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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Renaldo Benson, más conocido como Obie Benson, nació en Detroit, Michigan, Estados Unidos, el 14 de junio de 1936, y murió en su ciudad, el 1 de julio de 2005. Cantante y compositor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Obie Benson fue la pieza clave de los Four Tops durante la dilatada trayectoria del legendario grupo de Motown, cantando el bajo y coreografiando sus impecables rutinas de baile. Su voz, que se escuchaba con brillantez junto al vocalista principal Levi Stubbs en clásicos como "Reach out, I'll Be There" y "Standing in the Shadows of Love", también fue un aclamado compositor por derecho propio, siendo el autor más famoso del emblemático tema de Marvin Gaye, "What's Goin' On".
Renaldo Benson nació en Detroit el 14 de junio de 1936 y se inició cantando doo wop y gospel junto a su compañero de instituto Lawrence Payton. En 1954, conocieron a Stubbs y Abdul "Duke" Fakir en una fiesta, poco después de formar The Four Alms. Tras ganar popularidad en un concurso de talentos local, el cuarteto cambió su nombre a The Four Tops en 1956 para evitar confusiones con los Ames Brothers. Sus primeros sencillos para Chess, Columbia y otros sellos no tuvieron éxito, y el grupo pasó casi una década en el circuito de clubes de jazz de Nueva York, actuando como teloneros del baladista Billy Eckstein y la Count Basie Orchestra. Mientras interpretaban un arreglo de jazz del clásico "In the Still of the Night" en el programa The Tonight Show de la NBC en 1963, The Four Tops captaron la atención del dueño de Motown Records, Berry Gordy Jr., quien inmediatamente les ofreció un contrato. El álbum Breaking Through, con influencias de jazz, apareció bajo el sello Workshop de Motown, pero no tuvo éxito. Mientras decidía qué rumbo tomar la carrera del grupo, Gordy los asignó a sesiones de acompañamiento encabezadas por las Supremes y otras estrellas de Motown.
Cuando se unieron al trío de compositores y productores Eddie y Brian Holland y Lamont Dozier, los Four Tops encontraron su ritmo, literal y figuradamente. Con los enérgicos solos de Stubbs envueltos en impresionantes armonías ancladas por Benson, el cuarteto alcanzó el éxito en las listas por primera vez con la conmovedora "Baby, I Need Your Lovin'" de 1964 y en los años siguientes encadenaron una serie de discos clásicos de soul que incluyen además "Bernadette", "Can't Help Myself (Sugar Pie, Honey Bunch)" y "It's the Same Old Song". Los Four Tops realizaron extensas giras por su país, Europa y Asia, siendo reconocidos por las impecables rutinas de baile ideadas por Benson.
Durante una parada en San Francisco, presenció un ataque policial contra un grupo de hippies, una experiencia que le resultó tan perturbadora que, al regresar a Detroit, se reunió con el compositor y productor de Motown, Al Cleveland, para componer "What's Goin' On", una crítica mordaz de la vida en una América dividida por la guerra de Vietnam. Sus compañeros de The Tops rechazaron la canción, considerándola poco más que una canción de protesta, y Benson intentó en vano interesar a Joan Baez. Finalmente, Gaye se decidió por "What's Goin' On", que se convirtió en el tema principal de su obra maestra de 1971 y que hoy se considera uno de los mejores sencillos pop de todos los tiempos.
Mientras tanto, los Four Tops abandonaron Motown en 1972 tras el traslado del sello discográfico a Los Ángeles. Nunca volvieron a alcanzar el mismo nivel de éxito creativo o comercial, llegando por última vez a las listas de éxitos pop de Billboard con el álbum Indestructible de 1988. Sin embargo, el grupo siguió siendo una atracción popular en directo, con su formación original intacta hasta la muerte de Payton en 1997; Benson continuó actuando como miembro de los Four Tops hasta poco antes de su propia muerte por cáncer de pulmón el 1 de julio de 2005.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Walk Away Renee y What's Going On, cantado por Marvin Gaye.
María del Olvido Gara Jova, más conocida como Alaska, nació en Ciudad de México, México, el 13 de junio de 1963. Cantante, guitarrista, actriz, compositora, presentadora de televisión, empresaria, escritora, productora y DJ.
(Olvido Gara Jova; México D.F., 1963) Cantante española de origen mexicano. Figura fundamental de la llamada movida madrileña, su inquieta trayectoria la llevó a fundar y en ocasiones liderar una serie de exitosos grupos musicales (Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Dinarama, Fangoria) que figuran entre lo más granado de la historia reciente del pop español.
El primero de ellos, Kaka de Luxe, se originó en un colectivo punk al que pertenecían Alaska (que a los diez años se había trasladado a Madrid con su familia) y Fernando Márquez "El Zurdo". Ambos fueron el núcleo de una iniciativa a la que se adherirían Enrique Sierra (voz), Nacho Canut (bajo), Carlos García Berlanga (guitarra), Manolo Campoamor (voz), y, algo más tarde, Pablo Martínez (batería)
Alaska
Su primera actuación en directo tuvo lugar en noviembre de 1977 en el pub People, en el barrio madrileño de Argüelles. Publicaron su primer disco en junio de 1978, poco después de participar en el Villa de Madrid, famoso concurso organizado por el ayuntamiento de la capital; llegaron a la final y quedaron segundos, ante la sorpresa de todos los presentes, que esperaban que se llevaran el primer premio. Diversos factores fueron desintegrando el grupo, que daría sus últimos conciertos en julio el mismo año, aunque no se disolvieron oficialmente hasta noviembre de 1978.
Kaka de Luxe fue el detonante de una original y gloriosa eclosión de bandas que tuvo lugar en el marco de la movida: comenzó en Madrid y se extendió con rapidez a todo el país en el comienzo de la década de los ochenta. El panorama musical de aquella época en España incluía rock duro, restos del rock de los setenta en sus facetas más decadentes y música disco; el punk fue el revulsivo que rompió el tedio de final de los setenta. Kaka de Luxe fue un grupo punk en sus formas, si bien su música no llegaba al punk clásico de The Ramones o los Sex Pistols, y navegaba en un terreno algo más pop. Esto, unido al estilo gracioso de las letras, hizo que ese puñado de canciones que compusieron se convirtieran casi instantáneamente en clásicos.
Tras su separación, los miembros de Kaka de Luxe se dispersaron por diversos grupos: Radio Futura, Paraíso, La Mode y Alaska y los Pegamoides. Este último reunió a Alaska, Carlos Berlanga y Nacho Canut, un trío que en aquel momento tenía grandes ideas, pero todavía pocos conocimientos musicales. Pronto se les unieron Ana Curra, teclista, y Eduardo Benavente, batería.
Alaska y los Pegamoides irrumpió en el panorama musical español con una estética pop, patente en temas como Horror en el hipermercado, Quiero ser un bote de Colón y sobre todo Otra dimensión, una de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos. Esos singles fueron editados por Hispavox, que los había contratado en 1980. Entretanto, la imagen de Alaska adquiría mayor proyección al interpretar a una sádica cantante de punk en el primer filme de Pedro Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), acaso el mejor retrato de aquellos años de la movida madrileña.
El álbum de debut de Alaska y los Pegamoides, Grandes Éxitos, llegó en 1982, y no contenía ninguna de las canciones conocidas previamente en single, sino otras como Bailando, La tribu de las chochoni o Llegando hasta el final. Después de editar su primer álbum, Alaska y los Pegamoides se deshizo. Ana Curra y Eduardo Benavente formaron el grupo Parálisis Permanente, de breve presencia en el panorama musical español debido al trágico accidente de circulación que acabó con la vida de Benavente, en mayo de 1983.
