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Émile Gallé (Nancy, 8 de mayo de 1846 – Nancy, 23 de septiembre
de 1904) fue un artista francés que trabajó el cristal y es considerado como
uno de mayores representantes del movimiento Art Nouveau francés.
Gallé era hijo de un fabricante de cerámica y muebles.
Estudio filosofía, botánica y dibujo durante su juventud. Posteriormente
aprendería la vidriería en Meisenthal, trabajando posteriormente en la fábrica
de su padre en Nancy tras la Guerra franco-prusiana. En sus trabajos iniciales
usaría un cristal limpio adornado con esmaltes, pero pronto tornaría hacia un
original estilo mediante el uso del cristal pesado y opaco tallado o grabado al
agua fuerte con motivos florales. Su carrera despegaría a partir de que su
trabajo recibiera excelentes críticas en la Exposición de París de 1878.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con una muestra de sus trabajos. El video preparado por www.expertizaje.com no tiene audio.
Publicado: 07 May, 2024 06:11 p.m.Actualizado: 07 May, 2024 07:40 p.m. AR
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Diputados nacionales de todos los partidos con carteles de los argentinos secuestrados por Hamas - Fotos por Gustavo Gavotti
“Hace momentos nos enteramos de la muerte de Lior Rudaeff por eso vamos a comenzar con un minuto de silencio”. El encuentro coordinado por diputados nacionales de diferentes espacios para reclamar por la liberación de los rehenes en manos de la organización terrorista Hamas comenzó momentos después de que la Embajada Argentina en Israel confirmara la muerte del argentino Lior Rudaeff, de 61 años.
Rudaeff fue asesinado el mismo 7 de octubre y su cuerpo se encuentra aún retenido en la Franja de Gaza. Aquel día Lior estaba a cargo de la seguridad del Kibutz Nir Yitzchak, donde vivía junto a su esposa y cuatro hijos.
Su prima Micaela Rudaeff estaba por asistir a un acto en el Congreso cuando se enteró de la noticia, por tal motivo, decidió no participar. Sin embargo, envió una carta.
“Sus anteojos fueron encontrados con sangre. Hace 214 días que Lior está muerto. Es difícil entender lo que estamos viviendo las familias de los secuestrados. Todos los secuestrados tienen que volver a sus casas ya, sanos, salvos y vivos. Lior no va a volver vivo”, decía su mensaje.
La diputada Sabrina Ajmechet
El acto, organizado en el marco de la comisión de Derechos Humanos de la Cámara de Diputados, continuó con una foto conjunta de legisladores de casi todos los espacios políticos con fotos de los rehenes. Participaron, entre otros, los radicales Julio Cobos, Fabio Quetglas y Karina Banfi; los peronistas Leandro Santoro y Santiago Cafiero; Sabrina Ajmechet, Hernán Lombardi, Waldo Wolff y Alejandro Finocchiaro del PRO; Margarita Stolbizer, del GEN; el socialista Esteban Paulón; Juliana Santillán y Martín Menem, de La Libertad Avanza; y Maximiliano Ferraro de la Coalición Cívica. También estuvo presente Jorge Knoblovits, titular de la DAIA.
Asimismo, los diputados coincidieron en firmar un proyecto de declaración conjunta para que la Cámara de Diputados siga pidiendo por la liberación de los secuestrados cada vez que haya sesión.
“Todos los 7 de cada mes son muy difíciles, pero este es más difícil que otros. Pero pudimos hacer algo que quiero destacar: diputados de diferentes partidos políticos que casi nunca nos ponemos de acuerdo en nada pudimos sacarnos esta foto”, remarcó Ajmechet.
Bajo la consigna “7 meses, sin abrazos, sin respuestas, sin palabras” los diputados instaron a redoblar los esfuerzos para conseguir la liberación de las personas secuestradas.
Tras la incursión del grupo terrorista Hamas en el sur de Israel el pasado 7 de octubre, 132 personas, entre ellos 9 argentinos, permanecen secuestradas presuntamente en la Franja de Gaza.
Minuto de silencio por la muerte de Lior Rudaeff
El lunes, el grupo terrorista declaró que informó a Qatar y Egipto la aceptación de una propuesta presentada por estos países para un alto el fuego en la Franja de Gaza.
