Ricardo Montaner

Héctor Eduardo Reglero Montaner, más conocido como Ricardo Montaner, nació en Avellaneda, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 8 de septiembre de 1957. Cantautor y pianista. 

El sitio www.cmtv.com.ar publicó su biografía.  

Ricardo Montaner 

Ricardo Montaner es un cantante y compositor argentino que hace música romántica y melódica. 

Nació el 8 de Septiembre de 1957, en la ciudad de Avellaneda, provincia de Buenos Aires. Cuando tenía seis años, Ricardo viajó a Caracas con sus padres y su hermana. Luego de tres años se mudaron a Maracaibo. Allí formó una banda con unos amigos. En esa época escuchaba a Led Zeppelin. La música le sirvió para curar su vergüenza y su timidez. En ese grupo era el baterista, pero, un día faltó el cantante, él tomó su lugar y allí cantó por primera vez en público. 

A los catorce años compuso su primera canción llamada "Noche de primavera" inspirado en su primera novia. A los 18 años decidió dejar sus estudios de periodismo y resolvió ser artista. Por entonces estaba a punto de casarse con Ana Vaz, con quien tuvo sus dos primeros hijos Alejandro Manuel y Héctor Eduardo. 

Su primer álbum fue editado en 1983, bajo el nombre de "Cada día". En 1986 salió "Éxitos".  

Entre las giras de conciertos, las grabaciones y las conferencias de prensa su matrimonio comenzó a deteriorarse. Un par de años después de su divorcio conoció a la cineasta caraqueña, Marlene Rodríguez. El 30 de Agosto de 1989 se casaron en una playa llamada Puerto La Cruz, en Venezuela. De este matrimonio nacieron tres hijos: Ricardo Andrés, Mauricio Sebastián y Evaluna. Junto a Marlene llevan adelante la fundación Los Hijos del Sol, con la cual construyen salas de hospitales y compran equipamiento. 

También hubo otra audaz tentativa de banda que se llamó La Scala, gracias a la cual conoció a Roberto Luti, que lo lanzó como solista y grabó el disco “Mares” en 1976. En este disco graba una canción a dúo con su hijo Alejandro, llamada "Hijo mío". En 1986 sale “Ricardo Montaner I”, con el que vendió un cuarto de millón de copias en sólo cuatro meses. El mismo año se edita “Éxitos”. En “Ricardo Montaner II” (1988) compuso una canción para cantar a dúo con Alejandro Lerner, que fue su primer contacto musical con la Argentina. 

En 1990 sale “Un toque de misterio” y al año siguiente el álbum “En el último lugar del mundo” que le abrió definitivamente las puertas de la Argentina. En 1992 edita “Los hijos del sol”; en 1993 “Éxitos y algo más” que contiene trece temas que fueron éxitos en sus anteriores trabajos y además incluye el tema "Un mundo ideal", tema central de la película de Disney "Aladdin", cantado a dúo con Michelle. 

En 1994 salen dos discos más: “Montaner y sus amigos” que contiene "La pequeña Venecia" (tema dedicado al Gral. Simón Bolívar) y “Una mañana y un camino”. También participa de "Amándonos", un compilado argentino junto a Patricia Sosa, Sergio Denis, Diego Torres y muchos otros. 

Durante 1995 saca “Viene del alma”. En 1997, se edita “Es así” y en 1999 “Ricardo Montaner con la London Metropolitan Orchestra”. 

En el año 2000 salió a la venta su decimosexto disco bajo el nombre de "Soy tuyo". Al año siguiente presenta “Sueño Repetido”. En el año 2002, el cantante graba “Suma”, un álbum de boleros. Si bien el artista nunca se imaginó hacer un álbum de boleros, confesó que fue el éxito de “Bésame”, tema que acompañó los últimos capítulos de la telenovela “Yo soy Betty, la fea”, que le inspiró el proyecto. 

En el año 2003 regresa con un nuevo disco llamado “Prohibido olvidar”, disco compuesto por once temas y cuyo corte de difusión es “Qué ganas”. 

En el 2004 vuelve a presentar otro disco junto a la London Metropolitan Orchestra. 

En Agosto de 2005, aparece un nuevo trabajo discográfico de este cantante argentino que triunfa en el mundo, titulado “Todo y nada”. El primer sencillo del álbum se titula “Cuando a mi lado estás”, escrito por el mismo Ricardo Montaner y producido por Pablo Manavello. Este tema luego sería un gran éxito. Además, aparece el disco "Tengo verano" y los grandes éxitos llamados "La más completa colección", compuesto por dos álbumes, y "Lo mejor de Ricardo Montaner con la London Metropolitan Orchestra". 

En 2007 lanza un nuevo material en dos discos, titulado "Las mejores canciones del mundo", donde recopila versiones personales de temas de otros artistas que fueron de inspiración para su vida y su carrera, como "Yo vengo a ofrecer mi corazón", de Fito Páez y "Y cómo es él", de José Luis Perales, pero también incluye algunos temas propios. 

En septiembre de 2008 lanza "Un camino de éxitos", que contine 14 grandes éxitos del autor, más un DVD con 7 tracks. Además, sale el álbum "Los Románticos". 

En 2009, Ricardo Montaner lanza al mercado "Las Cosas Son Como Son", su nuevo material íntegramente compuesto en Europa durante una etapa de reflexión. El álbum contiene 12 temas de la propia inspiración de Montaner y fue grabado en Milán, Italia, Madrid, España y Miami bajo la producción de Adrián Posse. El primer corte de difusión, "Para un poco", invita a detenerse y disfrutar de las cosas verdaderamente importantes. Por otro lado, la canción que da título al disco, "Las cosas son como son", hace pensar en la importancia de amar sin reservas, de entregarlo todo por un amor para que tenga sentido la vida. 

En 2010 presenta "Soy Feliz", un álbum compuesto por 11 canciones, entre ellas algunas ya consagradas, como "Cachita", y el primer corte homónimo al disco, utilizado como cortina en el programa de entretenimiento "Showmatch", emitido por Canal 13 y conducido por Marcelo Tinelli. 

En 2012 sale al mercado el single "Convénceme", parte del nuevo álbum titulado "Viajero Frecuente", el cual salió a la venta en octubre. En este disco, Montaner comparte con sus hijos MR la canción "Te Amo Hasta Siempre" compuesta por ellos, y "La Gloria de Dios", a dúo con su hija menor Evaluna Montaner. Además, colabora India Martínez en uno de los temas. 

A fines de 2013 sale al mercado "Viajero Frecuente - Destino México". Contiene el CD original editado en 2012 y dos canciones nuevas, entre ellas el tango "Nostalgias", a dúo con Alejandro Sanz. El DVD reúne videoclips y canciones interpretadas en vivo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

En agosto de 2014, mientras participa como asesor de Ricky Martin, Laura Pausini, Julión Álvarez y Yuri en el reality show "La Voz México" (junto a Mario Domm, Alex Ubago y Poncho Lizárraga), presenta el sencillo "Llanto Agradecido". A fines de noviembre se conoce el álbum completo, titulado "Agradecido". Incluye las colaboraciones de la London Metropolitan Orchestra, Claudia Brant y Ricky Montaner (MR) hicieron la música de "No Te Vayas" y Mau Montaner (MR) compuso la música de "Mi Sagrada Soledad" y "I Love You". Ricky compuso y produjo "Más Allá" con letra de Ricardo, canción en la cual participa Il Volo; y también "Vivámonos". 

