Ludwig van Beethoven. Cuarteto de Cuerda Nº 9 en Do Mayor Op. 59 Nº 3.

El ciclo de cuartetos de cuerda dedicados al conde Razumovsky, fue escrito entre el 29 de mayo y el 5 de julio de 1806, según una carta del autor al editor Breitkopf, y su primera interpretación pública la hizo el cuarteto de Schuppanzigh en Viena, en enero de 1809, cuando todavía no estaban editados.

A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Cuarteto de Cuerda Nº 9 en Do Mayor Op. 59 Nº 3, en la interpretación del Jasper String Quartet.

Léo Delibes

Clément Philibert Léo Delibes, más conocido como Léo Delibes, nació en Saint-Germain-du-Val, Francia, el 21 de febrero de 1836 y murió en París, Francia, el 16 de enero de 1891. Compositor.

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Léo Delibes (Saint-Germain-du-Val, Francia, 1836 - París, 1891) Compositor francés. 

Aunque carece del genio de Bizet o la inspiración de Gounod, la música de Delibes ocupa un puesto de privilegio en el repertorio lírico galo. Formado en el Conservatorio de París, donde tuvo como maestro a Charles Adam, se dio a conocer como compositor de operetas, la primera de las cuales fue Dos céntimos de carbón, estrenada con éxito en 1856. 

Le siguieron títulos como Seis señoritas casaderas (1856), La tortilla a la Follembuche (1859) y Mi amigo Pierrot (1862), partituras en las que el músico hacía gala de una inventiva y un desenfado poco comunes. 

Su consagración, empero, hubo de esperar hasta el estreno en 1870 de su ballet Coppélia, que aún hoy sigue siendo uno de los más populares del repertorio. 

Su éxito se repitió en 1876 con Sylvia. En 1883, la Opéra Comique de París representó su ópera más ambiciosa y lograda, Lakmé, exótica historia de amor ambientada en la India que le procuró un éxito resonante.

Agradable y afortunado autor de óperas, operetas y ballets, Léo Delibes estudió en el Conservatorio de la capital francesa con Le Couppey, Benoist, Bazin y Adam. En 1853 fue nombrado maestro de clavicordio del Théâtre-Lyrique; al mismo tiempo ocupó el cargo de organista en la iglesia de Saint Pierre, de Chaillot. 

Luego fue acompañante y segundo maestro de los coros de la Opéra (1863-72) y organista del templo de St. Jean y St. François (1862-71). En 1881 se le nombró profesor de composición del Conservatorio parisiense, y en 1884 ingresó en la Academia de Francia. 

Entre sus numerosas obras (escritas para el Théátre-Lyrique, el Folies-Nouvelles, el Bouffes-Parisiens, el Variétés, la Opéra y la Opéra Comique), destaca por su mayor celebridad el brillante ballet Coppélia, ofrecido por vez primera en la Opéra el 25 de mayo de 1870 y todavía hoy objeto de frecuentes representaciones. 

Basado en un cuento de E. T. A. Hoffmann, este ballet en tres actos narra cómo un joven alocado, Franz, se siente atraído por una autómata maravillosa, Coppélia, y cómo Swanilda, la prometida de Franz, consigue recuperar su afecto al demostrarle que Coppélia es, en realidad, una muñeca mecánica. 

La historia tiene un trasfondo filosófico que se resume en la lucha entre lo vivo y lo inerte, entre lo bello y lo siniestro, con la victoria final de lo real (Swanilda) sobre lo irreal (Coppélia). La música de Delibes se reveló aquí danzarina, pintoresca, ingeniosa, espiritual y llena de colorido. Al situar la acción en la Europa central, los libretistas brindaron al músico la ocasión de abordar temas exóticos, sobre todo eslavos y húngaros. 

Números como la brillante Mazurca o el Vals de Swanilda han alcanzado una merecida celebridad como piezas de concierto.

Del resto de sus obras sobresale la ópera en tres actos Lakmé, según libreto de Edmond Gondinet y Philippe Gille. Estrenada en la Opéra Comique de París el 14 de abril de 1883, es la única ópera de Léo Delibes que aún se recuerda y, a veces, se ejecuta.

La acción ocurre en las Indias inglesas, donde Gérald, un joven oficial, ha de casarse con Miss Ellen. El azar quiere que un día conozca a la bella y encantadora Lakmé, hija de un brahmán, y se enamore de ella. 
 
Pero el padre de Lakmé, Nilacantha, es un sacerdote fanático que, en cuanto se entera de que Gérald ha osado profanar el jardín donde se halla su hija, jura vengarse. Nilacantha ordena a Lakmé que le siga a través de la ciudad, y, disfrazado de monje mendicante, obliga a su hija a entonar canciones para atraer la atención de Gérald, y de este modo encontrarle. 


