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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
El salvaje Mick Brown revela por qué dejó la batería hace dos años
Martín Kielty
El ex baterista de Dokken, “Wild” Mick Brown, reveló que dejó de tocar hace dos años después de decidir que una pausa planificada era su retiro.
Se retiró de las giras en 2019, marcando el final de una carrera que comenzó en 1975 con los Boyz, seguido por Xciter, antes de unirse a Dokken en 1981. También colaboró con Ted Nugent y Lynch Mob. En una nueva entrevista en el podcast Rimshots With Sean, el músico de 66 años explicó que había logrado todo lo que se proponía.
"Me empezó a doler el cuerpo por tocar la batería", dijo Brown sobre su último viaje con Dokken. "Me estaba cansando muchísimo y me costaba mucho caminar por los aeropuertos... Y no se me ocurrió parar hasta que le dije a Don [Dokken]: 'Tengo que dejar esto. Ya no puedo más'. Y lo entendió al instante: "¡Guau! ¡Me sorprende que hayas llegado tan lejos con lo que te hiciste!".
Además del dolor —que según Brown ha disminuido hasta cierto punto desde que dejó de fumar—, citó los viajes como otra razón para dejarlo. "Lo último que quería era ir a otro aeropuerto, sentarme en una furgoneta camino al hotel o en un autobús turístico", comentó. "Ya estaba harto. Y simplemente le dije a mi superior: 'Está bien, ya está'. Y seguí su ejemplo". Puedes escuchar la entrevista a continuación.
Informó que se desilusionó al no formar parte del equipo de grabación de Dokken y que sentía que ser solo un miembro de gira era un "buen trabajo", pero nada que ver con la experiencia que disfrutaba antes. "Me encantaba la parte creativa del trabajo", dijo. "Como cuando Jeff [Pilson] y George [Lynch] escribían una canción, se la entregaban a Don y le mostraban lo que teníamos; era algo muy satisfactorio. Eso se acabó. Mi roadie se fue. ... Volví al punto de partida, de lo que hacías a los 14 a los 63. Pensaba: 'He vuelto a tener 14 años, solo que soy muy viejo. ¿Tengo que montar la batería? ¡Al diablo con eso!'".
Brown siguió tocando ocasionalmente con la banda de un amigo, pero comentó que llegó a interpretar seis canciones en dos años. "No he tocado una baqueta en dos años", añadió. "Hice todo lo que quería, diez veces más de lo que pensaba. ... Mirando hacia atrás, estoy muy agradecido. A veces lloro de alegría y pienso: '¡Guau! ¡Lo hice!'".
Predijo un futuro tranquilo, explicando: «Ya no tengo ambiciones, y nunca he sido realmente ambicioso con nada que no sea la música. Gano suficiente dinero como para no tener que hacer nada. ¿Y adivina qué? ¡No hago nada! Conduzco esa chopper; esa es mi verdadera pasión. Duermo mucho. Y hoy no tengo nada que hacer, excepto disfrutar de mis amigos... Así es como estoy, y no podría estar más contento».
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Into The Fire.
Hoy les invitamos a Ribadavia, elegida para celebrar la 66ª Asamblea General de la Red de Juderías de España Caminos de Sefarad. El programa incluía una visita guiada a la Judería de Ribadavia y culminó con la I Gala de Premios RDJ, que conmemora el 30º aniversario de la Red de Juderías de España.
Entrevista a Adriana Lerman – El chico que sobrevivió a Auschwitz
Adriana Lerman nació el 3 de noviembre de 1971 en Buenos Aires, Argentina. Es escritora, investigadora especializada en el Holocausto, docente de hebreo y farmacéutica.
En su primer libro, El dolor de estar vivo (Editorial El Ateneo, 2022), logró desenterrar el pasado de su abuelo Salomón Lerman durante el nazismo. La obra tuvo un gran reconocimiento tanto en Argentina como en el exterior.
Desde entonces, Adriana se ha dedicado a brindar conferencias a nivel nacional e internacional, difundiendo su historia familiar durante el Holocausto y enseñando sobre las consecuencias de la discriminación y el odio.
En septiembre de 2023, Adriana Lerman recibió un reconocimiento en la Legislatura Porteña, por el aporte de sus relatos sobre su abuelo inmigrante, que reflejan su lucha y resiliencia.
En noviembre de 2023, la comunidad Benei Tikva distinguió su labor en la recuperación de la historia de sus ancestros y fue galardonada con el premio Jai por su contribución a la preservación de la memoria del Holocausto. Fue destacada como una persona de gran empeño, quien, trabajando sobre un extenso archivo de documentos legados por su abuelo, logró reconstruir la historia que marcó a su familia: el dolor y la pérdida vividos durante el nazismo.
Su determinación y la pasión por sus orígenes la llevaron a escribir su segundo libro, El chico que sobrevivió a Auschwitz (Editorial El Ateneo, 2025), donde revela la historia completa de sus únicos familiares sobrevivientes de los campos de concentración, rindiendo homenaje tanto a ellos como a las víctimas del nazismo.
Christine Ellen Hynde, más conocida como Chrissie Hynde, nació en Akron, Ohio, Estados Unidos, el 7 de septiembre de 1951. Cantante, guitarrista y compositora.
Ha guiado a los Pretenders a través de la muerte, la discordia y períodos de silencio. Y mientras la banda lanza un nuevo álbum impactante, no va a dejar que un poco de cuarentena la deprima.
Por Kory Grow
Es un viernes por la noche a mediados de mayo, y Chrissie Hynde debía comenzar esta noche una gira por Estados Unidos en apoyo del último álbum de los Pretenders , Hate for Sale. En cambio, está atrapada en su apartamento de Londres, cantando "Standing in the Doorway" de Bob Dylan por teléfono al guitarrista principal de la banda para un proyecto de versiones en el que los dos han estado trabajando. El confinamiento por el coronavirus puede haber trastocado su vida, pero no lo notarías al hablar con ella. "Vivo sola y no tengo mascotas, así que tengo todo este tiempo para holgazanear", dice. "Me siento como si tuviera 15 años: sin responsabilidades reales, sin presión. Puedo pintar y tocar canciones".
En los últimos meses, Hynde, de 68 años, se ha reencontrado con su hermano saxofonista, Terry, que vive en Ohio, y habla frecuentemente por teléfono con sus dos hijas, que también viven en Inglaterra, el hogar adoptivo de Hynde, después de haber crecido en Akron. (Incluso después de casi medio siglo viviendo al otro lado del charco, su acento sigue siendo notablemente ohioano, aunque ella llama al fútbol "fútbol" y a los amigos "colegas"). Como vegetariana de toda la vida y ambientalista declarada, le encanta que el confinamiento haya significado menos smog y más canto de pájaros en todo el mundo: "Si supiera que no habría más vuelos, si podemos deshacernos de todos los autos, sería la primera en apuntarme". Ha compuesto un par de canciones durante la cuarentena, pero solo escribe cuando se muda. "Soy bastante vaga", dice. "Me gusta holgazanear. Eso es lo que se me da bien".
