Federico García Vigil

Federico García Vigil nació en Montevideo, Uruguay, el 5 de enero de 1941, y murió en el 27 de mayo de 2020. Compositor, contrabajista, profesor y director de orquesta. 

El sitio www.arindabo.blogspot.com publicó este recordatorio. 

EL 5 DE ENERO DE 1941 NACÍA FEDERICO GARCÍA VIGIL 

UN GRAN DIRECTOR DE ORQUESTA 

“Hace 72 años que estoy conviviendo con esa cosa que se llama música, que es una cosa fantástica, que está ahí flotando. Algunos levantan la mano y la llegan a tocar, la alcanzan y otros seres humanos no” 

Federico García Vigil nació en Montevideo el 5 de enero de 1941. 

Fue un compositor, profesor y director orquestal uruguayo. 

A pesar de su formación académica, mantuvo siempre una estrecha relación con la música popular y folclórica y, en relación con esta última, con el candombe en particular. 

Sus padres fueron Héctor García Moyano y Raquel Vigil Mutuverría, sobrina del escritor Constancio Vigil. Esta pareja poseía una gran inclinación artística y un pensamiento político de índole progresista. 

Eran admiradores de Federico García Lorca, Mariana Pineda y Emilio Frugoni, a dos de los cuales homenajearían luego con el nombre de sus hijos: Federico y Mariana. 

Su hermana Mariana García Vigil, al igual que él, se ha dedicado a la música tanto vocacional como profesionalmente. 

Concurrió a la Escuela y Liceo Elbio Fernández. Mostró aptitud e interés por la música desde edad temprana, estudiando piano en el Conservatorio Guillermo Kolischer. 

Más tarde estudió armonía con Fabio Landa, composición con Jiri Bortlichek y orquestación con Charles Schwartz. 

Esa carrera empezó a sus 18 años en 1959, como contrabajista de la primera formación de The Hot Blowers, una banda de dixieland, un subgénero del jazz bien movido, al punto que también es conocido como Jazz- Hot. 

La banda, fundada por el trompetista Daniel Lencina, fue muy famosa en el ambiente musical hasta su disolución temprana en 1962. 

En esos pocos años, pasaron por su formación “Cacho” De La Cruz, Rubén Rada y los hermanos Fattorusso. 

Quedan pocos registros de la banda, como de casi todo lo que se grabó en esa época en nuestro país. Por suerte en 2003 la banda se reunió, junto a los Chicago Stompers, para realizar una serie de conciertos que quedaron registrados en el álbum Jazz Tour en Vivo. 

Formaciones posteriores de la banda incluyeron a Rubén Rada y a los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, entre muchos otros artistas de esta generación. 

Durante su juventud se reunió con frecuencia en un local del barrio montevideano de La Mondiola que constituyó un punto neurálgico para la música en ese entonces: el denominado «taller de Moisés» ya que, en efecto, se trataba de un taller mecánico, parte de la casa de Caio, baterista de Los Shakers; Chocho, baterista de Los Delfines, y Urbano Moraes. 

Se constituyó en un punto de reunión para futuros grandes músicos y artistas. Por allí pasaron, además de Federico, Manolo Guardia, los hermanos Fattoruso, Mingo Medina y Chiche Cabral, entre otros. A este lugar, más tarde le dedicaría Manolo Guardia el tango denominado "Taller de los inútiles". 

A principios de la década de 1960, en pleno proceso revolucionario cubano, García Vigil fue contratado para trabajar en la Orquesta de Ballet de Alicia Alonso en La Habana. 

El cambio profundo que la revolución estaba produciendo en la sociedad cubana maravilló a Federico, que desde un principio simpatizaba con el movimiento revolucionario. 

En Cuba conoció a la mujer que luego sería su primera esposa, la bailarina de ballet Margarita Fernández, con la cual regresó a Uruguay. 

A mediados de los 60 vuelve de Cuba con Margarita, justito para llegar a la gestación de uno de los géneros por el que nuestro país fue reconocido en todo el mundo: el Candombe- Beat. 

Era parte de los músicos estables del local Orfeo Negro, junto a la legendaria banda El Kinto, integrada por Héctor Cardarello en clarinete, «Chiche» Beya en piano, José Pedro Imbelloni en batería y Federico en contrabajo. 

Con este último Vigil tocó en los conciertos conocidos como Musicasiones, que después se verían reflejados en el histórico longplay Musicasión 4 y ½, el mejor registro de esa explosión de música hecha 100% en Uruguay. 

Cabe destacar que en esa época la fama no significaba dinero -ni algo cercano-, así que Vigil también componía música para obras de teatro, y a veces hasta era intérprete de sus propias composiciones en los primeros actos. 

En el año 1968, Federico estuvo a cargo de la música de la obra de teatro Libertad, libertad, estrenada en el Teatro El Galpón el 13 de junio de 1968 bajo la dirección de César Campodónico. 

Asimismo, tocó un tiempo en la primera pieza de la obra como contrabajista, acompañado de Eduardo Mateo en guitarra y Luis Sosa en batería. 

En 1969, con 28 años, su currículum ya incluía Jazz, Candombe Beat, dirección de orquesta y composición musical para obras de teatro. 

Ese mismo año tocó junto a Eduardo Mateo en el famoso ciclo de conciertos denominado Musicasiones, a la vez que continuaba su trabajo relacionado con el teatro. 

Pero al parecer no era suficiente, así que ese año sumó el tango, como parte de la banda Camerata de Tango, dirigida por Manolo Guardia, otro viejo amigo de Vigil en tiempos del “taller de Moisés” -que importantes son los contactos-. Con esta agrupación grabó dos exitosos discos LP, con difusión en Uruguay, Brasil, Argentina y Japón. 

La idea de Camerata era aggiornar al tango a la nueva época, generar una mezcla entre ese género y los nuevos sonidos. El resultado fue Chau Ché (1969), disco que llegó a ser editado en Japón años después. 

Los integrantes fueron, Carlos Vinitzki, Nelson Gobea y Juan José Rodríguez, viola, Moisés Lasca, violonchelo, Vinicio Ascone, contrabajo, Federico García Vigil y Guardia en piano, arreglos y dirección. Con este conjunto realizó varias grabaciones que se editaron en Argentina, Brasil y Japón, al igual que diversas giras por Latinoamérica. 

El repertorio de la agrupación que en algún momento también fue llamada Camerata Punta del Este, incluía además estándares del jazz, piezas barrocas, bossa nova y candombe. 

Recibió el Premio Florencio de Uruguay en 1969. 

Le fue otorgado en 1970 el Premio Florencio de Uruguay. 

En el año 1971 fue becado por el Ministerio de Educación y Cultura uruguayo para trasladarse a Buenos Aires, con el fin de proseguir sus estudios de dirección de orquesta con el maestro Simón Blech. 

Ese mismo año, la Embajada de Francia lo invitó a continuarlos en el conservatorio de Estrasburgo, como discípulo del maestro Jean-Sebastian Bereau y, luego, en la Universidad de París, con Pierre Stoll. 

Frente a caminos que se le empezaban a cerrar y con ganas de perfeccionarse como director, residió en Francia de 1972 a 1974.  

