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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Emanuele Levrero nació en Génova, Italia, el 18 de octubre de 1915, y murió en Novi Ligure, Italia, el 31 de octubre de 1999. Religioso. Justo entre las Naciones.
Monseñor Emanuele Levrero, hijo de Emilio y Rossi Maria, nació en Génova el 18 de octubre de 1915. Fue ordenado sacerdote el 11 de junio de 1938. Fue Vicario Cooperador de los SS. Salvatore y S. Croce di Sarzano desde 1938 y Vicario Cooperador de S. Bartolomeo del Fossato en Génova desde 1941, luego Párroco desde 1955. Se convirtió en Párroco de Santa Maria Assunta en Carrosio (AL) desde el 16 de diciembre de 1975. Vicario del XV Vicariato Foráneo “Zona Norte-Alta Val Lemme” de 1986 a 1995. Fue elegido miembro del Consejo Presbiteral diocesano de 1988 a 1996. Capellán de Su Santidad desde 1976. Monseñor Emanuele Levrero terminó su día terrenal como buen obrero del Evangelio el 31 de octubre de 1999 y fue enterrado en el cementerio de Carrosio el 2 de noviembre. En su homilía, el cardenal Tettamanzi recordó cómo el hogar de Don Levrero era el de cada uno de sus feligreses (de ayer y de hoy), donde el sufrimiento y la necesidad requerían su presencia sencilla y humilde. Todos —familiares, feligreses de todas las edades y hermanos— recuerdan su capacidad de organización, su precisión en la liturgia y el canto, su profunda y sólida espiritualidad, su disposición a escuchar, su dedicación a los deberes pastorales y su generosidad al asumir cualquier compromiso, incluso el más exigente. Su estilo de vida y su ministerio se centraron en lo esencial. Solo mucho tiempo después se reconoció la labor sumamente generosa y arriesgada que realizó en favor de los judíos durante los años de la persecución nazi-fascista.
«Jamás», escribe Mario Macciò en su libro «Génova y la Shoá: Salvados por la Iglesia», «el sacerdote ha estado tan cerca de su rebaño como durante los años de la ocupación alemana y la guerra fratricida; jamás, como en aquellos meses, los perseguidos y oprimidos han sentido la grandeza de la misión sacerdotal». La historia de Don Levrero —un «Perlasca de más allá de la Lanterna»— comenzó en los atormentados y difíciles años posteriores al 8 de septiembre de 1943. Su hermana Erminia vivía con él, haciendo de ama de llaves.
Una tarde de mediados de diciembre, "u Petrin", ayudante del anciano sacristán de San Bartolomé, se acercó a Don Levrero y le pidió que alojara temporalmente a su hermana, a su marido y a su hija pequeña, Myriam, en el Oratorio. Habían llegado inesperadamente, tras un viaje lleno de aventuras desde Francia, huyendo de la policía de Pétain, que perseguía a los judíos: el cuñado de "Petrin" era, de hecho, judío. A esta primera familia, acogida en el Oratorio por Don Levrero, pronto se unieron otras, todas judías: encontraron refugio seguro en la cabina del cine parroquial, en el ático del Oratorio e incluso en el sótano. Don Levrero reveló sus experiencias, los peligros que había afrontado y sus intervenciones para salvar tantas vidas de la persecución nazi-fascista a tan solo unas pocas personas, entre ellas el secretario del cardenal Boetto, Don Repetto. Según los testimonios recogidos, se estima que se salvaron más de 400 personas. En Sampierdarena, quienes lo sabían intentaron ayudar a su párroco en la difícil tarea de esconder a sus "invitados".
En aquel entonces, las limosnas en las cajas de la iglesia eran sustanciales, porque estaban destinadas a ayudar a alimentar a los "huéspedes", cuyo número aumentaba constantemente.
El título de "Justo entre las Naciones" otorgado por la Corte Suprema de Israel fue entregado a su sobrina durante una emotiva e histórica ceremonia el 2 de diciembre de 2009 en la Sinagoga de Génova. La Dra. Sara Ghilad, asistente administrativa de la Embajada de Israel, entregó el galardón a Anna Bozano, sobrina de Monseñor Levrero (hija de su hermana mayor Emilia), quien también estuvo presente con su hermana Carla.
Charles Edward Anderson Berry, más conocido como Chuck Berry, nació en San Luis, Misuri, Estados Unidos, el 18 de octubre de 1926, y murió en Wentzville, Misuri, Estados Unidos, el 18 de marzo de 2017. Cantante, compositor, y guitarrista.
La música de Chuck Berry ha trascendido generaciones. Se le respeta hasta el día de hoy porque fue un verdadero artista. Berry, también conocido como "El Padre del Rock & Roll", alcanzó el éxito observando la reacción del público y tocando en consecuencia, priorizando la diversión de sus oyentes por encima de todo. Por esta razón, canciones como "Johnny B. Goode", "Maybellene" y "Memphis" se han convertido en himnos para la juventud y la cultura popular estadounidenses. Berry es un ícono musical que estableció el rock and roll como género musical y unió los mundos blanco y negro a través de la música. Nacido en St. Louis el 18 de octubre de 1926, Berry tuvo muchas influencias en su vida que moldearon su estilo musical. Emuló la suave claridad vocal de su ídolo, Nat King Cole, mientras interpretaba canciones de blues de bandas como Muddy Waters. Para su primera presentación en el escenario, Berry eligió cantar una canción de Jay McShann llamada "Confessin' the Blues". Fue durante la función musical de su instituto, cuando el blues gozaba de popularidad pero no se consideraba apropiado para un evento de esa índole. Su audaz elección le valió una ovación atronadora, y desde entonces, Berry no podía faltar en el escenario.
