De Italia a Buenos Aires: Luis César Amadori y la sensibilidad del tango

Luis César Amadori en su juventud. Archivo Teatro Maipo.
 

De Italia a Buenos Aires: Luis César Amadori y la sensibilidad del tango 

Por Carlos Szwarcer 

Cuando Luis César Amadori llegó a Buenos Aires tenía apenas cinco años. Había nacido en Pescara, Italia, el 28 de mayo de 1902, y aunque aquella ciudad quedó atrás siendo todavía un niño, la raíz italiana permanecería integrada a su identidad. Buenos Aires habría de ser su ciudad de formación, de trabajo y de consagración, pero en su trayectoria artística pueden reconocerse también rasgos de una sensibilidad nacida de aquella primera pertenencia y enriquecida después por el mundo porteño. 

Era la Buenos Aires de la gran inmigración, una ciudad donde italianos, españoles, criollos y otras colectividades fueron modificando el paisaje humano y cultural. El tango fue una de las expresiones más acabadas de aquella convivencia. En sus calles, cafés, teatros y conventillos se cruzaban lenguas, costumbres, músicas y maneras de entender la vida, y de esa mezcla surgía una cultura popular que ya no podía considerarse patrimonio exclusivo de ninguna de sus procedencias. 

En ese ambiente creció Amadori. Dejó los estudios de medicina para dedicarse al periodismo e ingresó en el diario Última Hora en 1921. Su primera colaboración fue una crónica sobre I Puritani, de Vincenzo Bellini, un dato que no resulta menor si se observa posteriormente su estrecha relación con la música, el teatro y el espectáculo. Poco después, su actividad periodística habría de conducirlo hacia las tablas y a una trayectoria que lo llevaría a dirigir primero el Teatro Cervantes y, desde 1931, el Teatro Maipo. 

El Maipo sería uno de los grandes escenarios de esa transformación y ubicaría a su director dentro de una trayectoria que reúne a algunas de las figuras fundamentales de la revista porteña. Allí puede observarse una parte sustancial de su aporte. Se movía con naturalidad entre el teatro, la música y la canción, en un universo donde el tango encontraba nuevos espacios para llegar al público. No es casual que algunas de sus letras nacieran precisamente de esa actividad teatral. Él mismo recordaría que, al tener en sus compañías figuras como Azucena Maizani, Mercedes Simone y Sofía Bozán, comenzó a escribir letras para tangos. 

La canción ciudadana encontró en él a un letrista atento a las emociones. Amor, abandono, nostalgia, desencuentro, arrepentimiento y dolor aparecen reiteradamente en su obra. Rencor, Cobardía, Confesión, Alma de bandoneón, Desencanto y Madreselva forman parte de una producción vinculada a músicos como Charlo, Francisco Canaro y Enrique Santos Discépolo. 

Cinco de sus tangos fueron grabados por Carlos Gardel. Madreselva resulta particularmente significativa. 

La música pertenece a Francisco Canaro y la letra a Amadori; estrenado en 1931, el tango fue grabado ese mismo año por Carlos Gardel con la orquesta de Canaro. La vieja pared, la infancia, el primer amor, los desengaños y el paso del tiempo construyen allí un pequeño drama sentimental, en el que la memoria termina siendo casi tan importante como la propia historia de amor. 

Máquina de escribir de Amadori. En ella escribía obras y letras de tango.
Gentileza de Norberto Campana.

Hay en esa manera de concebir la canción una afinidad con la tradición italiana de la música y del espectáculo, particularmente en la importancia concedida al drama, la pasión y la expresión sentimental. Pero en su obra esos elementos aparecen ya fundidos con el lenguaje porteño. La tradición recibida y la experiencia adquirida en Buenos Aires no marchan por caminos separados: se encuentran en una producción que pertenece plenamente a la cultura rioplatense. 

La relación de Amadori con el espectáculo fue todavía más amplia. Periodista, autor teatral, empresario, letrista y posteriormente cineasta, participó de una cultura en la que la canción, el teatro y el cine comenzaron a estrechar sus vínculos. El estudio del CONICET sobre su archivo lo define precisamente como director cinematográfico, guionista, escritor de teatro y de tangos, empresario teatral y cinematográfico. 

El Maipo fue un ámbito donde distintas expresiones de la cultura popular porteña podían encontrarse en una misma noche: teatro, música, humor, revista y tango. La experiencia que desarrolló allí puede leerse dentro de un proceso mayor. La inmigración italiana no solamente aportó habitantes a Buenos Aires; llevó consigo músicas, formas de sociabilidad, tradiciones familiares, modos de expresión y una particular relación con el teatro y la canción. En la ciudad, aquellas herencias se encontraron con otras y fueron adquiriendo formas nuevas. 

Amadori representa muy bien ese proceso. Italia fue su origen; Buenos Aires, la ciudad que lo recibió, lo educó y lo convirtió en artista. El tango fue uno de los lenguajes en los que esa síntesis encontró expresión, mientras el teatro y posteriormente el cine ampliaron su alcance hacia públicos cada vez más numerosos. 

De este modo, su italianidad no quedó detenida en Pescara ni se convirtió en un recuerdo familiar ajeno a su obra. Se incorporó a la experiencia porteña y, como tantas otras herencias inmigratorias, terminó transformándose. 

Tal vez allí se encuentre la particular riqueza de su trayectoria. Aquel niño llegado de Italia a los cinco años terminó convertido en uno de los protagonistas de la cultura popular argentina. Su obra pertenece al tango, al teatro y al cine porteños, pero en ella también permanece aquella raíz italiana que Buenos Aires supo recibir, integrar y devolver con una identidad nueva. 

