Ofra Haza

Bat Shevá Ofra Haza, más conocida como Ofra Haza, nació en Tel Aviv, Israel, el 19 de noviembre de 1957, y murió en, Ramat Gan, Israel, el 23 de febrero de 2000. Cantante.

El sitio www.eurovision-spain.com publicó este recordatorio firmado Rubén Fabelo.

Betsabé Ofra Haza-Ashkenazi nació el 19 de Noviembre de 1957 en el barrio de clase obrera de Hatikva, Tel Aviv. Sus padres, Yefet y Shoshana, son de origen yemení. Es la menor de nueve hermanos. A los 12 años formó parte de una compañía de teatro local, Shechunat Hatikvah Workshop Theatre, donde fue descubierta por Bezalel Aloni, que se convertirá en su manager y mentor. Las actuaciones e interpretaciones de la compañía fueron grabadas en tres discos: Ahava Rishona en 1974, Vehutz Mizeh Hakol Beseder en 1976, y Atik Noshan (עתיק נושן) en 1977. Además, en 1974 Ofra quedó tercera en el Mizrahi music festival.

Tras finalizar el servicio militar obligatorio en 1979, Ofra Haza publica su primer disco Shir HaShirim Besha’ashu’im que tiene buena acogida pero no tanto como su siguiente trabajo, Al Ahavot Shelanu, al año siguiente. El álbum fue un auténtico éxito de ventas y muchas de sus canciones fueron muy populares, especialmente Shir Ha’frecha que es una de sus canciones más conocidas. Esta canción apareció en la película Schlager donde Ofra tuvo un papel principal. Sus siguientes proyectos Bo nedaber (1981) y Pituyim (1982) siguieron en la senda del éxito y afianzaron aún más la cerrera de Ofra. Además recibió el premio a la Artista femenina del año consecutivamente desde 1980 hasta 1983.

En 1982 fue corista de Avi Toledano en su participación en el Festival de Eurovisión. Ofra Haza tuvo su oportunidad en 1983 tras vencer el Kdam, la tradicional selección hebrea, por el estrecho margen de un punto a la eurovisiva Yardena Arazi. En Múnich interpretó la canción Hi con la que obtuvo la segunda posición y 136 pts. Recibió la máxima puntuación de Austria y Países Bajos.

Tras su paso por el festival, Ofra continuó publicando discos: Shirey Moledet (1983) que consistía en versiones de canciones tradicionales israelíes; Bait Ham (1984); Yemenite Songs que es su álbum por excelencia donde interpreta una serie de canciones populares de Yemen; Adama (1985); Shirey Moledet B (1985); Yamin Nishbarim (1986) donde experimenta con el género rock; Album HaZahav (1987); Shaday (1988) que incluía una de sus canciones más conocidas Im Nin’alu; Desert Wind (1989); Kirya (1990) que fue nominado a los Premios Grammy siendo la primera artista israelí en conseguirlo; Oriental Nights (1993); Kol haneshama (1994); Star Gala (1995) y Ofra Haza (1997), entre otros tantos. Todos recibieron el respaldo de la crítica y se convirtieron en éxitos de ventas tanto en Israel como en el extranjero.

Ofra también estuvo participando en bandas sonoras de películas como Colors (1988), Dick Tracy (1990), Wild Orchid (1990), La reina Margot (1994), The governess (1998) y El príncipe de Egipto (1998). En esta última dobló al personaje de Yocheved e interpretó la canción Deliver us en las versiones alemana, checa, española, finesa, francesa, griega, húngara, inglesa, italiana, neerlandesa, noruega, polaca, portuguesa y sueca.

En 1994 actuó en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz y en el funeral del antiguo presidente de Israel Yitzhak Rabin. En 1998 publico su único disco en directo, Ofra Haza at Montreux Jazz Festival.

Ofra ha actuado junto a infinidad de artistas y ha hecho colaboraciones con otros tantos. Algunos de ellos son: Eric B. & Rakim, Gidi Gov, Goran Bregović, Glykeria, Hans Zimmer, Iggy Pop, Khaled, Michael Jackson, Paul Anka, Paula Abdul, Sarah Brightman, Stefan, Svika Pick, Stefan Waggershausen, The Sisters of Mercy, Thomas Dolby, Whitney Houston, Yafa Yarkoni o Yehudit Ravitz.

Ofra Haza se casó el 15 de Julio de 1997 con el empresario Doron Ashkenazi. No tuvieron hijos. Desgraciadamente Ofra fallecía repentinamente el 23 de Febrero del 2000 en la ciudad de Ramat Gan a causa de una neumonía asociada al VIH. Este hecho causo conmoción en el público israelí y la prensa acusó a su marido de infectarla mientras que Doron se defendía argumentando que ella se infectó en Turquía por una transfusión de sangre urgente tras haber sufrido Ofra un aborto espontáneo. Está enterrada en el Yarkon Cementery, de Petah Tikva no muy lejos de su ciudad natal.

Tras su muerte, no se han parado de hacer conmemoraciones, espectáculos en su honor y tributos. Además se han publicado varios discos recopilatorios, el último en 2008. También se han hecho documentales a cerca de su figura, el último de ellos es Lost Treasure of Ofra Haza (2010) que se centra en su legado musical. En 2007 su manager y amigo Bezalel Aloni publicó el libro Cartas a Ofra (Michtavim L’Ofra), que consiste una autobiografía de ambos y su carrera conjunta. Desde 2007 un parque infantil en su barrio natal lleva su nombre.

Texto: Rubén Fabelo, "International93". Marzo de 2016

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con dos de sus grandes éxitos: Jai, Vida y Tfila, Plegaria.

Johnny Mercer

John Herndon Mercer, más conocido como Johnny Mercer, nació en Savannah, Georgia, Estados Unidos, el 18 de noviembre de 1909, y murió en Bel Air, Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 25 de junio de 1976. Letrista, compositor y cantante.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Johnny Mercer.