Dinarama surgió inicialmente como proyecto en solitario de Carlos Berlanga y Nacho Canut. Sin embargo, en poco tiempo aceptaron de nuevo ser comandados por la voz y la imagen de Alaska. En ese momento pasan a llamarse Dinarama + Alaska, para figurar finalmente como Alaska y Dinarama. Canciones profanas (1983) fue el primer elepé del grupo y probablemente el mejor. Contenía un buen número de canciones de enorme gancho comercial; del álbum se llegaron a extraer hasta cuatro singles, entre los que destacó especialmente Perlas ensangrentadas, todo un clásico del pop español de los primeros ochenta.
Un año más después aparecía su segundo disco, Deseo carnal, en el que Alaska y Dinarama abundaba nuevamente en el pop algo sofisticado, pero claramente comercial de su debut. El disco se convirtió en un rotundo éxito. No es pecado (1986) apenas ofreció sustanciales novedades, lo que sí ocurrió con Fan Fatal (1989), un disco en el que se apreciaba ya la divergencia entre el pop elegante y de corte clásico de Carlos Berlanga y las frivolidades para la pista de baile de las que gustan Alaska y Nacho Canut.
Fan fatal (1989)
Alaska y Nacho formarían finalmente su propio grupo, Fangoria. Sin dejar de tener una base pop, la nueva propuesta se orientaba hacia un sonido electrónico más experimental. Para su primer álbum, Salto mortal (1990), contaron con la colaboración de destacados artistas. Salto mortal gustó, pero también sorprendió y causó cierto estupor; se trataba de un disco de música tecno difícil de asimilar por el público masivo.
Tras ello, Alaska y Nacho crearon su propio sello, Metal Sonic Disco, y alquilaron una casa en Madrid donde instalaron un estudio de grabación, Vulcano (nombre del planeta de origen de Mr. Spock, personaje de Star Trek); una subdivisión de videojuegos, Bleep; otra de videoclips, Vídeo Inferno; y crearon el Club Fan Fatal, concebido no como un club de fans al uso, sino como un medio para intercambiar ideas entre personas con gustos parecidos. El Club también editaba regularmente un fanzine con toda la particular mitología de Fangoria.
El siguiente trabajo de Fangoria fue Un día cualquiera en Vulcano 1.0, primera entrega de una serie de tres mini-álbumes. En el disco se incluyeron los singles Sálvame y El dinero no es nuestro Dios; Big Toxic y los propios Fangoria se encargaron de hacer las remezclas. Paralelamente, los incansables Alaska y Nacho llevaban a cabo otras actividades. Entre 1990 y 1997 dirigieron la discoteca Stella, con la filosofía de hacer un club para bailar que fuera distinto cada día. Entre 1992 y 1998 dirigieron también Morocco, sala de conciertos y de música lounge, que abrió sus puertas en Madrid y en Buenos Aires.
El segundo capítulo vulcaniano, Un día cualquiera en Vulcano 2.0, se publicó en 1993, y el tercero, en 1995. En 1996 publicaron A la felicidad por la electrónica, con remezclas del 3.0 realizadas por Vanguard, Big Toxic y Culture Kultur y con Luis Paniagua tocando el sitar. Pero Fangoria se quedó sin sello para distribuir su obra, y Alaska y Nacho empezaron a trabajar de discjockey. En la temporada 94-95 trasladaron el estudio Vulcano a Londres, pero poco después lo cerraron. Lo mismo ocurrió con todas las subdivisiones de su pequeño emporio. Sólo subsistió el Club Fan Fatal, que cada año editaba discos con versiones de variados grupos y artistas.
Nacho Canut y Alaska en la portada de Una temporada en el infierno (1999)
En 1999 publicaron el celebrado Una temporada en el infierno, producido por Carlos Jean y mejor disco del año para casi toda la crítica especializada. De él se extrajo como single Electricistas, una canción-himno con visos de convertirse en todo un clásico. Tras el éxito de Una temporada en el infierno, el matrimonio artístico que forman Alaska y Nacho Canut volvió a ponerse manos a la obra para editar en 2001 Naturaleza muerta, un nuevo trabajo con doce canciones cortas y bailables, montadas "para simular el efecto de una pastilla: empieza suave, va subiendo y baja". A finales de 2002, Fangoria lanzó al mercado su álbum Hombres y, en abril de 2004, Arquitectura efímera.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con No puedo quitar mis ojos de ti, cantando a dúo con Raphael.
Peter Granville Farndon, conocido como Pete Farndon, nació en Hereford, Reino Unido, el 12 de junio de 1952, y murió en Londres, Reino Unido, el 14 de abril de 1983. Bajista y guitarrista.
El sitio de Facebook Los muertos del rock, publicó este recordatorio.
Pete Farndon nació en Reino Unido en 1952. Fue bajista y miembro fundador del grupo de rock The Pretenders. Además de tocar el bajo, añadía coros e intervino en la composición de dos de las canciones del grupo –«The Wait» y «Space Invader»–.
Farndon se unió a los Pretenders a principios de 1978 y fue el primer miembro de la formación de 1978-82 en ser reclutado por Chrissie Hynde. Luego Farndon reclutó al guitarrista principal James Honeyman-Scott.
Hynde reconoció más tarde que dos canciones de los Pretenders, "Biker" y "Samurai", tenían "referencias a un personaje tipo Pete Farndon". Como intérprete, Hynde recordaba que "Pete era fantástico: no era un gran músico, pero tenía mucho corazón, como en el boxeo, podía ganar la pelea sólo con el corazón. Y tenía una gran energía”.
A principios de 1982, el consumo de drogas de Farndon estaba provocando relaciones tensas con sus compañeros de banda. El guitarrista James Honeyman-Scott amenazó con dejar la banda si no se despedía a Farndon. El 14 de junio de 1982, el director de la banda, Dave Hill, por orden de Hynde, despidió a Farndon. Dos días después del despido de Farndon, Honeyman-Scott fue encontrado muerto de insuficiencia cardíaca causada por una sobredosis de cocaína. Tras cuatro años de carrera de The Pretenders, Hynde y el baterista Martin Chambers eran los únicos miembros originales que quedaban.
Después de su despido de los Pretenders, Farndon trabajó con el ex baterista de The Clash, el guitarrista Henry Padovani, el organista Mick Gallagher y el vocalista Steve Allen (antes de Deaf School) en una banda que llamaron Samurai.
El 14 de abril de 1983, a los 30 años, Farndon fue encontrado por su mujer ahogado en la bañera de su casa de Londres, tras haber perdido el conocimiento por una sobredosis de heroína.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Wait.
Joseph Di Nicola, más conocido como Joey Dee, nació en Passaic, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de junio de 1940. Cantante, compositor, saxofonista y actor.
Joey Dee and the Starliters (también conocidos como Joey Dee and the Starlighters ) es un grupo de música popular estadounidense. El grupo es más conocido por su grabación millonaria "Peppermint Twist" (1961). La formación más destacada del grupo es considerada Joey Dee, David Brigati, Larry Vernieri (voz), Carlton Lattimore (órgano), Sam Taylor (guitarra) y Willie Davis (batería). Jimi Hendrix y Joe Pesci tocaron la guitarra con el grupo en diferentes momentos en la década de 1960.
