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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Phillip Everly, más conocido como Phil Everly, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 19 de enero de 1939, y murió en Burbank, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 3 de enero de 2014. Cantante, guitarrista y compositor.
El sitio www.larazon.es publicó este recordatorio firmado por Alberto Bravo.
Muere Phil Everly, la gran armonía del pop
Tuvo una influencia enorme en la música popular
El músico americano Phil Everly, miembro junto a su hermano Don de los influyentes Everly Brothers, falleció a los 74 años en la localidad californiana de Burbank debido a una enfermedad pulmonar, según informó su esposa, Patti a, «Los Angeles Times». Se marcha así un vocalista que ayudó a redefinir la música popular gracias al empleo de sublimes armonías que encontraron su eco en formaciones como The Beatles, The Hollies, The Beach Boys y Simon & Garfunkel. Después sus patrones fueron imprescindibles en el desarrollo del country-rock en grupos como Eagles, Poco o Crosby, Stills, Nash & Young.
Phil y Don formaron el dúo Everly a finales de los 50 y no tardaron en definir los principios básicos de un nuevo estilo, que mezclaba la tradición con una forma única de combinar las voces. Su primer disco, «The Everly Brothers», incluye dos canciones para la historia: «Bye Bye Love» y «Wake Up Little Susie». Los hermanos Everly tomaban cualquier canción y la hacían suya con el empleo de una técnica sublime que cautivaba los oídos de cualquier espectador. Hacían fácil lo difícil. Y, además, eran extraordinarios guitarristas y compositores. Nunca el folk estuvo tan cerca del pop. Aun con un impacto decreciente con el paso de los años, los Everly Brothers aguantaron los embistes de la invasión británica, las nuevas y exitosas formas de country-rock y otros estilos de consumo masivo. Sin embargo, Phil y Don nunca se llevaron bien, y sus peleas fueron antológicas, incluso en plenas actuaciones. En 1973 no aguantaron más y se separaron.
Con ventas más modestas, Phil siguió publicando excelentes discos y tuvo un resurgir comercial en 1983 con «She Means Nothing to Me», un dueto con Cliff Richard. Y ese mismo año los hermanos Phil y Don se reunieron para un histórico concierto en el Royal Albert Hall de Londres. Nadie había olvidado a los Everly Brothers, que reanudaron su carrera en 1984 con el álbum «EB84». Canciones como «Cathy's Clown», «When Will I Be Loved» y «All I Have to Do Is Dream» perdurarán por siempre en la memoria de los aficionados a la música popular. La deuda con los hermanos Everly es enorme.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Sweet Pretender.
El Foro Cultural de Austria en Madrid promueve el intercambio artístico entre Austria y España. Su director, Kristian Henk, explica cómo, mediante exposiciones, conciertos y otras actividades culturales, el foro difunde la creación contemporánea austríaca y fomenta el diálogo entre ambas culturas.
«Christoph Prégardien realiza auténticos milagros, y quien haya escuchado su cautivadora y perfecta interpretación de 'Noche y sueños' de Schubert ya no podrá resistirse».
Foro Fono
Su técnica vocal clara y precisa, su dicción inteligente y su capacidad para ahondar en la esencia psicológica de cada papel hacen de Christoph Prégardien uno de los tenores líricos más importantes de nuestro tiempo. Su trabajo como cantante de lieder goza de especial reconocimiento. En la temporada 2025/26, podrá escucharse, entre otras obras, en *Die schöne Müllerin/These Fevered Days* de Johannes Maria Staud, un proyecto excepcional que combina el ciclo de Schubert en una versión orquestada con siete nuevas canciones con textos de Emily Dickinson. Tras su estreno mundial en 2024, se presentará con el Klangforum Wien en el festival Klangspuren Schwaz y en el Konzerthaus de Viena, así como con el Remix Ensemble bajo la dirección de Peter Rundel en Oporto. Sus recitales lo llevarán a escenarios como Bogotá, La Monnaie de Bruselas, la Academia Kronberg, la Sala Pierre Boulez de Berlín (con Julius Drake y Udo Samel), Barcelona, Tokio, Taiwán y, una vez más, a la Schubertiade Schwarzenberg/Hohenems. Un momento memorable será su 70.º cumpleaños, que celebrará con un concierto de gala en Dortmund junto a su hijo Julian Prégardien, dentro del programa "Padre e Hijo", que también se interpretará con una versión modificada en Saarbrücken, Tubinga y Bamberg. Además, el dúo realizará una gira con la Orquesta Barroca de Friburgo y Kristian Bezuidenhout, con conciertos en Colonia, Friburgo y Berlín. En Fráncfort, también interpretará el papel principal en Elías de Mendelssohn.
Christoph Prégardien colabora frecuentemente como solista con importantes orquestas internacionales. Ha actuado con las Orquestas Filarmónicas de Berlín y Viena, la Orquesta Real del Concertgebouw, la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Radio France y las Orquestas Sinfónicas de Boston y San Francisco, colaborando con directores como Barenboim, Metzmacher y Thielemann. Su repertorio orquestal abarca no solo los grandes oratorios y pasiones del Barroco, el Clasicismo y el Romántico, sino también obras de los siglos XVII y XX. Entre sus papeles operísticos se incluyen Tamino, Almaviva (El barbero de Sevilla), Fenton (Falstaff), Don Octavio, Tito, Ulises e Idomeneo.
Su amplia experiencia como intérprete de los principales roles evangelistas y sus estrechas colaboraciones con directores como Nagano, Chailly, Herreweghe, Harnoncourt, Luisi y Gardiner dotan a Christoph Prégardien de las cualificaciones ideales para abordar este repertorio como director. Desde el éxito internacional de su debut como director en 2012 con Le Concert Lorrain y el Coro de Cámara de los Países Bajos, ha dirigido regularmente conjuntos de renombre como el Balthasar Neumann Ensemble, el Coro de Cámara de Dresde, el Collegium Vocale Gent y el Coro de Cámara RIAS. En la primavera de 2024, dirigió la Pasión según San Mateo de Bach con Vísperas de Arnadí y el Coro de Cámara del Palau en Barcelona. En diciembre de 2025, dirigió el Oratorio de Navidad de Bach en gira con el conjunto belga Il Gardellino y el Coro de Cámara del Palau de la Música Catalana.
El cantante ha documentado gran parte de su repertorio en más de 150 grabaciones, recibiendo numerosos premios, entre ellos el Orfeo de Oro de la Academia del Disco Lírico, el Premio Edison, el Premio Clásico de Cannes y el Diapasón de Oro. Con el sello Challenge, tras Schwanengesang de Schubert (con Andreas Staier) y Die schöne Müllerin (con Michael Gees), que recibieron premios como el Editor's Choice de la revista Gramophone y el Premio MIDEM a la Grabación del Año, publicó Italienisches Liederbuch de Hugo Wolf (con Julia Kleiter), "Between Life and Death", "Wanderer", la nueva grabación de Winterreise nominada al Grammy (todos con Michael Gees), y "Father and Son" con su hijo Julian Prégardien. Su CD de Schubert, Poetisches Tagebuch (con Julius Drake), recibió el Premio de la Crítica Discográfica Alemana en 2016. Entre sus CD más recientes se encuentra uno producido en colaboración con el Instituto Chopin de Varsovia, con Christoph Schnackertz y canciones de Paderewski, Moniuszko y Duparc, así como una nueva grabación de Schwanengesang de Schubert y Liederkreis, Op. 39 de Schumann, con Julius Drake. En 2023, el sello Etcetera publicó cantatas de Bach grabadas con Stephan Schultz y Le Concert Lorrain, con Christoph Prégardien como barítono.
