domingo, 19 de julio de 2026

Shalom – 9 de Av, entre ruinas y esperanza


Shalom – 9 de Av, entre ruinas y esperanza  

El 9 de Av, conocido como Tisha B'Av, es una de las fechas más significativas del calendario judío. En esta reflexión con el Rab Salama analizamos el origen de esta tragedia marcada por la destrucción de los Templos de Jerusalén y por otros momentos de duelo colectivo a lo largo de la historia judía. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/9-av-entre-ruinas-esperanza/17161806/

Alan Gorrie


Alan Edward Gorrie, más conocido como Alan Gorrie, nació en Perth, Escocia, Reino Unido, el 19 de julio de 1946. Bajista, guitarrista, tecladista, compositor y cantante. 

El sitio www.grokipedia.com publicó su biografía. 

Alan Gorrie 

Alan Edward Gorrie (nacido el 19 de julio de 1946) es un músico, cantante, compositor y multi instrumentista escocés, más conocido por ser cofundador, principal compositor y miembro con más años de servicio de la banda de funk y soul Average White Band (AWB). Como bajista, guitarrista, tecladista y vocalista, Gorrie ha sido fundamental para dar forma a la mezcla característica de jazz-funk y R&B de AWB desde la formación de la banda en 1972, contribuyendo a su estatus como uno de los grupos de soul blancos más exitosos de la década de 1970. Gorrie nació en Perth, Escocia, y desde temprana edad desarrolló un interés por la música influenciada por artistas de jazz y soul como Ray Brown y Marvin Gaye, lo que le llevó a centrarse en el bajo y géneros relacionados. A finales de la década de 1960, tocó en varios grupos, entre ellos The Scots of St. James y Forever More, antes de trasladarse a Londres en 1972 para cofundar AWB junto con el guitarrista Onnie McIntyre y otros miembros. La banda obtuvo una temprana exposición abriendo los conciertos de regreso de Eric Clapton en 1973 en el Rainbow Theatre, lo que ayudó a asegurar un contrato de grabación con Atlantic Records. AWB alcanzó la fama a mediados de la década de 1970 con su álbum revelación AWB (1974), que encabezó la lista de éxitos de R&B de Billboard en Estados Unidos e incluyó el sencillo instrumental "Pick Up the Pieces", un éxito mundial que llegó al número uno en el Billboard Hot 100 en 1975 y se convirtió en la canción insignia de la banda. Gorrie coescribió gran parte del material de la banda y también diseñó su icónico logotipo, contribuyendo a 12 álbumes de estudio, siete álbumes en vivo y nueve recopilaciones a lo largo de las décadas. El éxito del grupo les valió tres nominaciones a los premios Grammy, incluyendo una en 1979 a la Mejor Interpretación Instrumental de R&B por la canción "Sweet and Sour". Tras la disolución inicial de AWB en 1983, en medio de cambios en la formación y las cambiantes tendencias musicales, Gorrie emprendió proyectos en solitario y colaboraciones de alto perfil con artistas como Smokey Robinson y Daryl Hall. Reformó la banda en 1989 con McIntyre, manteniendo un dúo principal en medio de miembros rotativos, y AWB ha continuado de gira y grabando, con el vocalista Brent Carter uniéndose en 2011. En 2024, Gorrie y AWB completaron una gira de despedida, marcando el final de 52 años de presentaciones en vivo y el retiro de la banda, consolidando su legado en la música funk y soul. 

Primeros años de vida 

La crianza en Escocia 

Alan Edward Gorrie nació el 19 de julio de 1946 en Perth, Escocia. Creció en el seno de una familia muy unida en la zona de Jeanfield, en Perth, donde su padre era un pianista habilidoso que actuaba con grupos locales como la Salon Dance Orchestra, y su abuelo paterno era propietario de David Gorrie & Sons, una empresa de ingeniería y calderería que cerró sus puertas alrededor de 1954. Los primeros años de Gorrie estuvieron marcados por los efectos persistentes de la austeridad de la posguerra en Escocia, incluyendo las cartillas de racionamiento que persistieron hasta que tuvo seis años en 1952, y una sensación más amplia de mentalidad de tiempos de guerra que influyó en la vida familiar hasta finales de la década de 1950. Este entorno de clase trabajadora en una ciudad comercial conocida por sus raíces agrícolas y destilerías de whisky como Dewars y Bells proporcionó un telón de fondo modesto y orientado a la comunidad para su infancia. La educación formal de Gorrie tuvo lugar en escuelas locales de Perth hasta el nivel secundario, donde tuvo una temprana introducción al canto a través de su participación en un coro escolar, fomentando conocimientos básicos de teoría musical sin dedicarse aún a ello profesionalmente. Más allá de la música, sus intereses no musicales incluían el arte, lo que más tarde lo llevó a estudiar en el Duncan of Jordanstone College of Art de Dundee a mediados de la década de 1960. Durante la década de 1950, Gorrie tuvo su primer contacto con la música estadounidense a través de la colección de discos de jazz de su padre, que incluía a artistas como Fats Waller, Art Tatum y Fats Domino, así como a través de emisiones de radio y la compra, cuando tenía alrededor de 10 años, del disco "Blue Suede Shoes" de Elvis Presley en formato de 78 rpm. Estas influencias, incluida la llegada "conmocionante" del rock 'n' roll de Buddy Holly y Bill Haley, marcaron su despertar cultural inicial antes de que pasara a realizar actividades musicales más activas a principios de la década de 1960. 

Introducción a la música 

Durante su adolescencia, a principios de la década de 1960, Alan Gorrie comenzó a desarrollar sus habilidades musicales, influenciado inicialmente por la colección de discos de piano de jazz de su padre, que incluía a artistas como Fats Domino, Art Tatum y Meade Lux Lewis, lo que despertó su interés por la música alrededor de los 12 años. Inspirado por "Please Please Me" de The Beatles en 1963 y las versiones de Ray Charles y Roy Orbison del artista local Dougie Martinen el Ayuntamiento de Perth, Gorrie comenzó a explorar el canto mientras estaba en el coro de su escuela, lo que marcó su entrada activa en la interpretación. Aprendió a tocar el bajo en su adolescencia, inspirándose en el bajista de jazz Ray Brown, y también empezó a tocar la guitarra y los teclados, convirtiéndose en un multi instrumentista centrado en las secciones rítmicas que definirían su estilo. A mediados de la década de 1960, Gorrie se unió a la banda The Scots of St. James, tocando el bajo y contribuyendo a su sonido rhythm and blues. Alrededor de 1965-1966, mientras estudiaba arte en el Duncan of Jordanstone College en Dundee, Gorrie cofundó el Blue Workshop en Perth como un club experimental de jazz, blues y soul que servía como centro de colaboración para que los músicos locales experimentaran con R&B y jazz fusión. El lugar permitía formaciones fluidas e improvisación, atrayendo talentos como los saxofonistas Malcolm "Molly" Duncan y Roger Ball, el contrabajista Jim Mullen y el joven baterista Robbie McIntosh, fomentando una escena que mezclaba la sensibilidad del rock escocés con influencias estadounidenses. Gorrie actuó allí con su primer grupo, The Vikings, un grupo de mod y R&B que tocaba en los eventos del club y en locales cercanos como La Bamba en Falkirk, haciendo hincapié en versiones de blues y exploraciones originales de R&B más jazzístico. Este período perfeccionó sus habilidades en la interpretación en conjunto y la composición de canciones. A finales de la década de 1960, Gorrie se unió a la banda Forever More junto al guitarrista Onnie McIntyre, inclinándose hacia un sonido soul y funk que bebía en gran medida de artistas de Motown y Stax como Marvin Gaye, Wilson Pickett, Otis Redding y las líneas de bajo de James Jamerson. El grupo, conocido por sus composiciones con influencias de R&B, realizó importantes conciertos en toda Escocia, incluyendo el Picasso Club de Glasgow, y grabó dos álbumes en los que Gorrie contribuyó como vocalista principal, bajista y coautor, con Duncan y Ball como invitados en el segundo lanzamiento. Estas experiencias consolidaron sus ritmos funk y su interpretación conmovedora, uniendo las escenas locales escocesas con estilos estadounidenses más amplios. En busca de mayores oportunidades en el cambiante panorama musical de Escocia, Gorrie se sumergió en actuaciones por todo el circuito escocés de R&B y soul, incluyendo Glasgow, que ofrecía un público más amplio y contactos con talentos emergentes. Esto lo posicionó dentro de una red de músicos que compartían pasiones por los discos de Tamla Motown y Stax, culminando en su asociación con McIntyre que sentó las bases para futuros proyectos. 