Sin embargo, el gabinete de guerra de Israel acordó “por unanimidad” seguir adelante con la ofensiva sobre Rafah, en la Franja de Gaza, si bien enviará una delegación de mediadores para “agotar” todas las opciones a fin de cerrar un acuerdo que cumpla con sus requisitos.
La oficina del primer ministro israelí, Benjamin Netanyahu, indicó que la propuesta de alto el fuego liderada por Qatar y Egipto “está lejos” de los requisitos que pide el lado israelí. En este sentido, Israel adelantó que mantendrá su decisión de llevar a cabo una ofensiva contra Rafah “para ejercer presión militar sobre Hamas” a fin de “avanzar en la liberación de los rehenes”.
El mundo celebra los 200 años del estreno de la 9ª Sinfonía
de Beethoven
Forbes Staff | mayo 6, 2024 @ 5:05:00 am
Estrenada en Viena en 1824, la Sinfonía número 9 en Re
Menor, op.125, 'Coral' de Beethoven celebra este 7 de mayo, su 200º aniversario
con conciertos en diferentes ciudades del mundo.
Estrenada en Viena en 1824, la Sinfonía número 9 en Re
Menor, op.125, ‘Coral’ de Beethoven celebra este martes, 7 de mayo, su 200
aniversario con conciertos en ciudades de todo el mundo, entre ellas Viena,
París, Madrid, Barcelona, Buffalo (EU) o Praga.
La Novena Sinfonía, la obra cumbre del compositor alemán
(Bonn, 1770 – Viena, 1827), considerada como una obra maestra de la música
clásica, una de las cumbres musicales de la historia de la música y, como tal,
de gran influencia en el movimiento musical romántico posterior, se ha
convertido además con el tiempo en un símbolo de unión y fraternidad.
La parte cantada de esta sinfonía, su cuarto movimiento,
pone música a la letra escrita por Friederich Schiller, en 1785, en la ‘Oda a
la Alegría’. Y en 1985, la Unión Europea lo convirtió en su himno sin letra.
Esta sinfonía de carácter profundamente humanista, que por
primera vez incluyó solistas y un coro, entre otras innovaciones -entre ellas
también el uso de la percusión y su larga duración, de más de una hora, fue
declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO en 2002. Se estrenó con su
compositor completamente sordo debido a una dolencia con la que lidió Beethoven
mientras la componía.
Beethoven, el último gran representante del clasicismo
vienés, no pudo escuchar las notas de la Novena Sinfonía durante el estreno de
la obra, aunque sí supervisar a través de las partituras el trabajo de
dirección de Michael Umlauf. Al terminar el concierto, tuvo que ser alertado
por los músicos para darse la vuelta y agradecer al público los aplausos, que
acogió la obra con entusiasmo.
La celebración de este bicentenario comenzó el día 4, con el
primero de los cinco conciertos de la Filarmónica de Viena en el Wiener
Musikverein, a los que se unirá el día 7 el programado por la Sinfónica de la
ciudad en el Wiener Konzerthaus.
Salas que han sustituido al Kärntnertortheater, el teatro
donde se estrenó la Novena y que fue demolido en 1870, dejando un espacio que
hoy ocupa el popular Hotel Sacher.
En Berlín, hoy lunes se celebra una velada musical en el
lugar donde se encuentra actualmente el autógrafo de la última sinfonía de
Beethoven: la biblioteca estatal de Berlín, actuación a cargo de un conjunto de
la Deutsches Symphonie-Orchester.
En Alemania se han programado conciertos de la obra en
Hamburgo, en el gran salón de la Filarmónica del Elba, bajo las órdenes del
estadounidense Alan Gilbert, y en Leipzig, por la orquesta Gewandhaus.
La sala de conciertos sinfónicos Filarmónica de París
también rendirá homenaje a esta composición, un emblema cultural de la
Ilustración Europea, los días 6 y 7 de mayo.
El Cadogan Hall de Londres albergará este martes a la
Orquesta Sinfónica Nacional y el Teatro alla Scala de Milán también celebrará
el día 7 de mayo los 200 años del estreno de la obra.
