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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Lawrence Cecil Adler, más conocido como Larry Adler, nació en Baltimore, Estados Unidos, 10 de febrero de 1914, y murió en Londres, Reino Unido, el 6 de agosto de 2001. Compositor, armonicista y actor.
Ecos armónicos: explorando el impacto musical de Larry Adler
Publicado el 18 de mayo de 2011 por ahcadmin
Lawrence Cecil “Larry” Adler nació en Baltimore el 10 de febrero de 1914, hijo de Louis y Sadie.
Armonicista autodidacta, obtuvo reconocimiento mundial como el músico que llevó el instrumento al escenario de la "música seria".
Comenzó a tocar temprano y ganó el Campeonato de Armónica de Maryland a la edad de 13 años. Después de asistir al Baltimore City College (1926-1928), su carrera musical comenzó en 1928 en Nueva York cuando Rudy Vallee le ofreció un trabajo para tocar en el Heigh-Ho Club.
Se convirtió en el armonicista del Teatro Paramount en 1928, luego en el Teatro Streamline Revue Palace, Londres, en 1934. En 1939 se unió a la Orquesta Sinfónica de Sídney como solista. Durante la Segunda Guerra Mundial, de 1943 a 1945, realizó giras de la USO con el bailarín Paul Draper; la pareja se unió nuevamente después de la guerra para realizar giras por todo el mundo. Actuó en Alemania en 1947 y 1949, en Corea en 1951 y en Israel en 1967 y 1973. Apareció en el Festival de Edimburgo, Escocia, en 1963 y 1965. En 1989 tocó en el London Promenade Concert en el Albert Hall con la Orquesta Wren y John Ogdon. Durante su carrera también tocó con la Sinfónica de Chicago, la Sinfónica de San Francisco, la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de la BBC, y ha tenido música compuesta para él por Ralph Vaughan Williams, Malcolm Arnold y Darius Milhaud.
El 11 de abril de 1938 Larry Adler se casó con Eileen Walser con quien tuvo tres hijos: Carole, Peter y Wendy, antes de divorciarse en 1959. Se casó nuevamente en 1967 con Sally Cline y tuvo una hija, Katelyn, un matrimonio que duró 9 años hasta el divorcio en 1976.
En 1949, Larry Adler fue incluido en la lista negra de Estados Unidos por presuntas inclinaciones procomunistas y posteriormente emigró a Gran Bretaña. Durante las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes de Estados Unidos sobre el comunismo en la industria del entretenimiento, él y Paul Draper fueron acusados por Hester McCullough de simpatizar con el comunismo. En 1950, Larry Adler y Paul Draper presentaron una demanda por difamación contra la Sra. Hester McCullough por 200.000 dólares. El caso concluyó cuando el jurado no pudo llegar a un veredicto. Adler y Draper alegaron que la incapacidad del jurado para respaldar las acusaciones de la Sra. McCullough era una muestra de apoyo. Sin embargo, el efecto de la acusación fue duradero y tanto Larry Adler como Paul Draper perdieron conciertos, lo que amenazó seriamente sus carreras en Estados Unidos. Desde entonces, Adler ha afirmado que su carrera nunca ha recuperado el impulso en Estados Unidos.
Durante su carrera escribió varias bandas sonoras para películas: The Singing Marine (1937), The Big Broadcast of 1937, Sidewalks of London (1938), Genevieve (1953) (por la que recibió una nominación al Oscar a la mejor banda sonora), The Great Chase (1962), King and Country (1963), High Wind in Jamaica (1964) y My Life (1993), además de aparecer en Many Happy Returns (1934), Music for Millions (1944) y Three Daring Daughters (1948). Sus créditos televisivos incluyen The Midnight Men (1964) y The Monte Carlo Show en la década de 1980.
Ha publicado las grabaciones de sonido Larry Adler Live at the Ballroom en Newport Classic y Larry Adler Plays Works for Harmonica and Orchestra en el sello RCA.
También publicó varias publicaciones escritas: How I Play (1937), Larry Adler's Own Arrangements (1960), Jokes and How to Tell Them (1963) y su autobiografía It Ain't Necessarily So (1985). Escribió como crítico gastronómico para Harper's Queen y Portrait and Boardroom, y también publicó varias columnas en Punch Spectator, New Statesman, New Society, Sunday Times, Observer y Mail on Sunday.
