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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
La cantante venezolana Mirla Castellanos "La Primerísima". CORTESÍA VENEVISIÓN
Mirla Josefina Castellanos Peñaloza, más conocida como Mirla
Castellanos, nació en Valencia, Venezuela, el 31 de marzo de 1941. Cantante,
actriz, compositora, locutora y presentadora.
Mirla Castellanos "La Primerísima" celebra 80 años
de vida
Mirla Castellanos "La Primerísima" conmemoró en
redes sociales sus 80 años de vida. La cantante venezolana agradeció a sus fans
por su apoyo y cariño
Por YOLIMER OBELMEJÍAS 1 de abril de 2021 - 09:16
CARACAS.- Mirla Castellanos "La Primerísima"
conmemora 80 años de vida.
"Hoy estoy de cumpleaños!!! Son mis 80 años. Que dicha
tan grande poder decir que tengo hoy 80 años. Doy gracias a Dios, mi familia,
esposo Miguel Ángel, mis 4 hijos, mis hermosos nietos, hermana y a tanta gente
maravillosa que me regala tantas muestras de afecto y cariño", escribió la
cantante venezolana en su cuenta de Instagram.
Mirla Castellanos "La Primerísima" agradeció todo
lo que ha recibido en esta vida.
"Siempre he dicho y diré siempre la volvería a vivir
con todos sus pro y sus contra. Ha sido una bendición. Cumplir y asumir mis 80
años es un regalo de la vida, nunca he tenido complejos en ocultar mi edad.
Gracias, Gracias, Gracias siempre a todos. LOS AMO!!!", agregó la artista.
Mirla Castellanos "La Primerísima" suma 61 años de
trayectoria artística.
A lo largo de su carrera, se ha desempeñado como cantante,
actriz y compositora.
Su bautizo artístico de "La Primerísima" vino de
la mano de Luis Guillermo González y Ricardo Tirado y que popularizó el
animador Renny Ottolina.
Mirla Castellanos protagonizó en la década de 1970 cuando
protagonizó el show Él y Ella junto a su entonces esposo el actor y productor
Miguel Ángel Landa.
En 1971, la cantante participó en el "Primer Festival
de la Onda Nueva", organizado por el músico y compositor Aldemaro Romero
ganando el primer premio con otro tema de Manuel Alejandro, titulado
"Fango".
En 1972, Mirla Castellanos "La Primerísima"
consigue el cuarto lugar en el Festival de la OTI celebrado en España.
En 1975, consigue el segundo lugar en el Festival de la OTI
celebrado en Puerto Rico.
En 1964, Mirla Castellanos "La Primerísima"
participa en el elenco de la película "Puerto Rico en Carnaval",
donde es acompañada por artistas como Germán Valdés "Tin Tan", Nena
Acevedo, Ofelia D´Acosta y Chucho Avellanet.
En 1975 participó en el Festival OTI de la Canción,
celebrado en Puerto Rico; y obtuvo el segundo lugar con la canción “Soy como el
viento, soy como el mar”. Posteriormente, gracias al apoyo de programas como El
Show De Renny, de Renny Ottolina de RCTV, y Sábado Sensacional de Venevisión.
Realizó su primera presentación en Nueva York en el Chateau Madrid en 1976.
Mirla Castellanos "La Primerísima" tiene en su
haber ser pionera en el montaje de espectáculos con músicos, coros y
bailarines. En México, el tema Maldito Amor estuvo seis semanas entre los 10
más colocados en las emisoras radiales de ese país en 1981.
Por otra parte, en 1982 fue la artista invitada en la gala
final de la 31 edición del Miss Universo, celebrado en Lima (Perú). Formó parte
del jurado del género internacional del Festival Internacional de la Canción de
Viña del Mar en 1983 y presidió el panel de jueces en 1985.
Mirla Castellanos "La Primerísima" fue uno de los
tres talentos suramericanos contratado por la compañía discográfica española
Hispavox para la cual grabó entre 1980 y 1987, antes de su adquisición por la
empresa EMI Music.
En 1983, gracias al productor de espectáculos Joaquín
Riviera, participa como figura principal en la clausura de los IX Juegos
Panamericanos, realizados en Caracas, Venezuela entre el 14 y el 29 de agosto
de 1983, junto a Guillermo Dávila y el grupo Unicornio, siendo el escenario
principal el Estadio Olímpico de la UCV ubicado en la Ciudad Universitaria de
Caracas. También ha sido una de las cantantes con más presentaciones en el Miss
Venezuela.
Mirla Castellanos "La Primerísima" recibió el
Disco de oro en Puerto Rico en 1984; actuó en la entrega del Premio Emmy Award
Music, realizado en Nueva York en 1985, y un año antes se convirtió en la única
artista venezolana en obtener el Premio Billboard como "Mejor
Baladista" por el disco Vuelve Pronto.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Maldito Amor.
La palabra que define su identidad como artista, es
definitivamente “alegría”. Con una energía impresionante en el escenario,
carisma y dominio en la tarima, su música ha estado presente en todas las
celebraciones venezolanas, gran parte de Latinoamérica y del Caribe, con su
acostumbrado grito de guerra: “¡Ayayaiii!”. Siempre en constante renovación de
su propuesta, ha realizado galas sinfónicas con más de 70 músicos en escena y
además ha fusionado el sabor del merengue con ritmos actuales urbanos.
Nace en Maracaibo, estado Zulia el 30 de marzo de 1963, es
hijo de Roberto Antonio Rosales y Gladys
de Rosales. Desde muy niño mostró su interés por la música y se inicia
en la gaita zuliana, género folklórico musical con el que habitualmente se
amenizan las fiestas decembrinas en Venezuela.
Con la canción ‘Chinita de Maracaibo’ obtiene el título de
la Voz de oro liceísta venezolana.
Por insistencia de su padre se inscribe en la Universidad
del Zulia y cursa dos años de Medicina, pero su pasión por la música es tan
grande que abandona la universidad y apuesta a su sueño: ser un cantante
profesional.
En el año 1981 graba su primer disco como solista con el
sello discográfico Sono-Rodven en el género de la balada pop, pero abandona las
filas del sello y, tras un pequeño periodo en la Orquesta La Grande del maestro
Renato Capriles, pasa finalmente a formar parte en 1983 de la principal
agrupación de Capriles: La Orquesta Los Melódicos. El maestro Renato se refería
a ROBERTO ANTONIO como “un cantante con luz propia”.
En Los Melódicos destaca como intérprete de temas éxitos en
giras nacionales e internacionales como ‘Fernanda’, ‘Si tú te vas’, ‘Sólo
palabras’ y el hit arrollador ‘Mi cocha pechocha’.