CLASES DE GUITARRA
Berry empezó a tocar la guitarra después de eso, inspirado por su compañero en la obra de teatro escolar. Descubrió que si aprendía cambios de ritmo y acordes de blues, podía tocar la mayoría de las canciones populares que sonaban en la radio en ese momento. Su amigo, Ira Harris, le enseñó técnicas de guitarra que se convertirían en la base del sonido original de Berry. Luego, en 1952, comenzó a tocar la guitarra y cantar en una banda de club cuyo repertorio abarcaba desde blues y baladas hasta calipso y country. Berry se estaba convirtiendo en un consumado artista, incorporando gestos y expresiones faciales que acompañaban las letras. Fue en 1953 cuando Chuck Berry se unió al Sir John's Trio (que más tarde se renombró como Chuck Berry Combo), que tocaba en el popular Cosmopolitan Club de San Luis. La música country-western estaba en auge en ese momento, así que Berry decidió usar algunos de los riffs y crear su propio sonido hillbilly único. El público negro pensó que estaba loco al principio, pero no pudo resistirse a intentar bailar al ritmo de su música. Como la música country era popular entre los blancos, estos empezaron a asistir a los conciertos, y en ocasiones el público llegó a ser casi un 40% blanco. Las payasadas de Berry en el escenario llamaban la atención, pero los demás miembros de la banda también hacían lo suyo. En sus propias palabras: «Yo arrastraba las cuerdas para crear un pasaje que Johnnie (Johnson) no podía producir con las teclas del piano, pero la respuesta era tan parecida que recibía una tremenda ovación. Su respuesta sonaba similar a algunas que Jerry Lee Lewis luego empezó a tocar con maestría».
ALGUNOS BUENOS CONSEJOS
Más tarde, en 1955, Berry hizo un viaje por carretera a Chicago, donde casualmente se topó con un club donde actuaba su ídolo, Muddy Waters. Llegó tarde y solo escuchó la última canción, pero cuando terminó, llamó la atención de Waters y le preguntó a quién debía dirigirse para grabar un disco. Waters respondió: "Sí, Leonard Chess. Sí, Chess Records, en la esquina de la Calle Cuarenta y Siete y Cottage". Berry fue allí el lunes y descubrió que era un sello discográfico de blues donde habían grabado grandes como Howlin' Wolf y Bo Diddley. No tenía ninguna cinta para mostrar, pero Chess estaba dispuesto a escuchar si traía algunas de San Luis. Así que Berry regresó a casa y grabó algunas canciones originales, incluyendo la que sería "Maybellene", entonces llamada "Ida May", y condujo de vuelta a Chicago esa misma semana para la audición. Para sorpresa de Berry, fue esa canción country la que llamó la atención de Chess. Berry firmó con Chess Records y, en el verano de 1955, "Maybellene" alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos pop y el número 1 en las de R&B. Gracias a Chuck Berry, Chess Records pasó del género R&B al éxito comercial, y Berry se encaminaba hacia el estrellato.
EL RESTO ES HISTORIA
Berry continuó su éxito con temas como “Brown-Eyed Man”, “Too Much Monkey Business”, “Memphis”, “Roll Over, Beethoven!” y “Johnny B. Goode”. “Johnny B. Goode” es la obra maestra de Berry, ya que reunió todos los elementos de su sonido musical único. Consolidó su lugar en la historia del rock y lo catapultó a la fama en la década de 1950. Su popularidad le valió apariciones en televisión y cine, y realizó giras con frecuencia. El increíble éxito de Berry se debe a su capacidad para expresar las inquietudes y actitudes de su público en su música. En la cima de su éxito, Berry era un hombre negro de 30 años que cantaba para un público mayoritariamente blanco y adolescente. Apodado el “Eterno Adolescente”, el conocimiento de Chuck Berry sobre el mercado pop le permitió romper barreras raciales y tocar para un público integrado. En las décadas de 1960 y 1970, la música de Berry fue la inspiración para grupos como los Beatles y los Rolling Stones. Berry tuvo varios éxitos de regreso y en 1972 logró el primer y único número uno en las listas de pop de su carrera con "My Ding-A-Ling". En 1986, ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll, siendo el primer miembro en la historia en recibirlo. Como tributo a su omnipresencia en el mundo del rock, se seleccionó un fragmento de "Johnny B. Goode" para reproducirlo en la sonda espacial Voyager 1, demostrando que Chuck Berry y su legado rockero son verdaderamente extraordinarios.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Johnny B. Goode.
El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opiñón firmado por Pilar Rahola.
Islam e izquierda: el viaje de Lenin
¿Qué une a los grupos de extrema izquierda que han capitalizado
las protestas en Francia, con los grupos vinculados al islamismo
radical que se manifiestan a su lado?
PorPilar Rahola
Imagen de las protestas e incidentes en las manifestaciones de los últimos días en París, Francia (REUTERS/Sarah Meyssonnier)
16 Oct, 2026 05:30 a. m. AR
La escena es, en ella misma, toda una metáfora. Son dos jóvenes que gritan “grève, blocage, manifestation!” a pleno pulmón en una de las manifestaciones masivas que recorren las calles de Francia. Ambos van vestidos de negro, con su rostro cubierto, pero los matices delatan las diferencias. El primero sigue la estética de los Black bloc, extrema izquierda, ninguna marca que los delate, excepto la bandera negra con la A en un círculo, clásica del anarquismo. El segundo, muy cerca de él, también viste completamente de negro, pero su estética es la del Estado Islámico: cabeza enfundada en una balaclava, y en la frente una banda de tela verde con la Shahada (“no hay más dios que Alá y Mahoma es su profeta”) inscrita en letras árabes blancas. Ambos se manifiestan juntos. Ambos gritan contra el capitalismo. Ambos odian La Republique.