Carrera con Average White Band 

Formación y primeras grabaciones 

La banda Average White Band (AWB) se formó en Londres en 1971 bajo el liderazgo del vocalista y bajista Alan Gorrie, quien reunió la formación inicial con el guitarrista Onnie McIntyre, el saxofonista tenor Malcolm Duncan, el saxofonista alto y tecladista Roger Ball, el guitarrista Hamish Stuart y el baterista Robbie McIntosh. El grupo surgió de las experiencias previas de Gorrie en bandas locales escocesas, reuniendo a músicos unidos por una pasión compartida por el soul y el funk. Estos músicos escoceses se trasladaron a Londres a finales de los años 60 y principios de los 70 en busca de una mayor proyección en la escena musical del Reino Unido, donde perfeccionaron su sonido a través de actuaciones en directo y trabajos como músicos de sesión. Esta decisión fue impulsada por el reconocimiento de que Londres ofrecía mejores perspectivas de grabación e industria en comparación con las oportunidades más limitadas de Escocia. Para 1973, AWB se había trasladado aún más a Los Ángeles para expandir su alcance en el mercado estadounidense, sumergiéndose en el vibrante ambiente funk y soul de la Costa Oeste. La banda firmó con MCA Records y lanzó su álbum debut, Show Your Hand, en 1973, grabado en Londres e incluyendo temas como "Twilight Zone", que mostraba su estilo emergente orientado al groove. Tras un impacto comercial limitado con MCA, AWB pasó a Atlantic Records y lanzó su segundo álbum homónimo, comúnmente conocido como AWB (o el Álbum Blanco), en 1974, consolidando su presencia en los EE. UU. Desde el principio, su música fusionó raíces escocesas de R&B con influencias estadounidenses de funk y soul, inspiradas por artistas como James Brown y Marvin Gaye, dando como resultado un sonido distintivo de soul de ojos azules caracterizado por secciones de metales compactas y líneas de bajo rítmicas. Trágicamente, poco después del lanzamiento de AWB, el baterista Robbie McIntosh murió de una sobredosis de heroína en septiembre de 1974 a la edad de 24 años. 

Avance comercial 

Average White Band logró su gran éxito comercial con el lanzamiento de su álbum homónimo AWB en 1974 a través de Atlantic Records, tras un acuerdo inicial con MCA Records que produjo su álbum debut Show Your Hand, pero con un éxito limitado en Estados Unidos. Producido por Arif Mardin en Atlantic Studios, el álbum incluía la pista instrumental "Pick Up the Pieces", que se convirtió en un sencillo que vendió un millón de copias y encabezó el Billboard Hot 100 durante una semana en febrero de 1975, alcanzando también el número 5 en la lista de R&B. El álbum en sí alcanzó el puesto número 1 tanto en las listas Billboard Pop Albums como en las Black Albums, lo que marcó un cambio fundamental para la banda después de que sus grabaciones con MCA no lograran obtener una tracción significativa en Estados Unidos. Aprovechando este impulso, la banda lanzó álbumes posteriores que consolidaron su posición en los géneros funk y soul. Soul Searching (1976) se convirtió en su álbum más vendido en Estados Unidos, alcanzando el estatus de platino y llegando al puesto número 9 en la lista Billboard 200 y al número 2 en la lista de R&B, con el sencillo "Queen of My Soul" contribuyendo a su éxito. En 1977, colaboraron con la leyenda del soul Ben E. King en Benny and Us, que combinó la instrumentación de AWB con la voz de King en temas como "Get It Up for Love" y "A Star in the Ghetto", alcanzando el puesto número 33 en el Billboard 200. A pesar de sus orígenes escoceses y de estar formados exclusivamente por músicos blancos, Average White Band cosechó un gran éxito entre el público afroamericano de la escena funk y soul, influenciado por iconos como Marvin Gaye y James Brown, y ganándose una reputación por sus auténticos ritmos de R&B que trascendían las barreras raciales.[14] Su éxito fue reconocido con una nominación al Grammy por "Pick Up the Pieces" en la categoría de Mejor Interpretación Instrumental de R&B en la ceremonia de 1976. 

Evolución y longevidad de la banda 

Tras el lanzamiento de sus álbumes Shine en 1980 y Cupid's in Fashion en 1982, Average White Band experimentó tensiones internas y un declive en su viabilidad comercial en medio de las cambiantes tendencias del mercado musical, lo que llevó a la disolución del grupo en 1983. El miembro fundador Alan Gorrie reflexionó más tarde que la separación se debió a que los miembros se distanciaron después de años de intensa colaboración, algo común en los conjuntos musicales de larga trayectoria. Durante el receso, Gorrie se dedicó a proyectos en solitario, incluyendo trabajo de sesión y grabaciones personales, mientras que otros miembros se dispersaron en proyectos individuales. La banda se reunió en 1989, liderada por Gorrie junto a los miembros originales Onnie McIntyre y Roger Ball, con nuevas incorporaciones como el teclista Eliot Lewis, lo que demostró un renovado compromiso con sus raíces funk y soul. Esta encarnación lanzó Aftershock ese año, mezclando ritmos clásicos con elementos de producción contemporáneos para restablecer su presencia. Aprovechando este impulso, lanzaron Soul Tattoo en 1997, que incluía temas como "Soul Mine" y subrayaba la evolución de su sonido a través de una interpretación más compacta del conjunto y contribuciones de invitados. Durante la década de 2000, Average White Band mantuvo una rigurosa agenda de giras internacionales, actuando en Norteamérica, el Reino Unido, Japón y Sudáfrica, al tiempo que publicaba grabaciones en directo como Soul & the City en 2006 para capturar su inagotable energía sobre el escenario. Las recopilaciones como The Very Best Of (2006) destacaron la profundidad de su catálogo, atrayendo una atención renovada a los éxitos y a las canciones menos conocidas que mantuvieron la lealtad de los fans. En 2024, tras 52 años de giras casi continuas, Gorrie anunció el fin de la era de giras de la banda, describiendo los viajes incesantes como agotadores y un factor determinante en la decisión de retirarse de las actuaciones en directo. La gira de despedida concluyó ese año, y su última actuación quedó documentada en una película de concierto estrenada en 2025. Sin embargo, el grupo sigue activo en proyectos de archivo a partir de noviembre de 2025, y Gorrie enfatiza una transición agridulce en lugar de una jubilación completa. 

Carrera en solitario y colaboraciones 

álbumes en solitario 

La discografía en solitario de Alan Gorrie incluye el álbum Sleepless Nights , publicado en 1985 por A&M Records, y el EP The Blue Workshop (2021). Como miembro fundador y principal compositor de Average White Band (AWB), Gorrie se aventuró en el trabajo en solitario durante un período de transición para la banda, recurriendo a sus raíces funk y soul al tiempo que incorporaba elementos de rock más suaves y orientados a adultos (AOR) y yacht rock. El álbum incluye nueve pistas, entre ellas la canción que da título al álbum, "Sleepless Nights" (4:29), "Up" (3:57), "Electric Between Us" (3:50), "Diary of a Fool" (3:44), "That Kinda Girl" (4:24), "I Can Take It" (4:55), "The Girl Upstairs" (4:12), "The Age of Steam" (4:04) y "In the Jungle" (4:16). Producida por Gorrie y su colaborador Jay Gruska, la grabación tuvo lugar principalmente en los estudios Conway Recording Studios en Hollywood, California, y en Skyline Recording en Topanga, California, con la ingeniería de sonido a cargo de Jeff Gold. Gorrie se encargó de las voces, el bajo, los teclados y algunos arreglos, apoyado por un conjunto de destacados músicos de sesión de Los Ángeles que reflejaban el sonido pulido de estudio de la época. Entre los principales colaboradores se encontraban el bajista Nathan East, el guitarrista Michael Landau, el percusionista Paulinho da Costa, los tecladistas Randy Kerber y Michael Boddicker, el saxofonista Steve Tavaglione, el trompetista Gary Grant y el arreglista de metales Jerry Hey de Seawind, junto con los vocalistas Joseph Williams y Michelle Gruska. Esta formación enfatizó el papel multifacético de Gorrie, permitiéndole explorar la composición de canciones con una mayor introspección personal en comparación con la dinámica grupal de AWB, aunque conservando ritmos pegadizos y frases conmovedoras en temas como "In the Jungle" y "Up". Temáticamente, Sleepless Nights profundiza en el anhelo romántico, la vulnerabilidad emocional y la reflexión nocturna, como se evoca en títulos como "Diary of a Fool" y la balada "That Kinda Girl", que combina la sensualidad del R&B con teclados con influencias de jazz y sutiles líneas de saxofón que hacen referencia a la versatilidad instrumental de Gorrie. Si bien no fue un gran éxito comercial, el álbum recibió elogios modestos en los círculos del funk y el soul por sus ritmos auténticos y la interpretación sincera de Gorrie, obteniendo una calificación promedio de 3.56/5 de los oyentes y una calificación de usuario de 6.8/10 en AllMusic, donde se destaca por capturar el sonido AOR de transición de la producción de la Costa Oeste de mediados de la década de 1980. Su limitado impacto en las listas subraya la asociación más fuerte de Gorrie con AWB, aunque el proyecto puso de relieve su evolución hacia una composición más introspectiva y con tintes de jazz fuera del marco funk de alta energía de la banda. El EP Blue Workshop, publicado en 2021, lleva el nombre del club de jazz, blues y soul de Perth que Gorrie cofundó a mediados de la década de 1960, e incluye cuatro temas que exploran estilos similares de R&B con influencias de jazz. 

