Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Paul Stephen Motian nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 25 de marzo de 1931, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 2011. Baterista y compositor.
El maestro de la batería, Paul Motian, (Providence, 25 de marzo de 1931 – Nueva York, 22 de noviembre de 2011), debutó en 1949 en su localidad natal, Providence, como guitarrista y más tarde estudió la batería. Después de licenciarse en el ejército americano, en 1954, se trasladó a New York donde estudio en la «Manhattan School of Music». En 1956 obtuvo su primer contrato importante con el pianista, George Wallington y ese mismo año colaboró con Jerry Wald y Russell Jacquet.
En 1957 trabajó durante un año con el clarinetista, Tony Scott y al año siguiente, en 1958, colaboró con dos importantes músicos adscritos al movimiento jazzístico de la Costa Oeste: Lenny Tristano y Zoot Sims. A finales de 1959 conoció al pianista, Bill Evans, un hecho histórico en la historia del jazz y que supondría un giro espectacular en la carrera profesional de Motian. Bill Evans, tras escucharlo, lo invitó a formar parte de su histórico trío, junto al contrabajista, Scott LaFaro.
Tras de sí, Motian tenía ya en su haber grabaciones discográficas con George Russell; Eddie Costa; Don Elliot o Lee Konitz. Entre 1959, año en que se unió a Bill Evans, y 1963, año en que abandonó el trío tras la muerte del contrabajista, los tres dieron vida a una formación legendaria, única e irrepetible en la historia del jazz. En ese tiempo, Motian, LaFaro y Evans grabaron una serie de obras maestras del jazz imperecederas, destacando las grabaciones en el Village Vanguard de New York y el disco «Waltz for Debby» (Riverside 1961).Tras la disolución del trío, Motian colabora con el pianista, Paul Bley y su esposa Carla con quien fundó en 1968 la «Jazz Composer’s Orchestra Association» (JCOA), un organismo gestionado por los propios músicos y de donde salieron grandes proyectos musicales, entre otros el extraordinario disco «Escalator Over the Hill».
Entre 1969 y 1979, Paul Motian colaboró estrechamente con el pianista, Keith Jarrett, otro músico extraordinario del jazz moderno. En el trío de Jarrett, estaba otro magnifico contrabajista, Charlie Haden quien utilizo al baterista para otro extraordinario proyecto jazzístico liderado por Haden y al que denominó: «La Liberation Music Orchestra», uno de los más sólidos pilares de la improvisación jazzística de nuestros tiempos. Tras dejar a Jarrett y a Haden, Paul Motian inició su carrera profesional como solista, colaborando con infinidad de músicos, grabaciones y conciertos.
En su etapa contemporánea, y ya superados los setenta años, Paul Motian ha venido a España en varias ocasiones y al frente de distintas formaciones, como cuando se presentó al frente de su «Electric Be Bop Band» (E.B.B.B.) en Madrid en el 2001, o en San Sebastián, el 29 de mayo de 2002 con la International Sextet, formación conformada por dos saxofonistas, dos guitarristas eléctricos, un bajista y el propio Paul Motian a la batería. Motian, es, por tanto, uno de los grandes músicos de jazz de todos los tiempos. Nada acomodaticio, asumiendo riesgos, siempre a la vanguardia de la música de jazz y sabiendo estar, a sus setenta y cuatro años, en primera línea.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Brilliant Corners. Paul Motian & The Electric Bebop Band. Paul Motian en batería; Jakob Bro y Steve Cardenas, en guitarra; Chris Cheeck y Tony Malaby, en saxo; y Anders Christensen, en bajo.
Klaus Dinger nació en Warburg, Alemania, el 24 de marzo de 1946, y murió en Düsseldorf, Alemania, el 20 de marzo de 2008. Baterista, guitarrista y compositor.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Jason Ankeny.
Como la mitad del legendario dúo de Krautrock Neu!, el baterista Klaus Dinger fue pionero del hipnótico patrón rítmico de movimiento perpetuo, más tarde denominado "motorik", creando ritmos mecánicos, pero profundamente humanos que inspirarían a sucesivas generaciones de artistas electrónicos y pop. Nacido en Alemania el 24 de marzo de 1946, Dinger se dedicó a la música tras abandonar la arquitectura. Se dio a conocer como miembro de otro grupo de gran influencia, Kraftwerk, reemplazando al baterista original Andreas Hohmann durante las sesiones de grabación de su álbum debut homónimo de 1970. El guitarrista Michael Rother se unió a Kraftwerk tras la finalización del álbum, pero en 1971 él y Dinger se separaron para formar Neu!, colaborando con el productor Conny Plank para comenzar a trabajar en su primer álbum, publicado por Brain Records al año siguiente. Mientras que la guitarra de Rother prescindía de los cambios de acordes convencionales en favor de evocadores drones armónicos, la batería de Dinger se redujo a un ritmo simple y repetitivo de 4/4 que él denominó "ritmo Apache", pero que los críticos musicales posteriores bautizaron como "motorik" en honor a la palabra alemana para "habilidad motora". Canciones como la épica de diez minutos "Tellogallo" ostentan ritmos pulsantes que parecen extenderse hasta el infinito, con toda la precisión e ingeniería de un BMW corriendo por la Autobahn.
Si bien los siguientes Neu! 2 y Neu! '75 anticiparon desde remezclas de clubes hasta punk, las ventas fueron limitadas; aun así, la influencia del dúo demostró ser enorme, y Brian Eno señaló más tarde: "Hubo tres grandes ritmos en los 70: el afrobeat de Fela Kuti, el funk de James Brown y el ritmo Neu! de Klaus Dinger". Después de que Neu! se separara en 1975, Dinger montó el proyecto electrónico La Düsseldorf con su hermano Thomas y Hans Lampe, grabando más tarde una serie de álbumes acreditados a La! Neu?. A finales de 1985, él y Rother también se reunieron para una sesión abortada que finalmente se lanzó una década después como Neu! 4. Para entonces, el dúo era citado entre las influencias más importantes de una generación de artistas de pop electrónico y rock de vanguardia, incluidos Stereolab, Sonic Youth y Radiohead. Dinger falleció de insuficiencia cardíaca el 20 de marzo de 2008, apenas cuatro días antes de cumplir 62 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Cha Cha 2008.
El diplomático iraní Abdol Hossein Sardari prestó una ayuda crucial a los judíos iraníes en la Francia ocupada (1940-1944). En junio de 1940, tras la invasión alemana de Francia, el embajador iraní Anoushirvan Sepahbodi partió hacia Vichy, en la zona no ocupada, para reconstituir la embajada. Esto dejó a Sardari, cónsul general de Irán, a cargo de los asuntos consulares en París. En esta función, Sardari solicitó en varias ocasiones que se eximiera a los judíos iraníes y de otros países de Asia Central que vivían en la Francia ocupada por los alemanes de las medidas antisemitas decretadas por las autoridades francesas y alemanas.
Judíos de Irán residentes en Francia
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, unos 150 judíos de Irán, Afganistán y Bujará (ciudad de la República Soviética de Uzbekistán y antiguo centro cultural del Imperio Persa) residían en Francia. Muchos de estos judíos de Asia Central, que compartían lazos lingüísticos y culturales y huían de la Revolución Bolchevique de 1917, se habían asentado en París durante la década de 1920. Tras la ocupación alemana del norte de Francia en 1940, representantes de estas tres comunidades se presentaron ante los funcionarios de la Francia de Vichy y las autoridades de ocupación alemanas como «jugutis» (djougoutes en francés). Los jugutis eran descendientes de judíos persas que, obligados a convertirse al islam en 1838, continuaron practicando el judaísmo en privado en sus hogares. Los documentos de identidad oficiales, como los pasaportes, generalmente identificaban a los jugutis como musulmanes.
