Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo efemérides y temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Los Juicios de Núremberg se llevaron a cabo entre el 20 de
noviembre de 1945 y el 1 de octubre de 1946. Fueron un conjunto de
procesos emprendidos por iniciativa de las naciones aliadas
vencedoras al final de la Segunda Guerra Mundial. En los procesos se determinaron y sancionaron las
responsabilidades de dirigentes, funcionarios y colaboradores del
régimen nacionalsocialista de Adolf Hitler en los diferentes
crímenes y abusos contra la Humanidad cometidos en nombre del III
Reich. La tipificación de los crímenes y abusos realizada por los
tribunales y los fundamentos de su constitución representaron un
avance jurídico que fue adoptado posteriormente por las Naciones
Unidas para el desarrollo de una jurisprudencia específica
internacional en materia de guerra de agresión, crímenes de guerra
y crímenes en contra de la humanidad, así como para la
constitución, a partir de 1998, del Tribunal Penal Internacional.
A continuación, un documental producido por Pacific Media, en 2006.
Thomas Francis Dorsey, Jr., más conocido como Tommy Dorsey, nació
en Shenandoah, Pensilvania, Estados Unidos, el 19 de noviembre de
1905 y murió en Greenwich, Connecticut, Estados Unidos, el 26 de
noviembre de 1956. Trombonista y director de orquesta. Comenzó su carrera musical a los 16 años tocando en la Big Band
The Scranton Sirens. Tommy y su hermano Jimmy trabajaron en varias
orquestas como las de Rudy Vallee, Vincent López y, especialmente,
la de Paul Whiteman antes de formar la Dorsey Brothers Orchestra en
1934. Poco después Tommy Dorsey dejó esta formación cuando estaban
obteniendo un gran éxito con el tema Every Little Movement, y en
1935 armó su propia orquesta con algunos de los músicos de Joe
Haymes. Su sonido, tanto en las baladas como en los temas más bailables,
se convirtió en una marca característica de su orquesta, como así
también de toda la era del swing.
Las grabaciones en el sello RCA Victor, se convirtieron en grandes
éxitos con temas como On Treasure Island, I'm Getting Sentimental
Over You, Marie, The Big Apple, Music, Maestro, Please, I'll Never
Smile Again, This Love of Mine, On the Sunny Side of the Street,
T.D.'s Boogie Woogie, Well, Git 'It, Opus One, Manhattan Serenade y
There Are Such Things, entre muchos otros. Integraron esa formación, los mejores instrumentalistas de jazz
de la época, entre ellos los trompetistas Bunny Berigan, Ziggy
Elman, George Seaberg y Charlie Shavers, el trompetista, arreglador y
compositor Sy Oliver, autor de Well, Git 'It y Opus One, el baterísta
Buddy Rich y los cantantes Jo Stafford, Dick Haymes y Frank Sinatra,
que alcanzó sus primeros grandes éxitos como vocalista en la
orquesta de Tommy Dorsey. En una oportunidad Frank Sinatra afirmó que su control de la
respiración lo había aprendido viendo a Dorsey tocar el trombón, y
a su vez, Tommy Dorsey dijo que su estilo estaba en deuda con el de
Jack Teagarden. Otro miembro de la orquesta fue el trombonista Nelson Riddle, que
pasó mucho tiempo observando y escuchando los arreglos de Sy Oliver.
La colaboración posterior de Nelson Riddle con Frank Sinatra como
arreglador y director de las orquestas que lo acompañaban, está
considerada como revolucionaria para la música popular después de
la Segunda Guerra Mundial. A finales de 1946 Tommy Dorsey disolvió momentáneamente la
orquesta debido a los cambios producidos en el negocio de la música,
pero la edición de un disco con grandes éxitos, le permitió
reorganizar la orquesta a comienzos de 1947. En 1953 los hermanos Dorsey se reconciliaron, y formaron la Dorsey
Brothers Orchestra. La orquesta realizó giras y tuvo su propio
programa de televisión, Stage Show, entre 1954 y 1956, en el que,
entre otros, presentaron públicamente a Elvis Presley. Cuando Tommy Dorsey falleció, su hermano Jimmy Dorsey lideró la
orquesta hasta que falleció al año siguiente. En ese momento, el
trombonista Warren Covington asumió la dirección de la misma, y
produjo, el mayor éxito comercial hasta entonces. La Tommy Dorsey
Orchestra Starring Warren Covington, alcanzó lo más alto de las
listas en 1958 con Tea For Two Cha-Cha. Covington lideró la orquesta
hasta 1970, y luego Buddy Morrow se hizo cargo de The Tommy Dorsey
Orchestra.
A continuación, recordamos a Tommy Dorsey, con la canción Marie,
en un fragmento de la película The
Fabulous Dorseys, de 1947.