Allí, su participación en tres funciones de la cantata “Santa María de Iquique”, con los Quilapayún, agravó su reputación para el gobierno uruguayo, ahora desembozadamente dictatorial.  

Pese a haber ganado un concurso de dirección orquestal en Estrasburgo, al regresar a Uruguay estaba clasificado como ciudadano categoría C, no elegible para cargos públicos. Pudo escribir algunas músicas para la Comedia Nacional, que registró y acreditó con seudónimo, con la complicidad de los artistas teatreros.  

Sin embargo, el premio en Estrasburgo le valió invitaciones puntuales para dirigir distintas orquestas americanas. Su debut fue con la Orquesta Sinfónica de Maracaibo, de Venezuela, y luego dirigió orquestas de Colombia, Estados Unidos, Brasil, Argentina y Perú. 

Le fue otorgado el Primer Premio en Dirección de Orquesta en Francia en el año 1973. 

En 1974, invitado por los gobiernos de Gran Bretaña y Alemania, recorrió las escuelas de dirección de orquesta de ambos países, profundizando sus conocimientos en el área, y tuvo la oportunidad de dirigir la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Estrasburgo. 

A mediados de la década del 70 conoció a Olga Bérgolo, quien fuera su esposa. 

En noviembre de 1978 participó en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta del Festival Villa Lobos en Brasil. 

Más tarde dirigió el Ensamble Ciudad de Montevideo y la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela. 

Luego de un suceso familiar muy desafortunado, vivió un período de adicción al alcohol, a la que felizmente pudo poner fin en el año 1985. 

En el año 1981 recibe el Premio Florencio en Uruguay. 

En 1983 formó parte de un proyecto de candombe fusión junto a Mike Dogliotti, Hugo Jasa y Roberto Galletti, con quienes grabó el casete Chicalanga 3 + 1, editado por el estudio de grabación La Batuta. 

En cuanto terminó la dictadura, fue convocado para asumir como director titular de la Orquesta Sinfónica Municipal. 

Esa responsabilidad, que además puso fin a más de un decenio de inestabilidad profesional, contribuyó para que superara un serio problema de alcoholismo.  

Dejó de tomar a fines de 1985 y logró sostener la abstención total por el resto de su vida. Ganó, además, el concurso para docente de Dirección Orquestal en la Escuela Municipal de Música, y fue, durante varios años, un relevante formador. 

En 1990 asumió como director titular de la Orquesta Sinfónica de Colombia, hasta que lo convocaron para retomar la Orquesta Sinfónica Municipal en 1993, que pronto se convirtió en la Filarmónica. 

Se desempeñó, además, como catedrático de Dirección Musical en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República y en la Escuela Municipal de Música de Montevideo. 

Ha dirigido, además, las Sinfónicas de Argentina, gran parte de las latinoamericanas y varias de Europa y Estados Unidos. También fue intensa su labor como director de Ópera. 

Se le otorga el Premio Fabini de Uruguay. 

Recibe el Premio Morosoli de Uruguay. 

Gana el Primer Premio de Música de Cámara (Concurso AEMUS-BAW) 

Se le otorga el Premio Iris de Oro en Uruguay del año 1995. 

En septiembre de 1996 fue distinguido, junto a los maestros Simón Blech e Isaac Karabtchevsky, para dirigir la Orquesta Sinfónica de San Pablo en el Encuentro Sinfónico Internacional Mercosur Cultural. 

En el año 2003 el Ministerio de Cultura de Polonia. Le otorga la Ordre du Mérite Culturel. 

Ese mismo año es declarado Ciudadano Ilustre de Santiago de Chile. 

Recobe el Premio a la Trayectoria Artística y Humana otorgado por el Foro Iberoamericano de las Artes de la Universidad de Alcalá de Henares. España en el año 2003. 

En el año 2004 Colombia le entrega la Medalla al Mérito Cultural. 

En el año 2005 el Ministerio de Cultura de Francia le otorga el premio Chevalier dans l'Ordre des Arts et des Lettres. 

Premio Candelabro de Oro de la B'nai B'rith Uruguay. 

Falleció a los setenta y nueve años el 27 de mayo de 2020. 

RESUMEN DE SU Actividad artística 

Director de Orquesta Sinfónica 

Fue director, entre muchas otras, de las siguientes orquestas: 

Orquesta Filarmónica de Montevideo (Director Titular. Uruguay) 

Orquesta Sinfónica de Colombia (Director Titular. Colombia) 

Orquesta Sinfónica de Río de Janeiro (Brasil) 

Orquesta Sinfónica de Porto Alegre (Brasil) 

Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo (Brasil) 

Orquesta Sinfónica de Maracaibo (Venezuela) 

Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas (Venezuela) 

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar (Venezuela) 

Orquesta Sinfónica de Manitowa-Wisconsin (Estados Unidos) 

Orquesta Sinfónica de Savannah-Georgia (Estados Unidos) 

Orquesta Sinfónica de Greenville (Estados Unidos) 

Orquesta Sinfónica de Chicago (Estados Unidos) 

Orquesta Sinfónica de Portland (Estados Unidos) 

Orquesta Sinfónica de Vancouver (Canadá) 

Orquesta Sinfónica de Madrid (España) 

Orquesta Sinfónica de Córdoba (España) 

Orquesta Sinfónica de Palma de Mallorca (España) 

Orquesta Sinfónica de Estocolmo (Suecia) 

Orquesta Sinfónica de Varsovia (Polonia) 

Orquesta Sinfónica de Bucarest (Rumania) 

Orquesta Sinfónica NHK de Tokio (Japón) 

Director de Ópera 

Como director de ópera, ha sido responsable de la dirección de este género en varios teatros del mundo, entre los que se encuentran el Teatro Solís de Montevideo, Teatro del Libertador de Córdoba, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Teresa Carreño de Caracas, Teatro Colón de la Ciudad de Bogotá, Teatro Principal de Palma de Mallorca y Cuerpos Estables de la Ópera de Cataluña. Entre otras obras del género, ha dirigido: 

Aída 

Anna Bolena 

Bastián y Bastiana 

Carmen 

La Cenerentola 

Così fan tutte 

Don Giovanni 

Fausto 

La Flauta Mágica 

La Traviata 

Madame Butterfly 

Rigoletto 

Compositor 

Il Duce (ópera sobre texto de Carlos Maggi y Mauricio Rosencof).  

Surcos (Horacio Ferrer / García Vigil). 

Variaciones sobre un tema de Rada. 

Canción de Frondoso (Lope de Vega / García Vigil). 

Canto al hombre (Alfredo Gravina / García Vigil / Manuel Guardia). 

Discografía 

Libertad, libertad (Dirección musical) (I. T. El Galpón, 1968) Sencillo 

Cantata del pueblo (Cantares Del Mundo, CM 0020, edición sin fecha) (Con Manolo Guardia y Alfredo Gravina) 

Sinfonía concertante para bandoneón y orquesta (Homenaje a Torres García) (RCA LPUS 065. 1977) 

Orquestango (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8229.2, 2003) 

Orquestango 2 (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8259.2, 2004) 

Orquestango 3 (Dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Montevideo) (Sondor, 8.274-2, 2006) 

Con Mike Dogliotti, Hugo Jasa y Roberto Galletti 

Chicalanga 3 + 1 (La Batuta, LBC 006, 1983) 

Colectivos 

Nuestros compositores (Composición: Variaciones sobre un tema de Rada (Ayuí / Tacuabé, OFM4CD, 2003) 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de las Variaciones sobre un tema rococó para Violoncello y Orquesta Op. 33, de Piotr Ilich Tchaikovsky, al frente de la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. Solista: Pablo Romero. 

