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Brian Frederick Arthur Hines, más conocido como Denny Laine, nació en Birmingham, Reino Unido, el 29 de octubre de 1944, y murió en Naples, Florida, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 2023. Cantante, compositor y multiinstrumentista. Tocaba guitarra, bajo, flauta, piano, teclados, percusión y armónica.
El sitio www.theguardian.com publicó este recordatorio firmado por Adam Sweeting
Obituario de Denny Laine
Cantante, guitarrista y cofundador de los Moody Blues en la década de 1960, que posteriormente cosechó éxitos con la banda Wings de Paul McCartney.
Adam Sweeting / Miércoles 6 de diciembre de 2023, 16:04 GMT
Denny Laine, que falleció a los 79 años a causa de una enfermedad pulmonar, era conocido principalmente por haber sido miembro durante mucho tiempo de la banda Wings de Paul McCartney desde 1971 hasta 1981.
Contribuyó con voces, guitarras, percusión y teclados en los siete álbumes de estudio de la banda, desde su debut Wild Life (1971) hasta Back to the Egg (1979), incluyendo Band on the Run (1973), un éxito en las listas de popularidad a ambos lados del Atlántico que generó grandes éxitos con los sencillos Jet y la canción que da título al álbum, y que a menudo se cita como el momento cumbre de Wings.
Sin embargo, antes de unirse a McCartney, Laine ya había disfrutado de diversas experiencias musicales. En 1964, se unió a Mike Pinder y Ray Thomas para formar The Moody Blues, quienes inicialmente interpretaban versiones de temas de blues antes de virar hacia un estilo más pop. El éxito llegó rápidamente: su versión de "Go Now" (previamente grabada por la cantante estadounidense Bessie Banks, con Laine como vocalista principal y guitarrista) alcanzó el número uno en las listas británicas en 1964 y también entró en el Top 10 de Estados Unidos.
La etapa de Laine con la banda terminó en 1965 tras el lanzamiento de su álbum debut, The Magnificent Moodies, cuando renunció debido a una disputa financiera con su compañía discográfica. «Como a todas las demás bandas, nos estafaron», dijo. «Conseguimos la fama, pero no el dinero». Los Moody Blues reclutaron a Justin Hayward y John Lodge, y alcanzaron un enorme éxito internacional.
Posteriormente, Laine realizó algunos experimentos psicodélicos con su grupo Denny Laine & the Electric String Band, cuyo uso de un violonchelo amplificado y un cuarteto de violines anticipó el enfoque que más tarde adoptarían su paisano de Birmingham, Roy Wood, y Electric Light Orchestra. Sin embargo, el grupo no logró tener éxito comercial, a pesar de las buenas críticas. Tras pasar un tiempo en España aprendiendo guitarra clásica de forma autodidacta, en 1969 se unió a Balls, junto al antiguo guitarrista de The Move, Trevor Burton.
A pesar de estar dirigido por el ingenioso empresario Tony Secunda, Balls fracasó en medio de una serie de cambios de personal. Entonces, Laine fue reclutado como guitarrista principal y vocalista de Ginger Baker ’s Air Force, el grupo de jazz-rock formado por el ex baterista de Cream y Blind Faith.
La formación original incluía a figuras tan destacadas como Steve Winwood y Graham Bond, aunque tras generar gran expectación en la prensa musical, Air Force se disolvió después de una desastrosa gira por Estados Unidos. Su siguiente parada fue Wings.
Brian Hines Laine nació en Tyseley, Birmingham, hijo de Eva (de soltera Bassett) y Herbert Hines, y asistió a la escuela secundaria Yardley. Allí comenzó a aprender a tocar la guitarra, y una de sus principales inspiraciones fue el guitarrista de jazz Django Reinhardt. Tras su primera actuación en solitario a los 12 años, formó su primera banda, Denny Laine and the Diplomats, con el baterista Bev Bevan, quien más tarde se unió a Electric Light Orchestra.
No fue hasta 1971 que Laine finalmente encontró un lugar estable con McCartney. Ambos se conocían desde que los primeros Moody Blues habían estado de gira con los Beatles, y McCartney también había visto a Laine como telonero de Jimi Hendrix en el teatro Saville de Londres. "Le impresionó verme intentar hacer algo diferente en el escenario con mi Electric String Band, y como nos hicimos amigos, eso lo inspiró a llamarme porque quería hacer algo nuevo y diferente", dijo Laine.
Pronto se encontró en Escocia con Paul y Linda McCartney y el baterista Denny Seiwell, trabajando en el material para el álbum debut de Wings. El mundo luchaba por adaptarse a un McCartney sin los Beatles, y el álbum recibió críticas poco entusiastas, aunque alcanzó el puesto número 11 en las listas del Reino Unido y el número 10 en Estados Unidos.
Lo mejor estaba por venir con Red Rose Speedway (1973), que alcanzó el número uno en la lista de álbumes de Estados Unidos y el número 5 en el Reino Unido, mientras que Band on the Run, su tercer álbum, fue un éxito rotundo, llegando al número uno en ambos países. Grabado en condiciones bastante rudimentarias en Lagos, Nigeria, y con Seiwell y el guitarrista Henry McCulloch habiendo abandonado la banda antes de que comenzara la grabación, se compuso en medio de un caos creativo.
“Básicamente, solo éramos Paul y yo grabando las pistas de acompañamiento”, recordó Laine. “Fue una forma más relajada de grabar un álbum que si entraras con una banda y tuvieras que componer todas esas partes. Nos vimos obligados a hacerlo como último recurso porque dos de los chicos no vinieron a Lagos”.
En total, cuatro álbumes de Wings alcanzaron el número uno en las listas estadounidenses y dos lo hicieron en el Reino Unido. La banda también logró 24 sencillos que entraron en el Top 40 en Estados Unidos y 20 en Gran Bretaña, además de seis sencillos que llegaron al número uno en Estados Unidos. Su único sencillo que alcanzó el número uno en el Reino Unido fue «Mull of Kintyre» (1977), en el que Laine figuró como coautor (uno de los varios créditos que obtuvo durante su carrera con Wings).
Sin embargo, esto resultó ser motivo de controversia, ya que solo se le pagó una tarifa fija por su contribución y, por lo tanto, no participó en los derechos de autor generados por un disco que vendió más de 2 millones de copias en Gran Bretaña y que sigue siendo el sencillo no benéfico más vendido del Reino Unido.
Laine también se mostró disgustado por el arresto de McCartney por posesión de marihuana en Japón en 1980, lo que provocó la cancelación de la gira japonesa de Wings y un viaje posterior a Estados Unidos, causando importantes pérdidas financieras.
En diciembre de 1980, Laine publicó el álbum Japanese Tears, su tercer trabajo en solitario, pero permaneció con McCartney mientras este grababa su propio álbum en solitario, Tug of War (1981), antes de presentar su renuncia. En total, Laine grabó otros nueve álbumes en solitario, siendo el último de ellos The Blue Musician (2008).
De 1997 a 2002, realizó giras con World Classic Rockers, un grupo de veteranos del rock liderado por Nick St Nicholas de Steppenwolf. También realizó giras con sus propias bandas, interpretando canciones de Wings y The Moody Blues, y ofreció una serie de conciertos con una interpretación completa de Band on the Run. En 2018, ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Moody Blues.
A Laine le sobreviven su tercera esposa, Elizabeth Mele, con quien se casó a principios de este año, y cinco hijos: un hijo y una hija, Laine y Heidi Jo, de su primer matrimonio, en 1978, con la cantante estadounidense Jo Jo Laine (de soltera Joanne LaPatrie), que terminó en divorcio; y tres hijos, Damian, Ainsley y Lucianne, de otras relaciones.
Denny Laine (Brian Frederick Hines), músico y compositor, nació el 29 de octubre de 1944 y falleció el 5 de diciembre de 2023.
Este artículo fue modificado el 15 y el 20 de diciembre de 2023 para añadir más información sobre los familiares supervivientes y para corregir el lugar de nacimiento de Laine: nació en Birmingham, y no en las Islas del Canal, como se indicaba en una versión anterior.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, junto con Paul McCartney y Wings, en Go Now y Deliver Your Children.
Recha Schweitzer, más conocida como Recha Freier, nació en Norden, Frisia Oriental, Alemania, el 29 de octubre de 1892, y murió en Jerusalén, Israel, el 2 de abril de 1984. Poeta, música, maestra y activista social.
El sitio www.jwa.org publicó este recordatorio firmado por Gudrun Maierhof.
Recha Freier 29 de octubre de 1892–1984
Por Gudrun Maierhof
Recha Freier fundó Youth Aliya, el movimiento que trajo niños judíos de Alemania a Palestina, permitiendo que miles escaparan de la persecución nazi y reconstruyeran sus vidas en el territorio que hoy es Israel. No fue hasta el final de su vida que recibió el reconocimiento formal por esta iniciativa visionaria que salvó a tantos niños judíos. Institución: Serem Freier.
