Shalom – Teshuvá y segundas oportunidades

Shalom – Teshuvá y segundas oportunidades  

Shalom conversa con Jordan Spencer Jacobs sobre la Teshuvá, concepto judío de arrepentimiento y retorno. Una reflexión sobre el error, la responsabilidad, el perdón y las segundas oportunidades, y sobre cómo transformar el pasado para construir un futuro desde la conciencia y responsabilidad ética. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/teshuva-segundas-oportunidades/17282319/ 

Barbara Cook

Barbara Nell, más conocida como Barbara Cook, nació en Atlanta, Georgia, Estados Unidos, el 25 de octubre de 1927, y murió en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, el 8 de agosto de 2017. Actriz y cantante. 

El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por William Ruhlmann. 

Cantante de soprano cálida y ligera, Barbara Cook se convirtió en una exitosa intérprete de musicales de Broadway en las décadas de 1950 y 1960. En la década de 1970, se dedicó principalmente al cabaret, donde cosechó igual éxito. Nacida como Barbara Nell en Atlanta, Georgia, el 25 de octubre de 1927, mostró un interés temprano por el canto y participó en espectáculos infantiles desde niña. A los 14 años, ganó el premio de diez dólares en un concurso de aficionados en el Teatro Roxy de Atlanta, interpretando "My Devotion". En febrero de 1948, acompañada por su madre, se mudó a Nueva York para dedicarse al teatro musical. El compositor Vernon Duke, tras escucharla cantar en una audición, le recomendó actuar en Camp Tamiment, un centro vacacional de verano en los Poconos, y en el verano de 1950 fue descubierta allí por Max Gordon, quien junto a su socio Herbert Jacoby dirigía el club nocturno Blue Angel en Nueva York. Poco después, hizo su debut profesional en el Blue Angel. Como resultado, en 1951 obtuvo un papel destacado en Flahooley, un musical de Broadway con canciones escritas por Sammy Fain y EY Harburg. Se estrenó el 14 de mayo de 1951 y cerró tras solo 40 funciones el 17 de junio. Sin embargo, se grabó para un álbum del elenco original de Broadway de Capitol Records, lo que supuso el debut discográfico de Cook. 

Tras el cierre de Flahooley, Cook consiguió un segundo contrato en el Blue Angel. El 9 de marzo de 1952, se casó con el actor David LeGrant. (Se divorciaron en 1965). Regresó a Broadway en una reposición de Oklahoma!, una temporada limitada en el City Center, interpretando el papel principal de Ado Annie. Se estrenó el 31 de agosto de 1953 y se representó durante 40 funciones hasta el 3 de octubre, para luego iniciar una gira nacional. Cook regresó a Nueva York para otra reposición en el City Center, esta vez de Carousel, en la que interpretó el papel principal de Carrie Pipperidge. Se estrenó el 2 de junio de 1954 y se representó durante 79 funciones, finalizando el 8 de agosto. Simultáneamente, Cook actuaba en la serie de televisión vespertina Golden Windows de la NBC, que se estrenó el 5 de julio de 1954 y se emitió hasta el 8 de abril de 1955. También en 1954, apareció en una producción televisiva de Babes in Toyland. 

Toda esta exposición llevó a Cook a obtener el papel principal en su segundo musical de Broadway, Plain and Fancy. Se estrenó el 27 de enero de 1955 y se convirtió en un éxito, con 461 funciones antes de su cierre el 3 de marzo de 1956. Nuevamente, apareció en el álbum del elenco original de Broadway lanzado por Capitol Records. Luego, apareció en una producción televisiva del musical Bloomer Girl. Su trabajo más prestigioso hasta el momento llegó más tarde en 1956 cuando fue elegida para interpretar a Cunegunda en la adaptación musical de Leonard Bernstein de Cándido de Voltaire, que requería que cantara la exigente canción de soprano de coloratura "Glitter and Be Gay". El espectáculo se estrenó el 1 de diciembre de 1956 y solo tuvo 73 funciones, cerrando el 2 de febrero de 1957. Pero Columbia Records grabó un álbum del elenco que mantuvo viva la música y ayudó a que se reestrenaran años después. 

A pesar de su fracaso inicial, la reputación de Cook no hizo más que crecer gracias a su participación en el espectáculo. Formó parte de una producción televisiva de "Yeoman of the Guard" de Gilbert y Sullivan, y posteriormente apareció en escena en otra reposición de "Carousel" en el City Center, esta vez interpretando el papel principal de Julie Jordan. Se estrenó el 11 de septiembre de 1957 y se representó durante 24 funciones, hasta su clausura el 29 de septiembre. Cook no tardó en embarcarse en su cuarto musical de Broadway, el más exitoso de todos, interpretando a Marian, la bibliotecaria, en "The Music Man" de Meredith Willson. Uno de los musicales de mayor duración de su época, el espectáculo se estrenó el 19 de diciembre de 1957 y ofreció 1375 funciones, finalizando el 15 de abril de 1961. (Cook participó en él hasta la primavera de 1959, cuando se retiró para dar a luz a su hijo, Adam LeGant, quien se convirtió en actor de reparto y cantante). Cantó "Goodnight, My Someone", "My White Knight" y "Till There Was You" en el escenario y en el álbum del elenco de Capitol Records, que encabezó las listas de éxitos durante 12 semanas y vendió un millón de copias. También ganó el premio Tony a la mejor actriz de reparto en un musical. (Sin embargo, fue descartada para la versión cinematográfica en favor de la ya consagrada estrella de cine Shirley Jones, y nunca desarrolló una carrera en el cine). 

El estrellato teatral que Cook alcanzó con The Music Man la llevó a otras oportunidades. El 27 de abril de 1958, apareció en una adaptación musical televisiva de Hansel y Gretel con canciones de Alec Wilder en NBC. MGM Records lanzó un álbum de la banda sonora. El sello independiente Urania Records la contrató y lanzó dos álbumes en solitario, Songs of Perfect Propriety (1958), que consistía en poemas de Dorothy Parker musicalizados, y Barbara Cook Sings "From the Heart" (1959), una colección de canciones de Rodgers & Hart. Regresó a los escenarios en una reposición de The King & I en el City Center, interpretando el papel principal de Anna Leonowens. Se presentó 15 funciones, entre el 11 y el 29 de mayo de 1960. Su quinta aparición en un nuevo musical de Broadway fue con The Gay Life, cuyas canciones fueron escritas por Arthur Schwartz y Howard Dietz. Se estrenó el 18 de noviembre de 1961 y cerró sus puertas tras 113 representaciones el 24 de febrero de 1962. Capitol Records grabó el álbum del reparto, que entró en el Top 100. 

En 1962, Cook grabó un álbum de estudio con el elenco de Show Boat para Columbia Records, cantando el papel principal de Magnolia. Tuvo su sexta aparición en un nuevo musical con She Loves Me; con canciones de Jerry Bock y Sheldon Harnick, She Loves Me se estrenó el 23 de abril de 1963 y tuvo 301 funciones, cerrando el 11 de enero de 1964. MGM Records lanzó la grabación del elenco en doble LP, que llegó al Top 20. En 1964, grabó otro álbum de estudio con el elenco para Columbia Records, esta vez regresando a la música de El rey y yo. Su séptimo nuevo musical de Broadway, Something More!, que tenía canciones con música de Sammy Fain y letras de Marilyn y Alan Bergman, tuvo una temporada de solo 15 funciones entre el 10 y el 21 de noviembre de 1964, y nunca fue grabado. Cook se diversificó hacia la actuación teatral no musical en 1965, reemplazando a Sandy Denny en la obra Any Wednesday en Broadway. También lanzó un sencillo titulado "Any Wednesday" con Summit Records. En el verano de 1966, protagonizó una reposición en Broadway de Show Boat, producida por el Music Theatre of Lincoln Center. La obra tuvo una temporada limitada de 64 funciones en Nueva York entre el 19 de julio y el 10 de septiembre de 1966, y luego salió de gira; RCA Victor Records grabó un álbum con el elenco. 

