Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Michael Thomas Pinder, más conocido como Mike Pinder, nació en Birmingham, Reino Unido, el 27 de diciembre de 1941, y murió en California, Estados Unidos, el 24 de abril de 2024. Cantautor y tecladista.
MIKE PINDER, EL INOLVIDABLE HOMBRE DEL MELLOTRON DE MOODY BLUES
Por Jesús Sanz Morales / Actualizado el 17/11/2025
Se cumple hoy un año de la muerte de Mike Pinder, miembro fundador y teclista de la banda de rock progresivo Moody Blues. El genio del mellotron.
Sólo por su inclusión en un contexto rock, la contribución de Pinder al género ha de considerarse mayúscula, gigantesca. El mellotron que tocaba Pinder se convirtió en algo esencial en la nueva música de los Moody Blues y, por ende, en un instrumento esencial en el devenir del futuro rock sinfónico- progresivo.
La mala nueva fue anunciada por un grupo de Facebook dedicado a su carrera. La publicación indicó que murió en su casa del norte de California, rodeado de su familia. «Sus últimos días estuvieron llenos de música», indicaba el texto,
Junto con la llamada “formación clásica” de Moody Blues, Pinder tocó en el histórico álbum de 1968, «Days of Future Passed», y en sus correspondientes singles “Nights in White Satin” y “Tuesday Afternoon”, así como en canciones como “Ride My See-Saw”, «The Story In Your Eyes” y “I’m Just a Singer (In a Rock and Roll Band)». Escribió y cantó el single de 1968, «A Simple Game», y muchos otros temas, incluidos varios de «Days of Future Passed».
La primera formación que se hacía llamar Moody Blues se reunió en la primavera de 1964 e incluía a Ray Thomas (voz, pandereta, armónica), Pinder (teclado y voz), el baterista Graeme Edge, el guitarrista y cantante Denny Laine y Clint Warwick al bajo y voz. Con cuatro cantantes, el grupo pudo construir un repertorio basado en el R&B norteamericano.
Los primeros Moody Blues obtuvieron varios éxitos en Inglaterra y un éxito mundial con una versión de «Go Now». Pero la banda no encontraba su sitio y se separó en 1966. Denny Laine, más tarde mano derecha de Paul McCartney en Wings, pensó que sería mejor abrirse camino por su cuenta.
Parece ser que el propio McCartney les ofreció hacer una versión de una canción rusa cuya melodía la banda decidió que no era adecuada para los Moody. Mary Hopkin acabó grabando la canción «Those Were the Days» y obtuvo un gran éxito mundial.
Warwick y Laine finalmente partieron, y fueron reemplazados por el bajista John Lodge y el guitarrista Justin Hayward, quienes también se convirtieron en los principales compositores del grupo.
El estilo musical de Moody Blues cambió con la nueva formación. Pinder había trabajado para la empresa que construyó el exclusivo Mellotron, un instrumento notoriamente voluble que rara vez se había utilizado en un contexto rock; el ejemplo temprano más destacado fue el sonido de «flauta» que se escuchó en el sencillo de 1967 de los Beatles, «Strawberry Fields Forever».
La naturaleza temperamental del versátil instrumento no fue un desafío para Pinder. “Sabía cómo estaban construidos. Sabía cómo armar el Mellotron y cómo desarmarlo”, dijo. Reemplazó algunos de los sonidos menos útiles con cintas más prácticas que contenían cuerdas orquestales y cosas similares.
Aunque Graham Bond lo empleó antes en «Baby Can It Be True» y también Manfred Mann, fue Pinder el primero que le dio al instrumento una dimensión mayestática.
Por esa época, ejecutivos del sello británico del grupo, Decca, se acercaron a Moody Blues con una idea para una especie de álbum híbrido. Pero los Moody Blues tenían sus propias ideas. La banda y el productor Tony Clarke desarrollaron un plan ambicioso para el nuevo álbum.
«Siempre quise crear algo que fuera conceptual», dijo Pinder. “Me encantaban las obras de Mantovani. Quería tener nuestros álbumes en los estantes de la gente… álbumes que la gente quisiera coleccionar y reproducir en su totalidad”.
Comenzó a trabajar en lo que se convertiría en «Days of Future Passed», con Peter Knight componiendo para la London Festival Orchestra mientras la banda trabajaba por separado con Clarke. The Moody Blues escribieron y grabaron ocho canciones que formaron un concepto: un día en la vida de un hombre común. Al menos dos de las canciones, “Tuesday Afternoon” y “Nights in White Satin”, estaban destinadas a convertirse en clásicos.
Pinder consideró Days of Future Passed como el resultado exitoso de una combinación ganadora: “el uso del Mellotron, el aporte de Tony Clarke, el apoyo de Decca, el ambiente del estudio y la creatividad combinada de los miembros de la banda”.
Las orquestaciones de Knight proporcionaron el vínculo entre las canciones pop; En conjunto, el trabajo fue uno de los primeros ejemplos de lo que más tarde se conoció como rock progresivo. En su lanzamiento en noviembre de 1967, «Days of Future Passed» obtuvo resultados razonablemente buenos en lista de álbumes británica, alcanzando el puesto 27. El sencillo de “Nights in White Satin” solo llegó al puesto 19 y no tuvo éxito en los EE. UU.
El siguiente sencillo de 1968, «Tuesday Afternoon», obtuvo mejores resultados en Estados Unidos alcanzando el puesto 24, y hubo sencillos exitosos posteriores como «Question» (1970) y «The Story In Your Eyes» (1971), pero la banda finalmente consiguió un gran éxito en 1972 cuando se relanzó en Estados Unidos «Days of Future Passed», que se disparó al puesto número 3 en la lista de Billboard, y el sencillo «Nights in White Satin», en su segunda edición, llegó al puesto número 2 en el Hot 100 de Billboard.
La carrera de Moody Blues con la formación de Thomas, Pinder, Edge, Lodge y Hayward abarcó los llamados “siete álbumes clásicos” que también incluyeron «On the Threshold of a Dream», «A Question of Balance» y «Seventh Sojourn».
Cansado de las giras, Pinder se fue después de «Octave» de 1978. Thomas continuó con la banda durante su resurgimiento en la era MTV y más allá, y se retiró del grupo en 2002. Murió el 4 de enero de 2018, a los 76 años. Graeme Edge murió en 2021. Tanto Lodge como Hayward siguen actuando, aunque por separado.
La amistad de Pinder con John Lennon lo llevó a tocar la pandereta en el álbum «Imagine», por ejemplo, en «Jealous Guy».