John Herndon Mercer, conocido artísticamente como Johnny Mercer (18 de noviembre de 1909, Savannah, Georgia, Estados Unidos – 25 de junio de 1976, Bel Air, Los Ángeles, California, Estados Unidos), fue un excelente letrista, compositor de canciones y cantante estadounidense. Desde mediados de la década de 1930 hasta mediada la de 1950, muchas de las canciones de Mercer figuraron entre las más populares entre el público de la época. Escribió la letra de más de 1500 canciones, incluyendo composiciones para el cine y para espectáculos teatrales del circuito de Broadway. Recibió 19 nominaciones a los Premios Óscar, ganando cuatro de ellos. Además, Mercer fue cofundador de la compañía discográfica, Capitol Records.​

A Mercer ya le gustaba la música siendo niño, y atribuía su talento musical a su madre, que cantaba baladas sentimentales. El contacto de Mercer con la música negra era quizás único entre los compositores blancos de su generación. Además de tener compañeros de juego y criados negros en su casa, Mercer se sentía atraído por los servicios religiosos en las iglesias de su localidad.

A pesar de su precoz contacto con la música, su talento se encaminaba claramente a las letras y al canto, no a tocar instrumentos musicales, aunque en un principio había pensado ser compositor. De hecho, sus intentos para tocar la trompeta y el piano no tuvieron éxito, y nunca pudo leer solfeo con facilidad, por lo cual hubo de depender de un sistema propio de anotaciones. Mercer estudió en la exclusiva Woodberry Forest School, en Virginia, hasta 1927.

Mercer se trasladó a Nueva York en 1928, a los 19 años de edad. La música que le gustaba, jazz y blues, estaba en auge en Harlem, y Broadway hervía con musicales y revistas de George Gershwin, Cole Porter, y Irving Berlin. El vodevil, que empezaba a decaer, todavía tenía una fuerte presencia musical. Los primeros trabajos de Mercer fueron en pequeños papeles como actor. Con plenitud de tiempo libre en su apartamento de Greenwich Village, Mercer pronto volvió a cantar y a escribir letras.​

Con 20 años, Johnny Mercer empezó a relacionarse con otros compositores de canciones y viajó a California para escribir por encargo, las letras del musical «Paris in the Spring, conociendo personalmente a sus ídolos Bing Crosby y Louis Armstrong. En 1932, Mercer ganó un concurso para cantar con la orquesta de Paul Whiteman, y el 5 de abril de ese año hizo su primera grabación, cantando con la banda de Frank Trumbauer. La suerte de Johnny Mercer mejoró cuando se emparejó con Hoagy Carmichael, ya famoso por el tema «Stardust», y ambos pasaron todo un año trabajando en la canción  «Lazybones», que se convirtió en un éxito tras su primera emisión radiofónica.​ Mercer pasó a ser miembro de la American Society of Composers, Authors and Publishers y un “hermano” reconocido de la fraternidad Tin Pan Alley, recibiendo felicitaciones de Irving Berlin, George Gershwin y Cole Porter, entre otros.

Cuando Johnny Mercer llegó a Hollywood en 1935, su carrera dio un paso adelante importante, y su primer trabajo fue en un musical de serie B titulada: «Old Man Rhythm», que no obtuvo el éxito esperado. El éxito no le llegó, hasta que compuso: «I’m an Old Cowhand from the Rio Grande», escribiendo tanto la música como la letra. Fue interpretada por Crosby en la película «Rhythm on the Range» en 1936, y a partir de entonces la demanda de trabajos de Mercer despegó. Su segundo éxito ese año fue «Goody Goody». En 1937 Mercer empezó a trabajar con Warner Brothers donde creó «Jeepers Creepers», la canción con la cual consiguió su primera nominación al Óscar. De dicho tema hizo una memorable grabación Louis Armstrong.

En 1939, Mercer escribió la letra para una melodía de Ziggy Elman, un trompetista que tocaba con Benny Goodman. La canción, «And the Angels Sing», aunque grabada por Bing Crosby y Count Basie, llegó al número 1 de las listas en la versión de Goodman, cantada por Martha Tilton, y con un memorable solo de trompeta de Elman. Años más tarde, el título de la canción se inscribió en la tumba de Mercer.

Mercer fue invitado al programa radiofónico Camel Caravan en Nueva York para cantar sus éxitos y crear canciones satíricas con la orquesta de Benny Goodman, y convirtiéndose en el presentador de la emisión nacional del show durante varios meses. Al poco tiempo, Mercer conoció a Harold Arlen, cuyas composiciones influenciadas por el jazz y el blues dieron a las sofisticadas letras de Mercer un perfecto vehículo musical. A partir de entonces las letras de Mercer empezaron a mostrar la combinación de sofisticado ingenio y matices regionales sureños que caracterizan a algunas de sus mejores canciones. Su primer éxito fue «Blues in the Night» (1941). El dúo compuso «One for My Baby (and One More for the Road)» (1941), «That Old Black Magic» (1942), y «Come Rain Or Come Shine» (1946), entre otros temas muy populares y exitosos. Una canción suya cantada por Judy Garland en la película de 1946 «The Harvey Girls», le posibilitó a Johnny Mercer ganar el primero de sus cuatro Óscar a la mejor canción original.

Ya siendo muy popular, Mercer volvió a trabajar con Hoagy Carmichael para componer varias canciones que pasarían a formar parte de manera imperecedera, del cancionero popular norteamericano: «Skylark» (1941) y la canción ganadora de un Óscar «In the Cool, Cool, Cool of the Evening» (1951). A Mercer le pidieron a menudo escribir nuevas letras a melodías populares. Las letras de «Laura», «Midnight Sun» y «Satin Doll» fueron todas ellas escritas una vez la música ya había sido un éxito. También le pidieron escribir letras en inglés a canciones extranjeras, siendo el ejemplo más famoso «Hojas muertas», basada en la francesa «Les Feuilles Mortes».

En la década de 1950, la llegada del rock & roll y la transición del jazz al bebop disminuyeron enormemente la audiencia natural de Mercer. Su continuada serie de éxitos llegaba a su fin, aunque todavía debía producir muchas grandes canciones. Mercer siguió escribiendo música para algunas películas de MGM, entre ellas, la magnífica «Siete novias para siete hermanos» (1954). En 1961 escribió las letras de «Moon River» para Audrey Hepburn en «Breakfast at Tiffany’s», así como para el tema de «Días de vino y rosas», ambas con música de Henry Mancini, recibiendo Mercer por ellas su tercer y cuarto Óscar a la mejor canción original.