El Rey del Tecnomerengue
Rodolfo Rodríguez Miranda, Presidente de la discográfica
Sono-Rodven, al escucharlo durante una presentación en vivo en Paladium, -una
de las discotecas más selectas de la capital en el momento-, le propone grabar
nuevamente en la casa disquera.
Inicia su exitosa carrera como solista con la grabación de
una serie de álbumes y éxitos, bajo la producción musical y pluma de Luis Alva
y posteriormente bajo la producción de Nelson Alizo con temas de Víctor Daniel
y siempre bajo la tutela de Enzo Cassella, destacado especialista en mercadeo
discográfico.
En su primer disco como solista, como intérprete del
‘tecnomerengue’, -“Roberto Antonio”, editado en 1988-, se incluye su primer
éxito ‘Sacúdete nena’ y canciones como ‘Noches de fantasía’, ‘Mentirosa’,
‘Desde que me dejaste’, que lo consagran como el “Rey del tecnomerengue”, una
propuesta musical donde se fusiona la tambora, la conga y el güiro,
-instrumentos característicos del merengue dominicano- con timbales, batería
electrónica, sintetizadores, guitarras distorsionadas y secuenciadores.
Proseguirán éxitos como ‘Marejada’, ‘Quién sino yo’, ‘Ella
pasó por aquí’, ‘Ése si soy yo’ en “Roberto Antonio II”, (1989). En sus
siguientes producciones suena insistentemente en la radio con temas como ‘Se va
a dar cuenta’, ‘Nadie como tú’ y ‘Ay, ay, ay, cariño’ y comparte con artistas
de la talla de Juan Luis Guerra, Sergio Vargas y Wilfrido Vargas en giras
nacionales e internacionales. Es premiado con cuatro Discos de Oro, tres Discos
de Platino a nivel nacional y con un Doble Disco de Platino y un Disco de
Platino Internacional y recibe galardones de gran prestigio en el país, como el
Mara de Oro, el Premio Ronda y la Orquídea de Plata.
En 2004 edita su álbum “Hay razón para vivir”, bajo su
productora y casa discográfica New Wave Productions, donde diseña su propia
estrategia de marketing y apoya el trabajo artístico de nuevos talentos, bajo
la gerencia de su esposa, Norma Sanpere. Inicia así, una gira nacional titulada
“Hay que rumbear”, nombre del primer sencillo de éste álbum y alterna junto a
Los Melódicos, Billo´s Caracas Boys, Diveana y Miguel Moly.
En su primer disco como solista, como intérprete del
‘tecnomerengue’, editado en 1988, se incluye su primer éxito ‘Sacúdete nena’ y
canciones como ‘Noches de fantasía’, ‘Mentirosa’, ‘Desde que me dejaste’, que
lo consagran como el “Rey del tecnomerengue”, una propuesta musical donde se
fusiona la tambora, la conga y el güiro, -instrumentos característicos del
merengue dominicano- con timbales, batería electrónica, sintetizadores,
guitarras distorsionadas y secuenciadores.
Proseguirán éxitos como ‘Marejada’, ‘Quién sino yo’, ‘Ella
pasó por aquí’, ‘Ése si soy yo’ en “Roberto Antonio II”, (1989). En sus
siguientes producciones suena insistentemente en la radio con temas como ‘Se va
a dar cuenta’, ‘Nadie como tú’ y ‘Ay, ay, ay, cariño’ y comparte con artistas
de la talla de Juan Luis Guerra, Sergio Vargas y Wilfrido Vargas en giras
nacionales e internacionales. Es premiado con cuatro Discos de Oro, tres Discos
de Platino a nivel nacional y con un Doble Disco de Platino y un Disco de
Platino Internacional y recibe galardones de gran prestigio en el país, como el
Mara de Oro, el Premio Ronda y la Orquídea de Plata.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con dos de sus
grandes éxitos: Cuando Estoy Contigo, No Hay Nadie Como Tú.
Nacida en Polonia, la actriz emigró a Alemania en 1989 en
medio de tensiones políticas en el país.
Su viaje en las artes escénicas comenzó en la Ópera de
Wroclaw, donde, a los cuatro años, dio sus primeros pasos en el escenario con
su grupo de ballet. Esta temprana
experiencia la impulsó a incursionar en el teatro escolar y el modelaje.
Fue Gunter Sachs (ex marido de Brigitte Bardot) quien la
descubrió durante una sesión fotográfica en 1992.
Durante su adolescencia, Natalia continuó desarrollando sus
habilidades participando en producciones teatrales y tomando lecciones de
actuación, canto y baile. Después de la secundaria, se embarcó en su carrera,
trabajando para varios programas de televisión alemanes, consiguiendo su primer
papel cinematográfico en "SCHUH DES MANITU" de Michael Bully Herbig y
estudiando teatro en Munich.
Su gran salto llegó en 2007, cuando interpretó al personaje
principal de "DAS WILDE LEBEN" (una película biográfica sobre Uschi
Obermaier, un icono alemán del movimiento hippie de los años 60). Natalia no
sólo protagonizó la película sino que también grabó su canción principal.
"Summer Wine", un dueto con el músico finlandés
Ville Valo, alcanzó el estatus de oro y platino.
Desde entonces, Natalia ha estado trabajando en numerosas
películas, programas de televisión y producciones teatrales. En 2017 finalmente
lanzó su álbum debut llamado "LOVE KILLS".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Blind Belief.
A continuación, de
Wolfgang Amadeus Mozart, el Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478, en la
versión de Peter de Jager, en
piano; Bernadette Baker, en violín; Setsuko Minamikawa, en viola; y Nicholas
Jensen, en violonchelo.
John Evan (nacido John Spencer Evans, 28 de marzo de 1948),
tocó teclados para Jethro Tull desde abril de 1970 hasta junio de 1980. Estudió
en el King's College de Londres.
Evans nació en Blackpool, Lancashire. En 1964, JE se unió a
Ian Anderson y Jeffrey Hammond en la banda escolar, The Blades, donde tocaban
jazz y blues en clubes juveniles locales. Posteriormente, en 1967, formaron la
banda "John Evan's Smash" junto con Ian Anderson, Barriemore Barlow y
otros miembros, Tony Wilkinson y Neil Murray. El grupo se disolvió en 1967.
Más tarde, Evan estaba asistiendo a la universidad cuando
reconoció a sus antiguos compañeros de banda en la radio con la canción Living
In The Past, y comentó años después que le llamó la atención por su compás
bastante inusual para una canción pop.
En 1970, tocó como músico de sesión en el álbum Benefit de
Tull (donde su agradecimiento dice: «…y John Evan, quien tocó los teclados para
nuestro beneficio»), y finalmente Ian Anderson lo convenció de dejar la escuela
para convertirse en miembro de pleno derecho de la banda. Además de sus
numerosas y distintivas contribuciones al sonido musical general del grupo y su
personalidad escénica, también es notable que Evan compusiera la memorable
introducción para piano de Locomotive Breath, tras haberlo hecho en el estudio
mientras algunos de los demás miembros de la banda estaban almorzando.
