: Muchas radios alemanas no ponían a Kraftwerk, aparentemente también por el nombre de la banda. 

RH: El único que nos pasaba era Winfrid Trenkler, de la WDR, una leyenda de la música electrónica en Colonia. Apoyó a Kraftwerk y a la música electrónica desde el principio. También emitía nuestros temas más experimentales, mucho antes de «Autobahn». 

Z: En los primeros años tocaban sobre todo en clubes y galerías. 

RH: En sótanos de jazz, clubes juveniles y centros culturales en todo el Ruhr y en el casco antiguo de Düsseldorf. Fue importante Burkhard Hennen, de Moers, que nos invitaba a menudo a su “Röhre”. Más tarde fundó el Festival de Jazz de Moers. 

También nos contrataban galerías y museos como la Kunsthalle de Düsseldorf y la Galería Hans Mayer en Krefeld. Hoy nos representa la galerista Monika Sprüth y la galería Sprüth Magers, que impulsó nuestros conciertos en el MoMA de Nueva York en 2012. 

Z: En los primeros años incluso se dice que durante los conciertos ustedes mismos iban a la pista de baile. 

RH: Fue en una performance en el Museo Abteiberg de Mönchengladbach, con el director Johannes Cladders. En 1970 tenía una drum machine conectada a mi órgano eléctrico, que podía tocar en vivo con pequeñas teclas o dejar correr con ritmos programados. La escena artística apoyó nuestros experimentos desde el principio; había un enorme espíritu de apertura entre 1968 y comienzos de los setenta. 

Z: De pronto dejaron de dar conciertos en vivo. 

RH: Desde comienzos de 1977, después de «Trans Europa Express«, no actuamos en vivo durante cuatro años. En 1978 salió «Die Mensch-Maschine«; esa música no podíamos tocarla en vivo. La tecnología solo funcionaba en el estudio. Desarrollamos entonces performances para televisión, como en Musikladen. Era playback, y nuestros robots eran maniquíes que colocábamos en la primera fila del público. 

Z: Eso era arte performático. 

RH Para Die Roboter escribí en 1978: “Cargamos nuestra batería / Ahora estamos llenos de energía / Estamos programados para todo / Y lo que tú quieras será ejecutado / Funcionamos automático / Ahora queremos bailar mecánico”. Y también lo hice en inglés. 

Z: Mezclaron idiomas muy temprano, algo inusual en el pop. 

RH: Lo aprendimos en la gira americana de mediados de los setenta. Hablo francés e inglés; en la escuela también estudié ruso: “Ja tvoi sluga / Ja tvoi rabotnik”. 

Z: «Autobahn» fue un gran éxito en radios universitarias estadounidenses. ¿Es verdad que muchos creían que cantaban “Fun, fun, fun on the Autobahn”? 

RH: Es posible. (sonríe) Nuestra línea no es una cita directa de los Beach Boys; es más bien poesía fonética. Pero para oídos estadounidenses suena parecido:“La calzada es una cinta gris / Líneas blancas, borde verde / Encendemos la radio / Del altavoz suena entonces / Conducir, conducir, conducir por la autopista”. 

La grabación tenía que detenerse a los 20 minutos porque el vinilo se nos acababa. En vivo podía durar 40 minutos. «Autobahn» es música infinita. 

Z: Su infancia y juventud tuvieron lugar en los primeros años de la joven República Federal. Se hablaba de la llamada “hora cero”, un término históricamente controvertido (nota de ProgJazz: Alemania partia de cero desde la derrota de la Segunda Guerra Mundial y el fin del régimen n). Pero para su música esa perspectiva fue decisiva, ya que se trataba de mirar hacia adelante, hacia el futuro. 

RH: Sin duda. Naturalmente sabíamos de los emocionantes años veinte, y también sabíamos todo lo que había sido destruido en los doce años posteriores. Florian y yo crecimos ya como europeos; en los años cincuenta, durante las vacaciones de verano, participábamos constantemente en intercambios escolares con familias anfitrionas en Francia e Inglaterra. 

Cuando tenía doce años, al principio solo podía hablar francés; aprendí a escribirlo recién después. También he escrito poesía en francés, Les Mannequins y todos los textos del álbum «Tour de France» (2003). Taschenrechner (Pocket Calculator) también la he cantado en inglés, francés, italiano, polaco, ruso y japonés. Para los conciertos aprendí los textos fonéticamente de memoria. Cuando éramos jóvenes, Florian y yo aprendimos a dar señales en favor del entendimiento entre los pueblos. Eso parece olvidarse a veces hoy en día. 

Z: También su canción Trans Europa Express de 1977 habla de ello; es un homenaje a Europa. 

RH: ¡Y realmente viajamos en ese tren! Nuestra discográfica francesa alquiló un vagón TEE para la presentación del álbum; con él viajamos de París a Reims, en la Champaña, a las bodegas de vino espumoso de allí. El viaje de regreso fue acorde a eso; hoy en día ya ni se puede imaginar. Aunque yo no bebo champán, probablemente tomé jugo de manzana. 

Z: En 1977, con motivo del lanzamiento de Trans Europa Express, también estuvieron en Nueva York y fueron a los clubes… 

RH: Una noche, Florian y yo estábamos en el famoso local Studio 54. Después, un empleado de nuestra discográfica nos llevó a un club after hour en el Bronx. Florian y yo estábamos en la pista de baile y, de repente, escuchamos cómo el DJ ponía Trans Europa Express y Metall auf Metall; eso sonó durante 15 a 20 minutos, mucho más tiempo que en nuestro disco. Mezclaba y hacía scratch con dos discos en dos tocadiscos. El DJ era Afrika Bambaataa. 