Durante las últimas cuatro décadas, Hynde ha perfeccionado un exterior aparentemente imperturbable ante los problemas. Su dureza la ayudó a moverse a través del mundo del rock dominado por los hombres de finales de los setenta, la ayudó a soportar las sobredosis de drogas que mataron a dos compañeros de banda al principio de la carrera de los Pretenders, la ayudó a criar a sus hijos en la cima de su fama. Y ese sigue siendo el caso. A veces, parece que su actitud de "no me importa una mierda" impregna todo su ser. "¡Por supuesto que me importa una mierda!", protesta. "Alguien me dijo que la definición de un trastorno es cuando [algo que te molesta] comienza a interferir con la vida diaria. Así que no voy a preocuparme ni a nada donde comience a convertirse en un trastorno". Cuando le explico que "no me importa una mierda" es una especie de virtud, se ríe y se disculpa. "Soy una persona sensible", dice.
La leyenda del tenis John McEnroe, quien se hizo amigo de Hynde a principios de los ochenta, cree que, aparte de Janis Joplin, Hynde es la "mayor estrella del rock femenina". Es famosa la cita de una de sus diatribas en Wimbledon: "¡Sois lo peor del mundo!", en "Pack It Up" de Pretenders II, y siempre que la banda pasa por Nueva York, Hynde lo invita a subir al escenario. Incluso contó con McEnroe como guitarrista en su álbum solista de Estocolmo.
McEnroe ha presenciado su carisma de primera mano muchas veces. A mediados de los noventa, la acompañó a ver a Jeff Buckley en un pequeño local de Londres. «Después del concierto, Jeff conoció a Chrissie y le dijo: '¡Dios mío! Soy un gran fan. Me sé todas tus canciones'. Y ella le preguntó: '¿Quieres venir a improvisar?'. Recuerdo llevar su amplificador al estudio, y el tipo se sabía cada riff, cada nota de cada canción que tocaban. Estoy seguro de que fue una pequeña inspiración para ella. A veces necesitas que te recuerden el respeto que te tienen».
Hynde se esforzó por ganarse ese respeto, pero no llegó de inmediato. De niña, se sentía perdida. Como recordó en sus memorias de 2015, Reckless , era una estudiante promedio sin otra ambición que dibujar. Se enamoró del rock & roll en su adolescencia, escapándose a conciertos con sus amigas (su primer beso de verdad lo dio cuando los guardaespaldas de Jackie Wilson la subieron al escenario para que la cantante de "Lonely Teardrops" le diera uno), pero por aquel entonces nunca se le pasó por la cabeza una carrera musical. Cuando ella y una amiga salieron con Rod Stewart y Ron Wood, fue demasiado ingenua para darse cuenta de que querían sexo. (Las estrellas de rock finalmente se rindieron).
Estudió arte en la Universidad Estatal de Kent y estuvo presente cuando la Guardia Nacional abrió fuego contra los manifestantes estudiantiles en 1970. Pero a diferencia de sus compañeros Joe Walsh o los miembros de Devo, quienes se sumergieron en la música para sobrellevar la situación poco después del ataque, Hynde solo incursionó en el rock por aquel entonces. Y aún se sentía desorientada.
Cuando le pregunto cómo reflexiona sobre los tiroteos en la Universidad Estatal de Kent después de 50 años, dice que le interesa mucho más la amenaza de la violencia escolar actual. "En la Universidad Estatal de Kent, hubo cuatro muertos por disparos y unas 19 heridas", dice. "Ahora tenemos un tiroteo como cada dos semanas en un instituto. Eso me ha hecho pensar en cómo ha evolucionado en tan poco tiempo. Cincuenta años es muy poco tiempo en la historia de la humanidad. De hecho, es prácticamente un abrir y cerrar de ojos, y ahora todo el mundo está armado hasta los dientes exigiendo volver al trabajo. Es una señal de los tiempos".
Tras abandonar la Universidad Estatal de Kent, viajó por el mundo durante gran parte de los setenta. Vivió en Inglaterra, Francia, México y varios estados de EE. UU. antes de descubrir su verdadera vocación. Pasó años al margen de la música, escribiendo reseñas para NME y trabajando en la tienda de ropa Vivienne Westwood que lanzó a los Sex Pistols. Aunque aprendió a tocar la guitarra clásica en su adolescencia, no fue hasta mediados de los veinte, cuando vivía en Londres, que se sintió como una guitarrista.
En la universidad, tocó con un grupo que incluía a futuros miembros de Devo, pero no prosperó. De igual manera, en Londres, tocó con músicos que luego formarían The Clash y The Damned. Era tan cercana a los Sex Pistols, antes de que se hicieran famosos, que tanto Johnny Rotten como Sid Vicious le ofrecieron matrimonio en varias ocasiones solo para que se quedara en el Reino Unido, aunque ninguno de los dos aceptó.
Fue otro de sus amigos de la escena punk, Lemmy Kilmister de Motörhead, quien le lanzó un salvavidas en 1978, cuando le sugirió que se uniera al hombre que se convertiría en el primer baterista de los Pretenders. Más que eso, Kilmister era una especie de modelo a seguir. "Lemmy nunca cambió", dice Hynde. "Para mí, era como el ejemplo por excelencia de todo lo que personifica la experiencia del rock. La forma en que pensaba, la forma en que se veía, la forma en que vestía con botas de vaquero, la forma en que siempre estaba frente a, ya sabes, 'la máquina de frutas' o 'la máquina tragamonedas', como la llamamos, la forma en que siempre tenía chicas con aspecto bobo a su lado. Ese fue Lemmy, hasta el último día. Sin Lemmy, no tendría a los Pretenders".
El baterista predilecto de Kilmister, cuyo curioso nombre era Gas Wild, no tocó mucho con Hynde, pero la ayudó a formar la primera formación de The Pretenders, que también incluía al bajista Pete Farndon. Encontraron al guitarrista principal, James Honeyman-Scott, quien nunca parecía tocar demasiado ni demasiado poco en las canciones de Hynde, y finalmente completaron la banda con la incorporación del sustituto de Wild, Martin Chambers. Los ingeniosos arreglos de The Pretenders para las canciones de Hynde, que realzaban la guitarra vibrante de Honeyman-Scott y los ritmos contundentes de Farndon y Chambers, configuraron a la perfección la actitud desenfadada de Hynde, posicionándola como una de las cantantes más dinámicas del rock.
El grupo obtuvo un hit Top 40 en el Reino Unido desde el principio (una versión sin contemplaciones del tema profundo de los Kinks "Stop Your Sobbing", respaldada con un tema original de Hynde, "The Wait") y su debut homónimo llegó al número uno gracias a la fuerza de los sencillos "Brass in Pocket" y "Kid".