Durante su etapa con Jethro Tull, Evan tenía predilección
por su característico traje blanco, con una camisa amarilla debajo y una
corbata de lunares rosas y amarillos. Evan aparece con este atuendo en
fotografías del álbum War Child y del álbum en directo Bursting Out, mientras
que una versión pintada de él aparece con el mismo traje y corbata en la
contraportada del álbum Aqualung. Durante los conciertos, los gestos de
pantomima de Evan, interpretados con desenfreno, evocaban en el público una
especie de cruce entre Harpo Marx y El Sombrerero Loco de Alicia en el País de
las Maravillas (sin el sombrero). Debido a su familiar traje blanco, Anderson era
conocido por referirse en broma a Evan (durante las presentaciones de los
miembros de la banda) como "el vendedor de helados favorito de
todos".
Evan dejó Jethro Tull en julio de 1980. Posteriormente,
formó Tallis con David Palmer, otro miembro saliente de Tull. Tras muchos años
dirigiendo su propia constructora, durante los cuales fue reconocido
ocasionalmente por los fans más fieles de Tull, ahora reside en Australia. También apareció en el DVD de 2004,
Jethro Tull – A New Day Yesterday: The 25th Anniversary Collection (1969–1994)
(publicado originalmente en 1994 en VHS), el DVD de 2008, Jethro Tull – Their
Fully Authorised Story (1968–2008), y el DVD/CD combinado de 2009, Jethro Tull
– Live at Madison Square Garden (1978).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Up The Pool.
Robert Lockwood Jr., nació en Turkey Scratch, Arkansas,
Estados Unidos, el 27 de marzo de 1915, y murió en Cleveland, Ohio, Estados
Unidos, el 21 de noviembre de 2006. Guitarrista.
El sitio www.case.edu
publicó este recordatorio firmado por Kevin Jones.
LOCKWOOD, ROBERT, JR.
LOCKWOOD JR, ROBERT (27 de marzo de 1915 - 2 de noviembre de
2006) fue un prolífico músico de blues afroamericano que aprendió a tocar la
guitarra con Robert Johnson, una de las figuras más influyentes de la historia
del blues. Lockwood, basándose en su formación inicial en el blues tradicional,
creó un estilo propio y único con tintes jazzísticos, que le valió elogios de
prestigiosos guitarristas de blues a lo largo de sus casi setenta años de
carrera como intérprete.
Los primeros años de Lockwood estuvieron inmersos en la
tradición del blues. Nacido como el segundo de dos hijos en una granja en
Turkey Scratch, Arkansas, sus padres, Robert Lockwood Sr. y Esther Reese
Lockwood, se separaron a temprana edad. El joven Lockwood comenzó su carrera
musical tocando el órgano, pero en su adolescencia se pasó a la guitarra cuando
su madre entabló una relación con Robert Johnson, quien se convirtió en su
mentor musical. Con y sin Johnson, Lockwood perfeccionó su talento musical en
bares y esquinas de la región del delta del Misisipi. Después de Johnson,
Lockwood forjó una importante relación musical con Sonny Boy Williamson II
(alias Rice Miller). Con Williamson y otros músicos de estudio, Lockwood actuó
regularmente en el programa de radio King Biscuit Time de la KFFA de Arkansas,
una de las pocas emisoras de radio que reproducía música afroamericana en la
región del delta del Misisipi en aquel entonces.
La carrera posterior de Lockwood reflejó las tradiciones de
la Gran Migración, cuando millones de afroamericanos se trasladaron a las
ciudades industriales del norte desde las zonas rurales del sur. En la década
de 1950, Lockwood se mudó a Chicago y trabajó como guitarrista de sesión para
Chess Records, donde tocó con grandes del blues como Muddy Waters y Little
Walter, entre muchos otros. También continuó su colaboración con Williamson,
quien grabó un álbum con Chess durante este período. Cuando Williamson se mudó
a Cleveland en la década de 1960, Lockwood siguió y finalmente estableció su
propio camino como director de banda y artista de blues habitual.
Aunque Lockwood solía realizar giras por Estados Unidos e
internacionales, Cleveland seguiría siendo su base de operaciones durante el
resto de su carrera. Durante décadas, Lockwood fue una figura clave en la
comunidad musical de la zona de Cleveland, tocando en clubes como Pirates Cove
y Brothers Lounge. Durante sus últimos años, Lockwood y su banda de ocho
integrantes ofrecían un concierto semanal fijo todos los miércoles en Fatfish
Blue, en la esquina de Prospect Avenue y Ontario Street.
Produjo 16 álbumes de estudio a lo largo de su vida y ganó
varios premios, entre ellos dos Premios Nacionales de Música Blues de la Blues
Foundation, cuatro Premios WC Handy y un Grammy póstumo en 2008. También fue
incluido en el Salón de la Fama del Blues en 1989 y su guitarra de 12 cuerdas
de caja semihueca se exhibe en el Salón de la Fama y Museo del Rock and Roll.
La ciudad de Cleveland renombró una calle del distrito de entretenimiento de
Flats como Robert Lockwood Junior Drive en 1997.
Lockwood siguió activo musicalmente hasta su fallecimiento
en Cleveland a la edad de 91 años. En el momento de su muerte, le sobrevivían
ocho hijastros: cuatro de su segunda esposa, Mary Smith Lockwood, y cuatro de
su primera esposa, Annie Roberts Lockwood, quien murió en 1997.
Kevin Jones
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con My daily wishes.
Steven Victor Tallarico, más conocido como Steven Tyler,
nació en Yonkers, Nueva York, Estados Unidos, el 26 de marzo de 1948. Cantante,
compositor, músico y actor.
El cantante principal de la popular banda de rock Aerosmith
con éxitos como 'Dream On' y 'Walk This Way', Steven Tyler, también se
desempeñó como juez en 'American Idol'.
Actualizado: 1 de diciembre de 2021, 16:51 EST
Steven Tyler 1948-
¿Quién es Steven Tyler?
Steven Tyler aprendió a tocar la batería y cantar antes de
convertirse en el rimbombante y colorido líder de la banda de rock Aerosmith.
El grupo alcanzaría un gran éxito en las listas de éxitos con éxitos como
"Dream On", "Walk This Way", "Love in an Elevator"
y "I Don't Want to Miss a Thing", con más de cuatro décadas de
permanencia. Tyler también fue juez de American Idol durante dos años.
Vida temprana y Aerosmith
Steven Victor Tallarico, más conocido como Steven Tyler,
nació el 26 de marzo de 1948 en Yonkers, Nueva York. Hijo de un profesor de
música, comenzó a tocar la batería desde muy joven, pero luego se centró en el
canto.