Apariciones especiales y proyectos paralelos 

A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, Gorrie prestó su voz a varias grabaciones de soul de otros artistas, demostrando su versatilidad más allá de su papel principal en Average White Band. En particular, participó como corista en el álbum debut en solitario de Chaka Khan, Chaka (1978), contribuyendo a temas como "Love Has Fallen on Me" y "Life Is a Dance", junto a su compañero de banda Hamish Stuart y el bajista de sesión Will Lee. Estas apariciones subrayaron la integración de Gorrie en la escena soul de Los Ángeles tras la reubicación de la banda en 1973, donde participó en sesiones de estudio durante los descansos de las giras y grabaciones. En el período posterior a 1982, tras la disolución temporal de la banda, Gorrie se dedicó a colaborar en la composición de canciones, incluyendo sesiones con Daryl Hall de Hall & Oates, donde contribuyó creativamente a nuevo material. Esta colaboración se extendió a la interpretación, ya que Gorrie se unió a Hall para un episodio de 2010 de Live from Daryl's House, ofreciendo una versión de "Pick Up the Pieces" con la banda de la casa y enfatizando sus perdurables líneas de bajo y voces. La formación multi instrumental de Gorrie, que incluía una temprana destreza con el saxofón, influyó en su participación en exploraciones de jazz-funk, como la cofundación del colectivo Blue Workshop entre 1965 y 1966, un centro con sede en Perth para que los músicos experimentaran con formaciones de R&B con influencias de jazz. Las anécdotas personales de esta época revelan interacciones informales que moldearon su estilo; por ejemplo, Gorrie relató sus frecuentes encuentros con Jimi Hendrix en el Londres de los años 70, describiendo veladas sencillas de intercambio musical sin los adornos del estrellato. Hasta noviembre de 2025, las actividades recientes de Gorrie se han centrado en esfuerzos de archivo y conmemorativos, incluyendo apariciones en reediciones de recopilaciones de soul que destacan sus contribuciones como músico de sesión de décadas anteriores, aunque no se han anunciado nuevos proyectos paralelos importantes en medio de la gira de despedida de Average White Band. 

Vida personal y legado 

Antecedentes personales 

Alan Edward Gorrie nació el 19 de julio de 1946 en Perth, Escocia, donde fue criado en la zona de Jeanfield por su padre, un pianista de la Orquesta de Baile de Salón, cuya formación musical influyó en los primeros intereses de Gorrie. Criado en la Escocia de la posguerra, Gorrie asistió brevemente a la escuela de arte antes de abandonarla en 1966 para dedicarse a la música a tiempo completo, una decisión motivada por la insistencia de su padre en la autosuficiencia después del cierre de la empresa de ingeniería familiar, David Gorrie & Sons, en 1954. Mantiene una fuerte conexión con sus raíces escocesas, a menudo se describe a sí mismo como un "positivista de Perth" y atribuye al carácter autosuficiente de la ciudad el haber moldeado su perspectiva resiliente, a pesar de haber emigrado a los Estados Unidos. Desde 1976, Gorrie reside en Connecticut con su esposa, Jean, a quien conoció a mediados de la década de 1960 en el club La Bamba en Falkirk, Escocia, mientras actuaba con su primera banda, The Vikings. La vida de la pareja en los EE. UU. refleja un equilibrio entre su hogar estadounidense adoptivo, donde se ha integrado en una comunidad orientada a la música, y los frecuentes regresos a Escocia en busca de inspiración y lazos familiares, aunque las exigencias de su carrera históricamente han limitado compromisos familiares más profundos. No existen detalles públicos sobre los niños, lo que subraya la preferencia de Gorrie por la privacidad en asuntos personales. Además de la música, Gorrie ha cultivado la pintura como una afición importante, redescubriendo esta pasión en 2006 tras matricularse en un instituto de arte cerca de su casa en Connecticut, donde estudió técnicas de paisajismo; gran parte de su obra se crea durante sus visitas a Escocia. Esta vía de expresión creativa, arraigada en sus primeros días en la escuela de arte, sirve como escape y complementa sus reflexiones sobre las influencias de la contracultura de la década de 1960, incluida la rebeldía juvenil provocada por pioneros del rock 'n' roll como Elvis Presley y The Beatles, que cambió su enfoque del jazz a una expresión artística más amplia. Los problemas de salud personales de Gorrie, en particular el desgaste físico acumulado durante décadas de giras internacionales, contribuyeron a su decisión de retirarse de los escenarios en 2024 a los 78 años, describiendo el calendario posterior a la COVID como una "verdadera rutina" que dejaba poco espacio para el tiempo en familia o para actividades creativas como la escritura. Ha señalado que, si bien extraña actuar, el estilo de vida de "vivir con la maleta a cuestas" se ha vuelto insostenible, prefiriendo ceder tales rigores a músicos más jóvenes y centrarse en una existencia más estable. 

Influencia y jubilación 

El papel pionero de Alan Gorrie como músico escocés blanco en los géneros predominantemente negros del funk y el soul durante la década de 1970 ayudó a superar las divisiones culturales, demostrando que el auténtico R&B podía trascender las fronteras raciales y nacionales. Al frente de Average White Band (AWB), él y sus compañeros se inspiraron en artistas estadounidenses como James Brown y Marvin Gaye para crear un sonido crudo y conmovedor que caló hondo entre el público negro de Estados Unidos, a la vez que introducían el funk en las escenas dominadas por el rock en Londres y Escocia. Esta fusión intercultural inspiró a artistas posteriores que combinaron la sensibilidad europea con las tradiciones musicales afroamericanas, demostrando la universalidad de los ritmos funk y la expresión soul. El legado de Gorrie perdura a través del extenso catálogo de AWB, con más de una docena de álbumes de estudio, que obtuvieron tres nominaciones a los premios Grammy, múltiples certificaciones de oro y platino, y una popularidad duradera gracias a los samples utilizados en el hip-hop por artistas como Public Enemy y Nas. Su destreza multi instrumental —que abarcaba el bajo, la guitarra, los teclados y la voz principal— ejemplificaba los arreglos sólidos y autosuficientes de la banda, influyendo en generaciones de músicos en la fusión de elementos de jazz, R&B y funk. Los homenajes en la historia de la música soul resaltan el improbable éxito de AWB como forasteros escoceses que irrumpieron en la escena funk estadounidense, y el próximo documental, Average White Band: Soul Searching, programado para su lanzamiento en 2025, consolida aún más su impacto. En 2024, Gorrie anunció su retiro de las giras tras 52 años con AWB, describiendo la decisión como "agridulce" debido al agotamiento que le producía la constante vida en la carretera, aunque no expresó arrepentimiento alguno por los logros de la banda. La gira de despedida, que conmemoraba el 50 aniversario de sus obras más emblemáticas, concluyó con una última actuación el 13 de diciembre de 2024 en St. Louis, brindando a los fans una última oportunidad de experimentar su energía en directo. Este concierto fue grabado para una película, preservando así el capítulo final de la banda. A partir de noviembre de 2025, tras la finalización de la gira, Gorrie ha dejado de centrarse en las actuaciones en directo para priorizar su tiempo personal, su familia y sus actividades creativas, como la composición de canciones, que podrían incluir proyectos de estudio que se alineen con su trayectoria como multi instrumentista. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cut the Cake.  

sábado, 18 de julio de 2026

Jack Irons


Jack Irons nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 18 de julio de 1962. Baterista. 