El padre consigue su propósito: el joven oficial se da a conocer y una puñalada le hace caer gravemente herido. Lakmé le cuida a escondidas y consigue curarlo, y ambos deciden unirse para siempre y huir. 

Pero cuando Lakmé prepara la boda según el rito de Brahma, se oye en la lejanía una marcha militar: es el regimiento de Gérald que se dispone a reprimir una rebelión de los indios. El sentido del deber supera el amor de Gérald, que quiere abandonar a Lakmé para unirse con los suyos. La bella india no sabe resistir este golpe: se envenena con el jugo de una hoja mortal y muere entre los brazos de su amado. 

La aparente facilidad y frescura de sus melodías y la delicadeza de sus tonos y colores fueron las claves del arrollador éxito que tuvo en Europa esta obra, que sobresale ente la producción operística francesa de finales del XIX por su refinamiento artístico y su gusto romántico.

 
A continuación, de Léo Delibes, el Dúo de las flores, de la ópera Lakmé, en la interpretación de Anna Netrebko, soprano y Elina Garanca, mezzo-soprano, en la Gala de la Opera de Baden-Baden, en 2007.

Sandra Luna

En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Sandra Luna, sobre sus presentaciones y los proyectos para este año.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone

Sandra Luna inició su carrera artística a los siete años en Radio Argentina, estudió guitarra, piano, teoría y solfeo, tomó clases de técnica vocal con el Prof. Raúl Marino, y Teatro con el Maestro Pedro Asquini.

Desde 1974 se presentó en diversos escenarios, programas de Radio y TV y en giras por el país y el exterior. Actuó y compartió escenario con destacadas figuras del medio como: Alberto Castillo, Héctor Varela y Armando Cupo, Roberto Grela, Leopoldo Federico,Osvaldo Requena, Antonio Agri, El Sexteto Mayor, El Sexteto Tango, Julio Pane, Rafael Del Bagno, Roberto Goyeneche, Mariano Mores, Osvaldo Berlinghieri, Raúl Lavié, Carlos Buono, José Colangelo, Atilio Stampone, Fabián Bertero, y Mariano Mores, por mencionar solo algunos.

También se presentó en muchas ciudades y países como Atlanta, Washington, New York, Barcelona, Granada,Valladolid, Murcia, Alicante, Río de Janeiro, Holanda, Bélgica, Japón, Chile, Italia, Finladia y Letonia, entre muchos otros lugares.

En la actualidad, se está presentando con su grupo y difundiendo sus CD´s en cada uno de los espectáculos.

Aniversario del estreno de la ópera El barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini.

El barbero de Sevilla, o Il barbiere di Siviglia, es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini, basado en la comedia del mismo nombre de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais. 

El estreno tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina, Roma, y resultó un fracaso. La audiencia silbó y abucheó la obra, y sucedieron varios accidentes en escena, pero la segunda interpretación corrió una suerte bien distinta. Se convirtió en un gran éxito. 

Para esta ópera, Rossini, abordó la primera de las obras de la trilogía de Fígaro, mientras que la ópera de Mozart, Las bodas de Fígaro, compuesta en 1786, tomó la segunda parte. 

Rossini se comprometió a escribir dos óperas para el carnaval de Roma de 1816. La primera la finalizó el 26 de diciembre de 1815 y el mismo día se puso a trabajar en la segunda. 

Tan pronto Sterbini le proporcionó la historia del Barbero, y le entregó los versos, Rossini escribió la música y toda la obra se terminó en menos de tres semanas. 

Casi después de doscientos años, El Barbero de Sevilla, mantiene su popularidad en la escena, y atestigua su grandeza.

A continuación, de Gioachino Rossini, la ópera El barbero de Sevilla, en la interpretación de Teresa Berganza como Rosina, Luigi Alva en el rol del conde de Almaviva; Herman Prey encarna a Figaro; Enzo Dara en el papel de Bartolo; Paolo Montarsolo en el personaje de Basilio; Stefania Malagú en el papel de Berta; y Renato Cesari como Fiorello, junto al Coro y Orquesta del Teatro Alla Scala de Milán, dirigidos por Claudio Abbado, en la producción de 1972.

La acción se desarrolla en Sevilla, España, en el siglo XVII.