Tras mudarse a Boston a finales de los 60, Tyler finalmente
conoció a los músicos que formarían el grupo de rock Aerosmith. Se dice que
conoció al guitarrista Joe Perry y al bajista Tom Hamilton mientras tocaban en
diferentes bandas en la zona de Sunapee, New Hampshire. El guitarrista Ray
Tabano (quien posteriormente fue reemplazado por Brad Whitford) y el baterista
Joey Kramer se unieron a los demás para formar Aerosmith. La banda dio su
primer concierto juntos en 1970 y compartían apartamento en Boston.
Éxito comercial
En 1972, Aerosmith firmó un contrato con Columbia Records.
Al año siguiente, lanzó su álbum debut homónimo. Incluía la canción "Dream
On", que tuvo un éxito menor. En sus inicios, el grupo fue comparado con
los Rolling Stones por su sonido bluesero similar y el parecido físico entre
Mick Jagger y Tyler. Pero con su tercer álbum, Toys in the Attic (1975), la
banda se erigió como un grupo de rock líder por derecho propio. Demostrando su
talento para crear hard rock, Aerosmith arrasó con éxitos como "Sweet Emotion"
y "Walk This Way".
Problemas personales
Su siguiente álbum, Rocks (1976), también tuvo buenas ventas
a pesar de la falta de un sencillo rompedor, al igual que Draw the Line (1977).
Pero a finales de la década, la banda se estaba desmoronando. Perry y Whitford
finalmente abandonaron el grupo, mientras que Tyler se metió de lleno en las
drogas. Tyler mantuvo el grupo a flote añadiendo nuevos miembros, pero sus
problemas personales afectaron su creatividad y Aerosmith era solo una sombra
de lo que fue.
Regreso después de la rehabilitación
A mediados de los 80, Tyler se había recuperado tras pasar
por un programa de rehabilitación. En 1986, el grupo de rap Run-DMC versionó el
famoso sencillo de Aerosmith "Walk This Way" en su álbum Raising Hell
. La versión, con las voces de Tyler y Joe Perry, ayudó a que Aerosmith
volviera a la fama.
Para 1987, la banda había regresado con éxito: ese año,
Aerosmith lanzó Permanent Vacation , que incluía los éxitos "Dude (Looks
Like a Lady)" y "Rag Doll". El renovado supergrupo de rock tuvo
mayor éxito comercial con su siguiente trabajo, Pump (1989), que incluía
canciones como "Love in an Elevator" y "Janie's Got a Gun".
Con el auge de MTV, los vídeos de la banda les ayudaron a conquistar a una
nueva generación de fans.
La racha ganadora de Aerosmith continuó con Get a Grip de
1993, impulsada en parte por sencillos como "Livin' on the Edge",
"Cryin'" y "Crazy". A finales de los 90, el grupo no pudo
mantener su éxito en las listas, pero Tyler y sus compañeros seguían siendo un
gran atractivo para los conciertos, con multitudes de fans acudiendo a verlos
tocar en vivo.
Problemas de salud
El famoso artista también tuvo problemas de salud. En 2006,
se sometió a una cirugía de garganta que podría haberle quitado el sueño a su
carrera como cantante; afortunadamente, la operación fue un éxito, pero
Aerosmith tuvo que cancelar la mitad de su gira norteamericana de ese año.
También en 2006, Tyler anunció que había recibido tratamiento para la hepatitis
C, una enfermedad hepática.
En 2008, Tyler ingresó en la clínica de rehabilitación del
Hospital Las Encinas en Pasadena, California, para recuperarse de múltiples
cirugías de pierna para reparar daños en sus pies. Luego, en 2009, durante una
actuación de Aerosmith, Tyler se cayó del escenario en Dakota del Sur y se
fracturó el hombro. La banda se vio obligada a cancelar otra gira.
Tras su caída en 2009, se informó que Tyler no regresaría a
Aerosmith. Un mes después, Perry confirmó que Tyler se marchaba para emprender
una carrera en solitario, pero poco después, Tyler aseguró a sus fans que no
abandonaría la banda. En 2010, el líder emprendió la gira Cocked, Locked, Ready
to Rock con Aerosmith, actuando en más de 18 países.
A pesar de los numerosos desafíos en 2009 y 2010, Tyler regresó
al estudio con Aerosmith en 2011. La banda lanzó un álbum de grandes éxitos,
Tough Love , en 2011, y siguió con Music from Another Dimension! en noviembre
de 2012, su primer álbum completo de material original desde 2001.
Memorias y 'American Idol'
La tan esperada autobiografía de Tyler, "¿Te molesta el
ruido en mi cabeza?", se publicó en 2011. Un éxito de ventas, el libro
ofrece una mirada al interior de sus numerosas y descabelladas aventuras, y
algunos críticos lo comparan con las gráficas memorias de Keith Richard, de la
revista Rolling Stone, " Life ". Sin miedo a bromear sobre sí mismo,
Tyler admitió que padece la "enfermedad del cantante principal".
Tyler tuvo otro gran éxito a principios de ese año al ser
juez del popular reality show de cantantes, American Idol. Junto con Jennifer
Lopez y Randy Jackson, firmó para una nueva temporada como jueces en 2012.
Sin embargo, en enero de 2012, Tyler se vio bajo la lupa del
público y los medios de comunicación. Su interpretación del himno nacional, decepcionante,
antes de un partido de playoffs de la NFL generó una ola de críticas; muchos
objetaron la forma "tonal" en que cantó "The Star-Spangled
Banner". Tyler no respondió públicamente a los comentarios de sus
críticos.
En julio de 2012, Tyler anunció que no volvería a American
Idol para una tercera temporada. "Después de pensarlo mucho, he decidido
que s hora de dejar ir a mi amante, American Idol, antes de que me
destroce", declaró a la revista Rolling Stone, haciendo referencia a la
película Atracción Fatal. "Me alejé de mi primer amor, Aerosmith, y he
vuelto, pero en lugar de suplicar a gatas, me pongo a la defensiva y abro la
puerta con mi banda. Los próximos años los dedicaré a arrasar: la conquista
auditiva definitiva".
Trabajo en solitario
Después de más de cuatro décadas en el negocio, Tyler lanzó
su primer trabajo de estudio en solitario, We're All Somebody From Somewhere,
en julio de 2016. El álbum mostró al cantante profundizando en un sonido
country, incluso ofreciendo una nueva versión del éxito de Aerosmith
"Janie's Got a Gun".
En 2018, Tyler habló sobre los altibajos de su carrera con
Harvey Levin en el programa OBJECTified de Fox News. "Tengo una
personalidad adictiva, así que encontré ciertas drogas que me encantaban y no
paré hasta el punto de dañar a mis hijos, mi vida, a mi familia y a mi
banda", dijo la estrella de rock. "Llegó un momento en que no tenía
banda y me daba igual".
