Clive Davis

Clive Jay Davis nació en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, el 4 de abril de 1932. Productor musical, empresario y compositor.

El sitio www.clivedavis.com publicó su biografía.

Como el ejecutivo más innovador, franco e influyente de la industria discográfica, Clive Davis ha tenido un profundo impacto en el mundo de la música, actuando como su defensor y crítico, y quizás como su portavoz más visible y respetado. Las contribuciones de Clive Davis a la música son, en gran medida, responsables de haber llevado a la industria al nivel en el que se encuentra en el nuevo milenio.

En la primera etapa de su carrera, Davis fue Asesor General de Columbia Records y fue nombrado Vicepresidente y Gerente General en 1966. En 1967, fue nombrado Presidente de la compañía. El Festival Pop de Monterey en junio de 1967 confirmó lo que Davis sentía sobre el rock: la nueva música era una fuerza poderosa, la expresión artística de una cultura emergente. Él personalmente fichó a Janis Joplin's Big Brother y The Holding Company para Columbia. Después de eso, fue directamente responsable de la contratación de muchos otros artistas emblemáticos en el ámbito del rock, entre ellos Blood, Sweat & Tears, Chicago, Santana, Boz Scaggs, Loggins & Messina, Laura Nyro, Billy Joel, Bruce Springsteen, Aerosmith y Earth, Wind and Fire. Además de traer este talento fresco y flamante a Columbia, fichó a artistas como Neil Diamond, Pink Floyd, Herbie Hancock y The Isley Brothers.

Mientras construía la plantilla de rock, Davis también fortalecía el catálogo del sello en todos los ámbitos de la música grabada, alcanzando un éxito histórico en las áreas de R&B, country, jazz y pop. Desempeñó un papel clave en las carreras de Simon & Garfunkel, Sly & The Family Stone, Bob Dylan, Barbra Streisand y Andy Williams. Davis tuvo una participación destacada en los momentos decisivos de la carrera de Miles Davis y Herbie Hancock, y firmó con Weather Report. Bajo su dirección, la compañía se adentró con fuerza en el R&B. El acuerdo de Davis con Gamble & Huff trajo a la compañía el famoso sello Philadelphia-International, que cosechó una enorme cantidad de éxitos y marcó el rumbo de la música negra en los años 70.

Davis dejó Columbia Records en mayo de 1973 y, tras escribir el libro "Clive: Inside The Record Business", un éxito de ventas nacional tanto en tapa dura como en rústica, fundó, junto con Columbia Pictures, Arista Records en otoño de 1974. La buena racha de Arista Records comenzó de inmediato. Tan solo tres meses después de la apertura de la compañía, el éxito rotundo de Barry Manilow, "Mandy", fundado y bautizado por Davis, alcanzó el número uno.

Bajo el liderazgo de Davis, Arista impulsó las carreras de Whitney Houston, Barry Manilow, Patti Smith, Kenny G, Sarah McLachlan, Monica y Dido. El sello también atrajo a artistas tan importantes como Aretha Franklin, The Grateful Dead, The Kinks, Lou Reed, Eurythmics, Dionne Warwick, Daryl Hall & John Oates, y Carly Simon.

La división de Arista en Nashville, fundada en 1988, se convirtió rápidamente en el centro de atención de la industria con el descubrimiento de un elenco estelar de estrellas, liderado por Alan Jackson, Brooks & Dunn, Diamond Rio, Pam Tillis y Brad Paisley. Con más de 150 importantes premios de la industria, Arista Nashville marcó la pauta de la música country.

De manera análoga a su acuerdo con Gamble & Huff en los años setenta, Davis hizo su acuerdo con LA Reid y Babyface para formar LaFace Records en octubre de 1989. Durante este tiempo, LaFace construyó una lista destacada de artistas de éxito, incluidos TLC, Toni Braxton, Usher, OutKast y Pink.

En 1994, Davis y el productor y empresario Sean "Puffy" Combs formaron una empresa conjunta al 50% que dio lugar a la creación de Bad Boy Records, con una lista de artistas que creció hasta incluir a Notorious BIG, Faith Evans, Mase, 112 y, por supuesto, a Puffy Combs. Junto con LaFace Records, Bad Boy se convirtió en el sello discográfico de hip-hop y rap más exitoso de los 90, con una colección repleta de premios Grammy, "Soul Train" y otros premios de la industria. Bad Boy acumuló ventas de más de 12 millones de álbumes en sus primeros tres años, incluyendo cinco discos de platino y multiplatino de la RIAA y diez discos de oro de la RIAA.

A lo largo de los noventa, Arista se consolidó en la historia de la música una y otra vez. En concreto, superestrellas como Whitney Houston, Santana, Monica, Sarah McLachlan y Deborah Cox batieron récords con sus prolongadas posiciones en los primeros puestos de las listas. De hecho, Arista se forjó un nicho como el único sello discográfico en la era Soundscan (cuyo seguimiento comenzó en mayo de 1991) que ocupó los tres primeros puestos de la lista Hot 100 de Billboard simultáneamente. Esto ocurrió durante cinco semanas en 1995, cuando "Waterfalls" de TLC se mantuvo firme en el número 1, mientras que "Don't Take It Personal" de Monica y "One More Chance" de Notorious BIG se alternaron en la segunda y tercera posición. Arista se alzó con el primer puesto en la lista Hot R&B de Billboard en febrero de 1999 con «Heartbreak Hotel» de Whitney Houston, «Angel Of Mine» de Monica y «Nobody's Supposed To Be Here» de Deborah Cox (que se mantuvo en el número 1 durante 14 semanas, una cifra histórica). Los tres sencillos contaron con la producción ejecutiva de Clive Davis.

El álbum ganador de 9 premios Grammy, Supernatural, vendió más de 26 millones de copias en todo el mundo, produjo los éxitos #1 "Smooth" y "Maria Maria" (disco #1 en el Hot 100 Singles de Billboard durante 12 semanas), marcó la reunión de Carlos Santana y Clive Davis y los dos aceptaron, como productores, el Grammy al Mejor Álbum del Año.

Además, en el año 2000, Clive Davis fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como el único artista no intérprete, junto con otras leyendas como Eric Clapton, Earth, Wind & Fire y James Taylor. Casi simultáneamente, se anunció que el célebre líder de Arista recibiría el premio Trustees Lifetime Achievement Award de NARAS en los Premios Grammy.

El año histórico continuó con la transmisión de NBC Television, un especial de dos horas en horario estelar en honor a Arista Records y Clive Davis, titulado "25 años de éxitos #1: Celebración del aniversario de Arista Records", con actuaciones de Santana, Whitney Houston, Aretha Franklin, Toni Braxton, Puff Daddy, Annie Lennox, Sarah McLachlan, Alan Jackson, Barry Manilow, Brooks & Dunn, Kenny G, Patti Smith, Monica y muchos otros. Este concierto único benefició a AmFAR, City Of Hope y la Fundación TJ Martell.

En agosto de 2000, Clive Davis inició una nueva etapa en su carrera al anunciar la creación de J Records. El sello se convirtió rápidamente en el centro de atención de la industria con una sucesión de éxitos de platino, comenzando con Alicia Keys, cuyo álbum debut, Songs In A Minor, vendió más de 10 millones de copias y arrasó en los Grammy. Su segundo álbum, The Diary of Alicia Keys, debutó en el número 1 y, desde entonces, ha vendido más de 8 millones de copias en todo el mundo.

