Liza Czapnik. Miembro de la Resistencia.

Elizaveta Iosifovna Czapnik, más conocida como Liza Czapnik, nació en 1922 en Grodno, Polonia, y murió en Beersheva, Israel, el 7 de noviembre de 2016. Miembro de la Resistencia.   

El sitio www.jwa.org publicó este recordatorio firmado por Tikva Fatal-Kna'ani.  

Liza Czapnik 1922–2016 

Por Tikva Fatal-Kna'ani 

En resumen 

Liza Czapnik viajaba sola en 1941 cuando presenció el asesinato en masa de judíos en Slonim. Mientras estuvo internada en el gueto de Grodno con su familia, nadie creyó que los nazis fueran tan crueles como ella afirmaba. Decidida a abandonar el gueto y unirse a los partisanos, escapó a Bialystok tras el traslado de sus padres a Treblinka y se unió a la resistencia, haciéndose pasar por aria y trabajando como mensajera para contrabandear mensajes, suministros y armas. En 1944, se convirtió en presidenta de la resistencia antifascista en Bialystok. Después de la guerra, obtuvo un doctorado del Instituto Pedagógico de Lenguas Extranjeras de Moscú en 1952 y enseñó inglés en Riazán, Rusia, hasta 1991, cuando hizo Aliá y se estableció en Beersheva. 

Primeros años de vida 

Elizaveta Iosifovna Czapnik, la menor de cuatro hermanos nació en 1922 en Grodno, Polonia (actualmente Grodno, Bielorrusia), en el seno de una familia judía tradicional de clase media que practicaba las costumbres judías hasta la ocupación soviética en septiembre de 1939. Czapnik estudió en la escuela polaca y en el gimnasio judío. Su padre, Joseph (nacido en 1886), tenía una tienda de botones y su madre, Ethel-Esther (nacida en 1888), era costurera. 

Durante la ocupación soviética (1939-1941), Liza asistió a la Escuela n.º 9 y participó activamente en el Komsomol. Finalizó sus estudios el 21 de junio de 1941. Al día siguiente, Alemania invadió la Unión Soviética. Czapnik y su familia huyeron mientras los alemanes avanzaban hacia Grodno, pero sus padres regresaron a la ciudad. Ella, su hermana Sarah (1912-1942) y su hermano Grigorii (apodado Grisha, 1910-1943) continuaron su camino hasta llegar a Stolpce (Stowbtsy). Tanques alemanes los rodearon; los soldados arrestaron a los hombres, pero liberaron a las mujeres. Su hermano fue detenido en los campos de prisioneros rusos de Stolpce, donde permanecieron sin comida durante cinco días. Allí, Czapnik destacó por su determinación y firmeza, distribuyendo a los prisioneros pan y agua que había conseguido de los polacos. Aunque los guardias alemanes la golpearon, no se marchó hasta que su hermano fue liberado. Junto con él y su hermana, caminó hasta Baranowicze (Baranavichy), desde donde se dirigió sola a casa de unos parientes en Dereczyn (Derechin). En agosto de 1941, de camino de Dereczyn a Slonim, presenció una matanza de judíos. Se escondió en el hueco de un árbol y fue encontrada por una mujer bielorrusa que le dijo que las víctimas eran los judíos de Slonim y le sugirió que se disfrazara de su sobrina. Tras pasar varios días en Slonim, regresó a Dereczyn y de allí a Grodno con un carretero polaco que recibió los muebles de su familia a cambio de llevarla con él. Para entonces, ya era finales de 1941. 

Los comienzos del trabajo de resistencia 

En el gueto, Czapnik vivía con otras trece personas en un pequeño apartamento de dos habitaciones. Ella y su hermano se vieron obligados a vivir escondidos porque la Gestapo los buscaba. Sus nombres figuraban en la lista de intelectuales judíos, algunos de los cuales habían sido asesinados mientras Czapnik estaba en Dereczyn. Decepcionada por la incredulidad ante su relato del asesinato en Slonim, dedicó mucho tiempo y esfuerzo a la actividad clandestina, que incluía escuchar las noticias en una radio oculta en el ático de una de las casas, escribir sobre lo sucedido en Slonim en boletines informativos y distribuirlos entre conocidos judíos, reunirse con miembros de la resistencia en sus casas y preparar documentos falsificados. En la controversia sobre los métodos de operación, Czapnik se opuso a la lucha armada y abogó por abandonar el gueto para unirse a los partisanos. 

En octubre de 1942, su padre fue arrestado cuando ella y su hermano, que habían huido a Bialystok, no fueron encontrados en casa. En noviembre de 1942, sus padres y familiares fueron trasladados a Kielbasin (un campo de tránsito para el posterior traslado a campos de exterminio) y luego a Treblinka. Un mes después, Czapnik partió de Grodno hacia Bialystok, con documentos falsificados a nombre de Maria Mrozowska y los nombres y direcciones de personas en su destino. Con la ayuda de su hermano Grisha, contactó con miembros de la resistencia clandestina del gueto de Bialystok. 

En enero de 1943, Czapnik, miembro del Komsomol, fue enviada a la zona aria de Bialystok para obtener un documento de identidad con sus documentos falsificados. En marzo de 1943, su hermana Berta (1908-1943) y su esposo fueron trasladados a Bialystok, y en agosto de 1943, Berta, Grisha y Sarah fueron transportadas de Bialystok a Treblinka. Sarah saltó del tren y fue asesinada de un disparo. 

Los documentos de Czapnik le permitieron obtener un documento de identidad alemán y encontró alojamiento en la zona aria, donde trabajó pelando patatas en la cocina de la estación de tren. Gracias a ello, también obtuvo un certificado del Departamento de Trabajo. Junto con Hasia Bielicka, consiguió otro trabajo como peladora de verduras y limpiadora en la cocina de las SS. Czapnik se las arreglaba para colarse regularmente en el gueto a través de un patio común a la zona aria, para recibir encargos de la resistencia del gueto. Su primera misión consistía en encontrar escondites con sótano o buhardilla para ella y otros miembros de la resistencia. Otra misión era establecer contactos con los antifascistas polacos, rusos y bielorrusos. Contactó con miembros de la resistencia que trabajaban en lugares clave como el aeropuerto y la central eléctrica. Junto con otras jóvenes judías, logró conectar con varios grupos antifascistas y unificarlos en una sola organización. Las jóvenes proporcionaban información de inteligencia sobre los alemanes y, posteriormente, sobre las armas que obtenían por diversos medios. 

Trabajo de resistencia posterior 

En febrero de 1943, Liza Czapnik regresó al gueto de Grodno, entrando con un grupo de trabajadores. Allí rescató a su sobrina Alloczka, de diez años, la llevó a su escondite en Bialystok y la devolvió a sus padres, quienes habían llegado al gueto de Bialystok con los judíos supervivientes de Grodno en marzo de 1943. Tras rescatar a su sobrina, cambió de apartamento y se instaló en una habitación secreta en otra calle. La habitación tenía un sótano donde se escondían armas, folletos, documentos y mapas, junto con cualquier persona que llegara del bosque. Mantuvo contacto con la resistencia judía en el gueto, proporcionando información y consiguiendo armas y mapas. También retomó la conexión con la resistencia no judía, ocultando armas junto con otras jóvenes: Hasia Bielicka, Ania Rud, Marylka Rozycka, Bronia Klibanski (Winicki), Haika Grosman y Rivka Madajska. 

Cuando el gueto de Bialystok fue liquidado en la Operación de agosto de 1943, el vínculo entre las jóvenes judías se fortaleció y comenzaron a colaborar. Empezaron a ayudar a los judíos supervivientes a llegar al lado ario y desde allí a refugiarse en el bosque. Hasta abril de 1944, Czapnik fue una de las personas que sirvieron de enlace entre los judíos que permanecieron escondidos en Bialystok y los partisanos, suministrando ropa, armas, medicinas, mapas y brújulas a la unidad partisana judía Forojs (que en yiddish significa "salir"), dirigida por Alexander Suhaczewski y la comisaria Rivka Vojskowska. 

Cuando se formó la fuerza partisana en su región, Czapnik fue elegida para supervisar las actividades en el bosque e informar al mando de la brigada. Por órdenes especiales de Moscú para unificar a todas las fuerzas antifascistas, se le encomendó la tarea de intentar contactar con el Armia Krajowa, AK (la organización militar clandestina polaca), que por razones políticas luchaba contra los partisanos soviéticos. Con la ayuda de Bronia Klibanski, varios miembros del AK fueron llevados al cuartel general de la brigada partisana, se unieron a los combates y posteriormente fueron desarmados. En abril de 1944, Czapnik fue nombrada presidenta de la organización clandestina antifascista de Bialystok. Otros miembros eran Bronia Klibanski de Dror, Haika Grosman, Hasia Bielicka de Ha-Shomer ha-Za'ir, Marylka Rozycka de los comunistas y Ania Rud. 