Shalom – La comunitat jueva de Barcelona

Shalom – La comunitat jueva de Barcelona  

La comunidad judía de Barcelona conserva un legado notable cuyo renacimiento comenzó a finales del siglo XIX con la llegada de judíos sefardíes y de Europa oriental. Hoy es una comunidad activa que participa en la vida social mediante actividades educativas, religiosas y culturales. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/comunitat-jueva-barcelona/16881992/ 

Mark Hollis

Mark David Hollis nació en Tottenham, Londres, Reino Unido, el 4 de enero de 1955 y murió en su ciudad, el 25 de febrero de 2019. Compositor, cantautor, productor discográfico y multi instrumentista. Tocaba guitarra, piano y synclavier. 

El sitio www.vice.com publicó este recordatorio firmado por Sam Goldner. 

Recordando a Mark Hollis, el rebelde apacible del pop 

Por Sam Goldner / febrero 27, 2019, 2:04pm 

Los primeros instantes del Laughing Stock de Talk Talk llegan con el silencioso drama de una cortina cayéndose al suelo. El suave feedback del amplificador se escucha a lo lejos casi en silencio durante 18 segundos antes de que un acorde rebosante de trémolo entre en la foto. Las cuerdas parecen surgidas de la nada como una neblina, disipándose sin tomar una forma tangible. Una voz, a la mitad entre cantante de lounge y animal herido, se arrastra desde un susurro hasta el grito desgarrador. Es hermoso, pero escalofriante, lleno de detalles que, de alguna manera incluso ahora, evocan un vacío profundo que lo consume todo. 

Laughing Stock es un álbum que revela más con cada escucha, sus piezas sin molde palpitando y respirando como formas de vida en constante cambio, nunca iguales a la última vez que las escuchaste. Desde su lanzamiento en 1991, el disco se ha convertido en una de las grabaciones más influyentes de la música underground, y ha sido alabado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. El hecho de que esta obra monumental pudiera provenir de una banda que originalmente fue etiquetada como imitadores de Duran Duran solo se suma a su enigma. 

Mark Hollis murió el pasado 25 de febrero rodeado de tanto misterio como el que lo rodeó en vida (hasta el momento de escribir esto, incluso la enfermedad que padecía se desconoce). El flujo de emoción que ha surgido desde todos lados del mundo de la música ha sido asombroso, aunque particularmente de artistas en la comunidad experimental. Entre mi círculo de amigos, su música siempre ha sido un secreto a voces como una especie de escritura secreta; el que originalmente me mostró Laughing Stock decía que lo había escuchado todos los días durante años. 

Talk Talk siempre estuvieron peleados con su propio éxito, una actitud que consolidó su reputación como íconos de la individualidad en la música. Hollis frecuentemente se mostró hostil hacia la prensa (sin mencionar hacia sus propios fans), y trabajó activamente por romper con el sonido y la imagen lustrosas con la que fueron asociados cuando la banda firmó con EMI en las épocas de su debut. Aunque la voz afligida y dolorida de Hollis tiene sentido en el contexto de las raíces new wave de Talk Talk, la banda no tuvo la suficiente presencia para convencer a la prensa británica. Las revistas de punk inglesas los clasificaron como «Typical Typical»; sus sencillos se desplomaban en el mercado local pero llegaron a las listas de popularidad en el extranjero. 

No sabemos mucho sobre la infancia y adolescencia de Hollis, pero tomando en cuenta algunos fragmentos revelados por él mismo, parece que batalló con figuras de autoridad en la escuela y pasó su juventud tocando punk y trabajando en fábricas. En diversas entrevistas habló sobre cómo Singin’ In the Rain fue una de sus películas favoritas de todos los tiempos. Al igual que en ese clásico de la historia del cine, la visión artística de Hollis era mucho más soñadora que lo que aparentaba a primera vista. Hollis pensaba en Talk Talk en términos mucho más abstractos, incluso desde el principio: en el ciclo de prensa de su debut, Mark Hollis elogiaba a Shostakovich y dio a entender que existían paralelos entre el synth-pop brilloso de su banda y la interacción instrumental de John Coltrane. 

En el transcurso de su tiempo con EMI, Hollis luchó contra las percepciones que había de su banda, empujando su sonido cada vez más y más lejos del mainstream. Irónicamente, solo fue capaz de verdaderamente rechazar a la industria una vez que la había conquistado. The Colour of Spring, el tercer álbum de la banda, marcó su primer gran alejamiento del dance-pop, alineándose con los sofisticados y futuristas sonidos de artistas como Kate Bush o Tears for Fears. El disco reveló el gusto de Hollis por generar ambientes marchitos, como quedó demostrado en canciones melancólicas tipo «Chameleon Day» o «April 5th». Propulsado por el sencillo «Life’s What You Make It», The Color of Spring se convirtió en un éxito internacional, finalmente brindándole a Talk Talk el respeto de sus compatriotas y la concesión a Hollis de una preciada libertad financiera que necesitaba para hacer lo que finalmente se convertiría en su declaración definitiva. 

The Spirit of Eden y Laughing Stock, los dos álbumes que Hollis produjo a raíz de The Color of Spring, suenan como el trabajo de una banda totalmente diferente: una que podría haber puesto a circular esta música en cassettes actualmente. En lugar de girar en torno al ritmo y la melodía, las canciones actúan como atmósferas por sí solas, flotando libremente a medida que Hollis retuerce cada nota de su voz con una intensidad que hace que sus letras sean tan indescifrables como irrelevantes. Ya sea la temblorosa armónica con la que abre «The Rainbow», el coro radiante que aparece al final de «I Believe in You», o la cosa disonante que emerge a los cuatro minutos de «After the Flood» y se sostiene por un minuto entero (Hollis afirma que son dos saxofones que se reproducen a la vez, pero no aparece ningún crédito de saxofón en el álbum), todos estos sonidos rebosan con vida. Se siente completamente orgánico a pesar de que Hollis literalmente pasó años en una habitación oscura reuniéndolos por horas y horas de sesiones de grabación. 

Estos dos álbumes (así como su increíble álbum homónimo en solitario de 1998) convergen el amor por el free jazz y la música clásica avant-garde de Hollis en una improvisada y sorprendente música, que es la que siempre había querido hacer. Por supuesto, ninguno de los dos discos se vendió particularmente bien, lo que ayudó aún más a solidificar la misión de Hollis de pintarle un dedo medio a la música pop en favor de independencia y la búsqueda de la verdad. Este tipo de actitud individualista se ha convertido en una modelo desde el cual generaciones de artistas han buscado orientación, desde héroes clandestinos como Broken Social Scene y Califone hasta nombres tan grandes como Radiohead y No Doubt. 