Un ejemplo de la alta estima que se tenía por el trabajo de Mercer es el hecho de que en 1964 fuera el único letrista en tener grabado su trabajo en uno de los celebrados volúmenes de Ella Fitzgerald titulados «The Complete Ella Fitzgerald Song Books» editados por el sello Verve Records. Johnny Mercer falleció el 25 de junio de 1976 en Bel Air (Los Ángeles).

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con And The Angels Sing, en la voz de Martha Tilton.

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Camillo Felgen

Camillo Jean Nicolas Felgen, más conocido como Camillo Felgen, nació en Tétange, Luxemburgo, el 17 de noviembre de 1920, y murió en Esch-sur-Alzette, Luxemburgo, el 16 de julio de 2005. Cantante, actor, letrista y presentador de radio y televisión.

El sitio www.eurovision-spain.com publicó este recordatorio firmado por Javier Velasco.

Camille Jean Nicolas Felgen (Tetingen, 17 de noviembre de 1920 – Esch-sur-Alzette 16 de Julio de 2005) fue también conocido con los nombres de Jean Nicolas, Heinz Hellmer y Lee Montague en sus acreditaciones como libretista. Fue uno de los únicos siete representantes luxemburgueses en ser nativos del Gran Ducado en su historia eurovisiva. Camillo se formó como maestro y realizó estudios de arte lírico y de canto clásico como barítono en el conservatorio de Verviers, en Bélgica. Sorprendido por la guerra, tuvo que trabajar como intérprete del ejército alemán, aspecto que él siempre quiso obviar en sus biografías y entrevistas. Trabajó después en un periódico de habla francesa hasta su incorporación en el Coro de Radio Luxemburgo en 1946. Su magnífica voz de barítono le permite participar en varios montajes de ópera y musicales como L’Epreuve Villageoise o Papschossel. Ya a finales de los 40 y principios de los 50 trabaja también como locutor en lengua francesa en la radio luxemburguesa hasta que en 1951 graba el tema Bonjour les amis para ser la sintonía de saludo de su emisora, que se convierte además en su primer éxito internacional. Dos años después grabará en Berlín su primera canción en alemán, Onkel Toms altes Boot con la Orquesta Hans Carste. Tras unos años trabajando como jefe de producción publicitaria en Radio-Reklame de Sarrebrück, regresa a Radio Luxemburgo como director y locutor en lengua alemana. En 1959 graba su mayor éxito hasta el momento: Sag warum, que es record de ventas en Bélgica, Francia, España e Italia y vende miles de copias. Camillo actúa en el Olympia de París y hace una gira internacional que incluye España.

En 1960 es el primer varón en representar a su país en Eurovisión con So laang we’s du do bast, que será el primero de los tres únicos temas que se han cantado en luxemburgués en el Festival. El resultado es decepcionante al quedar en última posición con un solo punto. Sin embargo, el éxito de algunos singles grabados al año siguiente, como Ich hab’ Ehrfurcht vor schneeweißen Haaren, animan a su regreso en 1962 con un resultado mucho más satisfactorio al quedar tercero con Petit Bonhomme, enorme éxito en los países de habla francesa y que también conocerá una versión alemana, Du kleiner Mann.

A partir de 1958 Camillo aparecerá también en varias películas: en una de ellas, Schlager-Raketen, se interpreta a sí mismo (“Camillo, de Radio Luxemburgo”) y su carrera de actor llegará hasta los albores del nuevo siglo con su aparición en tres filmes en 2004. Pero es su faceta como presentador lo que le hará más famoso: De 1965 a 1973 conducirá Spiel ohne Grenzen (Juego sin fronteras), famosísimo programa de la televisión alemana cuyo formato será imitado en muchos otros países. De 1984 a 1987 será locutor en varios programas radiofónicos en la RTL como Was darf’s denn sein, Da-da-damals, etc. Su carrera de cantante continuará hasta bien entrados los años 70, cuando su trabajo de presentador va cobrando progresivamente más peso. No obstante aún alcanzará éxitos como Komm zu mir, wenn du sorgen hast, Liebesbrief an meine Frau, Nina y su peculiar versión del Adagio del Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo. Es de destacar un EP grabado en castellano en 1963.

No puede dejarse de mencionar su trabajo como traductor y autor de textos de canciones. A él se le deben las versiones alemanas de She Loves You (Sie liebt dich) y I Want To Hold Your Hand (Komm gib mir deine Hand) de The Beatles. Camillo fue también el encargado de enseñar fonéticamente el alemán al cuarteto de Liverpool en sus grabaciones y actuaciones.

En los últimos años montó con su esposa una boutique de trajes de novia en Esch-sur-Alzette, localidad donde falleció el 16 de julio de 2005 a la edad de 84 años.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Sag Warum.

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Gianni Ferrio

Gianni Ferrio nació en Vicenza, Italia, el 16 de noviembre de 1924, y murió en Roma, Italia, el 21 de octubre de 2013. Compositor, arreglador y director de orquesta.

El sitio www.gianniferrio.it publicó su biografía.

Biografía

16 de noviembre de 1924, Vicenza - 20 de octubre de 2013, Roma

'el músico elegante y caballero'

Nacido en Vicenza, de padre Berardo Ferrio, madre Adele Gautiero y hermanos Alfonso y Antonio, Gianni Ferrio se sintió atraído por la música desde temprana edad y estudió violín con Mariano Frigo y armonía, contrapunto y composición con los maestros Almerigo Girotto y Arrigo Pedrollo.

Comenzó su carrera como director de orquesta en los años 40 en Vicenza y luego lanzó su carrera en el mundo del cine y de la música pop, conociendo a Lelio Luttazzi y Teddy Reno y luego se mudó por un tiempo a Milán y luego, a finales de los años 50, a Roma. Allí conoció a Alba Fossati (nombre artístico Alba Arnova), bailarina y actriz, y se casaron en 1956, conviviendo el resto de sus vidas con la amistad de muchos músicos y el cariño de numerosos animales.