Bibliografía 

• Szwarcer, Carlos. Teatro Maipo. 100 años de historia entre bambalinas. Buenos Aires: Corregidor. 

• CONICET. Archivo Luis César Amadori: fuentes para contar la historia. Digitalización del patrimonio fotográfico y documental. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. 

• Gravina, Alfredo Dante (selección). Antología del tango: letras. Montevideo: Del Caballo Perdido, 2002. 

• Fundación Internacional Carlos Gardel. Discografía de Carlos Gardel: 1931. Información sobre las grabaciones de Gardel, entre ellas Madreselva, de Francisco Canaro y Luis César Amadori. 

• Todo Tango. “Luis César Amadori”. Biografía y repertorio de sus composiciones. 

• Todo Tango. “Madreselva”. Información sobre autores, música, letra y trayectoria del tango. 

• Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Buenos Aires Italiana. Temas de Patrimonio Cultural. Buenos Aires. 

Publicado en Tango y Gotan. Faitango: Federacion de Asociaciones Italianas de Tango Argentino. Autor: Carlos Szwarcer. 7 de octubre de 2026.

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A continuación, el tango Madreselva, de Canaro y Amadori, en la interpretación de Carlos Gardel, y la Orquesta de Francisco Canaro. 

Carlos Szwarcer es historiador, periodista y escritor argentino.    

Autor de los libros “Teatro Maipo. 100 años de historias entre bambalinas”, “Buenos Aires Sefaradi” (compilador), “El Tortoni y el Izmir, un nexo para la historia” (cuaderno del Tortoni N° 9), "Desde el umbral del Tiempo", y numerosos artículos, ensayos y narrativa publicados en prestigiosos medios nacionales y del exterior.    

También participó como coordinador en diversos emprendimientos organizados por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, y se enfoca en la diversidad porteña, los barrios, la inmigración y las colectividades, entre otros temas. 

Jeannie C. Riley

Jeanne Carolyn Stephenson, más conocida como Jeannie C. Riley, nació en Stamford, Texas, Estados Unidos, el 19 de octubre de 1945. Cantante y compositora. 

El sitio www.allmusic.com publicó su biografía firmada por Mark Deming. 

Pocos artistas en la historia de la música country alcanzaron la fama tan rápidamente como Jeannie C. Riley. Su segundo sencillo, "Harper Valley PTA", fue un éxito arrollador inmediatamente después de su lanzamiento en 1968; vendió más de cinco millones de copias en Estados Unidos y fue la primera canción de una artista femenina en encabezar las listas de country y pop simultáneamente. La canción también sentó las bases para gran parte de la carrera posterior de Riley, quien cantaba sobre el lado más duro de la vida y los escándalos de los pueblos pequeños, vistos a través de los ojos de una mujer sencilla con un espíritu orgulloso y una voz potente, realzada por el inconfundible acento tejano de su instrumento. El sonido country accesible pero desinhibido de la música de Riley adquirió un tono más suave después de que abrazara el cristianismo a finales de los 70 y lanzara álbumes como Wings to Fly de 1979 y From Harper Valley to the Mountain Top de 1981. En la década de los 90, la carrera discográfica de Riley se había desvanecido y su lucha contra la depresión la mantuvo alejada del ojo público durante la mayor parte de la década, pero hizo un discreto regreso a principios de los 2000, presentando un programa de radio y volviendo a las actuaciones en directo. 

Jeannie C. Riley nació como Jeanne Carolyn Stephenson el 19 de octubre de 1945 en el pequeño pueblo texano de Stamford. Su padre era mecánico y su madre ejercía como enfermera. Al crecer en Texas, Riley desarrolló una gran pasión por la música y soñaba con que su talento fuera la clave para una vida mejor. Riley debutó como cantante a principios de los años 60 en una actuación organizada por su tío Johnny Moore, un cantante de música country que había cosechado algunos éxitos regionales. Los aficionados locales quedaron impresionados con la actuación de Riley, y ella comenzó a cantar regularmente en los festivales mensuales de Moore. Aún no se había graduado de la escuela secundaria cuando se casó con su novio, Mickey Riley, en diciembre de 1962, y tuvieron una hija, Kim Michelle Riley, en enero de 1966. Mientras tanto, Weldon Myrick, un guitarrista de pedal steel que había tocado en varios de los conciertos de Riley en Texas, se había mudado a Nashville y sentía que la estrella emergente Connie Smith sonaba muy parecida a ella. Myrick animó a Riley a ir a Nashville y seguir una carrera como cantante, y con el tiempo Riley y Mickey hicieron las maletas y se mudaron a la Ciudad de la Música. Trabajó como secretaria en Passkey Records mientras grababa demos en su tiempo libre y finalmente llegó a un acuerdo con Little Darlin' Records, un sello de Nashville cofundado por Johnny Paycheck. En 1967, Little Darlin' lanzó su sencillo debut, "You Write the Music" con "What About Them" en la cara B. Riley grabaría material para un álbum con Little Darlin', pero después de que su primer sencillo de 45 rpm fracasara, se negaron a lanzar un segundo sencillo. 