Ocupación alemana
El 27 de septiembre de 1940, las autoridades de ocupación alemanas emitieron una ordenanza que obligaba a todos los judíos residentes en Francia a registrarse ante la policía. Los judíos residentes en París debían presentarse en el Departamento del Sena; los que residían en las provincias ocupadas fuera de París debían presentarse en la subprefectura local del departamento responsable de la zona en la que vivían. En octubre de 1940, Sardari intervino para proteger a los yugutis. En una carta fechada el 29 de octubre, intentó convencer a los funcionarios de Vichy, cuyas leyes eran vinculantes en la Francia ocupada, de que los yugutis se habían asimilado a los persas no judíos por cultura y matrimonios mixtos, y que no debían ser considerados judíos según la ley de Vichy. Escribiendo en papel con membrete del "Consulado Imperial de Irán", Sardari afirmó:
Según un estudio etnográfico e histórico sobre las comunidades religiosas judías de raza no judía en Rusia, recibido por este consulado y validado por la Embajada [alemana] en París el 28 de octubre de 1940… los judíos autóctonos (jugutis) de los territorios de los antiguos kanatos de Bujará, Jiva y Jokand (actualmente dentro de las Repúblicas Soviéticas de Uzbekistán y Tayikistán) se consideran del mismo origen [étnico] que los de Persia.
Según el estudio, los yugutis de Asia Central pertenecen a la comunidad judía únicamente por la observancia de los principales ritos del judaísmo. Por su linaje, su idioma y sus costumbres, están asimilados a la población indígena y pertenecen al mismo grupo biológico que sus vecinos, los persas y los sartes (uzbekos).
El líder de la comunidad Juguti en París durante la guerra fue el Dr. Asaf Atchildi, médico originario de Samarcanda (ciudad de Uzbekistán). En sus memorias de 1965, recordó los peligros que enfrentaron los miembros de su comunidad durante la ocupación alemana. En el verano de 1941, seis Jugutis registrados en la policía fueron arrestados y la mayoría de ellos encarcelados en el campo de internamiento de Drancy, en las afueras de París. Algunos, según Atchildi, fueron retenidos como rehenes en represalia por actos de resistencia antialemana.
Otros Jugutis, que también se habían registrado en la policía y ahora temían ser arrestados, evitaban quedarse en sus casas. Utilizando una certificación alemana dirigida al prefecto de policía de París a principios de febrero de 1942, que indicaba que los Jugutis no debían ser sometidos a las leyes antisemitas de Vichy, Atchildi consiguió la liberación de dos prisioneros de Drancy. Atchildi atribuyó la idea del argumento de los "Jugutis" a otros miembros de la comunidad, la familia Kachurine, quienes contrataron al abogado Julien Kraehling para que los representara.
Ocupación soviética y británica de Irán
En agosto de 1941, las fuerzas soviéticas y británicas ocuparon Irán. Al considerarlo partidario del Eje, los Aliados obligaron al gobernante iraní, Reza Shah Pahlavi (1925-1941), a abdicar en favor de su hijo, Mohammed Reza (1941-1979). Dado que Irán se encontraba ahora bajo la ocupación aliada, los diplomáticos suizos asumieron la responsabilidad de proteger los intereses iraníes en Francia y otros países de la Europa ocupada en noviembre de 1941, e intercedieron en favor de los judíos iraníes.
El embajador iraní en Vichy fue llamado a consultas por su gobierno, pero Sardari permaneció en París, continuando su labor extraoficial en favor de los iraníes, incluidos los judíos iraníes, residentes en Francia. Según Asaf Atchildi, el 11 de febrero de 1942, Sardari le escribió pidiéndole, como líder de los Jugutis en Francia, que incluyera a los judíos de nacionalidad iraní en la lista de Jugutis que había preparado para las autoridades de Vichy.
En cartas fechadas el 29 de septiembre de 1942 y el 17 de marzo de 1943, Sardari se comunicó con funcionarios alemanes sobre la situación de los judíos iraníes residentes en París y sus alrededores, con el fin de protegerlos de ser arrestados y deportados. Poco después, el 4 de mayo de 1943, los nombres de 41 iraníes se incluyeron en una lista de 91 personas de la etnia "jugutí originaria de Irán, Afganistán y Bujará (Asia Central) que residían en París y sus alrededores", elaborada por Atchildi para funcionarios de Vichy (dentro del Comisariado General para Asuntos Judíos).
"Solución Final" en Francia
Las acciones de Sardari, en colaboración con Atchildi, coincidieron con una aceleración de las deportaciones, a medida que los alemanes implementaban la «Solución Final» en Francia. El 16 de julio de 1942, la policía francesa arrestó a más de 13.000 judíos extranjeros y apátridas residentes en París. Las autoridades francesas encarcelaron a adultos solteros y parejas sin hijos en Drancy y mantuvieron a familias —más de 8.000 hombres, mujeres y niños— en condiciones inhumanas en el Velódromo de Invierno (un estadio cubierto) antes de su traslado a campos de tránsito en el departamento de Loiret durante la semana siguiente. Un mes después, en agosto, los alemanes deportaron a prácticamente todos los detenidos el 16 de julio de 1942 en tren, vía Drancy, a Auschwitz; pocos sobrevivieron.
El 17 de marzo de 1943, Sardari, en un alegato en defensa de los judíos iraníes en París, utilizó la terminología de la ideología racial nazi, que consideraba persuasiva para los funcionarios alemanes. Argumentó que los yugutis no debían ser considerados judíos desde el punto de vista racial. Explicó que se trataba de una minoría mayoritariamente asimilada, cuyos miembros se casaban frecuentemente con personas no judías y hablaban persa, no yiddish ni hebreo. Sardari también señaló que los yugutis en Irán gozaban de «todos los derechos y responsabilidades civiles, legales y militares de los musulmanes».
En la primavera de 1943, como consecuencia de las gestiones de Sardari, realizadas en colaboración con Atchildi a través de Kraehling y diplomáticos suizos, los alemanes accedieron a eximir a los yugutis residentes en la zona ocupada de las medidas antisemitas; a mediados de 1943, las autoridades de Vichy adoptaron la misma política. El historiador Warren Green ha atribuido la respuesta alemana a los yugutis y a otros grupos étnicos judíos caucásicos y centroasiáticos en Francia, como los caraítas rusos y los judíos gruzinianos de Georgia, como parte de una política alemana más amplia para cultivar lazos con las minorías étnicas no eslavas y anticomunistas de la Unión Soviética.
Después de la Segunda Guerra Mundial
La mayoría de los Jugutis que vivían en Francia sobrevivieron a la ocupación alemana. Un miembro de la comunidad, Ibrahim Morady, estuvo presente en 1994 en una ceremonia en honor a Sardari en el Centro Simon Wiesenthal para la Tolerancia en Los Ángeles, California. Morady, junto con sus padres y otros dos familiares, aparece en una lista de 38 nombres que Sardari identificó en una solicitud dirigida al diplomático alemán L. Krafft von Dellmensingen en París el 17 de marzo de 1943. Los nombres de los cuatro Morady también figuran en la lista de 91 nombres que Atchildi presentó a los funcionarios de Vichy el 4 de mayo de 1943.
El sobrino de Sardari, Fereydoun Hoveyda, quien fue embajador de Irán ante la ONU en la década de 1970, declaró en una entrevista de 1998 que Sardari también ayudó a proteger a judíos no iraníes en París durante la guerra, emitiendo 1500 pasaportes iraníes a judíos en peligro durante 1942. Hasta el momento, no ha aparecido documentación ni testimonio que confirme esta cifra inverosímilmente alta (considerando la cantidad de pasaportes en blanco que Sardari probablemente tenía a su disposición, dada la pequeña comunidad iraní en Francia), y no existe evidencia de que Sardari haya ayudado a personas no iraníes. Aunque vivió con su tío en París en 1942, Hoveyda nunca mencionó el asunto en su diario.
Tras la Segunda Guerra Mundial, Sardari permaneció en el servicio diplomático iraní, desempeñándose como encargado de negocios en Bruselas. A mediados de la década de 1950, dejó el cuerpo diplomático y se unió a la Compañía Nacional Iraní de Petróleo. Falleció en Londres en 1981. En abril de 1978, tres años antes de su muerte, Abdol Hossein Sardari respondió a las preguntas de Yad Vashem, el Memorial Nacional del Holocausto de Israel, sobre sus acciones de la siguiente manera: «Como saben, tuve el placer de ser cónsul iraní en París durante la ocupación alemana de Francia, y como tal, era mi deber salvar a todos los iraníes, incluidos los judíos iraníes».
