Levon Helm

Mark Lavon Helm, más conocido como Levon Helm, nació en Elaine, Arkansas, Estados Unidos, el 26 de mayo de 1940, y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de abril de 2012. Cantante, actor y multi instrumentista. Tocaba batería, mandolina, guitarra y armónica.  

El sitio www.levonhelm.com publicó este recordatorio. 

“Cuando me preguntan de dónde viene el rock and roll”, dijo una vez Levon Helm, oriundo de Arkansas, “siempre pienso en nuestros espectáculos ambulantes del sur y en aquel salvaje Midnight Ramble. El paso de pato de Chuck Berry, los movimientos rockabilly de Elvis Presley, el baile de Little Richard al piano, las payasadas de Jerry Lee Lewis y el paso de camello de Ronnie Hawkins podrían haber salido directamente del escenario de FS Walcott”. 

El espectáculo Midnight Ramble de Woodstock evoca la infancia rural del hombre al que Rolling Stone llamó "el mejor baterista del rock and roll" durante su etapa con los pioneros de la música americana, The Band. Levon Helm, nacido en 1940 en el delta de Arkansas, creció en la aldea de Turkey Scratch rodeado de la música de sus padres, la que escuchaba en la radio y la que vivió en persona: el influyente bluesman Sonny Boy Williamson, cuyo programa de radio King Biscuit Time se emitía a todo volumen en la cercana emisora KFFA de Helena; Bill Monroe and His Blue Grass Boys, con Flatt & Scruggs; y Elvis Presley a finales del 54. Levon fue testigo directo del nacimiento del rock and roll. 

También dejó una huella imborrable en Levon el espectáculo itinerante de carpas FS Walcott y su Midnight Ramble, exclusivo para adultos, que presentaba a "la Dama de la Sonrisa Millonaria" y a "un baterista zurdo fantástico", según recordó en sus memorias, This Wheel's on Fire. Levon, que tocaba la guitarra desde los 9 años, se dio cuenta de que "la batería parecía el mejor asiento de la casa". Para cuando Levon se graduó de la escuela secundaria, ya había actuado con su hermana en ferias del condado, concursos de talentos y salones agrícolas. Fue reclutado por su paisano de Arkansas y líder Ronnie Hawkins, quien se había hecho un nombre con sus dobles saltos mortales en el escenario y su ruidoso sonido que fusionaba R&B y rockabilly. De gira por el circuito de bares de carretera de Canadá, los Hawks también incluirían a los canadienses Rick Danko, Richard Manuel, Garth Hudson y Robbie Robertson. Tras separarse de Hawkins en 1965, esta hermandad de músicos virtuosos se autodenominaría Levon and the Hawks, y más tarde, acompañando a Bob Dylan después de que este se pasara a la música eléctrica, simplemente "The Band". 

Esto llevó a Levon a Woodstock, Nueva York, donde se enamoró del paisaje bucólico y el ambiente de pueblo pequeño. Dylan se había establecido allí. "Todos sentíamos que nos sentíamos como en casa", recordó Levon. "El pueblo nos acogió y nos trató como a sus hijos predilectos. Si alguien preguntaba: '¿Está la banda en el pueblo?', seguramente se referían a nosotros. De hecho, así fue como el pueblo nos dio nuestro nombre". 

Tras establecerse allí, el grupo grabó su álbum debut, Music From Big Pink, que recibió su nombre de la casa de campo donde grabaron las legendarias "Basement Tapes" con Dylan. Cuando The Band inició su primera gira posterior al álbum en el Winterland de San Francisco en 1969, el estimado crítico Ralph Gleason escribió: "Lo primero que pensé fue: ¡Esta es la banda de Levon!... Ahí estaba él, con su barba tupida, sus hombros balanceándose y su rostro mefistofélico pegado al micrófono a un lado mientras tocaba la batería... Un cantante extraordinario con una voz magnífica". Otro testigo presencial, el autor y periodista Chet Flippo, recordó: "Había una alegría colectiva, casi una epifanía, en la gente que me rodeaba mientras la música los envolvía". 

Esa alegría colectiva impulsaría el evento Midnight Ramble de Levon en Woodstock 35 años después. 

Tras diez álbumes juntos, creando un repertorio de música americana sin igual, el grupo se disolvió después de la interpretación de "Last Waltz" en Winterland en 1977. Levon siempre había mantenido una casa en Woodstock, donde construyó una casa rústica y un granero a principios de los 70, que incluían un estudio de grabación y un espacio para actuaciones. El primer artista en grabar un álbum en el Granero, en 1975, fue el influyente músico de blues Muddy Waters, que ganó un Grammy al año siguiente. Mientras tanto, Levon formó los RCO All-Stars, que incluían a miembros de Booker T. and the MGs y debutaron en Saturday Night Live. La fiesta para celebrar el álbum homónimo del grupo se celebró en el Granero, donde la hija de Levon, Amy Helm, de seis años, cantó en público por primera vez. 

Tras un LP en solitario de Levon grabado en Muscle Shoals, la banda se reunió en 1983, sin Robertson, y realizó giras y grabó tres álbumes durante los siguientes 15 años. Durante ese tiempo, Levon actuó en películas como Coal Miner's Daughter y The Right Stuff, y colaboró en álbumes como All the Kings Men, grabando un tema con Keith Richards y los compañeros de banda de Elvis, el guitarrista Scotty Moore y el baterista DJ Fontana, en The Barn. 

Pero la década de 1990 trajo consigo un período muy difícil de mi vida, dijo Levon. Después de que un incendio arrasara más del 80% de su casa en 1991, pensó que jamás volvería a escuchar el sonido del estudio Barn. Sin embargo, tras una reconstrucción magistral, regresó a su hogar y el estudio sonaba mejor que nunca. 

En 1996, a Levon le diagnosticaron cáncer de garganta. «Lo mejor fue poder luchar», recordó Levon sobre aquella época tan angustiosa. «Mi aprecio por el simple hecho de estar vivo se convirtió en algo muy valioso. En las calurosas noches de verano, me adentraba en una arboleda oscura de pinos perennes cerca del arroyo que pasaba detrás de mi casa, y simplemente respiraba el aire de los pinos y el aroma de la cicuta, intentando eliminar de mi organismo los residuos de cincuenta años de fumar… Me lavaba la cara con el agua fresca y oscura del arroyo… y trataba de usar los aromas y el aire curativo del bosque para ayudar a mi cuerpo y a mi espíritu a recuperarse. Finalmente, entre el bosque y mis oraciones… y los largos viajes a la clínica de radioterapia [en Nueva York con mi hija Amy], empecé a mejorar». La cirugía y 28 sesiones de radioterapia mantuvieron a Levon con vida, pero dejaron su característico tenor convertido en un susurro ronco. 

Milagrosamente, mientras seguía tocando la mandolina y la batería con su Barn Burners Blues Band, con Amy como vocalista principal y Little Sammy Davis en la armónica, la voz de Levon fue regresando gradualmente. Y en 2004, abrió su querido granero para celebrar sus propios Midnight Rambles. Reunió cuidadosamente a la banda residente de Midnight Ramble, compuesta por Amy, Little Sammy Davis, el multiinstrumentista Larry Campbell, la vocalista Teresa Williams, el guitarrista Jimmy Vivino, los bajistas Mike Merritt y Byron Isaacs, el tecladista Brian Mitchell, el baterista Tony Leone y una impresionante sección de metales formada por Erik Lawrence, Steven Bernstein, Jay Collins, Clark Gayton y Howard Johnson. El primer Ramble contó con la participación del legendario pianista Johnnie Johnson, pionero del rock and roll junto a Chuck Berry. 

 “Cada vez que empieza un concierto y estoy en el escenario, me maravillo del talento musical que me rodea”, dijo Amy en 2009. “Cada integrante de este grupo toca con una maestría y una pasión increíbles. El Ramble se ha convertido en una comunidad, un lugar donde la gente se reúne canta, ríe y comparte historias”. Los asistentes traían platos para compartir y charlaban con Levon, junto a la máquina de palomitas, antes de subir al escenario. Pronto, la fama del Ramble se extendió mucho más allá de las montañas Catskill. 