Z: La hora cero del hip-hop. 

RH: Luego todavía pasaron otros cinco años hasta que salió «Planet Rock» (1982). 

Z: … que, como es sabido, se basa en Trans Europa Express y Numbers. Cinco años… que pasara tanto tiempo, hoy en dia es inimaginable. 

RH: Hoy todo ocurre de inmediato. En esa época las cosas podían desarrollarse. Ahora hay tantas imágenes digitales que también las experiencias pasan a toda prisa. 

Z: «Computerwelt» de 1981 predijo el mundo digital actual. 

RH: Para nosotros eso ya era el presente. 

Z: ¿Aunque aún no tenían computadora? 

RH: Para la gira de 1981 tuvimos nuestro primer Atari. Pero antes ya veíamos los inicios. En esa época la policía trabajaba con búsquedas computarizadas. 

Z: El BKA (Oficina Federal de Investigación Criminal de Alemania) trabajaba con ‘búsqueda por patrones’ (Rasterfahndung), que también se le llamaba ‘Comisario Computadora’. Eran los años de la RAF (Fracción del Ejército Rojo), el grupo terrorista de izquierda radical. 

RH: Por las noches, cuando íbamos en nuestro automovil, a menudo la policía nos controlaba en Düsseldorf. “Buenas noches”, decía yo entonces, “soy músico, vengo del trabajo”. Entonces nos dejaban seguir. 

Una vez también fueron al estudio Kling-Klang porque un vecino los había llamado, aunque lo teníamos todo bien aislado. En el departamento de Florian, fuerzas armadas llegaron incluso a trepar por la fachada a través del balcón. Primero hubo que calmar la situación: “Estamos haciendo música, componemos, dibujamos y escribimos textos”. 

Z: ¿Cuándo comenzaron a usar computadoras para hacer música? 

RH: En 1976 tenía un secuenciador analógico para controlar mi Minimoog, construido por amigos en Bonn. Siempre me interesó la música automatizada, la música que se toca sola. A veces dejábamos los loops sonando mientras íbamos por pizza. Al volver, el sonido había cambiado. Era muy creativo. 

Muchas composiciones solo pudieron tocarse en vivo décadas después, cuando la tecnología alcanzó a la música. 

Z: Usted alguna vez dijo el por qué Kraftwerk sigue todavía de gira: “Pero es que esa es mi vida”. ¿Es así aun? 

Hütter: Así es. La música es un arte que se desarrolla con el tiempo. No se la puede colgar en la pared. Un canción no es una obra terminada como una escultura. La música nunca está terminada. 

Z: En 1997 los vi en Tribal Gathering en Inglaterra. 

RH: Hacía mucho frío, había escarcha. Toqué con guantes en la prueba de sonido. 

Z: DJs como Juan Atkins y Jeff Mills querían verlos. 

RH: Fue un honor. 

Z: Esos dos músicos de Detroit son considerados cofundadores del techno y han contado muchas veces que Kraftwerk fue una influencia importante para ellos. Pero volvamos a hablar de Florian Schneider. Señor Kling y Señor Klang, así se llamaban ustedes durante mucho tiempo. A comienzos de 2007 él dejó Kraftwerk. 

RH: Sí, a finales de 2006 Florian tocó por última vez con nosotros, en Zaragoza, en España. Y un día de 2007 sus instrumentos habían desaparecido de nuestro estudio. Los había recogido en secreto. 

Z: ¿Sin explicación? 

RH: Sin comentarios, sí. Se retiró de manera espontánea. Desde hacía un tiempo no se sentía bien de salud, y yo lo acepté. 

Z: ¿Pero después de haber trabajado juntos durante 39 años, se fue sin decir una palabra? 

RH: Naturalmente, en ese momento me habría gustado escuchar algunas palabras. Uno hace las cosas de una manera, otro de otra. 

Z: Antes de su muerte en 2020 se reconciliaron. 

RH: Sí. Eso fue importante. Me escribió y fui a verlo. Nos reconciliamos. 

Z: ¿Qué se dice en un momento así? 

RH: No mucho. Creamos Kraftwerk desde la nada. No hacen falta muchas palabras. 

Z: Se dice que él deseaba que la noticia de su muerte fuera publicada por Kraftwerk, es decir, por usted. 

RH: Si 

Z: ¿Estuvieron cerca de terminar después de su salida? 

RH: No. Ya estábamos construyendo el nuevo estudio Kling-Klang y contratados para Coachella 2008. Decidimos seguir. 

Z: Que hasta hoy sigan de gira por todo el mundo, el año pasado también nuevamente por Alemania, ¿cree que eso contribuye a que Kraftwerk sigan presentes hoy? 

RH: En cualquier caso, es algo poco común. 

Z: ¿Y cuál es la razón? 

RH: No hay buenas frases para eso. ¿Debería decir que no aprendí otra cosa? (ríe) Se ha dicho mucho absurdo sobre nosotros, por ejemplo que nuestros padres ricos nos regalaban sintetizadores. 

Cuando en 1970 dejamos la universidad para fundar el estudio Kling-Klang, nuestros padres nos quitaron la mesada, que debe haber sido unos 200, 300 marcos alemanes. Nos financiamos con shows en pequeños clubes. Ahorré para comprar sintetizadores. Mi primer Minimoog me costó tanto como mi Volkswagen. 