Tanto Pinder como Thomas estuvieron entre los seis miembros de la banda de rock progresivo que fueron incluidos en la Promoción 2018 del Salón de la Fama del Rock and Roll. Pinder fue el único que no habló en el evento.
Más tarde escribió en su sitio web: “Muchos fans de MB me han preguntado por qué no hablé en la inducción, pero cuando los Moodies subieron al escenario ya llevábamos 5 horas de ceremonia. Los de mayor edad fueron los últimos en llegar. Los discursos fueron un poco anticlimáticos en ese momento y era lógico que los miembros actuales de la gira (Edge, Hayward y Lodge) hablaran primero. Estoy feliz de que finalmente hayamos sido incluidos por el bien de nuestros fans».
«Como he dicho durante los últimos 30 años, ‘los fans son mi salón de la fama'».
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con The Afternoon.
Stephen Valentine Patrick William Allen, más conocido como Steve Allen, nació en Nueva York, Estados Unidos, el 26 de diciembre de 1921, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 30 de octubre de 2000. Actor, pianista, compositor, escritor, comediante, creador y presentador de radio y televisión.
En sus primeros años itinerantes, este conglomerado creativo unipersonal asistió a no menos de 18 escuelas. Su educación universitaria terminó en su segundo año en la Escuela Normal Estatal de Arizona en Tempe (ahora ASU), cuando aceptó un trabajo en la radio. Poco después, se unió a la infantería en la Segunda Guerra Mundial y fue destinado a Camp Roberts, California.
De regreso a Phoenix tras su licenciamiento, reanudó su trabajo como locutor, escritor, pianista y productor en la estación KOY, perfeccionando su estilo de comedia.
Tres años en la radio local le resultaron una valiosa preparación. Descubrió que podía escribir y presentar material gracioso, y que las cosas graciosas parecían ocurrirle de forma espontánea e inesperada.
En 1945, ya padre de un bebé y con otro en camino, con sus ahorros de 1000 dólares se dirigió a Los Ángeles para dar el salto a la radio. Tras trabajar en una emisora local, Allen se asoció con el locutor Wendell Noble y logró que Mutual Broadcasting Company emitiera un programa de comedia cinco veces por semana llamado Smile Time. Tras dos años en Mutual, Steve consiguió un programa de media hora de entrevistas musicales en KNX, la emisora de radio de la CBS de Los Ángeles.
Sin fanfarrias, interferencias ni estímulos, fue reduciendo gradualmente la música y aumentando la charla. También empezó a invitar a celebridades de Hollywood a que fueran a promocionar sus últimas películas o álbumes. En menos de un año, el programa de Allen se amplió a una hora y se convirtió en el programa nocturno más popular de la historia de la radio de Los Ángeles, con un público que llenaba los estudios. Una noche, cuando Steve tenía un segmento de 25 minutos del programa reservado para una entrevista con Doris Day, Doris no apareció. Con el gran hueco en la programación que llenar, Steve tomó un micrófono de suelo y, por primera vez, salió al estudio para improvisar con algunos de sus visitantes desconocidos. Como dicen en las biografías de las estrellas —y razón suficiente para decirlo aquí—, el resto es historia.
Para 1950, Steve ya se había consolidado en Los Ángeles como comediante improvisado con un programa descrito como de estructura "todo vale". (De hecho, resultó ser un ensayo general para el futuro programa Tonight). La CBS decidió que Steve estaba listo para el gran éxito, que en 1950 significaba la televisión en Nueva York. Durante los tres años siguientes, protagonizó varios programas vespertinos y diurnos, participó como invitado en programas como This is Show Business y What's My Line?, y durante más de un año presentó una serie semanal llamada Songs for Sale.
Profesionalmente, Steve había alcanzado un estancamiento exitoso, aunque para él insatisfactorio. Al mismo tiempo, su matrimonio atravesaba momentos difíciles y finalmente terminó en divorcio.
En un punto bajo, tanto profesional como personalmente, sucedieron dos cosas que, afortunadamente, cambiaron el panorama. La NBC tenía un título —Tonight— y noventa minutos de emisión. Se lo cedieron a Steve Allen, quien había desarrollado el programa local nocturno que pronto se convirtió en una institución nacional.
En segundo lugar, Steve conoció a Jayne Meadows.
Jayne, talentosa y popular actriz de cine, televisión y teatro de Broadway, nació en Wu Chang, China, donde sus padres fueron misioneros episcopales durante 14 años. Cuando llegó a Estados Unidos a los siete años, hablaba chino, pero estaba aprendiendo a hablar inglés con fluidez.
Una mujer de muchos talentos y amplios conocimientos y experiencia, Jayne había visitado todos los continentes excepto Sudamérica y Australia cuando conoció a Steve. Había protagonizado películas con Katherine Hepburn, Gregory Peck y David Niven, y en el teatro de Broadway en Another Love Story , Kiss Them for Me y Spring Again.
En un año, Jayne y Steve se casaron. Ese mismo año, el Tonight Show, ahora en la cadena NBC-TV completa, fue el programa más comentado de la televisión, catapultando a Steve a las filas de las superestrellas de la televisión.
Pero fue el cariño y la seguridad que le brindó Jayne lo que le dio la confianza y la tranquilidad necesarias para descubrir a otros Steve Allen, ocultos entre el ingenio improvisado que dirigía el programa Tonight .
Para 1956, Tonight ya había engendrado futuras estrellas como Steve Lawrence y Eydie Gorme (cuando se le preguntó si descubrió a Steve y Eydie, Steve respondió: «Sí, en el asiento trasero de un coche») y Andy Williams. Entre las estrellas que trabajaron con Allen al principio de sus carreras se encuentran Louis Nye, Don Knotts, Tom Poston, los hermanos Smothers, Don Adams, Bill Dana, Jim Nabors, Jackie Vernon, Lenny Bruce, Jonathan Winters, Tim Conway, Lou Rawls, Jackie Mason y los Muppets; la lista es casi interminable. Y algunos de los principales productores de televisión dieron el gran salto con el útil empujón de Steve: Dwight Hemion, Bill Harbach, el difunto Nick Vanoff, Dan Melnick, Leonard Stern, Jeff Harris, Bernie Kukoff, Bill Persky y Sam Denoff, por nombrar algunos.
Durante varios meses en 1956, Steve estuvo haciendo el programa nocturno Tonight de 90 minutos, un programa de comedia de una hora frente a Ed Sullivan todos los domingos por la noche (The Steve Allen Show), y aun así de alguna manera logró filmar la historia de Benny Goodman para Universal-International. Pero el ritmo increíble fue demasiado incluso para su energía aparentemente ilimitada.