En resumen
Recha Freier, activista social y música nacida en Alemania, fundó la organización Youth Aliyah en 1933, justo cuando Hitler llegó al poder. Tras intentar sin éxito encontrar empleo para cinco adolescentes judíos en 1932, Freier ideó una alternativa que se convirtió en la base de Youth Aliyah: enviar adolescentes a Palestina para formarse como pioneros agrícolas en kibutzim. Freier le pidió a Henrietta Szold, fundadora de Hadassah, que se hiciera cargo de los jóvenes a su llegada a Palestina. Las tensiones entre Freier y Szold finalmente llevaron a que Freier se retirara de Youth Aliyah al emigrar a Palestina en 1941. En ese momento, Freier se involucró activamente en la comunidad musical palestina. Aunque fue responsable de salvar miles de vidas de jóvenes judíos a través de Youth Aliyah, los esfuerzos de Freier no fueron reconocidos oficialmente hasta 1975.
Al fundar la Aliyah Juvenil (Jugend-Alijah) en Berlín, Alemania, en 1932, Recha Freier salvó miles de vidas judías. Fue una mujer polifacética: poeta, música, maestra y activista social. Sin embargo, en la mayoría de los relatos sobre el Holocausto, su figura ha sido subestimada o completamente ignorada.
Primera infancia y educación
Recha Schweitzer nació en Norden (Frisia Oriental), un pequeño pueblo del noreste de Alemania, el 29 de octubre de 1892. Sus padres, Bertha (de soltera Levy, 1862–Theresienstadt, 1945) y Menashe Schweitzer (1856–1929), eran ortodoxos y maestros. Su madre enseñaba francés e inglés, mientras que su padre impartía diversas materias en una escuela primaria judía. En la familia había afición por la música y Recha tocaba el piano.
Desde muy joven, Recha Schweitzer sufrió el antisemitismo en su ciudad natal, a través de un cartel en el parque local que decía: «Perros y judíos prohibidos». En 1897, la familia Schweitzer se trasladó a Silesia. Allí, Recha Schweitzer recibió clases particulares en casa durante algunos años antes de asistir a un liceo en Glogau, donde la mayoría de las alumnas eran hijas de oficiales. Una vez más, se enfrentó al antisemitismo. Prohibida de escribir en sábado, fue objeto de burlas por parte de sus compañeros. La angustia que sintió al comprender la gravedad de esta reacción marcó toda su vida y la convirtió en una ferviente sionista.
Posteriormente, Recha Schweitzer asistió a un instituto privado en Breslau, donde completó el programa de cuatro años en tan solo seis meses. En 1912, obtuvo permiso para estudiar en la universidad y, simultáneamente, aprobó el examen para profesor de religión. Como estudiante de posgrado, cursó filología en las universidades de Breslau y Múnich.
En 1919, Recha se casó con el rabino Dr. Moritz Freier (1889-1969), a quien había conocido en Breslau, donde también comenzaron su vida matrimonial. Pronto se mudaron a Eschwege, donde su esposo ya era rabino. Allí nació su primer hijo, Shalhevet, en 1920. De 1922 a 1925, su esposo sirvió como rabino de la comunidad judía de Sofía, y durante ese tiempo ella enseñó en una escuela secundaria alemana. En 1923 nació su segundo hijo, Ammud, seguido en 1926 por un tercer hijo, Zerem. En 1929, la pareja dio la bienvenida a una hija, Ma'ayan. En 1925, la familia Freier se mudó a Berlín, ya que Moritz había sido contratado por la comunidad judía de Berlín para oficiar como rabino en tres sinagogas: Rykestrasse (Prenzlauer Berg), Heiderreutergasse (Alte Schul) y Kaiserstrasse. Además de ser una joven esposa y madre muy ocupada, Recha trabajaba como escritora y folclorista.
Establecimiento de la Aliyá juvenil
En 1932, un año decisivo para ella, Recha Freier comprendió que los adolescentes judíos no tenían futuro en Alemania, donde se les negaba el derecho a la formación profesional y al empleo. Ese año, su marido le pidió ayuda para cinco jóvenes que se quejaban de no encontrar trabajo por ser judíos. Con la intención de ayudarlos, acudió primero a la agencia de empleo judía. Allí, la consejera solo le recomendó paciencia, pues seguramente encontraría una solución. Una noche, se le ocurrió una idea: los jóvenes debían ir a Palestina para formarse como pioneros agrícolas en asentamientos obreros. Los chicos aceptaron con entusiasmo el plan. Como resultado de esta experiencia, a Recha Freier se le ocurrió la idea de la Aliyá Juvenil un año antes de que los nazis tomaran el poder.
Su proyecto se topó con enormes dificultades por todas partes. Tanto las organizaciones judías como los padres se mostraron escépticos ante la idea de enviar a los niños solos a un país lejano. Sin embargo, en enero de 1933, en Berlín, Recha Freier fundó el Comité de Ayuda a la Juventud Judía (Hilfskomitee für Jüdische Jugend), que proporcionó la organización y el apoyo necesarios para hacer realidad la Aliyá juvenil desde Alemania. Posteriormente se abrieron oficinas en Jerusalén y en Londres.
Recha Freier viajó extensamente para dar a conocer su idea y recaudar fondos. También contactó con Henrietta Szold y el movimiento obrero palestino. Le pidió a Szold, fundadora de Hadassah, que se hiciera cargo de los adolescentes que llegarían a Palestina desde Europa. Aunque inicialmente Szold opinó que el plan no era viable, finalmente accedió a convertirse en la directora de la oficina de Aliyah Juvenil en Jerusalén y a coordinar el alojamiento de los jóvenes en Palestina. Como consecuencia, con frecuencia (y erróneamente) se la atribuyó la fundación de Aliyah Juvenil.
Debido al choque entre sus personalidades tan diferentes, estas dos valientes mujeres rara vez se veían. A pesar de sus objetivos comunes, Recha Freier fue rechazada repetidamente cuando intentó hablar con Henrietta Szold. Ni la fuerte resistencia que la idea de Recha Freier encontró inicialmente ni las numerosas dificultades y malentendidos posteriores que obstaculizaron su extraordinario programa impidieron que miles de adolescentes alemanes abandonaran Alemania rumbo a Palestina en los años siguientes, salvando así sus vidas. A medida que la persecución de los judíos se intensificaba bajo la tiranía nazi y la esperanza de un cambio político se desvanecía, los objetivos de la Aliá Juvenil recibieron un reconocimiento cada vez mayor por parte de las organizaciones judías en Alemania.
La vida en la Alemania nazi
Recha Freier se resistió a huir de Alemania mientras existiera la posibilidad de rescatar judíos. Su hijo Shalhevet había partido hacia Inglaterra en 1937. Moritz Freier lo siguió en 1938 con sus otros hijos. Recha y su esposo, que llevaban mucho tiempo separados, nunca volvieron a vivir juntos. En 1949, Moritz Freier asumió el cargo de rabino de la comunidad judía de Berlín y, finalmente, se retiró a Zúrich, donde vivió hasta que emigró a Israel en 1967, dos años antes de su muerte.
Tras septiembre de 1939, Recha Freier intentó rescatar a judíos polacos considerados «enemigos del Estado» en la Alemania nazi y sometidos a una crueldad extrema en los campos de concentración. Sin temor a recurrir a medios ilegales para ayudar a los polacos, logró sacar a algunos de ellos de los campos de concentración y facilitarles el viaje a Palestina. Si bien sus intenciones eran nobles, este esfuerzo adicional por rescatar a otro grupo fue el preludio de un conflicto con la Oficina de Palestina y la Asociación de Judíos del Reich en Alemania (Reichsvereinigung der Juden in Deutschland). Finalmente, fue suspendida de todas sus funciones en la Aliyah Juvenil.
Trabajar en Yugoslavia
Tras ser expulsada por la oficina palestina de la organización Juventud Aliá en 1940, Recha Freier tuvo que abandonar la Alemania nazi. Huyó a Yugoslavia con su hija de once años. Permanecieron un tiempo en Zagreb, con la esperanza de poder organizar la emigración de niños judíos alemanes desde allí. Recha Freier pensaba que, si ella y su hija habían podido cruzar ilegalmente la frontera yugoslava, también debía ser posible para otros jóvenes. Por ello, recurrió a la Reichsvereinigung, así como a amigos, miembros de WIZO y la comunidad judía de Zagreb, suplicándoles que iniciaran el transporte de niños a Viena, desde donde serían introducidos clandestinamente a través de la frontera hacia un país seguro. Dado que la Asociación se negó a cooperar, ningún niño judío llegó a Viena para poner a prueba el último plan de Recha Freier para salvarlos.
«Así que tenía que hacer algo», recordó Recha Freier. «En situaciones desesperadas, no le temía a nada, ni siquiera a los engaños ni a las mentiras. Envié un telegrama a Berlín: "Aquí hay cientos de certificados de inmigración y, si los niños no vienen, haré que la situación sea un escándalo mundial"». Esto resultó efectivo. Poco después, los traficantes trajeron al primer grupo de niños alemanes a Zagreb. Estos niños eran huérfanos de padres que habían muerto en campos de concentración. En las semanas siguientes llegaron ciento veinte niños y adolescentes. Era casi seguro que serían enviados a un campo de concentración si regresaban a Alemania.
Mientras esperaban la oportunidad de abandonar Yugoslavia y trasladarse a Palestina, los niños fueron alojados con familias judías yugoslavas. Tras la llegada de ochenta certificados, ochenta niños viajaron a Palestina. Los cuarenta restantes finalmente llegaron a Suiza, donde permanecieron hasta el final de la guerra.