En enero de 2016 Ricardo estrena "¿Quién Diría?", tema de la novela argentina "Los Ricos No Piden Permiso". El 19 de agosto sale "Aunque Ahora estés Con Él", el primer sencillo del nuevo álbum "Ida y Vuelta", que saldrá en octubre. La canción es una versión del tema compuesto por el grupo mexicano Calibre 50. El 28 de octubre sale a la venta "Ida y Vuelta". Grabado por la Orquesta Filarmónica de Praga, este álbum es un tributo a la música latina; incluye canciones popularizadas por José Feliciano, Felipe Peláez, Voz de Mando, Gerardo Ortiz y otros. 

El 1° de octubre de 2018 comienza el reality show "La Voz Argentina" y Ricardo es jurado junto a Tini, Soledad y Axel. El 30 de noviembre lanza el sencillo "¿Qué Vas A Hacer?", en cuyo video participan Lali y J Balvin. 

El 3 de mayo de 2019 estrena el sencillo "No Me Hagas Daño", adelanto del nuevo álbum "Montaner", a la venta el 24 del mismo mes. Incluye temas con Farruko y Mau & Ricky y Tainy. 

El 23 de diciembre de 2020 se estrena la canción "Amén", producción que por primera vez reúne a Ricardo Montaner, Evaluna, Camilo y Mau & Ricky. 

En abril de 2021 estrena el single "Dios así lo quiso" junto a Juan Luis Guerra. 

En mayo anuncia el show streaming "Los Montaner" que hará con Mau & Ricky, Evaluna y Camilo el 12 de junio. 

El 1 de junio lanza "Fe", su nuevo álbum donde deja ver su lado más interno y espiritual.  

El 1 de abril de 2022 lanza una versión del famoso tango "El día que me quieras". 

El 24 de mayo saca a la luz su disco "Tango", un homenaje a su infancia en Argentina, que representa la promesa que el artista le hizo a su padre, a su abuelo y a su público. 

El 20 de septiembre lanza el EP "Tango (Live Session)".  

El 10 de noviembre lanza el single y videoclip "Te echo de menos".  

El 31 de marzo de 2023 lanza el single "Yo no fumo" junto a Carlos Rivera. 

 

El 25 de abril de 2024 eddita el single "Yo que te amé" (Versión Montaner) y es honrado con el prestigioso premio "Latin AMA Legacy" en reconocimiento a su extraordinario legado musical e impacto duradero en la industria. 

 

El 16 de mayo de 2025, lanza una nueva versión del single "Si tuviera que elegir", junto a Camilo y Evaluna. 

En julio publica la primera colaboración musical con su hijo Héctor Montaner, titulada "Lo que te dé la gana". 

En noviembre anuncia su gira mundial "El Último Regreso World Tour 2026". 

El 6 de ese mismo mes lanza el single "El último regreso - Versión México". 

En diciembre, por entradas agotadas, anuncia una tercera función en el Movistar Arena para febrero de 2026. 

 

El 26 de febrero de 2026 presenta "Una Mañana y Un Camino (Versión Montaner)", una mirada renovada a su aclamado sexto álbum, que forma parte de la colección "Versiones Montaner". 

El 8 de marzo Montaner suma una cuarta función en Argentina, por entradas agotadas. Ese mes, tras una serie de 7 conciertos sold out, Ricardo Montaner concluye su paso por Argentina y Uruguay, dejando un legado de emociones y recuerdos imborrables en el corazón del público. 

El 15 de abril publica ‘Para Que Seas Feliz’, una obra que emerge desde la sinceridad más profunda, reflejando una de las formas más nobles del amor: el arte de dejar ir. 

En agosto Ricardo Montaner inicia la segunda etapa de su gira mundial “El Último Regreso” con cuatro nuevos SOLD OUT consecutivos, reafirmando el fenómeno que ha acompañado su regreso a los escenarios. Ese mismo mes Ricardo Montaner conquista Miami, donde su música resonó como un eco de emociones, entre risas y lágrimas, uniendo generaciones en un abrazo sonoro. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Tan Enamorados y Para Que Seas Feliz.  

Joaquim Carreira. Sacerdote. Justo entre las Naciones.

Joaquim Carreira nació en Santa Catarina da Serra, Leiría, Portugal, el 8 de septiembre de 1908, y murió en Roma, Italia, el 7 de diciembre de 1981. Sacerdote. Justo entre las Naciones. 

El sitio www.esefarad.com publicó este recordatorio. 

El padre Joaquim Carreira, nombrado «Justo entre las Naciones» por el Memorial del Holocausto 

Yad Vashem, el Memorial del Holocausto en Jerusalén, ha otorgado el título de «Justo entre las Naciones» al sacerdote portugués Joaquim Carreira, vicerrector y rector del Colegio Pontificio Portugués de Roma entre 1940 y 1954, según informa hoy el blog «Religionline». 

Este título, otorgado el 4 de septiembre, pero hecho público ahora distingue a personas no judías que, durante el Holocausto —la persecución y exterminio sistemáticos, apoyados por el gobierno nazi, de aproximadamente seis millones de judíos—, arriesgaron sus vidas para salvarlos. 

El comunicado de Yad Vashem «recuerda algunos datos biográficos del padre Carreira: nació en 1908 en un pueblo cercano a Fátima, un famoso lugar de peregrinación católica; fue ordenado sacerdote en 1931 y se formó como piloto. En 1940 se trasladó a Roma, donde llegó a ser vicerrector y rector del Pontificio Colegio Portugués, que acoge a sacerdotes portugueses que estudian en la capital italiana», reza la entrada del blog. 

Fue la investigación sobre el padre Joaquim Carreira, escrita por el periodista António Marujo para el periódico «Público» el 23 de diciembre de 2012, en lo que sería su último trabajo para el diario, la que permitió a Yad Vashem declarar al sacerdote «Justo entre las Naciones». 

Cuando Roma fue ocupada por los nazis en septiembre de 1943, recuerda el texto de Yad Vashem citado por «Religionline», monseñor Carreira ofreció refugio a varias personas perseguidas por los nazis, entre ellas tres miembros de la familia Cittone: Elio, su padre Roberto y su tío Isacco. En el informe sobre las actividades del colegio, Carreira escribió: «Brindé asilo y hospitalidad en el colegio a personas que eran perseguidas en virtud de leyes injustas e inhumanas». 

A pesar de que la escuela tenía un aviso en la puerta del mando militar alemán que prohibía cualquier registro en su interior, por ser territorio de la Santa Sede, soldados alemanes entraron en el edificio una vez en busca de refugiados. Todos los que se escondían allí —combatientes de la resistencia, antifascistas, partisanos, judíos— lograron ocultarse en lugares previamente acordados sugeridos por el rector. Pero la familia Cittone consideró más seguro buscar otro refugio y abandonó la escuela poco después. Esto no impide que Elio Cittone, siete décadas después, admita: «Le estoy muy agradecido y siempre recuerdo que me salvó la vida», señala Antonio Marujo. 

Joaquim Carreira se convierte en el cuarto portugués en ser declarado Justo de los Santos, después de Aristides de Sousa Mendes, el cónsul portugués en Burdeos que, desobedeciendo las órdenes de Salazar, concedió visados a más de 10.000 judíos que huían de los nazis; Carlos Sampayo Garrido, el embajador portugués en Hungría, quien, según se dice, salvó a cerca de mil judíos proporcionándoles documentación portuguesa y dándoles refugio en las viviendas de la embajada; y José Brito Mendes, un trabajador portugués casado con una francesa y residente en Francia, que salvó a una niña, hija de padres judíos. 

Las personas declaradas «Justas entre las Naciones» reciben una medalla y un certificado de honor, y sus nombres se inscriben en el muro de honor del Jardín de los Justos en Yad Vashem, donde un pequeño bosque de árboles también honra su memoria. 

Este título también otorga la ciudadanía israelí honoraria a los «Justos» o, si ya han fallecido, la ciudadanía póstuma. En enero de 2014, el número de Justos declarados por Yad Vashem alcanzó los 25.271, procedentes de 49 países. 