Amelita Galli-Curci nació en Milán, Italia, el 18 de noviembre
de 1882 y murió en Chicago, Estados Unidos, el 26 de noviembre de
1963. Soprano de coloratura. El sitio www.biografiasyvidas.com
publicó este recordatorio Amelita Galli-Curci (Milán, 1882 - La Jolla, 1963) Soprano
italiana. Estudió piano en el conservatorio de su ciudad natal hasta
que el compositor Pietro Mascagni, que la conocía y admiraba el
timbre asombrosamente ligero de su voz, le sugirió que se dedicara
al canto. Dada su habilidad natural para desenvolverse dentro del
registro vocal más agudo, parece que la cantante solamente necesitó
unas pocas lecciones de canto, además del necesario estudio del
repertorio operístico, para comenzar su carrera sobre los
escenarios. Su carrera comenzó con la interpretación de los papeles que
habitualmente se identifican con el repertorio de soprano ligera,
entre los que se encuentran algunos como los de la Rosina de la ópera
El barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini, el de la Amina de La
sonnambula, de Vincenzo Bellini, o el de Lucia di Lammermoor, de
Gaetano Donizetti.
Ocasionalmente, también abordó el repertorio de
soprano lírica, en el que figuran personajes como los de Mimí, la
protagonista de la ópera La Bohème, de Giacomo Puccini, o el de
Violetta, el personaje principal de la ópera La Traviata, de
Giuseppe Verdi. Lo que había comenzado como una carrera prácticamente casual, se
convirtió en una trayectoria internacional cuando, ya en 1916, Galli
Curci cantó por primera vez sobre el prestigioso escenario del
Teatro de la Ópera de Chicago, admirando tanto al público como a la
crítica. Después de su actuación en Chicago, comenzó una gira por
los teatros de ópera más importantes del continente americano donde
consolidó su éxito. A partir de entonces, su popularidad en los Estados Unidos no
tendría límites. El país entero, desde entonces, se rendiría a
sus pies haciendo de ella una auténtica diva. La admiración de
crítica y público se debía no solamente a la calidad de su sonido
vocal, de un timbre cristalino y, según muchos que la escucharon,
parecido al canto de los pájaros, sino también al encanto que
desprendía su presencia sobre el escenario.
Sin
embargo, con el paso de los años, su voz se vio afectada por una
tendencia a cantar por debajo del tono, lo que, en el argot musical,
se conoce como "calar". Su carrera concluyó de forma
precipitada cuando a la cantante se le declaró una afección de la
garganta que los médicos diagnosticaron como bocio. Tras sufrir una
operación, volvió a subir al escenario de la Ópera de Chicago para
cantar el personaje de Mimí, pero esta sería su última aparición
en una ópera. Hoy en día se conservan algunas grabaciones de la voz de Amelita
Galli-Curci que consiguen proporcionar una cierta idea de su
extraordinaria facilidad para la entonación de notas agudas y de
pasajes de coloratura, pero que, dados los límites que los medios de
grabación presentaban en la época, no bastan para apreciar un
timbre de voz que, según los testimonios de la época, debió de
caracterizarse por una frescura indescriptible.
A continuación, recordamos a Amelita Galli-Curci como Violeta, en el primer acto de la ópera La traviata de Giuseppe Verdi, en una grabación del sello Victor, del 7 de marzo de 1919.
Enzo Haim Sereni nació en Roma, Italia, el 17 de abril de
1905 y murió en el Campo de Concentración de Dachau, Alemania, el 18 de
noviembre de 1944. Erudito, escritor y partisano.
Su padre era médico del rey de Italia. Su familia estaba alejada
del judaísmo, y Enzo Sereni se desempeñó como traductor, y escribió numerosos
artículos, ensayos y volúmenes de historia del pensamiento religioso y de
historia contemporánea.
Fue uno de los primeros sionistas italianos, publicó muchos
artículos en el semanario italiano Israel, y después de obtener su doctorado en
la Universidad La Sapienza de Roma, en 1927, viajó a Palestina bajo el Mandato
Británico. Trabajó en las plantaciones de naranjos en Rehovot, y ayudó a fundar
el kibutz Givat Brenner.
Como entusiasta socialista, participó activamente en la
organización sindical Histadrut, y como pacifista abogó por la convivencia
entre judíos y árabes y la integración de ambas sociedades.
Entre 1931 y 1934 Sereni vivió en Europa para ayudar a
muchos judíos a viajar a Palestina, fue detenido brevemente por la Gestapo, y ayudó
a organizar el movimiento Hejalutz en la Alemania nazi. Se involucró en el
contrabando de dinero y personas fuera de Alemania, y en Estados Unidos ayudó a
organizar el movimiento sionista.
Durante la Segunda Guerra Mundial se unió al ejército
británico, y fue un difusor de propaganda antifascista en Egipto. Los
británicos lo enviaron también a Irak, y dedicó parte de su tiempo en organizar
la inmigración clandestina a la entonces Palestina. Posteriormente ayudó a
organizar la unidad británica de paracaidistas de operaciones especiales, que
envió agentes a la Europa ocupada.