La fascinante carrera de Adler y el impacto de su inclusión en la lista negra se documentan detalladamente a través de sus documentos personales. Para una mirada más profunda a cómo las acusaciones de la Pánico Rojo cambiaron su carrera, consulte nuestra exposición en Virmuze "Incluido en la lista negra: Larry Adler", que destaca documentos clave de este turbulento período de su vida.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de un homenaje a George Gershwin. En primer término, Cher y Larry Adler interpretan It Ain't Necessarily So, y posteriormente con Michael Ball y Sir George Martin interpretan Summertime, del álbum de Larry, The Glory Of Gershwin.
Tim Rice Brian Bennett nació en Palmers Green, Londres, Reino Unido, el 9 de febrero de 1940. Baterista, pianista, compositor, arreglador, productor y director de orquesta.
Brian Bennett ha sido una figura clave en la música británica durante más de 40 años. Tim Rice Brian Bennett nació en Londres en 1940 y a finales de los años 50 era uno de los bateristas más solicitados. Fue baterista residente en el legendario 2i's del Soho y un habitual del innovador programa de televisión de Jack Good, Oh Boy. En 1961, fue invitado a unirse a Cliff Richard and The Shadows y escribió muchos de los éxitos de las películas, incluyendo Summer Holiday (por la que ganó su primer premio Ivor Novello), "Wonderful Life" y "Finders Keepers". En los años 70, se convirtió en el director musical de Cliff Richard y formó la Orquesta de Brian Bennett y comenzó a realizar giras por todo el mundo; lo que incluyó los primeros conciertos que se realizaron en Rusia. A mediados de los años 70, Brian era muy solicitado como arreglista, director y productor discográfico y ya había comenzado a componer para cine y televisión. Durante la década de 1980, fue galardonado con su segundo premio Ivor Novello (por 25 años de servicios a la música) y escribió y grabó música para una amplia gama de programas, incluidos Dallas, Knotts Landing, Pulaski, The Royal Wedding, el tema de BBC Golf, The Sweeney , la película de Dennis Hopper The American Way y Terminal Choice de Ellen Barkin y David MacCallum. En 1990, ganó su tercer premio Ivor Novello a la mejor banda sonora para una serie de televisión (The Ruth Rendell Mysteries). Desde la década de 1990 hasta 2000, estuvo más solicitado que nunca; entre sus encargos recientes se incluyen la serie de larga duración The Knock, Nomads of the Wind, Global Sunrise, The Harpist, David Jason In His Element, Living Britain y Dirty Work. En 2001, Brian fue el orgulloso destinatario del Premio Insignia de Oro otorgado por la Academia Británica de Compositores y Sociedad de Autores de Canciones. También ganó los Premios de Artesanía y Diseño de la Royal Television Society 2000/2001 a la Mejor Música Original por "Murder In Mind". Siempre solicitado como baterista, Brian ha grabado piezas de batería para artistas como Peter Frampton, Ella Fitzgerald, The Walker Brothers, Labi Siffre, Marvin Welch & Farrar, entre otros, siempre innovando, aprendiendo y adaptándose continuamente a los nuevos estilos y tendencias musicales. En 2004, Brian recibió la Orden del Imperio Británico (OBE). Recogió su galardón de manos de la Reina en el Palacio de Buckingham.
En 2009 y 2010, Cliff Richard and The Shadows emprendieron una gira por su 50.º aniversario con 36 conciertos en el Reino Unido, Europa, Australia, Nueva Zelanda y Sudáfrica. Recientemente, Brian escribió, junto con su hijo Warren, 24 episodios de la galardonada serie de televisión "New Tricks". También grabó y produjo un álbum con Cliff Richard and The Shadows. Actualmente trabaja en un musical llamado Soho y en la música de una producción llamada Starchild. Próximamente lanzará un álbum con la música de John Barry interpretada por la Orquesta de Brian Bennett.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Little "B".
Tu Bishvat celebra la renovación de la naturaleza y el crecimiento de los árboles. Leslie Weinstein nos explica cómo los arreglos florales se relacionan con esta festividad porque representan la vida, la belleza natural y la abundancia que ofrece la tierra.
Matti Caspi, מתי כספי, nació en el Kibutz Hanita, Israel, el 30 de noviembre de 1949, y murió en Tel Aviv, Israel, el 8 de febrero de 2026. Compositor, cantautor, arreglador, guitarrista y pianista.