Decidió abandonar el programa nocturno y sugirió a NBC que Jack Paar o Ernie Kovacs serían un excelente reemplazo. NBC decidió no seguir su consejo y, en su lugar, presentó un programa llamado America After Dark. Después de unos meses bostezantes durante los cuales cada vez más estadounidenses se iban a dormir más temprano, la cadena decidió que Steve tenía razón después de todo. Jack Paar y la mayor parte de la nación estuvieron de acuerdo. El Show de Steve Allen, en horario estelar los domingos por la noche, continuó sin interrupción hasta 1960, en una batalla de audiencia muy reñida con el Show de Ed Sullivan. Tras ganar el Premio Peabody al mejor programa de comedia de 1960, Steve finalmente dejó la cadena tras siete años en la NBC.
Afortunadamente para los fans de Steve Allen, "descanso" era una palabra poco común en el léxico de Allen. Entre 1961 y 1962, Steve apareció en un programa de comedia semanal en ABC-TV, y al año siguiente regresó a su antiguo formato "Tonight" para una serie sindicada de Westinghouse.
Tras casi tres años en esto, Steve regresó a CBS durante tres temporadas como presentador de "Tengo un Secreto" (Goodson y Todman también lo llamarían posteriormente para presentar la versión sindicada de 1972 de este programa) y, en el verano de 1967, apareció en un programa de comedia semanal con su esposa Jayne para la misma cadena.
El programa de la CBS resultó ser un preludio para su tercera temporada, para Filmways y Golden West, que se emitió de 1968 a 1972.
"Es irónico", dice Steve sobre estos últimos programas, "en nuestras reuniones de producción solíamos oír a alguien decir: 'No hagamos una de nuestras viejas rutinas; así es como lo hacen en el programa de Carson', o 'Dick Cavett hizo eso la otra noche, busquemos otra forma de hacerlo'". "Incluso a veces me he encontrado pensando lo mismo. Sin embargo", dice Steve con una sonrisa triste, "fueron los antiguos programas de Tonight los que marcaron el formato, el ritmo y la dirección de los programas de entrevistas cómicas que siguieron. El único cambio significativo en el formato básico de Tonight lo hizo Jack Paar: instaló un sofá para que los invitados se sentaran".
En 1976, Allen triunfó con otro formato de comedia, Laughback , un programa semanal de 90 minutos que reunía a muchos de sus antiguos compañeros en grabaciones en directo, así como en grabaciones con los mejores momentos de programas memorables del pasado. Emitido en los principales mercados de máxima audiencia, Laughback contó con figuras clave de Allen como Louis Nye, Jonathan Winters, Bill Dana, Don Knotts, Tom Poston, Foster Brooks, Gabe Dell, Jayne Meadows, Skitch Henderson y Tim Conway.
Entre sus comedias televisivas se encuentra el divertidísimo concurso anual Unofficial Miss Las Vegas Showgirl Beauty Queen Pageant de ABC-TV, una parodia de los concursos de belleza que casi desafía la parodia. El primero, en 1974, fue aclamado por Johnny Carson como "el programa más divertido del año".
Igualmente entretenido fue el especial de televisión de la Academia Americana del Humor, que Allen ayudó a escribir, además de actuar en el homenaje al humor.
De 1977 a 1981, cuatro años gloriosos, la multipremiada Reunión de mentes de Allen, serie transmitida por la cadena PBS. Los programas, en formato de tertulia, presentaban debates serios con invitados como Aristóteles, Platón, Sócrates, Agustín, Santo Tomás de Aquino, Karl Marx, Voltaire, Adam Smith, Florence Nightingale, Elizabeth Barrett Browning, Cleopatra, María Antonieta y otras figuras históricas.
De esta notable serie, escrita y presentada por Allen, el historiador Will Durant, una autoridad como él, comentó: «Meeting of Minds fascinó a nuestra familia. Nos pareció una concepción original y valiente... una obra maestra de presentación».
Steve y Jayne también ofrecieron con frecuencia sus conciertos y espectáculos en clubes nocturnos en teatros de todo el país, con gran éxito de crítica, durante las décadas de 1960 y 1970.
También estuvieron de gira, a mediados de los años 70, en el programa Tonight at 8:30 de Noel Coward, recibiendo elogios de la crítica como: "un espectáculo sumamente entretenido. El talentoso Allen está maravilloso en los dos números cómicos... Allen es, sin lugar a dudas, uno de los hombres más divertidos de Estados Unidos. Su esposa está soberbia en las tres obras, utilizando todo el espectro de su capacidad dramática".
Las décadas de 1980 y 1990 fueron las más activas en los más de 50 años de carrera de Steve Allen, quien en 1986 fue incluido en el Salón de la Fama de la Academia de Televisión. En las décadas de 1950 y 1960, cuando participaba en series de televisión semanales o nocturnas, sus actividades extracurriculares eran necesariamente limitadas. En los últimos años, al seguir apareciendo como invitado en programas de cadenas y sindicados, Allen tuvo más tiempo para escribir libros, protagonizar espectáculos dramáticos ocasionales, dar conciertos importantes, actuar en teatros y clubes nocturnos de todo el país, componer más canciones y grabar más álbumes.
Durante la década de 1980, Allen protagonizó dos series limitadas en horario estelar para NBC: The Big Show y The Steve Allen Comedy Hour; produjo la cuarta temporada de su serie ganadora de premios Emmy y Peabody, Meeting of Minds para PBS, y recibió elogios de la crítica por su presentación de la 32.ª edición anual de los premios Emmy, interviniendo en el último minuto durante una huelga en curso de SAG-AFTRA (y contribuyendo con sus honorarios al fondo de huelga de los sindicatos).
En Nueva York, su comedia musical "Seymour Glick is Alive But Sick" recibió excelentes críticas durante su presentación en el Hotel St. Regis.
A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, Allen publicó 28 libros nuevos, sumando un total de 54 obras.
El talentoso comediante, escritor, compositor, letrista, actor, concertista y conferenciante (hasta el infinito) era un hombre alto (1,90 m) y 90 kg, casado durante más de 46 años con la bella y versátil actriz Jayne Meadows. Vivieron durante más de 40 años en una cómoda casa en la ladera con vistas al Valle de San Fernando. Entre sus visitantes frecuentes se encontraban su hijo Bill, presidente de Meadowlane Music y Meadowlane Enterprises y expresidente de MTM Television en Hollywood, y los tres hijos de Steve de su primer matrimonio: Steve Jr., médico y conferenciante en Ithaca, Nueva York; Brian, presidente de Windermere, Cronn & Caplan, agentes inmobiliarios en Portland; y David, compositor de San Francisco. (El matrimonio de ocho años de Allen con la difunta Dorothy Goodman, a quien conoció mientras asistía a la Escuela Normal Estatal de Arizona, terminó en divorcio en 1952). Steve solía decir que su papel favorito en la vida era el de abuelo, uno que interpretó con mucha práctica, ya que tenía 12 Nietos.
