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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
En el programa de hoy reflexionamos sobre la importancia de la educación en valores para fomentar el respeto, la convivencia y la diversidad. En nuestra visita al Colegio Judío de Barcelona, pudimos constatar cómo esta teoría se pone en práctica gracias a su enfoque educativo basado en el diálogo.
Manuel de la Calva Diego nació en Barcelona, España, el 15 de febrero de 1937, y murió en Madrid, España, el 26 de agosto de 2025. Cantante, compositor y productor.
España. Murió Manuel de la Calva, pionero del pop español y coautor del legendario himno “Resistiré”
Tenía 88 años. Era miembro del Dúo Dinámico y figura clave en la modernización musical de España, dejando un legado inmortal que incluye éxitos para Julio Iglesias y Massiel, además del emblemático “Resistiré”.
27 de agosto de 2025, 11:25 / Redacción LAVOZ
La música de España se tiñe de luto con la triste noticia del fallecimiento de Manuel de la Calva Diego, cofundador e integrante del icónico Dúo Dinámico, quien falleció este 26 de agosto de 2025, a la edad de 88 años en Madrid. La causa de su muerte fue una fibrosis pulmonar, enfermedad que padecía desde hace tres años.
La triste noticia fue confirmada por su “inseparable compañero, amigo y ‘alma gemela’”, Ramón Arcusa, a través de las redes sociales.
Arcusa, visiblemente afectado en la capilla ardiente, expresó su desolación: “Ha sido algo muy terrible. Estamos como podemos”. En un emotivo mensaje, Ramón pidió: “No lloren por él, no le gustaría. Fue el alma del Dúo, siempre alegre, optimista, positivo. Gracias por tanto, amigo. Ya sos eterno”.
Un legado incalculable para la música española
Manuel de la Calva (Barcelona, 1937), junto a Ramón Arcusa, marcó un antes y un después en la música española, siendo pioneros del pop y el rock hispanos y “uno de los cimientos a partir de los cuales se construyó la música moderna de ese país”. Su trascendencia ha sido comparada con el sentimiento de orfandad tras la muerte de figuras como Johnny Hallyday, John Lennon o Elvis Presley, en medios españoles.
El Dúo Dinámico
El Dúo Dinámico se formó en Barcelona en 1958, cuando Manuel y Ramón se conocieron trabajando como delineantes en la fábrica de motores de aviación Elizalde S.A.
Debutaron oficialmente en Radio Barcelona el Día de los Inocentes de 1958 y, en 1959, grabaron su primer EP. Pronto se convirtieron en el primer fenómeno de fans de la música moderna española, con un impacto que se extendió hasta América Latina.
Entre sus éxitos más conocidos, que se convirtieron en la banda sonora de varias generaciones, se encuentran “Quince años tiene mi amor”, “Quisiera ser”, “Perdóname”, “Mari Carmen”, “Esos ojitos negros”, “Amor de verano” y, por supuesto, el inmortal “Resistiré”. El dúo también protagonizó cuatro películas, como Botón de Ancla y Los novios de Marisol.
El creador detrás de grandes himnos como resistiré
La faceta de Manuel de la Calva como compositor, productor y guía de otros artistas fue igualmente prolífica e influyente. Junto a Ramón Arcusa, compuso para estrellas de talla mundial:
Julio Iglesias: Escribieron clásicos como "Soy un truhán, soy un señor“, ”Pobre diablo“, “Un día tú, un día yo”, “Hey”, “De niña a mujer”, "Quijote" y “Me olvidé de vivir”. Julio Iglesias, en su emotiva despedida, agradeció a Manuel y Ramón: "Cambiaron mi carrera para siempre" y reconoció que “Contigo y con Ramón nace el pop en España”.
Massiel: Fueron los autores de "La, la, la“, la canción con la que España ganó por primera vez el Festival de Eurovisión en 1968.
Otros artistas notables incluyen Camilo Sesto, Nino Bravo, Albert Hammond, Manolo Otero, Miguel Gallardo, José Vélez, José Feliciano, Los Chunguitos y Bruno Lomas.
“Resistiré”: Un fenómeno social inmortal
La canción "Resistiré“, co-compuesta por Manuel de la Calva junto a Carlos Toro en 1987, trascendió el ámbito musical para convertirse en un verdadero himno.
Fue seleccionada por Pedro Almodóvar como tema principal de su película ¡Átame!
Años después, en 2020, durante la pandemia de Covid-19, la canción se erigió como un símbolo de esperanza y resiliencia para la sociedad española y mundial. Carlos Toro, presente en la capilla ardiente, la describió como “más que una canción, es un fenómeno social, un himno, algo que mantuvo la esperanza de todo un pueblo”.
Reconocimientos y despedida final
El Dúo Dinámico, un “matrimonio artístico” que perduró más de 60 años, recibió numerosos galardones a lo largo de su dilatada carrera:
Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2014.
Medalla de Honor de la SGAE en 2024, la máxima distinción de la entidad. Manuel, socio de la SGAE desde 1960, registró un total de 766 obras y fue miembro de su Junta Directiva.
La última vez que Manuel de la Calva y Ramón Arcusa pisaron juntos un escenario fue el 30 de julio de 2022 en el Festival Terramar de Sitges.
Aquella noche, Manuel se desmayó en plena actuación, lo que llevó a la decisión, de mutuo acuerdo, de dar por terminada su carrera en los escenarios tras casi 65 años de andadura.
La capilla ardiente de Manuel de la Calva está instalada en la sede de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) en Madrid, abierta al público hoy, 27 de agosto, de 11 a 20.
Familiares, amigos y colegas como Carlos Toro y Regina Do Santos, así como artistas de diversas generaciones como Amaral, Jose Manuel Soto, Carlos Baute y Los Pecos, han manifestado su afecto y admiración, subrayando el impacto de su obra y la alegría que caracterizaba a Manuel.
Con la partida de Manuel de la Calva, “se cierra un capítulo dilatado, glorioso y dignísimo de la historia de la música moderna española”. Su obra, que, en palabras de Antonio Onetti, presidente de la SGAE, “ha acompañado los cambios que se han vivido en España”, permanecerá como un legado eterno que nos cuenta quiénes somos y quiénes hemos sido. Su sonrisa, su optimismo y sus canciones seguirán resonando por siempre.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Resistiré.
Maceo Parker nació en Kinston, Carolina del Norte, Estados Unidos, el 14 de febrero de 1943. Cantante, compositor, flautista, saxofonista y director de orquesta.
Maceo Parker: su nombre es sinónimo de música funky, su pedigrí impecable; su banda: la orquesta de funk más compacta del planeta.
Es bien sabido que Maceo ha tocado con todos los líderes del funk: sus inicios con James Brown, que Maceo describe como "como estar en la universidad"; su participación en la nave nodriza con George Clinton; y su participación continua en las giras de Prince. Es el pulso viviente que conecta la historia del funk con un hilo conductor. La clave que desenreda la música dance hasta su esencia.