La Filarmónica Checa en Praga, bajo la batuta de Semyon
Bychkov; la Orquesta Filarmónica de Buffalo (EU) en el Kleinhans Music Hall, o
la Orquesta Sinfónica de la Radio finlandesa en el Musiikkitalo de Helsinki,
son otras de las compañías que han elegido este mes de mayo para recordar la
sinfonía.
Igualmente, en España se podrá escuchar la ‘Coral’ del
compositor alemán el 7 de mayo, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid,
en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, el Palau de Les Arts de
València o el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián.
EFE
A continuación, la Sinfonía Nº 9 en Re Menor Op. 125, Coral,
de Ludwig van Beethoven, en la versión de los solistas Annette Dasch, soprano;
Mihoko Fujimura, mezzo-soprano; Piotr Beczala, tenor; y Georg Zeppenfeld, bajo,
junto a la Asociación Coral de Viena, dirigida por Johannes Prinz, y la Orquesta
Filarmónica de Viena, todos bajo la batuta de Christian Thielemann.
Una selección de textos de distintos autores y tiempos para
disfrutar en silencio. Reflexiones, pensamientos, frases y poesía para
acompañarte allí donde te encuentres.
Hoy: Dr. Alfredo Carri, de José Narosky.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
Jascha Horenstein nació en Kiev, entonces Imperio ruso, el 6
de mayo de 1898, y murió en Londres, Reino Unido, el 2 de abril de 1973. Director
de orquesta.
Jascha Horenstein nació en Kiev el 24 de abril de 1898. Fue
el primer hijo nacido durante el matrimonio de su padre Abraham con su tercera
esposa Marie Ettinger y fue el número trece de los dieciséis hijos de su padre.
Los Horenstein eran una familia judía acomodada. Según el estudioso de los
Horenstein, Misha Horenstein, el joven Jascha recibió su primera lección de
piano de su madre y estuvo expuesto a una gran variedad de música a través de
diversas reuniones de las comunidades judía y jasídica con sede en Kiev.
En 1906, la familia se trasladó a Königsberg. Poco después,
Jascha comenzó a recibir clases de violín con Max Brode. La familia permaneció
en Königsberg hasta noviembre de 1911, cuando se trasladaron a Viena. Jascha se
matriculó en el Staatsgymnasium nº 2, donde entabló amistad con un joven Hanns
Eisler, también alumno de la escuela. En los años siguientes, Horenstein siguió
estudiando violín con el famoso violinista Adolph Busch y con Karl Berla. En
1916 ingresó en la Academia de Música de Viena, donde comenzó a estudiar
composición con Franz Schreker y armonía con Joseph Marx. Fue este curso de
estudio el que finalmente llevaría a Horenstein a entablar otra amistad de por
vida con su compañero de estudios de Schreker, el compositor Karol Rathaus.
En marzo de 1920, Franz Schreker, el principal mentor de
Horenstein, fue nombrado director de la Hochschule de Berlín y, según lo
estipulado en un contrato, cualquiera de sus alumnos actuales podía unirse a él
para continuar sus estudios. Esta oferta fue aceptada por muchos estudiantes,
entre los que se encontraban Horenstein, Isaak Thaler, Alfred Freudenheim,
Karol Rathaus, Alois Hába, Julius Bürger, Ernst Křenek, Alois Melichar, y
otros.
La obra de composiciones de Horenstein de esta época se ha
perdido. Según el erudito Misha Horenstein, Jascha compuso para muchos medios,
incluidos el piano y la música de cámara, así como para voz. También
complementó sus ingresos tocando el segundo violín con la Orquesta Sinfónica de
Viena durante una temporada, hasta que una lesión en un dedo le hizo abandonar
sus aspiraciones profesionales.
