Pierre Henry nació en París, Francia, el 9 de diciembre de 1927, y murió en su ciudad, el 5 de julio de 2017. Músico, compositor.
El sitio www.pierre-henry.org
publicó esta biografía firmada por Franck Mallet.
Pierre Henry
Demiurgo de los tiempos modernos
por Franck Mallet
A principios de la década de 1950, Pierre Henry inventó la
“música concreta” junto con su padre, Pierre Schaeffer. La música ya no se
escribe con notas de una partitura, sino a partir de los sonidos y ruidos de
nuestro entorno, recopilados, editados y transformados gracias a la máquina.
Los medios son rudimentarios, pero la imaginación se desborda hasta el punto de
levantar la tapa de la olla de los Modernos.
En la posguerra, cuando algunos intentaban ponerse el traje
modelo del pequeño dodecafonista perfecto, mientras otros, nostálgicos, se
aferraban a un romanticismo de moda, Pierre Henry, primero en el Studio d'Essai
de la radiodifusión francesa y luego solo contra En definitiva, defiende el
suprematismo de los objetos manipulados. Muy pronto me llamó la atención esta
frase de Víctor Hugo de Hechos y Creencias: “Todo ruido escuchado durante mucho
tiempo se convierte en voz”, dijo: “Los ruidos no existen, sólo hay sonidos. »
Incluso antes de conocer a Messiaen, que fue su maestro, veía la naturaleza
como fuente de rituales.
Así creó, siendo niño, toda una lutería compuesta de pianos
falsos y timbales retocados: “cosas que sonaban”. Atormentado por los sonidos,
los aísla para transformarlos y los pesa para medir su valor. Tras dejar el
Conservatorio, Pierre Henry se convirtió en pianista y percusionista, pero
también en compositor.
En 1945, comenzó como timbalero solista en la Orquesta de
Cadetes del Conservatorio durante una gira de dos meses por la Alemania
ocupada. En 1946, como vibráfono solista, partió hacia Escandinavia con la
Orquesta de la Sociedad del Conservatorio dirigida por André Cluytens. Al año
siguiente, fue piano solo de la Orquesta Lamoureux, timbalero de la Ópera de
París (de 1947 a 1949), teclista de la Comédie Française e incluso fue
timpanista exclusivo de la Messe des piroguiers Chailly de Jacques, tocado
muchas veces en varios iglesias en París y en provincias.
Y fue también entre 1947 y 1949 cuando el director de
orquesta André Girard lo tomó bajo su protección y lo contrató como pianista y
percusionista para grabaciones de estudio de partituras cinematográficas: ¡un
primer contacto con el cine!
El joven aprecia que los objetos se le resisten, le gusta
probar su resistencia y su complejidad: “Querer ir más allá de la orquesta,
encontrar nuevos sonidos, no era una idea nueva. Sin embargo, para mí no llegó
a través del instrumento, sino a través de la imaginación, a través de una
descripción mental de los sonidos. »
El estudio de pruebas RTF
Béjart y el teatro en movimiento
El estudio Apsome
Reuniones…
cine
Sesiones de psicorock
“La Casa de los Sonidos, Pierre Henry en casa”
Conciertos y eventos
Grandioso y delirante Décimo Remix
Bach, versión “ópera espacial” con El arte de la fuga Odisea
Paroxismos o el “África fantasma” de Roussel, Michaux y
Leiris
El hilo de la vida, “Libro del principio y del fin”
Misa por el tiempo, Grand Remix
Orquesta
electropop
Fundido a
negro en The Note Alone, “One Night, One Life”
Demiurgo de un apocalipsis alegre
El estudio de pruebas RTF
En el RTF Test Studio, al que se incorporó en 1949, se
convirtió en director de proyectos del Concrete Music Research Group (GRMC) dos
años después. El uso del groove cerrado –ese fragmento de un disco rayado de 78
rpm, repetido en loop y desconectado de su contexto– se convierte en una nueva
fuente sonora y multiplica su interés por la edición y la mezcla.