"Giro de cero grados"
El interés por las actividades de Sardari durante la guerra resurgió en 2007, cuando la telenovela "Giro de cero grados" lo retrató como un héroe romántico en la televisión estatal iraní. Tras la negación del Holocausto por parte del presidente iraní Makmoud Amidineijad en 2006, algunos analistas consideraron el programa como un intento de mejorar la imagen de Irán y subrayar la diferencia entre la actitud iraní hacia los judíos y hacia el Estado de Israel.
Autor(es): Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos, Washington, D.C.
Damon Albarn nació en Whitechapel, Londres, Reino Unido, el 23 de marzo de 1968. Cantante, compositor, productor y multi instrumentista. Toca Guitarra, bajo, ukelele, melódica, piano, teclados, violín, y caja de ritmos.
El sitio www.britannica.com publicó esta biografía firmada por John M. Cunningham.
Damon Albarn (nacido el 23 de marzo de 1968 en Whitechapel, Londres, Inglaterra) es un músico inglés que alcanzó la fama como líder de la banda de rock Blur y como principal fuerza creativa detrás del grupo pop Gorillaz, pero también fue reconocido por su ecléctica producción como compositor, productor y colaborador.
Albarn, cuyos padres formaban parte de la contracultura creativa londinense, pasó sus primeros años en el East End antes de mudarse con su familia a Colchester, Essex, en 1978. De joven aprendió a tocar el violín y el piano, y en la escuela secundaria entabló amistad con Graham Coxon, con quien pronto comenzó a escribir e interpretar canciones.
Tras una breve etapa en la escuela de teatro, Albarn formó una banda de rock que finalmente se conoció como Blur. Con Albarn como vocalista principal y compositor principal, el grupo —que también incluía a Coxon (guitarra), Alex James (bajo) y Dave Rowntree (batería)— publicó su álbum debut, Leisure, en 1991. Habiéndose establecido como observadores inteligentes de la vida cotidiana británica, en la tradición de los Kinks y Los rostros pequeños, en Modern Life Is Rubbish (1993), Blur logró un avance crítico y comercial con Parklife (1994), una exitosa colección de canciones pop en esa línea. A mediados de la década de 1990, Blur era un ejemplo principal, junto con otros grupos que revivían el rock melódico Oasis, de lo que se denominó Britpop, y surgió una frenética rivalidad alimentada por los medios entre las dos bandas. En parte como respuesta, Albarn y compañía cambiaron de rumbo después de The Great Escape (1995) y regresaron con Blur (1997), un disco con influencias del garage rock que amplió su público estadounidense, y el estilísticamente variado 13 (1999).
A finales de la década de 1990, Albarn y el dibujante de cómics Jamie Hewlett desarrolló la idea para Gorillaz, una “banda virtual” para la cual los personajes animados dibujados por Hewlett servirían como el único componente visual (en las portadas de los discos y en los videos musicales, por ejemplo) de la música concebida por Albarn. El álbum debut homónimo del grupo (2001) fue una colorida fusión de estilos pop globales, incluyendo hip-hop y reggae, que reflejó su diverso conjunto de colaboradores y se ajustó a sus avatares juguetones. Los sonidos electrónicos de Gorillaz se filtraron en el siguiente disco de Blur, Think Tank (2003), pero las considerables ventas internacionales del álbum de Gorillaz Demon Days (2005) demostró que la banda más reciente de Albarn se había convertido en el grupo más popular. Gorillaz lanzó más tarde Plastic Beach (2010), que promovía un mensaje de conciencia ambiental, y The Fall (2010). Después de un paréntesis de seis años, Blur retomó las actuaciones en 2009, y su octavo álbum de estudio, The Magic Whip, apareció en 2015. Dos años después, Gorillaz publicó Humanz, de temática política, y su sexto álbum, The Now Now, apareció en 2018. Además, Albarn grabó Everyday Robots (2014) bajo su propio nombre. Song Machine, una serie animada basada en la web sobre las aventuras ficticias de los personajes de Gorillaz, debutó en 2020. Más tarde ese año también se lanzó el álbum complementario Song Machine, Season One: Strange Timez.
Gran parte del trabajo de Albarn a principios del siglo XXI cultivó un interés por la música y la cultura africanas que se había despertado en él durante un viaje a Mali patrocinado por Oxfam en 2000. En las grabaciones Mali Music (2002) y Kinshasa One Two (2011), produjo y colaboró con músicos de Mali y la República Democrática del Congo, respectivamente, y en 2006 fundó la Africa Express, una iniciativa que fomentó el intercambio entre artistas africanos y occidentales. Albarn se unió al baterista nigeriano Tony Allen (ex miembro de la banda de Fela Kuti) en los álbumes The Good, the Bad & the Queen (2007), grabados por un conjunto que también incluía al ex bajista de The Clash Paul Simonon y el álbum homónimo Rocket Juice & the Moon (2012), que empleó a los Red Hot Chili Peppers. Pulga al bajo.
Además, Albarn compuso la música de Monkey: Journey to the West (2007), una ópera en mandarín basada en la novela Xiyouji de Wu Cheng'en del siglo XVI, y escribió, compuso e interpretó Dr. Dee: An English Opera (2011), una fantasía sobre la vida del polímata inglés John Dee.
Albarn fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en 2016.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con On Melancholy Hill.
En Ribadavia, las tres hermanas Touza "Lola, Amparo y Julia Touza" lo arriesgaron todo en silencio. Con valentía y amor, tejieron una red clandestina que salvó a más de 500 judíos del Holocausto, guiándolos hacia la libertad en Portugal. Hoy, su nieto, Julio Touza, nos demuestra que luz sigue viva.
William Keith Relf nació en Richmond, Surrey, Reino Unido, el 22 de marzo de 1943, y murió en Londres, Reino Unido, el 12 de mayo de 1976. Cantante, compositor y multi instrumentista. Tocaba bajo, guitarra, armónica y percusión.
El 22 de marzo de 1943, nació Keith Relf en Richmond, Londres, Reino Unido. Relf es recordado como el carismático vocalista y armónica de la influyente banda de rock británica The Yardbirds, que tuvo un impacto significativo en el desarrollo del rock y el blues en la década de 1960.
Keith Relf comenzó su carrera musical como cantante y armonicista en bandas locales de blues en Londres a principios de la década de 1960. En 1963, cofundó The Yardbirds junto con Eric Clapton, Chris Dreja, Paul Samwell-Smith y Jim McCarty. La banda rápidamente adquirió notoriedad en la escena musical londinense gracias a su enfoque innovador del blues eléctrico y su energética interpretación en vivo.
Relf fue una parte integral del sonido distintivo de The Yardbirds, aportando su voz distintiva y su talento en la armónica. La banda alcanzó la fama internacional con éxitos como “For Your Love”, “Heart Full of Soul” y “Shapes of Things”. Sin embargo, en 1968, Relf y McCarty dejaron la banda para explorar nuevos proyectos musicales.
Después de dejar The Yardbirds, Relf formó la banda Renaissance, que fusionaba el rock progresivo con elementos de la música clásica. También se aventuró en una carrera en solitario y trabajó como productor discográfico. Trágicamente, su vida fue truncada prematuramente cuando murió electrocutado en su casa en 1976, a la edad de 33 años.
Keith Relf fue uno de los primeros vocalistas en adoptar un estilo de canto más agresivo y áspero en el rock, influyendo en generaciones posteriores de cantantes de rock. Además de su habilidad como cantante, Relf era un talentoso armonicista, incorporando solos de armónica en las canciones de The Yardbirds.
La influencia de The Yardbirds se extiende a numerosas bandas posteriores, incluidas Led Zeppelin, Cream y Aerosmith, que contaron con miembros de The Yardbirds en sus filas.
Relf es recordado como una figura importante en la historia del rock británico, cuyo legado perdura a través de la música de The Yardbirds y sus contribuciones al desarrollo del género.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con For Your Love.
Joseph Harry Silverstein nació en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, el 21 de marzo de 1932, y murió en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 2015. Violinista, director de orquesta y profesor de música
Joseph Harry Silverstein (21 de marzo de 1932 – 21 de noviembre de 2015) fue un violinista y director de orquesta estadounidense.