Acto I

Plaza enfrente de la casa del doctor Bartolo, en Sevilla

En una plaza pública en las afueras de la casa del viejo doctor Bartolo, una banda de música y un pobre estudiante llamado Lindoro están dando una serenata, sin resultado, ante la ventana de Rosina (Ecco ridente in cielo - "Aquí, riendo en el cielo"). Rosina es una pupila del doctor y éste quiere casarse con ella. Lindoro, quien en realidad es el joven Conde Almaviva disfrazado, espera conseguir que la bella Rosina le ame por sí mismo y no por sus títulos o su dinero. Almaviva paga a los músicos cuando se marchan, quedando él entristecido y solo.
Fígaro, que presume de ser el barbero más famoso de Sevilla y de que eso le abre todas las puertas, se acerca cantando (Aria: Largo al factotum della città - "Abrid paso al factótum de la ciudad"). Aprovechando que Fígaro fue en el pasado sirviente del Conde, éste le pide ayuda para encontrarse con Rosina, ofreciéndole dinero en caso de que logre arreglarlo. (Duo: All'idea di quel metallo - "A la idea de aquel metal"). Fígaro aconseja al Conde que se disfrace de soldado borracho, para que le sirva de pretexto para que el doctor Bartolo le dé alojamiento en su casa amparándose en la obligación legal que recaía sobre los ciudadanos de acoger a las tropas cuando éstas se desplazaban. Fígaro es generosamente recompensado por esta sugerencia.


Casa del doctor Bartolo


La escena comienza con la cavatina de Rosina: Una voce poco fa - "Una vocecita hace poco". (Esta aria fue originalmente escrita en la tonalidad de Mi mayor para una voz de mezzosoprano, pero a veces se traspone un semitono hasta Fa para que lo interpreten sopranos de coloratura, dándoles la oportunidad de cantar cadencias extras ligeramente tradicionales a veces llegando a res agudos o incluso fas, como en el caso de las interpretaciones de Diana Damrau.)
Rosina escribe una carta a Lindoro. Conforme está abandonando la habitación, entran el Dr. Bartolo y D. Basilio, un profesor de música. Éste le cuenta sobre la llegada a Sevilla del conde de Almaviva enamorado en secreto de Rosina. Bartolo sospecha del Conde y pretende firmar el acta de casamiento con Rosina ese mismo día, y Basilio le aconseja que se quite de enmedio al conde creando rumores falsos sobre él (esta aria, La calunnia è un venticello - "La calumnia es un vientecillo" casi siempre se canta un tono inferior a la original en re mayor).
Cuando los dos se han ido, entra Fígaro a la casa y se entrevista con Rosina. Fígaro le pide a Rosina que escriba una carta a Lindoro y que Fígaro le hará llegar a Lindoro. (Dúo: Dunque io son…tu non m'inganni? - "Entonces yo soy la que... ¿no me estás engañando?"). Aunque sorprendida por Bartolo, Rosina consigue engañarlo, pero sigue sospechando. (Aria: A un dottor della mia sorte - "A un doctor como yo").
Conforme la sirviente del Dr Bartolo, Berta, intenta abandonar la casa, se encuentra con el Conde disfrazado de soldado ebrio. Temiendo a este borracho, Berta se apresura a acudir donde Bartolo en busca de protección e intenta alejar al supuesto borracho, pero no lo logra. El Conde consigue unas palabras con Rosina, susurrándole que es Lindoro y entregándole una carta. El vigilante Bartolo sospecha y exige saber qué es esa pieza de papel en las manos de Rosina, pero ella le engaña entregándole la lista de la lavandería. Bartolo y el Conde empiezan a discutir y, cuando Basilio, Fígaro y Berta aparecen, el ruido atrae la atención del oficial de la guardia y sus hombres. Bartolo cree que el Conde ha sido arrestado, pero Almaviva sólo tiene que mencionar su nombre al oficial para quedar en libertad. Bartolo y Basilio están asombrados, y Rosina se burla de ellos. (Final: Fredda ed immobile - "Fría e inconmovible").