Se espera que el diploma del padre Joaquim Carreira, que recibirán sus familiares, se entregue en la primavera o el verano de 2015 en la Embajada de Israel en Lisboa.  

Edición: Rui Jorge Martins 

Publicado el 11.12.2014 

Fuente: Pastoral da cultura 

Mira Furlan

Mira Furlan nació en Zagreb, entonces Yugoslavia, actual Croacia, el 7 de septiembre de 1955, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 20 de enero de 2021. Cantante y actriz. 

El sitio www.mirafurlan.net publicó su biografía.  

Lamentablemente, Mira Furlan falleció el miércoles 20 de enero de 2021 debido a complicaciones derivadas del virus del Nilo Occidental. Era una mujer llena de bondad, fortaleza y compasión. Falleció en paz en su casa de Los Ángeles, rodeada de su familia. Todos seguiremos honrando su vida y su legado, y sabemos que siempre estará con nosotros. 

Mira Furlan, destacada actriz de cine, teatro y televisión en la antigua Yugoslavia, emigró a Estados Unidos al estallar la guerra de los noventa por motivos políticos. 

En su país natal, protagonizó más de 40 películas, incluyendo la ganadora de la Palma de Oro de Cannes, "Cuando papá estaba de viaje de negocios", dirigida por E. Kusturica. Recibió los máximos galardones por su trabajo en el cine (dos Arenas de Oro —los Óscar yugoslavos— por "Cíclope" y "La belleza del pecado"), así como por su trabajo en el teatro. Fue miembro del Teatro Nacional Croata (entre sus papeles favoritos se encuentran Natalya en "Un mes en el campo" de Turguénev, Judith en "El discípulo del diablo" de Shaw y Celimene en "El misántropo" de Molière). También actuó en otros teatros del país (Ofelia en "Hamlet" en el Festival Internacional de Teatro de Dubrovnik, "Isabelle" en "Ilusiones teatrales" de Corneille en el Teatro Dramático Yugoslavo de Belgrado). 

En Estados Unidos, Mira es conocida principalmente por su papel de la Embajadora Delenn en la galardonada serie de ciencia ficción “Babylon 5” (premio Sci-Fi Universe a la mejor actriz de reparto en ciencia ficción) y como Danielle Rousseau en la exitosa serie “Lost”. También ha actuado en teatro (Yerma en “Yerma” de Lorca, el papel principal en “Antígona” – premio Dramalogue a la mejor interpretación, Tanya en “Cranes” de Lipkin, dirigida por Scott Eliott en Nueva York). Recientemente tuvo un papel recurrente en la serie de Amazon “Just Add Magic” y actuó junto a Judd Hirsch en la película “Burn at Both Ends”. 

Tras diez años, Mira regresó a su Croacia natal para interpretar el papel principal en «Medea» en el Teatro Ulises. Recientemente, protagonizó la adaptación de la novela homónima de Christa Wolf y la obra «Una sonata de otoño» de Bergman en el Teatro Nacional Croata de Rijeka, en el papel de Cassandra. Al momento de su fallecimiento, formaba parte de «Ejercitando la vida», una nueva producción del Teatro Nacional Croata de Rijeka. También participó en la película «Circus Columbia», del ganador del Óscar Danis Tanovic, así como en otras producciones europeas, como «The Tour», dirigida por G. Markovic, y la película colectiva internacional «Don't Forget Me Istanbul». 

Mira cantó en tres álbumes (“Mira Furlan & D. Slamnig's Orchestra”, “Songs From Movies That Haven't Been Made” y “Be Five”). Publicó un libro de ensayos (“The Closing Sale”) y su obra de teatro “Till Death Do Us Part” se estrenó en Belgrado, dirigida por el aclamado actor europeo Miki Manojlovic. 

Mira también impartió clases en el departamento de artes liberales y ciencias de la Academia de Cine de Nueva York en Los Ángeles. Terminó de escribir sus memorias, que su esposo publicará póstumamente. 

A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento, con As Time Goes By. 

Shalom – Balance, tradición y legado histórico

Shalom – Balance, tradición y legado histórico  

En el programa de hoy visitaremos el Centro Didáctico de la Judería de Segovia junto al presidente de la Federación de Comunidades Judías, ya que conmemoramos dos acontecimientos importantes: la proximidad de Rosh Hashaná, y la celebración de la Jornada Europea de la Cultura Judía. 

Hacé click en el enlace para ver el programa. 

https://www.rtve.es/play/videos/shalom/balance-tradicion-legado-historico/17213980/

William Duvall

William Bradley DuVall nació en Washington D. C., Estados Unidos, el 6 de septiembre de 1967. Cantante, compositor y guitarrista. 

El sitio www.lacarnemagazine.com publicó este artículo. 

William Duvall: Historia del Icono del Grunge y el Rock 

14 enero, 2025 LaCarne Magazine  

Cuando hablamos de leyendas del grunge y el rock, es imposible no mencionar a William DuVall. Este talentoso músico y vocalista ha dejado una huella imborrable en la escena musical, especialmente como el rostro renovado de Alice in Chains, una de las bandas más icónicas del género. Pero DuVall es mucho más que un sucesor; es un artista con una historia fascinante, una voz que desgarra el alma y un estilo que ha conquistado escenarios alrededor del mundo. 

Te invitamos a descubrir todo sobre William DuVall: desde sus humildes comienzos, pasando por su transformación en un referente del grunge, hasta sus proyectos más recientes. ¡Acompáñanos en este recorrido por la vida y la carrera de un auténtico icono del rock! 

Los inicios de William DuVall 

William DuVall nació con la música en las venas. Criado en un entorno donde el arte y la cultura tenían un lugar destacado, comenzó a desarrollar su pasión por los sonidos desde muy joven. Aunque su carrera lo llevaría a convertirse en un referente del grunge y el rock, sus primeras influencias vinieron de géneros muy diversos, desde el soul hasta el punk. Esta mezcla ecléctica de estilos fue clave para moldear su talento y creatividad. 

En su adolescencia, William DuVall no tardó en encontrar en la guitarra su medio de expresión favorito. Inspirado por artistas de renombre y movimientos culturales vibrantes, comenzó a dar sus primeros pasos en el mundo de la música. Estas experiencias tempranas no solo le enseñaron la importancia de la autenticidad en el arte, sino que también le proporcionarán una base sólida que más tarde le ayudaría a destacar en una industria tan competitiva. 

Antes de ser conocido como el vocalista de Alice in Chains, William DuVall forjó su carrera en el circuito underground. Durante los años 80, participó en varias bandas, incluidas algunas del movimiento punk y hardcore, que le permitieron experimentar con diferentes sonidos y estilos. Entre ellas, destaca su tiempo con No Walls, un proyecto donde ya comenzaba a mostrar su habilidad para mezclar géneros y conectarse emocionalmente con el público. 

Estas primeras bandas fueron el laboratorio perfecto para que William DuVall desarrollara su identidad musical. Aunque los escenarios eran pequeños y los recursos limitados, cada presentación era una oportunidad para aprender y crecer. Esos años de exploración y perseverancia sentaron las bases de lo que más tarde sería su gran salto al estrellato. 

La Era de Alice in Chains: Un Nuevo Comienzo 

Cuando William DuVall se unió a Alice in Chains en 2006, muchos fans estaban a la expectativa. ¿Cómo podría alguien llenar el vacío dejado por Layne Staley, la voz original de la banda? Sin embargo, DuVall no llegó a imitar ni sustituir; Llegó para aportar algo nuevo. Su energía, su talento vocal y su habilidad para conectarse con el público dieron un giro fresco al sonido de Alice in Chains, marcando una nueva etapa en su historia. 

