Shalom – Descubriendo Shavuot

Shalom – Descubriendo Shavuot  

Shalom dedica este programa a Shavuot junto al rabino Moshé Bendahan. Un recorrido claro y cercano por el origen de la fiesta, la entrega de la Torá sus tradiciones actuales y su valor hoy: estudio, comunidad, identidad en el judaísmo contemporáneo. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/descubriendo-shavuot/17072420/  

Bill Bruford

William Scott Bruford, más conocido como Bill Bruford, nació en Sevenoaks, Kent, Reino Unido, el 17 de mayo de 1949. Baterista. 

El sitio www.billbruford.com publicó su biografía.  

Bill Bruford creció rodeado de jazz. Como baterista aficionado en la década de 1960, y tras recibir algunas lecciones de Lou Pocock de la Royal Philharmonic Orchestra, comenzó su carrera profesional en 1968. Fue una figura clave en el movimiento británico conocido como "Art Rock", realizando giras internacionales con Yes y King Crimson entre 1968 y 1974. 

A continuación, dedicó varios años a observar y participar en los procesos de creación musical de, entre otros, Gong, National Health, Genesis y UK, hasta que se sintió preparado para escribir e interpretar su propia música con su banda Bruford, grabando cuatro álbumes entre 1977 y 1980. 

Sin embargo, fue la reconstituida formación de King Crimson de 1980-84 la que le proporcionó el vehículo para su revolucionario uso de la electrónica en el desarrollo del lado melódico de la percusión. Tras un período intermedio de dos años y dos álbumes improvisando con piano acústico y batería junto a Patrick Moraz, Bruford formó su grupo de jazz electroacústico Earthworks en 1986, con Django Bates e Iain Ballamy, específicamente para continuar este trabajo melódico desde la batería, pero ahora en un contexto de jazz. 

Earthworks, el primer trabajo del grupo en 1987 fue nombrado el "tercer mejor álbum de jazz del año" por la revista estadounidense USA Today; luego vinieron Dig? (1989), All Heaven Broke Loose (1991) y el álbum en vivo del verano de 1994, Stamping Ground. 

King Crimson volvió a demostrar su maestría en la percusión al lanzar el dúo rítmico formado por Bruford y Pat Mastelotto en su formación de doble trío en 1994. A finales de 1994 y durante 1995, la banda realizó una gira mundial, ofreciendo 120 conciertos y grabando CDs de estudio y en directo que documentaban su innovador uso de dos bateristas. En 1996, King Crimson ofreció más conciertos y lanzó un CD-ROM que plasmaba el enfoque de Bruford, en una combinación de tres formatos: audio y datos MIDI/digitales, titulado Packet of 3. 

Entre todo esto, Bill también encontró tiempo para grabar y/o salir de gira con Kazumi Watanabe, David Torn, The New Percussion Group of Amsterdam, Jamaaladeen Tacuma, Akira Inoue, Al Di Meola, Anderson Bruford Wakeman y Howe, la Buddy Rich Orchestra, Tony Levin, Pete Lockett y su antigua banda Yes, entre otros. Continuó su labor como instructor activo con una serie de talleres en Europa y América en 1993, que culminaron con su aclamada presentación en la Convención Internacional de la Percussive Arts Society en Columbus, Ohio, en noviembre. En 1990, los lectores de la revista Modern Drummer lo eligieron para su Salón de la Fama. 

A finales de los 90, Bruford reafirmó su compromiso y su regreso al jazz, y en 1997 lanzó dos importantes trabajos. La recopilación de grandes éxitos de Earthworks, Heavenly Bodies, que incluía temas de sus cuatro álbumes y material inédito, se publicó en mayo a través de Virgin Records, Reino Unido. 

Posteriormente, a finales del verano, se publicó en septiembre un nuevo disco con material inédito junto a los titanes del jazz Ralph Towner (guitarras y piano) y Eddie Gomez (bajo), titulado If Summer had its Ghosts, a través del sello Discipline Records de King Crimson. 

El nuevo milenio vio el lanzamiento del álbum en vivo de Upper Extremities de Bruford Levin titulado BLUE Nights, y la incorporación del célebre guitarrista de jazz Larry Coryell a Earthworks para la temporada de festivales de jazz de verano del 2000. Tras una extensa gira de 22 fechas por el Reino Unido, Earthworks grabó su séptimo CD en noviembre, titulado “The Sound of Surprise”. En la primavera de 2002 se produjo el lanzamiento simultáneo de a) un doble CD en vivo desde Londres llamado “Footloose and Fancy Free” y b) un DVD completo desde Nueva York titulado “Footloose in NYC”, y la sustitución de Clahar por el polifacético Tim Garland, recién llegado del grupo de Chick Corea. El nuevo CD fue galardonado con las codiciadas “5 estrellas” de la revista Downbeat. 

En 2004, Bill fundó Summerfold Records y Winterfold Records para dar cabida a los distintos aspectos de su catálogo, que crecía rápidamente y ya contaba con unos 35 títulos. Entre sus colaboraciones recientes destacan las realizadas con The World Drummers Ensemble, Earthworks Underground Orchestra y el compositor Colin Riley. En 2006 se publicó el muy comentado DVD Rock Goes To College de su antiguo grupo "Bruford" y, en 2017, una caja recopilatoria de 8 discos de la banda titulada 'Bruford: Seems Like A Lifetime Ago 1977-1980', ambas editadas por Winterfold Records. 

Tras retirarse de los escenarios el 1 de enero de 2009, después de 41 años como músico, Bill publicó su autobiografía en marzo de ese mismo año. Animado por su éxito, comenzó a trabajar en un segundo volumen, esta vez basado en evidencia. Doctorado por la Universidad de Surrey, entrevistó y analizó las percepciones de un grupo de bateristas expertos en el ámbito de la creatividad y la interpretación musical. «Uncharted: Creativity and the Expert Drummer» se basó en estos hallazgos y se publicó en 2018. 

El año anterior se publicó la primera de una trilogía de cajas recopilatorias seleccionadas por Bill. «Seems Like a Lifetime Ago» se centró en la música de la banda Bruford de finales de los años 70. Ese mismo año, Bill ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro fundador de Yes. La segunda caja recopilatoria, «Bill Bruford – Making A Song and Dance: A Complete-Career Collection», se publicó en abril de 2022 a través de BMG Records. Esta monumental colección de 6 CD con 70 temas abarca toda la trayectoria discográfica de Bill. 

Por el contrario, la tercera y última caja recopilatoria se nutre exclusivamente del catálogo de grabaciones de Bill, de su propiedad exclusiva, publicadas por sus dos sellos discográficos, Summerfold y Winterfold Records. El set de 3 CD «The Best of Bill Bruford: The Winterfold and Summerfold Years» fue lanzado por Summerfold Records en octubre de 2024. Tras 13 años alejado de la batería, Bill regresó a los escenarios con el Pete Roth Trio en 2023. El Dr. Bruford tiene tres hijos adultos y cinco nietos. Sigue viviendo con Carolyn en Surrey Hills, Reino Unido. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Full Circle. Pete Roth Trio con Bill Bruford.  

La casa de los niños perdidos

El sitio www.brusselstimes.com publicó este artículo firmado por David Labi. 

La casa de los niños perdidos 

La trágica redada de niños judíos en una pensión de Bruselas en 1943 ha recibido cierta justicia gracias a un extraordinario libro del historiador Frédéric Dambreville. 

Lunes, 13 de mayo de 2024 / Por  David Labi 

En junio pasado, se colocó una pequeña placa conmemorativa en la pared de un bloque de apartamentos de cuatro plantas en Woluwe Saint-Pierre, recordando sucesos olvidados de la Segunda Guerra Mundial. 