"Todo está en marcha para Maceo", concluyó la revista DownBeat en un artículo de 1991 al inicio de la carrera solista de Maceo Parker. En aquel entonces, Maceo era recordado por los aficionados al funk como acompañante; apreciado principalmente por los entendidos. Durante las últimas dos décadas, Maceo Parker ha disfrutado de una fulgurante carrera solista, construyendo un nuevo imperio funk, fresco y estilísticamente diverso. Navega con destreza entre el soul de James Brown de los 60 y el funk freak de George Clinton de los 70, mientras explora el jazz más suave y los ritmos del hip-hop.
Sus colaboraciones a lo largo de los años incluyen a Ray Charles, Ani Difranco, James Taylor, De La Soul, Dave Matthews Band y los Red Hot Chilli Peppers. Su sonido atemporal le ha ganado una joven y fresca base de fans.
Es casi imposible distinguir qué vino primero, Maceo o el funk. El asombroso P-funk Parker lleva años con su legendario sonido, que se remonta a la década de 1960. Fue entonces cuando Maceo y su hermano, el baterista Melvin, se subieron al tren del funk soul funk de James Brown. No pasó mucho tiempo antes de que James acuñara la frase invocadora del solo: "¡Maceo, quiero que explotes!". Para la mayoría de los musicólogos, es el grupo musicalmente fértil de este período de la banda de James Brown el que se reconoce como los pioneros del funk y el hip-hop modernos, cuyos sonidos aún hoy nos fascinan.
Maceo se convirtió en el eje central del enclave de James Brown durante casi dos décadas. Su estilo característico ayudó a definir el estilo funk de James, y la frase: "¡Maceo, quiero que soples!" se popularizó. Sigue siendo el músico más sampleado del momento simplemente por la calidad única de su sonido.
Tuvo otros proyectos y breves pausas durante su intermitente etapa con El Padrino, incluyendo una breve estancia en el extranjero cuando fue reclutado, y en 1970, cuando se marchó para formar Maceo and All the Kings Men con otros miembros de la banda de James Brown (los dos álbumes de este período se reeditan constantemente incluso treinta años después).
El tío de Maceo, líder de una banda local, los Blue Notes, fue su primer mentor musical. Los tres hermanos Parker (Maceo, Melvin y el trombonista Kellis, que más tarde se convertiría en profesor de Derecho del Entretenimiento en la Universidad de Columbia) formaron los "Junior Blue Notes". Cuando Maceo llegó a sexto grado, su tío trajo a los Junior Blue Notes para que tocaran entre conciertos en sus clubes nocturnos. Fue la primera experiencia de Maceo sobre un escenario y la que dio inicio a su pasión por la interpretación, una pasión que ha aumentado en lugar de disminuir con el tiempo.
Maceo creció admirando a saxofonistas como David "Fathead" Newman, Hank Crawford, Cannonball Adderley y King Curtis. "Estaba loco por Ray Charles y toda su banda, y por supuesto, en particular por los trompetistas". A los 15 años, Maceo ya había forjado su propio estilo con el saxo tenor. "Pensé en 'Maceo Parker interpretando a Charlie Parker', y luego pensé: '¿Qué tal Maceo Parker interpretando a Maceo Parker?', ¿cómo sería tener jóvenes saxofonistas escuchándome e imitando mi estilo?". Así nació el "sonido Maceo" que tan bien conocemos.
A mediados de los 70, Maceo se asoció con George Clinton y las diversas encarnaciones de Funkadelic, Parliament y Bootsy Collins. Ya había trabajado con las figuras más representativas del funk en la cúspide de su éxito. Desde los impresionantes conciertos de James Brown hasta el aterrizaje de la nave nodriza, Maceo ha estado presente: lo más cerca posible de algunos de los momentos más emocionantes de la historia de la música, ofreciendo su sonido como un referente constante.
En 1990 llegó la oportunidad para Maceo de concentrarse en sus propios proyectos. Lanzó dos exitosos álbumes en solitario: Roots Revisited (que estuvo 10 semanas en la cima de las listas de jazz de Billboard en 1990) y Mo' Roots (1991). Pero fue su tercer álbum en solitario, el innovador CD de Maceo, Life on Planet Groove, grabado en vivo en 1992, el que pronto se convirtió en un favorito de los fanáticos del funk. Planet Groove también sirvió como tarjeta de presentación, impulsando la carrera contemporánea de Maceo como solista para un público universitario y dando vida a su lema "2% Jazz, 98% Funky Stuff".
Y así comenzó la incansable gira de Maceo como cabeza de cartel. Llevando su banda de primera categoría, sólida y sólida, y sus espectáculos superlargos a personas de todo el mundo. "Siento que es mi deber como artista ir a tantos lugares como pueda, especialmente si la gente lo quiere", dice el nativo de Carolina del Norte de voz suave. No sale al escenario con un pañal o una capa de terciopelo ondulante, ni naves espaciales gigantes ni 50 personas séquitos, nada más que el núcleo de su alma musical que abre cada vez que toca su trompeta.
En 2003, después de varios años como líder de banda para los premios Rhythm and Blues Foundation, Maceo recibió un premio Pioneer de la Rhythm and Blues Foundation por su contribución como músico acompañante al género de R & B.
Desde 1999, Maceo ha participado en algunas de las giras innovadoras de Prince cuando no está de gira con su propio grupo, y continúa haciéndolo como invitado especial cuando su propia agenda se lo permite.
Los álbumes de Maceo Funk Overload, Dial MACEO y Made by Maceo ingresaron al top 40 en las listas europeas tras su lanzamiento. Dial MACEO presenta apariciones especiales de la Maestra de la música folk Ani DiFranco, Prince y un James bastante diferente del que hemos llegado a asociar con Maceo: James Taylor, mientras que School's In de 2005 es tan Funky como un álbum de estudio puede ser.
A principios de 2007, Maceo tuvo la oportunidad de cumplir uno de sus sueños: trabajar con una Big Band. Con la WDR Big Band de Colonia, Alemania, ganadora de premios Grammy, transmitió y realizó una serie de conciertos en vivo en homenaje a Ray Charles y lanzó el álbum "Roots and Grooves", una grabación en vivo de estos conciertos, en la que también participan Dennis Chambers y Rodney "Skeet" Curtis. El álbum recibió una gran aclamación de la crítica, y Maceo ha publicado una grabación que se lanzará en 2012: Soul Classics. Junto con la WDR Big Band, el álbum cuenta con la participación de la baterista Cora Dunham Coleman y el bajista Christian Mcbride.
En julio de 2012, Maceo recibió Les Victoires du Jazz en París: un premio a la trayectoria por su contribución a la música. Ese mismo fin de semana recibió el Premio Icono en el Festival de Jazz del Mar del Norte de Róterdam, con la siguiente inscripción:
«Maceo Parker, creador musical e intérprete de talla mundial durante casi cincuenta años, se distingue por su excepcional musicalidad y maestría. El inspirado e infatigable saxofonista ha dejado una huella imborrable en el soul, el funk y el jazz.
El sonido único de James Brown tiene una deuda considerable con el talento y la inspiración de Maceo Parker, y Brown lo reconoció abiertamente. El nombre de Parker se inspiró en las letras de Brown: "¡Maceo, toca tu trompeta!". Prince también se quita el sombrero ante Parker, al que llama "El Maestro".