La carrera de Riley parecía estancada hasta que Shelby Singleton, un productor y promotor que había ayudado a convertir varios discos en éxitos, escuchó una maqueta que ella había grabado para una canción llamada "The Old Town Drunk". Singleton había lanzado recientemente su propio sello de música country, Plantation Records, y estaba ansioso por grabar una canción escrita por Tom T. Hall sobre una mujer que se enfrenta a los hipócritas de un pueblo pequeño en nombre de su hija. Singleton creía que Riley tenía la voz adecuada para la canción, así que compró su contrato con Little Darlin' y la llevó al estudio para grabarla. Aunque al principio a Riley no le convenció mucho la canción, le dio una oportunidad, y en menos de una hora había grabado "Harper Valley PTA". Tras el lanzamiento del sencillo, tanto la radio country como la pop lo acogieron con entusiasmo, aunque algunas emisoras de C&W se escandalizaron por la descripción que hacía la canción de la pecaminosidad de un pueblo pequeño, y las emisoras de rock solían rechazar las canciones que no hacían concesiones al mercado crossover. En agosto de 1968, "Harper Valley PTA" alcanzó la cima de las listas de éxitos pop y country; fue la primera vez que una artista femenina lograba esta hazaña, y no volvería a ocurrir hasta 1980, cuando Dolly Parton lanzó "9 to 5". 

En cuestión de semanas, Riley pasó del anonimato al estrellato cuando "Harper Valley PTA" se convirtió en un fenómeno cultural y Little Darlin' no perdió el tiempo en lanzar su material de Riley en un álbum de 1968 llamado Sock Soul; en 1969 Capitol reeditó el mismo LP bajo el título The Songs of Jeannie C. Riley. Fue superado en ventas por el primer álbum de Riley para Plantation, llamado Harper Valley USA, que encabezó la lista de álbumes country y alcanzó el puesto número 12 en la lista pop. La canción también le valió a Riley un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina Country. "Harper Valley PTA" resultó ser el primer y único sencillo de Riley en entrar en el Top 40 pop, pero se convirtió en una presencia frecuente en la televisión nacional en 1969 y 1970, protagonizando su propio especial de televisión (titulado, por supuesto, Harper Valley PTA) y apareciendo en The Ed Sullivan Show, The Johnny Cash Show, The Bob Hope Show, American Bandstand y The Glen Campbell Goodtime Hour, además de realizar giras con frecuencia. Riley continuó cosechando éxitos en las listas de música country, colocando diez sencillos más en el Top 40 entre diciembre de 1968 y octubre de 1971. (Cinco de ellos —"The Girl Most Likely", "There Never Was a Time", "Country Girl", "Oh, Singer" y "Good Enough to Be Your Wife"— llegaron al Top Ten). Riley también lanzó cinco álbumes más para Plantation durante el mismo período, pero tras una disputa con Singleton, a quien consideraba que le pagaba menos de lo debido, dejó el sello y firmó con MGM Records. Su primer sencillo para MGM, "Houston Blues", llegó en noviembre de 1971, y en 1972 consiguió dos sencillos más en el Top 40 de música country: "Give Myself a Party" y "Good Morning Country Rain". Sin embargo, después de que "When Love Has Gone Away" alcanzara el puesto número 44 en marzo de 1973, sería la última vez que Riley lanzaría un sencillo de 45 rpm que superara el puesto 50 en las listas de sencillos country. Los contratos efímeros con Mercury y Warner Bros. dieron como resultado sencillos que tuvieron poca repercusión, y aunque Riley siguió de gira, su lanzamiento más exitoso de este período fue el álbum de la banda sonora de una adaptación cinematográfica de 1978 de Harper Valley USA, protagonizada por Barbara Eden. 

Mientras Riley lidiaba con un matrimonio infeliz, una carrera en declive y problemas financieros, experimentó un renacimiento espiritual y se convirtió al cristianismo. En 1979, lanzó un álbum de música de temática cristiana, Wings to Fly, y en 1981, publicó From Harper Valley to the Mountain Top, que apareció al mismo tiempo que sus memorias del mismo nombre. A lo largo de los años 80, Riley se centró principalmente en la música espiritual, aunque también grabó material secular en los álbumes Total Woman (1984) y Jeannie C. Riley (1986), en este último regrabó "Harper Valley PTA". El álbum Here's Jeannie C. llegó en 1991, pero una disputa con su representante a principios de los 90 volvió a meter a Riley en problemas legales y financieros, y desarrolló un caso grave de depresión clínica, que le impidió trabajar durante casi seis años. Para el año 2000, Riley había recuperado su salud física y mental, y se convirtió en la presentadora de un programa de radio semanal titulado Inside Nashville Country, además de ofrecer conciertos, dar charlas a grupos cristianos y escribir. En 2019, "Harper Valley PTA" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy, que reconoce grabaciones de mérito y trascendencia perdurables. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: Harper Valley PTA.   

Shalom – La enfermería: una vocación de servicio

Shalom – La enfermería: una vocación de servicio  

En el programa de hoy nos visitan las hermanas Lara que, con ocasión de la publicación de su libro más reciente: Isabel Zendal, La mujer que llevó la vacuna de la viruela al fin del mundo, nos acercarán al mundo de la enfermería y su papel en la sociedad y en el mundo judío. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/enfermeria-vocacion-servicio/17271682/ 

Monseñor Emanuele Levrero. Justo entre las Naciones.

Emanuele Levrero nació en Génova, Italia, el 18 de octubre de 1915, y murió en Novi Ligure, Italia, el 31 de octubre de 1999. Religioso. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.ilcittadino.ge.it publicó este recordatorio. 