Conocido por familiares, amigos y colegas como "Joey", Silverstein nació en Detroit. De joven, Silverstein estudió con su padre, Bernard Silverstein, quien era profesor de música en una escuela pública. Comenzó sus estudios en el Instituto Curtis de Música en Filadelfia a los 12 años. Entre sus profesores se encontraban Efrem Zimbalist, DC Dounis, William Primrose, Josef Gingold y Mischa Mischakoff. Aunque nunca completó formalmente su educación secundaria, Silverstein se graduó de Curtis en 1950. Tras finalizar sus estudios en Curtis, Silverstein tocó como músico de sección con la Orquesta Sinfónica de Houston, la Orquesta de Filadelfia y la Orquesta Sinfónica de Denver.
En 1955, Silverstein se unió a la sección de segundos violines de la Orquesta Sinfónica de Boston (BSO), siendo el músico más joven de la orquesta en ese momento. En 1959, ganó una medalla de plata en el Concurso Musical Reina Isabel, y en 1960 ganó el Premio Naumburg de la Fundación Walter W. Naumburg. En 1962, Silverstein se convirtió en concertino de la BSO, cargo que ocupó durante 22 años. Fue nombrado director asistente de la BSO en 1971. Mientras estuvo en Boston, Silverstein actuó con otros conjuntos locales como la Civic Symphony y Banchetto Musicale. También enseñó en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, la Universidad de Yale y la Universidad de Boston, además de formar parte del profesorado del Centro Musical Tanglewood. Silverstein dejó la BSO en 1984. En 1973, dirigió y tocó como solista con los Conciertos Orquestales de Naumburg, en el Naumburg Bandshell, Central Park, en la serie de verano. Fue notablemente compañero de recital de la pianista Michele Levin.
Silverstein fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Utah de 1983 a 1998. Se desempeñó como director musical interino de la Orquesta Filarmónica de Florida en 2001 hasta la disolución de la orquesta en 2003. Fue asesor artístico de la Orquesta Sinfónica de Portland para la temporada 2007-2008. Además de enseñar en Boston, fue profesor de violín en el Instituto de Música Curtis. En 1969, se convirtió en artista docente del Festival de Música de Sarasota. Silverstein tocaba un Guarneri del Gesù de 1742.
Silverstein se casó con Adrienne Shufro en 1954. Tuvieron dos hijas y un hijo. Al momento de su muerte en 2015, le sobrevivieron su viuda, sus hijos y cuatro nietos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación del Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor Op. 77, de Johannes Brahms, y la Orquesta Sinfónica Cívica de Boston, dirigida por Max Hobart.
A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Stephen Hough, y la Orquesta Filarmónica de Radio de los Países Bajos, dirigida por David Robertson.
Óscar Chávez Fernández, más conocido como Óscar Chávez, nació en la colonia Portales, Ciudad de México, México, el 20 de marzo de 1935, y murió en su ciudad, el 30 de abril de 2020. Cantante, guitarrista, actor, compositor, investigador, director de teatro y poeta.
Óscar Chávez principal exponente de la lírica tradicional mexicana
Boletín No. 479 - 30 de abril de 2020
El músico, compositor y actor reconocido por sus aportes a la música popular y de protesta, falleció la tarde de este jueves 30 de abril
Óscar Chávez, considerado uno de los máximos exponentes de la trova y la música tradicional mexicana, falleció este día en la Ciudad de México y deja huella en los jóvenes de la década de los sesenta con canciones como Por ti e, incluso Macondo, con la que invitó a volar al lado de sus mariposas amarillas.
La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) lamentan el deceso del cantautor nacido en 1935, quien estudió en la Escuela de Arte Teatral del INBAL y en la Universidad Nacional Autónoma de México.
En su cuenta de Twitter, la secretaria de Cultura, Alejandra Frausto Guerrero, anunció la partida del artista: “Una voz de lucha nunca se apaga, gracias, Óscar Chávez, tu vida fue un viaje digno de ti. Mi más sentido pésame a sus familiares, amigos y compañeros de lucha y canción ¡Viva Óscar Chávez!”
En las últimas décadas del siglo pasado, Chávez se dedicó al rescate de las tradiciones populares en la República mexicana y fue reconocida su labor con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Tradiciones Populares (2011).
Oscar Chávez, además de compositor, participó en la cinta Los caifanes. Como actor fue dirigido por Héctor Mendoza, Ludwik Margules, Luis Alcoriza, Juan José Gurrola y Juan Ibáñez, entre otros, aunque su mayor reconocimiento lo obtuvo en el ámbito musical.
Fue uno de los máximos exponentes en el país del movimiento musical, folclorista y de protesta latinoamericano conocido como Canto nuevo o Nueva canción.
Entre su amplia discografía, con más de un centenar de discos, destacan Herencia Lírica Mexicana, los tres volúmenes de la serie Voz viva de México (en el cual recita poemas de Sor Juana Inés de la Cruz, Gilberto Owen y Amado Nervo), sus interpretaciones con Guillermo Velázquez y los Leones de la Sierra de Xichú y el Trío Los Morales, sus Parodias Políticas, los inolvidables discos de Macondo y Los Caifanes, y Cuento de Navidad, farsa teatral de Emilio Carballido, entre muchos otros.
Entre los recintos donde llevó a presentarse destacan el Palacio de Bellas Artes en 1973, convirtiéndose en uno de los primeros cantantes de música popular en presentarse en el recinto de mármol. En tanto, el Auditorio Nacional y Ciudad Universitaria fueron escenarios obligados al que acudían sus seguidores cada año.
A lo largo de su trayectoria, se presentó con otros músicos aclamados como Chamín Correa y la Internacional Sonora Santanera, y en múltiples espacios tanto nacionales como internacionales —en Argentina, España, Cuba, Estados Unidos y Chile, por mencionar algunos países.
Óscar Chávez se destacó además por su labor como investigador y difusor de la música tradicional mexicana. Sus producciones comprenden géneros de diversas regiones del país: Oaxaca, Chiapas, Veracruz, Guanajuato, Guerrero, Nuevo León, Yucatán y Ciudad de México, retomando desde corridos ferrocarrileros hasta trova latinoamericana, música española, temas infantiles, tango, bolero y festividades como la Navidad y el Día de Muertos.
Cabe señalar que la Fonoteca Nacional resguarda desde 2017, el fondo documental sonoro personal de Chávez, en el que quedan documentados sus 50 años de carrera, así como su faceta de investigador de la música tradicional de México y otras partes del mundo.
Este acervo cuenta con 383 documentos—entre casetes, discos analógicos, discos compactos, cintas de carrete abierto y otros materiales audiovisuales— con entrevistas, producciones musicales y grabaciones en vivo; además de una amplia cantidad de materiales, como libros, folletos, catálogos, partituras y más, que complementan la documentación de la vida y obra del músico.
Su repertorio está integrado por bagaje amplio, vinculado también a movimientos sociales y políticos, como el del 68 y la lucha del Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN).
Chávez recuperó canciones de compositores inmortales como Chava Flores o Rafael Elizondo y difundía temas de autores como Pancho Madrigal, incluso participó al lado de cantantes de otras generaciones, como el grupo Panteón Rococó y seguía dedicado a la creación de nuevos temas, señaló Ana Valentina López de Cea en su texto Óscar Chávez, 83 años de canto inquebrantable.
Carlos Monsiváis resumía en su texto Óscar Chávez, el relajo liberador, el trabajo de décadas de este artista: “Desde hace años, Óscar Chávez —cantante, compositor, folclorista, antólogo, luchador social— trabaja en una triple vertiente: rescate de la herencia lírica, presentación de nuevos materiales mexicanos y latinoamericanos, y manejo de las vetas satíricas de la canción. Él no jerarquiza, y si no le concede igual tiempo, sí le da igual importancia a lo viejo y lo nuevo, lo triste y lo divertido, lo épico y lo sensual”.
Como homenaje al “Caifán Mayor”, la Secretaría de Cultura y organismos que la conforman compartirán parte de sus conciertos, audios y películas; por ejemplo, a las 20:00 horas de este jueves, la proyección del concierto que ofreció el pasado 2 de octubre 2019 en el Complejo Cultural Los Pinos, con motivo de la conmemoración de los 51 años de los trágicos hechos ocurridos en Tlatelolco, durante el movimiento estudiantil del 68. Esta transmisión será en la página Contigo en la distancia (contigoenladistancia.cultura.gob.mx).