Maceo Parker no solo ha creado una increíble cantidad de música, sino que ha dejado su huella en una gran variedad de géneros musicales. A través de su colaboración con artistas de soul y jazz como James Brown, George Clinton y Bootsy Collins, así como con formaciones pop como Living Colour, Bryan Ferry, The Red Hot Chili Peppers y The Dave Matthews Band, Maceo Parker ha entretenido a un amplio público con su singular sonido de saxofón. La música de Parker... Es una importante fuente de inspiración en el mundo del hip hop. Es uno de los músicos más sampleados del mundo.
La música de Maceo Parker integra una gama de géneros, desde el soul, el funk y el jazz hasta el rhythm and blues, manteniendo el respeto por la tradición.
Como saxofonista, cantante, compositor y líder de banda, Maceo Parker se ha distinguido a través de una amplia gama de proyectos, CD, conciertos y festivales internacionales. Parker actúa regularmente con Prince, a menudo acompañado por Candy Dulfer. Da lo mejor de sí en el escenario, donde muestra su energía y pasión desbordantes y su capacidad para cautivar al público con su sonido.
Todas las cualidades de un ícono se unen en Maceo Parker, y el jurado se enorgullece de otorgarle el Premio Ícono de Radio 6 2012.Maceo recibirá el Premio Nacional de Patrimonio de Carolina del Norte de su estado natal en mayo de 2016.
"Dado el sentido de inventiva de Parker y la fuerza emocional imperecedera de clásicos de Charles como "Busted" y "Hit the Road Jack", cualquiera podría haber esperado que esta fuera una pareja de ensueño. Pero es más que eso, porque Parker también canta con una perfección grave, al estilo de Charles, en estas dos canciones, y aún más conmovedora en "You Don't Know Me", "Margie" y la mágicamente melancólica "Georgia on My Mind". Charles pudo haber sido declarado muerto en 2004, pero revive a través de Parker de maneras inquietantes y maravillosas."
All Music Guide
"Maceo le dio un giro funk complejo al famoso apellido Parker, tocando su instrumento más como un tambor que como un instrumento melódico. El resultado es un estilo increíblemente percusivo, que obliga a todos los que lo escuchan a bailar como locos. Sin duda, nadie toca el saxofón alto como Maceo Parker, y probablemente nadie lo volverá a hacer. Nunca ignorando a Melody Parker, nos seduce dulcemente en una canción, solo para hacernos saltar de la emoción en la siguiente con una ferocidad Funkalicious. En resumen... si quieres bailar con personas del sexo opuesto sin invitarlas, ve a un concierto de Maceo Parker. Una vez allí, de repente te das cuenta de que esta es una de las razones por las que estás vivo en este planeta... ser transportado a un lugar donde tu mente deja de pensar mientras escuchas, te mueves y experimentas pura alegría.
Dave Todoroff
No es un bebopper, ni renacido ni nada por el estilo. Sus raíces son la iglesia y el blues... su sonido es alegre, una cinta de luz y calor, bruñida por la fuerza y el alma. Su ataque, basado en riffs, es melódico, desenreda y reestructura temas en lugar de acordes continuos, y principalmente rítmico, apoyándose en sutiles matices de ritmo y desplazamiento para comunicarse; algo así como la voz de su jefe de toda la vida, por sorprendente que parezca. No hay duda: «Solo hay un Maceo».
Gene Santoro, Downbeat Magazine
Cuando la gente habla de leyendas, se refieren a que 'ya terminaron, pero vaya si lo hicieron bien'. Cuando pienso en Maceo Parker, pienso en un legendario maestro del funk y trompetista, pero no en una 'leyenda' en el sentido de que ya terminó. Sigue haciéndolo. Y eso, para mí, lo convierte en una persona realmente legendaria.
Ani DiFranco
A continuación, celebramos su cumpleaños, con una presentación en vivo en el North Sea Jazz Festival 2012. Maceo Parker, voz, flauta, saxofón; Corey Parker, y Martha High, en coros; Lee Hogans en trompeta; Troy 'Trombone Shorty' Andrews, en trombón; Bruno Speight, en guitarra; Will Boulware, en teclados; Rodney "Skeet" Curtis, en bajo; y Marcus Parker en batería.
Peter Hook nació en Salford, Lancashire, Reino Unido, el 13 de febrero de 1956. Cantante, multiinstrumentista, toca bajo, guitarra, batería electrónica, teclados, es empresario discográfico y autor.
Peter Hook: Revivir al fantasma que inspiró al legado musical
Peter Hook y los años dorados de Joy Division
Por ROLLING STONE febrero 13, 2021 En Español
EXTRAÍDO DE RS137, OCTUBRE 2014
“¡Estoy ensayando! Márcame en 15 minutos», dice Peter Hook mientras del otro lado del teléfono se escuchan guitarrazos de fondo. Casi una hora después, el ex bajista de Joy Division responde con una voz amable: “Disculpa la interrupción. Estaba ensayando una nueva canción llamada ‘Disorder’», bromea mientras tararea una parte del intro y confiesa que la línea de bajo aún le eriza la piel. A casi 35 años del lanzamiento del Unknown Pleasures, Hook aún se siente nervioso al subir al escenario, “hay líneas de bajo que aún me asustan, hay mucho misterio y mucha oscuridad detrás de algunas canciones», explica emocionado.
Peter Hook & The Light –banda en la que lo acompaña su hijo Jack Bates en el bajo– han estado de gira durante los recientes meses por gran parte de Europa haciendo valer el legado que Joy Division, en su corta trayectoria, logró heredar a la música de hoy en día. Hook y compañía regresaron a la ciudad de México para hacer sonar por completo los discos Unknown Pleasures y Closer, en una noche de Día de Muertos donde serán teloneados por sí mismos con los clásicos de su ex banda, New Order.
Cuando se editó el primer disco de New Order, Unknown Pleasures, tú sólo tenías 22 años. ¿Qué recuerdas del Peter Hook de aquella época?
Es curioso, mi hijo tiene casi la misma edad que yo cuando salió ese disco. Puedo verme en él y eso me trae muchos recuerdos. A los 23 o 24 años lancé mi segundo disco, Closer, y después tuve que formarotra banda. Es una cronología muy extraña, pero recordando la inocencia y oscuridad que teníamos en Joy Division, fue una época donde había equidad. Todos los músicos aportábamos algo, amaba ese balance porque en New Order fue más complicado. A todos les importaba lo que opinabas y era mucho más fácil tener una banda.
En Unknown Pleasures: Inside Joy Division hablas de una banda completamente distinta a la que podríamos haber imaginado con discos tan oscuros y densos como Closer.
En The Light celebramos la epoca de Joy Division, sobre todo la parte del “joy” (diversión). La gente escucha los discos y crea una imagen de la banda a partir de la oscuridad de sus canciones. Muchos creen conocer la vida de Joy Division por sus discos, pero la vida de la banda fue muy diferente a lo que podían escuchar en las canciones. Cuando escucho los discos recuerdo a un puñado de chicos adictos a la música, que disfrutaban hacer música y salir al escenario. La maravillosa producción de Martin Hannett, que, aunque no escribió las canciones, logró hacer un maravilloso trabajo que sigue siendo perfecto hasta el día de hoy. Pero ahora The Light, mi banda, es muy intusiasta y es muy fácil tocar con ellos. Desearía que así fuera con otros grupos (risas).