Unos 80 años antes, el 12 de junio de 1943, la Gestapo irrumpió en el edificio para arrestar a 23 judíos, 14 de ellos niños. Los prisioneros fueron recluidos en el cuartel de Kazerne Dossin en Mechelen —actualmente un museo y monumento conmemorativo— antes de que la mayoría fueran deportados a los campos de concentración nazis, donde finalmente encontraron la muerte. 

La conmemoración de este horrible suceso fue posible en parte gracias a una investigación monumental realizada por el autor e historiador Frédéric Dambreville, que culminó en su extraordinario libro, Les Disparus de Gatti de Gamond. 

El pintor, grabador y escritor francés se mudó a Bruselas más de una década antes y se instaló en el número 10 de la Rue André Fauchille, el edificio en cuestión. El edificio data de 1907, aunque la grandiosa fachada de la época, que incluía un elegante friso modernista, fue reemplazada por una fachada sencilla en 1954. 

Fue una inscripción en la chimenea del edificio lo que despertó su curiosidad y le llevó a descubrir la antigua identidad del lugar como internado llamado Gatti de Gamond, que había albergado a varios judíos, en su mayoría niños, así como a miembros de la resistencia belga, hasta la redada nazi de 1943. 

La curiosidad de Dambreville pronto se convirtió en obsesión. Se embarcó en una búsqueda de diez años para desvelar la historia completa, siguiendo cada pista y localizando a las personas. «Si señalamos un punto de Bruselas y lo analizamos, encontraremos el mundo entero», afirma Dambreville, quien pasó 25 años trabajando con niños marginados en los suburbios de París antes de mudarse a Bruselas. 

En Dambreville conviven estas intrincadas historias humanas: basta con mencionar a una persona en su libro para que narre la historia completa de su familia. Pero su misión va más allá de la de un archivista: busca las voces de los niños y reconstruye las vidas que no pudieron vivir. 

Alumnos y náufragos 

El internado recibió su nombre en honor a Isabelle Gatti de Gamond, defensora de la educación laica femenina del siglo XIX. Odile Henri-Ovart y su esposo Rémy Ovart, quienes lo dirigieron en 1925, participaron en la resistencia belga contra la ocupación nazi que comenzó en 1940. Sin que su esposo lo supiera, Odile escondió a judíos náufragos en las instalaciones, incluyendo a una pareja judeoalemana. Mientras tanto, un edificio vecino acogió a otros miembros de la resistencia, cuya difícil situación también se narra en el libro de Dambreville. 

Uno de los dormitorios interiores 

En 1943, la policía secreta alemana, la Gestapo, inició operaciones para desenmascarar a los judíos «protegidos por arios» y llegó hasta Gatti de Gamond. Dambreville cree que esto pudo estar relacionado con una redada fallida reciente en un convento de Anderlecht, donde se habían escondido 14 niñas judías. La madre superiora había persuadido a la Gestapo para que regresara al día siguiente. Aprovechando este tiempo extra, la resistencia simuló un secuestro, atando a la madre superiora y llevándose a las niñas. 

Tras esta humillación, los nazis y un infame informante judío apodado Gros Jacques podrían haber visto en el internado una oportunidad para vengarse. 

La Gestapo llegó a las 4 de la madrugada del sábado 12 de junio. Instalaron una mesa para interrogar a todos los ocupantes. La directora y su marido fueron arrestados y murieron tras ser deportados a campos de exterminio (posteriormente, en 1993, fueron reconocidos como «Justos entre las Naciones» por Yad Vashem). 

Su hija Andrée también fue arrestada y torturada. De los 14 niños arrestados, nueve perecieron. Pero estas cifras son solo una estimación en medio de la terrible confusión. «Escribí el libro para escapar de las cifras», dice Dambreville. 

Rehumanizando la historia 

El hilo conductor del libro es el testimonio inédito de Bernard Lipsztadt, uno de los niños que posteriormente escapó del cuartel de Dossin. Con el paso de los años, Dambreville encontró nuevos testigos a través de conexiones y rostros captados en fotografías. Su investigación incluyó una larga estancia en los Archivos Reales, donde exploró kilómetros de archivos subterráneos. 

Bernard Lipsztadt 

Devolver los archivos después de haber terminado con ellos siempre le parecía como "enviarlos de vuelta al olvido". En una ocasión, cuando Dambreville encontró el documento de identidad de una persona, sintió como si tuviera en sus manos "un trozo de piel humana". 

Encontró pistas cruciales en los archivos. «Eran archivos de seguridad, para controlar y destruir personas. Pero finalmente, pude darles la vuelta. Pude convertirlos en documentos de vida», afirma. 

Su libro revela una época de alianzas cruzadas, confusión y traición. «Es una investigación policial», dice Dambreville. «Encontré a los niños, a las víctimas, a los culpables. Los identifiqué. Tengo las firmas de quienes ordenaron la redada». 

Pero no le interesaba la justicia por mano propia. Su libro trata sobre los niños desaparecidos y sobre devolverles la dignidad y la paz. «Reintroduzco a los niños en el entorno del que fueron arrancados. Por eso, es una historia humana. Se trata de humanizar la historia», afirma. 

Doce años atrás, Dambreville logró encontrar a Mireille Rapoport, una de las niñas judías de la pensión que sobrevivió al ataque. Ella le mostró dos cuadernos que había guardado de su estancia en Gatti. Nunca los había abierto, pero estaban llenos de mensajes de los otros niños. Estos le ayudaron a completar la información, desenterrando viejos secretos que Dambreville podría convertir en una historia. 

Retratos del pasado 

La mayoría de los niños nacieron en Bélgica, pero algunos provenían del extranjero: dos nacieron en Alemania, otro en Grecia y uno en Polonia. Todos eran de familias inmigrantes, principalmente de Polonia, pero también de Hungría y Lituania. 

Niños en el jardín 

Una de las niñas era Rachel Tomar, nacida en Amberes en 1930, que tenía 12 años cuando fue detenida. Rachel había sido enviada a vivir con su tía en Bruselas mientras su madre permanecía en Amberes esperando a su marido, que había sido arrestado y deportado a Francia. 

Rachel vivió en varios lugares de Bruselas antes de ser internada, junto con su prima Greta, en Gatti de Gamond. Allí se ganó el apodo de "la Gobeuse" ("la devoradora") porque se creía todo. 

Cuando la Gestapo los expulsó, Rachel se negó a admitir que era judía, insistiendo en usar su nombre falso, Jeanne van Ingelgem, y una dirección falsa en Molenbeek. Mantuvo su tapadera a pesar de varias palizas, pero fue separada de los demás niños y transportada en el 21.er convoy de Mechelen a Auschwitz. Murió a principios de agosto de 1943. 

Rachel Tomar

La prima de Rachel, Greta, tuvo más suerte. Hija del comerciante de diamantes David Katz, nacido en Hungría (ahora en Rumania), y de Blanka Farkas, nacida en Checoslovaquia (ahora en Ucrania), Greta nació en Amberes tres años después que Rachel. Aunque llegó a Gatti de Gamond al mismo tiempo, su padre, sin saberlo, le salvó la vida cuando la llevó a casa el 11 de junio porque estaba enferma. 

Tras la guerra, Greta vivió en Place Montgomery durante 15 años sin saber que se encontraba a apenas 200 metros de su antiguo escondite. Decía que su prima Rachel había sido como una hermana para ella: Dambreville cuenta que apenas podía mencionar su nombre sin llorar. Falleció en 2008. 