J Records ha emergido como una fuerza musical dominante con álbumes que encabezaron las listas de éxitos de Maroon 5, cuyo álbum debut vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo, Annie Lennox, Luther Vandross y Rod Stewart, cuyos cinco Great American Songbook Volumes lo devolvieron a la cima de las listas vendiendo más de 18 millones de copias en todo el mundo, con los cinco volúmenes coproducidos por Davis.

La pasión de Davis por la música, sin embargo, se ve acompañada por su pasión por ayudar a sus semejantes. Galardonado con numerosas distinciones humanitarias de organizaciones como la Fundación TJ Martell, la Liga Antidifamación y la Sociedad Americana del Cáncer, Davis comenzó su incansable labor en la lucha contra el SIDA en 1985. Clive Davis, uno de los líderes más destacados en la lucha contra la enfermedad, ha liderado la donación de millones de dólares a organizaciones benéficas contra el SIDA durante los últimos 15 años. A principios de 1990, fue Davis quien intervino para salvar el vacilante espectáculo benéfico contra el SIDA "Rock In A Hard Place". Con los recursos de 15 años de talento estelar de Arista, Davis decidió convertir el concierto del 15º aniversario de la compañía en un evento benéfico. Con un elenco estelar de estrellas del mundo de la música, la televisión y el cine, "That's What Friends Are For: Arista's 15th Anniversary Concert Benefit" tuvo lugar en marzo de 1990 en el Radio City Music Hall de Nueva York. El evento recaudó otros 2 millones de dólares para luchar contra el SIDA.

En 1995, Davis fue nombrado nuevamente Humanitario del Año por la Fundación TJ Martell, el primero en recibir este honor dos veces. En 1998, Clive Davis recibió el Premio Humanitario de la Fundación Americana para la Investigación del SIDA (AmFAR), la principal organización sin fines de lucro del país dedicada a apoyar la investigación del VIH/SIDA. Para celebrarlo, se celebró un evento que también reconoció la labor humanitaria de Barbara Walters y Tom Hanks, donde una deslumbrante selección de superestrellas de Arista, como Whitney Houston y Sean "Puffy" Combs, actuaron en honor a su amigo y director del sello.

En 2002, Mary Schmidt Campbell, decana de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, y Clive Davis anunciaron una donación de 5 millones de dólares de Davis a la Escuela para la creación de un nuevo Departamento de Música Grabada. El Departamento de Música Grabada Clive Davis es el primero de su tipo en ofrecer un programa de grado de cuatro años que otorga un título y reconoce al productor creativo como artista por derecho propio y a la grabación musical como medio creativo. Ese mismo año, Davis fue reconocido por el Conservatorio de Monumentos Históricos de Nueva York como "Monumento Histórico Viviente" junto con Barbara Cook, Peter Martins y Mike Wallace, y también recibió el codiciado Premio Héroes de NARAS. El Premio Héroes honra a personas destacadas cuyo talento creativo y logros trascienden todas las fronteras musicales y son parte integral de la vitalidad de la comunidad musical.

En junio de 2003, la Academia Nacional de Música Popular/Salón de la Fama de los Compositores, la organización dedicada a reconocer el trabajo y las vidas de los compositores y letristas que crean música popular en todo el mundo, nombró a Clive Davis el destinatario de su Premio Hitmaker 2003, otorgado el año anterior a Garth Brooks.

En el año 2008, Clive Davis fue nombrado Director Creativo de todo Sony Music Entertainment, un cambio en la responsabilidad operativa pero una expansión de los artistas de los que ahora sería responsable creativamente.

En el año 2010, NARAS anunció que nombraría al prestigioso teatro de última generación dentro del Museo Grammy como “Teatro Clive Davis”.

En 2011, la Universidad de Nueva York otorgó un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes a Clive Davis. También en 2011, Davis realizó una donación adicional de 5 millones de dólares, ampliando el Departamento de Música Grabada para convertirlo en un Instituto. Este apoyo adicional y su ascenso permitirán la contratación de más profesionales estelares como profesorado, establecer un generoso fondo de becas y apoyar programas para reclutar a los jóvenes talentos más destacados de todo el mundo, consolidando así el reconocimiento del Instituto Clive Davis de Música Grabada como líder mundial en la formación de talento para la industria musical.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, Clive Davis se graduó con honores de la Facultad de Derecho de Harvard y obtuvo su licenciatura magna cum laude en la Phi Beta Kappa de la Universidad de Nueva York.

Reside en Manhattan con dos hijos y una hija que residen en el área metropolitana y un hijo que vive en Los Ángeles.

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Jimmy McGriff

James Harrell McGriff, Jr., más conocido como Jimmy McGriff, nació en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, el 3 de abril de 1936, y murió en Voorhees, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 24 de mayo de 2008. Organista.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Jimmy McGriff.

James Harrell McGriff, Jr. (Filadelfia, 3 de abril de 1936, Estados Unidos – 24 de mayo, Voorhees, Nueva Jersey, Estados Unidos), conocido en el mundo de la música profesional como Jimmy McGriff, fue un organista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues, y soul jazz y jazz funk. Especialista en el órgano Hammond B-3.

Sus padres tocaban el piano y entre sus familiares estaban el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin. Envuelto en la música religiosa de la iglesia de su familia, consiguió sus primeros instrumentos, una batería, a los ocho años. Hacia los diez, tocaba el saxo alto y el bajo acústico, y terminando el instituto aprendió también a tocar el vibráfono, el piano y la batería. Aunque su primer instrumento fue el bajo, pronto se pasó al órgano Hammond tras ver a Richard «Groove» Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey.

Una vez de vuelta en Estados Unidos, y tras licenciarse del ejército, McGriff dejó por un tiempo su actividad musical para trabajar en la policía de Filadelfia durante dos años y medio. Con todo, en ningún momento perdió su interés en la música, y hacia 1955 ya tocaba como músico de bajo acompañando a cantantes como Carmen McRae y, más frecuentemente, a Big Maybelle.

Su carrera se relanzó con gran éxito cuando McGriff grabó una serie de excelentes álbumes para el sello «Sue» entre 1962 y 1965. Más tarde, en los años 60 y 70, tocó en la banda de Buddy Rich, y a partir de 1986, con el saxo Hank Crawford. Durante aquella época, McGriff actuó en clubes y salas de conciertos de todo el mundo, se instaló en Newark, Nueva Jersey, y finalmente abrió su propio club, el «The Golden Slipper».

Ya en los años ochenta, grabó abundantemente con el prestigioso sello «Milestone», colaborando con Rusty Bryant, Al Grey, Red Holloway, David «Fathead» Newman, Frank Wess y Eric Alexander. En 1986, McGriff inició una asociación popular con el saxofonista alto Hank Crawford con el que también grabó varios discos para el referido sello Milestones.