¿No te parece extraño tocar canciones que fueron creadas con otros músicos, ahora en versión de The Light?
Cuando formé a The Light en 2010, Bernard (Sumner) y Stephen (Morris) no eran mis amigos. Eran terribles enemigos. Bueno, siguen siendo mis enemigos. Así que decidí mandar todo a la mierda y rodearme de los que sí eran mis amigos, como los de Monaco. Cuando estábamos en Factory, mi viejo club, todo era celebración, nos divertía todo lo que hacíamos, pero cuando New Order decidió salir de gira sin mí, dije: “¡Al diablo, haré lo mismo!”. Entiendo el éxito de New Order, pero poca gente conoce el legado de Joy Division y no comprenden que, sin esta banda, New Order no tendría el éxito internacional que tiene. Decidí que en vez de pelearme por New Order, me concentraría en Joy Division, y es que son casi 40 años de historia musical; hoy en día hay miles y miles de bandas que nos toman con su influencia musical. Con The Light hacemos que el fantasma de Joy Division se haga presente junto con su legado. En New Order, Bernard y Stephen no querían tocar las viejas canciones, siempre tenían el mismo set, una y otra vez. El set que tocamos en 2005 es el mismo que tocamos desde 1995, y eso me frustraba. Es como si le dieran la espalda a todas esas canciones que nos hicieron historia, lo cual es muy triste. La gente disfruta de las viejas canciones, incluso los más jóvenes.
¿Extrañas a Bernard y Stephen?, ¿Extrañas el grupo que solían ser?
¿Debería extrañarlos?
Tal vez no, pero hay mucha melancolía cuando hablas de ellos en su etapa de Joy Division.
El problema con New Order fue la forma en la que formamos la banda. Se apropiaron del grupo y de la música sin preguntarme, me ofrecieron solo un pequeño porcentaje del trabajo que hacíamos, lo cual era injusto. Se negaron a hablar conmigo y no quisieron llegar a un acuerdo. Es como cualquier divorcio, tuvimos que decidir lo que era mejor para la música. Es muy triste que gente con la que creaste increíble música y generaste años y años de historia, ahora no puedas ni hablar. Siento que tengo que ser político con la música, es una pena lo que sucede y es injustificable.
Hablabas de la época de Factory, cuando solías de gira con grupos como Buzzcocks e ibas a conciertos de Sex Pistols. ¿Crees que hoy en día tenemos íconos del rock?
Sí, tenemos a U2 y su maravilloso disco, The Joshua Tree. The Edge y Bono aún se sienten orgullosos haciendo música, los prefiero a Muse, que ya son muy populares. Son bandas grandes, pero a veces eso no hace la música. Arctic Monkeys por ejemplo hacen muchas cosas que solíamos hacer nosotros, pero la diferencia es que ellos se presentan ante 300 mil personas, y nosotros tocábamos solo para 300. Hoy en día es más masivo, puedes ver lo popular que puedes ser con una chamarra negra, porque ellos tienen una razón de ser.
Tu último concierto en México duró poco más de tres horas. ¿Cuántas canciones extras estás preparando para este nuevo show?
Ensayamos casi 60 canciones para cada gira. En esta ocasión seremos nuestra propia banda abridora con canciones de New Order. Estoy sorprendido de que a mi edad aún puedo hacerlo y de que la gente resiste las tres horas bailando.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Blue Monday.
Raymond Daniel Manzarek, más conocido como Ray Manzarek, nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 12 de febrero de 1939, y murió en Rosenheim, Alemania, el 20 de mayo de 2013. Pianista, tecladista, compositor, cantante, productor, director de cine y escritor.
Ray Manzarek fue el artífice del embriagador sonido de The Doors. Su evocadora interpretación al teclado fusionó rock, jazz, blues, música clásica y una variedad de otros estilos en algo completamente nuevo y deslumbrante, y sus incesantes exploraciones artísticas continuaron ininterrumpidas durante el resto de su vida.
Creció en el South Side de Chicago y conoció el piano a la tierna edad de siete años. Aunque más tarde se electrizaría con la sensualidad del boogie-woogie, la potencia cruda del blues y la energía transgresora del rock 'n' roll, Manzarek atribuye al "pequeño libro rojo", escrito por John Thompson, que le dio su primer profesor de piano, ideas y motivos que inspiraría a lo largo de su carrera.
Mientras estudiaba en la preparatoria St. Rita, empezó a tocar en una banda con sus hermanos, Rick y Jim, y ganaba dinero extra en bailes y concursos de talentos. Continuó con esta actividad paralela como estudiante de economía en la Universidad DePaul; tras graduarse, se mudó al oeste para estudiar derecho en UCLA. Al darse cuenta rápidamente de que el derecho no era para él, Manzarek se trasladó a la escuela de cine de UCLA. Allí conoció a su futura esposa, Dorothy Fujikawa.
The Doors nació en 1965, cuando Manzarek conoció a Jim Morrison, compañero de estudios de cine de la UCLA, en Venice Beach, California. La poesía del cantante encajaba a la perfección con las ideas musicales del tecladista de formación clásica, y finalmente decidieron formar una banda. Cuando Robby Krieger y John Densmore se unieron como guitarrista y baterista, The Doors quedó completo. Aunque varios bajistas audicionaron para el grupo, ninguno logró igualar las líneas de bajo que ofrecía la mano izquierda de Manzarek. Firmados por Elektra Records, The Doors lanzaron seis álbumes de estudio, un álbum en vivo y una recopilación antes del prematuro fallecimiento de Morrison en 1971.
Manzarek, Krieger y Densmore lanzaron dos álbumes como trío bajo el nombre de The Doors, con Manzarek y Krieger a cargo de las voces. Manzarek lanzó los álbumes en solitario "The Golden Scarab" (1973) y "The Whole Thing Started With Rock and Roll & Now It's Out Of Control" (1974) antes de formar el grupo Nite City, que generó comparaciones con Mott the Hoople y Aerosmith. El quinteto lanzó su álbum debut homónimo en 1977 y su sucesor, "Golden Days Diamond Nights", al año siguiente.
Los Doors supervivientes se reunieron para crear un telón de fondo musical para la poesía grabada de Morrison en el lanzamiento de 1978 "An American Prayer". Manzarek produjo e interpretó el álbum debut de la banda angelina X de 1980, "Los Angeles", que sigue siendo uno de los hitos del movimiento punk. Entre sus otros colaboradores se incluyen el aclamado compositor de música clásica moderna y cine Philip Glass; el poeta Michael McClure; el ícono del glam-punk Iggy Pop; la banda británica Echo and the Bunnymen; el poeta y músico británico Darryl Read; el escritor Scott Richardson, con quien grabó la innovadora serie de palabra hablada y blues "Tornado Souvenirs"; el guitarrista Roy Rogers, quien se unió a él para la colección de 2008 "Ballads Before the Rain" (que incluye versiones instrumentales de un par de canciones de los Doors, entre otro material); y el parodista pop Weird Al, para cuyo homenaje a los Doors de 2009, "Craigslist", Manzarek hizo un homenaje preciso a su propia obra.