Monseñor Emanuele Levrero 

Monseñor Emanuele Levrero, hijo de Emilio y Rossi Maria, nació en Génova el 18 de octubre de 1915. Fue ordenado sacerdote el 11 de junio de 1938. Fue Vicario Cooperador de los SS. Salvatore y S. Croce di Sarzano desde 1938 y Vicario Cooperador de S. Bartolomeo del Fossato en Génova desde 1941, luego Párroco desde 1955. Se convirtió en Párroco de Santa Maria Assunta en Carrosio (AL) desde el 16 de diciembre de 1975. Vicario del XV Vicariato Foráneo “Zona Norte-Alta Val Lemme” de 1986 a 1995. Fue elegido miembro del Consejo Presbiteral diocesano de 1988 a 1996. Capellán de Su Santidad desde 1976. Monseñor Emanuele Levrero terminó su día terrenal como buen obrero del Evangelio el 31 de octubre de 1999 y fue enterrado en el cementerio de Carrosio el 2 de noviembre. En su homilía, el cardenal Tettamanzi recordó cómo el hogar de Don Levrero era el de cada uno de sus feligreses (de ayer y de hoy), donde el sufrimiento y la necesidad requerían su presencia sencilla y humilde. Todos —familiares, feligreses de todas las edades y hermanos— recuerdan su capacidad de organización, su precisión en la liturgia y el canto, su profunda y sólida espiritualidad, su disposición a escuchar, su dedicación a los deberes pastorales y su generosidad al asumir cualquier compromiso, incluso el más exigente. Su estilo de vida y su ministerio se centraron en lo esencial. Solo mucho tiempo después se reconoció la labor sumamente generosa y arriesgada que realizó en favor de los judíos durante los años de la persecución nazi-fascista. 

«Jamás», escribe Mario Macciò en su libro «Génova y la Shoá: Salvados por la Iglesia», «el sacerdote ha estado tan cerca de su rebaño como durante los años de la ocupación alemana y la guerra fratricida; jamás, como en aquellos meses, los perseguidos y oprimidos han sentido la grandeza de la misión sacerdotal». La historia de Don Levrero —un «Perlasca de más allá de la Lanterna»— comenzó en los atormentados y difíciles años posteriores al 8 de septiembre de 1943. Su hermana Erminia vivía con él, haciendo de ama de llaves. 

Una tarde de mediados de diciembre, "u Petrin", ayudante del anciano sacristán de San Bartolomé, se acercó a Don Levrero y le pidió que alojara temporalmente a su hermana, a su marido y a su hija pequeña, Myriam, en el Oratorio. Habían llegado inesperadamente, tras un viaje lleno de aventuras desde Francia, huyendo de la policía de Pétain, que perseguía a los judíos: el cuñado de "Petrin" era, de hecho, judío. A esta primera familia, acogida en el Oratorio por Don Levrero, pronto se unieron otras, todas judías: encontraron refugio seguro en la cabina del cine parroquial, en el ático del Oratorio e incluso en el sótano. Don Levrero reveló sus experiencias, los peligros que había afrontado y sus intervenciones para salvar tantas vidas de la persecución nazi-fascista a tan solo unas pocas personas, entre ellas el secretario del cardenal Boetto, Don Repetto. Según los testimonios recogidos, se estima que se salvaron más de 400 personas. En Sampierdarena, quienes lo sabían intentaron ayudar a su párroco en la difícil tarea de esconder a sus "invitados". 

En aquel entonces, las limosnas en las cajas de la iglesia eran sustanciales, porque estaban destinadas a ayudar a alimentar a los "huéspedes", cuyo número aumentaba constantemente. 

El título de "Justo entre las Naciones" otorgado por la Corte Suprema de Israel fue entregado a su sobrina durante una emotiva e histórica ceremonia el 2 de diciembre de 2009 en la Sinagoga de Génova. La Dra. Sara Ghilad, asistente administrativa de la Embajada de Israel, entregó el galardón a Anna Bozano, sobrina de Monseñor Levrero (hija de su hermana mayor Emilia), quien también estuvo presente con su hermana Carla. 

Chuck Berry

Charles Edward Anderson Berry, más conocido como Chuck Berry, nació en San Luis, Misuri, Estados Unidos, el 18 de octubre de 1926, y murió en Wentzville, Misuri, Estados Unidos, el 18 de marzo de 2017. Cantante, compositor, y guitarrista. 

El sitio www.chuckberry.com publicó este recordatorio. 

La música de Chuck Berry ha trascendido generaciones. Se le respeta hasta el día de hoy porque fue un verdadero artista. Berry, también conocido como "El Padre del Rock & Roll", alcanzó el éxito observando la reacción del público y tocando en consecuencia, priorizando la diversión de sus oyentes por encima de todo. Por esta razón, canciones como "Johnny B. Goode", "Maybellene" y "Memphis" se han convertido en himnos para la juventud y la cultura popular estadounidenses. Berry es un ícono musical que estableció el rock and roll como género musical y unió los mundos blanco y negro a través de la música. Nacido en St. Louis el 18 de octubre de 1926, Berry tuvo muchas influencias en su vida que moldearon su estilo musical. Emuló la suave claridad vocal de su ídolo, Nat King Cole, mientras interpretaba canciones de blues de bandas como Muddy Waters. Para su primera presentación en el escenario, Berry eligió cantar una canción de Jay McShann llamada "Confessin' the Blues". Fue durante la función musical de su instituto, cuando el blues gozaba de popularidad pero no se consideraba apropiado para un evento de esa índole. Su audaz elección le valió una ovación atronadora, y desde entonces, Berry no podía faltar en el escenario. 