Muchas historias quedaron inconclusas. También había un chico misterioso que se escondía en el ático. Estaba enamorado de Mireille y firmaba en su cuaderno con el nombre de Simon. Dambreville nunca lo encontró. 

Había una chica no judía llamada Fernande, amiga de Bernard Lipsztadt (más tarde Lipstadt), que se encontraba en la pensión la noche de la redada. Tras la guerra, Lipsztadt buscó a Fernande y descubrió que toda su familia había muerto en un accidente de coche. 

Allí estaba Boris-Maurice Gurman, un niño de ocho años nacido en Anderlecht y residente de la Rue de Russie, en Saint-Gilles. Era el tercer hijo de Bernard y Esther, cuyos dos primeros hijos fallecieron prematuramente. Dambreville encontró una conmovedora fotografía de Boris vestido con traje y corbata. 

Boris Gurman

Y luego está el falso ático, un escondite entre pisos que el propio Dambreville descubrió cuando vivía en el edificio. ¿Quién se escondía allí? «Es un enigma que me ha atormentado durante doce años». El papel pintado desgastado del falso ático —el único vestigio concreto del internado— aparece en la portada de su libro. 

Las cartas de apoyo de historiadores, archiveros y otros profesionales ayudaron a Dambreville a obtener una beca artística que le permitió acceder a archivos con textos como los documentos de la Gestapo. Algunos eventos dieron a conocer el libro tras su publicación, en particular el Centre Communautaire Laïc Juif (CCLJ) de Bruselas y el museo Kazerne Dossin. Incluso recibió el apoyo de organizaciones como la Fundación Auschwitz y la Fondation de la Mémoire Contemporaine. 

En 2018, se instalaron 15 Stolpersteine, o «piedras de tropiezo», en las afueras de Gatti de Gamond: se trata de losas de latón con el nombre y el destino de los detenidos por los nazis en aquella fatídica noche. Sin embargo, la exhaustiva investigación de Dambreville le permitió detectar varios errores en las piedras de la redada de Gatti de Gamond. La lista original se basaba en una carta de 1943 en la que se imploraba a la reina Isabel de Bélgica que interviniera para salvar a los niños capturados, pero estaba incompleta. 

Se han reconocido los errores, pero aún no se han corregido los nombres. Dambreville lamentaba la falta de una documentación más completa y precisa de la época. «Es desalentador», afirma. «Pero, al mismo tiempo, hay esperanza». 

Un puente hacia los niños de hoy 

El año pasado, Dambreville fue contactado por un bibliotecario francés, Guy Marchand, quien había trabajado en la conmemoración de los sucesos ocurridos en la ciudad francesa de Izieu, donde 44 niños y siete maestros fueron detenidos el 6 de abril de 1944. Tras leer el libro de Dambreville, quiso impartir clases basadas en la redada de Gatti de Gamond a escolares de su distrito, Molenbeek. 

En cierto modo, fue una colaboración improbable. Woluwe Saint-Pierre es ahora un barrio acomodado y predominantemente blanco, igual que entonces. Los alumnos del Gatti de Gamond eran hijos de embajadores y el edificio contaba con un mobiliario exquisito, incluido un piano de cola. 

Por el contrario, los niños judíos ocultos provenían de comunidades marginadas y desfavorecidas. «Es decir, los niños más pobres del mundo llegaron a las familias más ricas», afirma Dambreville. «Y ahora, los marginados de nuestra sociedad se encuentran en lugares como Molenbeek: musulmanes, de clase trabajadora y privados de sus derechos». 

Dambreville, que trabajó durante 25 años con adolescentes en los difíciles suburbios del este de París, encontró puntos en común con Marchand, que pasó 35 años enseñando en Molenbeek, un distrito lamentablemente más conocido por albergar terroristas. 

Juntos, pusieron en marcha un proyecto que reunía a niños de orígenes muy diversos. En un solo grupo de trabajo de cuatro personas, por ejemplo, había una niña guineana, una ucraniana, una marroquí-belga y una siria nacida en Idlib durante la Primavera Árabe. Otros provenían de Irak, Afganistán, el territorio palestino, Rumania, Rusia, Bulgaria, Congo, Etiopía y otros países. Muchos eran refugiados que se reunían para hablar del Holocausto, pero no como un asunto exclusivamente judío, sino como una cuestión que atañe al derecho de todos los niños a vivir y a ser vistos. 

La unidad educativa del municipio de Molenbeek y el alcalde respaldaron el proyecto. Con el apoyo de Marchand y sus profesores, los niños dieron nueva vida a la historia de Gatti de Gamond. Recorrieron los lugares mencionados en el libro, escribieron biografías de cada personaje y dibujaron historietas de diferentes escenas. 

Dambreville quedó asombrado por las reacciones de los niños. «Tomaban notas frente al edificio de la Gestapo, frente a la prisión de Saint-Gilles, con un respeto increíble», afirma. 

El resultado fue una exposición a principios de este año, coincidiendo con el 80 aniversario de la incursión, titulada «Ne meurent que ceux qu'on l'oublie» («Solo mueren los olvidados»). Su inauguración atrajo mucha atención: estuvieron presentes los embajadores de Israel y Alemania, junto con el ministro de Educación belga y el alcalde local, además de niños, uno de los cuales se levantó y habló durante el acto. 

El compromiso de los niños le brindó a Dambreville cierta recompensa por sus esfuerzos sobrehumanos. En una de las muchas cartas de agradecimiento, uno de ellos decía: «Gracias por haber respetado a los muertos». Él interpretó la carta como una señal de que los niños desaparecidos de Gatti de Gamond ya no eran víctimas del Holocausto, sino seres humanos con sus propias historias de opresión, destrucción, huida y supervivencia. «Se trata de rescatar algo que ha sido despreciado, olvidado o borrado; darle un nombre y reintegrarlo a la familia», afirma. 

Mientras tanto, una nueva placa conmemorativa frente al número 10 de la Rue André Fauchille tiene una declaración final: "¡Souvenons-nous toujours! / Laten we nooit vergeten!". 

Pero, como dice Dambreville, esto puede requerir mucho trabajo. «Hay que entender que al principio no había nada», afirma. «Ni rastro, ni pista, salvo una inscripción en una chimenea».  

Felix Mendelssohn. Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25. Aristo Sham.

A continuación, de Felix Mendelssohn, el Concierto para Piano y Orquesta Nº 1 en Sol Menor Op. 25, en la versión de Aristo Sham, y la Orquesta Sinfónica de Fort Worth, dirigida por Marin Alsop.      

Theo Altmeyer

Theo Altmeyer nació en Eschweiler, Renania, Alemania, el 16 de marzo de 1931, y murió en Hannover, Alemania, el 28 de julio de 2007. Tenor.  

El sitio www.grokipedia.com publicó este recordatorio. 

Theo Altmeyer 

Theo Altmeyer fue un tenor clásico alemán conocido por sus destacadas interpretaciones de la música vocal sacra de Johann Sebastian Bach, en particular a través de numerosas grabaciones e interpretaciones de cantatas, las Pasiones, el Oratorio de Navidad y otras obras. Nacido el 16 de marzo de 1931 en Eschweiler, Alemania, estudió canto en Colonia con Clemens Glettenberg y lanzó su carrera operística en 1956 en la Städtische Oper de Berlín, donde permaneció hasta 1960. Posteriormente se unió a la Ópera de Hannover, actuó en la Ópera de Stuttgart y en la Ópera Estatal de Viena, y realizó giras por Norteamérica. Altmeyer alcanzó un renombre especial por sus contribuciones a la interpretación tradicional e históricamente informada de Bach, colaborando con directores como Helmuth Rilling, Fritz Werner, Wolfgang Gönnenwein y otros en ciclos de cantatas, transmisiones radiofónicas y obras corales importantes durante las décadas de 1960 y 1970. Desde 1974 en adelante, combinó la enseñanza en la Hochschule für Musik de Hannover con actuaciones continuas en ópera y conciertos hasta su retiro de las apariciones públicas en 1995. Murió el 28 de julio de 2007. 

