Hola, soy Leonardo Liberman.
Te invito a visitar mi Blog, en el que propongo temas de interés general.
Podes mandarme tu comentario al E-mail elmiradornocturno@gmail.com
Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Andrew James Summers, más conocido como Andy Summers, nació
en Poulton-le-Fylde, Lancashire, Reino Unido, el 31 de diciembre de 1942. Músico,
compositor y multiinstrumentista.
En 2006, su autobiografía One Train Later se publicó con
gran éxito y fue votada como el libro de música número uno del año en el Reino
Unido. La película Can't Stand Losing You, basada en el libro, se estrenó en
los cines de Estados Unidos de la mano de Cinema Libre en marzo de 2015. El DVD
de la película se lanzó el 14 de julio de 2015, junto con el último CD de Andy,
Metal Dog. Desde entonces, ha grabado dos CD más: Triboluminesence y Harmonics
of the Night.
Entre las exposiciones de fotografía más recientes se
encuentran A Certain Strangeness en el Pavillion Populaire de Montpellier,
Francia, donde batió todos los récords de asistencia, seguida de una exposición
itinerante de seis meses en el Museo Bonnafanten de Maastricht, Países Bajos.
La exposición itinerante también se pudo ver en las galerías Leica de Londres,
Hamburgo, Múnich, París, Nueva York y en la sede de Leica en Wetzlar, Alemania.
Leica Camera y Fender Guitars colaboraron en 2017 para crear
ediciones limitadas con diseños a juego de una cámara Leica M y una Andy
Summers Signature Stratocaster, rebautizada como 'Monocaster' para reflejar la
decoración de la guitarra con las fotografías en blanco y negro de Andy.
Rocket 88 Books en el Reino Unido publicó un libro de sus
cuentos: Fretted and Moaning en 2021.
En 2023, Andy regresó a Brasil con el cantante y bajista
Rodrigo Santos de Red Baron (Barao Vermelho) y Joao Barone de Paralamas do
Succeso en su trío, Call the Police, que toca con entradas agotadas en
Sudamérica. Ha grabado el éxito de The Police Bring on the Night con el grupo
de guitarras italiano Forty Fingers y recientemente lanzó una versión
instrumental de Roxanne, el éxito mundial de The Police.
Andy está en el Salón de la Fama del Rock and Roll, en el
Salón de la Fama de los Guitarristas, tiene las llaves de la ciudad de Nueva
York y ha sido galardonado con el Chevalier De L'Ordre Des Arts et Des Lettres
por el Ministerio de Cultura de Francia.
A partir de finales de julio de este año 2023, Andy
realizará una gira por Estados Unidos y Canadá con su espectáculo multimedia,
The Cracked Lens and a Missing String.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Roxanne.
Ida Marie Lipsius, también conocida como La Mara, nació en Leipzig,
entonces Reino de Sajonia, el 30 de diciembre de 1837, y murió en Schmölen,
Alemania, el 2 de marzo de 1927. Musicóloga, historiadora de la música,
compositora y profesora.
Marie Lipsius provenía de una familia de clase alta de
Leipzig. Su padre, Karl Heinrich Adalbert Lipsius, fue educador en la
Thomasschule, presidente de la Asociación de Maestros de Leipzig desde 1848,
vicerrector de la Thomasschule y, desde 1861, su rector por un corto tiempo
hasta su muerte. Su madre, Juliane Molly Rost, era hija de Friedrich Wilhelm
Ehrenfried Rost, quien también fue director de la Thomasschule de 1800 a 1835.
El primer matrimonio de Karl Heinrich Adalbert Lipsius con Juliane Molly Rost
tuvo cuatro hijos. Ida Marie era la hija menor.
En honor a la familia Lipsius, en 1908 una calle de
Leipzig-Reudnitz recibió el nombre de Lipsiusstrasse. En particular, se
honraría al rector de la escuela St. Thomas, pero los niños también se hicieron
famosos.
Los tres hermanos mayores de Marie siguieron carreras
universitarias. El mayor, Richard Adelbert (nacido en 1830), fue profesor de
teología en Leipzig, Kiel, Viena y Jena.
El segundo, Johann Wilhelm Constantin (nacido en 1832), fue
un arquitecto famoso. Muchos edificios públicos y privados en Leipzig fueron
diseñados por él, como por ejemplo la iglesia de San Pedro en Schletterplatz y
la remodelación neogótica de la iglesia de Santo Tomás. De 1881 a 1884 fue
profesor de arquitectura en la Academia de Arte de Dresde y fue responsable de
la construcción de la Academia de Bellas Artes en la Terraza de Brühl.
El hermano Justus Hermann (nacido en 1834) fue filólogo,
profesor en la Thomasschule y en las escuelas principescas de Meißen y Grimma,
desde 1866 rector de la Nikolaischule Leipzig y de 1877 a 1914 profesor de
filología clásica en la Universidad de Leipzig, su rector en 1891/92.
La hija Ida Marie era una conocida compositora musical y
periodista. Fue una de las primeras mujeres en Alemania que se impuso como
compositora musical en el siglo XIX. Dado que las mujeres estaban excluidas de
la educación superior, escribir biografías de músicos era una de las pocas
áreas musicológicas en las que las mujeres podían desarrollarse.
Ida Marie Lipsius nació el 30 de diciembre de 1837 en
Leipzig. Cuando tenía cinco años, su madre murió, por lo que Marie creció
primero con su padre y luego, después del segundo matrimonio de su padre, con
su madrastra.
Recibió una educación estándar para hijas de la clase media
educada y asistió a la escuela de educación superior para niñas dirigida por el
Dr. Zestermann también recibió educación musical y lecciones de piano desde
pequeño. Recibió apoyo adicional en su educación de su padre y sus hermanos
mayores.
En la escuela superior conoció a Laura Pohl, quien se
convirtió en su amiga de toda la vida. En la casa Pohl había teatro y música
house. Con el hermano de Laura, Richard Pohl, que más tarde se convertiría en
compositor, tocó el piano a cuatro manos y así conoció las obras de Franz
Liszt, Wagner, Berlioz, Schubert y Brahms. Estos fueron considerados los
representantes de la “música del futuro”.
A través de Richard Pohl conoció a Franz Liszt en Weimar en
1856 y desde entonces conoció el círculo artístico de Weimar. Asistió a
conciertos y también participó en las tertulias de los artistas. Liszt fue
concertino en Weimar y vivió con Carolyne, princesa de Sayn-Wittgenstein. Ella
era amiga de ambos. A menudo se quedaba en Weimar con Franz Liszt y la
princesa. Como seguidora de Franz Liszt, prestó especial atención a los
representantes de la "música del futuro", que estaban devaluados y a
veces hostiles hacia los representantes de la música antigua
"conservadora". Le encantaba la música y vio a muchos otros grandes
artistas en conciertos en Leipzig.
En 1861 murió el padre. Marie todavía vivía en la casa de su
madrastra. Ahora se sentía obligada a contribuir a su sustento. Un amigo de su
hermano mayor la animó a escribir una reseña de una novela de Paul Heyse. Su
carrera como escritora comenzó con la publicación anónima. Inicialmente, otras
novelas cortas y bocetos permanecieron inéditos. En 1867 aparecieron sus
primeros textos biográficos musicales sobre Robert Schumann, Franz Liszt y
Frédéric Chopin en "Westermanns Monatheften" bajo el seudónimo de La
Mara. La Mara pretendía representar una combinación de Marie y su amiga Laura,
lo que llevó a que a veces se considerara erróneamente a Laura Pohl como
coautora.