El 15 de mayo de 1944 fue lanzado en paracaídas en el norte
de Italia, pero inmediatamente fue detenido, y 3 días después fusilado en el Campo
de Concentración de Dachau. El kibutz Netzer Sereni lleva su nombre, al igual
que muchas calles en todo Israel.
En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Leo Escalante, integrante del grupo de raíz folklorica Ceibo. Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone
La misma Luna es la nueva producción de la banda folk cordobesa Ceibo, integrada por Leo Escalante, Claudio Tais, Gabriel Romero y Yamil Salum.
El repertorio de Ceibo también está
integrado por las versiones de los más grandes temas del cancionero
popular argentino, como lo son "Jazmín de luna", "Amar
amando" y la zamba "De Alberdi", y temas propios.
Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, Francia, 1917) Escultor
francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes
Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos
escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus
modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de
decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la
escultura.
Su primera obra, El hombre de la nariz rota, tuvo muy malas
críticas en el Salón de 1864, hasta el punto de ser rechazada por considerarse
inacabada e incompleta. Rodin incorporaba en esta escultura el modelado
espontáneo y expresivo que habría de caracterizar toda su obra posterior. Tras
unos años al servicio del empresario Albert Carrier-Belleuse, para quien
trabajó en la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas, en 1875
emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel.
El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento
fue La edad del bronce, presentada en el Salón de 1877, que desagradó
profundamente por su extraordinario realismo. La figura muestra una época de
dolor y sufrimiento y refleja la influencia del David de Donatello y del
Esclavo moribundo de Miguel Ángel, obras que Rodin pudo apreciar su viaje a
Italia. La edad de bronce despertó una encendida polémica por su acentuado
naturalismo, que hizo pensar a algunos críticos que se trataba del vaciado de
un modelo vivo. En esta obra se inicia la importancia del gesto en la obra de
Rodin, que comenzaba aquí a perfilarse de forma discreta y crecería luego en
firmeza y expresividad.
Rodin seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al
fin en 1881, cuando presentó en el Salón su San Juan Bautista predicando. Poco
antes, en 1880, recibió el gran encargo de su vida: las puertas monumentales
del futuro Museo de Artes Decorativas de París. El portal estaba inspirado en
temas dantescos, de ahí que el propio Rodin le diera el nombre de Puerta del
Infierno, en la que trabajó desde 1880 hasta su muerte en 1917. Rodin se
inspiró en la Divina Comedia de Dante y en la Puerta del Paraíso de Ghiberti,
por el que el escultor sentía una gran admiración.
Sin embargo, el edificio para el que estaba destinada nunca
llegó a construirse. A pesar de ello, los numerosos motivos y figuras en los
que trabajó el artista para esta obra marcarían las directrices de la mayor
parte de sus esculturas más famosas, como El pensador (1880) o La bella esposa
del fabricante de cascos (1880-1883), que posteriormente se expondría con el
nombre de La vieja cortesana y que surgió de un pequeño fragmento de la parte
inferior de las puertas. La obra trata el tema, tan cultivado en el Barroco, de
la perecedera y efímera belleza física. La mujer, con la mano abierta y
extendida hacia atrás, busca desesperadamente lo que ya perdió para siempre.
Otra obra que deriva también del diseño de las puertas es El
beso (1886), inspirada, en un principio, en el idilio entre Paolo Malatesta y
Francesca de Rímini que Dante relató en la Divina Comedia, aunque esta idea
fuera finalmente rechazada y se excluyó toda referencia a circunstancias
concretas. El autor representa a los amantes besándose en un conjunto
escultórico en donde premeditadamente no se marca con claridad el límite de las
figuras con el fondo que las acompaña; suaviza las gradaciones y crea la
impresión de que todo está envuelto en un ambiente etéreo en el que prevalece
la belleza y la poesía. Como obra independiente, se ha convertido en símbolo
universal del deseo y la pasión.
Cuando todavía trabajaba en los modelos de las puertas,
Rodin aceptó el encargo de levantar el monumento de Los burgueses de Calais
(1884-1888), una obra de dramatismo contenido. A pesar de recibir, tras la
exposición de 1889, el apoyo de la crítica de vanguardia y de que su fama era
ya notable a fines de siglo, vivió siempre envuelto en grandes polémicas en
torno a su obra. Los burgueses de Calais fue mal vista por los concejales que
la habían encargado, sintiéndose defraudados por un monumento que no cumplía
sus expectativas de exaltación patriótica. El artista nos muestra seis
reacciones complejas ante la tragedia, enfrentando el drama de los personajes
con el espectador; aunque en esta ocasión los personajes no mantienen un
contacto físico entre sí, la disposición de las figuras, que parecen
entrelazadas, ofrece una dimensión poco corriente del espacio interpuesto.
Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras que
han llevado a considerarlo el principal escultor impresionista, junto con el
italiano Medardo Rosso, por sus estudios texturales y lumínicos. Con
posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en
los retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los
dedicados a Victor Hugo y a Balzac, no siempre exentos de polémicas. Es el caso
de Balzac (1891-1898), obra que le encargó Zola, presidente de la Sociedad de
Hombres de Letras, cuyos miembros consideraron después que estaba inacabada; de
hecho, el retrato de Rodin fue rechazado y se pasó el encargo a Falguière.
Rodin representó a un Balzac replegado en sí mismo, erguido y orgulloso. La
cabeza altiva, inclinada hacia atrás, destaca sobre la túnica intemporal (el
hábito de monje que solía utilizar en sus sesiones nocturnas de trabajo), que
otorga un aire espectral a la figura.
La audacia y el énfasis en la expresión, así como su
capacidad de innovación, asentarían el prestigio del escultor. Es difícil
hallar una visión tan descarnada y libre de prejuicios del cuerpo de una mujer
como la que ofrece Iris, la mensajera de los dioses (1890). La cabeza fue
arrancada y aprovechada en otra escultura, centrando así la atención en el
movimiento de la bailarina y en su sexo.
En 1900, una gran exposición de su obra en el Salón de la
Sociedad Nacional consagró la fama del escultor. La serie de retratos se
enriqueció en los últimos tiempos con las cabezas de Bernard Shaw (1906), la
Duquesa de Choiseul (1908), Gustavo Mahler (1909) y los bustos de Clemenceau
(1911) y Benedicto XV (1915). Entregado a su actividad hasta el fin de sus
días, Rodin falleció casi al mismo tiempo que su esposa, fiel compañera suya
durante más de cincuenta años. En 1911 Paul Gsell había reunido en un tomo de
conversaciones con el maestro sus ideas artísticas. Por otra parte el escultor
ya había escrito y publicado un volumen titulado Les cathédrales de France.
Indudablemente no puede considerarse el arte de Rodin al
margen del arte de Degas. Ambos supieron persistir en el realismo otorgándole
una nueva dimensión escultórica, en un intento por descubrir nuevas
posibilidades en la estructura de la figura. La obra madura del escultor está,
evidentemente, vinculada a los principios fundamentales del impresionismo, pues
ambos tienden a representar el poder de los elementos naturales. Tanto los
impresionistas como el propio escultor emplearon la luz en sus obras. Las
alusiones literarias, así como el desacuerdo y la despreocupación en el arte de
Rodin están también relacionados con el impresionismo.
Su obra marca la cima del movimiento romántico y abarca toda
la gama de posibilidades plásticas, desde la espontaneidad de los movimientos
hasta el patetismo heroico. Rodin evidenció la creación de la forma partiendo
del caos como proceso dramático prometeico, influencia que recibió de Medardo
Rosso. La obra de Rodin fue el inicio y el final de la escultura impresionista,
pero sobre todo marcó un principio escultórico y revolucionario que ejercería una
influencia determinante en los escultores posteriores y en numerosos artistas
modernos.
A continuación, recordamos a Auguste Rodin, con un documental que muestra parte de su obra.
Rodolphe Kreutzer nació en Versalles, Francia, el 16 de
noviembre de 1766 y murió en Ginebra, Suiza, el 6 de enero de 1831. Violinista,
profesor, compositor y director de orquesta.
Su padre, violinista de la Capilla Real, le enseñó a tocar
el violín, pero su verdadero maestro fue Anton Stamitz. A los 13 años interpretó
un concierto de su autoría y posteriormente viajó a Italia y Alemania donde
realizó una serie de actuaciones.
A los 16 años regresó a Francia, sucedió a su padre como
primer violín de la Capilla Real entre 1783 y 1792. Ese año accedió al puesto
de solista de violín en el Teatro Italiano, donde presentó sus óperas Jeanne
d’Arc à Orléans, y Paul et Virginia y Lodoïska.
Entre 1795 y 1825 fue profesor de violín en el Conservatorio
de París, en 1801 sucedió a Pierre Rode como primer violín de la Ópera y al año
siguiente entró en la Capilla del Primer Cónsul.
De 1815 a 1827, fue maestro de capilla de la Capilla Real, se
desempeñó como director de orquesta en la Ópera, y la dirigió entre 1824 y
1826.
En 1798, durante una gira en Viena conoció a Ludwig van
Beethoven y éste le dedicó, en 1805, su Sonata para violín y piano Nº 9 Op. 47.
Rodolphe Kreutzer, junto a Pierre Rode y Pierre Baillot, fundó
la Escuela francesa de violín y aplicaron el Método de violín del Conservatorio.
Durante su carrera, Rodolphe Kreutzer, utilizó un violín
construido por Antonio Stradivarius de 1727, que actualmente posee Maxim
Vengerov.
A continuación, de Rodolphe Kreutzer, el Concierto para
Violín y Orquesta Nº 14 en Mi Mayor, en la versión de Peter Sheppard Skærved,
junto a la Orquesta Filarmónica Eslovaca, dirigida por Andrew Mogrelia.
Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean
la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar
de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el
lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante
que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la
cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos
descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como
ciencia, educación, festividades, cocina medicina, mística…
Daniel Barenboim nació en Buenos Aires, Argentina, el 15 de
noviembre de 1942. Pianista y director de orquesta.
Celebramos el cumpleaños de Daniel Barenboim, con una presentación
realizada en Varsovia, Polonia, dedicada a celebrar el 200 aniversario del
nacimiento de Frederic Chopin.
En esa oportunidad interpretó la Fantasía en Fa Menor Op. 49, el Nocturno en Re Bemol Mayor Op. 27 Nº 2, la Sonata en Si Bemol Menor Op. 35, la Barcarola en Fa Sostenido Mayor Op. 60, el Vals Op. 34 en Fa Mayor Nº 3 y en La Menor Nº 2, el Vals en Do Sostenido Menor Op. 64 Nº 2, la Berceuse en Re Bemol Mayor Op. 57, la Polonesa en La Bemol Mayor Op. 53, la Mazurka en Fa Menor Op. 7 Nº 3, y el Vals en Re Bemol Mayor Op. 64 Nº 1.
Robert Schumann compuso el Carnaval de Viena Op. 26 en 1839, es una de las piezas fundamentales para piano de la época romántica, y la escribió
cinco años después del famoso Carnaval Op. 9.
A continuación, de Robert Schumann, Carnaval de Viena Op. 26, en la versión de Murray Perahia.
En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Enrique Migliarini sobre su actividad en Vigo, España. Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rosato - Mónica Torretto - Jorge Falcone
Agradecemos la inestimable colaboración de Eduardo Aldiser
Giovacchino Antonio Rossini, más
conocido como Gioacchino Rossini, nació en Pésaro, Italia, el 29 de
febrero de 1792 y murió en París, Francia, el 13 de noviembre de
1868. Compositor.
A continuación, de Gioacchino Rossini,
la ópera Il Turco In Italia, en la versión de Ruggero Raimondi,
Cecilia Bartoli, Paolo Rumetz, Oliver Widmer, Judith Schimid, Valery
Tsarev, junto al Coro y la Orquesta de la Opera de Zurich, dirigida
por Frans Welser Most. Producción 2001.
El turco en Italia título original en
italiano, Il turco in Italia es un dramma buffo per musica en dos
actos con música deGioacchino Rossini y libreto en italiano de
Felice Romani, basado en una pieza homónima de Caterino Mazzolà con
la que se hizo una ópera del mismo título obra del compositor
alemán Franz Seydelmann en 1788. Fue estrenada el 14 de agosto de
1814, en La Scala de Milán.
La acción transcurre en Nápoles y sus
alrededores en el siglo XVIII
Acto
I
A la orilla del mar cerca de Nápoles El poeta Prosdocimo busca una trama para un drama buffo.
Encuentra a un grupo de gitanos, entre ellos la bella pero infeliz
Zaida y su confidente Albazar. El amigo de Prosdocimo, el obstinado y
a veces bobo Geronio, busca alguien que le diga la buena fortuna y le
aconseje sobre sus problemas maritales. Zaida le cuenta a Prosdocimo
que procede de un harén turco. Ella y su amo, el príncipe Selim,
estaban enamorados, pero celosas rivales la acusan de infidelidad y
tuvo que huir para salvar su vida, acompañada por Albazar. Entra
Fiorilla, la caprichosa y joven esposa de Geronio, cantando la
alegría del amor. Llega un barco turco y desembarca un príncipe, es
Selim. A Fiorilla inmediatamente le gusta el apuesto turco, y se
desarrolla rápidamente el romance. Aparece primero Narciso, un
admirador de Fiorilla, y luego Geronio, horrorizado al saber que
Fiorilla se lleva al turco a casa a beber su café. La casa de Geronio Fiorilla y Selim flirtean. Luego Selim se marcha, después de de
acordar con Fiorilla encontrarse de nuevo junto a su barco. Geronio
le dice a Fiorilla que no permitirá a más turcos, o italianos, en
su casa. Ella dulcemente mina sus quejas, y luego, cuando él se
suaviza, amenaza con castigarlo pasándoselo bien de una manera aún
más salvaje. La orilla del mar por la noche Selim espera a Fiorilla, pero aparece Zaida. Los anteriores
amantes están sorprendidos y encantados, y se declaran nuevamente su
amor. Llega Narciso con Fiorilla disfrazada y Geronio detrás. Selim
confunde a la velada Fiorilla con Zaida y las dos mujeres de pronto
se encuentran cara a cara. Fiorilla acusa a Selim de traición. Zaida
se enfrenta a Fiorilla. Geronio dice a su esposa que se tienen que ir
a casa. Hay un tormentoso final.