¿Qué une a los grupos de extrema izquierda que han capitalizado las protestas en Francia, con los grupos vinculados al islamismo radical que se manifiestan a su lado? ¿Se ha producido la famosa fusión del islamo-izquierdismo asentado en la idea de la “convergencia de luchas”, que teorizó Pierre-André Taguieff en 2002 en su libro “La nueva judeofobia”? De hecho, a pesar de que Taguieff lo planteó en términos de denuncia (el riesgo de que bandos opuestos se unieran contra la democracia liberal), el concepto nació en positivo de los teóricos modernos del marxismo. El referente es Chris Harman, miembro del Socialist Workers Party, quien en 1994 ya planteó la necesidad de que la izquierda colaborara tácticamente con el islamismo porque movilizaba a las masas oprimidas por el imperialismo. La tesis quedó cuajada en su libro “El Profeta y el Proletariado”: “with the state never, with the Islamists sometimes”. Y ese, “con los islamistas a veces”, se ha convertido en la “interseccionalidad” que actualmente defienden prominentes sociólogos de izquierdas, para los que los movimientos islámicos son aliados naturales de los movimientos estudiantiles y obreros, en su lucha contra el estado burgués. De hecho, si vamos más lejos en el tiempo, la propia revolución jomeinista fue aplaudida por muchos intelectuales de izquierdas franceses que ya intuyeron la alianza que podían cuajar con esos enemigos acérrimos de Occidente.
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En todo caso, se trata de una fusión izquierdoislamista que lleva décadas de fructífera y pública relación, aunque, sorprendentemente, no haya sido detectada por la gran mayoría social. El ejemplo más evidente y llamativo fueron los pactos del chavismo con Irán, el famoso eje Caracas-Teherán que, además de los acuerdos comerciales y militares, construyó un sólido nexo ideológico basado en dos preceptos: el odio a Estados Unidos e Israel y el desprecio al sistema democrático. Otro ejemplo de ese nexo delirante fue el del líder de Podemos Pablo Iglesias que dirigió dos famosos programas (Fort Apache, de debate político, y Spoilers, de cine y política) en Hispan TV, la televisión de Irán en castellano, donde incluso permitió que las mujeres debían cumplir estrictas normas de vestimenta. La “justificación” de Pablo Iglesias para explicar la contradicción que suponía la vinculación de un político de izquierdas con una teocracia islámica violenta, fue épica. En una conferencia en 2013 abordó el tema usando el símil del “pragmatismo” de Lenin cuando en la Primera Guerra Mundial aceptó regresar a Rusia con un tren blindado alemán. Lenin quería volver para liderar la revolución bolchevique, y a Alemania le interesaba que los comunistas desestabilizaran a Rusia. Y con ese símil en boca, Pablo Iglesias explicó su alianza con Irán: “A los iraníes les interesa que se difunda en América Latina y en España un discurso de izquierdas porque afecta a sus adversarios. ¿Nos aprovecha a nosotros? Sí”.
El presidente del Gobierno de España, Pedro Sánchez (REUTERS/Stephanie Lecocq)
Es el mismo “provecho” que explica la convergencia que se ha producido en los campus universitarios norteamericanos, en las manifestaciones de izquierdas en todo Latam, en los discursos de Pedro Sánchez y Gustavo Petro, o en las protestas europeas, a raíz de la guerra de Gaza: manifestantes de izquierdas, activistas de LGBT, neocomunistas, ecologistas, artistas y músicos progresistas, todos ellos al lado de banderas de organizaciones yihadistas como Hamas, y comprando los discursos que el islamismo ha viralizado contra Israel. La famosa consigna “desde el río hasta el mar” que forma parte de los estatutos de Hamas, y que explicita la voluntad de destruir completamente a Israel, ha sido aclamada públicamente por el gobierno español a través de su misma vicepresidenta, Yolanda Díaz, o de la ministra de Juventud e Infancia, Sira Rego. O, por rematar, las felicitaciones entusiastas del régimen iraní a Pedro Sánchez, por sus posiciones furibundamente antiamericanas y antiisraelíes.
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Sin embargo, de todos los ejemplos posibles, el más paradigmático es el de Zohran Mamdani, el musulmán chií que juró su cargo sobre el Corán y que representa como nadie la confluencia de intereses entre el islamismo político y el socialismo radical. Una confluencia que ahora siguen otros candidatos demócratas. En ambos casos (socialismo e islamismo), el objetivo es poner en jaque a la democracia liberal, cuyo modelo social combaten, y cuyos valores judeocristianos aborrecen. Se trata, pues, de una alianza táctica que instrumentaliza el descontento de las periferias, usa la narrativa de la victimización (muy arraigada en barrios de mayoría musulmana), y busca la desestabilización del sistema a través del caos social. Todo ello ha conseguido mutar la radicalización juvenil, que ha incorporado, con naturalidad, la convergencia entre la izquierda y el islamismo. De ahí que podamos observar la imagen delirante de activistas gays manifestándose con banderas de Hamás. Con un añadido que no es menor: la financiación que, vía Irán, Qatar y múltiples organismos vinculados al islamismo radical, llega a los movimientos de izquierdas. ¿O alguien consideró (más allá de Greta Thunberg, que es un caso perdido) que las protestas en los campus universitarios, o las flotillas a Gaza nacían por generación espontánea?