William DuVall se integró de forma natural, mostrando un profundo respeto por el legado de la banda, pero también la confianza necesaria para imprimir su propio estilo. Su química con el guitarrista Jerry Cantrell fue evidente desde el principio, convirtiéndose en una parte fundamental del renacimiento de la banda en la escena del rock. 

Álbumes y giras con Alice in Chains 

El debut de William DuVall como vocalista principal llegó con el álbum Black Gives Way to Blue en 2009, un trabajo que no solo marcó su entrada oficial en la banda, sino que también demostró que Alice in Chains seguía siendo una fuerza creativa. Canciones como “Check My Brain” y “Your Decision” se convirtieron en éxitos inmediatos, consolidando la nueva era de la banda. 

Posteriormente, William DuVall también fue parte de los álbumes The Devil Put Dinosaurs Here (2013) y Rainier Fog (2018), donde su voz se mezcló a la perfección con las armonías características de Cantrell. Cada lanzamiento mostró la evolución del sonido de la banda, al tiempo que mantenían la esencia que los había convertido en leyendas del grunge. 

En cuanto a las giras, William DuVall se ha destacado por su capacidad para dominar los escenarios, revitalizando clásicos de Alice in Chains mientras se conecta con audiencias de todas las edades. Sus presentaciones en vivo son un testimonio de su compromiso con la música y de cómo ha sabido ganarse el cariño de los fans más fieles de la banda. 

La era de William DuVall en Alice in Chains es un capítulo de renovación y éxito, que no solo rinde homenaje al pasado, sino que también escribe un futuro brillante para una de las bandas más influyentes del rock. 

Proyectos en Solitario y Otras Colaboraciones 

Aunque William DuVall es mejor conocido por su papel en Alice in Chains, su carrera como solista le ha permitido explorar una faceta más personal y experimental de su música. En 2019, DuVall lanzó su primer álbum en solitario, One Alone, un trabajo que muestra una faceta más íntima y acústica de su talento. Lejos del grunge eléctrico que lo hizo famoso, este disco es una reflexión sobre su propia evolución artística, con letras profundas y un enfoque minimalista que resalta su capacidad como compositor y vocalista. 

One Alone es una obra que demuestra que William DuVall no se limita a un estilo solista, sino que tiene una versatilidad impresionante que lo lleva a explorar sonidos más tranquilos y emotivos, alejados del pesado y distorsionado sonido del rock. Este álbum fue bien recibido por los fans, quienes pudieron descubrir una faceta más personal y auténtica de DuVall, un artista que no tiene miedo de arriesgarse y ofrecer algo nuevo. 

Colaboraciones con otros artistas 

La carrera de William DuVall no se limita a su trabajo con Alice in Chains y su proyecto en solitario; a lo largo de los años, ha colaborado con una amplia variedad de artistas y bandas, mostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a diferentes estilos. Su participación en el álbum Guitar Hero III: Legends of Rock es solo uno de los muchos ejemplos de su habilidad para aportar su talento único a proyectos fuera de su banda principal. 

DuVall también ha sido parte de varios proyectos colaborativos, desde su participación en el grupo Heart junto a otros músicos del rock, hasta su trabajo en estudios con artistas como Mark Lanegan y Jerry Cantrell. Estas colaboraciones le han permitido enriquecer su carrera y expandir sus horizontes musicales, al mismo tiempo que mantiene su identidad única dentro de la música contemporánea. 

Las contribuciones de William DuVall en proyectos fuera de Alice in Chains no solo destacan su versatilidad como músico, sino también su continuo deseo de explorar y compartir nuevas experiencias artísticas con otros grandes talentos del rock y más allá. 

Preguntas frecuentes 

¿Quién es William DuVall? 

William DuVall es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense, mejor conocido por ser el vocalista principal de Alice in Chains desde 2006. Nació el 6 de septiembre de 1967 en Atlanta, Georgia. Antes de unirse a la banda, tuvo una carrera en el ámbito del rock y el grunge, participando en varias bandas underground, y luego consolidó su lugar como uno de los grandes referentes del grunge moderno. 

¿Cómo llegó William DuVall a Alice in Chains? 

William DuVall se unió a Alice in Chains en 2006, después de la trágica muerte de Layne Staley, el vocalista original de la banda. Jerry Cantrell, el guitarrista principal, buscaba un sucesor que pudiera capturar la esencia de la banda mientras aportaba una nueva energía. DuVall, quien ya había trabajado con Cantrell en otros proyectos, fue seleccionado debido a su gran talento vocal y su capacidad para encajar con el sonido único de la banda. 

¿De qué trata el álbumOne Alone de William DuVall? 

One Alone es un álbum profundamente personal que muestra a William DuVall en un formato más desnudo y sencillo. A lo largo de las canciones, DuVall refleja sobre la vida, la introspección y las relaciones personales. Con una mezcla de folk, rock y sonidos acústicos, el álbum se aleja del sonido característico de Alice in Chains, pero mantiene su esencia melódica y emocional. La simplicidad en la producción permite que la voz de DuVall sea el centro de atención. 

¿Qué influencias musicales tiene William DuVall? 

William DuVall ha sido influenciado por una gran variedad de géneros musicales. Entre sus principales influencias se incluyen el grunge, el rock clásico, el soul y el punk. Desde su juventud, DuVall ha explorado diversos estilos musicales, lo que ha enriquecido su sonido y su enfoque en la composición. Bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y artistas como Marvin Gaye y The Stooges han tenido un impacto significativo en su música. 

¿Cuál es el estilo vocal de William DuVall? 

El estilo vocal de William DuVall es muy versátil y se caracteriza por una voz poderosa y emocional. DuVall tiene una capacidad impresionante para alternar entre tonos suaves y desgarradores, y su estilo se adapta tanto a las melodías suaves como a las más pesadas. Su voz se ha comparado con la de Layne Staley, pero DuVall ha logrado aportar su propio toque, más cálido y melódico, que complementa el sonido de Alice in Chains. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Would? y 'Til The Light Guides Me Home.  

Arnel Pineda

Arnel Pineda Rivas nació en Tondó, Manila, Filipinas, el 5 de septiembre de 1967. Cantante, compositor y guitarrista.   

El sitio www.biography.com publicó su biografía.  

Arnel Pineda 

Arnel Pineda es conocido principalmente por ser el nuevo vocalista del grupo de rock Journey. 

Actualizado: 20 de julio de 2020, 16:37 (EDT) 

¿Quién es Arnel Pineda? 

Tras una serie de desafortunados sucesos en su infancia, Arnel Pineda triunfó en Asia como vocalista del grupo The Zoo. En 2007, fue descubierto por Neal Schon, guitarrista de Journey, después de que se publicaran varios vídeos en YouTube donde interpretaba versiones de canciones estadounidenses, incluyendo el famoso éxito "Don't Stop Believin'". En diciembre de 2007, Pineda se convirtió en el nuevo vocalista de Journey. Su voz es notablemente similar a la del anterior vocalista de Journey, Steve Perry. 

Infancia problemática 

Arnel Pineda nació el 5 de septiembre de 1967 en Sampaloc, Manila, Filipinas. Durante su infancia, Pineda sufrió grandes desgracias. Cuando tenía apenas 13 años, su madre, de 35 años, falleció tras una larga lucha contra una enfermedad cardíaca. Los gastos médicos dejaron a la familia con graves deudas, y el padre de Pineda ya no pudo mantener a Pineda ni a sus tres hermanos menores: Russmon, Roderick y Joselito. 

Mientras que sus familiares pudieron acoger a sus hermanos, Pineda quedó solo. Pasó los siguientes años sin hogar, durmiendo a menudo a la intemperie en parques públicos y buscando comida y agua a duras penas. Cuando era posible, se quedaba en casa de algún amigo, quien le ofrecía una litera en el exterior. Finalmente, Pineda se vio obligado a dejar la escuela y a aceptar trabajos ocasionales recogiendo chatarra y botellas en el muelle y vendiendo periódicos para mantener a su familia. 