Z: ¿Cuándo entendieron sus padres lo que hacían? 

RH: En 1981. Hubo un concierto en la Philipshalle de Düsseldorf, y pudieron llevar también a sus conocidos. Entonces estaban felices: “¡Miren, nuestro hijo!”. Lo mismo ocurrió con Florian, él debía convertirse en arquitecto y asumir el estudio de su padre. Pero nosotros vivíamos en un mundo completamente distinto. En los clubes y en la escena artística no nos encontramos con nadie que conociéramos del mundo burgués. 

Z: Lleva casi sesenta años haciendo música. En 2014 recibió un Grammy por su trayectoria. ¿Cómo habría sido su vida sin Kraftwerk? 

RH: ¡Aburrida! 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Wir Sind die Roboter.   

Roddie Edmonds. Sargento Mayor del Ejército de los Estados Unidos. Justo entre las Naciones.

Roderick 'Roddie' Waring Edmonds nació en South Knoxville, Tennessee, Estados Unidos, el 20 de agosto de 1919, y murió en su ciudad, el 8 de agosto de 1985. Sargento Mayor del Ejército de los Estados Unidos. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Roddie Edmonds 

EE.UU 

"Todos somos judíos" 

El sargento mayor Roddie Edmonds (nacido en 1919) de Knoxville, Tennessee, sirvió en el Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Participó en el desembarco de las fuerzas estadounidenses en Europa y fue hecho prisionero por los alemanes. Junto con otros prisioneros de guerra estadounidenses, incluidos judíos, fue llevado a Stalag IXA, un campo cerca de Ziegenhain, Alemania. En consonancia con su política antisemita, los alemanes discriminaron a los prisioneros de guerra judíos, y muchos de ellos en el Frente Oriental fueron enviados a campos de exterminio o asesinados. En algunos casos, en el frente occidental, los prisioneros de guerra judíos también fueron separados de los demás. En algún momento de enero de 1945, los alemanes anunciaron que todos los prisioneros de guerra judíos en Stalag IXA debían presentarse a la mañana siguiente. El sargento mayor Edmonds, quien estaba a cargo de los prisioneros, ordenó a todos los prisioneros de guerra, judíos y no judíos por igual, que se pusieran de pie juntos. Cuando el oficial alemán al mando vio que todos los prisioneros del campo estaban de pie frente a sus barracones, se volvió hacia Edmonds y le dijo: «No pueden ser todos judíos». A lo que Edmonds respondió: «Todos somos judíos». El alemán sacó su pistola y amenazó a Edmonds, pero el sargento mayor no vaciló y replicó: «Según la Convención de Ginebra, solo tenemos que dar nuestro nombre, rango y número de serie. Si me dispara, tendrá que dispararnos a todos, y después de la guerra será juzgado por crímenes de guerra». El alemán se dio por vencido, se dio la vuelta y se marchó del lugar. 

Paul Stern, uno de los prisioneros de guerra judíos salvados por Edmonds, fue hecho prisionero el 17 de diciembre de 1944, durante la Batalla de las Ardenas (una ofensiva alemana en el Frente Occidental, del 16 de diciembre de 1944 al 25 de enero de 1945). Describió cómo los prisioneros fueron obligados a marchar durante cuatro días bajo un frío intenso hasta una estación de tren. Algunos prisioneros murieron en el camino. En la estación, los subieron a vagones de carga y los condujeron durante varios días, sin comida, a un campo cerca de Bad Orb, el Stalag IX B, donde los prisioneros de guerra judíos fueron segregados en barracones especiales, con colchones infestados de piojos y raciones de comida insuficientes. Stern y los demás suboficiales judíos tuvieron la suerte de ser llevados al cercano campo de Ziegenhain, mientras que los demás prisioneros de guerra judíos de menor rango fueron enviados a campos de trabajos forzados. Fue en este segundo campo, Stalag IX A, donde, gracias al coraje de Edmonds, Stern y los demás prisioneros de guerra judíos se salvaron del segundo intento de aislar a los prisioneros de guerra judíos. 

Stern declaró a Yad Vashem que, si bien había estudiado alemán en la universidad, no se lo reveló a los alemanes; era capaz de escuchar lo que decían sin que ellos supieran que los entendía. Stern permaneció cerca de Edmonds durante la conversación con el oficial alemán. El intercambio entre el alemán y Edmonds tuvo lugar en inglés. «Aunque han pasado setenta años», dijo Stern, «aún puedo oír las palabras que le dijo al comandante del campo alemán». 