Después de estos tres lanzamientos que rompieron todo tipo de paradigmas, Hollis dejó el mundo de la música completamente para pasar más tiempo con su familia. Hollis pasó años tratando de deshacer todas las suposiciones que sus compañeros tenían sobre quién era él y qué significaba su trabajo, llegando a algo tan cercano como se puede llegar a un tipo de música que fuese tan de la tierra como del alma. Luego, renunciar al proceso mismo de grabar música para simplemente estar con tus seres queridos, dice más sobre lo que Hollis vio en el mundo que lo que podría agregar cualquier otra obra maestra. Hollis buscó vivir su vida como individuo, y al hacerlo nos enseñó que no es imposible superar ninguna etiqueta en el camino hacia la búsqueda de uno mismo. Hollis quería que lo viéramos por lo que realmente era, como cualquiera de nosotros. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con It's My Life. 

Ozzy Osbourne

John Michael Osbourne, más conocido como Ozzy Osbourne, nació en Marston Green, Warwickshire, Reino Unido, el 3 de diciembre de 1948, y murió en Jordans, Buckinghamshire, Reino Unido, el 22 de julio de 2025. Cantante, músico y compositor. 

El sitio https://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/osbourne.htm publicó este recordatorio. 

Ozzy Osbourne 

(John Osbourne; Birmingham, 1948 - 2025) Músico británico. Sus comienzos en la música datan de finales de los sesenta, cuando formó junto a Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward el grupo de rock duro Black Sabbath. Tras el álbum de 1978 Never Say Die, Osbourne fue despachado de Black Sabbath y tuvo que encontrar la forma de vivir por sus propios medios. 

Ozzy Osbourne

Con el apoyo de su esposa y mánager Sharon, decidió montar un nuevo grupo; reclutó a Randy Rhoads, Bob Daisley y Lee Kerslake y formó The Blizzard Of Oz. En el año 1981 vio la luz el primer álbum de este nuevo proyecto de Osbourne, con el título de Blizzard Of Oz, y con un estilo muy parecido al de Black Sabbath, tanto en las letras como en la música. Crazy Train, uno de los singles extraídos del disco, ayudó al larga duración a trepar hasta la decimosegunda posición de las listas británicas, y a casi entrar en el top veinte norteamericano. 

Los primeros cambios de formación se sucedieron a partir de entonces; Daisley y Kerslake se marcharon para ser sustituidos por Tommy Aldridge y Rudy Sarzo, justo antes de editar el segundo disco del grupo, Diaty Of A Madman. Este segundo disco vendió más que su predecesor y entró con fuerza en las listas estadounidenses, con lo que la fama de Osbourne aumentó considerablemente. 

En aquella época tuvo lugar una peculiar anécdota en un concierto: Ozzy estaba actuando cuando un fan le lanzó un murciélago al escenario; ni corto ni perezoso, Ozzy le arrancó la cabeza de un mordisco pensando que era un artículo de broma. Por supuesto, el concierto tuvo que ser suspendido y Osbourne fue llevado a un hospital para ser vacunado de la rabia. Poco después, Rhoads falleció en un extraño accidente de aviación. Osbourne cayó en una depresión, al perder a uno de sus mejores amigos, y la banda se vio obligada a hacer una parada en su ascendente carrera. 

Ozzy con el grupo Black Sabbath 

En el año 1983 se editó Speak Of The Devil, grabaciones en directo de temas de Black Sabbath, con Brad Gillis a la guitarra. Ozzy fue liberado de su contrato con Jet Records y se presentó borracho a una entrevista en Epic Records acompañado de dos palomas. Una de ellas fue liberada y la otra murió de la misma manera que aquel pobre murciélago; como consecuencia de ello, Ozzy fue contratado por la multinacional. 

Ficharon como nuevo guitarrista a Jake E. Lee, que trabajó ya en Bark At The Moon, editado en 1984. Aunque los trabajos de esta nueva época no tuvieron la consistencia de los anteriores, el disco tuvo el mismo éxito, o incluso más, que sus predecesores, a pesar de que Bark At The Moon fue considerado por muchos críticos como el peor disco de Ozzy Osbourne; el público, sin embargo, no parecía compartir este criterio, porque el disco fue otro bombazo de ventas. 

Un año más tarde se editó Tribute, un disco grabado en directo en el año 1981 dedicado a Randy Rhoads; tras esta edición, Lee dejó el grupo y fue reemplazado por Zakk Wylde. Con ese nuevo elemento en la banda, uno de los discos más duros de Osbourne, No Rest For The Wicked, salió al mercado en el año 1989. Este disco marcó un punto de inflexión en la vida de Osbourne; a partir de entonces, dado que el músico deseaba pasar más tiempo junto a su familia, las giras y conciertos se hicieron muchos menos frecuentes. No More Tears llegó a finales de 1991, con una gira posterior que fue anunciada como la última, cuyos temas en directo aparecieron en 1993 recogidos en Live And Loud. 

Sin embargo, no hubo retiro definitivo, y en el año 1995 salió a la venta Ozzmosis, que a pesar de las críticas vendió tres millones y medio de copias. Después de este disco, Ozzy creó el Ozz-Fest, una gira que le incluía a él mismo junto a un puñado de bandas heavy; en el año 1996 sólo actuaron dos veces, pero al año siguiente, el Ozz-Fest tuvo un gran cartel: Pantera, Marilyn Manson y una reunión de los antiguos Black Sabbath. Esta gira obtuvo un extraordinario éxito, y poco después Osbourne reúnió a la formación original de Black Sabbath para grabar un álbum en directo. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con No More Tears. 

Sanda

Sanda Ladoși, más conocida como Sanda, nació en en Târgu Mureș, Rumania, el 2 de enero de 1970. Cantante. 

El sitio www.eurovisionuniverse.com publicó su biografía. 

Sanda Ladoși (nacida el 2 de enero de 1970) es una cantante rumana conocida por representar a Rumania en el Festival de la Canción de Eurovisión 2004. Comenzó a cantar de niña y desarrolló su talento musical desde temprana edad. A los 10 años, Ladoși ya estaba aprendiendo piano, guitarra y canto, y ganó un concurso nacional de música en Rumania durante sus años escolares. Más tarde se mudó a Bucarest para seguir una carrera musical y pronto emergió como una figura notable en la música pop rumana. A lo largo de los años, ha lanzado cinco álbumes y realizado conciertos en Rumania y en el extranjero. La carrera de Sanda Ladoși abarca la música, la actuación y los roles públicos en las artes, lo que la convierte en un nombre muy conocido en el entretenimiento rumano. 

Vida temprana y comienzos musicales 

Sanda Ladoși nació en Târgu Mureș, Rumania, y comenzó a cantar a los 7 años en el coro de su escuela. Luego, en su adolescencia, tomó lecciones formales de música y canto, lo que la ayudó a construir una base sólida. Después de terminar la escuela secundaria en 1988, se mudó a Bucarest para seguir su sueño de convertirse en cantante profesional. Casi al mismo tiempo, también se matriculó en estudios de derecho en la Universidad Titu Maiorescu, lo que demuestra su dedicación a la educación junto con la música. El talento temprano de Ladoși fue reconocido en concursos de música rumanos. En 1987, compitió en el concurso de talentos “Steaua fără nume” (“Estrella sin nombre”), y en 1988 ganó el Primer Premio en la sección de interpretación en el prestigioso Festival de Música de Mamaia. Estos logros le abrieron puertas en la industria musical rumana. A principios de la década de 1990, Sanda Ladoși actuaba en giras nacionales y eventos musicales, a menudo junto a artistas rumanos establecidos, lo que la ayudó a ganar experiencia y popularidad. 