Inicio de carrera 

La pasión de Pineda por la música comenzó a temprana edad. Empezó a cantar con tan solo cinco años y participó en numerosos concursos de canto durante su infancia. En 1982, a los 15 años, conoció a una banda local llamada Ijos, y sus amigos lo animaron a audicionar para ser su nuevo vocalista principal. Cantó "Help" de los Beatles y "Making Love Out Of Nothing At All" de Air Supply. Aunque les preocupaba su falta de formación, los miembros de Ijos quedaron impresionados por la potente voz de Pineda y lo eligieron como nuevo líder de la banda. Uno de los amigos de un miembro de la banda incluso se ofreció a pagarle el sueldo a Pineda, 35 pesos por noche, de su propio bolsillo, y a Pineda le ofrecieron una pequeña habitación para dormir debajo de las escaleras de la entrada del guitarrista. 

En 1986, algunos miembros de Ijos se unieron para formar la nueva banda de pop-rock Amo. El grupo alcanzó el éxito versionando canciones de grupos populares como Heart, Queen y Journey. En 1988, llamaron la atención al ganar la fase filipina del concurso Yamaha World Band Explosion. Aunque fueron descalificados en la final por un tecnicismo, el evento se transmitió por televisión en Asia, ampliando así su base de fans. La banda continuó actuando en clubes y estadios populares de Filipinas. 

En 1990, los miembros se reagruparon una vez más, bajo el nuevo nombre de Intensity Five, y volvieron a participar en el concurso. La banda quedó en segundo lugar y Pineda ganó el premio al Mejor Vocalista. Tras una serie de problemas de salud a principios de los 90, incluyendo la pérdida temporal de su voz, Pineda reapareció en 1999 con un nuevo álbum en solitario con Warner Brothers. El álbum homónimo tuvo varios éxitos en Asia. 

Tras breves incursiones en varias bandas, Pineda volvió a cosechar éxitos en 2006 con The Zoo, grupo que formó con Monet Cajipe, guitarrista y compositor que había formado parte de todas sus bandas durante los 20 años anteriores. The Zoo actuó en varios clubes populares de la zona y, en 2007, lanzó un álbum con MCA Universal titulado Zoology . Pronto, la banda comenzó a versionar canciones de grupos como Journey, Survivor, Aerosmith, Led Zeppelin, The Eagles y otros, con más de 200 actuaciones subidas a YouTube. 

Viaje 

El 28 de junio de 2007, Neal Schon, guitarrista y miembro de la banda Journey, vio un video de Pineda en YouTube e inmediatamente lo contactó. La banda buscaba un nuevo vocalista, y la voz de Pineda sonaba sorprendentemente similar a la de Steve Perry, el legendario exlíder de Journey. Tras hablar con Schon por teléfono, Pineda organizó su viaje a Estados Unidos para audicionar con la banda en San Francisco. El 5 de diciembre de 2007, Pineda fue recibido como el nuevo vocalista de la banda. 

Inmediatamente, Pineda se fue de gira con la banda, ofreciendo dos conciertos en Chile y dos en Las Vegas. Ambos fueron un gran éxito. Tras varias apariciones como invitado en programas de televisión y reportajes en revistas, Pineda ganó popularidad entre el público estadounidense. El 3 de junio de 2008, Journey, recién reorganizado, lanzó su primer álbum, Revelation, que alcanzó el puesto número 5 en las listas de éxitos de Estados Unidos. Este álbum fue el que mejor posición alcanzó en las listas desde Trial by Fire (con Steve Perry) y obtuvo la certificación de platino en octubre de 2008. 

Poco después del lanzamiento del álbum, la banda continuó de gira por todo el mundo con Pineda. El documental " Don't Stop Believin': Everyman's Journey", cuyo estreno está previsto para 2012, narrará la gira "Revelation Tour" de la banda y los primeros años de Pineda con ella. 

Vida personal 

Cuando no está de gira, Pineda reside en Filipinas con su esposa, Cherry, y sus hijos, Cherub y Thea. Tiene otros dos hijos —Matthew, de 19 años, y Angelo, de 13— de relaciones anteriores. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Don't Stop Believin  

Jean Sibelius. Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47. David Oistraj.

A continuación, de Jean Sibelius, el Concierto para Violín y Orquesta en Re Menor Op. 47, en la versión de David Oistraj, y la Orquesta Filarmónica de Moscú, dirigida por Gennady Rozhdestvensky.

María Kotarba. Mensajera de la Resistencia. Justa entre las Naciones.

María Kotarba nació en Nowy Sącz, Galicia y Lodomeria, entonces Austria-Hungría, el 4 de septiembre de 1907, y murió en Owczary, Polonia, el 30 de diciembre de 1956. Mensajera de la Resistencia. Justa entre las Naciones. 

El sitio www.yadvashem.org publicó este recordatorio. 

María Kotarba 

Polonia 

Nacida cerca de Nowy Sacz, Maria Kotarba había trabajado como mensajera para la resistencia polaca antes de ser capturada y transportada a Auschwitz el 6 de enero de 1943. Como prisionera política, Maria fue puesta a trabajar en el campo, en el comando de jardinería de Rajsko. 

Un día, María conoció a Lena Lakomy, una "enfermera" que acompañaba a los prisioneros enfermos a la enfermería del campo. Lena había sido registrada en el campo como polaca no judía, debido a su apariencia. Un día, María se unió clandestinamente al grupo de prisioneros enfermos para introducir de contrabando medicamentos de la resistencia local para los prisioneros que hacían de médicos en la enfermería. A partir de entonces, se unió con frecuencia al grupo de enfermos de Lena, y a medida que su amistad se fortalecía, la visitaba en el barracón por la noche y le preparaba sopa de verduras con vegetales que sacaba de contrabando del huerto de las SS donde trabajaba. También ayudó a Guta, la hermana de Lena, y a otros prisioneros judíos, a pesar del riesgo personal y de las protestas de otros prisioneros polacos que la acusaban de ayudar a judíos en lugar de a cristianos polacos. 

María ayudó a Lena de muchas maneras, a menudo arriesgando su vida: le proporcionó sándwiches durante la semana que estuvo encerrada en una celda de castigo y gestionó su traslado a tareas más ligeras cuando la asignaron al "Comando del Río", donde el arduo trabajo de extraer grava de los ríos seguramente la mataría. María también introdujo de contrabando alimentos y leche en Guta a través de una tercera persona, Henia Szainberg. 

En enero de 1945, cuando María y Lena fueron trasladadas al campo de concentración de Ravensbrück, María les encontró un lugar en el bloque francés de los barracones, que ya estaban superpoblados. Continuó ayudando a Lena cuando fueron transportadas al subcampo de Neustadt-Glewe en febrero de 1945. 

Tras ser liberados por el Ejército Rojo el 2 de mayo de 1945, se separaron sin que María pidiera ninguna compensación. Lena intentó encontrar a María después de la guerra, pero no lo logró hasta 1997, cuando supo que María había fallecido en 1956. 

En septiembre de 2005, Yad Vashem reconoció a María Kotarba como Justa entre las Naciones. 

Martin Chambers.

Martin Dale Chambers, más conocido como Martin Chambers, nació en Hereford, Herefordshire, Reino Unido, el 4 de septiembre de 1951. Baterista, cantante y compositor.   

El sitio www.alchetron.com publicó su biografía.  

