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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
John Thomas Hashian, más conocido como Sib Hashian nació en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, el 17 de agosto de 1949 y murió a bordo de un crucero cerca de Nasáu, Bahamas, el 22 de marzo de 2017. Baterista.
La página de Facebook Sonora Classic Rock publicó este recordatorio.
Sib Hashian (John Thomas Hashian) fue un baterista clave en la historia del rock clásico estadounidense, recordado principalmente por su etapa con Boston, una de las bandas más influyentes del sonido AOR de los años 70.
Nacido el 17 de agosto de 1949 en Estados Unidos, Hashian alcanzó la fama al reemplazar a Jim Masdea y participar en dos discos fundamentales: el debut Boston (1976), uno de los álbumes más vendidos de la historia, y Don’t Look Back (1978), consolidando el sonido característico de la banda junto a Tom Scholz.
Tras su salida del grupo, su carrera continuó con diversos proyectos. En 1980 colaboró con Barry Goudreau en su álbum solista Barry Goudreau, que logró entrar en el Billboard 200. Años más tarde, participó como invitado con Sammy Hagar y su banda The Waboritas, apareciendo en el disco en vivo Live: Hallelujah.
También formó parte del grupo Ernie and the Automatics, donde volvió a coincidir con Goudreau, grabando el álbum Low to Expectations en 2009. En 2007, participó en un emotivo concierto tributo a Brad Delp, vocalista original de Boston.
El 22 de marzo de 2017, Sib Hashian falleció a los 67 años de forma repentina mientras actuaba en el crucero “Legends of Rock”, dejando una huella imborrable como baterista sólido y parte esencial del sonido clásico de Boston.
Su estilo, preciso y potente, fue clave para dar ese pulso distintivo a himnos del rock que siguen sonando hasta hoy.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con A Man I'll Never Be.
Presentamos dos libros que abordan la memoria, la identidad y el pensamiento contemporáneo. Mi nombre es Cualquiera, de Nicolás Hernández, y la obra de Matilde Morcillo sobre Máximo José Kahn Nussbaum nos acercan a historias y reflexiones que exploran la experiencia humana.
Madonna Louise Ciccone, más conocida como Madonna, nació en Bay City, Míchigan, Estados Unidos, el 16 de agosto de 1958. Cantante, compositora, productora y actriz.
Madonna: su carrera, sus canciones más famosas y su legado en la música
Ella inventó el término de estrella del pop, ha sido comparada con fenómenos como el arte posmoderno, como un evento que puede que nunca vuelva a pasar.
Por Sebastian Cabrices
14 de agosto de 2020
Madonna es la cantante más influyente de la historia, el motivo de la viralización del pop a través de los medios convencionales, mucho antes de la llegada de las redes sociales. En una reciente imagen de Instagram, la reina del pop recuerda cómo llegó a Nueva York en los 80: sin YouTube, sin Vine, sin American Idol o Disney, únicamente con 35 dólares en su bolsillo y la ilusión de convertirse en una estrella. Madonna cambió el significado de lo que significaba ser una estrella del pop, y ha sido comparada con un fenómeno como el arte posmoderno, un evento que ocurrió una vez en la historia, y puede que nunca vuelva a pasar.
El legado de la material girl en la música, viene acompañado del significado que tuvo su imagen y voz pública ante la revolución de las mujeres en la industria de la música. Considerada como un icono, Madonna abrió con su carrera una conversación libre acerca del sexo, la sensualidad y la libertad de expresión; permitiendo a las mujeres dentro y fuera de la música, ser irreverentes ante un sistema que buscaba encasillarlas. Tal como una corriente artística, o un movimiento social, Madame X provocó a la iglesia y a los conservadores, se enfrentó a los gobiernos censuradores y opresores, e hizo inevitable para el público tomar lecciones de la ocupación femenina en la industria del entretenimiento.
Académicos concuerdan que la influencia y el legado de Madonna tiene mucha más relevancia cultural que ser únicamente un icono del pop. Describen a la cantante como un mito atemporal, y de un alcance universal, al que se le ha atribuido la creación de la concepción contemporánea de la fama, por lo que cualquier estrella después de Madonna, tiene un poco de la reina del pop en ella. Las artistas que han venido después de Madonna (Britney, Christina e incluso figuras latinas como Shakira y Paulina) crecieron escuchándola, ella creó los estándares con los que todas las nuevas estrellas tenían que medirse. Su carrera es incomparable e inalcanzable, y el tiempo en el que llegó a la escena fue el escenario perfecto para ganar tanta relevancia.
La relación de Madonna con la vanguardia es simbiótica, ella ha hecho de la reinvención su forma de expresión artística, e hizo su vida una clase de arte de performance. Con la misma autoridad que posee un conservador para manipular piezas valiosas, Madonna fue el objeto de creación de las tendencias de la moda más importantes de las décadas pasadas. Ella definió, con toda autoridad, la estética de los 80, y tal como lo dice Anna Wintour: ‘ella hace que la moda ocurra’. Gracias a Madonna existieron momentos como los corsés de Jean Paul Gaultier y la introducción de los pantalones capri al streetstyle, cada nueva reinvención de la reina del pop se convirtió en una tendencia.
Madonna ha cuestionado los límites del género, abriendo un espacio para su libre expresión y exploración. Ella ha sido la cara del feminismo contemporáneo, sin dejar a un lado las notas de las feministas del pasado, que sirven como inspiración para ella misma. Madonna y los sucesos de los 80 nos permiten actualmente tener un entendimiento más amplio acerca de la sexualidad, una visión amplia de la inclusión y definen la verdadera influencia de la posmodernidad en los tiempos actuales. Madonna es un símbolo de la nueva mujer, un concepto que mantiene su validez en el tiempo, y que comprende tantos significados como reinvenciones ha tenido la reina del pop.
¿Quién es Madonna?
Madonna es una cantante, compositora, actriz y empresaria, reconocida desde la década de los 80 como la reina del pop. Es la cantante más vendida de la historia de la música, con más de 300 millones de discos vendidos alrededor del mundo, y la artista con más canciones en el número uno en la historia de las listas. La música de Madonna se ha caracterizado por su reinvención y su impacto social, tratando temas controversiales como política, sexo, religión y el género. Su carrera en el cine incluye clásicos como A League of Their Own (1992) y Evita (1996), esta última dándole un Golden Globe Award como Mejor actriz. Su rol como empresaria incluye la formación del grupo Maverick, una compañía de entretenimiento fundada en 1992, a través de la que publicó sus libros Sex y Erotica en 1992.
¿De dónde es Madonna?