Ascenso a la fama en la década de 1990 

En la década de 1990, Sanda Ladoși consolidó su lugar como una destacada cantante rumana. Lanzó su álbum debut Când vine seara en 1993, seguido de un segundo álbum Între noi mai e un pas en 1994. El segundo álbum fue especialmente notable porque presentó seis canciones a dúo con el fallecido actor Ștefan Iordache. Con Iordache, interpretó la canción "Eu vreau să-ți spun că te ador", ganando el segundo lugar en el Festival de Mamaia de 1994 y el tercer lugar en 1995 en la sección de composición del mismo festival. Ladoși continuó lanzando música popular durante la década. Su tercer álbum, Nu mă iubi, salió en 1997, y presentó nuevas canciones en una mezcla de estilos pop y contemporáneo. 

En 1999, terminó de grabar su cuarto álbum, Mi-e dor, que incluía canciones originales y versiones de clásicos rumanos. Ese año, también ganó otro premio (Tercer Premio) en el Festival de Mamaia por una canción del compositor Dan Iagnov. La rica voz y presencia escénica de Sanda Ladoși la convirtieron en una invitada frecuente en festivales de música y programas de televisión. Realizó duetos con célebres artistas rumanos como Marcel Pavel, Ioan Gyuri Pascu y Aurelian Temișan, entre otros. A finales de la década de 1990, había lanzado cuatro álbumes y se había convertido en un elemento fijo en la escena de la música pop de Rumania. Incluso intentó representar a Rumania en Eurovisión una vez antes, participando en la selección nacional en 1998, pero no fue hasta unos años más tarde que llegaría al escenario de Eurovisión. 

Eurovisión 2004 y “Lo admito” 

En 2004, Sanda Ladoși alcanzó reconocimiento internacional al ganar la selección nacional de Rumania, Selecția Națională, y convertirse en la candidata del país para el Festival de la Canción de Eurovisión celebrado en Estambul. Interpretó la canción "I Admit", una canción pop de ritmo rápido con influencias de baile latino. Sanda Ladoși terminó 18.ª en la final de Eurovisión 2004, obteniendo 18 puntos para Rumania. La canción "I Admit" se incluyó en su quinto álbum de estudio, titulado Khalini, que se lanzó en 2006. Este álbum, que salió poco después de su aparición en Eurovisión, presentó una mezcla de nuevas canciones y mostró su versátil estilo de canto. 

Carrera posterior, pausa y vida familiar 

Después de mediados de la década de 2000, la carrera de Sanda Ladoși entró en una fase más tranquila mientras se centraba en su vida personal. Se casó y formó una familia; su hijo nació en 2007 y su hija en 2009. Con dos niños pequeños en casa, Ladoși se tomó un descanso del ojo público: se alejó de las presentaciones frecuentes y puso su carrera musical en pausa durante unos años. Luego, a medida que sus hijos crecieron, Sanda Ladoși regresó gradualmente a la escena del entretenimiento. Alrededor de 2011, comenzó a hacer apariciones selectivas nuevamente, colaborando en el estudio con el también cantante y compositor Ovidiu Komornyik y actuando en concierto cuando surgían las oportunidades. Ladoși también expandió sus actividades artísticas durante este período. Por ejemplo, asumió un papel de actuación de voz: proporcionó la voz de doblaje rumana para el personaje Mulan en un episodio especial de la serie animada de Disney Sofia the First. Este proyecto le permitió explorar talentos de actuación más allá del canto. Además, apareció como cantante invitada en espectáculos teatrales en el Teatro Constantin Tănase Revue de Bucarest, lo que indica su versatilidad como intérprete. 

Regresar a Roles públicos y trabajos recientes 

A finales de la década de 2010, Sanda Ladoși tuvo un notable regreso no solo a la música, sino también a roles culturales públicos. En 2017, sorprendió a muchos al desarrollar una pasión por las artes circenses. Aprendió habilidades acrobáticas e incluso realizó rutinas aéreas mientras cantaba, combinando su talento musical con la actuación física. Ese mismo año, la administración de la ciudad de Bucarest la nombró subdirectora artística del Circo Metropolitano de Bucarest (Globus Circus). En este rol público, Ladoși es responsable de la dirección creativa de espectáculos circenses, ayudando a modernizar y promover una de las instituciones de entretenimiento más famosas de la ciudad. Este giro profesional demostró su capacidad para reinventarse y contribuir a las artes más allá de la música pop. 

Sanda Ladoși también restableció su presencia en los medios rumanos. Comenzó a aparecer en televisión como mentora y jurado. Por ejemplo, se unió al jurado de “Vedeta familiei”, un programa de talentos infantil orientado a la familia en TVR (televisión pública rumana). En este programa, Ladoși evalúa y anima a jóvenes cantantes y a sus padres, aprovechando su vasta experiencia en la música. Además, se mantuvo conectada con la comunidad eurovisiva. En 2022, Sanda Ladoși fue miembro del jurado rumano del Festival de la Canción de Eurovisión y más tarde habló sobre una controversia de votación ese año, expresando sus opiniones sinceras sobre la imparcialidad de los resultados del concurso. A lo largo de todas estas actividades, Ladoși ha seguido actuando en vivo en ocasiones. Todavía da conciertos especiales y hace apariciones especiales en televisión y en eventos musicales, recordando al público que su talento vocal está muy vivo. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Te-aleg mereu, o Siempre te elijo a ti.  

F. R. David

Elli Robert Fitoussi, más conocido como F. R. David, nació en Menzel Bourguiba, entonces Protectorado francés de Túnez, el 1 de enero de 1947. Guitarrista, cantante, compositor, arreglador y productor. 

El sitio www.frdavid.net publicó su biografía. 

FR David es un artista singular que experimentó con diferentes estilos de música. 

Cantante, compositor, arreglista y productor, utiliza la fórmula de su amigo Ray Charles: «Hay dos tipos de música: la buena y la otra...».  

Empezó como bajista en bandas de rock y más tarde como cantante. El álbum "Earth" con VANGELIS (a principios de los 70) fue uno de los mejores experimentos de la era psicodélica, junto con otros grandes como SOFT MACHINE. 

En lugar de quedarse en las esferas musicales francesas en las que FR David destacó inmediatamente, buscó horizontes más amplios y en 1974 se fue a Estados Unidos como cantante de LES VARIATIONS, la única banda de rock francesa conocida en Estados Unidos con una gira de un año (teloneando a grandes bandas como AEROSMITH y mucho más en estadios) mientras grababa un álbum de Rock & Roll "Cafe of Paris" con Buddah Records. 

El resto de la década, FR David vivió en Nueva York. El representante de rock número uno, David Krebbs, lo fichó. Perfeccionó su talento, ya consolidado, con los "Grandes" entre Nueva York y Los Ángeles, como Michael Kamen, Steely Dan y Toto, utilizando, por supuesto, los mejores y más legendarios estudios. 