Sumado a los efectos de reverberación, el objeto sonoro se
va moldeando poco a poco y sella los cimientos de la música concreta: estos
son, en los años 50, la obra fundacional Sinfonía para un solo hombre ,
coautora con Schaeffer, el Concierto de las Ambigüedades , Sin título Música ,
Orphée 53 y Haut-Voltage. Como mago de las leyes químicas, aquí se inclina por
encima de la materia, explora su instrumento, el piano, prepara nuevos sonidos
que filtra a través de máquinas con nombres fabulosos como el “fonógeno”, que
nos permite actuar a la velocidad de una cinta magnética.
En otros lugares, en plena demostración de radiodifusión
espacial, está rodeado de anillos futuristas suspendidos del techo o de
círculos metálicos colocados en el suelo (¿micrófonos, altavoces?), en plena demostración
de radiodifusión espacial. Más allá del fenómeno científico, hay conjuro y, oh
alegría, engaño en este gesto artesanal.
Su mágica procesión nos deleita y nos arrastra a un arte de
retocar que sólo puede rivalizar con los montajes visuales de Max Ernst, que
también conoció el arte del collage, la transformación y las conexiones más
comunes e inesperadas.
Como la mano frecuentemente presente en la obra de Ernst, la
mano experta del percusionista convertido en compositor manipula y experimenta:"Félix
Passeronne, mi profesor en el Conservatorio, me enseñó el tacto, el gesto que
produce un temblor o un trueno. Todos estos gestos vuelven a mis grabaciones
sonoras.»
Béjart y el teatro en movimiento
En 1954 conoció a Maurice Béjart. Gracias a él, se libera de
la escritura musical, no se encierra en el sonido concreto: “De mi relación con
Béjart, extraje una especie de instinto de escenógrafo, hasta el punto de
concebir la iluminación en sus más mínimos detalles. Básicamente, a partir de
los años 70, su sentido del teatro se apoderó de todos mis conciertos.»
El teatro, hasta ahora embrionario en su gesto sonoro, se
desarrolla hasta crear su propia dramaturgia. La polifonía de los cuerpos de
los bailarines responde a la de la música; es un teatro en movimiento, un
ritual que secreta su propia forma, determina una acción. El tándem realizó un
número impresionante de espectáculos: más de quince, desde Batterie fugace en
1950 hasta Tokio 2002, en 2006. Mientras tanto, podemos citar Symphonie pour un
homme solitaire (1955), Haut-Voltage (1956), Orphée Ballet. (1958), Variaciones
para una puerta y un suspiro (1963) — entró en el repertorio de la Ópera de
París en 2006 —, La reina verde (1963) y, por supuesto, la espeluznante Messe
pour le temps present , creada en Aviñón en 1967.
En 1971, Mouvement-Rythme-Étude, que reúne todos los
protocolos de la danza, se convierte en el ballet de Nijinsky Clown de Dieu
para Béjart. La asociación Pierre Henry-Maurice Béjart es garantía de calidad e
incluso de éxito, lo que no deja de suscitar críticas. La duda se instala en
las mentes descontentas: “¿Cómo se atreve un artista a ganar dinero? ".
Pierre Henry no tiene nada que ver con estas acusaciones: a
este precio se gana la libertad de pensamiento. El colmo del sacrilegio, sus
Jerks de la Messe electrónicos lanzados a 45 rpm en 1968, se colocaron en el
hit parade. El estrecho mundo de la música contemporánea nunca lo perdonará…
El estudio Apsome
Excluido de la RTF tras importantes desacuerdos en 1958, y
por tanto privado de su biblioteca sonora, tuvo que empezar de cero con el
pequeño material que tenía, que instaló... en casa de sus padres: Pierre Henry,
pionero del "home studio".
Visitando Barclay y Decca, constatando la superioridad
técnica del equipo de grabación sobre el de la radio, fundó a la edad de 31
años con su amigo Jean Baronnet su propio estudio Apsome, rue Cardinet en París,
el primer estudio privado de música electroacústica en Europa. -fundado.