Acto II
En una posada Selim ofrece a Geronio comprar a Fiorilla, pero Geronio lo
rechaza. Selim jura raptarla. Fiorilla organiza un encuentro entre
Selim, Zaida y ella, de manera que el turco se vea obligado a elegir
entre ellas dos. Cuando llega el momento, él no se decide, pues no
quiere perder a ninguna de las dos. Zaida se marcha disgustada. Selim
y Fiorilla se pelean pero luego se reconcilian. Se celebra una
fiesta. Fiorilla estará allí, enmascarada, para encontrarse con
Selim. Un salón de baile con enmascarados y bailarines Fiorilla confunde a Narciso con Selim y Narciso la deja quedar
engañada. Mientras tanto, Selim entra con Zaida, creyendo que ella
es Fiorilla. Geronio está desesperado al encontrar dos parejas y dos
Fiorillas. Narciso y Selim ambos piden a sus parejas escaparse de la
fiesta. Confundido y enfadado, Geronio intenta detener a las dos
parejas, pero al final se escapan. De vuelta a la posada Prosdocimo se encuentra con Geronio. Ahora saben que Selim estaba
con Zaida y suponen que Fiorilla estaba con Narciso. Albazar confirma
que Selim definitivamente se quedará con Zaida. Prosdocimo aconseja
a Geronio que se vengue de Fiorilla pretendiendo divorciarse de ella
y amenazándola con devolverla a su familia. Al haber descubrir el engaño de Narciso, Fiorilla intenta
encontrar a Selim, pero él ya se ha ido con Zaida. Regresa a casa y
se encuentra la carta de divorcio, y que sus cosas habían sido
sacadas de la casa. Queda devastada por la vergüenza, y rápidamente
abandonada por sus amigos. La playa Selim y Zaida van a hacerse a la mar, en dirección a Turquía,
mientras que Fiorilla busca un bote que la lleve de vuelta a su
ciudad natal. Geronio la encuentra y la perdona. Se reconcilian
afectuosamente. Ambas parejas están por fin reunidas y Prosdocimo
está encantado con este final feliz.
Ira Levin (Nueva York, 27 de agosto de 1929 - Nueva York, 12 de
noviembre de 2007). Hijo de un comerciante judío, se graduó en la
Horace Mann School; en la universidad de Nueva York se licenció en
Filosofía e Inglés, tras lo cual se enroló en el ejército a
comienzos de los cincuenta. Sirvió durante dos años en el Army
Signal Corps. Cuando volvió a la vida civil se dedicó a la
literatura, en principio escribiendo para emisoras de radio y de
televisión guiones originales y adaptaciones. Su primer gran éxito
fue Un beso antes de morir, obra que recibió varios premios en su
país y fuera de él. Pero comenzó a hacerse verdaderamente famoso y
popular en todo el mundo con el éxito de su novela La semilla del
diablo, que el director cinematográfico Roman Polanski convirtió en
una de las películas de terror de más impacto de los últimos
tiempos.
Ira Levin ha escrito también para el teatro, y en
este terreno ha obtenido éxitos como el de No time for Sergeants,
que desde los escenarios pasó a los estudios de rodaje.
Pero
cada libro del autor supera, si cabe, el éxito de los anteriores y
nuevamente obtenía una clasificación entre los best-sellers
mundiales con su novela Las poseídas de Stradford. Estas obras han
convertido a Ira Levin, en la opinión de muchos de sus lectores, en
uno de los grandes maestros de la literatura de terror. Sin embargo,
había que demostrar que su capacidad no se limitaba a la combinación
de elementos derivados del demonismo, y de los fenómenos
alucinatorios. Es lo que hizo con su éxito Los niños de Brasil,
donde, basándose en la ambigüedad de las informaciones acerca del
paradero posible del doctor Mengele, el «Angel de la Muerte» de los
campos nazis de exterminio, en las pesquisas de los cazadores judíos
de criminales de guerra nazis, y en las conocidas experiencias que el
citado doctor realizó con los cuerpos de los prisioneros de los
campos de concentración, el autor monta una alucinante fantasía de
terror que difícilmente olvidará el lector de la novela. Obras *
Novelas Un beso antes de morir (1953). A Kiss Before Dying.
Barcelona, Grijalbo, 1971 La semilla del Diablo (1967). Rosemary's
Baby. Barcelona, Grijalbo, 1968 Chip, el del ojo verde (1970).
This Perfect Day. Buenos Aires, Tiempo Contemporáneo, 1972 Las
poseídas de Stepford (1972). The Stepford wives. Barcelona, Plaza y
Janés, 1978 Los niños del Brasil (1976). The Boys from Brazil.
Bogotá, Pomaire, 1977 Sliver (1991) (La astilla) Son of
Rosemary (1997) (El hijo de Rosemary)
* Piezas teatrales No
Time For Sergeants (1956) Interlock (1958) Critic's Choice
(1960) General Seeger (1962) Dr. Cook's Garden
(1968) Veronica's Room (1974) El cuarto de Verónica Deathtrap
(1978), premio Tony. Break a Leg: A Comedy in Two Acts
(1981) Cantorial (1982)
A continuación, recordamos a Ira Levin, con la película Los niños del Brasil.