Primeros sencillos
Con el vocalista principal Rogers Freeman, el primer sencillo de Joey Dee and the Starliters fue "Lorraine", con "The Girl I Walk To School" en la cara B, en 1958, distribuido por la compañía Little. Ese mismo año, Joey Dee reclutó a David Brigati para el grupo tras conocerlo durante un concierto en la escuela secundaria Garfield en Nueva Jersey. David y Joey compartirían posteriormente las voces principales de los Starliters, y Joey se convertiría finalmente en el vocalista principal. Otro de los primeros sencillos del grupo fue "Face of an Angel", con David como vocalista principal, lanzado por Scepter Records; la cara B era "Shimmy Baby". Posteriormente, la compañía Scepter también lanzó un álbum titulado The Peppermint Twisters, acreditado a "Joey Dee and the Starlighters".
Los años sesenta
En 1960, el agente Don Davis descubrió a los Starliters mientras actuaban en el club nocturno Oliveri's de Lodi, Nueva Jersey. El grupo fue contratado para tocar en el Peppermint Lounge, un local íntimo en la calle 45 de Nueva York, en lo que se suponía que sería una actuación única de fin de semana. Durante su primera presentación en el club, la actriz Merle Oberon y el príncipe Serge Oblinski bailaron allí gran parte de la noche, según informaron a la mañana siguiente los columnistas Earl Wilson y Cholly Knickerbocker. La noche siguiente, se necesitaron barricadas y policía montada para contener a la multitud, que llegaba hasta Broadway, y durante varios meses, la locura continuó en el Lounge. Celebridades como Judy Garland, John Wayne, Jackie Kennedy, Nat "King" Cole, Shirley MacLaine, Tennessee Williams, Truman Capote y Liberace siguieron apareciendo por el local. Dee y compañía fueron tal sensación que se convirtieron en la banda residente del Peppermint Lounge durante más de un año. Dee escribió "Peppermint Twist", junto con el productor Henry Glover, como un homenaje al salón y la canción alcanzó el número uno en las listas de éxitos de EE. UU. a principios de 1962. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. Para entonces, el equipo había firmado un contrato con Roulette Records.
Dee en 1962
En 1961, Joey Dee y los Starliters filmaron la película Hey, Let's Twist, protagonizada por Jo Ann Campbell y Teddy Randazzo, para Paramount Pictures. Hey, Let's Twist era una historia ficticia de Joey Dee (Randazzo y Dino DiLuca interpretaron los papeles del hermano y el padre de Joey, respectivamente) y el Peppermint Lounge; su lanzamiento capitalizó la moda del twist del momento y convirtió al Lounge, antes desconocido, en famoso. La película y el álbum de la banda sonora contribuyeron a que el Peppermint Lounge se convirtiera en un local de fama mundial. Los sencillos exitosos que surgieron de Hey, Let's Twist fueron la canción que da título al álbum y "Shout, Part I", que se convirtió en el segundo disco más vendido del grupo, alcanzando el número seis en la lista de éxitos de Estados Unidos. También vendió un millón de copias, lo que le dio al grupo su segundo disco de oro. Otros álbumes publicados durante este tiempo fueron Doin' The Twist at the Peppermint Lounge, que fue grabado en vivo en el local, y All The World's Twistin' With Joey Dee & the Starliters (1961).
En 1962, Joey Dee y los Starliters protagonizaron su segunda película, Two Tickets to Paris, junto con Gary Crosby, Jeri Lynne Fraser y Kay Medford. Una de las canciones de esta película, "What Kind Of Love Is This", escrita por Johnny Nash, fue lanzada en septiembre de ese año y alcanzó el Top Twenty. En diciembre de 1962, los Starliters originales hicieron su última sesión de grabación como grupo, produciendo "Help Me Pick Up the Pieces", también compuesta por Nash, y "Baby, You're Driving Me Crazy", escrita por Joey Dee y Henry Glover. En 1963, Joey Dee grabó un álbum titulado Dance, Dance, Dance, con las Ronettes como su grupo de acompañamiento. Durante la primavera de ese año, Roulette lanzó la canción "Hot Pastrami with Mashed Potatoes", del álbum en vivo previamente publicado, como un sencillo de dos partes; el disco llegó al Top Forty de EE. UU. Roulette lanzó más tarde "Ya Ya" y "Fannie Mae" del mismo álbum. También en 1963, el exeditor de Mersey Beat, Bill Harry, cita en las notas de la carátula del CD de 2004, The Early Tapes Of The Beatles, que el grupo fue la banda de acompañamiento en la canción Ruby Baby de Tony Sheridan, aunque esto no ha sido verificado por ningún miembro. La canción ha sido ampliamente reeditada en varias versiones de las grabaciones de los Beatles en Hamburgo. Durante octubre y noviembre de 1963, los Starliters giraron por Europa, ofreciendo una noche extraordinaria en Estocolmo con los Beatles (que ya eran la banda más grande del norte de Europa) como teloneros. En 1964, Joey Dee salió de gira con varios Starliters, incluidos los futuros Young Rascals Gene Cornish, Felix Cavaliere y el hermano de David, Eddie Brigati.
Jimi Hendrix y Joe Pesci tocaron la guitarra con el grupo en diferentes momentos en la década de 1960.
Historia posterior
Dee continuó grabando y publicando grabaciones en solitario desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 1970, incluyendo una canción que escribió con los miembros originales de Starliters, David Brigati y Larry Vernieri, titulada "How Can I Forget", que fue lanzada bajo el nombre de Joey Dee and the New Starliters.
En 2001, el grupo apareció en un programa especial de PBS, Rock, Rhythm and Doo-Wop, y en 2005 participaron en el teletón de Jerry Lewis para la distrofia muscular.
En 2009, Joey Dee and the Starliters estaba formado por Dee, quien a veces actuaba con Bobby Valli (hermano de Frankie Valli) y el miembro original de Starliters, David Brigati, y otras veces con los miembros originales de Soul Survivors, Charlie y Richie Ingui. Los tres cantantes lideraban el grupo interpretando sus propios éxitos, así como versiones de otros artistas. El hijo de Joey, Ronnie DiNicola, solía tocar el saxofón y hacer los coros para su padre.
Dee ha residido durante mucho tiempo en el condado de Pinellas, en Florida.
El 19 de septiembre de 2010, se dedicó una esquina de una calle en honor a la banda en su ciudad natal de Passaic, Nueva Jersey. La firma de la calle tuvo lugar en la esquina de Washington Place y Columbia Ave.
En 2021, Joey Dee publicó su autobiografía, titulada Peppermint Twist Chronicles: My True Story of Sex, Rock n' Roll, Jimi Hendrix, Fighting Racism, and the Mob (Crónicas de Peppermint Twist: Mi verdadera historia de sexo, rock n' roll, Jimi Hendrix, la lucha contra el racismo y la mafia). Las memorias de Dee fueron coescritas por J. Kevin Morris.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Peppermint Twist.
Kelley Deal, hermana gemela de Kim Deal, nació en Dayton, Ohio, Estados Unidos, el 10 de junio de 1961. Cantante y compositora. Toca bajo, guitarra y violín.
Kelley Deal, guitarrista de The Breeders: "Nunca fuimos las hermanas menores de los Pixies"
La banda viene a Chile a conmemorar los 20 años de su disco más célebre, <I>Last splash</I>. </P>
Por La Tercera 24 JULIO 2013
Hace 20 años, Kelley Deal vivía en una casa flotante en las orillas de Sausalito, un barrio pudiente de San Francisco. "Era más barato vivir en barcos", recuerda al teléfono, "y a la vez surreal". En tierra firme, en los estudios Record Plant -donde Fleetwood Mac hizo Rumors- se mezclaba el disco Last splash, el álbum más importante de su banda The Breeders y del cual se extrajo el hit Cannonball. Fueron un par de semanas flotando, hasta que emergió el disco con que su grupo se graduó como uno de los más importantes de los años 90, con más de un millón de copias vendidas en su primer año. Un álbum que, como muchas otras bandas de esa época, motivó la reunión de sus miembros originales y que hoy tiene a The Breeders girando por el mundo, con parada en Chile para este sábado, para tocar Last splash de principio a fin.