Vida de posguerra 

Tras la liberación, Czapnik regresó a Grodno con Hasia Bielicka y Ania Rud. En 1945 se trasladó a Moscú para estudiar y en 1949 completó sus estudios universitarios en el Instituto Pedagógico de Lenguas Extranjeras de Moscú. Tras finalizar sus estudios de posgrado en 1952, obtuvo su doctorado en el mismo instituto. Se casó con Ilya (Joel) Mashevitzky en 1951 y se mudó a Riazán, donde impartió clases de inglés y traducción. Su hijo Grisha nació en 1954. Permaneció en Riazán hasta que emigró a Israel en 1991, estableciéndose en Beersheva. 

Czapnik fue el único superviviente de una numerosa familia.  

Czapnik falleció el 7 de noviembre de 2016, a la edad de 93 años. 

Francisco Andreví

Francisco Andreví y Castellar nació en Sanahuja, Lérida, España, el 7 de noviembre de 1786, y murió en Barcelona, España, el 23 de noviembre de 1853.  Maestro de capilla, compositor, organista y sacerdote. 

El sitio www.historia-hispanica.rah.es publicó este recordatorio. 

Francisco Andreví Castellá 

Andreví Castellá, Francisco. Sanahuja (Lérida), 7.XI.1786 – Barcelona, 23.XI.1853. Compositor, director y teórico. 

Francisco Andreví fue una de las pocas personalidades conocidas entre los maestros españoles de la primera mitad del siglo xix, pues prácticamente la mayor parte de las enciclopedias, diccionarios e historias de la música española incluían su biografía. Maestro de capilla de varias catedrales y centros eclesiásticos de primer orden, compuso un gran número de obras, diseminadas hoy día en diferentes archivos. Su estilo musical se inscribe en el conservadurismo típico de la música eclesiástica española de la época. 

Según las Letras testimoniales del arzobispo de Valencia, se formó en la catedral de Urgell en calidad de infantillo durante nueve años. A los quince años de edad se trasladó a Barcelona, donde comenzó sus estudios eclesiásticos y musicales: se inició en el órgano bajo la tutela del padre Juan Quintana, acreditado organista del convento del Carmen, así como en la composición con el padre Francisco Queralt, maestro de capilla de la catedral barcelonesa. Posteriormente ejerció cargos menores en la Ciudad Condal como organista de conventos femeninos. 

Pero es a partir de 1808 cuando comienza su carrera como maestro de capilla, pues aquel año obtuvo la plaza en la catedral de Tarragona, sin que llegara a tomar posesión. Parada y Barreto habla de unas supuestas oposiciones de Andreví para optar al magisterio de la catedral de Tarifa: de dichas oposiciones no se conserva documentación que demuestre las aseveraciones del citado autor, el cual es posible que haya equivocado Tarifa con Tafalla, donde, efectivamente, en 1808 aspiró al puesto de maestro de capilla y organista de las parroquias de aquella ciudad, siendo nombrado el primer día de junio de 1808. La oposición no se efectuó personalmente, sino que los candidatos enviaron composiciones al tribunal, presidido por el maestro de capilla de Pamplona. 

Le avisaron de la elección, pero no hubo contestación por parte del compositor, hecho debido a las dificultades de comunicación a causa de la guerra. Al no presentarse Andreví en Tafalla, la plaza acabó recayendo en Nicolás Ledesma. Entretanto, el 10 de junio de 1808, Andreví había ganado las oposiciones de la catedral de Segorbe, actuando de examinadores el organista, José Casaña, y el suplente del maestro, Rosendo Tortajada y teniendo como contrincante a Ramón Gomis, maestro y organista de Vinaroz. En la resolución capitular se afirmaba que “excedía notablemente en la composición de mucho trabajo y fundamento, ciencia, gusto, estilo y también en el buen cantar de las voces y colocación de los instrumentos, al otro opositor”. Al año siguiente, concretamente en marzo de 1809, recibió fuera de Segorbe las sagradas órdenes. En marzo de 1813 solicitó presencia en el coro para componer unas lamentaciones, exponiendo que “por experiencia de los cuatro años que reside ha visto ser inútiles y no pueden cantarse sin irrisión las lamentaciones, algunas misas y Vísperas, y esto por falta de voces e instrumentos”. En Segorbe permaneció hasta 1814, gozando de la más alta reputación. 

En julio de dicho año gana la plaza de organista en su ciudad natal. El cabildo segorbino hizo todo lo posible para retener a Andreví, ya por entonces uno de los más reputados maestros de toda España. En septiembre de 1814 se hallaba en Sanahuja y solicitó un mes de licencia al cabildo para reponerse de una enfermedad. 

E1 29 de octubre de 1814, tras una disputada oposición (los ejercicios duraron del 14 al 25 de octubre y fueron públicos), fue nombrado maestro de capilla de la iglesia de Santa María del Mar de Barcelona. 

También en Barcelona, al igual que ocurrió en Segorbe, los elogios a su gestión artística y a su calidad humana fueron unánimes. Permaneció en Santa María del Mar hasta que el 8 de mayo de 1819 fue elegido maestro de capilla de la catedral metropolitana de Valencia, ciudad en la que residió once años. 

Años después, el 30 de marzo de 1830 obtuvo, siempre por oposición, el magisterio de capilla de Sevilla. 

Poco tiempo permaneció en el codiciado puesto en Sevilla, ya que se le ofreció la oportunidad de aspirar al máximo honor para un músico español de aquella época: el magisterio de la Real Capilla de Madrid; y de nuevo se alzó con la plaza frente a contrincantes de la talla de Carnicer, Eslava e Indalecio Soriano Fuertes. El 2 de agosto de 1831 le escribía el Patriarca de las Indias comunicándole que el Rey (a la sazón, Fernando VII) le había nombrado “para la plaza de maestro de la Real Capilla y rectorado del Real Colegio de niños cantores”. El propio arzobispo de Sevilla le autorizó a trasladarse a Madrid y abandonar su puesto en Sevilla. Sin embargo, la represión política llevada a cabo por el Monarca afectó asimismo a Andreví, quien se vio obligado a dimitir en 1836 y tomar el camino del exilio a Francia, donde desempeñó el cargo de maestro de la catedral de Burdeos. 

Queda la duda sobre la fecha de su vuelta a España, y precisamente a Barcelona: se han conservado tres oficios de la Sociedad Filarmónica de Barcelona, dirigidos a Andreví, el primero de los cuales, de fecha del 3 de agosto de 1848, es para agradecerle la misa de réquiem a grande orquesta que compuso para las honras de Fernando VII, celebradas el 27 de julio de 1848. Finalmente, el nombramiento para maestro de capilla y encargado de dirigir la Escolanía de la iglesia parroquial de la Merced de Barcelona data del 29 de enero de 1850. Ese mismo año Andreví solicita aclaraciones a la Corte de Madrid sobre su situación con respecto a su antigua ocupación como maestro de capilla, respondiéndosele que se hallaba en la categoría de jubilado, siempre que justificara “el punto y época en que se acogió a la amnistía, reconociendo la soberanía y legítimos derechos de la Reina nuestra señora”. 

Al final se le abonaron como jubilación “2.400 reales por los cinco años, nueve meses, y quince días” de servicio en la Real Capilla. Según José Perpiñán, llegaron a su poder unas cartas autógrafas que Andreví envió al entonces maestro de capilla de Segorbe, Valeriano Lacruz, según las cuales el compositor debió pasar dificultades económicas en sus últimos años de existencia. Murió en Barcelona el 23 de noviembre de 1853. 

Francisco Andreví compuso un elevado número de obras religiosas en latín y castellano, la mayor parte de las cuales se conserva en la Biblioteca de Catalunya, la catedral de Valencia, la catedral de Segorbe, el Colegio del Patriarca y el archivo de la antigua Real Capilla madrileña. En su producción musical, determinada por su trabajo como maestro de capilla y por su condición de sacerdote, están ausentes las obras vocales de carácter profano y los géneros instrumentales. 

Su labor no se limitó a la composición y en 1848 publicó en Barcelona un interesante Tratado teóricopráctico de armonía y composición, obra que fue traducida al francés y editada ese mismo año en París. 