Ya casi al final de su carrera, McGriff consiguió de nuevo relanzar su carrera formando el grupo: «The Dream Team», que incluía a David «Fathead» Newman (saxofonista de Ray Charles desde hacía mucho tiempo) y el baterista Bernard Purdie. Grabó otros cinco discos de enorme éxito y calidad: Team (1997), Straight Up (1998), McGriff’s House Party (2000), Feelin’ It (2001) y McGriff Avenue (2002).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Vicky, con el Cuarteto de Hank Crawford. 

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Marvin Gaye

Marvin Pentz Gay, Jr., más conocido como Marvin Gaye, nació en Washington D. C., Estados Unidos, el 2 de abril de 1939, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 1 de abril de 1984. Cantante, compositor, pianista y productor.

El sitio www.marvingaye.net publicó su biografía.

Marvin Gaye fue una figura clave en la música del siglo XX: cantante de una sensibilidad excepcional, pianista versátil, baterista experto, compositor de sorprendente originalidad y productor capaz de integrar a la perfección multitud de vertientes melódicas. Más allá de su gran popularidad, su impacto en los artistas de su generación y de las futuras es enorme.

Como ningún otro artista, Gaye poseía una singular capacidad para combinar lo profano y lo espiritual. Un hombre que vivió gran parte de su vida en conflicto consigo mismo, la música fue su refugio, el lugar donde generó una armonía maravillosa.

Marvin Pentz Gay Jr. nació el 2 de abril de 1939 en Washington, D. C. Su padre llegó al Distrito desde Kentucky, donde conoció a Alberta, la madre de Marvin, una mujer soltera de Carolina del Norte con un hijo pequeño, Michael. Marvin Sr. y Alberta se casaron en 1935. Su primera hija fue Jeanne, seguida por Marvin Jr., su hermano Frankie y su hija Zeola. La familia vivía en lo que Marvin llamaba "Ciudad Simple", los proyectos del Capitolio Este.

Su infancia fue dura. Alberta trabajaba como empleada doméstica y su padre tenía un puesto a tiempo parcial en la oficina de correos local. Marvin padre era principalmente predicador, líder de una secta cristiana esotérica que combinaba el judaísmo ortodoxo con el cristianismo fundamentalista. La denominación era decididamente musical. Esa música —los sonidos gospel de alegría festiva— constituía la base del arte de Marvin.

“Me encantaba la voz de mi padre al cantar”, dijo Marvin. “Me encantaba su voz al predicar. Amaba todo en su iglesia. Él esperaba que cumpliera lo que él consideraba el mandato de Dios: que cantara, predicara y continuara su sagrada tradición. Sentí el llamado. Me sentí tentado. Pero el hecho de que eligiera otro camino arruinó nuestra relación. Me rebelé contra su autoridad. Me rebelé contra toda autoridad”.

Marvin Jr. asistió a Cardozo High, donde formó un grupo de canto, DC Tones, con sus amigos Reese Palmer y Sondra Lattisaw.

“Después del gospel, mi gran influencia fue el doo wop”, explicó el cantante. “Mis cuatro solistas favoritos eran Rudy West, Clyde McPhatter, Little Willie John y Ray Charles”.

Marvin dejó la escuela en el undécimo grado para unirse a la Fuerza Aérea, donde no duró mucho. No soportaba ni la disciplina ni las tareas domésticas.

“Mi baja fue honorable”, dijo, “aunque decía claramente: 'Marvin Gaye no puede adaptarse a la disciplina y la autoridad'”.

En 1957, el joven de 18 años regresó a DC.

“Decidí que, pasara lo que pasara”, dijo, “iba a triunfar como cantante pop”.

Marvin se reunió con Reese Palmer y se unió a los Marquees, el grupo que llamó la atención del arquitecto del rock & roll Bo Diddley. Diddley produjo y grabó al grupo para Okeh en Nueva York. Las canciones no se vendieron, lo que convenció a los Marquees de disolverse. Harvey Fuqua los convenció de lo contrario.

Titán del movimiento doo wop, Fuqua formó los Moonglows, que alcanzaron éxitos nacionales como "Sincerely" y "The Ten Commandments of Love". En 1958, reemplazó a sus miembros actuales con los Marquees, rebautizando su conjunto como Harvey and the Moonglows. Fuqua los grabó cantando "Mama Loochie" y "Twelve Months of the Year", ambas con la voz juvenil de Marvin Gaye.

A pesar de todo su exuberante encanto, el doo wop se desvanecía rápidamente. El astuto Fuqua disolvió a los Moonglows y se dirigió a Detroit, donde Berry Gordy estaba dando que hablar con su recién formado sello. En el viaje, Fuqua solo se llevó a uno de los Moonglows: Marvin.

Eran los inicios de los sesenta. Marvin acababa de cumplir veintiún años y decidió añadir una "e" a Gaye. Motown era un negocio familiar en el que las hermanas mayores de Gordy desempeñaban papeles importantes. Fuqua se casó con una de ellas, Gwen, y, dos años después de llegar a Detroit, Marvin se casó con otra, Anna, una mujer diecisiete años mayor que él. Adoptaron un hijo, Marvin III.

Mientras el sello discográfico generaba interés, Marvin pasaba mucho tiempo en el estudio como baterista de sesión y corista. Pero él y Anna tenían sus propios planes: convertir a Marvin en una estrella. Firmó como solista, pero se resistía a la plataforma del rhythm and blues. Quería despuntar como cantante de Nat Cole y Frank Sinatra. Pero cuando su álbum debut, The Soulful Moods of Marvin Gaye, fracasó, Marvin se volvió humilde rápidamente. Para sobrevivir en la cultura altamente competitiva de Motown, necesitaba un éxito. Lo consiguió en 1963 con "Stubborn Kind of Fellow". La canción era puro R&B y también la primera de lo que sería una serie de reflexiones autobiográficas que durarían toda su carrera.

Siguieron una serie de éxitos. La mayoría fueron escritos por otros compositores de Motown: Smokey Robinson escribió "Ain't That Peculiar"; Holland-Dozier-Holland escribió "Pride and Joy". Al mismo tiempo, Marvin coescribió un gran éxito para Martha and the Vandellas: "Dancing in the Street". También alcanzó el éxito como cantante de dúo con Mary Wells ("What's the Matter With You Baby") y Kim Weston ("It Takes Two"). El punto álgido de su trabajo en dúo fue una serie de canciones de amor clásicas, incluyendo "Ain't No Mountain High Enough", "Your Precious Love" y la propia composición de Marvin "If This World Were Mine", con Tammi Terrell. Luego, dos eventos, uno triunfal y el otro trágico, cambiaron el curso de su carrera.

El primero fue "I Heard It Through the Grapevine", el sencillo producido por Norman Whitfield que, al momento de su lanzamiento en 1968, se convirtió en el más vendido en la historia de Motown. Reflejando la turbulencia de su matrimonio con Anna, la canción convirtió al cantante en una superestrella. Un año antes, en 1967 —el mismo año en que Marvin grabó "Grapevine"—, Tammi se desplomó en sus brazos durante una actuación en Virginia. Diagnosticada con un tumor cerebral, falleció tres años después a los 24 años. Su fallecimiento traumatizó a Marvin. Se negó a actuar en vivo y se volvió solitario.