Participación en la comunidad musical de Palestina/Israel
Recha Freier y su hija habían partido un mes antes hacia Estambul, donde les esperaba un certificado. Luego se dirigieron a Siria y llegaron a Palestina en marzo de 1941. Aunque Recha Freier deseaba continuar su labor para la Aliá Juvenil, las diferencias con Henrietta Szold se lo impidieron. Szold le dijo que no había ningún puesto disponible para ella en la organización en Palestina.
Recha Freier se retiró así de la Aliyá Juvenil y fundó el Centro de Capacitación Agrícola para niños israelíes. También continuó con sus actividades de trabajo comunitario y como escritora.
En 1958, Recha Freier fundó el Fondo para Compositores de Israel con el fin de fomentar la creatividad musical mediante el encargo de obras a compositores locales, quienes debían ganarse la vida dando clases particulares en lugar de dedicar su tiempo y talento a la composición. Para 1968, ya se habían encargado unas cincuenta composiciones. En 1966, fundó el proyecto Testimonium junto con el compositor vanguardista Roman Haubenstock-Ramati (1919-1994), quien deseaba crear un marco artístico comparable a la Pasión, cuyo tema central sería el sufrimiento judío. Recha Freier amplió el concepto para incluir la fe y el heroísmo judíos a lo largo de la historia.
En 1968, el Testimonio ofreció su primera representación —Jerusalén: Un espectáculo de tres mil años de historia— en la Ciudadela de David, en la Ciudad Vieja de Jerusalén, que fue puesta a disposición de Freier gracias a la amabilidad del entonces alcalde de Jerusalén, Teddy Kollek. En total, se representaron seis Testimonios entre 1968 y 1983.
El director de orquesta Gary Bertini (1927-2005) escribió que “The Testimonium … ha roto con las formas aceptadas del concierto… al disolver las definiciones existentes [de un concierto] y crear una combinación de concierto, teatro, musical y recital”.
Recibir reconocimiento
En sus últimos años, Freier sentía a veces resentimiento porque su trabajo anterior para la Aliá Juvenil nunca fue debidamente reconocido y porque Henrietta Szold fue erróneamente considerada su fundadora. No fue hasta 1975, cuando tenía ochenta y tres años, que su labor fue reconocida con la concesión de un doctorado honoris causa por la Universidad Hebrea de Jerusalén por su idea del «transporte organizado de jóvenes a los kibutzim». Finalmente, fue celebrada como una de las «sionistas más meritorias». En 1981 recibió el Premio Israel en reconocimiento a sus méritos especiales.
Recha Freier falleció en 1984 en Jerusalén. En noviembre de ese mismo año, el Ayuntamiento de Berlín-Charlottenburg colocó una placa conmemorativa en el Centro Comunitario Judío de la calle Fasanen en honor a «Recha Freier, fundadora de la Aliá Juvenil». En 1990, se fundó en su honor el Centro Educativo Recha Freier en el Kibutz Yakum, cerca de Herzliyyah, en Israel.
Rosa Vicenta Montserrat Coscolin Figueras, más conocida como Gloria Lasso, nació en Villafranca del Panadés, Cataluña, España, el 28 de octubre de 1922, y murió en Cuernavaca, México, el 4 de diciembre de 2005. Cantante y guitarrista.
El sitio www.inclusion.gob.es publicó este recordatorio firmado por Carlos Piera
Gloria Lasso y la Luna de miel
Pocas veces una mujer y una canción han quedado indisolublemente unidas en nuestra memoria sentimental como ocurrió con Gloria Lasso y “La luna de miel”
Gloria Lasso se llamaba en realidad Rosa Coscolín Figueras y había nacido en 1922 en Vilafranca del Penedès (Barcelona), la mayor de cuatro hermanos. Se casa muy joven, apenas 16 años y en plena Guerra Civil con Guillermo Tejero Benito, militar y guitarrista ocasional. La pareja tuvo tres niñas de esta unión: María José, la mayor, María Isabel “Maribel” y la más joven Rosa María “Rosita”.
Gloria Lasso tomó el apellido artístico del que utilizaba su marido como guitarrista, Guillermo Lasso. Trabajó algún tiempo como enfermera y actuaba en clubs nocturnos. A principios de 1950 tuvo la oportunidad de darse a conocer por su talento como cantante. Fue en Madrid, donde fue presentadora de radio de un espectáculo de variedades en la cadena SER. Aquí obtuvo sus primeros éxitos con “Bésame en la noche” y Malvarrosa, de Fernando García Morcillo.
En 1954 se establece en Francia, donde se convirtió en la cantante exótica del music-hall. Dotada de una gran voz, cultivó especialmente la "canción española", pero también cantó muchas adaptaciones de los grandes éxitos del momento. Descubierta por los empresarios de la discográfica Pathé Marconi (Emi France), fue contratada para grabar un disco que incluía “Étranger au Paradis” (sobre una melodía de la ópera "Príncipe Igor", de Borodín). Esta canción obtuvo un éxito sin precedentes para la época, ya que se vendieron un millón de copias. De esta manera, despegó como artista, colocándose muy pronto a la cabeza de la conocida sala Olympia de París, donde totalizaría más de 30 presentaciones a lo largo de su carrera. De igual modo, sus éxitos en toda Europa fueron resonantes.
En 1959 se produjo la conjunción astral. Una melodía compuesta por Mikis Theodorakis y utilizada en la película “Luna de miel”, dirigida por Michael Powell e interpretada por Anthony Steel, Ludmilla Tcherina y el bailarín español Antonio. La película es un bodrio considerable, repleta de tópicos sonrojantes sobre España. La canción la cantaba en inglés Marino Marini, pero la melodía quedó. La discográfica de Gloria Lasso encargó al excelente poeta y actor Rafael de Penagos una letra en español que Gloria grabó con su espléndida y sensual voz.
Nunca sabré cómo tu alma ha encendido mi noche, nunca sabré el milagro de amor que ha nacido por tí. Luna de miel. Nunca sabré por qué siento tu pulso en mis venas, nunca sabré en qué viento llegó este querer. Mi vida llama tu vida y busca tus ojos; besa tu suelo, reza en tu cielo, late en tu sien. Ya siempre unidos, ya siempre, mi corazón con tu amor. Yo sé que el tiempo es la brisa que dice a tu alma: ven hacia mí, así el día vendrá que amanece por ti. La luna de miel. Nunca sabré qué misterio nos trae esta noche, nunca sabré cómo vino esta luna de miel. La luna brilla en tus ojos y con mi desvelo besa en tu suelo, reza en tu cielo, late en tu sien. Ya siempre unidos, ya siempre, mi corazón con tu amor. Yo sé que el tiempo es la brisa que dice a tu alma: ven hacia mí, así el día vendrá que amanece por ti. La luna de miel. Luna de miel Luna de miel Luna de miel
Cuando Mikis Theodorakis se dio cuenta de que su canción le está dando la vuelta al mundo con un éxito inesperado, mientas que en su país era prácticamente desconocida, le solicitó al laureado poeta griego Nikos Gatsos que le pusiera letra en griego a su melodía y de ahí surgió “An thimithis t´oniro mou” (Si te acuerdas de mi sueño) y se la entrega a la gran cantante griega Iovanna, en ese entonces la mejor voz femenina del país helénico, convirtiéndose inmediatamente en un éxito que los griegos asumen y desde entonces no paran de cantarla.
La carrera de Gloria Lasso seguía una trayectoria meteórica. Gloria impuso en Europa canciones mexicanas en todas sus grabaciones, como "El Soldado de Levita", "La Cigarra", "Guadalajara", "Dos arbolitos", "Veracruz", etc. De esta forma internacionalizó a los autores mexicanos, entre ellos Armando Manzanero con su tema "Ahora", que fue un éxito en Francia y el primer tema en grabarse fuera de México en otro idioma. Recorrió el mundo entero llevando en su voz la música mexicana y francesa principalmente, ofreciendo recitales en diversos países.
Gloria Lasso llegó a México a mediados de los años sesenta, luego de que su amiga Édith Piaf se lo sugirió, ya que sus discos eran un éxito en este país. Durante veinte años se consagró entre el público mexicano, ofreciendo recitales en todos los teatros, foros y centros nocturnos del país, época en la que el Presidente de México le otorgó la nacionalidad mexicana. En 1985 vuelve a Francia; la reclaman para el Olympia de París y decide quedarse diez años más ofreciendo recitales y grabando varios compactos. Retorna a México en 1995 con un éxito arrollador. En este año la cantante española Paloma San Basilio graba una versión de “La luna de miel” con bastante éxito que se magnifica cuando ambas, Gloria y Paloma, la cantan a duo en un programa de televisión.
Durante su carrera atesoró un impresionante número de premios. Cantó para el general De Gaulle, el presidente John F. Kennedy, el violonchelista Pau Casals y la reina Isabel II en conciertos privados. Compusieron canciones para ella Gilbert Bécaud, Charles Aznavour, Jacques Brel, Armando Manzanero, y José Alfredo Jiménez, entre otros.
Durante sus últimos años Gloria Lasso viajó constantemente entre México y Francia ofreciendo conciertos y grabando discos entre ellos Canciones de amor (México 2005) y Ses plus grands succès (Francia 2005). El 11 de noviembre del 2005 realiza su último concierto en el teatro cine Morelos, en Cuernavaca, México, sitio que adoptó para radicar y donde murió de un ataque cardíaco, quince días después.
Carlos Piera
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Luna de Miel.
