martes, 6 de septiembre de 2011

Recordando a María Callas


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Ana María Kaikilía Sofía Kalogeropoúlou, en griego Άννα Μαρία Καικιλία Σοφία Καλογεροπούλου, nació en Nueva York el 2 de diciembre de 1923 y falleció en París, el 16 de septiembre de 1977.
 
María Callas, considerada la cantante de ópera más eminente de la segunda mitad del siglo XX. 
 
Capaz de revivir el Bel Canto en su corta pero importante carrera, fue llamada como antes la célebre Claudia Muzio «La Divina».
De regreso a Grecia a los pocos meses de nacida, se crió y educó en Atenas.
Tuvo como maestra a la española Elvira de Hidalgo, quien la preparó para un debut que la Segunda Guerra Mundial deslució considerablemente. 
 
El debut de María fue en febrero de 1942, en el Teatro Lírico Nacional de Atenas, con la opereta Boccacio. 
 
El primer éxito lo tendría en agosto de 1942 con Tosca, en la Ópera de Atenas. 
 
Sus primeras oportunidades de actuar en el extranjero llegaron en la temporada 1947-48, donde llamó la atención de la crítica por su poderosa interpretación de Abigaille en el Nabucco de Verdi. 
 
Por entonces se había casado con el industrial Giovanni Battista Meneghini, cuyo apellido usó durante unos diez años.
En la década de los cincuenta se convirtió en una de las favoritas de la Scala de Milán y en protagonista de la resurrección de los papeles femeninos de Donizetti y Bellini. 
 
El 3 de noviembre de 1959, María Callas dejó a su marido Giovanni Meneghini por el magnate naviero griego Aristóteles Onasis, un idilio que la prensa de la época difundió exhaustivamente. 
 
La soprano se retiró durante un tiempo mientras duraba su relación con Onassis, y a su regreso, por falta de práctica y excesiva vida social, a nadie se le escapó que su voz había perdido fuerza y evidenciaba los signos de decadencia que ya se habían advertido años antes.
Onasis intentó reconquistar a Callas a pesar de estar todavía casado con Jackie Kennedy, pero ella no quiso, o al menos no intentó, volver con él y lo rechazó cuando se encontraron en octubre de 1973, en París, donde ella residía.
María Callas volvió a los escenarios en 1973 con Giuseppe di Stefano. Por primera vez en ocho años volvía a cantar en público.
Con apenas vestigios de su proverbial voz, quedó claro desde el primer concierto en Hamburgo, que la gira sería un estrepitoso fracaso artístico. 
 
El concierto final tuvo lugar el 11 de noviembre de 1974 en Sapporo, Japón. Fue el último lugar del planeta donde se escuchó cantar a María Callas.
El 16 de septiembre de 1977, María se despertó en su casa de París. Desayunó en la cama y fue hacia el cuarto de baño.
Tenía un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Fue llevada otra vez a la cama y bebió un café fuerte. Reclamaron la presencia del médico.
María Callas murió antes de que llegara el médico.
Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre y su cuerpo fue incinerado en el cementerio parisino de Père Lachaise.

Aqui María Callas en el final del II Acto de Tosca de Giacomo Puccini, junto a Tito Gobbi en el Covent Garden de Londres en 1964.



El final del poema de José Martí "La niña de Guatemala" dice así:

Se entró de tarde en el río,
la saco muerta el doctor.

Dicen que murió de frío,
yo se que murío de amor.
Leonardo Liberman

domingo, 4 de septiembre de 2011

La Marcha de San Lorenzo


La Marcha de San Lorenzo fue compuesta en 1901 por el músico uruguayo nacionalizado argentino Cayetano Alberto Silva, nació en San Carlos, departamento de Maldonado, Uruguay, el 7 de agosto de 1868, murió en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina, el 12 de enero de 1920. Era hijo de una esclava de la familia que le dio el apellido. 
Estudió música, integró una banda en Montevideo, y en 1889 viajó a Buenos Aires, donde incursionó en el Teatro Colón. 