El sitio www.jns.org publicó esta información firmada por Steve Linde.
El ícono musical israelí Matti Caspi muere a los 76 años
El prolífico cantante, compositor y arreglista ayudó a dar forma al panorama musical de Israel durante casi seis décadas.
Steve Linde (8 de febrero de 2026 / JNS)
El músico israelí Matti Caspi actúa en Gush Etzion, Judea, el 10 de diciembre de 2015. Foto de Gershon Elinson/Flash90.
Matti Caspi, uno de los músicos más influyentes e innovadores de Israel, falleció el domingo en el Centro Médico Sourasky de Tel Aviv (Hospital Ichilov) tras una larga lucha contra el cáncer. Tenía 76 años.
“Con profundo dolor y profunda tristeza, anunciamos el fallecimiento de nuestro amado esposo y querido padre”, declaró la familia de Caspi en un comunicado. “Su amor y las creaciones que nos dejó siempre nos acompañarán”.
Nacido el 30 de noviembre de 1949 en el kibutz Hanita, Caspi fue ampliamente reconocido como uno de los gigantes de la música popular israelí: compositor, cantante, arreglista, letrista y multiinstrumentista, cuya obra fusionaba música clásica, jazz, ritmos brasileños y latinos, rock e influencias vanguardistas. Estudió piano en el Conservatorio de Nahariya y demostró talento musical desde muy joven.
Caspi hizo su primera aparición pública a los 16 años en el programa de talentos juveniles Teshu'ot Rishonot de la radio Kol Yisrael. Durante su servicio militar en las Fuerzas de Defensa de Israel, actuó con la Banda del Comando Sur, una experiencia que impulsó su carrera profesional. Posteriormente formó el trío The Three Fat Men, que evolucionó a They Don't Care, con éxitos iniciales como "Ani Met" ("Me muero").
Durante la Guerra de Yom Kipur, Caspi recorrió las bases de las Fuerzas de Defensa de Israel junto al legendario cantante judío canadiense Leonard Cohen, quien posteriormente arregló la canción de Caspi "Lover Lover Lover". En la década de 1970, Caspi inició una célebre colaboración con el letrista Ehud Manor, de la que surgieron clásicos imperecederos como "Brit Olam" ("Pacto eterno").
A lo largo de las décadas, Caspi lanzó docenas de álbumes y escribió o compuso cerca de 1.000 canciones, muchas de las cuales se convirtieron en elementos básicos de la cultura israelí.
Entre sus obras más conocidas se encuentran "Eich Zeh Shekochav Echad Me'ez?" ("¿Cómo es que una estrella se atreve?"), "Od Yavo Hayom" ("El día aún llegará") y "Od Tir'i Et Haderech" ("Aún verás el camino"). Su último álbum de estudio, "Kmo Be'rikud" ("Como en un baile"), se lanzó en 2017.
En diciembre de 2023, Mati Caspi se asoció por última vez con Shalom Hanoch para dedicar un álbum en memoria del sonidista Guy Illouz, quien fue tomado como rehén por Hamás el 7 de octubre de 2023 y asesinado en cautiverio. El álbum, HaIkar Zeh HaShirim ("Lo principal son las canciones"), incluye 12 temas grabados durante su concierto en vivo.
Además de sus propias grabaciones, Caspi fue productor y arreglista de muchos de los artistas más destacados de Israel, como Yehoram Gaon, Boaz Sharabi, Riki Gal, Shlomo Gronich, Arik Sinai y Gali Atari. También dirigió en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1976, al frente de la Orquesta Metropole de los Países Bajos en su composición "Emor Shalom" ("Di paz").
La sofisticación musical de Caspi le valió un amplio reconocimiento. El musicólogo Tsippi Fleischer lo describió como «un genio que inventó su propio lenguaje musical», elogiando su complejidad armónica y su singular impacto en los estándares musicales israelíes.
En 1975, Caspi se casó con la actriz Doreen Lubetzky, con quien tuvo dos hijos. En la década de 1990, pasó varios años en Canadá antes de regresar a Israel. Disputas legales en torno a su estado civil, a pesar de un divorcio concedido por el Tribunal Rabínico de Beverly Hills, llevaron a una condena por bigamia en 2002, con sentencia suspendida y multa.