Los amigos y compañeros músicos de Levon acudieron en masa al Barn para unirse a la diversión del Midnight Ramble, asombrando a los fans que jamás imaginaron que verían a Levon y a amigos como Elvis Costello, Emmylou Harris, Allen Toussaint, Hubert Sumlin, Pinetop Perkins, Norah Jones y Dr. John tan de cerca. «Un Ramble es una reunión, un intercambio íntimo de espíritu comunitario y buena voluntad», escribió Larry Campbell en el prefacio del libro del fotógrafo Paul Laraia, The Levon Helm Midnight Ramble. «Todos los que entren, músicos y público por igual, se irán sintiéndose mejor que cuando entraron. Son unas horas para olvidar los problemas y dejar que la música rejuvenezca el alma; música estadounidense auténtica, honesta y atemporal, hecha simplemente por el puro placer que proporciona». 

Animado por tal camaradería y excelencia musical, Levon regresó a su estudio Barn para grabar Dirt Farmer en 2007. Su primer álbum en solitario en 25 años incluía canciones que su padre, Diamond Helm, le había enseñado de niño. Ganó el primero de tres premios Grammy consecutivos para Levon; el segundo fue Electric Dirt en 2009, y el tercero Ramble at the Ryman en 2011, que documentaba la gira Ramble. A lo largo de los años, Levon también contribuyó a la comunidad de Woodstock, ofreciendo conciertos benéficos para recaudar fondos para la música en las escuelas locales y otras causas importantes. La economía local floreció cuando Woodstock volvió a ser un destino para los amantes de la música de todo el mundo. 

Perdimos a Levon en abril de 2012, pero su espíritu permanece en los alegres paseos nocturnos que se celebran en su precioso granero con vigas de cicuta. Pocos días antes de su fallecimiento, instó a sus seres queridos a que siguieran adelante, a que continuaran con la tradición, manteniendo viva la música en el granero. Y así lo han hecho. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Weight.  

Stefania Wilczyńska. Educadora.

Stefania Wilczyńska nació en Varsovia, Polonia, el 26 de mayo de 1886, y murió en el Campo de Concentración y Exterminio de Treblinka, Polonia, el 6 de agosto de 1942. Educadora. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Stefania Wilczyńska (Stefa) 

Stefania nació en Varsovia en 1886, en el seno de una familia burguesa asimilada. Realizó un curso para ser maestra de jardín de infancia y estudió ciencias naturales en la Universidad de Lieja, en Bélgica, ya que siempre se sintió atraída por el ámbito de la educación. Tras finalizar sus estudios, trabajó como voluntaria en el orfanato judío que se había inaugurado en la calle Franciszka 2, y poco después, a la temprana edad de 26 años, se convirtió en la directora del centro. Stefania creía en el sistema educativo Maria Montessori como un proceso natural impulsado por la curiosidad. 

Cuando Korczak fue nombrado director del nuevo orfanato en la calle Krochmalna, designó a Stefa como su asistente y encargada del hogar. 

En el orfanato, Korczak y Stefa se complementaban a la perfección. En los testimonios de sus alumnos se puede leer que Korczak era la intelectual y filósofa, y Stefa la mujer de acción. Demostraba devoción y preocupación por los niños, a la vez que era estricta y exigente. Para ella era fundamental que se sintieran como en casa. 

Stefa visitó Palestina tres veces entre 1931 y 1938. Se alojó en el kibutz Ein Harod. Tras la ocupación nazi de Polonia, los habitantes de Ein Harod consiguieron los documentos necesarios para que Stefania pudiera abandonar el país, pero ella se negó y se trasladó con Korczak y los niños al gueto. Allí, Stefa se dedicó especialmente a cuidar a los niños enfermos, acondicionándoles una habitación especial y permaneciendo horas a su lado, brindándoles consuelo. El 5 de agosto de 1942, marchó con Korczak, los niños del orfanato y el resto del personal hasta el punto de deportación, desde donde fueron trasladados a Treblinka y asesinados. Como había hecho a lo largo de su vida, también en esta ocasión, Stefa se entregó por completo a los demás, con un sacrificio incesante. 

Las hermanas Podgórska. Justas entre las Naciones

  

Las hermanas Podgórska. Justas entre las Naciones 

El sitio www.aurora-israel.co.il publicó este artículo firmado por el Dr. Israel Jamitovsky. 

Las hermanas Podgórska, heroínas con mayúscula 

4 de noviembre de 2025 / Dr. Israel Jamitovsky 

Prestigiosos historiadores señalaron en más de una oportunidad que segmentos de la población polaca colaboraron activamente con los nazis en la persecución de judíos en su espacio; otros fueron totalmente indiferentes. En cambio, hubo en esta área, una pequeña y digna minoría de Justos entre las Naciones (7.318 acorde al Instituto Yad Vashem). Cabe recordar que al comienzo de la Segunda Guerra Mundial residían en Polonia 3.300.000 judíos y solo sobrevivieron 380.000. 

En este contexto cabe, por cierto, invocar esta memorable historia. Las hermanas Stefania Podgórska, nacida en 1925, y Helena Podgórska, nacida en 1935, provenían de una familia campesina y católica que residía en la ciudad de Przemyśl, sita en el sureste de Polonia. Previo al estallido de la Segunda Guerra Mundial, Stefania trabajaba en un establecimiento alimenticio perteneciente a la familia judía Diamant. 

Su padre había fallecido en 1938 luego de una grave enfermedad. Una vez que los nazis conquistaron Polonia, la madre y el hermano de las antedichas hermanas fueron trasladados a Alemania para efectuar trabajos forzosos, en tanto que Diamant y su familia fueron compelidos a ingresar en un gueto. Por ello, las dos hermanas residían en un apartamento arrendado, sito en la propia ciudad de Przemyśl. 

En 1942, se hizo público que los nazis se proponían liquidar el gueto judío de Przemyśl. En el interín, el hijo del empleador de Stefania previo a la guerra, Max Diamant, compareció en la finca de las hermanas Podgórska solicitando ocultarse en este espacio. Había escapado con su hermano y primo del tren que los conducía al campo de exterminio de Belzec. 

Aunque temerosas, aceptaron que Max se ocultara en el ático de la finca en que residían. Este fue solo el principio. El propio Max solicitó otro tanto para su hermano menor y cuñada y, posteriormente, se incorporaron otros judíos, trece en total. Ante ello y sin amilanarse, Stefania alquiló una finca compuesta por dos habitaciones, una cocina y un ático en la calle Tatarska de la ciudad de Przemyśl. En este contexto, Max Diamant construyó una pared en el ático con tablones adquiridos por Stefania, de tal suerte que así se aseguraba una habitación en cuyo espacio todos podían dormir. 

Transcurrió el tiempo y las dos hermanas se quedaron sin recurso alguno, pero echaron mano a su imaginación. Stefania comenzó a tejer suéteres y a recibir solicitudes de amigos y conocidos, y solía trocarlos por comida y, de ser necesario, la adquiría en el mercado negro. 

La coyuntura comenzó a agravarse. Un vecino de la finca era un oficial de la SS. A comienzos de 1944, Stefania y Helena fueron notificadas por un oficial nazi que debían abandonar la finca en que residían en un plazo de dos horas. Los prófugos judíos les solicitaron a las hermanas Podgórska que evacuaran el inmueble y no arriesgaran sus vidas. 

Pese a ello, las hermanas decidieron no abandonar este espacio y dejar los judíos librados a su suerte. Durante ocho meses, las hermanas Podgórska residieron en el ático de la finca junto a los trece judíos que ya ocupaban este espacio, en tanto que las enfermeras alemanas y sus novios se asentaron en la parte confortable del inmueble. 

Posteriormente, las enfermeras alemanas evacuaron este espacio siguiendo los pasos del ejército alemán. El 27 de julio de 1944, el ejército soviético liberó a la ciudad de Przemyśl. Los trece judíos que habían sido ocultados durante dos años y medio, aunque extenuados, se habían finalmente salvado en mérito al heroico y riesgoso despliegue de las hermanas Podgórska. Los riesgos que asumieron fueron enormes; recuérdese el número de polacos que fueron colgados por los nazis al extender su ayuda a los judíos. En la foto que se adjunta a estas reflexiones y tomada años más tarde, aparece Stefania sentada con algunos judíos que salvó junto a su hermana. 

Ecos y reconocimientos 

Después de la guerra, en 1961, Stefania se afincó en Estados Unidos, contrajo enlace y tuvo una hija y un hijo. En cambio, su hermana Helena permaneció en Polonia, se casó, se recibió de médica y ejerció su profesión en Wroclaw. 

Como era de esperar, en el año 1979, ambas hermanas fueron honradas por el Instituto Yad Vashem de Jerusalén con el título de Justas entre las Naciones. Fueron igualmente homenajeadas por organizaciones judías y polacas de América del Norte. Stefania falleció el 29 de septiembre de 2018 en Los Ángeles, California, a la edad de 97 años. 