Cook regresó a Broadway en una obra de teatro seria, Little Murders de Jules Feiffer, que se estrenó el 25 de abril de 1967 y solo estuvo en cartelera una semana (aunque una producción posterior fuera de Broadway en la que no participó tuvo mucho más éxito). No volvió a Broadway hasta cuatro años después, tiempo durante el cual apareció en reposiciones regionales de musicales como Funny Girl. Cuando creó su octavo papel en un nuevo musical de Broadway, fue en The Grass Harp, que se estrenó el 2 de noviembre de 1971 y cerró después de solo siete funciones el 6 de noviembre. (El pequeño sello Painted Smiles grabó el álbum del elenco). Cook actuó en otra obra de teatro seria, Gorky's Enemies, en 1972. En 1973, realizó una gira en una revista musical llamada The Gershwin Years, que consistía enteramente en canciones escritas por George Gershwin, que no requería que interpretara a ningún personaje más que a sí misma. 

A mediados de sus cuarenta, con la escasez de ofertas para musicales de Broadway, reevaluó su carrera y decidió regresar a los clubes nocturnos y a los conciertos. Aceptó una oferta del pequeño club nocturno Brothers and Sisters, ubicado en el distrito teatral de Nueva York, en el verano de 1974, y se presentó con el pianista Wally Harper como único acompañamiento. (Harper permaneció con ella durante los siguientes 30 años). Este compromiso la llevó a asociarse con el empresario de conciertos Herbert H. Breslin y, el 26 de enero de 1975, debutó en concierto en el Carnegie Hall, seguido de presentaciones igualmente prestigiosas en el Hollywood Bowl y el Kennedy Center, así como en importantes clubes nocturnos de todo el país. De esta manera, se embarcó en una nueva y exitosa etapa de su carrera. 

El espectáculo del Carnegie Hall fue grabado por Columbia Records y lanzado en 1975 como el tercer álbum en solitario de Cook (y el primero en 16 años), Barbara Cook at Carnegie Hall. Le siguió en 1977 un LP de estudio, As of Today. En 1981, su regreso al Carnegie Hall fue celebrado en el LP It's Better with a Band, lanzado por Moss Music Group (MMG). El 6 de septiembre de 1985, tuvo un papel destacado en la grabación de un concierto del musical Follies de Stephen Sondheim en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center. El doble LP resultante de RCA Victor ganó el premio Grammy de 1986 al Mejor Álbum de Reparto de un Musical. Además de las presentaciones en concierto, a veces realizaba compromisos prolongados anunciados como espectáculos de una sola mujer. En septiembre de 1986, actuó en el West End de Londres en el espectáculo titulado Wait 'Til You See Her, y el 15 de abril de 1987 ofreció la primera de sus 13 funciones en el Ambassador Theatre de Broadway, dentro del espectáculo Barbara Cook: A Concert for the Theatre. Esta última actuación le valió un premio Drama Desk. 

También en 1987, Cook participó en una grabación de estudio de Carousel para MCA Classics, cantando nuevamente el papel principal de Julie Jordan. En 1988, hizo otra grabación de estudio de una versión musical de El jardín secreto, lanzada por Columbia. (Esta era una obra completamente diferente del musical del mismo nombre con canciones de Lucy Simon y Marsha Norman que llegó a Broadway en 1991). También en 1988, participó brevemente en lo que se pretendía que fuera su regreso a los escenarios de Broadway por primera vez en 17 años cuando se unió al elenco de una adaptación musical de la novela y película de terror Carrie montada por la Royal Shakespeare Company en Gran Bretaña. Sin embargo, se retiró de la producción. (Cuando llegó a Broadway en mayo, el espectáculo cerró después de cinco funciones). En diciembre de 1988, MCA Classics lanzó su primer LP en solitario en seis años, una colección de canciones de películas de Walt Disney llamada The Disney Album. 

A principios de los 90, Cook actuaba regularmente en clubes elegantes como el Cafe Carlyle en el Hotel Carlyle en el Upper East Side de Manhattan, donde disfrutaba de contratos recurrentes. En 1993, firmó con el sello discográfico independiente DRG, orientado al teatro, y lanzó su primer álbum en solitario en cinco años, Close as Pages in a Book, un tributo a la letrista Dorothy Fields. En 1994, su voz se escuchó en la película musical animada Thumbelina y en su álbum de banda sonora, lanzado por SBK Records, y tuvo un segundo álbum en solitario con DRG, Live from London. Oscar Winners: The Lyrics of Oscar Hammerstein II le siguió en 1997, y luego All I Ask of You en 1999. Otro lanzamiento de DRG a finales de 1999 documentó su último espectáculo en clubes nocturnos, grabado en vivo en el Cafe Carlyle: The Champion Season: A Salute to Gower Champion. En el año 2000, se inspiró en una lista recopilada por Stephen Sondheim con motivo de su 70 cumpleaños, en la que incluía canciones que le hubiera gustado escribir. Creó un espectáculo basado en él, titulado Mostly Sondheim, que presentó en el Carnegie Hall, donde fue grabado para un álbum publicado por DRG en 2001. En 2003, DRG también lanzó un vídeo de Mostly Sondheim, que documentaba la temporada del espectáculo en el Kennedy Center. También en 2003, DRG publicó el álbum navideño de Cook, Count Your Blessings. 

En la víspera de Año Nuevo de 2003, a los 76 años, debutó en la Metropolitan Opera como invitada especial en la escena de la fiesta del último acto de La viuda alegre. Tradicionalmente, la Metropolitan Opera permite a estos invitados cantar su propio repertorio en estas funciones de Nochevieja, y Cook interpretó un breve repertorio que incluía "On a Clear Day You Can See Forever"; "A Wonderful Guy" de South Pacific; un popurrí de dos de sus canciones favoritas, "He Was Too Good to Me" de Rodgers & Hart y "Losing My Mind" de Sondheim ; y, sin micrófono, "We'll Be Together Again". Cantó "espléndidamente", según el crítico Anthony Tommasini de The New York Times, quien añadió: "Que su suave voz resonara con tanta autenticidad fue un testimonio de su incomparable técnica vocal y su clara dicción". 

El siguiente espectáculo unipersonal de Cook se tituló simplemente Barbara Cook's Broadway! y se presentó en el Teatro Vivian Beaumont del Lincoln Center en la primavera de 2004; DRG lo grabó para un álbum lanzado el 25 de mayo de 2004. En el espectáculo retrospectivo, cantó canciones de The Music Man, Carousel, She Loves Me y Follies, así como canciones de espectáculos en los que no había participado. En octubre de 2004, su acompañante de toda la vida, Wally Harper, falleció. Su siguiente álbum, grabado en junio de 2005 y lanzado el 6 de septiembre de 2005, se tituló apropiadamente Tribute y estuvo dedicado a Harper. El 20 de enero de 2006, regresó a la Metropolitan Opera para dar un concierto, acompañada por los invitados Audra McDonald y Josh Groban. Fue la primera vez que la ópera acogía a una cantante solista femenina no clásica en un concierto completo. DRG grabó el espectáculo, que se publicó con el título de Barbara Cook at the Met with Special Guests el 6 de junio de 2006. 