En
Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Facundo
Mercado, dirección y guitarra, Bruno Ventura, guitarra y Luis Mario
Rossi guitarrón, integrantes de La Guardia Nueva Tango.
Conducción: Leonardo Liberman / Puesta
en el aire: Matías Arreceygor – Jorge Falcone
Cecilia Loots, nacida en Haarlem, estudió para ser maestra en el
sistema escolar Montessori. Dirigía un colegio privado pequeño en
Amersfoort, Utrecht, para niños con dificultades de aprendizaje
severas.
En 1942, Caecilia, una católica devota, consintió aceptar
algunos niños judíos en el colegio siguiendo el pedido de una
amiga. Al principio llegaron a la escuela, un lugar de escondite
excelente, Caroline (Lineke) Sons, de siete años y su hermana de
cuatro, Marian (Janneke).
Caecilia Loots con algunos de sus alumnos
durante la guerra. Cortesía de Carolina Markson
Durante los meses siguientes llegaron otros, entre ellos Dori y
Joost van Cleef, Miriam Emanuel, Simone Paur, de 12 años, Betty
Springer, de 17 y un pequeño apellidado Rosen. Caecilia, a quien
llamaban "Tante (tía) Ciel", era asistida en las tareas
domésticas por Dina van Heiningen, de 17 años, que tenía plena
consciencia de la identidad de los internos.
Caecilia Loots, durante la
guerra. Cortesía de Carolina Markson
Caecilia hizo todo lo posible para proporcionar a los niños un
ambiente natural para crecer. Asistían a clases, jugaban alrededor
del edificio, e incluso recibían clases extracurriculares de música
que dictaba ella misma. La casa conservaba la apariencia de ser una
escuela regular, con alumnos corrientes que iban y venían a diario.
Caecilia asumía riesgos enormes; la casa estaba situada cerca
del campo de internamiento de Amersfoort y siempre había alemanes en
las inmediaciones. Para situaciones de emergencia se construyó un
escondite en el ático, pero fue utilizado sólo unas pocas veces.
Caecilia Loots
con algunos de sus alumnos durante la guerra
Además de ocultar a los niños, algunos adultos encontraron
refugio temporal en la casas de Caecilia durante la guerra. Entre
ellos la madre de uno de los niños, que se había visto obligada a
abandonar un escondite anterior. Incluso, de vez en cuando, hombres
escapados del campo de internamiento de Amersfoort se escondían por
algún tiempo en el hogar de Caecilia.
Esta y Dina estaban
involucradas también en algunas actividades de la resistencia,
incluidos servicios de mensajeras y distribución de periódicos
ilegales. En la casa se realizaban también reuniones del movimiento
clandestino. El 11 de noviembre de 1969, Yad Vashem reconoció a Caecilia
Antonia Maria Loots como Justa
de las Naciones.
Cecilia Loots en Yad Vashem, 22 de
febrero de 1979
La fuerza del destino, título original
en italiano, La forza del destino es una ópera en cuatro actos con
música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria
Piave, basado en la obra teatral Don Álvaro o la fuerza del sino de
Ángel de Saavedra, Duque de Rivas, con una escena adaptada de
Wallensteins Lager de Friedrich Schiller.
Fue representada por vez
primera en el Teatro Bolshói Kámenny, actual Teatro Mariinski, de
San Petersburgo, Rusia, el 10 de noviembre de 1862,
con la presencia del compositor. El público no quedó muy satisfecho, dado que esperaba un libreto
menos dramático, más ligero, pero a pesar de todo, Verdi recibió
las felicitaciones del zar Alejandro II de Rusia, que acudió a la
cuarta representación.
La obra fue posteriormente revisada y el compromiso recayó en
Antonio Ghislanzoni, quien modificó algunos fragmentos y Verdi
compuso una nueva obertura. El estreno de la segunda versión, la más
conocida y grabada actualmente, ocurrió el 27 de febrero de 1869 en
el Teatro Alla Scala de Milán.
A continuación, la ópera La fuerza
del destino, de Giuseppe Verdi, en la versión de Azcar Adbrazacov,
Galina Gorchakova, Nikolai Putilin, Gegam Grigorian, Olga Borodina,
Mikhail Kit, Georgy Zastavny, Lia Shevtzova, Gennady Bezzubenkov,
Nikolai Gassiev, Yuri Laptev, junto al Coro y la Orquesta Kirov de
San Petersburgo, dirigida por Valery Gergiev.
La acción transcurre en España e Italia, alrededor de 1750.