Se traslada luego a Rosario, donde fue nombrado maestro de la Banda del Regimiento 7 de Infantería.

En 1898, al ser contratado por la Sociedad Italiana de Venado Tuerto, se traslada con su familia a dicha ciudad donde funda un centro lírico, enseña música y crea la "Rondalla" con la que actúa en el Carnaval de 1900. 
También escribe la música de las obras teatrales "Canillita" y "Cédulas de San Juan" de su compatriota y amigo Florencio Sánchez. 
También escribió otras marchas militares, como la marcha de Curupaytí, la marcha de San Genaro, "Río Negro", "22 de Julio" y "Tuyutí"... ¡y hasta una marcha para la guerra inglés-Boer!
La Marcha de San Lorenzo fue estrenada oficialmente y sin letra el 30 de Octubre de 1902 en la inauguración del Monumento al General San Martín, en Santa Fe. 
Ese día la marcha fue designada Marcha oficial del Ejército Argentino. 
En 1907, su vecino y amigo de Venado Tuerto, Carlos Javier Benielli, le agregaría la letra que luego sería adaptada para las escuelas. 
Acosado años después por la pobreza Cayetano Silva vendería los derechos de la marcha a un editor de Buenos Aires por una suma insignificante.
Cayetano Silva fue también empleado en la banda policial pero al morir por serios problemas de salud en Rosario, en 1920, la policía le negó sepultura en el Panteón Policial por ser de raza negra, por lo que fue sepultado sin nombre. 
Recién en 1997 sus restos fueron trasladados al Cementerio Municipal de Venado Tuerto.

La marcha que en Europa se considera una de la cinco mejores partituras militares de la historia se hizo famosa y empezó a girar por el mundo.
La casa donde fue compuesta, hoy transformada en museo histórico.
A partir de 1997 se adopta para rendir honores al Presidente de la Nación Argentina.

Esta marcha fue obsequiada por el ejercito Aleman al Ejercito Argentino en ocasion del centenario en  1910 y en contrapartida, el Ejercito Argentino hizo lo propio con La Marcha de San Lorenzo.

La Marcha de San Lorenzo se ejecutó el dia de la entrada del Ejercito Alemán a París en 1940 y se cuenta que esta fue la marcha con la que entraron y pasaron por bajo el Arco del truinfo.

Este hecho histórico luego trajo un incidente protocolar diplomático, con motivo de la visita al país del general Charles de Gaulle en 1964. 

Era la primera visita de un presidente francés a la Argentina y para rendirle honores, se ejecutó la marcha de San Lorenzo, al francés que, inmediatamente, la asoció al momento doloroso de la rendición de París durante la Segunda Guerra Mundial.

Curiosamente también el general Einsenhower la hizo ejecutar al ingreso triunfal del ejército aliado que liberara a los parisinos, a manera de desagravio.

El gobierno inglés solicitó autorización a la Argentina para interpretarla el 22 de junio de 1911, durante la coronación del rey Jorge V y se la utilizó en la coronación de la reina Isabel II el 2 de junio de 1953.

Debido a estos eventos históricos hasta hoy es escuchada habitualmente en los cambios de guardia del palacio de Buckingham.

Solo fue suspendido su uso durante el conflicto de Malvinas.

Las bandas militares de Uruguay, Brasil y Polonia, entre otras, la incorporaron a su repertorio.

Marcha de San Lorenzo

Música: Cayetano. A. Silva. Letra: Carlos Javier Benielli

Febo asoma; ya sus rayos iluminan el histórico convento;tras los muros, sordos ruidos oír se dejan de corceles y de acero.
Son las huestes que prepara San Martín para luchar en San Lorenzo; el clarín estridente sonó y la voz del gran jefe a la carga ordenó. 