En mayo de 2025, Caspi reveló que le habían diagnosticado cáncer y canceló todas sus presentaciones futuras. En agosto, más de 7500 personas asistieron a un concierto homenaje en su honor en Tel Aviv, "Singing Matti Caspi", donde apareció brevemente y agradeció a los artistas y al público por darle fuerzas para seguir luchando.
A Caspi le sobreviven sus hijos y un legado musical que resuena a través de las generaciones. Aunque "Ein Li Eretz Acheret" ("No tengo otra patria") fue escrita por Ehud Manor en 1982 durante la Primera Guerra del Líbano y un período difícil en Israel, fue Caspi quien compuso la evocadora melodía, convirtiéndola en un sentimiento nacional icónico que trascendió la política y el tiempo.
El presidente Isaac Herzog elogió a Caspi como “uno de los mayores creadores israelíes de nuestra generación”, diciendo que sus melodías y arreglos continuarían acompañando a la cultura israelí durante generaciones.
“Al igual que en una de sus inolvidables canciones, 'Alguien me está cuidando allí arriba' ('Mishu Do'eg Li Sham Lemala'), Matti Caspi, uno de los más grandes creadores israelíes de nuestra generación, nos dejó demasiado pronto y se ha ido a cuidarnos desde arriba”, dijo Herzog.
El ministro de Cultura y Deportes, Miki Zohar, dijo que las canciones de Caspi se convirtieron en "la banda sonora del amor y la esperanza" para innumerables israelíes.
“Con gran pesar, nos despedimos hoy de Matti Caspi, el destacado cantante y compositor que tocó el alma de todos nosotros y nos dio clásicos que se convirtieron en pilares perdurables de la música israelí”, dijo Zohar.
A continuación, lo recordamos con uno de sus éxitos: Canción de amor, como una rueda) שיר אהבה (כמו גלגל), de 1978.
Vince Neil Wharton (Hollywood, California; 8 de febrero de 1961) es un cantante y compositor estadounidense, conocido principalmente por ser el vocalista de la banda de glam metal Mötley Crüe. Está ubicado en el puesto N°33 de Los 100 Mejores Vocalistas del Metal de todos los tiempos, según la revista Hit Parader.
Biografía
Vince Neil nació en Hollywood (California) en el seno de una familia de clase media-baja. Vince tiene ascendencia mexicana por parte materna (Shirley Ortiz) y estadounidense por parte paterna (Clois Wharton). En los 60s, su familia se mudó al suroeste de California (Watts), a un barrio marginal. Allí fue donde comenzó a desarrollar cierta simpatía por las peleas y las drogas, descubriendo más tarde (sobre los 10-13 años) lo que era el sexo. Finalmente, cuando sus padres se dieron cuenta de que ese no era el mejor ambiente en el que educar a sus hijos se mudaron a Glendora. Vince asistía al Sunflower Intermediate School y más tarde, al Royal Oak High School. En este último conoció a Tommy Lee, sin embargo, en aquel entonces nunca compartieron mucho entre ellos.
Vince nunca tuvo demasiado interés ni éxito en el instituto. Solamente asistía a las clases que le interesaban (que por aquel entonces eran “música” y “arte”). Sus aficiones eran: la música, el surf y las mujeres. A los 15 años, Vince fue padre de un niño al que llamaron Neil. Los padres de ella se encargaron de cuidarle y educarle y los de Vince le pagaban una pensión alimenticia. Vince no volvió a ver a su hijo hasta varios años más tarde.
Vince comenzó su carrera musical en el área de Sunset Strip en Los Ángeles, con su banda Rock Candy, la cual ya tenía cierto renombre. Sin embargo, en 1981 el guitarrista y el bajista comenzaron a dejar de lado a Vince y al batería. Ese fue el comienzo del Mötley Crüe que conocemos actualmente. A Mick Mars no le convencía el cantante que tenían y le dijo a Tommy que quería a “ese rubito guaperas de Rock Candy” y así fue cómo Vince entró en Mötley Crüe.
Matrimonios
Su primer matrimonio fue en enero de 1983 con la ex groupie Beth Lynn, con la que tuvo una niña (Elizabeth Ashley), la segunda tras un primer hijo que Vince tuvo en la adolescencia (Neil). En 1985 la pareja se divorció tras la salida de Vince de prisión por el homicidio involuntario en un accidente de tránsito de su amigo Nicholas Dingley, apodado "Razzle". Beth vació la casa que compartían al completo y se llevó a su hija con ella antes de que su marido saliera de la cárcel.