Primeros años y educación 

Nacimiento y antecedentes 

Theodor Daniel Altmeyer nació el 16 de marzo de 1931 en Eschweiler, una ciudad de la región de Renania, en Alemania, cerca de Aquisgrán. Eschweiler se encuentra en lo que ahora es Renania del Norte-Westfalia, y el nacimiento de Altmeyer allí marcó el comienzo de su vida en una región con una fuerte herencia industrial y cultural. No se dispone de información detallada sobre sus antecedentes familiares o su vida personal temprana antes de sus actividades musicales. 

Formación musical y reconocimiento precoz 

Theo Altmeyer estudió canto en la Escuela Superior de Música de Colonia (Musikhochschule Köln) entre 1953 y 1956 bajo la tutela del profesor Clemens Glettenberg. Durante este tiempo, se descubrió su particular talento como cantante de oratorio, lo que llevó al reconocimiento temprano de su aptitud para el repertorio sacro y de concierto. En 1955, recibió un premio en el Gesangswettbewerb der Rundfunkanstalten, el concurso de canto organizado por las instituciones de radiodifusión pública alemanas. Este premio, entregado en Múnich, supuso una importante distinción temprana para el joven tenor durante sus años de estudiante. Su creciente reputación en el oratorio y la música sacra durante este período presagió su posterior enfoque en las presentaciones en conciertos y transmisiones. 

Carrera profesional como cantante 

Compromisos iniciales y avances 

Theo Altmeyer comenzó su carrera profesional como cantante a mediados de la década de 1950, poco después de completar su formación musical en Colonia. En 1956, recibió un contrato en la Städtische Oper Berlin (más tarde rebautizada como Deutsche Oper Berlin), donde interpretó papeles de tenor lírico en producciones de ópera, lo que marcó su entrada inicial en el mundo de la ópera escenificada. Durante los inicios de su carrera, también participó en emisiones de radio de la emisora Westdeutscher Rundfunk (WDR), contribuyendo a programas que incluían repertorio vocal sacro. Estos primeros compromisos complementaron su trabajo operístico. 

Papeles en la ópera y etapa en Hannover 

Theo Altmeyer fue contratado como tenor lírico principal del Staatstheater Hannover a partir de la temporada 1960/61, donde ocupó un puesto de larga duración como miembro fundamental del elenco. Apareció en una variedad de papeles de tenor lírico en producciones de ópera. Participó como artista invitado en la Ópera Estatal de Stuttgart y en la Ópera Estatal de Viena. 

Oratorio, música sacra y retransmisiones 

Theo Altmeyer fue particularmente reconocido por sus interpretaciones de las obras de Johann Sebastian Bach, consolidándose como uno de los principales exponentes en el campo del oratorio y la música sacra. Participó en una gran cantidad de interpretaciones y grabaciones de cantatas de Bach, la mayoría de ellas como transmisiones de radio, muchas producidas para la Westdeutscher Rundfunk (WDR). Estas incluyeron numerosas cantatas, así como obras importantes como el Oratorio de Navidad (BWV 248), el Magnificat (BWV 243) y varias misas, a menudo en colaboración con directores prominentes como Wolfgang Gönnenwein, Helmuth Rilling, Fritz Werner, Helmut Winschermann y Gerhard Schmidt-Gaden. Las Pasiones, oratorios y cantatas de Bach representaron la cúspide artística de la carrera de Altmeyer en la música sacra, donde se destacó por su enfoque sensible y de buen gusto del repertorio. También contribuyó a grabaciones de obras vocales sacras más pequeñas, como selecciones del Schemelli Gesangbuch (BWV 439–507), incluyendo un LP temprano con el clavecinista Fritz Neumeyer. Además de su especialización en Bach, Altmeyer fue un cantante de Lied muy activo, colaborando con acompañantes como Fritz Neumeyer en grabaciones de lieder y otra música vocal. Sus emisiones de música sacra, en particular a través de la serie de larga duración de cantatas y programas de música espiritual de la WDR, lo convirtieron en una presencia habitual para las audiencias de la radio alemana durante las décadas de 1960 y 1970. 

Carrera docente 

Cátedra y mentoría 

En 1974, Theo Altmeyer comenzó su carrera docente en la Musikhochschule Hannover (hoy Hochschule für Musik, Theatre und Medien Hannover), inicialmente sirviendo como profesor en la materia de canto. Fue nombrado Profesor de Música en 1982 y ocupó esta cátedra hasta su jubilación en 1995.[9]Como profesor, Altmeyer guio a sus alumnos en técnica vocal, interpretación operística y el repertorio lírico para tenor, basándose en su amplia experiencia como intérprete. Entre sus alumnos más destacados se encontraba el tenor Dantes Diwiak, quien estudió ópera bajo su tutela en la institución. Su dilatada trayectoria como pedagogo vocal en el conservatorio de Hannover le valió el reconocimiento como un educador comprometido en el campo del canto clásico. 

Discografía y grabaciones 

Obras y contribuciones seleccionadas 

La discografía de Theo Altmeyer pone de relieve su destacado papel como tenor solista en el repertorio barroco sacro, sobre todo en las obras vocales de Johann Sebastian Bach. Contribuyó con solos de tenor a grabaciones del Oratorio de Navidad de Bach BWV 248, la Pasión según San Juan BWV 245, la Pasión según San Mateo BWV 244, numerosas cantatas sacras y selecciones del Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach junto con la soprano Edith Mathis. Altmeyer también participó en grabaciones del oratorio Das Jüngste Gericht de Dietrich Buxtehude, cantatas y motetes de Heinrich Schütz y las óperas de cuentos de hadas Das kalte Herz y Schwarzer Peter de Norbert Schultze. Estas grabaciones reflejan su versatilidad en las tradiciones del oratorio sagrado y en obras operísticas más ligeras para público familiar. 

Muerte y legado 

Últimos años y muerte 

En sus últimos años, Theo Altmeyer continuó dedicándose a la música antigua, actuando con el conjunto internacional La Morra, y su última actuación pública tuvo lugar en 1996. Posteriormente residió en Hannover. Theo Altmeyer falleció el 28 de julio de 2007 en Hannover, Alemania. 

Influencia y reconocimiento 

Theo Altmeyer es considerado uno de los tenores líricos alemanes más destacados de la posguerra en el ámbito del oratorio, con especial reconocimiento por sus interpretaciones de la música vocal sacra de Johann Sebastian Bach. Sus interpretaciones del Evangelista en las Pasiones de Bach y sus grabaciones de cantatas suelen citarse como ejemplos a seguir por su claridad, su fraseo expresivo y su fidelidad al estilo histórico. A través de su extensa discografía, que incluye colaboraciones con directores de orquesta como Karl Richter y Helmuth Rilling, Altmeyer contribuyó al resurgimiento de las prácticas interpretativas barrocas en Alemania tras la Segunda Guerra Mundial, influyendo en generaciones posteriores de cantantes y académicos. Su labor docente en la Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover amplió aún más esta influencia, ya que muchos de sus alumnos se dedicaron profesionalmente a la música antigua y al repertorio sacro. Altmeyer recibió pocos premios importantes durante su vida, pero su reputación como un intérprete destacado de Bach perdura principalmente a través de su producción artística y su legado pedagógico, más que por los honores formales. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el aria Ich hab in Gottes Herz und Sinn, de la Cantata Ich hab in Gottes Herz und Sinn, BWV 92, de Johann Sebastian Bach.  