La mente clara y abierta de Allen le permitía pasar con soltura de los temas más complejos a la comedia disparatada. La usaba las 24 horas del día, encontrando ideas literalmente despierto y dormido. Siempre listo para extraerlas, Allen tenía pequeñas grabadoras por todas partes: en sus bolsillos, en el baño, junto a su cama, en su coche. Este sistema le proporcionaba la materia prima para sus numerosas actividades.
«Siempre estoy ocupado», comentó, «pero siempre hago cosas que disfruto. Rara vez me ocupo de cosas que me molestan». Tengo mucha suerte de que no a muchos se nos permita vivir por placer y que nos paguen por ello.
Pero a veces es difícil para el observador captar la esencia del personaje. Allen, por ejemplo, fue un comediante televisivo con casi 50 años de trayectoria que escribió un tratado académico sobre el trabajo agrícola migratorio titulado " La tierra es nuestra mesa".
Relató los delitos de cuello blanco en "Estafa: La corrupción que plaga América". Y en el año 2000, escribió un éxito de ventas sobre la elevación de los estándares de la cultura popular titulado "Vulgarians at the Gate". Steve Allen, el actor que protagonizó "La historia de Benny Goodman" de Universal, es el mismo hombre cuyos poemas han aparecido en Atlantic Monthly y Saturday Review, y quien ha publicado dos libros de poesía.
Steve Allen, compositor de más de 7900 canciones, fue el mismo hombre que escribió la popular novela Not All of Your Laughter, Not all of Your Tears.
Allen, letrista de canciones tan populares como "South Rampart Street Parade", "Picnic", "Gravy Waltz", "Mary Hartman-Mary Hartman" y "This Could be the Start of Something Big", también protagonizó en Broadway The Pink Elephant.
Steve Allen, autor de 54 libros publicados, que abarcan desde poesía hasta cuentos, humor, autobiografía y política, también fue el compositor y letrista del musical Sophie e, sobre la fallecida Sophie Tucker; y, en 1986, compuso la banda sonora para la versión televisiva de Alicia en el país de las maravillas de CBS.
Steve Allen fue el compositor de la banda sonora de la película de MGM, A Man Called Dagger, y, sin embargo, el mismo hombre que escribió y produjo un galardonado documental televisivo sobre el crimen organizado.
Como dijo Andy Williams, buen amigo de Allen: «Steve hizo tantas cosas que es el único hombre que conozco que aparece en todas las Páginas Amarillas».
El gusto de Steve por la comedia, tanto la alta como la popular, le surgió de forma natural: su madre era la popular comediante de vodevil Belle Montrose. (Su padre, Billy Allen, el hombre serio de Belle, falleció antes de que Steve cumpliera dos años). Aunque se crio en el mundo del espectáculo, viajando de ciudad en ciudad, solía terminar en Chicago, hogar de la familia de su madre, católica irlandesa y de clase media-baja, cuyo humor Steve describió como «sarcástico, volátil, a veces despectivo, pero muy divertido».
Steve escribiría posteriormente un drama semiautobiográfico basado en recuerdos de su infancia. The Wake se estrenó mundialmente en el Teatro Masquers de Hollywood en el otoño de 1971.
En 1978, The Wake tuvo una exitosa temporada en el circuito teatral de la región este, con el propio Allen en uno de los papeles protagonistas.
Recibió elogios tanto de la crítica como del público, y fue nominada a Mejor Obra por el Círculo de Críticos de Televisión de Los Ángeles. The Wake fue producida en 1991 por una compañía teatral de Milwaukee, y en 1992 completó una exitosa temporada en el Celtic Arts Center de Los Ángeles. Steve también adaptó la historia a novela, que fue publicada por Doubleday.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con This Could Be the Start of Something Big con Steve Allen, Steve Lawrence, Eydie Gorme, Ann Sothern y Dinah Shore.
Vista de la Iglesia Católica de San Francisco, donde los fieles fueron atacados por hombres armados durante la misa dominical, en Owo, Ondo, Nigeria, el 6 de junio de 2022 (REUTERS/Temilade Adelaja)
Extraigo esta reflexión de una entrevista con el papa Francisco en 2014. En aquellos momentos yo estaba preparando un libro sobre la persecución de los cristianos en el siglo XXI que publicaría en 2018 con el título de “S.O.S. cristianos”. El objetivo de mi libro era doble: por un lado, denunciar la persecución sistemática que sufren los creyentes en Cristo; y por el otro, romper lo que Julio María Sanguinetti tildó, en su prólogo, como un “ominoso ostracismo informativo”.
Más de diez años después, la afirmación del Santo Padre no solo no ha sido desmentida, sino que resulta dolorosa y trágicamente ratificada: en el siglo XXI hay más mártires cristianos que en los tiempos de las catacumbas, en una sangría que parece imparable. Coptos, asirios, siríacos, ortodoxos, católicos y protestantes, todas las familias del cristianismo sufren el estigma de la cruz. No se trata de una persecución aleatoria surgida de contingencias puntuales (zonas de conflicto, procesos migratorios, guerras), sino de una persecución ideológica, especialmente vinculada a la expansión del salafismo ideológico, profusamente contrario a los valores morales y éticos de las enseñanzas de Jesús, que dieron forma a los valores occidentales. No es una casualidad, por ejemplo, el rosario de ataques a mercados navideños en Europa porque en la concepción integrista islámica, después de los judíos, vienen los cristianos. Ese era el lema que se coreaba en el Mosul del Estado islámico: “primero por el sábado, y después por el domingo”.
El nivel de persecución es de tal magnitud que puede considerarse una limpieza étnica en un sentido religioso, con comunidades con más de dos mil años de historia en su tierra, que ahora están desapareciendo. Coptos en Egipto, asirios y caldeos en las llanuras del Nínive, siríacos del Kurdistán turco, silo malabares del sur índico, todo tipo de comunidad milenarias que sobrevivieron a grandes imperios, pero no consiguen sobrevivir al siglo XXI, diezmados por la violencia, la represión y la obligada diáspora. Como triste ejemplo, el de la comunidad ortodoxa siríaca que se remonta al siglo I (es la más próxima a los raíces semíticas del cristianismo) y cuya lengua es una variante del arameo. En el siglo XX superaban los quinientos mil fieles y ahora, en el 2025 no llegan a dos mil. Sus monasterios e iglesias abandonadas y semi derruidas decoran los campos del Kurdistán turco.