Su segundo matrimonio fue en el 1987 con Sharise Ruddell, una luchadora de barro y modelo que apareció en el videoclip de Girls, Girls, Girls. Fruto de ese matrimonio nació su hija Skylar Lynnae, quien falleció a los cuatro años de edad debido a un tumor que se extendió por casi todos sus órganos. La pareja se divorció en 1993.
Su tercer matrimonio fue en el 2000 con la conejita Playboy Heidi Mark. Tras siete años de noviazgo la pareja decidió casarse, pero solo duraron un año como casados. En el 2001 el amor se acabó y se divorciaron.
Su cuarto matrimonio fue con Lia Gerardini en 2005. Vince anunció su separación en el 2010.
Actualmente en 2014 Vince se encuentra vinculado sentimentalmente a la artista de maquillaje Rain Hannah Andreani con la cual espera estabilizarse en la parte amorosa.
Violencia intrafamiliar
En el año 2011 golpeó y amenazó a su exnovia Alicia Jacobs en un casino de Las Vegas, en presencia de dos amigos de ella, uno de los cuales es periodista en el diario Las Vegas Sun. El cantante se declaró culpable en los tribunales por un delito menor de alteración del orden público para así evitar un cargo mayor.
En el año 2016 atacó físicamente a Kelly Guerrero, una enfermera a la que dejó en el hospital debido a las agresiones. La enfermera estaba con su hijo cuando el niño vio que Nicholas Cage estaba con el cantante, y luego de pedirle un autógrafo al actor, Vince Neil la atacó. Este incidente de violencia quedó registrado en video.
Popularidad
En 1981, Mötley Crüe lanzó su primer álbum sin ayuda de ninguna discográfica y vendió rápidamente más de 20.000 copias, lo que hizo que los sellos discográficos se fijaran en ellos y les ficharan rápidamente. En 1983, lanzaron Shout at the Devil, un éxito comercial que estableció a la banda como una de las más importantes del glam metal de los 80's. En 1984, después de un tour con Ozzy Osbourne, Neil sufrió un accidente automovilístico causado por el exceso de alcohol, en Redondo Beach, California. El pasajero en su DeTomaso Pantera, Nicholas "Razzle" Dingley, baterista de Hanoi Rocks, murió como consecuencia.
Beth Lynn y Neil se divorciaron en 1985, y ese mismo año, después de cumplir una corta sentencia en prisión, Neil se reunió con Mötley Crüe para la grabación de Theatre Of Pain. Grabó un nuevo disco con Mötley Crüe: Girls, Girls, Girls, lanzado en 1987, y se casó con Sharise Ruddell en abril de 1988. La banda lanzó su álbum más exitoso, Dr. Feelgood, en 1989, después de pasar por un proceso de rehabilitación por adicción a las drogas. Durante los MTV Video Music Awards de 1989, Neil tuvo una pelea con Izzy Stradlin, guitarrista de Guns N' Roses, debido a que este había acosado a su esposa. Neil golpeó a Izzy, lo que causó que Axl Rose se metiera en la pelea. Posteriormente, Axl compuso Shotgun Blues, una canción donde reta a Vince Neil a una pelea, él respondió, pero la pelea nunca se llevó a cabo.
En 1991 lanzan su álbum recopilatorio Decade of Decadence, donde hacen un repaso a toda su carrera hasta ese momento. Meses después Vince anuncia que deja la banda, aunque por parte del grupo se declara que Neil fue expulsado. Lo que ocurrió en realidad sólo lo saben ellos.
Regreso a Mötley Crüe
Para 1997 el éxito de la carrera de Neil como solista y el de su antigua banda Mötley Crüe estaban en mutuo descenso, así que Neil aceptó su invitación para regresar al grupo. Lanzaron el álbum Generation Swine antes de que la tensión entre los miembros causara que Tommy Lee abandonara al grupo. Lo reemplazaron con Randy Castillo, quien murió de cáncer en el 2002.
Carrera como solista
Neil se separó (o le despidieron) de Mötley Crüe para comenzar una carrera como solista a partir de febrero de 1992. En la autobiografía de la banda, The Dirt, se dice que fue despedido porque mostraba más interés en las carreras de autos que en el grupo, ya que participaba en la Indy Lights en ese entonces.