Canal 22 también transmitirá ese mismo concierto el viernes 1 de mayo a las 22:30 h, mientras que el domingo 3 de mayo a las 17 h toca el turno del Concierto Festival del Centro Histórico 2016. Celebrando a Óscar Chávez y este jueves 30 de abril programará el documental Ardió, arde, arderá. Óscar Chávez, músico a las 22:30 h, que fue producido por Arturo Ripstein y Roberto Fiesco, y dirigido por Julián Hernández.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nunca jamás.
El sitio de You Tube Secretos de Sangre presenta: Investigué Pueblo 340 Personas: 12 Tests 63% Judíos | 523 Años Secreto.
La Puebla de Sancho Pérez, Extremadura. 340 habitantes. TODAS las familias encienden 2 velas cada viernes. TODAS lavan carne con sal 3 veces. Nadie sabe por qué. "Es tradición del pueblo." Investigué durante 1 año. 12 tests ADN. Promedio: 63% judíos sefardíes. Pueblo entero = descendientes conversos Toledo 1502.
FUENTES CITADAS: Real Cédula 1502 - Archivo General Simancas - Carta Obispo Badajoz 1502 - AGS Inquisición - Jane Gerber, "The Jews of Spain", 1992, CUNY - Haim Beinart, "Los Conversos ante el Tribunal", 1983 - MyHeritage Iberian Study 2020 - 12 tests La Puebla - Registro Sello Castilla 1500-1510, Legajo 392
✓ 6 costumbres judías preservadas 523 años
✓ 8 casos reales - reacciones diferentes
✓ Documento fundación pueblo 1502
✓ Reunión revelación verdad a comunidad
✓ Consecuencias 6 meses después
DISCLAIMER: Es un contenido educativo basado en la investigación histórica y datos genéticos. La información se presenta en formato storytelling para una mejor percepción.
Los porcentajes de ADN, las fechas y los hechos provienen de Fuentes disponibles, pero pueden tener errores. Recomendamos verificar la información usted mismo.
William Sheehan, más conocido como Billy Sheehan, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de marzo de 1953. Bajista.
El sitio www.rockaxis.com publicó este artículo firmado por Cristián Pavez.
Billy Sheehan: La vigente magia de las cuatro cuerdas
Domingo, 30 de Abril de 2017
La tarde invitaba a una cita mágica y propicia para disfrutar una nueva clínica de bajo de una verdadera leyenda viviente del instrumento, como lo es William “Billy” Sheehan, que a sus 64 años sigue destilando su increíble talento con abismante habilidad, pasión, emoción y por supuesto, mucha técnica. El músico de dilatada trayectoria en bandas de hard rock como Talas, David Lee Roth, Mr. Big y The Winery Dogs, y también del jazz en grupos como Niacin, no era primera vez que realizaba una presentación de este tipo en Chile, pero no por ello el evento pasó desapercibido, sino que, al contrario, logró una gran convocatoria de público de todas las edades.
La apertura estuvo a cargo del reconocido bajista, compositor, intérprete y profesor Mauricio Nader, músico nacional de destacada participación en discos de Six Magics, Alejandro Silva Power Cuarteto, Claudio Cordero Trio e Hidalgo, entre otros. Con un bajo de seis cuerdas en sus manos, el siempre correcto y educado músico interpretó piezas de su material solista, donde destacaron sus bellas armonías, feeling y sutilezas, realizando también “tappings” bellos y melódicos para una muy buena versión de ‘Everdream’ de Nightwish y también de la popular pieza ‘El Cóndor Pasa’. Nader además contó que está próximo a editar un nuevo disco solista y que durante mayo estará realizando una gira por diferentes ciudades de Chile. 30 minutos realmente muy buenos.
A continuación, vino lo que todos esperaban, el gran e inigualable Billy Sheehan que con una carrera musical iniciada en 1965 según él mismo contó, es reconocido por sus increíbles facultades técnicas como el “tapping” a dos manos y el “picking” de tres dedos de su mano derecha, siempre con su bajo Yamaha color verde agua de cuatro cuerdas.
Más que una clínica en sí, se podría decir que lo de Sheehan ayer fue una charla motivacional, dado el gran y carismático sentido del humor del músico, que hizo que los 90 minutos de su set se pasaran volando. Por supuesto que tocó fragmentos instrumentales impresionantes con su bajo, un mix de partes y riff de los grupos más reconocidos donde ha estado, intercalando las sesiones musicales con historias, respuestas y regalos para las preguntas que hacía el público presente.
Sheehan habló mucho y más allá de las anécdotas divertida, contó cosas muy interesantes como reconocer que no sabe sobre teoría musical, ni leer música; que simplemente su carrera se inició cuando se metió a una banda siendo muy joven y se puso a tocar de oído, siguiendo los golpes de batería: “cada vez que el baterista golpea el bombo, tú tienes que tocar una nota” y ese fue su método de aprendizaje, por eso dice que los músicos de su generación se pueden juntar a “jamear” e improvisar algo que no es fácil para cualquier músico. También dijo que su mayor influencia eran los bateristas, tipos como Dennis Chambers (de quien dijo que le “había cambiado la vida como músico”), Greg Bisonette, Pat Torpey y Mike Portnoy, porque desde muy joven se dio cuenta que bajo y batería tienen que estar muy unidos y ser muy sólidos para crear una gran sección rítmica. También hizo algunas bromas divertidas como cuando dijo que había elegido el bajo porque “las cuerdas de guitarra eran muy delgadas y sólo servían para cortar queso” y que el tocaba con los dedos como músicos que lo impresionaron de joven como Tim Bogart y Jack Bruce, “de lo contrario hubiera sido un bajista millonario que toca con uñeta como Paul McCartney”, sacando grandes carcajadas de la audiencia.
Reveló también que una de sus bandas, Mr. Big, ya tiene un nuevo disco grabado a ser editado este año, que Pat Torpey participó mucho en el disco (tiene parkinson), aunque contaron con la ayuda de otro baterista para la grabación igual que en el disco anterior y que el álbum fue grabado junto al productor original de los primeros discos de Mr. Big, el reconocido Kevin Elson, por lo que se puede esperar algo grande con ese disco. También recomendó encarecidamente que los músicos usen protección auditiva, ya que él durante muchos años no lo hizo y tiene algo de pérdida de audición, y contó también que cuando vio a Jimmy Hendrix tocando en vivo en persona, su mundo cambió para siempre no sólo en lo musical, sino también por todas las drogas que rodean el ambiente de un músico, por lo cual dijo que desde 1971 que no consumía absolutamente ninguna droga, ni siquiera marihuana y recomendó a los presentes que se mantengan alejadas de ellas por completo, si es que quieren tener una carrera musical larga y productiva, porque la música tiene la capacidad de cambiar el mundo de una forma positiva.
Para el cierre de velada Sheehan contó que vendría durante el año de gira por Sudamérica con Mr. Big, además de sacarse una gran “selfie” rodeado por todos los presentes reunidos en un gran grupo de fans.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con un fragmento de la presentación de Mr. Big, Paul Gilbert y Billy Sheehan, en directo en el Budokan, 2009.
El compositor estadounidense John Kander (nacido en Kansas City, Misuri, el 18 de marzo de 1927) es el socio musical del dúo de compositores Kander y Ebb, quienes juntos crearon al menos dieciséis musicales de Broadway, entre ellos Flora the Red Menace (1965), Cabaret (1966), Chicago (1975) y Curtains (2007). También contribuyeron con material a catorce películas y especiales de televisión durante sus cuarenta años de colaboración. De forma independiente, John Kander compuso la música de numerosas películas, como Something For Everyone (1970), Kramer vs. Kramer (1979), Places in the Heart (1984) y Billy Bathgate (1991).
Kander y Ebb recibieron numerosos premios: tres premios Tony® (1967 por Cabaret, 1981 por Woman of the Year, 1993 por Kiss of the Spider Woman), el premio Laurence Olivier de Gran Bretaña (1998, por la producción londinense de Chicago), un Emmy® en 1973 y una nominación al Emmy en 1993, ambos por especiales de televisión de Liza Minnelli, y dos premios Grammy® (1967 por el álbum del reparto original de Cabaret y 1998 por el álbum del espectáculo musical de Chicago). El dúo también recibió varias nominaciones a premios, incluyendo nueve para los Tony®, dos para los Oscar® y cinco para los Globos de Oro®. Tanto Cabaret como Chicago fueron adaptadas al cine; la versión cinematográfica de Chicago ganó el premio Óscar® a la Mejor Película en 2002.