Archivo del Palacio Real: Misa (a 8 voces, orquesta); Misa de difuntos (a 8 voces, orquesta); Misa imperial (a 4 voces, acompañamiento); Misa primera (a 4 voces, acompañamiento); Misa segunda (a 4 voces, acompañamiento); Misa segunda (a 8 voces, orquesta). 

Motetes: Biblioteca de Catalunya: Comedetis carnes (a 6 voces, acompañamiento); Qui tollis (a 5 voces, orquesta). Catedral de Valencia: Terra tremuit (a 8 voces, órgano, 1801); Angelus ad pastores ait (a 6 voces, orquesta, 1825); Regina coeli laetare (a 6 voces, órgano, 1826); Laudate Dominum in sanctis eius (a 6 voces, órgano, 1826); Euge serve bone (a 8 voces, acompañamiento, 1827); O memoriale mortis Christi (a 9 voces, acompañamiento, 1827); Sepulchrum Christi (voz, acompañamiento, 1827); Amavit eum Dominus (a 6 voces, acompañamiento); Ave María (a 7 voces, acompañamiento); Domine Deus (a 8 voces, acompañamiento); Tota pulchra (a 4 voces); Tui Sunt caeli (a 6 voces, acompañamiento). Archivo del Palacio Real: Gratias agimus tibi (a 4 voces, orquesta); Laudo te (a 4 voces, orquesta); O admirable (a 4 voces, orquesta); O admirable (a 4 voces, orquesta); O invisibiles (a 4 voces, orquesta); O pretiosum (a 4 voces, orquesta). 

Cánticos: Biblioteca de Catalunya: Nunc dimittis (a 8 voces, orquesta). Catedral de Valencia: Magnificat (a 5 voces, acompañamiento, 1822); Magnificat (a 6 voces, acompañamiento, 1825). 

Completas: Archivo del Palacio Real: Completas (a 4 voces, orquesta). 

Himnos: Biblioteca de Catalunya: Tantum ergo (a 8 voces, orquesta, 1820). Catedral de Valencia: Quicumque Christum quaeritis (a 8 voces, orquesta, 1819); Ave Maris Stella (a 4 voces, órgano, 1825); Iste confessor (a 4 voces, órgano, 1825); Beate martir (a 4 voces, acompañamiento, 1828); Veni Creator Spiritus (a 4 y 8 voces, acompañamiento, 1828); Iesu Redemptor omnium (a 4 voces, órgano); Tantum ergo (a 8 voces, orquesta). Archivo del Palacio Real: Himno de Natividad y de Reyes (a 8 voces, orquesta); Te Deum (a 8 voces, orquesta); Veni Creator (a 8 voces, orquesta). 

Invitatorios: Catedral de Valencia: Christus natus est nobis (a 10 voces, acompañamiento, 1825). 

Lamentaciones: Catedral de Valencia: Aleph. Ego vir videns (a 2 voces, acompañamiento, 1825); De lamentatione [...] Cogitavit Dominus (a 8 voces, acompañamiento, 1825); De lamentatione [...] Misericordiae Domini (a 8 voces, acompañamiento, 1825); Incipit lamentatio [...] Quomodo sedet (a 8 voces, 1825); Jod. Manum Suam (a 2 voces, acompañamiento, 1825); Clamed. Matribus suis (a 2 voces, acompañamiento, 1825); Vau. Et egressus est (a 2 voces, acompañamiento, 1825). 

Letanías: Archivo del Palacio Real: Letanía y Salve Regina (a 6 voces, orquesta); Letanía para las cuarenta horas (a 8 voces, acompañamiento). 

Maitines: Archivo del Palacio Real: Maitines de difuntos (a 8 voces, orquesta). 

Responsorios: Catedral de Valencia: Beata viscera (a 12 voces, orquesta, 1819; Beata viscera (a 13 voces, órgano, 1820); Hodie nobis caelorum Rex (a 11 voces, orquesta, 1829). Archivo del Palacio Real: Libera me (a 8 voces, orquesta). 

Salmos: Biblioteca de Catalunya: Ad te lavavi oculos meos (a 8 voces); Cum invocarem (a 8 voces, orquesta); Dixit Dominus (a 8 voces, orquesta); Ecce nunc (a 8 voces); In exitu Israel (a 4 voces, orquesta, 1840); Iubilate Deo (a 8 voces); Laetatus Sum (a 8 voces, orquesta, 1807); Lauda Ierusalem (a 8 voces, orquesta); Laudate Dominum (a 8 voces); Laudate pueri (a 8 voces); Qui habitat (a 8 voces, orquesta). Catedral de Valencia: De profundis (a 8 voces, acompañamiento, 1820); Exaltaba te (a 8 voces, acompañamiento, 1820); Laudate (a 6 voces, acompañamiento, 1821; Confitebor tibi (a 6 voces, acompañamiento, 1825); Miserere mei Deus (a 6 voces, acompañamiento, 1825); Laudate (a 6 voces, acompañamiento); Salmos y cántico de Vísperas (a 7 voces, acompañamiento, 1824). 

Secuencias: Catedral de Valencia: Victimae Paschali laudes (a 8 voces, acompañamiento, 1827). Archivo del Palacio Real: Lauda Sion Salvatorem (a 8 voces, orquesta). 

Vísperas: Archivo del Palacio Real: Vísperas de la Virgen (a 8 voces, orquesta). 

Letras: Catedral de Valencia: Oh admirable (a 8 voces, orquesta). 

Villancicos: Catedral de Valencia: Suenen cantos de victoria (a 8 voces, orquesta, 1819); Gloria sea al eterno (a 8 voces, orquesta, 1825). Escritos: Tratado teórico-práctico de armonía y composición, Barcelona, Imprenta y Librería de Pablo Riera, 1848. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Stabat Mater, para 4 voces, coro y sexteto, en la versión de Paloma Friedhoff, soprano; Magdalena Llamas, mezzosoprano; Francisco Corujo, tenor; Isidro Anaya, bajo; el Coro Matritum Cantat, dirigido por Javier Blanco; y la Camerata del Prado, bajo la batuta de Tomás Garrido. 

 

Bernard Purdie

Bernard Lee "Pretty" Purdie nació en Elkton, Maryland, Estados Unidos, el 6 de noviembre de 1939. Baterista. 

El sitio www.mikedolbear.com publicó su biografía, firmada por Bob Henrit. 

Bernard Purdie  

Me he topado con Bernard Purdie muchas veces en ferias comerciales a lo largo de los años. Es un tipo muy sociable y hemos tenido conversaciones agradables, instructivas y francamente divertidas. Por cierto, por si acaso lo conocen, su nombre siempre se pronuncia a la americana, con acento en la última sílaba, como en Bernard. 

Bernard Lee 'Pretty' Purdie nació el 11 de junio de 1941 en Elkton, Maryland, a 128 kilómetros de Washington D.C. y casi al doble de distancia de Nueva York. Fue el undécimo de quince hermanos y era conocido como 'Bugsy'. A los seis años empezó a marcar ritmos golpeando cubos y latas con baquetas, y a los catorce consiguió su primera batería de verdad. Casi de inmediato se convirtió en el principal sustento de la familia, ganando dinero tocando con bandas de música country y en ferias. Aprendió los fundamentos de la técnica de la batería escuchando las lecciones de un hombre llamado Leonard Heywood. Más tarde, tomó clases con el propio Leonard y luego tocó en la big band de Heywood. 

Esta curva de aprendizaje le permitió explorar prácticamente cualquier tipo de música, ya que quería conocer todos los estilos y, evidentemente, nunca tuvo miedo de probar algo nuevo. En la escuela secundaria tuvo su propio trío: «Jackie Lee and The Angels». 

En aquella época, Purdie influyó en la batería de músicos como Papa Jo Jones, Buddy Rich, Joe Marshall, Gene Krupa, Art Blakey, Cozy Cole, Herbie Lovell, Panama Francis y Louie Bellson. Sticks Evans le dio clases y fue otra fuente de inspiración.  

Tras terminar el instituto, se mudó a Baltimore, a 92 kilómetros al suroeste, donde abundaban los clubes de jazz y burlesque, ofreciendo así más oportunidades laborales para los músicos. Pero él aspiraba a más y, en 1961, a los 19 años, se trasladó a Nueva York para obtener una licencia que le permitiera actuar en público (para ello se requería tener al menos 21 años), así que mintió, afirmando haber nacido en 1939. Allí tocó en sesiones y frecuentaba el Turf Club, en la esquina de la calle 50 y Broadway, donde músicos, agentes y promotores se reunían para buscar trabajo. Fue durante este periodo cuando tocó para el saxofonista y armonicista Buddy Lucas, quien lo apodó «Mississippi Bigfoot». 