El sitio www.audiokat.com publicó su biografía firmada por Lorenzo Tanos. 

Si bien no está en la misma liga que Pete Best como músico que sale de su banda justo antes de alcanzar el estrellato, Jack Irons es probablemente más conocido como miembro de transición de dos de las formaciones más importantes del rock moderno –los Red Hot Chili Peppers y Pearl Jam–, que se fue justo antes de que las bandas contrataran a su baterista más veterano. Con los Peppers, Irons fue miembro fundador junto con el cantante Anthony Kiedis, el guitarrista Hillel Slovak y el bajista Flea, pero finalmente fue reemplazado por ese tipo que se parece mucho a Will Ferrell. Con Pearl Jam, mantuvo el tiempo entre los dos Daves (Krusen y Abbruzzese) y Matt Cameron, el entonces ex baterista de Soundgarden que cumplió una doble función con ambos pesos pesados del grunge hasta la muerte de Chris Cornell en 2017. 
 
Dado el hecho de que ha tocado en algunos álbumes notables de sus dos bandas más reconocidas y también fue miembro del subestimado y pasado por alto el power trío de los 90 Eleven, Jack Irons es ciertamente más que el tipo que fue reemplazado por Chad Smith, y más tarde por Matt Cameron. Pero, ¿por qué dejó bandas tan establecidas en un punto en el que una de ellas estaba en ascenso y la otra todavía era enormemente popular, aunque un poco menos relevante que en su apogeo? Según Rolling Stone, la decisión de Irons de dejar Pearl Jam supuestamente fue impulsada por su disgusto por las giras. En cuanto a los Red Hot Chili Peppers, el baterista dejó la banda dos veces, y la salida final fue provocada por algo mucho más oscuro que el mero agotamiento por el frenético estilo de vida del rock 'n' roll. 
 
La primera salida: Jack Irons se fue porque los Peppers no eran su banda principal 
 
Como recuerda Drum Magazine, Jack Irons fue uno de los cofundadores de los Red Hot Chili Peppers, pero años antes, él y Hillel Slovak se unieron al cantante y guitarrista Alain Johannes para formar una banda llamada Chain Reaction. Más tarde, el grupo cambiaría su nombre a Anthym y agregaría a la formación a otro amigo de la escuela, el bajista Michael "Flea" Balzary. Ahora, son tres cuartas partes de la formación fundadora de RHCP tocando juntos en una banda, pero como señaló el medio, los Peppers fueron un proyecto paralelo "casual" que se formó en 1983 cuando Slovak, Flea y Irons unieron fuerzas con otro viejo amigo de la escuela secundaria de Fairfax, el líder Anthony Kiedis. Las actuaciones electrizantes de los nacientes Peppers les ayudaron a acumular un gran número de seguidores en su natal Los Ángeles. 
 
Sin embargo, había un pequeño problema: ¿Qué es esto? (la banda anteriormente conocida como Chain Reaction y Anthym) también había firmado un contrato discográfico propio con MCA (a través de First Avenue), y Slovak y Irons estaban más comprometidos con su banda principal que con su peculiar y funky proyecto paralelo. Como tal, abandonaron los Red Hot Chili Peppers antes de la grabación de su álbum debut homónimo de 1984 y fueron reemplazados respectivamente por Jack Sherman y Cliff Martinez. 
 
La segunda salida: Irons quedó devastado por la muerte de Hillel Slovak 
 
A pesar de parecer una opción más prometedora al principio, ¿Qué es esto?, se esfumó, y Jack Irons y Hillel Slovak regresaron a los Red Hot Chili Peppers a tiempo para su tercer álbum, The Uplift Mofo Party Plan de 1987, según Drum Magazine. Lamentablemente, fue el primer y único álbum de Peppers con todos los miembros de la formación original, ya que los problemas de drogas de Slovak y Anthony Kiedis alcanzaron un momento crítico mientras la banda estaba de gira en apoyo del disco. Kiedis se limpió varios años después, pero Slovak murió trágicamente de una sobredosis de heroína el 25 de junio de 1988, a la edad de 26 años. La muerte de su viejo amigo y compañero de banda devastó a Irons, quien abandonó abruptamente los Red Hot Chili Peppers y explicó que él no quería ser parte de una banda donde sus "amigos estaban muriendo". 
 
Según Drum Magazine, la prematura muerte de Slovak también llevó a Irons a un estado de depresión. Más tarde le diagnosticaron trastorno bipolar después de que se internara en un hospital psiquiátrico. Afortunadamente, estaba de vuelta en el taburete de la batería a principios de los 90, reuniéndose con el excompañero de banda Alain Johannes cuando formaron la banda Eleven con la fallecida Natasha Shneider. Y aunque rechazó una oferta para tocar el cuero de una banda entonces desconocida de Seattle que lleva el nombre de la estrella de la NBA Mookie Blaylock, se unió a ellos en 1994, cuando ya eran conocidos como Pearl Jam y estaban más que bien establecidos en la escena del rock. 
 
Lorenzo Tanos 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con una improvisación realizada con Remco Hendriks en bajo.  

Jean Sibelius. Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47. Ray Chen.


A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Ray Chen, y la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, dirigida por Kent Nagano.  

Henry Christen y Ellen Margrethe Thomsen. Justos entre las Naciones.

Henry Christen y Ellen Margrethe Thomsen. Justos entre las Naciones. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Henry Christen y Ellen Margrethe Thomsen 

Dinamarca 

En botes de pesca a Suecia 

Henry Christen Thompsen y su esposa Ellen Margrethe eran dueños de una posada en la aldea de Snekkersten, cerca de Elsinore, en el norte de Zeeland. Se estima que aproximadamente 1.000 personas partieron para Suecia desde este lugar. Los Thomsen eran miembros activos de la resistencia y su posada se convirtió en un foco de la ruta clandestina a Suecia. Ésta era el punto de reunión para los pescadores que transportaban judíos en sus botes y los fugitivos encontraban refugio en la posada o eran ubicados en otro alojamiento por el matrimonio. Cuando aumentó el número de judíos Thomsen consiguió una embarcación y él mismo hizo varios viajes a Suecia. 

La población de la aldea apoyaba la operación de rescate y muchos contribuyeron para que ésta tenga éxito. Sin embargo, hubo algunas excepciones. Durante los primeros días un colaboracionista residente de Snakkersten informó a la policía danesa en Elsinore haber visto un grupo de refugiados judíos subiendo a una lancha. La policía se hizo presente y arrestó a los refugiados, pero luego de recorrer una corta distancia y en cuanto se alejaron de la vista del colaboracionista los agentes detuvieron el coche e indicaron a los judíos regresar a la posada de Snekkersten donde recibirían ayuda. 

Thomsen fue asistido por muchos residentes de la aldea y sus alrededores, entre otros por el médico del lugar, Jorgen Gersfelt, que sirvió de conductor, llevando a los judíos a refugios nocturnos y a los barcos. Muchos refugiados se alojaron en su casa hasta que pudieron abordar una lancha. 

Thomsen fue interrogado por la Gestapo que sospechaba de su participación en el contrabando de judíos, pero no logró encontrar evidencias que lo inculparan. Continuó activando en el movimiento clandestino y fue nuevamente arrestado en 1944 y enviado al campo de concentración de Neuengamme en Alemania adonde pereció después de cuatro meses de aprisionamiento. Tenía 38 años. 

En 1968 Yad Vashem confirió el título de Justo de las Naciones a Henry Christen Thomsen y a su mujer Ellen Margrethe. 

viernes, 17 de julio de 2026

Joe Morello


Joe Morello nació en Springfield, Massachusetts, Estados Unidos, el 17 de julio de 1928, y murió en Irvington, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 12 de marzo de 2011. Baterista. 

El sitio www.joemorello.net publicó su biografía. 

JOE MORELLO 17 de julio de 1928—12 de marzo de 2011 

Joe nació el 17 de julio de 1928 en Springfield, Massachusetts. Con problemas de visión desde su nacimiento, se dedicó a actividades de interior. A los seis años, el apoyo de su familia lo impulsó a estudiar violín. Tres años después, actuó como solista con la Orquesta Sinfónica de Boston interpretando el Concierto para violín de Mendelsohn. A los doce años, volvió a presentarse como solista con la orquesta. Sin embargo, al conocer y escuchar a su ídolo, el gran Jascha Heifetz, Joe sintió que jamás podría alcanzar "ese sonido". Así que, a los quince años, cambió el rumbo de su trayectoria musical y comenzó a estudiar batería. 