Si los ejemplos concretos son lacerantes, los datos globales del año 2024, extraídos del informe de la fundación Puertas Abiertas que hace años que monitoriza la persecución de los cristianos, son trágicos: 4744 cristianos asesinados por su fe; 7679 iglesias atacadas; 380 millones de cristianos en situación de discriminación, persecución y violencia. Es decir, 1 de cada 7 cristianos del mundo sufre alto niveles de riesgo, desde la discriminación y la segregación legal, en los países donde se impone la sharia -con penas que pueden llegar a condena de muerte-, hasta el asesinato, allí donde actúa el terrorismo yihadista. A excepción de Corea del Norte, que tiene el horrible mérito de ser el país más peligroso del mundo para los cristianos-solo puede haber un Mesías en el imperio de Kim Jong-un-, el resto de los veinte países más peligrosos son islámicos o sufren la presión del islamismo. El caso de Nigeria es el más clamoroso, con sistemáticas
matanzas de católicos por parte de Boko Haram. Lo mismo ocurre en Mali, en Burkina Faso, en Somalia, en el Yemen, en Libia, en Pakistán, en Afganistán...
La realidad es inapelable: las comunidades cristianas tienen sus derechos básicos diezmados, violentados y reprimidos en múltiples países, y en otros directamente son asesinados. Desde no poder celebrar la Navidad u otras celebraciones religiosas, a tener prohibido cualquier símbolo cristiano, de sufrir segregación social a tener diezmados sus derechos judiciales, y así un largo etcétera, y ello en los países donde “solo” sufren discriminación por ser cristianos. En los lugares donde su fe es un objetivo yihadista, simplemente no pueden vivir. Y todo ello pasa ante la clamorosa indiferencia internacional, sin prensa que ponga el foco, ni pancartas de ruidosos manifestantes, ni campus universitarios sublevados, ni izquierdosos salvadores del pueblo, ni ONUS escandalizadas. Los cristianos no interesan, su dolor no duele, y su muerte no es noticia. Sufren la nada, el ostracismo, el silencio cómplice...
Enrique Jorrín Oleaga nació en Candelaria, Cuba, el 25 de diciembre de 1926, y murió en La Habana, Cuba, el 12 de diciembre de 1987. Violinista, compositor, y director de orquesta.
Enrique Jorrín Oleaga. Maestro, fundador, director, orquestador y violinista de la Orquesta “Enrique Jorrín”. Compositor musical, creador del Cha Cha Chá. Considerado como de gran aporte a la historia musical de Cuba, con más de cuarenta años de vida, su ritmo y sonido se mantienen llenos de vida y energía.
Síntesis biográfica
Nació en Candelaria, Pinar del Río, Cuba, el 25 de diciembre de 1926. Su padre participó en la Segunda Guerra Mundial, como soldado del Ejército Norteamericano y muere en combate; era sastre y clarinetista de orquestas populares.
Inicios en la música
Desde muy pequeño se dedicó al estudio de la música. A los 11 años de edad creó e interpretó con la agrupación “Selección”, de la Habana Vieja, su primer danzón titulado Hilda; posteriormente integró otras agrupaciones donde se significaron: “Arcaño y sus Maravillas” y la Orquesta “Ideal”, dirigida por Joseíto Valdés Catani.
A los 12 años escribió la parte del violín de uno de los danzones más significativos y que aún forma parte del repertorio de la Orquesta “Enrique Jorrín” (Osiris) un clásico de la música cubana.
Trayectoria artística
Fue violinista, inicialmente de la orquesta del Instituto Nacional de la Música, bajo la dirección de González Mántici. En 1941ingresó en la orquesta danzonera Hermanos Contreras, donde se adentró en el cultivo de la música popular. Pasó seguidamente, a la orquesta de Arcaño y sus maravillas.
Estando en la orquesta América en los inicios de la década del cincuenta, creó la nueva forma musical bailable denominada cha cha chá. De 1954 a 1958 permaneció en México. En 1964 realizó una orquesta una gira por África y Europa.
Entre sus composiciones se destacan danzones como Hilda, Liceo del Pilar, Central Constancia; de su período de transición se destacan Unión Cienfueguera, Doña Olga, Silver Star. De la época del cha cha chá a partir de 1951 logran mayor vigencia La engañadora, El alardoso, El túnel, Nada para tí, Osiris y Me muero.
La Engañadora
La engañadora, apelando a la letra del cha-cha-chá, cuenta la historia de una joven con distribución anatómica colosal que asistía al salón de baile sito en los altos de las esquinas de Prado y Neptuno, y a quien “todos los hombres la tenían que mirar”, para descubrirse después, ¡oh, decepción!, que “en sus formas sólo relleno hay”. El cha-cha-chá se generalizó prontamente por Cuba y América Latina.
Internacionalización del Chachachá
El rey del cha-cha-chá
No sólo al maestro Jorrín se deben inolvidables chachachás: el flautista Richard Egües compuso otro famosísimo: "El Bodeguero"; Rosendo Ruiz: "Rico Vacilón. El cha-cha-chá tornó la mirada de los bailadores nuevamente hacia los Ritmos nacionales, asediados por la presencia de la música norteamericana, en particular el Rock de los años 50.
En 1954 Jorrín fundó la orquesta que llevó su nombre y un año después partió hacia México con aquel ritmo que arrebató de igual forma en el continente y que su creador denominó cha-cha-cha por el sonido de los pasos de los bailadores al arrastrar los pies sobre el piso, que el oído aguzado del músico detectó de inmediato. Pese a los años transcurridos, el chachachá no es género olvidado, ni en Cuba, ni en México, ni en otras latitudes.
Cuando se celebraron los 25 años de la aparición del cha-cha-chá, el maestro Jorrín, recibió en México un disco de oro acreditativo de las ventas de sus números más exitosos.
Muerte
Falleció a los 60 años, el 12 de diciembre de 1987 privando a la música cubana de uno de sus compositores más notables.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: La Engañadora.
Salvatore Antonio Guaragna, más conocido como Harry Warren, nació en Brooklyn Nueva York, Estados Unidos, el 24 de diciembre de 1893, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 22 de septiembre de 1981. Pianista compositor y letrista.
Harry Warren nació como Salvatore Guaragna, de padres inmigrantes italianos, en Brooklyn, Nueva York, el 24 de diciembre de 1893, el undécimo de doce hijos. Warren aprendió de forma autodidacta a tocar varios instrumentos musicales, incluyendo el acordeón y el piano. A los 15 años dejó la escuela y consiguió su primer trabajo como baterista en la banda de metales John Victor. Después, trabajó en diversas giras de carnaval, como tramoyista en un teatro de vodevil y como encargado de utilería y pianista entre bastidores en los Estudios Vitagraph.