Un aspecto importante de la vida musical de Christoph Prégardien es la docencia. Tras varios años en la Universidad de las Artes de Zúrich, impartió clases en la Universidad de Música de Colonia entre 2004 y 2023. Continúa impartiendo clases magistrales por todo el mundo.
Temporada 2025/26 www.karstenwitt.com
A continuación, celebramos su cumpleaños, con el Lied Ständchen, de Franz Schubert, acompañado en piano por Michael Gees, y el Lied Auf dem Wasser zu Singen, a déo con su hijo Julian Prégardien, acompañado en piano por Michael Gees.
Françoise Madeleine Hardy nació en París, Francia, el 17 de enero de 1944, y murió en su ciudad, el 11 de junio de 2024. Cantautora, modelo, escritora y actriz.
Françoise Hardy: la gran leyenda de la música francesa
lunes, 17 junio 2024
En este artículo hablamos de… Françoise Hardy, generación ye-ye, mito, música francesa
El pasado 12 de junio Francia despedía a una de las mayores leyendas de la historia de la música: fallecía Françoise Hardy. «Mamá se ha ido…», anunciaba su hijo Thomas Dutronc a través de un emotivo mensaje. La cantante se hizo famosa en 1962, con solo 18 años, gracias al tema ‘Tous les garçons et les filles’. Éste le propulsó al estrellato en un programa de televisión para jóvenes talentos.
A partir de entonces, publicó un total de 28 discos, tres de ellos en inglés, y siguió en activo hasta que la enfermedad se lo permitió. Su último álbum apareció en 2018. El material que cantaba lo componía ella misma, algo muy poco habitual en la época, y podía interpretarlo en diferentes idiomas, lo que le hizo famosa desde Estados Unidos hasta Japón. Muchos artistas que la admiraban versionaban sus canciones en los años 80. Hoy en la Alianza Francesa de Málaga repasamos su biografía.
Françoise Hardy fue un icono de la música pop y de la moda, un tesoro nacional francés, con su voz característica, sus canciones románticamente nostálgicas y sus letras melancólicas, a menudo escritas por ella misma. Fue una de las primeras y más definitivas participantes francesas en el movimiento yé-yé, y su primer sencillo, «Tous Les Garçons et les Filles» (1962), vendió más de dos millones de copias y la convirtió en una estrella europea de la noche a la mañana. Cuando el sonido yé-yé se desvaneció, Hardy cambió a un sonido más introspectivo, folk y dramático que la ayudó a pasar de ser una sensación del pop a una artista. Siguió por ese camino durante el resto de su carrera, trabajando con un gran número de respetados colaboradores, inspirando a un número incalculable de otros artistas -algunos, como Blur, pudieron trabajar con ella- y, en última instancia, labrándose una carrera musical idiosincrásica, desafiante y siempre impresionante hasta su último álbum, Personne d’Autre, de 2018.
Hardy nació en París en 1944. Ella y su hermana fueron criadas por una madre soltera que se ganaba la vida a duras penas como ayudante de contable. Al terminar el instituto, su padre, ausente, le regaló una guitarra, pero su madre tuvo que convencerle para que la comprara. En su adolescencia se sintió muy influenciada por la chanson francesa, especialmente por la música de Charles Trenet y Cora Vaucaire. Gracias al gran alcance de Radio Luxemburgo, también encontró inspiración en la música de cantantes anglosajones como los Everly Brothers, Elvis Presley, Cliff Richard y Connie Francis. Mientras estudiaba Ciencias Políticas y Lenguas Germánicas en la Sorbona, respondió a un anuncio de un periódico que buscaba jóvenes cantantes. Hardy fracasó en esa primera audición, pero se animó a asistir a otras. Un poco más tarde hizo una audición para el sello francés Vogue y firmó su primer contrato discográfico a finales de 1961. En abril del año siguiente, dejó la universidad y lanzó su primer disco, «Oh Oh Chéri», escrito por el equipo creativo de Johnny Hallyday. El reverso era su propia composición «Tous Les Garçons et les Filles». La grabación fue un éxito de ventas, con más de dos millones de copias vendidas. En 1963, obtuvo el quinto puesto (para Mónaco) en el Festival de Eurovisión con «L’amour s’en Va» y fue galardonada con el Grand Prix du Disque.
Pronto fue portada de casi todas las revistas de música. Mientras trabajaba en una sesión fotográfica para una revista, Hardy conoció al fotógrafo Jean-Marie Perier, que transformó su imagen de tímida colegiala en una creadora de tendencias culturales. La sesión la convirtió en un icono de la moda y en una estrella del pop, y Perier la convenció para que hiciera de modelo. Gracias a su lugar en la música pop, pudo trabajar con diseñadores de primera fila como Paco Rabanne, Chanel e Yves Saint-Laurent. El director francés Roger Vadim le ofreció un papel principal en Château en Suède, pero su corazón estaba en la música, no en el cine. En 1963 cantó por primera vez en el teatro L’Olympia de París como telonera del cantante de yé-yé Richard Anthony. Su álbum de debut fue esencialmente un paraguas para sus singles y se vendió excepcionalmente bien, y la grabación ganó los premios Prix de l’Académie Charles-Cros y Trophée de la Télévision Française. En 1965, vuelve al cine, esta vez con Une Balle Au Cœur, de Jean-Daniel Pollet. Estrenada en febrero de 1966, su interpretación suscitó los elogios de la crítica y el público. La reputación de Hardy como cantante se extendió por toda Europa y pronto empezó a trabajar con artistas como los Beatles, Mick Jagger o Bob Dylan (este último se negó a tocar su segundo concierto en L’Olympia hasta que ella apareciera). Rápidamente se convirtió en la estrella del pop más exportable de su país, con diez álbumes entre 1962 y 1968.
Tras grandes giras por Europa, grabó su segundo álbum, Ma Jeunesse Fout L’Camp, que se publicó en 1968, justo antes de que cayera el telón de yé-yé en Francia. Ese mismo año ofreció una actuación de despedida en el famoso Savoy de Londres y aparentemente se retiró de los escenarios para concentrarse en su carrera discográfica. Esto provocó fricciones con su discográfica y desembocó en una batalla judicial de la que salió libre pero recelosa de todos sus futuros negocios. Hardy estudió detenidamente su siguiente paso. En 1970, como guiño a sus fans de Suiza y Alemania, lanzó Träume en alemán para United Artists. La Question, de 1971, para Sonopress, escrito en colaboración con la guitarrista brasileña Tuca, fue su primer trabajo maduro e incluyó los sencillos «Chanson d’O» y «La Question».
Aunque no obtuvo buenos resultados comerciales, fue el álbum favorito de la cantante y el que la consagró como influencia para las generaciones posteriores. A continuación, trabajó con el productor británico Tony Cox para producir un par de álbumes (If You Listen, de 1971, en el que Hardy cantaba canciones folk/rock en inglés, y Et si je m’en vais avant toi, L’éclairage, de 1972, con un suave tono country-rock) antes de formar equipo con Jean-Claude Vannier, Serge Gainsbourg y Michael Berger para grabar Message Personnel, de 1974.
Fue el primero que publicó con un nuevo contrato en Estados Unidos con Warner Bros. y la canción que le daba título fue un gran éxito en su país natal. Junto a su ajetreada carrera musical, Hardy también ejerció de astróloga profesional y dio a luz a un hijo, Thomas, con el también artista francés Jacques Dutronc, con quien mantenía una relación desde 1967. A continuación, trabajó con la violinista, compositora y cantante francesa Catherine Lara y el productor inglés Del Newman para su segundo lanzamiento de 1974, Entr’Acte. Poco después dejó de lado su carrera musical durante dos años para dedicarse a ser madre, aunque grabó la canción de Jean-Michel Jarre «Que Vas-Tu Faire» para la banda sonora de la película de Claude Lelouch Si C’était à Refaire.