Cook regresó al Carnegie Hall para un concierto con motivo de su 85 cumpleaños en 2012, y el crítico del New York Times, Tommasini, estuvo presente una vez más para evaluar su maestría, incluso a su avanzada edad: "Hace mucho tiempo, la Sra. Cook comprendió lo que realmente importa al cantar: transmitir las letras como si te estuviera confiando algo, moldear las frases melódicas para lograr una expresión conmovedora, infundir en su voz dolor, felicidad, descaro, amargura o lo que el momento requiera". En agosto de 2017, Barbara Cook falleció a los 89 años en su casa de Manhattan. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Losing My Mind, del musical Follies, con letra y música de Stephen Sondheim y libreto de James Goldman. 

The Big Bopper

Jiles Perry Richardson Jr., más conocido como The Big Bopper, nació en Sabine Pass, Texas, Estados Unidos, el 24 de octubre de 1930, y murió en Clear Lake, Iowa, Estados Unidos, el 3 de febrero de 1959. Cantante, compositor, guitarrista y disc-jockey. 

El sitio www.tshaonline.org publicó este recordatorio firmado por Alan Lee Haworth. 

El gran Bopper: Vida, música y legado de Jiles Perry Richardson, Jr. 

Por: Alan Lee Haworth 

Jiles P. Richardson, conocido como The Big Bopper, consiguió su primer éxito con "Chantilly Lace" en 1958 y se ganó un lugar trágico en la historia del rock and roll el "día en que murió la música", cuando falleció en un accidente aéreo junto a Buddy Holly y Ritchie Valens el 3 de febrero de 1959. Cortesía de los archivos de SugarHill Studios. 

Richardson, Jiles Perry [Big Bopper] (1930-1959). Jiles Perry Richardson, Jr., conocido como The Big Bopper, disc jockey, compositor y cantante, nació el 24 de octubre de 1930 en Sabine Pass, Texas. Era hijo de Jiles Perry Richardson, Sr. y Elsie (Stalsby) Richardson. Solía usar las iniciales JP y, brevemente, el apodo de Jape, antes de adoptar el seudónimo de "The Big Bopper" tanto en la radio como en sus grabaciones. Es famoso por su éxito "Chantilly Lace", que alcanzó el número 6 en las listas de éxitos en 1958, y por haber fallecido en un accidente aéreo junto a Ritchie Valens y Buddy Holly. 

Su familia se mudó a Beaumont cuando él era muy pequeño. En la preparatoria de Beaumont, cantaba en el coro y también jugaba en el equipo de fútbol americano. Se graduó en 1947 y se matriculó en Lamar College. Siendo aún adolescente, Richardson empezó a trabajar como locutor de radio en KTRM en Beaumont, y pronto dejó la universidad para dedicarse a ello a tiempo completo. Con el tiempo, llegó a ser director de programación sin dejar de trabajar como locutor. Su carismática personalidad en antena (un marcado contraste con la timidez natural de Richardson) lo convirtió en un locutor muy popular en la zona del Triángulo Dorado. 

Richardson se vio influenciado desde joven por cantantes de country, pero pronto se adentró en el mundo del rock and roll. En 1958 viajó a los estudios Gold Star de Houston para grabar canciones para D Records, el sello de Pappy Daily. Richardson grabó su canción cómica, "Purple People Eater Meets the Witch Doctor", como la cara A de un sencillo con la esperanza de aprovechar la popularidad de otras canciones cómicas lanzadas recientemente. Para la cara B grabó "Chantilly Lace", que, según se cuenta, compuso de forma espontánea en el asiento trasero del coche mientras se dirigía a la sesión de grabación. Durante la grabación, también adoptó formalmente su apodo "The Big Bopper" como su personaje musical. 

Inesperadamente, la cara B del disco, "Chantilly Lace", rápidamente captó la atención de los programadores de radio y del público, y Daily la lanzó en su sello D y posteriormente la cedió a Mercury Records para su distribución nacional. "Chantilly Lace" se convirtió en un gran éxito y finalmente alcanzó el disco de oro y el multiplatino, siendo uno de los primeros éxitos en la historia del rock and roll. Fue, con diferencia, el disco más famoso del sello D de Daily. Las canciones de las sesiones de Gold Star conformaron el único álbum de Richardson, Chantilly Lace. 

Luego lanzó "Caperucita Roja" y "La boda de Big Bopper", que también fueron éxitos, pero no del mismo calibre que "Chantilly Lace". La canción de Richardson, "White Lightning", se convirtió en el primer número 1 para George Jones en 1959. Más tarde ese mismo año, su canción "Running Bear" se convirtió en un éxito número 1 para su compatriota texano Johnny Preston. 

Bopper escribió alrededor de treinta y ocho canciones a lo largo de su vida y grabó veintiuna de ellas. La mayoría de sus grabaciones se clasificaron como canciones novedosas que no alcanzaron popularidad duradera. Su atractivo residía principalmente en sus extravagantes actuaciones en el escenario. Vestía chaquetas a cuadros y trajes zoot, y usaba un teléfono de utilería durante "Chantilly Lace" para hablar con su novia. En 1958 también realizó un video pionero para la exitosa canción y más tarde acuñó el término "video musical" para la producción. Para mantener su imagen de showman, no usaba su anillo de bodas en público y, en general, mantuvo en secreto su matrimonio con Adrianne "Teetsie" Fryou (con quien se casó el 18 de abril de 1952) para sus fans. La pareja tuvo dos hijos. 

Con su recién adquirida fama, Richardson renunció a su puesto de disc jockey en KTRM en Beaumont para dedicarse a la música a tiempo completo a partir de noviembre de 1958. En esta faceta, apareció en los programas de pop más importantes del momento y fue contratado para la gira "Winter Dance Party" con Buddy Holly y Ritchie Valens. El 2 de febrero de 1959, Richardson, Holly y Valens dieron un concierto en el Surf Ballroom de Clear Lake, Iowa. Tenían previsto tocar en Dakota del Norte al día siguiente. Tras el concierto, Holly y Valens alquilaron un avión para descansar antes de que llegaran sus bandas. Richardson, que tenía gripe, debía viajar en autobús, pero en el último momento intercambió su lugar con Waylon Jennings, miembro de la banda de Holly. El avión se estrelló poco después del despegue, alrededor de la 1:00 de la madrugada, en el condado de Mason, Iowa, causando la muerte del piloto y de los tres músicos. A Richardson le sobrevivieron su esposa, una hija y un hijo. Fue enterrado en el cementerio de Beaumont. 