Avanza el enemigo a paso redoblado, al viento desplegado su rojo pabellón. (bis)
Y nuestros granaderos, aliados de la gloria, inscriben en la historia su página mejor. (bis)
Cabral, soldado heroico, cubriéndose de gloria, cual precio a la victoria, su vida rinde, haciéndose inmortal.
Y allí salvó su arrojo, la libertad naciente de medio continente.
¡Honor, honor al gran Cabral! (bis)
El Tenor Darío Volonte nos ofrece su interpretación.


Aquí una versión de Alte Kameraden por Andre Rieu en 2009.


Mas informacion en:


Marchas y canciones patrioticas, recuerdos de la infancia.

Leonardo Liberman

Primavera


Voces de Primavera o Frühlingsstimmen op. 410, es un vals compuesto por Johann Strauss hijo en el año 1882.

Fue concebido como un vals para solista con acompañamiento de coro, para ser interpretado por la soprano Bertha Schwarz en un concierto benéfico celebrado en el Theater an der Wien, en favor de la «Fundación para los indigentes austrohúngaros de Leipzig del Emperador Francisco José y la Emperatriz Isabel». Tras la actuación, Bianca Bianchi alcanzó renombre como miembro de la Ópera Estatal de Viena.

El tema ha sido ampliamente empleado a lo largo de la historia como acompañamiento de diversos espectáculos audiovisuales.

Así, por ejemplo, Los Tres Chiflados lo utilizaron en sus cortometrajes Micro-Phonies y Brideless Groom. 

Forma parte de bandas sonoras de películas como Carros de Fuego o La gran ilusión, de Jean Renoir.

En 1976, Brian May utilizó la melodía del vals para componer The Millionaire Waltz, como parte del álbum A Day at the Races de Queen.

Natalie Dessay, soprano ligera coloratura, es la más famosa cantante de ópera emergida de Francia desde Régine Crespin y sucesora de sopranos gálicas lírico-ligeras como Mado Robin y Mady Mesplé.

Famosa por su compromiso escénico y su talento actoral, en la primera parte de su carrera se ha cimentado en roles de soprano ligera, gracias a la facilidad en el registro sobreagudo, que alcanza el La de la quinta octava, pero enseguida ha extendido su repertorio a roles más dramáticos.

Su primer papel como solista fue Barbarina de Las bodas de Fígaro en Marsella, en mayo de 1989.

Poco después, en 1993, se une a la Wiener Staatsoper, la Ópera Estatal de Viena por un año.

Aquí una interpretación en vivo de Frühlingsstimmen op. 410.


Se acerca una vez mas la Primavera. Celebremos.

Leonardo Liberman

jueves, 1 de septiembre de 2011

Los Comedian Harmonists

Los Comedian Harmonists fue un conjunto vocal que tuvo un éxito arrollador en Alemania primero y en toda Europa después, conquistando al público de los Estados Unidos antes de la disolución del grupo. Para ilustrar musicalmente el trabajo de estos artistas, incorporamos videos.

En el primero, una interpretación de Irgendwo auf der Welt, 1932.



En el Diario El País de Madrid, se publicó una entrevista a los actuales Comedian Harmonists, previa a una presentación en un teatro en la capital española.

La segunda vida del 'swing' berlinés

Berlin Comedian Harmonists llevan al Real los años dorados del cabaré de entreguerras