Otro testigo del intercambio fue Lester Tanner, quien también había sido capturado en la Batalla de las Ardenas. Tanner se había alistado en el ejército en marzo de 1943 y se había entrenado en Fort Jackson. El sargento mayor Edmonds era el suboficial de mayor rango en el 422.º Regimiento de Infantería, y Tanner lo recordaba bien de su período de entrenamiento. «No hacía alarde de su rango. Se notaba que dominaba el tema y se comunicaba con fluidez, sin ser arrogante ni desconsiderado. Lo admiraba por su mando... Estuvimos en combate en el frente solo por un corto tiempo, pero era evidente que Roddie Edmonds era un hombre de gran valentía que lideraba a sus hombres con la misma capacidad que habíamos llegado a conocer en Estados Unidos». Tanner declaró a Yad Vashem que, en aquel momento, eran plenamente conscientes de que los alemanes estaban asesinando a los judíos. Por lo tanto, comprendieron que la orden de separar a los judíos de los demás prisioneros de guerra significaba que los judíos corrían un grave peligro. Calculo que había más de mil estadounidenses formados en amplia formación frente al cuartel, con el sargento mayor Roddie Edmonds al frente, acompañado por varios suboficiales superiores, entre los que me encontraba yo. Ni yo ni el sargento mayor Edmonds teníamos ninguna duda de que los alemanes estaban separando a los prisioneros judíos del resto de la población carcelaria, poniendo en grave riesgo su supervivencia. La orden permanente del Ejército de los Estados Unidos a sus oficiales de alto rango en los campos de prisioneros de guerra es resistir al enemigo y velar por la seguridad de sus hombres en la medida de lo posible. El sargento mayor Edmonds, arriesgando su vida, desafió a los alemanes, con la inesperada consecuencia de que los prisioneros judíos se salvaron. 

Chris Edmonds, hijo de Roddie, contó a Yad Vashem que su padre llevaba un diario en el campo de prisioneros, donde también hacía que otros prisioneros escribieran sus nombres y direcciones. Las raciones de comida eran muy escasas y los prisioneros pasaban hambre, así que Edmonds, junto con algunos amigos, planeó abrir un restaurante al finalizar la guerra. Edmonds, que tenía talento artístico, hizo dibujos del restaurante y diseñó su logotipo. Estos planes se abandonaron tras su regreso a casa. 

Edmonds fue reclutado de nuevo durante la Guerra de Corea. 

El 10 de febrero de 2015, Yad Vashem reconoció al sargento mayor Roddie Edmonds como Justo entre las Naciones. 

El 27 de enero de 2016, se celebró una ceremonia en la embajada de Israel en Washington D. C. El embajador israelí, Ron Dermer, y el presidente del Consejo de Yad Vashem, el rabino Lau, entregaron la medalla al Justo y el certificado de honor al hijo de Edmund. A la ceremonia asistió el presidente de los Estados Unidos, Barack Obama. 

Tony Williams

Anthony Williams, más conocido como, Tony Williams, nació en Durham, Reino Unido, el 19 de agosto de 1947. Bajista y guitarrista. 

El sitio www.en.wikipedia.org publicó su biografía. 

Anthony Williams (nacido el 19 de agosto de 1947) es un músico inglés que tocaba el bajo en la banda de folk rock / rock Stealers Wheel y que también tocó con Jethro Tull. 

Carrera 

Nacido en la ciudad de Durham, más tarde se mudó a Blackpool, Lancashire, donde también vivían otros futuros miembros de la banda Jethro Tull, entre ellos Ian Anderson, Barriemore Barlow, John Evan y Jeffrey Hammond.  

En la década de 1960 tocó la guitarra con The Executives, una banda Mod de Blackpool que grabó un puñado de sencillos con el líder Roy Carr y el futuro bajista de Jethro Tull, Glenn Cornick.  

Williams audicionó originalmente para unirse a Jethro Tull en 1968 junto con Martin Barre. También lanzó un sencillo, "Lazy River". De 1970 a 1971 tocó el bajo con la banda Requiem.  

En 1972, Williams se unió a Stealers Wheel, que había sido formado a principios de ese año en Paisley, Renfrewshire por los antiguos amigos de la escuela Gerry Rafferty y Joe Egan. Williams ayudó a grabar su álbum debut homónimo Stealers Wheel, que fue producido por los influyentes compositores y productores estadounidenses Leiber & Stoller. Williams dejó Stealers Wheel un año después. En 1978 se unió a Jethro Tull, reemplazando a John Glascock que estaba enfermo, a petición de Ian Anderson. Se unió a ellos en su gira por Norteamérica antes de regresar al trabajo de estudio y producción televisiva. Esto lo llevó a ser contratado por el gigante estadounidense de telecomunicaciones Southwestern Bell como subdirector de marketing para el lanzamiento de su televisión por cable en el Reino Unido.  

Tras ser contactados por iTunes y K-tel Records en California, y después de negociaciones que comenzaron en 2006, Williams reformó Stealers Wheel en Blackpool en 2008 con otros dos exmiembros de la banda, Rod Coombes y Paul Pilnick, junto con el músico y compositor local Tony Mitchell. El 10 de noviembre de 2008 comenzaron a filmar un video musical para una reedición de "Stuck in the Middle" en la costa de Fylde. También comenzaron a escribir canciones para un nuevo álbum que se lanzaría en 2009, aunque no tienen planes de salir de gira.  

Vida personal 

Williams trabaja en la conservación de elefantes y ha trabajado como asesor de relaciones públicas, con sede en el zoológico de Blackpool, para la Asociación Británica e Irlandesa de Zoológicos y Acuarios. En 2007 fue elegido concejal local en Blackpool. Fue reelegido en 2011 y fue líder del Grupo Conservador en el Ayuntamiento de Blackpool y miembro de la junta directiva del Consejo de las Artes del Noroeste. Renunció al Grupo Conservador en febrero de 2023 y ahora no está directamente involucrado en la política local y contribuye a varios sitios web de medios de comunicación sobre temas políticos e investigaciones. "Ayuntamiento de Blackpool". 22 de febrero de 2023. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Aqualung. 