Los Pretenders originales solo durarían un álbum más y un EP. La adicción a la heroína de Farndon y su presencia inestable en el escenario llevaron al grupo a despedirlo en 1982, y dos días después, Honeyman-Scott murió de un paro cardíaco provocado por la intolerancia a la cocaína. Menos de un año después, Farndon también murió de una sobredosis de drogas, esta vez de heroína, dejando solo a Hynde y Chambers como los miembros sobrevivientes de la banda. Durante la siguiente década, lideró una puerta giratoria de compañeros de banda a través de un éxito tras otro que mostraba tanto la fortaleza de Hynde como su vulnerabilidad: "Don't Get Me Wrong", "Middle of the Road", "I'll Stand by You". "Cuando [Pete y James] estaban fuera y murieron, sentí que no podía dejar que la música muriera", dice Hynde. "Eso suena muy cursi, pero tenía una muy fuerte sensación de eso".
Mientras tanto, la determinación de Hynde allanó el camino para un mayor éxito gracias a su intensa difusión en MTV, y eso significó una fascinación por su vida personal (su relación con Ray Davies de los Kinks, aunque nunca se casaron, produjo su primera hija, y su matrimonio con Jim Kerr de Simple Minds la llevó a su segunda hija (se divorciaron en 1990)) y le dio una plataforma para expresar sus creencias.
Hynde se hizo vegetariana a los 18 años y, desde entonces, ha impulsado su fama al apoyo de PETA y las protestas por los derechos de los animales. Ella y otras tres personas fueron arrestadas en el año 2000 por delitos graves de daños en tercer grado por destruir 1000 dólares en supuesto "cuero del mercado negro" de una tienda Gap de Nueva York, pero el caso fue desestimado con el acuerdo de que evitaría los daños durante seis meses. Cuatro años después, encabezó una protesta contra KFC en Francia. (Su hija con Davies, Natalie Hynde, siguió sus pasos en el activismo y fue arrestada en 2013 por pegarse con superglue a un taladro en una planta de fracking).
Hoy, dice: "No quiero hablar de política, especialmente para los estadounidenses", pero siente que algunas personas están "hipnotizadas" por la actitud de "¿A quién le importa?" de la actual administración presidencial hacia el cambio climático. Dicho esto, se ha sentido fortalecida por la forma en que las causas sociales han cobrado protagonismo en las mentes de los jóvenes de todo el mundo, desde los estudiantes que protestaron por el tiroteo escolar en Parkland, Florida, hasta las personas que reconocen lo que ella llama "el conocimiento común" sobre los males de la agricultura industrial. En 2009, Hynde escribió el prefacio de un libro, Cows and the Earth: A Story of Kinder Dairy Farming , que combina su amor por el vegetarianismo y la agricultura compasiva con sus creencias hindúes.
“Por fin, la gente está abordando esta realidad”, dice sobre la agricultura orgánica. “Los ambientalistas llevaban 40 años diciendo lo mismo que Greta Thunberg. Por alguna razón, la clave cayó, como dicen aquí, al meter una moneda en una máquina. Finalmente, le cayó a esta niña sueca. A veces solo hay que esperar. Eso es lo que he aprendido. Solo hay que esperar, pero eso no significa que dejes de hacer lo que haces”.
Seguir adelante ha sido una especie de mantra para Hynde , ya que ha sido la única constante de los Pretenders durante gran parte de la existencia de la banda. Supuestamente decepcionada con la forma de tocar de Chambers a mediados de los ochenta, lo despidió y continuó con la banda durante años. "Me han preguntado 10.000 veces: '¿Los Pretenders son solo ustedes? ¿O son una banda?'. Lo único que puedo decir es que no soy solista. Mi posición en cualquier banda en la que he estado es ayudar al guitarrista a alcanzar un objetivo. Todo gira en torno a la guitarra".
Hynde se reencontró con Chambers a mediados de los noventa. En el cuarto de siglo que el baterista ha regresado a la banda, los dos han seguido siendo cercanos, aunque Chambers no tocó en dos álbumes de Pretenders durante ese período. En 2018, escribió en su blog personal que él y Hynde ocasionalmente veían DVD juntos, solo ellos dos, en el autobús de gira. "Tuvimos este largo período en el que [Martin y yo] no trabajamos juntos, y esa fue mi decisión", dice ella. "Solo puedo atribuirlo al hecho de que necesitaba seguir intentando descubrirlo yo misma, qué podía hacer. Tuve que cambiar las cosas a mi alrededor. Es muy, muy difícil explicar por qué, tal vez tenga algo que ver con el trauma, porque adoro a Martin. Es un baterista fantástico. Es mi baterista en vivo favorito de todos los tiempos. Nunca nos peleamos ni nos peleamos".
“No conozco ninguna banda que haya durado 40 años con la misma formación y que haya hecho discos interesantes y buenos de forma consistente”, continúa. “Ya habíamos echado a Pete, y eso fue después de dos álbumes. Hay que cambiar. Es la vida. No sé por qué. No puedo explicarlo. Y no puedo explicar algunas de las decisiones que he tomado. Como esa camiseta que llevabas en una foto de los setenta, puedes mirar atrás y pensar: "¿En qué estaba pensando?". Y yo podría repasar toda mi carrera y pensar lo mismo. Y lo hago; miro atrás y pienso: "¿En qué estaba pensando?"”.
Hate for Sale es el primer álbum de The Pretenders que incluye a Chambers desde 2002, y el primero que incluye al resto de la banda desde Break Up the Concrete de 2008. Desde entonces, todo lo que Hynde ha comenzado ha terminado siendo un proyecto en solitario, incluyendo el LP de The Pretenders de 2016, Alone. Hynde afirma que nunca tuvo intención de abandonar la banda. "Es la logística de reunir a una banda en un solo lugar", explica. "No tengo estudio. Así que voy donde está el productor. Llevo 15 años queriendo hacer el álbum que acabamos de hacer".
Comparado con Valve Bone Woe, el álbum solista más tranquilo de Hynde del año pasado, Hate for Sale es un golpe bajo, con melodías de hard rock sobre corredores de apuestas, drogadictos y llanto en público. Esto se debe en parte al guitarrista James Walbourne, quien se unió al grupo en 2008 después de que Chambers lo viera tocando en un pub local a la hora del almuerzo. "Para mí, es el héroe de la guitarra definitivo", dice Hynde. Ambos colaboraron en todos los temas de Hate for Sale.
El objetivo principal del disco era que Hynde y Walbourne querían terminarlo cuanto antes. A pesar de lo bonito y lleno de matices que es Valve Bone Woe , tardó más de una década en completarse —con álbumes de Pretenders que van y vienen entremedias— y el dúo de compositores quería crear algo con urgencia. "Cada canción debe tener un toque de actitud, ya sea una canción de amor o una canción de punk-rock", dice Walbourne. "Nos gusta mantenerla lo más cruda posible y no perder su dureza general. No queremos nada demasiado empalagoso ni demasiado suave".