ANDREA AGUILAR - Madrid - 17/01/2007
Fueron a la música de los años veinte lo que los Beatles a la de los sesenta. Mezclaban swing, jazz, música popular y acordes clásicos como nadie lo había hecho hasta entonces: a capella -sólo acompañados por un piano-, con humor y letras de resonancia dadá. Pero sus baladas ingenuas tuvieron un amargo final.
El grupo vivió el esplendor creativo y artístico que surgió en Alemania y su colapso posterior
"Su historia habla del gran momento creativo y artístico que se vivió en Alemania y del colapso total que vino después", explica el tenor Holguer Olf, integrante del grupo Berlin Comedian Harmonists, que desde 1997 viene resucitando el legado del mítico sexteto Comedian Harmonists. Su función (Veronica, der Lenz ist hier), hoy en el Teatro Real de Madrid, recupera las canciones históricas del grupo y habla acerca de su historia.
Despreocupados, cómicos y geniales, los originales Comedian Harmonists pasan por ser "el primer grupo de chicos" de la historia musical alemana. Inmersos en el bullir cultural del Berlín de entreguerras, sus arreglos vocales imitaban el sonido de instrumentos clásicos y no dejaban a nadie indiferente. "En aquel momento había bandas instrumentales de jazz, pero no grupos vocales. Ellos fueron los primeros y luego han sido muy copiados", explica Olf.
El inquieto estudiante de teatro Harry Frommermann (1906-1975) puso en 1927 un anuncio en la prensa al que respondió Robert Biberti. Juntos pondrían en marcha el rompedor grupo acompañados por el búlgaro Ari Leschnikoff, el polaco Josef Roman Cycowski, el estudiante de Medicina Erich Abraham Collin y el pianista Erwin Bootz. Tres meses después ya tenían repertorio suficiente para lanzarse a escena con sus fraques y no tardarían mucho en abandonar los cafés y cabarets para entrar en los grandes teatros de Viena, Italia y Nueva York. Compartieron escenario con Marlene Dietrich, grabaron discos y aparecieron en una docena de películas del momento. "Hemos invertido mucho tiempo en la reconstrucción real de los personajes. Actuar a partir de una persona que realmente existió exige un conocimiento profundo de su biografía. Luego tú has de poner el resto", dice Olf. Quizá por ello los miembros del nuevo grupo vienen tanto de la escena musical como de la teatral.
Desde el Perpetuum mobile de Joseph Strauss hasta canciones populares como Dorfmusik, el joven grupo "adornaba todo lo que tocaba", según escribió un crítico de aquel momento. Versátiles, políglotas y divertidos, las composiciones propias y ajenas cobraban nueva vida en sus interpretaciones. Las cinco voces sonaban como una pequeña orquesta. Su sorprendente y original receta tuvo un memorable éxito y un abrupto final. En 1932, antes incluso de su llegada al poder, los nazis calificaron su música como "ruido judío-marxista". Un año después de las elecciones de 1933, los tres judíos integrantes del grupo optaron por el exilio. Frommermann, Cycowski y Collin marcharon a Estados Unidos. El primero fue el único que regresó a Alemania en 1960. Roman Cycowski acabó sus días en Palm Springs como cantante para una congregación judía. Murió en 1998, un año después de que el nuevo grupo resucitara en un musical las canciones que interpretó. "Le mandamos un disco, pero ya estaba muy enfermo y no pudimos llegar a vernos", lamenta Olf.
Los Comedian Harmonists nunca más volvieron a tocar juntos después del concierto de Múnich en marzo de 1934, pero sus canciones sobre fines de semana soleados o un pequeño cactus que cae desde un alféizar no dejaron de sonar. Cuenta Holguer Olf que él las escuchaba absorto de niño mucho antes de que le llegara la oportunidad de cantar y contar la historia de éste su admirado grupo.
Desde que en 1997 resucitaran en los escenarios alemanes a los Comedian Harmonists, el nuevo grupo ha elaborado cuatro repertorios con los que han cosechado grandes éxitos en los escenarios de la Cité de la Musique de París, del Concertgebouw de Amsterdam o de los Amici della Musica de Florencia. La obra que traen a Madrid intercala las canciones originales con extractos del diario de Frommermann.
Por encima de todo, Olf valora la buena acogida que su iniciativa ha tenido por parte del público que vio al histórico grupo. Entonces, Comedian Harmonists eran la vanguardia, pero hoy Olf no duda en calificarles como clásicos. "Quizá la vanguardia hoy implique tecnología y electrónica. Evidentemente, su música no tenía nada de esto. La idea que ellos proponían era la de escuchar música que se hacía en vivo, en directo, a la vista del público. Esto mismo es lo que ahora se considera moderno".
De alguna manera, el tenor no puede dejar de observar un cierto paralelismo entre la Alemania de los años veinte y la actual. Los problemas financieros han vuelto a primera plana. "La situación ahora es un poco como entonces. Hay paro y una gran deuda en la ciudad de Berlín. Tan grande que no se podrá pagar. Pero la gente no puede pasarse el día llorando. También quiere pasarlo bien", asegura.
Berlin Comedian Harmonists pretende recuperar el espíritu festivo y despreocupado; la libertad y creatividad que marcaron la década de los veinte. Pero Olf confiesa que el tiempo ha redefinido todo aquello. "Sus canciones más sentimentales o melancólicas suenan hoy más tristes que nunca".
A continuación una presentación de Andre Rieu y Berlin Comedian Harmonists en Alemania en 2009.