KK Downing, junto con el bajista Ian Hill, es miembro fundador de la legendaria banda británica de heavy metal Judas Priest. Tocó la guitarra con la banda durante 40 años, retirándose finalmente antes de su gira "Epitaph" en 2011. Durante esos 40 años, Priest creó varios himnos del metal atemporales, desde "Victim Of Changes" y "Hell Bent For Leather" hasta "Breaking The Law" y "Painkiller". Para 2011, Priest había vendido más de 45 millones de discos en todo el mundo. Downing, junto con el otro guitarrista de Priest, Glenn Tipton, establecieron los estándares de la guitarra en el heavy metal. Su sonido distintivo se convirtió en un sello distintivo del género, con el estilo más salvaje y blusero de KK complementando a la perfección la producción melódica de Tipton. Sus clásicos solos gemelos y riffs demoledores son una de las piezas más tocadas en las salas de ensayo de los jóvenes guitarristas de hoy en día.
1951-1981
Kenneth Downing nació el 27 de octubre de 1951 en West Bromwich, Inglaterra. Durante su juventud, el joven guitarrista quedó cautivado por el sonido de la guitarra de nuevos guitarristas legendarios como Jimi Hendrix, John Mayall y Eric Clapton.
“Hendrix era mi ídolo. Era absolutamente increíble y no creo que jamás haya nadie como él.”
Ken consiguió su primera guitarra acústica por 10 libras que había ahorrado de sus ganancias anteriores. “Una vez que la conseguí, logré comprar un libro de acordes. En ese entonces, solía juntarme con algunos amigos que básicamente hacían lo mismo que yo. Nos sentábamos todos en casa de alguien por las noches y había una pequeña rivalidad para ver quién podía recordar más acordes. Creo que yo era el que lograba hacer un acorde con cejilla correctamente. Así fue como empecé, y en cierto modo estuvo bien, ¡aunque esos acordes con cejilla eran un suplicio! No pasó mucho tiempo antes de que quisiera tener una guitarra eléctrica, porque eso era lo que todos esos chicos tocaban en los discos. Así que, como no podía permitirme una de verdad, me hice la mía con algunas piezas sueltas: Watkins Rapiers y cosas así”.
Después de ahorrar más, Ken compró un amplificador Marshall y estaba listo para empezar. Todavía quería tener una guitarra eléctrica de verdad y un par de años después pudo comprar una Gibson SG. “Siempre quise una Flying V, pero tuve que esperar un tiempo antes de poder conseguir una”, recuerda.
Su pasión por la música finalmente lo llevó a ser expulsado de casa a la temprana edad de 15 años. Abandonó la escuela al mismo tiempo y concentró todas sus energías en tocar la guitarra rock. Pronto formó una banda con su amigo de la secundaria, Ian Hill, y juntos continuaron ensayando intensamente, componiendo canciones y perfeccionando su actuación. La primera formación incluía a Al Atkins en la voz, Ken en la guitarra, Ian en el bajo y John Ellis en la batería. Musicalmente, la banda provenía del blues eléctrico y las influencias de Hendrix en Ken se veían y oían claramente en el material inicial del grupo. Su primer concierto fue en St. John's Hall en Essington el 16 de marzo de 1971. Desde el principio, el grupo quiso obtener reconocimiento por sus propios méritos, por lo que, además de sus propias composiciones, solo interpretaron algunas versiones poco conocidas.
KK: “Éramos aventureros y tratábamos de alejarnos de las estructuras básicas de doce compases, porque nos gustaba más el rock progresivo. La mayoría de las otras bandas de la zona se aferraban a lo mismo. En todo caso, nos parecíamos más a Cream o Black Sabbath”.
La vida de gira era dura y los ingresos no eran precisamente buenos, por lo que Al Atkins dejó la banda en 1973, llevándose consigo al segundo baterista, Chris “Congo” Campbell. Para un nuevo vocalista, la novia de Ian Hill, Sue Halford, sugirió a su hermano, Rob. Ken visitó a Rob una noche y lo escuchó cantar un disco de Doris Day, lo que causó una gran impresión en el joven guitarrista. En ese momento, con la posible excepción de Ian Gillan de Deep Purple, nadie en el heavy rock hacía falsetes tan agudos. Rob fue reclutado en el acto y poco después incorporó al baterista John Hinch de su anterior banda, Hiroshima, y los recién formados Judas Priest se dispusieron a pasar la mayor parte de 1973 y 1974 de gira. Tocaban prácticamente en todas partes de la región de Midlands, y poco a poco se fueron expandiendo hacia el sur del país, Londres y, finalmente, otras partes de Europa. Aunque el público era receptivo, conseguir un contrato discográfico resultó ser una tarea difícil. Finalmente, un pequeño sello subsidiario, Gull Records, le ofreció un contrato a Priest justo antes de una gira por Escandinavia.
Al mismo tiempo, Ken también comenzó a usar un nombre artístico abreviado: KK.
Las iniciales nacieron durante la gira europea de Priest cuando una chica en Dinamarca no pudo pronunciar el nombre de Downing y simplemente lo llamó KK. El nombre se quedó. Antes de que comenzaran las sesiones de grabación, Gull insistió en que la banda añadiera un segundo guitarrista para mejorar el sonido. Glenn Tipton se unió procedente de The Flying Hat Band y así se completó el núcleo de Judas Priest. A mediados de los 70 era algo inusual tener dos guitarristas principales, por lo que incluso en sus inicios Priest exploraba nuevos territorios.
El álbum debut de Judas Priest, sin embargo, dejó entrever poco del futuro ataque de guitarras de Downing y Tipton. "Rocka Rolla" era una mezcla de sus influencias de los setenta y aún no reflejaba su deseo de evolucionar hacia un sonido hard rock más melódico. Tampoco tuvo mucho éxito en las listas, pero la banda, a pesar de ello, siguió adelante con sus giras constantes.
Sin embargo, con su segundo y último álbum para Gull, “Sad Wings Of Destiny”, Judas Priest demostró ser una fuerza a tener en cuenta. Hoy universalmente aceptado como uno de los álbumes pioneros del heavy metal, “Sad Wings” incluyó una primera muestra de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico en forma de “The Ripper” y “Tyrant”. También contenía el que probablemente sea el clásico más querido de la banda, “Victim Of Changes”, una canción originalmente conocida como “Whiskey Woman” y que la banda ya tocaba mucho a principios de los setenta. Después de unirse, Rob y Glenn habían añadido sus propias contribuciones. KK hizo uno de sus solos más famosos en medio de la canción, el estilo de palanca de vibrato se convertiría más tarde en su sello distintivo.
Si bien artísticamente “Sad Wings Of Destiny” fue un triunfo, financieramente Priest estaba en una mala racha. La compañía discográfica no pudo promocionar a la banda como necesitaba en ese momento. También se estaban produciendo cambios en la formación, ya que el baterista Hinch se había marchado para entonces. En los años setenta, la banda tuvo cinco bateristas diferentes antes de decantarse por Dave Holland, antiguo miembro de Trapeze.
KK admitió: “Sabía que no sería feliz hasta que Priest lo lograra. Desde el principio, mi objetivo era alcanzar el éxito con la banda, sin importar lo difícil que fuera. Creo que todos sentíamos lo mismo porque no era algo a lo que pudiéramos renunciar de repente”.
Una nueva dirección y un nuevo contrato discográfico mundial con CBS Records finalmente llegaron y salvaron la situación. "Sin After Sin" se grabó a principios de 1977 y, además, le dio un toque especial al sonido de Priest con la potente canción de apertura "Sinner", que contenía otro solo de guitarra fulminante de KK Downing, la igualmente arrolladora "Starbreaker" y una de las canciones de metal más pesadas de la época, "Dissident Aggressor", que se mantuvo hasta el final. La banda también grabó una de sus primeras versiones, "Diamonds And Rust" de Joan Baez. Al igual que otras versiones que Priest grabó en los años siguientes, muchos las consideran hoy en día temas originales de Judas Priest. El sello que dejaron en canciones como "Diamonds And Rust" fue sin duda fuerte, ya que la grabación de Baez estaba muy alejada de cualquier cosa que se pareciera al heavy metal. Sin embargo, eso es exactamente lo que era la versión de Priest.
Durante 1977, Judas Priest conquistó nuevos territorios con su gira debut por Estados Unidos, que culminó con dos conciertos al aire libre en Oakland como teloneros de Led Zeppelin. En cuanto a los álbumes, "Stained Class" se lanzó a principios de 1978 y "Killing Machine" (titulado "Hell Bent For Leather" en Estados Unidos) más tarde ese mismo año, año en el que la banda también visitó Japón por primera vez. Los fans japoneses recibieron a Judas Priest con entusiasmo e inspirados por ello, lanzaron al año siguiente el álbum en directo "Unleashed In The East", grabado durante su segunda gira por el Lejano Oriente. Este lanzamiento en directo ha alcanzado desde entonces la categoría de clásico y sigue siendo uno de los documentos esenciales del heavy metal en directo. En el escenario, KK y Glenn habían perfeccionado su estilo de guitarra y Judas Priest ya se había consolidado con su clásico look de cuero y tachuelas. Visualmente, esto añadió una nueva dimensión, especialmente gracias a Rob Halford, quien más tarde recibiría el título de "Dios del Metal".