Mike Oldfield

Michael Gordon Oldfield, más conocido como Mike Oldfield, nació en Reading, Berkshire, Reino Unido, el 15 de mayo de 1953. Compositor, productor y multi instrumentista. Toca Guitarra, bajo, mandolina, banjo, ukelele, violín, teclados, y percusión, entre otros instrumentos.  

El sitio www.buscabiografias.com publicó su biografía. 

Mike Oldfield (15/05/1953 -) Músico británico 

Mike Oldfield nació el 15 de mayo de 1953 en el Battle Hospital en Reading, Berkshire, un pueblo a las afueras de Londres. 

 

Familia 

Hijo de Raymond Oldfield, médico, y Maureen Liston, una enfermera irlandesa. Su hermana Sally y su hermano Terry también son músicos y trabajaron en algunos de los álbumes de Mike. Su hermano pequeño, David, tuvo síndrome de Down y falleció en la infancia. Fueron criados como católicos, la fe de su madre. 

Estudios 

Asistió a la Joseph's Convent School, Highlands Junior School, St. Edward's Preparatory School y al Presentation College in Reading. Cuando tenía 13 años, se trasladó con sus padres a Harold Wood, en Essex, e ingresó en la Hornchurch Grammar School. 

Músico 

A los 10 años ya componía piezas acústicas y, a los 15, creó con su hermana Sally el grupo Sallyangie, con el que publicaron dos sencillos: Lady Go Lightly y Two Ships, y un disco: Children of the Sun. 

Formó parte del grupo de folk Barefeet. En 1969 se unió a Kevin Ayers & The Whole World, donde conoció a David Bedford. Hasta 1971, año en que el grupo se disolvió, publicó: Shooting at the Moon, Whatevershebringswesing, Confessions of Dr. Dream and Other Stories y June, 1, 1974. 

En sus primeros años consumió drogas como el LSD. 

Tubular Bells 

Desde 1970 trabajó en el proyecto Tubular Bells, pero no fue hasta 1972 cuando grabó la maqueta en los estudios Abbey Road. Envió su trabajo a varias compañías discográficas, que lo rechazaron por no considerarlo comercial. No se atrevían a publicar un disco con dos canciones de 25 minutos de una música que no era pop, ni folk ni rock. Richard Branson, propietario de la tienda de discos Virgin y con el proyecto de crear un estudio de grabación con el mismo nombre, decidió publicarlo. 

Cuando el disco estuvo grabado, se presentó en el festival de música de Cannes, donde ninguna discográfica mostró interés en él, excepto American Mercury Records, aunque deseaban añadir letra a la música. Richard Branson tomó la decisión de lanzarlo por su cuenta. El disco apareció en junio de 1973. El día 28 de ese mismo mes, Tubular Bells fue presentado en directo en el London's Queen Elizabeth Hall. Desde entonces se vendieron millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el mayor éxito de Virgin y en uno de los discos más vendidos de la historia. 

Matrimonio 

En 1974 lanzó su segundo trabajo, Hergest Ridge. En 1975 dirigió a la Royal Philharmonic Orchestra de Londres en la versión orquestal de Tubular Bells. Ese mismo año salió también Ommadawn. En 1978 regresó con un nuevo disco: Incantations y contrajo matrimonio con Diana Fuller, aunque se separaron un mes después. 

Álbumes 

En 1979 realizó una gira mundial que terminó con pérdidas de un millón de libras. Con el fin de subsanar las deudas, presentó en 1980 Platinum. Ese mismo año grabó QE2, con temas de duración convencional. Interpretó varios instrumentos y contó con la voz de Maggie Reilly, así como con músicos como Phil Collins en la batería y Tim Cross en los teclados. Entre los temas se encuentra Taurus, que formaría una trilogía junto a Taurus II y Taurus III. 

Siguiendo la misma línea musical de QE2, en 1982 se editó Five Miles Out. En este disco fue acompañado por el músico celta Paddy Moloney, Carl Palmer en percusión, la voz de Maggie Reilly, entre otros. En 1983 editó Crisis, que incluye un extenso tema instrumental y piezas cortas de estilo pop pero elaborado. Entre los colaboradores más destacados se encuentra Jon Anderson, del grupo Yes. 

Durante 1984 se dedicó a grabar la banda sonora de The Killing Fields, basada en música étnica de Camboya, y también grabó Discovery. Rompió con Virgin, que le presionaba para que editara al menos un disco al año. Su último trabajo con esa discográfica fue Heaven's Open en 1991. 

Firmó con WEA. En 1992 salió a la luz Tubular Bells II. En 1993 apareció Elements, una recopilación de algunos de sus éxitos, y en 1994 The Songs of Distant Earth, versión musical de la novela de Arthur C. Clarke. 

«No tengo amigos; solo tengo abogados». Mike Oldfield 

En 1996 se publicó The Voyager, música celta con arreglos tradicionales y algunas composiciones propias. En octubre de 1997 lanzó The Essential XXV y, además, Tubular Bells III. Luego editó el CD The Essential Mike Oldfield, un recopilatorio que celebraba sus 25 años de trayectoria musical. En 2003 lanzó Tubular Bells 2003, una regrabación del original con tecnología actualizada. Mike Oldfield estrenó su álbum Music of the Spheres el 7 de marzo de 2008 en el atrio del Museo Guggenheim de Bilbao, España. 

En la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 2012 interpretó Tubular Bells, Far Above the Clouds e In Dulci Jubilo. El 3 de marzo de 2014, EMI Virgin lanzó Man On The Rocks, un álbum producido por Steve Lipson que marcó el regreso de Oldfield a Virgin, a través de la fusión de Mercury Records UK y Virgin Records tras la compra de EMI por parte de Universal Music. 

Return to Ommadawn se presentó el 20 de enero de 2017 y alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido. 

 

El 26 de mayo de 2023 se lanzó una edición conmemorativa por el 50 aniversario de Tubular Bells. Esta versión incluye una nueva masterización del álbum original, además de una pista inédita de ocho minutos titulada Introducción a Tubular Bells 4. Esta introducción fue grabada por Oldfield como una demo en 2017, y su discográfica señaló que decidió no continuar con el proyecto de Tubular Bells 4, afirmando que esta, "bien podría ser la última pieza" grabada por Oldfield. 

 

Aficionado a las motocicletas, siempre tuvo ejemplares de alta cilindrada. Apasionado de la aviación, desde 1980 tiene licencia de piloto. 

Parejas e hijos 

A finales de 1970, Oldfield estuvo casado durante unas semanas con Diana D'Aubigny. 

A principios de la década de 1980, tuvo tres hijos con Sally Cooper (Molly, Dougal y Lucas); a finales de esa misma década tuvo dos hijos (Greta y Noah) con la cantante noruega Anita Hegerland. En la década de 2000 se casó con Fanny Vandekerckhove, a quien conoció durante su estancia en Ibiza; fueron padres de dos hijos (Jake y Eugene). Se separaron en 2013. 

«Nunca voy a dejar de hacer música, está en mi ADN». Mike Oldfield 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Moonlight Shadow.  