Madonna nació y creció en Bay City, Michigan. Proviene de una familia de inmigrantes italianos, sus abuelos paternos eran de Pacentro, Italia, mientras que su madre viene de descendencia francesa canadiense. La cantante tiene dos hermanos mayores, Anthony y Martin, y tres hermanos menores, Paula, Christopher y Melanie. La familia creció en los suburbios de Detroit, donde la cantante asistió a las escuelas católicas de St. Patrick y St. Frederick, Madonna era reconocida en su escuela por su actitud rebelde.
¿Dónde vive Madonna?
Madonna vive en Lisboa, Portugal. La cantante se mudó a la capital portuguesa en 2017, para apoyar la carrera de su hijo David en fútbol. La propiedad en donde la cantante vive con sus seis hijos es un palacio del siglo XVIII valorada en seis millones de libras, con cuatro habitaciones y seis baños, una casa de huéspedes y una casa para el servicio. La mansión de Madonna queda a 30 minutos fuera de Lisboa, y es conocida como la Quinta do Relogio, ubicada en el centro del pueblo de Sinatra. La casa de Madonna está declarada como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
¿Cómo inició su carrera Madonna?
Madonna empezó su preparación musical en clases de piano en las que la había inscrito su padre, cambiando luego a estudiar ballet, donde fue persuadida por su profesor de danza para iniciar una carrera en baile. Tras graduarse de la secundaria, Madonna recibió una beca para estudiar danza en la Universidad de Michigan, la cual dejó más tarde para mudarse a Nueva York. Madonna llegó a la gran manzana con 35 dólares en su bolsillo, trabajaba como camarera en Dunkin Donuts, tomaba lecciones de baile y empezó a trabajar como bailarina para artistas establecidos.
Madonna trabajó como cantante y bailarina de apoyo para el cantante francés Patrick Hernandez durante una de sus giras, donde conoció al músico Dal Gilroy e inició una relación con él más tarde. La pareja formó la banda The Breakfast Club, donde Madonna cantaba, tocaba la guitarra y la batería. A principio de los 80 la cantante dejó la banda, y con su nuevo novio Stephen Bray, formó la banda Emmy, aquí empezó a componer y cantar canciones junto a Bray, para más tarde empezar a promoverse como solista. Su talento como solista llamó la atención del productor musical Mark Kamins, quien arregló una reunión entre Madonna y los ejecutivos de Sire Records.
La que pronto se convertiría en la reina del pop firmó un contrato para producir singles con Sire Records, y en octubre de 1982 lanzó Everybody (1982) seguido de Burning Up (1983), en marzo del siguiente año. Luego de que ambos sencillos se hicieran éxitos de las listas de Estados Unidos, la cantante empezó a trabajar en su álbum epónimo Madonna (1983), el que luego de ser remezclado por su pareja para el momento, John Benitez, se lanzó en julio de 1983, alcanzando el número 8 de la lista Billboard 200.
¿Cuáles son las canciones más famosas de Madonna?
El álbum homónimo de Madonna fue lanzado con Holiday (1983) como tercer sencillo, y se convirtió en la primera canción de la cantante en entrar en el top ten de las listas internacionales. Borderline (1983) y Lucky Star (1983) fueron de los singles del álbum que entraron en el top 10 de la lista Billboard 100. En noviembre de 1984 salió a la luz Like a Virgin (1984), el segundo álbum de estudio de Madonna que, al momento de su lanzamiento, se hizo número uno en más de siete países, y fue el primer álbum de una cantante femenina en vender más de 5 millones de copias en Estados Unidos. El primer single del álbum, Like a Virgin (1984), estuvo seis semanas en el tope de las listas, mientras que el segundo sencillo, Material Girl (1984) se hizo número dos. El disco y canciones de Madonna, al igual que sus presentaciones en vivo, empezaron a levantar opiniones de partidos conservadores y la iglesia, quienes decían que la cantante promovía el sexo premarital y ponía en peligro los valores familiares.
En junio de 1986 Madonna lanzó su tercer álbum de estudio, True Blue (1986), el que contenía canciones como Live to Tell (1986), Papa Don't Preach (1986), y La Isla Bonita (1986), todos alcanzaron el número uno en Estados Unidos y el Reino Unido. La Isla Bonita fue la primera canción de Madonna en contener influencias latinas, y según la cantante, fue un tributo a la belleza de los latinos. Luego de firmar un acuerdo con Pepsi, Madonna debutó en un comercial para la marca el single de su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer (1989). El video de la canción producido por Pepsi mostraba símbolos religiosos como cruces prendidas en fuego, y otros actos que llevaron al Vaticano a condenar el video. Grupos religiosos boicotearon a Pepsi, y buscaron prohibir el video. La controversia resultó en la terminación del contrato de Madonna con la marca y sacó el comercial de aire. Sin embargo, Like a Prayer se hizo su séptimo single en el número uno de los Hot 100. El álbum contenía otros éxitos como Express Yourself (1986) y Cherish (1986).
En 1990 Madonna estuvo en la película Dick Tracy (1990), para la que la cantante lanzó el álbum I'm Breathless (1990) inspirado en la escena de los 30 de la película. Esta producción incluía el éxito del número uno, Vogue (1990). La cantante se inspiró en los bailarines de vogue y en los coreógrafos Jose Gutierez Xtravaganza y Luis Xtravaganza de las comunidades de los ‘House Balls’ de Harlem, Nueva York, promotores del vogueing. La canción de Madonna dio exposición mediática de la forma altamente estilizada de baile, inspirada en los jeroglíficos egipcios y en las poses de las modelos en las páginas de la revista de moda, Vogue. El video de la canción fue dirigido por David Fincher, una producción hecha completamente en blanco y negro, inspirada en las películas de los años 20 y 30. Las escenas del video mostraban a Madonna y sus bailarines vogueando, con tomas inspiradas en las fotografías de Horst P. Horst, y una muestra de cuadros de Tamara de Lempicka, una artista art déco que ganó reconocimiento luego de que sus cuadros aparecieran en los videos de Madonna, y que la cantante comenzará a coleccionarlos.
Madonna tiene 14 álbumes de estudio, es la mujer más rica de la industria de la música y ha vendido más de 300 millones de álbumes alrededor del mundo. A sus canciones se les ha sido atribuida la creación de fenómenos culturales, el inicio de controversias sociales y el haber establecido las tendencias tanto musicales, como estéticas de los 80 y los 90. Madonna ha colaborado con los artistas más importantes de las décadas pasadas, como Prince en Love Song (1986) y con Missy Elliot en Into the Hollywood Groove (2003). Esta cantante ha creado colaboraciones también con artistas como Ricky Martin, en Be Careful (Cuidado Con Mi Corazón) (1999), Justin Timberlake en 4 Minutes (2008) e incluso ha colaborado con Britney Spears en su canción Me Against Music (2003). Las últimas colaboraciones de Madonna incluyen sus canciones con el cantante colombiano Maluma, Bitch I'm Loca (2019), Medellín (2019) y Soltera (2019). El último lanzamiento musical de Madonna fue una colaboración con Dua Lipa y Missy Elliot, llamado Levitating (The Blessed Madonna Remix) (2020).