Horenstein aprovechó al máximo su estancia en Berlín y,
aunque nunca estudió formalmente dirección de orquesta, comenzó a dedicarse
principalmente a este medio. Esto, unido al final de su carrera como
violinista, demostró ser los primeros pasos fructíferos hacia su carrera de por
vida como uno de los grandes directores de orquesta del siglo XX. En 1922,
Horenstein debutó como director con la Orquesta Sinfónica de Viena interpretando
la Primera Sinfonía de Mahler. Esto consolidó su deseo de dedicarse a la
dirección y regresó a Berlín, donde comenzó un aprendizaje con el director
coral y miembro de la facultad de la Hochschule de Berlín Siegfried Ochs. Este
aprendizaje fue en asociación con el Coro Schubert de Berlín. Sus actuaciones
con Ochs llamaron la atención del director de la Orquesta Filarmónica de
Berlín, Wilhelm Furtwängler. Así comenzó la que posiblemente sea la tutoría más
importante de la carrera de Horenstein. Según el amigo y ejecutor artístico de
Horenstein, Joel Lazar, esta asociación fue esencial para el desarrollo del
estilo orquestal y la técnica de Horenstein como director.
El repertorio de Horenstein no se limitaba a un estilo o
periodo musical, sino que incluía una
amplia gama de obras de compositores occidentales tradicionales como Bach,
Mozart, Haydn, Beethoven y Brahms, así como la promoción de compositores del
Romanticismo tardío como Mahler y Bruckner. Su repertorio también incluía obras
de su colega Karol Rathaus, Kurt Weill, Alban Berg y Max Butting. Además de
estos notables compositores, Horenstein también defendió obras del compositor
danés Carl August Neilsen y del compositor checo Leoš Janáček.
En 1928, se reconoció la superioridad de Horenstein en la
dirección y, con una recomendación de Furtwängler, fue nombrado director de la
Ópera de Düsseldorf. Al año siguiente, Horenstein obtuvo también el cargo de
director general de música. A pesar de estos éxitos, el panorama político de
finales de la República de Weimar empezó a cambiar a peor. La Primera Guerra
Mundial dejó al antiguo Imperio Alemán muy lastrado por el desempleo, una
inflación galopante y un opresivo mandato de restitución impuesto por las
naciones vencedoras en el Tratado de Versalles de 1919. Estos factores, unidos
al sentimiento antisemita avivado por el Partido Nazi y su aversión a la
floreciente música modernista (más tarde considerada música degenerada o
"Entartete Musik"), convirtieron a Horenstein en blanco de ataques
desde el comienzo de su nuevo mandato en Düsseldorf.
Dos producciones concretas de obras contemporáneas,
incluyendo una puesta en escena en 1930 de Wozzeck de Berg (al estreno asistió
el propio Berg) y la puesta en escena en 1931 de Janáček Desde la casa de los
muertos, tuvieron éxito pero sirvieron de combustible para que los antisemitas
populistas militaran contra el liderazgo de Horenstein. En marzo de 1933, la
aprobación de la Ley Habilitante otorgó a Hitler poderes dictatoriales para
gobernar sin el consentimiento del Reichstag o del presidente von Hindenburg.
Horenstein dimitió poco después de su cargo en Düsseldorf y huyó a París. Es
probable que esto le salvara la vida. Nunca más volvió a ocupar un puesto
permanente en su vida profesional.
Ahora afincado en Francia, Horenstein se embarcó en una gira
como director invitado por Varsovia, Moscú y Leningrado, y en estas dos últimas
ciudades pasó sus meses de verano entre 1934 y 1937. También durante este
periodo entabló amistad con el compositor Dimitri Shostakovich por su
admiración mutua por la música de Mahler. También realizó giras por Australia y
Nueva Zelanda y fue invitado a dirigir la Orquesta Sinfónica de Palestina en
1938.
Al año siguiente, Horenstein había llegado a la conclusión
de que residir en Europa ya no era una opción segura para él y su familia y, el
18 de enero de 1939, embarcaron en el transatlántico "Champlaigne"
con destino a Nueva York. Sólo consiguieron el pasaje utilizando pasaportes
hondureños falsificados expedidos por un funcionario simpatizante. Poco después
de llegar a Estados Unidos, Horenstein se reencontró con su amigo de la
infancia Hanns Eisler, ahora un aclamado compositor, que le ayudó a conseguir
trabajo dirigiendo películas en Hollywood. Poco después, Horenstein se
incorporó al cuerpo docente de la New School for Social Research de Nueva York.