CLASES DE GUITARRA 

Berry empezó a tocar la guitarra después de eso, inspirado por su compañero en la obra de teatro escolar. Descubrió que si aprendía cambios de ritmo y acordes de blues, podía tocar la mayoría de las canciones populares que sonaban en la radio en ese momento. Su amigo, Ira Harris, le enseñó técnicas de guitarra que se convertirían en la base del sonido original de Berry. Luego, en 1952, comenzó a tocar la guitarra y cantar en una banda de club cuyo repertorio abarcaba desde blues y baladas hasta calipso y country. Berry se estaba convirtiendo en un consumado artista, incorporando gestos y expresiones faciales que acompañaban las letras. Fue en 1953 cuando Chuck Berry se unió al Sir John's Trio (que más tarde se renombró como Chuck Berry Combo), que tocaba en el popular Cosmopolitan Club de San Luis. La música country-western estaba en auge en ese momento, así que Berry decidió usar algunos de los riffs y crear su propio sonido hillbilly único. El público negro pensó que estaba loco al principio, pero no pudo resistirse a intentar bailar al ritmo de su música. Como la música country era popular entre los blancos, estos empezaron a asistir a los conciertos, y en ocasiones el público llegó a ser casi un 40% blanco. Las payasadas de Berry en el escenario llamaban la atención, pero los demás miembros de la banda también hacían lo suyo. En sus propias palabras: «Yo arrastraba las cuerdas para crear un pasaje que Johnnie (Johnson) no podía producir con las teclas del piano, pero la respuesta era tan parecida que recibía una tremenda ovación. Su respuesta sonaba similar a algunas que Jerry Lee Lewis luego empezó a tocar con maestría». 

ALGUNOS BUENOS CONSEJOS 

Más tarde, en 1955, Berry hizo un viaje por carretera a Chicago, donde casualmente se topó con un club donde actuaba su ídolo, Muddy Waters. Llegó tarde y solo escuchó la última canción, pero cuando terminó, llamó la atención de Waters y le preguntó a quién debía dirigirse para grabar un disco. Waters respondió: "Sí, Leonard Chess. Sí, Chess Records, en la esquina de la Calle Cuarenta y Siete y Cottage". Berry fue allí el lunes y descubrió que era un sello discográfico de blues donde habían grabado grandes como Howlin' Wolf y Bo Diddley. No tenía ninguna cinta para mostrar, pero Chess estaba dispuesto a escuchar si traía algunas de San Luis. Así que Berry regresó a casa y grabó algunas canciones originales, incluyendo la que sería "Maybellene", entonces llamada "Ida May", y condujo de vuelta a Chicago esa misma semana para la audición. Para sorpresa de Berry, fue esa canción country la que llamó la atención de Chess. Berry firmó con Chess Records y, en el verano de 1955, "Maybellene" alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos pop y el número 1 en las de R&B. Gracias a Chuck Berry, Chess Records pasó del género R&B al éxito comercial, y Berry se encaminaba hacia el estrellato. 

EL RESTO ES HISTORIA 

Berry continuó su éxito con temas como “Brown-Eyed Man”, “Too Much Monkey Business”, “Memphis”, “Roll Over, Beethoven!” y “Johnny B. Goode”. “Johnny B. Goode” es la obra maestra de Berry, ya que reunió todos los elementos de su sonido musical único. Consolidó su lugar en la historia del rock y lo catapultó a la fama en la década de 1950. Su popularidad le valió apariciones en televisión y cine, y realizó giras con frecuencia. El increíble éxito de Berry se debe a su capacidad para expresar las inquietudes y actitudes de su público en su música. En la cima de su éxito, Berry era un hombre negro de 30 años que cantaba para un público mayoritariamente blanco y adolescente. Apodado el “Eterno Adolescente”, el conocimiento de Chuck Berry sobre el mercado pop le permitió romper barreras raciales y tocar para un público integrado. En las décadas de 1960 y 1970, la música de Berry fue la inspiración para grupos como los Beatles y los Rolling Stones. Berry tuvo varios éxitos de regreso y en 1972 logró el primer y único número uno en las listas de pop de su carrera con "My Ding-A-Ling". En 1986, ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll, siendo el primer miembro en la historia en recibirlo. Como tributo a su omnipresencia en el mundo del rock, se seleccionó un fragmento de "Johnny B. Goode" para reproducirlo en la sonda espacial Voyager 1, demostrando que Chuck Berry y su legado rockero son verdaderamente extraordinarios.  

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos: Johnny B. Goode.    

El Diario Infobae, en su edición digital, publicó este artículo de opiñón firmado por Pilar Rahola.

Islam e izquierda: el viaje de Lenin

¿Qué une a los grupos de extrema izquierda que han capitalizado

las protestas en Francia, con los grupos vinculados al islamismo 

radical que se manifiestan a su lado?

PorPilar Rahola

Imagen de las protestas e incidentes en las manifestaciones de los últimos días en París, Francia (REUTERS/Sarah Meyssonnier)

16 Oct, 2026 05:30 a. m. AR

La escena es, en ella misma, toda una metáfora. Son dos jóvenes que gritan “grève, blocage, manifestation!” a pleno pulmón en una de las manifestaciones masivas que recorren las calles de Francia. Ambos van vestidos de negro, con su rostro cubierto, pero los matices delatan las diferencias. El primero sigue la estética de los Black bloc, extrema izquierda, ninguna marca que los delate, excepto la bandera negra con la A en un círculo, clásica del anarquismo. El segundo, muy cerca de él, también viste completamente de negro, pero su estética es la del Estado Islámico: cabeza enfundada en una balaclava, y en la frente una banda de tela verde con la Shahada (“no hay más dios que Alá y Mahoma es su profeta”) inscrita en letras árabes blancas. Ambos se manifiestan juntos. Ambos gritan contra el capitalismo. Ambos odian La Republique.