En su larga actividad discográfica, televisiva y concertística en el mundo de la música pop, ha trabajado con artistas como Teddy Reno, Jula de Palma, Johnny Dorelli, Caterina Valente, Ellis Regina, Alice and Ellen Kessler, Milva, Christian De Sica, Ornella Vanoni, Loretta Goggi, Gigi Proietti, Fausto Leali, Amii Stewart, Monica Vitti, Mariangela Melato, Catherine Spaak, Franco Cerri, Enrico Intra, Severino Gazzelloni, Mario del Monaco, Anna Moffo, Astor Piazzolla, Toots Thieleman y Franco Ambrosetti. Su larga colaboración con Mina fue particularmente intensa, tanto como compositor como arreglista y director.

Es autor de varias canciones de éxito internacional, a menudo en colaboración con su amigo letrista Antonio Amurri: Piccolissima Serenata, Parole parole, Ya no juego, Quien no te conoce, Tipi da playa, Cuando me dices así , Ciao, Esta noche como todas las noches, Ahora o nunca, El largo verano de Taormina, Una mujer, una historia.

Ha sido compositor, arreglista y director de orquesta en los más importantes programas de televisión de los sábados por la noche producidos por la RAI bajo la dirección de Antonello Falqui y otros famosos directores de televisión.

Principales títulos a mencionar: Grand Prix, La prova del Nove, Born for music, Welcome back Caterina, Speciale per noi, Teatro 10, Palcoscenico, Milleluci, Il ribaltone, Bambole non c'è una lira, Non canto canzone, Al Paradise , Juguemos programa de variedades, Mil liras al mes, Studio 80, Otro programa de variedades, A for Alice, Escenario, Fantástico, Cine qué locura, Teletón.

Para el cine, ha escrito más de cien bandas sonoras para directores como Ermanno Olmi, Miklos Jancso, Steno (Stefano Vanzina), Luigi Zampa, Sergio Corbucci, Pasquale Festa Campanile, Duccio Tessari, Sergio Capitani, Juan Antonio Bardem, Marco Ferreri y Francesco. Maselli.

También destacan sus obras para el teatro 'Un cubierto de más' con Aldo y Carlo Giuffrè y las comedias musicales para el Teatro Sistina de Roma: "L'Onorevole" con Carlo Daiuto, "Bobby sa tutto" con Johnny Dorelli y Loretta Goggi, "Dos horas sola te quisiera" con Gianfranco Jannuzzo, "Alleluja brava gente" con Sabrina Ferilli, "Y menos mal que está María" con Enrico Montesano y Barbara D'Urso, "Un par de alas" con Maurizio Micheli y Sabrina Ferilli, "Un Mandarino per Teo" con Maurizio Micheli, "Applause" con Rossella Falk e Ivana Monti y para el teatro Piccolo Eliseo de Roma, "KesslerKabarett" con Ellen y Alice Kessler dirigida por Peppino Patroni Griffi.

También compuso varias piezas musicales para series de televisión como "Para atrapar a un ladrón", "Nacido de amor", "Un perro suelto", "Doris - una diva del régimen" y "Un hijo por la mitad".

También ha actuado como arreglista y director de orquesta con la orquesta sinfónica italiana 'Roma Sinfonietta'.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Parole, Parole.

El simple fue lanzado en abril de 1972 por el sello discográfico PDU, de Mina, y se convirtió en un gran éxito en las listas italianas. La canción fue interpretada originalmente por Mina y Alberto Lupo.

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Franz Schubert. Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande. Mariss Jansons.

Hadi Karimi

A continuación, de Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, dirigida por Mariss Jansons.

 

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Seldon Powell

Seldon Powell nació en Lawrenceville, Virginia, Estados Unidos, el 15 de noviembre de 1928, y murió en Hempstead, Nueva York, Estados Unidos, el 25 de enero de 1997. Saxofonista y flautista.

El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio.

Biografía de Seldon Powell por Ron Wynn

Seldon Powell, un saxofonista tenor y flautista veterano, ajustó y perfeccionó su estilo a lo largo de los años, siendo lo suficientemente flexible para tocar cualquier cosa, desde swing hasta hard bop y todo lo demás. No fue el mejor solista, el compositor más ambicioso ni el arreglista más espectacular; fue simplemente un buen músico consistente que sobrevivió a muchos cambios y tendencias para mantenerse activo desde finales de los años 40 hasta los 90. Powell se formó clásicamente en Nueva York, luego trabajó brevemente con Tab Smith en 1949 antes de unirse a Lucky Millinder y grabar con él en 1950. Powell estuvo en el ejército en 1950 y 1951, luego se convirtió en músico de estudio en Nueva York. Trabajó y grabó con Louis Bellson, Neal Hefti, Friedrich Gulda, Johnny Richards y Billy Ver Planck a mediados y finales de los años 50. Powell también tocó con Sy Oliver y Erskine Hawkins, y estudió en Juilliard. Viajó a Europa con la banda de Benny Goodman en 1958 y trabajó brevemente con Woody Herman. Powell fue miembro del personal de la cadena de televisión ABC en los años 60 y también tocó y grabó con Buddy Rich, Bellson, Clark Terry y Ahmed Abdul-Malik. Hizo varias fechas de soul-jazz y pop a finales de los 60 y principios de los 70, entre ellas una sesión con Groove Holmes y fechas de big band acompañando a Gato Barbieri y Dizzy Gillespie. Powell fue solista principal en la banda de 16 miembros de Gerry Mulligan en el JVC Jazz Festival de Nueva York en 1987. Grabó como líder para Roost y Epic.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Autumn Nocturne.

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Dick Powell

Richard Ewing Powell, más conocido como Dick Powell, nació en Mountain View, Arkansas, Estados Unidos, el 14 de noviembre de 1904, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 2 de enero de 1963. Cantante, actor, productor, y director cinematográfico.

El sitio www.bandassonorasdecine.com publicó este recordatorio.

Dick Powell

Estados Unidos (1904 - 1963)

Dick Powell fue un actor singular. Comenzó de galán trabajando en musicales e interpretando canciones con ese aspecto de muchacho guapo y bueno, Luego se convirtió en un ‘rufián’ en películas de corte dramático.