Las memorias del tecladista, "Light My Fire: My Life With the Doors", se publicaron en 1998; posteriormente publicó dos novelas: "The Poet in Exile" (2001), que se inspira en la leyenda urbana de que Morrison fingió su propia muerte, y "Snake Moon", el fantasmal relato de la Guerra Civil de 2006. También demostró su talento cinematográfico como guionista y director (y compositor de la banda sonora) del thriller "Love Her Madly" (2000).
En 2002, Ray volvió a unir fuerzas con Robby Krieger y estuvieron de gira juntos durante más de diez años, tocando material clásico de The Doors ante multitudes con entradas agotadas compuestas por fanáticos de toda la vida y recién llegados por igual.
Ray Manzarek falleció en Alemania el 20 de mayo de 2013 después de una breve batalla contra el cáncer.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con un video de L Studio, la canción Riders On The Storm y He Can't Come Today, tema del disco The Golden Scarab.
Sérgio Santos Mendes nació en Niterói, Río de Janeiro, Brasil, el 11 de febrero de 1941, y murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 5 de septiembre de 2024. Cantautor, pianista y arreglador.
Hay una palabra en inglés que me encanta: Serendipia. Esa es la historia de mi vida. - Sergio Mendes
La serendipia y la alegría son dos hilos comunes que se entrelazan en el asombrosamente diverso tapiz de la música, que Sergio Mendes creó sobre su notable carrera de seis décadas.
Mendes, uno de los artistas brasileños de mayor éxito internacional de todos los tiempos, grabó más de 35 álbumes, muchos de los cuales obtuvieron discos de oro o platino. Ganó tres premios Grammy®.
Compositor nominado al Oscar® y el tema de un alegre largometraje documental de 2020.
El sonido pop latino de su icónico grupo Brasil '66; sus brillantes colaboraciones con leyendas del jazz como Cannonball Adderley y Herbie Mann hasta su gran éxito contemporáneo para adultos que encabezó las listas "Never Gonna Let You Go"; hasta su reinvención del siglo XXI con Black-Eyed Peas y John Legend o su canción principal nominada al Oscar® del éxito animado Rio: un espíritu contagioso de alegría impregnaba todo lo que Mendes llevaba a los oídos de los oyentes.
Desde sus contribuciones pioneras a los cimientos de la bossa nova junto a figuras como Antonio Carlos Jobim, hasta el éxito que definió una era.
SERGIO MENDES CRONOLOGIA
1941: Sergio nace en Niteroi, RJ, Brasil.
1947–1955: Estudia música clásica en el “Curso Santa Cecilia” y en el Conservatorio de Música de Niteroi.
1956: Por primera vez escucha un disco de jazz, de Dave Brubeck, en casa de un amigo y forma un grupo de “aficionados” al jazz.
Dave Brubeck, Horace Silver y Art Tatum cambiaron por completo la percepción musical de Sergio. El universo del jazz se convirtió en la mayor influencia en su tendencia musical.
1956–1961: Sergio lidera varios grupos musicales, con diferentes formaciones: tríos, cuartetos y quintetos. Con estos grupos, Sergio toca en diversos eventos, desde tés con baile hasta graduaciones y fiestas, hasta que viaja en ferry por la bahía hasta Río de Janeiro para abrir un nuevo club, el «Bottles Bar». Este será el primero de muchos viajes…
Este es el período en que la Bossa Nova comienza a surgir y Sergio, junto con Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto y otros, son considerados sus mayores representantes, siendo los iniciadores de esta increíble era que trajo al mundo, probablemente, la mejor música jamás salida de Brasil.
En esa época, Sergio forma el "Sexteto Bossa Rio", con dos trombones, saxo tenor, piano, bajo y batería. Esta banda se hizo muy popular rápidamente en la escena musical de la época, no solo en Río, sino en todo Brasil. Con este sexteto, Sergio graba un LP, "Voce ainda nao ouviu nada" ("Todavía no has oído nada"), con arreglos de Antonio Carlos Jobim, Moacyr Santos y del propio Sergio. Este disco marca un hito importante en la historia de la música instrumental en Brasil.
Sergio viaja por todo Brasil con Bossa Rio y recibe un premio al mejor grupo instrumental del periódico Folha de São Paulo, que en aquel entonces era una especie de Grammy brasileño. Por esa época, la mayor empresa textil de Brasil lo contrata para viajar por el mundo con su grupo, actuando como teloneros de desfiles de moda. Visitan Europa, Oriente Medio y Japón.
1962: Sergio viaja a Nueva York para participar en el famoso Festival de Bossa Nova en el Carnegie Hall, donde se une a Joao Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Stan Getz y Charlie Byrd, entre otros. El New York Times considera la aparición de Sergio como uno de los momentos más destacados de la noche. Durante este viaje, Sergio visita el famoso "Birdland" y escucha, por primera vez en persona, a John Coltrane, Miles Davis y Cannonball Adderley. En ese momento, Cannonball invita a Sergio a grabar un disco con él: "Cannonball Adderley and The Bossa Rio Sextet". Por esta época, Sergio conoce a Nesuhi Ertegun, propietario y presidente de Atlantic Records, quien contrata a Sergio y produce su primer disco estadounidense: "The Swinger From Rio". Nesuhi se convierte en un gran amigo y mentor.
1964: Sergio se muda a Estados Unidos (California), con un grupo al que llama “Brasil 64”. Con esta formación instrumental graba dos discos, en el 64 y el 65, y realiza varias apariciones personales, en clubes, alrededor de Estados Unidos.
1965–1966: Sergio decide añadir voces femeninas a su sonido instrumental, contrata a dos cantantes y descubre que, de esta manera, puede lograr una nueva sonoridad, muy diferente a todo lo que había hecho antes. Crea un sonido que será reconocido mundialmente como su sello distintivo: «Brasil 66».
Sergio conoce a Herb Alpert y Jerry Moss, de A&M Records, quienes lo fichan para su compañía. Se hacen buenos amigos para siempre.
Herb Alpert produce el primer LP de "Brasil 66", que se convierte en un éxito inmediato en las listas de éxitos mundiales. "Más Que Nada", escrita por Jorge Ben, se convierte en la primera canción, cantada íntegramente en portugués, en alcanzar el top 5 de la lista de éxitos pop de la revista Billboard en Estados Unidos.
A partir de ese éxito, obtuvo varios discos de oro y platino, y produjo numerosos éxitos. La popularidad de Sergio se disparó tanto en Estados Unidos como a nivel internacional. Durante esta época, participó en varios programas de variedades y especiales de televisión estadounidenses de primer nivel, con estrellas como Bob Hope, Jerry Lewis, Danny Kaye, Fred Astaire, Frank Sinatra y Andy Williams, así como en el popular programa The Tonight Show.
1967: Sergio se une a la lista de Chartwell Artists (encabezada por Jerry Perenchio, quien se convierte en uno de sus amigos más cercanos) y realiza su primera gira larga con Frank Sinatra, actuando en varias ciudades de Estados Unidos. Sergio también realiza giras y se presenta en Las Vegas con otros artistas como Herb Alpert and the Tijuana Brass, Henry Mancini, Paul Anka y Jerry Lewis.