El primer profesor de batería de Joe, Joe Sefcik, era baterista de foso en todos los espectáculos de la zona de Springfield. Era un excelente maestro y le brindó mucho apoyo. Joe empezó a tocar con cualquier grupo que se lo permitiera. Cuando no tocaba con ningún grupo, él y sus amigos, entre ellos Teddy Cohen, Chuck Andrus, Hal Sera, Phil Woods y Sal Salvador, se reunían para improvisar en cualquier lugar que encontraran. Joe tocaba en cualquier trabajo para el que lo llamaran. Como resultado, sus experiencias musicales abarcaron desde tocar instrumentos militares básicos hasta bodas y eventos sociales. Finalmente, el Sr. Sefcik decidió que era hora de que Joe siguiera adelante. Le recomendó a un profesor en Boston, el gran George Lawrence Stone. 

El Sr. Stone hizo muchas cosas por Joe. Le proporcionó la mayoría de las herramientas para desarrollar su técnica. Le enseñó a leer partituras. Pero, sobre todo, le hizo comprender que su futuro estaba en el jazz, no en la percusión "legítima", como Joe había esperado. Gracias a sus estudios con el Sr. Stone, Joe se convirtió en el mejor baterista de Springfield y en el campeón de percusión rudimentaria de Nueva Inglaterra. 

La actividad musical de Joe aumentó y pronto se encontró de gira con varios grupos. Primero, estuvo con Hank Garland y el Grand Ole Opry, y luego con Whitey Bernard. Tras mucha reflexión, Joe dejó a Whitey Bernard para irse a Nueva York. 

Le siguió un año difícil, pero gracias a la determinación de Joe y al apoyo de amigos como Sal Salvador, Joe empezó a hacerse notar. Pronto se encontró tocando con un impresionante elenco de músicos, entre los que se encontraban Gil Melle, Johnny Smith, Tal Farlow, Jimmy Raney, Stan Kenton y Marian McPartland. Tras dejar el trío de Marian McPartland, rechazó ofertas de la banda de Benny Goodman y la de Tommy Dorsey. La oferta que aceptó fue una gira temporal de dos meses con el Dave Brubeck Quartet, que acabó durando doce años y medio. Fue durante este periodo cuando Billy Gladstone, del Radio City Music Hall, perfeccionó su técnica. 

Desde 1968, cuando se disolvió el Dave Brubeck Quartet, Joe diversificó su talento en varios ámbitos. Mantuvo una intensa actividad como profesor particular. Gracias a su colaboración con DW Drums, Joe realizó importantes contribuciones a la enseñanza de la batería, así como al jazz en general, mediante sus talleres, conferencias y actuaciones como solista invitado. En sus últimos años, Joe actuó con frecuencia con su propio grupo en el área metropolitana de Nueva York. 

Joe participó en más de 120 álbumes y CDs, 60 de ellos con el Dave Brubeck Quartet. Ganó el premio de la revista Downbeat al mejor baterista durante cinco años consecutivos, el premio Playboy durante siete años consecutivos, y es el único baterista en ganar todas las encuestas musicales durante cinco años consecutivos, incluyendo Japón, Inglaterra, Europa, Australia y Sudamérica. Aparece mencionado en la duodécima edición de Who's Who in the East y en el Blue Book, una lista de personas del Reino Unido, Irlanda, Canadá, Australia, Nueva Zelanda y Estados Unidos que han alcanzado la excelencia en las artes, las ciencias, los negocios o las profesiones. Venerado tanto por fans como por músicos, Joe fue considerado uno de los mejores, y probablemente uno de los más célebres, bateristas en la historia del jazz. 

El impacto de Joe en el mundo de la música y en la vida de todos aquellos a quienes tocó perdurará para siempre. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Take Five.  

jueves, 16 de julio de 2026

Rubén Blades


Rubén Blades Bellido Luna, más conocido como Rubén Blades, nació en la Ciudad de Panamá, Panamá, el 16 de julio de 1948. Cantautor, compositor, músico, actor, abogado, político y activista. 

El sitio www.rubenblades.com publicó su biografía. 

El ícono de la música latina, Rubén Blades, fue una figura central en la revolución de la salsa neoyorquina en la década de 1970. Sus álbumes emblemáticos de salsa afrocubana clásica incorporan influencias de rock, jazz, música panlatina y de todo el mundo. Blades ha colaborado con artistas de rock, jazz, pop, hip-hop, reguetón y salsa, y ha compuesto cientos de canciones y decenas de éxitos, conocidos por sus letras elocuentes y con contenido social, sus personajes carismáticos y sus melodías memorables. Su álbum de 2017, Salsa Big Band, fue galardonado con el Grammy Latino al Álbum del Año, y en 2021 la Academia Latina de la Grabación lo nombró Persona del Año, además de recibir nuevamente el Grammy Latino al Álbum del Año y el Grammy Latino al Mejor Álbum de Salsa. 

Es el protagonista del premiado documental de 2018, Yo No Me Llamo Rubén Blades, dirigido por Abner Benaim. Ha ganado 12 premios Grammy y 13 premios Grammy Latinos, y su papel durante las ocho temporadas de la serie de televisión de AMC, Fear the Walking Dead, le valió una nominación al premio Imagen como Mejor Actor de Reparto. 

Ha protagonizado Hands of Stone junto a Robert De Niro, y Safe House junto a Denzel Washington y Ryan Reynolds. Blades ha interpretado papeles memorables en películas con directores tan aclamados como Robert Redford en The Milagro Beanfield War, Robert Rodriguez en Once Upon a Time in Mexico, Spike Lee en Mo’ Better Blues, Alan Pakula en The Devil’s Own y Jack Nicholson en The Two Jakes. Fue nominado a tres premios Emmy por sus papeles en las películas para televisión The Josephine Baker Story, Crazy From The Heart y The Maldonado Miracle. Su trabajo ha sido reconocido con los premios Cable ACE, Independent Spirit y ALMA, y ha recibido el premio Raúl Juliá HOLA Founders Award y el premio de la Hispanic Heritage Foundation. 

Más allá de su éxito artístico, Rubén Blades es licenciado en Ciencias Políticas y Derecho por la Universidad de Panamá y posee una maestría en Derecho (LLM) de la Facultad de Derecho de Harvard. Se postuló a la presidencia de su natal Panamá en 1994 y fue Ministro de Turismo entre 2004 y 2009. La Biblioteca de Música Loeb de la Universidad de Harvard creó el Archivo Rubén Blades en 2008 para recopilar su obra y documentos. La Escuela Steinhardt de la Universidad de Nueva York lo nombró Investigador Residente para el año académico 2018/2019. En 2024, recibió un Doctorado Honoris Causa en Música de la Universidad de Princeton. 

Desde 2025, es miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias. 

Rubén Blades continúa de gira con la Big Band de Roberto Delgado por Estados Unidos, Latinoamérica y Europa, presentando su última producción, "Fotografías", y sus éxitos habituales. 

Actualizado en septiembre de 2025 

Más información: 

Nacido el 16 de julio de 1948 en la República de Panamá 

Blades nació en una pensión de un pequeño país latinoamericano, pero se negó a reconocer limitaciones o barreras; su obra ha trascendido fronteras geopolíticas, culturas y géneros, y ha tenido un impacto a nivel mundial. Él afirma tener «más pasado que futuro», pero aún no ha terminado. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Pedro Navaja, en la versión de la Orquesta del Lincoln Center con Wynton Marsalis.  

miércoles, 15 de julio de 2026

Peter Banks


Peter William Brockbanks, más conocido como Peter Banks, nació en Barnet, Reino Unido, el 15 de julio de 1947, y murió en Hertfordshire, Reino Unido, el 7 de marzo de 2013. Guitarrista. 

El sitio www.dlsi.ua.es publicó este recordatorio firmado por Emiliano Acevedo.   