Residencia en Las Vegas
En agosto de 2018, Tyler y Aerosmith confirmaron que la
banda había firmado una residencia en Las Vegas. Su espectáculo "Deuces
Are Wild" está programado para 18 presentaciones desde principios de abril
hasta julio de 2019 en el Teatro Park del MGM.
Vida personal e hijos
Tyler es padre de cuatro hijos. En 1976, mantuvo una
relación con la modelo Bebe Buell; tuvieron una hija, la actriz Liv Tyler.
Estuvo casado con la modelo Cyrinda Foxe de 1978 a 1988; tuvieron una hija, la
modelo Mia Tyler. Se casó con Teresa Barrick en 1988, con quien tuvo dos hijos,
Chelsea y Taj Monroe. La pareja se divorció en 2006. Tyler anunció su
compromiso con la modelo Erin Brady en 2011, antes de terminar su relación a
principios de 2013.
Mejor conocido por: El cantante principal de la popular
banda de rock Aerosmith con éxitos como 'Dream On' y 'Walk This Way', Steven
Tyler también se desempeñó como juez en 'American Idol'.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos:Dream On.
Aretha Louise Franklin nació en Memphis, Tennessee, Estados
Unidos, el 25 de marzo de 1942, y murió en Detroit, Michigan, Estados Unidos,
el 16 de agosto de 2018. Cantante,
compositora y pianista.
Aretha Franklin, ganadora de múltiples premios Grammy y
"Reina del Soul", fue conocida por éxitos como "Respect",
"Freeway of Love" y "I Say a Little Prayer".
Actualizado: 15 de septiembre de 2021, 16:16 EDT
(1942-2018)
¿Quién fue Aretha Franklin?
Aretha Franklin, una talentosa cantante y pianista, realizó
una gira con el espectáculo itinerante de su padre y posteriormente visitó
Nueva York, donde firmó con Columbia Records. Franklin lanzó varios sencillos
populares, muchos de los cuales ahora se consideran clásicos. En 1987 se
convirtió en la primera artista femenina en ingresar al Salón de la Fama del
Rock and Roll, y en 2008 ganó su 18º Premio Grammy, convirtiéndola en una de
las artistas más galardonadas en la historia de los Grammy.
Vida temprana y carrera
La cuarta de cinco hijos, Aretha Louise Franklin nació el 25
de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee, hija del predicador bautista reverendo
Clarence La Vaughan "CL" Franklin y Barbara Siggers Franklin, una
cantante de gospel.
Los padres de Franklin se separaron cuando ella tenía seis
años, y cuatro años después su madre falleció de un infarto. Guiada por las
tareas de predicación de CL, la familia se mudó a Detroit, Michigan. CL
finalmente llegó a la Iglesia Bautista New Bethel, donde alcanzó renombre
nacional como predicador.
El talento musical de Franklin se hizo evidente a temprana
edad. De formación principalmente autodidacta, fue considerada una niña
prodigio. Pianista talentosa con una voz potente, Franklin comenzó a cantar
ante la congregación de su padre.
A la edad de 14 años, había grabado algunas de sus primeras
canciones en su iglesia, que fueron lanzadas por un sello pequeño como el álbum
Songs of Faith en 1956. También actuó con el espectáculo itinerante de
avivamiento de CL y, mientras estaba de gira, se hizo amiga de grandes del
gospel como Mahalia Jackson, Sam Cooke y Clara Ward.
Niños
A los 12 años, tuvo su primer hijo, Clarence. Dos años más
tarde, nació su segundo hijo, Edward, y ambos adoptaron el apellido de su
familia. Posteriormente, Franklin tendría dos hijos más: Ted White, Jr. y
Kecalf Cunningham.
Álbumes y canciones
'Aretha'
Tras un breve paréntesis, Franklin volvió a la actuación y
siguió los pasos de figuras como Cooke y Dinah Washington en el mundo del pop y
el blues. En 1960, con la bendición de su padre, Franklin viajó a Nueva York,
donde, tras ser cortejada por varios sellos discográficos, como Motown y RCA,
firmó con Columbia Records, que lanzó el álbum Aretha en 1961.
Aunque dos canciones de Aretha llegarían al Top 10 de
R&B, un éxito mayor llegó ese mismo año con el sencillo "Rock-a-bye
Your Baby with a Dixie Melody", que llegó al puesto número 37 en las
listas de pop.
Pero aunque Franklin obtuvo resultados moderados con sus
grabaciones durante los años siguientes, estas no lograron mostrar plenamente
su inmenso talento. En 1966, ella y su nuevo esposo y representante, Ted White,
decidieron mudarse, y Franklin firmó con Atlantic. El productor Jerry Wexler la
trasladó de inmediato a los estudios de grabación Florence Alabama Musical
Emporium (FAME).
"Nunca amé a un hombre (como te amo a ti)"
Con el apoyo de la legendaria Sección Rítmica de Muscle
Shoals, Franklin grabó el sencillo "I Never Loved a Man (The Way I Love
You)". En medio de las sesiones de grabación, White tuvo una discusión con
un miembro de la banda, y White y Franklin se marcharon abruptamente.
Pero cuando el sencillo se convirtió en un gran éxito Top
10, Franklin resurgió en Nueva York y pudo completar la canción parcialmente
grabada, "Do Right Woman—Do Right Man".
'Respeto'
En 1967 y 1968, Franklin alcanzó su máximo auge y produjo
una serie de sencillos exitosos que se convertirían en clásicos perdurables,
mostrando la poderosa voz de Franklin y sus raíces gospel en un marco pop.
En 1967, se lanzó el álbum I Never Loved a Man (The Way I
Love You), y la primera canción del álbum, "Respect" (una versión
empoderada de un tema de Otis Redding) alcanzó el número 1 en las listas de
R&B y pop y le valió a Franklin sus dos primeros premios Grammy.
También
tuvo éxitos Top 10 con "Baby I Love You", "Think",
"Chain of Fools", "I Say a Little Prayer", "(Sweet Sweet
Baby) Since You've Been Gone" y "(You Make Me Feel Like) A Natural
Woman".
Apodada la 'Reina del Soul'
El dominio de Franklin en las listas de éxitos pronto le
valió el título de Reina del Soul, mientras que al mismo tiempo también se
convirtió en un símbolo del empoderamiento negro durante el movimiento por los
derechos civiles.
En 1968, Franklin fue convocada para cantar en el funeral
del Dr. Martin Luther King Jr., durante el cual rindió homenaje al amigo
fallecido de su padre con una emotiva interpretación de "Precious
Lord". Más tarde ese mismo año, también fue seleccionada para cantar el
himno nacional en el inicio de la Convención Nacional Demócrata en Chicago.