Empezaron a escribir el disco cuando a Walbourne se le ocurrió el título de la canción "You Can't Hurt a Fool", y la pareja creó un arreglo conmovedor y potente de balada a partir de él. Hynde, sin embargo, duda en explicar cómo surgieron las canciones. "Incluso hablar de composición me da un poco de miedo", dice. La mayoría de las canciones son toscas y directas (solo una canción en el LP de media hora dura más de tres minutos y medio) y muchos de los temas rockean más duro que los grandes éxitos de los Pretenders. Hydne dice que "Hate for Sale" le recuerda a The Damned, mientras que Walbourne dice que "Junkie Walk", con su serpenteante riff de guitarra, se siente como un rock de garaje digno de una futura recopilación de los Nuggets.
Cuando el álbum estaba casi terminado, Hynde se lo envió a McEnroe para que le diera su opinión. "Había cerrado el círculo", dice. "Toca canciones rápidas y concisas. Para mí, este disco es uno que los jóvenes músicos deberían escuchar".
Ahora que la gira se ha cancelado, Hynde quiere volver a sus raíces y alejarse de los éxitos estrella de la banda. "Lo que realmente me gustaría es un cartel más 'alternativo' con alguien como Mark Lanegan de gira con nosotros", dice. "El público que quiero es uno al que pueda sacar cualquier tema desconocido de Pretenders y decirles: 'Aquí tienes algo que nunca has oído', y que me digan: 'Ah, vale, genial', en lugar de: 'Creo que voy a pedir unas cervezas, cariño'".
No le interesan los espectáculos con distanciamiento social («¿Dónde lo vas a hacer, en un hangar de aviones?») ni los himnos que invitan a la unión. «¿Por qué los artistas creen que van a curar a todo el mundo y que su música es tan importante? Es un poco pomposo».
Pero quién sabe. Si seguimos confinados así otros cinco años, igual me toca hacer un striptease por Zoom. No sé hasta qué punto puede llegar la gente a desesperarse.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con I'll Stand by You.
Paul Waaktaar-Savoy (nacido como Pål Gamst), 6 de septiembre de 1961, es un músico y compositor noruego. Es conocido por su trabajo como compositor principal y guitarrista de la banda noruega de synth-pop a-ha, que ha vendido más de 50 millones de álbumes en todo el mundo. Ha escrito o coescrito la mayoría de los grandes éxitos de la banda, incluyendo «The Sun Always Shines on TV», «Hunting High and Low», «Take On Me», el tema de James Bond de 1987 «The Living Daylights» y la balada «Summer Moved On». Además, es pintor.
Waaktaar-Savoy fue nombrado Caballero de Primera Clase de la Orden de San Olav por el Rey Harald por sus servicios a la música noruega y su éxito internacional.
Primeros años de vida
Waaktaar-Savoy nació en el seno de la familia Gamst el 6 de septiembre de 1961 en Tonsenhagen, Noruega, a las afueras de Oslo, y se crio en el distrito de Manglerud de Oslo con su hermana mayor, Tonje. Su nombre de nacimiento es Pål Gamst; en noruego, una forma alternativa aceptable de escribir su nombre de pila es Paal. Su padre era farmacéutico y su madre trabajaba en una compañía telefónica. Es pariente lejano del futbolista noruego Morten Gamst Pedersen.
Sus padres apreciaban la música clásica y animaron al joven Pål, primero a aprender flauta y luego a estudiar composición musical cuando su talento interpretativo lo reveló como un niño prodigio. Admiraba la música del guitarrista de rock estadounidense Jimi Hendrix y esperaba algún día escribir una ópera rock similar a Hair . Usó el apellido de su madre, Waaktaar, en su nombre artístico para convertirse en Pål Waaktaar. También disfrutaba de la lectura y la pintura. Era un solitario, poco sociable en la escuela y no tuvo éxito en conseguir novias en su adolescencia.
Pål Waaktaar, como se le conocía entonces, fue cantante, guitarrista y compositor de la banda de rock noruega Bridges, junto con el tecladista Magne Furuholmen (con quien más tarde formó a-ha con el cantante Morten Harket), los bateristas Erik Hagelien y Øystein Jevanord, y el bajista Viggo Bondi. En 1980, Bridges lanzó su primer álbum, el LP autofinanciado Fakkeltog. Aunque el título es noruego (que significa procesión de antorchas), las canciones están en inglés. A petición de Harket, a-ha interpretó la canción de Fakkeltog "The Vacant" (rebautizada como "Sox of the Fox") durante su actuación en MTV Unplugged de 2017, lanzada como MTV Unplugged - Summer Solstice.
Una canción inédita de Bridges llamada "Miss Eerie" más tarde se convirtió en "Lesson One" y luego en el gran éxito "Take On Me".
En 2018, se lanzó el segundo álbum de Bridges, Våkenatt ("Noche de vigilia"). El álbum se grabó a finales de 1980 y principios de 1981, pero fue descartado después de que Paul y Magne Furuholmen decidieran irse a Londres, lo que provocó que Viggo Bondi y Øystein Jevanord abandonaran el grupo.
Waaktaar-Savoy es el guitarrista principal y compositor principal de a-ha, una de las bandas más exitosas de los 80. En una ocasión, la revista "Q" lo nombró uno de los mejores letristas desconocidos de su generación. Tras un paréntesis, a-ha interpretó "Summer Moved On" en vivo en el Concierto del Premio Nobel de la Paz. Después, decidieron grabar un nuevo álbum y, en el año 2000, a-ha tuvo el regreso del año, seguido de una gira con entradas agotadas. El álbum de a-ha, "Lifelines", se lanzó en 2002. La gira posterior quedó documentada en el segundo álbum oficial en vivo de a-ha, "How Can I Sleep with Your Voice in My Head", publicado en marzo de 2003.
En 2005, se lanzó el álbum recopilatorio The Singles: 1984-2004, su último álbum con WEA. Después, a-ha firmó con Universal.
Analogue se lanzó más tarde ese mismo año. La canción principal entró en las listas de éxitos del Reino Unido en el número 10. El noveno álbum de estudio de la banda, Foot of the Mountain, se lanzó en 2009. Después se separaron, pero en 2015 se reunieron y lanzaron un nuevo álbum de estudio, Cast in Steel.
Waaktaar-Savoy ha dicho: «Morten es totalmente diferente a mí. Cuando llegamos juntos a Londres, quemó toda mi ropa y me vistió de pies a cabeza. A mí no me importa mucho la ropa, mientras que a él siempre le interesa mucho. Me ha dado confianza en mí misma, me anima a hablar con la gente, a no tener miedo y a usar mis habilidades. Morten es, de hecho, el único en Noruega con tanta ambición como yo. Supongo que ambos tenemos un ego enorme. En cierto modo, cada uno vive en su propio mundo, mientras que Mags es más realista. Mags a menudo tiene que mediar entre Morten y yo... Es bueno que seamos tan diferentes y que aún nos respetemos. La tensión entre nosotros es creativa. Nadie canta como Morten. Tiene lo que hay que tener y tengo mucha fe en él».
a-ha recibió la Orden de San Olav
Los tres miembros de a-ha, Morten Harket, Magne Furuholmen y Waaktaar-Savoy, fueron nombrados Caballeros de 1.ª Clase de la Real Orden Noruega de San Olav por su contribución a la música noruega. La Real Orden Noruega de San Olav se otorga como recompensa por servicios distinguidos a su país y a la humanidad. La ceremonia oficial tuvo lugar el 6 de noviembre de 2012.