La Historia de Peter Banks: (REINO ONUDI) 

Peter Banks nació el 8 de abril de 1947 en Inglaterra. Este guitarrista es de seguro mejor conocido por sus trabajos junto a Yes en los dos primeros discos de esta banda histórica. Sin embargo, esto es ver solo una parte de su historia personal, ya que Banks ha tenido una trayectoria musical más allá de Yes. Antes de comenzar en Yes, Banks conoce al bajista Chris Squire en el grupo The Syn. Este grupo desarrolla toda su actividad en Inglaterra desde 1966 hasta fines de 1967. Es aquí que Squire y Banks se van a su próxima experiencia grupal después de la separación de The Syn, con una nueva formación llamada Mabel Greer's Toy Shop. Banks abandona el grupo casi al mismo tiempo que se les une el vocalista Jon Anderson, sin embargo, no pasaría mucho tiempo hasta que vuelvan a trabajar juntos. Banks se va a tocar por poco tiempo con Neat Change. Sin embargo, rápidamente vuelve para juntarse en el nuevo proyecto de Squire y Anderson, quienes habían llamado al tecladista Tony Kaye y al baterista Bill Bruford para formar parte de la alineación, Yes había nacido. El grupo realizó dos álbumes con Banks. El primero de ellos fue el debut homónimo que salió en 1969 y el segundo disco "Time & a Word" que salió en 1970. Después de esta producción, el grupo decidió que Peter Banks no era realmente el guitarrista que la banda necesitaba y es así que lo reemplaza por Steve Howe. Según palabras de Jon Anderson, la ida de Banks se debía a que este "estaba cada vez más negligente y despreocupado, no encajaba con lo que queriamos hacer. Tuvimos que decirle que se fuera". Banks se queda de esta manera sin su familia musical. Sin embargo, rápidamente forma Flash, una banda progresiva que toca en el mismo estilo y onda que los Yes que Banks acababa de dejar. Inclusive, luego de que Tony Kaye dejara Yes en 1971 después de una gira por USA y un concierto en el célebre "Crystal Palace", el tecladista también se uniría a Flash. El debut discográfico de esta banda llegó en 1972. Este fue seguido rápidamente por "In the Can" (también editado en 1972) y "Out of Our Hands" (1973). Flash se separó en 1973 y luego Banks editó su primer álbum solista con "Two Sides of Peter Banks", en ese mismo año. Este álbum instrumental era realmente muy bueno y conto con la presencia de una multitud de grandes músicos invitados como Ray Bennett, Mike Hough, Jan Akkerman, John Wetton, Steve Hackett y Phil Collins. El siguiente proyecto de Banks será un grupo que comenzará a desarrollar actividades con el nombre de Flash Mark II. Sin embargo, después de un tiempo pasó a llamarse como Empire. Esta banda grabó en total 3 álbumes antes de separarse en 1980. Por bastante tiempo, nada se sabría acerca de Banks después de la ruptura de Empire. En efecto, su siguiente lanzamiento discográfico llegaría recién en 1993 con un nuevo álbum solista llamado "Instinct". Este álbum, fue "solista" en todo el término de la palabra con Banks tocando todos los instrumentos el solo.Su siguiente realización, sería la producción "Self-Contained", que fue grabada dos años después, únicamente acompañada por Gerald Goff en teclados. 1999 veria la edición de "Reduction" y la participación de Banks como música invitada de la producción de Clive Nolan & Oliver Wakeman titulada como "Jabberwocky". Mas tarde en 2000 saldria "¿Puedo tocarte algo?".  

DISCOGRAFÍA:1972 "Peter Banks y Jan Akkerman"1973 "Dos caras de Peter Banks"1973 "Peter Banks"1994 "Instinto"1995 "Autocontenido"1999 "Reducción"2000 "¿Puedo tocarte algo?" 

Emiliano Acevedo. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Beyond and before.  

martes, 14 de julio de 2026

Una descendiente de conversos redescubre la fe secreta que su familia ocultó durante siglos

El sitio www.aishlatino.com publicó este artículo firmado por Rav Shraga Simmons y Sara Eliana. 

Una descendiente de conversos redescubre la fe secreta que su familia ocultó durante siglos 

por Rav Shraga Simmons y Sara Eliana 

12/07/2026 

De la Inquisición a Jerusalem, Sara Eliana volvió a casa después de 500 años. 

A los trece años asistía a un colegio católico en mi ciudad natal, Pereira, Colombia, situada en las estribaciones de los Andes, donde se cultiva el mejor café del mundo. 

Una mañana, mi amiga Sandra vino corriendo hacia mí. "¡Beatriz! ¡Anoche soñé contigo!". 

"¿Qué pasaba en tu sueño?", le pregunté. 

"Estábamos en un calabozo oscuro y sucio, con paredes de piedra. Éramos prisioneras, encadenadas". 

Abrí mucho los ojos mientras imaginaba el sonido de las puertas metálicas cerrándose y el eco de los pasos en los pasillos. 

"Entonces un hombre enorme y aterrador, con una capucha, nos sacó del calabozo. Nos condujo hasta una plaza donde había mucha gente gritando. 

En el centro había una enorme pila de leña. ¡Eran inquisidores que se preparaban para quemarnos vivas en la hoguera!" 


A los nueve años, en la época de mi primera comunión. 

Quedé completamente desconcertada. ¿Yo? ¿En la Inquisición? En la escuela nos habían dicho que la Inquisición existió para encarcelar, torturar y ejecutar a personas malvadas, como brujas y criminales violentos. ¿Qué tenía que ver todo eso conmigo? 

Desestimé el sueño como una simple fantasía infantil. No tenía idea de que años más tarde volvería para perseguirme. 

Mi familia 

Cuando tenía cinco años, mi padre nos dejó y se mudó a Venezuela. Mi madre quedó sola para criarme a mí y a mis dos hermanos mayores. A pesar de ello, fuimos felices. Estábamos rodeados de una gran familia formada por abuelos, tíos y primos. 

Mi madre era una mujer profundamente espiritual. Leía por su cuenta el libro de los Salmos y me contaba historias de la Biblia. Yo sentía un profundo amor por Israel, aunque sabía muy poco sobre ese país; solo que era la tierra que Dios había dado a Su pueblo. 

Mi madre siempre me alentó a desarrollar mis intereses. Al principio fueron los deportes. Un día me llevó a conocer a un profesor de música. Al ver aquel hermoso piano, mis ojos se abrieron de par en par. El profesor evaluó mi aptitud musical y le dijo a mi madre: "Esta niña tiene un talento extraordinario. Debe animarla a continuar con la música". 

Los padres de mi madre, 1990. 

Aquello marcó el comienzo de una pasión que me acompañaría toda la vida y que acabaría convirtiéndose en mi profesión como cantante, compositora y productora musical. Eventualmente obtuve una maestría en teoría musical y llegué a enseñar en la universidad. 

En la iglesia 

Nunca me gustó ir a la iglesia. No me inspiraba y sentía que no pertenecía a ese lugar. Además, muchos de los rituales me parecían extraños. Hice mi primera comunión a los nueve años, rodeada de velas y de un inquietante silencio. Me acerqué al altar y el sacerdote me dio una galleta (hostia) y un poco de vino mientras decía: "Este es el cuerpo y la sangre de Jesús". 

Miré la galleta. La idea de comer carne humana me produjo náuseas. 

"No creo que pueda masticarla", le respondí. 

El sacerdote sonrió. "No te preocupes. Déjala que se derrita en tu boca". 

Aquello me pareció todavía más desagradable. 

Mi hermano Carlos, que tenía dieciséis años cuando nuestro padre se marchó, terminó convirtiéndose para mí en una figura paterna. Cuando él ingresó en la Fuerza Aérea y se hizo piloto, esperaba con ilusión cada una de sus visitas. Me llevaba a pescar y me enseñaba lecciones sobre la vida. 

Un día, cuando yo tenía dieciocho años, Carlos me preguntó: "¿Te gustaría ser amiga de Dios?" 

Era una pregunta extraña. En la Colombia católica nos enseñaban que no debíamos hablar directamente con Dios. Si hacíamos algo malo, debíamos confesárselo al sacerdote. Nos repetían: "Haz lo que dicen los líderes de la iglesia o serás condenado a la ira eterna y al fuego del infierno". 

Dios era alguien a quien había que temer, no alguien con quien se pudiera entablar amistad. 

Afortunadamente, mi madre me había inculcado un profundo amor por Dios, y la propuesta de mi hermano de "ser amiga de Dios" encontró eco en mi corazón. Comencé a asistir a grupos evangélicos de estudio de la Biblia, donde encontré amor, compañerismo y un ambiente acogedor. Llegué a ser dirigente de la iglesia y directora del coro. A diferencia de la rígida liturgia católica con la que había crecido, allí me animaban a hablar directamente con Dios utilizando mis propias palabras. Poco después empecé a escribir canciones dedicadas a "Mi Amigo, Dios". 