Dos décadas atrás, estaban de gira con Nirvana. ¿Cuán distintos eran esos días?
Nirvana era la banda más grande del mundo y se notaba. No creo que eso vuelva a pasar. Hoy tienes a Lady Gaga, Justin Bieber o lo que sea, pero nunca más habrá una banda tan grande. Soy feliz de haber formado parte de eso.
Tenían un hit como Cannonball que liberó a The Breeders de ser "el otro grupo de Kim Deal". ¿Cómo toman distancia hoy, de Pixies?
Como The Breeders se volvió en algo tan grande como Pixies, nunca fuimos "los hermanas chicas". Quizás en Sudamérica, pero nunca lo sentimos así. Siempre me ha interesado mostrar una banda de chicas haciendo rock.
Tuvo que aprender a tocar guitarra cuando su hermana la invitó a unirse, en 1992. ¿Cómo cambió su relación con la música?
Bueno, ahora sé tocar. Pero debo decir que tocaba con Kim desde que éramos chicas. Fue muy fuerte renunciar a mi trabajo (analista de sistemas), porque me gustaba. Tenía un grado de seguridad que me permitía acceder a documentos secretos, era cool. Me lancé, nada más.
Y la caída fue dura: en 1994 entró a rehabilitación por drogas.
Es que no fue la música o salir de gira lo que me hizo alcohólica o adicta a las drogas. Eso partió antes, cuando era chica. Fui yo. Sí, creo que la música te da algunas horas en el día para recuperarte, que te permite reventarte todos los días, así que probablemente activó mi hábito. De no haber renunciado a mi trabajo, probablemente habrían sido años de descenso silencioso, sin tocar fondo. Honestamente, es algo que agradezco.
Hace pocas semanas se conoció que Kim Deal ya era parte de Pixies. ¿Cómo lo resolvieron?
No nos afecta. Hemos lidiado con estos quiebres desde los 90. Somos hermanas, siempre vamos a tocar música juntas. Los Pixies sacaron este anuncio hace poco, pero nos había comentado esta noticia en diciembre pasado, así que no nos tomó por sorpresa. Hace meses que los Pixies están separados.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Canyon.
Foto: Al Pereira/Michael Ochs Archives/Getty Images
Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul, nació en Waukesha, Wisconsin, Estados Unidos, el 9 de junio de 1915, y murió en Nueva York, White Plains, Estados Unidos, el 13 de agosto de 2009. Guitarrista.
Les Paul fue músico y uno de los pioneros de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido.
Actualizado: 30 de noviembre de 2021, 14:27 EST
(1915-2009)
¿Quién fue Les Paul?
Les Paul diseñó una guitarra eléctrica de cuerpo sólido en 1941, pero para cuando Gibson la tuvo lista para su producción en 1952, Leo Fender ya había fabricado en masa la Fender Broadcaster cuatro años antes, adelantándose así a Paul en el reconocimiento popular por la invención. No obstante, la Les Paul se ganó una legión de seguidores, y su versatilidad y equilibrio la convirtieron en la guitarra favorita de muchos guitarristas de rock.
Primeros años
Les Paul nació como Lester William Polsfuss el 9 de junio de 1915 en Waukesha, Wisconsin. Según al menos un testimonio, la habilidad musical de Paul en sus inicios no era excepcional. "Tu hijo, Lester, nunca aprenderá música", escribió un profesor a su madre. Pero nadie pudo disuadirlo de intentarlo, y de niño aprendió a tocar la armónica, la guitarra y el banjo por su cuenta.
En su adolescencia, Paul tocaba en grupos de música country por todo el Medio Oeste. También actuaba en directo en emisoras de radio de San Luis, donde se hacía llamar Rhubarb Red.
Además del interés de Paul por tocar instrumentos, le apasionaba modificarlos. A los nueve años construyó su primera radio de cristal. A los diez, fabricó un soporte para armónica con una percha, y más tarde construyó su propia guitarra amplificada.
No conforme con ser solo un músico de country, Paul desarrolló un interés por el jazz y, a mediados de la década de 1930, se mudó a Chicago y formó el Trío Les Paul. Formó su primer trío y aprendió jazz en el South Side de Chicago mientras tocaba música country durante el día en las emisoras de radio de la ciudad. Para la década de 1940, Paul se había consolidado en el mundo del jazz, grabando con estrellas como Nat King Cole, Rudy Vallee y Kate Smith.
La nueva guitarra eléctrica
En 1941, el perfeccionista Paul creía que podía mejorar la guitarra amplificada común. Para ello, le añadió cuerdas y dos pastillas a lo que era esencialmente una tabla de madera con un mástil de guitarra. Paul la llamó "el tronco" y, aunque recibió algunas críticas iniciales, principalmente por su aspecto, producía justo el tipo de sonido que su creador buscaba.
"Podías salir a comer, volver y la nota seguiría sonando", describió más tarde.
Fue la primera guitarra de cuerpo sólido y revolucionó la música de maneras increíbles. En la década de 1960, el mundo del rock la acogió con entusiasmo y la adoró. Para entonces, Paul se había asociado con el fabricante de guitarras Gibson, que lo contrató para diseñar una Les Paul. Paul se había acercado a Gibson en 1941, pero pasaron 10 años, y la presentación de la guitarra de cuerpo sólido de Leo Fender para Gibson, para que la compañía desarrollara lo que hoy se conoce como la Gibson Les Paul.
Músicos como Keith Richards, Eric Clapton y Paul McCartney usaron esta guitarra. Desde su debut en 1952, la Gibson Les Paul ha sido una de las guitarras más populares y vendidas.
La dedicación de Paul a la música era tal que en 1948 un accidente automovilístico le provocó una fractura en el codo derecho. Ante la perspectiva de que los médicos le colocaran el brazo en una posición que le impediría volver a moverlo, Paul, siempre pendiente de su carrera, pidió que se lo colocaran en un ligero ángulo para poder seguir tocando la guitarra.
Artista discográfico revolucionario
La influencia de Paul en el mundo de la música se extendió mucho más allá de la guitarra. Animado por Bing Crosby, con quien había actuado y grabado, Paul construyó un estudio de grabación en el garaje de su casa en Los Ángeles en 1945.
Allí, Paul experimentó con diversas técnicas de grabación. Su gran éxito llegó en 1948 con la grabación de la canción "Lover", que utilizó varias pistas y le permitió introducir sus nuevas técnicas de grabación. Poco después, Paul ya creaba grabaciones de 24 pistas y producía éxitos como "How High the Moon" y "The World Is Waiting for Sunrise".
Estatus de estrella
Tras divorciarse de su primera esposa, Virginia Webb, Paul conoció a Colleen Summers, una cantante que había tocado con la banda de Gene Autry. Paul le cambió el nombre a Mary Ford y comenzó a grabar con ella. Se casaron en 1949 y, durante gran parte de la década de 1950, ambos tuvieron su propio programa de televisión, Les Paul and Mary Ford at Home.
Además, la pareja cosechó más de tres docenas de éxitos juntos, todos ellos utilizando las técnicas de grabación que Paul había creado en su estudio.