Gran parte de la infancia de John Harold Kander en Kansas City transcurrió cantando y haciendo música con sus padres y su hermano. Recibió clases de piano desde los seis años. Mientras estudiaba en Oberlin, compuso la música para tres obras, y tras graduarse en 1951, obtuvo una maestría en la Universidad de Columbia en Nueva York. Durante los veranos de mediados de la década de 1950, Kander dirigió el coro del Teatro Musical Warwick en Rhode Island.
Comenzó su carrera en Broadway como pianista suplente en los ensayos de West Side Story de Leonard Bernstein. En su siguiente trabajo, tocando para las audiciones de Gypsy , conoció al coreógrafo Jerome Robbins, quien le sugirió que compusiera la música de baile para el espectáculo. En 1960 realizó algunos arreglos para Irma la Douce , y en 1962, su primer musical, A Family Affair, con letra de William Goldman, se estrenó, pero no tuvo éxito.
Kander le debe su encuentro con el letrista Fred Ebb en 1963 al editor musical Tommy Valando. Ebb también había tenido recientemente un debut fallido en Broadway. Su primer proyecto en común, la canción "My Coloring Book", fue grabada por Barbra Streisand en su segundo álbum (1963) y nominada a un premio Grammy®. Su primera colaboración teatral a gran escala, Golden Gate, no llegó a estrenarse, pero en 1965 crearon Flora the Red Menace, con Liza Minnelli debutando en Broadway y ganando un premio Tony®. Aunque no fue un éxito rotundo, sirvió para consolidar las relaciones entre Kander, Ebb, Minnelli y el productor Harold Prince.
La siguiente colaboración de la pareja, Cabaret, producida por Prince, se estrenó el 20 de noviembre de 1966 en el Broadhurst Theatre y se representó durante 1165 funciones. Ganó el premio Tony® de 1967 al Mejor Musical, además de otros siete, y consagró la fama mundial de Kander y Ebb. La adaptación cinematográfica de 1972, protagonizada por Liza Minnelli, ganó varios premios Óscar®. El espectáculo se ha repuesto dos veces, en 1987 y en 1998, cuando ganó otro premio Tony® a la Mejor Reposición, tres premios Tony para los actores y siete nominaciones más.
Tras tres musicales más (incluido Zorba en 1968), el dúo cosechó otro gran éxito con Chicago en 1975, con más de 900 representaciones. Fue nominado a once premios Tony®, pero la competencia —A Chorus Line de Marvin Hamlisch— se alzó con todos los galardones. Cuando Chicago se reestrenó en 1996, recibió seis premios. Este gran éxito ha alcanzado un récord de más de 5000 representaciones y sigue en cartelera en 2010.
El segundo premio Tony® de Kander y Ebb fue otorgado en 1981 a la obra Mujer del Año con Lauren Bacall; el tercero fue para El beso de la mujer araña, protagonizada por Chita Rivera, en 1993. Kander ha recibido otros numerosos reconocimientos por sus contribuciones al mundo de la música. Oberlin, su alma mater, le otorgó un doctorado honoris causa en 1988, al igual que la Universidad de Niágara, donde ha impartido clases como profesor invitado, en 1994. Tanto Kander como Ebb fueron homenajeados por el Kennedy Center y recibieron el premio Oscar Hammerstein a la trayectoria artística en el teatro musical.
La colaboración terminó abruptamente cuando Fred Ebb falleció de un ataque al corazón en su casa de Nueva York. En ese momento, estaban trabajando en un nuevo musical, Curtains. (La obra trata sobre una serie de muertes misteriosas durante la producción de un musical de Broadway; casualmente, otros dos miembros del equipo del proyecto fallecieron mientras este se desarrollaba). Se contrató a un nuevo letrista, Rupert Holmes, para ayudar a Kander a continuar y finalizar la obra, que se representó durante 511 funciones, le valió a David Hyde Pierce un premio Tony®, dos premios Drama Desk y siete nominaciones más a los premios Tony.
El nuevo musical de Kander & Ebb, The Scottsboro Boys, se estrena en el Lyceum el 31 de octubre de 2010.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con New York, New York, cantada por Liza Minnelli.
Paul Lorin Kantner nació en San Francisco, California, Estados Unidos, el 17 de marzo de 1941, y murió en su ciudad, el 28 de enero de 2016. Guitarrista y cantante.
El sitio www.jornada.com.mx publicó este recordatorio firmado por Hermann Bellinghausen.
Paul Kantner, el capitán
Hermann Bellinghausen
En el extremo más occidental de la esfera musical anglosajona, que a partir del jazz marcó la música del siglo XX, Paul Kantner nació, igual que los demás fundadores del rock como forma de arte, durante la Segunda Guerra Mundial. En tal carácter fronterizo, su trabajo y su concepción contracultural fueron extremos, aun para los parámetros de creatividad, libertad, experimentación y éxito comercial del rock en el lustro 1965-1970, cuando en Inglaterra y Estados Unidos se estableció que todo era posible, musicalmente hablando. El encuentro del rocanrol a la Elvis con el blues del Chicago profundo abrió un espectro donde cupieron el jazz, el folclor, el barroco europeo, la electrónica, la ópera, los sonidos exóticos (India, Japón, Latinoamérica, África negra) y los soundtracks de Hollywood.
De origen alemán, Kantner nació en 1941 en San Francisco. Muy pronto se aficionó a la ciencia ficción, en la misma paranoia nuclear en que se habían criado Phillip Dick, Robert Zimmerman y Roger Waters. E ideó la fantasía voladora que alimenta su música desde el principio. En el siguiente medio siglo participa en dos dilatados proyectos musicales: un aeroplano y una nave espacial. De los voluntariosos conatos iniciales pasará a la idea de abandonar la Tierra y perderse en las estrellas.
Todo empieza en 1965, cuando conoce a Marty Balin en California, y juntos tocan música folk hasta que conocen a otro par, Jorma Kaukonen y Jack Cassady, washingtonianos ellos y cuates de la infancia. Balin evolucionará a una de las voces más ricas y dramáticas del rock. Juntos forman Jefferson Airplane (la “Avioneta de Allende” la llamó José Agustín en un intento de nacionalización roquera), quizá la primera banda de rock con vocalista mujer, Signe Anderson (quien extrañamente murió el pasado 28 febrero, el mismo día que Paul Kantner). Su primer disco se llamó Despega el Aeroplano de Jefferson. Por entonces ya se cocina en San Francisco, bajo la neoyorquina influencia de Bob Dylan, una espectacular renovación beat con Kerouac, Ginsberg y Ferlinghetti, todavía en funciones, que se concentra en el rock. Están naciendo a la vez Greatful Dead, Quicksilver Messenger Service, Country Joe and The Fish, Big Brother and The Holding Company (todavía sin Janis) y The Great Society, fundado, éste último grupo, por Darby y Grace Slick, nacida Grace Wing (Gracia Ala) en Palo Alto.
Mota, ácido, poesía, ciencia ficción, conciencia trascendental, amor libre, oposición a la guerra de Vietnam. Revolución. Inventan la contracultura de los sesentas en la primera y definitiva escena jipi, a la que volarán pronto los ingleses, empezando por Eric Burdon y sus Noches de San Francisco. En 1966 Signe Anderson deja el aeroplano y lo aborda Grace Slick con dos rolas definitivas bajo la manga, Conejo blanco y Alguien para amar. El Aeroplano y las demás bandas del momento tocan al aire libre y gratis en la calle Haight, junto con la brechtiana compañía San Francisco Mime Troupe. Mientras viajan en el sentido más sicodélico del término, aparece el empresario Bill Graham, quien abre el histórico Fillmore West y deviene productor de Jefferson Airplane.
El capitán de vuelo es Kantner. Son comuna, pero el tiempo revelará que suman una junta de individualidades bullentes difíciles de armonizar. Son el único grupo que participó en los tres grandes happenings del rock: Monterey (o el comienzo, en el “verano del amor”, 1967), Woodstock (o el clímax del desafío jipi, agosto de 1969) y Altamont (o el desastre, diciembre de 1969). Entre la decepción florida y la rabia anarquista se definen los dos proyectos musicales que guardaba el interior del Aeroplano: la sicodelia sideral politizada de Kantner y Slick, y el folk blues de Kaukonen y Casady. Y nacen, con brillantez, Jefferson Starship y Hot Tuna, sin desmontar aún el Aeroplano. En 1969 Jefferson Airplane crea su disco más militante, Voluntarios de América, y en 1971 se despide con un Ladrido, dejando atrás discos como Almohada surrealista y Corona de la creación.