Al comenzar la nueva década, Judas Priest estaba a punto de dar el gran salto. Estados Unidos les había brindado una cálida bienvenida y el hecho de haber teloneado a bandas de gran éxito como Kiss les había granjeado un público nuevo. Sin embargo, en su tierra natal, el Reino Unido, se gestaba un nuevo movimiento. Como respuesta al punk, la "Nueva Ola del Heavy Metal Británico" (abreviada como NWOBHM) lo tenía todo: guitarras afiladas como navajas, melodías pegadizas, el sonido característico de los "kerrang", voces potentes, ritmos contundentes, etc. "El punk se descontroló por completo aquí", recuerda KK. "En aquel entonces, UFO y Judas Priest eran las únicas bandas de metal que seguían de gira; las demás decidieron no hacerlo o se fueron a otro sitio. Nosotros solo intentábamos sobrevivir".
Para liderar la ola de la NWOBHM, Judas Priest lanzó "British Steel" en 1980 y alcanzó rápidamente el número 4 en su país natal. Muchos aún lo consideran el momento cumbre de Priest, y sin duda tenían razón. Himnos magníficos como "Breaking The Law", "Metal Gods", "Grinder" y "United" siguen presentes en sus conciertos. Con "Living After Midnight" lograron su primer éxito potencial, alcanzando el puesto número 12 en las listas del Reino Unido. "Breaking The Law" y "United" también se convirtieron en sencillos exitosos posteriormente.
En agosto de 1980, Judas Priest actuó en la primera edición del festival Monsters Of Rock en Donington Park y, desde allí, se dirigió directamente a Ibiza para comenzar a trabajar en el sucesor de "British Steel".
1981-1989
“Point Of Entry” apareció en primavera y, aunque no fue tan potente al instante como “British Steel”, incluyó varios temas para hacer headbanging, como el rockero tema de apertura “Heading Out To The Highway” y el excelente “Desert Plains”. En la gira por Estados Unidos, la banda tocó en salas más grandes que nunca, lo que indicaba claramente que algo estaba sucediendo. Esto se hizo realidad cuando el grupo lanzó su siguiente álbum, “Screaming For Vengeance”.
Liderado por el devastador ataque de dos por dos de “The Hellion/Electric Eye” y “Riding On The Wind”, el LP estaba hecho para ser escuchado a todo volumen. Desde la emotiva “Fever” hasta la arrolladora canción que da título al álbum y el pegadizo sencillo “You've Got Another Thing Comin'”, el álbum fue el sueño de cualquier fan del metal. Pesado y melódico a la vez, las guitarras dominaban el campo con KK y Glenn en plena forma.
“Screaming For Vengeance” catapultó a la banda al éxito en Estados Unidos, alcanzando ventas que llegaron al doble platino. El videoclip de “You've Got Another Thing Comin'” se emitía constantemente en el nuevo canal de música MTV. La gira “World Vengeance” continuó su ascenso meteórico y, para el año siguiente, habían conquistado todos los rincones de Estados Unidos.
“Todos los días recibíamos informes de ventas de la discográfica y nos sorprendía lo que estaba sucediendo”, afirma KK. “El álbum alcanzó el disco de oro hacia el final de la primera etapa de la gira. Creo que el disco despegó porque parecía tener todos los ingredientes adecuados y la gente estaba totalmente preparada para él”.
Al regresar a casa, Priest se dedicó de inmediato a la producción de su siguiente disco, "Defenders Of The Faith", que, si cabe, resultó aún más metalero que su predecesor. Tras la gira, volvieron a Europa antes de tomarse su primer descanso prolongado después de diez años de arduo trabajo. Este descanso solo se interrumpió para ofrecer un breve concierto en el festival Live Aid en el verano de 1985.
En 1986, con "Turbo", Judas Priest presentó un nuevo sonido moderno, realzado por sintetizadores de guitarra y producción digital. La acogida fue dispar, pero muchos pasaron por alto que contenía algunos de los mejores temas de la banda.
KK recuerda la época de “Turbo”: “Fue por entonces cuando Glenn y yo estábamos experimentando con todo tipo de sintetizadores de guitarra. Nos impresionaron tanto que decidimos usarlos y dejar que influyeran en el sonido y la estructura del nuevo álbum. Sabíamos que causaría controversia, pero hay que ampliar horizontes y adaptarse a los tiempos. Queríamos darle una nueva dimensión al heavy metal”.
A partir del verano de 1986, la gira "Fuel For Life" los llevó por todo el mundo y resultó ser otro éxito. Se grabaron algunos conciertos en directo para un álbum doble, "Priest…Live", que incluía exclusivamente temas de la época posterior a "Unleashed". El vídeo del concierto, del mismo nombre, se lanzó simultáneamente y fue magníficamente dirigido por Wayne Isham, y sigue siendo uno de los mejores vídeos de metal jamás publicados.
“Turbo” fue concebido originalmente como un álbum doble, y algunos de los temas reaparecieron en el lanzamiento de 1988, “Ram It Down”. Este disco fue un intento de volver a las raíces más pesadas del grupo, manteniendo intacto el toque melódico de Priest en canciones como “Blood Red Skies” y la impresionante versión del clásico de Chuck Berry, “Johnny B. Goode”.
Para los conciertos en vivo, tanto la favorita de KK, "Sinner", como la muy solicitada "Beyond The Realms Of Death" volvieron al repertorio. La gira "Mercenaries Of Metal" fue un éxito, y el grupo regresó a su tierra natal para ofrecer una serie de conciertos en Gran Bretaña, los primeros en cuatro años. Sin embargo, tras este viaje hubo cambios en la formación, ya que Dave Holland se marchó por motivos familiares y Scott Travis, de la banda estadounidense Racer X, ocupó su lugar. Además, la banda se vio obligada a comparecer ante el tribunal de Reno para defenderse de las acusaciones de mensajes ocultos en una antigua grabación. Tras el fallo judicial a su favor, Priest se preparó para entrar en los 90 con fuerza.
1990-2000
El juicio y la llegada del baterista Scott Travis inspiraron a Judas Priest a regresar con fuerza con su álbum más pesado y rápido hasta la fecha. "Painkiller" estaba repleto de solos de guitarra vertiginosos, con Downing y Tipton deslumbrando con magníficos ataques simultáneos. ¡Y encima, Rob Halford gritaba como si fuera a arrancarte la cabeza! "Painkiller" y "Metal Meltdown" tenían solos de guitarra rápidos y furiosos, sin perder de vista las melodías y armonías características de Priest.
“Ese álbum fue diferente para nosotros. Era feroz y muy contundente. Pero el heavy metal estaba pasando por un momento difícil. Y en aquel entonces éramos la máxima expresión del heavy metal.”
Tras el lanzamiento de «Painkiller», Judas Priest emprendió una exitosa gira mundial que los llevó a recorrer prácticamente todos los rincones del planeta. En 1991, el álbum recibió una nominación al Grammy y, durante el verano de ese mismo año, la banda viajó por Estados Unidos como parte del festival Operation Rock'n'Roll, junto a Motörhead y Alice Cooper, entre otros. Su último concierto tuvo lugar en Toronto en agosto de 1991; este sería el último show de Judas Priest durante más de seis años y la última actuación con el vocalista Rob Halford durante casi trece años.
Tras finalizar la gira, la banda decidió tomarse un año sabático. Después de veinte años de intensa actividad, era hora de un descanso. Halford se dedicó a trabajar en un álbum en solitario, lo que finalmente lo llevó a abandonar Priesthood en 1993. Ese mismo año se publicó el álbum doble recopilatorio "Metal Works '73 – '93", que celebraba los logros de una larga trayectoria.
Desde 1994 hasta 1997, el grupo se dedicó a trabajar en material nuevo y a revisar montones de demos de todo el mundo, con muchos vocalistas aspirantes intentando conseguir una oportunidad frente al micrófono. Glenn Tipton, compañero de banda de Downing, grabó dos álbumes en solitario durante este tiempo, mientras que KK se concentró en componer material para el siguiente álbum de Priest, que prometía ser el capítulo más pesado y brutal en la historia de la banda. Priest también firmó un nuevo contrato con SPV Records (con Atlantic como distribuidora internacional) y estaba listo para empezar.
El cantante estadounidense Tim Owens pronto se unió a la banda, rebautizada rápidamente como Ripper tras su brillante audición con la misma canción, y Priest se preparó para regresar al centro de atención del metal. Finalmente lanzado en 1997, "Jugulator" fue directo al grano. Algunos fans se sorprendieron por el cambio de rumbo. Sin embargo, Priest volvía a arriesgarse y a explorar nuevos territorios musicales. KK y Glenn habían desafinado sus guitarras para el álbum y la gira posterior, por lo que incluso los viejos clásicos sonaban más pesados y brutales que nunca.
KK: “El metal había estado evolucionando, y queríamos evolucionar con él. Habían pasado siete años desde «Painkiller» y queríamos mostrar en qué punto nos encontrábamos. Además, de hecho, habíamos desafinado nuestras guitarras desde los tiempos de «Sin After Sin».”
Con Ripper ya consolidado como el nuevo líder de Priest, era el momento perfecto para un nuevo álbum en directo de la banda. Así nació "Live Meltdown '98", grabado alrededor del mundo, que incluía temas de todas las épocas de Priest y mostraba el innegable talento vocal de Owens. "Meltdown" fue quizás un disco más directo y contundente debido a los recintos más pequeños y las guitarras desafinadas. Sin embargo, la potencia arrolladora de temas como "Grinder", "Painkiller" y "Jugulator" —por nombrar solo algunos— estaba presente y fuerte. Tras una breve gira por Estados Unidos en otoño, Priest se tomó un descanso para recargar energías antes de regresar con un álbum para el nuevo milenio.