En 1966, se filmó la película para la televisión rotulada Hidden in Silence (Escondidas en el Silencio), elaborada por Richard A. Colla según guion de Stephanie Liss con Kellie Martin como Stefania y Gemma Coughlan en tanto Helena. 

Debe señalarse igualmente la novela histórica La luz en los espacios oscuros. La talentosa y joven escritora norteamericana Sharon Cameron fue su autora, basada en la historia de ambas hermanas, editada en el año 2020 y que fuera traducida al hebreo por la editorial Yediot Sfarim en 2022. El volumen tuvo un resonante éxito. Mi señora está leyendo el libro y me dijo que es fuera de serie; en mérito a ella es que vierto estas reflexiones. 

Una última reflexión. Este maravilloso relato se acopla a tantas historias de distinto género e índole que he vertido desde esta columna y que no dejan de sorprenderme y conmoverme. ¿Cómo entender que, después de tanto tiempo en que se registraron los acontecimientos, tomemos conocimiento de los mismos, recién ahora o después de muchos años de acaecidos? Dejo la respuesta librada a la opinión de los estimados lectores y lectoras. 

Klaus Meine

Klaus Meine nació en Hannover, Alemania, el 25 de mayo de 1948. Cantante, guitarrista y compositor. 

El sitio www.elperiodico.com publicó este artículo firmado por Juanjo Talavante. 

Klaus Meine, el cantante de Scorpions al que hace 40 años los médicos le dijeron que no volvería a cantar y sigue en activo 

A punto estuvo de dejarlo todo por un problema de nódulos en las cuerdas vocales. Después de varias consultas e intervenciones, una visita providencial a un médico especializado en tratar a cantantes de ópera dio nuevos bríos a su garganta y le permitió seguir actuando, ahora mismo, en EE.UU. 

Juanjo Talavante 

Madrid 09 OCT 2022 6:50 

“Mira, Klaus, a tu voz le pasa algo. Me duele cuando te oigo cantar”. El diagnóstico de Dieter Dierks, el productor de Scorpions, no era médico, pero sus palabras resultaban demoledoras para el pequeño vocalista del grupo de rock alemán. Dierks era el hombre de confianza de la banda y una pieza importante de su éxito en Estados Unidos que con tanto ahínco habían perseguido durante años. No era fácil para un grupo alemán granjearse el favor y la admiración en un mercado eminentemente anglosajón, que contemplaba con escepticismo y desconfianza a una banda teutona. El último trabajo discográfico de los escorpiones, Animal Magnetism (1980), les había procurado notoriedad en el mercado americano y ahora el grupo había decidido trasladarse a un estudio discográfico en Francia para grabar su nuevo disco. Pero allí, Klaus Meine, el pequeño vocalista de Hannover, se las veía y se las deseaba para alcanzar sus habituales agudos. La suya era una voz poderosa, muy característica, marcada aún por un acento alemán que en el mercado británico contemplaban con algo de recelo. Pero tanto su timbre como su capacidad para llegar a notas altas lo encaramaban como uno de los más prometedores vocalistas del género. 

Sin embargo, en el estudio, en aquellos días de 1981, algo le pasaba. Empezó a sentirse incómodo, sus cuerdas vocales no respondían a la exigente demanda de sus nuevas composiciones y un día se quedó literalmente sin voz. Las luces de alarma se encendieron en una banda aún joven que se encontraba en el umbral del éxito mundial, y ese álbum en el que trabajaban era la clave para sumarse finalmente a las grandes bandas de rock duro del planeta. 

Meine voló de regresó a Alemania y acudió a la consulta de un médico. Esta vez el diagnóstico sí era profesional y resultó desolador: “¿Cantante? Cambie de profesión”. El ánimo del vocalista germano se precipitó al vacío y empezó a sospechar que no podría volver a cantar. En aquellos días apenas podía hablar. Regresó al lado de sus compañeros de formación desolado, tratando de hacerse a la idea de que no cabía otra alternativa que no fuera dejar su pasión, la música. Ellos trataron de animarlo y lo convencieron para que buscara una segunda opinión médica. El vocalista de Scorpions tenía nódulos en la garganta. Le ofrecieron pasar por el quirófano y así lo hizo. Después de unas semanas, recuperó el ánimo, la voz y volvió a la carga. 

Su compañero Rudolf Schenker, el guitarrista que había fundado Scorpions en 1965, le dijo que se negaba en rotundo a aceptar esa derrota, que debía seguir luchando y que el grupo esperaría 

Pero fue un simple espejismo, porque no tardó en volver a ser consciente de que sus cuerdas vocales no estaban en condiciones. Volvió a sufrir una segunda intervención quirúrgica, pero el problema persistía. Entonces, Klaus Meine se vino abajo. Se dirigió al grupo desolado, deprimido, para comunicarles que lo dejaba, que debían buscar otro cantante. Y en ese instante su compañero Rudolf Schenker, el guitarrista que había fundado Scorpions en 1965, le dijo que se negaba en rotundo a aceptar esa derrota, que debía seguir luchando y que el grupo esperaría lo que hiciese falta. En paralelo, la banda llamó al cantante de Dokken, Don Dokken, para poder avanzar en el estudio. Pero la intención de Schenker era clara: “Te esperaremos, Klaus, no arrojes la toalla”. 

UN MÉDICO VIENÉS 

Entonces, alguien le recomendó a Meine un especialista austriaco que tenía su consulta junto a la ópera de Viena y trataba a los mejores cantantes líricos del mundo. El cantante de Hannover hizo de tripas corazón, y acudió a Austria a la consulta del doctor Kursten. Allí, en las paredes de la sala de espera colgaban retratos de famosos cantantes de ópera. Por ese mismo lugar habían pasado Luciano Pavarotti, Alfredo Kraus, Plácido Domingo o Montserrat Caballé, entre otros. Y años más tarde, lo haría José Carreras, después de su enfermedad. 

Kursten trabajó con el cantante de Scorpions con nuevas metodologías clínicas y le ofreció una segunda oportunidad. Las descargas de electrodos en las cuerdas vocales, junto con otras técnicas, surtieron efecto, y, además, el foniatra vienés le recomendó a una antigua cantante de ópera para que completase su recuperación. Tras largas sesiones de esfuerzo, Klaus fue recuperando su voz y reeducándola. Aprendió una lección vital y profesional y desde entonces se esmeró en cuidar sus cuerdas vocales. A partir de aquel grave trance procuraría ejercitar su voz, tratar su garganta con mayor esmero y calentar metódicamente antes de cada ensayo o actuación. 

Meine era consciente de que, en sus primeros años de carrera, antes incluso de sumarse a Scorpions, en los tiempos en que comenzó su andadura en el mundo de la música en The Mushrooms, a mediados de los 60, o después en The Copernicus, con Michael Schenker (hermano de Rudolf), había maltratado sus cuerdas vocales rasgando su voz para realizar versiones de cantantes como Elvis Presley o Little Richard, que habían marcado su gusto musical. Eran conciertos de noventa minutos sin descanso, noche tras noche, forzando su garganta, maltratándola entonces de forma inconsciente. 

Tras las sesiones médicas, su voz había ganado muchas cualidades. Ahora resultaba más cristalina, y su rango vocal seguía siendo envidiable 

A pesar de aquello, finalmente su carrera profesional seguiría adelante. Tras las sesiones médicas, las clases y unos meses de reposo, Klaus Meine estaba listo para abordar un reto mayúsculo: la grabación de Blackout, el disco que Scorpions acabaría lanzando en marzo de 1982, hace ya 40 años. Su voz había ganado muchas cualidades. Ahora resultaba más cristalina, y su rango vocal seguía siendo envidiable. Escuchando los temas de ese disco nadie podría creer que su intérprete vocal acababa de pasar por dos operaciones y un auténtico calvario. El disco supuso el éxito definitivo de los alemanes en el panorama internacional. Y Klaus brillaba en temas exigentes como No One Like You, Blackout, Dynamite o el asombroso y vertiginoso Now. 

Después llegarían nuevas grabaciones, cientos de conciertos en giras alrededor de todo el planeta y éxitos como Rock You Like an Hurricane o Still Loving You, este último todo un clásico en el género de las baladas que tan copiosa y brillantemente ha cultivado la banda de Hannover. Fueron precisamente las baladas las que extendieron su mercado a una audiencia menos dada al sonido duro o metalero. El propio Klaus compuso la célebre Wind of Change tras una estancia en Moscú en los años previos a la caída del Muro. Scorpions fue uno de los primeros grupos occidentales en actuar en la URSS. Un paseo por aquel Moscú de finales de los ochenta le inspiró a Meine el que acabó convertido con los años en himno pacifista, aunque la invasión rusa de Ucrania ha llevado a los rockeros alemanes a cambiar la letra original como muestra de desaprobación de la política Putin. 