Finalmente, un bajista con buenos contactos llamado Barney Richmond lo introdujo en el mundo de la grabación para trabajar como músico de sesión. 

Primero tocó con Lonnie Youngblood y luego con el gran saxofonista King Curtis. En esa época, se integró al círculo de The Brill Building (junto a compositores como Barry Mann, Carole King, Neil Sedaka, Burt Bacarach, Neil Diamond, Gerry Goffin, entre otros), grabando temas originales o mejorando otros añadiendo nuevas baterías. Uno de estos éxitos fue "Just One Look" de Doris Troy, que originalmente iba a ser una maqueta, pero resultó tan buena que se publicó como máster. Otro fue "Love Is Strange" del dúo Mickey and Sylvia. Cuando le pidieron a King Curtis que acompañara a Aretha Franklin, Bernard lo acompañó. La acompañó durante la grabación de sus álbumes "Filmore West Live", "Young Gifted and Black" y "Amazing Grace". Durante gran parte de este tiempo, fue su director musical. Como ya mencioné, Purdie se convirtió en el director musical de Aretha Franklin en 1970 y afirmó que "acompañarla era como estar en el séptimo cielo". 

Purdie se autoproclama "El baterista con más grabaciones del mundo" porque ha estado entrando y saliendo de estudios de grabación desde principios de los sesenta tocando jazz, soul y rock. Trabajó con figuras como Paul Butterfield, Larry Coryell, Miles Davis (en 'Bitches Brew'), Hall & Oates, Al Kooper, Gill Scott Heron, Stevie Wonder, Ella Fitzgerald, Al Green, Chaka Khan, Diana Ross, Gladys Knight, Ray Charles, Quincy Jones, Frank Sinatra, Michael Jackson, Tina Turner, James Brown, Tom Jones, BB King, Louis Armstrong, Herbie Mann, Todd Rundgren, Jackie Lomax, Michael Bolton y Cat Stevens, además de producir sus propios álbumes en solitario bajo su propio nombre. 

Bernard tocó la batería en un par de temas del álbum "Aja" de Steely Dan, y parece que estas pistas son tan buenas que los ingenieros de estudio las usan para probar altavoces. Grabó "Gaucho", "Home At Last" y "Babylon Sisters" (con su característico ritmo Purdie). 

También encontró tiempo para tocar con Isaac Hayes, Donny Hathaway, BB King, Lou Donaldson, Joe Cocker y Hank Crawford. La lista completa es bastante extensa, aunque hay una anomalía que sigue generando burlas: ¡Bernard Purdie afirma haber grabado con los Beatles! Dicho esto, su otra afirmación, mucho menos controvertida, de haber participado en más de 3000 álbumes hasta la fecha, bien podría ser cierta, aunque, como suele ocurrir en estos casos, es difícil verificarla. Sin embargo, algo que sí es perfectamente verificable es su afirmación de haber tocado en 21 temas de los tres primeros álbumes de los Beatles. Los foros de batería en internet están llenos de polémica al respecto, pero en lugar de avivar la polémica, querido lector, te dejo que lo investigues por tu cuenta si así lo deseas. Sea cual sea tu opinión, vale la pena considerar que sí participó en la banda sonora de la película de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". 

[Existe una opción ligeramente más plausible: que se haya confundido y que, de hecho, haya participado en las grabaciones originales previas a EMI, realizadas en Alemania en 1961 por Bert Kaempfert con Tony Sheridan y los Beatles, que actuaban como «The Beat Brothers». Estas grabaciones eran anteriores a Ringo e incluían «My Bonnie Lies Over The Ocean» y «When The Saints Go Marching In». Sin embargo, para complicar aún más las cosas, se publicaron cuando él acababa de mudarse a Nueva York y la sola idea de ir a Europa para reemplazar a Pete Best en un disco no tenía ningún sentido.] 

Basta decir que, si Bernard se siente inseguro y busca reconocimiento, no debería. Sin duda, participó en muchísimas canciones brillantes, incluyendo todas las de "The Royal Scam" de Steely Dan. 

Hablando de elogios, nunca ha sido reticente a dar un paso al frente, y cuando Bernard realizaba varias sesiones al día, solía llevar consigo carteles publicitarios caseros que desvelaba en el estudio una vez terminada la canción. Estos carteles tenían eslóganes que anunciaban en letras rojas y azules: 

“Lo has vuelto a hacer (sic) guapo creador de éxitos Purdie”, “Bernard Purdie lo vuelve a hacer” y “Si me necesitas, llámame el creador de éxitos Purdie”. 

El estilo de Bernard fue descrito como el "ritmo soul más funky" del sector, y en internet se comenta: "sin duda, nunca limitó su talento al jazz, sino que se esforzó por buscar nuevas experiencias musicales". 

Bernard es conocido principalmente como un influyente e innovador músico de funk, famoso por su precisa precisión rítmica y, por supuesto, por su característico uso de tresillos contra un contratiempo a medio tiempo: universalmente conocido como el "Purdie Shuffle". Fue incluido en el Salón de la Fama de Modern Drummer en 2013. 

Bernard Purdie declaró que: “Cada canción tiene cien componentes: la melodía, la producción, etc.”. En su opinión, “su trabajo consistía en hacer que funcionara”. 

Vi una entrevista donde dice: “El mundo del espectáculo significa precisamente eso. Es un espectáculo y un negocio. El negocio es donde ganas dinero; el espectáculo es lo que haces para que la gente sepa de lo que eres capaz”. 

Fue contratado por un arreglista para tocar en una sesión con James Brown en 1965 y participó en “Ain't That A Groove”. Esta fue una de las varias sesiones en las que tocó con “El hombre más trabajador del mundo del espectáculo”. Hay una canción llamada “Kansas City” del álbum “Cold Sweat” en la que tocó, que tiene un ritmo shuffle implacable. Purdie también aparece acreditado en los álbumes “Say It Loud – I'm Black And I'm Proud” y “Get On The Good Foot”. Además, tocó en “This Is A Man's, Man's, Man's World”. 

En 2009, fue el baterista de la reposición en Broadway de 'Hair' y participó en la grabación del reparto. 

Dudo mucho que alguien que lea esto tenga alguna duda sobre qué es exactamente el "Purdie Shuffle". Pero por si acaso, "es un Half-Time Shuffle que es una variación del blues shuffle con notas fantasma sincopadas añadidas en la caja". Existen variaciones del shuffle original de Bernard que se pueden escuchar en canciones como "Fool In The Rain" de Led Zeppelin, "Walking On The Moon" de The Police y "Rosanna" de Toto.  

Como ya he dicho, el ritmo característico de Purdie se puede escuchar interpretado por él mismo en las canciones "Babylon Sisters" y "Home At Last" de Steely Dan. 

Durante su trayectoria, Bernard parece haber trabajado con baterías de varias compañías, entre ellas Sonor, Ludwig, Pearl, DW, MPC, Basix y Taye. En lo que respecta a los platillos, a menos que algo haya cambiado, lleva un tiempo trabajando con Sabian. 

A sus setenta y tantos años, sigue trabajando sin descanso y no da señales de bajar el ritmo. Ha publicado un libro autobiográfico titulado "Let The Drums Speak", disponible en su página web. 

Bob Henrit / Julio de 2018 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Young, Gifted and Black, por Aretha Franklin.   

Peter Noone

Peter Blair Denis Bernard Noone, más conocido como Peter Noone, nació en Lancashire, Reino Unido, el 5 de noviembre de 1947. Cantante, compositor, actor y presentador de televisión. Toca guitarra y piano.  

El sitio www.peternoone.com publicó su biografía. 

Peter Blair Denis Bernard Noone es un artista polifacético que ha deleitado al público prácticamente toda su vida. Nació en Manchester, Inglaterra, donde estudió canto y actuación en el St. Bede's College y en la Escuela de Música y Arte Dramático de Manchester. De niño, interpretó a Stanley Fairclough en la longeva telenovela británica Coronation Street. También participó en las series de televisión Knight Errant, Family Solicitor y Monro's Saki Stories. 