A través de un amigo, Hardy conoció a Gabriel Yared, gran admirador de su música. Éste le ofreció producir y arreglar un nuevo álbum para ella. El álbum, titulado Star, contenía excelente material de la cantante, Michel Jonasz, Gainsbourg, William Sheller, Janis Ian y Lara, y fue un éxito comercial y de crítica que devolvió a Hardy a la primera línea de la música popular francesa. En total, la cantante y el productor/arreglista grabaron juntos cuatro álbumes de gran éxito, entre ellos J’Ecoute de la Musique Saoule (1978), Gin Tonic (1980) y A Suivre (1982, que fue también el primero de sus álbumes en contar con el talento del compositor Jean Claude Vannier).
Este último álbum incluyó dos sencillos de éxito: «Tamalou» y «Villégiature». Más preocupada por la astrología y la maternidad, sólo publicó dos nuevos sencillos en los dos años siguientes, mientras su discográfica se centraba en la publicación de recopilatorios. En 1988 publica Décalage. Anunciada como su última grabación, sus letras fueron musicadas por artistas como William Sheller, Etienne Daho y Dutronc. Aunque ha adquirido fama de ser uno de sus mejores discos, en su momento sólo recibió elogios moderados.
En 1992, grabó el dúo «Si Ca Fait Mal» con el compositor Alain Lubrano para el álbum recopilatorio Urgence, destinado a recaudar fondos contra el sida. Más tarde volvió a grabarlo como uno de sus propios singles, de nuevo con Lubrano. En 1995, Hardy firmó un contrato con Virgin Records. Le Danger, su debut para la discográfica apareció en 1996 y la consagró como estrella del pop en el Reino Unido, a la edad de 52 años. Hardy coescribió las 13 canciones, con la ayuda de Lubrano y Rodolphe Burger. Profundamente influenciada por la escena musical alternativa -especialmente la música de Portishead-, Hardy reinventó de nuevo su sonido con un pop indie totalmente moderno. El álbum tuvo bastante éxito; apareció en la radio y la televisión de la BBC, en el programa de John Peel y, con el tiempo, participó como invitada en grabaciones de Malcolm McLaren y Blur.
Hardy coronó el nuevo siglo con su segundo álbum Virgin, Clair-Obscur, en 2000. El conjunto estaba marcado por un amplio abanico de canciones de compositores que iban desde Django Reinhardt, Lubrano y Daho hasta Eric Clapton y Don Everly. También incluía un par de duetos muy apreciados por la crítica: «Puisque Vous Partez en Voyage», con Dutronc, y «I’ll Be Seeing You», con Iggy Pop. En 2004 publicó Tant de Belles Choses, con canciones de Lubrano, Benjamin Biolay, Thierry Stremler y Jacno. También contó con la colaboración del cantautor inglés Ben Christophers y del irlandés Perry Blake. Su hijo, Thomas Dutronc, produjo y/o tocó la guitarra en cuatro temas. Dos años más tarde publicó Parenthèses, una colección de duetos con material de su catálogo. Entre sus colaboradores se encuentran Alain Bashung, Biolay, Rodolphe Burger, Maurane, Arthur H y la estrella del cine francés Alain Delon. En 2008, la editorial Robert Laffront publicó sus memorias tituladas Le Désespoir des Singes et Autres Bagatelles (La desesperación de los monos y otras bagatelas). El libro se convirtió en un best-seller instantáneo. Sin embargo, Hardy no descansó y en 2010 publicó el álbum La Pluie Sans Parapluie. Ella misma escribió todas las letras y colaboró en la música con Lubrano, Ben Christophers, Pascale Daniel, Stremler y otros.
En lugar del ingenio irónico y la melancolía que la caracterizaban, este álbum ofrecía a los oyentes un retrato diferente de la cantante, más sensible e íntimo. Dos años más tarde, Hardy celebró su 50 aniversario en la música con una novela y un álbum que compartían el título de L’Amour Fou. También estaba luchando contra un cáncer del sistema linfático y lo designó como su último álbum. Volvió a componer todas las letras con la ayuda en la parte musical de Stremler, Calogero, Benoît Carré (Lilicub) y Julien Doré.
Tras la publicación y el lanzamiento de L’Amour Fou y debido a la gravedad de su enfermedad, la cantante estuvo ausente durante casi cinco años. Mientras se recuperaba y seguía en tratamiento, apenas tenía interés en volver a grabar, hasta que escuchó la canción «Sleep», del grupo finlandés Poets of the Fall. La interpretó para el productor Erick Benzi (Celine Dion), a quien le encantó. Como respuesta, envió a Hardy varias melodías propias, inspirándola para que les pusiera letra. La compositora indie francesa La Grande Sophie supo que había vuelto a escribir y envió a Hardy por correo electrónico la canción «Le Large».
Otras compositoras que contribuyeron fueron Pascale Daniel y Yael Naim, que le regaló «You’re My Home». Cuando Hardy grabó estas canciones y otras con Benzi, dando como resultado el álbum de 2018 Personne d’Autre resultó ser su álbum final. En 2021 ya no podía cantar debido a sus tratamientos contra el cáncer y falleció en junio de 2024.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con L'amour fou.
El compositor Brian Ferneyhough es una polémica figura de la
música clásica contemporánea, cuya obra se compara con el tipo de desconcierto
y de miedo que antes se reservaba para Berg y Schoenberg. Sus composiciones son
conocidas por su alucinante complejidad. Por algo, se le conoce como «Padre de
la nueva complejidad», un movimiento de la música clásica que, como su nombre
indica, otorga un gran valor a lo complejo.
Una sola pieza de violonchelo solista puede escribirse hasta
en cinco pentagramas, cuando el violonchelo generalmente requiere uno solo. Una
pieza orquestal está anotada en una partitura de casi un metro de alto, con
páginas que son como densos bosques de notas. Como se puede imaginar, realizar
estas obras puede ser como una especie de batalla, un descenso a los infiernos
para el intérprete, que se siente cada vez más atrapado. Su complejidad hace
que tocar su música suponga someterse a una prueba física y mental.
Ferneyhough tuvo una educación algo extraña para un príncipe
oscuro de la modernidad musical. Nacido en Coventry, nunca estuvo en contacto
con la música de niño. Inspirándose en las primeras obras de Stockhausen,
Boulez y Schoenberg, estudió brevemente en la Royal Academy de Londrs antes de
trasladarse a la Europa continental. Después de mudó a Estados Unidos, en 1987,
donde permanece como profesor de Stanford en California hasta la actualidad.
Los primeros años de la década de 1970 marcaron un cambio
decisivo en su escritura. La vanguardia de la época se debatía entre el control
matemático sistemático y la libertad compositiva total. La solución de
Fernehough fue fusionar ambas perspectivas. En una serie de piezas, por
ejemplo, a los artistas se les permitía una cierta autonomía, pero solo después
de haberlos sometido a una disciplina interpretativa.
El resultado fue la vertiginosa complejidad de la notación
de muchas de las obras del compositor, desde principios de la década de 1970
hasta el presente. Mirando una de sus partituras, puede parecer que todos los
signos y símbolos familiares y convencionales se han vaporizado en fragmentos
incalculablemente complejos. A finales de la década de 1980, completó un ciclo
de piezas inspiradas en los grabados Carceri d´Invenzione de Piranesi. Al igual
que la mirada se lleva a un viaje alucinante por las mazmorras de la imaginación
de Piranesi, la música de Ferneyhogh lleva al oído a un viaje igualmente
emocionante e impredecible.
A continuación,
celebramos su cumpleaños, con Time & Motion Study II, en la versión de Neil
Heyde, en violonchelo, y Paul Archbold, en sonidos electrónicos.