Eduardo Saborit

Eduardo Saborit Pérez nació en Campechuela, Cuba, el 14 de mayo de 1911, y murió en La Habana, Cuba, el 5 de marzo de 1963. Guitarrista y compositor. 

El sitio www.cadenahabana.icrt.cu publicó este recordatorio. 

Eduardo Saborit Pérez (Campechuela, 14 de mayo de 1911—La Habana, 5 de marzo de 1963) fue un guitarrista y compositor cubano. Incursionó en temas como el triunfo de la Revolución cubana, la Campaña de Alfabetización, la Lucha Contra Bandidos, la fundación de organizaciones en defensa de la Patria, entre otros aspectos, lo que de manera magistral dejó plasmado en su obra artístico musical. 

Conocido también como el Cantor de la Revolución, Saborit se formó musicalmente de la mano de su progenitor, de igual nombre, a la sazón músico de profesión y arreglista, y ejecutante del órgano. Pronto formó parte de la Banda Municipal de Concierto de su natal Campechuela, como ejecutante de la flauta, pero debido a una dolencia le fue prohibido tocar instrumentos de viento. 

Para no perder tiempo, comenzó los estudios de guitarra clásica, y uno de los profesores que lo guio en el conocimiento del instrumento, contribuyó en el desarrollo de Saborit para que este se dedicara a la guitarra y a la composición. 

Quienes lo conocieron lo describen como una persona de buen carácter, entusiasta, optimista, amable, emprendedor y portador de amplios conocimientos. Abrazó el afán revolucionario en la lucha contra el régimen, por lo que fue objeto de persecuciones y desmanes, que lo obligaron a cambiar de ubicación en varias oportunidades. 

De Campechuela pasó a residir en Niquero, y de allí a Manzanillo. Desde esta última ciudad se dirigió a Camagüey, donde formó el trío nombrado La clave azul, con el que actuaba en disímiles actividades, incluso, fue llamado a Santa Clara para actuar como guitarrista clásico. 

Eduardo continuó laborando como músico y compositor. Se conoce que durante la II Guerra Mundial apoyó una convocatoria realizada para llevar la recreación artística a los soldados y así estuvo en varios puntos de Europa. Al regresar a la Patria, Saborit y su conjunto campesino realizaron una extensa gira por Cuba. 

Al triunfo de la Revolución, en enero de 1959, Saborit se entrega en cuerpo y alma al proceso revolucionario y llevó al pentagrama distintos géneros y facetas de la vida como él sabía hacerlo: himnos, marchas y canciones que reflejaban el quehacer del pueblo. 

Se incorporó a la Campaña de Alfabetización como asesor. Compuso la letra y la música del Himno de la Campaña y el de la brigada Conrado Benítez. Dejó, para la historia, además, la conmovedora canción Despertar, inspirada en el contenido de una carta enviada a Fidel por uno de los alfabetizados. 

Visitó varios países, entre estos Hungría, Alemania, Finlandia, España, Francia y la entonces Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas. A su regreso del extenso periplo, compuso otro de sus resonantes éxitos: la canción Cuba, qué linda es Cuba, que fuera largamente aplaudida en el XVII Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes, 

Más adelante rubricó otra de sus más apreciadas composiciones: Conozca a Cuba primero y al extranjero después, que le mereció la Medalla de Oro de La Habana. 

Saborit escribió boleros, sones, guarachas, canciones, sucusucos, canciones, himnos, marchas, canciones infantiles y villancicos. Además de los títulos ya mencionados, también merecen destaque El guarapo y la melcocha, El caballo y la montura, La guayabera, y Tócala con limón. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con El guarapo y la melcocha, en la voz de Celina González. 

Chris Maitland

Chris Maitland nació en Cambridge, Reino Unido, el 13 de mayo de 1964. Baterista. 

El sitio www.neuralrustsite.wordpress.com publicó esta biografía. 

Chris Maitland 

Tras formarse en la Mackenzie School of Speech & Drama y presentarse regularmente a los exámenes de la LAMDA desde los ocho años, Chris Maitland, natural de Cambridge, se involucró en el teatro como actor entre 1985 y 1993, interpretando numerosos papeles, a menudo de Shakespeare. Durante este periodo, Chris desarrolló una clientela particular de alumnos de percusión y, a partir de 1989, ocupó diversos puestos como profesor profesional de batería. 

Tras ser el baterista de No-Man en su gira de otoño de 1993 (y participar en dos temas del álbum Flowermouth), Steven Wilson, miembro de la banda, le pidió a Maitland que se uniera a su proyecto paralelo de entonces, el grupo de rock psicodélico Porcupine Tree. Tras asistir a un concierto de big band de la Orquesta de Syd Lawrence, y con una formación musical que abarcaba rock pesado, teatro, pop puro e incluso música isabelina para flauta dulce, Chris no parecía el candidato ideal para el puesto de baterista en Porcupine Tree. Además, al principio no le impresionó la música que Steven le mostró de los dos primeros álbumes. 

A pesar de sus dudas, Chris decidió unirse y pronto notó una mejoría: “En nuestro primer ensayo estaba nervioso, y cuando empezamos a tocar juntos, me había preparado a conciencia e intentado captar lo que sonaba en los CDs. Y Steve me dijo: 'No te metí en la banda para eso'. Quería que le diera mi toque personal. Y eso ha sido lo mejor para mí como baterista en esta banda, porque me han permitido darlo todo y luego pulirlo”. 

Porcupine Tree siguió creciendo en los 90 y principios de los 2000, lanzando una serie de álbumes aclamados como Signify , Stupid Dream, Lightbulb Sun y Recordings. Wilson y compañía firmaron con Lava, filial de Atlantic Records, su primer sello importante, a mediados de 2001. Sin embargo, varios meses después, Chris dejó la banda en lo que sería el único cambio de formación en la historia del grupo. Curiosamente, Maitland reapareció más tarde como miembro del aclamado proyecto paralelo de Wilson, Blackfield. En el lanzamiento homónimo de 2004, Chris compartió la batería con Gavin Harrison, su sucesor en Porcupine Tree, aunque Chris no apareció en Blackfield II de 2007. 

“Chris Maitland is no longer part of the group. Is there a particular reason?” 

SW: “Actually it’s more practical… Aviv lives in Israel and me in London. At one point we decided where we wanted to base the group. In Israel or London. You can not constantly fly 2 or 3 people. Basing the group in Israel, it’s only me who needs to fly and it’s better because the round trips are expensive. Keeping Chris, it was necessary to make travel each time 2 people instead of one. Do the math. It’s just because of that. But I always get on very well with Chris and I love working with him when I have the opportunity.” 

“Chris Maitland ya no forma parte del grupo. ¿Hay alguna razón en particular?”  

SW: “En realidad, es más práctico… Aviv vive en Israel y yo en Londres. En un momento dado, decidimos dónde queríamos establecer la base del grupo: en Israel o en Londres. No se puede viajar constantemente con dos o tres personas. Si el grupo se estableciera en Israel, solo yo tendría que volar, y es mejor porque los viajes de ida y vuelta son caros. Si Chris se quedaba, era necesario que cada viaje fuera de dos personas en lugar de una. Hagan las cuentas. Es simplemente por eso. Pero siempre me he llevado muy bien con Chris y me encanta trabajar con él cuando tengo la oportunidad.” 

En una entrevista de 2005, Steven dijo: «Voy a evitar hablar de lo que pasó con Chris, salvo para decir que hoy en día volvemos a ser grandes amigos, y lo que entonces parecía importante ya no lo es tanto. Debido al contrato con Atlantic, teníamos mucha presión en aquel momento. Tuvimos que demostrar profesionalismo y compromiso. Lo más triste de todo fue perder a Chris justo cuando la banda estaba a punto de alcanzar el éxito». 