A los quince años, Peter alcanzó la fama internacional como Herman, vocalista principal de la legendaria banda de pop de los sesenta Herman's Hermits. Entre sus éxitos clásicos se incluyen: «I'm Into Something Good», «Mrs. Brown, you've Got A Lovely Daughter», «I'm Henry VIII, I Am», «Silhouettes», «Can't You Hear My Heartbeat», «Just A Little Bit Better», «Wonderful World», «There's A Kind of Hush», «A Must To Avoid», «Listen People», «The End of the World» y «Dandy». Herman's Hermits llegó a vender más de sesenta millones de discos. En total, catorce sencillos y siete álbumes obtuvieron el disco de oro. La banda fue nombrada dos veces «Artista del Año» por Cashbox. 

Como “Herman”, el fotogénico Noone apareció en la portada de casi todas las publicaciones internacionales, incluyendo la revista Time. Participó en cientos de programas de televisión de gran audiencia y compartió pantalla con figuras tan destacadas como Ed Sullivan, Jackie Gleason, Dean Martin y Danny Kaye. También protagonizó la versión musical de ABC de El fantasma de Canterville, la presentación de Hallmark Hall of Fame del clásico Pinocho (en la que interpretó el papel principal) y tres películas de gran éxito para MGM: Mrs. Brown, You've Got A Lovely Daughter, Hold On! y When The Boys Meet The Girls. 

A lo largo de la década de los setenta, Noone actuó, compuso canciones y produjo grabaciones con artistas como David Bowie, Debby Boone y Graham Gouldman. Su álbum con los Tremblers, "Twice Nightly", y su trabajo en solitario, "One of The Glory Boys", fueron un éxito tanto de crítica como comercial. Con su característico entusiasmo, Peter asumió papeles protagónicos en producciones teatrales a gran escala de Dick Wittington, Aladdin y Simbad el Marino. Estos espectáculos en vivo se representaron en los principales teatros de Gran Bretaña y Noone fue muy elogiado por su excepcional trabajo. 

En los años ochenta, Peter protagonizó en Broadway la producción de Los piratas de Penzance del Festival Shakespeare de Nueva York. Recibió críticas entusiastas por su magnífica interpretación del apuesto y joven héroe, Federico. Su actuación fue tan bien recibida que repitió el papel en el mundialmente famoso Teatro Drury Lane de Londres. Nadie cautivó al público de todo el mundo al seguir interpretando a Federico tanto con la compañía de gira nacional estadounidense como con la compañía de gira internacional de Los piratas. 

Acompañado por su banda, Herman's Hermits, Noone siempre llena recintos en todo el mundo. Cuenta con una legión de fieles seguidores (conocidos como "Noonatics") cuya lealtad es inigualable. Las adolescentes de hoy gritan con la misma pasión que sus madres en 1965, lo que llevó a VH1 a elegir a Peter como el "Artista más sexy del año" según la audiencia. Recientemente, Noone protagonizó el papel recurrente de "Paddington" en la telenovela de CBS, As The World Turns. Sus coloridas interpretaciones lo convirtieron instantáneamente en uno de los favoritos de las revistas de telenovelas y los foros en línea. No cabe duda de que el extraordinario talento de Peter Noone, su ingenio cautivador, su atractivo físico y su fascinante presencia escénica seguirán deleitando a fans de todas las edades durante mucho, mucho tiempo. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus grandes éxitos: There's A Kind of Hush.  

Hieromonje Danyil Tymchyna. Justo entre las Naciones.

Dmytro Tymchyna, más conocido como Danyil Tymchyna, nació en la aldea de Verbytsia, situada en la región occidental de Ucrania, el 5 de noviembre de 1900, y murió en Rava-Ruska, óblast de Leópolis, Ucrania, el 8 de julio de 1972. Justo entre las Naciones.

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

Hieromonje Daniil Tymchyna 

Ucrania 

Tres niños en el monasterio studita 

Uniow (Univ) es una pequeña aldea que hoy pertenece al distrito de Tarnopol, en Ucrania. Sabemos que, durante la guerra, judíos se escondieron en la aldea, tanto en la escuela como en el monasterio. Clara Safran, su hijo pequeño Roald, su hermano Samuel Rosen y la esposa de este, Josefina, fueron escondidos por la familia Dyuk en la escuela. Debido a la necesidad de mantener el secreto, probablemente desconocían que, no muy lejos de su pequeño y oscuro escondite, también había tres niños judíos ocultos en el monasterio. 

El orfanato se encontraba en el Monasterio de la Asunción de la Virgen María en Uniow, perteneciente a la orden de los Studitas, dirigida por el archimandrita Klement Sheptytskyi (reconocido como Justo entre las Naciones). Los tres niños fueron llevados a Uniow y puestos al cuidado del hieromonje Daniil Tymchyna, director del orfanato. Tymchyna sabía que los tres niños eran judíos y les instruyó cuidadosamente sobre cómo ocultar su identidad judía. Les advirtió que no se ducharan con los otros niños y les dio nombres ucranianos. Fueron bautizados, pero el hieromonje les explicó que se trataba únicamente de un acto formal para su protección. 

El ejército soviético liberó la zona en 1944. Con el oeste de Ucrania bajo control soviético, Stalin ordenó el encarcelamiento de toda la jerarquía católica ucraniana. El hieromonje Daniil fue arrestado en 1947 y condenado a diez años de trabajos forzados en Siberia. Falleció en 1972. 

Los tres muchachos que fueron salvados por Hieromond Daniil en el monasterio de la pequeña aldea representan tres historias de vida muy diferentes entre sí. Nacieron en lugares muy distantes; el destino los reunió en Uniow; y después de la guerra tomaron caminos separados, reconstruyendo sus vidas en tres continentes: en Israel, Estados Unidos y Polonia. 

Oded Amarant nació en Tel Aviv en 1935. Sus padres habían emigrado a la Tierra de Israel desde Polonia varios años antes, y cuando Oded tenía cuatro años, su madre fue a visitar a sus padres y llevó al niño con ella para que conociera a la familia. Sin saber que pronto la guerra los separaría, su madre regresó a Tel Aviv y dejó a su hijo con sus padres, quienes pronto se reunirían con ella en la Tierra de Israel. Cuando estalló la guerra, los abuelos tomaron a Oded Amarant y huyeron a Lwow. Sus intentos de llegar a Palestina fracasaron, y en 1941 la ciudad fue ocupada por los alemanes. El tío de Amarant lo llevó a la Iglesia Uniate, y así se salvó la vida. El resto de la familia fue asesinada. Después de la guerra, Oded regresó con su familia a Tel Aviv. 

Adam Daniel Rotfeld nació en Przemyslany, Polonia, en 1938. Uno de los monjes lo llevó al orfanato del monasterio Studite en Uniow. Le dieron un nombre falso, Danylo Charevynsky, y permaneció en el orfanato durante toda la ocupación alemana. De toda su familia, solo su hermana, Alicja, sobrevivió al Holocausto. Tras la guerra, Rotfeld se quedó en Polonia y desarrolló una carrera como investigador; entre 1991 y 2002 fue director del Instituto de Investigación para la Paz de Estocolmo; y en 2005 fue ministro de Asuntos Exteriores de Polonia. 

Leon Chameides nació en Katowice, Polonia, en 1935. Cuando los alemanes invadieron Polonia, su familia huyó a la zona de Lwow. En algún momento de 1942, un año después de la ocupación alemana de Lwow, su padre, con la esperanza de salvar a su hijo, lo dejó en la iglesia de Holy Jur. Los monjes lo llevaron primero a un orfanato en Brzuchowice y finalmente a Uniow, donde permaneció oculto hasta la retirada alemana. Cuando la zona fue liberada por los soviéticos en 1944, otro superviviente judío lo llevó de vuelta a Polonia, y en 1945 sus abuelos maternos y un tío que había logrado huir a Inglaterra organizaron la llegada de Leon y la mujer que lo cuidaba para reunirse con ellos. Cuatro años después, obtuvieron una visa para Estados Unidos y llegaron a América en junio de 1949. 

El 31 de diciembre de 2008, el hieromonje Daniil Tymchyna fue reconocido como Justo entre las Naciones.   

Antonio Ruiz Soler, el Bailarín.

Antonio Ruiz Soler, más conocido como el Bailarín, nació en Sevilla, España, el 4 de noviembre de 1921, y murió en Madrid, España, el 5 de febrero de 1996. Bailarín, bailaor de flamenco, coreógrafo y director artístico. 

El sitio www.biografiasyvidas.com publicó este recordatorio. 

Antonio Ruiz Soler 

(Sevilla, 1921 - Madrid, 1996) Bailarín y coreógrafo español, más conocido como «Antonio el Bailarín» o simplemente «Antonio». Desde pequeño mostró su vocación artística al bailar por las calles de Sevilla al son de un organillero, con tal gracia que regresaba a su casa con los bolsillos llenos de monedas. Estudió baile flamenco con Realito y danza clásica con Ángel Pericet. 