Don Glen Vliet, más conocido como Don Van Vliet, y también como Captain Beefheart, nació en Glendale, California, Estados Unidos, el 15 de enero de 1941, y murió en Arcata, California, Estados Unidos, el 17 de diciembre de 2010. Cantante, multi instrumentista, tocaba armónica, saxo, oboe, teclado, marimba, clarinete, trompa, y Tin Whistle, compositor, pintor y escultor.
El Capitain Beefheart nació el 15 de enero de 1941 como Don Vliet en Glendale, California. Posteriormente agregaría el “van” a su apellido, con la afirmación de haber sido, en una vida anterior, un artista neerlandés amigo de Vincent Van Gogh, con el que pintaba en la campiña pero que nunca consiguió terminar sus lienzos, por distintas y misteriosas causas.
De muy pequeño Don creaba bizarras figurillas de barro, lo cual le valió la invitación de una academia de arte de Los Ángeles a los 11 años de edad. Una vez ahí, el artista portugués Antonio Rodrígues se convirtió en su maestro (un creador marcado por el constructivismo abstracto que se expresó en la escultura con los más variados materiales: yeso, bronce, madera, mármol, piedra, hierro policromado, hierro recuperado, así como en una pintura marcadamente abstracta y con trazos claros de un minimalismo contemporáneo).
No obstante, al anunciar éste que deseaba enviar al joven a Europa para estudiar arte, los padres de Don se opusieron y prefirieron cambiar de domicilio. Se mudaron al pueblito de Lancaster, en pleno desierto de Mojave. Pretendían sustraer de esta manera a su vástago de la perniciosa influencia del ambiente artístico de Los Ángeles, sin sospechar que motivarían así el encuentro del joven con un personaje cuyo papel resultaría determinante para su futura carrera: Francis Vincent Zappa, hijo de un inmigrante chipriota y el gran tótem de la disidencia rockera.
Zappa evocó frecuentemente su primer encuentro con Beefheart: “Un día, a la salida de la universidad ofreció darme un ride a mi casa. Iba vestido de negro, ya usaba la barbita de chivo al estilo de Dizzy Gillespie y manejaba un Oldsmobile Holiday 88 Coupe modelo 1949, con un hombre lobo esculpido sobre el volante”.
Beefheart tocaba la armónica y el saxofón con varios grupos locales, sobre todo The Blackouts y The Omens. Se reencontró con Zappa en Cucamonga, donde éste componía música para películas de serie B. De acuerdo con la leyenda sobre el origen de su nombre, al recorrer el desierto tuvieron la idea de formar un grupo, The Soots (cosa que no sucedió), y de hacer una película intitulada Captain Beefheart Meets the Grunt People (jamás realizada). Lo único que lograron hacer juntos fue el álbum Trout Mask Replica, en donde Zappa fungió como productor, y la colaboración del Capitán en el disco Bongo Fury con The Mothers of Invention.
Luego llegó la era del rock británico y Beefheart fundó la Magic Band. Con él al frente, equipado con una voz ubicada en algún lugar entre Howlin’ Wolf y Max Schmeling y vestido con abrigo largo de piel negra, calzado con botines cordobeses y el pelo largo. El conjunto pasaba, precisamente por el aspecto de su líder, por una agrupación inglesa de rhythm and blues.
Sus primeras grabaciones no correspondieron a las expectativas de los ejecutivos: “Sin potencial comercial”, dijeron. Las cintas exponían las influencias profundas de Beefheart: el delta blues de Fred McDowell, el blues eléctrico de Jimmy Reed, la armónica de Sonny Boy Williamson, el estilo vocal, esa aspereza cavernosa, de Howlin’ Wolf. Por no hablar del rhythm and blues al estilo de la compañía Stax. Más tarde se le agregaría el jazz vanguardista de Coltrane, Ornette Coleman y Cecil Taylor.
El fracaso comercial de los discos fue la norma, pero a la larga harían historia. Punks y vanguardistas se remitieron a su música y la intensidad marginal de Tom Waits también sería inconcebible sin él. Músicos de toda época lo citaron como su padre espiritual y le hicieron reverencias. La lista de artistas que corroborarían su genialidad sería casi interminable: de Fred Frith a Pere Ubu… »Fue quien caminó delante de nosotros y mostró el camino», declaró Tom Waits.
Intempestivamente, en 1982 el Captain Beefheart se retiró de manera definitiva de la música. Se dedicó entonces a explorar su apreciable talento como pintor bajo su propio nombre, Don van Vliet, y como capitán de su propio culto. “Como músico hice lo que pude, pero la pintura me divierte mucho más –dijo–. Los colores no hablan y hasta me permiten cometer errores”.
Todos los ingredientes presentes en la música del Capitán Beefheart lo están, asimismo, en su pintura. La distorsión, la exageración, la constante obsesión de fundirse con la naturaleza.
Aunque sus artistas preferidos hayan sido Vincent Van Gogh y Man Ray, hay que acudir más bien al lado de los expresionistas alemanes para encontrar un vínculo pictórico. Los retratos “primitivos” que realizó de los músicos de la Magic Band para la funda del disco Spotlight Kid lo ubican sobre el camino de los protagonistas de Die Brücke, escuela que surgió a comienzos del siglo XX (como tendencia artística de pintores alemanes expresionistas que buscaban experimentar e innovar contra los academicismos imperantes).
También su cuenta de banco se benefició con el retiro. Un Van Vliet original se comenzó a cotizar entre 10 mil y 40 mil dólares y su obra se expuso (y expone) en galerías y museos de diversas partes del planeta (el de Arte Moderno de San Francisco, uno de ellos). La galería Michael Werner de Nueva York, es la que se encarga de gestionar sus pinturas, hasta el momento.
Finalmente, y tras muchos rumores sobre su salud entrado el siglo XXI, el Captain Beefheart murió, junto a su alter ego: Don van Vliet, el 17 de diciembre del 2010 en Trinidad, California. Estaba a punto de cumplir los 70 años de edad.
El Capitán Beefheart fue un artista de culto para toda la eternidad. Reo por convicción y contrario a los sonidos comerciales, hizo historia musical hasta las últimas consecuencias. Luego cambió la música por la pintura y actualmente como Don van Vliet se honra su creación en las artes plásticas. Definitivamente el papel de outsider pareció hecho a su medida.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Circumstances, con The Magic Band, en vivo en la TV de Suecia.
José Luis Rodríguez González, también conocido como el Puma, nació en Caracas, Venezuela, el 14 de enero de 1943. Cantante, actor, presentador de televisión, empresario y productor.
Fue el último de los 11 hijos del matrimonio de José Antonio Rodríguez, comerciante, y de Ana González, ama de casa. Su padre murió cuando el futuro artista tenía 6 años de edad. Su madre se exilió en Ecuador con sus hijos. A su regreso, José Luis inicia estudios de bachillerato en la Escuela Técnica Industrial de Caracas.
Sus inicios como cantante se remontan a esta época, primero dando serenatas y luego ingresando como reemplazo en el conjunto de voces juveniles "Los Zeppy".
Uno de sus amigos, el compositor y músico José Enrique "Chelique" Sarabia, le integra a su programa de TV de aficionados llamado "Media hora con Chelique", donde comienza a cantar regularmente. También es este compositor quien le anima a grabar su primer disco solista para el sello venezolano Velvet, titulado "Chelique Sarabia presenta su nueva voz: José Luis Rodríguez".
Es en el programa de Chelique Sarabia donde el director de orquesta, músico y arreglista dominicano Luis María "Billo" Frómeta lo descubre en septiembre de 1963 y lo contrata como cantante en su orquesta "Billo's Caracas Boys". Allí pasa cuatro años interpretando boleros y ocasionalmente merengue dominicano, música navideña y chachachá.
Durante esta época incursiona en la actuación en la comedia musical de RCTV "Cantando llega el amor", junto a Mirtha Pérez y Mirla Castellanos. En esta actividad conoce en 1965 a la joven cantante y actriz zuliana Lila Morillo, con quien contrae matrimonio civil en 1966.