A finales de la década de 1980, la Sociedad Histórica de Port Arthur encargó al escultor Donald Clark la creación de un monumento en memoria de los músicos. La obra se exhibió inicialmente en un concierto benéfico de los Fabulous Thunderbirds el 3 de febrero de 1989, treinta años después del accidente. The Big Bopper es miembro del Salón de la Fama del Rockabilly y se le rinde homenaje en el Salón de la Fama de la Música del Museo de la Costa del Golfo en Port Arthur. En 2004, ingresó en el Salón de la Fama de la Música Country de Texas. Al año siguiente, la Comisión Histórica de Texas erigió una placa en su honor. Sus restos fueron inhumados junto a los de su esposa en el cementerio Forest Lawn de Beaumont en 2007. En 2008, ingresó en el Salón de la Fama de la Radio de Texas. Su hijo Jay tuvo una exitosa carrera musical y se presentó como The Big Bopper, Jr. Falleció el 21 de agosto de 2013. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Chantilly Lace.   

Joseph Migneret. Director de escuela. Justo entre las Naciones.

Joseph Migneret nació en Fretigney-et-Velloreille, Francia, el 24 de octubre de 1888, y murió en Beaujeu, Francia, el 18 de junio de 1949. Director de escuela. Justo entre las Naciones.  

El sitio wwv.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Joseph Migneret 

Francia 

Joseph Migneret era el director de una escuela primaria pública situada en la Rue Hospitalières St. Gervais, en el corazón del barrio de Le Marais en París. Éste, conocido como el "Pletzl" en el periodo de entreguerras, era el barrio judío en el que se habían asentado muchos inmigrantes de Europa oriental. 

Durante la masiva redada realizada contra los judíos de París el 16 y 17 de julio de 1942 muchos de los que habitaban en Le Marais fueron arrestados. Migneret, viendo como sus alumnos presentes y pasados eran sacados de sus casas, recluidos en condiciones deplorables y encerrados en campos antes de su deportación, se dedicó a salvar a tantos judíos como fuese posible. Se unió a una red de resistencia y comenzó a suministrar documentos falsos a judíos escapados y a esconder a otros. Sarah Traube, que había asistido a la escuela de Migneret, estuvo escondida durante dos años en su domicilio. Shlomo Fisher, otro alumno, fue ocultado por el director hasta que fue posible encontrarle un refugio seguro. Otros recibieron papeles falsificados que les permitieron llegar al sur de Francia. Otro alumno, Joseph Schulman, de 14 años, que había resultado gravemente herido durante un intento de huida de un tren destinado a Auschwitz y estaba internado bajo supervisión policial, recibió ayuda de Migneret, que lo visitaba y trató de obtener su libertad. 

El 28 de marzo de 1990 Yad Vashem reconoció a Joseph Migneret como Justo de las Naciones. 

Mike Harding

Mike Harding nació en Crumpsall, Mánchester, Reino Unido, el 23 de octubre de 1944. Cantante, compositor, comediante, escritor y locutor de radio. Toca guitarra acústica, armónica, banjo, mandolina, concertina, ukelele, piano, y tin whistle. 

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Steven McDonald. 

Mike Harding nació en 1944 en Lancashire, Inglaterra. Su padre, miembro de la tripulación de un bombardero de la Real Fuerza Aérea, falleció pocas semanas antes de su nacimiento, un suceso que Harding inmortalizó en "Bomber's Moon", una de sus pocas obras serias. De adulto, desempeñó diversos trabajos, hasta que finalmente se licenció en educación, manteniéndose con actuaciones en clubes de música folk. También tocó en varias bandas locales de Manchester, aunque sus únicas grabaciones durante la década de 1960 fueron un par de canciones folk para el sello Topic. Su sentido del humor se manifestaba en sus conciertos, y al principio solía contar chistes entre canciones, adoptando con el tiempo la narración de historias a medida que mejoraba su técnica. Si bien mantuvo sus vínculos con la música folk, se centró en el desarrollo de un personaje mancuniano directo y sin rodeos, que expresaba a través de una hábil mezcla de comedia desternillante, narración experta basada en su propia experiencia vital y canciones desternillantes. 

Lanzó su primer álbum, A Lancashire Lad, en 1972. Mrs 'Ardin's Kid le siguió en 1974. En 1975, el lanzamiento del sencillo "The Rochdale Cowboy" lo catapultó a una mayor atención pública y lo colocó en el mismo tipo de circuito de giras que artistas como Billy Connolly. El carácter franco y la apariencia afable de Harding tuvieron mucho éxito, al igual que su material, que proporcionó una especie de refugio seguro para los oyentes que sentían que los límites se extendían cada vez más: Harding podía ser atrevido a veces, pero siempre con un guiño y sin el menor atisbo de provocación. One Man Show llegó en 1976 para brindar a los fans un excelente documento de un típico concierto de Harding, notable en parte porque el humor a menudo hacía reír a Harding. 

Old Four-Eyes Is Back (un título que Elton John había pensado usar para un álbum, hasta que las amenazas de los abogados de Frank Sinatra acabaron con la idea; Harding, al parecer, no se dio cuenta) mantuvo el nivel en 1977, mientras que el lanzamiento en 1978 de Captain Paralytic and the Brown Ale Cowboys se considera generalmente el punto álgido de la carrera de Harding durante un tiempo, con Christmas 1914 (1977) y Bombers' Moon (1984) ofreciendo una visión de una faceta diferente y más seria. Otro álbum serio, Plutonium Alley, se publicó en 1986, pero Harding volvió entonces a la comedia, aunque con un toque satírico. Su producción discográfica original cesó en 1994, aunque se han producido algunas reediciones de material posterior. Harding también ha desarrollado una extensa carrera como dramaturgo y novelista, y es reconocido además por sus obras de no ficción sobre diversos temas, incluyendo las apariciones del Hombre Verde en la cantería medieval y otros lugares. Desde 2001, presenta un programa semanal de música folk en la radio BBC y continúa ofreciendo conciertos en vivo siempre que le es posible. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Me And Grandads Mates.  

Johan Hendrik Weidner. Justo entre las Naciones.

Johan Hendrik Weidner nació en Bruselas, Bélgica, el 22 de octubre de 1912, y murió en Monterey Park, California, Estados Unidos, el 21 de mayo de 1994. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.raoulwallenberg.net publicó este recordatorio. 

Johan Hendrik Weidner – Un rescatador holandés 

Un ángel holandés 

15 DE OCTUBRE DE 2020 

Esta es la historia de Johan Hendrik Weidner, quien nació hace 108 años, en octubre de 1912, en Bruselas, de padres holandeses. Era el mayor de cuatro hermanos. Su padre era pastor de la Iglesia Adventista del Séptimo Día. 

Cuando Johan era niño, su familia se mudó a Collonges, Francia, donde su padre ejercía como pastor. Johan creció allí y, tras asistir a escuelas públicas francesas, se graduó del seminario adventista del séptimo día en Collonges y cursó estudios universitarios de Derecho y Administración de Empresas en París y Ginebra. 

Tras obtener su título académico en 1935, fundó un negocio textil en París y abrió una tienda en Collonges. La ciudad estaba cerca de la frontera suiza y a tan solo 32 kilómetros de Ginebra, donde asistió a algunas sesiones de la Sociedad de Naciones, presenciando la incompetencia de este organismo para evitar el estallido de la guerra. 

Tras la invasión alemana de Francia en mayo de 1940, se trasladó a Lyon para colaborar con la red clandestina «Países Bajos-París» (también conocida como «la Ruta Suiza»), cuyo objetivo era ayudar a judíos neerlandeses, aviadores aliados y disidentes políticos a huir a Suiza y España. Ambas rutas también se utilizaban para el tráfico de documentos falsificados que podían salvar vidas. 