Antonio y Rosario en una imagen de 1952 

En 1928 hizo su primera actuación en público y formó con Rosario (nombre arístico de Florencia Pérez Padilla, 1918-2000) una pareja artística que duraría más de dos décadas; fueron conocidos con el nombre de Los chavalillos sevillanos. Sus primeras actuaciones tuvieron lugar en Sevilla, y fueron contratados en 1928 para bailar en la Exposición Internacional de Lieja (Bélgica), y en 1929 para la Exposición Mundial de Sevilla. Antonio continuó sus estudios con los maestros Otero, Pericet y Frasquillo, a la vez que su popularidad iba creciendo. Su primera gran consagración le llegó con su representación para el rey Alfonso XIII y su esposa Victoria Eugenia. 

Antonio y Rosario actuaban en el sur de Francia cuando estalló la Guerra Civil española (1936-1939); decidieron no regresar a España y embarcar rumbo a Argentina en febrero de 1937. Desde allí emprendieron una gira por toda Sudamérica con un espectáculo de Carmen Amaya, y continuaron posteriormente sus actuaciones con su pequeña compañía. Finalizada la contienda, el grupo desembarcó en Nueva York, donde el bailarín se reencontró, después de cinco años, con su madre y hermana. 

En Estados Unidos comenzó su carrera cinematográfica con las películas Ziegfield Girls, Sing Another Song, Hollywood Canteen y Panamerican, y debutó como coreógrafo en el Carnegie Hall de Nueva York en 1943, con un espectáculo de ballet creado sobre la pieza Corpus Christi en Sevilla, de Isaac Albéniz; en 1946 estrenó el Zapateado de Pablo de Sarasate en el teatro Bellas Artes de México. En 1953 creó su propia compañía de ballet. Su inmenso talento para la interpretación de bailes flamencos le hizo famoso internacionalmente. 

Después de largas giras por los Estados Unidos y Centroamérica, Antonio decidió volver a España para el rodaje cinematográfico de la película Niebla y Sol (1951), de José María Forqué. Pronto comenzó a ser conocido en toda Europa y a relacionarse con los principales bailarines y coreógrafos de la época. Así, en 1952, Léonide Massine le ofreció en Milán el papel del molinero en El sombrero de tres picos, que Antonio aceptó siempre y cuando el personaje de la molinera no se diera a Rosario, con quien había roto relaciones ese mismo año; finalmente el papel corrió a cargo Mariemma (Guillermina Martínez, 1917-2008). 

La consagración cinematográfica de Antonio llegó con la película Duende y misterio del flamenco (1953), dirigida por Edgar Neville, donde por primera vez en la danza española se interpretaba un martinete, palo flamenco reservado hasta entonces al cante. Con posterioridad debutó con una nueva compañía, formada junto a la bailarina Rosita Segovia (Rosa Balcells, 1922- 2003), en el II Festival de Música y Danza de Granada, con las coreografías Llanto a Manuel de Falla (Asencio, 1953) y El segoviano esquivo (Salvador, 1953). Para este grupo también creó Paso a cuatro (Pablo Sorozábal, 1956), Fantasía galaica (Ernesto Halffter, 1956), Jugando al toro (Cristobal Halffter, 1960) y Eterna castilla (Manuel Moreno-Buendía, 1965). 

Intercaló giras por Estados Unidos (1963) y la URSS (1964) con el rodaje de las películas Todo es posible en Granada, Carrusel Napolitano, Noches Andaluzas, Luna de Miel (con la colaboración de Massine) y La Nueva Cenicienta. En mayo de 1973 acabó de rodar El Amor Brujo y El Sombrero de Tres Picos, de Valerio Lazarov, y en 1978 grabó Ley de Raza, con Micaela Flores la Chunga. En 1978 estrenó La casada infiel, con música de Emilio de Diego, y un año después, cuando se cumplían sus bodas de oro con la danza, Antonio decidió retirarse, diciendo adiós a los escenarios en la ciudad japonesa de Sapporo. 

En marzo de 1980 fue nombrado director del Ballet Nacional de España, en sustitución de Antonio Gades, cargo que mantuvo hasta 1983. Para esta compañía realizó numerosas coreografías. Antonio Ruiz Soler dio con sus representaciones un nuevo enfoque al baile masculino español, estilizó el bolero y fue el primero que puso pasos al martinete, un solemne palo flamenco que hasta ese momento estaba reservado para el toque del yunque y la voz. Su estilo bebía del arte flamenco más puro, estilizado, sin embargo, por la influencia de la tradición del ballet clásico. Su arte dejó una profunda huella en las generaciones posteriores. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Zorongo Gitano y Cantiña Y Rumba, junto a Pepa Flores, en un fragmento de la película La Nueva Cenicienta, de 1964.    

Georg Reutter

Fragmento de una de sus partituras. 

Georg Reutter nació en Viena, entonces Archiducado de Austria, el 3 de noviembre de 1656, y murió en su ciudad, el 29 de agosto de 1738. Organista, tiorbista y compositor. 

El sitio www.bibliotecadelaguitarra.com publicó este recordatorio. 

Reutter, Georg (Viena, 1656 - 1738) 

Probablemente Reutter fue alumno de Johann Kaspar Kerll, a quien sucedió después como organista de la catedral de San Esteban, Viena, en 1686 

En 1695 pasó algún tiempo en Italia. Fue ennoblecido en Roma el 8 de enero de 1695 por el Príncipe Sforza; a diferencia de su hijo, él no usó su título. Reutter estuvo empleado en la capilla de la corte vienesa como intérprete de continuo en la tiorba entre 1696 y 1703. El Kapellmeister principal, Antonio Draghi, lo recomendó al emperador como ‘un intérprete virtuoso capaz de tocar muchos instrumentos'. El sucesor de Draghi como Kapellmeister de la corte, Johann Joseph Fux, también hizo notar las habilidades virtuosas de Reutter y mencionó que era un acompañante de ópera experimentado. 

Se casó tres veces y fue padre de 15 hijos, de los cuales dos se hicieron músicos (Johann Adam Joseph Karl y el menor, Georg). En 1700 Reutter fue nombrado formalmente organista de la corte con un sueldo anual de 900 florines, complementado por aproximadamente 300 florines como intérprete de tiorba. En 1712 sucedió a Fux como vice-Kapellmeister y en 1715 como primer Kapellmeister de la catedral; retuvo esa posición hasta 1728. Por alojamiento e instrucción de seis niños coristas en San Esteban recibía 1200 florines y su sueldo como Kapellmeister era de 550 florines. Cuando abandonó una de las dos posiciones de Kapellmeister de la catedral en 1728 su ingreso permaneció relativamente alto pues mantuvo a los seis niños coristas. Lo sucedió en el cargo de organista catedralicio su hijo menor Johann Adam Joseph Karl Georg en 1720. 

Un hombre  bondadoso y afable, según Mattheson, permaneció activo hasta sus últimos años, aunque su hijo Georg lo sustituyó cada vez más a menudo. 

Como compositor Georg Reutter es más conocido por su colección de toccatas. Ellas muestran que era un compositor de órgano capaz que combinó brillo técnico con habilidad en el uso del contrapunto y florida invención melódica. Algunas de las más grandes obras sacras atribuidas a él por Eitner pueden haber sido compuestas por su hijo Georg, y de las composiciones publicadas por Botstiber en 1959, dos capriccios, un ricercare y probablemente la canzona sobre "Christ ist erstanden" son de Nicolaus Adam Strungk. Hofer puede haber ido demasiado lejos atribuyendo la mayoría de las composiciones existentes bajo el nombre Reutter a su hijo, particularmente en lo que respecta a esas obras sacras en un estilo polifónico tradicional. También compuso un gran número de los llamados Versetteln o pequeños preludios para órgano. Draghi menciona en su elogio que Reutter había compuesto música de ballet: ningún rastro de tales piezas se conoce. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Praeambulum und Versetten secundi toni, en la versión de Thorsten Pirkl en órgano.  

Gennaro Verolino. Sacerdote y diplomático.

Gennaro Verolino nació en Nápoles, Italia, el 3 de noviembre de 1906, y murió en Roma, Italia, el 17 de noviembre de 2005. Sacerdote y diplomático.  

El sitio www.levandehistoria.se publicó este recordatorio. 

El Premio Per Anger 2004: Gennaro Verolino 

Conozca la historia de Gennaro Verolino, galardonado con el premio Per Anger 2004 en la categoría de defensor de los derechos humanos. 