1968: Sergio realiza su primera gira por Japón con Brasil '66, abriendo las puertas a la música brasileña en ese país y convirtiéndose en uno de los artistas más populares de Japón, con un éxito solo igualado por los Beatles. Desde entonces, Japón (y también el resto de Asia) es una parada obligatoria en su itinerario artístico, habiendo realizado más de 30 giras por la zona.
1971: Actúa en la Casa Blanca por primera vez, por invitación del presidente Nixon, durante la visita de Estado del entonces príncipe Juan Carlos de España. Actúa por segunda vez en la Casa Blanca en 1982, por invitación del presidente Reagan, durante la visita del presidente brasileño.
1980: Frank Sinatra invita a Sergio a una segunda gira por Estados Unidos y Europa.
A lo largo de los años, Sergio produce varios discos para varios artistas, incluidos Gilberto Gil, Sarah Vaughn, Johnny Mathis y muchos otros, continuando promoviendo la música brasileña en todo el mundo.
1993: Sergio recibe un Grammy® por su disco “Brasileiro”. Continúa de gira y trabajando en varios proyectos como productor y arreglista hasta 2005.
2006: Se lanza el CD "Timeless", con un elenco estelar de artistas invitados, como The Black Eyed Peas, Stevie Wonder, Jill Scott, India.Arie, Justin Timberlake, Q-tip, Erikah Bahdu y muchos otros, producido por Sergio y su amigo will.i.am, líder de The Black Eyed Peas. "Timeless" lleva a Sergio Gold Records a Brasil, Inglaterra y Japón. También recibe un Grammy Latino® (Mejor Disco Brasileño) y el Premio Tim de Brasil a Mejor Disco en Lengua Extranjera. Además, está nominado a tres Premios Grammy® y a otros prestigiosos premios internacionales.
2008: Se lanza el CD “Encanto”, producido por Sergio, con varios invitados estadounidenses e internacionales.
2010: El CD “Bom Tempo” (su 38º CD de estudio) se lanza en todo el mundo el 15 de mayo. En noviembre de 2010, “Bom Tempo” recibe un Grammy Latino® como “Mejor Álbum Pop Brasileño Contemporáneo”.
2011: La aclamada película animada "Río", dirigida por el brasileño Carlos Saldhana, es estrenada por 20th Century Fox en abril de 2011. Sergio actuó como productor musical ejecutivo de la película, así como productor/compositor/arreglista/intérprete en varias de las canciones de la película, además de prestar su voz a uno de los personajes.
El álbum “Herb Alpert Presents Sergio Mendes & Brasil 66”, el primer trabajo de Sergio para el sello A&M, ingresa al Salón de la Fama de los Grammy.
El CD de Sergio “Celebration”, una recopilación de su trabajo se lanza en mayo, celebrando sus 50 años como artista discográfico.
2012: Sergio recibe una nominación al Oscar® a la Mejor Canción Original “Real In Rio” (por la película “Rio), coescrita por Siedah Garrett y Carlinhos Brown.
Continúa girando por el mundo y haciendo la preproducción de un nuevo CD.
2013: Para celebrar 50 años de conciertos/giras en Japón, Sergio graba un CD con 9 de las cantantes japonesas más prometedoras (además de Karen Mok, una cantante muy conocida de Hong Kong), titulado “Rendez-Vous”, que se lanza en julio.
2014: En marzo se estrena la película "Río 2", con Sergio nuevamente como productor musical ejecutivo, compositor, arreglista e intérprete. La película goza de éxito mundial.
En septiembre se lanza a nivel mundial el CD "Magic" (Europa/Japón en junio) con artistas invitados de EE. UU. (John Legend, will.i.am, Janelle Monae, Scott Mayo) y Brasil (Milton Nascimento, Carlinhos Brown, Maria Gadu, Ana Carolina, Seu Jorge, Mika Mutti, Aila Menezes y Gracinha Leporace, esposa de Sergio). Fue nominado al Grammy® en la categoría de Mejor Álbum de Música del Mundo.
2015: Además de una gira completa de conciertos en Estados Unidos, Asia y Europa, Sergio y su banda tocarán para más de 100.000 fanáticos en septiembre en el Sunset Stage en Río de Janeiro, como parte de la celebración del 30º aniversario de Rock in Rio, el festival de música más grande de Sudamérica.
2016: Sergio viaja por todo el mundo, con giras por Estados Unidos, Japón y varios otros países, en celebración del 50º Aniversario de su banda Brasil '66.
Para celebrar los Juegos Olímpicos de 2016 celebrados en Río de Janeiro, grabó, junto a los cantantes brasileños Baby do Brasil y Rogerio Flausino, la canción “Se Liga Ae”, escrita por Rogê/Pretinho da Serrinha/Leandro Fab, que fue lanzada en junio de 2016.
2017–2018: Sergio continúa realizando giras de conciertos por Estados Unidos, Inglaterra, Europa y Japón.
2019: Se está produciendo un documental sobre su vida, dirigido por John Scheinfeld, cuyo aclamado trabajo incluye documentales sobre John Lennon, Harry Nilsson, Brian Wilson y muchos otros. El documental, titulado "Sergio Mendes: En la Clave de la Alegría", inspiró un CD homónimo, con colaboraciones de Common, Cali y El Dandee, Buddy, Sugar Joans, Hermeto Pascoal, Shelea Frazer y Gracinha Leporace.
2020: Tanto el documental como el CD se estrenaron a principios de 2020, pero el lanzamiento se vio afectado por la pandemia mundial de COVID-19, que prácticamente paralizó las industrias de la música en vivo y el cine.
2021: El documental "Sergio Mendes: En Clave de Alegría" se estrena en HBO Latam, HBO Brasil y HBO Latam en abril. "Sergio Mendes & Friends: A Celebration", un programa de 60 minutos con los mejores momentos del documental, se transmite en las estaciones de PBS de todo Estados Unidos a partir de junio. El documental se estrenará a finales de año en plataformas como Peacock e iTunes. Sergio y la banda son de los primeros artistas que regresan al escenario en un concierto en el legendario Hollywood Bowl en agosto, y la banda se presenta con la Sinfónica de San Diego bajo las estrellas en la temporada inaugural del Rady Shell en el Parque Jacobs en septiembre.
2022–2023: El calendario de actuaciones de Sergio lo lleva a fechas en todo Estados Unidos, así como a conciertos en Japón, Corea, Filipinas y Dinamarca.
2024: El 5 de septiembre, el ícono musical internacional Sergio Mendes, quien trajo al mundo la alegría de su natal Brasil, falleció en Los Ángeles a los 83 años. Su esposa y compañera musical durante los últimos 54 años, Gracinha Leporace Mendes, estuvo a su lado, al igual que sus queridos hijos.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus más grandes éxitos: Mas Que Nada.
Lawrence Cecil Adler, más conocido como Larry Adler, nació en Baltimore, Estados Unidos, 10 de febrero de 1914, y murió en Londres, Reino Unido, el 6 de agosto de 2001. Compositor, armonicista y actor.