La activista Greta Thunberg en la protesta frente a una escuela en Saint-Denis, en las afueras de París, el 13 de octubre del 2026 (AP/John Leicester)
Es tanta la evidencia, y son tan claras las justificaciones de los líderes de izquierdas, que sería una imperdonable ingenuidad no considerar este pacto táctico entre el islamismo radical y la extrema izquierda, como el reto más serio que debe acometer la democracia liberal. Dos grandes movimientos ideológicos han confluido y trabajan por un mismo objetivo: quebrar el sistema de libertades que cuajó en el siglo XX, y cuya solidez está en riesgo. Del ateísmo anarquizante a la teocracia islamista: la democracia como enemigo común.
Luiz Floriano Bonfá nació en Río de Janeiro, Brasil, el 17 de octubre de 1922, y murió en su ciudad, el 12 de enero de 2001. Guitarrista, cantante y compositor.
Luís Floriano Bonfá, Luis Bonfá, nació en la ciudad de Rio de Janeiro en octubre de 1922, falleciendo en esa misma ciudad en enero del 2001. Su padre tocaba guitarra, instrumento que comenzó también a aprender a los 12 años, de oído. Más tarde se volvió alumno del maestro uruguayo Isaías Savio, se inició en música clásica e hizo parte de la orquesta de guitarras organizada por el maestro. En un concurso para seleccionar los seis mejores guitarristas en el programa "Hora do Guri", de Tia Chiquinha, en la Radio Tupi, de Rio de Janeiro, se clasificó en tercer lugar, ejecutando una pieza del español Francisco Tárrega (1852-1909). Se fue a vivir a São Paulo, donde pasó a interesarse por la música popular. Se estrenó profesionalmente en 1945 como solista de guitarra y vocalista del Trio Campesino, que se presentó como éxito en los casinos de la isla Porchat, de Santos (São Paulo), y de Icaraí, en Niterói (Rio de Janeiro). En 1946 entró para la Radio Nacional, de Rio de Janeiro, llevado por Garoto, al lado de quien tocaba en el programa Clube da Bossa y de quien asimiló gran parte de la harmonía moderna. En ese año realizó para la Continental su primera grabación, "Uma prece" y "Pescaria em paquetá" (ambas composiciones suyas). En el mismo año pasó a hacer parte del conjunto Quintandinha Serenaders, al lado de Luís Telles, Francisco Pacheco y Alberto Ruschell. Con la disolución de los Quintandinha Serenaders, en 1952, pasó a actuar solo como solista de guitarra. En 1953, Dick Farney grabó sus composiciones, entre las cuales "Ranchinho de palha", "Perdido de amor", "Sem esse céu" y "Canção do vaqueiro". Fue el guitarrista en la grabación de las músicas de la pieza "Orfeu da Conceição", de Vinícius de Moraes, hecha en 1956 para la Odeón. Excursionó por los Estados Unidos, en 1956 y en 1959, con la cantante Mary Martin, grabando LPs en la etiqueta Atlantic, con elogios de la crítica norteamericana por su virtuosismo. A partir de entonces se adhirió a la bossa nova, participando en el festival realizado en el Carnegie Hall, en Nueva York (Estados Unidos), en noviembre de 1962. Volvió a Estados Unidos para vivir durante dos años -de 1964 a 1966-, presentándose en programas de televisión y en espectáculos en salas, acompañado de su esposa y a veces parceira, Maria Helena Toledo. Escribió músicas para diversas películas, entre las cuales "Orfeu do Carnaval" (dirección de Marcel Camus, 1959), "Chico Viola não morreu" (dirección de Román Vignoly Barreto, 1955) y "Os cafajestes" (dirección de Rui Guerra, 1962). Sus composiciones de mayor éxito son "De cigarro em cigarro", samba grabado por Nora Ney en 1953; "A chuva caiu" (con Tom Jobim), toada grabada en 1955 por Ângela Maria; "Samba do Orfeu" y "Manhã de Carnaval" (ambas con Antônio Maria, para la película "Orfeu do Carnaval. Esta última, cuya primera grabación fue de Agostinho dos Santos, se convirtió en gran éxito mundial y su composición más conocida, siendo regrabada en varios países. Se clasificó en tercer lugar la composición "Dia das rosas" (con Maria Helena Toledo), en el I FIC, de la TV-Rio, Rio de Janeiro, en interpretación de la cantante Maísa. En el II FIC, de la TV Globo, en 1967, presentó "Vem comigo cantar" y "Amada canta" (ambas con Maria Helena Toledo). A partir de 1967, viviendo en Estados Unidos, se asoció con Eumir Deodato y se mudó enteramente para el jazz. Grabó, entre otros, "The new face of Luís Bonfá" (1970) e "Introspection" (1972), este considerado un clásico de la guitarra sola en Estados Unidos. En esta misma época participó, con Dom Um Romão, en el disco "The movie song album de Tony Bennett". En 1997 la cantante Ithamara Koorax lanzó "Almost in love/The Luís Bonfá Songbook", disco dedicado a la obra del guitarrista y compositor, que toca la guitarra en doce canciones del disco. Aún en 1997, la canción "Correnteza", en la voz de Djavan, fue éxito de la telenovela "O Rei do Gado", de la TV Globo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Insensatez, con Stan Getz y la voz de Maria Toledo, y un fragmento del programa de Perry Como del 2 de enero de 1963, con una selección de temas entre otros: Tenderly, Manhã De Carnaval a dúo con Perry Como y Desafinado, con Boomie Richman.
Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa Gornicza son tres ciudades vecinas situadas en el distrito de Zaglebie, en el suroeste de Polonia. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Bedzin y Sosnowiec albergaban comunidades judías de aproximadamente 28.000 personas cada una, mientras que Dabrowa contaba con 5.000. Los alemanes ocuparon las ciudades el 4 de septiembre de 1939. Cinco días después, incendiaron la Gran Sinagoga de Bedzin. Las llamas se propagaron rápidamente y arrasaron cincuenta casas contiguas. Los ataques físicos fueron acompañados de una legislación económica represiva que obligó a la población judía a renunciar a sus negocios y propiedades. En los primeros días de la ocupación, se nombraron consejos judíos independientes en Bedzin y Sosnowiec, pero a principios de 1940 el consejo de Bedzin quedó subordinado a la Zentrale der Juedischen Aeltestenraete (Oficina Central de los Consejos de Ancianos Judíos de la Alta Silesia), establecida en Sosnowiec y dirigida por el cada vez más autocrático Moshe Merin, este consejo representaba a unas cuarenta y cinco comunidades de la zona y contaba con su propia fuerza policial judía.
Durante 1940-1941, la situación en Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa se consideraba algo mejor que en el resto de la Polonia ocupada. Allí, los judíos residían en guetos abiertos y sus vidas conservaban una apariencia de normalidad. Como resultado, miles de judíos del centro de Polonia buscaron refugio en la zona. Además de esta afluencia, varios miles de judíos del distrito fueron reasentados a la fuerza en Bedzin y Sosnowiec en ese momento, entre ellos los judíos de Oswiecim, que llegaron en la primavera de 1941 antes de la apertura de Auschwitz-Birkenau. El Consejo Judío de Sosnowiec era responsable de elaborar listas de judíos locales que serían enviados a campos de trabajos forzados en Alemania y la Alta Silesia oriental, establecidos bajo el programa de la Organización Schmelt. Los judíos seleccionados para trabajos forzados debían presentarse en el campo de tránsito local, conocido como "Dulag". El incumplimiento conllevaba su arresto y la retirada de las cartillas de racionamiento de sus familias. Los traslados a campos de trabajo comenzaron en 1940, pero se intensificaron enormemente en la primavera de 1941, después de que Himmler decidiera utilizar mano de obra de los campos de la Organización Schmelt para la construcción de grandes fábricas que apoyaran la producción bélica alemana. El Consejo Judío también participó en la creación de talleres de propiedad alemana que empleaban a judíos. El mayor de ellos fue la Rosner Fabrik, una red de talleres que producían uniformes militares y otros bienes y servicios para el ejército alemán. De un taller con unas pocas docenas de empleados, se convirtió en un complejo fabril con tres mil trabajadores. Quienes tuvieron la suerte de conseguir puestos en estas empresas quedaron exentos (por el momento) de la deportación a campos de trabajo. A diferencia del típico capataz alemán, Rosner trataba a sus empleados con respeto y luchaba por protegerlos. Incluso les advertía de las acciones inminentes. La Rosner Fabrik permaneció en funcionamiento hasta el arresto y la ejecución de Rosner en enero de 1944. Cuando se cerraron las escuelas, las organizaciones juveniles sionistas locales se hicieron cargo de la enseñanza de los niños. También impartieron formación agrícola en pequeñas parcelas en las afueras de la ciudad. En Bedzin, a la juventud sionista local se le asignó una parcela de cien acres conocida como la "Farma", que se convirtió en un centro de actividad juvenil. La primera oleada de deportaciones a campos de exterminio tuvo lugar en mayo de 1942, cuando 1500 judíos fueron enviados a Auschwitz. Al mes siguiente, otros 2000 fueron deportados. El 12 de agosto, se ordenó a todos los judíos que quedaban en las tres localidades que se presentaran en el campo de fútbol de Sosnowiec, supuestamente para que se les revalidara su documentación. En cambio, se llevó a cabo una selección masiva que resultó en la deportación de 8000 personas a Auschwitz. Los movimientos juveniles, liderados por el activista de Hashomer Hatzair, Zvi Dunski, llevaron a cabo una campaña instando a sus compatriotas judíos a no presentarse a las deportaciones. También comenzaron a organizar unidades de resistencia clandestinas. La "Farma" se convirtió en el cuartel general de la resistencia judía clandestina y fue el lugar de reuniones secretas con Mordechai Anielewicz, Arie Wilner y otros líderes de la Organización Judía de Combate en el gueto de Varsovia. La resistencia concentró sus esfuerzos en adquirir armas y construir búnkeres en preparación para una revuelta. Sin embargo, las opiniones estaban divididas entre quienes favorecían la resistencia dentro del gueto y quienes enfatizaban la búsqueda de rutas de escape. En la primavera de 1943, los judíos que quedaban en Bedzin fueron confinados a un gueto establecido en Kamionka, mientras que los que permanecían en Dabrowa y Sosnowiec fueron concentrados en Srodula. Ambos sitios colindaban y funcionaban como un solo gueto. El 1 de agosto de 1943 comenzó la liquidación final del gueto. Jóvenes sionistas ofrecieron resistencia armada en varios búnkeres, lo que obstaculizó a los alemanes y los obligó a emplear casi dos semanas en el desalojo. Unos mil judíos permanecieron en el gueto tras la liquidación. La mayoría fueron instalados en el campo de trabajo de Sosnowiec, establecido en el emplazamiento del gueto de Srodula. Estos judíos trabajaban en talleres como sastres, zapateros y carpinteros. El campo fue finalmente liquidado el 13 de enero de 1944 y sus prisioneros enviados a Auschwitz.