Acto I
Habitación del castillo de Calatrava, cerca de Sevilla Don Álvaro es un joven noble de Sudamérica (presumiblemente
Perú) que es en parte indio y que se ha establecido en Sevilla,
donde, sin embargo, no se piensa bien de él. Se enamora de doña
Leonora, la hija del marqués de Calatrava, quien, a pesar de su amor
por su hija, ha decidido que ella se case sólo con un hombre de la
más alta cuna. Leonora, conociendo la aversión de su padre, y
profundamente enamorada de Álvaro, decide abandonar su casa y su
país para fugarse con él, ayudada por su sirvienta, Curra.(A.:Me
pellegrina ed orfana - "Yo, exiliada y huérfana"). Su padre entra inesperadamente y descubre a Álvaro; él lo
amenaza de muerte, y, para eliminar cualquier sospecha sobre la
castidad de Leonora, Álvaro ofrece entregarse al marqués. Tira su
pistola con tan mala suerte que del golpe se dispara y hiere
mortalmente al padre de Leonora quien muere maldiciendo a su hija.
Acto II Cuadro I. Taberna en las afueras de Hornachuelos El Alcalde, varios muleteros y don Carlos de Vargas, hermano de doña
Leonora, están reunidos en la cocina de una posada. Don Carlos,
disfrazado como un estudiante de Salamanca, bajo el nombre ficticio
de Pereda, busca vengarse de Álvaro y Leonora (Son Pereda son ricco
d'onore - "Soy Pereda, de noble ascendencia"). Durante la
cena, Preziosilla, una joven gitana, narra las fortunas de los
jóvenes y los exhorta a alistarse a la guerra (Al suon del tamburo -
"Cuando suene el tambor") por la libertad de Italia, algo
con lo que todos se muestran de acuerdo. Habiéndose separado de
Álvaro, Leonora llega disfrazada de varón, pero se escapa sin ser
descubierta por Carlos. Cuadro II. Atrio del monasterio Leonora se refugia en el monasterio (R.: Sono giunta! [¡He llegado!]
… A.: Madre, pietosa Vergine [Madre, piadosa Virgen]) donde ella
cuenta al abad, Padre Guardián, su verdadero nombre y que pretende
pasar el resto de su vida como ermitaña. El abad le relata los
desafíos por los que va a apasar. Leonora, el Padre Guardián, Fray
Melitón y otros monjes se unen en oración. Acto III Cuadro I Bosque próximo al pueblo italiano de Velletri, en
Italia Mientras tanto, don Álvaro se ha unido al ejército español bajo el
nombre de don Federico Herreros (R.: La vita è inferno: O tu che in
seno agli angeli - "La vida es un infierno para aquellos que son
infelices... ¡Oh, mi amada, entre los ángeles!"). Una noche
salva la vida de don Carlos que sirve en el mismo ejército bajo el
nombre de don Félix Bornos. Se hacen amigos y van a la batalla uno
al lado del otro. Cuadro II Habitación de los oficiales En una de esas escaramuzas don Álvaro resulta, como él supone,
mortalmente herido, y confía a don Carlos el cuidado de una valija
que contiene un puñado de cartas que tiene que destruir en cuanto
don Álvaro muera. (D.: Solenne in quest'ora - "Júrame, en esta
solemne hora"). Don Carlos ha jurado no mirar el contenido de
las cartas, pero empieza a sospechar de su amigo. (Sc.: Morir!
Tremenda cosa! … A.: Urna fatale del mio destino - "¡Morir,
qué cosa tan tremenda!... Aléjate, fatal lote enviado a mi
Destino!"). Abre la valija, encuentra el retrato de su hermana,
y se da cuenta de la verdadera identidad de Álvaro. En ese momento
un cirujano dice que don Álvaro puede recuperarse. Don Carlos se
alegra de poder vengar la muerte de su padre. Cuadro III Campamento militar cerca de Velletri Don Álvaro se ha recuperado y se enfrenta a don Carlos. Empiezan un
duelo, pero los soldados los separan a la fuerza. Mientras contienen
a don Carlos, el angustiado don Álvaro jura entrar en un monasterio. Los soldados se reúnen. Trabucco, un vendedor ambulante, intenta
venderles sus productos; fray Melitón los sermonea por sus
comportamientos viciosos; y Preziosilla los lidera en un coro en
alabanza de la vida militar (Cr.: Rataplan, rataplan, della gloria -
"Rataplán, rataplán, del tambor es la música que enardece el
espíritu marcial de un soldado"). Acto IV Cuadro I El monasterio Don Álvaro ha ingresado en el monasterio de Hornachuelos, cerca de
donde está la cueva de Leonora, con el nombre de Padre Rafael. Don
Carlos llega y le fuerza a luchar (D.:Col sangue mio [Con mi sangre];
Le minacci, i fieri accenti - "Con mi sangre... Las amenazas,
los acentos fieros"). Cuadro II Exterior de la cueva donde vive Leonora Leonora reza para encontrar la paz en la muerte (A.: Pace, pace mio
Dio! - "¡Paz, oh Dios padre todopoderoso, dame paz!").
Álvaro entra, pidiendo ayuda, después de haber herido mortalmente a
don Carlos en su duelo. Los dos amantes se reconocen. Leonora sale de
escena para ver a su hermano, quien, mientras ella se inclina hacia
él, la apuñala en el corazón. Leonora regresa con el Padre
Guardián; él y don Álvaro rezan al cielo mientras ella muere.