Marie "La Mara" envió el texto sobre él a Franz
Liszt para que lo revisara y recibió elogios y aliento para continuar con su
trabajo. Como resultado, ayudó a que sus textos se hicieran populares y
organizó contactos con músicos, lo que le dio acceso a fuentes valiosas, como
documentos y cartas, para su trabajo escrito.
En 1867, el editor de Weimar, Hermann Weißbach, le ofreció
recopilar en un libro sus estudios biográficos musicales y abrir así su programa
editorial. Luego complementó los retratos de Schumann, Chopin y Liszt con
retratos de Weber, Schubert, Mendelssohn y Wagner. En 1868 se publicó la
primera antología de los "Cabezas de estudio musical", y en 1871 se
publicó el segundo volumen, que estuvo dedicado a Luigi Cherubini, Gaspare
Spontini, Gioachino Rossini, François-Adrien Boieldieu y Hector Berlioz. El
tercer volumen fue publicado en 1875 por la editorial Schmidt und Günther de
Leipzig con ensayos sobre Ignaz Moscheles, Carl Ferdinand David, Adolf Henselt,
Robert Franz, Anton Rubinstein, Johannes Brahms, Carl Tausig. El cuarto volumen
fue publicado en 1881 por Breitkopf & Härtel en Leipzig con ensayos sobre
Georg Friedrich Handel, Johann Sebastian Bach, Christoph Willibald Gluck, Joseph
Haydn, Wolfgang A. Mozart y Ludwig van Beethoven. El volumen 5, el último
publicado por Breitkopf & Härtel en 1882, contenía textos sobre “Las
mujeres en la vida sonora contemporánea”, que fue la primera publicación de un
libro sobre músicas femeninas en la historiografía musical de habla alemana.
Posteriormente complementó los ensayos sobre los compositores con catálogos de
obras, algunas de las cuales compiló ella misma.
Las fuentes de los ensayos fueron contactos personales con
familiares vivos o familiares de compositores fallecidos, así como testigos
contemporáneos. Los entrevistó en persona o mediante cuestionarios diseñados
por ella misma. Por ejemplo, ya no conoció a Richard Wagner, pero permaneció a
menudo en Bayreuth y buscó contacto con la familia Wagner. Otras fuentes
incluyeron literatura especializada, documentos originales o biografías de
otros autores. Siempre se ha elogiado su sensibilidad, fidelidad a las fuentes
y atención al detalle, basada en una cuidadosa y exhaustiva investigación de archivos.
Su método de presentar los retratos escritos a los entrevistados vivos y hacer
que los corrigieran no era de ninguna manera la norma en el siglo XIX. Sin
embargo, fue acusada de admirar a Franz Liszt y de retratarlo de una manera
demasiado idealizada. Todos los retratos de los artistas aparecieron antes de
su publicación en un libro en una de las revistas “Westermanns Monathefte”,
“Die Gartenlaube” o “Gegenwart”.
A partir de 1910 también fueron publicadas como ediciones
individuales ("Pequeñas biografías de músicos") por Breitkopf &
Härtel.
Sus obras también han aparecido en otros idiomas, por
ejemplo inglés, francés, Traducido al italiano, español y sueco.
A partir de 1882, Marie Lipsius se ocupó principalmente de
publicar cartas y correspondencia de músicos . Hizo todo lo posible para
localizar cartas previamente desconocidas además de las que ya habían sido
publicadas. Recopiló las cartas de Franz Liszt y las publicó en 8 volúmenes
entre 1893 y 1905. También publicó cartas de Richard Wagner a August Röckel,
con quien Wagner había trabajado en el teatro de la corte de Dresde, pero que
fue especialmente amigo suyo durante la fase del Levantamiento de Mayo de
Dresde en 1849.
La compositora musical Lina Ramann la precedió escribiendo
la biografía del venerado Franz Liszt. Por ello, La Mara describió la vida de
Liszt publicando el libro "Liszt y las mujeres" en 1911 con motivo de
su centenario. Presenta a 26 mujeres que desempeñaron un papel en la vida de
Liszt y fueron conocidas como músicas, escritoras, etc.
Marie Lipsius fue la primera musicóloga que realizó
sistemáticamente una investigación sobre la conexión de la familia Brunsvik con
Beethoven. En 1909 publicó "La amante inmortal de Beethoven. El secreto de
la condesa Brunswik y sus memorias" y con motivo del 150 cumpleaños de
Beethoven en 1920 "Beethoven y los Brunsvik. Basado en documentos
familiares de la finca de Therese Brunsvik". Intentó encontrar una
respuesta a la pregunta de quién era el "amado inmortal" a quien
Beethoven envió una carta de amor, pero sin saludo, sin número ni ubicación.
Basándose en la correspondencia entre Beethoven y la familia Brunsvik y las
hermanas Therese y Josephine Brunsvik, opinó que Josephine debía haber sido la
amante. Investigaciones recientes de la segunda mitad del siglo XX han
demostrado que hay muchas pruebas a favor de Josephine, pero también es
probable que Antonie Brentano, la cuñada de Clemens Brentano y Bettina von
Arnim, fuera la " amada inmortal".
Su último trabajo fue "En el umbral del más allá. Últimos
recuerdos de la princesa Carolyne Sayn-Wittgenstein, la amiga de Liszt",
que fue publicado en Leipzig en 1925 por Breitkopf & Härtel.
En 1917, con motivo de su octogésimo cumpleaños, la
Universidad de Leipzig le concedió el título honorífico de profesora.
En cuanto a su vida privada, cabe decir que vivía con su
amiga Similde Gerhard. Se trataba de un donante de Leipzig que apoyaba centros
de atención infantil y centros para heridos de guerra. La Simildenstraße en
Leipzig-Connewitz recibió su nombre en 1906. La autobiografía de Marie "A
través de la música y la vida al servicio del ideal", publicada por
Breitkopf & Härtel en Leipzig en 1917, muestra que su antiguo amante
recurrió a otra persona y que después ella permaneció soltera.
Desde junio de 1921 hasta su muerte, Marie Lipsius pasó los
años en la finca Schmölen, al sur de Wurzen, de cuyo propietario era amiga.
Allí murió el 2 de marzo de 1927. Su memoria se mantiene viva en la casa
solariega de Schmölen.
Sus obras quedaron en el olvido durante mucho tiempo después
de su muerte. Sólo estaban disponibles los anticuarios. Hace sólo unos años sus
libros comenzaron a ser reeditados, por ejemplo, por la empresa de Hamburgo
TREDITION CLASSICS.
Shalom – La luz de Janucá también en nuestros días
Celebramos la fiesta de Janucá, conocida también como Fiesta
de las Luminarias, ya que trata de representar la victoria de la Luz de la Fe
frente a la oscuridad. Recogemos en el programa de hoy las palabras del rabino
Yoseph Salama quien nos recuerda que la luz de la fe sigue vigente en nuestros
días.
Katharina Dorsch, más conocida como Käthe Dorsch, nació en Neumarkt
in der Oberpfalz, Alemania, el 29 de diciembre de 1890, y murió en Viena,
Austria, el 25 de diciembre de 1957. Actriz y cantante.
Nacida en Neumarkt in der Oberpfalz (Alemania), 29 de
diciembre de 1890
Fallecida. Viena, 25 de diciembre de 1957
Origen, parientes: Hija de un fabricante de pan de jengibre
de Núremberg.
Compañeros de vida, hijos: matrimonio en 1920 con Harry
Liedtke (1882-1945), actor.
Educación: escuela de negocios, clases de piano, formación
actoral.