¿Cuáles son los premios que ha ganado Madonna?
Madonna tiene más de 650 nominaciones, y ha ganado más de 220 premios. En 1997 ganó un Golden Globe Award por su actuación en la película Evita (1996), premio que ganó nuevamente en 2012 por su canción Masterpiece (2012). La cantante ha ganado con sus álbumes 7 premios Grammy, 3 People 's Choice Awards y 3 American Music Awards.
¿Qué significa Madonna?
Madonna es de hecho el nombre real de la reina del pop. Fue nombrada Madonna Louise Ciccone, en honor a su madre, quien murió de cáncer cuando la cantante tenía 5 años. El nombre Madonna proviene del latín, y fue adoptado por los italianos bajo el significado de ‘mi señora’. El nombre se refiere también a María, la madre de Jesús.
¿Cómo se hizo famosa Madonna?
La moda fue uno de los elementos que contribuyó a que Madonna se hiciera la reina del pop. Al inicio de su carrera, el look insigne de la cantante estaba compuesto por tops de encaje, faldas sobre pantalones capri, medias de red y joyería que incluía crucifijos y muchos brazaletes, además del estilo de pelo decolorado. La imagen de Madonna influyó en el estilo de jóvenes y mujeres de la época, ya que la cantante representaba una nueva faceta de la liberación femenina y era una voz de expresión. La controversia fue parte de la fórmula para la fama de Madonna. Su icónica presentación en los premios MTV VMAs de 1984, donde la cantante interpretó Like a Virgin por primera vez en vivo, causó furor entre las comunidades conservadoras, pero llevó a Madonna a los primeros lugares de las listas, y creó un nuevo look insigne asociado con la cantante, aún vigente en la actualidad.
Las relaciones amorosas de Madonna fueron otra fuente de mediatización, y se impuso, para su carrera. Su primer álbum fue producido por su pareja por el momento John ‘Jellybean’ Benitez, un reconocido DJ y productor musical. Madonna tuvo una relación breve con Jean-Michel Basquiat, pero terminó en breve por el problema de adicción del artista. Mientras grababa el video de su canción Material Girl, Madonna conoció al actor Sean Penn, con el que se casó el día de su cumpleaños en 1985. La pareja se divorció en 1989. Entre 1995 y 1997 la cantante tuvo una relación con Carlos Leon, un entrenador de fitness y padre de su primera hija, Lourdes Leon, que nació en 1996. La cantante estuvo casada con el director inglés Guy Ritchie, la pareja se conoció durante el verano de 1998 y se casó en el año 2000. Madonna y Ritchie recibieron a su hijo, Rocco John Ritchie, en el año 2000.
En 2006 Madonna y Ritchie adoptaron a David Banda en Malawi, el tercer hijo de la cantante. En 2008 la material girl se separó de Ritchie, y sus tres hijos dividirían su tiempo entre el hogar de Londres de Ritchie y la casa de Madonna en Nueva York. En 2009 Mercy Jones se unió a la familia, una niña de Malawi que fue adoptada por la cantante. En 2017 Madonna adoptó a las hermanas gemelas Estere y Stella, también de Malawi, y se mudó a Lisboa, Portugal.
Madonna es un símbolo de la estrella de pop contemporánea, una figura de la industria que creó un espacio seguro para la expresión, y marcó los estándares para las mujeres del pop de décadas siguientes. Su influencia ha llegado a campos como la política, el género, la sociología y la sexualidad. Madonna es entendida como un fenómeno cultural que no ocurrirá más nunca en la historia.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Live To Tell.
William Simpson (llamado también Willie Simpson o Alex Plode) es el bajista del grupo de punk rock The Skids. Nació en Kirkcaldy, Fife, Escocia el 15 de agosto de 1957. Él y su amigo de escuela Stuart Adamson pertenecían desde 1973 hasta 1975 a una banda local llamada Tattoo. Luego de esa experiencia, ambos vieron a The Damned en un concierto; fue ahí cuando decidieron formar una banda de punk.
The Skids se formó en 1977, y luego de participar en los álbumes "Scared To Dance" y "Days In Europe", Simpson decide salirse de la banda y viajar a Australia. Simpson es ahora un agente de Estado.
En el año 2007, Simpson y Richard Jobson reformaron The Skids. Este nuevo encuentro comenzó con giras a inicios del año alrededor de Escocia. Actualmente reside en Dunfermline.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Into The Valley.
A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de Janine Jansen, y la Orquesta Sinfónica de la SWR, dirigida por Christoph Eschenbach. Fuera de programa, la Sarabanda de la Partita Nº 2 en Re Menor, de Johann Sebastian Bach.
Lila Rosa Bozo Morillo Parra, más conocida como Lila Morillo, nació en Maracaibo, Venezuela, el 14 de agosto de 1940. Cantante, vedette, exmodelo y actriz.
Lila Rosa Bozo Morillo (Maracaibo, Estado Zulia, 14 de agosto de 1940) más conocida como Lila Morillo, es una cantante, actriz y vedette venezolana. Es conocida como «La Diva de Venezuela» y también como «La Reina del Cocotero» y «La Maracucha de Oro».
Historia
Desde pequeña Lila demostró cualidades vocales y condiciones artísticas y por ello participaba en todos los programas de aficionados que había en la radio local.
Se inició artísticamente de la mano de Mario Suárez, interpretando música venezolana.
Fue la primera artista en utilizar escotes atrevidos en su vestuario y trajes de lentejuelas ajustados, que inmediatamente la convirtieron en el símbolo sexual de los 60.
Su extraordinaria voz la paseó por países como Cuba, Argentina, EE. UU. y México, donde con apenas 14 años actuó en el prestigioso teatro Blanquita del país azteca.
Temas como «Tres meses de vida», «Mi vidita», «Fuego lento», «Mi corazonada», «Fichas blancas», «Propiedad privada», «Tronco seco», «Perdone usted» y «Anillo de promoción», fueron los primeros éxitos que la catapultaron como artista popular.
Es considerada por grandes músicos como la voz más afinada, destacándose por interpretar todo tipo de ritmos, música folclórica venezolana, tangos, boleros, salsa, rancheras y gaita zuliana.
Biografía
Hija del matrimonio de Silvestre de Jesús Bozo Bozo (1914-2013) y Ana Magdalena Morillo de Bozo (1920-2017) que conformaban un hogar humilde, por lo que tuvo dificultades para completar su educación.