Johnny Preston

John Preston Courville, más conocido como Johnny Preston, nació en Port Arthur, Texas, Estados Unidos, el 18 de agosto de 1939, y murió en Beaumont, Texas, Estados Unidos, el 4 de marzo de 2011. Cantante.   

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Steve Leggett. 

El pionero del rock and roll Johnny Preston, recordado sobre todo por su éxito número uno de 1960, "Running Bear", nació como John Preston Courville en Port Arthur, Texas, el 18 de agosto de 1939, de ascendencia cajún y alemana. Tras graduarse de la escuela secundaria, durante la cual cantó en concursos corales escolares por todo el estado, asistió al Lamar State College en Beaumont, Texas, donde formó su primera banda, The Shades, en 1957 y comenzó a tocar en bailes de clubes locales. Fue en uno de estos bailes en 1958 que lo descubrió JP Richardson, más conocido por su nombre artístico, The Big Bopper. Richardson había escrito una canción llamada "Running Bear", una especie de versión cómica de Romeo y Julieta con temática indígena americana, y llevó a Preston a los estudios Gold Star en Houston para grabarla. Bill Hall fue el productor de la sesión, con Link Davis tocando el saxofón y Hall, Richardson y un joven George Jones encargándose de los coros que le dieron a la canción su estructura rítmica. Richardson llevó la pista terminada a Shelby Singleton en Mercury Records. Richardson ya tenía contrato con Mercury y, como Big Bopper, había logrado un gran éxito con "Chantilly Lace" a principios de 1958, por lo que pronto se cerró un acuerdo y Preston se convirtió en artista de Mercury. "Running Bear" se lanzó como sencillo poco después de que Richardson falleciera en el mismo accidente aéreo que se cobró la vida de Buddy Holly y Ritchie Valens en octubre de 1959. En enero de 1960, "Running Bear" era el sencillo número uno en Estados Unidos, y en marzo también encabezaba las listas del Reino Unido, llegando a vender más de un millón de copias en todo el mundo. Un sencillo posterior, "Cradle of Love", una especie de canción infantil novedosa, también llegó al Top Ten tanto en EE. UU. como en el Reino Unido, mientras que "I'm Starting to Go Steady" y su cara B, una reedición de "Feel So Fine" de Shirley & Lee, llegaron al Top 20 más tarde en 1960, pero "Leave My Kitten Alone", una canción que más tarde inmortalizó John Lennon, solo alcanzó el puesto número 73 en las listas de Billboard al finalizar 1960. Preston grabó para otros sellos, incluyendo Imperial Records, TCF Hall, ABC Records, Kapp y Hallway, pero nunca volvió a entrar en las listas. Preston participó en giras nostálgicas, tocó en el circuito y terminó en el Salón de la Fama del Rockabilly, pero sus días de grabación habían terminado. Aquejado de problemas cardíacos, murió el 4 de marzo de 2011 en Beaumont, Texas. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus éxitos: Cradle Of Love.  

Sib Hashian

John Thomas Hashian, más conocido como Sib Hashian nació en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 17 de agosto de 1949 y murió a bordo de un crucero cerca de Nasáu, Bahamas, el 22 de marzo de 2017. Baterista. 

La página de Facebook Sonora Classic Rock publicó este recordatorio. 

Sib Hashian (John Thomas Hashian) fue un baterista clave en la historia del rock clásico estadounidense, recordado principalmente por su etapa con Boston, una de las bandas más influyentes del sonido AOR de los años 70. 

Nacido el 17 de agosto de 1949 en Estados Unidos, Hashian alcanzó la fama al reemplazar a Jim Masdea y participar en dos discos fundamentales: el debut Boston (1976), uno de los álbumes más vendidos de la historia, y Don’t Look Back (1978), consolidando el sonido característico de la banda junto a Tom Scholz. 

Tras su salida del grupo, su carrera continuó con diversos proyectos. En 1980 colaboró con Barry Goudreau en su álbum solista Barry Goudreau, que logró entrar en el Billboard 200. Años más tarde, participó como invitado con Sammy Hagar y su banda The Waboritas, apareciendo en el disco en vivo Live: Hallelujah. 

También formó parte del grupo Ernie and the Automatics, donde volvió a coincidir con Goudreau, grabando el álbum Low to Expectations en 2009. En 2007, participó en un emotivo concierto tributo a Brad Delp, vocalista original de Boston. 

El 22 de marzo de 2017, Sib Hashian falleció a los 67 años de forma repentina mientras actuaba en el crucero “Legends of Rock”, dejando una huella imborrable como baterista sólido y parte esencial del sonido clásico de Boston. 

Su estilo, preciso y potente, fue clave para dar ese pulso distintivo a himnos del rock que siguen sonando hasta hoy. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con A Man I'll Never Be.  

Shalom – Ficción e historia cara A

Shalom – Ficción e historia cara A  

Presentamos dos libros que abordan la memoria, la identidad y el pensamiento contemporáneo. Mi nombre es Cualquiera, de Nicolás Hernández, y la obra de Matilde Morcillo sobre Máximo José Kahn Nussbaum nos acercan a historias y reflexiones que exploran la experiencia humana. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/ficcion-historia-cara/17192404/ 

Madonna

Madonna Getty Images

Madonna Louise Ciccone, más conocida como Madonna, nació en Bay City, Míchigan, Estados Unidos, el 16 de agosto de 1958. Cantante, compositora, productora y actriz. 

El sitio www.vogue.mx publicó este artículo. 