Logra su primera oportunidad de actuar como solista en el 1º Festival de la Fundación del Niño (1965), certamen en el cual interpreta el tema "Amor, laurel y luz". Luego participa en el siguiente Festival (1966) con "Caracas de Ayer". Finalmente, en octubre de 1966, decide continuar su carrera como solista.
Carrera Artística
Firma su primer contrato discográfico con la empresa Distribuidora Nacional de Discos, propietaria del sello venezolano "Velvet" y graba su primer LP titulado "José Luis... ¡favorito!". Su siguiente LP "Lo romántico de José Luis", grabado en 1968, marca un cambio en su estilo. Las telenovelas en las que participó comienzan a darle una nueva figuración artística.
En 1969 es seleccionado para representar a Venezuela en el "Primer Festival de la Canción Latina en el mundo", que se celebró en la Ciudad de México. "No, no puede ser", escrita por el cantante, bailarín y compositor venezolano Diony López, ganó el tercer lugar y el Premio Medalla de Oro a la mejor canción. Por su parte, Rodríguez obtuvo igual galardón como mejor intérprete masculino. Esta experiencia le sirve para grabar un LP titulado "Grito al mundo" (1969) para Velvet y, a la vez, para obtener un contrato con la filial mexicana del sello CBS Columbia, con la cual graba su álbum "José Luis Rodríguez". Posteriormente es contratado por la discográfica venezolana TOP HITS-La Discoteca, e incluye en sus producciones temas musicales para las telenovelas que empezó a protagonizar.
En 1972 orienta su carrera musical hacia géneros pop, de la mano del cantautor venezolano Edgar Enrique Quintero Castillo, apodado Edgar Alexander, quien compuso canciones especialmente para él en su álbum "El hombre de la cima". Protagoniza en 1972 la telenovela venezolana "Una muchacha llamada Milagros", de Delia Fiallo, en la cual interpreta a un personaje denominado "El Puma", al igual que el tema musical que interpretó el cantante argentino Sandro, entonces de moda. A partir de entonces, se le conocerá por ese sobrenombre.
El 26 de octubre de 1974 representa a Venezuela en el tercer Festival de la OTI con el tema "Vuelve" y ganó el tercer lugar. Luego firma un contrato en 1976 con la empresa puertorriqueña Salvation Records, creada por los músicos Richie Ray y Bobby Cruz.
Internacionalización
En 1976 conoce al empresario deportivo argentino Héctor Maselli, quien decide internacionalizarlo. En 1977 es protagonista en Puerto Rico en la telenovela "Cristina Bazán", junto a la actriz Johanna Rosaly. Esto le abre las puertas internacionales. Renuncia a su contrato en Venezuela y firma con la división española de Ariola Records.
Su primer disco grabado en España fue "Una canción de España", producido por el maestro compositor Manuel Alejandro. La balada "Voy a perder la cabeza por tu amor" se convierte en tema central de la telenovela ya mencionada y su primer éxito en esta etapa. A este álbum le sucede en 1978 "Por si volvieras", también producido por Manuel Alejandro. Concluye su etapa con Ariola con su álbum "Atrévete", esta vez producido por los compositores Pablo Herrero y José Luis Armenteros (titulado en España, "Me vas a echar de menos"), en el que figura la canción venezolana "Pavo real", del cantante y compositor César del Ávila.
En 1980 firma con CBS (actualmente, Sony Music) y se da a conocer en Venezuela un álbum titulado "José Luis Rodríguez cantando éxitos de siempre", una versión de su álbum grabado en México en 1969. Inmediatamente se lanza el álbum "Dueño de Nada", nuevamente con el respaldo del compositor español Manuel Alejandro y sus colaboradores David Beigbeder y Ana Magdalena. En 1981 participa como artista invitado en el Festival de Viña del Mar.
Posteriormente, comienza a residir en Miami (Estados Unidos). En 1984, marca un nuevo hito en su carrera al presentarse como invitado en el Festival de San Remo (Italia) y grabar en idioma italiano el LP "Due Come Noi" ("Dos como nosotros"). Igualmente, participa en la grabación de la melodía "Cantaré, cantarás", con diversos artistas latinoamericanos como Emmanuel, Lucía Méndez, Pedro Vargas, José José, Vikki Carr, Roberto Carlos y Simone, en un fin muy parecido al del álbum "We are the world". En 1985, graba el álbum "El último beso", incluyendo un dúo con la cantante brasileña Simone.
Cantante y Empresario
En 1995, Rodríguez se inicia como empresario al fundar el primer canal venezolano de videos musicales denominado Bravo TV, cuyo nombre después cambia a Puma TV. En 1997, José Luis Rodríguez vuelve al género del bolero con el álbum "Inolvidable", en el que rinde tributo al Trío Los Panchos.
En 2002, José Luis Rodríguez es contratado por la disquera BMG. Inicia entonces la grabación de un álbum con baladas en español de los años 70, titulado "Champagne". Lanza su propio sitio en Internet y en 2003 presenta "Clave de amor", con el pianista argentino Raúl Di Blasio.
En 2005, José Luis Rodríguez firma contrato con la compañía discográfica transnacional Universal Music y, como admirador del cantautor español Camilo Sesto, graba varios temas en su homenaje. Con la asistencia del compositor Roberto Livi, grabó un nuevo álbum, que en algunos países fue titulado "Distancia" y en otros "Sabor a México", cuyo repertorio incluye boleros rancheros compuestos por el propio Livi.
Actualidad
En 2005 participa de un episodio de la serie televisiva argentina Casados con hijos. A principios de septiembre de 2006, desde Argentina, fue lanzada, en convenio con la empresa de cosmética argentina Arbell, una línea de perfumes con su nombre destinada a su venta en América Latina, Estados Unidos y España. Igualmente, en dicho lanzamiento, Rodríguez expresó estar cansado de la piratería y de los manejos de las empresas discográficas. Por ello, renunció a mantener contratos discográficos y estableció su compañía disquera propia denominada Elpuma.com mediante la cual lanzó en 2006 su nuevo álbum titulado "Homenaje a José Alfredo Jiménez" el cual fue editado en formato de archivo mp3, lo que marcó la incorporación del cantante a los formatos digitales de distribución musical. El álbum fue incluido en un reproductor mp3 llamado Evolución. Sin embargo, dado que dicho reproductor no está disponible en países como Venezuela, el cantante decidió firmar nuevamente un contrato discográfico con la transnacional Sony BMG con la cual presentó, en julio de 2007, un álbum grabado con orquesta de metales en el que rindió homenaje a las figuras de su mentor: Billo Frómeta y de sus excompañeros en la orquesta Billo's Caracas Boys, José "Cheo" García y Guillermo "Memo" Morales. El álbum apareció bajo el título "Homenaje a Billo’s" en otro reproductor mp4 igualmente denominado Evolución. Luego, en septiembre del mismo año, presentó la versión en disco compacto de su álbum en homenaje a José Alfredo Jiménez.
En el lado actoral, José Luis Rodríguez formó parte del elenco de voces en español de la película de los estudios Walt Disney "La familia del futuro" (Meet the Robinsons, en idioma inglés) estrenada en marzo de 2007 en la cual se mencionó su nombre, y concluyó su participación en Trópico una telenovela grabada en República Dominicana la cual fue distribuida en América Latina. También fue en 2007 el presentador del programa internacional de Televisión Azteca llamado "Disco de Oro" junto a la cantante y presentadora de televisión María Inés Guerra.
El 13 de mayo de 2009, Rodríguez se incorporó al reparto de la miniserie televisiva “Gabriel” producida para la audiencia de habla española en los Estados Unidos, por la empresa Megafilms y emitida por la empresa Mega TV basada en los temas del vampirismo y el ocultismo. Esta miniserie se estrenó en septiembre del mismo año.