De niña, se traslada con su familia a Caracas para probar suerte en el mundo del espectáculo. Lila debutó en 1955 como cantante al lado de su coterráneo Mario Suárez con quien realiza sus primeras grabaciones y adopta como apellido artístico el de su madre.
En 1963 debuta como actriz en la película «Twist y crimen», luego protagoniza al año siguiente «Isla de sal» de Clemente de la Cerda, con Simón Díaz, Hugo Blanco y Orangel Delfín, continua con películas como «El Reportero» con Amador Bendayan y «El poder negro» con el «Míster Universo» Sergio Oliva.
Años después, se independiza y firma contrato con la empresa discográfica venezolana Velvet Música, que le apoya en sus esfuerzos iniciales como solista, llegando a ser la mejor vendedora de discos en Venezuela, con más de ochenta discos grabados.
Siendo ya una estrella nacional, conoce a José Luis Rodríguez «El Puma», con quien contrae matrimonio civil en 1966.
Lila pone todo el empeño para aupar la carrera como solista de quien fuera su esposo, quien se iniciaba profesionalmente como cantante de orquesta.
Lila debuta como actriz protagónica de telenovelas con «María Mercé, La Chinita» al lado del actor Carlos Cámara en CVTV (Cadena Venezolana de Televisión, hoy conocida como «Venezolana de Televisión»), siguiendo con telenovelas como «La doña», «Cuartos Separados», «Pablo y Alicia», «Estación Central», «Indocumentadas», «La otra historia de amor» y otras.
En esta época participa en varios festivales y en el año 1972 gana el Festival Mundial del Lago con el vals «Lluvia» del compositor Luis Guillermo Sánchez García.
A finales de los años setenta y durante toda la década de los ochenta, ella y su esposo aparecen en numerosas portadas de revistas, como matrimonio modelo.
Sin embargo, el ascenso repentino y gran éxito obtenido por su esposo, generó problemas en su entorno familiar, Lila se aleja de los escenarios, brindando atención y apoyo a su esposo e hijas.
Las ausencias de José Luis fueron ascendiendo con el paso de los días debido a sus múltiples compromisos, y con ello sus problemas con Lila.
Los esfuerzos por salvar su matrimonio no resultaron, y esta crisis matrimonial concluye con su divorcio en junio de 1986.
La artista retomó su carrera, su regreso era esperado por cuanto ella nunca dejó de ser noticia y las incidencias de su vida matrimonial eran seguidas por todo el país, por eso los programas donde se presentaba tenían garantizada la mayor audiencia.
Como fruto de este matrimonio nacieron dos hijas, hoy también cantantes y actrices, Liliana Rodríguez y Lilibeth Rodríguez
En estas décadas, Lila muchas veces se presentó en Sábado Sensacional con Amador Bendayan, allí compartió con toda Venezuela su vida familiar y profesional y pasó a ser parte de la vida de millones de venezolanos que la convirtieron en «la mujer rating», título que mantiene vigente, ratificándolo en todos los programas donde participa.
Lila ha destacado también como cantautora, éxitos como «La jaula de oro», «La alondra», «El guayabo» «No amor, no» y muchos otros son de su autoría.
Sin duda ella ha sido la figura artística más polémica y controversial de Venezuela, siendo considerada ícono musical del país, destacándose por llevar la música Venezolana a los grandes escenarios de América donde actúa al lado de grandes figuras como Libertad Lamarque, Javier Solis, Olga Guillot y muchos otros.
En 2001, Morillo regresa a la actuación en la telenovela venezolana «Viva la Pepa». Posteriormente en el año 2003, participa en la telenovela «Cosita Rica» del escritor Leonardo Padrón, en el año 2010 actúa en una miniserie cristiana para Enlace TV escrita por Carlos Roa Viana titulada Redención de amor al lado de su hija Lilibeth Morillo, con el actor venezolano Alfonso Medina entre otros.
También actuó, esta vez como villana, en Pecado de Soberbia, otra miniserie del mismo autor y para el mismo canal, producida y transmitida en 2011.
Continua con su trayectoria como cantante participando en el año 2009 en una producción musical del gran músico Ilan Chester y en el 2010 en el disco aniversario de la «Rondalla Venezolana».
Participa también como jurado en el concurso «Camino a la Fama» por Televen, presentando nuevo disco donde hace un homenaje a La Lupe, Rocío Jurado y otras grandes cantantes.
Ha participado en varios espectáculos de la elección de Miss Venezuela siendo el último en el año 2010.
Siguió presentándose en el programa Sábado Sensacional de Venevisión y en programas de otras televisoras donde fue invitada frecuentemente.
En el año 2012 presenta su más reciente producción musical, un CD doble para el sello Velvet conmemorando sus 50 años de vida artística, recibiendo grandes reconocimientos en televisión nacional y en su tierra natal el estado Zulia, donde más de 10.000 personas asistieron al gran homenaje que la gobernación del Estado organizó en el populoso sector de Santa Lucia.
En los años sucesivos Lila ha continuado su carrera artística a nivel nacional e internacional.
El año 2016 lo inicia con recitales en ciudades como Miami y Orlando cantando al lado de sus hijas en el espectáculo de las Morillo siendo ovacionadas por el público latino y recibiendo la condecoración por su trayectoria de manos del alcalde del Doral. (Florida).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos: Prejuicios.
César Antero Roel Schreurs, más conocido como César Costa, nació en Ciudad de México, México, el 13 de agosto de 1941. Cantante, actor, productor y abogado.
Cantante, actor y productor con una larga trayectoria.
Procuraduría Federal del Consumidor | 10 de enero de 2024
César Costa
El actor César Costa, recordado por su personaje en la serie Papá soltero, es un icono de la televisión mexicana que ha cautivado a audiencias de todas las edades con su versatilidad y carisma inigualables.
En entrevista con la Revista del Consumidor, nos cuenta que el papel que más le ha gustado interpretar durante su carrera artística es ser él mismo dentro de cada una de las facetas en las que ha incursionado.
Desde sus inicios tuvo que ir aprendiendo de todo y de todos. De la radio pasó a la televisión y después al cine, forjando así una carrera sólida y diversa. “Soy buen aprendiz, aprendí a ser actor y conductor, esto fue muy divertido. Mi carrera ha tenido varias facetas, lo que me ha permitido pasarla muy bien”.
Para César Costa, mantener una actitud jovial y llena de energía es parte de su carácter, pero también viene de su quehacer en la vida artística y de compartir con el público canciones, sonrisas y emociones. “Yo vivo constantemente agradecido de haberme podido dedicar a esto tantos años y haber vivido este papel de César Costa que me ha tocado interpretar”.