El dilema del divorcio 

Algunos años más tarde me casé, pero el matrimonio fracasó rápidamente. Me encontré sola, asustada, embarazada y con la incertidumbre de cómo podría mantener a mi hijo. 

Compaginaba el trabajo, los estudios de música y los grupos de estudio cristianos, mientras mi madre me ayudaba a criar a mi hijo. Su fe serena y su apoyo constante me dieron el valor para continuar mi búsqueda espiritual. 

Poco después surgió una gran crisis. Un pastor me dijo que, según el Nuevo Testamento, una mujer divorciada debía reconciliarse con su exesposo o permanecer sola para siempre. 

Yo sabía que había cometido un gran error al casarme tan joven, pero deseaba volver a casarme, y no pensaba regresar con mi exmarido bajo ninguna circunstancia. 

Entonces sentí curiosidad por saber qué decía sobre el tema el Antiguo Testamento. Descubrí en Deuteronomio 24 que, cuando una mujer se divorcia, sale de la casa de su esposo "y se casa con otro hombre". Mostré este pasaje a mis maestros cristianos, pero lo descartaron diciendo: "El Antiguo Testamento ya no tiene vigencia". 

Esa respuesta me dejó profundamente inquieta. El Antiguo Testamento había sido dado por Dios, y Números 23:19 afirma que "Dios no cambia de parecer". 

Cuanto más estudiaba, más preguntas surgían. ¿Por qué los cristianos guardan el domingo como día de descanso si la Torá establece el sábado? Incluso en español el nombre del día es sábado, derivado directamente del Shabat. Además, ¿por qué la Torá ordena celebrar las festividades judías como "estatuto perpetuo", pero los cristianos no observan ninguna de ellas? ¿Acaso Deuteronomio 13 no prohíbe añadir o quitar nada de la palabra de Dios y declara falso profeta a quien lo haga? 

Cuando buscaba respuestas entre el clero cristiano, solían encogerse de hombros y responder: "Es un misterio. Deja de hacer tantas preguntas. Simplemente ten fe". 

Con mi hijo, Juan Camilo, mientras trabajaba y estudiaba música en la universidad. 

Respuestas en Internet 

Continué buscando respuestas en otros lugares. Entré en Internet y escribí: "Judaísmo en español", lo que me llevó a AishLatino.com. Cuanto más exploraba, más sorprendida estaba al descubrir lo familiares que me resultaban algunas leyes y costumbres judías. 

Por ejemplo, mi abuela siempre salaba la carne fresca antes de cocinarla. 

Y cuando mi abuelo sacrificaba un pollo, le cortaba el cuello y luego lo colgaba boca abajo para dejar que salga la sangre. Nadie en mi familia sabía por qué lo hacíamos. Imaginen mi sorpresa al leer que sacrificar al animal cortando el cuello y salar la carne para extraer la sangre es una práctica central del judaísmo. 

También había otras señales. Los hombres de mi familia siempre usaban un poncho que se parecía a un talit katán. Además, llamábamos a un tipo de bocadillo de pan y pasteles "parve", aunque nadie sabía que esa palabra es el término hebreo que significa "ni lácteo ni de carne". Incluso los habitantes de nuestra región eran objeto de burlas por su acento, que más tarde descubrí que estaba fuertemente influenciado por el ladino, la antigua lengua judeoespañola. 

Estos descubrimientos me dejaron confundida. ¿Cuál era realmente mi herencia? ¿Eran simplemente costumbres familiares al azar, o eran fragmentos de una identidad judía oculta? 

Las consecuencias de la Inquisición 

Investigué profundamente la historia de Colombia y descubrí que la Inquisición tenía poco que ver con las brujas. La verdadera historia era que, cuando España decretó la expulsión de todos los judíos en 1492, muchos decidieron "convertirse" al catolicismo, pero continuaron practicando el judaísmo en secreto. A estos pseudos conversos se les llamó "conversos" o, en hebreo, bnei anusim, los forzados. 

Como respuesta, España estableció una brutal Inquisición destinada a descubrir y perseguir a estos judíos ocultos. Miles de conversos fueron torturados y quemados vivos en la hoguera. 

Muchos conversos, buscando escapar de la Inquisición asesina, dirigieron su mirada hacia América del Norte y del Sur. Descubrí que mi región de Colombia fue poblada originalmente por conversos españoles. (Las pruebas de ADN indican que Cristóbal Colón tenía raíces judías). 

Trágicamente, las fuerzas del odio siguieron a estos conversos hasta el Nuevo Mundo. Para el año 1610, la Inquisición había establecido una sede en la costa caribeña de Colombia. Una vez más, los conversos huyeron, esta vez hacia la remota región montañosa de Antioquia, donde yo crecí quince generaciones después. 

Realicé una investigación genealógica y tracé mi linaje veinte generaciones atrás hasta Iehudá Hazay, un hombre judío que vivió en la España del siglo XV. Aunque muchos de sus descendientes se convirtieron al catolicismo, me emocionó enormemente encontrar pruebas de mis raíces judías. Incluso mi prueba de ADN muestra una pequeña conexión con ascendencia judía ashkenazí. 

Conexión ancestral 

Mientras continuaba estudiando, cuestionando y aclarando mis creencias religiosas, llegué a comprender que el concepto cristiano del mesías fue formulado para adaptarse a las creencias de los paganos del primer siglo, y que la idea de un "Dios humano" es una contradicción en sí misma. 

Con esta nueva información, no sabía cuál debía ser mi siguiente paso. Había muy pocas oportunidades para conectarme con judíos en Colombia. En mi ciudad, Pereira, la última sinagoga que quedaba había cerrado sus puertas cuarenta años antes. Además, la comunidad judía de Colombia desalentaba este tipo de consultas, temiendo verse abrumada por los aproximadamente 12 millones de descendientes de conversos que se estima existen. 

Afortunadamente, tenía una amiga que estaba siguiendo un camino similar de cuestionamiento del cristianismo. Ella contactó a rabinos de Costa Rica y Miami, quienes vinieron varias veces para enseñarnos. Comencé a observar el día de descanso el sábado y me esforcé por celebrar las festividades judías. 

Alba Ruth y yo renunciamos juntas al cristianismo. Esta foto es de cuando fui a visitarla en Colombia. 

Fue entonces que renunciamos a nuestra identidad cristiana. Al hacerlo, nos sentimos libres para vivir conforme a la tradición bíblica judía, sin la constante supervisión ni los cuestionamientos de la comunidad cristiana. 

El gran cambio 

Entonces tomé una decisión que cambiaría mi vida. Como Abraham y Sará, dejé mi país, mi lugar de nacimiento y a mi familia, y emprendí un viaje hacia la tierra de los judíos: ¡Miami! Mi sobrina, que vivía en el sur de Florida, me invitó generosamente a quedarme con ella hasta que pudiera establecerme. 

En Miami comencé a asistir a la sinagoga del rabino que había viajado a Pereira para enseñarnos. Sin embargo, me desconcertó escuchar que hablaban de Jesús como un "profeta judío y mesías". 

Pronto descubrí que aquel "rabino" ni siquiera era judío, sino un cristiano mesiánico. 

Comprendí que debía seguir buscando. Pero ¿dónde? 

Como ese supuesto rabino hablaba siempre con gran dureza del judaísmo ortodoxo, pensé que precisamente allí debía ser el mejor lugar para encontrar las respuestas que estaba buscando. 

Unas semanas más tarde asistí a un programa de Shabat en una sinagoga ortodoxa de Aventura, Florida. Sentí una conexión espiritual como nunca antes había experimentado. También me impresionó la autenticidad y sinceridad del rabino. Conversamos y le conté toda mi historia. Él me dijo: "Si quieres seguir viniendo, tendrás que convertirte al judaísmo". 

Sabía muy poco de lo que eso implicaba, pero tenía un profundo deseo de formar parte del pueblo judío y de cumplir los mandamientos. Así que me inscribí en un curso de conversión, me mudé al barrio donde vivía el rabino y me dediqué por completo a estudiar y practicar todos los aspectos de la vida judía. 