Allí realizó innumerables “trabajos alimentarios” – ¡Ah,
aquella vaina de escándalo en 1958! –, con el fin de equipar su estudio
mientras aborda grandes obras como Le Voyage (1962) y Variations pour une porte
et un sigh (1963).
Reuniones…
Innovador radical, después de haber creado varios
"éxitos" que marcarán su época - Sinfonía para un solo hombre y Misa
para la actualidad - no se detiene ahí y amplía su actividad a través de nuevas
y siempre fructíferas colaboraciones con artistas visuales, coreógrafos,
cineastas o documentalistas, cuando no lo solicite la publicidad…
A través de encuentros casuales, el poeta Henri Michaux le
presentó un disco de música japonesa. Inmediatamente creó grooves cerrados,
estos loops que samplea y utilizará regularmente en sus frescos sonoros, desde
Untitled Music (1950) hasta Initiatory Journey (2005). En contacto con
cineastas, dio forma a nuevas partituras, cuando no se basaban directamente en
su catálogo: Aube de Jean-Claude Sée (1950), Astrologie de Jean Grémillon
(1953), Maléfices de Henri Decoin (1962) – sus primeros 45 rpm. ! – Asesinos de
la Orden de Marcel Carné (1971) o Más allá de la realidad de Ken Russell
(1980).
Encontramos en la obra de Pierre Henry correspondencias
extraordinarias con artistas visuales, en particular los del Nuevo Realismo,
como esta Sinfonía Monoton n° 2 (o Monochromie) ofrecida como regalo de bodas a
Rotraut e Yves Klein, en 1962, homenaje al inventor del monocromo. En pintura,
un solo sonido se prolongaba durante una hora y dieciocho minutos. Por otra
parte, la abundancia de sus colores encuentra eco en la pintura de Georges
Mathieu y su arte de la repetición se entrelaza con las obras de Arman, a quien
están dedicadas las Variaciones para una puerta y un suspiro. Pierre Henry se
hace amigo de Raymond Hains y François Dufrêne: el arte escénico de los Nuevos
Realistas está en consonancia con sus rituales sonoros.
Incluso colaboró con
Dufrêne, cuya formación literaria y su gusto por los
juegos de palabras favorecieron su creatividad. La característica voz del poeta y el juego de
sus “cri-ritmos” atraviesan el universo fantástico
de varias piezas de los años sesenta: Souffles I y II du Voyage , La Noire à
Sixante (1961), Granulométrie (1967) y Fragments pour Artaud (1970). – y mucho
más allá.
Cine
En cuanto a los realizadores del documental, Pierre Henry
está en simbiosis con el mundo de Painlevé. En Les Amours de la octopus (1965),
su música crea un comentario, una dramaturgia, y golpea con obsolescencia estas
enfáticas partituras orquestales que, hasta entonces, parasitaban los
documentales. Experimentador empedernido, improvisa sonidos a partir de sus
propias ondas cerebrales utilizando “corticalart”, un sistema electrónico
inventado por Roger Lafosse en 1971.
El cine mudo, el de los años 20, también estimula la
imaginación: hay que volver a escuchar los sonidos creados para Berlín,
Sinfonía de una gran ciudad de Walter Ruttmann (1927) o para El hombre de la
cámara de cine de Dziga Vertov (1928). En esta orgía de ruidos domesticados y
sincronizados con la imagen de la gran pantalla, el compositor está en ósmosis
con la musicalidad natural de la técnica cinematográfica, entre superposición,
superposición, aceleración y cámara lenta.
Ciertamente reinvierte una vanguardia históricamente
anticuada, pero su gesto sonoro redescubre, setenta años después, el fervor
original, la invención y este formidable gusto por la experimentación del cine
emergente.
Sesiones de psicorock
A partir de mediados de los años 1960, la reputación de
Pierre Henry traspasó fronteras. ¿No afirmó Mojo, la famosa revista de rock
inglesa, en 2001 que la historia de la música del siglo XX habría dado un
vuelco si, en 1966, los Beatles hubieran colaborado con Pierre Henry, como lo
había hecho Paul McCartney? Como otros músicos de rock, quedó impresionado por
la grabación de Variaciones para una puerta y un suspiro, publicada en la
colección “Prospectiva del siglo XXI”.