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¿Qué une a los grupos de extrema izquierda que han capitalizado las protestas en Francia, con los grupos vinculados al islamismo radical que se manifiestan a su lado? ¿Se ha producido la famosa fusión del islamo-izquierdismo asentado en la idea de la “convergencia de luchas”, que teorizó Pierre-André Taguieff en 2002 en su libro “La nueva judeofobia”? De hecho, a pesar de que Taguieff lo planteó en términos de denuncia (el riesgo de que bandos opuestos se unieran contra la democracia liberal), el concepto nació en positivo de los teóricos modernos del marxismo. El referente es Chris Harman, miembro del Socialist Workers Party, quien en 1994 ya planteó la necesidad de que la izquierda colaborara tácticamente con el islamismo porque movilizaba a las masas oprimidas por el imperialismo. La tesis quedó cuajada en su libro “El Profeta y el Proletariado”: “with the state never, with the Islamists sometimes”. Y ese, “con los islamistas a veces”, se ha convertido en la “interseccionalidad” que actualmente defienden prominentes sociólogos de izquierdas, para los que los movimientos islámicos son aliados naturales de los movimientos estudiantiles y obreros, en su lucha contra el estado burgués. De hecho, si vamos más lejos en el tiempo, la propia revolución jomeinista fue aplaudida por muchos intelectuales de izquierdas franceses que ya intuyeron la alianza que podían cuajar con esos enemigos acérrimos de Occidente.

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En todo caso, se trata de una fusión izquierdoislamista que lleva décadas de fructífera y pública relación, aunque, sorprendentemente, no haya sido detectada por la gran mayoría social. El ejemplo más evidente y llamativo fueron los pactos del chavismo con Irán, el famoso eje Caracas-Teherán que, además de los acuerdos comerciales y militares, construyó un sólido nexo ideológico basado en dos preceptos: el odio a Estados Unidos e Israel y el desprecio al sistema democrático. Otro ejemplo de ese nexo delirante fue el del líder de Podemos Pablo Iglesias que dirigió dos famosos programas (Fort Apache, de debate político, y Spoilers, de cine y política) en Hispan TV, la televisión de Irán en castellano, donde incluso permitió que las mujeres debían cumplir estrictas normas de vestimenta. La “justificación” de Pablo Iglesias para explicar la contradicción que suponía la vinculación de un político de izquierdas con una teocracia islámica violenta, fue épica. En una conferencia en 2013 abordó el tema usando el símil del “pragmatismo” de Lenin cuando en la Primera Guerra Mundial aceptó regresar a Rusia con un tren blindado alemán. Lenin quería volver para liderar la revolución bolchevique, y a Alemania le interesaba que los comunistas desestabilizaran a Rusia. Y con ese símil en boca, Pablo Iglesias explicó su alianza con Irán: “A los iraníes les interesa que se difunda en América Latina y en España un discurso de izquierdas porque afecta a sus adversarios. ¿Nos aprovecha a nosotros? Sí”.

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El presidente del Gobierno de España, Pedro Sánchez (REUTERS/Stephanie Lecocq)

Es el mismo “provecho” que explica la convergencia que se ha producido en los campus universitarios norteamericanos, en las manifestaciones de izquierdas en todo Latam, en los discursos de Pedro Sánchez y Gustavo Petro, o en las protestas europeas, a raíz de la guerra de Gaza: manifestantes de izquierdas, activistas de LGBT, neocomunistas, ecologistas, artistas y músicos progresistas, todos ellos al lado de banderas de organizaciones yihadistas como Hamas, y comprando los discursos que el islamismo ha viralizado contra Israel. La famosa consigna “desde el río hasta el mar” que forma parte de los estatutos de Hamas, y que explicita la voluntad de destruir completamente a Israel, ha sido aclamada públicamente por el gobierno español a través de su misma vicepresidenta, Yolanda Díaz, o de la ministra de Juventud e Infancia, Sira Rego. O, por rematar, las felicitaciones entusiastas del régimen iraní a Pedro Sánchez, por sus posiciones furibundamente antiamericanas y antiisraelíes.

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Sin embargo, de todos los ejemplos posibles, el más paradigmático es el de Zohran Mamdani, el musulmán chií que juró su cargo sobre el Corán y que representa como nadie la confluencia de intereses entre el islamismo político y el socialismo radical. Una confluencia que ahora siguen otros candidatos demócratas. En ambos casos (socialismo e islamismo), el objetivo es poner en jaque a la democracia liberal, cuyo modelo social combaten, y cuyos valores judeocristianos aborrecen. Se trata, pues, de una alianza táctica que instrumentaliza el descontento de las periferias, usa la narrativa de la victimización (muy arraigada en barrios de mayoría musulmana), y busca la desestabilización del sistema a través del caos social. Todo ello ha conseguido mutar la radicalización juvenil, que ha incorporado, con naturalidad, la convergencia entre la izquierda y el islamismo. De ahí que podamos observar la imagen delirante de activistas gays manifestándose con banderas de Hamás. Con un añadido que no es menor: la financiación que, vía Irán, Qatar y múltiples organismos vinculados al islamismo radical, llega a los movimientos de izquierdas. ¿O alguien consideró (más allá de Greta Thunberg, que es un caso perdido) que las protestas en los campus universitarios, o las flotillas a Gaza nacían por generación espontánea?

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La activista Greta Thunberg en la protesta frente a una escuela en Saint-Denis, en las afueras de París, el 13 de octubre del 2026 (AP/John Leicester)

Es tanta la evidencia, y son tan claras las justificaciones de los líderes de izquierdas, que sería una imperdonable ingenuidad no considerar este pacto táctico entre el islamismo radical y la extrema izquierda, como el reto más serio que debe acometer la democracia liberal. Dos grandes movimientos ideológicos han confluido y trabajan por un mismo objetivo: quebrar el sistema de libertades que cuajó en el siglo XX, y cuya solidez está en riesgo. Del ateísmo anarquizante a la teocracia islamista: la democracia como enemigo común.