Tras servir en la Marina de los Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial, Warren comenzó a escribir canciones. Su primer trabajo, "I Learned to Love You When I Learned My AB-C's", una de las pocas composiciones para las que escribió tanto música como letra, nunca se publicó, pero le consiguió un trabajo como pianista y promotor musical para la editorial musical Stark and Cowan. La primera canción publicada de Warren fue "Rose of the Rio Grande", escrita en 1922 con Edgar Leslie y Ross Gorman. Esto dio inicio a la colaboración de Warren con numerosos letristas a lo largo de su carrera.
Algunas de sus otras canciones notables de la década de 1920 son "I Love My Baby (My Baby Loves Me)" y "¿Dónde trabajas, John?" Warren escribió canciones para varios espectáculos de Broadway a principios de la década de 1930, incluyendo Crazy Quilt ("Encontré un bebé de un millón de dólares en una tienda de cinco y diez centavos") y The Laugh Parade ("Eres mi todo").
Entre 1929 y 1933 compuso canciones para algunas películas menores, pero se estableció en Hollywood en 1933 cuando fue contratado para trabajar con Al Dubin en "42nd Street" de Warner Brothers. Esta película presentó las canciones "Shuffle Off to Buffalo" y "You're Getting To Be a Habit With Me". Durante el resto de la década, Warren escribió unos 20 musicales con Dubin, entre ellos "We're in the Money", "I Only Have Eyes for You", "Lullaby of Broadway" (su primer Óscar, por "Gold Diggers" de 1935), "Lulu's Back in Town" y "September in the Rain". También compuso algunas canciones para películas con Johnny Mercer durante la década de 1930, entre las que destacan "Jeepers Creepers" y "You Must Have Been a Beautiful Baby".
Warren se unió a 20th Century Fox a principios de la década de 1940 y colaboró con Mack Gordon. Algunas de sus canciones más conocidas son "Chattanooga Choo Choo", "Serenata en Azul", "Tuve el Sueño Más Loco", "Nunca Habrá Otro Tú", "Nunca Sabrás" (su segundo Óscar, por "Hello, Frisco, Hello") y "Cuanto Más Te Veo".
De 1945 a 1952, trabajó en la MGM y ganó su tercer Óscar, en colaboración con Johnny Mercer, por "On the Atchison, Topeka and the Santa Fe", de The Harvey Girls. Otras canciones que Warren compuso durante este período son "This Heart of Mine" y "Friendly Star". Warren se trasladó a Paramount en la década de 1950, donde compuso su último gran éxito pop, "That's Amore". A finales de la década de 1950, compuso principalmente bandas sonoras para películas dramáticas como An Affair to Remember y Separate Tables.
En su 80.º cumpleaños, fue elegido miembro del Salón de la Fama de los Compositores. Warren falleció en Los Ángeles, California, el 22 de septiembre de 1981.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con el cortometraje Harry Warren: El compositor más destacado de Estados Unidos, de 1933, con alguno de sus temas como I Found a Million Dollar Baby y Shadow Waltz, entre otros, con la participación de Gladys Brittain and the Leaders, Margie Hines y el baile de Marguerite & Le Roy; I Only Have Eyes For You, por Dick Powell con Ruby Keeler; y uno de los grandes éxitos de Dean Martin: That's Amore.
Micheline Ostermeyer nació en Rang-du-Fliers, Francia, el 23 de diciembre de 1922, y murió en Bois-Guillaume, Francia, el 17 de octubre de 2001. Atleta y pianista.
El sitio www.as.com publicó este recordatorio firmado por Ángel Cruz.
Micheline Ostermeyer, pianista de élite mundial y doble oro olímpico en peso y disco
La francesa, tras ganar su segundo título en Londres 1948, ofreció un concierto en el Carnegie Hall. Se inició en la música y el deporte en Túnez.
Ángel Cruz Actualizado a 24 de agosto de 2018 17:58 CEST
Tras ganar su segundo título olímpico en los Juegos de Londres 1948, Micheline Ostermeyer ofreció el 4 de agosto un concierto de piano en el Carnegie Hall, una de las catedrales de la música clásica. Y es que la francesa era tal vez mejor pianista que atleta, y eso que en su época fue la mejor del mundo en los lanzamientos de peso y disco y una de las mejores en salto de altura.
Pasó su juventud en Túnez, que entonces era un protectorado francés, y allí aprendió a tocar el piano. Completó sus estudios en el Conservatorio francés, al regresar a la metrópoli, pero al estallar la Segunda Guerra Mundial, en la que Francia fue ocupada por el ejército nazi, la familia regresó a Túnez, donde, además de seguir su carrera musical, comenzó a jugar al baloncesto y a practicar atletismo. Una vez terminada la contienda, regresó de nuevo a la Francia liberada y ganó el primer premio de piano en el Conservatorio de París.
En los Juegos Olímpicos de Londres 1948, llamados de la Austeridad, porque la capital británica tenía aún las heridas abiertas de los bombardeos alemanes, fue campeona en peso y disco y bronce en salto de altura. En la actualidad la compatibilidad de estas medallas sería absolutamente imposible, pero en aquellos tiempos no era excesivamente extraño. Es curioso que sólo llevaba practicando disco tres semanas antes de ser campeona.
Dos años antes, en los Campeonatos de Europa de Oslo, fue segunda en peso y quinta en altura, y en los siguientes, los de Bruselas 1950, ganó el bronce en 80 metros vallas y peso y fue cuarta en disco.
Pero su vida, más que en el atletismo, estaba centrada en el piano, como concertista y experta en el austriaco Franz Liszt, uno de los grandes compositores de la historia. Lo explicaba así: “Dedico al piano cinco horas al día y al atletismo cinco horas a la semana”.
SU HISTORIAL
Nació el 23 de diciembre de 1922 en Rang-du-Fliers (Paso de Calais, Francia). Falleció el 17 de octubre de 2001 a los 78 años, en Bois-Guillaume.
Medía 1,79 metros y pesaba 73 kilos
Marcas personales de 1,61 en altura, 13,75 en peso y 41,92 en disco
Juegos Olímpicos
Londres 1948: Oro en peso y en disco y bronce en altura
Campeonatos Europeos
Oslo 1946: Plata en peso y quinta en altura
Bruselas 1950: Bronce en 80 mv y en peso y cuarta en disco
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con su interpretación de la Sonata para Piano Nº 2 en Si Bemol Menor Op. 36, de Sergei Rachmaninoff.