Hacer ejercicio y llevar una buena alimentación forman parte de su día a día desde siempre, y su esposa es la encargada de cuidar las cantidades, así́ como que no haya excesos ni de grasa ni de carne en las comidas. Acostumbra a beber agua natural o de sabores y comer frutas y verduras, pues son muy importantes para estar sanos.
En cuanto al ejercicio, ha practicado deportes como tenis, natación, karate y tai chi. Actualmente hace ejercicios de relajamiento y estiramiento, camina o corre dos kilómetros al día para mantenerse en buenas condiciones.
El actor nos cuenta que el personaje de Papá soltero nació por la invitación del productor Víctor Hugo O’Farrill. César pensó en construir un personaje que se equivocaba y sabía escuchar, también decidió cómo estaría conformada esa familia disfuncional y, con la ayuda del escritor Carlos Aguilar, trabajó incluyendo elementos de la realidad, como las peleas de sus hijas. “El programa tuvo el acierto de ser flexible y tenía un contenido social muy importante: la unidad familiar”.
Es miembro del Consejo Consultivo de Unicef desde hace 26 años y fue nombrado embajador hace 16 de dicha organización. Ha trabajado a favor de los niños, niñas y adolescentes mexicanos para proporcionarles estudios y una mejor alimentación. “Esta labor es una de las grandes satisfacciones que he tenido en mi carrera artística y en mi vida personal”. El actor recomienda a los papás inculcar el amor por la familia y los hijos, pues es el núcleo de la sociedad.
"lleven una buena alimentacion y mantengan buenos habitos, estos seran grandes companeros durante el resto de su vida".
Fuente: Revista del Consumidor Diciembre 2023
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Agujetas de Color de Rosa.
Las fechas exactas de su nacimiento y muerte no se detallan en los registros públicos de su homenaje.
La página de Facebook Amando Nuestra Cultura Judía, administrada por Lilian Rotter publicó esta información.
83 años después, la mujer que salvó a un bebé judío durante el Holocausto fue nombrada Justa entre las Naciones
Durante la mayor parte de su infancia, Ephraim Kochba no conoció la historia completa de cómo había sobrevivido al Holocausto.
Solo años después se enteró de que sus padres biológicos habían sido asesinados, y que una mujer cristiana en los Países Bajos lo había acogido cuando era apenas un bebé, lo protegió durante la guerra y documentó sus primeros años en un diario muy personal.
Ahora, más de ocho décadas después, Yad Vashem ha decidido reconocer a esa mujer, Jacqueline Mintz, como Justa entre las Naciones.
Para Kochba, quien cumplirá 83 años la próxima semana, la decisión cierra un ciclo que comenzó durante la Segunda Guerra Mundial.
“Me conmovió profundamente recibir esta maravillosa noticia de Yad Vashem”, dijo.
“En nombre de toda la familia, les agradezco por cerrar un círculo de 83 años. Simbólicamente, celebraré mi 83º cumpleaños la próxima semana, y este es el regalo más emotivo que podría recibir.”
Kochba nació en los Países Bajos durante la Segunda Guerra Mundial, en el seno de la familia judia Van Coevorden.
A medida que el peligro para los judíos se intensificaba, su madre lo confió a su amiga cristiana Jacqueline y a su pareja, Max, con el entendimiento de que, si ellos no sobrevivían, la pareja lo criaría como propio.
Sin embargo, en ese momento, Max estaba detenido en el campo de tránsito de Westerbork, y Jacqueline se quedó sola con el bebé.
A pesar del peligro y de las duras condiciones, ella cuidó de Kochba y le dio un hogar seguro y lleno de amor.
Para Jacqueline, fue su primera experiencia de maternidad, ya que no tenía hijos propios.
Hacia el final de la guerra, los padres biológicos de Kochba fueron asesinados. Tras una batalla legal por la custodia, fue transferido a los miembros sobrevivientes de su familia biológica.
A los 4 años, emigró a Israel, donde construyó su vida. Solo muchos años después supo toda la historia de su rescate.
Después de completar su servicio militar, Kochba se reunió con su padre adoptivo en los Países Bajos.
Más tarde recibió el diario de infancia que Jacqueline había escrito, y que fue traducido al hebreo.
Para Kochba, leerlo significaba enfrentarse a su propia historia de vida tal como había sido registrada en tiempo real.
Ahora, más de 80 años después de que Jacqueline lo protegiera, la Comisión de Designación de los Justos entre las Naciones de Yad Vashem ha decidido otorgarle el título.
Su nombre será grabado en el Muro de Honor en el Jardín de los Justos entre las Naciones, en Jerusalén, reconociendo su decisión de salvar a un niño judío a pesar del riesgo personal que enfrentaba.
"Aprecio mucho la determinación y el cuidado de Yad Vashem al promover el reconocimiento de Jacqueline, quien lo merece mucho”, dijo Kochba.
“Estamos muy contentos de que haya tenido éxito".
Jacqueline se une así a los miles de no judíos que arriesgaron sus vidas para salvar a judíos durante el Holocausto.
Desde que Yad Vashem empezó su programa de reconocimiento, más de 28.700 personas han sido nombradas Justos entre las Naciones.
Polonia tiene el mayor número, con 7.318 rescatadores reconocidos, seguida de los Países Bajos con 6.137.
Francia tiene 4.303 y Ucrania 2.713.
En el otro extremo de la lista están los países con solo un pequeño número de rescatadores reconocidos. Brasil, China, Chile e Irlanda tienen cada uno dos, mientras que Egipto, Vietnam y Armenia tienen cada uno uno.
Yad Vashem enfatiza que el número de reconocidos en cada país no refleja necesariamente el alcance completo de los esfuerzos de rescate allí.
Más de ocho décadas después del fin del Holocausto, la generación de rescatistas casi ha desaparecido.
Hasta abril de 2026, solo un Justo entre las Naciones que vivía en Israel seguía recibiendo un beneficio del Instituto Nacional de Seguros.
Los que viven en Israel tienen derecho a un pago mensual equivalente al salario promedio, actualmente 13.769 shekels, junto con otros beneficios.
Sus nombres también son conmemorados en Yad Vashem.
Los casos del período de la guerra siguen siendo revisados incluso hoy, ya que los documentos y testimonios recién descubiertos pueden arrojar luz sobre historias de rescate que permanecieron desconocidas durante décadas.
Itamar Eichner Ynet Global
Ephraim Kochba en Yad Vashem, Jerusalem
Fotos de Ephraim con Jacky cuando el era bebe(Yad Vashem).
El muro en el Jardín de los Justos entre las Naciones de Yad Vashem, grabado con los nombres de los rescatadores (Foto: Yad Vashem)
Roy Ernest Hay (nacido el 12 de agosto de 1961) es un músico inglés que es el guitarrista y tecladista de la banda Culture Club.