Impulsado por estas experiencias únicas, el padre David decidió regresar a su hogar en París. En 1982, empezó a trabajar de inmediato y lanzó un éxito mundial: WORDS. Esta canción se mantuvo número 1 en toda Europa durante diecisiete semanas y en lo más alto de las listas de éxitos a nivel mundial. 

Otros títulos le siguieron con éxito: SAHARA NIGHT, PICK UP THE PHONE, GIRL YOU'RE MY SONG, I NEED YOU …  Bob Sinclar y Alain Wisniak lo llevaron a un nuevo terreno. Juntos grabaron dos sencillos. 

En los años 20, lanzó dos álbumes NUMBERS y MIDNIGHT DRIVE y los sencillos YOUR LOVE SHINES, PARIS IS HER HOME, TIME IS NOT MINE. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Words.   

Feliz Año Nuevo - Bienvenido 2026

Pete Quaife

 

Peter Alexander Greenlaw Quaife, más conocido como Pete Quaife, nació en Tavistock, Devon, Reino Unido, el 31 de diciembre de 1943, y murió en Herlev, Dinamarca, el 23 de junio de 2010. Bajista. 

El sitio www.theguardian.com publicó este recordatorio firmado por Dave Laing. 

Obituario de Pete Quaife 

Bajista de Kinks que influyó en una generación de músicos de rock. 

Dave Laing / Domingo 27 de junio de 2010 

Miembro fundador y bajista de los Kinks durante sus días de gloria de la década de 1960. 

Pete Quaife, fallecido por insuficiencia renal a los 66 años, fue el bajista de los Kinks durante los años de gloria del grupo en la década de 1960. Contribuyó de forma crucial a la dinámica del grupo y John Entwistle, de The Who, lo nombró uno de sus bajistas favoritos porque "impulsó a los Kinks". 

Quaife conoció a sus compañeros guitarristas, Ray y Dave Davies, en la escuela secundaria moderna William Grimshaw de Muswell Hill, al norte de Londres, adonde se había mudado su familia tras su nacimiento en Tavistock, Devon. Con los hermanos Davies comenzó a ensayar temas de rock and roll y rhythm and blues de Buddy Holly, The Ventures y Chuck Berry. Según Dave Davies: «Echamos a suertes quién tocaría el bajo y Pete perdió». 

Tras terminar la escuela, Quaife estudió arte comercial y, junto con los hermanos Davies y el baterista Mick Avory, comenzó a actuar en público en clubes juveniles locales y otros locales pequeños. La banda pasó por varios nombres hasta que, como los Ravens, apoyaron a un cantante con buenos contactos llamado Robert Wace, quien era más un hombre de negocios que un cantante. Con su socio corredor de bolsa, Grenville Collins, Wace contrató a los Ravens para tocar en diversos eventos. 

En una época en la que los Beatles y los Rolling Stones empezaban a dar que hablar, Wace y Collins decidieron que los Ravens tenían potencial estelar y solicitaron la ayuda del mánager pop Larry Page para impulsar su carrera. Fue idea de Page diseñar una imagen impactante para el grupo, comenzando con un nombre llamativo, los Kinks ("kinky" era un adjetivo de moda en el Londres del swing), e incluyendo un escandaloso uniforme de escenario con trajes de caza y fustas. 

Page colocó al grupo con el productor discográfico Shel Talmy y alcanzaron el éxito con su tercer sencillo, You Really Got Me. Fue escrito y cantado por Ray Davies, pero su impacto se debió principalmente al riff de guitarra distorsionada de Dave, apuntalado por la línea de bajo de Quaife, que influyó en una generación de músicos de rock en ciernes. El disco alcanzó el número 1 en 1964 e inició un período de tres años en el que los Kinks tuvieron 11 éxitos top 10 británicos y varios éxitos en Estados Unidos, incluyendo clásicos como Sunny Afternoon, Dead End Street, Autumn Almanac y Waterloo Sunset. Hubo constantes giras nacionales e internacionales, aunque una disputa que involucró a la Federación Estadounidense de Músicos impidió que los Kinks actuaran en los Estados Unidos durante varios años. 

Desde el principio, los Kinks se vieron acosados por disputas internas. Los hermanos Davies exhibieron una fuerte rivalidad fraternal, pero Quaife logró mantenerse al margen de las disputas de la banda y, en ocasiones, fue un pacificador, ganándose el apodo de "el embajador" porque "a menudo intervenía para calmar los ánimos". 

En 1966, Quaife se rompió una pierna en un grave accidente de tráfico y fue reemplazado en los Kinks por John Dalton. Quaife renunció al grupo, pero cambió de opinión y regresó al grupo a finales de año. Aunque fue excluido del proceso de composición, que quedó en manos de Ray Davies, Quaife cantó coros en muchos de los éxitos y sus agudos riffs de bajo mantuvieron la coherencia del sonido de los Kinks, especialmente en concierto, cuando a veces derivaban en largos pasajes instrumentales. A finales de la década de 1960, también contribuyó más a las grabaciones del grupo, ya que pasaron más tiempo en el estudio, trabajando en los álbumes Something Else By the Kinks (1967) y The Kinks Are the Village Green Preservation Society (1968), añadiendo una línea de bajo prestada de J. S. Bach a una canción de este último. 

También participó en los ensayos del álbum Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) de 1969 antes de abandonar el grupo definitivamente en 1969. Fue reemplazado, de nuevo, por Dalton. Al explicar su decisión, Quaife dijo: «Nunca tocábamos en ningún sitio, así que la mayor parte del tiempo nos quedábamos en casa cobrando las regalías. Era una vida fácil, pero no muy plena». 

Casi inmediatamente, Quaife formó Mapleoak, una banda que también incluía a dos músicos canadienses (Stan Endersby y Marty Fisher) y al baterista inglés Mick Cook. Mapleoak lanzó un sencillo, "Son of a Gun", en abril de 1970, pero Quaife abandonó la banda y el mundo de la música poco después. Posteriormente, apareció brevemente en el escenario con los Kinks y, junto con los demás miembros fundadores, asistió a su incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1990. También asistió a alguna convención de fans ocasional, como una en 2004 en Utrecht, donde tocó con la banda tributo Kast Off Kinks y leyó extractos de su novela inédita sobre rock and roll. 

En la década de 1970, Quaife vivió en Dinamarca. En 1980 se mudó a Belleville, Ontario, donde tocó con una banda local de aficionados de la iglesia. Trabajó como artista gráfico y, en 2004, publicó una colección de caricaturas, "El lado más ligero de la diálisis", basada en sus experiencias tras el diagnóstico de insuficiencia renal en 1998. Regresó a Dinamarca en 2005. Le sobreviven su pareja, Elisabeth, y su hija, Camilla, de una relación anterior. 

Peter Alexander Greenlaw Quaife, músico, nacido el 31 de diciembre de 1943; fallecido el 23 de junio de 2010. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Sunny Afternoon. 

Bo Diddley

Ellas Otha Bates, posteriormente Ellas McDaniel, más conocido como Bo Diddley, nació en McComb, Misisipi, Estados Unidos, el 30 de diciembre de 1928, y murió en Archer, Florida, Estados Unidos, el 2 de junio de 2008. Cantante, guitarrista y compositor.   

El sitio www.bodiddley.com publicó su biografía. 