Recluse lo condujo a una introspección que finalmente derivó en otro cambio radical: el lanzamiento de What's Going On en 1971. Contrariando la creencia popular —que su popularidad dependía únicamente de las canciones de amor—, creó esta colección de canciones adoptando el personaje de su hermano Frankie, quien acababa de regresar de Vietnam. Los textos de Marvin abordaban los problemas de la época: la futilidad de la guerra, el deterioro ecológico, los peligros de la drogadicción, la brutalidad de las fuerzas del orden, todo visto desde la perspectiva del amor cristiano. El disco fue un éxito rotundo y un punto de inflexión en la cultura popular.

Para 1972, Marvin, al igual que Motown, se mudó de Detroit a Los Ángeles. En poco tiempo, creó otra obra maestra: la banda sonora de la película Trouble Man, que, más allá del tema principal, que encabezó las listas de éxitos, lograba el equilibrio perfecto entre el rhythm and blues instrumental y el jazz sofisticado.

Marvin nunca dejaba de sorprender, o incluso de impactar. En 1973, tras grabar un álbum a dúo con Diana Ross, produjo Let's Get It On, una extravagante celebración del amor físico y sagrado. Fue entonces cuando conoció a la que se convertiría en su segunda esposa, Janis Hunter.

"Let's Get It On" fue un éxito rotundo, superando incluso las ventas de "Grapevine". Tres años después, en 1976, Marvin subió la apuesta al colaborar con el productor Leon Ware para crear otra colección de música sensual de múltiples capas: el aclamado "I Want You".

En 1977, Marvin se casó con Jan, con quien tuvo dos hijos, Nona y Frankie. 1977 fue el mismo año de su último top ten de Motown, el contagioso "Got to Give It Up", un éxito dance anti-disco sobre un hombre, como él, reacio a bailar.

Un año después, lanzó su trabajo más personal, Here, My Dear, que narraba su tormentosa relación de dos décadas con Anna. El álbum tuvo pocas ventas, pero años después fue redescubierto por fans y críticos, y ahora se considera uno de sus logros más audaces.

Los demonios de Marvin eran formidables: la drogadicción y una depresión devastadora. A finales de los ochenta, solo trabajaba esporádicamente. En 1982, dejó Motown y firmó con Columbia.

Su éxito de regreso, "Sexual Healing", fue un éxito mundial. Pero durante y después de la gira estadounidense para promocionar el disco, cayó en un profundo descontrol emocional. De vuelta en Los Ángeles, viviendo en la casa que les había comprado a sus padres, su comportamiento errático lo llevó a agredir físicamente a su padre, quien disparó fatalmente a su hijo el 1 de abril de 1984, un día antes del 45.º cumpleaños de Marvin.

Las terribles circunstancias de su fallecimiento no han mermado en absoluto su reputación artística. En las décadas transcurridas desde entonces, su influencia ha crecido exponencialmente. Su capacidad para transformar la turbulencia de su vida en música trascendente ha dado lugar a un corpus musical maravillosamente satisfactorio. Su grandeza reside en su ingenio para transformar la energía espiritual en canciones que inspiran y deleitan.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Sexual Healing.

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Gil Scott-Heron

Gilbert Scott-Heron nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 1 de abril de 1949, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 27 de mayo de 2011. Poeta y músico.

El sitio www.poetryfoundation.org

Gil Scott-Heron 1949—2011

El poeta y músico Gil Scott-Heron nació en Chicago. Su madre, Bobbie Scott-Heron, fue cantante de ópera y maestra, y su padre nacido en Jamaica, Gilbert Heron, fue el primer jugador profesional de fútbol negro en los Estados Unidos y el primero en jugar en el Celtic FC en Escocia. Después del divorcio prematuro de sus padres, Scott-Heron se mudó a Lincoln, Tennessee, para vivir con su abuela Lily Scott, música y activista de los derechos civiles. Ella le compró a Scott-Heron su primer piano y le presentó la obra de Langston Hughes. En Lincoln, Scott-Heron fue uno de los tres niños negros seleccionados para desegregar su escuela secundaria. Después de soportar el racismo continuo en la escuela, Scott-Heron se mudó a la ciudad de Nueva York para vivir con su madre. Durante sus años de escuela secundaria en el Bronx, descubrió el trabajo de LeRoi Jones (más tarde Amiri Baraka). Scott-Heron completó varios años de trabajo de curso de pregrado en la Universidad de Lincoln y más tarde obtuvo una maestría en escritura creativa en la Universidad Johns Hopkins.

En un obituario para el New York Times, Ben Sisario describe a Scott-Heron como una “notable voz de la cultura de protesta negra en la década de 1970 y una importante influencia temprana en el hip-hop”, describiendo su “estilo hablado sincopado y críticas mordaces de la política, el racismo y los medios de comunicación”. Scott-Heron estuvo asociado con los Last Poets, cuyo compromiso con la justicia social unió la poesía política y la interpretación musical, lo que ayudó a allanar el camino para el surgimiento del hip-hop.

Las colecciones de poesía de Scott-Heron incluyen " Small Talk at 125th and Lenox: A Collection of Black Poems" (1970) y "So Far, So Good" (1990). Se puede encontrar un resumen de su poesía en " Now and Then: The Poems of Gil Scott-Heron" (2000). También escribió las novelas "The Vulture " (1970) y "The Nigger Factory" (1972), así como las memorias "The Last Holiday" (2012), y es el tema de la biografía " Gil Scott-Heron: Pieces of a Man" (2014), de Marcus Baram.

La formación de Scott-Heron como poeta inspiró su trabajo como músico. Su primer álbum, Small Talk at 125th and Lenox (1970), incluye una recitación acompañada de "The Revolution Will Not Be Televised", que desde entonces ha sido ampliamente reproducida. Lanzó más de una docena de álbumes a lo largo de su carrera, incluyendo The First Minute of a New Day (1975) y Reflections (1981). Para él, la creatividad y la acción política estaban entrelazadas. Junto con Stevie Wonder, Scott-Heron ayudó a reunir firmas para una petición que estableciera un día festivo federal en conmemoración del natalicio de Martin Luther King Jr.

Scott-Heron a veces se autodenominaba bluesólogo, influenciado por el blues, el jazz y la poética del Renacimiento de Harlem. Sin embargo, a lo largo de su carrera, se resistió a los intentos de categorizar su obra, rechazando apodos como "el padrino del rap", comparaciones con Bob Dylan o la etiqueta simplista de su obra como jazz. En las notas de su álbum Spirits (1993), publicado en Now and Then, Scott-Heron escribe que sus poemas y canciones “han sido regalos de los espíritus, así que quizás estas canciones y poemas sean 'espirituales'”. En “Words are for the Mind”, la introducción de ese libro, Scott-Heron afirma: “Para mí es muy importante que mis ideas se entiendan. No es tan importante que yo sea comprendido. Creo que es una cuestión de respeto; su activo más importante es su tiempo, y su compromiso de invertir una parte de él considerando mis ideas significa que vale la pena un intento sincero de mi parte por transmitir la esencia de la idea. Si está buscando, quiero asegurarme de que aquí encuentre algo”. Vivió en Harlem hasta su muerte a los 62 años.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Revolution Will Not Be Televised.

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Mirla Castellanos

La cantante venezolana Mirla Castellanos "La Primerísima". CORTESÍA VENEVISIÓN

Mirla Josefina Castellanos Peñaloza, más conocida como Mirla Castellanos, nació en Valencia, Venezuela, el 31 de marzo de 1941. Cantante, actriz, compositora, locutora y presentadora.