En medio de este nuevo éxito, Franklin experimentó una
turbulencia en su vida personal, y ella y White se divorciaron en 1969. Pero
esto no frenó el ascenso constante de Franklin, y la nueva década trajo más
sencillos de éxito, incluyendo "Don't Play That Song", "Spanish
Harlem" y su versión de "Bridge Over Troubled Waters" de Simon
& Garfunkel.
'Sublime gracia'
Inspirada por el fallecimiento de Mahalia Jackson y el
consiguiente resurgimiento del interés por la música gospel, Franklin regresó a
sus orígenes musicales para el álbum de 1972 Amazing Grace, que vendió más de 2
millones de copias y se convirtió en el álbum gospel más vendido en ese
momento.
El éxito de Franklin continuó durante la década de 1970, a
medida que diversificó su carrera para trabajar con productores como Curtis
Mayfield y Quincy Jones y amplió su repertorio para incluir versiones de rock y
pop. Durante este periodo, ganó ocho Premios Grammy consecutivos a la Mejor
Interpretación Vocal Femenina de R&B, el último por su sencillo de 1974
"Ain't Nothing Like the Real Thing".
Luchas profesionales
Pero en 1975, el sonido de Franklin se estaba desvaneciendo
en un segundo plano con el inicio de la moda disco, y un grupo emergente de
jóvenes cantantes negros, como Chaka Khan y Donna Summer, comenzaron a eclipsar
la carrera de Franklin.
Sin embargo, encontró un breve respiro de la caída en las
ventas con la banda sonora de 1976 de la película Sparkle de Warner Brothers,
que encabezó las listas de R&B y llegó al Top 20 de pop, así como una
invitación para actuar en la investidura presidencial de Jimmy Carter en 1977.
En 1978, también se casó con el actor Glynn Turman.
Una serie de fracasos en las listas de éxitos puso fin a la
relación de Franklin con Atlantic en 1979. Ese mismo año, su padre fue
hospitalizado tras un intento de robo en su casa que lo dejó en coma. A medida
que su popularidad menguaba y la salud de su padre se deterioraba, Franklin
también tuvo que asumir una factura enorme del IRS.
Sin embargo, un cameo en la película de 1980 The Blues
Brothers ayudó a Franklin a revivir su carrera en decadencia. Interpretar
"Think" junto a los comediantes John Belushi y Dan Aykroyd la expuso
a una nueva generación de amantes del R&B, y pronto firmó con Arista
Records.
Su nuevo sello lanzó Jump To It en 1982, un álbum que tuvo
un gran éxito en las listas de R&B y le valió a Franklin una nominación al
Grammy. Dos años después, sufrió el divorcio de Turman y la muerte de su padre.
Más álbumes y canciones: década de 1980 en adelante
'¿Quién está haciendo zoom sobre quién?'
En 1985, Franklin volvió a la cima de las listas de éxitos
con un álbum de gran éxito: el refinado disco pop Who's Zoomin' Who?, que
incluía el sencillo "Freeway of Love", además de una colaboración con
la popular banda de rock The Eurythmics, se convirtió en el álbum más vendido
de Franklin hasta la fecha.
'Sabía que me estabas esperando'
Su siguiente álbum, Aretha de 1986, también tuvo buenos
resultados y finalmente se convirtió en disco de oro, y su dueto con el
cantante británico George Michael, "I Knew You Were Waiting (For
Me)", llegó al número 1 en las listas de pop.
En 1987, Franklin se convirtió en la primera artista
femenina en ingresar al Salón de la Fama del Rock and Roll y también recibió un
doctorado honoris causa de la Universidad de Detroit. Ese mismo año, lanzó el
álbum One Lord, One Faith, One Baptism, que ganó el Grammy a la Mejor
Interpretación de Soul Gospel.
Tras otro período relativamente tranquilo en su carrera, en
1993, Franklin fue invitada a cantar en la investidura de Bill Clinton, y al
año siguiente recibió un Premio Grammy a la Trayectoria y una distinción del
Centro Kennedy. También sería el centro de numerosos documentales y homenajes a
lo largo de la década.
'Una rosa sigue siendo una rosa'
Acercándose a su conclusión, Franklin repitió su papel
anterior en Blues Brothers 2000, lanzó el disco de oro "A Rose Is Still a
Rose" y reemplazó a Luciano Pavarotti, quien estaba demasiado enfermo para
aceptar su premio a la trayectoria, con su interpretación de "Nessun
Dorma", que obtuvo críticas estelares.
'Tan malditamente feliz'
En 2003, Franklin lanzó su último álbum de estudio con
Arista, So Damn Happy, y dejó el sello para fundar Aretha Records. Dos años
después, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad y se convirtió en la
segunda mujer en ingresar al Salón de la Fama de la Música del Reino Unido.
En 2008 recibió su 18º premio Grammy por "Never Gonna
Break My Faith", una colaboración con Mary J. Blige, y fue elegida para
cantar en la inauguración presidencial de Barack Obama en 2009.
Con 18 premios Grammy en su haber, Franklin es una de las
artistas más galardonadas en la historia de los Grammy, junto a artistas como
Alison Krauss, Adele y Beyoncé Knowles. En 2011, Franklin lanzó su primer álbum
con su propio sello, A Woman Falling Out of Love.
Para apoyar el proyecto, ofreció varios conciertos,
incluyendo uno de dos noches en el famoso Radio City Music Hall de Nueva York.
Con fans y críticos impresionados por sus actuaciones, demostró con éxito que
la Reina del Soul seguía reinando.
'Aretha Franklin canta los grandes clásicos de las divas'
En 2014, Franklin subrayó ese punto con Aretha Franklin
Sings the Great Diva Classics, que alcanzó el puesto número 13 en las listas de
pop y el puesto número 3 en R&B.
En febrero de 2017, la Reina del Soul, de 74 años, le dijo a
la estación de radio de Detroit WDIV Local 4 que estaba colaborando con Stevie
Wonder para lanzar un nuevo álbum.
“Debo decirles que me jubilo este año”, dijo en la
entrevista, y agregó: “Me siento muy, muy enriquecida y satisfecha con el
origen de mi carrera y con mi situación actual. Estaré bastante satisfecha,
pero no voy a irme a ningún lado y quedarme sin hacer nada. Eso tampoco sería
bueno”.
Muerte
El 12 de agosto de 2018, se informó que Franklin, gravemente
enferma, se encontraba postrada en cama en su casa de Detroit, rodeada de
familiares y amigos. Al difundirse la noticia, más personalidades la visitaron
para expresarle sus buenos deseos, entre ellas Wonder y Jesse Jackson.