Algunos de los músicos que Neil reclutó después de su despido, fueron Steve Stevens (antes guitarrista de Billy Idol y fundador de Atomic Playboys), Dave Marshall, Robbie Crane y Vik Foxx.
A mediados de 1993 fue lanzado su debut como solista, Exposed y vendió solamente 300 000 copias en EE. UU., casi la misma cantidad que vendió el álbum Mötley Crüe en 1994, el cual la banda grabó con el vocalista John Corabi (antes en The Scream). Todos los álbumes anteriores de Mötley Crüe habían vendido al menos un millón de copias.
Sharise Ruddell y Vince Neil se divorciaron en 1993. Dos años después, su hija, Skylar Neil, murió de cáncer.
En 1995 Neil lanzó Carved in Stone, un álbum con un sonido industrial/glam metal producido por los Dust Brothers. El álbum vendió menos de 100 000 copias en EE. UU. y el contrato de Neil con Warner Bros. eventualmene llegó a su fin. Algunas versiones del álbum incluyen "Skylar's Song", escrita únicamente por Neil.
En mayo de 2000, Neil se casó con la playmate Heidi Mark. Se divorciaron en agosto de 2001.
Como cliente regular del burdel Moonlite Bunny Ranch, en julio de 2003, Neil fue acusado de asalto después de que una prostituta declaró que él la tomó por el cuello y la lanzó contra una pared. Un año antes, Neil había sido arrestado acusado de haber golpeado al productor Michael Schuman.
En el 2002, Neil estuvo en el reparto de la primera temporada de The Surreal Life.
En el 2003, Vince Neil apareció como solista en el "Rock Never Stops Tour" junto con otras bandas de hard rock de los 80's. Ese mismo año lanza su tercer disco en solitario, esta vez grabado en vivo Live at the Whisky: One Night Only.
En enero de 2004 se casó con Lia Gerardini. La ceremonia fue oficiada por el ministro y también parte del reparto de The Surreal Life, MC Hammer. En el 2004, Vince apareció de nuevo en televisión para el programa especial Remaking Vince Neil (Rehaciendo a Vince Neil), la cual lo mostraba tratando de alcanzar el éxito como solista, sin embargo, fue Mötley Crüe quien recibió el relanzamiento al éxito, ya que Neil y Tommy Lee pusieron a un lado sus diferencias y la banda se fue de tour para promocionar el álbum Red, White and Crüe.
El 30 de junio de 2006, durante un concierto en Tampa (Florida), Vince Neil se cayó del escenario debido a una intoxicación. El otro vocalista de Mötley Crüe, John Corabi, quien estaba de tour con Ratt, subió al escenario para continuar el concierto con Neil, a pesar de que John cantó casi todo lo que quedó del show, mientras las palabras de Vince eran casi inentendibles.
El 8 de enero de 2007 se anunció que Vince haría un pequeño tour por Australia, presentándose en Sídney, Melbourne, Brisbane y Perth. El tour fue cancelado el 6 de marzo de 2007 debido a la falta de ventas de los boletos.
A principios de 2010, se confirmó una gira sudamericana, que incluyó países como Chile, Argentina y Brasil.
En dichos lugares hizo un adelanto de su nuevo álbum solista Tattoos & Tequila, el cual apareció en junio de 2010.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Tattoos & Tequila.
Marcelo Gobello cuenta la vida del Astor Piazzolla con datos y pasión.
La señora está embarazada, embarazadísima, pero esta noche se va con el marido al teatro. Están en la ciudad de Mar del Plata. Él la pasa a buscar en moto, llegan puntuales a la función de Cuando un pobre se divierte, el sainete de Alberto Vacarezza. Pasan los minutos y, cuando los artistas están cantando el tango La copa del olvido, la señora, que se llama Asunta Manetti, siente los dolores del parto: a correr. Salen del teatro, se suben a la moto, van entre enloquecidos y cuidadosos. Hay que llamar a la partera. El reloj pasa las 12 y ya es el 11 de marzo de 1921: entre tango y corridas ha llegado al mundo Astor Piazzolla. Esto cuenta el periodista Marcelo Gobello en su reciente Astor Piazzolla, música en estado de revolución, una biografía a cargo de alguien que conoce bien al músico.