El sitio www.diariolasamericas.com publicó esta biografía firmada por Yolimer Obelmejías.

Mirla Castellanos "La Primerísima" celebra 80 años de vida

Mirla Castellanos "La Primerísima" conmemoró en redes sociales sus 80 años de vida. La cantante venezolana agradeció a sus fans por su apoyo y cariño

Por YOLIMER OBELMEJÍAS 1 de abril de 2021 - 09:16

CARACAS.- Mirla Castellanos "La Primerísima" conmemora 80 años de vida.

"Hoy estoy de cumpleaños!!! Son mis 80 años. Que dicha tan grande poder decir que tengo hoy 80 años. Doy gracias a Dios, mi familia, esposo Miguel Ángel, mis 4 hijos, mis hermosos nietos, hermana y a tanta gente maravillosa que me regala tantas muestras de afecto y cariño", escribió la cantante venezolana en su cuenta de Instagram.

Mirla Castellanos "La Primerísima" agradeció todo lo que ha recibido en esta vida.

"Siempre he dicho y diré siempre la volvería a vivir con todos sus pro y sus contra. Ha sido una bendición. Cumplir y asumir mis 80 años es un regalo de la vida, nunca he tenido complejos en ocultar mi edad. Gracias, Gracias, Gracias siempre a todos. LOS AMO!!!", agregó la artista.

Mirla Castellanos "La Primerísima" suma 61 años de trayectoria artística.

A lo largo de su carrera, se ha desempeñado como cantante, actriz y compositora.

Su bautizo artístico de "La Primerísima" vino de la mano de Luis Guillermo González y Ricardo Tirado y que popularizó el animador Renny Ottolina.

Mirla Castellanos protagonizó en la década de 1970 cuando protagonizó el show Él y Ella junto a su entonces esposo el actor y productor Miguel Ángel Landa.

En 1971, la cantante participó en el "Primer Festival de la Onda Nueva", organizado por el músico y compositor Aldemaro Romero ganando el primer premio con otro tema de Manuel Alejandro, titulado "Fango".

En 1972, Mirla Castellanos "La Primerísima" consigue el cuarto lugar en el Festival de la OTI celebrado en España.

En 1975, consigue el segundo lugar en el Festival de la OTI celebrado en Puerto Rico.

En 1964, Mirla Castellanos "La Primerísima" participa en el elenco de la película "Puerto Rico en Carnaval", donde es acompañada por artistas como Germán Valdés "Tin Tan", Nena Acevedo, Ofelia D´Acosta y Chucho Avellanet.

En 1975 participó en el Festival OTI de la Canción, celebrado en Puerto Rico; y obtuvo el segundo lugar con la canción “Soy como el viento, soy como el mar”. Posteriormente, gracias al apoyo de programas como El Show De Renny, de Renny Ottolina de RCTV, y Sábado Sensacional de Venevisión. Realizó su primera presentación en Nueva York en el Chateau Madrid en 1976.

Mirla Castellanos "La Primerísima" tiene en su haber ser pionera en el montaje de espectáculos con músicos, coros y bailarines. En México, el tema Maldito Amor estuvo seis semanas entre los 10 más colocados en las emisoras radiales de ese país en 1981.

Por otra parte, en 1982 fue la artista invitada en la gala final de la 31 edición del Miss Universo, celebrado en Lima (Perú). Formó parte del jurado del género internacional del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en 1983 y presidió el panel de jueces en 1985.

Mirla Castellanos "La Primerísima" fue uno de los tres talentos suramericanos contratado por la compañía discográfica española Hispavox para la cual grabó entre 1980 y 1987, antes de su adquisición por la empresa EMI Music.

En 1983, gracias al productor de espectáculos Joaquín Riviera, participa como figura principal en la clausura de los IX Juegos Panamericanos, realizados en Caracas, Venezuela entre el 14 y el 29 de agosto de 1983, junto a Guillermo Dávila y el grupo Unicornio, siendo el escenario principal el Estadio Olímpico de la UCV ubicado en la Ciudad Universitaria de Caracas. También ha sido una de las cantantes con más presentaciones en el Miss Venezuela.

Mirla Castellanos "La Primerísima" recibió el Disco de oro en Puerto Rico en 1984; actuó en la entrega del Premio Emmy Award Music, realizado en Nueva York en 1985, y un año antes se convirtió en la única artista venezolana en obtener el Premio Billboard como "Mejor Baladista" por el disco Vuelve Pronto.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Maldito Amor.

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Shalom – EFRAT salvando mundos

Shalom – EFRAT salvando mundos

En el programa de hoy hablaremos sobre EFRAT, una organización que brinda apoyo a las mujeres embarazadas que se plantean interrumpir su embarazo.

Hacé click en el enlace para ver el programa.         

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/efrat-salvando-mundos/16513264/

Roberto Antonio

Roberto Antonio Rosales Arrieta, más conocido como Roberto Antonio, nació en Maracaibo, Venezuela, el 30 de marzo de 1963. Cantautor y músico.

El sitio www.robertoantonio.com publicó su biografía.

La palabra que define su identidad como artista, es definitivamente “alegría”. Con una energía impresionante en el escenario, carisma y dominio en la tarima, su música ha estado presente en todas las celebraciones venezolanas, gran parte de Latinoamérica y del Caribe, con su acostumbrado grito de guerra: “¡Ayayaiii!”. Siempre en constante renovación de su propuesta, ha realizado galas sinfónicas con más de 70 músicos en escena y además ha fusionado el sabor del merengue con ritmos actuales urbanos.

Nace en Maracaibo, estado Zulia el 30 de marzo de 1963, es hijo de Roberto Antonio Rosales y Gladys  de Rosales. Desde muy niño mostró su interés por la música y se inicia en la gaita zuliana, género folklórico musical con el que habitualmente se amenizan las fiestas decembrinas en Venezuela.

Con la canción ‘Chinita de Maracaibo’ obtiene el título de la Voz de oro liceísta venezolana.

Por insistencia de su padre se inscribe en la Universidad del Zulia y cursa dos años de Medicina, pero su pasión por la música es tan grande que abandona la universidad y apuesta a su sueño: ser un cantante profesional.

En el año 1981 graba su primer disco como solista con el sello discográfico Sono-Rodven en el género de la balada pop, pero abandona las filas del sello y, tras un pequeño periodo en la Orquesta La Grande del maestro Renato Capriles, pasa finalmente a formar parte en 1983 de la principal agrupación de Capriles: La Orquesta Los Melódicos. El maestro Renato se refería a ROBERTO ANTONIO como “un cantante con luz propia”.

En Los Melódicos destaca como intérprete de temas éxitos en giras nacionales e internacionales como ‘Fernanda’, ‘Si tú te vas’, ‘Sólo palabras’ y el hit arrollador ‘Mi cocha pechocha’.

El Rey del Tecnomerengue

Rodolfo Rodríguez Miranda, Presidente de la discográfica Sono-Rodven, al escucharlo durante una presentación en vivo en Paladium, -una de las discotecas más selectas de la capital en el momento-, le propone grabar nuevamente en la casa disquera.