Después de dos años, finalmente llegó el gran día. Salí de la mikvé (baño ritual), y los miembros del Beit Din (tribunal rabínico) declararon al unísono: "Kasher, kasher, kasher". Fue una emoción imposible de describir con palabras. Sentí que mi alma por fin había regresado a casa, cerrando el círculo de un viaje que había comenzado quinientos años antes. 

Ser judía 

Abracé plenamente mi nueva vida. Durante el día trabajaba en una escuela judía y por las noches enseñaba música. Estaba muy ocupada y apenas tenía tiempo para salir con alguien. Además, mi sueño era vivir en Israel, y ya había iniciado los trámites para hacer aliá. 

Un día una amiga me dijo: "Te tomas la Torá tan en serio que creo que necesitas casarte con un rabino". 

¿Cuáles eran las probabilidades de terminar casándome con un rabino en Israel? Parecía imposible. Aun así, se lo pedí a Dios en mis rezos. 

En enero del 2021 contraje COVID y tuve que permanecer aislada en casa. Pensé que era un buen momento para publicar mi perfil en un sitio web de citas, pidiéndole a Dios que me enviara al compañero ideal. 

Pocos días después recibí un mensaje de un hombre que había trabajado con personas convertidas al judaísmo y quería desearme éxito en mi búsqueda. Su perfil despertó mi curiosidad. Lo leí y descubrí que era un rabino que vivía en Israel. No podía creerlo. 

Sin embargo, vivíamos en continentes diferentes. Ni siquiera hablábamos la misma lengua materna. Y, además, con la pandemia, las posibilidades de que surgiera una relación eran prácticamente nulas. 

A pesar de todo, se despertó mi curiosidad y comenzamos a hablar por teléfono y a intercambiar mensajes. Después de algunos meses, él viajó a Miami para celebrar Pésaj y conocerme personalmente. 

Con un cabrito en Yavniel, Israel 

Aquel Pésaj transformó mi vida. Hasta entonces, mis experiencias en el Séder habían sido comunitarias; todo transcurría tan deprisa que apenas podía seguir el desarrollo de la ceremonia. Esta vez éramos un grupo pequeño y quien más tarde sería mi esposo dirigía el Séder, explicando con calma el significado de cada paso. 

Cuando llegamos al canto final, Jad Gadiá, seguí atentamente la historia del cabrito, el gato, el perro... De repente algo me resultó familiar. "...el palo, el fuego, el agua, el toro, el matarife..." 

"¡Un momento!", exclamé. "¡Yo conozco esta canción! ¡Cuando era niña, en Colombia, la cantábamos en español!" 

¿Era posible? Precisamente en uno de mis primeros Pésaj como judía, cuando conocí al hombre que sería mi esposo, acababa de descubrir otra pista dejada por mis antepasados conversos, una nueva señal que apuntaba hacia mi herencia judía. 

Seguimos viéndonos en Estados Unidos y, dos meses después, nos casamos en una sencilla ceremonia celebrada en la sinagoga local. Esperamos unos meses hasta que reabrieron los aeropuertos y entonces volamos "a casa", a Israel. 

Nuestra boda Covid al aire libre en Avebtura, Florida. 

Hoy vivimos en Jerusalem. Cada día tengo que pellizcarme para estar segura que no estoy soñando. Estoy escribiendo y produciendo una adaptación musical y cinematográfica de la historia de mi familia conversa. Espero que este proyecto inspire a otros descendientes de conversos a investigar sus propias raíces judías. 

A veces vuelvo a pensar en el sueño que tuvo Sandra tantos años atrás. En aquel momento ninguna de las dos podía imaginar por qué dos niñas asustadas estaban frente a las hogueras de la Inquisición. Tendrían que pasar décadas para que comprendiera que aquel sueño no anunciaba una tragedia, sino el comienzo de una nueva vida. 

Como el pequeño cabrito de la Hagadá, después de siglos de vagar, por fin había regresado a casa.

Ellen Reid


Ellen Lorraine Reid nació en Selkirk, Manitoba, Canadá, el 14 de julio de 1966. Cantante y multi instrumentista. Toca piano, teclados y acordeón.   

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Jason MacNeil. 

Criada en la ciudad de Selkirk, Manitoba, Ellen Reid estudió piano clásico durante 11 años en el Conservatorio Real de Música, además de en la escuela secundaria. Apasionada también por el saxofón, Reid se unió a otros músicos, entre ellos Brad Roberts, para formar lo que se convertiría en Crash Test Dummies en 1986. Tras alcanzar un gran éxito comercial y popularidad con el grupo, la cantante rara vez tuvo la oportunidad de demostrar su talento vocal. La única excepción fue su interpretación vocal principal en la canción de XTC "The Ballad of Peter Pumpkinhead", uno de los mayores éxitos de la banda. En 1999, Crash Test Dummies se tomó un largo descanso, y Reid continuó concentrándose en su carrera en solitario. En 2000, regresó al estudio y lanzó su álbum debut en solitario, Cinderellen, con Mr. Friendly Productions. Continúa actuando por todo Canadá y en diversos eventos de la industria musical. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con The Ballad of Peter Pumpkinhead y Bullet. 


Antonina Kulakovskaya. Miembro de la Resistencia. Justa entre las Naciones.

Antonina Kulakovskaya (centro), Rowno, 1943   

Antonina Kulakovskaya. Miembrdo de la Resistencia. Justa entre las Naciones. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Antonina Kulakovskaya y su hija Vera Gribanova (Kulakovskaya) 

Ucrania 

Enseñando matemáticas y lectura a las hijas del rescatador 

Antonina Kulakovskaya vivía en Rovno (Rivne), en Vohlynia, con sus dos hijas, Vera y Nadya. Los alemanes conquistaron Rivne el 28 de junio de 1941 y, pocos días después, frente a su casa, Kulakovskaya presenció cómo un grupo de judíos, obligados a cavar trincheras, se acercaba inmediatamente a uno de ellos y lo invitaba a su casa al terminar su jornada laboral. Ese mismo día, Kulakovskaya preparó una comida caliente para Efraim Fishman y le ofreció ir a su casa todos los días para enseñar a sus hijas a leer y a hacer matemáticas. Fishman se convirtió en un visitante habitual de la casa de los Kulakovskaya y pronto se dio cuenta de que estaban involucrados con la resistencia antinazi. 

Gracias a sus conexiones con la resistencia clandestina, Kulakovskaya se enteró de las inminentes Aktionen y, en vísperas de la gran masacre de los judíos de Rovno a finales de 1941, escondió a Fishman en el ático de su casa. Fishman permaneció escondido durante dos semanas y, al salir, le pidió a Kulakovskaya que lo acompañara a casa de sus padres en Dubrovitsa, al norte de Rivne, para buscar a su hermana. Kulakovskaya accedió y ambos emprendieron el viaje juntos, regresando a casa de Kulakovskaya con Riva Fishman, de catorce años. Fishman y su hermana se escondieron en casa de Kulakovskaya hasta marzo de 1942. Durante este tiempo, Vera, la hija mayor de Kulakovskaya, se encargó de proporcionarles comida y de mantener limpio el refugio. Posteriormente, después de que Kulakovskaya consiguiera documentos de identidad con un nombre polaco para Fishman, este abandonó Rivne y sobrevivió a la guerra en el este de Ucrania con una identidad falsa. 

Su hermana Riva no sobrevivió. Extrañaba muchísimo a sus padres y no soportaba la idea de separarse de ellos. Por eso pidió abandonar su escondite, relativamente seguro, y regresó a Dubrovitsa. Poco después, en julio de 1942, cuando se lanzó la segunda oleada de asesinatos, murió junto con su familia. 

Kulakovskaya continuó con sus actividades clandestinas, y su apartamento pronto se convirtió en punto de encuentro de los partisanos. En 1943, tras haber sido detenida una vez por la Gestapo, policías armados y alemanes irrumpieron en su casa, encontraron armas y la arrestaron junto con sus hijas. Dos partisanos soviéticos que se encontraban en su casa murieron en un tiroteo, y sus hijas fueron encarceladas. Kulakovskaya fue brutalmente interrogada delante de sus hijos, pero no reveló ninguna información. En diciembre de 1943, Kulakovskaya fue ejecutada. Fishman sobrevivió a la guerra y posteriormente emigró a Israel. 

El 14 de julio de 1996, Yad Vashem reconoció a Antonina Kulakovskaya como Justa entre las Naciones. 

El 10 de septiembre de 1996, Yad Vashem reconoció a Vera Gribanova (nacida Kulakovskaya) como Justa entre las Naciones.