Entre 2004 y 2005, Maitland fue miembro del supergrupo de rock progresivo Kino, junto a músicos como John Beck de It Bites y Pete Trewawas de Marillion. A lo largo de su carrera, Maitland también ha participado en varios musicales del West End. ¡Desde 2005, Chris toca la batería en la gira internacional de Mamma Mia! 

Desde su paso por Kino, Maitland ha participado como músico de sesión en álbumes como This Perfect Day de Guilt Machine, Afterthoughts de Nosound y Not The Weapon But The Hand de Steve Hogarth y Richard Barbieri. 

En 2015, Maitland fue contratado como baterista en vivo para Ray Davies, el legendario compositor de The Kinks. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Cloudy Now, por Blackfield, en vivo con Chris Maitland.  

Steve Winwood

Stephen Lawrence Winwood, más conocido como Steve Winwood, nació en Handsworth, Birmingham, Reino Unido, el 12 de mayo de 1948. Guitarrista, cantante, compositor y tecladista. 

El sitio www.plasticosydecibelios.com publicó su biografía. 

STEVIE WINWOOD: LA HISTORIA DE UN INCREIBLE MÚSICO 

Por Julián Ruiz / Actualizado el 28/08/2025 

Hoy cumple 73 años, el maravilloso Stevie Winwood, niño prodigio y artista capaz de haber hecho más de dos docenas de éxitos. 

Stephen Lawrence Winwood nació el 12 de mayo de 1948 en el área de Handsworth de Birmingham, Inglaterra. 

Primero se interesó en el swing y el jazz Dixieland, comenzó a tocar la batería, la guitarra y el piano cuando era niño, y actuó por primera vez con su padre y su hermano mayor Muff en la Ron Atkinson Band a la edad de ocho años. 

A principios de los 60, Muff dirigió un grupo popular local llamado Muff Woody Jazz Band, y permitió que el joven Steve se uniera; eventualmente comenzaron a agregar números de R&B a su repertorio, y en 1963 los hermanos optaron por dedicarse a esa música a tiempo completo, uniéndose al guitarrista Spencer Davis para formar el Spencer Davis Group. 

Aunque solo tenía 15 años, Steve, que estaba ensimismado con la voz de Ray Charles, lograba que su voz era asombrosamente conmovedora y madura, y sus habilidades en el piano también fueron avanzadas para su edad. 

Spencer Davis Group lanzó un puñado de sencillos clásicos de estilo R&B, incluidos “Keep on Running”, “I’m a Man” y el monumental “Gimme Some Lovin ‘”, todos ellos producidos por el gran productor americano Jimmy Miller, que luego haría los mejores discos de los Stones. 

Dejó lel Spencer Davis Group en 1967 para formar Traffic con el guitarrista Dave Mason, el trompetista Chris Wood y el baterista Jim Capaldi, todos los cuales habían tocado en “Gimme Some Lovin ‘”. 

El cuarteto se retiró a una pequeña casa de campo en el campo de Berkshire, donde pudieron trabajar con su sonido: una mezcla única de R&B, Beatlesquepop, psicodelia, jazz y folk británico, y improvisar hasta bien entrada la noche sin enojar a los vecinos. 

Traffic debutó en el Reino Unido con el sencillo “Paper Sun” en mayo de 1967, y pronto lanzó su álbum debut, Mr. Fantasy, retitulado Heaven Is in Your Mind, en Estados Unidos). Un álbum más que ambicioso.  

Fue seguido por el clásico psicodélico de jazz Traffic en 1968. Sin embargo, habían surgido conflictos entre Winwood y Mason sobre las canciones folk-pop estrechamente construidas de este último, que no encajaban en la concepción expansiva y orientada al jam de la banda de Winwood. 

Dave Mason se fue, regresó y fue despedido nuevamente, y Winwood rompió la banda a principios de 1969. Aun así, en ese momento, se había convertido en el tecladista interno no oficial del sello Island de Traffic , tocando en numerosas sesiones de grabación. 

Posteriormente, Winwood se enganchó con su viejo amigo Eric Clapton, quien recientemente se había separado de Cream. Los dos comenzaron a improvisar y descubrieron que disfrutaban trabajando juntos, y los rumores de su colaboración se extendieron como la pólvora; la enorme expectación sólo creció cuando el ex baterista de Cream, Ginger Baker, firmó, a pesar de las dudas de Clapton sobre las expectativas que crearía. 

Los promotores del concierto se apresuraron a contratar a la banda antes de que se hubiera completado cualquier material, de ahí el nombre eventual de la banda, Blind Faith, y les ofreció demasiado dinero para que se negaran, a pesar de la falta de tiempo de ensayo. 

Su debut homónimo, lanzado en el verano de 1969, fue un éxito, pero la presión extrema sobre el grupo llevó a su ruptura incluso antes de fin de año. Winwood se unió a Baker en un nuevo supergrupo grande y ecléctico llamado Ginger Baker’s Air Force, pero Winwood todavía tenía obligaciones contractuales con Island, y se fue poco después del debut de Air Force en el Royal Albert Hall a principios de 1970. 

Winwood comenzó a trabajar en lo que estaba programado para ser su primer LP en solitario, pero gradualmente trajo más ex miembros de Traffic para ayudarlo, hasta el punto en que el álbum simplemente se convirtió en una reunión de la banda. John Barleycorn Must Die fue lanzado a finales de 1970, mostrando el tipo de sonido jazz-rock feliz que Winwood tenía en mente para el grupo desde el principio. 

Siguieron varios álbumes más en ese sentido, incluido The Low Spark of High-Heeled Boys de 1971, que llevó a Traffic a la cima de su popularidad comercial en Estados Unidos. La carrera fue brevemente interrumpida por el combate de Winwood con peritonitis alrededor de 1972, pero se había recuperado lo suficiente como para desempeñar un papel importante en la recuperación de Eric Clapton, tras su grave problema con la heroína. 

Estuvo en el famoso oncierto de regreso de Clapton, a principios de 1973 en el Rainbow Theatre. Traffic  se interrumpió en 1974, pero en lugar de ir en solitario de inmediato, Winwood, exhausto, pasó los siguientes años como músico de sesión, relajándose en su granja de Gloucestershire durante su tiempo libre. También se destacó como colaborador del percusionista japonés Stomu Yamash’ta, apareciendo en su exitoso LP de jazz fusión, Go, en 1976. 

Stevie Winwood finalmente regresó con su debut en solitario homónimo en 1977, Gran Bretaña estaba en medio de la revolución punk, y la música en sí fue algo decepcionante incluso para el propio Winwood. 

Consternado, regresó a Gloucestershire y casi desapareció de la música. Regresó a fines de 1980 con el poco anunciado Arc of a Diver, un esfuerzo mucho más fuerte en el que tocó todos los instrumentos él mismo. 

Modernizando el sonido de Winwood con más sintetizadores y percusión electrónica, Arc of a Diver fue un éxito de ventas de platino en los Estados Unidos, ayudado por el sencillo “While You See a Chance”; también recibió críticas muy positivas, la mayoría alabando la frescura del nuevo sonido contemporáneo de Winwood. 

El seguimiento extremadamente similar de 1982 Talking Back to the Night sonó apresurado para algunos críticos, y no fue un éxito tan grande, ya que ninguno de sus sencillos llegó al Top 40. Descontento con el récord, Winwood incluso consideró retirarse para convertirse en un productor, aunque su hermano lo convenció de que no lo hiciera. 