Junto con su esposa Lauren Savoy y el baterista Frode Unneland, ha producido numerosos CD como parte de la banda Savoy. En 2001, Waaktaar lanzó su cuarto álbum de estudio, "Razones para quedarse en casa", que volvió a ser un gran éxito en Noruega. El 30 de agosto de 2004, Savoy lanzó su quinto álbum de estudio, titulado "Savoy", a través de su propio sello, Eleventeen Records.
Savoy alcanzó un gran éxito en Noruega, con más de 300.000 discos vendidos. Han sido nominados al Spellemannprisen (el equivalente noruego del Grammy) cuatro veces y han ganado tres. La versión de a-ha de la canción "Velvet" aparece en la película "One Night at McCool's" y "Whalebone" aparece en la aclamada película noruega "Hawaii, Oslo".
Veleta
Con Jimmy Gnecco presentó Weathervane como un nuevo proyecto en junio de 2011. Su single homónimo (Weathervane) aparece en la banda sonora de la película Headhunters (basada en el libro "Hodejegerne" de Jo Nesbø).
Waaktaar
En febrero de 2014, Waaktaar-Savoy estrenó una nueva canción bajo el nombre de Waaktaar a través de a-ha.com. La canción se llama "Manmade Lake".
Waaktaar y Zoe
En septiembre de 2016, Waaktaar-Savoy formó un nuevo dúo con la cantante Zoe Gnecco (hija de Jimmy Gnecco, cantante de Weathervane), llamado Waaktaar y Zoe. Lanzaron dos sencillos: «Beautiful Burnout» (2016) y «Tearful Girl» (enero de 2018), ambos del álbum «World of Trouble», publicado en febrero de 2017.
Cuadro
Waaktaar-Savoy ha pintado toda su vida. Su sello distintivo es no empezar a pintar hasta que el lienzo ya tiene un marco. Esta característica se aprovechó en su primera y, hasta ahora, única exposición, "Rammer" (que significa "Marcos" en noruego), en Lillehammer, Noruega, en 1998.
Descripciones del resto de a-ha
Magne Furuholmen describe a Waaktaar-Savoy así: «Pål es la persona que más ha significado para mí en mi desarrollo musical y, sin embargo, es de quien me cuesta más decir algo sensato. Tiene una fuerza de voluntad increíble y una mirada atenta, siempre buscando material que pueda usar creativamente. En cierto modo, he idolatrado a Pål durante años y todavía dependo de él para que me ayude a ordenar mis propias ideas».
Morten Harket describe a Waaktaar-Savoy así: «Pål tiene una autodisciplina increíble y es un adicto al trabajo. Puede seguir trabajando en lo que parece ser lo mismo una y otra vez. Mientras yo me vuelvo loco cuando tengo que repasar una canción cientos de veces, él puede dedicarle horas, intentando encontrar la mezcla perfecta para lograr el sonido que busca. Pål es realmente el motor de a-ha. Es uno de los pocos artistas auténticos de la escena pop-rock. Siempre es emocionante escuchar lo que ha escrito».
Vida personal
Waaktaar conoció a la cineasta y música estadounidense Lauren Savoy en 1984, y se casaron por lo civil el 21 de diciembre de 1991, oficiada por la líder del Colegio de Abogados de Noruega, Merete Smith, con la presencia de familiares y compañeros de banda. La pareja combinó sus apellidos y formó Waaktaar-Savoy. Tienen un hijo en común, True August Waaktaar-Savoy, nacido en 1999. La familia vive entre Nueva York y Oslo. Tras años de lucha contra la prensa anglófona para que corrigiera la ortografía de su nombre, en 1994 optó por escribirlo como "Paul".
Equipo
A lo largo de su carrera con A-HA, Paul Waaktaar- Savoy ha utilizado diversas marcas de guitarras. Entre ellas, se incluyen guitarras de: Gibson (fabricante de guitarras), Fender Musical Instruments Corporation, Ibanez, Yamaha Guitars, Rickenbacker, Fano Guitars, Nebelung Guitars, Steinegger Guitars, CF Martin & Company, G-sharp, Danelectro y Supro.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Lifelines.
David Glen Eisley es un cantante de rock, compositor y actor estadounidense. Es conocido por Island Prey (2001), Social Suicide (2015) y Chinaman's Chance: America's Other Slaves (2008).
Vida temprana y carrera
David Glen Eisley nació el 5 de septiembre de 1952 en Los Ángeles, California, EE. UU. Es hijo del actor Anthony Eisley y Judith Tubbs Eisley ; ambos padres han fallecido. Mientras estaba en la escuela secundaria, tocó la batería para la banda Mammoth, una banda de versiones de Iron Butterfly. Es más conocido por ser el cantante principal de las bandas de AOR Sorcery (1980-1983), Giuffria (1983-1988) y Dirty White Boy (1988-1991). Su mayor éxito llegó con la banda Giuffria, cuando su sencillo "Call to the Heart" alcanzó el puesto número 15 en el Billboard Hot 100 a principios de 1985. David también ha aparecido en los programas de televisión Beverly Hills, 90210 y 7th Heaven , la película Action Jackson y ha actuado en varios comerciales. Su balada de rock “Sweet Victory” ganó amplia exposición en 2001 cuando apareció en el episodio “Band Geeks” de Bob Esponja.
Antes de dedicarse a la música, Eisley pasó gran parte de su infancia jugando al béisbol. Finalmente llegó a Doble A con los Gigantes de San Francisco, viajando entre partidos y conciertos en clubes.
En 2001, su canción Sweet Victory se escuchó al final del episodio Listen to Who's Playing (Band Geeks) en la caricatura animada Bob Esponja.
En 2017, Eisley fue el vocalista principal en tres canciones del álbum de Bob Kulick, Skeletons in the Closet. El 1 de diciembre de 2017, lanzó un álbum con Craig Goldy, bajo el nombre de Eisley/Goldy, titulado Blood, Guts And Games.
Vida personal
Está casado con la actriz Olivia Hussey, con quien tiene una hija, India Eisley. Es hermano mayor de Jonathan Erickson Eisley.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Sweet Victory.
Rosa León Conde ha cursado estudios en Ciencias Químicas en la Universidad Complutense y en el Colegio Decroly. Comenzó su carrera musical cantando a dúo con Jorge Krahe y colaborando con Luis Eduardo Aute. En 1974, firmó un contrato con EMI y lanzó su primer disco ‘De alguna manera’. A lo largo de su carrera, ha trabajado con poetas reconocidos y ha puesto música a sus obras, destacando su interés por la poesía en sus discos.