HASTA HOY 

Ya ha llovido desde 1981, cuando la carrera del cantante de Scorpions parecía haber llegado a su final. El apoyo incondicional de su amigo Rudolf Schenker, con el que ha participado en todas las grabaciones de la banda, desde la primera, Lonesone Crow (1972), y la persistencia en seguir siendo lo que quiso ser de niño, cuando aupado a un taburete por sus padres interpretaba el Ave María y se ganaba unas monedas, le han permitido llegar hasta hoy en activo tras varias décadas de frenéticas giras y una discografía que no para de crecer. 

El pasado febrero Scorpions puso en el mercado su último trabajo, Rock Believer (2022). Ningún otro título podría definir mejor su trayectoria y su filosofía vital. Tras haber superado ampliamente los 50 años de carrera musical los Scorpions se encuentran estos días de gira por EEUU. Cada noche, Klaus Meine sale al escenario con su escaso metro sesenta y su característica boina negra, que corona unos ojos claros, una nariz respingona y una sonrisa sempiterna que dirige a los fans que siguen siendo fieles a los aguijonazos de la banda alemana de rock más exitosa de la historia. 

En la contraportada del vinilo de aquel Blackout que devolvió a Meine a la senda del rock, en el apartado de agradecimientos figuraba el nombre de Doc ‘Vibrator’ Kursten, el médico que logró que el cantante de 74 años siga siendo hoy no solo un creyente del rock, sino también un practicante incombustible. Y en Viena, en el número 4 de Opernring, junto a la ópera, el doctor Reinhard Kursten continúa la tradición de su padre y mantiene abierta una consulta en la que junto a las fotos de los grandes cantantes de ópera figura el retrato de Klaus Meine, el cantante que se negó a callar. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Still Loving You.   

Shalom – Conceptos clave del judaísmo

Shalom – Conceptos clave del judaísmo  

Coordinado desde una pluralidad de voces y con la participación de la FCJE, hoy les presentamos el libro Conceptos clave del judaísmo, una obra colectiva coordinada por Alfredo Hidalgo Lavié, que propone una aproximación rigurosa y divulgativa a los fundamentos del pensamiento y la tradición. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/conceptos-clave-del-judaismo/17083361/

Prínce Buster

Cecil Bustamente Cambell, más conocido como Prince Buster, nació en Kingston, Jamaica, el 24 de mayo de 1938, y murió en Miami, Estados Unidos, el 8 de septiembre de 2016. Cantante, compositor y productor musical. 

El sitio www.theguardian.com publicó este recordatorio firmado por Peter Mason.   

Obituario de Prínce Buster 

Músico jamaicano que ayudó a ser pionero en la música ska en los años 60 y que sirvió de inspiración para una generación posterior de músicos británicos, entre ellos Madness. 

Jueves 8 de septiembre de 2016 19.41 BST 

Fue su habilidad boxística, tanto como su talento musical, lo que ayudó a Prince Buster a convertirse en una figura clave en el nacimiento del ska jamaicano. A mediados de la década de 1950, Buster, fallecido a los 78 años, cantó en varias bandas pequeñas en la capital de la isla, Kingston. Pero también tuvo una prometedora carrera como boxeador callejero, y fue su reputación como líder de pandilla ingenioso y asertivo lo que le hizo llamar la atención del legendario Clement “Coxsone” Dodd, operador del famoso sistema de sonido Downbeat, que recorría el país reproduciendo los últimos discos dance de Estados Unidos. 

Coxsone contrató a Buster como guardia de seguridad y ayudante personal, y el joven aprovechó la experiencia para aprender todo lo que pudo sobre el incipiente negocio de la música jamaiquina. 

Afortunadamente, había nacido —como Cecil Campbell, hijo de un ferroviario— en Orange Street, la céntrica calle comercial de Kingston que se convertiría en el corazón de la escena musical de la isla. Conocido como Buster en su juventud, unida a las pandillas, por su segundo nombre, Bustamante (en honor al líder del Partido Laborista jamaicano, Sir Alexander Bustamante), más tarde adoptó el apodo de Prince por sus hazañas boxísticas. Poseía un don natural para los negocios, además de talento musical y sentido de la calle. Dejó Dodd a finales de la década de 1950 para abrir una tienda de discos, Buster's Record Shack, y posteriormente su propio sistema de sonido, Voice of the People. 

Si bien ambas aventuras tuvieron éxito, fue su siguiente paso —el estudio de grabación— el que realmente dejó huella. En 1960, se embarcó en un par de sesiones maratónicas de grabación con varios artistas en los estudios de la emisora de radio local RJR, que desviarían el eje musical de la isla de la omnipresente influencia estadounidense. Entre esas primeras grabaciones se encontraba una canción de los Folkes Brothers producida por Buster, Oh Carolina, que se convirtió en un éxito instantáneo en Jamaica. En una jugada típicamente audaz e inaudita que caracterizaría la innovadora carrera de Buster, utilizó al percusionista rastafari Count Ossie para la pista de acompañamiento. Pero lo más importante es que también le pidió al guitarrista, Jah Jerry, que enfatizara el afterbeat en lugar del downbeat. La misma síncopa radical se utilizó en muchos de los demás temas, incluyendo clásicos como Little Honey, Humpty Dumpty, They Got to Go y Thirty Pieces of Silver. Había nacido el ska. 

La mayoría de los sencillos de esas sesiones fueron éxitos en su país natal, y Buster nunca miró atrás. Durante ocho años, publicó cientos de producciones en diversos sellos, muchas de ellas narrando las actividades de los "chicos rudos" de una Jamaica cada vez más violenta y recién independizada. Se hizo rico, viviendo a lo grande, con trajes elegantes y coches de alta gama, aunque seguía siendo un defensor acérrimo de los desfavorecidos. 

A medida que el ska perdió ritmo a mediados de los años 60 y se convirtió en rocksteady (una transición que Buster contribuyó mucho a fomentar), encendió a Jamaica con una serie de discos que presentaban a su mítico personaje Judge Dread, un magistrado súper duro que repartía sentencias ridículamente largas a los rude boys recalcitrantes. 

Pero su influencia trascendió con creces Jamaica. Muchas de sus propias composiciones, así como las que produjo, se publicaron en el influyente sello Blue Beat del Reino Unido, donde el ska se convirtió en la música predilecta de muchos mods y skinheads. 

El primer éxito jamaicano en solitario en el top 20 británico fue "My Boy Lollipop" de Millie Small, en 1964. "Al Capone" de Buster, en 1967, fue el segundo: realizó giras por el país con regularidad, agotando las entradas, y en 1964 apareció en "Ready Steady Go". También fue en Gran Bretaña donde se convirtió al islam y cambió su nombre a Mohammed Yusef Ali tras un encuentro con el boxeador Muhammad Ali. 

A finales de los 60, Buster se adaptó a los nuevos tiempos y produjo discos para algunos de los nuevos DJ jamaicanos, como Big Youth , y continuó trabajando con artistas de renombre como Dennis Brown. Incluso se aventuró en la música dub temprana. 

Pero a principios de los 70, cuando el rocksteady se transformaba en roots reggae, la influencia y el interés de Buster comenzaron a decaer, en parte porque, como musulmán, le resultaba difícil adaptarse a la corriente de influencia rasta. Se mudó a Miami para dedicarse a diversos negocios, incluyendo la gestión de una empresa de jukebox que había fundado. 

Sin embargo, su influencia resurgió a finales de los 70, cuando su música fue la inspiración clave para el resurgimiento del ska en Gran Bretaña. En 1978, la banda londinense Morris and the Minors cambió su nombre a Madness en honor al clásico de Buster, Madness is Gladness, y en 1979 su primer sencillo, The Prince, entró directamente en el top 20. Posteriormente, la banda alcanzó el número siete con una versión de la canción de Buster, One Step Beyond. 

Su héroe se resistió a un regreso entonces, pero reapareció en los escenarios a finales de los 80 y 90, y realizó una gira por Japón con las leyendas del ska, los Skatalites, como grupo de acompañamiento. Incluso volvió a grabar en 1992, y en 1998 volvió a entrar en las listas británicas por primera vez en 31 años con una nueva versión de una vieja canción, Whine and Grind. En esencia, sin embargo, su regreso fue discreto. 