Lo único que hicimos fue redactar estos pasaportes de protección. Cada carta fue escrita a máquina. Había muchísimas, seguramente unas 25.000. 

Cuando el Ejército Rojo soviético liberó Budapest en enero de 1945, aún vivían allí 120.000 judíos. Este era el grupo más numeroso que había sobrevivido a las persecuciones nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Un joven sacerdote católico desempeñó un papel fundamental para que esto fuera posible. 

En 2004, el arzobispo Gennaro Verolino recibió el primer Premio Per Anger por sus esfuerzos desinteresados y valientes durante la ocupación alemana de Hungría en 1944. 

Cuando Gennaro Verolino era un joven sacerdote, durante la Segunda Guerra Mundial, fue enviado a Budapest como enviado diplomático de la Iglesia Católica. En una entrevista realizada pocos días antes de su muerte en 2005, relató la historia de la persecución nazi contra los judíos en Hungría. 

Sobre Gennaro Verolino 

En marzo de 1944, los alemanes ocuparon Budapest y comenzaron a aplicar las horribles leyes contra los judíos. Los enviaron a Alemania con la promesa de que trabajarían, pero era mentira. Era una farsa. También enviaron a personas mayores de 80 años y a niños pequeños. ¿Qué tipo de trabajo podían realizar? Pero eso fue precisamente lo que hicieron. 

Entre el 14 de mayo y el 8 de julio de 1944, 437.402 judíos húngaros fueron transportados a Auschwitz-Birkenau. El noventa por ciento de ellos fueron gaseados inmediatamente después de su llegada. El 9 de julio de 1944, quedaban 230.000 judíos en Budapest. A pesar de los reveses alemanes al final de la guerra, los nazis aún planeaban deportarlos también antes de que terminara el año. 

En octubre, las fuerzas de ocupación comenzaron a reunir a la población judía restante para deportarla a la frontera con Austria, con el fin de cavar trincheras y construir muros defensivos contra el avance del Ejército Rojo. El traslado se realizó a pie. Cientos murieron de agotamiento y hambre durante estas marchas de la muerte. 

Los diplomáticos de los países neutrales en Budapest acordaron ayudar en todo lo posible para detener, o al menos obstaculizar, la persecución. Este acuerdo fue suscrito por los más altos funcionarios de cada país, pero el trabajo sobre el terreno lo llevaron a cabo principalmente funcionarios públicos como Per Anger y Gennaro Verolino. Gracias a su valentía y gran ingenio, lograron salvar a muchas personas de una muerte segura en los campos de concentración. 

Gennaro Verolino y sus colegas emitieron pasaportes de protección que salvaron la vida de muchos. —Nosotros solo nos dedicamos a redactar estos pasaportes. Cada carta se escribía a máquina. Eran muchos, seguramente 25.000. Estas cartas funcionaban como una especie de pasaporte papal y podían proteger a los perseguidos. —Muchos deportados pudieron salvarse y regresar a Budapest gracias a los pasaportes. Recuerdo que enviábamos camiones a recogerlos a la frontera. 

La valentía demostrada por los diplomáticos de países neutrales durante los últimos meses de la ocupación alemana es admirable. En octubre y noviembre, Verolino y sus colegas lograron encontrar monasterios que podían dar refugio a los perseguidos. Bajo la protección del Papa, estas personas pudieron encontrar un lugar seguro. Cuando los nazis intentaron entrar en las casas, Verolino y sus colegas consiguieron impedir su acceso. 

El Papa y la Iglesia Católica han sido criticados por no haber hecho lo suficiente para salvar a las personas de los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial. Pero según Gennaro Verolino, esto no es cierto. 

Desde el principio, tuvimos instrucciones de intentar ayudar y salvar a estas personas, y así lo hicimos. Por supuesto, hubo períodos de persecución más severa, y entonces intervinimos más, y durante los períodos de calma hicimos menos. 

La razón por la que la mayor parte de sus esfuerzos no se han dado a conocer es consecuencia de su condición de diplomáticos. 

- El deber de un diplomático es informar a la nación o al estado que lo envía, y no a los periodistas. 

Monseñor Gennaro Verolino falleció en 2005 a la edad de 99 años. Fue uno de los últimos del grupo de diplomáticos que rodeaban la legación sueca en Budapest que podía relatar la historia de los acontecimientos de 1944. 

La citación del jurado 

"Por haber demostrado lo mejor del ser humano, en tiempos en que nuestra historia evidenciaba lo peor de la humanidad, Monseñor Gennaro Verolino recibe el Premio Per Anger 2004 por su labor humanitaria y en favor de la democracia." 

García Lorca y Buenos Aires: Un idilio de duende y tango

Federico y su popularidad porteña. Collage.
Gentileza de Horacio Spinetto.

García Lorca y Buenos Aires: Un idilio de duende y tango 

Carlos Szwarcer 

Hay fechas que funcionan como bisagras en la memoria de una ciudad. El viernes 13 de octubre de 1933, cuando el trasatlántico Conte Grande asomó su silueta en el Puerto de Buenos Aires, no solo traía a bordo a un dramaturgo de éxito, desembarcaba una sensibilidad que Buenos Aires estaba lista para devorar y, a la vez, consagrar. El diario La Nación, con esa sobriedad analítica de la época, lo saludaba desde sus páginas como un exponente de la literatura “moderna e inquieta”, poseedor de un pensamiento con “entraña de tierra y de raza”. Pero Federico, lejos de la pose del intelectual consagrado, se dejaba arrastrar por la inmensidad misteriosa del Río de la Plata. Aturdido por el afecto de sus amigos y el reencuentro con sus tíos Francisco y María, confesaba con una honestidad casi infantil: “Perdónenme ustedes. Es que yo, cuando viajo, no sé quién soy... uno, aturdido... se deja llevar”. 

Para Federico, este arribo era también un respiro frente a la España de 1933, una nación donde los cambios de gobernadores civiles y las tensiones de las coaliciones de derecha presagiaban tormentas. Dejaba atrás una Granada donde, según sus propias palabras, todo es pequeño y se mira al mundo a través de la celosía, para encontrarse con la magnificencia de una Buenos Aires que se le antojó una revelación. Lo que se proyectó como una escala técnica de pocas semanas se estiró hasta los seis meses, atrapado por el “dramático latido” de una urbe que lo fascinaba.  

Instalado en la habitación 704 del Hotel Castelar, Federico comparaba la llanura porteña con la soberbia de Nueva York. Entendió, con la rapidez del poeta, que en estas orillas el río es un espacio de libertad colectiva: “en Buenos Aires hay río para todos, y todos se asoman a él para quitarse el orgullo”. 

Federico y Av. de Mayo. Dibujo.
Gentileza de Horacio Spinetto.

La verdadera magia ocurría en el encuentro cuerpo a cuerpo con el público y con la vibrante comunidad española residente. Sus conferencias en Amigos del Arte —especialmente la mítica "Teoría y juego del duende"— no fueron disertaciones, sino actos de prestidigitación poética donde el auditorio quedaba “electrizado” ante ese hombre que encarnaba el misterio de la creación. Esta resonancia emocional no solo le dio la independencia económica que su tierra natal le retaceaba, sino que consolidó su nombre impulsado por el éxito de Bodas de sangre. 

Hay una postal invisible que sobrevive en la memoria: la de Federico sentado al piano tocando coplas y Carlos Gardel cantando para él, en un intercambio de admiración mutua entre dos grandes. Según el testimonio original de César Tiempo, quien propició aquel abrazo en 1933, y las posteriores ratificaciones del periodista Edmundo Guibourg en la década del setenta y de Ben Molar, este cruce fue la síntesis perfecta de la vanguardia y el sentimiento popular.

Esta resonancia, que el biógrafo Ian Gibson elevaría a la categoría de hecho histórico documental hacia 1985, demuestra que en las madrugadas de la Avenida de Mayo, Lorca no era un extranjero; era el alma de una bohemia compartida con Pablo Neruda, Victoria Ocampo y Alfonsina Storni. 

Federico se marchó en marzo de 1934 expresando: “Buenos Aires tiene algo vivo y personal, algo lleno de dramático latido, algo inconfundible y original en medio de sus mil razas que atrae al viajero y lo fascina”. Su partida fue el regreso a una España que pronto se volvería trágica, pero para el migrante, para el hijo de españoles que aún hoy camina por la Avenida de Mayo, Lorca sigue siendo el símbolo de ese puente indestructible. Federico demostró que Buenos Aires es, y será siempre, esa “segunda casa” donde el acento español y el alma porteña se funden en un solo abrazo de cultura y memoria. 