Su propia oficina en Lyon servía como cuartel general de la organización clandestina «Países Bajos-París», y en su apogeo, unas 300 personas, entre hombres y mujeres, participaron en ella. La mitad fueron arrestadas y 40 asesinadas, incluida la propia hermana de Johan, Gabrielle, quien operaba desde París y era buscada activamente por la Gestapo, que incluso ofreció una cuantiosa recompensa por su captura. Murió de desnutrición en el campo de concentración de Ravensbrück. 

En total, Weidner y el grupo "Dutch-Paris" salvaron la vida de 1.080 personas, entre ellas 800 judíos holandeses y 112 pilotos aliados cuyos aviones fueron derribados y se encontraban escondidos. 

Weidner protagonizó numerosas historias de rescate. Una de ellas fue la de la familia Rosenthal. El cabeza de familia fue detenido y trasladado al campo de Châteauneuf-les-Bains. Su esposa y su pequeño hijo se encontraban sin recursos y desprotegidos. Weidner consiguió una cita urgente con un dentista para Rosenthal en un pueblo cercano, donde el paciente fue secuestrado. Rosenthal fue trasladado en autobús a Lyon, donde se reunió con su esposa e hijo y, con documentos de identidad falsificados, huyeron a Suiza. 

El 4 de mayo de 1978, Weidner fue reconocido por Yad Vashem como Justo entre las Naciones y también recibió el reconocimiento de los gobiernos de Estados Unidos, Reino Unido, Bélgica, Países Bajos y Francia por su valentía. 

En 2014, la ADL honró a este héroe holandés con el “Premio Jan Karksi a la Valentía para Cuidar de la ADL”. Al entregar este premio póstumo, Abraham Foxman, entonces Director Nacional de la ADL, destacó: 

“John Weidner dedicó toda su vida a ayudar a los demás, en el espíritu de lo que llamamos  Tikkun Olam”, dijo Abraham H. Foxman, director nacional de la ADL y sobreviviente del Holocausto, al entregar el premio. “Hasta su muerte en 1994, vivió una vida de altruismo y servicio, trabajando incansablemente para hacer del mundo un lugar mejor”. 

En una conversación telefónica que tuve con el Dr. Weidner a principios de la década de 1990, le pregunté por qué hizo lo que hizo. Noté su incomodidad al responder: «No tuve otra opción». Ciertamente, la gran mayoría de los rescatadores que entrevisté o sobre los que leí dieron la misma respuesta a esta pregunta. Este sorprendente denominador común invita a la reflexión, ya que, por supuesto, cada uno de ellos sí tuvo una opción. 

En 2018, la Fundación Internacional Raoul Wallenberg decidió rendir homenaje a este héroe holandés y encargó un sello conmemorativo israelí con su imagen. 

Este sello forma parte de la serie “Salvadores del Holocausto”. 

Guillermo IX de Aquitania y VII de Poitiers

Guillermo IX de Aquitania y VII de Poitiers, nació en Poitiers, Ducado de Aquitania, Reinado de Francia, el 22 de octubre de 1071, y murió en su ciudad, el 10 de febrero de 1126. Noble y trovador. 

El sitio www.lclcarmen1bac.wordpress.com publicó este recordatorio. 

Guillaume de Poitiers 

En los Cancioneros este trovador aparece con el nombre de Coms de Peitieus, históricamente, Guillermo, VII conde de Poitiers y IX duque de Aquitania. Gracias a su alta categoría feudal poseemos sobre él abundantes datos que nos han transmitido los cronistas de la época. 

Nació el 22 de octubre de 1071, hijo de Gui-Geoffroi (Guillermo VI y VIII) y de Audearda, hija del duque de Borgoña, matrimonio al que la Iglesia se opuso por razones de consanguinidad, lo que obligó al padre de Guillermo a hacer un viaje a Roma, en el que por lo menos consiguió que el papa Gregorio VI reconociera la legitimidad de su hijo, antes considerado bastardo. 

Guillermo perdió a su padre a los quince años y se convirtió en el rico heredero de unos dominios que en ese momento eran más extensos que los del rey de Francia, de quien era nominalmente vasallo. 

Muy joven todavía, Guillermo se casó con Ermengarda de Anjou, unión que duró muy poco, pues en 1092 esta dama aparece casada otra vez con el duque de Bretaña, aunque en vida de este último Emerganda se retiró a la abadía de Fontevrault. Dos años más tarde, nuestro trovador vuelve a casarse con Felipa, hija y heredera del conde Guilhem de Tolosa. La boda con Felipa permitió al duque de Aquitania ocupar el Tolosanés, hacia 1097, sin seria oposición, pues el titular del condado, Raimon de Sant Gil, tío de Felipa, al partir para Tierra Santa como cruzado manifestó que no regresaría a sus dominios. 

En 1112 Guillermo comenzó una relación con la vizcondesa de Châtellerault que provocó una grave querella entre Guillermo y su hijo, que se puso al lado de su madre. Hacia 1115 Felipa se retiró también a la misma abadía en la que se había refugiado Ermengarda disgustada por los amores irregulares de su marido y con ella Audearda, hija suya y del trovador. 

Poco sabemos de la citada vizcondesa, conocida como Dangerosa o Maubergeonne; en todo caso, Guillermo se envanecía de sus amoríos con ella y, al parecer, llevaba en su escudo pintado el retrato de la vizcondesa porque afirmaba que quería tener a su lado en la batalla a aquella que tenía a su lado en el lecho. 

Cuando en 1114, el obispo Pedro iba a pronunciar en la catedral de Poitiers la fórmula de excomunión, tal vez debida a esta irregularidad amorosa, Guillermo, espada en mano, lo amenazó de muerte, y ante la entereza del prelado que, a pesar de todo pronunció la fórmula y lo desafió a que lo hiriera, nuestro personaje respondió que lo odiaba hasta tal punto que no entraría en el cielo mediante la ayuda de su mano. Y cuando Girard, el legado pontificio y obispo de Angulema, lo excomulgó nuevamente por el mismo motivo, Guillermo le replicó sarcásticamente: «Antes peinarás en la frente tus cabellos que yo repudié a la vizcondesa.» El obispo era completamente calvo. 

De nuevo en sus dominios, que había gobernado durante la ausencia su esposa Felipa, Guillermo intervino activamente en diferencias y luchas entre sus vasallos y en conflictos con obispos y abadías. Tuvo que luchar contra Hughes Le Brun de Lusignan y su aliado Guillaume de Parthenay, y en una de las acciones de esta pequeña guerra fue herido en una pierna y hasta se temió por su vida. 

Cuando llegó a Occidente la noticia de la caída de Jerusalén, Guillermo de Poitiers partió hacia Tierra Santa en marzo de 1101, al mando de un contigente en el que figuraban sus principales vasallos. La expedición tuvo un fin desastroso: cayó en una emboscada en Asia Menor. Guillermo, uno de los pocos que escaparon, logró llegar a Antioquía. En Pascua de 1102 fue recibido por el rey Balduino en Jerusalén. Embarcado para Occidente, una tempestad lo obligó a regresar a Antioquía y entonces participó en el asedio de Ascalón. El 29 de octubre de 1102 estaba de regreso en Poitiers. 

En 1113 volvió a ocupar el condado de Tolosa, al que aspiraba Alfons Jordan, hijo de Raimon de Sant Gil, ayudado este por los grandes vasallos del Languedoc, y las armas le fueron adversas y perdió la herencia de su esposa Felipa. 