Acto II

Casa del doctor Bartolo


Almaviva de nuevo aparece en casa del doctor, esta vez disfrazado como alumno de canto y pretendiendo actuar como un sustituto de su supuestamente enfermo maestro Basilio, el habitual maestro de música de Rosina. Inicialmente, Bartolo sospecha, pero permite a Almaviva entrar cuando el conde le da la carta de Rosina. En ella describe el plan de Bartolo de desacreditar a Lindoro quien él cree que es un sirviente del Conde que pretende conseguir mujeres para su amo. Para no dejar a Lindoro solo con Rosina, el doctor Bartolo hace que Fígaro le afeite. (Quinteto: Don Basilio! — Cosa veggo! - "¡Don Basilio! — ¿Qué veo?").
Cuando Basilio aparece de repente, le sobornan con una bolsa de Almaviva para que se finja enfermo. Finalmente Bartolo detecta el truco, echa a todo el mundo de la habitación y se apresura a ir a un notario para redactar el contrato de matrimonio entre él y Rosina. También muestra a Rosina la carta que ella escribió a "Lindoro", y la convence de que Lindoro es meramente un servidor de Almaviva.
La escena queda vacía mientras la música crea una tormenta. El conde y Fígaro suben por una escalera hasta el balcón y entra en la habitación por la ventana. Rosina muestra la carta a Almaviva y expresa sus sentimientos. Almaviva revela su identidad y los dos se declaran su amor. Mientras Almaviva y Rosina están absortos el uno en el otro, Fígaro les urge que se marchen. Se oye a dos personas que se acercan a la puerta, e intentando escapar por la escalera, se dan cuenta de que la han quitado. Los dos que se acercan son Basilio y el notario y Basilio tiene que elegir entre aceptar un soborno y ser testigo o recibir dos balas en la cabeza (una elección fácil, dice él). Él y Fígaro firman como testigos el contrato de matrimonio entre el conde y Rosina. Bartolo entra pero es demasiado tarde. El aturdido Bartolo (que era quien había quitado la escalera) queda tranquilo cuando le permiten quedarse con la dote de Rosina.

Lucas Asselbom

En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Lucas Asselbom, sobre su experiencia en la Antártida Argentina.

Lucas Asselbom es Sargento del Ejército Argentino y acaba de regresar del continente blanco, donde se desempeñó como productor general y técnico operador en LRA 36 Radio Nacional Argángel San Gabriel, Base Esperanza, Antártida Argentina.

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Julián Carballo - Jorge Falcone

 

Luigi Boccherini

Luigi Rodolfo Boccherini nació en Lucca, Italia, el 19 de febrero de 1743 y murió en Madrid, España, el 28 de mayo de 1805. Compositor y violonchelista.


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Luigi Boccherini (Lucca, actual Italia, 1743 - Madrid, 1805) Compositor y violoncelista italiano. 

Dentro del período clásico, Luigi Boccherini es siempre el gran olvidado, a pesar de la estima que le profesaron músicos como Franz Joseph Haydn, quien reconocía su singular aportación al desarrollo de la música de cámara. Formado en su ciudad natal como violoncelista, instrumento poco considerado entonces, en 1768 se trasladó a París, donde recibió la oferta de entrar al servicio de la corte española como músico de cámara del infante don Luis. 

Establecido en Madrid, prosiguió su labor creadora, dando a la imprenta algunas de sus obras más célebres, como las basadas en motivos españoles, y en especial el Quintettino Op. 30 n.º 6 «La musica notturna di Madrid» (1780) o el Quinteto de cuerda Op. 50 n.º 2 «Del Fandango» (1788). 

Durante sus últimos años hubo de ver cómo su música y su persona caían en el olvido. Autor prolífico, se le deben un Stabat Mater (1781), veintiséis sinfonías, entre las que destaca la subtitulada La casa del diablo, ciento quince quintetos y ciento dos cuartetos.

Boccherini inició sus estudios con el abate Vanucci en el seminario de su ciudad natal y los continuó en Roma, dedicándose al mismo tiempo al violoncelo y a la composición. Habiendo regresado a Luces, estrechó amistad con el violinista Filippo Manfredi y emprendió con él una afortunadísima gira artística que duró varios años. En 1768 llegó a París, donde obtuvo calurosa acogida y donde publicó sus primeros tríos y cuartetos. 

En 1769, siempre con Manfredi, se trasladó a Madrid, invitado por el embajador de España en París: allí obtuvo el calificativo de "compositor y virtuoso de cámara" del infante don Luis, hermano del rey, conservándolo hasta la muerte del infante, ocurrida en 1785. 

De 1787 a 1797 escribió música solamente para Federico Guillermo de Prusia, que le había conferido el título de compositor de cámara con una pensión anual. 

Muerto Federico Guillermo en 1797, Boccherini perdió la pensión y su situación económica empeoró rápidamente. Durante un breve período, de 1799 a 1802, gozó de nuevo de una cierta prosperidad gracias a la generosa protección de Luciano Bonaparte, al que había dedicado algunas de sus obras; pero después que el embajador francés hubo de abandonar Madrid, perdió este último apoyo y pasó los últimos años de su vida en estado de indigencia. 
 
Sus restos fueron sepultados en la iglesia de San Justo de Madrid; transportados a Lucca en 1927, se conservan en la iglesia de San Francisco.
Luigi Boccherini es quizá el más importante compositor italiano de música instrumental del siglo XVIII, estabilizador del estilo de cámara basado en la concepción de cuartetos con sus numerosísimos tríos, cuartetos, quintetos y sextetos. 