*Publicado en La Región Internacional. España. Autor: Carlos Szwarcer. 17 de mayo de 2026 

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A continuación, Zorongo Gitano, en la voz de La Argentinita acompañada por Federico García Lorca en piano. Grabación realizada en 1931.

Keith Emerson

Keith Noel Emerson nació en Todmorden, Yorkshire del Oeste, Reino Unido, el 2 de noviembre de 1944, y murió en Santa Mónica, California, Estados Unidos, el 11 de marzo de 2016. Compositor y multi instrumentista. Tocaba piano, órgano Hammond, clavecín, órgano de tubos, sintetizador modular, Minimoog, celesta, clavinet, vocoder y acordeón. 

El sitio www.rockliquias.com publicó este recordatorio. 

Los teclistas del rock: KEITH EMERSON 

Hola, amigos, nuevamente estoy en este foro para contaros una nueva historia sobres los teclistas más influyentes en el rock. Para esta segunda entrega he elegido a uno de mis músicos preferidos en este género. Durante la década de los 70 compitió duramente en las listas de mejor teclista con nuestro anterior invitado, Rick Wakeman. Sus respectivos grupos también se disputaban la fama realizando espectaculares y mastodónticas giras. Mi primer contacto con su música fue a través de su segundo disco con E, L & P, “Tarkus”, posteriormente descubrí a “The Nice” y reconozco que me dejo K.O. 

Antes de seguir tengo que advertir que no voy a relatar de forma pormenorizada la vida y milagros de Keith, podría escribir varios libros con el tema, solo voy a dar unas pocas pinceladas de su carrera y sobre todo voy a intentar transmitir mis impresiones sobre su música.  

Keith Emerson nació en Todmorde, Inglaterra, en 1.944. Muy pronto empezó a destacar por su habilidad para tocar el piano y a sus catorce años empezó a dar sus primeros conciertos. Sus primeros grupos los formó en Londres y con los “Gary Farr and the T-Bones” realizó algunas giras por Alemania, Francia y Reino Unido. Cumplidos veinte años forma “The Nice” junto a Lee Jackson (Bajo, voz), Brian Davison (batería) y a David O´List (guitarra), como respaldo para el cantante americano, P.P. Arnold. No paso mucho tiempo hasta que “The Nice” se independizó y comenzó su carrera como grupo independiente. El grupo realizó giras con los grandes artistas de la época tales como Jimi Hendrix, Pink Floyd, The Move, etc. Sus conciertos se caracterizaban por la espectacularidad y genialidad de Keith en el escenario, incluso se le llamo el “Hendrix de los teclados” ya que era capaz de tocar al revés su maltrecho órgano Hammond o incluso lo golpeaba para sacar nuevos sonidos. La música de “The Nice”, como no podía ser de otra manera, estaba muy influenciada por la música clásica y el jazz, de hecho, realizaron multitud de adaptaciones de temas clásicos, “Concierto de Brandenburgo Nº3”, “Suite Karelia”, “America” y por encima de ellas el tema que los identificó de por vida, la adaptación del tema “Blue Rondo a la Turk”, que ellos llamaron simplemente “Rondo”. Keith estuvo en el grupo del 67 al 70 y grabó cinco discos, “The Throughts of Emerlist Davjack”, “Ars Longa Vita Brevis”, “Nice”, “Five Bridges” y “Elegy”. 

En 1.970 Keith decidió formar un nuevo grupo con la colaboración de Greg Lake, ellos se conocían ya que habían coincidido en varias actuaciones con sus respectivos grupos. Para el puesto de batería pensaron en Micht Michell, el batería de la Jimi Hendrix Experience, pero por diversos motivos no acepto la oferta. El segundo candidato fue un jovencísimo Carl Palmer que por aquella época estaba en “Atomic Rooster”, por supuesto Carl no dudó en aceptar la oferta. La leyenda cuenta que le ofrecieron a Hendrix un puesto en el grupo, pero la muerte de este trunco toda posibilidad de formar semejante súper grupo. En agosto de 1.970 participaron en el Festival de la isla de Wight cosechando un notable éxito y dejando boquiabiertos a todo el personal. Su primer disco, “Emerson, Lake & Palmer”, llegó en noviembre de ese mismo año y alcanzó las primeras posiciones de las listas inglesas y americanas. En esta primera grabación Keith seguía transformando la música clásica a parámetros más rockeros. Su segundo disco llegó en el 71 con la obra conceptual “Tarkus” cosechando nuevamente un notable éxito. En este disco explotaba todo su saber con los sintetizadores, de hecho, hacía años había colaborado con Robert Moog para el desarrollo de dichos instrumentos. En Marzo de 1.971 graban una presentación en vivo donde interpretaban una curiosa y magnífica versión de la obra “Cuadros de una exposición” de Musorgky y como no podía ser de otro modo volvieron a triunfar. Con el paso del tiempo los tres miembros del grupo alcanzaron una gran maestría fruto de la cual en el 72 editan uno de sus mejores trabajos “Trilogy” donde el tema estrella era “Hoedown”, una adaptación de “Rodeo” de Aaron Copland. Giras multitudinarias por todo el mundo en el apogeo del rock sinfónico compitiendo con los grandes del género, Yes, Genesis, entre otros, hasta llegar a su obra cumbre en 1.973, “Brain Salad Surgery”, lo cierto es que se me pone la piel de gallina recordando “Kam Evil Nº9”, una pieza de 30 minutos llena de virtuosismo y belleza musical. Nuevamente más conciertos que fueron plasmados en un triple disco, “Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends”en 1.974 y la culminación llego son su participación en el California Jam de ese mismo año. 

Pero amigos las relaciones humanas son muy complicadas y los tres miembros del grupo se tomaron tres años de descanso para recapacitar sobre su futuro. En 1.977 vuelven con “Works Vol.1”, un doble disco que evidenciaba que las diferencias entre los miembros del grupo seguían vigentes. El disco estaba estructurado de manera que cada miembro era el encargado de una cara del disco confluyendo todos en la cuarta cara del doble disco. La continuación de esta grabación, “Works Vol.2” no solucionó los problemas de ventas que el grupo estaba teniendo, todo esto unido a que el rock sinfónico se estaba desmoronando ocasionó que “Love Beach”, su último disco editado en 1.978, fuera un mero trámite para su disolución. En la década de los ochenta Emerson y Lake se unieron a Cozy Powel   para la grabación de un disco y la realización de varias giras. En los noventa los “E, L &P” volvieron a la carga obteniendo diversos éxitos, pero no llegaron a las cotas alcanzadas en los setenta. 

Por otra parte, en 1.980 empezó a realizar bandas sonoras, “Inferno”, “Nighthawks” entre otras muchas y también comenzó su carrera en solitario editando “Honky”, que curiosamente recuerdo que me decepcionó bastante. A lo largo de todos estos años Keith a seguido editando discos con una calidad variable pero siempre demostrando su virtuosismo. También en algunas de sus grabaciones ha colaborado con gente como Glenn Hughes o Marc Bonilla. Si queréis saber más detalles de su vida y su obra os recomiendo leer su autobiografía, “Pictures of an  Exhibitionist”, os aseguro que no tiene desperdicio. 

Para terminar, quería comentar una de las obras de Keith, en principio estaba decidido por alguna de sus grabaciones con “The Nice” ya que es un periodo de su vida musical que me gusta mucho, pero al final me he decidido por una de sus obras con “E, L & P”, que a pesar de no ser su obra cumbre para mi significo una antes y un después en mi trayectoria musical. El disco en cuestión es “Cuadros de una Exposición”. Como he comentado anteriormente es la adaptación de una obra de Musorgky y se grabó en vivo en New Castle. La grabación comienza con “Promenade” que constituye el leitmotiv, le sigue “The Gnome” donde Carl Palmer demuestra porque era elegido mejor batería año tras año. A continuación, volvemos con “Promenade” con la intervención vocal de Lake. El cuarto tema, “The Sage” es una adaptación de un tema de Edvard Grieg. La cara A finaliza con “The Old Castle” y “Blues Variation”, un tema propio donde Emerson brilla con luz propia. La cara B la abre nuevamente “Promenade” para seguir con un trepidante “The Hut of Baba Yaga” y otro tema propio, “The Curse of Baba Yaga”. El tema “The Great Gates of Kiev” supone la finalización de la adaptación de la obra. Como postre el grupo nos deleita con “Nutrocker”, una adaptación de “El baile de los soldados de estaño” de “El Cascanueces” de Chaikovski. 

A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Touch And Go.