La universidad privada ya contaba con un ilustre profesorado de emigrantes,
entre los que se encontraban el compositor, director de orquesta y pianista
Georg Szell; el director de orquesta Otto Klemperer; los pianistas-directores
Erich Leinsdorf y Eduard Steuermann; el crítico Max Graf; y el compositor
Eisler.
Este nombramiento dio seguridad a la familia Horenstein
durante los años de guerra y Horenstein continuó dirigiendo con muchas de las principales
orquestas de Estados Unidos. En 1944, por recomendación de Erich Kleiber,
Horenstein fue contratado para dirigir por toda Sudamérica, incluyendo
conciertos en Argentina, Brasil y Uruguay. Sin embargo, no fue hasta tres años
después de su regreso a Francia (1950) cuando su carrera como director de
orquesta comenzó a recuperar la fuerza que poseía en los años anteriores a la
guerra. Horenstein comenzó a recibir compromisos en toda Europa y en el
extranjero.
Entre un compromiso y otro, Horenstein comenzó una activa
carrera discográfica con VOX Records, iniciando la primera de una serie con un
regreso a su orquesta "de casa", la Sinfónica de Viena, y sus
interpretaciones grabadas de la 9ª Sinfonía de Dvořák, la 5ª Sinfonía de
Shostakovich y la 9ª Sinfonía de Mahler. Estas grabaciones y las que siguieron
cimentaron el reconocimiento internacional de Horenstein y suscitaron
comparaciones de sus interpretaciones de obras de Mahler y Bruckner con los
enfoques de dirección de Bruno Walter y Otto Klemperer.
Otras actuaciones notables incluyen las primeras
representaciones en París de Wozzeck de Berg, la interpretación en 1959 de la
8ª Sinfonía de Mahler en el Royal Albert Hall con la Orquesta Sinfónica de
Londres, que recibió críticas muy favorables, así como el estreno en 1964 de
Dr. Faust de Busoni en el Carnegie Hall con el barítono alemán Dietrich
Fischer-Dieskau y la producción de 1973 de Parsifal de Wagner en la Royal Opera
House de Covent Garden, Londres.
La carrera internacional de Horenstein implicaba una agenda
muy activa. En 1971, mientras dirigía la 5ª Sinfonía de Carl Nielsen en
Minneapolis (Minnesota), sufrió un ataque al corazón en el escenario y fue
atrapado por el director de la orquesta. Horenstein continuó dirigiendo tras
una breve recuperación y tenía previstas interpretaciones de las Sinfonías 5ª,
6ª y 7ª de Mahler cuando falleció tras complicaciones derivadas de una
operación de corazón. Murió el 3 de abril de 1973, a la edad de 74 años.
Ryan Hugh Ross
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con su interpretación de la Sinfonía Nº 1 en Re, denominada Titán, de Gustav
Mahler, al frente de la Orquesta Sinfónica de Londres. Grabación realizada en
1969, en el Barking Assembly Hall, de Londres.
Javier Martínez, el alma del trío de blus porteño Manal, pionero indiscutible del blues y rock en español, y compositor clave en la historia del rock argentino deja un rico legado en la música popular de nuestro país y en la escena blusera mundial de habla hispana. La noticia de su muerte, en un sábado gris de otoño en Buenos Aires, entristece a varias generaciones de feligreses de una religión sin ateos.
Baterista, compositor y cantante, Javier Martínez (18/03/46) se inició musicalmente en La Cueva, el mítico reducto del rock nacional de la avenida Pueyrredón. De todo ese tiempo de agitación creativa que se cocinaba en el centro porteño, con el Instituto Di Tella como faro de vanguardia, surgió Manal, trío que compartió con Claudio Gabis (guitarra) y Alejandro Medina (bajo) entre 1967 y 1973. E
El primer disco homónimo de la banda, publicado en 1969, es una obra maestra de una emergente música urbana que, de alguna manera musical y sobre todo poética, ubicó al rock cantado en español en el imaginario cultural argentino. Canciones como “Avellaneda blues” y “Avenida Rivadavia” crearon un nuevo lenguaje porteño en una época de grandes transformaciones sociales y agitación política. Otras, como “No pibe” y “Jugo de tomate frío” se convirtieron en urgentes manifiestos generacionales.