Carrera: KD comenzó su carrera en 1908 como soubrette de
opereta en Mainz, y en 1911 se fue a Berlín para trabajar en el Nuevo Teatro de
Opereta. KD pasó al tema "serio" y encarnó a todas las grandes
figuras del teatro mundial. Después de otros compromisos en teatros alemanes,
se fue a Viena como actriz en 1927 y trabajó allí en el Volkstheater de 1936 a
1939. Desde 1939 hasta su muerte fue miembro del Burgtheater. A partir de 1951
volvió a tocar en los escenarios de Berlín. Además de su trabajo teatral, KD se
dedicó al cine. Ya en 1913 interpretó su primer pequeño papel secundario en la
película muda "Cuando el taxi salta" y luego apareció en numerosas
películas. Durante la Segunda Guerra Mundial, la actriz salvó la vida de muchos
compañeros actores gracias a su amistad con Hermann Göring, a quien conocía
desde su juventud. Por ejemplo, intervino cuando arrestaron a Werner Finck y se
aseguró de que fuera puesto en libertad y sólo se le prohibiera actuar. En 1956
provocó una gran reacción mediática cuando abofeteó al crítico de teatro Hans
Weigel en la calle de Viena. En el juicio posterior fue condenada a una multa
de 500 chelines. Destinó su legado al establecimiento de una “fundación para
apoyar a los miembros necesitados de las profesiones artísticas”, que todavía
existe hoy.
Premio: 1946 “Topacio de Oro de Louise Dumont”, 1953 Premio
de Arte de la Ciudad de Berlín. Nombres de las zonas de circulación: 1962 1140
Viena: Käthe-Dorsch-Gasse, 1966: Berlín-Neukölln Cambio de nombre de la calle
número 500 a “Käthe-Dorsch-Ring”.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con Wenn ein Mann zu mir von der Liebe spricht.
A continuación compartimos una colaboración del historiador
y periodista Carlos Szwarcer, publicada en el sitio www.laregioninternacional.com
Cristóbal Colón: Apuntes sobre su ADN y el “destierro” de su
monumento que lindaba en Buenos Aires con la Casa de Gobierno
Carlos Szwarcer - Buenos Aires 28/12/2024 09:39 h.
Hacemás de tres
décadas, mientras investigaba en los barrios de Buenos Aires, obtenía
testimonios a partir de la “historia oral” sobre los orígenes de las oleadas
inmigratorias que arribaron a esta ciudad entre fines del siglo XIX y comienzos
del XX. En los círculos del Ministerio de Cultura de la Ciudad y en varias
Instituciones se profundizaban detalles poco conocidos sobre la conquista
española de América, circulando algunas interpretaciones que desempolvaban las
teorías sobre un Cristóbal Colón de origen judeo-sefaradí.
No era una teoría que tuviese una significativa cantidad de
seguidores; posiblemente, por entonces, no se adherirá a conjeturas algo
incómodas. Me consta que no pocos preferían ignorarlas o abiertamente
rechazarlas evitando quedar dentro del foco de los opositores a la “historia
oficial” si se cuestionaba que elProhombre
que llegó al “Nuevo Mundo” no era de origen cristiano y genovés.
Recientemente el documental de la RTVE “Colón ADN, su
verdadero origen”, largometraje que detalla los 22 años de investigación del
forense y catedrático José Antonio Lorente de la Universidad de Granada,
concluyendo que el origen del Almirante Don Cristóbal Colón es judío sefaradí,
me hizo volver como en un túnel del tiempo a fines del siglo pasado cuando se
rumoreaba esta posibilidad en el mundo académico con cierta cautela.
Por lo antedicho, efectivamente no me tomó de sorpresa el
documental, aunque pasados más de dos meses de su estreno he observado que no
sólo ha provocado lógicamente un gran impacto en el público en general sino que
al parecer despertó recelos en algunos expertos y un puñado de medios de
comunicación. Indudablemente determinadas noticias no son fáciles de digerir,
más allá de cualquier prevención o rigurosidad.
En sintonía con estas revelaciones ya en el siglo XIX las
afirmaciones del historiador español Celso García de la Riega 1844 –1914
provocaron polémicas con su idea del supuesto origen ibérico, no italiano, del
navegante. Salvador de Madariaga 1886-1978, relevante escritor e historiador,
tambiénespañol, en su “Vida del Muy
Magnífico Señor Don Cristóbal Colón” esgrimía la hipótesis de un Colón
procedente de una familia de judíos catalanes sefardíes, que se estableció en
Génova a raíz de las persecuciones de 1391. A estas consideraciones adhirió el
destacado intelectual Dr. Cecil Roth 1899 – 1970, hebraísta de Oxford en su
artículo «Who Was Columbus» (The Menorah Journal, tomo XXVIII.
Las reflexiones y los conflictos ideológicos sobre la Conquista y las diferentes versiones sobre el
Hispanismo o las interpretaciones controvertidas en cuanto a los “derechos de
los pueblos originarios” ya habían comenzado tempranamente. Bartolomé de Las
Casas - Sevilla 1474 - Madrid, 1566-, fraile dominico se caracterizó por
criticar las injusticias que sufrían los indios y a la misma monarquía española
por no defenderlos de la explotación de los conquistadores españoles a través
de la institución de la encomienda.
El dominico español Francisco de Vitoria - Burgos 1483- Salamanca 1546 -,clave en la defensa de los derechos de los
indios en América, cuyo
legado fue el planteamiento del fomento del libre matrimonio entre colonos y
nativos, el respeto de la propiedad de la tierra de los nativos, el rechazo a
la esclavitud en los territorios bajo la Corona española, el fomento de la
evangelización a través de misiones y, en general, la mezcla de la cultura
española con la nativa. Posteriormente Francisco Suárez - Granada, 1548-Lisboa,
1617-, jesuita español,representante
destacado de la escolástica del siglo XVI y teólogoque defendió percibiendo a los
"indios" como sujetos de derecho público y privado, fundamentando la
idea de que las personas jurídicas de la comunidad humana universal tienen
derechos naturales sociales.
Es indudable que la situación de los pueblos originarios fue
muy dura durante la Conquista, aunque no es lógico buscar justificativos
señalando que la vida de los habitantes precolombinos no estuvo exenta de gran
dureza y crueldad; además es menester tener en cuenta en un análisis
retrospectivo sobre hechos ocurridos hace más de cinco siglos que los valores y
creencias eran por demás muy distintos a los actuales, es decir,evitar lo que se llama el anacronismo de
trasladar categorías del presente al pasado. Y aun así, lejos siquiera de rozar
una apología sobre la presencia hispánica en América, de hacerse unaautocrítica también es justo destacar que las
otras potencias conquistadoras (ingleses, portugueses, franceses u
holandeses)a los efectos de su acción
colonizadora en tierras americanas, cada una a su modo y circunstancias fueron
hasta más brutales, crueles y segregacionistas.
Dicho esto, no está demás recordar la obvia e innegable
herencia cultural hispánica en Argentina y aún con aspectos negativos que se le
pudieseendilgar, el castellano es el
idioma que se habla en toda América, desde el sur de Estados Unidos hasta la
Patagonia, la conquista también significó la unión incuestionable con el mundo
occidental, y a su modo el mestizaje étnico y cultural.
En este sentido y como modelo de pensamiento de un personaje
americano que ejercía un gran liderazgopolítico en elsiglo XIX,Mariano Moreno, periodista, doctor en leyes e
impulsor de la Revolución de Mayo valoraba a los pueblos originarios
reconociendo que habitaron los territorios de América antes de la llegada
española-- En 1802 escribió la Disertación Jurídica sobre el servicio personal
de los indios denunciando los maltratos que sufrían los aborígenes. En ella
afirmó que “Dios, nuestro señor, creó a los indios libres”. En 1811, la Primera
Junta ordenó que cada intendencia designara representantes indígenas. En el
Centro Sagrado de Tiwanaku, Bolivia, Juan José Castelli, Mariano Moreno y
Manuel Belgrano, hombres fundamentales en ese ideario independentista en el Río
de la Plata, homenajearon a los Incas y proclamaron la unión fraternal con los
Pueblos Originarios.