Desde 1974 hasta 1993, realizó conciertos en España, Europa y América, y participó activamente en programas de televisión, especialmente para niños, como ‘Cuentopos’, ‘La cometa blanca’ y ‘La Bola de Cristal’. Junto a David Trueba, escribió el programa ‘Sopa de Gansos’, que dirigió y presentó durante cuatro años. También dirigió y presentó varios programas en TVE como ‘A media voz’; ‘Lo que nunca muere’ junto al grupo Consorcio; o ‘El tonto de Rafael’, programa basado en el disco ‘Paloma desesperada’ de Rafael Alberti.
A partir de 1993, comenzó a producir música y cine, y ha trabajado en varios proyectos discográficos y cinematográficos. Ha sido concejala del Ayuntamiento de Madrid entre mayo de 2003 y octubre de 2007; miembro del Consejo de Dirección de SGAE de 2005 a 2010; ha dirigido el Instituto Cervantes en Casablanca, Rabat y Dublín de 2008 a 2016. Durante 2019 asumió la jefatura de gabinete del director del Instituto Cervantes de Madrid.
Forma parte de la Junta Directiva del Círculo de Bellas Artes. Es miembro fundador de la sociedad de gestión para músicos SEDA (Sociedad Española de Derechos de Autor) de la que forma parte de su Consejo de Dirección. Ha grabado un disco homenaje a María Elena Walsh, en el que ha colaborado con artistas destacados como Serrat, Sabina, Rozalén o Ana Belén.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Palabras para Julia.
Alan Jardine, más conocido como Al Jardine, nació en Lima, Ohio, Estados Unidos, el 3 de septiembre de 1942. Cantante, compositor, guitarrista, pianista, productor discográfico y dentista.
Alan (alias "Al") Jardine, guitarrista, vocalista y compositor, es conocido por ser uno de los miembros fundadores del grupo californiano The Beach Boys. Al nació en Lima, Ohio, el 3 de septiembre de 1942 y conoció a Brian, Carl y Dennis Wilson, Mike Love y David Marks tras mudarse su familia a Hawthorne, California. Formaron The Beach Boys y, con sus armonías perfectas y melodías originales sobre surf, playas, coches deportivos y chicas californianas, se convirtieron en la voz del rock and roll de la Costa Oeste.
Al, un músico consumado con diversos instrumentos de cuerda tocó la guitarra rítmica (y el bajo en sus primeras grabaciones) y cantó la voz principal en el éxito número 1 "Help Me Rhonda". También escribió o coescribió un buen número de canciones, sobre todo en los álbumes Holland, Carl and the Passions--So Tough, Surf's Up y Sunflower . Al continuó de gira con The Beach Boys durante los años 70, 80 y 90, y dejó la banda tras el fallecimiento de Carl Wilson en 1998.
En 2001, Al lanzó su primer álbum, Live in Las Vegas , con sus hijos Matt y Adam Jardine, junto con Carnie y Wendy Wilson (las hijas de Brian Wilson, también en Wilson Phillips) y luego su propio álbum en solitario en 2010, A Postcard From California, que contó con apariciones especiales de Neil Young, Stephen Stills, David Crosby, Steve Miller, Glen Campbell, Gerry Beckley y Dewey Bunnell (America), Flea (Red Hot Chili Peppers) y Alec Baldwin, además de todos los Beach Boys restantes, incluido el fallecido Carl Wilson. El álbum presentó nuevas versiones de las canciones clásicas de los Beach Boys "Help Me, Rhonda" y "California Saga", además de temas con temática ambiental como "Don't Fight The Sea" y "Looking Down The Coast". En 2001, Al también recibió un premio Grammy a la trayectoria como miembro de The Beach Boys.
En 2012, Al se unió a Brian Wilson, Mike Love, Bruce Johnston y David Marks para un nuevo álbum de los Beach Boys, That's Why God Made the Radio y los Beach Boys realizaron una gira de reunión por el 50 aniversario. En 2016 y hasta 2018, Al se unió a Brian Wilson para una gira mundial por el 50 aniversario de la obra maestra atemporal de los Beach Boys, Pet Sounds . El álbum presenta clásicos como "Wouldn't It Be Nice", "God Only Knows" y "Sloop John B", una canción que Al aprendió de The Kingston Trio y luego le presentó a Brian con un nuevo arreglo de acordes para adaptarse al estilo vocal de los Beach Boys. Se convirtió en un gran éxito internacional y ayudó a impulsar Pet Sounds a la cima de las listas de éxitos.
En 2018, Al comenzó a realizar presentaciones en solitario en una gira que incluía canciones e historias desde sus inicios hasta su álbum en solitario más reciente, A Postcard from California. Al, junto con su hijo Matt Jardine, ofrece un espectáculo íntimo lleno de éxitos y rarezas combinados con historias nunca antes escuchadas (y fotos y videos raros) de la increíble carrera de Al. Con excelentes críticas de los fanáticos y los críticos, fue realmente un espectáculo que no se puede perder. También en 2018, el álbum de Al, A Postcard from California, se lanzó en vinilo azul translúcido de edición limitada en tiendas de discos selectas el Record Store Day Black Friday y se agotó casi de inmediato, y en 2022, el álbum recibió distribución mundial en CD y en todas las principales plataformas digitales a través de Universal Music. Al también fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Rochester, clase de 2019, después de haber pasado varios años de su infancia en Rochester, Nueva York, antes de que su familia se mudara al oeste.
Durante la primera mitad de la década de 2020, Al estuvo de gira continuamente con Brian Wilson y su increíble banda, así como por su cuenta con su Endless Summer Band, en la que participaba su hijo Matt. En 2025, Al anunció que volvería a reunir la banda de Brian Wilson como Pet Sounds Band y realizaría una serie de conciertos que incluirían canciones del catálogo de álbumes de The Beach Boys de mediados y finales de los 70, incluyendo 15 Big Ones, The Beach Boys Love You y el álbum MIU. Al también acaba de lanzar un nuevo EP llamado Islands In The Sun con cuatro temas nuevos, incluyendo el tema principal (que Al ha descrito como la continuación de "Kokomo") y una canción llamada "My Plane Leaves Tomorrow (Au Revoir)" con la voz principal invitada de Neil Young y Flea de los Red Hot Chili Peppers a la trompeta interpretando "Taps".
¡A surfear!
A continuación, celebramos su cumpleaños, con California Girls, y Do It Again.
Franjo Krežma, también conocido como Franz Krezma, nació en Osijek, Croacia, el 2 de septiembre de 1862, y murió en Fráncfort del Meno, Alemania, el 15 de junio de 1881. Violinista y compositor.