En 2011 participó en Argentina de la publicidad Fiesta de la p de la compañía de celulares Personal, en la que alguien invita a todos sus amigos de Facebook cuyos nombres comienzan con la letra «p» apareciendo como Puma Rodríguez. Además, en 2012 prestó su voz y su imagen para una publicidad de Banco Hipotecario S. A. en la que canta su tema Dueño de nada.
En julio de 2012 fue jurado y entrenador de voz en el concurso de franquicia La voz Argentina (versión argentina del espectáculo de talentos The Voice) que se emitió en la televisora Telefe.
Junto con los presentadores Fernán Martínez y Carolina Ramírez, sirvió de jurado de un programa de baile llamado La pista, que fue emitido por Caracol Televisión en Colombia.
En agosto de 2013, Rodríguez forma parte de la primera temporada de la La voz Perú, en el que cumple el papel de tutor de uno de los cuatro equipos de vocalistas aficionados participantes. El 18 de septiembre de ese año, en una entrevista con el diario peruano La República, Rodríguez, manifestó seguir activo realizando presentaciones, pero descartó seguir grabando música, debido al incremento del copiado ilegal de discos, conocido como piratería discográfica.
En septiembre de 2014 reveló en una entrevista con el periodista peruano Jaime Bayly que padece una enfermedad incurable. Según sus palabras «Es una fibromatosis pulmonar que no tiene cura» y su salud está «al 80 por ciento».
En Mayo 2019 luego de una recuperación exitosa vuelve a presentarse a sus fans con una gira por Estados Unidos llamada "AGRADECIDO TOUR".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Agradecido.
Trevor Rabin se ha labrado una reputación mundial por su innovadora labor como músico y compositor. Nacido en 1954 en Johannesburgo, es hijo del destacado abogado Godfrey Rabin, quien también fue un violinista muy respetado. Godfrey fue el primer músico de la Orquesta Sinfónica de Johannesburgo durante más de una década. Su madre era una reconocida actriz y una consumada pianista clásica. Trevor demostró un don natural para la música, comenzando a tomar clases de piano clásico a los seis años y, tras escuchar a Hank B. Marvin de The Shadows, comenzó a tocar la guitarra a los doce. Un año después, se unió a la banda de su hermano Derek y comenzó a dar sus primeros conciertos locales poco después. Esto sería el primer paso para formar su primera banda con unos amigos, Conglomeration. Al año de su creación, Conglomeration se ganó la reputación de ser una de las mejores bandas de Johannesburgo. En poco tiempo, encabezaban festivales de pop con bandas que les doblaban la edad. Trevor comenzó a tocar como guitarrista de sesión a los 17 años y se consolidó como el guitarrista de sesión más solicitado de Sudáfrica. Desarrolló sus habilidades de producción trabajando con los mejores productores y arreglistas. Cabe destacar la estrecha colaboración de Trevor con Mutt Lange, quien lo contrataba para todas sus sesiones. Además de ser músico de sesión, Trevor se unió a la banda Freedoms Children y tocó en conciertos con entradas agotadas por toda Sudáfrica. Una de las canciones que Trevor compuso con la banda se tituló "Wake Up! State of Fear" y fue una controvertida canción antiapartheid que no cayó bien en el establishment. Tras un año exitoso con Freedoms Children, Trevor fue reclutado por el Ejército sudafricano. Tras dos meses de entrenamiento básico, Trevor pasó de la División de Infantería a la Unidad de Entretenimiento. Poco después de completar su servicio militar, Trevor formó la banda Rabbitt con sus antiguos compañeros de Conglomeration, Neil Cloud y Ronnie Robot.
Rabbitt se convirtió en la banda de rock más exitosa de Sudáfrica. Trevor y sus compañeros de banda se convirtieron en ídolos adolescentes y prácticamente ermitaños, teniendo que esconderse de fans demasiado entusiastas. En 1976, Rabbitt (ahora una banda de gira a tiempo completo) lanzó su primer álbum, Boys Will Be Boys, que alcanzó el disco de oro más rápido que cualquier otro disco sudafricano de la historia. Por este álbum, Rabbitt ganó un premio Sarie, el equivalente sudafricano a un Grammy, a la Mejor Música Pop Contemporánea. Rabbitt dominó las listas de éxitos sudafricanas durante dos años. Hasta el día de hoy, Rabbitt es considerado el mayor fenómeno musical surgido de Sudáfrica.
Luchando con las presiones de Rabbitt y el deseo de trabajar en Londres, Trevor se mudó a Londres en 1978. Aquí produjo grupos como Earth Band de Manfred Mann y lanzó su primer álbum en solitario, Trevor Rabin. Dos álbumes en solitario más siguieron (Face to Face de 1979 y Wolf de 1981). Aceptando una invitación del peso pesado de la industria John Kalodner, se mudó a Los Ángeles para tocar en una versión temprana de lo que se convirtió en Asia. Trevor se retiró de esa situación para grabar demos para un álbum en solitario planeado, pero sus planes cambiaron cuando sus demos llamaron la atención del ex bajista de Yes, Chris Squire. Squire estaba buscando un guitarrista para una nueva banda que estaba formando, y los demos de Trevor se convirtieron en la base del nuevo grupo Cinema. Cuando el álbum casi estaba terminado, Jon Anderson se unió a la banda y nació una nueva encarnación de Yes. El álbum de "regreso" de Yes, 90125, se convirtió por lejos en el más vendido de la carrera del grupo, lanzando el único sencillo número uno del grupo, "Owner Of A Lonely Heart" de Rabin y el único Grammy, "Cinema".
En 1989, Trevor lanzó su cuarto álbum en solitario, "Can't Look Away". Tras una década de éxito, que incluyó cuatro álbumes y cuatro giras mundiales, Trevor se separó de Yes. Inmediatamente le ofrecieron la banda sonora de una película, cuyo resultado resultó prolífico. Desde entonces, ha compuesto bandas sonoras para películas de Hollywood de gran presupuesto, realzando las actuaciones de estrellas como Will Smith, Nicholas Cage, Denzel Washington y Samuel L. Jackson. Trevor ha compuesto la banda sonora de diez películas para Jerry Bruckheimer y, con más de 2.400 millones de dólares en ventas de entradas, ha dado fe del éxito de su colaboración.
Su música acompaña a los partidos de béisbol y baloncesto estadounidenses y su banda sonora para Remember The Titans resuena detrás de las transmisiones de los Juegos Olímpicos.
Sus colaboraciones incluyen trabajos con Seal, Michael Jackson, Manfred Mann, Tina Turner, Bob Dylan y Paul Rodgers, por nombrar algunos.
Ha recibido numerosos premios, entre ellos once Premios BMI de Cine y Televisión, un Grammy, un Premio a la Trayectoria (Premios de la Música de Los Ángeles), un Premio a la Trayectoria (Festival Internacional de Cine de Temecula) y la Medalla de Oro a la Excelencia en Música Cinematográfica (Festival de Cine de Park City).
Estos premios reflejan la visión que Trevor tuvo desde sus inicios en Sudáfrica. Desde entonces, también se ha involucrado en la crítica sociopolítica y en temas de derechos humanos. Su canción "¡Despierta! Estado de Miedo" fue una de las primeras canciones contra el apartheid. "Trabajando por el Pueblo" es un poderoso homenaje a los disturbios escolares de Soweto. Margaret "Lady Afrika" Singana canta con Trevor en "Tribal Fence", cuya letra predice de forma inquietante el año en que Nelson Mandela saldría de la cárcel y pondría fin al régimen del apartheid. "No Puedes Mirar Afuera" se inspiró en la angustia que se vivía en Sudáfrica antes de la llegada de Mandela al poder.