El disco debut de Manal es uno de los clásicos del rock argentino
La invención de Manal
El 5 de octubre de 1967, el espectáculo titulado Beat Beat Beatles en la Sala del Centro de Experimentación Audiovisual del Instituto Di Tella destacó por su innovadora fusión de proyecciones y presentaciones en vivo de seis grupos, entre ellos Martínez y Bubblin’ Awe, donde tocaba Claudio Gabis. En contraste con los grupos musicales de aquel tiempo, que rendían tributo a la influencia anglosajona, Martínez y Gabis se atrevieron a explorar un nuevo territorio musical para concretar la idea de un conjunto de blues en español. Esa determinación para superar las barreras lingüísticas y culturales en la música marcó el comienzo de una nueva era.
Sumado Alejandro Medina en bajo y coros, se constituyó Manal, el trío que haría escuela con su audaz fusión de blues, rock y soul. En noviembre de 1968, la banda debutó en la Sala Apolo y a través del editor literario convertido en productor musical Jorge Álvarez, y su sello Mandioca, publicaron su primer simple en enero de 1969.
Manal no solo es reconocido por su calidad musical, sino también por su influencia en el rock en español. Su importancia no solo radica en su innovación sonora sino también en su capacidad para reflejar y cuestionar la sociedad de su tiempo. Canciones como “Para ser un hombre más” y “Que pena me das” no solo destacan musicalmente sino también por su crítica social y cultural.
Manal, el regreso en 1980
El histórico retorno de Manal en 1980, con seis shows en el estadio Obras, incluyó el lanzamiento de un álbum de estudio titulado Reunión y una gira nacional. Después de su separación, los integrantes de Manal habían distintos caminos. Javier Martínez se trasladó a España, mientras que Gabis y Medina exploraron nuevos horizontes musicales: el primero se fue a Brasil y el segundo permaneció en Buenos Aires. La impactante reunión de Almendra en 1979, que presentó material inédito y llevó a cabo una extensa gira, jugó un papel crucial en la decisión de Manal de volver a juntarse.
El álbum en vivo de aquella (primera) reunión fue reeditado en una edición de vinilo en 2023 con un sonido restaurado y bonus tracks que le hacen justicia a lo que significó el regreso de esta banda fundamental. El repertorio incluido en este recital abarcó toda su discografía, los clásicos de Manal y El León, simples como “Doña Elena”, adelantos del disco Reunión (que sería publicado en 1982) y canciones de las carreras en solitario de Claudio Gabis (“Más allá del Valle del Tiempo”) y Javier Martínez (“Sol del Sur”).
La reunión sorpresiva y secreta de Manal en 2014 (captura de video)
El regreso de Manal en el siglo XXI
El regreso de Manal con su formación original ocurrió el 1 de octubre de 2014, durante la inauguración de Red House, la sala de conciertos del empresario Jorge “Corcho” Rodríguez. El trío fundacional del rock argentinointegrado por Javier Martínez, Claudio Gabis y Alejandro Medina brindó su primer y único show en más de tres décadas, pergeñado totalmente en secreto, y luego publicado en CD y DVD. El periodista Claudio Kleiman reconstruyó la historia de ese regreso en su libroLa historia de una reunión secreta
“No solo fue un show para muy pocos, sino que la prensa tenía prohibido el acceso. Era tan limitado que creo que los Manal podían invitar tres personas cada uno. Yo tengo una gran amistad con los tres, pero más que nada con Claudio Gabis, que me invitó como amigo, no como periodista. Ellos no podían revelar nada, así que me llamó para invitarme a algo que, me decía, me iba a interesar. Me explicó que era en Red House, que estaba en Florida, que para mí es un poco lejos, por lo que le gruñí un poco. Del otro lado del teléfono su mujer, Sonia, me dijo que si faltaba me iba a arrepentir toda la vida. Acepté porque me dio la sensación de que era algo importante y fue increíble. Allá había un telón –Javier es fanático de los telones–, se abrió y apareció Manal tocando “Informe de un día”, que era el tema con el que ellos empezaban sus recitales allá en los 70. Fue alucinante lo que sonó y con los años lo fui valorando aún más”, expresó el periodista en una entrevista con Infobae Cultura.
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