2001 – presente
El segundo álbum de la banda con SPV y Owens como vocalistas, "Demolition", se publicó en el verano de 2001. Además, llevó a la banda a experimentar con sonidos de metal moderno, algo que ya habían experimentado en "Jugulator". Sin embargo, el álbum aún presentaba algunas canciones con claras influencias del pasado de la banda, siendo dos potentes temas, "Bloodsuckers" y "One On One", buenos ejemplos de ello.
La extensa gira mundial "Demolition World Tour" llevó a la banda por todo el mundo hasta mediados de 2002. Un concierto especial en la Brixton Academy de Londres en diciembre de 2001 fue grabado para el primer DVD de conciertos completos de Priest, "Live In London", lanzado al año siguiente.
En 2003, mientras la banda se tomaba un descanso de las giras y las grabaciones, se programaron algunos eventos especiales. Se lanzó otro DVD, "Electric Eye", que recopilaba todos los videos promocionales oficiales de la banda de la era Halford en un solo disco. También se planeó una enorme caja recopilatoria, "Metalogy", para 2004. Fue en esta ocasión cuando Rob Halford volvió a formar parte de Judas Priest. Aunque los miembros de la banda ya habían hecho las paces con Halford, esta fue la primera vez que todos estuvieron juntos para tener una conversación seria. Inicialmente, todo giró en torno a "Metalogy" y otras reediciones de Priest, pero finalmente se tomó la decisión de reagruparse. La reunión de Priest se anunció oficialmente en el verano de 2003.
Desde el principio, la banda dejó claro que no se reunían simplemente para una gira nostálgica, sino que estaban totalmente comprometidos a seguir adelante con un nuevo álbum de estudio. Se finalizó un nuevo contrato con Sony y, para tantear el terreno, Priest se unió al festival anual Ozzfest en el verano de 2004 para una serie de fechas en Estados Unidos. Antes de esto, la banda había ofrecido sus primeros conciertos en casi 13 años con Rob Halford como vocalista principal, en forma de algunos conciertos al aire libre y en recintos cerrados en Europa.
Priest recibió una cálida bienvenida por parte de sus fans a ambos lados del Atlántico, y en la primavera de 2005 marcó su regreso triunfal con "Angel Of Retribution". Tanto KK como Glenn demostraron su talento con solos de guitarra de gran calidad en temas emblemáticos del metal como "Deal With The Devil", "Judas Rising" y "Hellrider". El álbum también mostró la versatilidad de Priest en canciones como la hermosa "Angel", la melódica "Worth Fighting For" y los sonidos doom del épico tema que cierra el álbum, "Lochness".
Tras el lanzamiento de «Angel Of Retribution», Judas Priest emprendió otra gira mundial que batió récords, entre cuyos momentos más destacados se encontraban varias presentaciones con entradas agotadas en el legendario Budokan Hall de Tokio. De estos conciertos se extrajo el DVD «Rising In The East», publicado a finales de 2005 tras la conclusión de la gira. En 2008, Judas Priest lanzó el ambicioso álbum conceptual «Nostradamus», que abordaba la vida y los crímenes del profeta de la Edad Media. El álbum contenía una asombrosa variedad de temas, con influencias de toda la trayectoria de la banda, especialmente de obras maestras de los años 70 como «Sad Wings Of Destiny» y «Sin After Sin».
Después de una exitosa gira para promocionar el álbum y otra para celebrar el 30 aniversario de “British Steel”, KK anunció su retiro de la banda. 40 años después del primer concierto de Judas Priest, KK reflexionó sobre su larga carrera: “Siento que Priest ha jugado su papel en la historia de la música y me siento muy orgulloso de haber logrado lo que hemos logrado. Así que hay una buena sensación positiva dentro de mí y, por supuesto, me siento muy en deuda con los fans de todo el mundo. He tenido la suerte de haber tenido una gran vida y de haber cumplido muchos objetivos, uno de los más significativos siendo las amistades que he hecho con mis fans”.
Durante su carrera como guitarrista profesional de metal, KK ha concentrado sus energías exclusivamente en Judas Priest, por lo que aún no han aparecido discos en solitario de Downing. Sin embargo, en 2006 KK coprodujo y participó como invitado en el álbum “Storm Warning” de Violent Storm tocando solos en 2 de las 10 canciones del álbum. Más recientemente, también produjo el álbum debut de la banda Hostile, originaria de Midlands, y colaboró con ellos como coautor. En 2014, lanzó su propia línea de fragancias Metal For Men.
KK: “Siempre pensé: ‘Si hiciera un álbum en solitario, ¿no sonaría igual que Judas Priest?’. Y si fuera así, ¿no estaría desperdiciando mucho buen material? Sin embargo, creo que me encantaría producir más álbumes porque creo que hay buenas bandas por ahí”.
KK Downing dejó Judas Priest en 2011.
KK en sus propias palabras:
Sobre el secreto de la composición de canciones de Priest:
“Creo que siempre nos hemos enorgullecido, ante todo, de nuestras canciones. Siempre hemos intentado crear música que perdure en el tiempo. Si escuchas los discos más exitosos de Judas Priest, ya sea «Living After Midnight» o «You've Got Another Thing Comin'», los solos de guitarra son muy sencillos. Incluso ahora, no creo que Glenn y yo tengamos nada que demostrar como guitarristas. Si pensáramos que una canción puede valerse por sí misma sin ningún solo de guitarra, no nos molestaríamos en añadirle nada.”
Sobre los homenajes y los fans:
“Hace muchos años, cuando era un mocoso que empezaba a tocar la guitarra, lo máximo a lo que podía aspirar era a salir de mi ciudad. Jamás imaginé que otras bandas dirían que nuestra música las inspiraba. Es un gran logro poder influir en otras personas. Me considero afortunado.”
Sobre el heavy metal y el papel de Judas Priest en el género:
“Nos enorgullece formar parte del género heavy metal, conocido en todo el mundo. Es un género musical que ha llegado para quedarse, porque ya sea blues, jazz, funk, música clásica, pop, o cualquier otro, el heavy metal forma parte de él. Ninguno de esos géneros desaparecerá ni se extinguirá, y el heavy metal tampoco. Estoy seguro de ello. Es algo indiscutible.”
Sobre el futuro y las metas musicales:
“Antes de morir, me gustaría ver a la banda donde se merece. Creo firmemente que la gente lleva su música consigo toda la vida. Es decir, si eras fan de Judas Priest en tu adolescencia y recuerdas tu primer encuentro sexual, tu primer cigarrillo, tu primera pinta de cerveza, tu primer coche y todas tus primeras experiencias; si Priest formó parte de eso, entonces lo más probable es que cuando tengas 100 años y estés sentado en una mecedora, sigas escuchando a Judas Priest. Yo, sin duda, seguiré escuchando heavy metal cuando sea un viejo cascarrabias. ¡Y meceré esa mecedora mucho más rápido y con más fuerza que los demás!”
A continuación, celebramos su cumpleaños, con One More Shot At Glory.
Przemysl, Polonia… 1939 – Un año antes de que Alemania iniciara la Segunda Guerra Mundial, la hermana Alfonsja se convirtió en directora de un orfanato en Przemysl. Tenía diecinueve años. Nacida como Eugenia Wasowska, se hizo monja a raíz de una promesa que su padre le había hecho cuando tenía trece años. La joven fue atropellada por un carruaje y resultó gravemente herida. Su padre le prometió a Dios que, si su hija sobrevivía, ingresaría en un convento. Eugenia se recuperó y, tras terminar la secundaria, se hizo monja. Adoptó el nombre de hermana Alfonsja. Debido a su amor por los niños, fue asignada a un orfanato católico en Przemysl.
Poco después del inicio de la guerra, la hermana Alfonsja comenzó a acoger a niños judíos. "María" fue una de las primeras. Un día, María apareció en la puerta del orfanato. Cuando la hermana Alfonsja abrió la puerta, María susurró entre lágrimas: "Me llamo María. Soy católica. Por favor, cuide de mí". La hermana Alfonsja se percató de que una joven pareja observaba a la niña desde el linde del bosque cerca del orfanato. Inmediatamente la dejó entrar. "María" era en realidad Hedy Rosen, y la pareja que estaba al borde del bosque eran sus padres. Fingiendo ser polaca, la madre de Hedy trabajaba como lavandera en un pueblo cercano. Iba al orfanato en plena noche y dejaba comida para los niños junto a la puerta.
A pesar del peligro y la lucha diaria por mantener a los niños del orfanato, la hermana Alfonsja acogió a trece niños judíos. Nunca había suficiente comida ni medicinas, y a menudo tenía que mendigar raciones. El orfanato no tenía calefacción y el agua tenía que ser acarreada de un pozo. Los desechos humanos se recogían en cubos, que luego había que vaciar. Además de dar cobijo a los niños, el orfanato se encargaba de su educación. Dado que la hermana Alfonsja se había comprometido a acoger únicamente a niños católicos, tuvo que mantener en secreto la verdadera identidad de los niños judíos ante los sacerdotes que dirigían la iglesia local. Los trató como si fueran católicos. Asistían a misa con los demás y se les enseñó que, si un alemán les preguntaba qué querían ser de mayores, debían responder monja o sacerdote.