Madonna: su carrera, sus canciones más famosas y su legado en la música 

Ella inventó el término de estrella del pop, ha sido comparada con fenómenos como el arte posmoderno, como un evento que puede que nunca vuelva a pasar. 

Por Sebastian Cabrices 

14 de agosto de 2020 

Madonna es la cantante más influyente de la historia, el motivo de la viralización del pop a través de los medios convencionales, mucho antes de la llegada de las redes sociales. En una reciente imagen de Instagram, la reina del pop recuerda cómo llegó a Nueva York en los 80: sin YouTube, sin Vine, sin American Idol o Disney, únicamente con 35 dólares en su bolsillo y la ilusión de convertirse en una estrella. Madonna cambió el significado de lo que significaba ser una estrella del pop, y ha sido comparada con un fenómeno como el arte posmoderno, un evento que ocurrió una vez en la historia, y puede que nunca vuelva a pasar. 

El legado de la material girl en la música, viene acompañado del significado que tuvo su imagen y voz pública ante la revolución de las mujeres en la industria de la música. Considerada como un icono, Madonna abrió con su carrera una conversación libre acerca del sexo, la sensualidad y la libertad de expresión; permitiendo a las mujeres dentro y fuera de la música, ser irreverentes ante un sistema que buscaba encasillarlas. Tal como una corriente artística, o un movimiento social, Madame X provocó a la iglesia y a los conservadores, se enfrentó a los gobiernos censuradores y opresores, e hizo inevitable para el público tomar lecciones de la ocupación femenina en la industria del entretenimiento. 

Académicos concuerdan que la influencia y el legado de Madonna tiene mucha más relevancia cultural que ser únicamente un icono del pop. Describen a la cantante como un mito atemporal, y de un alcance universal, al que se le ha atribuido la creación de la concepción contemporánea de la fama, por lo que cualquier estrella después de Madonna, tiene un poco de la reina del pop en ella. Las artistas que han venido después de Madonna (Britney, Christina e incluso figuras latinas como Shakira y Paulina) crecieron escuchándola, ella creó los estándares con los que todas las nuevas estrellas tenían que medirse. Su carrera es incomparable e inalcanzable, y el tiempo en el que llegó a la escena fue el escenario perfecto para ganar tanta relevancia. 

La relación de Madonna con la vanguardia es simbiótica, ella ha hecho de la reinvención su forma de expresión artística, e hizo su vida una clase de arte de performance. Con la misma autoridad que posee un conservador para manipular piezas valiosas, Madonna fue el objeto de creación de las tendencias de la moda más importantes de las décadas pasadas. Ella definió, con toda autoridad, la estética de los 80, y tal como lo dice Anna Wintour: ‘ella hace que la moda ocurra’. Gracias a Madonna existieron momentos como los corsés de Jean Paul Gaultier y la introducción de los pantalones capri al streetstyle, cada nueva reinvención de la reina del pop se convirtió en una tendencia. 

Madonna ha cuestionado los límites del género, abriendo un espacio para su libre expresión y exploración. Ella ha sido la cara del feminismo contemporáneo, sin dejar a un lado las notas de las feministas del pasado, que sirven como inspiración para ella misma. Madonna y los sucesos de los 80 nos permiten actualmente tener un entendimiento más amplio acerca de la sexualidad, una visión amplia de la inclusión y definen la verdadera influencia de la posmodernidad en los tiempos actuales. Madonna es un símbolo de la nueva mujer, un concepto que mantiene su validez en el tiempo, y que comprende tantos significados como reinvenciones ha tenido la reina del pop. 

¿Quién es Madonna? 

Madonna es una cantante, compositora, actriz y empresaria, reconocida desde la década de los 80 como la reina del pop. Es la cantante más vendida de la historia de la música, con más de 300 millones de discos vendidos alrededor del mundo, y la artista con más canciones en el número uno en la historia de las listas. La música de Madonna se ha caracterizado por su reinvención y su impacto social, tratando temas controversiales como política, sexo, religión y el género. Su carrera en el cine incluye clásicos como A League of Their Own (1992) y Evita (1996), esta última dándole un Golden Globe Award como Mejor actriz. Su rol como empresaria incluye la formación del grupo Maverick, una compañía de entretenimiento fundada en 1992, a través de la que publicó sus libros Sex y Erotica en 1992. 

¿De dónde es Madonna? 

Madonna nació y creció en Bay City, Michigan. Proviene de una familia de inmigrantes italianos, sus abuelos paternos eran de Pacentro, Italia, mientras que su madre viene de descendencia francesa canadiense. La cantante tiene dos hermanos mayores, Anthony y Martin, y tres hermanos menores, Paula, Christopher y Melanie. La familia creció en los suburbios de Detroit, donde la cantante asistió a las escuelas católicas de St. Patrick y St. Frederick, Madonna era reconocida en su escuela por su actitud rebelde. 

¿Dónde vive Madonna? 

Madonna vive en Lisboa, Portugal. La cantante se mudó a la capital portuguesa en 2017, para apoyar la carrera de su hijo David en fútbol. La propiedad en donde la cantante vive con sus seis hijos es un palacio del siglo XVIII valorada en seis millones de libras, con cuatro habitaciones y seis baños, una casa de huéspedes y una casa para el servicio. La mansión de Madonna queda a 30 minutos fuera de Lisboa, y es conocida como la Quinta do Relogio, ubicada en el centro del pueblo de Sinatra. La casa de Madonna está declarada como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. 