La tradición hispánica en la Argentina por momentos fue
defendida a ultranza o vituperada según las diferentes circunstancias
históricas dentro del abanico de situaciones sociopolíticas acaecidas en estos
dos últimos siglos; acorde a las necesidades de los intereses de los sectores
en pugna que ejercieron influencias, por un lado existió el factor de poder del
natural legado ibérico y por otro las acciones de las elites ilustradas que
buscaron producir transformaciones mirando a las instituciones, modas y
costumbres deEstados Unidos y Europa.
Corriendo el tiempo, en este cambiante tejido histórico
social a comienzos del siglo XX, en 1910, dentro de una tendencia hispanista en
el Centenario de la Independencia, representantes de lascorrientes inmigratorias que se instalaron y
prosperaron en Argentina fueron proclives a demostrar su agradecimiento al país
que los recibió. Una Comisión italiana decidió donar para tan importante
aniversario una Estatua que representara “la gesta española en América”.
El imponente monumento a Cristóbal Colón realizado en mármol
de Carrara, obra del escultor italiano Arnaldo Zocchi, con un peso total de 623
toneladas y una altura de 26 metros fue impulsada por un poderoso inmigrante
italiano, Antonio Devoto, y entregado a modo de obsequio de la colectividad a
la República Argentina para los festejos del Centenario de la Revolución de
Mayo. El grupo escultórico -cuya piedra fundamental se colocó el 24 de mayo de
1910- llegó a la Argentina recién el 14 de abril de 1921 y se lo instaló en la
Plaza Colón, espacio estratégico contiguo a la casa de Gobierno en la ciudad de
Buenos Aires. Se lo inauguró el 15 de
junio de ese año ante la presencia del presidente argentino Hipólito Irigoyen,
la asistencia de una multitud, importantes personalidades, y la especial
concurrencia de miembros de la colectividad italiana que escuchó atentamente el discurso central a
cargo del ministro de las Relaciones Exteriores Honorio Pueyrredón.
Monumento a Colón en la Plaza detrás de la Casa de Gobierno en Buenos Aires. Foto: Richie Diesterheft
En aquellos tiempos
no se discutía el origen del “Gran Almirante genovés al servicio de la corona
de Castilla y Descubridor de América”, durante 90 años el Monumento señoreo en
ese sitio histórico En 1955 sobrevivió al bombardeo de Plaza de Mayo perpetrado
por las Fuerzas Armadas. En 1987, en tiempos del gobierno de Raúl Alfonsín, la
estatua fue objeto de un atentado, un explosivo estalló a pocos metros, pero no
causó daños significativos.
Por otra parte la historia del monumento tomó un giro
inesperado, de pronto comenzó un proceso de renovación de discusiones
historiográficas que involucró en la sociedad civil, generada por el
oportunismo político del segundo gobierno de Cristina Kirchner. Corría el año
2013 cuando la mandataria ordenó el reemplazo del monumento de Colón por una
obra en homenaje a Juana Azurduy, nacida en la actual Bolivia, hija de una
mestiza y de un hacendado,heroína
durante la Revolución independentista había perdidoa su familia combatiendo contra el imperio
español en los últimos años del Virreinato del Río de la Plata. De tal forma su
figura se la enfrentaba alegóricamente al Cristóbal Colón de la Conquista.La obra que homenajeaba a Azurduy fue donada
por el presidente de Bolivia, Evo Morales.
El Gobierno central aseguraba tener derecho legal sobre la
estatua, mientras que la administración opositora que gobernaba la Ciudad de
Buenos Aires se resistía afirmando que estaba bajo su jurisdicción. La batalla
legal se dirimió el 26 de marzo de 2014, cuando los gobiernos nacional y
porteño firmaron un convenio entre el Jefe de Gabinete de la Nación, Jorge
Capitanich y el Jefe de Gabinete del Gobierno de Buenos Aires, Horacio
Rodríguez Larreta, en el que acordaron los términos de la mudanza, los gastos de restauración y el nuevo lugar
de emplazamiento. Las tareas de reacondicionamiento quedaron a cargo de la
Dirección Nacional de Arquitectura y las facultades de Ingeniería y de Bellas
Artes de la Universidad de La Plata.
Monumento a Juana Azurduy detrás de la Casa de Gobierno en Buenos Aires. Foto: Fabián Marelli.
Incluido un probable traslado a la ciudad de Mar del Plata,
se perdió, fundamentalmente, la amañada batalla legal ¿Pero porqué la
administración de la Ciudad claudicó al requerimiento del Gobierno central con
tanta facilidad? No pareció mediar demasiado para defender “su monumento” y no
desairar a la mayoría de los porteños y en particular a la colectividad
italiana que lo obsequió. Aquellos que apuntan a un pacto entre el oficialismo
y la oposición afirman que la clave hay que buscarla en un acuerdo en las
sombras que finalmente autorizaba, desde nación, al Gobierno de la Ciudad a
tomar unos metros de la Autopista Illia. Ferrocarriles Argentinos les cedió
unos metros para ensanchar la autopista que pasa por el Aeroparque. Se supone
que por eso las obras de este tramo, sospechosamente las inauguraron juntos
Cristina Kirchner, presidenta de la Nación, y Mauricio Macri, jefe de gobierno
de Buenos Aires el 3 de junio de 2014.
Lo cierto es que los planteos judiciales no cesaron, esta
vez por parte de organizaciones civiles. Es por eso que las 250 piezas del
monumento histórico estuvieron años desarmadas en el espigón Puerto Argentino,
en la zona del Aeroparque Jorge Newbery. Fue recién en noviembre de 2017 que
quedó inaugurado el Paseo de la Costanera y Cristóbal Colón fue colocado frente
a río, con la vista clavada en el horizonte.
Monumento a Colón en la Costanera frente al Aeroparque Jorge Newbery. Foto: Thomas Khazki.
En el lugar donde había estado la estatua de Colón casi un
siglo, el 15 de julio de 2015 se inauguró la escultura de Juana Azurduy, obra
en bronce de gran tamaño, encargada al artista argentino Andrés Zerneri, se la
emplazó en el Parque detrás de la Casa de Gobierno. En la ceremonia de
inauguración, el líder cocalero Evo Morales remarcó su "alegría por estar
en Argentina y ver a una hermana, a una guerrillera de la independencia como
Juana Azurduy" y destacó "esta es una forma de descolonizarnos".
“¿Qué hace ahí ese genocida? (Cristóbal) Colón fue el jefe
de una invasión que produjo no una matanza, sino un genocidio. Ahí hay que
poner a un indio". Con esas palabras del ex presidente venezolano Hugo
Chávez, en una visita a la Casa Rosada en 2011 de dio inicio a la idea que con
agrado empujaría al “kirchnerismo” a reemplazar el monumento de Colón por el de
Juana Azurduy.
Tiempo más tarde, el 16 de septiembre de 2017 y después de
tantos desaguisados innecesarios,el
homenaje a Azurduy fue trasladado desde el Parque detrás de la Casa Rosada -de
donde “desterraron a Colón”-,a pocas
cuadras de allí, y hoy se encuentra próxima al que fuera el Centro Cultural
Kirchner (CCK). El motivo del traslado se justificó con un sentido entre
administrativo y urbanístico, esa fue la excusa perfecta que encontró el
Gobierno para desplazarla.