En la primavera de 1944, cuando los alemanes se retiraban del este de Polonia, la hermana Alfonsja llevó a los trece niños judíos a la comunidad judía de Przemysl, de la que solo sobrevivieron 300 personas. En 1950 dejó el convento y recuperó su nombre original, Eugenia Wasowska. Emigró a Australia en 1960. En 1980, viajó a Israel y se reunió con ocho de los trece niños que había salvado.
Eugenia Wasowska falleció en Australia en 2010.
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Fue honrada oficialmente el 26 de octubre de 1980 como Justa entre las Naciones.
A lo largo de una carrera de cuatro décadas, Natalie Merchant se ha ganado un lugar entre los artistas más respetados de Estados Unidos, forjando una reputación de compositora reflexiva a través de diez álbumes en solitario y seis como vocalista principal de 10,000 Maniacs, publicados por Elektra y Nonesuch Records. Su undécimo álbum, Cabinet of Wonder, una colección para niños, será lanzado por Nonesuch Records el 21 de agosto de 2026. Merchant ha realizado extensas giras a lo largo de su carrera y ha colaborado en el escenario y en el estudio con una amplia gama de artistas, entre ellos Billy Bragg, Philip Glass, David Byrne, The Chieftains, REM, Wilco, Medeski Martin & Wood, Tracy Chapman, Mavis Staples y Ladysmith Black Mambazo.
Más allá de su trabajo como artista discográfica, Merchant ha apoyado durante mucho tiempo a organizaciones sin fines de lucro dedicadas a la conservación del medio ambiente, la justicia social, la defensa de los derechos de la infancia y las artes, como Scenic Hudson, The Fresh Air Fund, Médicos Sin Fronteras, Tibet House y Planned Parenthood. Fue miembro del Consejo Estatal de las Artes de Nueva York durante cinco años y, en 2022, el senador Chuck Schumer la nombró miembro del Consejo de Administración del Centro Americano de Folclore de la Biblioteca del Congreso por un período de seis años. Su compromiso con la educación artística la llevó a ser artista residente en un programa preescolar Head Start en el norte del estado de Nueva York, donde desarrolló el Proyecto Madre Ganso, sentando las bases de Cabinet of Wonder.
Cabinet of Wonder es un álbum que incluye música y videos fruto de su colaboración multimedia con la Orquesta Sinfónica de Chicago y el Teatro Infantil de Chicago. Diseñado como un programa educativo gratuito que introduce la música, la poesía y las artes dramáticas a niños de 2 a 6 años, Cabinet of Wonder reinventa a Mamá Ganso y sus rimas mediante interpretaciones modernas del repertorio clásico infantil. Los arreglos abarcan música clásica, folk, jazz, funk, blues y mucho más, abriendo un universo de imaginación tanto en el aula como en casa, reflejando la dedicación de Merchant a la narración, la educación artística y la colaboración creativa.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Carnival.
Shalom conversa con Jordan Spencer Jacobs sobre la Teshuvá, concepto judío de arrepentimiento y retorno. Una reflexión sobre el error, la responsabilidad, el perdón y las segundas oportunidades, y sobre cómo transformar el pasado para construir un futuro desde la conciencia y responsabilidad ética.
Barbara Nell, más conocida como Barbara Cook, nació en Atlanta, Georgia, Estados Unidos, el 25 de octubre de 1927, y murió en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, el 8 de agosto de 2017. Actriz y cantante.
El sitio www.allmusic.com publicó este recordatorio firmado por William Ruhlmann.
Cantante de soprano cálida y ligera, Barbara Cook se convirtió en una exitosa intérprete de musicales de Broadway en las décadas de 1950 y 1960. En la década de 1970, se dedicó principalmente al cabaret, donde cosechó igual éxito. Nacida como Barbara Nell en Atlanta, Georgia, el 25 de octubre de 1927, mostró un interés temprano por el canto y participó en espectáculos infantiles desde niña. A los 14 años, ganó el premio de diez dólares en un concurso de aficionados en el Teatro Roxy de Atlanta, interpretando "My Devotion". En febrero de 1948, acompañada por su madre, se mudó a Nueva York para dedicarse al teatro musical. El compositor Vernon Duke, tras escucharla cantar en una audición, le recomendó actuar en Camp Tamiment, un centro vacacional de verano en los Poconos, y en el verano de 1950 fue descubierta allí por Max Gordon, quien junto a su socio Herbert Jacoby dirigía el club nocturno Blue Angel en Nueva York. Poco después, hizo su debut profesional en el Blue Angel. Como resultado, en 1951 obtuvo un papel destacado en Flahooley, un musical de Broadway con canciones escritas por Sammy Fain y EY Harburg. Se estrenó el 14 de mayo de 1951 y cerró tras solo 40 funciones el 17 de junio. Sin embargo, se grabó para un álbum del elenco original de Broadway de Capitol Records, lo que supuso el debut discográfico de Cook.
Tras el cierre de Flahooley, Cook consiguió un segundo contrato en el Blue Angel. El 9 de marzo de 1952, se casó con el actor David LeGrant. (Se divorciaron en 1965). Regresó a Broadway en una reposición de Oklahoma!, una temporada limitada en el City Center, interpretando el papel principal de Ado Annie. Se estrenó el 31 de agosto de 1953 y se representó durante 40 funciones hasta el 3 de octubre, para luego iniciar una gira nacional. Cook regresó a Nueva York para otra reposición en el City Center, esta vez de Carousel, en la que interpretó el papel principal de Carrie Pipperidge. Se estrenó el 2 de junio de 1954 y se representó durante 79 funciones, finalizando el 8 de agosto. Simultáneamente, Cook actuaba en la serie de televisión vespertina Golden Windows de la NBC, que se estrenó el 5 de julio de 1954 y se emitió hasta el 8 de abril de 1955. También en 1954, apareció en una producción televisiva de Babes in Toyland.
Toda esta exposición llevó a Cook a obtener el papel principal en su segundo musical de Broadway, Plain and Fancy. Se estrenó el 27 de enero de 1955 y se convirtió en un éxito, con 461 funciones antes de su cierre el 3 de marzo de 1956. Nuevamente, apareció en el álbum del elenco original de Broadway lanzado por Capitol Records. Luego, apareció en una producción televisiva del musical Bloomer Girl. Su trabajo más prestigioso hasta el momento llegó más tarde en 1956 cuando fue elegida para interpretar a Cunegunda en la adaptación musical de Leonard Bernstein de Cándido de Voltaire, que requería que cantara la exigente canción de soprano de coloratura "Glitter and Be Gay". El espectáculo se estrenó el 1 de diciembre de 1956 y solo tuvo 73 funciones, cerrando el 2 de febrero de 1957. Pero Columbia Records grabó un álbum del elenco que mantuvo viva la música y ayudó a que se reestrenaran años después.
A pesar de su fracaso inicial, la reputación de Cook no hizo más que crecer gracias a su participación en el espectáculo. Formó parte de una producción televisiva de "Yeoman of the Guard" de Gilbert y Sullivan, y posteriormente apareció en escena en otra reposición de "Carousel" en el City Center, esta vez interpretando el papel principal de Julie Jordan. Se estrenó el 11 de septiembre de 1957 y se representó durante 24 funciones, hasta su clausura el 29 de septiembre. Cook no tardó en embarcarse en su cuarto musical de Broadway, el más exitoso de todos, interpretando a Marian, la bibliotecaria, en "The Music Man" de Meredith Willson. Uno de los musicales de mayor duración de su época, el espectáculo se estrenó el 19 de diciembre de 1957 y ofreció 1375 funciones, finalizando el 15 de abril de 1961. (Cook participó en él hasta la primavera de 1959, cuando se retiró para dar a luz a su hijo, Adam LeGant, quien se convirtió en actor de reparto y cantante). Cantó "Goodnight, My Someone", "My White Knight" y "Till There Was You" en el escenario y en el álbum del elenco de Capitol Records, que encabezó las listas de éxitos durante 12 semanas y vendió un millón de copias. También ganó el premio Tony a la mejor actriz de reparto en un musical. (Sin embargo, fue descartada para la versión cinematográfica en favor de la ya consagrada estrella de cine Shirley Jones, y nunca desarrolló una carrera en el cine).
El estrellato teatral que Cook alcanzó con The Music Man la llevó a otras oportunidades. El 27 de abril de 1958, apareció en una adaptación musical televisiva de Hansel y Gretel con canciones de Alec Wilder en NBC. MGM Records lanzó un álbum de la banda sonora. El sello independiente Urania Records la contrató y lanzó dos álbumes en solitario, Songs of Perfect Propriety (1958), que consistía en poemas de Dorothy Parker musicalizados, y Barbara Cook Sings "From the Heart" (1959), una colección de canciones de Rodgers & Hart. Regresó a los escenarios en una reposición de The King & I en el City Center, interpretando el papel principal de Anna Leonowens. Se presentó 15 funciones, entre el 11 y el 29 de mayo de 1960. Su quinta aparición en un nuevo musical de Broadway fue con The Gay Life, cuyas canciones fueron escritas por Arthur Schwartz y Howard Dietz. Se estrenó el 18 de noviembre de 1961 y cerró sus puertas tras 113 representaciones el 24 de febrero de 1962. Capitol Records grabó el álbum del reparto, que entró en el Top 100.