Anthony Lawrence Carey, más conocido como Tony Carey, nació en Watsonville, California, Estados Unidos, el 16 de octubre de 1953. Cantante, compositor, productor discográfico y de cine. Toca piano, teclados, guitarra y bajo.
Tony Carey apareció por primera vez en la escena internacional en 1975, tocando los teclados para la banda Rainbow, de Ritchie Blackmore.
Carey participó en los álbumes clásicos «Rising» y «On Stage», formando parte de una alineación de Rainbow que incluía a Ronnie James Dio, Cozy Powell, Jimmy Bain y Ritchie Blackmore, con la cual realizó una gira mundial durante dos años.
Originario de California, Carey se trasladó a Alemania en 1978 para desarrollar su carrera en solitario. Aprendiendo sobre la marcha, grabó varios álbumes instrumentales en los que él mismo interpretó la mayor parte de los instrumentos: teclados, bajo, guitarras y batería.
En 1980, incursionó en el canto con su primer álbum vocal, «In the Absence of the Cat», al que siguió «I Won’t Be Home Tonight», publicado por el sello discográfico —entonces incipiente y envuelto en escándalos— Rocshire Records, con sede en Anaheim, California.
«I Won’t Be Home Tonight» se convirtió en un éxito radiofónico en Estados Unidos en 1982; el sencillo alcanzó el puesto número 8 en la lista «Rock Radio» de Billboard.
Entre 1978 y 1983, este prolífico compositor pasó sus días en el estudio, explorando diversos estilos musicales. Su proyecto de temática de ciencia ficción, «Planet P Project», llamó la atención del sello Geffen Records. El álbum homónimo, que incluía el sencillo «Why Me», fue un gran éxito en MTV, al que siguió el disco «Some Tough City», del cual se extrajeron dos sencillos que alcanzaron el «Top 40» en 1984: «A Fine, Fine Day» y «The First Day of Summer».
Posteriormente, Planet P Project lanzó «Pink World», un álbum doble editado en vinilo de color rosa que hoy es considerado un clásico.
Tras superar una grave enfermedad en 2009, Carey logró recuperarse por completo y ha dedicado los últimos años a grabar y realizar giras por Europa y Escandinavia. Carey ha grabado y publicado más de 40 discos, y ha producido álbumes para artistas como John Mayall, Chris Norman, David Knopfler, Joe Cocker y Peter Maffay (el artista de rock con mayores ventas en Alemania). Asimismo, ha compuesto bandas sonoras para varias películas y ha publicado más de 1.000 canciones.
El álbum Steeltown (de Planet P Project), lanzado en 2013, refleja su amor y aprecio por Noruega, explorando temáticamente la historia y las luchas de este fascinante país.
En 2014 llegó The G.O.D.B.O.X., una colección de 4 CD de Planet P Project que incluye grabaciones realizadas entre 1991 y 2013. The G.O.D.B.O.X. constituye toda una lección de historia, que abarca desde la brutalidad de la Segunda Guerra Mundial hasta la búsqueda del esquivo «sueño americano».
El año 2019 marcó el 50.º aniversario de Carey como «poeta beat», «hippie» (que aún conserva su espíritu) y alguien que, afortunadamente, «todavía no ha muerto». Este hito se conmemoró con el lanzamiento de Lucky Us —su primer disco fuera de Planet P Project en muchísimo tiempo— y la reedición de 12 álbumes de su catálogo. Entre ellos se incluyen cinco discos de Planet P Project, dos álbumes de versiones (Stanislaus County Kid I y II), un disco navideño (¡sí, navideño!), una banda sonora para una película inexistente y tres álbumes en solitario.
Citando su sencillo de 1983 «Why Me»:
«Del último hombre que estuvo aquí no se supo nada más;
no volverá por estos lares hasta el año dos mil diez».
Ante esto, Carey comenta: «Bueno, llego un poco tarde, pero ya estoy de vuelta».
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Why Me y Room With A View.
Carlos Núñez Cortés nació en Buenos Aires, Argentina, el 15 de octubre de 1942. Humorista, actor, cantante, compositor, escritor y químico. Multi instrumentista, toca piano, quena, flautas, acordeón, melódica, bongó, teclado electrónico, pinquillo, mirlitón, e instruentos de percusión.
A los 83 años, Carlos Núñez Cortés publica Es que me pasaron muchas cosas en la vida.Se trata de un libro de memorias atravesado por anécdotas personales y artísticas. El histórico integrante de Les Luthiers repasa más de cinco décadas de humor y música.
“A mí me obligaban un poco a rizar el rizo y adornar la anécdota, amplificarla, hacerla casi inverosímil”. Quien habla es Carlos Núñez Cortes, que a sus 83 años sostiene en actos aquel lugar común que afirma que la juventud es un estado de la mente. En su caso esto es un hecho. Con la misma calidez, toca el piano ubicado en el living de su casa y le muestra al fotógrafo de Clarín parte de su colección de más de cuatro mil caracoles, otra de sus grandes pasiones. Su casa está rodeada de piezas de memorabilia Luthier. De hecho, él es el principal archivista del grupo, siempre dispuesto a colaborar con quien esté interesado en indagar en su historia.