Siendo muy joven tuvo la oportunidad de ingresar en el mundo del espectáculo como cantante (tenor) y tocando el banjo con la Royal Peacock Orchestra en Louisville, Kentucky. Sería en ‘Grata compañía’ (1932), donde daría comienzo su carrera como actor e intérprete de cine.

Seguirían musicales tan conocidos como ‘La calle 42’ (1933), ‘Vampiresas 1933’ (1933, ‘Desfile de candilejas’ (1933) y un largo etc. Hasta que finalmente a principios de los años cuarenta abandonaría su lado musical para hacer otro tipo de películas.

Una vez dijo; «Sabía que no era el mejor cantante del mundo y no veía ninguna razón por la cual un actor debería limitarse a una fase particular del cine».

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con I Only Have Eyes For You, de la película Dames, de 1934.

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George Whitefield Chadwick

George Whitefield Chadwick nació en Lowell, Massachusetts, Estados Unidos, el 13 de noviembre de 1854, y murió en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 4 de abril de 1931. Compositor.

El sitio www.necmusic.edu publicó este recordatorio.

George W. Chadwick

Compositor, profesor, director y organista estadounidense. Nacido el 13 de noviembre de 1854 en Lowell, Massachusetts, George Whitefield Chadwick pasó su infancia en la cercana ciudad de Lawrence, Massachusetts. Su primera introducción a la música llegó en forma de lecciones de órgano impartidas por su hermano mayor, Fitz Henry.

A los 15 años, Chadwick ya era organista activo. Durante un breve período, trabajó como empleado en la empresa de seguros de su padre antes de matricularse en el Conservatorio de Nueva Inglaterra en 1872. Mientras estaba en el NEC, Chadwick estudió órgano con George E. Whiting, piano con Carlo Petersilea y teoría con Stephen A. Emery. También recibió instrucción en órgano durante este período de Dudley Buck y Eugene Thayer. En 1876, Chadwick aceptó un puesto de profesor en el Olivet College de Michigan. Durante este tiempo, Chadwick presentó una ponencia en la reunión fundacional de la Asociación Nacional de Profesores de Música y también mostró por primera vez su interés por la composición.

Acerca de George W. Chadwick

Después de trabajar como profesor y administrador en el Olivet College, Chadwick viajó a Alemania, donde estudió con Carl Reinecke y Salomon Jadassohn en el Conservatorio Real de Leipzig y, posteriormente, con Josef Rheinberger en la Hochschule fur Musik de Múnich. Durante el período entre Leipzig y Múnich, Chadwick viajó por Europa con un grupo de artistas que se autodenominaban los “Duveneck Boys”. Este grupo recibió el nombre de su líder, Frank Duveneck, conocido por sus obras de retratos al estilo de Velázquez.

Chadwick regresó a Estados Unidos en la primavera de 1880 y se instaló en Boston, donde comenzó a dar clases privadas. Entre sus alumnos se encontraban Horatio Parker, Sidney Homer y Arthur Whiting. Durante esta época, las obras de Chadwick eran interpretadas con frecuencia por importantes conjuntos de Boston, como la Orquesta Sinfónica de Boston, la Sociedad Handel y Haydn y la Asociación Musical de Harvard. Chadwick también componía con frecuencia para organizaciones corales locales. De 1883 a 1893, Chadwick también se desempeñó como organista de la iglesia South Congregational Church en Boston, de la que Edward Everett Hale era pastor. Además, de 1880 a 1899 dirigió los festivales musicales de Springfield, Massachusetts, y de 1897 a 1901 los de Worcester, Massachusetts.

En 1892, Chadwick recibió el encargo de componer una oda para la ceremonia inaugural de la Exposición Universal Colombina de Chicago. Dos años más tarde, la tercera sinfonía de Chadwick recibió un premio del Conservatorio Nacional de Música, durante la dirección de Dvorák. En 1897, la Universidad de Yale le confirió el título honorífico de A.M., y su Ecce Jam Noctis, para voces masculinas, fue cantada en esa ocasión. En 1905, Chadwick visitó Alemania, donde dirigió varias de sus propias composiciones en un concierto de la Concordia en Leipzig.

Además de su éxito como compositor, Chadwick continuó su carrera docente al regresar al Conservatorio de Nueva Inglaterra, esta vez como miembro del cuerpo docente. Comenzó a enseñar allí en 1882 y, en 1897, se convirtió en Director del Conservatorio, cargo que ocupó hasta 1930. Chadwick fue la fuerza impulsora que llevó al Conservatorio de Nueva Inglaterra a su ubicación actual en Huntington Ave., donde se erigió su famosa sala de conciertos, Jordan Hall.

Como director, Chadwick transformó el plan de estudios del NEC, inspirándose en los conservatorios europeos. Sus innovaciones incluyeron un taller de ópera, una orquesta de repertorio para estudiantes y cursos de orquestación y armonía basados ​​en el estudio de la música real en lugar de principios abstractos. Gran parte de la enseñanza de Chadwick se dedicó a sus estudiantes de composición avanzada, entre ellos Horatio Parker, que se convirtió en un amigo de toda la vida, Frederick Converse, Edward Burlingame Hill, Daniel Gregory Mason, Arthur Farwell, Arthur Shepherd y William Grant Still. El libro de texto de Chadwick, Harmony: a Course of Study (1897), se convirtió en un texto de teoría musical estándar y tuvo cincuenta ediciones.

Durante la última década de su vida, la producción compositiva de Chadwick disminuyó, probablemente debido a períodos de mala salud. Sin embargo, siguió trabajando como administrador competente en el Conservatorio y se mantuvo activo en los círculos sociales de Boston. Murió el 4 de abril de 1931 en su casa de Marlborough St. en Boston. Le sobrevivieron su esposa de casi cuarenta y tres años, Ida May (Brooks), y sus dos hijos, Theodore y Noel, así como cuatro nietos.