Biografía
Antes de su participación en Culture Club, Hay era peluquero en su Essex natal.
Hay se convirtió en guitarrista y tecladista de la banda Culture Club en 1981. El álbum debut de Culture Club, Kissing to Be Clever (n.° 5 en el Reino Unido, n.° 14 en EE. UU.), se lanzó en 1982. El sencillo "Do You Really Want to Hurt Me" se convirtió en un éxito internacional, alcanzando el n.° 1 en varios países alrededor del mundo, además de estar entre los diez primeros en otros países (n.° 2 en EE. UU.). Le siguió el éxito "Time", que alcanzó el Top 5 en EE. UU. y el Reino Unido, y "I'll Tumble 4 Ya", que llegó al n.° 9 en EE. UU. Esto le dio a Culture Club la distinción de ser el primer grupo desde los Beatles en tener tres éxitos en el Top 10 en EE. UU. de un álbum debut.
Su siguiente álbum, Colour By Numbers, fue un éxito rotundo, alcanzando el número uno en las listas del Reino Unido y el número dos en Estados Unidos. El sencillo "Church of the Poison Mind" se convirtió en un éxito del Top 10, y "Karma Chameleon" fue un éxito internacional, llegando al número uno en 16 países y al Top 10 en otros países. En Estados Unidos alcanzó el número uno, donde se mantuvo durante tres semanas. Fue el sencillo más vendido de 1983 en el Reino Unido, donde permaneció seis semanas en el número uno. "Victims" y "It's a Miracle" fueron otros éxitos del Top 5 en el Reino Unido, mientras que "Miss Me Blind" llegó al Top 5 en Estados Unidos.
El grupo se disolvió en 1986, pero se reunieron en 1998 para grabar un nuevo álbum. En una entrevista con Rolling Stone, Hay describió los años separados como un proceso de sanación. "Obviamente, Jon [Moss] y George necesitaban un proceso de sanación. No se habían hablado en mucho tiempo". La descripción de la gira fue: "Más viejos y más sabios... Todos hemos pasado por buenos y malos momentos desde que la banda se disolvió. Creo que todos hemos madurado un poco".
Fue durante los inicios de Culture Club cuando Hay conoció a Alison Green. Los dos se casaron en 1982.
Según el episodio de "Culture Club" de la serie de VH-1 "Behind the Music", Hay ayudó a Boy George a dejar la heroína. El cantante sufrió los dolorosos síntomas de la abstinencia, con la estrecha atención de Hay en su casa de Essex.
Después de Culture Club, Hay formó otra banda, llamada This Way Up, con el cantante Robinson Reid.
En 1987, lanzaron tres sencillos: "Tell Me Why", "If I Can't Have You" y "Louise". Un álbum, Feelin' Good About It , fue lanzado en algunos países europeos y en Japón en 1987. De esos discos, "Tell Me Why" entró en las listas, durante una semana en el número 72 de la lista de sencillos del Reino Unido.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Karma Chameleon.
Richard Reinhardt, más conocido como Richie Ramone o Richard Beau, nació en Passaic, Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de agosto de 1957. Baterista, cantante, compositor y escritor.
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... Richie Ramone: El Baterista que Reenergizó a los Ramones...
Richard Reinhardt, conocido mundialmente como Richie Ramone, asumió el rol de baterista en los icónicos Ramones en febrero de 1983. Su llegada no fue la de un miembro fundador, pero su impacto en la banda fue innegable. El propio Joey Ramone, la voz y el alma de la banda, llegó a afirmar que Richie "salvó a la banda" y "le devolvió el espíritu", una declaración que resalta la vitalidad y el nuevo impulso que Richie aportó en un momento crucial para el grupo.
Un Sonido Renovado y Contribuciones Creativas
Durante los cuatro años y medio que Richie fue parte de los Ramones, su estilo de batería se distinguió por ser más potente, agresivo y técnico que el de sus predecesores. Esta nueva dinámica rítmica se puede apreciar claramente en los tres álbumes de estudio en los que participó:
* "Too Tough to Die" (1984): Este álbum marcó un regreso a las raíces más punk y crudas de la banda, y la percusión de Richie fue fundamental para esa sonoridad.
* "Animal Boy" (1986): Un disco que contenía algunas de las canciones más reconocibles de la banda en esa década.
* "Halfway to Sanity" (1987): El último álbum de estudio con Richie a la batería, mostrando la evolución del sonido de los Ramones en ese período.
Pero Richie no solo se limitó a tocar la batería. Rompiendo con la tradición de la banda de que solo Dee Dee Ramone y Joey Ramone escribieran la mayoría de las canciones, Richie se destacó como un compositor prolífico. Su contribución más famosa es, sin duda, "Somebody Put Something in My Drink", una canción que se convirtió en un éxito rotundo y apareció tanto en "Animal Boy" como en el compilatorio "Ramones Mania". Este último fue un hito importante, ya que se convirtió en el primer disco de los Ramones en alcanzar el disco de oro, un logro en el que la popularidad de la canción de Richie jugó un papel crucial. Además, Richie escribió y coescribió otros temas significativos como "Smash You", "Humankind", "I'm Not Jesus", "I Know Better Now" y "(You) Can't Say Anything Nice", mostrando una faceta creativa inesperada y valorada dentro de la banda.
Una Relación Especial con Joey y una Salida Controvertida
La conexión entre Richie y Joey Ramone fue particularmente fuerte. Joey, conocido por su naturaleza más sensible y por su aprecio por la música en sí, reconoció y fomentó el talento de Richie. Lo animó no solo a componer sino también a cantar, algo que Richie ha recordado con cariño en varias entrevistas, destacando la mentoría y el apoyo incondicional de Joey. Esta camaradería fue un pilar importante para Richie durante su tiempo en los Ramones.
Sin embargo, a pesar de sus importantes contribuciones musicales y su buena relación con Joey, la relación con el guitarrista Johnny Ramone era más tensa. Johnny, conocido por su pragmatismo y su mentalidad empresarial, no estaba muy a favor de que Richie compusiera muchas canciones. La razón principal era que, como compositor, Richie tendría derecho a regalías, lo que implicaba dividir los ingresos de forma diferente. Esta reticencia de Johnny a compartir los derechos de autor fue una fuente de fricción.
La salida de Richie de la banda en agosto de 1987 fue abrupta y estuvo marcada por una disputa financiera. Richie sentía que, a pesar de ser un compositor clave y un miembro integral en las giras y grabaciones, no recibía una parte justa de los ingresos, particularmente de la venta de merchandising como las camisetas. Es importante destacar que esta fue una decisión de Richie; los demás miembros de los Ramones, y especialmente Joey, no querían que se fuera y lamentaron su partida, lo que demuestra el valor que le daban a su presencia en la banda.