Cuando, tras la conquista de Zaragoza, los musulmanes españoles emprendieron una seria campaña contra Aragón, el rey Alfonso el Batallador logró el auxilio militar de un cuerpo de seiscientos caballeros mandados por el duque de Aquitania, a quien había sido levantada la excomunión en 1117 y acudía a esta empresa como cruzado. Consta que participó en la victoria de Cutanda y que condicionó la inmediata reconquista de Calatayud y de Daroca. 

De vuelta a sus dominios, Guillermo de Peitieu murió, seguramente en Poitiers, el 10 de febrero de 1126, y fue enterrado en la abadía de San Juan Evangelista de Montierneuf. 

Los historiadores contemporáneos o ligeramente posteriores ofrecen epigramáticos retratos de Guillermo de Peitieu: «enemigo de todo pudor y de toda santidad», «vehemente amador de mujeres», «fatuo y lúbrico y que se revolcaba en el fango». Pero no dejan de señalar su gracia, sus bromas y lo divertido que resultaba su trato, ni de atribuirle «recitales» que provocaban grandes carcajadas. Y hasta nos informan de que componía canciones en versos rítmicos, pues cuenta Orderico Vital que, al regresar de Tierra Santa «cantó en versos rítmicos las miserias de su cautiverio, con alegre melodía, ante reyes y grandes barones cristianos». 

La obra 

La obra conservada de Guillermo de Poitiers se reduce a once poemas que se suele distribuir en tres grupos: 

Poemas sensuales 

Piezas en las que el trovador se dirige a sus companho, compañeros o jóvenes caballeros de su mesnada, y en las que expone temas chistosos, divertidos o francamente obscenos al hablar de sus amores con sus amigas. 

Farai un vers de dreit nien: 

non er de mi ni d'autra gen, 

non er d'amor ni de joven, 

ni de ren au, 

qu'enans fo trobatz en durmen 

sus un chivau.  

 

Non sai en qual hora.m fui natz, 

no soi alegres ni iratz, 

no soi estranhs ni soi privatz, 

ni no.n puesc au, 

qu'enaisi fui de nueitz fadatz 

sobr'un pueg au. 

 

No sai cora.m sui endormitz, 

ni cora.m veill, s'om no m'o ditz; 

per pauc no m'es lo cor partitz 

d'un dol corau; 

e no m'o pretz una fromitz, 

per Saint Marsau! 

 

Malautz soi e cre mi morir, 

e re no sai mas quan n'aug dir. 

Metge querrai al mieu albir, 

e no.m sai tau; 

bos metges er, si.m pot guerir, 

mor non, si amau. 

 

Amigu'ai ieu, non sai qui s'es: 

c'anc no la vi, si m'aiut fes; 

ni.m fes que m plassa ni que.m pes, 

ni mo m'en cau: 

c'anc non ac norman nin franses 

dins mon ostau 

-- 

Haré un verso sobre absolutamente nada 

no será sobre mí ni sobre otra gente, 

no será de amor ni de juventud, 

ni de nada más, 

sino que fue trovado durmiendo 

sobre un caballo. 

 

No sé en qué hora nací, 

no estoy alegre ni triste, 

no soy arisco ni soy sociable, 

ni puedo ser de otro modo, 

porque fui hechizado una noche 

sobre una alta montaña. 

 

No sé cuándo estoy dormido 

ni cuando velo, si no me lo dicen, 

por poco se me quiebra el corazón 

por un cordial dolor 

y ello no me importa una hormiga 

¡por san Marcial! 

 

Estoy enfermo y temo morirme 

y solo sé lo que oigo decir. 

Buscare médico a mi capricho, 

y no sé de ninguno así; 

será buen médico, si puede curarme 

pero no si empeoro. 

 

Tengo amiga, no sé quién es, 

pues nunca la vi, a fe mía, 

no hizo nada que me gustase ni me pesase 

y no me importa 

porque nunca hubo normando ni francés 

dentro de mi casa.  

Poemas «tiernos»  

Son poemas corteses en los que aparece el vasallaje amoroso y en las que el trovador canta a la domna. 

Leamos ahora una típica canción cortesana, Ab la dolchor del temps novel, en la que no se advierte ningún rastro de ironía, aunque sí la expresión desenfadada, familiar y optimista de los dos últimos versos. 

Ab la dolchor del temps novel 

foillo li bosc, e li auchel 

chanton, chascus en lor lati, 

segon lo vers del novel chan; 

adonc esta ben c'om s'aisi 

d'acho don hom a plus talan. 

 

De lai don plus m'es bon e bel 

non vei mesager ni sagel, 

per que mos cors non dorm ni ri, 

ni no m'aus traire adenan, 

tro que eu sacha ben de fi 

s'el es aissi com eu deman. 

 

La nostr' amor vai enaissi 

com la branca de l'albespi 

qu'esta sobre l'arbre tremblan, 

la nuoit, a la ploia ez al gel, 

tro l'endeman, que•l sols s'espan 

per la fuella vert e•l ramel. 

 

Equer me membra d'un mati 

que nos fezem de guerra fi, 

e que•m donet un don tan gran, 

sa drudari' e son anel: 

equer me lais Dieus viure tan 

c'aia mas manz soz so mantel. 

 

Qu'eu non ai soing de lor lati 

que•m parta de mon Bon Vezi, 

qu'eu sai de paraulas com van, 

ab un breu sermon que s'espel, 

que tal se van d'amor gaban, 

nos n'avem la pessa e•l coutel 

-- 

Con la dulzura del tiempo nuevo 

los bosques se llenan de hojas y los pájaros 

cantan, cada uno en su latín, 

según el verso del nuevo canto: 

Entonces conviene que cada cual 

se provea de aquello que más anhela. 

 

Del lugar que considero más bueno y bello 

no veo [llegar] mensajero ni misiva, 

por lo que mi corazón no duerme ni ríe, 

y no me atrevo a seguir adelante 

hasta que sepa bien  

si el resultado será como yo quiero. 

 

A nuestro amor le ocurre 

como a la rama del blanco espino, 

que está en el árbol temblando 

por la noche, por la lluvia y el hielo, 

hasta que al día siguiente el sol se extiende 

por las hojas verdes en el ramaje. 

 

Aún me acuerdo de una mañana 

en que dimos fin a la guerra, 

y que me otorgó una gran dádiva: 

su amor y su anillo. 

¡ojalá Dios me deje vivir 

hasta que ponga las manos bajo su manto! 

 

No me preocupa que extraño latín 

me separe de mi Buen Vecino, 

porque sé el alcance que tienen las palabras 

que se difunden en un breve discurso. 

Vayan otros envaneciéndose de su amor: 

nosotros tenemos la pieza y el cuchillo.  

Canto de Guillermo de Poitiers de despedida del mundo 

Se había creído que este poema era una «canción de penitencia» escrita por Guillermo de Poitiers en 1117, cuando le fue levantada por el papa la excomunión y se propuso emprender una peregrinación, tal vez a Santiago de Compostela. Pero J. Storost en su minucioso estudio descubrió que fue compuesta cuando, a consecuencia de una guerra local contra los señores de Lusignan y de Parthenay, Guillermo fue herido gravemente en una pierna y estuvo en peligro de morir. 

Parece ser que esta situación provocó que Guillermo compusiese este canto, de ritmo litúrgico y tono sincero, con muestras de arrepentimiento y gran preocupación por la muerte de su hijo y heredero, el futuro Guillermo X, que entonces tenía unos doce años. 