Vamos unos años más adelante: Piazzolla vive en Nueva York con sus padres, Nonino y Asunta. Nonino ha insistido mucho para que el muchacho no se quedara con la escuela y nada más, que estudiara música, que hiciera deportes, que fuera más allá de lo obligatorio. Un día, Nonino va a comprarle patines al nene a una casa de empeños. Pero en la vidriera, ah, ve un bandoneón. Ahí, en Nueva York, un bandoneón pequeño, como para un chico. No tiene nada que pensar: paga los 19 dólares y se lo lleva. El chico, Astor, se decepciona. Lo contará él mismo, muchos años después, y lo reproduce Gobello: “El primer bandoneón que tuve me lo regaló mi papá cuando tenía ocho años. Lo trajo envuelto en una caja, y yo me alegré, creía que eran los patines que le había pedido tantas veces. Fue una decepción, porque en lugar de los patines me encontré con un aparato que nunca había visto en mi vida. Papá se sentó en una silla, lo puso sobre mis piernas y me dijo: «Astor, este es el instrumento del tango, quiero que aprendas a tocarlo». Mi primera reacción fue de bronca. El tango era esa música que él escuchaba casi todas las noches cuando volvía del trabajo, y que a mí no me gustaba".
Estos son algunos de los momentos hermosos de la biografía de Gobello, pero no son los únicos. La visita, en Nueva York, a Carlos Gardel: Nonino ha tallado una escultura de un gaucho con guitarra y lo manda a Astorcito a llevársela. 13 años tenía el chico: se empilcha y va. El músico lo recibe en pijama pero el pibe, que encima toca el bandoneón, le cae bien. Lo convertirá -cuenta Gobello- en su guía en la ciudad. Hasta se irá un día a comer a lo de los Piazzolla. La biografía incluye una carta que Piazzolla escribió mucho más tarde y que publicó en el diario Clarín y que cuenta algo extraordinaio: por esas cosas de la vida, el chico termina tocando su primer tango en el piano y el que canta es Gardel: “Quizá llamándote Charlie te acordarás del pibe de 13 años que vivía en Nueva York, que era argentino y tocaba el bandoneón. ¿Te acordás cuando te llevé un muñeco de madera que había tallado mi viejo? (...) Jamás olvidaré la noche que ofreciste un asado al terminar la filmación de El día que me quieras. (...) Tuve la loca suerte de que el piano era tan malo que tuve que tocar yo solo y vos cantaste los temas del filme. ¡Qué noche, Charlie! Allí fue mi bautismo con el tango“.
Dos retratos de Astor Piazzolla como bebé en 1921, uno solo con una tela y otro en brazos de su madre. (Imagen Ilustrativa Infobae)
Y el destino, otra vez: Gardel, impresionado, lo invitó a su orquesta. Se iban de gira. Los padres no lo dejaron, el sindicato tampoco. Por eso Piazzolla no estuvo en el avión del accidente fatal: “En vez de tocar el bandoneón estaría tocando el arpa”, decía en la carta.
Esas cosas ha escrito Gobello y ahora está, por videollamada y él también desde Mar del Plata, hablando para esta entrevista. De música quiere hablar, es lo que lo apasiona.
-Difícil una nueva biografía de alguien tan conocido. ¿Qué cosas nuevas pensaste que podías encontrar?
-Mi tío abuelo, eh, era José Gobello, el fundador de la Academia Porteña del Lunfardo. Y él era amigo de Astor. Fue el primer periodista que lo bancó cuando a él en el cincuenta y pico lo criticaban mucho. Pero yo crecí con los Beatles, con los Rolling, después con Led Zeppelin, con Yes, nunca tuve una grieta. Viví afuera y ahí lo que interes de nosotros no es Charly García, es Astor Piazzolla. Yo me encontraba con músicos de rock clásico, de grupos como Genesis, Yes, Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple y terminábamos hablando de Piazzolla, casi que me terminaban ellos preguntándome: “¿Cómo era Astor?” “¿Lo viste tocar en vivo?” Yo tenía un contacto con la familia, un contacto muy fuerte con Daniel Hugo Piazzolla, depués con Laura, la esposa, y entre los dos fui viendo la historia.
El joven Astor Piazzolla posa en Nueva York en 1934, vestido con sus mejores galas antes de su encuentro con Carlos Gardel.
-No te tocó la época en que los tangueros lo querían matar...