En sus últimos años, la reputación y la leyenda de Paul en la industria musical no hicieron más que crecer. Su último álbum grabado, American Made, World Played, se lanzó en 2005 y contó con la participación de artistas como Keith Richards, Jeff Beck, Sting y Eric Clapton. Paul ganó dos premios Grammy por este álbum.
Entre sus numerosos galardones, Les Paul es la única persona que ha sido incluida tanto en el Salón de la Fama del Rock and Roll como en el Salón de la Fama de los Inventores Nacionales.
Muerte
Según la revista Rolling Stone, Paul falleció el 12 de agosto de 2009 a causa de complicaciones derivadas de una neumonía. Otras fuentes indican el 13 de agosto como la fecha de su muerte, pero su monumento conmemorativo en Waukesha, Wisconsin, señala el 12 de agosto como la fecha oficial. Paul fue sepultado en el cementerio Prairie Home junto a su madre.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con How High The Moon cantada por Mary Ford.
Alida Margaretha Bosshardt nació en Utrecht, Países Bajos, el 8 de junio de 1913, y murió en Ámsterdam, Países Bajos, el 25 de junio de 2007. Oficial del Ejército de Salvación. Justa entre las Naciones.
El sitio de Facebook La Fraternidad Internacional de Cristianos y Judíos publicó este recordatorio.
Héroes del Holocausto | Alida Bosshardt
Alida Bosshardt, cristiana neerlandesa y miembro del Ejército de Salvación, dio refugio y cuidó a muchos niños judíos durante el Holocausto.
Nacida en una familia cristiana en Utrecht, Países Bajos, Alida Bosshardt demostró ser independiente y de carácter fuerte desde muy joven. Siendo aún adolescente, se unió al Ejército de Salvación.
Alida comenzó a cuidar a niños de familias desestructuradas en el barrio judío de Ámsterdam. Para 1941, cuatro de los niños a los que cuidaba eran las hermanas judías Terhorst: Hendrina, Helena, Dimphina y Roosje. Casi al mismo tiempo, los nazis comenzaron a perseguir a los judíos neerlandeses, ilegalizando al Ejército de Salvación y confiscando sus propiedades y fondos. Sin embargo, la casa que Alida dirigía continuó acogiendo niños, aunque como residencia privada.
Muchas familias judías comenzaron a llevar a sus bebés con Alida, confiando en que ella encontraría lugares donde esconderlos. Alida lo hizo, incluso paseando a los pequeños por Ámsterdam en bicicleta.
Sin embargo, poco después, los nazis clausuraron la casa de Alida. Llevándose consigo a tantos niños como pudo, Alida encontró un nuevo apartamento y continuó cuidando de sus amados hijos judíos. Durante la mudanza, les quitó las estrellas de David amarillas, obligatorias por los nazis, de la ropa de los niños, explicando: «Nosotros no hacemos este tipo de cosas».
Después de que su nuevo hogar quedara casi destruido por una bomba perdida, Alida y los niños se mudaron. Cuando estas mudanzas se hicieron más frecuentes, ella buscaba escondites para los niños.
Como tantos otros durante este oscuro capítulo de la historia, Alida fue traicionada y arrestada por los alemanes. Pero mientras estaba detenida en la sede de la Gestapo, escapó. Conscientes del peligro que corría, sus superiores le ordenaron que se escondiera. Ella obedeció, pero tan pronto como pasó la amenaza inmediata, esta heroína del Holocausto volvió a rescatar y cuidar de niños judíos. Lo hizo hasta el final de la guerra y mantuvo el contacto con los niños que había salvado durante décadas, incluso ya nonagenaria. En 2004, Yad Vashem reconoció a Alida Bosshardt como Justa entre las Naciones.
Hilario Camacho Velilla nació en Madrid, España, el 8 de junio de 1948, y murió en su ciudad, el 16 de agosto de 2006. Cantautor, guitarrista, arreglador y actor.
El sitio www.lafonoteca.net publicó este recordatorio firmado por Rafa García-Purriños.
Un señor bajito que cuando canta mide más de mil metros
«Nací el 8 de junio de 1948 en el barrio madrileño de Chamberí. A los trece años tuve mis primeras gafas, a los catorce conseguí mi primera guitarra y a eso de los quince compuse mi primera canción, se llamaba ‘Pilar’ como una chica que me gustaba«. Así comienza el autorretrato escrito por Hilario Camacho para su página web.
Hilario Camacho es uno de los personajes esenciales en la historia de la música española, particularmente en los años 70 y 80, un cantautor que se distingue de sus compañeros de generación, ya que, además del mensaje, del fondo, daba una gran importancia a la forma, a la música. Dotado de una magnifica voz, que cuidaba y educaba con mimo, era, además, un guitarrista notable y un músico inquieto, capaz de asimilar cualquier tipo de música que le llamase la atención, incorporándola en sus composiciones y arreglos y dotándola de una personalidad propia. Así, entre sus influencias podemos encontrar a cantautores americanos, desde Bob Dylan a James Taylor, junto a otros británicos, como Cat Stevens, pero también músicos como Carlos Santana. De esta forma, junto a las canciones acústicas y desnudas propias de los cantautores de su generación, podemos encontrar en sus composiciones ecos de música pop, rumba y flamenco, blues, funk, música latina, desde la salsa y el bolero a la samba o el jazz y, en sus letras, lo mismo poemas que elegía por su musicalidad y adaptaba libremente según las necesidades de la canción, que letras introspectivas, sobre el amor y el compromiso personal, y hasta canciones en las que la voz se limita a un “tarareo”, en las que no era sino un instrumento más.
Sus comienzos en la música tienen lugar de una forma amateur, en sus años de universidad, donde comenzó sus estudios el año 1965. Allí comienza a poner música a poemas de Machado, Miguel Hernández, García Lorca o Nicolás Guillén, entre otros.
Su primera aparición en un disco se produciría con “Ensayo Nº 2” (Edumsa, 1968), un recopilatorio editado por el pequeño sello universitario Edumsa, donde incluía dos versiones de poemas de Nicolás Guillén. Las dos canciones fueron, además, editadas como single por el mismo sello: “El Son del Desahucio / El Fusilamiento” (Edumsa, 1968).
Por esa época, Hilario Camacho forma parte de una asociación musical denominada Canción del Pueblo, con Elisa Serna y Cachas, entre otros, una agrupación políticamente comprometida y decidida a dar un nuevo sentido a la canción de autor, que se estrena con un concierto celebrado el 22 de Noviembre de 1967 en el Instituto Ramiro de Maeztu. Este colectivo de cantautores, muy diferentes entre sí y con visiones muy distintas de la música, se iría disgregando poco a poco hasta que, sin un motivo aparente, se disuelve en el verano de 1968, momento en el que, los pocos músicos que iban quedando, entre los que se encuentra el propio Hilario Camacho, forman una nueva asociación: La Trágala, que viene a hacer lo mismo que venía haciendo Canción del Pueblo, ofrecer recitales, normalmente sin previo aviso, para que no pudieran ser prohibidos, en centros obreros, colegios mayores, facultades, o parroquias de barrio, de forma clandestina.
Con una inequívoca postura de lucha contra la dictadura, y una ideología política que nunca ocultó, y que era más bien anárquica, partiendo de una idea del compromiso como algo personal, y enemigo de las etiquetas, le gustaba desligar lo artístico de lo político, como el mismo expresó en una entrevista, años después: «Siempre me rebelé contra esto del compromiso, contra lo de ir a algún sitio anticipado por el carné de no sé qué. Una opción que entraña riesgos: ahí están los momentos de soledad que he vivido«.