¿Cómo inició su carrera Madonna? 

Madonna empezó su preparación musical en clases de piano en las que la había inscrito su padre, cambiando luego a estudiar ballet, donde fue persuadida por su profesor de danza para iniciar una carrera en baile. Tras graduarse de la secundaria, Madonna recibió una beca para estudiar danza en la Universidad de Michigan, la cual dejó más tarde para mudarse a Nueva York. Madonna llegó a la gran manzana con 35 dólares en su bolsillo, trabajaba como camarera en Dunkin Donuts, tomaba lecciones de baile y empezó a trabajar como bailarina para artistas establecidos. 

Madonna trabajó como cantante y bailarina de apoyo para el cantante francés Patrick Hernandez durante una de sus giras, donde conoció al músico Dal Gilroy e inició una relación con él más tarde. La pareja formó la banda The Breakfast Club, donde Madonna cantaba, tocaba la guitarra y la batería. A principio de los 80 la cantante dejó la banda, y con su nuevo novio Stephen Bray, formó la banda Emmy, aquí empezó a componer y cantar canciones junto a Bray, para más tarde empezar a promoverse como solista. Su talento como solista llamó la atención del productor musical Mark Kamins, quien arregló una reunión entre Madonna y los ejecutivos de Sire Records. 

La que pronto se convertiría en la reina del pop firmó un contrato para producir singles con Sire Records, y en octubre de 1982 lanzó Everybody (1982) seguido de Burning Up (1983), en marzo del siguiente año. Luego de que ambos sencillos se hicieran éxitos de las listas de Estados Unidos, la cantante empezó a trabajar en su álbum epónimo Madonna (1983), el que luego de ser remezclado por su pareja para el momento, John Benitez, se lanzó en julio de 1983, alcanzando el número 8 de la lista Billboard 200. 

¿Cuáles son las canciones más famosas de Madonna? 

El álbum homónimo de Madonna fue lanzado con Holiday (1983) como tercer sencillo, y se convirtió en la primera canción de la cantante en entrar en el top ten de las listas internacionales. Borderline (1983) y Lucky Star (1983) fueron de los singles del álbum que entraron en el top 10 de la lista Billboard 100. En noviembre de 1984 salió a la luz Like a Virgin (1984), el segundo álbum de estudio de Madonna que, al momento de su lanzamiento, se hizo número uno en más de siete países, y fue el primer álbum de una cantante femenina en vender más de 5 millones de copias en Estados Unidos. El primer single del álbum, Like a Virgin (1984), estuvo seis semanas en el tope de las listas, mientras que el segundo sencillo, Material Girl (1984) se hizo número dos. El disco y canciones de Madonna, al igual que sus presentaciones en vivo, empezaron a levantar opiniones de partidos conservadores y la iglesia, quienes decían que la cantante promovía el sexo premarital y ponía en peligro los valores familiares. 

En junio de 1986 Madonna lanzó su tercer álbum de estudio, True Blue (1986), el que contenía canciones como Live to Tell (1986), Papa Don't Preach (1986), y La Isla Bonita (1986), todos alcanzaron el número uno en Estados Unidos y el Reino Unido. La Isla Bonita fue la primera canción de Madonna en contener influencias latinas, y según la cantante, fue un tributo a la belleza de los latinos. Luego de firmar un acuerdo con Pepsi, Madonna debutó en un comercial para la marca el single de su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer (1989). El video de la canción producido por Pepsi mostraba símbolos religiosos como cruces prendidas en fuego, y otros actos que llevaron al Vaticano a condenar el video. Grupos religiosos boicotearon a Pepsi, y buscaron prohibir el video. La controversia resultó en la terminación del contrato de Madonna con la marca y sacó el comercial de aire. Sin embargo, Like a Prayer se hizo su séptimo single en el número uno de los Hot 100. El álbum contenía otros éxitos como Express Yourself (1986) y Cherish (1986). 

En 1990 Madonna estuvo en la película Dick Tracy (1990), para la que la cantante lanzó el álbum I'm Breathless (1990) inspirado en la escena de los 30 de la película. Esta producción incluía el éxito del número uno, Vogue (1990). La cantante se inspiró en los bailarines de vogue y en los coreógrafos Jose Gutierez Xtravaganza y Luis Xtravaganza de las comunidades de los ‘House Balls’ de Harlem, Nueva York, promotores del vogueing. La canción de Madonna dio exposición mediática de la forma altamente estilizada de baile, inspirada en los jeroglíficos egipcios y en las poses de las modelos en las páginas de la revista de moda, Vogue. El video de la canción fue dirigido por David Fincher, una producción hecha completamente en blanco y negro, inspirada en las películas de los años 20 y 30. Las escenas del video mostraban a Madonna y sus bailarines vogueando, con tomas inspiradas en las fotografías de Horst P. Horst, y una muestra de cuadros de Tamara de Lempicka, una artista art déco que ganó reconocimiento luego de que sus cuadros aparecieran en los videos de Madonna, y que la cantante comenzará a coleccionarlos. 