En 1962, Cook grabó un álbum de estudio con el elenco de Show Boat para Columbia Records, cantando el papel principal de Magnolia. Tuvo su sexta aparición en un nuevo musical con She Loves Me; con canciones de Jerry Bock y Sheldon Harnick, She Loves Me se estrenó el 23 de abril de 1963 y tuvo 301 funciones, cerrando el 11 de enero de 1964. MGM Records lanzó la grabación del elenco en doble LP, que llegó al Top 20. En 1964, grabó otro álbum de estudio con el elenco para Columbia Records, esta vez regresando a la música de El rey y yo. Su séptimo nuevo musical de Broadway, Something More!, que tenía canciones con música de Sammy Fain y letras de Marilyn y Alan Bergman, tuvo una temporada de solo 15 funciones entre el 10 y el 21 de noviembre de 1964, y nunca fue grabado. Cook se diversificó hacia la actuación teatral no musical en 1965, reemplazando a Sandy Denny en la obra Any Wednesday en Broadway. También lanzó un sencillo titulado "Any Wednesday" con Summit Records. En el verano de 1966, protagonizó una reposición en Broadway de Show Boat, producida por el Music Theatre of Lincoln Center. La obra tuvo una temporada limitada de 64 funciones en Nueva York entre el 19 de julio y el 10 de septiembre de 1966, y luego salió de gira; RCA Victor Records grabó un álbum con el elenco.
Cook regresó a Broadway en una obra de teatro seria, Little Murders de Jules Feiffer, que se estrenó el 25 de abril de 1967 y solo estuvo en cartelera una semana (aunque una producción posterior fuera de Broadway en la que no participó tuvo mucho más éxito). No volvió a Broadway hasta cuatro años después, tiempo durante el cual apareció en reposiciones regionales de musicales como Funny Girl. Cuando creó su octavo papel en un nuevo musical de Broadway, fue en The Grass Harp, que se estrenó el 2 de noviembre de 1971 y cerró después de solo siete funciones el 6 de noviembre. (El pequeño sello Painted Smiles grabó el álbum del elenco). Cook actuó en otra obra de teatro seria, Gorky's Enemies, en 1972. En 1973, realizó una gira en una revista musical llamada The Gershwin Years, que consistía enteramente en canciones escritas por George Gershwin, que no requería que interpretara a ningún personaje más que a sí misma.
A mediados de sus cuarenta, con la escasez de ofertas para musicales de Broadway, reevaluó su carrera y decidió regresar a los clubes nocturnos y a los conciertos. Aceptó una oferta del pequeño club nocturno Brothers and Sisters, ubicado en el distrito teatral de Nueva York, en el verano de 1974, y se presentó con el pianista Wally Harper como único acompañamiento. (Harper permaneció con ella durante los siguientes 30 años). Este compromiso la llevó a asociarse con el empresario de conciertos Herbert H. Breslin y, el 26 de enero de 1975, debutó en concierto en el Carnegie Hall, seguido de presentaciones igualmente prestigiosas en el Hollywood Bowl y el Kennedy Center, así como en importantes clubes nocturnos de todo el país. De esta manera, se embarcó en una nueva y exitosa etapa de su carrera.
El espectáculo del Carnegie Hall fue grabado por Columbia Records y lanzado en 1975 como el tercer álbum en solitario de Cook (y el primero en 16 años), Barbara Cook at Carnegie Hall. Le siguió en 1977 un LP de estudio, As of Today. En 1981, su regreso al Carnegie Hall fue celebrado en el LP It's Better with a Band, lanzado por Moss Music Group (MMG). El 6 de septiembre de 1985, tuvo un papel destacado en la grabación de un concierto del musical Follies de Stephen Sondheim en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center. El doble LP resultante de RCA Victor ganó el premio Grammy de 1986 al Mejor Álbum de Reparto de un Musical. Además de las presentaciones en concierto, a veces realizaba compromisos prolongados anunciados como espectáculos de una sola mujer. En septiembre de 1986, actuó en el West End de Londres en el espectáculo titulado Wait 'Til You See Her, y el 15 de abril de 1987 ofreció la primera de sus 13 funciones en el Ambassador Theatre de Broadway, dentro del espectáculo Barbara Cook: A Concert for the Theatre. Esta última actuación le valió un premio Drama Desk.
También en 1987, Cook participó en una grabación de estudio de Carousel para MCA Classics, cantando nuevamente el papel principal de Julie Jordan. En 1988, hizo otra grabación de estudio de una versión musical de El jardín secreto, lanzada por Columbia. (Esta era una obra completamente diferente del musical del mismo nombre con canciones de Lucy Simon y Marsha Norman que llegó a Broadway en 1991). También en 1988, participó brevemente en lo que se pretendía que fuera su regreso a los escenarios de Broadway por primera vez en 17 años cuando se unió al elenco de una adaptación musical de la novela y película de terror Carrie montada por la Royal Shakespeare Company en Gran Bretaña. Sin embargo, se retiró de la producción. (Cuando llegó a Broadway en mayo, el espectáculo cerró después de cinco funciones). En diciembre de 1988, MCA Classics lanzó su primer LP en solitario en seis años, una colección de canciones de películas de Walt Disney llamada The Disney Album.
A principios de los 90, Cook actuaba regularmente en clubes elegantes como el Cafe Carlyle en el Hotel Carlyle en el Upper East Side de Manhattan, donde disfrutaba de contratos recurrentes. En 1993, firmó con el sello discográfico independiente DRG, orientado al teatro, y lanzó su primer álbum en solitario en cinco años, Close as Pages in a Book, un tributo a la letrista Dorothy Fields. En 1994, su voz se escuchó en la película musical animada Thumbelina y en su álbum de banda sonora, lanzado por SBK Records, y tuvo un segundo álbum en solitario con DRG, Live from London. Oscar Winners: The Lyrics of Oscar Hammerstein II le siguió en 1997, y luego All I Ask of You en 1999. Otro lanzamiento de DRG a finales de 1999 documentó su último espectáculo en clubes nocturnos, grabado en vivo en el Cafe Carlyle: The Champion Season: A Salute to Gower Champion. En el año 2000, se inspiró en una lista recopilada por Stephen Sondheim con motivo de su 70 cumpleaños, en la que incluía canciones que le hubiera gustado escribir. Creó un espectáculo basado en él, titulado Mostly Sondheim, que presentó en el Carnegie Hall, donde fue grabado para un álbum publicado por DRG en 2001. En 2003, DRG también lanzó un vídeo de Mostly Sondheim, que documentaba la temporada del espectáculo en el Kennedy Center. También en 2003, DRG publicó el álbum navideño de Cook, Count Your Blessings.
En la víspera de Año Nuevo de 2003, a los 76 años, debutó en la Metropolitan Opera como invitada especial en la escena de la fiesta del último acto de La viuda alegre. Tradicionalmente, la Metropolitan Opera permite a estos invitados cantar su propio repertorio en estas funciones de Nochevieja, y Cook interpretó un breve repertorio que incluía "On a Clear Day You Can See Forever"; "A Wonderful Guy" de South Pacific; un popurrí de dos de sus canciones favoritas, "He Was Too Good to Me" de Rodgers & Hart y "Losing My Mind" de Sondheim ; y, sin micrófono, "We'll Be Together Again". Cantó "espléndidamente", según el crítico Anthony Tommasini de The New York Times, quien añadió: "Que su suave voz resonara con tanta autenticidad fue un testimonio de su incomparable técnica vocal y su clara dicción".
El siguiente espectáculo unipersonal de Cook se tituló simplemente Barbara Cook's Broadway! y se presentó en el Teatro Vivian Beaumont del Lincoln Center en la primavera de 2004; DRG lo grabó para un álbum lanzado el 25 de mayo de 2004. En el espectáculo retrospectivo, cantó canciones de The Music Man, Carousel, She Loves Me y Follies, así como canciones de espectáculos en los que no había participado. En octubre de 2004, su acompañante de toda la vida, Wally Harper, falleció. Su siguiente álbum, grabado en junio de 2005 y lanzado el 6 de septiembre de 2005, se tituló apropiadamente Tribute y estuvo dedicado a Harper. El 20 de enero de 2006, regresó a la Metropolitan Opera para dar un concierto, acompañada por los invitados Audra McDonald y Josh Groban. Fue la primera vez que la ópera acogía a una cantante solista femenina no clásica en un concierto completo. DRG grabó el espectáculo, que se publicó con el título de Barbara Cook at the Met with Special Guests el 6 de junio de 2006.
Cook regresó al Carnegie Hall para un concierto con motivo de su 85 cumpleaños en 2012, y el crítico del New York Times, Tommasini, estuvo presente una vez más para evaluar su maestría, incluso a su avanzada edad: "Hace mucho tiempo, la Sra. Cook comprendió lo que realmente importa al cantar: transmitir las letras como si te estuviera confiando algo, moldear las frases melódicas para lograr una expresión conmovedora, infundir en su voz dolor, felicidad, descaro, amargura o lo que el momento requiera". En agosto de 2017, Barbara Cook falleció a los 89 años en su casa de Manhattan.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con Losing My Mind, del musical Follies, con letra y música de Stephen Sondheim y libreto de James Goldman.
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