Así, Hilario Camacho no se encuentra del todo cómodo en esa forma de entender la música y el compromiso, y comienza a componer otro tipo de canciones, menos políticas, aunque no por ello menos comprometidas: se ocupa de temas más cotidianos, del agobio del día a día, del compromiso personal y la mirada interior, aunque nunca dejará de lado su faceta de poner música a poemas. En un principio, además, Hilario no compone las letras de sus canciones, trabajando con distintos letristas, amigos como Francisco Escalada, Moncho Alpuente o Antonio Gómez.
En 1971 entra a grabar el que sería su primer disco grande, titulado “A Pesar de Todo” (Compañía Fonográfica Española, 1972), y producido por el afamado Alain Milhaud, productor de éxito en los 70 con grupos como Los Bravos y los Canarios, entre otros. En él se encuentran canciones como “Ven aquí” o “Los cuatro luceros”, que, sobre todo esta última, le dieron una cierta repercusión.
Al entrar a grabar el disco, Hilario Camacho se plantea entonces la música como profesión, buscando su propia manera de entender la canción de autor, cuidando el sonido y los arreglos de una forma especial, que le lleva a electrificar su música, y trabajar con distintos músicos, más allá del típico cantautor de voz y guitarra española o acústica, abriendo multitud de caminos y convirtiéndose en una gran influencia para cantautores y grupos, no sólo de su generación, sino también de los que vendrían detrás.
Tras editar este disco, pasarían tres años hasta la publicación del siguiente, tiempo que Hilario Camacho aprovecha para dedicarse a escuchar y estudiar música, a componer canciones (empezará entonces ya a componer también algunas de las letras), así como a otras actividades, realizando sus primeras colaboraciones en el cine, componiendo parte de la música y apareciendo como actor en «Autopsia» (1973), de Juan Logar, y colaborando asimismo en “Manuela” (1975), de Gonzalo García Pelayo.
Por fin, en 1975 se edita su segundo disco, “De Paso” (Movieplay, 1975), un gran disco en el que Hilario Camacho pone en práctica todos esos sonidos que había estado escuchando y aprendiendo, experimentando con la psicodelia, el pop, el folk anglosajón y hasta el rock progresivo, y en el que destaca, por su repercusión, una canción: “Volar es para los pájaros”, una de esas canciones que no faltan en cualquier recopilatorio de cantautores españoles o de las canciones que se escuchaban en la transición a la democracia.
Su obra en los años 70 se completaría con otro gran trabajo, “La Estrella del Alba” (Movieplay, 1977), un disco en el que se abre a otros sonidos, más jazz y más latinos, como la salsa o la samba, y en el que es patente la influencia de músicos como Carlos Santana, y que alcanzó también cierta repercusión.
Hilario Camacho, una persona tímida, nunca fue muy amigo de los focos y de la fama, por lo que, en las épocas de mayor éxito, éste nunca se llegaba a consolidar ya que se las arreglaba para desaparecer, y esta sería una de esas ocasiones. El resto de los años 70, pues, lo pasaría, de nuevo, aprendiendo y experimentando nuevos sonidos, viajando, creando canciones y participando en actividades diversas, como la composición para otros autores, como Pablo Guerrero o María del Mar Bonet, o la producción del disco de Joaquín Sabina, “Malas Compañías”, (CBS, 1980) en el que, además, compondría los arreglos y participaría tocando y cantando en muchas de las canciones.
Hasta que, ya en 1981, publicaría uno de sus discos más famosos y celebrados, “La Mirada del Espejo” (Movieplay, 1981), en el que incide en las mismas influencias (jazz, salsa, blues), aunque con un mayor acercamiento a sonidos pop, y en el que se encuentran varias de sus canciones más conocidas, como “Final de viaje” o “Madrid amanece”.
A este disco le seguiría otro de sus prolongados silencios, desapareciendo de la primera línea y aprovechando el tiempo, de nuevo, para trabajar con otros autores, componiendo para su amigo Moncho Alpuente, para Joaquín Sabina, y participando en un disco de José Antonio Labordeta, “Aguantando el Temporal” (Movieplay,1985), y apareciendo en la película “Lola” (1985), de Bigas Luna.
En esta época continúa su colaboración con Joaquín Sabina, componiendo canciones como “Whisky sin soda”, “Negra noche” o “Taxi”, estas dos últimas incluidas en su siguiente disco, “Subir, Subir” (Movieplay, 1986), que da un paso más en una línea más popera, y en una temática más urbana.
Este mismo año alcanzaría su mayor momento de popularidad, de la mano del tema ‘Tristeza de amor’, compuesto para la serie de televisión española del mismo título, que protagonizaban Alfredo Landa y Concha Cuetos. Dicha canción se incluye en el disco “Gran Ciudad” (Twins, 1998) junto con otras como “Un extraño en Madrid”.
De cualquier forma, el final de los años 80 no es buen momento para cantautores, que han sido sustituidos en las listas por los grupos de pop. Es la llamada Edad de Oro del Pop Español, en la que Hilario Camacho continúa componiendo para artistas como Martirio, Luz Casal o Cómplices, y realizando encargos para televisión, como la recordada “Soy un gnomo”, sintonía de la serie de dibujos animados David el Gnomo.
Los años 90 comenzaron con la publicación de un disco, “El Mercader del Tiempo” (Pasión, 1990), donde recogía el trabajo de los cuatro años que había pasado sin publicar, y desaparece una larga temporada del mercado discográfico, salvo recopilatorios como “Lo Esencial” (Movieplay, 1991) o reediciones como “Tristeza de Amor” (Movieplay, 1994), que recogía en compacto su disco “Gran Ciudad”, con algún tema nuevo y una nueva portada, además del cambio de título. También seguiría dando conciertos con regularidad, y componiendo para otros artistas, hasta que, a finales de esta década, al calor de la resurrección del interés por los cantautores que se produjo en España, firma un contrato con Warner y edita un sensacional recopilatorio en directo acústico, en el que ofrecía nuevas versiones de sus temas clásicos, y un par de canciones nuevas, con el título de “En Concierto” (Warner, 1997).
A este disco le sigue “Lunático Veneno” (Warner, 1998), que marca el fin de su etapa con Warner, y que tuvo una repercusión mucho menor, a pesar ser un buen disco y de la colaboración de músicos como Los Secretos.
A partir de entonces, Hilario Camacho pasa una época dando conciertos y componiendo para bandas sonoras de obras de teatro, entre otras cosas, y hasta el año 2003 no entra de nuevo a grabar un nuevo disco, “No Cambies por Nada” (Kainos, 2003), en el que colabora Kiko Veneno y que, por desgracia, contó con una distribución escasa y una repercusión casi nula.
El 16 de agosto de 2006, cuando tenía 58 años y estaba a punto de salir a la calle su disco, “Una Mirada Diferente” (Factoría Autor, 2006), Hilario Camacho fue hallado muerto en su casa. Dejó, decían las noticias, una carta en la que denunciaba que el mundo de la música está lleno de estafadores. Sus compañeros y amigos le despidieron, poco después, con un homenaje que, con el título de “¡Va por ti, Hilario!”, se celebró en el teatro Lope de Vega de Madrid el 23 de octubre de 2006, que era la fecha prevista para la presentación del citado disco.
Nos dejaba uno de los músicos y cantautores con mayor talento e influencia de todos cuantos han publicado discos en España, una persona y un músico dotado de una sensibilidad especial, que era, como él mismo dijo «un señor bajito que cuando canta mide más de mil metros«. Y así será siempre.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Tristeza de amor.