En 2001, Buster recibió la Orden de Distinción en Jamaica por su contribución al desarrollo de la industria musical del país. Hacía tiempo que había recibido innumerables elogios de sus colegas, pero aun así fue un reconocimiento merecido para un hombre cuyo título autoproclamado como Rey del Ska nunca fue seriamente cuestionado. 

Le sobreviven su esposa, Mola Ali, y sus hijos. 

Prince Buster, músico, nacido el 24 de mayo de 1938; fallecido el 8 de septiembre de 2016 

Este artículo fue modificado el 12 de septiembre de 2016. "Al Capone" de Prince Buster fue un éxito en el Reino Unido en 1967 en lugar de 1965, y no fue el primer éxito en el top 20 británico de un artista jamaicano solista; ese fue "My Boy Lollipop" de Millie Small, en 1964. Un cambio adicional corrigió la fecha de lanzamiento del primer sencillo de "Madness" de 1978 a 1979. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Enjoy Yourself. 

Samuel del Campo. Diplomático y Justo entre las Naciones.

 

Samuel del Campo Candia nació en Linares, Chile, el 23 de mayo de 1882, y murió en Vernou-la-Celle-sur-Seine, Francia, el 1 de enero de 1972. Diplomático y Justo entre las Naciones. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Yad Vashem honró a Samuel del Campo con el título de Justo de las Naciones 

El 22 de octubre de 2017 se llevó a cabo una ceremonia en Yad Vashem en la que se confirió en forma póstuma el título de Justo de las Naciones a Samuel del Campo, de Chile. 

En 2012 se dirigió a la Embajada de Chile en Israel el Sr. Uly Kotzer, con un pasaporte chileno emitido el 14.1.1942 en Bucarest a nombre de su madre, Rosa Kiesler y de él mismo (por entonces su nombre era Ulrich Kiesler). Años más tarde encontró un segundo pasaporte a nombre de su padre, Abraham Kiesler. Gracias a esos documentos su familia se salvó de la deportación a Transnistria, un amplio territorio ucraniano ocupado por Rumania durante la II Guerra Mundial. El Sr. Kotzer quería expresar su agradecimiento a la República de Chile y a Samuel del Campo, el diplomático que había firmado los pasaportes. 

Las indagaciones realizadas en el Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile revelaron que había existido un funcionario llamado Samuel del Campo que actuó como ministro encargado de la legación de Chile en Bucarest en 1941-1943. Se encontró también un informe detallado de éste sobre sus actividades en Cernăuţi (en alemán Czernowitz, actualmente Chernivtsi, Ucrania), en defensa de ciudadanos polacos, sin distinción de religión. 

Desde 1940 Chile había asumido la representación de los intereses del gobierno de Polonia en el exilio ante Italia y Rumania. Por ello la representación chilena podía emitir pasaportes polacos a refugiados judíos de ese país en Rumania, o en su defecto otorgarles pasaportes chilenos o documentos de protección, para que pudieran evadir la deportación. Esto es lo que hizo del Campo en favor de la familia Kiesler y en otros muchos casos. 

En junio de 1942 se reanudaron las deportaciones desde Czernowitz a Transnistria y del Campo continuó interviniendo ante las autoridades rumanas en favor de "los judíos bajo la protección de Chile." De acuerdo a las actas de las discusiones del Consejo de Ministros de Rumania, Yad Vashem llegó a la conclusión que alrededor de 1.200 judíos recibieron pasaportes chilenos que los salvaron de las deportaciones. En la primavera de 1943 Chile cortó las relaciones diplomáticas con ese país. Desde entonces Suiza se hizo cargo de la representación de los intereses de Chile y del gobierno de Polonia en el exilio ante los gobiernos de Rumania, Bulgaria y Hungría. 

Los documentos que del Campo emitía no estaban de acuerdo con la política de su gobierno. Cuando los emisarios suizos pidieron al Ministerio de Relaciones exteriores chileno aclaraciones sobre el otorgamiento de pasaportes, se les contestó "que preferirían no otorgar nuevos pasaportes sin la aprobación" del citado ministerio.  

Del Campo fue nombrado Cónsul General de Chile en Zúrich, pero el nombramiento nunca se hizo efectivo. También su solicitud de ser enviado a trabajar en Turquía fue rechazada y del Campo no volvió a servir en el servicio diplomático de su país. Falleció en París en la década de los 1960. 

El 23 de noviembre de 2016 Yad Vashem reconoció a Samuel del Campo como Justo de las Naciones. 

Hasta el presente más de 26.500 individuos fueron reconocidos como Justos de las Naciones por Yad Vashem. 

Anne-Marie David

Anne-Marie David nació en Casablanca, Protectorado francés de Marruecos, en algunos sitios figura que nació en Arles, Francia, el 23 de mayo de 1952. Cantante. 

La página de Facebook ¡Mi Eurovisión!, de Chris Zafeiridis, publicó este artículo. 

Anne-Marie David (nacida el 23 de mayo de 1952 en Arlés, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia) es una cantante francesa. Ha representado a dos países diferentes en el Festival de Eurovisión. 

David nació y creció en Arlés. Comenzó su carrera musical a los 18 años en París, cuando se involucró en el teatro musical. En 1972, interpretó el papel de María Magdalena en la producción francesa de Jesucristo Superstar. Ese mismo año, presentó la canción "Un peu romantique" al comité de selección francés para el Festival de Eurovisión, que quedó entre las diez finalistas. 

En 1973, fue seleccionada para representar a Luxemburgo, ya que el Gran Ducado buscaba repetir su triunfo del año anterior en casa en el Festival de Eurovisión. Así, se unió a la larga lista de artistas no nativos que han representado al país en el concurso, entre los que también se encuentran France Gall y Vicky Leandros (ganadora de 1972). El concurso de 1973 se convirtió en una reñida competencia a tres bandas entre canciones que desde entonces se han consolidado como clásicos de Eurovisión: «Tu te reconnaîtras» de David, la canción española «Eres tú» y «Power to All Our Friends» del Reino Unido, interpretada por Cliff Richard. Finalmente, seis puntos separaron al tercer clasificado de David, asegurando el segundo triunfo consecutivo para Luxemburgo. 

Tras el concurso, comenzó una gira mundial. Vivió un tiempo en Turquía, grabó dos sencillos en turco y un álbum, y recibió varios premios en el país. Regresó a Eurovisión en el concurso de 1979 celebrado en Jerusalén, esta vez representando a su Francia natal[2] con la canción «Je suis l'enfant soleil». Una vez más, la competencia fue muy ajustada a tres bandas, con la canción israelí «Hallelujah» alzándose con la victoria en casa. Comenzó a hacer giras por Francia en la década de 1980. 

Entre 1982 y 1983, continuó su carrera musical en Noruega. En 1987, se retiró de la música, pero regresó en 2003. En 2005, cantó en el festival del 50 aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en Copenhague, donde interpretó «Après toi», la canción ganadora de Eurovisión de 1972. Asistió al programa musical en directo de la Radio Televisión Turca (TRT) antes de la transmisión en directo de la final de Eurovisión de 2009, junto a Johnny Logan (ganador de Eurovisión en 1980 y 1987). Según ESCRadio.com, en 2011, David lanzó una nueva versión renovada de su canción ganadora de 1973, titulada acertadamente "Tu Te Reconnaîtras (Encore Une Fois)".[cita requerida] Junto con la artista pop alemana Mave O'Rick, lanzó su sencillo de regreso "International" a finales de 2015, siendo recomendado por Song Contest Consulting como nominado para Austria, Alemania y San Marino para el Festival de Eurovisión 2016. [Fuente: Wikipedia]— me siento nostálgico(a) en Atenas, Grecia. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Tu Te Reconnaîtras.  

Al Corley

Alford Corley, más conocido como Al Corley, nació en Wichita, Kansas, Estados Unidos, el 22 de mayo de 1956. Cantante, actor y productor de cine.    

El sitio www.carringtondynasty.fandom.com publicó esta biografía.  

Al Corley nació el 22 de mayo de 1956 en Wichita, Kansas. Antes de convertirse en actor y cantante, trabajó como portero. 

El papel de Steven Carrington catapultó a la fama al joven actor, quien no temía interpretar a un hombre gay. Sin embargo, su paso por "Dinastía" no duró mucho. Corley, quien mantiene una estrecha relación con los Shapiro, no se arrepiente de haber abandonado la serie tras la segunda temporada. Sentía que el personaje no tenía futuro a menos que estuvieran dispuestos a explorar la homosexualidad. El personaje de Steven Carrington oscilaba entre hombres y mujeres, convirtiéndose en una especie de precursor de la filosofía de "No preguntes, no digas". Era algo que no soportaba. 