Cuatro días después, en la mañana del 16 de agosto, Franklin
sucumbió a su enfermedad, que su familia reveló que era cáncer de páncreas.
A finales de ese mes se celebró un velatorio público en el
Museo de Historia Afroamericana Charles H. Wright de Detroit, donde los fans
acamparon durante la noche para rendir homenaje a la icónica cantante. Su
funeral, televisado, se celebraría en el Templo Greater Grace de la ciudad el
31 de agosto, con Wonder, Khan y Hudson entre los artistas programados, y
Jackson, Clinton y Smokey Robinson encabezando la lista de oradores.
Película
En enero de 2018, se anunció que Franklin seleccionó
personalmente a la cantante y actriz Jennifer Hudson para interpretarla en una
próxima película biográfica. Tras varios retrasos, Respect se estrenará el 13
de agosto de 2021.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con You Make Me Feel Like A Natural Woman.
Holger Schüring, más conocido como Holger Czukay, nació en la Ciudad libre de Dánzig, actual
Gdansk, Polonia, el 24 de marzo de 1938, y murió en Weilerswist, Alemania, el 5
de septiembre de 2017. Músico
y compositor.
El sitio www.abc.es publicó
este recordatorio firmado por Nacho Serrano.
Muere Holger Czukay, fundador de Can
Hallado sin vida en su casa-estudio, el bajista es el
segundo miembro original de la leyenda kraut que fallece este año
Holger Czukay
06/09/2017 Actualizado a las 12:36h.
Vivía en el estudio de Weilerswist (Alemania) donde Can
registró varias de sus grabaciones, y allí es donde ha aparecido sin vida, sin
que por ahora trasciendan las causas del fallecimiento. Holger Czukay, miembro
fundador de la legendaria banda de kraut-rock que revolucionó la escena musical
europea de la década de los setenta, tenía 79 años y había publicado su último
trabajo («11 Years Innerspace») hace sólo dos, con el sello Grönland Records.
Nacido en la ciudad de Danzig en 1938, el bajista e ingeniero
de sonido añadió un ingrediente fundamental a la fórmula de Can gracias a su
interés por compositores como Stockhausen y por la música electrónica más
primigenia, que le llevó a experimentar con el sample. Czukay abandonó Can en
1977, emprendiendo una carrera en solitario caracterizada por la integración de
elementos de la música concreta aprehendida de los trabajos de Pierre Henry.
Esta es la segunda muerte de un miembro fundador de Can este
año, tras el fallecimiento del baterista Jaki Liebezeit el pasado enero por una
neumonía.
El pasado junio, el sello Mute lanzó el recopilatorio «Can –
The Singles», que recopila todos los singles que publicaron los padres del
krautrock incluyendo 'edits' y canciones que no habían aparecido en sus álbumes
oficiales, y que se publican por primera vez en formato digital (también en CD
y triple vinilo. Además, hay una biografía autorizada de dos volúmenes, «All
Gates Open», prevista para el año que viene.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Cool In The Pool.
Hoy hablamos con varias personas que nos explican el desafío
de acercar a las personas y las culturas a través de su trabajo en fomentar y
cuidar el turismo en Israel. Y lo hacemos visitando el stand de Israel en
FITUR, el gran encuentro internacional del turismo. Les invitamos.
Ric Ocasek actuando con los Cars en el Roseland Ballroom de Nueva York en 2011, apoyando el último álbum del grupo, “Move Like This”.Crédito...Chad Batka para The New York Times
Richard Theodore Otcasek, más conocido como Ric Ocasek,
nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 23 de marzo de 1944, y murió
en Nueva York, Estados Unidos, el 15 de septiembre de 2019. Cantautor y
productor.
El sitio www.nytimes.com
publicó este recordatorio firmado por Jon Pareles.
Ric Ocasek, visionario del rock new wave y cofundador de
Cars, muere a los 75 años
Incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll,
escribió canciones que actualizaron sonidos clásicos y logró complacer tanto a
los fanáticos del punk-rock como a un público pop más amplio.
Ric Ocasek actuando con los Cars en el Roseland Ballroom de
Nueva York en 2011, apoyando el último álbum del grupo, “Move Like This”.Crédito...Chad
Batka para The New York Times
Jon Pareles
PorJon Pareles
Publicado el 15 de septiembre de 2019
Actualizado el 20 de septiembre de 2019
Ric Ocasek, compositor, guitarrista rítmico y vocalista de
The Cars, fue encontrado muerto el domingo por la tarde en su casa de
Manhattan. Tenía 75 años.
La oficina del médico forense de la ciudad de Nueva York
indicó que la causa fue hipertensión arterial y cardiopatía. La esposa del Sr.
Ocasek, la modelo y actriz Paulina Porizkova, publicó en Instagram que se
estaba recuperando de una cirugía.
De 1978 a 1988, Mr. Ocasek (pronunciado o-CASS-eck) y The
Cars fusionaron una visión de romance, peligro e intriga nocturna, con la
concisión de la música new wave, con la profundidad sonora y el ingenio del
rock radiofónico. The Cars lograron complacer tanto a los fans del punk-rock
como a un público pop mucho más amplio, explorando la historia del rock a la
vez que concebían extensiones frescas y exuberantes.
The Cars surgió de una amistad forjada a finales de los 60
en Ohio entre el Sr. Ocasek y Benjamin Orr, quien falleció en el año 2000.
Trabajaron juntos en varias bandas antes de mudarse a Boston y formar The Cars
a finales de los 70 con Elliot Easton como guitarra principal, Greg Hawkes como
teclados y David Robinson como batería. Era el comienzo de la era punk, pero
The Cars grabó sus primeros álbumes con el productor de Queen, Roy Thomas
Baker, creando canciones concisas y melancólicas, pero impecablemente pulidas.
La voz principal del Sr. Ocasek mezclaba un tono
inexpresivo, desgarbado y aullante con indicios de emoción reprimida, mientras
que sus canciones extraían ganchos del rockabilly y el punk básicos de tres
acordes, del surf rock, del synth pop emergente, de ecos de los Beatles y el
glam rock, y de indicios de la vanguardia del rock artístico de los años 70.
Cada uno de los cinco álbumes que lanzaron los Cars entre
1978 y 1984 vendió un millón de copias solo en Estados Unidos, con sencillos de
radio omnipresentes como "Just What I Needed" en 1978, "Shake It
Up" en 1981, "You Might Think" en 1984 y "Drive" en
1984. Aunque el Sr. Ocasek los escribió, "Just What I Needed" y
"Drive" tuvieron la voz principal del Sr. Orr.