Mientras toma un café y come un budín casero delicioso que preparó su esposa, repasa anécdotas de más de 50 años como integrante de Les Luthiers, el mítico grupo artístico-musical que forjó un estilo único del cual decidió alejarse en 2017 al cumplir aquella contundente cifra. Muchas de ellas se incluyen en su libro de reciente aparición Es que me pasaron muchas cosas en la vida (Libros del Kultrum). Desde la famosa “La percha”, que puede verse en YouTube, hasta el fanatismo de su padre por River Plate o su pasión por los caracoles.
–¿Cómo fue trasladar estas anécdotas al papel?
–Te confieso algo: nunca estudié escritura ni fui a un taller literario ni nada. En ese sentido, soy medio caradura porque me largué a escribir algo sin haber estudiado antes. Sé lo que es hacer una cosa bien, como por ejemplo tocar el piano. Me pasé toda mi vida estudiando el piano un par de horas por día, siempre. Entonces es obvio que ahora me animo a cualquier cosa. Me ponen una partitura y… ahora estoy estudiando la “Fantasía-Impromptu” de Chopin que es dificilísimo. Tenés que volar por el teclado. Y me da tanto placer. Con la escritura no me pasó eso. Me entrené con mis libros anteriores: Los juegos de Mastropiero, donde hago una investigación filológica donde trato de explicar los juegos de palabras que usábamos. Después me quedó como el gustito. Qué lindo es esto de escribir, dije. Y pensé: ¿Ahora qué voy a hacer? Pensé que la gente siempre nos preguntaba cómo se nos ocurrían las cosas que hacíamos y así decidí narrar nuestra mecánica de la creación. Así nació Memorias de un Luthier. Me llevó mucho tiempo porque como cumplíamos 50 años decidí narrar el nacimiento de 50 obras. Después, como siempre fui un culo inquieto, hice muchas cosas. Cada vez que me bajaba del escenario me iba a todos lados: tuve contacto con las civilizaciones más extrañas. Me gustaba subir montañas, andar a caballo, meterme en la selva a buscar mariposas, bucear, buscar caracoles marinos. Me subía a los árboles a grabar el canto de los pájaros. Entonces dije: ahí está el tercer libro, con el que me despido. Ya tengo 83 pirulos.
–Al comienzo contás una historia con tu sobrina que dijo la frase que da título al libro. ¿Qué te ocurre con la infancia?
–Es la formación del individuo. Si a un pibe no le haces escuchar una nota a lo largo de toda su infancia es imposible pedirle que alguna vez sea músico o intente sacarle notas a algún instrumento. Es como una alcancía que uno va llenando.
–Otra historia interesante es la del Mundial 78, que contás que los habían contratado para los festejos de Argentina campeón
–Nunca fui muy futbolero. En el libro cuento la historia con mi padre, fanático de River. Mis compañeros estaban que se morían, se derretían. Para mí era algo medio lejano. Igual me emocioné con el partido. Después salí corriendo a ensayar el repertorio de la noche que iba a ser en el Alvear Palace. Era una mesa larga donde estaban los once jugadores argentinos de un lado y los once holandeses del otro. ¡No sé qué hablaron, qué entendieron! El asunto fue que el programa lo amenizó Les Luthiers. Cuando terminó el concierto pensé: si mi viejo estuviera acá se desmaya. Entonces agarré un plato de la mesa y fui hasta donde estaban los argentinos y les pedí si me lo podrían firmar con un marcador. Me firmaron los once. Me acuerdo especialmente de la firma de Kempes. Le pedí si se lo podía dedicar a mi viejo. Puso: para Anselmo, con mucho cariño. A la madrugada se lo llevé. Lo quise mucho a mi viejo. No tuvo la posibilidad de ilustrarse. Era relojero. Laburó toda su vida y fue el principal sostén.
–Trazando un paralelismo con el fútbol. ¿Cuándo dejaste los escenarios te pasó como los futbolistas que se retiran, de sentir un vacío?
–Cuando cumplimos cincuenta años y decidí bajarme del escenario sentí que corría peligro. Era como una persona que la acostumbrás a comer milanesas todos los días y, de pronto, se las sacás. Pensaba que podría tener problemas serios si no tenía que ir al teatro todas las noches. Lo único que no tengo, lo que más extraño, es tocar el piano arriba del escenario. Después mi vida actual sigue rodeada, aunque no tanto, de Les Luthiers. Colaboro con los chicos del podcast La hora de la nostalgia, que repasan nuestra historia. Sigo tocando el piano. Eso no me lo quita nadie. Y trabajo en el archivo de Les Luthiers que llevo desde 1965. ¡Tengo todo! Libretos, fotografías, todas las grabaciones. Las atesoro, las escucho, las sigo limpiando, clasificando. Siempre tuve esa cosa de archivista.
–Ustedes hicieron durante un tiempo terapia grupal.
–Sí, con el doctor Fernando Ulloa. Un profesional maravilloso. Estuvimos 17 años con él. Dentro de todo tuvimos la enorme suerte de que no había ningún loco de mierda en el grupo sino todo lo contrario. Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor. Nos estábamos cagando siempre de risa todos. Son elementos que unen más que la poxilina. Nos gustaba estar juntos. Nadie se quería cortar solo. No primaba el ego. Éramos exégetas de Mastropiero.
–Pensaba el paralelismo con una banda de rock. El trabajo de la creación colectiva muchas veces se agota.