Abram Naumovich Kostelyanets, más conocido como Andre Kostelanetz, nació en San Petersburgo, Imperio ruso, el 22 de diciembre de 1901, y murió en Puerto Príncipe, Haití, el 13 de enero de 1980. Pianista, compositor, arreglador y director de orquesta.
Para muchos, el nombre de Andre Kostelanetz (n. San Petersburgo, Rusia, 22 de diciembre de 1901; f. Puerto Príncipe, Haití, 13 de enero de 1980) es prácticamente sinónimo de un género de música orquestal llamado, de diversas maneras, "fácil de escuchar", "música hermosa" (específicamente para radio), "ligera" o "semiclásica". Su repertorio incluía arreglos orquestales de canciones pop y melodías de espectáculos de Broadway, así como clásicos familiares. Siempre con el propósito de llegar a la audiencia más amplia posible, primero dejó su huella en la radio, como conductor de programas musicales bajo el patrocinio de Chesterfield Cigarettes, Coca-Cola, Ethyl Gas y Chrysler, y desde 1937 tuvo su propio programa semanal en CBS, "Andre Kostelanetz Presents". Desde la década de 1940 hasta la de 1970, grabó decenas de álbumes (hasta seis al año) en discos de 78 rpm, 45 rpm y LP para Columbia Records, vendiendo más de 50 millones de copias a lo largo de su carrera. Durante quince años dirigió la Filarmónica de Nueva York en su serie Promenade de postemporada en el Lincoln Center y Central Park, bajo el nombre de "André Kostelanetz y su Orquesta".
Kostelanetz fue igualmente influyente en la introducción de la obra de compositores estadounidenses modernos a un público amplio; entre las piezas que encargó personalmente están A Lincoln Portrait de Aaron Copland, Hudson River Suite de Ferde Grofé , Portrait of Mark Twain de Jerome Kern, New England Triptych de William Schuman, And God Created Great Whales de Alan Hovhaness, Frontiers de Paul Creston y Magic Prison de Ezra Laderman . Menos exitoso, de hecho, objeto de algunas burlas, fue Waltzes for Fiorello de Virgil Thompson. Además de sus muchos proyectos y logros musicales, Kostelanetz fue piloto, un intrépido aventurero y ávido viajero del mundo, coleccionista de amigos y autógrafos, y un importante innovador en el campo de la electrónica de audio.
André Kostelanetz nació en una familia judía adinerada y culta, pero apolítica. Su padre, corredor de bienes raíces y miembro de la Bolsa de San Petersburgo, esperaba que su hijo mayor siguiera sus pasos y desaprobaba firmemente su inclinación por la música como profesión. Sin embargo, no se opuso a que estudiara piano en el Conservatorio. Cuando en 1917 el clima político ruso se tornó amenazante para las élites, la madre de André, sus dos hermanas y su hermano pequeño, Boris, fueron enviados a Kislovodsk, en el Cáucaso, a casi tres mil kilómetros de San Petersburgo, para protegerse. Aunque solo tenía quince años, el joven André permaneció en casa. Cuando los bolcheviques llegaron al poder en octubre, su padre huyó a Helsinki y dejó a André solo al cuidado del apartamento. Mientras tanto, André estudiaba música de forma privada, ya que las escuelas estaban cerradas. Comía casi siempre en casa de amigos y familiares.
El caos de la Revolución se apoderó de su vida de forma gradual pero peligrosa. Llegó la noticia de que su madre y sus hermanos en Kislovodsk se habían quedado sin dinero. Con la decisión de encontrar un lugar donde vivir con cierto alivio, se embarcó en una serie de aventuras arriesgadas y alucinantes: un viaje en tren, barco fluvial, velero y caravana por el desierto hasta Kislovodsk en 1918, arresto y encarcelamiento (sin motivo aparente) en Armavir, rescate por un antiguo socio de su padre, regreso a Kislovodsk solo para descubrir que su familia se había marchado a Estados Unidos, hospitalización por tifus y un encuentro fortuito con un médico musical que finalmente lo llevó a ser contratado como pianista de ensayo en la ópera de Kislovodsk. Aún no había cumplido los diecinueve años. Permaneció en el puesto hasta el verano de 1920, cuando realizó un escalofriante viaje en tren —parte del cual sobre el techo de un vagón de carga— a Moscú y de regreso a lo que hoy era Petrogrado.
Su objetivo era ingresar al Conservatorio y, a pesar de llegar demasiado tarde a los exámenes de ingreso, audicionó para el director Alexander Glazunov —sin duda explicando el motivo de su retraso— y fue admitido. Durante un año y medio más se mantuvo como pianista y director asistente de la Ópera de Petrogrado, pero cuando en enero de 1922 la Ópera cerró por falta de combustible, supo que era hora de irse de Rusia: un crimen capital. Confiando en un anónimo "ferrocarril subterráneo", se dirigió a Nueva York, a su familia, incluyendo a su padre, y a una nueva vida.
Kostelanetz se estableció de inmediato como profesor de canto y acompañante de estudio. Le ofrecieron un puesto como pianista de ensayo en la Ópera Metropolitana, pero lo rechazó, considerando que la experiencia que ya tenía en ese campo era suficiente. Se propuso ser director de orquesta, concretamente director de radio, el medio del que dependía para aprender inglés. Tenía una intuición clara de que la programación televisiva tenía un enorme potencial. (Se cree y se dice que trabajó para la Ópera Metropolitana durante este período; de hecho, Kostelanetz nunca dirigió en el Met).
Obtuvo la ciudadanía estadounidense en 1928, justo cuando empezaba a trabajar en la Atlantic Broadcasting Company. El mundo de la radio se expandía rápidamente, incluso mientras la salud económica del país se deterioraba y se avecinaba la Gran Depresión; en dos años, su compañía se había integrado en una red de costa a costa, la Columbia Broadcasting System, y Kostelanetz había sido nombrado director de la Orquesta Sinfónica de la CBS. Dado que el sindicato de músicos de la época prohibía la transmisión de música grabada, incluso para anuncios comerciales, no había peligro de perder su trabajo. Estaba en el podio de lo que él mismo llegaría a llamar «la sala de conciertos más grande del mundo».