¿No hubiese sido más lógico, por ejemplo, que inicialmente
se le hubiese dado un lugar en el mismo predio a la heroína de la Independencia
cerca de Cristóbal Colón, detrás de la Casa de Gobierno, conviviendo ambas
“pacíficamente” yreivindicando ambas
historias. Pero se prefirió la prepotencia, el atropello y la demagogia del
gobierno argentino influenciado ideológicamente por la visión prepotente,
rupturista e intransigente de Hugo Chávez y Evo Morales.
Mientras en las primeras dos décadas del regreso a la
Democracia, comenzando por Raúl Alfonsín, algunas leyes fueron mejorado la
situación legal de “los pueblos originarios”, la manipulación de los mismos se
modificó en la época kirchnerista. En diciembre de 2010 pueblos
originariosde la comunidad Quom del
norte argentino llevaron reclamos a la ciudad de Buenos Aires, en pleno centro
porteño; fueroncinco meses de un acampe
y huelga de hambre. Los gobiernos de -Cristina Kirchner (2011-2015) y Alberto
Fernández (2019-2023) no los recibieron, solamente hicieron promesas
electoralistas lo que motivó que estos grupos llegaran nuevamente con ilusión
de lejanas provincias y acamparan inútilmente en el perímetro de la Plaza de
Mayo por cuatro años hasta diciembre de 2023… sin ser atendidos.
En resumen, dentro de este contexto, tras varias mudanzas,
el monumento a Cristóbal Colón en el año 2017 finalizó su periplo desde su
lugar original para ser ubicado finalmente en una de las plazoletas inauguradas
frente al Aeroparque Jorge Newbery, en el "Paseo de la Costanera" y
el de Juana Azurduy corrió la misma suerte, también fue quitado de la inmediaciones
de la Casa de Gobierno y hoy se yergue impávido frente al llamado Centro CCK
(Centro Cultural Kirchner), edificio que a partir de mayo de 2024 el nuevo
gobierno le cambió el nombre por Palacio Libertad, Centro Cultural Domingo
Faustino Sarmiento.
Monumento a Juana Azurduy frente al Palacio Libertad, Centro Cultural Domingo Faustino Sarmiento. Foto: Prensa GCBA
Es importante destacar que pasaron los años, y al recorrer
en perspectiva la enmarañada historia y compleja temática descripta sobre estos
monumentos, relevantes manifestaciones artísticas de importancia simbólica para
el patrimonio cultural en Buenos Aires, ha de reconocerse el triste final de ambas estatuas que
representan al judeo español “Descubridor” de América y a una heroína de la
Independencia, descendiente por vía materna de los pueblos originarios.
El historiador y periodista, Carlos Szwarcer, autor de este artículo
El hombre contiene multitud de cosas. Claro, es algo que se
ha dicho de otros, pero para Edgar Winter es literalmente cierto: sus
multitudes musicales por sí solas son asombrosas, y no son todo lo que él es.
Como bien saben sus fans, es un genio alegre, un mago musical capaz de resolver
cualquier problema, y para
quien no existen límites,
solo posibilidades.
Winter, un virtuoso autodidacta de casi todos los
instrumentos conocidos por el hombre, siempre ha sido intrépido en su fusión de
géneros y el uso de tecnología completamente nueva, como el sintetizador. Son
estas características las que lo han definido y lo han distinguido de su
legendario hermano mayor, el gran Johnny Winter.
Procedentes de la histórica Beaumont, Texas, Johnny (nacido
el 23 de febrero de 1944) y Edgar (28 de diciembre de 1946) nacieron con
albinismo. Ambos tenían el pelo blanco brillante y, cuando el rock & roll
inspiró el pelo largo, además de los lentes de sol modernos, su condición
compartida solo intensificó su distintiva genialidad. Mucho antes de que Bowie
adoptara la apariencia sobrenatural de Ziggy Stardust, como un extraterrestre
exótico entre nosotros, Johnny y Edgar lucían así naturalmente.
Por supuesto, la imagen por sí sola no tendría sentido sin
su asombroso talento y empuje. Dado que parecían casi gemelos, estaban unidos
por su albinismo y ferozmente comprometidos con una apasionada misión musical,
era fácil suponer que eran idénticos en todos los aspectos. En realidad, eran
fundamentalmente diferentes.
Incluso su relación con la música y sus objetivos eran
completamente divergentes. El alma de Johnny estaba totalmente dominada por un
género musical y un instrumento: el blues y la guitarra eléctrica. Su único
sueño era inquebrantable: convertirse en una estrella.
La pasión de Edgar nunca fue la fama ni el estrellato, sino
puramente la música. Desde el principio le encantó tocar y esto se convirtió en
componer, aprender sobre todos los instrumentos que pudo, hacer arreglos, tocar
y, más tarde, grabar.
Su primera aparición musical juntos fue en un programa de
radio local para niños llamado “The Uncle Willie Show”. Johnny había empezado a
tocar el ukelele a los 7 años (su padre le había enseñado los acordes) y Edgar
cantaba armonías, ya que era demasiado joven para tocar un instrumento (tenía
tan solo 4 años). A los dos les encantaba, y así comenzaron sus aventuras
musicales. Poco después, Edgar empezó a tocar el ukelele y pronto empezaron a
tocar juntos como los Everly Brothers de niños.
Cuando la ambición de Johnny de ser un héroe de la guitarra
empezó a cobrar fuerza, decidieron formar una banda con sus amigos del barrio;
el único inconveniente era que ninguno de ellos sabía tocar. Para Edgar, esto
no suponía ningún problema. Johnny elegía las canciones, se aprendía las letras
y todas las partes de guitarra. Luego, Edgar averiguaba qué hacían los demás
instrumentos, se aprendía las partes y les enseñaba a los demás niños qué
tocar. Era un arreglo perfecto para los dos.
Ahora bien, se ha hablado mucho de la rivalidad entre
hermanos en las bandas, pero esto nunca fue un problema con los Winters. A
Johnny le encantaba ser el centro de atención y Edgar se conformaba con
ignorarlo, aunque admite que finalmente (años después) también le empezó a
gustar.
Aunque eran personas muy diferentes en todos los sentidos,
el vínculo entre Edgar y su hermano mayor nunca flaqueó. La única vez que sus
caminos musicales divergieron temporalmente fue cuando Edgar comenzó a tocar el
saxofón alto (un instrumento que su padre había tocado en bandas de swing
cuando era joven) para convertirse en una especie de jazzista. Como Edgar
recordó: “Hombre, la verdad era que, a pesar de lo del jazz, el saxo era el
instrumento más rock 'n' roll que había, junto con la guitarra. Little Richard,
Fats Domino, Ray Charles, todos solos de saxo. Ya habíamos tenido otros dos
saxofonistas en la banda. Johnny simplemente no quería que YO tocara el saxo.
Me estaba metiendo tanto en el jazz (desde Ray Charles hasta Cannonball
Adderley, Coltrane y Miles) que él sabía que sería incontrolable, y tenía
razón. ¡Sigo siendo incontrolable hasta el día de hoy!”
A medida que la escena musical evolucionó y empezaron a
surgir bandas con secciones de instrumentos de viento, Johnny se entusiasmó con
el sonido blues y del R&B y Edgar volvió a la banda tocando el saxo y el
órgano. Durante este tiempo, Edgar también entró y salió de varias bandas
tocando con (y haciendo arreglos para) secciones de instrumentos de viento
reales, lo cual le encantaba. Allí conoció a muchos de los músicos que
finalmente contrataría para tocar en la banda "White Trash". Pero
siempre volvía a las bandas con Johnny.