En 1997, Trevor conoció a Mandela cuando participó en el Concierto del Princes Trust. El evento se celebró en Johannesburgo y contribuyó a recaudar fondos para los jóvenes desempleados de Sudáfrica. También tocó en el Concierto del Princes Trust de 2004 en el Wembley Arena con Yes.
Desde entonces, Trevor se ha convertido en uno de los compositores cinematográficos más solicitados de la industria, con 34 películas hasta la fecha. Ha creado música que trasciende barreras y géneros, lo que lo ha convertido en uno de los principales compositores de música contemporánea. Como guitarrista, teclista, cantante, compositor, productor e ingeniero de grabación, Trevor se ha consolidado como un referente en el campo de la música contemporánea.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Owner Of A Lonely Heart, en vivo en el Manchester Apollo, del Reino Unido, en 2017, y Big Mistakes. En este tema toca todos los instrumentos, excepto la batería, a cargo de Lou Molino, y los coros de Dante Marchi y Liz Constantine.
Hans-Christian Emmerich, más conocido como Blixa Bargeld, nació en Berlín Occidental, Alemania, el 12 de enero de 1959. Cantante, compositor, guitarrista, actor y performer.
Blixa Bargeld nació en Berlín Occidental el 12 de enero de 1959. Creció en Friedenau, un barrio del distrito de Schöneberg, perteneciente al sector estadounidense. Berlín estaba dividido en cuatro sectores. El Muro de Berlín se construyó alrededor de los tres sectores occidentales en el verano de 1961 y Berlín Occidental se convirtió en una ciudad amurallada, una ciudad isla. Guerra Fría: «Había un ruido alrededor de mi generación que infundía miedo, un ruido que podía atravesar el cielo».
Español KALTE STERNE (ESTRELLAS FRÍAS) es el título de un sencillo lanzado por los EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN en 1981. "Somos estrellas frías, puedes vernos brillar, después de nosotros no habrá nada". Blixa Bargeld hizo su debut con el grupo que fundó en abril de 1980. Entre los miembros originales de la banda, solo NU Unruh y Blixa Bargeld siguen involucrados. El trabajo de Bargeld con los EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN constituye una parte esencial de su vida. "No podemos jugar" es la primera regla del juego que Blixa Bargeld inició, comenzó con una grabadora, acero y voces bajo un puente de la autopista de Berlín Occidental y se desarrolló doce veces en TWELVE CITIES, que se ha extendido por los continentes y en el tercer milenio: Estudios, clubes, conciertos y escenarios de teatro; un HAMLET(-MASCHINE) sobre el micrófono de la radio; Medio hombre para la cámara de Sogho Ishii; performances in situ en los Reichsparteitagsgelände (Campos de Concentración del Partido Nazi) de Hitler, en el desierto de Mojave, en el tejado de una fábrica de automóviles en Turín y en el Palacio de la República, libre de amianto, poco antes de su demolición; y a través de GRUNDSTÜCK y MUSTERHAUS 1-7 en internet a nivel mundial. Berlín siguió siendo el modelo topográfico básico para la CASA DE MENTIRAS de cuatro plantas de Berlín Occidental, con sótano y ático, tras la Caída del Muro, el POZO DE BABEL en el nuevo centro: ISLA PARA REGALAR y NUEVO FIN.
Cambio de escena. En una habitación de hotel en La Haya en 1982, Nick Cave vio una grabación de televisión de un concierto de EINSTÜRZENDEN NEUBAUTEN: "Era el hombre más hermoso del mundo. Estaba allí de pie con un leotardo negro, pantalones negros de goma y botas negras de goma. Alrededor de su cuello colgaba una guitarra completamente jodida. Su piel se aclaró hasta los huesos, su cráneo era un completo desastre, costroso y hachado [...] Blixa Bargeld". Blixa Bargeld tocó la guitarra en THE BAD SEEDS hasta 2003, la banda que fundó en Berlín Occidental en 1984, junto con Nick Cave, Mick Harvey y Barry Adamson. Las innumerables giras y viajes de Blixa Bargeld alrededor del mundo se duplicaron, multiplicaron y se entrelazaron. Durante más de dos décadas, los pasajes inquietos se convirtieron en dinámicas contrapuntísticas.
Medios cambiantes. Desde la década de 1980, Blixa Bargeld ha expandido su obra artística con numerosas colaboraciones, así como repetidos eventos en solitario, en todas las ramas de las artes escénicas. Aparece en roles y funciones cambiantes en películas, radioteatros y audiolibros, producciones teatrales, performances e instalaciones. Es cantante, narrador, actor, director, autor, músico, poeta y experimentador. Su instrumento principal sigue siendo la voz, y el lenguaje es su medio distintivo. Las obras que crea deben entenderse como diseños experimentales. Concibe un juego donde las reglas se descubren y se rompen en constantes transformaciones. Lo existente es variable.
Cuando le preguntaron a Blixa Bargeld si quería actuar en el Moon Club el 1 de abril de 1980, ideó la banda EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, aceptó la oferta y llamó a algunos amigos. Los primeros miembros de la banda resultaron ser músicos que tuvieron tiempo esa noche. El nacimiento oficial de EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN suele estar vinculado a este concierto. Ciertamente, nadie podría haberse atrevido a predecir en ese entonces que la banda continuaría siendo tan productiva y que todavía se mantendría fuerte después de casi cuatro décadas.
La gira "Grandes Éxitos", que comenzó en enero de 2017 con un concierto doble en la espectacular Filarmónica del Elba de Hamburgo (que agotó las entradas en tiempo récord), demuestra que la banda EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN sigue muy viva tras casi 37 años de intenso éxtasis musical. El siguiente resumen de la agitada historia de una banda evocadora demuestra por qué este camino no debe darse por sentado.
Con el lanzamiento de su álbum debut, "Kollaps", en noviembre de 1981, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN declaró la guerra a todos los hábitos de escucha convencionales. El álbum es, en realidad, un disco "inaudible"; es un ataque frontal a las expectativas y formas de escuchar que se han visto mitigadas por el sonido dominante. Por falta de dinero, entre otras razones, la gama de instrumentos consistía en objetos "encontrados" y de fabricación propia, creados a partir de chapa metálica, que incluían taladros, martillos, una "no voz" que extraía fragmentos de palabras alemanas de un texto, y equipo de estudio profesional, que se utilizaba constantemente para socavar sus verdaderos propósitos técnicos. Esta mezcla inconformista se convertiría en la base de una comprensión completamente nueva de la música que posteriormente influiría en innumerables artistas y estilizaría los álbumes posteriores de la banda, convirtiéndolos en hitos de la escena industrial.
Como concepto o entidad, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN es una de las pocas bandas alemanas que ejerce un auténtico impulso internacional gracias a su singular mezcla vanguardista. Ha influido en numerosas bandas y géneros artísticos, desde la danza-teatro hasta las artes visuales; y también ha inspirado el cine hasta la actualidad, desde Schlingensief hasta Tarrantino. Aunque los medios de comunicación se burlaron de la banda al principio, considerándola una extraña "curiosidad en la ciudad dividida", rápidamente se consolidó mundialmente como una de las grandes figuras del presente y de la cultura pop. Ha influido en toda una generación y, aún hoy, proporciona modelos a menudo copiados para el arte sonoro y la performance experimental.
Caracterizada por su original y radical redefinición del término "música", EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN participa a menudo en colaboraciones inusuales y pioneras, como por ejemplo con la directora japonesa Sogho Iishi. La banda también ha compartido experiencias trascendentales a través de proyectos teatrales con directores y dramaturgos de renombre, como Peter Zadek, Heiner Müller y Leander Haussmann, todos ellos eufóricamente documentados por la prensa artística. Además, los miembros de la banda han recibido invitaciones a eventos culturales internacionales de gran prestigio, como la Documenta 7, la Bienal de París y la EXPO de Vancouver.