Chadwick fue considerado una de las figuras principales de la Segunda Escuela de compositores de Nueva Inglaterra, junto con Horatio Parker, Amy Beach y Edward MacDowell. La producción compositiva de Chadwick abarca casi todos los géneros, incluida la ópera, la música de cámara, las obras corales, las canciones y, quizás lo más notable, la música orquestal. Si bien las composiciones de Chadwick reflejan la influencia de la tradición romántica alemana y de sus maestros Carl Reinecke, Salomon Jadassohn y Josef Rheinberger, su música también demuestra su afinidad por los rasgos temáticos que son distintivamente estadounidenses. En un homenaje a Chadwick que apareció en el New York Times después de su muerte, el crítico musical Olin Downes escribió: "Ningún otro compositor estadounidense de esta generación o de ninguna generación anterior produjo tanta música importante en tantas formas diferentes como George Whitefield Chadwick... Con él culminó toda una época de la música estadounidense".

Algunas de las principales obras de Chadwick incluyen: Obras escénicas: The Quiet Lodging (1892), Tabasco (1894), Judith (1901), Everywoman (1911), The Padrone (1915) y Love's Sacrifice (1916); Obras orquestales: Sinfonías I, II (1886), III (1894), Rip Van Winkle, Thalia, Melpomene, Symphonic Sketches, Suite Symphonique, Aphrodite, Tam O'Shanter; Obras corales: Dedication Ode, Ode for the Opening of the Chicago World's Fair, Phoenix Expirans, Noel, Ecce jam noctis, Jubilate; Música de cámara: cinco cuartetos de cuerda, numerosos duetos, canciones con acompañamiento de teclado y piezas para órgano.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el Cuarteto de Cuerdas Nº 4, en la versión del Cuarteto Kohon.

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Bob Crewe

Robert Stanley Crewe, más conocido como Bob Crewe, nació en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 12 de noviembre de 1930, y murió en Scarborough, Maine, Estados Unidos, el 11 de septiembre de 2014. Compositor, bailarín, cantante, mánager y productor discográfico.

El sitio www.plasticosydecibelios.com publicó este recordatorio firmado por Julián Ruiz.

BOB CREWE, EL JERSEY BOY DE LOS FOUR SEASONS

Por Julian Ruiz

Tal día como, el maldito 11-S, pero de hace cinco años, moría el compositor, cantante,  y productor discográfico y genio  estadounidense llamado Bob Crewe. Tenía 83 años.

Crewe escribió una serie de los 10 mejores sencillos para Four Seasons, incluyendo ‘Big Girls Don’t Cry’, ‘Walk Like a Man’ y ‘Rag Doll ‘. También éxitos con Lesley Gore, Michael Jackson, Bobby Darin, Roberta Flack, Peabo Bryson, Patti LaBelle, Barry Manilow y otros.

Para mí, Bob Crewe era el personaje ms importante, decisivo de los Four Seasons, tan revolucionados en estos tiempos gracias al magnífico Musical Jersey Boys y la denostada película de Clint Eastwood.

¿Por qué? Porque era el gran compositor del grupo, autor de obras maestras como “Can´t take my eyes of you”;”Silence is Golden”, “The Sun ain´t gonna shine anymore”, etc.

Una lista interminable. Temas que no sólo eran para los Four Seasons ni para Frankie Valli, sino para los Walker Brothers o los Tremeloes.

Bob Crewe era una leyenda, Ha muerto en su casa de Maine, a los 83 años, rodeado de su familia, aunque por su homosexualidad siempre tuvo problemas con la sociedad.

Crewe nació el 12 de noviembre de 1930 en Newark, Nueva Jersey, ya pesar de un talento natural para la música, que inicialmente asistió a la Parsons School of Design en Nueva York.

A lo largo de su carrera musical, siempre se mantuvo activo como artista visual, ya que tiene varias portadas de discos diseñados. En 1953, se asoció con Frank Mata Jr., y en 1957, su canción “Siluetas”, interpretada por Los Rays, se convirtió en un hit doo-wop reconocido.

Trabajó con Bob Gaudio en muchos singles de The Four Seasons, como productor y co-letrista. Entre los números memorables que Crewe colaboró ​​con Gaudio y se muestran en el musical Jersey Boys, están: “Sherry”, “Big Girls No Cry”, “Walk Like a Man”, “Bye Bye Baby”, “Rag Doll”.

Además de sus contribuciones a The Four Seasons, Crewe co-escribió “Lady Marmalade” de Patti LaBelle con Kenny Nolan, que se convirtió  en número uno en las listas de éxitos 1975.

En 2009, lanzó Crewe La Fundación Bob Crewe, que financiaba becas, formación y tutorías para jóvenes aspirantes a artistas y músicos. La Fundación también apoya ahora a la investigación del SIDA y promueve los derechos e iniciativas LGBT.

Aunque Crewe rara vez hablaba abiertamente de su sexualidad, es considerado como un icono gay en la industria de la música y más allá. Crewe es retratado en Jersey Boys por Peter Gregus, pero lo que se ve en Jersey Boys sólo es la punta del iceberg de lo que no sólo contribuyó a The Four Seasons y la industria de la música.

En un comunicado, Frankie Valli y Bob Gaudio han dicho: “Las letras de Bob Crewe han significado tanto que es difícil imaginar que alguna vez puedan caer en el olvido. Nunca olvidaremos Bob Crewe: nuestro socio -nuestro hermano, en la música y nuestro buen amigo en la vida “.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Music to Watch Girls By, en la interpretación de Andy Wlliams.

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Mijaíl Jurjew Wielhorsky

Mijaíl Jurjew Wielhorsky nació en Volinia, Polonia, el 11 de noviembre de 1788, y murió en Moscú, entonces Imperio Ruso, el 10 de octubre de 1856. Aristócrata, mecenas, compositor y músico.

El sitio www.studocu.com publicó este recordatorio.