En 1969, cuando la estrella de Johnny ascendió y de repente
se encontró famoso y tocando verdaderos conciertos para grandes multitudes, fue
natural para él acercarse a su hermano Edgar para tocar en su próximo disco y
también aparecer como invitado especial con su trío de blues en la gira.
“Esta fue mi primera experiencia con espectáculos a nivel de
concierto, y todo era totalmente nuevo para mí (y para Johnny también, de
hecho)”, explicó Edgar. Esto también marcó el comienzo de un momento singular y
crucial en la carrera de Edgar: Woodstock. Como Edgar contó, “Volamos a
Woodstock en helicóptero, y lo primero que me impactó fue el AMBIENTE. Todo el
evento se desarrolló en el contexto social de los Derechos Civiles y el
movimiento por la Paz. Había una sensación de unidad, de pertenencia, de ser
parte de algo que podría marcar una verdadera diferencia.
“Estando en ese escenario experimenté un momento de
claridad, una epifanía que me transformó. Al mirar ese mar infinito de
humanidad, me pregunté cómo había llegado hasta aquí. Era algo totalmente
incomprensible para mí, y de repente me di cuenta de que la música podía ser
mucho más que una belleza artística, ¡podía tener un propósito más elevado!
Podía llegar a la gente, uniéndola de una manera que nunca antes había
considerado. Ver a todas esas personas unidas de esa manera única provocó un
cambio total en mí. Después de Woodstock, comencé a considerar realmente lo que
podría significar ser un artista, no solo un músico”.
Cuando Edgar regresó de esa gira, comenzó a escribir en
serio. Como él mismo lo describió: “Tenía muchas ideas y numerosos fragmentos
de jazz y piezas clásicas que había estado componiendo solo por diversión.
Nunca había entendido por qué la música tenía que separarse en géneros, ni había
aceptado la idea de que las canciones nunca podían durar más de 3 minutos. Para
mí, los Beatles habían desmentido y roto esas supuestas reglas hace mucho
tiempo. Mi idea era tejer estas diversas piezas en un todo cohesivo, una
especie de sinfonía con temas recurrentes y diferentes movimientos: algo de
jazz, algo de música clásica, algo de rock, algo de blues. ¿Por qué no?”
En esa época, el representante de Johnny empezó a
interesarse seriamente por lo que hacía Edgar y organizó una reunión con el
presidente de CBS Records, Clive Davis. Clive y Edgar pronto se encontraron
enfrascados en una profunda conversación sobre música y el intenso interés de
Edgar por la experimentación que desafiaba los géneros. Clive quería escuchar
más (y, poniendo a Edgar en un aprieto), organizó una audición improvisada o
una presentación para una sala repleta de ejecutivos musicales. Edgar empezó con
el blues. Tobacco Road, que estaba tocando con su hermano Johnny, recibió un
aplauso abrumador, y un par de piezas de rock más rítmicas hicieron que todos
se movieran.
Cuando finalmente la sala se despejó, Edgar le explicó e
interpretó para Clive algunas de las piezas de jazz y clásicas más esotéricas
en las que había estado trabajando. La reunión concluyó y los dos se dieron la
mano, y Clive le dijo que se pondría en contacto. En pocos días, y para gran
sorpresa de Edgar, firmó con Epic Records (Johnny ya estaba en el sello hermano
Columbia), y el contrato le daba total libertad para grabar lo que quisiera.
“Tengo una gran deuda de agradecimiento con Clive. Si no fuera por su fe,
confianza y creencia en mí como artista, el álbum Entrance probablemente nunca
se hubiera hecho”, reflexionó Edgar. Y con eso, su carrera realmente había
comenzado”.
Así, en 1970 se publicó el álbum debut de Edgar, Entrance,
que incluía su obra maestra clásica y emotiva “Tobacco Road” y lo catapultó al
estrellato nacional. Edgar lo considera “la música más purista que he hecho, en
el sentido de que estaba totalmente libre de cualquier consideración comercial.
No conozco ninguna otra pieza musical que realmente mezcle jazz, música
clásica, rock y blues de esa manera. Era algo nuevo y nunca ha habido nada
parecido antes ni después, que yo sepa”.
Entrance fue también lo más cerca que él y Johnny estuvieron
de una verdadera colaboración. “Realmente no me consideraba un artista todavía.
Todavía era solo un músico, ni me consideraba un letrista. Así que le pregunté
a Johnny si podía intentar escribir letras para algunas de las canciones que yo
tenía. Empecé a revisar y refinar algunas de las que se le ocurrían, y eso me
inspiró a empezar a crear mis propias ideas. Ese fue mi nacimiento como
compositor. Se abrió un mundo completamente nuevo”.
La carrera de Edgar siguió siendo tan dinámica y completa
como su habilidad musical. Abarca más de cinco décadas y los detalles podrían
llenar volúmenes, pero para abreviar, aquí se presentan algunos puntos
destacados a grandes rasgos.
Después de Entrance vinieron dos álbumes de éxito
respaldados por su grupo White Trash, en realidad una reunión de sus viejos
amigos y otros músicos de Texas y Louisiana. White Trash disfrutó de un gran
éxito, tanto con el lanzamiento en 1971 del álbum de estudio, Edgar Winter's
White Trash, como con el siguiente, el álbum de oro en vivo de 1972, Roadwork.
Este álbum incluía "Cool Fool", una canción grabada en vivo en el
legendario Teatro Apollo, siendo White Trash uno de los primeros grupos blancos
a los que se les concedió el honor de aparecer en ese gran escenario.
Edgar aplicó su musicalidad natural incluso a nuevos
instrumentos como el sintetizador, muy controvertido en su época y acusado de
deshumanizar la música. Edgar no estaba de acuerdo diciendo: “Miren un piano:
varillas, pedales, martillos y cuerdas, es una máquina. Un buen símbolo de la
revolución industrial. Ahora miren un sintetizador. Osciladores capaces de
producir una infinidad de sonidos, capaces de introducir modulaciones como
pitch bend, vibrato y growl, muy parecido a la voz humana. Sigue siendo una
máquina, pero es una máquina inteligente. Más un símbolo de la Era de la
Información, es tan ilimitado como la imaginación humana y tan flexible como la
mente que la controla. Ahora díganme, ¿cuál les suena más humano?”
Cuando en los años 70 empezaron a surgir los primeros
modelos primitivos, entre ellos el ARP, Edgar se sumergió profundamente en su
potencial y, junto con otros innovadores como Stevie Wonder (que tocaba el
Moog), fueron pioneros en el uso del sintetizador en la música rock y pop. A
diferencia de muchos que al principio lo consideraban frío y robótico, Edgar
descubrió que era todo lo contrario. “Creo que es uno de los instrumentos con un
sonido más humano que existe”, afirmó. “Sonará como cualquier cosa que puedas
imaginar. ¿Qué podría ser más humano que eso?”.
Fiel a la personalidad que a menudo se le atribuye como el
científico brillante pero excéntrico que libera los poderes no descubiertos de
la creación de monstruos musicales, parece capaz de resolver cualquier
problema. Al querer la misma libertad de movimiento en el escenario con el
sintetizador que disfruta naturalmente un guitarrista, convirtió el
sintetizador en un "hacha móvil" al inventar la primera correa para
el cuerpo del teclado. Esto también permitió que el público viera claramente lo
que estaba haciendo el intérprete y lo relacionara con el sonido del
instrumento. Podría decirse que esta fue una innovación que cambió la cara de
la música y, sin duda, el mundo del teclado.