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Instagram: Pilar Rahola

Luis Bonfá

Luiz Floriano Bonfá nació en Río de Janeiro, Brasil, el 17 de octubre de 1922, y murió en su ciudad, el 12 de enero de 2001. Guitarrista, cantante y compositor. 

El sitio www.musicasdobrasil.net publicó este recordatorio. 

Luís Floriano Bonfá, Luis Bonfá, nació en la ciudad de Rio de Janeiro en octubre de 1922, falleciendo en esa misma ciudad en enero del 2001. Su padre tocaba guitarra, instrumento que comenzó también a aprender a los 12 años, de oído. Más tarde se volvió alumno del maestro uruguayo Isaías Savio, se inició en música clásica e hizo parte de la orquesta de guitarras organizada por el maestro. En un concurso para seleccionar los seis mejores guitarristas en el programa "Hora do Guri", de Tia Chiquinha, en la Radio Tupi, de Rio de Janeiro, se clasificó en tercer lugar, ejecutando una pieza del español Francisco Tárrega (1852-1909). Se fue a vivir a São Paulo, donde pasó a interesarse por la música popular. Se estrenó profesionalmente en 1945 como solista de guitarra y vocalista del Trio Campesino, que se presentó como éxito en los casinos de la isla Porchat, de Santos (São Paulo), y de Icaraí, en Niterói (Rio de Janeiro). En 1946 entró para la Radio Nacional, de Rio de Janeiro, llevado por Garoto, al lado de quien tocaba en el programa Clube da Bossa y de quien asimiló gran parte de la harmonía moderna. En ese año realizó para la Continental su primera grabación, "Uma prece" y "Pescaria em paquetá" (ambas composiciones suyas). En el mismo año pasó a hacer parte del conjunto Quintandinha Serenaders, al lado de Luís Telles, Francisco Pacheco y Alberto Ruschell. Con la disolución de los Quintandinha Serenaders, en 1952, pasó a actuar solo como solista de guitarra. En 1953, Dick Farney grabó sus composiciones, entre las cuales "Ranchinho de palha", "Perdido de amor", "Sem esse céu" y "Canção do vaqueiro". Fue el guitarrista en la grabación de las músicas de la pieza "Orfeu da Conceição", de Vinícius de Moraes, hecha en 1956 para la Odeón. Excursionó por los Estados Unidos, en 1956 y en 1959, con la cantante Mary Martin, grabando LPs en la etiqueta Atlantic, con elogios de la crítica norteamericana por su virtuosismo. A partir de entonces se adhirió a la bossa nova, participando en el festival realizado en el Carnegie Hall, en Nueva York (Estados Unidos), en noviembre de 1962. Volvió a Estados Unidos para vivir durante dos años -de 1964 a 1966-, presentándose en programas de televisión y en espectáculos en salas, acompañado de su esposa y a veces parceira, Maria Helena Toledo. Escribió músicas para diversas películas, entre las cuales "Orfeu do Carnaval" (dirección de Marcel Camus, 1959), "Chico Viola não morreu" (dirección de Román Vignoly Barreto, 1955) y "Os cafajestes" (dirección de Rui Guerra, 1962). Sus composiciones de mayor éxito son "De cigarro em cigarro", samba grabado por Nora Ney en 1953; "A chuva caiu" (con Tom Jobim), toada grabada en 1955 por Ângela Maria; "Samba do Orfeu" y "Manhã de Carnaval" (ambas con Antônio Maria, para la película "Orfeu do Carnaval. Esta última, cuya primera grabación fue de Agostinho dos Santos, se convirtió en gran éxito mundial y su composición más conocida, siendo regrabada en varios países. Se clasificó en tercer lugar la composición "Dia das rosas" (con Maria Helena Toledo), en el I FIC, de la TV-Rio, Rio de Janeiro, en interpretación de la cantante Maísa. En el II FIC, de la TV Globo, en 1967, presentó "Vem comigo cantar" y "Amada canta" (ambas con Maria Helena Toledo). A partir de 1967, viviendo en Estados Unidos, se asoció con Eumir Deodato y se mudó enteramente para el jazz. Grabó, entre otros, "The new face of Luís Bonfá" (1970) e "Introspection" (1972), este considerado un clásico de la guitarra sola en Estados Unidos. En esta misma época participó, con Dom Um Romão, en el disco "The movie song album de Tony Bennett". En 1997 la cantante Ithamara Koorax lanzó "Almost in love/The Luís Bonfá Songbook", disco dedicado a la obra del guitarrista y compositor, que toca la guitarra en doce canciones del disco. Aún en 1997, la canción "Correnteza", en la voz de Djavan, fue éxito de la telenovela "O Rei do Gado", de la TV Globo. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Insensatez, con Stan Getz y la voz de Maria Toledo, y un fragmento del programa de Perry Como del 2 de enero de 1963, con una selección de temas entre otros: Tenderly, Manhã De Carnaval a dúo con Perry Como y Desafinado, con Boomie Richman.      

Zvi Dunski. Miembro de la Resistencia.

Crédito de la foto: Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos, cortesía de Frania Dunska Friedman. 

Zvi Dunski nació en Sosnowiec, Polonia, en 1922 y murió en Katowice, Polonia, en abril de 1943. Miembro de la Resistencia. 

El sitio www.collections.ushmm.org publicó este recordatorio. 

Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa Gornicza son tres ciudades vecinas situadas en el distrito de Zaglebie, en el suroeste de Polonia. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Bedzin y Sosnowiec albergaban comunidades judías de aproximadamente 28.000 personas cada una, mientras que Dabrowa contaba con 5.000. Los alemanes ocuparon las ciudades el 4 de septiembre de 1939. Cinco días después, incendiaron la Gran Sinagoga de Bedzin. Las llamas se propagaron rápidamente y arrasaron cincuenta casas contiguas. Los ataques físicos fueron acompañados de una legislación económica represiva que obligó a la población judía a renunciar a sus negocios y propiedades. En los primeros días de la ocupación, se nombraron consejos judíos independientes en Bedzin y Sosnowiec, pero a principios de 1940 el consejo de Bedzin quedó subordinado a la Zentrale der Juedischen Aeltestenraete (Oficina Central de los Consejos de Ancianos Judíos de la Alta Silesia), establecida en Sosnowiec y dirigida por el cada vez más autocrático Moshe Merin, este consejo representaba a unas cuarenta y cinco comunidades de la zona y contaba con su propia fuerza policial judía. 

Durante 1940-1941, la situación en Bedzin, Sosnowiec y Dabrowa se consideraba algo mejor que en el resto de la Polonia ocupada. Allí, los judíos residían en guetos abiertos y sus vidas conservaban una apariencia de normalidad. Como resultado, miles de judíos del centro de Polonia buscaron refugio en la zona. Además de esta afluencia, varios miles de judíos del distrito fueron reasentados a la fuerza en Bedzin y Sosnowiec en ese momento, entre ellos los judíos de Oswiecim, que llegaron en la primavera de 1941 antes de la apertura de Auschwitz-Birkenau. El Consejo Judío de Sosnowiec era responsable de elaborar listas de judíos locales que serían enviados a campos de trabajos forzados en Alemania y la Alta Silesia oriental, establecidos bajo el programa de la Organización Schmelt. Los judíos seleccionados para trabajos forzados debían presentarse en el campo de tránsito local, conocido como "Dulag". El incumplimiento conllevaba su arresto y la retirada de las cartillas de racionamiento de sus familias. Los traslados a campos de trabajo comenzaron en 1940, pero se intensificaron enormemente en la primavera de 1941, después de que Himmler decidiera utilizar mano de obra de los campos de la Organización Schmelt para la construcción de grandes fábricas que apoyaran la producción bélica alemana. El Consejo Judío también participó en la creación de talleres de propiedad alemana que empleaban a judíos. El mayor de ellos fue la Rosner Fabrik, una red de talleres que producían uniformes militares y otros bienes y servicios para el ejército alemán. De un taller con unas pocas docenas de empleados, se convirtió en un complejo fabril con tres mil trabajadores. Quienes tuvieron la suerte de conseguir puestos en estas empresas quedaron exentos (por el momento) de la deportación a campos de trabajo. A diferencia del típico capataz alemán, Rosner trataba a sus empleados con respeto y luchaba por protegerlos. Incluso les advertía de las acciones inminentes. La Rosner Fabrik permaneció en funcionamiento hasta el arresto y la ejecución de Rosner en enero de 1944. Cuando se cerraron las escuelas, las organizaciones juveniles sionistas locales se hicieron cargo de la enseñanza de los niños. También impartieron formación agrícola en pequeñas parcelas en las afueras de la ciudad. En Bedzin, a la juventud sionista local se le asignó una parcela de cien acres conocida como la "Farma", que se convirtió en un centro de actividad juvenil. La primera oleada de deportaciones a campos de exterminio tuvo lugar en mayo de 1942, cuando 1500 judíos fueron enviados a Auschwitz. Al mes siguiente, otros 2000 fueron deportados. El 12 de agosto, se ordenó a todos los judíos que quedaban en las tres localidades que se presentaran en el campo de fútbol de Sosnowiec, supuestamente para que se les revalidara su documentación. En cambio, se llevó a cabo una selección masiva que resultó en la deportación de 8000 personas a Auschwitz. Los movimientos juveniles, liderados por el activista de Hashomer Hatzair, Zvi Dunski, llevaron a cabo una campaña instando a sus compatriotas judíos a no presentarse a las deportaciones. También comenzaron a organizar unidades de resistencia clandestinas. La "Farma" se convirtió en el cuartel general de la resistencia judía clandestina y fue el lugar de reuniones secretas con Mordechai Anielewicz, Arie Wilner y otros líderes de la Organización Judía de Combate en el gueto de Varsovia. La resistencia concentró sus esfuerzos en adquirir armas y construir búnkeres en preparación para una revuelta. Sin embargo, las opiniones estaban divididas entre quienes favorecían la resistencia dentro del gueto y quienes enfatizaban la búsqueda de rutas de escape. En la primavera de 1943, los judíos que quedaban en Bedzin fueron confinados a un gueto establecido en Kamionka, mientras que los que permanecían en Dabrowa y Sosnowiec fueron concentrados en Srodula. Ambos sitios colindaban y funcionaban como un solo gueto. El 1 de agosto de 1943 comenzó la liquidación final del gueto. Jóvenes sionistas ofrecieron resistencia armada en varios búnkeres, lo que obstaculizó a los alemanes y los obligó a emplear casi dos semanas en el desalojo. Unos mil judíos permanecieron en el gueto tras la liquidación. La mayoría fueron instalados en el campo de trabajo de Sosnowiec, establecido en el emplazamiento del gueto de Srodula. Estos judíos trabajaban en talleres como sastres, zapateros y carpinteros. El campo fue finalmente liquidado el 13 de enero de 1944 y sus prisioneros enviados a Auschwitz.