La melodía de esta composición disfrutó de cierto prestigio, ya que en el misterio provenzal de Santa Ainés, del siglo XIV, hay una serie de fragmentos líricos sobre los que se acota que deben ser cantados con melodías de canciones trovadorescas muy divulgadas, y para uno de ellos se pide que se interprete con la música del planto del conde de Poitiers. 

Pos de chantar m'es pres talenz, 

farai un vers, don sui dolenz: 

mais non serai obedienz 

en Peitau ni en Lemozi. 

 

Qu'era m'en irai en eisil; 

en gran paor, en gran peril, 

en guerra laisserai mon fil; 

faran li mal siei vezi. 

 

Lo departirs m'es aitan greus 

del seignoratge de Peiteus! 

En garda lais Folcon d'Angeus 

tota la tera son cozi. 

 

Si Folcos d'Angeus no.l socor, 

e.l reis de cui ieu tenc m'onor, 

faran li mal tut li plusor, 

felon gascon et angevi. 

 

Si ben no es savis ni pros, 

can ieu serai partitz de vos, 

vias l'auran tornat en jos, 

car lo veiran jove mesqui. 

 

Per merce prec mon compaignon: 

s'anc li fi tort, qu'il m'o perdon; 

et il prec En Jezu del tron 

en romans et en son lati. 

 

De proeza e de joi fui, 

mais ara partem ambedui; 

et ieu irai m'en a Cellui 

on tut peccador troban fi. 

 

Mout ai estat cuendes e gais 

mas Nostre Seigner no.l vol mais: 

ar non pues plus soffrir lo fais, 

tant soi aprochatz de la fi. 

 

Tot ai guerpit cant amar sueill: 

cavalaria et orgueill; 

e pos Dieu platz, tot o acueill, 

e prec li que.m reteng'am si. 

 

Toz mos amics prec a la mort 

que.i vengan tut e m'onren fort; 

qu'ieu ai agut joi e deport 

long e pres et e mon aizi 

 

Aissi guerspic joi e deport, 

e vair e gris e sembeli. 

-- 

Ya que me ha venido deseo de cantar 

haré un verso, por el que estoy doliente 

nunca más seré servidor 

en Peitieu ni en Lemosín. 

 

Pues ahora me iré al destierro; 

dejaré a mi hijo con gran temor, 

en gran peligro y en guerra; 

sus vecinos le harán daño. 

 

¡Qué duro me resulta separarme 

del señorío de Peiteus! 

Dejo a Folcón de Angiers en guardia 

de toda la tierra de su primo. 

 

Si no lo socorren Folcón de Angiers  

y el rey de quien tengo mi feudo, 

todo el mundo le causará daño: 

los viles gascones y los angevinos. 

 

Si no se muestra muy avisado y animoso, 

en cuanto me separe de vosotros, 

lo derribarán muy pronto 

al verlo mozo débil. 

 

Pido por piedad a mi compañero: 

si fui injusto con él, que me perdone 

y rece a Jesús del firmamento 

tanto en romance como en latín. 

 

Fui amigo de la bravura y de la alegría, 

pero ahora me separo de las dos  

y me encaminaré hacia Aquel 

junto al cual todos los pecadores hallan reposo 

 

He sido muy jovial y alegre, 

pero Nuestro Señor ya no lo permite más: 

ahora ya no puedo soportar más la carga, 

tan cercano estoy del fin. 

 

He renunciado a todo cuanto solía gustarme: 

caballería y orgullo; 

y, ya que place a Dios, todo lo acepto 

y le ruego que me retenga a su lado. 

 

Ruego a todos mis amigos que, a mi muerte, 

vengan todos y me honren mucho, 

pues yo he mantenido alegría y regocijo, 

cerca, lejos y en mi morada. 

 

Así, renuncio al gozo y al regocijo, 

y a los veros, al gris y al armiño.  

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Pos De Chantar M'es Pres Talenz, en la versión de Pascal Bertin, contratenor, junto a la Capella Reial de Catalunya, y el Ensamble Hespérion XXI, dirigidos por Jordi Savall.   

Genia Dunski. Miembro de la Resistencia.

Foto cortesía de Frania Dunski 

Genia Dunski nació en Sosnowiec, Polonia, en 1924, y murió en el Campo de Concentración de Auschwitz, Polonia, en agosto de 1943. Miembro de la Resistencia. 

El sitio www.es.findagrave.com publicó este recordatorio.  

"Genia Dunski nació en algún momento de 1924. Genia era judía, hija de Haime y Fajga Dunski. Aunque probablemente nunca hayas oído su nombre, su hermano lideraba un importante movimiento de resistencia en Będzin, Polonia. 

Będzin y Sosnowiec (la ciudad donde nació Genia) estaban muy cerca la una de la otra. Para 1939, ambas albergaban comunidades judías de aproximadamente 28.000 personas cada una. 

El 4 de septiembre de 1939, los nazis llegaron a Sosnowiec. Cinco días después, incendiaron la Gran Sinagoga de Będzin. Muchas casas cercanas también se incendiaron y muchos civiles perdieron la vida. Sin embargo, la familia de Genia se salvó de las llamas. 

Su hermano, Tzvi, se unió al célebre Mordechai Anielewicz, quien pasó varios meses en la zona de Zagłębie. Tzvi organizó a los jóvenes en células de resistencia y comenzó a publicar un periódico clandestino llamado "Przełom". También encabezó los esfuerzos para recopilar armas, construir búnkeres y prepararse para un levantamiento. 

Es muy probable que Genia participara en estas actividades. Independientemente de si lo hizo o no, ella y su familia pagaron las consecuencias. En febrero de 1943, su madre y su hermana menor, Sala, fueron tomadas como rehenes. Tzvi fue capturado por la Gestapo, torturado y ejecutado. 

Sala y Fajga fueron enviadas a Auschwitz. En el plazo de un mes, los padres, la hermana y el hermano de Genia habían fallecido. Solo le quedaba un familiar con vida: una hermana llamada Frania. 

Hacia agosto de 1943, Genia fue deportada a Auschwitz. Fue asesinada en una cámara de gas inmediatamente después de su llegada. Tenía apenas dieciocho o diecinueve años. 

Genia ha quedado prácticamente en el olvido. Me encantaría que otras personas publicaran algo sobre ella si así lo desean. 

Que su recuerdo sea una bendición. Recordemos los actos de heroísmo durante el Holocausto. 

Fuente: USHMM.org. Fotos cortesía de Frania Dunski. -Holocaust.angels 

Charlotte Caffey

Charlotte Irene Caffey nació en Santa Mónica, California, Estados Unidos, el 21 de octubre de 1953. Música, cantante y compositora. Toca guitarra, teclados y bajo. 

El sitio www.underappreciatedrockbands.com publicó su biografía.  