De manera extraordinaria, en medio de pleitos, quiebras financieras (fue célebre su impericia empresarial), divorcios, demandas, insultos y demás como toda buena familia, Hot Tuna y Jefferson Starship llegarían hasta la segunda década del siglo XXI.
Los primeros nunca tuvieron caídas creativas de consideración; los segundos, siempre chidos, sí cayeron en dos-tres baches comercialones. Como pasó con tantos valientes, lo sonado en los sesentas nunca lo lograron superar.
No ajenos a las clásicas historias de excesos (el alcoholismo de Grace Slick y Marty Balin era una bronca), aguantaron el trayecto gracias al capitán Kantner: aunque anarquista, jefe, y aunque pirado a escala cósmica, políticamente sensato y fecundo. Con todo esto a cuestas, obligados por sus acreedores de RCA Victor, en 1989 vuelan juntos una vez más. Ya panzones y pelones, graban Jefferson Airplane, un discazo descaradamente autorreferencial.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Go Ride The Music.
Michael Owen Bruce, más conocido como Mike Bruce, nació en Phoenix, Arizona, Estados Unidos, el 16 de marzo de 1948. Guitarrista, pianista, tecladista, compositor y cantante.
Michael Owen Bruce nació de Alvin y Ruth (Owen) Bruce. Las familias Bruce y Owen se habían mudado a Arizona desde Kansas. La ascendencia familiar incluye cherokee, escocesa, irlandesa, inglesa y normanda francesa. El padre de Ruth, Clarence Glenn Owen, fue veterano de la Primera Guerra Mundial y también jugador profesional de béisbol: "Blacky" Owen. "Al" estuvo en el ejército durante la década de 1940 y Ruth tocaba el piano en la radio y actuaba en muchos eventos de la USO. Después del servicio militar, "Al" trabajó para The Coca-Cola Company. Michael y sus hermanos, David y Paul, asistieron a North High School en Phoenix, Arizona
Michael Bruce comenzó su carrera musical profesional a mediados de la década de 1960. Como tantos jóvenes de la época, encontró una gran inspiración en The Beatles y The Rolling Stones. Tras tocar con The Trolls, Michael se unió a The Wildflowers, la banda de Mick Mashbir (quien más tarde participó en Billion Dollar Babies y Muscle of Love, y también asistió a Camelback High, la misma escuela secundaria que Neal Smith), y comenzó a tomar clases. Este grupo grabó cuatro canciones ("A Man Like Myself", "On A Day Like Today", "More Than Me" y "Moving Along with the Sun"). Mick tenía una casa en el desierto donde ensayaban, pero también era un lugar de fiesta donde solían reunirse los amigos de Alice Cooper. Según Bruce, Bear Family Records (un sello discográfico independiente alemán especializado en reediciones) compró las grabaciones originales a un hombre en Phoenix. Michael formó parte de otro grupo efímero llamado Our Gang (en Our Gang también estaba Bill Spooner, amigo de North High School y miembro de The Tubes). No se conocen grabaciones de este grupo.
En 1966, Michael reemplazó a John Tatum en una banda de Phoenix llamada The Spiders, integrada por Glen Buxton, Dennis Dunaway, John Speer (sustituido por Neal Smith) y Vince Furnier, todos provenientes de institutos de la zona. Uno de sus locales más populares era el VIP Club de Phoenix. En 1967 cambiaron el nombre de la banda a The Nazz, pero tuvieron que volver a cambiarlo en 1968 tras un problema legal con la banda de Todd Rungren, también llamada Nazz. El nuevo nombre del grupo fue Alice Cooper. Presentaron el nuevo nombre en un concierto en Santa Bárbara, California, el 16 de marzo de 1968, día del vigésimo cumpleaños de Michael.
Alice Cooper
Michael Bruce fue miembro fundador, guitarrista rítmico, pianista y tecladista, y cantante principal y corista en el grupo original de Alice Cooper [1] (Michael Bruce/Glen Buxton/Dennis Dunaway/Vince Furnier alias Alice Cooper/Neal Smith). Coescribió muchas de las canciones de éxito del grupo, con algunos o todos los demás miembros. Michael solía componer la música y la letra de las canciones; Furnier podía luego reelaborar la letra. Dos ejemplos de este proceso son "Halo of Flies" y "No More Mr. Nice Guy". Hay varias canciones acreditadas únicamente a Bruce, incluyendo "Caught In A Dream" y "Long Way To Go" de Love It To Death, y "Be My Lover" de Killer. Bruce también cantó la voz principal en la mayor parte de "Sing Low, Sweet Cheerio" del primer álbum del grupo, Pretties For You, y en la totalidad de "Below Your Means" y "Beautiful Flyaway" de su segundo álbum, Easy Action, antes del álbum que catapultó a la banda a la fama, Love It to Death, lanzado en 1971 por el sello Warner Bros. Love It to Death fue el primer álbum de Alice Cooper producido por Bob Ezrin. Su álbum debut, Pretties For You, lanzado en 1969, fue producido por Frank Zappa e Ian Underwood; su segundo álbum, Easy Action, lanzado en 1970, fue producido por David Briggs, quien había trabajado frecuentemente con Neil Young. Resultó que Briggs no era fanático de la música del grupo Alice Cooper, y Warner Brothers decidió que el álbum lanzado fueran en realidad las cintas de ensayo del grupo, preparándose para la grabación en estudio con Briggs. [2] El grupo de Alice Cooper lanzó cinco álbumes más después de Love It to Death, entre 1971 y 1974 (cuatro álbumes nuevos con material original: Killer, School's Out, Billion Dollar Babies, Muscle of Love; y el álbum recopilatorio Alice Cooper's Greatest Hits que contenía canciones previamente lanzadas, sin grabaciones nuevas), antes de tomarse un año sabático para que el grupo descansara y se relajara tras años de giras, composición y grabaciones ininterrumpidas. Tres de los miembros del grupo —Michael, Neal y Vince/Alice— querían grabar sus propios álbumes en solitario, reflejando sus gustos musicales individuales. Welcome to My Nightmare de Alice fue el más exitoso de estos tres proyectos en solitario.
En 1974, se estrenó en los cines estadounidenses la película del grupo original titulada Good to See You Again, Alice Cooper. Las imágenes del concierto se filmaron durante la gira Billion Dollar Babies en 1973 e incluían una historia ficticia sobre un director furioso que buscaba venganza contra la banda, filmada en los estudios Universal de Los Ángeles (una escena de la película del concierto "Welcome to My Nightmare", donde Alice destroza la lápida de neón con una pala, también se filmó durante este tiempo). La parte del concierto en vivo se filmó principalmente en Texas (una buena parte se filmó en el Sam Houston Coliseum de Houston), entre el área de Dallas-Fort Worth y Houston. También aparecieron en Good to See You Again, Alice Cooper Bob Dolin, Mick Mashbir y el mago The Amazing Randi. Dolin tocaba los teclados, Mashbir la guitarra y Randi interpretaba al dentista y verdugo de Alice.
A mi manera
Entre 1973 y 1974, Michael comenzó a trabajar en sus propias grabaciones con un grupo de músicos que incluía a Mick Mashbir (guitarras y voz), Bob Dolin (teclados y voz), Frank Crandall (bajo y voz) y Don Lindley (percusión y voz). Mashbir y Dolin habían formado parte de la banda de gira de Alice Cooper en su tour "Billion Dollar Babies". Esta formación grabó y produjo cuatro canciones ("King of America", "As Rock Rolls On", "Oh, My Love" y "Nothing on Earth") que fueron mezcladas por el productor Jack Douglas.
Cuando Michael decidió dejar Connecticut en 1974 y mudarse a Lake Tahoe, Crandall y Lindley no lo siguieron. Bruce, Dolin y Mashbir se enfrentaron entonces al reto de encontrar una nueva sección rítmica. Bateristas como William "Curly" Smith (de Jo Jo Gunne) y John Barbata (de The Turtles y Crosby, Stills, Nash & Young) vinieron a tocar y grabar a la casa de Bruce en Nevada. Sin embargo, nunca lograron encontrar un bajista fijo.