El Legado de Richie y su Carrera Post-Ramones
Después de su partida de los Ramones, Richie se mantuvo alejado del centro de atención musical durante un tiempo. No obstante, su pasión por la música lo trajo de vuelta. Participó activamente en eventos conmemorativos de Joey Ramone, honrando la memoria de su amigo y excompañero.
En la década de 2010, Richie Ramone lanzó su carrera en solitario, consolidando su legado musical más allá de los Ramones. Ha publicado álbumes aclamados por la crítica y el público, como "Entitled" (2013), "Cellophane" (2016) y el reciente "Live to Tell" (2023). En estos trabajos, Richie no solo demuestra su habilidad como baterista, sino también como vocalista y compositor, manteniendo viva la energía punk rock que lo caracterizó en los Ramones, pero con su propio sello distintivo.
Hoy en día, Richie Ramone es uno de los pocos miembros sobrevivientes de la formación clásica de los Ramones y continúa activamente en la escena musical, girando con su propia banda y llevando la antorcha del punk rock a nuevas generaciones de fans. Su paso por los Ramones, aunque relativamente breve, dejó una huella imborrable, redefiniendo el ritmo de la banda y enriqueciendo su catálogo con composiciones memorables. Larga vida a Richie! Leo Ramone...
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Suffocate.
William Manuel Johnson, más conocido como Bill Johnson, nació en Talladega, Alabama, Estados Unidos, el 10 de agosto de 1872, y murió en New Braunfels, Texas, Estados Unidos, el 3 de diciembre de 1972. Tocaba banjo y contrabajo.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por Scott Yanow
La carrera de Bill Johnson se remonta prácticamente a los inicios del jazz, y se le atribuye ser el primer músico de jazz en pulsar (en lugar de frotar) las cuerdas de su bajo, una innovación que llevó a que el contrabajo reemplazara finalmente a la tuba. Johnson comenzó como guitarrista, pasando al bajo a finales de la década de 1890. Trabajó en Nueva Orleans ya en 1900, con las bandas Peerless y Eagle, tocando la tuba en sus desfiles. Johnson dejó Nueva Orleans originalmente en 1908, tocando jazz en Los Ángeles y ayudando a introducir este género musical, aún sin nombre, en la Costa Oeste. Su grupo, la Original Creole Band (que incluía a Freddie Keppard), viajó por todo el país antes de disolverse en Nueva York en 1918. Johnson trabajó como músico independiente, se estableció en Chicago y, entre 1922 y 1923, fue miembro de la Creole Jazz Band de King Oliver, tocando tanto el bajo como el banjo. Aunque no grabó con mucha frecuencia (y solo fue el vocalista principal en dos temas de 1929, que en realidad eran piezas para destacar la voz de Frankie "Half Pint" Jaxon), Johnson fue una figura clave en Chicago durante más de 25 años, grabando discos con Johnny Dodds en 1928 y trabajando con Bunk Johnson en 1947. Bill Johnson se retiró a principios de los años 50 y se estableció en México y posteriormente en Texas, viviendo hasta los 100 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Get the "L" On Down The Road. Grabación de 1929.
La Federación de Jóvenes Judíos de España inicia una nueva etapa con el relevo de su junta directiva. En Shalom conocemos a quienes asumen este compromiso, sus proyectos, los retos de la juventud judía y el valor del liderazgo para fortalecer la vida comunitaria en España y el futuro.
Juan Esteban Aristizábal Vásquez, más conocido como Juanes, nació en Medellín, Colombia, el 9 de agosto de 1972. Cantante, compositor, actor y diseñador industrial. Toca piano y guitarra.
Juanes es un cantante y compositor colombiano, de rock latino. Su apodo proviene de Juan + Esteban, nombre de este colombiano nacido en Medellín, que desde los 7 años comenzó a dedicarse a su única pasión: la música.
Admite influencias de sonidos tan dispares como los Visconti, los tangos de Gardel, Led Zeppelin, la música arrabelera, Metallica, Diomedes Díaz, Silvio Rodríguez, Jimmy Hendrix, Eminem, Vicente Fernández, Soda Stereo y Serú Girán. Tuvo seis profesores de guitarra, su padre y sus cinco hermanos que le enseñaron muy pronto.
Fundó su propio grupo, Ekhymosis, donde él era el cantante y el guitarrista. El grupo aguantó ocho años y cinco discos, tras los cuales llegó la disolución.
En 1998, sin Ekhymosis pero con su música, se va para Los Ángeles, California, a vivir en una pieza muy chiquita en una ciudad tan grande. Se va a rodar y a inspirarse en los express ways, a caminar por el barrio Sunset Boulevard, a comerse sus ahorros en los fast food e inyectarse otros tres tatuajes. Hasta que llega al estudio de Santaolalla, "La Casa", y con Anibal Kerpel comienzan a cocinar "Fíjate Bien" (2000). Sale de ahí feliz con el disco en su mochila anaranjada y con ganas de enseñárselo a todo el mundo; primero a Alicia, su madre, y a Javier, Luz, Mara, José y Jaime, sus cinco hermanos.
A sus 27 años, Juanes se convierte en la sorpresa musical del año con las 7 nominaciones a los Grammy Latinos (Grabación del año, Álbum del año, Canción del año, Mejor artista revelación, Mejor solista vocal para álbum de rock, Mejor canción de rock y Mejor video musical por "Fíjate bien"). Una octava nominación es la de Gustavo Santaolalla como productor de "Fíjate bien".
Tras 3 Grammy Latinos, Juanes vuelve en 2002 con un nuevo trabajo, "Un día normal". Al igual que en su primer álbum cuenta con la producción de Gustavo Santaolalla y ha sido grabado en los estudios que éste posee en Los Ángeles. "Un Día Normal", contiene 12 canciones, entre ellas "Fotografía", grabada a dúo con Nelly Furtado y los éxitos "A Dios le pido" y "Es por ti".
El tercer disco de quien supo ganarse el respeto de todo su público y sus colegas, está compuesto por doce temas nuevos y totalmente diferentes a sus anteriores trabajos discográficos. "Mi Sangre", CD doble editado en 2004, desempolva el sonido de los años 70s y refleja a un Juanes sentimental en todo su potencial. El mismo año edita su primer DVD, titulado "El diario de Juanes" y "Mi sangre tour", un CD+DVD en vivo.
Las canciones de Juanes que integran su álbum "La vida es un ratico" (2007) fueron las que sus hijas Luna y Paloma aprobaron al bailarlas durante el último año que el artista trabajó sus ideas en su hogar, en las afueras de Medellin, Colombia.