–Claro. ¿Qué banda de rock duró 55 años? Y fijate que fuimos contemporáneos de los Beatles. Me acuerdo que moríamos. Temblábamos cuando nos poníamos a escuchar un nuevo disco. Cuando se separaron empezábamos a pensar: qué no nos pase esto a nosotros.
-Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor.
–En un podcast con Adrián Lakerman hablabas del tema del prestigio, algo que en el humor no se suele dar pero sí ocurrió en el caso de Les Luthiers. ¿Tal vez haya tenido que ver con lo innovador de la propuesta? ¿Encontraron referencias similares en otros países?
–Marcos Mundstock una vez dijo que Les Luthiers no podría haber nacido en otro lugar que no fuera un coro universitario. Los primeros chistes empezaron en el medio del coro. La mujer de Gerardo Mazana, Malena, imprimía un diario, se llamaba L’aphonique, el afónico. Ahí se contaban nuestras novedades: que fulanito miraba a menganita, la contralto del coro. Que sultanito había desafinado. Y un día llegó Gerardo con una propuesta de armar algo. Éramos todos universitarios. Nos gustaba a todos la música. Todos teníamos sentido del humor. Y éramos jóvenes. ¡Teníamos un cohete en el culo! ¿Cómo no le voy a dar la razón a Marcos de que sólo ahí pudo haber nacido Les Luthiers?
–¿Cómo ves el humor hoy en día?
–Sobre la cancelación nos tocó a nosotros. Especialmente a mí me tocó dos o tres veces hacer algunas obras donde nos reíamos mucho de la mujer. Nos parecía un lugar inagotable del cual sacar chistes. Hacía, por ejemplo, la serenata tímida. Era un pusilánime que se moría de miedo de cantarle a una mujer. Después la intimidatoria, la astrológica y la última es una serenata donde he perdido todas las esperanzas y entonces hago lo que hace cualquier loco de mierda: transformo todo el amor en odio y me lanzo contra ella con una virulencia exagerada y la quiero matar. Una obra que hacíamos con muy buen éxito y todo el mundo se reía a carcajadas, sabía que estábamos jugando y que ninguna de esas cosas que estaba intentando hacer las haría. Ni en pedo. Lo que estaba haciendo era amplificar la realidad, amplificar el absurdo y elevar mis intenciones hasta un nivel que ya era enfermizo. Ahora están los fenómenos de cancelación en los cuales cada persona tiene todo el derecho de hacer de su vida lo que se le cante el culo. Todo eso es respetable. Hemos entendido finalmente y gracias a Dios que la gente puede elegir cómo vivir, cómo vestir, cómo caminar por la calle. Hay que respetar eso. No te podés reír ahora de un tipo que resbala en la calle y se pega un porrazo. Ese humor se ha terminado.
–Nombramos a Gerardo Masana, Marcos Mundstock, también le ha tocado partir a Daniel Rabinovich. ¿Qué te viene a la mente de los Les Luthiers que ya no están?
–Todos tuvieron su aporte. Yo aporté mucho al grupo en cuanto pianista. Era el mejor pianista. Ernesto Acher tocaba bastante bien el piano y nadie más. Los demás champurreaban un poquitito. Gerardo tocaba un poquito y ellos me tomaron a mí fundamentalmente porque yo era muy buen pianista. No tenía ni idea ni de mi sentido de humor, tenía una voz de tenor medio agudita no demasiado potente, ni siquiera era educada, como la voz de Marcos, que estudió canto y demás. El recuerdo que tengo es el que me hayan cobijado bajo su ala dos tipos como Marcos y Gerardo Masana que fueron los que empezaron toda esta movida. Gerardo con la música y Marcos con los textos. Enseguida me llamaron porque decían que era un elemento valioso que puede ayudarnos. Entonces yo les debo fundamentalmente a ellos dos, en especial el hecho de que me arreglaron la vida. En el momento en que uno está pensando que es casi un adolescente, como era yo, que voy a hacer, yo tenía ya un título universitario, ya era químico, trabajaba de químico, no me gustaba demasiado lo que hacía. De pronto encontrar esa vertiente, este espacio donde más que trabajar íbamos a jugar, me llenó de satisfacción, esperanza. Estoy en el lugar correcto. Un día tuve que renunciar a mi trabajo de químico para siempre y dedicarme a esto de hacer humor con la música y tocar el piano lo mejor posible. Agradezco al cielo haberme cruzado con Marcos y Gerardo y que nos hayamos hecho amigos. Porque en primer lugar fuimos amigos. Amigos y coreutas del coro de Ingeniería. Después, despacito, empezó toda esta aventura que nadie, absolutamente nadie, en esos momentos podría haber aventurado ni una milésima parte de lo que pasaría después. Estar en el Palacio Oviedo recibiendo el Premio Príncipe de Asturias de manos del Rey de España como contribución a la lengua española. ¿Qué más pretendo? ¿El Nobel? Me queda el Nobel, puede ser.
Carlos Núñez Cortés básico
Nació en Buenos Aires, en 1942. Es concertista de piano, compositor y arreglador de música.
Licenciado en Química Biológica y estudioso de la fauna marina ha recorrido los mares del mundo investigando y coleccionando caracoles.
Es inventor de entretenimientos matemáticos y programador de juegos para ordenadores.
Pertenece al grupo Les Luthiers desde sus comienzos, donde, además de la actuación en el escenario, se ocupa de la composición musical y de la creación y construcción de instrumentos informales.
Es que me pasaron muchas cosas en la vida, de Carlos Núñez Cortes (Libros del Kultrum).
A continuación, celebramos su cumpleaños, con El Explicado.