Siempre adelantados a su tiempo, a principios del milenio, la banda desarrolló una plataforma de producción independiente en internet con la ayuda de Erin Zhu. Se llamó "Proyecto Supporter" y no tenía vínculos con el resto de la industria musical. Esto permitió a la banda lanzar una enorme cantidad de discos entre 2001 y 2008, convirtiéndolos en pioneros de lo que hoy se ha convertido en el omnipresente "crowdfunding".
Otro momento culminante en la agitada y sin precedentes historia de EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN está marcado por la simbólica actuación de la banda en el "Palast der Republik" de Berlín el 4 de noviembre de 2004. Este edificio, demolido desde entonces, fue la antigua sede del poder de la otrora imponente República Democrática Alemana. El impresionante material en directo, que incluye los coros de un coro de 100 personas, se publicó en el álbum y DVD "Palast der Republik", que tuvo una acogida entusiasta. Entretanto, el material ha adquirido un carácter documental, dando testimonio de una época ya desaparecida.
Desde 2014, la banda ha recibido reconocimiento a través de una exposición itinerante mundial sobre el arte alemán de la década de 1980. Organizada por el Goethe-Institut, una sección de la exposición está dedicada a EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN.
Ese mismo año, se lanzó como álbum “LAMENT”, una obra musical de nueva composición, encargada por la región de Flandes para conmemorar el inicio de la Primera Guerra Mundial. Su debut, concebido especialmente para este fin, tuvo lugar el 8 de noviembre de 2014 en Diksmuide, Bélgica, coincidiendo con el centenario del estallido de la guerra. La acogida del álbum y la presentación en directo fue abrumadoramente positiva en todo el mundo, y la obra fue considerada una obra maestra en la extensa gira europea posterior.
El primer y esperado álbum "Greatest Hits" de la banda se lanzará en noviembre de 2016. Se trata de una exitosa selección, cuidadosamente seleccionada y audiólica, que representa más de 36 años de trabajo. Todas las canciones están remasterizadas y "Haus der Lüge" también está remezclada. Como se pretendía originalmente, pero no fue posible en su momento por falta de recursos económicos, esta pieza ahora se enriquece con cuerdas y trombones. Por supuesto, el título "Greatest Hits" debe interpretarse con la ironía y el humor con los que se pretendía.
Así, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN demuestra una vez más la eficacia duradera de la terapia filoacústica a largo plazo de la banda. Blixa Bargeld, Alexander Hacke, NU Unruh, Rudolf Moser y Jochen Arbeit han superado por completo el malestar del Muro de Berlín, y las visiones apocalípticas y las añoranzas de muerte de antaño ya son cosa del pasado. Mientras tanto, los mismos deseos ardientes siguen impulsando el espíritu incansable de sus pioneros: EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN continuará su búsqueda eterna del sonido aún por descubrir. blixa-bargeld.com
A continuación, celebramos su cumpleaños, con A Quiet Life.
Les invitamos a conocer un poco más nuestra querida Sefarad, en esta ocasión hemos viajado hasta Zaragoza y allí hemos recorrido de la mano de la Asociación Sefarad Aragón vestigios de la vida judía de la ciudad.
Clarence Anicholas Clemons, Jr., más conocido como Clarence Clemons, nació en Norfolk, Virginia, Estados Unidos, el 11 de enero de 1942, y murió en West Palm Beach, Florida, Estados Unidos, el 18 de junio de 2011. Saxofonista, percusionista y actor.
El sitio www.rtve.es publicó este recordatorio firmado por Jesús Bombin.
Clarence Clemons, el hombre grande de la E Street Band
Clarence Clemons, saxofonista de la banda, ha fallecido este domingo
Participó en la grabación del primer disco de Springsteen
Desde entonces fue miembro de la E Street Band
Springsteen: "Estoy derrumbado por el dolor"
Su trayectoria Murió a los 69 años
JESUS BOMBIN (SONIDEROS / RADIO 3) 19.06.2011 | 13:24
Esta semana Bruce Springsteen publicaba en su Web oficial un cariñoso apoyo al saxofonista Clarence Clemons, su fiel compañero musical y de fatigas desde 1971, que se recuperaba lentamente de un derrame cerebral, tras ser intervenido en un hospital de Florida.
Desgraciadamente Clarence Clemons no lo ha superado, falleciendo a consecuencia de las complicaciones surgidas tras la cirugía a los 69 años de edad en compañía de su viuda Victoria y de sus familiares cercanos.
Su aspecto no dejaba indiferente, apodado “The Big Man”, su corpulencia física se hacía notar allá por donde pasaba. Fue jugador de fútbol americano en tiempos de la universidad como “lineman”, que son por lo general los jugadores más corpulentos y de mayor tamaño, los que más miedo dan. Un accidente automovilístico truncaba su carrera en víspera de una prueba para formar parte de los Cleveland Browns de Ohio.
Fue su padre, propietario de una pescadería, quien regalo a un joven apasionado por la música gospel su primer saxofón. A partir de ese momento comienza a crearse la leyenda que coqueteó en su juventud con el jazz, con el salvaje rhythm and blues, y con los mágicos timbres que le proporcionaban, el saxofón alto, el barítono, y ya posteriormente el saxo tenor, su fiel compañero.
El momento cumbre en su carrera viene propiciado por ser el saxofonista de la E Street Band, banda liderada por Bruce Springsteen, al que conoció en un mágico encuentro, que uniría sus vidas en lo personal y en lo musical.
Clemons debutó como saxofonista y a los coros en el primer álbum que publicó Springsteen en 1973 llamado Greetings from Asbury Park N.J., anticipo de la meteórica carrera del Boss, que contó con el apoyo musical y moral de Clarence Clemons hasta el último momento: "Clarence tuvo una vida intensa y maravillosa. Él lo dio todo cada noche cuando subió al escenario. Era un amigo muy querido para mí”, declaraba Bruce Springsteen esta madrugada a la CNN.
Al margen de su carrera con la E Street Band, y de su proyecto en solitario con su propia banda: The Red Bank Rockers, otros grandes artistas reclamaron los servicios de Clarence Clemons, como Aretha Franklin, Grateful Dead, Ringo Starr, Jackson Browne, y un largísimo etc. Incluso la semidiosa del pop Lady Gaga, recuperó las líneas melódicas del saxofón de Clemons en su segundo álbum de estudio Born This Way.
Tampoco podemos olvidar su incursión en el mundo del celuloide y la televisión, interpretando el papel de Cecil Powell en el drama musical New York New York, dirigida por Martin Scorsesse (1977), o por citar otro registro mucho más extremo, su memorable aparición como narrador en un capítulo de Los Simpson, llamado Grift of the Magic en 1999.
Acabo de rebuscar en el mueble de los LP la copia de, Born To Run (Columbia 1975), en el aparece un sonriente Bruce Springsteen, apoyado en la espalda de un Clarence Clemons, enfundado en su saxofón y con “un sombrero de ala ancha de medio lao”. Aquella sencilla portada, de tipografía fina y elegante, fue sin duda es una de las más emblemáticas y reconocibles de la música rock. La foto en un blanco y negro con mucho grano, fue tomada por el fotógrafo estadounidense Eric Meola, quién supo captar una imagen tan expresiva, a la que poco más puedo yo aportar con mis palabras.
Hoy los dos amigos del alma se separan sin remedio, Clemons nos ha dejado a los 69 años por las complicaciones derivadas de un derrame cerebral, pero su legado y el de su música permanecerán vivos por siempre. Pongo Born To Run en el pick-up, mientras recuerdos de mi adolescencia afloran en mi cabeza sin remisión.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Born to Run y el solo de Jungleland.