 
Músico extraordinariamente fecundo, es autor de casi quinientas composiciones, entre las cuales figuran no menos de sesenta tríos, ciento dos cuartetos, ciento quince quintetos, dieciséis sextetos, dos octetos y veinte sinfonías. 

En todos estos trabajos, el compositor sobresale por la riqueza de la invención melódica y por la fluidez del diálogo instrumental, llevado con gracia y equilibrio a través de una sucesión de sonrientes exquisiteces, entre las que se insinúan algunas veces acentos levemente patéticos: son famosos el Concierto para violoncelo y orquesta y el Minueto en la mayor. 

Escribió también la ópera La Clementina (1765), los oratorios juveniles Giuseppe riconosciuto y Gioas re di Giuda, un Stabat Mater (1800), una misa (1800), algunas cantatas y diversas arias académicas.

A continuación, de Luigi Bocherini, el Quinteto en Do Mayor para Cuerdas Op. 30 Nº 6, en la interpretación de Jordi Savall al frente de Le Concert des Nations.

Astor Piazzolla - Libertango - Dong hyek lim & Alexandre Tharaud

Enzo Ferrari

Enzo Anselmo Ferrari nació en Módena, Italia, el 18 de febrero de 1898 y murió en su ciudad, el 14 de agosto de 1988. Piloto y fundador de la Scuderia Ferrari. 

A continuación, un documental sobre su vida.

Ariel Ramírez

Ariel Ramírez nació en Santa Fe, Argentina, el 4 de septiembre de 1921 y murió en Monte Grande, provincia de Buenos Aires, Argentina, el 18 de febrero de 2010. Músico, compositor y pianista.

Estudió piano en su ciudad natal, e impulsado por Atahualpa Yupanqui, emprendió en 1941 una larga temporada de viajes por varias provincias del centro y noroeste del país, para familiarizarse con la música regional. 

En ese tiempo ofreció recitales de piano interpretando obras de música tradicional argentina y sudamericana, entre las que intercalaba sus primeras composiciones.

 
En 1943 se instaló en Buenos Aires, estudió composición con Luis Gianneo y Erwin Leuchter, brindó numerosos conciertos, obtuvo un contrato permanente en LR1 Radio El Mundo, y en 1946 grabó para el sello RCA Victor sus primeros discos, entre los que incluyó la zamba La Tristecita, obra con la que ganó popularidad.

En 1950 viajó a Europa, donde permaneció alrededor de cuatro años y realizó numerosas giras como intérprete de música argentina en distintas salas de conciertos y teatros de Italia, Austria, Alemania, Holanda, Bélgica e Inglaterra. 

En España fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música española de transmisión oral. En 1954 se instaló en Lima, donde continuó su carrera de solista haciendo presentaciones en distintas ciudades de ese país, así como también en otras de Bolivia, Chile y Uruguay.

En 1955 volvió a la Argentina, donde organizó la Compañía de Folklore Ariel Ramírez para llevar adelante un espectáculo coreográfico musical convocando a artistas de distintas regiones del país, entre otros, Jorge Cafrune, Jaime Torres, Raúl Barboza y Los Fronterizos.

En 1957 el grupo, que en ese momento estaba integrado por veinte músicos y bailarines, realizó una gira de cinco meses por la Unión Soviética, Polonia y Checoslovaquia. A su término, Ramírez continuó ofreciendo conciertos como solista de piano en Europa.

Sus obras se popularizaron, y fueron adquiriendo gran difusión en versiones de los más importantes intérpretes. Entre ellas podemos mencionar: Triste pampeano Nº 3, Agua y sol del Paraná, Los inundados, Volveré siempre a San Juan, Allá lejos y hace tiempo, y El Paraná en una zamba, entre muchas otras.

En la década de 1960 realizó innumerables giras por nuestro país y comenzó a grabar para el sello Philips una serie de LP con sus obras, y piano solo o en colaboración con otros músicos, y también una colección que constituye una antología de la música de algunas regiones y de algunos géneros musicales argentinos.

Uno de los discos más importantes de su producción, fue grabado en 1963. Coronación del Folklore, con la participación de Eduardo Falú y Los Fronterizos.

 
Como compositor escribió una larga lista de canciones, y varios ciclos integrales como la Misa Criolla y Navidad Nuestra, la cantata épica Los Caudillos, Mujeres Argentinas, la Cantata Sudamericana, y la Misa por la Paz y la Justicia, y escribió con fines didácticos, 15 Estudios para piano sobre ritmos y formas de la tradición musical argentina y las Canciones provincianas.