CHARLOTTE CAFFEY  

Charlotte Caffey (nacida el 21 de octubre de 1957 en Santa Mónica, California) es una guitarrista y compositora estadounidense de rock and roll, conocida principalmente por su trabajo en The Go-Go's en la década de 1980. Caffey comenzó su carrera musical como bajista en la banda punk de Los Ángeles The Eyes antes de unirse a The Go-Go's en 1978 y pasarse a la guitarra. De 1988 a 1992, lideró su propia banda, The Graces, con Meredith Brooks y Gia Ciambotti, con quienes lanzó el álbum Perfect View Caffey también coescribió el tema principal de la serie de televisión Cluelesscon Anna Waronker, y tocó el piano en la versión del álbum de "Foolish Games" de Jewel, además de coescribir el éxito country número 1 en Estados Unidos "But for the Grace of God" con Keith Urban. Caffey escribió el libreto, la música y las letras deLovelace: A Rock Musicalcon Anna Waronker.  (Más información en Wikipedia) Chris Ashford se dispuso entonces a grabar a las demás bandas que tocaban en el primer club punk, el Masque. The Eyes era una de estas bandas, con un sonido que en las notas del disco What? Stuff se describía como "pop pero con un toque duro". "Don't Talk to Me", con la voz de Charlotte Caffey, salió en el tercer lanzamiento de What Records?; la cara B tenía dos canciones: "Victims" de The Skulls y la maravillosa "Neutron Bomb" de The Controllers (que también se publicó como cara A en What 04). Otra canción de The Eyes con un ritmo igualmente cautivador también se incluye en el álbum recopilatorio, titulada "Kill Your Parents". (Quisiera decir que era una broma, ¡pero sinceramente, no estoy seguro!). Charlotte Caffey dejó The Eyes poco después para convertirse en una de las integrantes fundadoras de The Go-Go's (una de mis favoritas de todos los tiempos); era bajista en The Eyes, pero se convirtió en guitarrista principal en su nueva banda. A pesar de su reputación de chicas de al lado y su atractivo de animadoras, esta exitosa banda de rock exclusivamente femenina estaba bien arraigada en la escena punk rock de Los Ángeles: las otras dos integrantes fundadoras, la vocalista principal Belinda Carlisle y la guitarrista Jane Wiedlin, se contaban entre las coristas llamadas Blackettes que actuaban con Black Randy y The Metrosquad. (Julio de 2010) * * * Esta es una banda de punk rock de la primera ola con una formación estelar: la bajista y vocalista Charlotte Caffey más tarde fue guitarrista principal de las Go-Go's , mientras que DJ Bonebrake se convirtió en el baterista de X. Mi artículo anterior sobre los Eyes mencionaba que los miembros de las Go-Go's tenían profundas raíces en la escena punk rock de Los Ángeles, pero no sabía ni la mitad. Recientemente conseguí un LP llamado Germicide (oh, sí, todavía hacen nuevos LP, los consigo todo el tiempo) del primer concierto en vivo en junio de 1977 de los Germs (también mencioné esa banda en el artículo); su primer sencillo en  What Records?, " Forming " b/w " Sex Boy " es considerado el primer disco de punk rock que se lanzó en Los Ángeles. La mujer que presentó a la banda al comienzo del concierto era "Belinda"; y efectivamente, pude confirmar que era Belinda Carlisle, la vocalista principal de las Go-Go's. Hay algunos sencillos originales de  Eyes  en YouTube, pero el verdadero placer para mí fue una   reunión de 2007 en el Masque con una presentación en vivo de “Don't Talk to Me” (aunque las voces no son muy claras) por la formación original de la banda: Charlotte Caffey, DJ Bonebrake y Joe Ramírez: http://www.youtube.com/watch?v=A6VYFCf54AA.  Su canción más conocida, “Disneyland”, se puede escuchar en http://www.youtube.com/watch?v=hOc2Q42t3k8. (Julio de 2012) * * * 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con We Got the Beat. 

Wanda Jackson

Wanda Lavonne Jackson, más conocida como Wanda Jackson, nació en Maud, Oklahoma, Estados Unidos, el 20 de octubre de 1937. Cantante y guitarrista. 

El sitio www.pbs.org publicó esta biografía. 

Con una voz ronca y una presencia escénica dinámica, Wanda Jackson conquistó la Costa Oeste a mediados de la década de 1950. Vestida con sus característicos vestidos de movimiento sensual, interpretaba canciones enérgicas como "Mean, Mean Man" y "Fujiyama Mama", de su propia autoría, lo que llevó a un crítico a describirla como "una mujer realmente dulce, con una voz desagradable". Wanda era "rockabilly" cuando se acuñó el término, y cuando le preguntaron qué significaba, respondió: "¡La vida!". 

Wanda nació durante la Gran Depresión. Su familia abandonó Oklahoma al final de la migración de los Okies y llegó a California en 1942. Los fines de semana, sus padres la llevaban a los salones de baile locales, donde descubrió el Western Swing y los ritmos vibrantes de los Maddox Brothers y Rose. 

Me quedaba de pie junto al escenario toda la noche. Nunca tenían que preocuparse de dónde estaba; ¡estaba allí mismo, mirando hacia arriba! Y cuando vi a Rose Maddox... Ya había visto cantantes antes, pero esta... era enérgica; tocaba el bajo como un hombre. Se entregaba por completo y cantaba. Pensé: «Eso es lo que quiero hacer cuando sea mayor. ¡Quiero vestirme así y estar en un escenario!». 

“Wanda no era como los demás niños después de que la guitarra llegara a su vida”, les contó su madre a los historiadores Mary Bufwack y Robert Oermann. “Nuestro problema nunca fue lograr que practicara; era lograr que dejara de hacerlo”. A los trece años, Jackson tenía su propio programa de radio de música country y, mientras aún estaba en la escuela secundaria, lanzó una serie de discos. Al graduarse, firmó con Capitol Records, en parte gracias al fuerte respaldo de la estrella del country Hank Thompson. Durante una gira de 1955-1956 con Elvis Presley, la superestrella emergente convenció a Jackson de probar suerte en el rockabilly. Con la ayuda del virtuoso guitarrista Joe Maphis y un joven Buck Owens, pronto estaba arrasando en los escenarios de todo el país, con su padre como acompañante y representante. La madre de Jackson, costurera de profesión, confeccionaba todos sus vestidos de escenario: ajustados vestidos de tubo sostenidos por finos tirantes de espagueti con pedrería y adornados con flecos cortos de seda. Ese fleco sigue siendo el sello distintivo de Wanda. “Yo nunca me movía mucho”, recuerda, “¡pero mi vestido sí!”. 

El sencillo de Jackson de 1960, "Let's Have a Party", fue su primer éxito en el Top 40, seguido de los LP Rockin' with Wanda y There's a Party Goin' On y sus álbumes "divididos": country en una cara y rockabilly en la otra. Salió de gira con una de las primeras bandas integradas, incluyendo a "Big Al" Dowling al piano. Durante un concierto en Butte, Montana, el dueño del club le dijo a Wanda que Al tendría que irse. "Y yo dije: 'Bueno, señor, si él no puede quedarse en el escenario, yo tampoco'", recuerda. Su banda de gira también le brindó una plataforma inicial al guitarrista principal Roy Clark, prácticamente desconocido en ese momento. 

Hoy en día, Jackson es recordada como la "Reina del Rockabilly". Tras seis décadas en la industria —incluyendo éxitos en el rockabilly, el country comercial y el gospel— su papel pionero para las mujeres en la música country ha sido celebrado en películas, libros, numerosos sitios web y exposiciones. En 2009, ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el mismo año en que colaboró con el productor Jack White para grabar " The Party Ain't Over". Tres años después, lanzó su trigésimo primer álbum de estudio, "Unfinished Business", producido por el cantautor de música americana Justin Townes Earle. 

Nacida: 20 de octubre de 1937, Maud, Oklahoma 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Hard Headed Woman y Thunder On The Mountain.