Irónicamente, fueron las limitaciones del formato radiofónico las que dieron lugar al característico sonido Kostelanetz. En primer lugar, las piezas "sinfónicas" que elegía para un programa de media hora debían caber en los veinte minutos que no ocupaban los anuncios, por lo que a menudo debían ser abreviadas o reorganizadas. Más importante aún, descubrió que la disposición habitual de los instrumentos orquestales en el escenario era cualquier cosa menos óptima para el estudio de radiodifusión. Experimentó con la colocación de micrófonos y músicos, captadores de audio suplementarios y duplicaciones inusuales de instrumentos para producir nuevos efectos y colores tonales. El resultado fue un sonido orquestal perfectamente adaptado al nuevo medio y a la industria discográfica en rápido desarrollo. (Los oyentes atentos notarán también que casi todos los temas de Kostelanetz grabados con el sello Columbia duran tres o tres minutos y medio, justo lo suficiente para una cara de un 78).
Kostelanetz conoció a la soprano francesa de coloratura Lily Pons en 1934, cuando su agente intentó que apareciera en el programa de Chesterfield. Kostelanetz quedó prendado de ella al instante, pero se dio cuenta de que estaba sobrecargada de trabajo y tenía una voz débil. Durante un año trabajaron juntos y con su profesor hasta que su voz se recuperó por completo. Para 1936, ya estaba en Hollywood rodando películas con la RKO. Cada fin de semana, Kostelanetz realizaba el vuelo de dieciocho horas que cruzaba el país desde Nueva York y de regreso para cortejarla y entrenarla. Disfrutaba tanto de volar que finalmente obtuvo su licencia de piloto. La pareja se casó en 1938.
Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, Kostelanetz se inspiró para empezar a encargar a compositores estadounidenses piezas de música programática con temas específicamente estadounidenses. La primera de ellas fue "Un retrato de Lincoln" de Aaron Copland, estrenada en una barcaza en el Potomac en abril de 1942, con narración de Carl Sandburg.
Como él mismo relata en sus memorias, Echoes: Memoirs of Andre Kostelanetz, en colaboración con Gloria Hammond (1981), Kostelanetz contribuyó involuntariamente al esfuerzo bélico de maneras de las que se percató solo mucho más tarde. Una de sus primeras grabaciones para Columbia fue un arreglo de “Clair de lune” de Debussy, del cual se enviaron muchas copias a las estaciones de la Cruz Roja en Europa con mensajes codificados destinados a levantar el ánimo de los prisioneros de guerra. “El dispositivo era simple y se basaba en el hecho de que la calidad de las grabaciones en aquellos días no era la que debería haber sido: se rayaba un mensaje en código Morse en un disco, que luego se… reproducía en el aire. Los prisioneros sabían que contenía un mensaje codificado y lo escuchaban, pero para cualquier otra persona parecía simplemente otro disco con mal ruido de superficie”. Además, prestó uno de sus aparatos, un frecuencímetro de cuya utilidad dudaba un poco, a un amigo, un marino, que pudo desarrollar un detector de submarinos funcional basado en su tecnología.
Bajo los auspicios de la USO, Kostelanetz y Pons realizaron dos giras para actuar ante las tropas estadounidenses estacionadas en el extranjero. En la primavera y el verano de 1944 visitaron el "Comando del Golfo Pérsico" (norte de África, Egipto (y las pirámides), Irán e Italia); de diciembre a marzo del año siguiente estuvieron en el Lejano Oriente (India, Birmania y China), terminando en Bélgica, Francia y Alemania, justo cuando los Aliados se adentraban en Colonia. En cada uno de estos remotos escenarios, Kostelanetz tuvo que formar su "orquesta" desde cero, con bandas del Ejército (donde las había) y cualquier músico de cuerda u otros instrumentistas que pudiera encontrar entre el personal. Lily sufrió mucho el frío en China y tuvo que cancelar muchas actuaciones. Kostelanetz tuvo varios sustos al viajar en avión de un lugar a otro, especialmente sobre el Himalaya, pero su característico gusto por la aventura no hizo más que estimular su espíritu. El momento culminante se alcanzó en Colonia, donde durante el concierto los obuses colocados justo detrás de la carpa de actuación disparaban contra el enemigo a sólo tres cuartos de milla de distancia.
De vuelta a casa, Pons y Kostelanetz se mudaron a un elegante nuevo alojamiento en Ten Gracie Square, donde compartían un balcón con Leopold Stokowski. Poco a poco, el negocio de las grabaciones dio paso a más conciertos en vivo, como director invitado en San Francisco (con motivo de la fundación de las Naciones Unidas), en el Albert Hall de Londres con la Sinfónica de Liverpool y en el Carnegie Hall con la Filarmónica de Nueva York. Con el tiempo, dirigió todas las principales sinfonías de Estados Unidos y la mayoría de las principales orquestas de Europa, Israel y Japón.
En 1958, Lily Pons decidió jubilarse y mudarse al sur de California; ella y Kostelanetz se separaron y se divorciaron. Kostelanetz nunca soñó con jubilarse. En 1960 se casó con Sara Gene Orcutt y este segundo matrimonio duró varios años.
En 1963, Kostelanetz inició la serie de verano Promenade de la Filarmónica, que comenzó en el Lincoln Center y posteriormente se trasladó a Central Park. El público se sentó en mesas, hizo picnics y bebió vino; mimos, bailarines, narradores y titiriteros completaron el programa de música clásica ligera. El aumento de los costos de producción interrumpió esta serie enormemente popular en 1978, pero el verano siguiente la Filarmónica, de nuevo con Kostelanetz en el podio, regresó a Central Park, interpretando a Stravinsky y Rimsky-Korsakoff ante una multitud récord de 250.000 personas.
El último concierto de Kostelanetz fue con la Orquesta Sinfónica de San Francisco en la Ópera War Memorial el 31 de diciembre de 1979. Después, se fue de vacaciones a Haití, donde contrajo neumonía inesperadamente y falleció. No dejó hijos.
Entre aquellos a quienes Andre Kostelanetz consideraba sus amigos cercanos estaban Richard Rodgers, Cole Porter, Irving Berlin, Jerome Kern y George Gershwin, su vecino Leopold Stokowski y la ex esposa de Stokowski Gloria Vanderbilt, los directores Serge Koussevitzky, Arturo Toscanini, Fritz Reiner, Eugene Ormandy, las personalidades de cine Marlene Dietrich y Melvyn Douglas, Oscar Levant y los pianistas Leonard Pennario y Sergei Rachmaninoff, el también arreglista Ferde Grofé, el violonchelista Pablo Casals, el agente de la OSS Jim Thompson (que desapareció en Malasia en 1967), el ex senador y candidato presidencial Birch Bayh, los escritores Somerset Maugham, James Michener, Ogden Nash y Carl Sandburg, el pintor Henri Matisse, el almirante de flota Chester Nimitz y el rey Norodom Sihanouk de Camboya.
– Lucy E. Cross
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Nunca puedo decir adiós y Volare.