El 5 de agosto de 1992 se realizó un concierto en su homenaje en el Teatro Colón de Buenos Aires bajo el título Ariel Ramírez, 50 años con la música nacional, en el que participaron algunos de los más importantes intérpretes de la música popular argentina, y en cuyo transcurso se interpretaron exclusivamente obras suyas.

Otro perfil de su actividad, fue el de presidir, en 5 períodos a SADAIC, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música.

Recordamos a Ariel Ramírez con su interpretación de la zamba La Tristecita, junto a Domingo Cura, en percusión, y un recitado en la voz de Atahualpa Yupanqui.

ARMONÍA | Córdoba, Luminar de Culturas

ARMONÍA | Córdoba, Luminar de Culturas from LUXDIGITAL by Fran Carmona on Vimeo.

La Gastronomía, Las Tres Culturas y la Paz son los protagonistas de esta historia. El escenario lo pone Córdoba.

Luxdigital y Cocina Por la Paz, presentan "Armonía"

Dirección: Fran Carmona / Guión: Adriana Bacman / Música: Fernando Velázquez

Luiz de Souza Dantas

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Biografía de Luiz de Souza Dantas por Ronaldo Franca

Luiz Martins de Souza Dantas (1876-1954)

A comienzos de la década del 40, desafiar las más banales orientaciones de Nuevo Estado era temeroso. Dependiendo del caso, el destino era inevitable, la cárcel. Fue un período mucho peor para Europa, donde el avance de la ocupación nazi imponía un clima de terror. Pues fue en ese el escenario el capítulo más intenso de la vida del Embajador Luiz Martins de Souza Dantas, quien durante veinte años condujo la misión diplomática brasileña en Francia.

Movido por lo que llamó más tarde ”un sentimiento de piedad cristiana”, desafió al mismo tiempo a las dos dictaduras. Concedió visas diplomáticas para entrar a Brasil a centenares de personas que desde el punto de vista de la política de inmigración brasileña, eran considerados indeseables.

Eran judíos, comunistas, homosexuales que huían del horror del nazismo. Con su gesto, Souza Dantas salvó cerca de 800 personas del exterminio. Se tornó en el equivalente brasileño del industrial alemán Oskar Schindler, quien salvó del holocausto a 1200 personas, conforme a lo que relató Steven Spielberg en su película, La Lista de Schindler.

La memoria de los actos del diplomático quedaron olvidadas durante décadas. Solamente ahora se comienza a reservar su verdadero lugar en la historia. 

En Junio del 2003 fue reconocido como un ”Justo entre las Naciones”. Fue uno de los pocos en recibir tal honor del Museo del Holocausto, en Israel, concedida solamente a quienes, bajo el yugo nazi, se arriesgaron por el bien de otras personas.

Los hechos de Souza Dantas aún no están en los libros escolares. Estuvieron durante décadas restringidos a la memoria de las familias que ayudó a salvar. Una parte importante de esa historia quedó confinada en los documentos de la burocracia del Estado, guardados en forma de memorandos en los archivos históricos de Itamaraty (Cancillería de Brasil) y en el Archivo Nacional. 

Juntando principalmente esas dos fuentes de información, el historiador carioca (de Río de Janeiro) Fabio Koifman, construyó una biografía más nítida del embajador. El resultado es la disertación de su maestría en la Universidad del Estado de Río de Janeiro (UERJ). Los mas de 7500 documentos que reunió lo ayudaron a erigir la lista de los 425 judíos salvados por Souza Dantas, que son la base del proceso de reconocimiento del Museo del Holocausto. 

De los testimonios recogidos a lo largo de cuatro años de trabajo, surgen historias impresionantes y hasta ahora inéditas como la del director de teatro polaco Zbigniew Ziembinski, considerado uno de los mayores revolucionarios de las artes escénicas de Brasil. Fue gracias a Souza Dantas que él llega a Río de Janeiro en 1941, después de deambular por Europa en busca de una salida del infierno de la guerra. ”Tenia gente acostada en el piso, enfrente de las embajadas, pidiendo, esperando, sometida a los mayores escarnios, a las mayores torturas”, recordó Ziembinski años mas tarde en un registro inédito de sus memorias. ”Hasta que, de repente, se oyó que existía un Quijote… el famoso embajador Dantas”.

Ziembinski, cuyo origen judío nunca fue probado, estaba entre los centenares de personas que vinieron para Brasil en los barcos que hacían la travesía a través del Atlántico. El viaje no constituía un problema mayor. El gran obstáculo para los refugiados no era conseguir un navío, aunque fueran raros. Difíciles eran los visados necesarios para la entrada a los países de destino. Como es común hasta hoy en día, el éxodo de refugiados era un fantasma para muchas naciones. 