Mijaíl Jurjew Wielhorsky (Volinia, 11 de noviembre de 1788 - Moscú, 10 de octubre de 1856) fue un aristócrata ruso de origen polaco, mecenas (junto a su hermano Matvey) de artistas y aficionado a la música, tanto como intérprete de violonchelo y piano, como compositor (es el autor de dos sinfonías, obras de cámara y de una  ópera titulada Los gitanos). Tuvo una selecta educación musical (entre sus maestros figuraron el español Vicente Martín y Soler y, en París, Luigi Cherubini). Instalado definitivamente en San Petersburgo en 1810, apoyó la carrera de Mijaíl Glinka y de Antón Rubinstein y, en general, promovió la vida musical sanpetersburguesa, donde tenía gran influencia debido a su amistad con el zar Nicolás I. Mostró su entusiasmo por la música de Hector Berlioz durante su estancia del compositor francés en Rusia y mantuvo gran amistad con Franz Liszt, quien realizó un arreglo de una melodía de Wielhorsky en su obra Lyubila ya-Romance S.577.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con las Variaciones para Violonchelo y Orquesta, en la versión de Sviatoslav Knushevitsky, y la Orquesta dirigida por Alexander Gauk.

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Billy May

Edward William May Jr., más conocido como Billy May, nació en Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, el 10 de noviembre de 1916, y murió en San Juan Capistrano, California, Estados Unidos, el 22 de enero de 2004. Compositor, arreglador y trompetista.

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio.

Billy May

William E. «Billy» May, (10 de noviembre de 1916, Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos – 22 de enero de 2004, San Juan Capistrano, California, Estados Unidos), fue un compositor, arreglista y trompetista de nacionalidad estadounidense. Empezó a tocar la tuba en la banda de la High School.»​ A los 17 años de edad, tras actuar con algunas bandas locales, May oyó al grupo de Charlie Barnet actuando en la radio y se las apañó para que le contratara como arreglista de su orquesta. Billy May estuvo con Barnet entre 1938 y 1940, queda para la posteridad, su maravilloso arreglo de la complicada composición de Ray Noble «Cherokee», un tema, que años más tarde, el maestro del Bebop, Charlie Parker, la convirtió en icono de los “boopers”.

En 1940, y tras dejar a Charlie Barnet, Glenn Miller y Les Brown, contrataron a Billy May para los arreglos de sus respectivas orquestas, y fue tal éxito, que dos años más tarde, Billy May fue contratado como primer arreglista de la cadena radiofónica NBC y de la compañía discográfica Capítol Records. En Capitol, Billy May desarrolló lo mejor de su carrera y tuvo la oportunidad de hacer los arreglos para algunos de los grandes músicos de jazz de la época, siendo su largo periodo de relación estrecha con el cantante, Frank Sinatra, la que mejor representa su estilo. Para Sinatra, Billy May dejó escritos los arreglos de algunos de los mejores álbumes del cantante, entre ellos: “Come Fly with Me”, “Come Dance with Me!” y “Come Swing With Me”. Con Nat King Cole colaboró en los discos: “Just One Of Those Things” y “Let’s Face the Music”.

Su fama y popularidad, especialmente entre los cantantes subió como la espuma, y era constantemente demandado para grabar con algunos y algunas grandes estrellas; son destacables los trabajos con la cantante, Peggy Lee, en el álbum “Pretty Eyes; Sue Raney” o “Songs for a Raney Day”, con Vic Damone: “The Lively Ones” y “Strange Enchantment”, con Jeri Southern con quién colaboró en el magnífico disco de la cantante en homenaje a Cole Porter titulado: “Southern Meets Cole Porter. Otros de los cantantes que eligió a Billy May para sus arreglos, fue el gran Bobby Darin en el álbum: “Oh! Look at Me Now”. Bing Crosby, George Sheraing, o Rosemary Clooney, también requirieron de sus servicios.

Sus arreglos fueron también llevados al cine, la radio y la TV, y en 1959, obtuvo el  Premio Grammy, y en 1988 entró a formar parte del Salón de la Fama de las Big Band y el Jazz. Otras de las colaboraciones destacadas de Billy May, fueron con la cantante, Ella Fitzgerald. May arregló sus famosos álbumes “song books”, en homenaje a la música de Harold Arlen, y Johnny Mercer, ambos para el sello Verve.

Billy May falleció en 2004 en San Juan Capistrano (California), a causa de un ataque al corazón.

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Unforgettable.

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Shalom – El Colegio Ibn Gabirol, por un mundo mejor

Shalom – El Colegio Ibn Gabirol, por un mundo mejor

Compartimos con ustedes uno de los conceptos más importantes en el judaísmo, "Tikun Olam", el precepto de trabajar para mejorar nuestro mundo y el que legaremos a las futuras generaciones. Luna Alfón, directora del Colegio Ibn Gabirol, nos cuenta cómo lo hacen cada día.

Hacé click en el enlace para ver el programa.

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/shalom-colegio-ibn-gabirol-mundo-mejor/16323886/

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Julia Pirotte.

El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta: Tributo a Julia Pirotte.

Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se emite por Radio Sefarad.

Julia Pirotte: crear para respirar

TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON CECILIA LEVIT – Julia Pirotte nació en 1908, en el seno de una familia judía polaca de origen humilde, en la ciudad Końskowola, cerca de Lublin. Durante su juventud, Pirotte fue arrestada junto con su hermana por su papel en el movimiento comunista de Varsovia. Su carrera como fotógrafa se desarrolla hacia 1940 y comienza en la Marsella libre de la ocupación nazi, pero continúa en diferentes lugares de la Francia ocupada por los nazis donde participó activamente en el movimiento de la resistencia local. Entre los temas principales de su fotografía están los niños, el drama de la guerra o el Holocausto. Falleció en el año 2000 a los 92 años.

Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.

Mary Travers

Mary Allin Travers nació en Louisville, Kentucky, Estados Unidos, el 9 de noviembre de 1936, y murió en Danbury, Connecticut, Estados Unidos, el 16 de septiembre de 2009. Cantante y compositora.

El sitio www.musicpedia.fandom.com publicó este recordatorio.

Mary Travers fue una cantante de folk estadounidense mejor conocida por ser parte del trío folk Peter, Paul & Mary, pero también lanzó 5 álbumes durante su carrera en solitario en la década de 1970.

Como no era una compositora tan prolífica como sus socios musicales, muchas de las canciones de su carrera en solitario eran versiones de otros artistas de folk contemporáneo o soft rock, incluidas muchas versiones de John Denver.