En 1997 se estrenó una película en Alemania, dirigida por Joseph Vilsmaier, en la que se rindió un homenaje a estos artistas extraordinarios.

Se la pudo ver en Buenos Aires, en un Festival de Cine Judío, en los Cines Hoyts del Shoping Abasto.

Aquí un fragmento del mencionado film, en una escena que representa la última actuación del conjunto interpretando
Auf Wiederseh´n, my Dear. Los actores hacen la mímica sobre la grabación original reprocesada.



Les recomiendo calurosamente esta película. 

Cuando la vi pude comprender como la intolerancia y el fanatismo hacen de este mundo un lugar mas peligroso y gracias al verdadero arte, ese sentimiento logra disiparse.

 
Leonardo Liberman

Arte en estado puro

Nati Mistral es una figura destacada de la canción y la poesía.

Durante toda su carrera ha compaginado la música con el teatro, grabando canciones tan populares como Flor de té; Bajo los puentes de París; Mala entraña; Agua que no has de beber; Paisajes de Catamarca; Tata Dios; Guitarra, dímelo tú; Yo vi llorar a Dios; No soy de aquí; Bien se ve; El corralero; y La balada para un Loco. Ha cantado también una de las versiones más castizas de la zarzuela La Gran Vía.

En primer término, una interpretación del poema "Que Doloroso Es Amar y No Poderlo Decir" de Joaquín Dicenta (h) y a continuación un artículo del Diario La Nación del 28 de noviembre de 2008.
 