Martin Dale Chambers (nacido el 4 de septiembre de 1951 en Hereford) es un músico inglés, conocido principalmente por ser miembro fundador y baterista de la banda de rock The Pretenders. Además de tocar la batería, Chambers canta coros (voz principal en la canción "Fast or Slow (The Law's the Law)", la cara B de los sencillos "2000 Miles" y "Show Me", que también compuso) y toca la percusión. Formó parte de la formación original, que también incluía a Chrissie Hynde (voz/guitarra), James Honeyman-Scott (guitarra/voz/teclados) y Pete Farndon (bajo/voz). Hynde y Chambers son los únicos dos miembros originales que siguen vivos, y él ha formado parte del grupo en dos etapas distintas. 

Antes de unirse a los aún sin nombre Pretenders, Chambers tocó con James Honeyman-Scott en Cheeks, una banda liderada por el ex tecladista de Mott the Hoople, Verden Allen. Cuando Chambers se unió a la banda aún sin nombre en 1978, trabajaba como instructor de manejo en Tufnell Park, Londres, donde había conseguido un trabajo en la British School of Motoring "porque venía con un auto para que pudiera moverme" y por eso encontró dónde vivían Jim y Pete y luego reemplazó a Jerry Mackleduff en la batería (Uncut, 1999). En el primer ensayo de Chambers con el grupo, Hynde recordó: "Conectamos y empezamos a tocar 'Precious', y recuerdo claramente que tuve que darme la vuelta y mirar a la pared, me reía tanto, porque tan pronto como Martin empezó a tocar con nosotros, supe que esto era. Teníamos la banda." (Uncut, 1999). Martin también recordó el ensayo: "Lo supimos de inmediato. Simplemente nos compenetramos." (Rhino Entertainment Company, 2006). 

Chambers demostró ser un baterista versátil dentro del grupo, con un estilo contundente que se evidencia en canciones como "Middle of the Road". El guitarrista Adam Seymour reconoció que "existe una dinámica rítmica particular entre la guitarra de Chrissie y la batería de Martin que requeriría una ecuación científica para explicar. Martin, por así decirlo, retrocede en el ritmo mientras Chrissie lo impulsa hacia adelante". (Rhino Entertainment Company, 2006). 

La primera etapa de Chambers con el grupo duró desde mediados de 1978 hasta mediados de la década de 1980. Afrontar la muerte de sus compañeros Honeyman-Scott y Farndon resultó difícil, y su consiguiente falta de entusiasmo provocó su salida del grupo durante las sesiones de grabación de Get Close. Según Hynde, «Sentí que su forma de tocar se había deteriorado. Creo que todavía estaba muy traumatizado por la pérdida de Pete y Jimmy». (Uncut, 1999) Martin coincidió, admitiendo: «Para ser honesto, no me entusiasmaba mucho». 

Chambers se reincorporó al grupo en 1994 durante las sesiones de grabación de Last of the Independents y ha permanecido con ellos desde entonces (Uncut, 1999). Cuando regresó, Seymour recordó: "Cuando Martin se sentó, empezó a sentirse como una banda de verdad". Martin resumió su reencuentro con el grupo diciendo: "Al final, [Chrissie] me pidió que volviera porque nadie podía hacer que funcionara como nosotros". (Rhino Entertainment Company, 2006) Hynde coincidió, diciendo: "Lo extrañé muchísimo... Tanto él como yo estábamos perdidos —y probablemente no tocábamos bien— y necesitaba que alguien me diera un empujón y me inspirara. Tocamos una canción y fue la misma emoción que cuando tocamos juntos por primera vez. Nadie tiene ese ritmo y esa sensación". (Hot Press, 1994). 

A finales de 2008, The Pretenders lanzaron el álbum Break Up the Concrete, con Jim Keltner reemplazando a Chambers, aunque Chambers siguió siendo miembro oficial y tocó con la banda en los conciertos. Además de tocar con The Pretenders, Chambers también forma parte de la banda Miss World, liderada por el compositor Johnathon Perkins, quien había trabajado con artistas como Little Richard y Keith Richards. 

A finales de septiembre y principios de octubre de 2009, Chambers tocó la batería en los siete conciertos de reunión de Mott the Hoople (2 en Monmouth y 5 en el Hammersmith Odeon) junto a su antiguo compañero de banda en Cheeks, Verden Allen, debido a la enfermedad de Dale Griffin, quien le había prestado su batería a Chambers para su primer concierto en vivo en 1967 en el St. Mary's Church Hall, Ross on Wye, Herefordshire. 

Discografía 

1980 - Pretenders 

1981 - EP 

1981 - Pretenders II 

1984 - Aprendiendo a gatear 

1986 - Acércate 

1994 - El último de los independientes 

1999 - Viva el Amor 

2002 - Tornillo suelto 

2009 - Hammersmith en directo con Mott the Hoople 

DVD 2014 Mott the Hoople Live in Manchester Noviembre 2013 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Middle Of The Road.   

Doug Pinnick

Douglas Theodore "Doug" Pinnick, más conocido como Doug Pinnick, nació en Braidwood, Illinois, Estados Unidos, el 3 de septiembre de 1950. Cantante, compositor. Toca guitarra y bajo. 

El sitio www.dugnation.net publicó su biografía.  

Doug Pinnick es conocido ante todo como el carismático cantante y bajista de la banda de hard rock King's X. Nacido el 3 de septiembre de 1950 en Joliet, Illinois, Pinnick descubrió el rock and roll a través de grandes como Sly and the Family Stone, Jimi Hendrix y Led Zeppelin, mientras que su estilo vocal se inspiró en el gospel. Cuando su trabajo como acompañante del guitarrista cristiano Phil Keaggy terminó a principios de los 80, Pinnick formó una nueva banda con su compañero Jerry Gaskill (batería) y el guitarrista Ty Tabor, ambos exmiembros de Keaggy. Pasaron varios años tocando versiones en bares del sur de Estados Unidos antes de que la nueva banda encontrara su sonido característico y finalmente adoptara el nombre de King's X. Tras firmar con Megaforce/Atlantic en 1987, el trío se convirtió en uno de los favoritos del público del metal y el rock progresivo; su música también incorporaba elementos alternativos en su hard rock, mucho antes de que se pusiera de moda durante los 90. Pinnick es uno de los pocos bajistas de hard rock que utiliza un bajo de 12 cuerdas con regularidad, un elemento clave del mágico sonido de King's X. Tras seis lanzamientos aclamados por la crítica, Pinnick publicó su primer álbum en solitario, Massive Grooves from the Electric Church of Psychofunkadelic Grungelism Rock Music, en 1998 bajo el seudónimo de Poundhound. 

En 2000, Pinnick formó otro proyecto paralelo (Supershine), que incluía a exmiembros de los rockeros sludge de Sabbath Trouble (el guitarrista Bruce Franklin y el baterista Jeff Olson), publicando un lanzamiento homónimo en Metal Blade ese mismo año, mientras que un segundo álbum de Poundhound le siguió en 2001, titulado Pineappleskunk. Junto con su trabajo con King's X, Poundhound y Supershine, Pinnick también ha participado como invitado en álbumes de otros artistas, incluyendo 24-7 Spyz 6, Falling Into Infinity de Dream Theater y Guitar Zeus de Carmine Appice; ha producido un par de álbumes para Geek (que incluye a los dos hijos del baterista de King's X, Gaskill); y ha aparecido en varios álbumes tributo, incluyendo compilaciones para Jimi Hendrix (In From the Storm), Van Halen (Little Guitars: A Tribute To) y Metallica (Metallic Assault: A Tribute To). 