A finales de 1972, Edgar reunió a Dan Hartman, Ronnie
Montrose y Chuck Ruff para formar The Edgar Winter Group. Fue con esta
legendaria banda con la que Edgar creó su canción más famosa, y la que más se relaciona
con su legado, “Frankenstein”. Esta canción monstruosa llegó hasta el número
uno de las listas, una hazaña asombrosa en sí misma, pero aún más rara para un
instrumental, especialmente uno que también fue el primero en presentar el
sintetizador como instrumento principal. El tema principal era un riff de blues
pesado que Edgar había creado años antes mientras tocaba con el trío de Johnny
y que adaptó para el sintetizador. También incluía una sección de percusión con
tambores y timbales. La experimentación continua de Edgar con el sintetizador
llevó a la adición de más secciones inspiradas en sonidos recién creados hasta
que la pieza se convirtió en una larga improvisación de veinte minutos. El
hecho de que usara el teclado la convertía en un tema espectacular que siempre
cerraba el espectáculo.
Fue grabada accidentalmente, luego editada, cortada y unida
nuevamente en una forma de poco más de cuatro minutos de duración. Este proceso
de desmembramiento y reensamblaje es como la canción obtuvo su nombre, y así
nació el monstruo "Frankenstein". Como continuación, Edgar lanzó una
canción en la que siempre había creído, "Free Ride", escrita por Dan
Hartman. Era un tipo de canción completamente diferente, muy alegre, con un
tipo de inocencia casi juvenil. Sin embargo, tener las palabras Free y Ride en
ella la convirtió en una canción de motociclistas enormemente popular. Con eso,
la validez del grupo quedó firmemente establecida.
Lanzada en 1973, They Only Come Out at Night alcanzó la
posición número 3 en el Billboard Hot 200 y permaneció en las listas durante
unas impresionantes 80 semanas. Fue certificada como disco de oro en abril de
1973 y doble platino en noviembre de 1986.
El siguiente lanzamiento fue Shock Treatment, seguido por un
álbum en solitario más ecléctico de Edgar llamado Jasmine Nightdreams. Luego
vino The Edgar Winter Group con Rick Derringer (que se unió al grupo para
reemplazar a Ronnie Montrose). Los
álbumes posteriores incluyeron Together: Edgar and Johnny Winter Live,
Recycled, una reunión con White Trash, Standing On Rock, Mission Earth, Live In
Japan, Not A Kid Anymore, The Real Deal y Winter Blues, Live At The Galaxy,
Jazzin' The Blues y Rebel Road. También el video del concierto Reach For It:
Live At The Albert Hall y un documental, Edgar Winter: The Man and The Music.
Además de
sus discos, la música de Edgar ha aparecido en más de 15 películas y proyectos
de televisión, entre los que se incluyen: Netherworld, Air America, My Cousin
Vinny, Encino Man, Son In Law, What's Love Got to do With It, Wayne's World 2,
Starkid, Wag the Dog, Knockabout Guys, Duets, Radio, Los Simpsons y Queer as
Folk.
La cautivadora y hermosa canción de Edgar, “Dying to Live”,
aparece como “Runnin (Dying To Live)” en la película “Tupac Resurrection”, la
biografía de Tupac Shakur. Producida por Eminem, la canción utiliza los
talentos vocales de Notorious BIG, Tupac y el propio Edgar Winter. “Runnin”
está en numerosas listas de Billboard. Alcanzó el puesto número 5 en la lista
Hot R&B/Hip Hop Singles Sales, y el CD de la banda sonora fue número 1
durante 8 semanas consecutivas. Edgar también ganó la prestigiosa Playboy Jazz
Poll (para saxofón alto) varios años seguidos en los años 70. Consideró que uno
de los verdaderos honores de su carrera fue haber recibido el premio de manos
de uno de sus héroes del jazz, el icónico compositor, pianista y director de
orquesta Duke Ellington.
Es un reto intentar condensar una vida tan rica y prolífica
como la de Edgar. Para contar su historia, aunque sea a grandes rasgos, hay que
hablar también de sus actuaciones en directo. “Hay muchos espectáculos y
lugares que se destacan en mi memoria por haber sido especiales: la primera vez
que toqué en el Royal Albert Hall, el Madison Square Garden con entradas
agotadas, el saludo de cumpleaños de las estrellas de Les Paul en el Carnegie
Hall”, reflexiona. “Y hay muchos músicos de fama mundial que nunca soñé que
tendría la oportunidad de conocer, y mucho menos de tener la oportunidad de
tocar con ellos. El gran Leon Russell y yo tuvimos una banda juntos durante
bastante tiempo, lo que me dio la oportunidad de tocar realmente el saxofón. Y
después de eso tuve el honor de tocar con el mágico Michael McDonald en su
primera banda como solista después de los Doobie Brothers. Fue una experiencia
increíblemente inspiradora. Y finalmente recibí otra llamada que nunca esperé.
Una invitación para tocar con El Más Grande, Sir Ringo Starr y su banda All
Starr. Lo único que puedo decir es que tocar con Ringo ha sido una de las
mejores experiencias de mi vida.
Y finalmente, para cerrar el círculo, aquí está mi último y
más reciente momento significativo. Estoy en el legendario estudio Capitol
Records, donde se grabó parte de la música más famosa jamás hecha. He soñado
con grabar aquí durante años y sabía que algún día sucedería. Ahora, ese
momento ha llegado. Estoy aquí para establecer las pistas básicas para mi
próximo disco. Es un álbum tributo dedicado a mi hermano, que falleció en 2014.
Lo llamaré 'Brother Johnny'”.
“Cuando éramos niños”, dijo Edgar, “a los dos nos encantaba
la música, pero Johnny tenía ese empuje y determinación. Tenía un sueño, una
ambición ardiente. ¡Quería ser una estrella! A mí me encantaba la música en sí
misma, simplemente por la belleza del ritmo y la armonía; era un mundo
profundamente personal y privado para mí. Pero Johnny quería ser famoso... Él
era Johnny “Cool Daddy” Winter, con la guitarra, el tupé, las gafas de sol y
las chicas. Yo era el chico tranquilo que tocaba todos los instrumentos”.
Ahora, ese chico tranquilo lanzará una carta de amor musical
a su primer campeón. Brother Johnny es un álbum que ha estado considerando
desde la muerte de Johnny en 2014, y una gira que tenían programada para tocar
juntos. Años de preparación, fusiona la pasión de toda la vida de Johnny por el
blues eléctrico con la calidez del amor genuino de un hermano. "No importa
cuánto tiempo pase", dijo Edgar, "o qué edad tenga, lo que suceda en
mi vida o lo lejos que termine de casa, hay una persona en este mundo que sé
que siempre entenderá por lo que he pasado, cómo me siento. Y esa persona es mi
hermano Johnny".
“De niños, éramos inseparables, mucho más unidos que los
hermanos promedio. No solo aprendimos a tocar música juntos, sino que, como
ambos éramos albinos, compartíamos una perspectiva personal única sobre la
vida, diferente a la de cualquier otra persona… Nos han pasado muchas cosas
desde entonces, pero hay algo que siempre seguirá siendo igual: ese vínculo de
hermandad, de familia, de música y de amor”.
“Así que en su nombre”, dijo, “dedico este álbum, Hermano
Johnny”.
Brother Johnny se lanzará mundialmente en Quarto Valley
Records el 15 de abril de 2022 en todas las plataformas y en todos los
formatos.
Edgar y su encantadora esposa, Monique, continúan viviendo
en Beverly Hills y les envían sus mejores deseos a todos ustedes.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus éxitos:
Free Ride.
A continuación, de
Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión
de la Orquesta Sinfónica de Boston, dirigida por William Steinberg.