Tomando más tiempo para crear su próximo álbum, Winwood no regresó hasta 1986, con un álbum de pop sofisticado y hábilmente elaborado llamado Back in the High Life, que fue su primer álbum de los 80 que contó con músicos de sesión externos. 

Fue un gran éxito, vendiendo más de tres millones de copias y produciendo el primer sencillo número uno de Winwood en “Higher Love”, que también ganó un Grammy al Disco del Año. 

En 1987, Virgin le ofreció a Winwood una importante suma de dinero y lo sacó con éxito de Island; una versión remezclada de “Valerie” de Talking Back to the Night, incluida en la compilación de grandes éxitos de Island Chronicles, se convirtió en un Top Ten más tarde ese año. 

La buena racha de Winwood continuó con su primer álbum para Virgin, Roll with It de 1988. La canción principal se convirtió en su segundo número uno y su mayor éxito hasta ahora, 

Winwood ya había establecido una gran base de fans, en su mayoría adultos, pero ese apoyo comenzó a decaer con su siguiente álbum, Refugees of the Heart de 1990. Refugees repitió las elegantes actualizaciones del soul de su predecesor, pero según la mayoría de los críticos, simplemente no se interpretó con la misma pasión, a excepción del sencillo principal “One and Only Man” con su compañero de Traffic, Jim Capaldi. 

R resurgió en 1994 como parte de una reunión de Traffic con Capaldi. Juntos lanzaron el nuevo álbum Far from Home y recorrieron el mundo. 

Posteriormente, Winwood regresó a su carrera en solitario y pasó dos años trabajando en Junction Seven, que finalmente apareció en 1997 y fue coproducida por Narada Michael Walden. Sin embargo, su impulso se había estancado y el álbum, que recibió críticas mixtas, no se vendió bien. 

Al año siguiente, Winwood realizó una gira con su nuevo proyecto Latin Crossings, un grupo de jazz que también contó con Tito Puente y Arturo Sandoval, aunque nunca grabaron. Posteriormente se separó de Virgin. About Time apareció en 2003, seguido en 2008 por Nine Lives . 

Winwood se reunió con Eric Clapton para un trío de conciertos en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York en febrero de 2008. Lo más destacado de estos espectáculos fue lanzado como el álbum de 2009 Live from Madison Square Garden. 

Durante la siguiente década, Winwood tocó ocasionalmente en sesiones de estudio: aparece en el álbum de 2011 de Miranda Lambert Four the Record y en el LP de 2013 de Gov’t Mule, Shout! – al mismo tiempo que toca con bastante regularidad. 

En septiembre de 2017, lanzó Greatest Hits Live, su primer álbum en vivo en solitario. Imagino que seguirá pensando en grandes discos.  

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Can't find my way home, con Eric Clapton.  

Calogero Marrone. Funcionario público y Justo entre las Naciones.

Calogero Marrone nació en Favara, Sicilia, Italia, el 12 de mayo de 1889, y murió en el Campo de Concentración de Dachau, Múnich, Alemania, el 15 de febrero de 1945. Funcionario público y Justo entre las Naciones. 

El sitio www.scuolaememoria.it publicó este recordatorio. 

Calogero Marrone 

Durante décadas, Calogero Marrone fue uno de los "héroes olvidados" de la Resistencia italiana al nazismo, destacando por su labor en el rescate de judíos durante los años de persecución. 

Nacido en 1889 en Favara, Sicilia, fue uno de los primeros opositores al fascismo y estuvo encarcelado durante varios meses por negarse a unirse al partido de Mussolini. En 1931, se mudó a Varese con su esposa y sus cuatro hijos tras aprobar un concurso para trabajar como empleado municipal. Allí, pronto se convirtió en jefe del Registro Civil, cargo que aprovechó durante la ocupación nazi para expedir cientos de documentos falsos a judíos y opositores políticos. Gracias a estos documentos, los perseguidos pudieron cruzar la frontera hacia Suiza y salvarse. 

Al ser alertado de la traición de un informante, Marrone se negó a ponerse a salvo, también para evitar exponer a su familia al riesgo de represalias. Arrestado en enero de 1944, fue torturado, pero nunca reveló nada sobre la red de rescate a la que pertenecía. Deportado al campo de concentración de Dachau, murió en febrero de 1945, oficialmente tras contraer tifus. 

Durante años, la figura de Calogero Marrone permaneció prácticamente desconocida, pero un libro publicado en 2002 por los periodistas Franco Giannantoni e Ibio Paolucci, con el emblemático título de "Un héroe olvidado", hizo justicia a su memoria. En 2013, el Memorial del Holocausto Yad Vashem lo reconoció oficialmente como Justo entre las Naciones. 

BIBLIOGRAFÍA 

"Un héroe olvidado" - Franco Giannantoni, Ibio Paolucci - Ediciones Arterigere - 2002 

Josip Štolcer-Slavenski

Josip Štolcer-Slavenski nació en Čakovec, Croacia-Eslavonia, entonces imperio Austrohúngaro, el 11 de mayo de 1896, y murió en Belgrado, Yugoslavia, actual Serbia, el 30 de noviembre de 1955. Compositor y profesor. 

El sitio www.encyclopedia.com publicó este recordatorio firmado por Nicolás Slonimsky, Laura Kuhn y Dennis McIntire. 

Slavenski (nombre real, štolcer), Josip, destacado compositor y profesor croata; n. Šakovec, 11 de mayo de 1896; f. Belgrado, 30 de noviembre de 1955. Estudió con Kodály en Budapest y con Novák en Praga. Impartió clases en el Conservatorio de Zagreb (1923-1924), luego se estableció en Belgrado, donde enseñó en la Escuela de Música Stankoviš; posteriormente fue profesor (1937-1935) y catedrático (1945-1955) en la Academia de Música. Hacia 1930 adoptó el nombre de Slavenski, que utilizó exclusivamente en sus obras públicas. Músico de ideas vanguardistas, intentó combinar elementos melódicos y rítmicos eslavos con ingredientes modernos; experimentó con escalas no temperadas y diseñó una escala «natural» de 53 grados por octava. Su importancia solo fue plenamente reconocida en su país natal después de su muerte. 

Obras 

DRAMÁTICO: Música incidental; bandas sonoras de películas. ORQUESTA: Nocturno (1916; rev. 1920); Caos (1918–32); Prasimfonía (“protosinfonía”) para órgano, piano y orquesta (1919–26); Balcanofonia, suite (1927; Berlín, 25 de enero de 1929); Concierto para violín (1927); 2 suites (1929, 1935); Religiofonia (Simfonija orijenta) para voces solistas, coro y orquesta (1934); Música para cine (1936); Música para orquesta de cámara (1938); 4 danzas balcánicas (1938); Epopeya sinfónica (1944–46); Concierto para piano (1951; inacabado). MÚSICA DE CÁMARA: 4 cuartetos de cuerda (1923; Lyric, 1928; 1938; c. 1949, arr. de las 4 Danzas Balcánicas para Orquesta, 1938); Slavenska, sonata para violín (1924); Sonata religiosa para violín y órgano (1925); Quinteto de viento (1930); Trío para piano (1930); piezas para piano. MÚSICA VOCAL: Pesme moje majik (Canciones de mi madre) para contralto y cuarteto de cuerda (1944); piezas corales. 

—Nicolás Slonimsky/Laura Kuhn/Dennis McIntire 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Balcanofonía, suite sinfónica en siete movimientos Op. 10, en la versión de la Orquesta Filarmónica de la Radio de Hannover, dirigida por Moshe Atzmon.