A lo largo de principios del siglo XXI, Pinnick siguió siendo el cantante de referencia del rock, como lo demuestra su aparición en grabaciones de varios proyectos, entre ellos Tres Mts. (junto al bajista de Pearl Jam, Jeff Ament), The Mob (con Kip Winger y Red Beach), Pinnick Gales Pridgen (que incluye al guitarrista Eric Gales y al baterista Thomas Pridgen), Grinder Blues (con el dúo de hermanos Jabo y Scot Bihlman) y KXM (donde Pinnick se unió al ex guitarrista de Dokken, George Lynch, y al baterista de Korn, Ray Luzier). Además, Pinnick abandonó el apodo de Poundhound y publicó álbumes en solitario bajo su propio nombre, entre ellos Emotional Animal (2005), Songs from the Closet (2006), Strum Sum Up (2007) y Naked (2013), además de continuar de gira por todo el mundo con King's X, quienes por esa época experimentaron un merecido resurgimiento de su carrera. 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Rescue Me. 

Rudolf Weigl. Biólogo y Justo entre las Naciones.

Rudolf Stefan Jan Weigl nació en Přerov, Moravia, Imperio Austro-Húngaro, el 2 de septiembre de 1883, y murió en Zakopane, Polonia, el 11 de agosto de 1957. Biólogo y Justo entre las Naciones.   

El sitio www.buscabiografias.com publicó este recordatorio. 

Rudolf Weigl nació el 2 de septiembre de 1883, en Przerów, Moravia, Imperio austrohúngaro (actual República Checa). 

Padres 

Hijo de Fryderyk Weigl y Elzbieta Krösel. Tras la prematura muerte de su progenitor en un accidente de bicicleta, su madre se casó con Józef Trojnar, profesor de secundaria en Jaso Stryj. 

Estudios 

Asistió a gimnasios en Jaso Stryj. En 1907 se graduó en Ciencias Naturales en la Universidad de Lwów, convirtiéndose en asistente del profesor Nusbaum-Hilarowicz. Fue habilitado en 1913 en Zoología, Anatomía Comparada e Histología. 

Investigador 

Con sus primeros trabajos, relacionados con la estructura celular, ganó prestigio. 

Durante la Primera Guerra Mundial, fue reclutado como parasitólogo. 

Vacuna contra el tifus 

Inició sus investigaciones sobre el tifus y los piojos que lo propagaban, llegando a diseñar la primera vacuna eficaz del mundo contra esta enfermedad. Desarrolló un sistema que le permitió cultivar la bacteria Rickettsia prowazekii -responsable del tifus- en el intestino de los piojos, inoculando en el ano del pequeño insecto esta bacteria mediante una pequeña aguja. Hasta entonces, este tipo de investigaciones solo se realizaban con animales de laboratorio. Creó una granja de piojos, a los que alimentaba con sangre humana, incluida la suya. 

Entre 1915 y 1918 trabajó en un hospital militar en Przemyl y en 1918 asumió la dirección del recién creado Laboratorio de Investigación del Tifus. 

Continuó su actividad investigadora sobre la vacuna en el Instituto de Biología General de la Universidad Jan Kazimierz de Lwów (posteriormente llamado Instituto Weigl), del que fue director durante la ocupación soviética y después por la Alemania nazi. No fue apartado de su cargo porque la vacuna producida por el instituto fue la más eficaz para uso de la Wehrmacht. 

El empleo en el Instituto fue una oportunidad de supervivencia para muchos, y tener la tarjeta de empleado en la investigación, un medio de protección contra arrestos. La Gestapo evitaba el contacto con estas personas utilizadas en los experimentos por temor a infectarse con tifus. Weigl empleó a muchos de los que estaban en peligro, principalmente a miembros de la resistencia e intelectuales perseguidos. Protegió a judíos utilizándolos como alimentadores de piojos y se considera que así salvó a unas cinco mil personas. Además, la vacuna producida en el instituto llegó clandestinamente a civiles y partisanos; a los guetos de Lwów y Varsovia, así como a campos de concentración y prisiones de la Gestapo. 

Finalizada la guerra, Weigl se radicó en Cracovia, continuando sus investigaciones en la Universidad Jagielloniana y, más tarde, hasta su jubilación, en la Universidad de Pozna?. 

Reconocimientos 

Nominado al Premio Nobel dos veces. La primera, en 1942, fue bloqueada por los alemanes. En la segunda, en 1948, los comunistas impidieron su adjudicación. 

Póstumamente se reconoció la investigación, el trabajo y el servicio de Weigl, siendo honrado en 2003 con el título de Justo entre las Naciones, premio otorgado por Israel que reconoce su labor por salvar innumerables vidas de judíos durante la Segunda Guerra Mundial. 

Matrimonios e hijo 

Durante 1921 se casó con Zofia Kulikowska, con quien tuvo a su hijo Wiktor. 

Posteriormente, se casó con Anna Herzig. 

Muerte 

Rudolf Weigl falleció el 11 de agosto de 1957, en Zakopane, Polonia. 

John Zorn

John Zorn nació en Nueva York, Estados Unidos, el 2 de septiembre de 1953. Compositor, director, arreglador y productor. Toca saxo, piano, clarinete y theremín. 

El sitio www.milkenarchive.org publicó este artículo firmado por Neil W. Levin. 

Desde mediados de la década de 1970, el compositor, intérprete y productor de discos y conciertos John Zorn ha sido una de las figuras más ilustres y carismáticas asociadas con el mundo vanguardista de la expresión alternativa, experimental, basada en la fusión y la improvisación libre, conocida como la escena musical del "centro" de Nueva York. 

Nacido en la ciudad de Nueva York, Zorn asistió a la Escuela Internacional de las Naciones Unidas y posteriormente al Webster College en San Luis. Allí, entró en contacto con el Black Artists Group (BAG) y la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), que ejercieron una profunda influencia en su trayectoria posterior; y se dedicó al saxofón como su instrumento principal, convirtiéndose en un virtuoso consumado y un innovador destacado en cuanto a sus posibilidades ampliadas. Tras una breve estancia en la Costa Oeste, regresó a Nueva York y comenzó a labrarse un nombre en el estimulante ambiente del centro de la ciudad, un entorno en el que prosperó con naturalidad y cuya dedicación a la participación espontánea y comunitaria y a la improvisación colectiva fomentó y nutrió sus propias inclinaciones. 

Zorn causó revuelo rápidamente con su serie de experimentos sonoros poco convencionales, que en aquella etapa inicial incluían imitar el canto de un pato soplando en cuencos de agua y crear extraños aullidos con una boquilla de saxofón desmontada. Empezó a apropiarse libremente de los sonidos de lo que él denomina el «bombardeo mediático» de nuestra época. Si bien los músicos más convencionales podrían lamentar la avalancha de ruidos industriales, cacofonías comerciales y sonidos electrónicos que impregnan nuestro entorno, Zorn los acoge como influencias inspiradoras y parámetros extra musicales en sus composiciones. Prácticamente todos los sonidos, cualquiera que sea su origen, se han convertido, en principio, en presa fácil para su manipulación e incorporación musical. 

El trabajo experimental de Zorn con el rock y el jazz, especialmente en fusiones con otros géneros y estilos, ha atraído a un grupo de seguidores fieles que se ha caracterizado como un culto. Pero en conjunto, su obra se nutre de una variedad mucho más amplia de su experiencia, que incluye formas clásicas, hardcore y punk rock, música de bandas judías de Europa del Este, tradiciones étnicas no occidentales y música de cine, dibujos animados, popular e improvisada, además del jazz tradicional. Él reconoce que una selección de fuentes artísticas impulsó su desarrollo inicial: innovadores estadounidenses dentro del molde de la música culta, como los compositores Charles Ives, Elliott Carter, John Cage y Harry Partch; la etapa del siglo XX de la tradición europea manifestada en la Segunda Escuela de Viena (Schoenberg, Berg y Webern), así como la obra de Stravinsky, Boulez y Kagel; jazz y rock experimental; y teatro, cine, artes visuales y literatura de vanguardia. Como los compositores del centro de la ciudad en general, su música desafía las categorías convencionales o académicas. Pero quizás incluso más que sus contemporáneos de ese mundo, Zorn ha cultivado una expresión irreverente e intensamente idiosincrásica que a menudo disuelve las fronteras entre los estilos previamente establecidos, difuminando la distinción entre la composición tradicionalmente entendida en el sentido occidental (es decir, el desarrollo musical organizado y luego anotado) y la improvisación. Y con frecuencia ha erosionado la distinción entre grabación e interpretación en vivo. De hecho, algunas de sus piezas se adaptan mejor al estudio de grabación como medio, donde pueden ensamblarse poco a poco, momento a momento, evento a evento y gesto a gesto. 