Inicia su exitosa carrera como solista con la grabación de una serie de álbumes y éxitos, bajo la producción musical y pluma de Luis Alva y posteriormente bajo la producción de Nelson Alizo con temas de Víctor Daniel y siempre bajo la tutela de Enzo Cassella, destacado especialista en mercadeo discográfico.

En su primer disco como solista, como intérprete del ‘tecnomerengue’, -“Roberto Antonio”, editado en 1988-, se incluye su primer éxito ‘Sacúdete nena’ y canciones como ‘Noches de fantasía’, ‘Mentirosa’, ‘Desde que me dejaste’, que lo consagran como el “Rey del tecnomerengue”, una propuesta musical donde se fusiona la tambora, la conga y el güiro, -instrumentos característicos del merengue dominicano- con timbales, batería electrónica, sintetizadores, guitarras distorsionadas y secuenciadores.

Proseguirán éxitos como ‘Marejada’, ‘Quién sino yo’, ‘Ella pasó por aquí’, ‘Ése si soy yo’ en “Roberto Antonio II”, (1989). En sus siguientes producciones suena insistentemente en la radio con temas como ‘Se va a dar cuenta’, ‘Nadie como tú’ y ‘Ay, ay, ay, cariño’ y comparte con artistas de la talla de Juan Luis Guerra, Sergio Vargas y Wilfrido Vargas en giras nacionales e internacionales. Es premiado con cuatro Discos de Oro, tres Discos de Platino a nivel nacional y con un Doble Disco de Platino y un Disco de Platino Internacional y recibe galardones de gran prestigio en el país, como el Mara de Oro, el Premio Ronda y la Orquídea de Plata.

En 2004 edita su álbum “Hay razón para vivir”, bajo su productora y casa discográfica New Wave Productions, donde diseña su propia estrategia de marketing y apoya el trabajo artístico de nuevos talentos, bajo la gerencia de su esposa, Norma Sanpere. Inicia así, una gira nacional titulada “Hay que rumbear”, nombre del primer sencillo de éste álbum y alterna junto a Los Melódicos, Billo´s Caracas Boys, Diveana y Miguel Moly.

En su primer disco como solista, como intérprete del ‘tecnomerengue’, editado en 1988, se incluye su primer éxito ‘Sacúdete nena’ y canciones como ‘Noches de fantasía’, ‘Mentirosa’, ‘Desde que me dejaste’, que lo consagran como el “Rey del tecnomerengue”, una propuesta musical donde se fusiona la tambora, la conga y el güiro, -instrumentos característicos del merengue dominicano- con timbales, batería electrónica, sintetizadores, guitarras distorsionadas y secuenciadores.

Proseguirán éxitos como ‘Marejada’, ‘Quién sino yo’, ‘Ella pasó por aquí’, ‘Ése si soy yo’ en “Roberto Antonio II”, (1989). En sus siguientes producciones suena insistentemente en la radio con temas como ‘Se va a dar cuenta’, ‘Nadie como tú’ y ‘Ay, ay, ay, cariño’ y comparte con artistas de la talla de Juan Luis Guerra, Sergio Vargas y Wilfrido Vargas en giras nacionales e internacionales. Es premiado con cuatro Discos de Oro, tres Discos de Platino a nivel nacional y con un Doble Disco de Platino y un Disco de Platino Internacional y recibe galardones de gran prestigio en el país, como el Mara de Oro, el Premio Ronda y la Orquídea de Plata.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con dos de sus grandes éxitos: Cuando Estoy Contigo, No Hay Nadie Como Tú.

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Natalia Avelon

Natalia Siwek, más conocida como Natalia Avelon, nació en Breslavia, Polonia, el 29 de marzo de 1980. Actriz, modelo y cantante.

El sitio www.natalia-avelon.com publicó su biografía.

Natalia Avelon

Nacida en Polonia, la actriz emigró a Alemania en 1989 en medio de tensiones políticas en el país.

Su viaje en las artes escénicas comenzó en la Ópera de Wroclaw, donde, a los cuatro años, dio sus primeros pasos en el escenario con su  grupo de ballet. Esta temprana experiencia la impulsó a incursionar en el teatro escolar y el modelaje.

Fue Gunter Sachs (ex marido de Brigitte Bardot) quien la descubrió durante una sesión fotográfica en 1992.

Durante su adolescencia, Natalia continuó desarrollando sus habilidades participando en producciones teatrales y tomando lecciones de actuación, canto y baile. Después de la secundaria, se embarcó en su carrera, trabajando para varios programas de televisión alemanes, consiguiendo su primer papel cinematográfico en "SCHUH DES MANITU" de Michael Bully Herbig y estudiando teatro en Munich.

Su gran salto llegó en 2007, cuando interpretó al personaje principal de "DAS WILDE LEBEN" (una película biográfica sobre Uschi Obermaier, un icono alemán del movimiento hippie de los años 60). Natalia no sólo protagonizó la película sino que también grabó su canción principal. 

"Summer Wine", un dueto con el músico finlandés Ville Valo, alcanzó el estatus de oro y platino.

Desde entonces, Natalia ha estado trabajando en numerosas películas, programas de televisión y producciones teatrales. En 2017 finalmente lanzó su álbum debut llamado "LOVE KILLS".

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Blind Belief.

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Wolfgang Amadeus Mozart. Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478. Peter de Jager, en piano; Bernadette Baker, en violín; Setsuko Minamikawa, en viola; y Nicholas Jensen, en violonchelo.

A continuación, de Wolfgang Amadeus Mozart, el Cuarteto con Piano Nº 1 en Sol Menor K. 478, en la versión de Peter de Jager, en piano; Bernadette Baker, en violín; Setsuko Minamikawa, en viola; y Nicholas Jensen, en violonchelo.

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John Evan

John Spencer Evans nació en Blackpool, Lancashire, Reino Unido, el 28 de marzo de 1948. Pianista y tecladista.

El sitio www.jethrotull.com publicó esta biografía.

JOHN EVAN Teclados – 1971-1980

TODO SOBRE JOHN

John Evan (nacido John Spencer Evans, 28 de marzo de 1948), tocó teclados para Jethro Tull desde abril de 1970 hasta junio de 1980. Estudió en el King's College de Londres.

Evans nació en Blackpool, Lancashire. En 1964, JE se unió a Ian Anderson y Jeffrey Hammond en la banda escolar, The Blades, donde tocaban jazz y blues en clubes juveniles locales. Posteriormente, en 1967, formaron la banda "John Evan's Smash" junto con Ian Anderson, Barriemore Barlow y otros miembros, Tony Wilkinson y Neil Murray. El grupo se disolvió en 1967.

Más tarde, Evan estaba asistiendo a la universidad cuando reconoció a sus antiguos compañeros de banda en la radio con la canción Living In The Past, y comentó años después que le llamó la atención por su compás bastante inusual para una canción pop.

En 1970, tocó como músico de sesión en el álbum Benefit de Tull (donde su agradecimiento dice: «…y John Evan, quien tocó los teclados para nuestro beneficio»), y finalmente Ian Anderson lo convenció de dejar la escuela para convertirse en miembro de pleno derecho de la banda. Además de sus numerosas y distintivas contribuciones al sonido musical general del grupo y su personalidad escénica, también es notable que Evan compusiera la memorable introducción para piano de Locomotive Breath, tras haberlo hecho en el estudio mientras algunos de los demás miembros de la banda estaban almorzando.