La comunidad judía de Valencia dejó una profunda huella desde la Edad Media, marcada por persecuciones y expulsión. Hoy, su legado sefardí sigue vivo en la memoria histórica, la cultura y la actual vida comunitaria valenciana.
Juan Luis Guerra Seijas nació en Santo Domingo, República Dominicana, el 7 de junio de 1957. Cantautor, guitarrista, arreglador, productor musical y empresario.
Juan Luis Guerra, músico, cantautor, productor y uno de los artistas dominicanos más reconocidos y premiados alrededor del mundo.
Desde temprana edad mostró un especial interés por la música y por la guitarra. Reafirmada su vocación decide estudiar en el Conservatorio Nacional de Música de Santo Domingo y luego irse a Berklee College of Music en Boston, universidad que le otorgó un Doctorado Honoris Causa años más tarde. También realizó estudios de filosofía y letras en la Universidad Autónoma de Santo Domingo.
Finalizados sus estudios, regresa a la República Dominicana, en donde graba su primer álbum, “Soplando” (1984) con un grupo de músicos y vocalistas locales que más tarde se conocería como Juan Luis Guerra y 440. Juan Luis describe su primera producción como “una fusión de merengue tradicional con jazz unido a una vocalización al estilo del grupo vocal estadounidense Manhattan Transfer.” Los cantantes de aquel grupo naciente fueron Maridalia Hernández, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazán, quien se mantiene actualmente como parte de la agrupación musical.
En 1989 produce su álbum “Ojalá que Llueva Café”, una creación de contenido social y romántico que representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, al obtener ventas de relevancia y colocarse en el primer puesto de muchos países de América Latina, siendo los temas más promocionados el que da título al disco, además de “Visa para un Sueño” y la canción folklórica venezolana “Woman del Callao.”
El 11 de diciembre de 1990 presentó su siguiente álbum, “Bachata Rosa,” su primero editado en CD, reconocido como el más exitoso de su carrera desde el punto de vista comercial, vendiendo hasta ese entonces más de nueve millones de copias, lo que le mereció a Juan Luis su primer GRAMMY. En este álbum encumbrado en la historia de la canción y ritmo populares, Guerra dio a conocer al resto del mundo el ritmo de la bachata, cuya difusión hasta entonces estaba limitada a ciertos espacios del territorio dominicano.
Areíto (1992) su siguiente producción, contiene temas que como “El Costo de la Vida” manifiesta las pobres condiciones de vida de muchos dominicanos y latinoamericanos tocando su sensibilidad y generando una creciente identificación con sus canciones. En dicho álbum, Guerra, además de temas contestatarios - como “Si de Aquí Saliera Petróleo” (con la participación del panameño Rubén Blades)- experimenta con músicos de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para producir el sentimental tema “Cuando Te Beso” en dos versiones.
Su siguiente álbum, “Fogaraté” (1994), tuvo como punta de lanza el tema “La Cosquillita”, rescatando el merengue rápido folklórico conocido en República Dominicana como “perico ripiao”. Además, fusionó el merengue con el soukous de Sudáfrica en temas como “Fogaraté” y “El beso de la ciguatera”, compartiendo en el álbum con el guitarrista del Congo, Diblo Dibalá.
En 1995 sale a la venta la compilación “Grandes Éxitos”, generando más de siete millones de ventas alrededor del mundo.
Después de cuatro años de silencio discográfico, Guerra presenta el disco “Ni Es Lo Mismo Ni Es Igual” (1998) con el cual obtuvo en el año 2000 tres premios en la primera emisión del Latin GRAMMY. Con este álbum Juan Luis colocó consecutivamente los temas “Mi PC” y “Palomita Blanca” en el lugar #1 de la lista Hot Latin Tracks de Billboard. No obstante, fue “El Niágara en Bicicleta” el tema más popular del mismo.
El 31 de agosto de 2004, Guerra lanzó su primer álbum en seis años bajo el título “Para ti”, único álbum de corte totalmente cristiano. Con este, el artista ganó dos Premios Billboard 2005, en las categorías de Gospel- Pop y Merengue Tropical, por el éxito “Las Avispas”, logrando por primera vez que una canción gane estas dos categorías.
En enero de 2006, Juan Luis Guerra se presentó en el 60 aniversario de Berklee, junto con otros artistas como Paul Simon, Herbie Hancock, Michel Camilo y Chiara Civello.
Este mismo año fue invitado por Sting a cantar con él en su concierto de Altos de Chavón, La Romana en la República Dominicana.
2007 fue un año de gran relevancia para la trayectoria de su carrera. Edita el álbum “La Llave De Mi Corazón”, posiblemente el más reconocido luego de “Bachata Rosa” el cual lleva a Guerra a ganar más de 20 premios, incluyendo un GRAMMY, cinco Latin GRAMMY, seis premios Casandra, cuatro premios Billboard y dos Premio Lo Nuestro que le otorgó el premio a la Trayectoria Artística, entre otros.
Un punto relevante en este momento fue el reconocimiento de La Academia Latina de La Grabación nombrándolo Persona del Año, por su valuable contribución a la música Latina y su excelente trayectoria musical.
El 16 de marzo de 2008, participa en el concierto “Paz Sin Fronteras” organizado por Juanes en la frontera colombiana de la mano de artistas como Alejandro Sanz, Ricardo Montaner, Carlos Vives, Miguel Bosé, entre otros.
El 11 de abril de 2008, Juan Luis Guerra fue el gran ganador de los Premios Billboard con siete nominaciones y tres premios. El 15 de septiembre 2008 Guerra fue nombrado “Artista de la UNESCO para la Paz”.
El 14 de febrero de 2009, llega por nueva vez al Estadio Olímpico “Félix Sánchez” de Santo Domingo, el estadio más grande del país donde realizó un concierto completamente agotado para más de 60.000 personas.
El 9 de mayo de 2009 recibe un doctorado honorífico de Berklee College of Music por sus logros, influencias en la música y sus contribuciones a la cultura dominicana. Fue agasajado junto a Smokey Robinson, Linda Rondstandt y George Massenberg.
El 18 de abril del 2010, Juan Luis Guerra organizó el concierto benéfico “Un Canto de Esperanza por Haití” con motivo del terremoto que devastó dicho país, logrando reunir en un mismo escenario a Alejandro Sanz, Juanes, Enrique Iglesias, Luis Fonsi, Jhonny Ventura, Milly Quezada y Maridalia Hernández. El propósito de este evento fue la construcción de un hospital infantil, el cual será entregado a principios de 2015. Dicho concierto fue coordinado por la Fundación Sur Futuro entidad encargada de manejar los fondos y la supervisión de la construcción de la obra.
El 8 de junio de 2010, lanza al mercado el álbum “A son de Guerra”. El disco contiene éxitos como “La Guagua,” “La Calle” junto a Juanes, y “Bachata en Fukuoka,” primer sencillo de esta nueva producción, el cual se colocó en la posición #1 en las listas Hot Latin Tracks, Tropical Songs y Latin Pop Airplay Songs de Billboard.
Esta producción lo lleva a una exitosa gira por el mundo, la cual incluyó su paso por Australia, África y gran parte de Europa, destacándose por su presentación “sold out” en el legendario Royal Albert Hall en Londres, Inglaterra, considerado uno de los teatros más emblemáticos del mundo.
En enero de 2012, se estrena en YouTube el video de su nuevo sencillo “En El Cielo No Hay Hospital”, de contenido cristiano. Dicha canción pertenecía a la nueva producción musical del dominicano “Colección Cristiana.”