Madonna tiene 14 álbumes de estudio, es la mujer más rica de la industria de la música y ha vendido más de 300 millones de álbumes alrededor del mundo. A sus canciones se les ha sido atribuida la creación de fenómenos culturales, el inicio de controversias sociales y el haber establecido las tendencias tanto musicales, como estéticas de los 80 y los 90. Madonna ha colaborado con los artistas más importantes de las décadas pasadas, como Prince en Love Song (1986) y con Missy Elliot en Into the Hollywood Groove (2003). Esta cantante ha creado colaboraciones también con artistas como Ricky Martin, en Be Careful (Cuidado Con Mi Corazón) (1999), Justin Timberlake en 4 Minutes (2008) e incluso ha colaborado con Britney Spears en su canción Me Against Music (2003). Las últimas colaboraciones de Madonna incluyen sus canciones con el cantante colombiano Maluma, Bitch I'm Loca (2019), Medellín (2019) y Soltera (2019). El último lanzamiento musical de Madonna fue una colaboración con Dua Lipa y Missy Elliot, llamado Levitating (The Blessed Madonna Remix) (2020). 

¿Cuáles son los premios que ha ganado Madonna? 

Madonna tiene más de 650 nominaciones, y ha ganado más de 220 premios. En 1997 ganó un Golden Globe Award por su actuación en la película Evita (1996), premio que ganó nuevamente en 2012 por su canción Masterpiece (2012). La cantante ha ganado con sus álbumes 7 premios Grammy, 3 People 's Choice Awards y 3 American Music Awards. 

¿Qué significa Madonna? 

Madonna es de hecho el nombre real de la reina del pop. Fue nombrada Madonna Louise Ciccone, en honor a su madre, quien murió de cáncer cuando la cantante tenía 5 años. El nombre Madonna proviene del latín, y fue adoptado por los italianos bajo el significado de ‘mi señora’. El nombre se refiere también a María, la madre de Jesús. 

¿Cómo se hizo famosa Madonna? 

La moda fue uno de los elementos que contribuyó a que Madonna se hiciera la reina del pop. Al inicio de su carrera, el look insigne de la cantante estaba compuesto por tops de encaje, faldas sobre pantalones capri, medias de red y joyería que incluía crucifijos y muchos brazaletes, además del estilo de pelo decolorado. La imagen de Madonna influyó en el estilo de jóvenes y mujeres de la época, ya que la cantante representaba una nueva faceta de la liberación femenina y era una voz de expresión. La controversia fue parte de la fórmula para la fama de Madonna. Su icónica presentación en los premios MTV VMAs de 1984, donde la cantante interpretó Like a Virgin por primera vez en vivo, causó furor entre las comunidades conservadoras, pero llevó a Madonna a los primeros lugares de las listas, y creó un nuevo look insigne asociado con la cantante, aún vigente en la actualidad. 

Las relaciones amorosas de Madonna fueron otra fuente de mediatización, y se impuso, para su carrera. Su primer álbum fue producido por su pareja por el momento John ‘Jellybean’ Benitez, un reconocido DJ y productor musical. Madonna tuvo una relación breve con Jean-Michel Basquiat, pero terminó en breve por el problema de adicción del artista. Mientras grababa el video de su canción Material Girl, Madonna conoció al actor Sean Penn, con el que se casó el día de su cumpleaños en 1985. La pareja se divorció en 1989. Entre 1995 y 1997 la cantante tuvo una relación con Carlos Leon, un entrenador de fitness y padre de su primera hija, Lourdes Leon, que nació en 1996. La cantante estuvo casada con el director inglés Guy Ritchie, la pareja se conoció durante el verano de 1998 y se casó en el año 2000. Madonna y Ritchie recibieron a su hijo, Rocco John Ritchie, en el año 2000. 

En 2006 Madonna y Ritchie adoptaron a David Banda en Malawi, el tercer hijo de la cantante. En 2008 la material girl se separó de Ritchie, y sus tres hijos dividirían su tiempo entre el hogar de Londres de Ritchie y la casa de Madonna en Nueva York. En 2009 Mercy Jones se unió a la familia, una niña de Malawi que fue adoptada por la cantante. En 2017 Madonna adoptó a las hermanas gemelas Estere y Stella, también de Malawi, y se mudó a Lisboa, Portugal. 

Madonna es un símbolo de la estrella de pop contemporánea, una figura de la industria que creó un espacio seguro para la expresión, y marcó los estándares para las mujeres del pop de décadas siguientes. Su influencia ha llegado a campos como la política, el género, la sociología y la sexualidad. Madonna es entendida como un fenómeno cultural que no ocurrirá más nunca en la historia.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Live To Tell. 

Bill Simpson

William Simpson, más conocido como Bill Simpson, nació en Kirkcaldy, Fife, Reino Unido, el 15 de agosto de 1957. Bajista. 

El sitio www.es.wikipedia.org publicó esta biografía. 

William Simpson (llamado también Willie Simpson o Alex Plode) es el bajista del grupo de punk rock The Skids. Nació en Kirkcaldy, Fife, Escocia el 15 de agosto de 1957. Él y su amigo de escuela Stuart Adamson pertenecían desde 1973 hasta 1975 a una banda local llamada Tattoo. Luego de esa experiencia, ambos vieron a The Damned en un concierto; fue ahí cuando decidieron formar una banda de punk. 

The Skids se formó en 1977, y luego de participar en los álbumes "Scared To Dance" y "Days In Europe", Simpson decide salirse de la banda y viajar a Australia. Simpson es ahora un agente de Estado. 

En el año 2007, Simpson y Richard Jobson reformaron The Skids. Este nuevo encuentro comenzó con giras a inicios del año alrededor de Escocia. Actualmente reside en Dunfermline. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Into The Valley.