Además de los Beatles, que permanecieron en el estudio más
de cuatro meses para grabar su famoso disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club
Band (1967) utilizando medios similares a los de la música concreta (edición,
mezcla, efectos tímbricos, regrabación, groove cerrado, etc.), uno se
sorprendería de la cantidad de artistas o grupos de música pop que
profundamente influenciado por la música de Pierre Henry, de Soft Machine a
Gong y de Frank Zappa a Jimi Hendrix…
Asimismo, el psicodélico Pink Floyd no pudo ignorar The
Green Queen (1963) cuando grabó Ummagumma en 1969 y dos años más tarde
"Echoes" en el disco Meddle. Y, del pop al techno, hay que dar un
salto de diez años para que los más jóvenes lo redescubran y lo coronen como el
papa del electro.
Un poco avergonzado e incluso molesto al comprobar que los
Jerks electrónicos de su Messe, coautor de Michel Colombier, siguen viviendo
sin él, primero pirateados, levantados y salvajemente transformados por los DJ,
finalmente observa este fenómeno con filosofía.
Psyché Rock vuelve a recorrer el mundo, reseñado por Fatboy
Slim, William Orbit, Coldcut y otros, que le rinden homenaje con el álbum
Métamorphose (1997), seguido de Psychérocksessions (2000), ahora reeditado en
vinilo. Treinta después de la Misa, el círculo se completa: Pierre Henry se
presta al juego y “repasa una capa” sobre sus propios remixes y los de William
Orbit, para un nuevo presente de Fantaisie Messe pour le temps (1967/1997).
“La Casa de los Sonidos, Pierre Henry en casa”
Así como Pierre Henry no es el músico de una época, no es un
compositor de “música contemporánea”, en el sentido un tanto restrictivo del
término. De lo contrario, ¿a qué otro compositor se le habría ocurrido invitar
a los oyentes a descubrir sus obras en casa, con amigos, en su casa? Diseñado
como una inmensa Torre de Babel donde se archivan miles de sonidos, ubicado en
el distrito 12 de París, su estudio Son/Ré, creado en 1982, cuenta con el apoyo
del Ministerio de Cultura y de la ciudad de París, luego de Sacem.
Es allí, en esta “Casa de los Sonidos”, primero por
iniciativa del Festival de Otoño, luego bajo los auspicios de los espectáculos
en vivo del Centro Pompidou, donde acuden regularmente los más fieles, sesenta
en número, todas las noches. Desde el sótano hasta el segundo piso, desde la
cocina hasta el dormitorio, pasando por las bibliotecas, el oyente penetra en
el corazón del sonido de Pierre Henry, sobre todo porque las pinturas de
hormigón del músico en las paredes nos recuerdan que su mente también vaga por
la historia de los instrumentos, y máquinas y a través de su música, modulada
desde su consola y espacializada por toda la casa gracias a la instalación de
cerca de ochenta altavoces.
En 1996, se abrieron las puertas durante seis semanas para
el estreno de Interior/Exterior; seguida de Drácula en 2002 y Viaje de
iniciación, tres años después. El festival Paris Quartier d'été se hizo cargo
en 1998, luego en 2008, nuevamente en 2009, con Dieu, donde encontró al actor
Jean-Paul Farré que vagaba de una sala a otra, y finalmente en 2010.
A su lado, sus seres queridos trabajan en la sombra; Son
ellos quienes, a veces desde hace casi cuarenta años, aseguran el buen
funcionamiento de la velada y la ayudan en sus viajes de organización, técnica
y difusión: Isabelle Warnier, Bernadette Mangin y Étienne Bultingaire.
Conciertos y eventos
Maestro del acontecimiento, Pierre Henry renueva las
condiciones de escucha, "en casa", como cuarenta años antes, en 1967,
durante un "concierto tumbado" en el Sigma de Burdeos, o con motivo
de este concierto maratónico de veintiséis personas. Horas impartidas al año
siguiente, en París, por invitación de Maurice Fleuret.