-Yo siempre tuve una mirada distinta de Astor por mi generación. Vos pensá que yo, Astor, la primera vez que, que lo vi en vivo fue en La Botonera, en 1976. Con el primer octeto electrónico, que era tan revolucionario que el propio Antonio Agri se fue después de un par de conciertos y él actor en vez de poner a otro violinista -no había otro que superara a Agri- puso a un viento que tocaba el saxo. Para mí impactante verlo con batería, con sintetizador. Yo tenía 17 años, era muy joven, pero ya la música era mi pasión.
-Se llama “La música en estado revolución” tu libro...
-Lo primero que le dije a Astor cuando lo entrevisté fue que veía cosas que se parecían a Emerson, Lake & Palmer. Y me dijo; “Sí, me gusta mucho Emerson Lake & Palmer porque ellos son fanáticos de Ginastera, que fue mi maestro. Siempre busqué por ahí salirme un poco del canon. Los viejos piazzolleros te decían: “A ver, pibe, te vas a meter con Piazzolla. ¿Cuál es el mejor grupo de Astor?" Se supone que si uno es medio wikipedico, va a decir “el quinteto”. Y no, los viejos piazzolleros te van a decir “el Noneto”, del 72. Ahí graba unos discos maravillosos y tiene un conjunto que es brillante, que es con el que primero va a viajar a Europa y con el que hace la famosa versión de Balada para mi muerte con Mina, la cantante italiana, que va a ayudar mucho para su difusión.
-A mí siempre me gustó mucho el segundo octeto electrónico y hoy lo están revalorizando, durante años era mala palabra, pero realmente fue una de las cosas avanzadas. En realidad no hay una cosa mejor que otra. A mí me encanta la etapa de él con su orquesta típica en la década del 40. Me encanta el octeto Buenos Aires, que es el rompedor, me encanta lo que hizo en París. Y después vuelve y arma el Octeto Buenos Aires, donde incorpora la guitarra eléctrica y después se va y vuelve y hace el quinteto y después hace el noneto....
-En la biografía se destaca la figura del padre, al que conocemos por “Adiós Nonino. Cómo lo marca, lo hace estudiar, lo ve fuera de lo común.
-La figura de Nonino fue central en su vida. Vicente Piazzolla, el loco le decían, el loco Piazzolla, tenía una personalidad totalmente única para la época inclusive. Fijate que en la década del 20, acá todavía era la época de la inmigración y el tipo se va a Estados Unidos, no era tan común. También, como Astor nace con un defecto físico bastante pronunciado en un pie, Vicente puso en el hijo mucho empeño, que por ahí hoy no es políticamente correcto, porque en vez de cuidarlo como si fuera de cristal, inclusive en contra de lo que decían los médicos en la época, lo hacía correr, lo hacía entrenar, lo hacía boxear, lo hacía jugar al fútbol. Él veía que el hijo tenía algo, no sabía de dónde, porque la verdad que la música no se la había planteado para nada, pero veía que el hijo iba a ser distinto y que iba a ser un genio.
Piazzolla, una personalidad y un talento que hay que seguir explorando.
-Un observador...
-De hecho, él empezó a escribir una especie de diario cuando Astor era chico, un diario sobre el hijo. Y stor escucha la música de Bach, de la casa de un vecino y se enamora de la música. No del tango, que en su momento le parecía triste porque era lo que escuchaban los viejos en la pieza, donde alquilaban en Nueva York y lloraban todas las noches, sino la música de Bach. Y tambíen fue fundamental el padre por lo del bandoneón.
-¿A vos te parece que que él te discutiría algo de este libro?
-Es muy probable porque yo a él le discutí muchas cosas en el libro. Si él decía que el octeto electrónico había sido un error, yo digo que es uno de los de los mejores grupos que tuvo. Y así, mucho. No sólo los tradicionalistas le discutían. Todo el lío que tuvo Astor en su momento, con que decían que había sido el asesino del tango, que no era tango...
-¿Y no fue así?
-No solo no fue el asesino, sino fue el que rescata al tango, el que lo salva de alguna manera. Pero hasta los piazzollianos lo discuten: te dicen que Libertango es una porquería, y yo digo que es una joya.
-¿Piazzolla sigue siendo polémico o o ya está?
-La verdad, no creo que ya a esta altura siga siendo polémico. Ganó él, ganó por goleada.
A continuación, Libertango interpretado por Astor Piazzolla, grabado y publicado en 1974 por el sello Carosello en Milán, Italia.