Tras dejar «Dinastía», grabó tres álbumes en Europa, donde conoció a su esposa. Ella trabajaba en un café de Hamburgo cuando Al estaba de gira, trabajando en una película. Lanzó un álbum, «Square Rooms». La canción se convirtió en uno de los grandes éxitos de los 80. También grabó a dúo «Thought I'd Ring You» con Shirley Bassey. 

Su breve carrera como actor prácticamente había desaparecido cuando sorprendió a los fans de "Dinastía" al reincorporarse al reparto en "The Reunion" (1991). En esta ocasión, Corley interpretó a Steve Carrington tal como siempre había deseado. Tras "Dinastía", Al Corley apareció muy pocas veces en televisión. 

Más recientemente, Al ha estado trabajando en el teatro, tras fundar su propia productora, Neverland Films Inc., con un socio en Nueva York. Es socio principal de Code Entertainment y dirigió su primera película, "Bigger Than the Sky" (2005), que reunió por primera vez en la pantalla a Sean Astin (El Señor de los Anillos) con su madre, Patty Duke (El milagro de Anne Sullivan). 

Al y Jessika tienen tres hijos: Sophie, Ruby y Clyde. Su hija mayor, Sophie, padece el síndrome de Wolff-Hirschhorn, que le causa graves discapacidades mentales y físicas. Al y su esposa participan activamente en la organización de eventos para recaudar fondos con el fin de mejorar la calidad de vida de su hija y de otras personas con discapacidad. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Square Rooms. 

Hilton Valentine

Crédito: Sandy Roe 

Hilton Stewart Paterson Valentine, más conocido como Hilton Valentine, nació en Northumberland, Reino Unido, el 21 de mayo de 1943 y murió en Connecticut, Estados Unidos, el 29 de enero de 2021. Guitarrista. 

La Página Musitrak de Facebook publicó este recordatorio.  

HILTON VALENTINE (1943 - 2021) 

El 21 de mayo de 1943 nació Hilton Stewart Paterson Valentine, fue un músico británico, guitarrista original de The Animals. Ingresó al mundo de la música tocando en grupos de música skiffle antes de ser invitado por Chas Chandler a sumarse al grupo Alan Price Combo en 1963. Eric Burdon y John Steel ingresaron inmediatamente después de la llegada de Valentine. En 1966 se retiró de la banda. Es muy recordado su intro de guitarra en la canción “The House of the Rising Sun” que ha inspirado a varios guitarristas actuales. En el año 1994 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto a sus compañeros de agrupación. Posteriormente se trasladó a California y grabó un fallido disco en solitario titulado “All In Your Head”. Regresa a Inglaterra y se reúne en ocasiones con sus antiguos compañeros de banda. En 2004 lanzó el álbum “It's Folk 'n' Skiffle, Mate!”. En sus últimos años, Valentine residió en Connecticut. Murió el 29 de enero de 2021, a la edad de 77 años. 

Información del programa Antología Musical del Ing. Porfirio Verastegui. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con River Tyne.  

Louis Smith

Louis Smith nació en Memphis, Tennessee, Estados Unidos, el 20 de mayo de 1931, y murió el 20 de agosto de 2016. Trompetista y profesor universitario.  

El sitio www.apoloybaco.com publicó este recordatorio. 

Louis Smith. 

Louis Smith (Memphis, 20 de mayo de 1931 – 20 de agosto de 2016), fue un talentoso trompetista que abandonó muy pronto la carrera musical para dedicarse a la docencia en la Universidad de Michigan. Tras una breve vuelta a la música en los años setenta, no fue hasta mediados de la década de 1990 cuando reanudó una carrera discográfica en serio, produciendo una serie de álbumes para el sello Steeplechase. 

Smith comenzó a tocar la trompeta cuando era adolescente. Se graduó de la escuela secundaria con una beca para la “Tennessee State University”, donde estudió música y se convirtió en miembro de la banda del colegio hasta el final de sus estudios. Ingresó en la Universidad de Michigan, donde estudió música con el profesor Clifford Lillya. En Michigan, tuvo la oportunidad de tocar con músicos que llegaban a la ciudad, incluidos Miles Davis y Dizzy Gillespie. Tras licenciarse del ejército en 1955, comenzó a enseñar en la escuela secundaria “Booker T. Washington” en Atlanta, Georgia. Mientras enseñaba música, Smith continuó tocando bop y hard bop en clubes locales, donde llegó a coincidir con algunos de los mejores jazzman americanos como: Cannonball Adderley, Kenny Dorham, Donald Byrd, Lou Donaldson, Zoot Sims y Philly Joe Jones, entre muchos otros. 

En 1956, hizo su debut discográfico como sideman en el álbum “Swingin’”, del guitarrista Kenny Burrell. Un año después, tuvo la oportunidad de dirigir su propia sesión de grabación para el efímero sello “Transition”, creado por Tom Wilson, con sede en Boston. Formó un quinteto con Cannonball Adderley (quien actuó bajo el seudónimo de Buckshot La Funke), el bajista Doug Watkins, el baterista Art Taylor y los pianistas Duke Jordan y Tommy Flanagan, quienes se alternaron en la fecha. La discográfica cerró antes de que la grabación viera la luz, pero por fortuna, el prestigioso sello “Blue Note”, adquirió los activos musicales del sello y decidieron ofrecerle un contrato de exclusividad a Louis Smith. El disco debut de Louis Smith con Blue Note, fue el excelente “Here Comes Louis Smith”. 

Durante 1958, el trompetista tocó en otras dos sesiones de estudio con Blue Note, de una de ellas salió el magnífico álbum “Blue Lights”, del guitarrista Kenny Burrell; la segunda sesión de grabación en la que participó Louis Smith, fue con el también trompetista Booker Little y su álbum de colaboración con Max Roach. Ahí se interrumpió la carrera discográfica de Louis Smith, que no volvió a pisar los estudios hasta veinte años después. 

Smith regresó a la Universidad de Michigan, y solo se dejó ver en dos grabaciones en 1978 y 1979 respectivamente antes de volver de nuevo a la enseñanza. Una década más tarde, Smith decidió seriamente volver a reanudar su carrera discográfica. Firmó en 1989 un contrato con el sello Steeplechase y grabó entre 1990 y 1997 seis discos antes de su retirada definitiva de los ambientes musicales. Ya jubilado de la enseñanza, un derrame cerebral en 2006, le condicionó lo que le quedaba de vida. Louis Smith falleció en agosto de 2016, y con él se fue un trompetista talentoso, desaprovechado por el jazz por sus continuos escarceos entre la docencia y la música. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con One for Nils, junto a su quinteto.  

Tine Strobos. Médica, psiquiatra y Justa entre las Naciones.

Tineke Buchter, más conocida como Tine Strobos, nació en Ámsterdam, Países Bajos, el 19 de mayo de 1920, y murió en Rye, Westchester, Nueva York, Estados Unidos, el 27 de febrero de 2012. Médica, psiquiatra y Justo entre las Naciones. 

El sitio www.collections.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Tine Strobos-Buchter, y su madre Maria Buchter-Schotte.  