¿La Olimpia reservada a la música popular? No, en compañía
del grupo de rock Spooky Tooth y las “cineformas” psicodélicas de Thierry
Vincens, participó de un espectáculo total con Ceremony (1969). Tres años más
tarde, como fiel maestro de los "sonidos animados" en el escenario
del Cirque d'Hiver de París, estrenó una Segunda Sinfonía Electrónica (1972) y
al año siguiente subió al escenario de la Ópera de Hamburgo para la “
espacio-lumino-dinámico y cibernético” espectáculo Kyldex , firmado
conjuntamente con el artista visual Nicolas Schöffer y el coreógrafo Alwin
Nikolaïs (1973).
Se multiplican proyectos de gran envergadura, como
Futuristie, un homenaje al futurista italiano Luigi Russolo, compuesto para la
inauguración de la nueva sala del Théâtre national de Chaillot, en París en
1975, o incluso, para la Salle Favart (París). , Les Noces Chymiques, “ritual
de hadas” según el relato alquímico del siglo XVII de Jehan Valentin Andreae
(1980).
En 1982, con el escritor François Weyergans, adaptó El
paraíso perdido de John Milton, que representó en los jardines del Museo de la
Calzado en Romans-sur-Isère. Le seguirá un vinilo, en una versión firmada
conjuntamente con Gilbert Artman y el grupo Urban Sax: Paradise Lost (Philips),
¡otro “coleccionista”!
Al explorar vastos espacios al aire libre, tiene una gran
cantidad de oradores. En 2000, con motivo del XX Festival Internacional de
Piano de La Roque d'Anthéron, los Carrières de Rognes participaron en un
Concierto sin orquesta con el solista Nicholas Angelich. Liszt está en la
agenda, su piano enrarecido, sobrio y melancólico del último período, reflejando
la profundidad y el vértigo acuático de un lamento electrónico.
En julio de 2007, Utopía, una nueva creación para un lugar
excepcional, las Salinas Reales de Arc-et-Senans, construidas a finales del
siglo XVIII por el visionario Claude-Nicolas Ledoux.
Pierre Henry nunca había tocado tan de cerca la arquitectura
de un lugar, con sus sonidos de piedra, madera o metal chocando y fusionándose.
La luz es el tercer personaje de esta arquitectura abstracta que sugiere
Piranesi; se desliza por las piedras, mira una superficie y gira entre las
vigas. La tierra se eleva y exhala sus graves resonancias.
La naturaleza, una y otra vez, con la Historia Natural o las
Ruedas de la Tierra, probable respuesta al Apocalipsis reproducida en los más
diversos espacios, desde su creación en la Maison de la Radio en 1997, hasta el
grandioso emplazamiento de vidrio y hormigón de la Explanada de La Défense, en
agosto de 2007, pasando por el planetario de la Ciudad de las Ciencias de París
y en el Festival de Aviñón. Captada en disco, esta historia natural ecológica
refleja el interés del compositor por los sonidos y voces terrenales de todo el
mundo”.
El compositor también sabe ser el instigador de gigantescas
manifestaciones inspiradas en raves techno, como esta maravillosa Tam-Tam en la
plaza del Centro Pompidou, en 2000. Cerca de 4.000 personas vinieron a desafiar
la lluvia torrencial, jóvenes y mayores. Gorra en la frente, Pierre Henry, como
un capitán en plena tormenta, libra una lucha despiadada contra los elementos.
Sonriendo, se enfrenta. Levantamos el plástico que protege los parlantes y,
desde el corazón de la plaza, mezcla en vivo una nueva sinfonía de ritmos; la
tormenta se supera, aparece el sol…
Tras Tam-Tam, Pulsations vuelve a sus ritmos
característicos. Pierre Henry desdibuja sus fuentes a voluntad mientras se
divierte haciendo pastiches, como un ilusionista travieso... ¿Será este maullido
las vocalizaciones de un famoso cantante azteca? ¿Esta catarata, un río
caudaloso o un hilo de agua que brota de un grifo? ¿Este raspado proviene de
las entrañas de la Tierra o es la puerta de un viejo buffet? ¿Y esos gritos:
niños jugando cerca de la casa?