EL HOMBRE QUE CREÓ UN GÉNERO, CON LA MÚSICA QUE INSPIRÓ GENERACIONES 

Bo Diddley, "El Originador" (30 de diciembre de 1928 - 2 de junio de 2008), nacido como Ellas Otha Bates, fue un cantante, guitarrista y compositor estadounidense de rock & roll, original e influyente. Se le conocía como "El Originador" por su papel clave en la transición del blues al rock & roll, influenciando a numerosos artistas legendarios, como Buddy Holly, Jimi Hendrix, Eric Clapton y The Rolling Stones, entre otros. Introdujo ritmos más insistentes y contundentes, y un sonido de guitarra más contundente en un amplio catálogo de canciones. Diddley fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y recibió el Premio a la Trayectoria de la Fundación Rhythm and Blues, así como un Premio Grammy de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación. También fue un influyente guitarrista que inventó numerosos efectos especiales y otras innovaciones en tono y ataque. El instrumento característico de Diddley era la guitarra Gretsch de caja rectangular, apodada "The Twang Machine", una guitarra que él mismo diseñó alrededor de 1958 y que utilizó en miles de conciertos a lo largo de los años. Posteriormente, encargó a otros fabricantes la fabricación de otras guitarras de formas similares. También tocaba el violín, que aparece en su melancólico instrumental "The Clock Strikes Twelve", un blues de 12 compases. Diddley empezó a tocar la guitarra tras escuchar al bluesman John Lee Hooker en Chicago. En 1951, se hizo un hueco en el 708 Club del South Side de Chicago, con un repertorio influenciado por John Lee Hooker, Muddy Waters y el líder de la banda Louis Jordan. A finales de 1954, se asoció con el armonicista Billy Boy Arnold, el baterista Clifton James y el bajista Roosevelt Jackson para grabar demos de "I'm A Man" y "Bo Diddley" con un conjunto de acompañamiento compuesto por Otis Spann (piano), Lester Davenport (armónica), Frank Kirkland (batería) y Jerome Green (maracas). Luego regrabaron las canciones en Chess Studios. El disco se lanzó en marzo de 1955, y la cara A, "Bo Diddley", se convirtió en un éxito número uno de R&B. Tras el éxito, The Ed Sullivan Show contrató a Diddley para tocar en vivo. Sullivan le pidió que cantara el éxito country de Tennessee Ernie Ford, "Sixteen Tons"; en cambio, la joven estrella desató la vorágine guitarrística que lo presentó al mundo, y cuyo título llevaba su nombre: "Bo Diddley". Inventó su nombre, su guitarra y un ritmo que cambió la música para siempre. - Rolling Stone. Durante las décadas de 1950 y 1960, Diddley se convirtió en una figura musical con álbumes como "Bo Diddley Is a Gunslinger" y "Have Guitar, Will Travel". Bo Diddley es más conocido por el "Bo Diddley beat", un ritmo vibrante, similar a la rumba. Aunque evoca sensaciones de África y el Caribe, se dice que Diddley lo inventó mientras intentaba tocar "(I've Got Spurs That) Jingle, Jangle, Jingle" de Gene Autry. El ritmo de Bo Diddley fue utilizado por muchos otros artistas en las décadas de 1950 y 1960. Notablemente Buddy Holly ("Not Fade Away"); Johnny Otis ("Willie and the Hand Jive"); Elvis Presley ("His Latest Flame"); Wayne Fontana & The Mindbenders ("The Game of Love"); Jefferson Airplane ("She Has Funny Cars"); George Michael ("Faith"); y otros. El sonido inicial de The Rolling Stones presentó varios usos del ritmo de Bo-Diddley en canciones como "Not Fade Away" y "I Need You Baby (Mona)". La propia versión de Buddy Holly de "Bo Diddley" le proporcionó un éxito póstumo entre los diez primeros en el Reino Unido en 1963. Diddley tuvo varios éxitos adicionales a finales de la década de 1950 y la década de 1960, incluyendo "Pretty Thing" (1956), "Say Man" (1959) y "You Can't Judge a Book By the Cover" (1962). Lanzó una serie de álbumes cuyos títulos, incluyendo Bo Diddley Is a Gunslinger y Have Guitar, Will Travel, reforzaron su leyenda auto inventada. Entre 1958 y 1963, Checker Records lanzó 11 álbumes completos de Bo Diddley. Diddley fue un artista crossover innovador con audiencias blancas, apareciendo en los conciertos de Alan Freed y populares programas de televisión. Sin embargo, rara vez adaptó sus composiciones o actuaciones a las preocupaciones de los adolescentes. Sus espectáculos en vivo, a diferencia de los de Chuck Berry, por ejemplo, estaban orientados a clubes nocturnos negros para adultos hasta su carrera posterior de tocar en espectáculos de música antigua. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En sus últimos años, Diddley continuó actuando, dirigiendo una gira mundial en 2005 para celebrar 50 años en la música. En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en la música con exitosas giras por Australia y Europa, y con espectáculos de costa a costa en América del Norte. Interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson en la vigésima ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum debut de 1958 "Bo Diddley" en su lista de los "100 momentos de música, cine y televisión que han cambiado el mundo".Entre 1958 y 1963, Checker Records lanzó 11 álbumes de larga duración de Bo Diddley. Diddley fue un artista innovador que se expandió entre el público blanco, apareciendo en los conciertos de Alan Freed y populares programas de televisión. Sin embargo, rara vez adaptó sus composiciones o actuaciones a las inquietudes de los adolescentes. Sus espectáculos en vivo, a diferencia de los de Chuck Berry, por ejemplo, estaban orientados a clubes nocturnos para adultos negros hasta su carrera posterior de tocar en espectáculos de música clásica. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En sus últimos años, Diddley continuó actuando, dirigiendo una gira mundial en 2005 para celebrar sus 50 años en la música. En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en la música con exitosas giras por Australia y Europa, y con espectáculos de costa a costa por toda Norteamérica. Interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson en la vigésima ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum debut de 1958 "Bo Diddley" en su lista de los "100 momentos de música, cine y televisión que han cambiado el mundo". Entre 1958 y 1963, Checker Records lanzó 11 álbumes de larga duración de Bo Diddley. Diddley fue un artista innovador que se expandió entre el público blanco, apareciendo en los conciertos de Alan Freed y populares programas de televisión. Sin embargo, rara vez adaptó sus composiciones o actuaciones a las inquietudes de los adolescentes. Sus espectáculos en vivo, a diferencia de los de Chuck Berry, por ejemplo, estaban orientados a clubes nocturnos para adultos negros hasta su carrera posterior de tocar en espectáculos de música clásica. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En sus últimos años, Diddley continuó actuando, dirigiendo una gira mundial en 2005 para celebrar sus 50 años en la música. En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en la música con exitosas giras por Australia y Europa, y con espectáculos de costa a costa por toda Norteamérica. Interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson en la vigésima ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum debut de 1958 "Bo Diddley" en su lista de los "100 momentos de música, cine y televisión que han cambiado el mundo". 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus más grandes éxitos: Bo Diddley.   

Batuecas: Valle Olvidado

 

El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta la Historia real del Valle de las Batuecas, Salamanca, el valle más aislado de España donde el tiempo se detuvo. 