En Brasil, se sumaba a la lista de dificultades la orientación contraria a la inmigración de judíos. Mismo, sabiendo del riesgo que traía contrariar a Vargas, Souza Dantas mandó a abrir las puertas de su embajada en Vichy, para donde se transfirió a la representación diplomática luego de la ocupación de Francia por los nazis. 


Su coraje, en tanto, le trajo problemas, como un sumario abierto por el departamento administrativo del servicio público a cargo de Vargas. Fue acusado de dar visado irregulares. En un telegrama a Itamaraty, Souza Dantas afirmó en su defensa que después de la prohibición no dio ”siquiera una visa”. Era mentira. Desobedeciendo las órdenes expresas, salvo aún decenas de personas. 

La prueba viva de la falta de temor del diplomático llegó para Koifman por medio del testimonio de la polaca Chana Strozemberg, cuya visa fue emitida en enero de 1941, un mes después de la prohibición, pero con datos falsos. Para dar curso a su acción solidaria, Souza Dantas, usó los más diversos expedientes. Concedió visados diplomáticos a portadores de pasaportes comunes, para que tuvieran más garantía de aceptación.Algunos ni siquiera tenían el documento. 

Escribía normalmente en francés en los pasaportes para facilitar la lectura en el puerto de embarque. Mas allá de utilizar un idioma extraño – el francés – en un papel destinado a las autoridades de inmigración brasileñas, al menos utilizó los procedimiento de rutina para el estampillado. 

Koifman asegura que ese fue uno de los muchos casos de visados dados a las personas. En otros, él le sirvió de mediador ante colegas de otras embajadas para obtener visados como si fueran brasileños. Lo más precioso de las memorias del embajador es que en un tiempo en que muchos diplomáticos vendían visados y aceptaban joyas como pago, él nunca se corrompió. 

El marido de Chana Strozemberg, como agradecimiento, llegó a insistirle a Souza Dantas para que aceptara un presente. Como respuesta oyó una sugerencia: que lo donase a la Cruz Roja Internacional. 

La lista de bienes dejados por el diplomático, recogidos en su cuarto del Gran Hotel de París, donde vivía cuando murió en 1954, registra como objeto más valioso una cadena de oro con la medalla de barón de Río Branco. Del trabajo cuidadoso de Koifman brota una de las más dignificantes biografías brasileñas.

Carlos Paredes

Carlos Paredes nació en Coímbra, Portugal, el 16 de febrero de 1925 y murió en Lisboa, Portugal, el 23 de julio de 2004. Guitarrista.

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Carlos Paredes (1925/02/16 - 2004/07/23) Guitarrista portugués. Nació el 16 de febrero de 1925 en Coimbra.

Hijo y nieto de guitarristas, comienza a estudiar música a los cuatro años. Empezó con un instrumento roto que su padre había desechado.

En 1934, cuando sólo tenía nueve años, se trasladó a Lisboa y en 1957 grabó su primer disco, que tuvo como título 'Carlos Paredes'. Durante los años '50 y '60 estuvo preso por oponerse a la dictadura de Antonio de Oliveira Salazar.

Como compositor trabajó en la banda sonora de varias películas lusas, tales como 'Verdes Años', 'Fado Corrido' y 'Las pinturas de mi hermano Julio'. Varios de sus discos, 'Fantasía', 'Porto Santo', 'Romance número 2' y 'Guitarra Portuguesa' se consideran clásicos de la música lusa.

En 1975, después de la Revolución de los Claveles que puso fin a la dictadura, grabó el disco 'Necesitamos un país', con poemas leídos por Manuel Alegre, líder histórico del Partido Socialista. 

Llevó la guitarra de doce cuerdas desde la calle a los escenarios, grabó con el bajista de jazz estadounidense Charlie Haden y compuso temas para el grupo de cámara Kronos Quartet.

En 1993 le fue diagnosticada una mielopatía, enfermedad que produjo el deterioro de su estructura ósea y le impidió seguir tocando la guitarra.

Carlos Paredes falleció el 23 de julio de 2004 en un hospital lisboeta a los 79 años.

A continuación, recordamos a Carlos Paredes, con su interpretación de Verdes Anos.

Shalom - En recuerdo de las almas

Shalom es un programa semanal que se emite los domingos por la mañana dentro del bloque dedicado a programas religiosos, dirigido por Coty Aserín con la colaboración de Gema Ruth Lazovsky y David Gozlan.