Resulta particularmente curioso que Zorn reconozca con orgullo su deuda con las bandas sonoras de dibujos animados y sus compositores, cuyo universo sonoro, según afirma, es similar al suyo: «Eso proviene de todas las películas y series de televisión que vi de niño». La revista Keyboard llegó a decir que su música se parecía a «bandas sonoras de películas que nunca se hicieron». 

Un salto significativo hacia el éxito comercial llegó con el lanzamiento en 1986 del álbum de Zorn, The Big Gundown, que incluía arreglos de música del compositor de cine italiano Ennio Morricone. Como en varias piezas posteriores, empleó bloques de sonido autónomos que alternaban abruptamente entre estilos, timbres y fuentes sonoras contrastantes. Anotaba estos parámetros en fichas para introducir estructura en la improvisación colectiva, que de otro modo sería libre. De ahí el nombre de "piezas de fichas", por las fichas que contienen sus ideas musicales anotadas (a las que llama "momentos musicales"), las cuales luego se clasifican y ordenan como instrucciones sugeridas para los demás intérpretes. Esto se convirtió en una de sus primeras señas de identidad. En sus "piezas de juego" improvisadas, esa estructura, por ejemplo, se proporciona utilizando las fichas para guiar la interacción de los intérpretes, sin especificar el material musical preciso de cada parte. 

Entre las grabaciones más destacadas de Zorn de la década de 1980 se encuentran Archery, una serie de improvisaciones con toques electrónicos; Ganryu Islands, duetos entre Zorn con instrumentos de viento y el intérprete japonés de shamisen Michihiro Sato; y Spillane, cuyo tema principal está inspirado en la música de las películas de serie B de las populares películas de detectives de Mickey Spillane de la década de 1950. Durante la década de 1980, el crítico John Rockwell, de The New York Times, citó a Zorn como el compositor más interesante, importante e influyente surgido de la vanguardia del centro de Manhattan desde Steve Reich y Philip Glass. «Lo que ellos [Reich y Glass] fueron para la década de 1970», escribió Rockwell, «él [Zorn] lo es para la década de 1980». Zorn siguió componiendo y grabando prolíficamente, y para celebrar su cuadragésimo cumpleaños, en 1993, ofreció una serie de conciertos durante un mes, cada uno con música distinta, en el Knitting Factory, que para entonces se había convertido en el punto neurálgico de la música del centro de la ciudad. 

Aunque judío de nacimiento, Zorn no había estado involucrado previamente con la cultura judía, ni religiosa ni secular, pero a principios de la década de 1990 comenzó a explorar sus raíces judías en su música, en el contexto de su propia estética en constante evolución. Su primera composición que abordaba temas judíos fue Kristallnacht (1992), una obra relacionada con el Holocausto inspirada en el recuerdo del pogromo orquestado en todo el Tercer Reich los días 9 y 10 de noviembre de 1938, que, tras cinco años de creciente persecución, se convirtió en el preludio del eventual intento de Alemania de aniquilar por completo a los judíos europeos. Una mezcla de canciones y elementos sonoros dispares que ha sido calificada como un "brutal retrato sonoro del Holocausto" —que abarca desde referencias a melodías folclóricas judías tradicionales hasta ruidos caóticos, discordantes, violentos, estridentes e incluso ensordecedores—, la grabación contenía una advertencia provocativa en su carátula sobre sus extremos de alta frecuencia en los límites de la audición humana y más allá: "No se recomienda la escucha prolongada o repetida, ya que puede provocar daños auditivos temporales o permanentes". 

También en la década de 1990, Zorn, junto con Marc Ribot, formuló una nueva iniciativa llamada Cultura Judía Radical, cuyo propósito declarado es extraer, exponer e iluminar elementos que él percibe como componentes judíos de la cultura estadounidense. Sin embargo, no todas esas percepciones subjetivas sobre lo que puede constituir componentes judíos son necesariamente compartidas ni por los críticos culturales o sociales judíos convencionales (incluidos los razonablemente liberales) ni por los artistas con formación judaica. 

Sin embargo, temas judíos reales han inspirado algunas de las obras más admirables de Zorn, algunas de las cuales integran aspectos de melodías judías auténticas de diversas fuentes. Piezas de cámara improvisadas, como Bar Kokhba e Issachar, contienen ecos de la vida judía de Europa del Este de antes de la guerra y exploran comparaciones entre el jazz y la música folclórica judía instrumental. Su célebre conjunto, Masada (una de sus varias bandas), toma su nombre de la fortaleza en la meseta sobre el Mar Muerto en Israel, donde un grupo fanático de zelotes protagonizó una última resistencia contra Roma y, según una leyenda que ha sido objeto de una reevaluación histórica en los últimos años, cometió suicidio colectivo (que, al menos en el caso de los niños, debe considerarse homicidio) en lugar de rendirse. Ha compuesto más de 100 «melodías de Masada» para el grupo. Otro conjunto, Bar Kokhba —un sexteto que lleva el nombre del líder rebelde judío que organizó una revuelta fallida contra la autoridad romana en el año 132 d. C.— se formó en 1996 y continúa prosperando. 

El enfoque compositivo de Zorn ha sido descrito como «caleidoscópico» debido a la forma en que muchas de sus piezas presentan destellos fugaces y sin relación entre sí, de elementos sonoros inconexos, gestos y series de momentos musicales, todo ello en un flujo vertiginoso de información sonora. Su música, que puede parecer saltar de una idea a otra y de un estilo a otro en abstracciones destiladas, sin apenas desarrollo, puede tener un aire hipercinético. Al comienzo del nuevo milenio, cuando su reputación como el «chico malo» de la vanguardia ya estaba firmemente establecida, sus obras ya habían aparecido en más de sesenta grabaciones. 

No todas las obras de Zorn son completamente improvisadas. Sus composiciones escritas han sido encargadas e interpretadas por conjuntos y artistas de renombre como la Filarmónica de Nueva York, el Cuarteto Kronos, la Orquesta de Vientos de los Países Bajos, la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia y la Ópera Estatal de Baviera. Su propio sello discográfico, Tzadik (palabra hebrea que significa líder espiritual justo, generalmente en contextos jasídicos), en el que aparece su música, también ha incluido obras de autores con una sólida formación académica, ajenos a la estética del centro de la ciudad, como Charles Wuorinen. 

No siempre resulta evidente hasta qué punto la retórica de Zorn debe tomarse en serio, hasta qué punto debe interpretarse con escepticismo o hasta qué punto su propósito radica en su capacidad de generar impacto. Sin embargo, a pesar de todos los cuestionamientos a sus teorías sobre la música o la identidad judías, su talento musical es innegable. «Con toda justicia se le puede considerar un músico "serio"», escribió Rockwell, «tan serio e importante como cualquiera de su generación». 

Por: Neil W. Levin 

A continuación, celebramos su cumpleaños, con Karaim. John Zorn, composición, saxofón, dirección; Marc Ribot, en guitarra; Kenny Wollesen, en vibráfono; Jamie Saft, en teclados; Trevor Dunn, en bajo; Cyro Baptista, en percusión; y Joey Baron, en batería.