Krežma, Franjo, violinista y compositor croata (Osijek, 4. IX. 1862 - Fráncfort del Meno, 15. VI. 1881). Estudió violín en Zagreb con Đuro Eisenhuth y, a partir de 1871, en el Conservatorio de Viena, donde se graduó con excelentes calificaciones en 1875. Hizo su primera aparición pública a los ocho años y comenzó a componer a los nueve. Tras graduarse, ofreció conciertos con su hermana Anka en Croacia, Italia, Austria, Francia, Alemania, Hungría y la República Checa. Desde 1879 fue concertino de la orquesta de Benjamin Bilse (que posteriormente se convertiría en la Filarmónica de Berlín). Enfermó durante una gira y falleció de encefalitis a los diecinueve años. En 1884, sus restos fueron trasladados a Mirogoj en Zagreb. Los críticos han descrito su interpretación como temperamental, fresca, elegante y extremadamente virtuosa, y lo han comparado con N. Paganini. El virtuosismo también impregna sus composiciones, en las que incorpora elementos estilizados del folclore croata. Se conservan algunas de ellas: una sinfonía, tres oberturas, varias marchas y danzas orquestales, cuartetos de cuerda, piezas para violín (como Bosanski guslar, Iz Hrvatskog primorja, etc.), coros y canciones solistas. Algunas de las composiciones y el preciado violín fueron destruidas en un incendio en la casa de sus padres.
Franjo Krežma nació en Osijek el 4 de septiembre de 1862. Su padre, aficionado a la música, tocaba el violín y deseaba que su único hijo fuera violinista. La familia se mudó a Zagreb en 1866. A los seis años, Franjo comenzó a recibir clases del profesor Gjuro Eisenhuth, y a los ocho se aventuró en la composición por primera vez.
Con sus primeras apariciones públicas, el joven artista despertó un gran entusiasmo. En su primer concierto en Sisak, también estuvo presente el secretario general del Conservatorio de Viena, Alexander Leopold Zellner, quien abogó por la matriculación de Franjo en el Conservatorio de Viena.
En 1875, Franjo, junto con su hermana Anka, se graduó en el Conservatorio de Viena y recibió un certificado de madurez artística completa y una gran medalla del instituto, lo que lo capacitó para la creación artística independiente. Tenía tan solo trece años por aquel entonces.
Tras finalizar sus estudios, comenzó a dar conciertos en Croacia y otros países. Tras una actuación como invitado en Roma, fue considerado un músico de primer nivel. Tras completar con éxito una fructífera etapa de conciertos, el 20 de julio de 1877, Krežma se dedicó a la composición: de este período también se conoce la Gran Fantasía, basada en la ópera "Nikola Šubić Zrinski" de Ivan Zajc. Krežma siempre quiso dotar a sus obras de las características de la música croata, es decir, integrarse en la escuela nacional, artística y musical croata, iniciada con Lisinski. Compuso acompañamientos para piano, piezas de concierto, canciones e incluso estuvo dispuesto a trabajar en variaciones de sus propias melodías. Su estancia en Alemania fue muy fructífera. Tras una actuación como invitado en Leipzig, le esperaban conciertos en Fráncfort, pero debido a las malas condiciones de la sala, su salud se deterioró. Falleció el 15 de junio de 1881.
En la lista de virtuosos del violín croatas que alcanzaron la fama tanto en su país como en el extranjero, Franjo Krežma ocupa un lugar especial. Surgió en una época en la que los virtuosos de la época antigua desaparecían del mundo y surgían otros nuevos. Krežma era un talento que, tras adquirir una formación profesional completa, emprendió el difícil pero glorioso camino del arte, expresándose no solo con el instrumento, sino también con su fervor creativo.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con Del Litoral Croata, en la versión de Masatoshi Hirano, en viola alta, y Maria Mikulic Stimac, en piano.
Barry Alan Crompton Gibb, más conocido como Barry Gibb, nació en Douglas, Isla de Man, Reino Unido, el 1 de septiembre de 1946. Cantautor, compositor, músico y productor.
El sitio www.guioteca.com publicó esta biografía, firmada por Jorge Fuentes.
Barry Gibb: el último de los Bee Gees que se convirtió en el segundo compositor más exitoso de la historia
En los años 70' y 80’, Barry Gibb, famoso por ser el falsete de los Bee Gees, se convirtió en un reputado compositor de canciones número 1.
Jueves 26 julio 2018 Jorge Fuentes
La leyenda cuenta que en 1958, en las calles de Manchester, Inglaterra, tres traviesos hermanos eran la pesadilla de algunos de los vecinos de la ciudad. El líder era Barry, de 12 años, que andaba a todos lados con sus hermanos menores, los mellizos Robin y Maurice Gibb, de 9 años y quienes habían nacido con 38 minutos de diferencia.
Entre las “travesuras” de los hermanos Gibb se contaba un gran incendio que habían provocado en un viejo pastizal cerca de una fábrica abandonada, que llenó de humo gran parte de la ciudad. Hugh Gibb, el padre de los muchachos que era también un reputado baterista de una big band que tocaba en cruceros, decidió entonces mudarse con su familia a Australia, esperando que el cambio de aires calmara a sus inquietos hijos.
Los tres hermanos Gibb, que en Manchester solían presentarse en el teatro de la ciudad para interpretar algunas canciones en los intermedios, materializaron en Australia su vocación musical. Barry, con sólo 14 años, comenzó a componer sus primeras canciones para el grupo que tenía con sus dos hermanos, al que llamaron Bee Gees (tomando las iniciales de Brothers Gibb), y para otros artistas australianos. Él y sus hermanos comenzaron llamándose The Bee Gees Comedy Trio, tocando hits americanos y canciones novedosas en clubes de rugby y cines. Barry era el líder y el galán mientras sus dos hermanos menores, Robin y Maurice, eran los cómicos.
En 1965 los jóvenes Bee Gees grabaron su primer disco como banda: “The Bee Gees Sing and Play 14 Barry Gibb Songs”. Al año siguiente, la familia Gibb regresó a Inglaterra y mientras venían de viaje, los hermanos se enteraron que “Spicks and Specks”, una canción que habían grabado en 1966, había llegado al número 1 en Australia.
En Inglaterra, en 1967 los hermanos Gibb, tras ser descubiertos y contratados por el productor Robert Stickwood, impactaron en su país natal con dos singles: “New York Mining disaster” y “To love somebody”, ambas escritas por Barry Gibb. Los álbumes siguientes los harían aún más conocidos en Estados Unidos y Europa. En 1971 los Bee Gees conseguirían su primer Número 1 en Inglaterra y Europa con la canción “How Can You Mend a Broken Heart?” (“¿Cómo reparar un corazón destrozado?”), incluida en su álbum “Trafalgar”. Ese mismo año varias de sus canciones fueron incluidas en la banda sonora de la famosa película de 1971 “Melody”.