Descubrimos cada semana los elementos esenciales que crean la causa y base de la existencia del Pueblo de Israel y su existencia a pesar de las circunstancias adversas. Estos elementos no dependen de la tierra, el lenguaje, la cultura, la raza o la herencia genética. El único factor constante que preservó al Pueblo judío de todas las vicisitudes es la tenacidad con la cual se adhieren a su herencia espiritual. Y es esta herencia la que Shalom nos descubre cada domingo a través del análisis sobre temas de actualidad como ciencia, educación, festividades, cocina, medicina, mística.

En recuerdo de las almas

Nat King Cole

Nathaniel Adams Coles, más conocido como Nat "King" Cole, nació en Montgomery, Estados Unidos, el 17 de marzo de 1919 y murió en Santa Mónica, Estados Unidos, el 15 de febrero de 1965. Pianista y cantante.

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Nat King Cole (Nathaniel Adams Cole; Montgomery, 1919 - Santa Mónica, 1965) Cantante estadounidense.

Hijo de un ministro baptista, creció en la ciudad de Chicago, donde estudió piano. Sus primeras grabaciones datan de 1936, aún como pianista de jazz del King Cole Trio, que alcanzó cierta fama en los cuarenta. 

Su carrera en solitario comienza en 1948, cuando se disuelve la formación. Difícil de ubicar en un estilo concreto, Nat "King" Cole tocó diversos estilos de música y, a raíz de un viaje a Sudamérica en el que recogió diferentes influencias musicales en distintas lenguas, añadió la canción latina a su repertorio. Sus listas de éxitos son enormes, tanto en EE.UU. como en América latina o Europa. 

Su último éxito fue el más curioso, un "remaster" de la canción Unforgettable a dúo con su hija Nathalie cuando él había ya muerto. Junto al ya citado Unforgettable, Nature boy, Mona Lisa, Quizás, quizás, quizás y Ansiedad forman parte de sus discos más celebrados.

A continuación, dos de los más grandes éxitos de Nat King Cole: Unforgettable, y When I Fall in Love.

Ludwig van Beethoven. Cuarteto de Cuerda Nº 8 en Mi Menor Op. 59 Nº 2.

El ciclo de cuartetos de cuerda dedicados al conde   Razumovsky, fue escrito entre el 29 de mayo y el 5 de julio de 1806, según una carta del autor al editor Breitkopf, y su primera interpretación pública la hizo el cuarteto de Schuppanzigh en Viena, en enero de 1809, cuando todavía no estaban editados.

A continuación, de Ludwig van Beethoven, el Cuarteto de Cuerda Nº 8 en Mi Menor Op. 59 Nº 2, en la interpretación del Michelangelo Quartet.

Aniversario del estreno de la ópera La extranjera, de Vincenzo Bellini.

La extranjera, o La straniera, es una ópera en dos actos compuesta por Vincenzo Bellini, sobre un libreto de Felice Romani, basado en la novela L'étrangère de Charles-Victor Prévot, vizconde d'Arlincourt. Fue estrenada en el Teatro Alla Scala de Milán, el 14 de febrero de 1829.

La ópera cayó en el olvido durante la última parte del siglo XIX y gran parte del siglo XX, y sólo fue repuesta en 1968, en el Teatro Massimo de Palermo, con Renata Scotto en el rol principal. El personaje de Alaide ha sido luego encarnado por Montserrat Caballé, Renée Fleming y por Patrizia Ciofi, entre otras intérpretes.

La acción transcurre en Bretaña en el año 1300, y el argumento gira en torno a la identidad de una misteriosa mujer que vaga, cubierta con un velo, por los campos de los alrededores del castillo de Montolino, en Bretaña. 

Los campesinos suponen que se trata de una bruja, no sospechan que es Agnes, la mujer en el exilio del rey de Francia, Felipe Augusto, que está obligada a vivir de incógnito bajo nombre de Alaide porque cuando contrajo matrimonio con el soberano, éste ya estaba casado con otra, Isemberga de Dinamarca. 

El conde Arturo de Ravenstel se siente atraído por ella, a pesar de estar prometido con Isoletta de Montolino, el conde tiene celos de Valdeburgo, cuya filiación con Alaide, es su hermana, desconoce. 

Todo parece sembrado para que reine la confusión, la violencia y un trágico final en el que se da a conocer, con una absoluta falta de rigor histórico, que la primera esposa del rey de Francia ha muerto y que Alaide, que había permanecido fiel a él, es reina de Francia, lanzándose Arturo sobre su espada al no soportar el dolor por haber sido injusto con Alaide.

A continuación, la escena final de la ópera La extranjera, de Vincenzo Bellini, en la interpretación de Edita Gruverová.