Después de todo, ¿no observaba él, a su edad, con una lupa y
captaba los gritos de los animales utilizando rudimentarios micrófonos de
contacto? ¿Y esta nueva versión, aún más explosiva, psicodélica y sexual, no
evoca la discoteca robótica engomada de Giorgio Moroder?
Grandioso y delirante Décimo Remix
Lógicamente, este aventurero sonoro, precursor del remix,
sólo podía dedicarse… ¡a reinterpretar sus propias obras! Después de la Misa
para el tiempo presente, retomó su Décima Sinfonía de Beethoven de 1979, creada
en el estudio Beethovenhalle de Bonn, presentándola en una nueva versión, en
París, en la Salle Pleyel, nueve años después. La obra conmociona al público
tradicional de la música clásica, impermeable a este Beethoven a la potencia de
10…
Una década después, volvió a reelaborar su partitura,
enriqueciéndola con ritmos actuales: “Un ritmo más rápido, con beats, trances
electrónicos, destellos desfasados, movimientos de filtro, adiciones de
frecuencia, duplicaciones de reverberación.» Esta vez, el éxito de este Décimo
Remix es impresionante y el resultado está a la altura del modelo, grandioso y
delirante. Sin embargo, Pierre Henry ya había utilizado la música de sus
colegas llamados "clásicos": Schubertnotizen, con motivo del
bicentenario del nacimiento de los vieneses, se divirtió con una schubertiade
entre Ravel, Debussy y Saint-Saëns, bajo la dirección de en forma de Frases en
Cuarteto (1994).
Desde entonces, ha ido vampirizando a algunos ancestros
gloriosos en toda amistad: Liszt con Concerto sans Orchestra (2000), Debussy
con Par les greaves (2002), Wagner con Drácula (2002), o el Renacimiento
italiano con un hermoso Carnet de Venise para La Folle Journee de Nantes, en
2002. Tres años después, esta vez en Amiens, el centenario de la muerte de
Julio Verne le sugirió Como una sinfonía, enviando a Julio Verne, una de sus
composiciones más fantásticas donde, después de Beethoven, disecciona, repite
en bucle y reúne fragmentos de las nueve sinfonías para "una acción
musical" capaz de evocar viajes extraordinarios y la carrera demente
alrededor del globo de Los personajes de Julio Verne.
Un vestido de luz cuyos pliegues crean espacios convexos y
reflejos convulsivos de una máquina de exploración del tiempo donde Pierre
Henry asocia el tiempo musical del sinfonista Bruckner con el tiempo histórico,
científico y premonitorio del novelista.
El mismo año, para la Cité de la Musique (París), ofreció
con Orphée desvelada una última relectura de una de sus obras más variadas –y
“escollo” de su colaboración con Pierre Schaeffer entre 1951 y 1953, enmarcada
por Voile( s) d'Orphée I y II (1953).
Bach, versión “ópera espacial” con El arte de la fuga Odisea
Nueva etapa de esta gran “ópera espacial”: Bach, aspirado,
comprimido y revisitado en una odisea del Arte de la fuga, creada en la iglesia
de Saint-Eustache como apertura del ciclo de siete conciertos “Obras de Liturgia”
durante el verano de 2011.
Las tiernas melodías del oboe, el instrumento favorito del
Cantor, pero también las frases de la orquesta, el órgano y la música de
teclado terminan en un contrapunto virtuoso, como el movimiento de los
derviches giratorios.
Pierre Henry toma prestada la formidable pistola neumática
de Mars Attacks de Tim Burton! y apunta a Bach. Bajo alta presión, se bombea,
se agita y se estrecha como el gas de la risa liberado a la atmósfera. ¿Bach
aeroelectrónico?