Ya en los primeros días de la ocupación alemana, Tine (Tineke) Buchter (más tarde Strobos) y su madre Maria Buchter-Schotte, que vivían cerca del Palacio Real de Ámsterdam, se involucraron activamente en la Resistencia. Su primer acto fue esconder a un amigo de la familia, el famoso líder obrero socialista Henri Polak, en casa de la abuela de Tine. Tras unas semanas, Polak decidió que era seguro salir de su escondite. Tiempo después, Tine escondió a uno de los líderes de la Resistencia armada comunista, el Dr. Johannes Brouwer*. Durante unos meses, Tine trabajó como mensajera para el grupo de la Resistencia de Brouwer, pero la violencia le resultó incompatible con su carácter. Tine, que por aquel entonces estudiaba medicina, pronto pasó a trabajar para un grupo más pacífico, al que conoció a través de su asociación estudiantil. Se trataba de la LO, cuya principal preocupación era encontrar escondites tanto para judíos como para otras personas, y falsificar documentos de identidad. La madre de Tine, María, también participó en la Resistencia, y su propia casa se convirtió en un punto de tránsito para judíos fugitivos. Era demasiado peligroso mantener allí a los fugitivos durante largos periodos, ya que la casa se utilizaba para reuniones de la resistencia clandestina, clases universitarias ilegales de la facultad de medicina y como lugar donde hasta 40 personas escondidas en la zona se reunían clandestinamente para escuchar importantes emisiones de radio. Durante la guerra, Tine hizo todo lo posible por conseguir documentos de identidad para los judíos fugitivos, llegando incluso a robar documentos de los abrigos y bolsos de los invitados al funeral de su tía. Consideraba que las molestias que esto les causaba no eran nada comparadas con el peligro de deportación que corrían los judíos. Tine también viajó por todo el campo para visitar a las personas que había escondido, a veces acompañada por su madre. Durante el invierno de hambruna de 1944-1945, ambas salían a diario en bicicleta a buscar comida a los agricultores. En la casa de Tine y Maria, un carpintero construyó un desván secreto bajo el tejado, que impedía que los judíos allí escondidos fueran descubiertos durante los registros. Un espía en la sede de la Gestapo les avisaba cuando una redada era inminente, para que pudieran trasladar a todos los que se escondían en su casa a refugios más seguros. En total, la Gestapo visitó su casa ocho veces, y Tine fue arrestada tres veces y su madre dos. Durante los primeros años de la ocupación, Tine estuvo comprometida con Abraham (Bram) Pais, quien se convertiría en un destacado profesor de física teórica y fue el último judío en obtener su doctorado antes de que se prohibiera la entrada de judíos a las universidades holandesas. Su compromiso se rompió en 1943, pero siguieron siendo amigos íntimos, y fue Tine quien organizó la huida de Bram el 19 de marzo de 1943. Tine también logró esconder a los padres de Bram, Jesajah y Kaatje Pais-van Kleeff, en una granja, donde los visitaba con frecuencia. En 1944, Bram, junto con otros tres amigos, todos ellos miembros destacados de la organización sionista, vivían con Tine y su madre. Decidieron alquilar su propio apartamento para no sentirse como invitados. Estos amigos eran Lion Nordheim, su esposa Jeanne y la hermana de Jeanne, Tirtsah van Amerongen. En febrero de 1945, los cuatro fueron arrestados. Tine fue inmediatamente al apartamento y fue detenida. Fue liberada, pero no sin antes insistir en ver al oficial a cargo del caso de sus amigos. Logró liberar a Jeanne y Tirtsah, quienes tenían excelentes documentos que demostraban su condición de no judías. Gracias a sus contactos con personas influyentes, Tine consiguió una carta de Nils Bohr invitando a Bram a realizar estudios posdoctorales en Dinamarca. El oficial ordenó la liberación de Bram, a sabiendas de que era judío. Trágicamente, Tine no pudo liberar a Lion, quien fue fusilado el 15 de abril de 1945. Entre los casi 100 judíos salvados por Tine y su madre se encontraban el industrial Hans de Jong, el adolescente Loe Tukkie, Tamar Melkman, de tres años, y Louise (Schwartz) van Santen. El 28 de noviembre de 1989, Yad Vashem reconoció a Maria Buchter-Schotte y a su hija, Tine Strobos-Buchter, como Justas entre las Naciones. 

NAGRELA editores presenta: Un Oceano de Silencio / Jackie Bassat

 

Phil Rudd

Phillip Hugh Norman Witschke Rudzevecuis, más conocido como Phil Rudd, nació en Melbourne, Australia, el 19 de mayo de 1954. Baterista. 

El sitio www.acdc.fandom.com publicó su biografía.  

Phillip Hugh Norman Rudd (nacido como Phillip Hugh Norman Witschke Rudzevecuis; 19 de mayo de 1954) es un baterista australiano. Es conocido principalmente por ser miembro de la banda de rock AC/DC desde 1975 hasta 1983, y nuevamente desde 1994 hasta la actualidad. Tras la partida del bajista Mark Evans en 1977, se convirtió en el único miembro australiano de la banda. En 2003, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto con los demás miembros de AC/DC. Actualmente reside en Tauranga, Nueva Zelanda. 

Biografía 

Rudd tocó en varias bandas en Melbourne antes de unirse a Buster Brown con el futuro vocalista de Rose Tattoo, Angry Anderson. Lanzaron un álbum, Something To Say, en 1974, pero Rudd se fue por un breve período a Coloured Balls con Lobby Loyde. Durante 1974, su antiguo compañero de banda en Coloured Balls, Trevor Young, le habló de las audiciones de la sección rítmica de AC/DC. Le pidió al bajista de Buster Brown, Geordie Leach, que lo acompañara, pero Leach se negó. Rudd audicionó y fue contratado de inmediato. Se integró a la banda muy rápidamente y aportó su sólido estilo de batería con gran efecto en la serie de álbumes grabados de 1975 a 1983. La banda se mudó al Reino Unido en 1976 y siguió una intensa agenda de giras y grabaciones internacionales. 

Salida de CA/CC 

En 1980, el vocalista Bon Scott falleció. La banda se reagrupó con el vocalista Brian Johnson y grabó su álbum más exitoso, Back in Black. Rudd sufrió mucho la muerte de Scott, pero continuó con AC/DC hasta que dejó la banda durante la grabación del álbum Flick of the Switch en 1983. Había completado su contribución a este álbum, y aunque el baterista de sesión BJ Wilson fue contratado para ayudar a completar la grabación, sus partes de batería finalmente no se utilizaron. El futuro baterista de Dio, Simon Wright, reemplazó a Rudd y apareció en los videos que acompañaron a los sencillos lanzados del álbum. 

El despido de Rudd de la banda fue en parte resultado de sus propios problemas con las drogas y un conflicto con el guitarrista rítmico y fundador de la banda, Malcolm Young, que finalmente se tornó físico. Después de ser despedido de AC/DC, Rudd se retiró a Tauranga, Nueva Zelanda, donde compró una compañía de helicópteros. El público no se enteró de que Rudd había dejado la banda hasta la víspera de su gira norteamericana en 1983. En las últimas páginas de la edición de octubre de 1983 de la revista Circus se afirmaba: "Phil Rudd deja AC/DC... para pasar más tiempo con su familia y sus coches". ¿Hubo una pelea? Angus responde: "Somos un grupo ruidoso, pero no peleamos entre nosotros". Brian agregó: "No podrías encontrar una persona o un baterista más sólido que Phil Rudd". "Ninguno de nosotros tendría que trabajar si no quisiera... Phil eligió esa opción".  

Tras su mudanza, los fans de AC/DC comenzaron a recorrer en coche las calles donde Rudd había vivido anteriormente y a acercarse a la gente en un intento por localizarlo. 

Durante su tiempo alejado de AC/DC, Rudd comentó: «Corrí en coches, volé en helicóptero, me hice agricultor y cultivé algunos alimentos. Viví en Nueva Zelanda, lo cual fue genial; un lugar tranquilo y agradable donde nadie me molestaba». Rudd también siguió tocando la batería, «cuando quería, no cuando tenía que hacerlo», y construyó su propio estudio.  

Reconexión CA/CC 

Cuando AC/DC realizó una gira por Nueva Zelanda en 1991 durante el Razors Edge World Tour, la banda llamó a Rudd para ver si le gustaría " tocar " con ellos. Rudd decidió aceptar su oferta y finalmente fue recontratado. 

La banda le dio la bienvenida de nuevo tras la etapa de Chris Slade como baterista. No hubo resentimientos por la marcha de Slade. La banda elogió a Slade por su interpretación y habilidad técnica, pero sostuvo que un cierto sonido había faltado en la música de AC/DC desde el altercado de 1983. Desde entonces, ha participado en tres álbumes de estudio de AC/DC: Ballbreaker, Stiff Upper Lip y Black Ice, que fue el mayor éxito de la banda en las listas desde For Those About to Rock We Salute You en 1981. Phil y el resto de la banda iniciaron entonces su gira mundial Black Ice, que finalizó en junio de 2010 en Bilbao, España. 

Vida personal 

El 1 de diciembre de 2010, Rudd fue declarado culpable de posesión de 25 g de marihuana en su barco en Tauranga, Nueva Zelanda, pero posteriormente se anuló su condena por posesión de cannabis con el argumento de que le habría impedido continuar de gira con la banda de rock.  

El 30 de julio de 2011, se anunció que el baterista había comprado y abriría un restaurante en una marina de Tauranga, Nueva Zelanda, al que llamaría Phil's Place. Rudd planea vender mariscos y filetes de primera calidad.  

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Back In Black, y la Full Metal Orchestra, con Phil Rudd de AC/DC, en vivo en el Spark Arena 2025.   

Lucia Mannucci

Lucia Mannucci nació en Bolonia, Italia, el 18 de mayo de 1920, y murió en Milán, Italia, el 7 de marzo de 2012. Cantante y actriz. 