Despedida en Buenos Aires

Nati Mistral y su adiós al teatro

A partir de hoy, la cantante y actriz española presenta su último espectáculo

Tras una larga y exitosa trayectoria artística y luego de haber recorrido casi todo el mundo con sus poemas y canciones, Nati Mistral deja su carrera artística. Y lo hace en Buenos Aires, la ciudad que visitó por primera vez en 1965 para actuar en una revista dirigida por Carlos A. Petit y que coprotagonizaban Nélida Roca y Adolfo Stray. El punto final de su carrera tendrá como marco el teatro El Nacional, donde presentará a partir de hoy su espectáculo Cantares, poemas y bailes de España .
"Ya llegó mi hora de dejar los escenarios -cuenta-, pues con mis 80 años a cuestas creo haber dado todo mi entusiasmo y mi sapiencia al arte en todas sus manifestaciones. Confieso que me costó mucho trabajo tomar esta decisión, pues los aplausos y el cariño del público siempre me aferraron a entregarme a este trabajo que hago desde niña, cuando pisé por primera vez un escenario y supe que había hallado mi destino. Pero los años pasan y quiero que mi retiro sea tan brillante como siempre. No quiero que la gente diga: «Mira qué vieja está» o que piense que ya no tengo la misma vitalidad de siempre."
-¿Por qué en Buenos Aires?
-Porque la Argentina es mi segunda patria. Vine decenas de veces; recorrí todo su territorio con mis espectáculos. Fui empresaria, con Alberto Closas, del teatro Avenida, donde tuve un excelente suceso con El hombre de la Mancha , al lado de Ernesto Bianco, y con Anillos para una dama , de Antonio Gala, y ofrecí numerosos recitales? Todo ello me brindó el cariño de los espectadores, y precisamente a ellos deseo darles mi saludo final como artista.
-¿Cuáles fueron tus últimas actuaciones en Madrid?
-Hace unos meses, integré el elenco de la pieza La duda , de Benito Pérez Galdós, con la que hice una gira por toda España, y casi inmediatamente intervine en Tras las huellas de Bette Davis , adaptación teatral de una película de gran suceso popular.
Esta madrileña vital y constantemente dispuesta al diálogo confiesa que sus actuaciones le brindaron, además de éxitos, algunas amarguras: "No es fácil ser artista, pues se pierden muchas cosas privadas. Se pierde un marido, hijos, el permanente contacto con los amigos, y todo ello se vuelve tristeza.
-¿No extrañarás tu carrera tras tu retiro?
Posiblemente, sí, pero yo fui artista porque deseo el dinero, porque tengo buena salud y, definitivamente, porque me gusta estar frente a los espectadores que reconocen el esfuerzo que pongo en cada una de mis presentaciones? Ahora llega el momento del descanso, un descanso que me permitirá leer, escuchar música, recorrer sin apuro las calles madrileñas y degustar los buenos platos. Nunca conocí el aburrimiento, y tampoco lo conoceré cuando diga adiós a mi trayectoria.
La actriz y cantante posa sin apuro para el fotógrafo mientras prosigue su amena conversación. "El teatro y los recitales fueron los pilares de mi carrera? No me llevo bien con el cine, a pesar de haber actuado en algunas películas. No me faltaron ofertas para volver a la pantalla grande, pero los guiones no se adecuaban a mi forma de actuación? En cuanto a la televisión, al menos en España, es absolutamente lamentable. Está llena de programas de chismes, de modelos esculturales que no saben pronunciar una palabra, de historias absurdas. Recuerdo que en una oportunidad le presenté como proyecto a un empresario llevar a la pantalla chica obras de autores clásicos y modernos, y me miró asombrado, con una sonrisita algo cínica, y me dijo que actualmente a nadie le interesaba poner en televisión ese tipo de piezas.
-¿Cómo está estructurado el espectáculo ?
Sobre la base de poemas de Villaespesa, Lope de Vega, Manuel Benítez Carrasco y Rafael de León, entre otros, y por canciones que ya son tradicionales en mi repertorio, como un paseo por lo más tradicional de España, entre ellas "Yo vi llorar a Dios", "Gracias a la vida" y "Sueño imposible", para terminar el show con "Balada para un loco".

Para agendar

Cantares, poemas y bailes de España, espectáculo de despedida de Nati Mistral.
El Nacional, Corrientes 960. Hoy, a las 21. Mañana y pasado mañana, a las 21. Se repite el fin de semana próximo. 


Escuchar el poema de Dicenta en la voz de esta enorme artista es verdaderamente conmovedor.

Leonardo Liberman

Charles Chaplin. Un artista.

Charles Chaplin fue un artista único y completo. 

Un hombre sensible que tenia mucho para decir a pesar que la mayor parte de su producción está realizada en cine mudo.

Aquí un fragmento conmovedor de "El Gran Dictador".



La palabra de un humanista.

Leonardo Liberman

Poema para quien quiera mejorar su autoestima


Yo soy lo que yo soy.

Si tengo fe en la belleza que me habita, desarrollo la confianza.

En la dulzura, encuentro la fuerza.
 
En el silencio, camino con los dioses.

En la paz, me comprendo a mi mismo y comprendo a los demás.

Yo me alejo de los conflictos.

Yo encuentro la libertad en el desapego.

Respetando todas las cosas, yo me respeto a mi mismo.

En la devoción, yo honro mi coraje.

En la eternidad, yo tengo compasión por la naturaleza de todas las cosas.

En el amor, yo acepto incondicionalmente la evolución de los otros.

En la libertad yo tengo poder. 

En mi individualidad, yo expreso la fuerza divina que me habita.

En el servicio del prójimo, yo doy aquello que he llegado a ser.

Yo soy el que yo soy.

Eterno, inmortal, universal e infinito.

Stuart Wilde