Paroxismos o el “África fantasma” de Roussel, Michaux y
Leiris
Paroxismos en 2012 encuentra el “África fantasma” de Raymond
Roussel, Henri Michaux y Michel Leiris, que inspiró al compositor siete años
antes para su Viaje iniciático (“Pierre Henry chez lui 3”). La obra fue creada
en Tasmania en enero de 2012 en condiciones muy especiales, ya que desde su
casa parisina en el distrito 12, Pierre Henry fue vinculado en dúplex por
imagen al festival Mona Foma de Hobart.
Un viejo fan del francés, Brian Ritchie, ex bajista del
grupo Violent Femmes y director artístico del festival, le ofreció una vez más
(siguiendo a Interior /Exterior) algunos sonidos: los extraídos de un
shakuhachi, una flauta japonesa. . Canto tribal desviado, mezclado con
secuencias de fonemas letristas e interrumpido por el repique de la sanza : todo está inmerso en materia orgánica
fundida. Driftwood, la mente vaga y se deja invadir por imágenes – dulce
posesión entre dos mundos…
El hilo de la vida, “Libro del principio y del fin”
¿Último giro o nuevo paso? La búsqueda de la paz interior
que desvela El hilo de la vida (2012) se sitúa bajo los auspicios de los
sinsontes. Del chirrido al silbido, el espacio natural pronto se funde en un
universo mecánico, impulsado por el inevitable movimiento de una rueda. Son
claramente los de una bicicleta o de un coche, pero ¿qué extraña sombra emerge
de ellos, goteando y amenazadora, la del “carro fantasma” que recoge las almas
de los difuntos, con un estrépito de huesos colgando?
Rodeado de fumarolas, el sonido parece amortiguado, envuelto
por la flauta japonesa de Brian Ritchie y lanzado por el gong sepulcral de
estas vallas australianas golpeadas por Jon Rose y Hollis Taylor. En esta noche
de tinta despierta el tercer ojo de la conciencia: una voz comatosa extiende
las palabras de un discurso incomprensible: “Un repique en la cabeza, un mantra
coral, vida…” Inmenso tambor cuyos timbres rebotan en el pensamiento, El Hilo
de la Vida es una linterna de los muertos cuyo misterioso vocabulario deriva
del ritual mineral y mágico de composiciones clave de los años 1970, Gymkhana,
Movimiento-Ritmo-Estudio y Piedras Reflejadas.
Nunca con Pierre Henry su pasado como percusionista estuvo
tan presente, en este encanto del metal y la piedra. Una vorágine orgánica
comparable a la de la Historia Natural, donde resuena la música de las tierras
más lejanas, desde África hasta el Lejano Oriente: el sincretismo de un mundo a
la vez humano, animal, vegetal y mineral: “Es el Libro del principio y el fin”,
el apasionante futuro de un demiurgo moderno.
Misa por el tiempo, Grand Remix
Incansable, aquí está de nuevo cuatro años después,
inclinado sobre su consola para Continuo, un encargo de la Cité de la
musique-Philharmonie de Paris, donde desenrolla nuevos hilos, los de un “tapiz
de temas sonoros”. Maceración de rodamientos de bolas, fricción de tambores,
respiraciones cónicas y llamadas salvajes: ¿la orquesta imaginaria del
compositor está dibujando un nuevo arco iris o está haciendo su última
reverencia? Sin embargo, el corazón de Continuo sigue latiendo más que nunca
cuando el compositor se estrene, los días 8 y 9 de enero de 2016 en la Cité de
la musique.
Otra gran sorpresa es que la icónica Misa del Tiempo Actual
vuelve en la segunda parte gracias a Hervé Robbe, antiguo alumno de Béjart. El
coreógrafo repite el baile original de 1967 (entonces tenía diez años) y,
después de un largo silencio, llega la segunda creación de la velada: el Grand
Remix de Messe pour le temps present.
Pierre Henry ha vuelto a revolucionar su biblioteca sonora;
El trance comienza de nuevo y continúa con nuevos remixes. Clonados, los
idiotas originales, ya revisados y
corregidos por el techno (Métamorphose
y Psyché Rock Sessions) luego
enriquecidos una segunda vez por su autor (Fantaisie Messe pour le temps
present) luchan en el escenario: “como recuerdos borrosos, arrebatos de
acontecimientos pasados ",
según Hervé Robbe.