A fines de 2008 lanzó "La Vida es un Ratico en Vivo". La nueva edición incluye los temas inéditos "Falsas Palabras" y "Odio por Amor"; también incluye un dueto del tema "Hoy me Voy" con la cantante Colbie Caillat.
En 2010 Juanes presenta "P.A.R.C.E.", producido por él mismo. Las siglas responden a "Paz", "Amor", "Respeto", "Compromiso" y "Esperanza". De este álbum se desprende el corte "Regalito".
A fines de Mayo de 2012 se edita "Mtv Unplugged", un CD+DVD que contiene las 14 canciones que el artista interpretó en su show acústico el 1 de Febrero en el New World Center de Miami. Entre los invitados se encuentra Joaquín Sabina, quien canta a dúo el tema "Azul Sabina" y Paula Fernándes, que interpreta "Hoy me voy". Las canciones fueron producidas por Juan Luis Guerra.
En diciembre de 2013 Juanes estrena "La luz", el primer sencillo de un nuevo álbum, a la venta en 2014. Se trata de una canción con mucho ritmo colombiano, para bailar sin parar, donde participa como invitado Meme del Real, de Café Tacvba.
"Loco de amor" salió al mercado el 11 de marzo de 2014.
El 20 de enero de 2015 se estrena el sencillo "Juntos (Together)", canción que Juanes grabó para la banda de sonido del film de Disney "McFarland, USA", de Kevin Costner. En este tema colaboraron los músicos Fonseca y Descember Bueno en la composición, y Juan Luis Guerra como productor. El 27 de julio se pone a la venta "Loco de Amor Tour Edition", un álbum que incluye cuatro canciones inéditas; una es "Together" y las otras tres son versiones en vivo de temas del álbum original.
El 7 de octubre de 2016 presenta "Fuego", primer adelanto de su nuevo álbum visual "Mis Planes Son Amarte". En el video participan Jesse & Joy como actores extra.
El 27 de enero de 2017 estrena el tema "Hemrosa Ingrata". El 7 de abril lo sigue "Ángel". El 12 de mayo sale al mercado "Mis Planes Son Amarte", compuesto por un CD con 12 canciones y un DVD con una película. Los invitados son Fonseca en "Alguna Vez" y Kali Uchis en "El Ratico".
El 23 de febrero de 2018 graba el sencillo "Más Que Tu Amigo", perteneciente a "Todos Somos Más", álbum tributo a Marco Antonio Solís. En abril Juanes comienza su "Amarte Tour" junto a Mon Laferte y, como invitado especial, la participación de Caloncho. El 24 de este mes lanza el sencillo "Oye Mujer", junto a Raymix. El 31 de mayo estrena el single "Pa Dentro", a favor del empoderamiento femenino.
El 11 de enero de 2019 lanza el sencillo "La Plata", junto a otro colombiano: Lalo Ebratt.
El 24 de mayo muestra su lado romántico en "Querer Mejor" canción que hace junto a Alessia Cara. El 6 de septiembre lanza su nuevo sencillo “Bonita”, en colaboración con Sebastián Yatra. Tras recibir el título de Persona del Año de la Academia Latina de Grabación 2019, Juanes comparte un nuevo álbum titulado "Más Futuro Que Pasado”.
El 15 de marzo de 2020, debido a las suspensión de shows por el Coronavirus, el artista junto a Alejandro Sanz da un show virtual, bajo el nombre "La Gira se Queda en Casa", que fue transmitido por Youtube. El 27 de marzo estrena el video de "Loco". El 9 de abril colabora con Dani Martín para hacer la canción "Los Huesos", cuyo video fue grabado en sus casas, por el aislamiento por el Coronavirus. El 20 de agosto, commo parte del álbum “Reversiones”, el artista colombiano presenta su versión de “Vía Láctea”, clásico absoluto de la banda mexicana Zoé.
El jueves 18 de febrero de 2021, Juanes es invitado a participar de Juntos perseveramos, la primera transmisión en vivo y en español de la NASA, que se realizará a propósito de la misión Mars 2020 Perseverance que llega a Marte, con la que se busca mostrar el papel que los profesionales hispanos de la NASA han tenido en esta misión histórica.
El 8 de abril lanza una versión de "El amor despues del amor", tema de Fito Páez que formará parte de si nuevo álbum.
El 29 de abril lanza "Dancing in the dark", una adaptación en español, del clásico de Bruce Springsteen, canción icónica que hará parte de este nuevo trabajo disco. En junio se une a Metallica versionando la canción "Enter sandman", perteneciente al álbum "The Metallica blacklist", cuyas regalías se destinarán en el 100% a organizaciones benéficas. En julio estrena el videoclip de su versión de "La bilirrubina", de Juan Luis Guerra.
En marzo de 2022 gana el Grammys 2022 a "Mejor Álbum Latino Rock o Alternativo" por su disco "Origen".
El 9 de agosto lanza su libro autobiográfico "Juanes - 1.576.800 segundos".
El 1 de septiembre lanza el single y videoclip "506" junto a Morat.
El 7 de octubre lanza se une a Antonio Orozco en el single "Llegará".
El 11 de noviembre lanza el single "Amores prohibidos".
El 14 de abril de 2023 lanza el single "Ojalá".
El 28 de abril lanza el videoclip del tema "Solo por ser indios" junto a A.N.I.M.A.L.
El 4 de mayo lanza el single "Veneno".
El 19 de mayo lanza el álbum "Vida cotidiana".
El 17 de agosto lanza una colaboración con Carlos Vives de “Las mujeres“, la cual viene acompañas de su videoclip oficial.
El 29 de septiembre lanza el álbum "Vida cotidiana (Deluxe version)" que contiene 2 temas inéditos que no se habían dado a conocer en "Vida cotidiana".
En noviembre se presenta en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires y recibe el cuadro de los streams de toda su carrera en Argentina.
Del 9 al 10 de diciembre el artista abre las puertas de su casa a través de Airbnb*, para que dos personas puedan hospedarse allí, a través de un sorteo entre sus fans.
En febrero de 2024 recibe un Latin Grammy al "Mejor Álbum de Rock Latino o Alternativo" por su álbum "Vida cotidiana".
El 29 de marzo participa en el single "Gala y Dalí" de Nelly Furtado.
En 2025 realiza una gira musical en Argentina.
El 24 de abril, lanza "Una noche contigo", el primer adelanto de su próximo disco.
El 3 de diciembre estrena "Muérdeme" junto a Bomba Estéreo.
En febrero de 2026 anuncia su "Juanes World Tour 2026" con más de 50 fechas.
El 6 de marzo estrena su disco "JuanEsteban".
A continuación, celebramos su cumpleaños, con A Dios Le Pido.
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