El sitio www.alchetron.com publicó este recordatorio. 

Lucia Mannucci (18 de mayo de 1920 – 6 de marzo de 2012) fue una cantante italiana, conocida principalmente por ser una de las integrantes de Quartetto Cetra, un cuarteto vocal italiano. 

Biografía 

Nacida en Bolonia, Emilia-Romaña, Italia, Mannucci se trasladó a Milán a temprana edad. Asistió a la escuela El Arte del Movimiento, dirigida por Carla Strauss. Superó con éxito una audición para EIAR, la emisora nacional italiana, y trabajó como cantante para diversas orquestas radiofónicas. Recorrió Italia durante algunos años, colaborando con artistas como Gorni Kramer, Natalino Otto y el Quartetto Cetra. 

El 19 de agosto de 1944 contrajo matrimonio con Virgilio Savona, uno de los cantantes del Quartetto Cetra. Tres años después, ella también se unió al cuarteto, reemplazando a Enrico De Angelis. 

Mannucci fue la única mujer integrante del Quartetto Cetra, pero también tuvo una exitosa carrera como solista. Además de su trabajo con el Quartetto Cetra, Mannucci desarrolló una carrera en solitario como cantante, actriz de musicales y presentadora de televisión. Junto a su esposo, también investigó la música folclórica. 

Mannucci falleció en marzo de 2012 en Milán, a los 91 años. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Le tue mani.  

Shalom – Descubriendo Shavuot

Shalom – Descubriendo Shavuot  

Shalom dedica este programa a Shavuot junto al rabino Moshé Bendahan. Un recorrido claro y cercano por el origen de la fiesta, la entrega de la Torá sus tradiciones actuales y su valor hoy: estudio, comunidad, identidad en el judaísmo contemporáneo. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/descubriendo-shavuot/17072420/  

Bill Bruford

William Scott Bruford, más conocido como Bill Bruford, nació en Sevenoaks, Kent, Reino Unido, el 17 de mayo de 1949. Baterista. 

El sitio www.billbruford.com publicó su biografía.  

Bill Bruford creció rodeado de jazz. Como baterista aficionado en la década de 1960, y tras recibir algunas lecciones de Lou Pocock de la Royal Philharmonic Orchestra, comenzó su carrera profesional en 1968. Fue una figura clave en el movimiento británico conocido como "Art Rock", realizando giras internacionales con Yes y King Crimson entre 1968 y 1974. 

A continuación, dedicó varios años a observar y participar en los procesos de creación musical de, entre otros, Gong, National Health, Genesis y UK, hasta que se sintió preparado para escribir e interpretar su propia música con su banda Bruford, grabando cuatro álbumes entre 1977 y 1980. 

Sin embargo, fue la reconstituida formación de King Crimson de 1980-84 la que le proporcionó el vehículo para su revolucionario uso de la electrónica en el desarrollo del lado melódico de la percusión. Tras un período intermedio de dos años y dos álbumes improvisando con piano acústico y batería junto a Patrick Moraz, Bruford formó su grupo de jazz electroacústico Earthworks en 1986, con Django Bates e Iain Ballamy, específicamente para continuar este trabajo melódico desde la batería, pero ahora en un contexto de jazz. 

Earthworks, el primer trabajo del grupo en 1987 fue nombrado el "tercer mejor álbum de jazz del año" por la revista estadounidense USA Today; luego vinieron Dig? (1989), All Heaven Broke Loose (1991) y el álbum en vivo del verano de 1994, Stamping Ground. 

King Crimson volvió a demostrar su maestría en la percusión al lanzar el dúo rítmico formado por Bruford y Pat Mastelotto en su formación de doble trío en 1994. A finales de 1994 y durante 1995, la banda realizó una gira mundial, ofreciendo 120 conciertos y grabando CDs de estudio y en directo que documentaban su innovador uso de dos bateristas. En 1996, King Crimson ofreció más conciertos y lanzó un CD-ROM que plasmaba el enfoque de Bruford, en una combinación de tres formatos: audio y datos MIDI/digitales, titulado Packet of 3. 

Entre todo esto, Bill también encontró tiempo para grabar y/o salir de gira con Kazumi Watanabe, David Torn, The New Percussion Group of Amsterdam, Jamaaladeen Tacuma, Akira Inoue, Al Di Meola, Anderson Bruford Wakeman y Howe, la Buddy Rich Orchestra, Tony Levin, Pete Lockett y su antigua banda Yes, entre otros. Continuó su labor como instructor activo con una serie de talleres en Europa y América en 1993, que culminaron con su aclamada presentación en la Convención Internacional de la Percussive Arts Society en Columbus, Ohio, en noviembre. En 1990, los lectores de la revista Modern Drummer lo eligieron para su Salón de la Fama. 

A finales de los 90, Bruford reafirmó su compromiso y su regreso al jazz, y en 1997 lanzó dos importantes trabajos. La recopilación de grandes éxitos de Earthworks, Heavenly Bodies, que incluía temas de sus cuatro álbumes y material inédito, se publicó en mayo a través de Virgin Records, Reino Unido. 

Posteriormente, a finales del verano, se publicó en septiembre un nuevo disco con material inédito junto a los titanes del jazz Ralph Towner (guitarras y piano) y Eddie Gomez (bajo), titulado If Summer had its Ghosts, a través del sello Discipline Records de King Crimson. 

El nuevo milenio vio el lanzamiento del álbum en vivo de Upper Extremities de Bruford Levin titulado BLUE Nights, y la incorporación del célebre guitarrista de jazz Larry Coryell a Earthworks para la temporada de festivales de jazz de verano del 2000. Tras una extensa gira de 22 fechas por el Reino Unido, Earthworks grabó su séptimo CD en noviembre, titulado “The Sound of Surprise”. En la primavera de 2002 se produjo el lanzamiento simultáneo de a) un doble CD en vivo desde Londres llamado “Footloose and Fancy Free” y b) un DVD completo desde Nueva York titulado “Footloose in NYC”, y la sustitución de Clahar por el polifacético Tim Garland, recién llegado del grupo de Chick Corea. El nuevo CD fue galardonado con las codiciadas “5 estrellas” de la revista Downbeat. 

En 2004, Bill fundó Summerfold Records y Winterfold Records para dar cabida a los distintos aspectos de su catálogo, que crecía rápidamente y ya contaba con unos 35 títulos. Entre sus colaboraciones recientes destacan las realizadas con The World Drummers Ensemble, Earthworks Underground Orchestra y el compositor Colin Riley. En 2006 se publicó el muy comentado DVD Rock Goes To College de su antiguo grupo "Bruford" y, en 2017, una caja recopilatoria de 8 discos de la banda titulada 'Bruford: Seems Like A Lifetime Ago 1977-1980', ambas editadas por Winterfold Records. 

Tras retirarse de los escenarios el 1 de enero de 2009, después de 41 años como músico, Bill publicó su autobiografía en marzo de ese mismo año. Animado por su éxito, comenzó a trabajar en un segundo volumen, esta vez basado en evidencia. Doctorado por la Universidad de Surrey, entrevistó y analizó las percepciones de un grupo de bateristas expertos en el ámbito de la creatividad y la interpretación musical. «Uncharted: Creativity and the Expert Drummer» se basó en estos hallazgos y se publicó en 2018. 

El año anterior se publicó la primera de una trilogía de cajas recopilatorias seleccionadas por Bill. «Seems Like a Lifetime Ago» se centró en la música de la banda Bruford de finales de los años 70. Ese mismo año, Bill ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro fundador de Yes. La segunda caja recopilatoria, «Bill Bruford – Making A Song and Dance: A Complete-Career Collection», se publicó en abril de 2022 a través de BMG Records. Esta monumental colección de 6 CD con 70 temas abarca toda la trayectoria discográfica de Bill. 

Por el contrario, la tercera y última caja recopilatoria se nutre exclusivamente del catálogo de grabaciones de Bill, de su propiedad exclusiva, publicadas por sus dos sellos discográficos, Summerfold y Winterfold Records. El set de 3 CD «The Best of Bill Bruford: The Winterfold and Summerfold Years» fue lanzado por Summerfold Records en octubre de 2024. Tras 13 años alejado de la batería, Bill regresó a los escenarios con el Pete Roth Trio en 2023. El Dr. Bruford tiene tres hijos adultos y cinco nietos. Sigue viviendo con Carolyn en Surrey Hills, Reino Unido. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Full Circle. Pete Roth Trio con Bill Bruford.