Cuando los Cars ingresaron al Salón de la Fama del Rock
& Roll en 2018, los miembros supervivientes del grupo se reunieron,
acompañados por Scott Shriner de Weezer al bajo. En su discurso de inducción,
Brandon Flowers de The Killers describió a la banda como "una máquina
impecable con un motor V8 de 340 rpm bajo el capó que funcionaba con sinergia,
experimentación y una estética renovada", y añadió: "Lo tenían todo:
la estética, los ganchos, letras románticas beat y estribillos
impactantes".
Richard Theodore Otcasek nació en Baltimore el 23 de marzo
de 1944. Su padre era analista de sistemas de la NASA. En la ceremonia de
ingreso al Salón de la Fama de los Autos, el Sr. Ocasek agradeció a su abuela
por haberlo inculcado el canto de niño y por haberle comprado su primera guitarra
a los 14 años. La familia se mudó a Cleveland cuando era adolescente, y asistió
brevemente al Antioch College y a la Universidad Estatal de Bowling Green antes
de abandonar sus estudios y dedicarse a la música.
Tras conocerse en Ohio, ambos, tocando en varias bandas, se
establecieron en la zona de Boston, donde formaron un trío de folk-pop,
Milkwood; grabaron un álbum en 1972 antes de disolverse. Sin embargo, Ocasek y
Orr continuaron trabajando juntos en Boston. Easton, el guitarrista principal,
se unió a ellos a mediados de los 70, tocando con su banda Cap'n Swing, que se
emitió en la emisora de
rock de Boston, WBCN, pero no llegó
a más.
Con el Sr. Easton, el Sr. Hawkes y el Sr. Robinson, que
había sido el baterista de los Modern Lovers, héroes locales de Boston, los
Cars se fusionaron en 1976, trabajando en el sótano del Sr. Ocasek en Newton,
Massachusetts. Comenzaban con las grabaciones básicas de las canciones del Sr.
Ocasek, dijo el Sr. Easton a Rolling Stone en 1978, y "simplemente
construíamos las canciones".
“Cuando había espacio para un anzuelo, una línea o un plomo,
lo poníamos”, añadió.
WBCN difundió ampliamente las grabaciones de demostración de
la banda, y Elektra Records los contrató. El primer álbum de Cars se grabó en
21 días: 12 de grabación y nueve de mezcla. Vendería seis millones de copias en
Estados Unidos. La banda se convirtió en un referente de la radio FM a finales
de los 70 y de MTV en los 80, jugando con texturas e ironías, pero apegándose a
las estructuras pop definidas.
Las canciones del Sr. Ocasek eran invariablemente concisas y
pegadizas, acentuadas por las vibrantes líneas de guitarra del Sr. Easton y los
concisos ganchos de teclado del Sr. Hawkes. Pero también estaban elaboradamente
complementadas con instrumentos y voces multipistas. Letras que inicialmente
podrían parecer canciones de amor pop eran, con mayor frecuencia, serenamente
ambivalentes.
“Just What I Needed”, el primer sencillo de los Cars, gira
en torno a lo negativo: “No me importa que vengas aquí y me hagas perder el
tiempo/Porque cuando estás tan cerca, como que pierdo la cabeza”. Y el mayor
éxito de los Cars en Estados Unidos, “Drive”, plantea una serie de preguntas
sombrías aunque suene como una balada majestuosa: “¿Quién te va a sujetar
cuando tiemblas?/¿Quién va a venir cuando te rompas?”
The Cars se disolvió en 1988 tras el distanciamiento entre
el Sr. Ocasek y el Sr. Orr. El Sr. Ocasek había comenzado a componer música por
su cuenta mientras aún formaba parte del grupo y finalmente lanzó siete álbumes
en solitario entre 1982 y 2005, aunque ninguno alcanzó la popularidad de su
catálogo de Cars.
Aunque dijo que no quería que la gente se metiera en su vida
privada, "Siento que las letras de mis canciones son como un libro
abierto", declaró al Chicago Tribune en 1986. "Siento que escribir
canciones para mis álbumes en solitario es como desahogarme, decirle a la gente
cómo me siento realmente en mi subconsciente. Cuando escribo, es como si no
tuviera el control".
En 2003, aceptó un puesto en Elektra como vicepresidente
sénior de artistas y repertorio, encargado de encontrar nuevos creadores de
éxitos, pero el sello rechazó sus propuestas; duró en el puesto menos de un año.
Durante su etapa en The Cars, produjo álbumes para las bandas Bad Brains y
Suicide, pioneros del punk a los que admiraba. Tras la disolución de The Cars,
produjo música para Weezer, Bad Religion y No Doubt.
En una publicación en Twitter, Weezer dijo que el grupo
estaba “devastado” por la muerte del Sr. Ocasek y que “siempre recordaremos los
preciosos momentos que trabajamos y pasamos tiempo con él”.
Tras dos matrimonios previos, el Sr. Ocasek se casó con la
Sra. Porizkova en 1989; se conocieron en 1984 mientras los Cars grababan el videoclip
de "Drive". Ella anunció en 2018 que se había separado un año antes.
Le sobreviven sus dos hijos, Jonathan y Oliver Otcasek, y cuatro hijos de
matrimonios anteriores: Christopher, Adam, Eron y Derek.
El Sr. Ocasek solía decir que no disfrutaba del ajetreo de
las giras, y el Sr. Easton y el Sr. Hawkes actuaron sin él como los New Cars de
2005 a 2007, acompañados por Todd Rundgren como cantante principal. Pero en
2011, el Sr. Ocasek reunió a los miembros supervivientes de los Cars para un
último álbum, "Move Like This", y una gira, aunque su presencia en el
escenario siempre había sido tímida.
"No creo ser un artista", le dijo a The New York
Times en 2011. "Nunca pienso: 'Guau, no puedo esperar a que la multitud se
mueva'".
En un mundo pop lleno de extrovertidos y fanfarrones, el Sr.
Ocasek se presentó como un artista introvertido y distante, dedicado a la
composición más que al espectáculo. En 1987, declaró a The Times: «Me alegra
que las canciones pop tengan un toque peculiar. Cuando escribo, nunca sé cómo
va a salir. No pienso: «Bueno, ya hice una pegadiza, ahora puedo hacer una
rara».
“Leo mucha poesía, y eso me da un amplio margen para decir
cualquier cosa en una canción; son más retorcidas de lo que yo jamás seré”.
Joe Coscarelli y Daniel E. Slotnik contribuyeron con este
reportaje.
Jon Pareles ha sido el principal crítico de música pop de
The Times desde 1988. Músico, ha tocado en bandas de rock, jazz y conjuntos
clásicos. Se licenció en música en la Universidad de Yale.
Una versión de este artículo aparece impresa el 17 de
septiembre de 2019, Sección A, Página 24 de la edición de Nueva York con el
titular: Ric Ocasek, vocalista de Cars y autor de pegadizos éxitos de la nueva
ola, muere a los 75 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Emotion In Motion.
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