Este mismo año produce para Juanes el disco “Juanes MTV Unplugged” obteniendo un GRAMMY como productor de dicho álbum.
Para el 16 de abril del 2013 lanza su primer disco doble en vivo “A Son de Guerra Tour” DVD y CD, extraído del concierto del mismo nombre realizado en Santo Domingo, República Dominicana, ante más de 50,000 personas, debutando en la primera posición de ventas digitales en más de 16 países de manera simultánea.
Su primer sencillo extraído, “Frío Frío”, cuenta con la participación de Romeo Santos, convirtiéndose automáticamente en un éxito radial en los principales mercados latinos. El éxito de este DVD regresa a Juan Luis Guerra 4.40 a los escenarios del mundo, entre ellos nuevamente por República Dominicana en Punta Cana, con un exitoso concierto a casa llena, compartiendo escenario con Alejandro Sanz.
A través de su exitosa carrera ha colaborado con artistas como Tony Bennet, Alejandro Sanz, Luis Fonsi, Milly Quezada, Enrique Iglesias, Emmanuel, Juanes, Miguel Bosé, Maná, Diego Torres, Ricardo Montaner, Nelly Furtado, entre otros.
En el 2014, precedido por el lanzamiento de su primer sencillo “Tus Besos,” lanza su más reciente producción musical: Todo Tiene Su Hora, recibiendo una acogida excepcional tanto por sus fanáticos en todo el mundo, como por la prensa especializada. De esta producción ya se han escuchado con insistencia los temas “Tus Besos,” “Todo Tiene Su Hora” y “Muchachita Linda.”
Resaltan en este disco, temas como “Cookies & Cream” de contenido social a ritmo de merengue, “Para Que Sepas” un hermoso y novedoso son y “De Moca a París” tema que cuenta con la leyenda del merengue Johnny Ventura.
Con el éxito del primer sencillo “Tus Besos” inicia la gira “Todo Tiene Su Hora Tour” con una extraordinaria recepción en su primera parte europea, dejando el letrero Sold Out en ciudades como París, Madrid, Barcelona, Las Canarias y otras localidades, presentándose ante más de 60 mil personas en las principales ciudades europeas. Lo mismo se repite en Miami, Puerto Rico y New York, con localidades vendidas a toda capacidad, repitiendo la hazaña en Panamá, Costa Rica y El Salvador. El 5 de noviembre del 2017, cierra oficialmente la gira “Todo Tiene Su Hora Tour”, con un monumental recibimiento del público dominicano en el Festival Presidente, ante más de 50,000 personas.
Todo Tiene Su Hora, recibió otros reconocimientos, como lo son Disco de Oro, Platino y Diamante en Colombia, Costa Rica, Perú, luego de ventas superiores a las 400 mil copias.
En el mes de noviembre “Todo Tiene Su Hora” vuelve a ser noticia, recibiendo 4 nominaciones al Latin GRAMMY, de las cuales se alza con 3 de ellas: Mejor Canción Tropical por “Tus Besos”, Mejor álbum Tropical por “Todo Tiene Su Hora” y el máximo galardón “Mejor Álbum del Año,” por “Todo Tiene Su Hora.”
En Tenerife, España, el sábado 9 de marzo, Juan Luis Guerra es recibido con rebosante alegría y cariño, logrando romper todos los récords de asistencia en el Festival de Tenerife, convocando a más de 400,000 personas en el cierre del legendario festival.
Para el año 2019 edita su novedosa producción “Literal”, trayendo nuevos sonidos a la bachata con su contagioso éxito “Kitipun”. Del mismo se desprenden hermosas canciones como “Corazón Enamorado” y “Me Preguntas” seguidas de las contagiosas y rítmicas “Lámpara Pa’ Mis Pies” y “I Love You More”.
En diciembre del 2020, en medio de una pandemia mundial sale a la luz su producción “Privé”. Un trabajo íntimo donde repasa algunos de sus éxitos en tiempos de jazz y formato reducido. De aquí se desprenden dos hermosas nuevas canciones: “Donde Nacen Tus Besos” y “Pambiche de Novia”.
En el 2021 llega su más reciente trabajo “Entre Mar y Palmeras” un exquisito documento audiovisual filmado completamente en vivo, en la maravillosa playa de Miches, en la zona del este profundo de República Dominicana, dirigido por su hijo Jean Guerra para la cadena HBO Max. “Entre Mar y Palmeras” es un repaso de sus mayores éxitos, con el poderoso sonido de su banda 4.40, teniendo como escenario la orilla del mar. De este se desprende el disco homónimo, el cual ha generado un gran revuelo en las plataformas digitales.
La creatividad y variedad musical del trabajo de Juan Luis Guerra lo ha colocado como el artista dominicano más universal. Ha llevado con su palabra, su música y su vida la promoción de los más altos valores de la dominicanidad.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Todo Tiene Su Hora.
Jane Mathison Haining nació en Dunscore, Escocia, Reino Unido, el 6 de junio de 1897, y murió en el Campo de Concentración de Auschwitz II-Birkenau, Polonia, el 17 de julio de 1944. Misionera y Justa entre las Naciones.
Jane Haining vivió del 6 de junio de 1897 al 17 de julio de 1944. Fue misionera de la Iglesia de Escocia en Budapest y falleció en Auschwitz. El contexto general de Escocia en aquella época se detalla en nuestra Cronología Histórica.
Jane Haining nació en la granja Lochenhead, en Dunscore, a ocho millas al noroeste de Dumfries. Fue la quinta hija de un agricultor y se crio en un hogar profundamente religioso, como miembro de la iglesia evangélica Craig en Dunscore. En 1909 obtuvo una beca para la Academia de Dumfries y posteriormente asistió a la escuela de comercio Athenaeum de Glasgow, antes de trabajar durante diez años como secretaria en J & P Coates, fabricantes de algodón, en Paisley. Fuera del trabajo, dedicó su vida a su iglesia local, la Iglesia Libre Unida Queen's Park West en Pollokshields.
Una charla impartida en su iglesia de Pollokshields sobre la labor misionera entre las comunidades judías de Europa del Este impulsó a Jane a ofrecerse como voluntaria. En 1932, se convirtió en directora del hogar de niñas de la Escuela Misionera Judía de Budapest, Hungría, cuyas alumnas eran principalmente judías. Jane estaba de vacaciones en Cornualles cuando estalló la Segunda Guerra Mundial e inmediatamente regresó a Budapest para estar con las niñas a su cargo. En 1940, se le ordenó regresar a Escocia, pero se negó y continuó su labor en Budapest. Tras la invasión alemana de Hungría en marzo de 1944, volvió a negarse a abandonar el país.
Jane Haining fue arrestada por la Gestapo en abril de 1944 y acusada de trabajar entre judíos y escuchar la BBC, cargos que admitió libremente. Al mes siguiente llegó al campo de concentración de Auschwitz, donde la tatuaron con el número de prisionera 79467. Murió el 17 de julio de 1944, posiblemente en una cámara de gas, convirtiéndose en una de las aproximadamente diez personas escocesas asesinadas en los campos de exterminio.
Jane Haining es recordada por dos vidrieras en la iglesia de Queen's Park, Glasgow; por placas en la iglesia de Dunscore y en la misión escocesa de Budapest; y como la única escocesa honrada en Yad Vashem, en Jerusalén (la Autoridad para el Recuerdo de los Mártires y Héroes del Holocausto), como "Justa entre las Naciones".
Esta biografía se basa en una investigación publicada originalmente en "El diccionario biográfico de mujeres escocesas".
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