Algunos de los momentos más destacados de su carrera en solitario incluyen versiones de « Follow Me » de John Denver y « Indian Sunset » de Elton John.

Historia

Mary Travers nació en Louisville, Kentucky, hija de Robert Travers y Virginia Coigney, ambos periodistas. Cuando tenía 2 años, su familia se mudó a Greenwich Village, en la ciudad de Nueva York. Se sabe que tuvo un hermano y una hermana cuando era niña.

Abandonó la escuela secundaria cuando tenía 18 años para unirse al grupo de folk Song Swappers, que cantaba coros para Pete Seeger. Fue en la escena de música folk de Greenwich Village donde conoció a Paul Stookey, y fue presentada a Peter Yarrow en 1961 por el manager de un grupo de folk independiente, Albert Grossman, que buscaba crear un nuevo grupo al estilo de The Weavers.

Los tres comenzaron a cantar juntos y lanzaron su primer álbum en 1962, seguido de dos más en 1963. Lanzaron una serie de otros álbumes a lo largo de los años 60 antes de separarse en 1970 para seguir carreras en solitario. (Ver Peter, Paul & Mary).

Cuando Peter, Paul y Mary se separaron para seguir carreras en solitario en los años 70, Mary Travers fue la primera en lanzar un álbum en solitario, el homónimo Mary en 1971.

Continuó lanzando cuatro álbumes más en solitario en los años 70 y finalmente se reunió con Peter y Paul en 1978.

Peter, Paul y Mary continuaron grabando y actuando juntos hasta la desafortunada muerte de Mary Travers en 2009. Peter y Paul continuaron actuando como dúo.

Vida personal

Mary Travers se casó cuatro veces en su vida y tuvo dos hijas.

Alicia Travers y Erika Marshall

Se casó por primera vez con John Filler a finales de los años 50 y tuvieron una hija, Erika, que nació en 1960. En 1963 se casó con Barry Feinstein y en 1966 también tuvieron una hija a la que llamaron Alicia. Se divorciaron en 1968.

También estuvo casada con Gerard L. Taylor de 1969 a 1975, y desde 1991 hasta su muerte en 2009 estuvo casada con Ethan Robbins.

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con And When I Die.

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Franz Schubert. Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande. John Eliot Gardiner.

Hadi Karimi

A continuación, de Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión de la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por John Eliot Gardiner. 

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El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opinión firmado por el Dr. Ariel Gelblung.

Los cristales se volvieron a romper

En estos días se llevarán múltiples actos de recordación, casi todos

interreligiosos, y se escuchará que alguien recite el conocido poema

del Pastor Martin Niemoller, que enumera varias minorías a quienes 

fueron a buscar y como no era de su incumbencia, no le importó

PorDr. Ariel Gelblung

08 Nov, 2024 12:30 p.m. AR

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Un hombre usando un Kippah. EFE/EPA/FIlip Singer

La noche del 8 al 9 de noviembre de 1938, en el territorio de Alemania y Austria se llevó a cabo un Pogrom contra las comunidades judías que se cobraron vidas, se destruyeron propiedades y se incendiaron sinagogas, con la pasividad planificada de las autoridades que no solo permitieron hacer, sino que incentivaban al daño.

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El mundo entero calló y no protestó.

Ese día, preludio de lo que habría de venir, se denominó con el romántico nombre de Kristallnacht, o La Noche de los Cristales Rotos, cuando su verdadera denominación sería el Pogrom Alemán y Austríaco del 8 al 9 de Noviembre.

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En estos días se llevarán múltiples actos de recordación, casi todos interreligiosos, y se escuchará que alguien recite el conocido poema del Pastor Martin Niemoller (que muchos desprevenidos atribuyen a Bertolt Brecht), que enumera varias minorías a quienes fueron a buscar y como no era de su incumbencia, no le importó. Concluye con un emotivo “Luego vinieron por mí, y para entonces ya no quedaba nadie que hablara en mi nombre”.

Repetir ese poema con posterioridad, suena a arrepentimiento posterior, si no se acompaña con actitudes que denoten prevención a que tales hechos se repitan.

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El 7 de Octubre de 2023 los cristales se volvieron a romper y el mundo volvió a no estar a la altura.

Las feministas actuaron como si “como son judías no me importó”

UNICEF no defendió a los hermanitos Bibas porque “como son judíos no me importó”.

La Cruz Roja no hizo nada por los aún 101 secuestrados “porque como son judíos no me importó”.

UNWRA no solo no impidió el ataque de Hamas, sino que quedó probada la colaboración “porque salvar judíos no me importó”.

UNIFIL no mantuvo a Hezbollah detrás del Río Litani en el Líbano, tal como era su función, porque del otro lado de la frontera, “como son judíos no les importó”.

Las universidades de elite no impidieron la agresión a estudiantes y profesores judíos porque “depende del contexto”.

Y ayer, apenas después que en la Sinagoga Portuguesa culminase la ceremonia recordatoria del Pogrom de Noviembre, donde recordaban la persecución a judíos en los Países Bajos, que obligaron a los Frank a esconderse en “la casita de atrás”, hordas salieron a cazar judíos en zona liberada en la civilizadísima Amsterdam.

Negocios que se cerraban cuando los perseguidos pedían ayuda. Taxistas que no solo bajaban judíos tratando de escapar, sino que se sumaban a las golpizas. Judíos tirados a los canales, o que se hicieron pasar por muertos, o que tuvieron que negar ser judíos para que no les peguen, o encerrados en sus hoteles.

Eso no es apoyar la lucha del pueblo palestino. Es antisemitismo.

Del más violento.

Del que el mundo prometió que no volvería.

Somos el globo de ensayo, el canario en la mina. “Lo que empieza con los judíos nunca termina con los judíos”, decía Simon Wiesenthal.

El antisemitismo no es un problema de los judíos sino de las sociedades que lo toleran. Y la solución debe venir de los no judíos de esa sociedad.

Este es el antisemitismo que si no lo ayudás a denunciar y parar ahora, no va a haber nadie que hable por vos.

* Ariel Gelblung es director del Centro Simon Wiesenthal para América Latina

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