Durante su etapa con Jethro Tull, Evan tenía predilección por su característico traje blanco, con una camisa amarilla debajo y una corbata de lunares rosas y amarillos. Evan aparece con este atuendo en fotografías del álbum War Child y del álbum en directo Bursting Out, mientras que una versión pintada de él aparece con el mismo traje y corbata en la contraportada del álbum Aqualung. Durante los conciertos, los gestos de pantomima de Evan, interpretados con desenfreno, evocaban en el público una especie de cruce entre Harpo Marx y El Sombrerero Loco de Alicia en el País de las Maravillas (sin el sombrero). Debido a su familiar traje blanco, Anderson era conocido por referirse en broma a Evan (durante las presentaciones de los miembros de la banda) como "el vendedor de helados favorito de todos".

Evan dejó Jethro Tull en julio de 1980. Posteriormente, formó Tallis con David Palmer, otro miembro saliente de Tull. Tras muchos años dirigiendo su propia constructora, durante los cuales fue reconocido ocasionalmente por los fans más fieles de Tull, ahora reside en Australia. También apareció en el DVD de 2004, Jethro Tull – A New Day Yesterday: The 25th Anniversary Collection (1969–1994) (publicado originalmente en 1994 en VHS), el DVD de 2008, Jethro Tull – Their Fully Authorised Story (1968–2008), y el DVD/CD combinado de 2009, Jethro Tull – Live at Madison Square Garden (1978).

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Up The Pool. 

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Robert Lockwood Jr.

Robert Lockwood Jr., nació en Turkey Scratch, Arkansas, Estados Unidos, el 27 de marzo de 1915, y murió en Cleveland, Ohio, Estados Unidos, el 21 de noviembre de 2006. Guitarrista.

El sitio www.case.edu publicó este recordatorio firmado por Kevin Jones.

LOCKWOOD, ROBERT, JR.

LOCKWOOD JR, ROBERT (27 de marzo de 1915 - 2 de noviembre de 2006) fue un prolífico músico de blues afroamericano que aprendió a tocar la guitarra con Robert Johnson, una de las figuras más influyentes de la historia del blues. Lockwood, basándose en su formación inicial en el blues tradicional, creó un estilo propio y único con tintes jazzísticos, que le valió elogios de prestigiosos guitarristas de blues a lo largo de sus casi setenta años de carrera como intérprete. 

Los primeros años de Lockwood estuvieron inmersos en la tradición del blues. Nacido como el segundo de dos hijos en una granja en Turkey Scratch, Arkansas, sus padres, Robert Lockwood Sr. y Esther Reese Lockwood, se separaron a temprana edad. El joven Lockwood comenzó su carrera musical tocando el órgano, pero en su adolescencia se pasó a la guitarra cuando su madre entabló una relación con Robert Johnson, quien se convirtió en su mentor musical. Con y sin Johnson, Lockwood perfeccionó su talento musical en bares y esquinas de la región del delta del Misisipi. Después de Johnson, Lockwood forjó una importante relación musical con Sonny Boy Williamson II (alias Rice Miller). Con Williamson y otros músicos de estudio, Lockwood actuó regularmente en el programa de radio King Biscuit Time de la KFFA de Arkansas, una de las pocas emisoras de radio que reproducía música afroamericana en la región del delta del Misisipi en aquel entonces.

La carrera posterior de Lockwood reflejó las tradiciones de la Gran Migración, cuando millones de afroamericanos se trasladaron a las ciudades industriales del norte desde las zonas rurales del sur. En la década de 1950, Lockwood se mudó a Chicago y trabajó como guitarrista de sesión para Chess Records, donde tocó con grandes del blues como Muddy Waters y Little Walter, entre muchos otros. También continuó su colaboración con Williamson, quien grabó un álbum con Chess durante este período. Cuando Williamson se mudó a Cleveland en la década de 1960, Lockwood siguió y finalmente estableció su propio camino como director de banda y artista de blues habitual.

Aunque Lockwood solía realizar giras por Estados Unidos e internacionales, Cleveland seguiría siendo su base de operaciones durante el resto de su carrera. Durante décadas, Lockwood fue una figura clave en la comunidad musical de la zona de Cleveland, tocando en clubes como Pirates Cove y Brothers Lounge. Durante sus últimos años, Lockwood y su banda de ocho integrantes ofrecían un concierto semanal fijo todos los miércoles en Fatfish Blue, en la esquina de Prospect Avenue y Ontario Street.

Produjo 16 álbumes de estudio a lo largo de su vida y ganó varios premios, entre ellos dos Premios Nacionales de Música Blues de la Blues Foundation, cuatro Premios WC Handy y un Grammy póstumo en 2008. También fue incluido en el Salón de la Fama del Blues en 1989 y su guitarra de 12 cuerdas de caja semihueca se exhibe en el Salón de la Fama y Museo del Rock and Roll. La ciudad de Cleveland renombró una calle del distrito de entretenimiento de Flats como Robert Lockwood Junior Drive en 1997. 

Lockwood siguió activo musicalmente hasta su fallecimiento en Cleveland a la edad de 91 años. En el momento de su muerte, le sobrevivían ocho hijastros: cuatro de su segunda esposa, Mary Smith Lockwood, y cuatro de su primera esposa, Annie Roberts Lockwood, quien murió en 1997. 

Kevin Jones

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con My daily wishes.

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Steven Tyler

Steven Victor Tallarico, más conocido como Steven Tyler, nació en Yonkers, Nueva York, Estados Unidos, el 26 de marzo de 1948. Cantante, compositor, músico y actor.

El sitio www.biography.com publicó su biografía.

Steven Tyler

El cantante principal de la popular banda de rock Aerosmith con éxitos como 'Dream On' y 'Walk This Way', Steven Tyler, también se desempeñó como juez en 'American Idol'.

Actualizado: 1 de diciembre de 2021, 16:51 EST

Steven Tyler 1948-

¿Quién es Steven Tyler?

Steven Tyler aprendió a tocar la batería y cantar antes de convertirse en el rimbombante y colorido líder de la banda de rock Aerosmith. El grupo alcanzaría un gran éxito en las listas de éxitos con éxitos como "Dream On", "Walk This Way", "Love in an Elevator" y "I Don't Want to Miss a Thing", con más de cuatro décadas de permanencia. Tyler también fue juez de American Idol durante dos años.

Vida temprana y Aerosmith

Steven Victor Tallarico, más conocido como Steven Tyler, nació el 26 de marzo de 1948 en Yonkers, Nueva York. Hijo de un profesor de música, comenzó a tocar la batería desde muy joven, pero luego se centró en el canto.

Tras mudarse a Boston a finales de los 60, Tyler finalmente conoció a los músicos que formarían el grupo de rock Aerosmith. Se dice que conoció al guitarrista Joe Perry y al bajista Tom Hamilton mientras tocaban en diferentes bandas en la zona de Sunapee, New Hampshire. El guitarrista Ray Tabano (quien posteriormente fue reemplazado por Brad Whitford) y el baterista Joey Kramer se unieron a los demás para formar Aerosmith. La banda dio su primer concierto juntos en 1970 y compartían apartamento en Boston.