El álbum de Michael Bruce, In My Own Way, se grabó a lo largo de tres meses en 1975 con los productores Gene Cornish y Dino Danelli de The Rascals. Muchos músicos diferentes pasaron por Record Plant y participaron en las sesiones del álbum: Gerry Beckley (America), Jackie Lomax (The Undertakers, The Lomax Alliance y Badger), Ricky Fataar (The Flames, The Beach Boys y The Rutles), Keith Moon (The Who), Brian Garofalo (bajista de sesión), David Foster (Skylark y Airplay), Hunt Sales (Todd Rundgren, Paris, Iggy Pop, Tender Fury y Tin Machine), Tony Sales (Todd Rundgren, Iggy Pop y Tin Machine), Mylon LeFevre, Lynn Carey y muchos más. El fotógrafo de moda estadounidense Francesco Scavullo realizó una sesión de fotos para Michael que dio como resultado la portada de In My Own Way.
Bebés de mil millones de dólares
Billion Dollar Babies era el nombre de la banda fundada en 1976 por Michael Bruce, Mike Marconi, Dennis Dunaway, Bob Dolin y Neal Smith tras su separación de Alice Cooper en 1974. El álbum en solitario de Bruce, In My Own Way, se había vendido a Polydor en Alemania. Polydor realizó una tirada de prueba muy limitada y decidió archivarlo sin publicarlo. Originalmente, Billion Dollar Babies surgió con la esperanza de que Alice regresara y que Battle Axe fuera el nuevo disco del grupo de Alice Cooper. Ese no fue el resultado, y todos decidieron seguir adelante sin Alice. La revista Time publicó un breve pero esperanzador artículo sobre el grupo en 1977. Se había planeado un espectáculo fantástico y muy teatral en el que Bruce y Marconi se enfrentarían como gladiadores. A pesar del comienzo prometedor, la banda se vio envuelta en una demanda por el uso del nombre. El espectáculo resultó demasiado costoso y la gira fue bastante breve. Su único lanzamiento fue Battle Axe en 1977. Desafortunadamente, el disco perdió impulso al ser retirado del mercado por problemas de masterización que provocaban que la aguja del tocadiscos saltara. Bruce, Dunaway y Smith también habían invertido una gran suma de su propio dinero en el proyecto. Jack Douglas, quien había trabajado en Muscle of Love con Jack Richardson, fue contratado para solucionar el problema de masterización. Con tantos problemas a su alrededor, el grupo se disolvió.
La banda Josiah-Bruce
En enero de 1990, Michael conoció a un hombre llamado Josiah que trabajaba con jóvenes con problemas. Compartían un interés común por la música y se hicieron amigos. Josiah y Bruce pronto decidieron formar una banda y llamarla The Josiah Bruce Band. La banda también incluía a Ronnie Bolsega (de Hammond, Indiana) en la batería, Joel DuBois (de JFA) en el bajo y Mike Carpenter (también conocido como Psych) (de Down Boy y RAFR) en la guitarra. Tocaron en vivo y grabaron material suficiente para un álbum, pero nunca se publicó nada
El Grupo Michael Bruce
No More Mr Nice Guy: The Inside Story of the "Alice Cooper" Group de Michael Bruce y Billy James se publicó el 1 de octubre de 1996 (y se actualizó y reeditó en 2000). Un libro relativamente corto (159 páginas), con algunas fotos raras de la colección personal de Bruce, fue publicado por SAF Publishing (una empresa del Reino Unido). En 1996, Bruce se había mudado a Texas y vio su álbum, In My Own Way, lanzado por primera vez en CD por One Way Records. En 1998, mientras residía en Houston, Michael formó una banda que tocaba localmente y giraba como The Michael Bruce Group. Los miembros de la banda eran Michael Bruce (guitarras, voz y teclados), David "Vito" Mastrovito (guitarra y voz), John Glenn (teclados y voz), Wilton Hudgens (bajo y voz) y Troy Powell (batería y voz); Tom Turner (mánager de gira y asistente). Tras la primera etapa de la gira de 1998, Mastrovito abandonó la banda; Glenn había optado por no salir de gira desde el principio. El trío Michael Bruce Group (Bruce, Hudgens y Powell) actuó en Clarion, Iowa, en el primer Memorial de Glen Buxton (durante su gira por el medio oeste de 1998); Clarion es donde falleció y fue enterrado el antiguo compañero de banda de Michael.
La banda se mudó brevemente a los suburbios de Chicago, Illinois, a finales del verano de 1998. Bruce y Hudgens actuaron con Neal Smith (baterista original del grupo de Alice Cooper) en la primera Convención de Chiller Theatre en Washington, D.C., antes de regresar a Texas a finales de año. Reformaron la banda con Joe Garbo (batería y percusión) y Jeff Harris (saxofón, piano y voz) en el año 2000. Esta formación actuó en el Anne Rice's Coven Ball en el State Palace Theatre (Nueva Orleans), Luisiana, y en el 3er Memorial de Glen Buxton en el Whisky a Go Go de Los Ángeles. Ingo Geirdal también participó como guitarrista invitado con el grupo en el 3er Memorial de Glen Buxton.
Después de 2003,
Michael regresó a su estado natal de Arizona y formó una nueva banda. Su reformada Michael Bruce Group incluía a Bruce (guitarras y voz), Bob Russell (guitarras y voz), Thomas Dominick (bajo y teclados) y Bob Allen (batería).
El 1 de mayo de 2004 debutó en Tucson, Arizona, un nuevo grupo de Michael Bruce. La formación estaba compuesta por Bob Russell (guitarra), Jeff Harris (saxofón, piano y voz), Thomas Dominick (órgano y teclados), Mondo Thomas (bajo), Robin Horn (hijo del icono del jazz Paul Horn) (batería) y Bruce (guitarras, teclados y voz).
El 16 de septiembre de 2005 se lanzó un nuevo álbum de Michael Bruce autorizado para Islandia en una edición limitada de 200 copias en un digipak de lujo. The Second Coming of Michael Bruce – Alive & Re-Cooperated fue el primer lanzamiento oficial de Bruce en muchos años (aunque exclusivo para Islandia en ese momento) e incluyó 17 canciones grabadas en Islandia entre 2002 y 2003. El CD, de 74 minutos de duración, incluía nuevas grabaciones de estudio, así como actuaciones en directo inéditas de Michael Bruce y su banda islandesa interpretando canciones de toda su carrera. Todas las grabaciones se realizaron profesionalmente en 24 pistas y fueron mezcladas por Ingo y Silli Geirdal. El digipak de lujo incluía ilustraciones de Michael Bruce realizadas por Ingo, fotos de la banda y notas exclusivas de Dennis Dunaway.
Durante 2010, Michael fue invitado a participar en un nuevo disco de Alice Cooper, Welcome 2 My Nightmare (la secuela del original Welcome to My Nightmare). Bruce coescribió la canción "When Hell Comes Home" del álbum. Welcome 2 My Nightmare también contó con actuaciones de Neal Smith, Dennis Dunaway, Dick Wagner y Steve Hunter. Alice también invitó a Bruce, Hunter, Dunaway y Smith a actuar con él ese diciembre en su evento anual de recaudación de fondos Christmas Pudding en el Dodge Theatre de Phoenix, Arizona
En la primavera de 2011, Bruce (como miembro del grupo original de Alice Cooper) fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en la categoría de "Intérprete".
En la primavera de 2016, la nueva banda de Michael, Michael Bruce Force, ofreció un concierto en Asylum Records para celebrar el Record Store Day el 6 de abril de 2016 en Mesa, Arizona. La última formación de The Michael Bruce Group está grabando y organizando conciertos con Michael Bruce (guitarra y voz), Lynette Bruce (bajo), Jimmy Waldo (teclados), Steve Potts (guitarra) y Matt Indes (batería).
Michael participó en tres canciones del siguiente lanzamiento de Alice Cooper, el álbum Paranormal de 2017: la canción "Rats", así como dos temas extra con miembros originales de la banda de Alice Cooper: "Genuine American Girl" y "You and All of Your Friends".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con As Rock Rolls On.
.jfif)