En 2022 lingüistas de Universidad de Salamanca llegaron a grabar dialectos arcaicos y descubrieron lo imposible: ancianos católicos cantando nanas en ladino sefardí puro del siglo XV sin saber qué idioma era. Palabras como "shabat", "adafina", "baruj atá adonai" mezcladas con castellano durante 500 años. 

En 2024 test masivo de ADN confirmó: 51% de habitantes tienen componente sefardí 30%+, promedio del valle 33% judío ibérico. Martín Sánchez, maestro de 62 años, descubre que es 46,3% sefardí. 

Su abuela cantaba canciones que resultan ser las mismas que madres judías cantaban en Sefarad antes de 1492. 

Archivos de Inquisición revelan: su antepasado Juan Martín fue torturado en 1598 por "prácticas judaizantes", condenado a sambenito público 2 años. Familias conversas huyeron al valle, preservaron idioma y costumbres en secreto durante 20 generaciones sin saber ya qué significaban. Genocidio cultural que fracasó: la sangre y las palabras sobrevivieron.  

A continuación, el video: Batuecas: Valle Olvidado. Hablaba Hebreo Sin Saberlo: ADN 2024 Reveló 46% Son Judíos. 500 Años. 

Ray Thomas

Raymond Thomas, más conocido como Ray Thomas, nació en Worcestershire, Reino Unido, el 29 de diciembre de 1941, y murió en Surrey, Reino Unido, el 4 de enero de 2018. Cantante, compositor y multiinstrumentista, tocaba flauta, saxo, armónica y oboe.  

El sitio www.plasticosydecibelios.com publicó este recordatorio firmado por Julián Ruiz. 

EN RECUERDO DE RAY THOMAS DE MOODY BLUES 

Por Julián Ruiz / Actualizado el 27/12/2021 

Un recuerdo para Ray Thomas hoy que cumpliría 80 años. El flautista, cantante y compositor de The Moody Blues nos dejó el 4 de enero del 2018 a los 76 años. 

Ray Thomas fue una parte crucial de la historia de Moody Blues. Su impacto como músico y compositor ayudó a establecerlos como una de las bandas progresivas más dinámicas y pioneras en tres décadas, desde la década de 1960, con el sensacional «Days of Futured Past» hasta los años 70 y hasta los 80. Y más allá. Sus temas con la flauta travesera eran esenciales. 

Una vez dijo de su papel: «Nunca pensé en mí mismo como alguien muy talentoso. Sin embargo, me alegré de haber jugado un papel en sacar el talento de quienes me rodean». 

El magnífico Ray Thomas nació el 29 de diciembre de 1941 en Stourport On Severn, Thomas comenzó una banda llamada The Riot And The Rebels, en Birmingham a principios de los años 60, junto a John Lodge y Mike Pinder. Thomas y Pinder permanecieron juntos luego en Krew Cats, que comenzó en 1963, antes de traer a Denny Laine, Graeme Edge y Clint Walker cuando se convirtieron en los primeros Moody Blues un año después. 

Inicialmente, su sonido se basaba en el blues y tuvieron un temprano éxito en esta línea. Sin embargo, fue cuando la formación clásica con Thomas, Pinder y Edge junto a Lodge y Justin Hayward se unieron en 1966, cuando la banda encontró su dirección musical y estilo. 

El lanzamiento del álbum Days Of Future Passed en 1967 marcó el tono, con su sensibilidad sinfónica, y Thomas fue una parte crucial del proceso, como un flautista confidente y creativo. 

«Realmente estábamos haciendo cosas que estaban fuera de nuestra zona de confort. Eso lo hizo tan emocionante. Sentí que, como músico, de repente tenía un lienzo en blanco sobre el que pintar lo que creía que funcionaría». 

Una de sus mejores composiciones, Legend Of A Mind, apareció en el álbum de 1968 In Search Of The Lost Chord. Fue escrito sobre Timothy Leary. 

«En realidad, lo hice como algo así como un simple homanje  más que cualquier otra cosa. Pero Leary una vez me dijo que esa canción había hecho más para hacerlo famoso que otra cosa. ¿Imagina eso? Una canción tonta y desechable como la que tiene tanto impacto». 

A medida que los Moody continuaron disfrutando de éxito en la próxima década, las contribuciones de Thomas como músico, vocalista y compositor fueron una parte central de todo. Y cuando la banda entró en pausa en el año 74, lanzó los álbumes en solitario, From Mighty Oaks (1975) y Hopes Wishes And Dreams (1976). Demostró que tenía la capacidad de hacer su propia marca lejos de la nave nodriza. 

Naturalmente, Thomas fue parte de los Moody Blues cuando se volvieron a reunir en 1977. Entonces, su tema «Veteran Cosmic Rocker», que fue escrito por él para el álbum Long Distance Voyager de 1981, se convirtió en algo así como un himno para la banda. 

Pero su mala salud lo obligó a tomar un papel decreciente en la banda, con su última aparición en el álbum  Strange Times de 1999. Y en octubre de 2014, reveló que había sido diagnosticado con cáncer de próstata. 

Y apuntaba en un comunicado: «Mi cáncer estaba funcionando, pero tengo un médico fantástico que inmediatamente me inició en un nuevo tratamiento que ha tenido una tasa de éxito del 90%. El cáncer está en remisión, pero recibiré este tratamiento por el resto de mi vida. Tengo cuatro amigos cercanos que han soportado algún tipo de cirugía o tratamiento para este cáncer y todos están bien. Aunque no me gusta hablar públicamente sobre mis problemas de salud, después de la muerte de mi amigo Alvin Stardust, decidí que ya era hora de que hablara. Un diagnóstico de cáncer puede sacudir su mundo y el de su familia, pero si es atrapado a tiempo puede curarse o mantenerse en remisión. Insto a todos los hombres a hacerse la prueba AHORA. No lo pospongas pensando que no me va a pasar. Necesita ser atrapado temprano. Es solo un análisis de sangre: unos minutos de tu día para salvarte de esta enfermedad. Amor y Dios bendicen, Ray». 

Sin embargo, Thomas estaba trabajando en un nuevo álbum en solitario, como explicó en 2015. 

«No voy a ponerme bajo presión como solía hacerlo». Cuando escribo una canción, no me gusta, porque empiezo a hurgar en ella, tratando de cambiarla, e inevitablemente la rompes. Así que mientras escribo uno, iré al estudio local y lo grabaré como un capricho. No tengo un plazo; Me estoy volviendo demasiado viejo para tanta presión. Lo haré cuando pueda. 

Thomas no solo era un excelente flautista, a pesar de ser totalmente autodidacta y un buen cantante, sino que también tocó una variedad de otros instrumentos, como el saxofón, la armónica y el oboe. También tenía un agudo sentido del humor, como lo demostró cuando dijo una vez: 

«Me encanta el hecho de que los Moody Blues están sin mí, porque eso significa que todos los discos en los que vivo siguen haciéndome ganar dinero». 

Es posible que Thomas nunca haya sido una estrella de alto perfil, pero su contribución a la música progresiva fue inestimable. Todo lo que tienes que hacer es escuchar esos álbumes clásicos de Moody Blues para saber qué ha significado para la música que todos amamos. ¡Gran Ray Thomas! 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nights in White Satin.