Éxito comercial

En 1972, Aerosmith firmó un contrato con Columbia Records. Al año siguiente, lanzó su álbum debut homónimo. Incluía la canción "Dream On", que tuvo un éxito menor. En sus inicios, el grupo fue comparado con los Rolling Stones por su sonido bluesero similar y el parecido físico entre Mick Jagger y Tyler. Pero con su tercer álbum, Toys in the Attic (1975), la banda se erigió como un grupo de rock líder por derecho propio. Demostrando su talento para crear hard rock, Aerosmith arrasó con éxitos como "Sweet Emotion" y "Walk This Way".

Problemas personales

Su siguiente álbum, Rocks (1976), también tuvo buenas ventas a pesar de la falta de un sencillo rompedor, al igual que Draw the Line (1977). Pero a finales de la década, la banda se estaba desmoronando. Perry y Whitford finalmente abandonaron el grupo, mientras que Tyler se metió de lleno en las drogas. Tyler mantuvo el grupo a flote añadiendo nuevos miembros, pero sus problemas personales afectaron su creatividad y Aerosmith era solo una sombra de lo que fue.

Regreso después de la rehabilitación

A mediados de los 80, Tyler se había recuperado tras pasar por un programa de rehabilitación. En 1986, el grupo de rap Run-DMC versionó el famoso sencillo de Aerosmith "Walk This Way" en su álbum Raising Hell . La versión, con las voces de Tyler y Joe Perry, ayudó a que Aerosmith volviera a la fama.

Para 1987, la banda había regresado con éxito: ese año, Aerosmith lanzó Permanent Vacation , que incluía los éxitos "Dude (Looks Like a Lady)" y "Rag Doll". El renovado supergrupo de rock tuvo mayor éxito comercial con su siguiente trabajo, Pump (1989), que incluía canciones como "Love in an Elevator" y "Janie's Got a Gun". Con el auge de MTV, los vídeos de la banda les ayudaron a conquistar a una nueva generación de fans.

La racha ganadora de Aerosmith continuó con Get a Grip de 1993, impulsada en parte por sencillos como "Livin' on the Edge", "Cryin'" y "Crazy". A finales de los 90, el grupo no pudo mantener su éxito en las listas, pero Tyler y sus compañeros seguían siendo un gran atractivo para los conciertos, con multitudes de fans acudiendo a verlos tocar en vivo.

Problemas de salud

El famoso artista también tuvo problemas de salud. En 2006, se sometió a una cirugía de garganta que podría haberle quitado el sueño a su carrera como cantante; afortunadamente, la operación fue un éxito, pero Aerosmith tuvo que cancelar la mitad de su gira norteamericana de ese año. También en 2006, Tyler anunció que había recibido tratamiento para la hepatitis C, una enfermedad hepática.

En 2008, Tyler ingresó en la clínica de rehabilitación del Hospital Las Encinas en Pasadena, California, para recuperarse de múltiples cirugías de pierna para reparar daños en sus pies. Luego, en 2009, durante una actuación de Aerosmith, Tyler se cayó del escenario en Dakota del Sur y se fracturó el hombro. La banda se vio obligada a cancelar otra gira.

Tras su caída en 2009, se informó que Tyler no regresaría a Aerosmith. Un mes después, Perry confirmó que Tyler se marchaba para emprender una carrera en solitario, pero poco después, Tyler aseguró a sus fans que no abandonaría la banda. En 2010, el líder emprendió la gira Cocked, Locked, Ready to Rock con Aerosmith, actuando en más de 18 países.

A pesar de los numerosos desafíos en 2009 y 2010, Tyler regresó al estudio con Aerosmith en 2011. La banda lanzó un álbum de grandes éxitos, Tough Love , en 2011, y siguió con Music from Another Dimension! en noviembre de 2012, su primer álbum completo de material original desde 2001.

Memorias y 'American Idol'

La tan esperada autobiografía de Tyler, "¿Te molesta el ruido en mi cabeza?", se publicó en 2011. Un éxito de ventas, el libro ofrece una mirada al interior de sus numerosas y descabelladas aventuras, y algunos críticos lo comparan con las gráficas memorias de Keith Richard, de la revista Rolling Stone, " Life ". Sin miedo a bromear sobre sí mismo, Tyler admitió que padece la "enfermedad del cantante principal".

Tyler tuvo otro gran éxito a principios de ese año al ser juez del popular reality show de cantantes, American Idol. Junto con Jennifer Lopez y Randy Jackson, firmó para una nueva temporada como jueces en 2012.

Sin embargo, en enero de 2012, Tyler se vio bajo la lupa del público y los medios de comunicación. Su interpretación del himno nacional, decepcionante, antes de un partido de playoffs de la NFL generó una ola de críticas; muchos objetaron la forma "tonal" en que cantó "The Star-Spangled Banner". Tyler no respondió públicamente a los comentarios de sus críticos.

En julio de 2012, Tyler anunció que no volvería a American Idol para una tercera temporada. "Después de pensarlo mucho, he decidido que s hora de dejar ir a mi amante, American Idol, antes de que me destroce", declaró a la revista Rolling Stone, haciendo referencia a la película Atracción Fatal. "Me alejé de mi primer amor, Aerosmith, y he vuelto, pero en lugar de suplicar a gatas, me pongo a la defensiva y abro la puerta con mi banda. Los próximos años los dedicaré a arrasar: la conquista auditiva definitiva".

Trabajo en solitario

Después de más de cuatro décadas en el negocio, Tyler lanzó su primer trabajo de estudio en solitario, We're All Somebody From Somewhere, en julio de 2016. El álbum mostró al cantante profundizando en un sonido country, incluso ofreciendo una nueva versión del éxito de Aerosmith "Janie's Got a Gun".

En 2018, Tyler habló sobre los altibajos de su carrera con Harvey Levin en el programa OBJECTified de Fox News. "Tengo una personalidad adictiva, así que encontré ciertas drogas que me encantaban y no paré hasta el punto de dañar a mis hijos, mi vida, a mi familia y a mi banda", dijo la estrella de rock. "Llegó un momento en que no tenía banda y me daba igual".

Residencia en Las Vegas

En agosto de 2018, Tyler y Aerosmith confirmaron que la banda había firmado una residencia en Las Vegas. Su espectáculo "Deuces Are Wild" está programado para 18 presentaciones desde principios de abril hasta julio de 2019 en el Teatro Park del MGM.

Vida personal e hijos

Tyler es padre de cuatro hijos. En 1976, mantuvo una relación con la modelo Bebe Buell; tuvieron una hija, la actriz Liv Tyler. Estuvo casado con la modelo Cyrinda Foxe de 1978 a 1988; tuvieron una hija, la modelo Mia Tyler. Se casó con Teresa Barrick en 1988, con quien tuvo dos hijos, Chelsea y Taj Monroe. La pareja se divorció en 2006. Tyler anunció su compromiso con la modelo Erin Brady en 2011, antes de terminar su relación a principios de 2013.

Mejor conocido por: El cantante principal de la popular banda de rock Aerosmith con éxitos como 'Dream On' y 'Walk This Way', Steven Tyler también se desempeñó como juez en 'American Idol'.

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos:Dream On.

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