Ecos armónicos: explorando el impacto musical de Larry Adler
Publicado el 18 de mayo de 2011 por ahcadmin
Lawrence Cecil “Larry” Adler nació en Baltimore el 10 de febrero de 1914, hijo de Louis y Sadie.
Armonicista autodidacta, obtuvo reconocimiento mundial como el músico que llevó el instrumento al escenario de la "música seria".
Comenzó a tocar temprano y ganó el Campeonato de Armónica de Maryland a la edad de 13 años. Después de asistir al Baltimore City College (1926-1928), su carrera musical comenzó en 1928 en Nueva York cuando Rudy Vallee le ofreció un trabajo para tocar en el Heigh-Ho Club.
Se convirtió en el armonicista del Teatro Paramount en 1928, luego en el Teatro Streamline Revue Palace, Londres, en 1934. En 1939 se unió a la Orquesta Sinfónica de Sídney como solista. Durante la Segunda Guerra Mundial, de 1943 a 1945, realizó giras de la USO con el bailarín Paul Draper; la pareja se unió nuevamente después de la guerra para realizar giras por todo el mundo. Actuó en Alemania en 1947 y 1949, en Corea en 1951 y en Israel en 1967 y 1973. Apareció en el Festival de Edimburgo, Escocia, en 1963 y 1965. En 1989 tocó en el London Promenade Concert en el Albert Hall con la Orquesta Wren y John Ogdon. Durante su carrera también tocó con la Sinfónica de Chicago, la Sinfónica de San Francisco, la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de la BBC, y ha tenido música compuesta para él por Ralph Vaughan Williams, Malcolm Arnold y Darius Milhaud.
El 11 de abril de 1938 Larry Adler se casó con Eileen Walser con quien tuvo tres hijos: Carole, Peter y Wendy, antes de divorciarse en 1959. Se casó nuevamente en 1967 con Sally Cline y tuvo una hija, Katelyn, un matrimonio que duró 9 años hasta el divorcio en 1976.
En 1949, Larry Adler fue incluido en la lista negra de Estados Unidos por presuntas inclinaciones procomunistas y posteriormente emigró a Gran Bretaña. Durante las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes de Estados Unidos sobre el comunismo en la industria del entretenimiento, él y Paul Draper fueron acusados por Hester McCullough de simpatizar con el comunismo. En 1950, Larry Adler y Paul Draper presentaron una demanda por difamación contra la Sra. Hester McCullough por 200.000 dólares. El caso concluyó cuando el jurado no pudo llegar a un veredicto. Adler y Draper alegaron que la incapacidad del jurado para respaldar las acusaciones de la Sra. McCullough era una muestra de apoyo. Sin embargo, el efecto de la acusación fue duradero y tanto Larry Adler como Paul Draper perdieron conciertos, lo que amenazó seriamente sus carreras en Estados Unidos. Desde entonces, Adler ha afirmado que su carrera nunca ha recuperado el impulso en Estados Unidos.
Durante su carrera escribió varias bandas sonoras para películas: The Singing Marine (1937), The Big Broadcast of 1937, Sidewalks of London (1938), Genevieve (1953) (por la que recibió una nominación al Oscar a la mejor banda sonora), The Great Chase (1962), King and Country (1963), High Wind in Jamaica (1964) y My Life (1993), además de aparecer en Many Happy Returns (1934), Music for Millions (1944) y Three Daring Daughters (1948). Sus créditos televisivos incluyen The Midnight Men (1964) y The Monte Carlo Show en la década de 1980.
Ha publicado las grabaciones de sonido Larry Adler Live at the Ballroom en Newport Classic y Larry Adler Plays Works for Harmonica and Orchestra en el sello RCA.
También publicó varias publicaciones escritas: How I Play (1937), Larry Adler's Own Arrangements (1960), Jokes and How to Tell Them (1963) y su autobiografía It Ain't Necessarily So (1985). Escribió como crítico gastronómico para Harper's Queen y Portrait and Boardroom, y también publicó varias columnas en Punch Spectator, New Statesman, New Society, Sunday Times, Observer y Mail on Sunday.
La fascinante carrera de Adler y el impacto de su inclusión en la lista negra se documentan detalladamente a través de sus documentos personales. Para una mirada más profunda a cómo las acusaciones de la Pánico Rojo cambiaron su carrera, consulte nuestra exposición en Virmuze "Incluido en la lista negra: Larry Adler", que destaca documentos clave de este turbulento período de su vida.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con un fragmento de un homenaje a George Gershwin. En primer término, Cher y Larry Adler interpretan It Ain't Necessarily So, y posteriormente con Michael Ball y Sir George Martin interpretan Summertime, del álbum de Larry, The Glory Of Gershwin.
Tim Rice Brian Bennett nació en Palmers Green, Londres, Reino Unido, el 9 de febrero de 1940. Baterista, pianista, compositor, arreglador, productor y director de orquesta.
Brian Bennett ha sido una figura clave en la música británica durante más de 40 años. Tim Rice Brian Bennett nació en Londres en 1940 y a finales de los años 50 era uno de los bateristas más solicitados. Fue baterista residente en el legendario 2i's del Soho y un habitual del innovador programa de televisión de Jack Good, Oh Boy. En 1961, fue invitado a unirse a Cliff Richard and The Shadows y escribió muchos de los éxitos de las películas, incluyendo Summer Holiday (por la que ganó su primer premio Ivor Novello), "Wonderful Life" y "Finders Keepers". En los años 70, se convirtió en el director musical de Cliff Richard y formó la Orquesta de Brian Bennett y comenzó a realizar giras por todo el mundo; lo que incluyó los primeros conciertos que se realizaron en Rusia. A mediados de los años 70, Brian era muy solicitado como arreglista, director y productor discográfico y ya había comenzado a componer para cine y televisión. Durante la década de 1980, fue galardonado con su segundo premio Ivor Novello (por 25 años de servicios a la música) y escribió y grabó música para una amplia gama de programas, incluidos Dallas, Knotts Landing, Pulaski, The Royal Wedding, el tema de BBC Golf, The Sweeney , la película de Dennis Hopper The American Way y Terminal Choice de Ellen Barkin y David MacCallum. En 1990, ganó su tercer premio Ivor Novello a la mejor banda sonora para una serie de televisión (The Ruth Rendell Mysteries). Desde la década de 1990 hasta 2000, estuvo más solicitado que nunca; entre sus encargos recientes se incluyen la serie de larga duración The Knock, Nomads of the Wind, Global Sunrise, The Harpist, David Jason In His Element, Living Britain y Dirty Work. En 2001, Brian fue el orgulloso destinatario del Premio Insignia de Oro otorgado por la Academia Británica de Compositores y Sociedad de Autores de Canciones. También ganó los Premios de Artesanía y Diseño de la Royal Television Society 2000/2001 a la Mejor Música Original por "Murder In Mind". Siempre solicitado como baterista, Brian ha grabado piezas de batería para artistas como Peter Frampton, Ella Fitzgerald, The Walker Brothers, Labi Siffre, Marvin Welch & Farrar, entre otros, siempre innovando, aprendiendo y adaptándose continuamente a los nuevos estilos y tendencias musicales. En 2004, Brian recibió la Orden del Imperio Británico (OBE). Recogió su galardón de manos de la Reina en el Palacio de Buckingham.