Haris Alexiou apareció en la escena musical griega a
principios de la década de los 70. Su carismática voz, combinada con un modo
único de actuar y una fuerte presencia escénica, la llevaron muy pronto a lo
más alto. Hoy en día todavía está en la cima, trabajando siempre duro, buscando
siempre nuevas maneras de expresión y dando siempre prestigio y valor a la luz
contemporánea y a la música popular griega. Ha trabajado con los compositores griegos
más importantes, ha actuado en los mejores teatros musicales de los cinco
continentes y ha recibido varios premios de primer orden.
Ha grabado más de treinta álbumes propios, ha participado en
álbumes de otros artistas, tanto famosos como jóvenes prometedores, y ha estado
siempre atenta a los nuevos caminos abiertos por la música.
En septiembre de 2003, salió a la venta el nuevo álbum de
Haris Alexiou titulado To the End of your Heaven. Incluye treinta canciones
escritas por diversos compositores y letristas. Cuatro de estas canciones están
escritas por Haris Alexiou. El resto han sido escritas por compositores griegos
conocidos, como Antonis Vardis, George Theofanous, Manolis Famelos, “Ekinos +
Ekinos” (Tassos Voyadjis y Solon Apostolakis), Makis Seviloglou, Panayotis
Yatrakos y Sophia Argyropoulou. Dos de las canciones son interpretadas por
Haris Alexiou, una con Yannis Kotsiras y otra con Filipos Pliatsikas, del grupo
PYX-LAX. Es un trabajo que recopila diversos estilos, entre los que se encuentran
el “laiko” (música popular tradicional), baladas y canciones modernas, pero
todos ellos compartiendo un concepto común con respecto al sonido. Toda la obra
se caracteriza por una aproximación directa al público, ya que incluye trece
temas cortos en los que cada oyente puede descubrir algo de sí mismo.
El primer paso importante de su carrera fue su participación
junto a George Dalaras en el álbum Mikra Asia/ (Asia Minor) escrito por
Apostolos Caldaras y Pythagoras en 1972. Se convirtió en un álbum histórico, el
mayor éxito de la década de los 70, y fue legítimamente incluido en la lista
“MINOS-EMI’s 100 Greatest Hits of the Century”.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con Telli Telli
Telli, Homenaje a Manos Loizos.
El Diario Infobae, en su edición digital. publicó esta información.
La Corte Suprema firmó un convenio con el
Museo del Holocausto para luchar contra la
discriminación
El presidente del Museo del Holocausto,
Marcelo Mindlin, había propuesto la firma del
acuerdo al titular de la Corte
Horacio Rosatti hace unas semanas
26 Dic, 2024 06:53 p.m. AR
Guardar
Entrega de premios Asociacion Abogados Judios (Jaime Olivos)
La Corte Suprema de Justicia de la Nación, la Fundación Memoria del Holocausto y la Asociación de Abogados Judíos de la República Argentina firmaron un convenio de cooperación para combatir el antisemitismo y la discriminación en el ámbito de la Justicia. Entre los objetivos está la colaboración y cooperación para desarrollar y promover actividades de capacitación, investigación y difusión sobre esta temática.
El 11 de diciembre pasado, en la sede del Museo del Holocausto de Buenos Aires, la Asociación de Abogados Judíos (AAJRA) llevó adelante la entrega de distinciones al presidente de la Corte, Horacio Rosatti; el juez de Casación Mariano Borinsky;la filósofa Diana Cohen Agrest, fundadora de la Asociación Civil Usina de Justicia; y el Consejo de la Magistratura en pleno. Durante el acto, el presidente del Museo del Holocausto, Marcelo Mindlin, convocó a la firma de un acuerdo de colaboración con la Justicia.
“Gracias a nuestro trabajo con AAJRA, desde el Museo hemos firmado convenios que revisten de especial importancia con la Asociación de Magistrados, el Ministerio Público de la Defensa, la Cámara Federal de Casación Penal y hoy con la Corte Suprema de la Provincia de Tucumán”. ”También nos han visitado grupos de juezas, de distintos juzgados y equipos de trabajo. Estos encuentros son una gran oportunidad para generar instancias que nos permitan capacitar a los funcionarios del Poder Judicial, en las múltiples aristas que nos brinda la memoria de la Shoá”, agregó.
Fue así que invitó a Rosatti “a suscribir un convenio de cooperación con nuestro Museo que sin dudas será una gran señal a nivel nacional para poder expandirlo definitivamente en todo el poder judicial”.
A la hora de tomar el micrófono, Rosatti recogió el guante de la invitación del discurso previo y se comprometió a firmar en los próximos días el convenio entre la Corte Suprema y el Museo del Holocausto. También destacó que las visitas a la sede forman parte de los cursos en la Escuela Judicial, porque “las conductas antisemitas tienen que tener una sanción al interior del Estado”.
En la foto, el presidente del Museo Marcelo Mindlin, el presidente de la Corte Rosatti, el presidente de AAJRA, Hernán Najenson, el presidente de la Cámara Federal de Casación Penal, Mariano Borinsky, la filosofa Cohen Agrest y los miembros del Consejo de la Magistratura (Jaime OIivos)
Ese convenio se sustanció este jueves con la firma de los jueces de la Corte Rosatti, Carlos Rosenkrantz y Juan Carlos Maqueda. Según se estableció, tendrá una vigencia de dos años prorrogable automáticamente, con posibilidad de rescisión por cualquiera de las partes con un aviso previo de 30 días.
“La Fundación Memoria del Holocausto propone un convenio de cooperación entre esta Corte, la Asociación de Abogados Judíos de la República Argentina y esa entidad con el objeto de fortalecer la lucha contra el antisemitismo y toda forma de discriminación. El antisemitismo es una problemática que debe ser abordada en colaboración con aquellas instituciones que, sean del ámbito público o privado, dedican sus esfuerzos a lograr una mejor comprensión de ese fenómeno y a analizar las herramientas para prevenirlo y enfrentarlo”, señala el máximo tribunal en sus considerandos. Por ello, el convenio busca “desarrollar y promover de manera conjunta actividades de capacitación, investigación y difusión referidas a esa temática”.
Fundada en 1994, la fundación Memoria del Holocausto es un espacio vivencial que integra la historia del Holocausto-Shoá y sus repercusiones en la Argentina, con el objetivo de educar a las nuevas generaciones y preservar la memoria. A través de objetos, documentos y testimonios de los sobrevivientes se exhibe un recorrido que da cuenta del proceso de exterminio de seis millones de judíos a manos de la Alemania nazi. Tiene como misión fundamental preservar la memoria de la Shoá y profundizar en su comprensión a través de investigaciones. Además, busca difundir este conocimiento entre el público en general con el fin de educar y concientizar sobre temas relacionados con el Holocausto, como el racismo, la discriminación, la xenofobia y el antisemitismo.
En septiembre pasado, el Consejo de la Magistratura adoptó la definición de antisemitismo aprobada por la Alianza Internacional para el Recuerdo del Holocausto (IHRA), que sostiene: “El antisemitismo es una cierta percepción de los judíos que puede expresarse como el odio a los judíos. Las manifestaciones físicas y retóricas del antisemitismo se dirigen a las personas judías o no judías y/o a sus bienes, a las instituciones de las comunidades judías y a sus lugares de culto”.
En el acto en el que se generó la idea del acuerdo suscripto hoy, Rosatti había sostenido que “las conductas antisemitas tiene que tener una sanción al interior del Estado y el Poder Judicial debe dar el ejemplo en estos aspectos, con la conducta de sus propios integrantes para poder luego sancionar a los terceros”.
Además, llamó a “entender la gravedad” que tiene este tipo de discriminación y a asumir “un compromiso militante que se traduzca en hechos concretos”.