¿Gran remezcla o gran éxito? Genial en resumen, ya que el
baile se reinventa constantemente, sacudiendo tanto los ritmos de Fantasy of
the Mass como los del Décimo Remix, como una fiesta rave de coeficiente 4,
expandida hasta el infinito.
Orquesta electropop
En 2015, su trabajo se le escapó… ¡pero para mejor! Thierry
Balasse y su compañía Inouïe recrean por el momento Messe en una versión para
instrumentos electrónicos, voces y orquesta pop que combina la grabación
discográfica con la banda sonora del ballet.
Dos años más tarde, los “paisajes oníricos” de su Drácula
fueron revisitados por un conjunto “clásico”, Le Balcon y su director Maxime
Pascal, en el Athénée. En 2002, su Drácula pretendía ser una "película
sonora" sin imágenes, guiada por la memoria de las películas de terror, en
particular las de Terence Fisher, así como por " Nosferatu de Murnau,
cautivada por el esplendor del blanco y negro y la misterio de sus intertítulos”.
La amplificación, piedra angular del edificio Pierre Henry,
es una de las especificidades del Balcón, ¿por qué no mezclar la original,
electroacústica, con una orquesta en vivo de una veintena de músicos?
De la mano de dos directores sincrónicos proporcionados por
Pierre Henry, Augustin Muller y Othman Louati, el Doc Frankenstein de esta
tormenta magnética, reviven una criatura de un nuevo género para orquesta
sonora y orquesta de altoparlantes. Drácula muere y resucita.
Fundido a
negro en The Note Alone, “One Night, One Life”
Antes de su muerte, el 5 de julio de 2017, había tenido
tiempo de completar, a medida que se acercaba su nonagésimo cumpleaños -y
aunque había perdido la vista-, con la ayuda de su asistente Bernadette Mangin,
varios encargos de la Filarmónica de París, Radio Francia. y el Ministerio de
Cultura.
Además de Fade to Black, están las creaciones de La note
Seul (septiembre de 2016/febrero de 2017), Grand Tremble (marzo de 2017) y
Multiplicity (octubre de 2016/abril de 2017).
Este último se creará con motivo de la Nuit blanche del 7 de
octubre de 2017 en la Cité de la musique de París, rebautizada para la ocasión
como “Homenaje a Pierre Henry, Una noche, una vida” donde, de 20.30 a 20.30
horas, se celebrará la Noche Blanca. 06:30 relevo Thierry Balasse, Nicolas
Vérin, Jonathan Prager y Adrien Soulier en la retransmisión de quince de sus
composiciones. Grand Tremblement y La Note Seul se presentarán por primera vez
en público durante el fin de semana de aniversario y homenaje a “Pierre Henry
(1927-2017), un pionero” en el Studio 104 de la Maison de la Radio de Paris (8
al 10/ 12/2017).
Demiurgo de un apocalipsis alegre
Entre estos homenajes póstumos, gracias a Ediciones Ona, se
encontraba una nueva versión de la Décima Sinfonía basada en la de Bonn (1979),
esta vez instrumental, retomando la madeja de notas recortadas y pegadas en su
momento en grandes paneles.
En noviembre de 2019, su creación reunió a ciento cincuenta
instrumentistas, setenta coristas, un tenor solista y tres directores
dispuestos en U en la sala modular de la Cité de la musique para una nueva
mezcla de sonidos, lo más tumultuosa y caótica posible. Sea el fuego beethoveniano, tan
exaltado como el gesto de Pierre Henry –
demiurgo de un apocalipsis gozoso que aplasta los temas para que nada se
detenga y que por el contrario todo se perpetúa hasta el infinito.
“El sonido a solas con mis pensamientos y lo que haré con
este sonido para siempre. Es a la vez un infierno... y algo extraordinario”.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con Psyche Rock.