En 2009 y 2010, Cliff Richard and The Shadows emprendieron una gira por su 50.º aniversario con 36 conciertos en el Reino Unido, Europa, Australia, Nueva Zelanda y Sudáfrica. Recientemente, Brian escribió, junto con su hijo Warren, 24 episodios de la galardonada serie de televisión "New Tricks". También grabó y produjo un álbum con Cliff Richard and The Shadows. Actualmente trabaja en un musical llamado Soho y en la música de una producción llamada Starchild. Próximamente lanzará un álbum con la música de John Barry interpretada por la Orquesta de Brian Bennett.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Little "B".
Tu Bishvat celebra la renovación de la naturaleza y el crecimiento de los árboles. Leslie Weinstein nos explica cómo los arreglos florales se relacionan con esta festividad porque representan la vida, la belleza natural y la abundancia que ofrece la tierra.
Matti Caspi, מתי כספי, nació en el Kibutz Hanita, Israel, el 30 de noviembre de 1949, y murió en Tel Aviv, Israel, el 8 de febrero de 2026. Compositor, cantautor, arreglador, guitarrista y pianista.
El sitio www.jns.org publicó esta información firmada por Steve Linde.
El ícono musical israelí Matti Caspi muere a los 76 años
El prolífico cantante, compositor y arreglista ayudó a dar forma al panorama musical de Israel durante casi seis décadas.
Steve Linde (8 de febrero de 2026 / JNS)
El músico israelí Matti Caspi actúa en Gush Etzion, Judea, el 10 de diciembre de 2015. Foto de Gershon Elinson/Flash90.
Matti Caspi, uno de los músicos más influyentes e innovadores de Israel, falleció el domingo en el Centro Médico Sourasky de Tel Aviv (Hospital Ichilov) tras una larga lucha contra el cáncer. Tenía 76 años.
“Con profundo dolor y profunda tristeza, anunciamos el fallecimiento de nuestro amado esposo y querido padre”, declaró la familia de Caspi en un comunicado. “Su amor y las creaciones que nos dejó siempre nos acompañarán”.
Nacido el 30 de noviembre de 1949 en el kibutz Hanita, Caspi fue ampliamente reconocido como uno de los gigantes de la música popular israelí: compositor, cantante, arreglista, letrista y multiinstrumentista, cuya obra fusionaba música clásica, jazz, ritmos brasileños y latinos, rock e influencias vanguardistas. Estudió piano en el Conservatorio de Nahariya y demostró talento musical desde muy joven.
Caspi hizo su primera aparición pública a los 16 años en el programa de talentos juveniles Teshu'ot Rishonot de la radio Kol Yisrael. Durante su servicio militar en las Fuerzas de Defensa de Israel, actuó con la Banda del Comando Sur, una experiencia que impulsó su carrera profesional. Posteriormente formó el trío The Three Fat Men, que evolucionó a They Don't Care, con éxitos iniciales como "Ani Met" ("Me muero").
Durante la Guerra de Yom Kipur, Caspi recorrió las bases de las Fuerzas de Defensa de Israel junto al legendario cantante judío canadiense Leonard Cohen, quien posteriormente arregló la canción de Caspi "Lover Lover Lover". En la década de 1970, Caspi inició una célebre colaboración con el letrista Ehud Manor, de la que surgieron clásicos imperecederos como "Brit Olam" ("Pacto eterno").
A lo largo de las décadas, Caspi lanzó docenas de álbumes y escribió o compuso cerca de 1.000 canciones, muchas de las cuales se convirtieron en elementos básicos de la cultura israelí.
Entre sus obras más conocidas se encuentran "Eich Zeh Shekochav Echad Me'ez?" ("¿Cómo es que una estrella se atreve?"), "Od Yavo Hayom" ("El día aún llegará") y "Od Tir'i Et Haderech" ("Aún verás el camino"). Su último álbum de estudio, "Kmo Be'rikud" ("Como en un baile"), se lanzó en 2017.
En diciembre de 2023, Mati Caspi se asoció por última vez con Shalom Hanoch para dedicar un álbum en memoria del sonidista Guy Illouz, quien fue tomado como rehén por Hamás el 7 de octubre de 2023 y asesinado en cautiverio. El álbum, HaIkar Zeh HaShirim ("Lo principal son las canciones"), incluye 12 temas grabados durante su concierto en vivo.
Además de sus propias grabaciones, Caspi fue productor y arreglista de muchos de los artistas más destacados de Israel, como Yehoram Gaon, Boaz Sharabi, Riki Gal, Shlomo Gronich, Arik Sinai y Gali Atari. También dirigió en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1976, al frente de la Orquesta Metropole de los Países Bajos en su composición "Emor Shalom" ("Di paz").
La sofisticación musical de Caspi le valió un amplio reconocimiento. El musicólogo Tsippi Fleischer lo describió como «un genio que inventó su propio lenguaje musical», elogiando su complejidad armónica y su singular impacto en los estándares musicales israelíes.
En 1975, Caspi se casó con la actriz Doreen Lubetzky, con quien tuvo dos hijos. En la década de 1990, pasó varios años en Canadá antes de regresar a Israel. Disputas legales en torno a su estado civil, a pesar de un divorcio concedido por el Tribunal Rabínico de Beverly Hills, llevaron a una condena por bigamia en 2002, con sentencia suspendida y multa.
En mayo de 2025, Caspi reveló que le habían diagnosticado cáncer y canceló todas sus presentaciones futuras. En agosto, más de 7500 personas asistieron a un concierto homenaje en su honor en Tel Aviv, "Singing Matti Caspi", donde apareció brevemente y agradeció a los artistas y al público por darle fuerzas para seguir luchando.
A Caspi le sobreviven sus hijos y un legado musical que resuena a través de las generaciones. Aunque "Ein Li Eretz Acheret" ("No tengo otra patria") fue escrita por Ehud Manor en 1982 durante la Primera Guerra del Líbano y un período difícil en Israel, fue Caspi quien compuso la evocadora melodía, convirtiéndola en un sentimiento nacional icónico que trascendió la política y el tiempo.
El presidente Isaac Herzog elogió a Caspi como “uno de los mayores creadores israelíes de nuestra generación”, diciendo que sus melodías y arreglos continuarían acompañando a la cultura israelí durante generaciones.
“Al igual que en una de sus inolvidables canciones, 'Alguien me está cuidando allí arriba' ('Mishu Do'eg Li Sham Lemala'), Matti Caspi, uno de los más grandes creadores israelíes de nuestra generación, nos dejó demasiado pronto y se ha ido a cuidarnos desde arriba”, dijo Herzog.
El ministro de Cultura y Deportes, Miki Zohar, dijo que las canciones de Caspi se convirtieron en "la banda sonora del amor y la esperanza" para innumerables israelíes.
“Con gran pesar, nos despedimos hoy de Matti Caspi, el destacado cantante y compositor que tocó el alma de todos nosotros y nos dio clásicos que se convirtieron en pilares perdurables de la música israelí”, dijo Zohar.
A continuación, lo recordamos con uno de sus éxitos: Canción de amor, como una rueda) שיר אהבה (כמו גלגל), de 1978.
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