A mediados de los años 70’, cuando la carrera del grupo después de numerosos éxitos parecía languidecer, ocurrió un hecho capital. Por sugerencia del guitarrista Eric Clapton, los tres hermanos Gibb se trasladaron a Miami, Florida, para buscar nuevos sonidos y grabar a principios de 1975 las canciones “Jive Talkin’” y “Nights on Broadway”. Durante las sesiones de grabación un productor le preguntó a Barry Gibb si podía cantar letras largas en falsetto o falsete, y Barry, tras probar a dónde podía llegar su voz, le contestó que sí. Desde entonces, el falsete de Barry se volvería un elemento básico y reconocible de las siguientes grabaciones de los Bee Gees. “Cuando mi voz de falsete se produjo, fue como un descubrimiento de un nuevo conjunto de músculos que tenía ocultos en mi garganta. Pero tuve que trabajar muy duro para desarrollar esta voz”, confesaría Barry años más tarde.
Cuando Arif Mardin, empresario de Atlantic Records, descubrió asombrado el falsete de Barry mientras grababan “Nights on Broadway” en 1975, alentó a la banda a que reacomodara todo su sonido alrededor de la voz de Barry, reajustando al grupo como un conjunto de R&B/disco.
El resto es historia conocida. Con el falsete de Barry Gibb como estandarte, los Bee Gees conseguirían tres números 1 en Estados Unidos con las canciones “How Deep Is Your Love”, “Stayin’ Alive”, y “Night Fever”, incluidas en la banda sonora de la película “Fiebre de Sábado por la noche” (1977), álbum que permanecería 24 semanas en el número 1 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos y se transformaría en el segundo disco más vendido en la historia de la música, con 40 millones de copias vendidas, después del álbum “Thriller” de Michael Jackson. El éxito de los Bee Gees, y de esta película en particular, lanzaría así en gloria y majestad el período más popular de la era disco en todo el mundo.
Al año siguiente, Barry Gibb escribiría la canción principal de la película “Grease”, interpretada por el cantante Frankie Valli, que llegaría al número 1 de Estados Unidos. Por esa época, cinco canciones escritas por los hermanos Gibb estaban en el Top Ten de los EE. UU. al mismo tiempo y fue la primera vez que esta situación de dominio en las listas se repetía desde 1964, cuando los Beatles lideraron con 5 sencillos en el top 5 estadounidense.
También en 1978, Barry Gibb se convirtió en el único compositor en tener cuatro números uno consecutivos en Estados Unidos, quebrando el récord que tenían John Lennon y Paul McCartney desde 1964. Estas canciones fueron “Stayin’ Alive”, “Love Is Thicker Than Water”, “Night Fever” e “If I Can’t Have You” (esta última interpretada por la cantante Yvonne Elliman).
Los años 70′ se cerrarían para los Bee Gees con el disco “Spirits Having Flown”, que incluían tres exitosos singles que también llegaron al número 1: “Too Much Heaven”, “Tragedy” y “Love You Inside Out”. Esto les permitió a los hermanos Gibb posicionar seis sencillos en el número 1 en Norteamérica en un lapso de un año y medio, una marca que sólo sería sobrepasada años más tarde por la cantante Whitney Houston.
La llegada de los años 80′ fueron de dulce y agraz para los Bee Gees, aunque no para Barry Gibb. Debido a una violenta reacción que comenzó a incubarse contra la músico disco, algunas estaciones de radio de Estados Unidos empezaron a promocionar el “Bee Gee Free Weekends” (Fines de semanas libres de Bee Gees), lo que, sumado a la saturación natural por ese tipo de música, afectó la popularidad internacional de la banda, que de todos modos obtendría cierto éxito con la banda sonora de la película “Staying alive” (1983) y el álbum “E.S.P.” de 1987, que vendió por sobre las 3 millones de copias y encumbró el sencillo “You Win Again” al número 1 en numerosos países, aunque en Estados Unidos sólo alcanzó el lugar 75.
Barry Gibb, demostrando que era la verdadera alma creativa y artística de los Bee Gees, comenzaría los años 80′ de espléndida manera con el disco “Guilty”, de la cantante Barbra Streisand, que Barry compuso y produjo en 1980. La canción que daba título al disco, interpretada por Barry y la Streisand, llegó al número 1 en las listas pop de Billboard, vendiendo en total cinco millones de copias en Estados Unidos y 12 millones en todo el mundo, consiguiendo además un Premio Grammy.
Mientras la carrera de los Bee Gees entraba en un estado de limbo, Barry Gibb desarrolló libremente su faceta de consumado compositor. Escribió en 1982 para la cantante Dionne Warwick el formidable single “Heartbreaker”, que llegaría al número 1 en Estados Unidos y en numerosas partes del mundo. Y al año siguiente escribió la canción “Islands in the streams”, interpretada por el dueto compuesto por el cantante de música country Kenny Rogers y la cantante Dolly Parton. Esta canción también permanecería en el número 1 en Estados Unidos durante varias semanas consecutivas, vendiendo hasta la fecha más de dos millones de copias. Y el año 2005 la canción sería escogida como el mejor dueto country de la historia de la música de Estados Unidos.
En 1985, como si lo anterior no bastara, Barry escribió y produjo el disco “Eaten alive” de la cantante Diana Ross, que también contaría con la colaboración de Michael Jackson, posicionando el single “Chain reaction” en lo más alto de los charts.
Debido a todas estas composiciones y colaboraciones con otros músicos, Barry Gibb aparecería en el libro de los récords Guiness como el segundo compositor más exitoso de la historia de la música popular detrás de Paul McCartney, ya que junto a los Bee Gees Barry ha vendido más de 200 millones de copias entre álbumes de estudio, compilaciones y sencillos, sin mencionar las millones de copias vendidas de las canciones top 5 y número 1 que compuso para otros artistas. Por ello, en 1994, Barry sería incluido con todo merecimiento en el Salón de la Fama de los Compositores. Junto a sus hermanos Maurice y Robin, en tanto, en el año 1997 los Bee Gees serían incluido en el Salón de la Fama del rock.
El talentoso e inigualable Barry Gibb en la actualidad reside en Miami, y es un orgulloso padre de cinco hijos y abuelo de ocho nietos; y tras la muerte de sus hermanos Maurice el año 2003 y de Robin el año 2012, es el único integrante de los legendarios Bee Gees que aún queda con vida.
Lo último que se supo del gran Barry Gibb fue su nombramiento como Caballero del Imperio Británico el pasado 27 de junio del 2018. El ex Bee Gee, en esa ocasión, recibió la importante condecoración de manos del heredero al trono británico, el príncipe Carlos, en una ceremonia que tuvo lugar en el mismo palacio de Buckingham.
Barry Gibb, de actuales 71 años, acudió a la ceremonia acompañado de su esposa Linda (una ex Miss Edimburgo que Gibb conoció en 1969 en el programa musical británico “Top of the Pops”) y sus hijos Michael, Alexandra y Ashley.
Notablemente emocionado y luciendo casi el mismo aspecto leonino de sus años de gloria, este notable cantante, productor y compositor, y dueño del falsete más famoso en la historia de la música popular, después de recibir la condecoración real confesó humildemente que “si no fuera por mis hermanos no estaría aquí. Espero y rezo porque sean conscientes de lo que ha ocurrido y que se sientan orgullosos”.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Stayin' Alive, y con Bee Gees, How Deep Is Your Love.
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